Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2018-06
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3565

СообщениеДобавлено: Пт Июн 22, 2018 11:03 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018062205
Тема| Балет, Академия русского балета им. А.Я. Вагановой, Персоналии, Николай Цискаридзе
Автор| Елена ФЕДОРЕНКО
Заголовок| Николай Цискаридзе: «Долго не мог представить себя в роли ректора»
Где опубликовано| © «Культура»
Дата публикации| 2018-06-21
Ссылка| http://portal-kultura.ru/articles/person/210345-nikolay-tsiskaridze-dolgo-ne-mog-predstavit-sebya-v-roli-rektora/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

На Исторической сцене Большого театра прошел концерт, посвященный 280-летию со дня основания Академии русского балета имени Агриппины Вагановой и совпавший с празднованием 200-летия со дня рождения великого хореографа Мариуса Петипа. В первом отделении юные петербуржцы показали фрагменты из балетов Петипа: «Пробуждение Флоры», «Танцы часов» из оперы «Джоконда», «Наяда и рыбак». Ученики Московской академии исполнили па-де-де из «Корсара». Поздравляли старейшую русскую школу посланцы Дании и Японии, Италии, Германии и Кореи. В сольных партиях пышного акта из «Пахиты» вышли артисты Большого театра — питомцы Петербургской академии разных лет. Накануне торжества ректор Вагановки Николай Цискаридзе пообщался с корреспондентом «Культуры».


Фото: Антон Денисов/РИА Новости

культура: Ваше назначение на пост ректора Академии балета имени Вагановой сопровождалось бурными обсуждениями, мол, пришел в чужой монастырь со своим уставом. Как решились?

Цискаридзе: Предложение я получил почти за год до назначения и долго не мог себя представить в этой роли. Смиряло, что в отличие от родной московской школы, где мне известны возможности каждого, в вагановской я практически никого не знал, за исключением нескольких человек. Шел к незнакомым людям без груза какого-либо опыта прежних общений. Решился после глубокого и содержательного разговора с Владимиром Владимировичем Путиным. Меня поразило, насколько досконально он осведомлен о состоянии дел, как скрупулезно вникает во все нюансы балетного образования. Он не просто говорил — ты должен пойти посмотреть, а, упомянув про жалобы и нарекания, четко определил задачи, какие надо решить, чтобы восстановить престиж Академии, добиться высоких результатов. «Думаю, ты сможешь это сделать», — заключил президент, и я принял решение, хотя прекрасно понимал, что просто — не будет. Догадывался, какой поднимется крик, да и устал от газетной брани. Но подумал — какая разница: собака лает, ветер носит. Я иду работать и сделаю все, что по силам.

культура: У Вас же не было опыта руководителя, да еще и такая ответственность — работать с детьми. Что на практике оказалось таким, каким Вы предполагали, а что неожиданно удивило?

Цискаридзе: Опыт был. Я работал в МГАХ, постоянно репетировал, восстанавливал «Классическую симфонию» Леонида Лавровского еще в 2004 году. Что касается Вагановской академии, то я знал ее проблемы досконально. 18 сезонов танцевал в Мариинском, и часто мое пребывание в Петербурге совпадало с концертами воспитанников или с показами «Щелкунчика». Видел выступления учеников. Самое же первое предложение возглавить Академию получил в дни ее 275-летия, тогда в Музыкальном театре имени Станиславского и Немировича-Данченко прошел юбилейный концерт. Зрелище оказалось печальным, и я встрепенулся: счастье, что отказался. Про балетное образование там все понимал, но не ждал стольких проблем со стороны административно-хозяйственной части. Когда принимал дела, проходила проверка, выявившая финансовые нарушения. Сильнее всего потрясло, как жили интернатские дети, как с ними обращались, как руководство вело себя с иностранцами. Клянусь, такого равнодушия не мог себе представить, я-то получал образование в период, когда во главе московской школы стоял выдающийся, с моей точки зрения, руководитель — Софья Головкина. На моем столе в кабинете — ее портрет, она для меня пример и администратора, и педагога, но прежде всего — человека. Потом мы дружили, и я видел, как фантастически точно Софья Николаевна разруливает, говоря сегодняшним языком, сложные ситуации.
В Питере внезапно свалились проблемы с последствиями ремонта. Благодаря губернатору Валентине Матвиенко он состоялся до моего прихода. Но те, кто следил за процессом, допустили халатность. Многое пришлось переделывать. От себя же не ожидал, что смогу настолько сильно изменить собственную жизнь: управлять огромным хозяйством, разбираться с шестью сотнями учеников, работать днями напролет.

культура: Да и жить на два города, наверное, нелегко?

Цискаридзе: Я служу в Питере, а живу в Москве, куда приезжаю каждые выходные — по субботам и воскресеньям.

культура: Разве суббота не учебный день?

Цискаридзе: В 12.45 заканчиваю урок и сразу сажусь на дневной поезд. К вечеру уже дома.

культура: Завершается Год Петипа. Что сделано?

Цискаридзе: Во-первых, благодаря мне этот юбилей празднуется. Дело в том, что у балетного образования много проблем, и мне хотелось обратить на них внимание государства. На заседании кафедры балетоведения, — кстати, ее уничтожило предыдущее руководство, а я восстановил, — обсуждали вопрос о том, как Академия отметит грядущее 200-летие Петипа. Решил, что это отличный повод адресоваться к Георгию Полтавченко, губернатору Петербурга. Он поддержал мою идею и обратился к Владимиру Владимировичу. Буквально через две недели президент подписал указ о том, что нынешний год на государственном уровне объявляется Годом Петипа. Тогда к торжеству примкнули театры, библиотеки, музеи, школы — и это замечательно. Я же начал бороться за увековечение памяти великого хореографа. На здании Академии на улице Зодчего Росси появилась мемориальная доска, где начертано, что здесь с 1847 по 1905 год служил во славу русского балета Мариус Иванович Петипа. На открытии Олег Михайлович Виноградов сказал, что он 23 года пытался этого добиться, когда руководил балетной труппой Кировского-Мариинского театра. Сейчас неподалеку от Мариинки подыскивают место для сквера, где будет стоять памятник Мариусу Ивановичу. Счастлив, что имею к этому непосредственное отношение. Под эгидой юбилея прошли конференции, лекции, выступления. Наш выпускной — тоже.

культура: Пополнили школьный репертуар наследием Петипа?

Цискаридзе: Да, восстановил «Наяду и рыбака» и сделал новую хореографическую редакцию «Танцев часов» из оперы «Джоконда». В нашей афише — «Пробуждение Флоры», в прошлом году мы с Юрием Бурлакой подготовили третий акт «Пахиты». Аутентичность — это выдумки и мечты. Записи ничего не передают — поверьте, я поднимал огромное количество документов. Недавно мы отмечали 150-летие танцовщика, педагога и балетмейстера Александра Ширяева, который когда-то возрождал «Наяду и рыбака». В мемуарах он писал, что помнит хореографию, общий рисунок танца и построение групп приблизительно. Петр Гусев, уже в советское время, предложил вариант «по Ширяеву». Воспоминания Ширяева, к слову, мы сейчас готовим к изданию, которое должно было состояться давно, но работу над публикацией прервала Великая Отечественная война, остались только сигнальные экземпляры.
«Танцы часов» я видел в детстве в исполнении Пермского хореографического училища и тогда спросил своего педагога Петра Пестова, правда ли, что так, а не иначе поставил Петипа. Пестов ответил, что во время войны эвакуированные в Пермь ленинградские артистки показали такой вариант. Я поднял документы и узнал, что редакция начала XX века принадлежала Клавдии Куличевской, она тоже основывалась на своей памяти. По описаниям Петипа, солистов в «Танцах часов» первоначально не было, гораздо позже появились и поддержки. Мы с педагогами сидели в зале, когда я готовил «Танцы часов» и понимал — вот этой комбинации верю, а этой — нет, она не может принадлежать Петипа. Все танцуют по-разному, и каждый балет — это вольная редакция классики.

культура: Какие идеи Петипа Вам дороги?

Цискаридзе: Само построение спектакля: парадный выход кордебалета, солистов. Определенные законы, по которым он сводил и разводил все группы. По правилам императорской сцены артисты могут повернуться только так, чтобы не оказаться спиной к публике. Дорога мне и идея гранд балета. Люблю красивые, пышные спектакли и не приемлю версий Петипа без бутафории, декораций, превращений, машинерии, аксессуаров.

культура: Понятно, что акцент обучения в Академии поставлен на классике. Техники современного танца преподаются?

Цискаридзе: Уделяю этому направлению не очень много внимания по одной простой причине — если в классическом балете мне понятно, сообразно программе, что такое хорошо и что такое плохо, то в современном танце четкой методики нет. То, что нужно для балетов Форсайта, абсолютно неважно для языка Килиана или Бежара. Другое дело, что есть базовые навыки — умение группироваться, выполнять «перекаты и переходы», правильно выходить из прыжка. Этому, конечно, мы учим и основываемся на западном опыте. Я консультировался со многими европейскими педагогами и понял, что на последнем году обучения, как у нас было заведено, обращаться к основам современного танца поздно — классика уже «закрепощает» тело. Я «опустил» дисциплину современного танца на уровень средних классов. Приглашаю преподавать тех, кто работает в иностранных труппах. Например, своего одноклассника Сашу Зайцева, который всю творческую жизнь был премьером Штутгартского балета. Его знаниям и мастерству полностью доверяю.

культура: Московский и петербургский балетные стили — исторический миф или реальность?

Цискаридзе: Не миф и не реальность, а данность. Двум сценам — Большого и Мариинского — доступна разная амплитуда движений. Вот пример. В финале «Спящей красавицы» — одинаковое количество артистов, только в Большом — на 500 квадратных метрах, а в Мариинском — на 300. Две абсолютно разные сценические площадки, с разным расстоянием до зрителя. Не только танцы, но и грим меняется. Великая Уланова подробно рассказывала, как, оказавшись в Москве, пересматривала все свои роли, переделывала жесты и «внешность», чтобы они «читались».

культура: Считаете, что широта московского танца и аккуратность петербургского связаны с размерами сцены?

Цискаридзе: Конечно. Голубую птицу я танцевал в Большом и Мариинском. В финальной мазурке мы с принцессой Флориной — у кулисы с правой стороны. Если в Большом у нас есть возможность продвигаться, то в Мариинском мы делали движения «под себя», изображая, что скользим, на одном квадратном метре.

культура: Не обидно ли, что выпускники Вашей академии уезжают в Москву?

Цискаридзе: Академия — не моя, а государственная. С первой секунды обозначил, что не буду иметь никакого отношения к решениям выпускников. Если они меня спрашивают, какую труппу предпочесть, не даю совета. Честно отвечаю только на конкретные вопросы. Выбор они делают сами. Все клянутся в любви к великому городу, сцене Мариинского театра, но первым делом отправляются на просмотры в Москву.

культура: Что это за тенденция?

Цискаридзе: Тянет в столицу. Так было и в XIX веке. Каждый московский артист мечтал о зачислении в труппу Мариинского, ведь Петербург был главным городом.

культура: Тогда в ведомство единой Дирекции императорских театров входили и Мариинский, и Большой. Первый занимал лидирующее положение, а московский, говоря сегодняшним языком, был филиалом.

Цискаридзе: Сейчас это — два разных города, два разных театра. Я никогда не видел ни одного человека, кого позвали бы в Большой, а он не пошел. Все это разговоры, что якобы звали, а он отказался. Просто боролись за это место, выторговывали себе определенные условия, и не всегда получалось.

культура: Многие учебные заведения выживают за счет воспитанников, обучающихся на коммерческой основе. У Вас они есть?

Цискаридзе: Со стороны Министерства культуры есть рекомендация, разрешение на то, что мы можем набирать «платных» учеников. Мы этого пока не делали. Объявили сейчас такой набор для эксперимента, но не знаю, будет ли он, до августа еще есть время. И я, и педагоги считаем, что искусству балета могут учиться исключительно те, кто обладает способностями. Поток поступающих за то количество лет, что я ректор, сильно увеличился, но, к сожалению, талантливых детей с каждым годом все меньше. Многие и, как правило, с хорошими данными, «срезаются» на втором, медицинском туре, а мы не имеем права принимать детей ослабленных. Правда, одаренных всегда было немного, и не надо забывать, что житницы талантов — Украина и Грузия — практически недоступны.

культура: Портрет идеального выпускника?

Цискаридзе: Способный, с крепким здоровьем и желанием к самосовершенствованию, ментальному и физическому.

культура: У Вагановской академии появилась школа-спутник во Владивостоке. Вы ею тоже руководите?

Цискаридзе: Конечно, это же филиал. Там есть директор, штат сотрудников, работают педагоги из Академии, я часто туда езжу, как и наши методисты. Уже завершился третий набор учеников. Пока филиал живет сложно, потому что нет своего здания, находимся на сетевом обучении, то есть снимаем помещение.

культура: Но во Владивостоке построено здание Мариинского театра...

Цискаридзе: Какое оно имеет отношение к школе? Мариинский театр и Академия — разные юридические лица.

культура: Из-за ректорской должности Вы реже появляетесь на телевидении?

Цискаридзе: Вы, видимо, как и я, нечасто смотрите телевизор. Мне-то говорят, что я не слезаю с экрана.

культура: Тогда сформулирую иначе — почему «не слезаете»?

Цискаридзе: Потому что есть обязанности, которые давно на себя взвалил и их выполняю. Я ведущий канала «Культура», постоянно участвую в очень важном конкурсе юных талантов «Синяя птица», никогда не отказываю друзьям — продюсерам, ведущим, режиссерам. Если позволяет расписание, всегда прихожу на передачи.

культура: Ваше отношение к фильмам, раскрывающим тайны балета?

Цискаридзе: Не участвовал ни в одном из них, хотя приглашали. С одной стороны, хорошо, что жизнь балета интересует публику. С другой — есть вещи оскорбительные. Не хотел видеть мой родной Большой театр под названием Вавилон и отказался от участия в этом фильме. Правда, его создатели все равно меня туда включили.
Про Нуреева снимаются картины — художественные, документальные, полудокументальные. Со мной консультируются, а потом смотрю на скудный результат и удивляюсь — вроде все рассказал, показал, объяснил, почему же переврали? Сколько раз я показывал папку «Дело Нуреева», там много разных интересных нюансов.

культура: Британский режиссер Рэйф Файнс, завершающий сейчас картину о Рудольфе, тоже приходил к Вам?

Цискаридзе: Да, и задавал много вопросов, и смотрел документы, весь подготовительный период пройден вместе, многие сцены он снимал у нас в школе, советовался по всем моментам, включая кастинг. Я уговорил его сыграть роль очень важного человека в жизни Нуреева.
В Академии бывала и вся съемочная группа «Матильды». Наши стены «рассказывают» о первой встрече Матильды Феликсовны и цесаревича Николая Александровича — можно пройтись по коридору, зайти в театр, увидеть, где они обменивались взглядами. Все доступно — вот оно, пожалуйста, только придите. Мы в этом году совместно с Бахрушинским музеем выпускаем книгу, в нее войдут дневники Кшесинской, которые хранятся у них, и документы из фондов нашей Академии. Матильда Феликсовна — интересный персонаж в истории человечества, а не только балета, и ее записи — большая ценность.
В фильм «Большой» тоже внес свою лепту. Алиса Фрейндлих три месяца, как на работу, ходила в школу, в разные классы, наблюдала, делала пометки. Потом сидели с ней дома и прорабатывали каждую фразу ее героини — балетного педагога. Я ей показывал, как бы произнесла реплику Семенова, как — Уланова, как бы они среагировали на ситуацию, как бы вошли в зал.

культура: Помню, Вы сказали, возглавив Академию: приезжайте, журналисты, и на уроки, и в библиотеку, и архивы посмотреть. Все — в силе?

Цискаридзе: Да, никому не отказываю, двери открыты, всегда предоставлю материалы для всех, у кого есть желание сделать что-то достойное, пожалуйста. Мне не жалко, лишь бы пошло на пользу: чем больше будет правдивой, настоящей информации — тем лучше.
Все документы, которые находим, мы пытаемся опубликовать. Только что выпустили книгу, посвященную 280-летию школы, перебрали невероятное количество мемуаров, где описываются ежедневная жизнь, быт, нравы учебного заведения. Артисты вспоминают годы детства, игры и разговоры, пишут, кто хорошо учил, кто похуже, рассказывают, как их возили в театры, как распределялись места в спальне. Оказывается, в Императорском театральном училище существовала узаконенная дедовщина, старшие ученики всегда пороли младших.
Изданы три книги, посвященные Николаю Легату, в том числе написанная его рукой «История русской школы». Вышла в свет летопись петербургского балета: шесть томов, подробные описания спектаклей — от самого первого до премьер 2000 года. Мемуары педагога Энрико Чекетти, долго работавшего в России, переведены на русский язык по моему заказу. Когда готовил военную книгу, посвященную блокаде и эвакуации, то читал дневники, воспоминания — прорыдал много вечеров. Воспринимать эти документы без ощущения ужаса — невозможно. Школа работала в блокаду в ежедневном режиме, кто-то из учеников тех страшных лет у нас преподает. Всех мы собрали в дни 70-летия освобождения города. Устроили праздник. В зале, где проходили занятия в тяжелые военные годы, открыли мемориальную доску. Историю забывать не следует.

ФОТО на сайте
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
olean_a
Активный участник форума
Активный участник форума


Зарегистрирован: 19.06.2016
Сообщения: 456
Откуда: Toronto

СообщениеДобавлено: Вс Июн 24, 2018 5:59 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018062301
Тема| Балет, НОУ, Персоналии, Екатерина Кухар
Автор| Ірина Голіздра
Заголовок| Прима-балерина Екатерина Кухар: "Внешний вид артиста – 50% успеха"
Где опубликовано| Українська Правда. Жизнь
Дата публикации| 2018-06-23
Ссылка| http://life.pravda.com.ua/culture/2018/06/23/231701/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Благодаря ее имени интерес к балетному искусству в Украине вырос.

Прима-балерина Национальной оперы Украины Екатерина Кухар востребована не только в родной стране, но и за рубежом. Эта встреча – итог нескольких месяцев переговоров с пресс-аташе балерины.

Сначала она была занята на репетициях перед премьерой нашумевшего балета "Дети ночи", потом гастроли в Швейцарии, после – занята в США, затем в Киеве танцевала "Жизель" и "Спартак" с приглашенными артистами Ла Скала и Бостон балета.

В интервью "УП.Жизнь" Екатерина Кухар рассказала о партнерах на сцене, о том, какая роль повлияла на ее жизнь, и от чего приходится отказываться артистам балета.

– В марте вы получили звание народной артистки Украины. Насколько это для вас важно? Ведь некоторые артисты считают подобные регалии пережитком советской эпохи, но не видят пока иной альтернативы.

– Когда я узнала о присвоении звания, не скрою, было очень приятно.

Для меня народный артист – это, в первую очередь, тот, кого знает и любит публика. Если государство оценивает твою работу – это двойная радость.

Хотя за границей нет званий. За рубежом артиста узнают только по фамилии – это главный козырь.

– Выступая за границей, что для вас в приоритете – статус мировой сцены или фамилия партнера?

– Большое значение имеет уровень профессионализма партнера, с которым я танцую на сцене. Мне повезло в том смысле, что мой педагог – Валерий Ковтун, которого Майя Плисецкая называла лучшим партнером, всегда говорил:

"Чтобы не случилось в дуэтном танце, всегда виноват партнер".

Он превозносил женщину в балете.

Поэтому я всегда очень требовательна к партнерам по сцене, потому что знаю все нюансы дуэтного танца и хочу быть уверена, что ничего не случится.

– Что вы имеете в виду?

– Бывают партнеры, которые в дуэтном танце ведут себя как нарциссы и не считают нужным бережно ставить партнершу после определенных поддержек.

В итоге балерина больше устает и может травмироваться.

У меня был единственный такой случай и, надеюсь, последний.

Я ценю надежных партнеров по сцене.

Для меня идеальный партнер – мой муж Александр Стоянов.

Уверена, что он сделает все как надо, что дает мне возможность сосредоточится на своем образе, более глубоко раскрыть характер персонажа в спектакле, тем самым отдавая больше энергии в зал.

– Почему в большинстве случаев получается, что стоит артисту уехать из Украины, он там становится известным, а в родной стране его не ценят?

– Известными становятся не многие. Нам не рассказывают те случаи, когда люди уехали из Украины, и их карьера не сложилась.

Все зависит от человека, его характера. Очень большую роль в судьбе актера, как и любого человека, играет везение.

Яркий пример – украинский артист балета Сергей Полунин, который выступает на лучших мировых сценах, снимается в голливудских фильмах.

Есть много талантливых артистов балета, танцующих на высоком уровне, но в силу разных обстоятельств о них мало кто знает. Возможно, мало хорошо танцевать, важно быть еще и интересной личностью.

В то же время, несмотря на медийную популярность, сам Сергей не раз жаловался в интервью, что артисты балета, что в Лондоне, что в Киеве, живут почти одинаково и в достаточно стесненных условиях.

Но, на мой взгляд, это больше относится к артистам кордебалета.

У ведущих артистов балета возможностей гораздо больше, хотя в каждом театре есть свои нюансы.

Наверное, поэтому, когда заканчивается контракт за рубежом, и иностранные гости становятся никому не интересны, они пытаются вернуться в Украину и закрепиться здесь, на родине, на руководящих должностях. Значит не так-то у нас все и плохо!

– Когда Полунин презентовал фильм в Киеве осенью 2017 года, говорил о том, что намерен популяризировать балет. В чем нуждается балет в Украине?

– Два основных фактора влияют на развитие балета. Первое – талантливые личности в искусстве: артисты, хореографы-постановщики, композиторы, художники декораций.

Второй фактор – финансирование. Чтобы наш балет и дальше находился среди лидеров, его необходимо поддерживать на государственном уровне.

Балет – очень дорогой вид искусства.

Национальной опере сложно, но возможно конкурировать с такими гигантами, как, например, Нью-Йорк Сити балет, Ла Скала в Милане.


В эти города приезжает ежедневно невероятное количество туристов – это одни из самих посещаемых уголков в мире.

Поэтому эти театры могут себе позволить ставить высокую цену за билеты и делать новые дорогостоящие постановки.

К тому же, балет в этих странах поддерживается на государственном уровне в течение десятилетий.

О театрах пишут книги, снимают кино. Например, "Призрак оперы" о Парижском театре или мультик "Балерина", который вышел в прокат в прошлом году и пользуется невероятной популярностью у детей.

Девочки после этого мультика мечтают стать балериной и танцевать "Лебединое озеро" в Гранд Опера.

Эти ходы очень помогают развитию театра и увеличивают интерес к искусству.

Помогает пресса и телевидение, когда журналисты поддерживают наши мероприятия, люди проявляют огромный интерес к таким новостям.

Чтобы достойно представлять Украину на зарубежных гастролях, нужно вкладывать финансы в новые масштабные постановки.

Самые могущественные государства, в первую очередь, пишут свою историю в книге искусств.

– Вы хотели бы переехать жить в другую страну?

– Я люблю путешествовать, но еще больше люблю свою страну.

Не представляю жизнь без Киева, родного театра и дома.

Конечно, были заманчивые предложения остаться в США, Швейцарии и других странах, но мы – я и семья – хотим быть здесь.

– Насколько публика отличается в Украине и за рубежом?

– Везде есть какие-то особенности восприятия балетного искусства. Когда мы были в Италии со спектаклем "Дон Кихот", то не успели выйти на сцену, сразу же зал взрывался аплодисментами, кричали "Браво!".

Когда были в ОАЭ, в Омане, показывали "Золушку", у нас весь спектакль прошел в абсолютной гробовой тишине.

Мы уже начали волноваться, почему такая реакция. Но в финале нас ждал шквал аплодисментов.

Кстати, перед гастролями в Оман многим артистам переделывали костюмы – удлиняли пачки девушкам, парням шили штаны вместо обычных трико.

В Японии зритель всегда после спектакля ждет автограф.

Выстраивается такая очередь, что на это уходит несколько часов! У них еще есть традиция дарить небольшую салфетку-полотенце.

– Какой подарок от зрителя за последнее время вас удивил?

– Недавно поклонник из-за рубежа прислал большую картину из пластилина. Это фрагмент из спектакля "Мастер и Маргарита".

Признаюсь, была в восторге. Не представляла, что из пластилина можно сотворить такое красивое полотно.

– Многие отмечают, что за последние годы украинский зритель изменился, стал более активно ходить в театр. Вам это заметно?

– Еще в 2013-14 годах, когда происходили трагические события на Майдане, театр закрывался только на один день.

Мы думали, что будут полупустые залы, но этого не было.

Зритель приходил в театр в этот тяжелый период, чтобы получить вдохновение, глоток надежды и душевное успокоение.

Сейчас зритель активно ходит в театр. Причем разного возраста.

На моих спектаклях это и маленькие девочки, мечтающие стать балеринами, и молодежь, и старшее поколение.

Недавно на служебном входе в театре одна пожилая женщина пришла, надеясь увидеть меня, и оставила букетик полевых цветов.

Это меня очень растрогало, но, к сожалению, она никаких контактных данных не оставила.

Мне очень приятно, когда дарят цветы и подписывают открытки, от кого букет – это важно. Интересно, с какими цветами я ассоциируюсь у зрителей.

Очень трогает, когда пишут спасибо за то, "что благодаря вам я пришел в оперный театр". Такие сообщения вдохновляют.

Недавно ребенок прислал написанную им картину, на которой изображена балерина, и попросил, чтобы я оставила автограф.

– Вы за границей не только выступаете, но и участвуете как член жюри на детских конкурсах. На что обращаете внимание?

– На конкурсах мне хватает двух минут, чтобы оценить артиста. После первого тура, любой, кто не допущен ко второму, имеет право подойти ко мне и узнать – почему он не прошел дальше.

Несмотря на то, что конкурс длился с 9 утра до 23 вечера, и трудно запомнить всех исполнителей, я всегда объясню человеку, над чем ему еще стоит работать, чтобы в следующий раз выступить лучше.

Как правило, во время выступления конкурсанта записываю для себя, в чем его сильные и слабые стороны.

Перед нами выступают дети, поэтому важно дать правильный совет, чтобы ребенок не потерял веру в себя.

Бывает, ребенок демонстрирует хорошую технику, но ему не хватает музыкальности или внешней эстетики.

Ведь балет – это прежде всего искусство эстетическое, и внешний вид артиста – это 50% успеха.

Зрители приходят в театр, чтобы получить усладу для глаза.

Оценивая артиста на конкурсе, для меня важен симбиоз – гармоничное сочетание внешних данных с техникой исполнения, драматизмом.

– Насколько для артистов балета важна харизма?

– Харизма очень важна для артиста, но она чаще всего больше раскрывается в спектаклях.

Редко кто может на конкурсе за минутную или двухминутную вариацию взять зал своей энергетикой.

– Какие спектакли вам ближе по жанру?

– Драматические. Для меня они имеют невероятную ценность. В начале карьеры я в буквальном смысле "хваталась" за все партии.

Последние 5-7 лет чувствую потребность именно в драматических спектаклях. Это закономерный процесс.

Когда актер становится зрелым, он понимает, какие роли ему близки по духу.

Одного вдохновения мало, необходимо вдохновение образованного духа.

Дух, который знает линию персонажа и раскрывает эти переживания осознанно и глубоко.

Для меня важно, чтобы в спектакле было развитие конфликта, духовная и психологическая составляющие в характере персонажа.

Конечно, такие роли требуют от актера тщательной подготовки, но в разумных пределах.

Известно, что русская прима-балерина Ольга Спесивцева, готовясь к партии в балете "Жизель", много времени проводила в доме для душевнобольных.

И впоследствии она провела 20 лет в психиатрической лечебнице.

– В вашей карьере были роли, которые повлияли на жизнь?

– Да. В свое время мой педагог Элеонора Михайловна Стебляк, благодаря предложению станцевать партию Джульетты, вытащила меня из глубокой бездны депрессии.

Свои переживания, боль я смогла перенести на сцену в образе Джульетты.

– Жизнь артиста, тем более балерины, достаточно сурова. В чем приходится отказывать самой себе?

– В каждой профессии есть свои особенности. Все зависит от настроя. Если бы мне в детстве сказали родители: "У всех деток много свободного времени, а у тебя, бедненькой, одни репетиции с утра до вечера в балетной школе", я бы с ужасом об этом думала и после каждой репетиции жаловалась бы на жизнь, жалела бы себя так далее.

А у меня была другая установка, что это норма. Поэтому этот образ жизни и нагрузку я воспринимала как должное.

Сейчас уже, будучи взрослой, считаю, что этот режим решает важную проблему – направление энергии ребенка в правильное русло.

Ребенок не валандается без дела, а развивается и учится достигать каких-то целей, с детства воспитывается характер.

С другой – такие дети растут, словно "комнатное растение".

Когда начинается взрослая жизнь, возникает проблема выбора: балет или жизнь как у всех.

Если у тебя выходной, то в театре он выпадает на понедельник, а суббота и воскресенье – спектакли.

Новогодние праздники – то же самое. У меня с первым мужем тоже были конфликты на этой почве – он хочет отдохнуть на выходных, а у меня работа.

Если артист пропускает день-два, он делает два шага назад.

Если ты уезжаешь на отдых на неделю, то потом стоит колоссальных усилий привести себя в форму.

Особенно этот вопрос остро стоит перед балеринами. В театре немало девушек, которым 35+, и они до сих пор не решились уйти в декрет.

Потому что каждая артистка балета, особенно прима, понимает, что рождение ребенка может повлиять на тело до такой степени, что есть риск уже больше не вернуться на сцену.

Это индивидуальные особенности изменения гормонального фона. Ведь незаменимых в балете нет.

Для меня априори невозможно выйти на сцену, даже после декрета, пока я не привела себя в прежнюю форму.

Артист – это стимул и пример для подражания, поэтому за собой нужно всегда тщательно следить и держать себя в тонусе.

– Вы для себя уже знаете, где гармония между семьей и карьерой?

– Мой главный "рецепт" – мой муж (улыбается), который меня поддерживает во всем.

Каждый мужчина, который живет с примой, должен понимать, что он – это ее помощник и опора.

Я благодарна Саше, что мы все с ним можем делать вдвоем: и танцевать, и отдыхать, и готовить. Глубоко уверена, что если мужчина любит женщину, то все сделает ради нее.

Ірина Голіздра, спеціально для УП.Життя

Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Камелия
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 08.10.2013
Сообщения: 1681
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Июн 25, 2018 9:32 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018062501
Тема| Балет, Персоналии, Алиев, Петкова, Хаджитанев
Автор| Александр Фирер
Заголовок| «Корсар» по-болгарски
Где опубликовано| © Журнал «Музыкальная жизнь» №6 (1187)
Дата публикации| 2018 июнь
Ссылка| http://mz.kmpztr.ru/
Аннотация| Гастроли Балета Софийской оперы

В рамках грандиозных московских гастролей Софийского национального театра оперы и балета его балетная труппа показала на Новой сцене Большого театра двухактный спектакль «Корсар»

Болгарский национальный театр оперы и балета, всемирно известный под названием Софийская опера, ведет свою историю с 1908 года. В 1928 году к театру присоединилась балетная труппа. Первым ее спектаклем стала «Коппелия» в постановке Анастаса Петрова, который в 1937 году создал и первый национальный балет «Змей и Яна» по болгарскому эпосу.

Софийский балет развивался с оглядкой на русский (обучение в софийской балетной школе и ныне базируется на методике Вагановой) и с активным привлечением наших специалистов в советскую эпоху. С середины XX века балетная Болгария напоминала о себе в танцевальном мире проведением летних варненских оупен-эйр-конкурсов артистов балета у Черного моря, на которых отметились многие танцовщики, ставшие впоследствии звездами мирового балета.


"Оживленный сад"

Визит в Москву софийской труппы тридцать семь лет спустя со времени ее прошлых гастролей дал пищу для сравнения достижений с былым болгарским балетом эпохи социалистического блока. Оно не в пользу нынешней труппы, немногочисленной и профессионально сделавшей шаг назад. Гости показали спектакль «Корсар». По сюжету, радикально не менявшемуся со времени его создания (середина XIX века), в этом приключенческом балете похищенную корсаром Конрадом невольницу Медору с помощью обмана и предательства возвращает к себе ее владелец Исаак Ланкедем и продает Сеид-паше. Влюбленный в Медору корсар с друзьями проникают во дворец паши на берегу Босфора, освобождают пленницу, и Конрад бежит с ней на корабле, который терпит крушение. Медора и Конрад спасаются, достигая прибрежной скалы.

Балет «Корсар» ведет свою бурную жизнь с 1856 года, когда Жозеф Мазилье поставил его в Зале Лё Пёлётье (Théâtre impérial de l’Opéra). Адольф Адан написал к нему музыку, которая отражала романтическую напряжённость хореографического действия, иллюстрирующего сюжетные линии поэмы Байрона. В Россию «Корсар» добрался уже спустя два года в оркестровке Цезаря Пуни и в постановке Жюля Перро: столичная петербургская публика рукоплескала эффектной финальной сцене морской бури с крушением корабля. Молодой Мариус Петипа танцевал главную мужскую роль отважного корсара Конрада. В 1858 году Петипа добавил в этот балет вставной номер Pas d’esclave на музыку принца Ольденбургского, а в 1863 году он осуществил свою постановку «Корсара», для которой через пять лет сочинил знаменитую картину «Оживленный сад». Партитура опуса пестрит почетным списком балетных композиторов: Адольф Адан, Лео Делиб, Цезарь Пуни, Петр Ольденбургский, Риккардо Дриго, Юлий Гербер, Альберт Цабель. А к хореографическому тексту помимо Жозефа Мазилье, Жюля Перро и Мариуса Петипа приложили руку десятки постановщиков, старавшихся и не очень старавшихся сохранить хореографический рисунок оригинала. В общем балет за всю свою долголетнюю историю подвергался и подвергается разного рода добавлениям, изменениям, иногда уместным и часто неуместным, порой неценным по художественной значимости. Авторами знаменитого па де де считают Самуила Андрианова, Александра Чекрыгина и Вахтанга Чабукиани, который в мужскую партию привнес атлетичность и виртуозность. Танцовщики XX века добавляли в мужские вариации новые технические трюки. В 2007 году блистательно отреставрировали в Большом театре балет «Корсар» Алексей Ратманский и Юрий Бурлака. О танце с веерами Ратманского Майя Плисецкая с восхищением отозвалась: «это даже лучше, чем Петипа».


Марта Петкова - Медора, Никола Хаджитанев - Конрад

Создатели болгарской версии балета – хореограф Эльдар Алиев, экс-солист ленинградского Кировского театра, сценограф Семен Пастух и художник по костюмам Галина Соловьева, бывшие оформители в МАЛЕГОТе. В начале девяностых они уехали в США. Пастух и Соловьева стали командой единомышленников-соавторов с Алиевым, который в Индианаполисе внедрял классический балет в массы. Поставленный там в 2005 году «Корсар» авторы перенесли через десять лет во Владивосток на Приморскую сцену Мариинского театра. А уже оттуда он попал в 2017 году и в Софию. Спектакль ловко сбит по упрощенным клише вампучных советских редакций классических балетов. Радикальные изменения претерпело либретто, лапидарно переписанное Алиевым, упразднены некоторые мизансцены и сюжетные линии, сокращен состав исполнителей и персонажей (например, Бирбанто), вольно перетасована партитура, обеднел хореографический текст и пантомима. Алиев адаптировал спектакль под возможности труппы и небольшое количество артистов. В «Оживленном саду» занял двенадцать артисток и четыре солистки (у Петипа в этой сцене участвовали восемьдесят, а у Ратманского – шестьдесят восемь человек). Хореограф, оставив не так много от Петипа, все-таки цитирует его в трио одалисок и танце корсаров. Знаменитое па-де-де он перенес в третий акт, сделав его свадебным. «Оживленный сад» стал сном-грезой Конрада о пленнице Медоре.

Семен Пастух превратил сцену в живописный и цветастый восточный базар с коврами, гарем увесил интригующими занавесами, а пещера корсаров походила на экспозицию чеканных изделий. Галина Соловьева богато «полила» костюмы золотом, поверх шальваров водрузила на танцовщиц объемные юбки.

Жизнерадостный корпулентный кордебалет, безусловно, владеет азами пуантной техники, но не более. Технические несовершенства и огрехи солистов объективно отражают нынешнее состояние болгарского балета. Лучшие в труппе – Марта Петкова (Медора) и Никола Хаджитанев (Конрад). Ну а антидансантная лихорадка темпов дирижера Бориса Спасова была воистину «диверсионной» в отношении болгарских артистов. Темпы то замедлялись до бесконечности, то убыстрялись до космических скоростей. Исторически сложилось, что болгарские танцы имеют сложный ритмометрический рисунок. В своем большинстве музыкальная и танцевальная фразы не совпадают. Но танец-то в «Корсаре» не народный – классическим танцовщикам приходилось туго.

Фото Святослава Николова
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Камелия
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 08.10.2013
Сообщения: 1681
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Июн 25, 2018 9:45 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018062502
Тема| Балет, Персоналии, Гиллем, Эрнандес, Радемакер, Лаудере, Ревазов, Сэ Ын Пак, Семионова, Лакарра, Паглиеро, Образцова, Осипова, Ульяте, Дутиль, Карвалью, Паукке, Джакоби, Кочеткова, Камарго, Мак, Родькин, Киттельбергер
Автор| Александр Фирер
Заголовок| Под сенью Петипа
Где опубликовано| © Журнал «Музыкальная жизнь» №6 (1187)
Дата публикации| 2018 июнь
Ссылка| http://mz.kmpztr.ru/
Аннотация| Фестиваль «Бенуа де ля данс»

На Исторической сцене Большого театра прошел XXVI фестиваль мирового балета Benois de la Danse: в двух благотворительных гала-концертах участвовали лауреаты этого года и прошлых лет

Перешагнув четвертьвековой юбилей, фестиваль мирового балета «Бенуа де ля данс» приобрел репутацию самого интересного и представительного данс-форума и танц-гала среди профессионалов и любителей балета, а приз «Бенуа» стал престижной наградой, подтверждающей определенный статус в современном мире танца. Этот фестиваль собирает в Москве молодых артистов и хореографов, именитых любимцев публики, давая объективно-резюмирующую картину о тенденциях в мировом танцевальном процессе. Новизна, разнообразие и дозированный радикализм – программные девизы «Бенуа». Нынешний фестиваль, посвященный 200-летнему юбилею Мариуса Петипа и прошедший под сенью имени гениального русского француза, продемонстрировал высокую позицию своего художественного уровня. Он включал традиционное гала номинантов приза «Бенуа-2018» и гала лауреатов разных лет «Петипа посвящается! Классика глазами современных хореографов», которые представили и классику, и современный танец.

Награда присуждалась по итогам прошедшего сезона лучшим танцовщице, танцовщику, хореографу, композитору и сценографу. Победителей определило компетентное жюри, в состав которого вошли артдиректора балетных компаний Элеонора Аббаньято (Римская опера), Николя Лё Риш (Шведский Королевский балет), Дэвид Макаллистер (Австралийский балет), Тамара Рохо (Английский национальный балет), Борис Эйфман (Театр балета, Санкт-Петербург), экс-прима-балерина, хореограф Нора Эстевес (Муниципальный театр Рио-де-Жанейро), директор фестиваля «Голландия-данс» Самуэль Вюрстен. Отсутствовал лишь бессменный по настоящее время председатель жюри Юрий Григорович. Формат «Бенуа» подразумевает представление членами жюри кандидатов на соискание приза. В этом году в конкурсе участвовали восемь хореографов и тринадцать солистов из известных танцкомпаний со всего мира, и конкуренция была очень сильной. Львиную долю лавров заслуженно снискал спектакль Большого театра – художественный «тяжеловес» «Нуреев»: статуэтки Benois de la Danse в виде двух фигур – танцовщицы и танцовщика с воздетыми к небу руками – работы потомка Бенуа Игоря Устинова получили хореограф Юрий Посохов, композитор Илья Демуцкий, автор либретто, режиссер и сценограф Кирилл Серебренников (за сценографию) и исполнитель заглавной партии Владислав Лантратов. Приз с Посоховым разделила Дебора Колкер (Бразилия) за созданный в своей компании опус «Собака без перьев» (публика ознакомилась с ним по видеофрагменту). Лауреатство с Владиславом Лантратовым разделил Исаак Эрнандес из Английского национального балета за роли Базиля в «Дон Кихоте», поставленном в Балете Римской Оперы, и Джеймса в «Сильфиде» Английского национального балета. Приз среди танцовщиц получила Сэ Ын Пак из Парижской национальной оперы за главную партию в «Бриллиантах» (финальная часть «Драгоценностей» Джорджа Баланчина). А приме Балета Сан-Франциско Марии Кочетковой был вручен российско-итальянский микс-приз «Бенуа-Мясин». Приз «За жизнь в искусстве» присудили Наталии Макаровой, не прибывшей в Москву за наградой.

После церемонии вручения призов «Бенуа» был дан гала «Звезды мирового балета – номинанты Бенуа-2018», который по разнообразию программы и составу участников был как никогда чрезвычайно интересным. Интригующая витальность «Бенуа» заключена в его многоликой молодости танца, в его открытиях. Но, как и в любом гала, всегда есть очень интересные и менее интересные номера. Сильные исполнители и менее сильные. Именно, сопоставляя их, гала и выявляет лучших из лучших, и в этом тоже его творческая миссия.


Анна Лаудере, Эдвин Ревазов

Фрагмент из недавнего опуса Джона Ноймайера «Анна Каренина» на музыку Чайковского в аутентичной интерпретации показали солисты Гамбургского балета Анна Лаудере и Эдвин Ревазов. Стиль Ноймайера в их исполнении чувствуется сразу после первого полудвижения. Восхитительная артистическая свобода, пластическое мастерство и сценическое обаяние пары превратили маленький отрывок в целую историю. Так естественно растворяться в музыкальном, хореографическом и сюжетном материале могут только большие мастера. В роли Кити в качестве «третьей лишней» им «аккомпанировала» солистка Большого театра Дарья Хохлова.


Марейн Радемакер, Тимоти ван Паукке

Три мужских дуэта запомнились по точной и филигранной пластической работе танцовщиков. «Полночную рагу» Марко Гёке исполнили Мигель де Карвалью и Гвидо Дутиль (Нидерландский театр танца-2). Неистовое рандеву со своим альтер эго напоминало скрещивающиеся шквалы пламени. Оба артиста, безупречно овладевшие стилем Гёке с его молниеносно меняющимися, рваными траекториями тела и рук, достоверно передали психологические бездны чувств в отношении своего я – от полного неприятия до проникновенного осознания. В дуэте «Вдвоем и только» (хореограф Вюбке Кандершма) Марейн Радемакер и Тимоти ван Паукке из Национального балета Нидерландов показали острую фазу жажды любви и обладания. Но даже сокрушительная нежность бессильна перед возникшим в конце концов эгоистичным моментом отчуждения. Пластически незаурядные, чувственные артисты были переполнены глубиной душевных порывов.

Участники премьеры балета «Нуреев» Владислав Лантратов и Денис Савин в дуэте Рудольфа и Эрика сместили смысловые акценты, превратив тонкий диалог в упрощенную ансамблевую схему с выхолощенным состоянием героев. В пластике чужеродно добавилась спортивность исполнения, исчезли важные нюансы. Через полгода после премьеры спектакль перед новым блоком показов, видимо, нуждается в серьезной репетиционной работе с хореографом Юрием Посоховым.


Сэ Ын Пак

Лауреат Бенуа–2018 Сэ Ын Пак искусно плела на пуантах прекрасную вязь в вариации из «Изумрудов» Габриэля Форе – Джорджа Баланчина (I часть балета «Драгоценности»). И хотя лучше танцовщиков Парижской Оперы с их элегантным щегольством пальцевой техники никто не исполняет это фирменное «блюдо», суховатой кореянке все-таки не хватало изящества рук и стоп. В па де де Дианы и Актеона из «Эсмеральды» ярко выделялся скульптурный красавец с хорошей техникой Даниэль Камарго на фоне катастрофически не справлявшейся с вращениями Майи Махатели (оба из Национального балета Нидерландов). Свежеиспеченный лауреат «Бенуа» невысокий и неимпозантный виртуоз-технарь Исаак Эрнандес станцевал па де де из «Дон Кихота» энергично и почти чисто. Его партнершей была гордость Национального балета Канады Юргита Дронина (ныне также прима и Английского национального балета), подававшая свою Китри в прозаичной манере и станцевавшая грубым «помолом».


Исаак Эрнандес

Несколько приземленно, без бликующих музыкального и пластического изяществ, присущих языку Алексея Ратманского, исполнили дуэт из балета «Золушка» солисты Австралийского балета Ако Кондо и Кевин Джексон.

Харизматичная Дрю Джакоби из Королевского балета Фландрии блистательно исполнила номер «Убитый» модного немецкого хореографа Марко Гёке на два шлягера дивы французского шансона Барбары. В шансоне «Drouot» (про безвозвратно ушедшую эпоху безумных тридцатых годов аукционного дома Друо) певица поет о невозможности человеку вернуть прошлое. Во второй песне «Si d’amour à mort» (первые четыре буквы – аббревиатура слова «СПИД») Барбара призывает молодых людей беречь себя. Свой номер Гёке посвятил жертвам «чумы ХХ века». Нервическая экспрессия красноречивых рук и трепещуще кричащих кистей Джакоби подобна деструкции не желающей истаивать жизни. В драматической экспрессии многоликого пластического дарования этой танцовщицы чувствуется не «плач Ярославны», но глубинная кинетическая мощь еще не выплеснувшейся стихии.

Молодая лирически воодушевленная Аманда Гомес и опытный Михаил Тимаев (Татарский театр оперы и балета) с большим старанием, но несколько провинциально станцевали с артистами Кремлевского балета па де сис из «Эсмеральды». Добротно выступили лауреат Бенуа де ля данс-2014 Полина Семионова (Государственный балет Берлина) с Иваном Зайцевым (Михайловский театр) в «Ромео и Джульетте» Начо Дуато, лауреат Бенуа де ля данс-2017 Людмила Паглиеро (Парижская Опера) и Марейн Радемакер (Национальный балет Нидерландов) в «Трех гносиеннах» Ханса ван Манена, Мария Кочеткова (Балет Сан-Франциско) и Себастьян Клоборг (Датский Королевский балет) в номере «И когда прошел день» Дэвида Доусона, Пабло Легаса (Парижская Опера) в соло из балета «Херман Шмерман» Уильяма Форсайта, Наталия Кущ и Микеле Сатриано (Римская Опера) в дуэте из «Кармен» Ролана Пети.

Также были показаны видеозаписи с обладательницей приза «За жизнь в искусстве» - 2015 великой Сильви Гиллем: «Движение, ритм, этюд» Мориса Бежара (партнер Эрик Вю Ан) и вариация из Классического гран па Обера-Гзовского. Соотношение ее ног и божьей милости, складный избыток грации прельщали публику, а единый влюбленный вздох и наступившая тишина восхищения зрительного зала мгновенно определили приоритет таланта во Вселенной танца.

Во второй вечер были показаны фрагменты из классических балетов Петипа и работы современных хореографов разной известности и дарования, чьи опусы каким-то образом соотносились с именем великого хореографа: в программу вошли номера, одноименные по сюжету работ из наследия Петипа или отправной точкой которых была лексическая концепция мэтра, при этом современные авторы далеко уходили от оригинала по стилю, по языку, по смыслу. Азартно была представлена целая обойма мировых премьер, и риск организаторов достоин в данном контексте уважения. Готовящееся новое сочинение – всегда неизвестность, «кот в мешке», и заранее невозможно спрогнозировать его художественную ценность. Но в любом случае без лабораторных экспериментов нет движения вперед. И в этом смысле «Бенуа» никогда не выглядит архаично-безнадежным и нафталинным.

Гала лауреатов разных лет открыли три номера из «Спящей красавицы». Одним из самых ярких событий «Бенуа – 2018» стала мировая премьера сюиты фей из балета «Спящая красавица» на музыку Чайковского в постановке и исполнении Дрю Джакоби. Монструозно-исполинская фея в отражающем свет софитов купальнике и переливающейся всеми спектральными тонами «плавательной» шапочке с веселеньким вихром цветочков воплощала фактурную неопровержимость добра, а выразительные руки иронично и с карикатурной элегантностью полемизировали с затейливыми гармониями вариаций фей. С феноменальным музыкальным чутьем и тонким юмором «серьезная» универсальная фея-клоунесса пластически уникально изобразила мажорную субстанцию столь родной нам музыки Чайковского. Работа Джакоби – талантливый пример воистину оригинального и свежего взгляда на вечно живую классику.


Мария Кочеткова, Руслан Скворцов

В московской премьере вариации феи Карабос в хореографии музы Крэнко и Ноймайера Марсии Хайде черной химерой с длинным шиньоном и в крылатом плаще рассекал сцену высокий солист Корейского национального балета Чжэ У Ли. Смертная тоска тривиальной злобы, заложенная во внятно иллюстративной лексике, эффектно оттенялась артистичным исполнительским блеском. Тему «Спящей» закрыли прима Балета Сан-Франциско Мария Кочеткова и премьер Большого театра Руслан Скворцов шлягерным классическим па де де из «Спящей красавицы» Мариуса Петипа. Москвичка Кочеткова сегодня пребывает на пике творческой формы и уверенного балеринского мастерства.

Названия «Фауст» и «Кармен» интересны прежде всего тем, что в наследии Петипа архивно значатся опусы и «Фауст», и «Кармен и тореадор», текст которых безвозвратно утрачен. С истовым энтузиазмом дерзающий на хореавторском поприще любимец публики Иван Васильев (Михайловский театр) сочинил целый балет «Фауст» на музыку знаменитой оперы Шарля Гуно, в небольшом фрагменте из которого (с каватиной Валентина «Бог всесильный, бог любви», но без слов) были заняты сам автор в заглавном образе и большетеатровцы Мария Виноградова в роли Маргариты и незаменимый в интеллектуальных ролях Денис Савин, изобразивший романтически бледного Мефистофеля.

В дуэте из балета «Кармен» (по чувственной откровенности – категория 18+) в хореографии руководителя собственной труппы Виктора Ульяте на музыку Жоржа Бизе мы увидели неувядающую Люсию Лакарру, сменившую труппу и партнера: она выступила с молодым Хосуэ Ульяте. Сексапильная и пикантная обладательница изысканных и поэтически стройных балетных ног Люсия Лакарра и страстный в своей приземленности Хосуэ Ульяте устроили на сцене Большого настоящую корриду любви, ринг для «боев без правил» между мужчиной и женщиной. Зритель подобный бонус принял на ура.

А вот другие три номера стали откровенно проходными и не оставляющими толики художественного послевкусия. В московской премьере «Дорогой и единственный» Александра Глазунова – Реми Вортмейера солисты Национального балета Нидерландов Игоне де Йон и Даниэль Камарго изображали некий «балет на льду» в формате адажио. В также московской премьере дуэта из балета «Лебединое озеро» в мастеровитой, но ординарной хореографии Дэвида Доусона солисты Балета Сан-Франциско Софиан Сильве и Карло ди Ланно продемонстрировали отточенную работу ног и высокий класс слаженного дуэта. Мариинские солисты Оксана Скорик и Ксандер Париш засветились в мировой премьере «Па де Петипа», где некая Ксения Зверева «улучшила» канонические па Одетты Льва Иванова и Одиллии Мариуса Петипа. Темпераментно мутный, скорее всего, коварный персонаж Скорик представлял собой черно-белую помесь обеих лебедиц, а уж партнерская участь Париша, появляющегося с тростью, по-видимому, состоит в жертвенной миссии «козла отпущения». Запомнится, пожалуй, лишь ущербность замысла и невольная пародийность воплощения.

В па де де из балета «Талисман» Риккардо Дриго – Мариуса Петипа солистке Венгерской национальной оперы Татьяне Мельник немного не доставало вальсирующей дансантности при точно воспроизведенном стиле. Ее темнокожий кавалер мужественный Бруклин Мак из Вашингтонского балета своей техничной сверхвиртуозностью сорвал самые горячие аплодисменты зала. Дуэт из балета «Щелкунчик» Сиди Лярби Шеркауи (продукция коллектива хореографов знаменитого спектакля в Парижской Опере под режиссурой Дмитрия Чернякова) исполнили прима лондонского Королевского балета Наталья Осипова и солист труппы «Истмэн» Джейсон Киттельбергер. Балерина в руках прекрасного партнера испытывала неизбывное душевное страдание и полностью растворялась в трагичных началах музыки Чайковского.

В Гран па из балета «Баядерка» полетный и эффектный танец статного Дениса Родькина (Большой театр) дисгармонировал с нахрапистым и разболтанным исполнением корпулентной блондинки Анжелины Воронцовой (Михайловский театр). Прима Большого Евгения Образцова высоко вознесла над общим порядком па де де из второго акта «Жизели»: танец балерины был на уровне высоких исполнительских канонов мастеров Большого балета. Ее коллега по труппе горделивый Давид Мотта Соарес и партнерствовал, и солировал по-ученически аккуратно.

В триумф грамотно и умно построенной карьеры вылилось выступление приглашенной прима-балерины Берлинского государственного балета Полины Семионовой (партнер Иван Зайцев из Михайловского театра). Артисты исполнили па де де из «Дон Кихота» в странной и неудачной редакции Виктора Ульяте (тоже попытка «улучшения» Александра Горского и Мариуса Петипа). Балеринская порода, фонтанирующая женственность, достойное техническое мастерство и артистическая свобода – вот несколько штрихов к портрету одной из лучших европейских балерин.

Фото Михаила Логвинова и Jack Devant
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3565

СообщениеДобавлено: Пн Июн 25, 2018 11:34 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018062503
Тема| Балет, "Астана Балет", Персоналии, Дилара Шомаева, Фархад Буриев
Автор| Айгюзель Кадир
Заголовок| Искусство любят не только в Алматы, или Аншлаг в "Астана Балет"
Где опубликовано| © Sputnik
Дата публикации| 2018-06-25
Ссылка| https://ru.sputniknews.kz/culture/20180625/6152519/festival-baletnogo-iskusstva.html
Аннотация| ФЕСТИВАЛИ

Чем запомнилось открытие международного фестиваля балетного искусства в Астане, читайте в репортаже Sputnik

АСТАНА, 25 июн — Sputnik, Айгюзель Кадир. Легкие полотна с фотографиями звезд казахстанского балета, статуэтки воздушных балерин — фойе театра "Астана Балет" незадолго до грандиозной премьеры знаменитой "Жизель" было украшено в нежных тонах. Этот стиль позже режиссер-постановщик Eurasian Dance Festival Алишер Хасанов назовет "Полетом танца".
Воскресным вечером под бурные аплодисмены дам в роскошных платьях и их сдержанных спутников был дан старт балетному "нон-стопу": с 24 по 30 июня на суд столичному зрителю свои постановки представят национальный балет Словении, ГАТОБ имени Абая, Китайский национальный балет, коллектив Испании CastroRomero, ведущие солисты национального балета Португалии и Голландии, Большого театра (Россия), Штутгартского балета, "Астана Опера" и "Астана балет".
Три-четыре года назад, как считает исполнительный директор фестиваля Жанибек Кайыр, такие масштабные события обходили стороной город белых воротничков.
"Давайте смотреть правде в глаза: Астана более чопорный город, нежели Алматы. В Алматы очень много культурных мероприятий, но благодаря таким фестивалям Астана все больше и больше втягивается в культуру. Зритель Астаны уже ничем не уступает алматинскому. Нам радостно, лестно, что наш зритель наконец-то стал понимать, что это нужно для нас", — поделился Кайыр.
Споры между жителями современной столицы и яблочного города, кажется, стали отечественным "эль-класико". Вот и директор "Астана Балет" Валерий Кузембаев вступился за местных зрителей.
"На все спектакли фестиваля билеты были проданы давно и заранее. Сегодня наш астанинский зритель демонстрирует большой интерес к искусству, к балетному в частности", — отметил Кузембаев.
"Превосходят алматинцев?" — спросил шутливо директор и худрук государственного академического театра оперы и балета имени Абая Аскар Бурибаев.
И все же спикеры сошлись в одном: нередко именно зрители воспитывают людей искусства.
Искушенные ценители и те, кто пришел на первое рандеву с балетом, о чем-то перешептываясь, направились в зрительный зал. Но перед тем, как расположиться в креслах, их взгляд остановился на юных танцорах: театральный фестиваль стартовал с небольшого перформанса российского хореографа Алишера Хасанова.
Трели звонка проводили леди и джентльменов к мстительным виллисам, которые, как и обещал хореограф Рикардо Амаранте, поразили своей реалистичностью. Ведущая солистка "Астана Балет" Дилара Шомаева передала всю палитру эмоций, которую испытывала ее героиня – Жизель. Молодая крестьянка даже после смерти не перестала любить предавшего ее графа Альберта (в исполнении ведущего солиста театра Фархада Буриева). Жизель спасла его от гнева умерших невест, а на рассвете исчезла, оставив Альберту лишь воспоминания.
Волна аплодисментов захлестнула артистов, а крики "Браво" летели в сторону сцены даже после того, как опустился занавес. "Я влюбилась в платье Жизель", "Мирта (повелительница виллис) была восхитительна", — еще долго публика делилась друг с другом впечатлениями от просмотра балета композитора Адольфа Адана.
Сцена "Астана Балет" скоро вновь превратится в портал и перенесет в волшебный мир танца. У жителей Астаны есть отличная возможность доказать, что в холодном городе с пронизывающим ветром отнюдь неравнодушны к искусству.

ФОТО по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3565

СообщениеДобавлено: Пн Июн 25, 2018 11:35 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018062504
Тема| Балет, четвертый международный Балтийский конкурс балета, Персоналии, Регина Каупужа, Сергей Нейкшин, Юлия Брауэр, Герман Шевченко, Бахтияр Адамжан, Эвелина Годунова, Никита Ксенофонтов, Екатерина Лихова, Лиза Бреукер, Джулиано Таскцано, Елена Кузьмук, Артем Шошин
Автор| Андрей Шаврей
Заголовок| Андрей Шаврей: Балет — это не только души призывный звук, но и конкурс!
Где опубликовано| © LSM.LV
Дата публикации| 2018-06-25
Ссылка| https://rus.lsm.lv/statja/za-efirom/za-efirom/andrey-shavrey-balet--eto-ne-tolko-dushi-prizivniy-zvuk-no-i-konkurs.a283099/
Аннотация| Международный конкурс

В латвийской столице завершился четвертый международный Балтийский конкурс балета, на несколько дней погрузивший публику в мир хореографии и достойного состязания участников из разных уголков мира, от Бразилии до Японии, и вызвавший ностальгические размышления и высокие эмоции.
Вспомнилось, как однажды мне невероятно повезло. В 1993-м отправился в Москву, по прибытии сел в метро и вышел на станции «Театральная площадь». У Большого театра прямо с рук продавали билеты по невероятно низкой цене, начало показа было в 15.00. Так я попал «с корабля на бал» — в партер.
Это был второй тур знаменитого Московского международного конкурса балета.
Тогда я впервые попал в этот великий театр. И совершено неожиданно увидел великую Галину Сергеевную Уланову. В первый раз в жизни. И в последний.
Под овации зала она вошла и заняла место члена жюри — вместе с великим хореографом Юрием Григоровичем и другими коллегами: 82-летняя богиня мировой хореографии направлялась к месту бодрой походкой в туфлях на высоких шпильках (!).
И еще более поразила та публика — помимо приехавших со всего мира балетоманов, здесь была и старая московская «гвардия», которая внимательно следила за состязанием и в программках отмечала напротив фамилии конкурсантов их достоинства и недостатки — «плюсиками» и «минусами».

В Риге мы уже никогда не увидим Уланову, вряд ли — Григоровича, но международный конкурс у нас есть, он проводится уже в четвертый раз. И это не может не радовать. После первого конкурса его устроительница, бывшая артистка латвийского балета, ныне педагог Регина Каупужа сомневалась, что продолжение возможно. Дело дорогое и в прямом смысле тоже — премии достигают суммы в 2-2,5 тысячи евро. А еще надо разместить участников конкурса (их 85), гостей, членов жюри.
Все это оказалось реальным, а уровень конкурса отмечен тем, что недавно он был принят в Международную федерацию конкурсов балета.
И ассоциации с тем знаменитым конкурсом балета в Москве присутствуют в самых разных моментах. Достаточно сказать, что сейчас ведущий солист латвийского национального балета Сергей Нейкшин с Юлией Брауэр исполняли в гала-концерте конкурса номер молодого латвийского хореографа Миланы Комаровой Faire les pas на музыку Эрика Сати. Сергей некогда целый год танцевал в труппе Краснодарского театра, руководимого тогда великим Григоровичем. А в нынешнем конкурсе ученик Нейкшина, ныне солист нашего балета Герман Шевченко получил третье место в старшей профессиональной группе.
Гостем гала-концерта стал ведущий солист театра «Астана Опера» в Казахстане Бахтияр Адамжан, одержавший победу на прошлогоднем конкурсе в Москве. Танцевал вариацию Актеона из балета «Диана и Актеон». Среди зрителей гала-концерта была и наша знаменитая балерина Эвелина Годунова, также получившая золотую медаль на том конкурсе, а в этом сезоне она станет солисткой балета Берлинской штаатс-оперы.
Мир балета узок — пересечения часты, и они всегда имеют большое значение.
Разные школы, различная хореография, разные конкурсанты и приглашенные для гала-концерта солисты. Никита Ксенофонтов и Екатерина Лихова из балета Новосибирской оперы, Лиза Бреукер и Джулиано Таскцано из балета Карлсруэ. Один из самых эмоциональных моментов — номер на музыку Перголези в пронзительной хореографии Раду Поклитару (танцевали Елена Кузьмук и Артем Шошин, получивший специальный приз жюри «за выдающееся партнерство»).
Все происходит — и это вызывает несомненный оптимизм.

КОНТЕКСТ
В молодежной группе первое место у Милды Луцкуте (Литва), второе — у Макара Михалкина (Россия) и Габриэллы Форнакьяры (Италия), третье — у Лоры Муленоки (Эстония) и Кейты Марии Бломы (Латвия).
В средней группе первое место досталось Гото Масаки (Япония), второе — Эдвину Яконису (Литва), Лауре Гриете Гринберге (Латвия) и Барбосу Матушу де Хесусу (Бразилия), третье — у Анна Дже (США) и Никиты Бориса (США).
В самой престижной группе — профессиональной — жюри пальму первенства не отдало никому. Второе место у Вахагна Маргаряна (Армения) и Далера Зарапова (Казахстан), третье — у Эвандо Аугусто Босле-юниора (Бразилия) и солиста Латвийского национального балета Германа Шевченко.
Особый приз жюри вручен Шино Цурутани (Япония), Сезари Васику (Польша) и Артему Шошину (Украина)
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3565

СообщениеДобавлено: Пн Июн 25, 2018 11:37 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018062505
Тема| Балет, четвертый международный Балтийский конкурс балета, Персоналии, Герман Шевченко
Автор| Андрей Шаврей
Заголовок| «Иду по своей тропе...» — лауреат Балтийского конкурса балета Герман Шевченко
Где опубликовано| © LSM.LV
Дата публикации| 2018-06-25
Ссылка| https://rus.lsm.lv/statja/kultura/kultura/idu-po-svoey-trope...--laureat-baltiyskogo-konkursa-baleta-german-shevchenko.a283187/
Аннотация| Международный конкурс

Международный Балтийский конкурс балета, проходивший в Риге на прошлой неделе, стал для молодого (ему 22 года) солиста Латвийского национального балета Германа Шевченко вторым по счету и первым, на котором он получил звание лаурета — третье место в старшей, профессиональной группе. Впрочем, дело не в том, что «родные стены» помогли, а в целеустремленности и постоянной работе...

— Герман, вы довольны результатом?

— В принципе, доволен. Довольно-таки долго готовился, потому что помимо этого конкурса мне в июле предстоит еще один в Варне, который уровнем повыше. На этом конкурсе для меня самое главное было справиться со стрессом и перебороть страх, который был в прошлом году во время участия в Московском конкурсе балета.
Спектакль и конкурс — это две немного разные вещи. Тут ты немного в «дикой атмосфере» находишься из-за накала страстей. И у меня успешно получилось справиться со стрессом. Мне удалось расслабиться, и я себя чувствовал так же, как на спектакле. Это была моя самая главная цель. На спектакле я абсолютно спокоен. Я знаю, что делаю, уверен в каждом своем движении. После второго тура раскрепостился, полностью наслаждался атмосферой конкурса и все получилось.

— Расскажите об участии в знаменитом Московском конкурсе...

— На самом деле в Москве был мой первый конкурс и сразу большая планка. До финала я не дошел, но участвовать в таком конкурсе, конечно, большая честь. Там на меня давили зрители, большая сцена...

— Что будете танцевать в Варне, который также является одним из трех ведущих конкурсов балета в мире?

— Получаются шесть классических вариаций и два современных номера. Вариация из «Пламени Парижа» Бориса Асафьева, Филипп из «Дианы и Актеона» Пуни, гопак из «Тараса Бульбы» Соловьева-Седого, раб из «Корсара» Адольфа Адана, Базиль из «Дон Кихота» Людвига Минкуса и «Талисман, бог ветра» Дриго.

— Как вы пришли в балет? Разумеется, по желанию родителей?

— Да, изначально это было их решение. Все началось с бальных танцев и продолжалось до поступления в Рижское хореографическое училище. Мне предложили попробовать, и я согласился. Все пошло хорошо, но осознание того, чем я занимаюсь, пришло только после того момента, когда мы начали работать с Сергеем Владимировичем Нейкшиным, ведущим солистом латвийского балета и преподавателем в училище. Только тогда я понял, что хочу заниматься балетом и буду это делать.

— Что в свои 22 года вы можете считать достижением на латвийской сцене?

— Любимой роли у меня нет. У меня есть свой репертуар: шут в «Лебедином озере» Чайковского, золотой бог в «Баядерке» Минкуса, синяя птица в «Спящей красавице» Чайковского, па-де-де в «Жизели» Адана, Бенволио в «Ромео и Джульетте» Прокофьева. Есть свой репертуар, который уже натанцован.

— Что бы хотели станцевать?

— Ведущие партии, конечно. Но такая проблема, что трудно подобрать партнершу, подходящую по росту. Были бы подходящие по росту, было бы проще.

— У вас есть личность в мире хореографии, на которую бы хотелось равняться?

— Во время учебы в хореографическом моим любимым артистом был Иван Васильев, ведущий солист в Михайловском теате Санкт-Петербурга, приглашенный солист балета Большого театра. Рад, что когда пару лет назад он приезжал в Ригу с концертом, у меня осталась на память совместная с ним фотография. По мышечной структуре я был похож на него, схож визуально. Потом появились Сергей Полунин, работающий в США Владимир Шкляров, Даниил Симкин… Глядя на них, я понимаю, что дело не в росте — низкий, средний или высокий. Важно, как ты исполняешь. Если это качественно и открыто, то это притягивает.
А что касается моей мышечной структуры, то это благодаря генетике. Я никогда не «качаюсь», но у меня всегда были железные мышцы. У меня рост 175 сантиметров. Если бы были 180-182, то было бы проще. Однако я пытаюсь работать с тем, что у меня есть, совершенствовать свои параметры и добиваться успеха. Я как раз перед конкурсом сбросил четыре килограмма, убрал все лишнее. Не бегаю, а просто занятия — нагрузка, плавание и диета. И в полете легкость сразу ощущается, ногам легче.

— Как отпуск будете проводить?

— В субботу-воскресенье у меня выходные и после этого продолжаю готовиться к новому конкурсу — через три недели еду в Варну, чтобы там остаться на следующие три недели. После этого вернусь и возьму дней пять паузу. Надеюсь, все пройдет успешно. Главное — целеустремленность и работа. Я иду по своей тропе с поднятым носом вверх.

— Артисты балета — это своеобразная каста, они постоянно в профессии. Но вне мира балета вас что-то интересует?

— Художественная гимнастика, с которой у меня был опыт работы, и фигурное катание, с которым я пересекался. Это искусства, приближенные к классике. Я не любитель баскетбола в его чистом виде. Когда проходит Олимпиада, я получаю огромное удовольствие от трансляций фигурного катания. Обожаю!

— Успехов в Варне и далее!
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18375
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июн 26, 2018 11:54 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018062601
Тема| Балет, Михайловский театр, Персоналии, Оксана Бондарева
Автор| Ольга Угарова / Фото Ира Яковлева
Заголовок| Оксана Бондарева: «Главное – уметь вдохновляться и влюбляться»
Где опубликовано| © La Personne
Дата публикации| 2018-06-23
Ссылка| https://www.lapersonne.com/post/oxana-bondareva-mikhailovsky
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Выпускница хореографической школы при Днепропетровском театре оперы и балета стремительно ворвалась в Михайловский театр в 2009 году, после чего успела получить «Золотой софит» за партию Джульетты в балете «Ромео и Джульетта» Начо Дуато и номинацию на «Золотую маску» за роль Жанны в «Пламени Парижа». Сейчас в Петербурге Оксану Бондареву можно увидеть нечасто: она гастролирует по всему миру.


Когда вы попали в Михайловский театр?

После московского международного конкурса, в котором я участвовала, Фаруху Рузиматову, возглавлявшему на тот момент балетную труппу театра, показали мои записи, и он меня пригласил. А вот мой приезд совпал с его уходом, но Михаил Григорьевич Мессерер все-таки доверил ответственные партии, среди которых – Хасинта в «Лауренсии». Когда выпускали новую редакцию «Пламени Парижа», я танцевала на премьере спектакля Жанну – это был огромный шанс и прорыв для меня.

Какие партии вам больше подходят?

Наверное, такая чистая классика, как «Лебединое озеро», – не совсем мои спектакли. А, скажем, «Дон-Кихот» и «Пламя Парижа» – больше соответствуют моему эксцентричному характеру. Я человек, который не может усидеть на месте, у меня всегда очень много энергии внутри. Недавно я открыла для себя партию Кармен. В первый раз мы ее репетировали с Габриэлой Трофимовной Комлевой для спектакля в уфимском театре. Она помнит, как танцевала Майя Плисецкая. И подсказала очень много нюансов. Сейчас мне часто предлагают исполнить именно Кармен, но я думаю, что нежные образы Джульетты и Авроры – тоже абсолютно мои.

С приходом Начо Дуато в Михайловский театр в вашем персональном репертуаре появилась и современная хореография.

Я как будто открыла абсолютно новый мир: было одновременно и трудно, и интересно, а еще болело все тело, потому что в его балетах задействованы группы мышц, которые не так активно работают в классике. Когда мы ставили дуэт для балета «Прелюдия», после первой репетиции я просто не могла встать с кровати, но мы добились результата. Кстати, в то время Михаил Григорьевич Мессерер ввел правило: все классы мы делали в пуантах, чтобы не потерять технику. Это мне очень помогло не выйти из формы, потому что у Дуато многое надо было танцевать в мягких туфлях.

Вы три года работали в Мариинском театре. Вам было тяжело перейти в новую труппу?

Очень. В Мариинский театр я даже не мечтала попасть, и, конечно, когда появилась возможность перейти из Михайловского, я сразу согласилась. Мне было непросто: другая сцена, пол, труппа в пять раз больше. Период адаптации оказался сложным и длительным: часто получала травмы — рвала икры на обеих ногах, – и болела. Думаю, что так происходило из-за моего внутреннего напряжения и колоссальной ответственности. Тем не менее, я станцевала много интересных партий: например, Марию в «Бахчисарайском фонтане» и Сильфиду. Одна из самых любимых – Машенька в «Щелкунчике» Михаила Шемякина. Быть внутри этого шедевра – фантастично, потому что попадаешь в глубокую сказку. Однажды меня видел сам Шемякин, а его похвала стала настоящим подарком судьбы. В течение трех лет моими педагогами были Габриэла Трофимовна Комлева, Геннадий Наумович Селюцкий, Татьяна Геннадьевна Терехова, Маргарита Гаральдовна Куллик. Я всем очень благодарна, но вернувшись в родной Михайловский театр, чувствую себя, как дома.

Какие у вас отношения с современным танцем?

Было очень тяжело привыкать к новой форме, но постепенно я научилась расслабляться и танцевать, а не просто исполнять движения. Большой удачей для меня стала работа с Иваном Васильевым как с балетмейстером в номере «Амадей». Хочется вспомнить и постановочные процессы с Олегом Габышевым, Маскимом Петровым и Юрием Смекаловым. Но проект, который действительно научил меня думать и двигаться по-иному, – это совместный спектакль режиссера Романа Габриа и хореографа Николая Арзяева, где танец переплетается с моим любимым драматическим театром. Сейчас все на этапе репетиций — самое дорогое время, время создания чего-то запредельного и непостижимого. Я восхищаюсь людьми, которые способны самоотверженно работать и жить идеей, несмотря на трудные условия.

Вы любите сцену?

Для меня выйти в спектакле – это волшебство. Запах кулис, атмосфера, зрители – завораживает абсолютно все. Здорово, когда зал дает энергию: ее можно подхватить, и тогда получится что-то невероятное, а на следующий день нет ни капли усталости. Конечно, многое зависит и от партнера. Например, с Иваном Васильевым, с которым я знакома с детства, танцевать легко. Харизма и огонь Вани вдохновляют и артистов, и гостей театра.

Вы очень жизнерадостны. У вас бывают минуты опустошения?

Конечно, но с этим можно справиться. Главное – уметь вдохновляться и влюбляться в личностей, живопись, архитектуру, книги. Параллельно с работой я сейчас учусь в Московском институте современного искусства — наши педагоги дают импульс, и даже находится время, чтобы прочитать Умберто Эко, Артура Шопенгауэра, или снова открыть Евгения Замятина, Ивана Тургенева и Сергея Довлатова.

Что вам хотелось бы станцевать?

Я мечтаю поработать в балете «Спартак». Во-первых, мне очень нравится музыка Арама Хачатуряна, а во-вторых, Юрий Григорович буквально открыл для меня дорогу в большой балет. Когда я участвовала в международном конкурсе в Сочи и получила там Гран-при, он возглавлял жюри. Казалось, что вокруг него что-то светилось (смеется). Участвовать в «Спартаке» – в любой версии – было бы большой честью.

Фото Ира Яковлева
=============================================================
Все фото- по ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Ср Июл 11, 2018 10:33 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3565

СообщениеДобавлено: Пт Июн 29, 2018 11:58 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018062901
Тема| Балет, Eurasian Dance Festival, "Астана Балет", Персоналии, Юрий Григорович, Гульжан Туткибаева, Асет Мырзакулов, Дмитрий Сушков
Автор|
Заголовок| "Ромео и Джульетту" показали в "Астана Балет"
Где опубликовано| © Tengrinews.kz
Дата публикации| 2018-06-28
Ссылка| https://tengrinews.kz/picture_art/romeo-i-djulettu-pokazali-v-astana-balet-347841/
Аннотация| фестиваль



Программа фестиваля балетного искусства Eurasian Dance Festival разнообразна и построена по принципу контраста. За шесть фестивальных дней зрители не только получат впечатления от мастерства и профессионализма артистов, декораций, видеоконтента и самой разной музыки, но и познакомятся с многообразием стилей хореографии, выдающимися хореографами и постановками.

Третий день фестиваля в очередной раз порадовал аншлагом, вниманием и чуткостью публики. К выступлению алматинцев зрители отнеслись с особой теплотой. Спектакль "Ромео и Джульетта" был поставлен Григоровичем в Парижской Опере и Большом театре; в Сеуле, Краснодаре и Якутске, в московском театре "Кремлевский балет" и в алматинском ГАТОБ имени Абая. На постановку в Алматы "Ромео и Джульетты" в 2010 году 83-летний хореограф приезжал сам, ставил свет и добивался от артистов достоверности жизни в танце, когда не "изображаешь", а "выражаешь" чувства танцем. Мастер остался доволен труппой и прошедшей с большим успехом премьерой, а сохранить спектакль в надлежащем виде поручил, зная ее профессионализм и ответственность, Народной артистке РК Гульжан Туткибаевой, которая сегодня является главным балетмейстером театра.
"Юрий Николаевич высоко оценил нашу труппу, и мы стараемся оправдать это доверие, сохранять качество исполнения. Хотя время идет, и уже поменялось несколько составов исполнителей, из тех, кто танцевал премьеру, остались только Асет Мырзакулов в партии Меркуцио и Дмитрий Сушков - Капулетти", - говорит она.
Восемь лет спектакль идет на сцене алматинского театра, и всегда с аншлагом. Генеральный директор театра Аскар Бурибаев твердо убежден, что этот спектакль должен остаться в афише театра как золотой фонд: "Изначальная ценность этого спектакля в гениальной музыке Прокофьева, потом - в гениальной хореографии Григоровича, и в третьих - в великолепной сценографии Симона Вирсаладзе. Шедевры рождаются, когда к ним прикладывают руку такие гениальные люди". Овациями сопровождался весь спектакль, и оркестр под управлением маэстро Ерболата Ахмедьярова чутко следовал партитуре автора, не забывая притом об удобстве темпов для тех, кто танцует на сцене. Зрители долго не отпускали артистов со сцены.



ФОТО и ВИДЕО по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3565

СообщениеДобавлено: Пт Июн 29, 2018 11:59 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018062902
Тема| Балет, Национальная опера Украины, «Юлий Цезарь», Персоналии, Анико Рехвиашвили, Станислав Ольшанский, Александр Шаповал, Ярослав Ткачук, Ольга Кифяк, Анастасия Шевченко
Автор| Людмила ДЕНИСЕНКО
Заголовок| " Балет «Юлий Цезарь»: жребий брошен
Где опубликовано| © 2000
Дата публикации| 2018-06-29
Ссылка| https://www.2000.ua/v-nomere/aspekty/art/balet-yulii-cezar-zhrebii-broshen.htm
Аннотация| премьера



Даже если никогда ранее в балетном репертуаре и не существовал такой спектакль, как «Юлий Цезарь», то его однозначно стоило придумать. Слишком уж по-театральному выразительна музыка итальянского импрессиониста Отторино Респиги, положенная в основу постановки, чтобы оставаться прерогативой исключительно симфонической. Она так и просилась на большую театральную сцену и была, к счастью, услышана.

26 июня Национальная опера Украины представила публике второй показ премьерного балета «Юлий Цезарь» (первый состоялся 20 июня). Интересно, что на сей раз у творческого триумвирата -- либреттист, хореограф и постановщик -- одно лицо: это Анико Рехвиашвили, художественный руководитель балетной труппы.

Миру -- Рим!

Завсегдатаи Национальной оперы, в общем, привыкли к тому, что на все анонсированные здешние премьеры, тем более столь амбициозные, билеты раскупаются загодя. В этом смысле новый спектакль не стал исключением: зал был полон.
Зрители скупили все театральные программки, потому как литературная основа «Цезаря» до сего дня оставалась неизвестной. Это всецело авторский спектакль, собственная история на известную музыку, которая, надо признать, к видному полководцу и диктатору отношение имеет опосредованное. Зато к Риму древних времен и раннего христианства -- самое непосредственное.
Свою знаменитую трилогию: «Фонтаны Рима», «Пинии Рима» и «Празднества Рима» Респиги (расцвет его творчества пришелся на период между двумя мировыми войнами) написал с почти десятилетней разницей -- с 1916-го по 1926 гг. Симфонические картины, объединенные в один поэтический цикл, почти сразу же стали чрезвычайно популярными, обретя мировую известность. К слову, к музыкальному триптиху до сих пор охотно обращаются дирижеры на филармонических сценах, открытых пространствах (например, в термах Каракаллы на летних сезонах Римской оперы) и фестивалях.
Одно из последних феерических исполнений трилогии -- апрельское -- отмечено в Москве, в рамках IX Международного фестиваля Мстислава Ростроповича. Это был совместный с итальянской стороной мультимедийный проект, в котором музыку объединили с объемными видеопроекциями.
Но о полновесном балетном спектакле, да еще и на два действия, речь до сих пор не шла.
Любопытная параллель. Киевская премьера «Цезаря» также состоялась благодаря участию итальянцев — конкретно, Института культуры и посольства. Почему это так важно отметить? Потому что интерес итальянской стороны, как правило, больше касается вокальной, чаще оперной или инструментальной музыки. А тут -- балет.
Открывают его звуки фанфар, для пущей зрелищности духовиков разместили не в оркестровой яме, а по обеим сторонам сцены, в ложах бельэтажа. Эффект присутствия был соблюден.
Мы видим римский форум. Патриции, матроны, легионеры и плебеи собрались здесь, у арки с квадригой, дабы восславить имя Цезаря-триумфатора. Вечный город величествен и устремлен ввысь: храмы, конные статуи доблестных мужей, фонтаны, дворцы, колонна Траяна.

Цезарь в короткой красной тоге (Станислав Ольшанский), рядом его друзья и непримиримые соперники за внимание императора -- Красс (Александр Шаповал) и Помпей (Ярослав Ткачук).
Станислав Ольшанский убедителен в роли диктатора -- у него властные жесты, он царил на сцене и в танце, демонстрируя чудесную технику и высокого полета прыжки.
Тут в музыку вплетается страстная тема: это любовница Цезаря -- знойная красавица Кифридия (Ольга Кифяк) -- спешит выразить свою преданность и любовь. Чувственный танец с зазывными колыханиями бедер, гибкими позами восточной танцовщицы и ласками (кстати, этот балет показателен по количеству сценических поцелуев, но тут атмосфера, как говорится, обязывает: кровавые страсти на арене Circus Maximus, оргии, гетеры…) прерывается, когда на сцене появляется законная супруга Гая Юлия -- Кальпурния, ее партию блистательно исполнила Анастасия Шевченко.

Если говорить в общих чертах, то первые две картины первого действия выдержаны в лиричном ключе -- здесь нежный дуэт Цезаря и Кальпурнии с эффектными поддержками (особо сложные сопровождались аплодисментами), красивого хореографического рисунка танец девушек.
Но если вы жаждете подлинных «хлеба и зрелищ», ваш интерес утолят после антракта.

Пинии и оргии

В искусстве немало примеров, когда композиторы, художники, сценаристы обращались к образу диктатора, которому ничего не стоило «прийти, увидеть и победить» и изречь пресловутое «Жребий брошен», но, как правило, помимо побед на поле брани и с своими доморощенными врагами-сенаторами, их пленяла история любви с красавицей Клеопатрой.
Не обошли своим вниманием этот любовный и стратегический союз ни живописец Жан-Леон Жером, ни великий Гендель, сочинивший оперу «Юлий Цезарь в Египте», ни Бернард Шоу, написавший пьесу «Цезарь и Клеопатра». Однако создатели балета покрыли эту шаблонную тему красноречивым молчанием, не упомянув о Клеопатре ни в полслова, ни в полшага.
Их история зиждется на последних днях великого диктатора в мартовские иды (тут прослеживается отсыл к Шекспиру и его трагедии «Юлий Цезарь»), когда тот пал от рук заговорщиков.
Музыка Респиги сама подсказывает ход действу: шум толпы, грохот колесниц, тяжелая поступь в музыке оркестра, жалобная тема у струнных и духовых -- это гладиаторские бои на арене цирка, тут сражаются насмерть ретиарий (боец с сетью и трезубцем) и воин с бичом. Полет хореографической фантазии ничто не сдерживает, потому впечатляет пластика, эффектные парные движения и прыжки, почти осязаема экспрессия солистов от ощущения удали и «силушки богатырской».
Выразительную авторскую партитуру (тут без труда можно услышать журчание фонтанов, пение птиц, звуки шарманки, мерное колыхание от ветра пиний) не менее выпукло озвучил оркестр под управлением Николая Дядюры. Наряду с римской трилогией музыканты играют редкое сочинение композитора, вплетенное в сюжетную канву -- балет 1931 г. «Белкис, царица Савская».

В ряду номеров, удостоенных рукоплесканий зала, -- сцена учебного боя умудренного жизнью легионера и мальчика-подростка, танцор продемонстрировал хорошую технику прыжка и ловкое владение «холодным оружием».
Трогательно выглядит встреча матерей в траурных одеждах, которые проклинают Цезаря за смерть своих сыновей.
С этого момента колесо судьбы уже не остановить, история движется к своему трагическому финалу. Сначала смерть верного Красса, а потом и самого императора. В финале он, истерзанный ударами кинжалов, стоит на коленях, раскинув руки, а над и Вечным городом возвышается его символ -- орел и девиз S.P.Q.R.

Похоже, премьерная постановка удалась, она пополнит ряд красочных «национальных» балетов, таких как «Грек Зорба», «За двумя зайцами», «Треуголка» и многих других. Важно при этом, что римская тема не повторяет ни словом, ни делом другой балет из репертуара Национальной оперы -- «Спартак» Хачатуряна. Художник по костюмам (Наталья Кучеря) и художник-постановщик (Станислав Петровский) сумели найти абсолютно иной сценический язык, оформление спектакля и подход к созданию одежды героев.

Что ж, жребий брошен. Каковы будут его культурные последствия, покажет уже следующий театральный сезон.

ФОТОГАЛЕРЕЯ на сайте
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3565

СообщениеДобавлено: Сб Июн 30, 2018 12:04 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018062903
Тема| Балет, Донбасс Опера, Персоналии, Ирина Комаренко
Автор| ЦЕСАННА АНТОНЕНКО
Заголовок| " Прима Донбасс Оперы Ирина Комаренко: балет – это моя жизнь, как я могла его оставить
Где опубликовано| © Комсомольская правда. Донецк
Дата публикации| 2018-06-29
Ссылка| https://www.donetsk.kp.ru/daily/26849.7/3890546/
Аннотация| интервью


ФОТО: рекламный отдел Донбасс Оперы

В эксклюзивном интервью «Комсомолке» Прима Донбасс Оперы рассказала, как она попала в балет и как сложилась её карьера на сцене

Заслуженная артистка Украины, Народная артистка Донецкой Народной Республики, Прима-балерина Донецкого государственного академического театра оперы и балета имени А.Б. Соловьененко Ирина Владимировна Комаренкоизвестна всем ценителям и поклонникам балета. Можно взять любое либретто к любому балету Донбасс Оперы, и вы непременно увидите её имя напротив ведущей партии. «Комсомольская правда» узнавала, как Ирине Комаренко удаётся держать себя в такой потрясающей форме и какие у неё планы на дальнейшую карьеру.

Мало кто знает, но Ирина Владимировна начинала вовсе не как балерина. В детстве она была великолепной, подающие большие надежды гимнасткой, но предпочла хореографию. Сложно не спросить, почему?
— Я занималась спортивной гимнастикой и вольные упражнения, где присутствует хореография, мне всегда удавались лучше остальных. Наверно, природой у меня это заложено, — смеётся Ирина Комаренко. — К тому же, мне очень повезло с тренером. Она в прошлом была балериной и, видимо, разглядела во мне что-то, увидела. Так я и попала в балет.

Ирина Владимировна станцевала бессчетное количество образов и постановок. «Пер Гюнт», «Спящая красавица», «Лебединое озеро», «Дон Кихот», «Лесная песня», «Корсар» – можно перечислять ещё очень долго, но нам стало интересно, а какой же образ у Примы любимый.
— Ой, у меня нет любимого образа, я люблю разнообразие, разноплановость. Скучно всё время танцевать одно и то же, поэтому я стараюсь выходить за рамки, тогда и зрителю интересно, и мне тоже, — поделилась с нами Ирина. — Есть много постановок, которые я бы очень хотела станцевать, но мне не довелось: «Анна Каренина», «Евгений Онегин», «Легенды о Любви». Их в нашем репертуаре нет. Во всяком случае, пока нет, — улыбнулась Прима.

Впрочем, не справедливо будет сказать, что Ирина Комаренко всегда танцевала только в Донецке. Она – звезда мировой величины и успела поработать в США, где её всегда принимали с восторгом и почитанием. Решение уехать далось Ирине Владимировне нелегко, но она о нём нисколько не жалеет.
— Знаете, Америка – это интересный период в моей жизни. У нас была уникальная труппа, русская, такую там больше не найдёшь. Я много нового для себя станцевала, поработала с большими профессионалами, многому научилась, а потом просто вернулась домой, — рассказала нам Ирина Владимировна.

В театре оперы и балеты вы едва ли найдёте такую же смелую, самоотверженную балерину. Она не боится ничего: прыжки – значит прыжки, поддержки – будут поддержки, длинные постановки на выносливость, невероятные соло и сложнейшие образы. Как же ей это удаётся?
— Дело в том, что ничего прямо сверхъестественного в этом нет. Все эти поддержки мы проходим в хореографическом училище, они нам знакомы. К тому же никто не бросается в омут с головой. Сначала всё продумывается нашим хореографом, потом тщательно разбирается на репетициях, нас страхуют всегда, — рассказывает нам Ирина. — У меня большой опыт дуэтного танца, а балет – это почти всегда дуэт, – поэтому во многом мне легче, чем нашим молодым балеринам. Я доверяю своему партнёру, а он – доверяет мне. Так это и работает.

Месяц у Ирины Владимировны выдался сложный и напряжённый. Сначала творческий вечер, потом – премьера «Лесной песни» – сложнейшего балета в трёх актах. Мы не смогли удержаться от вопроса: как Ирине удаётся справляться, как она держит себя в такой потрясающей форме и какие у неё сейчас ощущения.
— Опустошение, — честно признаётся Прима. — Сначала была очень долгая и нервная подготовка к творческому вечеру, потому что звучит это громко и ожидания от нас были очень высокие. Мы много раз меняли программу, всё думали-передумывали и всё равно не смогли показать всё, что мне бы хотелось. В частности из-за подготовки к «Лесной песне». Премьера тоже прошла нервно, но вроде бы всё получилось. Сейчас, после всех стрессов и переживаний, просто хочется выдохнуть и отдохнуть, — поделилась с нами Ирина.

Балет – это очень сложное искусство, которое требует к себе невероятного внимания, постоянной строгости и дисциплины. Неужели за 26 лет на сцене, у Ирины Комаренко никогда не было мысли оставить его, уйти в педагоги или выбрать более щадящее занятие? Оказывается – не было!
— Это моя профессия, моя жизнь, как я могу его оставить? Нет-нет, я об этом и не думала никогда. Я – балерина и это, как говорится, диагноз. Сейчас, конечно, уже подумываю оставить сцену, но мне пока не отпускают, — смеётся Ирина. — Мне всё-таки хочется со сцены уйти, а не уползти, — добавляет она.

Нам сложно представить себе балерину, которая смогла бы заменить Ирину Комаренко на сцене Донбасс Оперы. Несмотря на не такой уж и большой возраст, она всегда дарит зрителю ощущение полёта, лёгкости, грациозности. Сама Прима признаётся, прямо сейчас никто не сможет взять на себя весь репертуар, но преемницу свою она уже видит.
— Мы долго искали, долго думали, и вот сейчас во многих спектаклях меня заменила Лена Онищенко. Она за четыре года сделала огромную работу, сильно выросла и в будущем сможет полностью меня заменить, если будет держаться в том же духе. Она молода у неё ещё есть время, чтобы всему научиться, — поделилась Ирина.

И в её словах мы уловили уже не ученический, а учительский тон. Тон наставника, который рассказывает о своём ученике, поэтому сразу же спросили: когда оставите сцену, станете педагогом?
— Ой, если будет возможность, я с удовольствием, — с энтузиазмом соглашается Ирина.

Мы, на самом деле, даже не сомневаемся, что возможность обязательно будет, но до этого Ирина Комаренко ещё не раз порадует нас на сцене Донбасс Оперы. Всё-таки она не просто так считается народной Примой. Её любят, просто обожают, многие выбирают представления, где она обязательно будет танцевать, чтобы снова и снова окунаться в этот океан таланта, обаяния, грациозности и лёгкости.
— Я очень благодарна нашему зрителю за поддержку, за то, что он к нам приходит, что смотрит и аплодирует – это дорогого стоит. Конечно, сейчас у нас стал меньше репертуар, но постепенно мы это исправим, потому что пока наш зритель с нами все преграды нам по плечу, — уже прощаясь, сказала нам Ирина Комаренко и улыбнулась.

Мы её с готовностью заверили: зритель всегда будет с вами, а вместе с ним и «Комсомолка»!

ФОТО по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3565

СообщениеДобавлено: Сб Июн 30, 2018 12:09 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018062904
Тема| Танец, фестиваль в Монпелье, Персоналии, Доминик Багуэ, Акрам Хан
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| " Хан и соло
В Монпелье проходит XXXVIII фестиваль современного танца

Где опубликовано| © Газета "Коммерсантъ" №112 от 29.06.2018, стр. 11
Дата публикации| 2018-06-29
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/3670630
Аннотация| фестиваль


Фото: Nicol Vizioli / Jean-Louis Fernandez

В столице провинции Лангедок-Руссильон открылся ежегодный фестиваль современного танца — старейший во Франции и один из главных в мире. В этом году он вновь подтвердил репутацию первопроходца, собрав рекордное количество мировых премьер. Из Монпелье — Татьяна Кузнецова.

Оплотом еретиков Монпелье прослыл в Средние века, когда здесь хозяйничали катары. Спустя столетия, в 80-х годах прошлого века, городом овладели еретики от балета во главе с хореографом Домиником Багуэ; их цитаделью стал бывший монастырь урсулинок. Международный фестиваль — танцевальный диспут и изучение новых доктрин — организовал тоже Багуэ, незадолго до своей ранней смерти от СПИДа в 1991 году, а продолжил первый директор фестиваля Жан-Поль Монтанари, который по сей день является его бессменным, единственным и весьма искушенным куратором: не формулируя концепций, но провоцируя приглашенных авторов на новые постановки, он предъявляет миру тенденции раньше, чем они сформировались. В этом году на 18 участников фестиваля пришлось 15 creation — мировых премьер, без новинок приедут только большие и успешные труппы — Нидерландский театр танца и Национальный балет Испании.

По правде говоря, «мировая премьера» далеко не всегда тождественна художественной новизне. И куратор Монтанари первым отважился назвать вещи своими именами, определив в носители прогресса не талантливых одиночек, а ведущие компании с их мощным артистическим составом, финансовым потенциалом и возможностью ангажировать самых интересных авторов; время молодых гениев-самоучек, рождающих шедевры из подручного материала, безвозвратно ушло. Современный танец вообще постарел: среди хореографов фестиваля нет никого моложе сорока. Вторая очевидная тенденция — пресыщенность экзотикой: в программе отсутствуют обитатели противоположного берега Средиземного моря, а ведь в прошлые годы авторы из Северной Африки (а тем более из глубин этого континента) слыли изюминками на фестивальном торте. Похоже, многоопытный Монтанари раньше других понял, что волнующая экзотичность чужестранцев становится житейской рутиной, которая и без сцены сполна насыщает интерес местной публики.

Это, конечно, не означает демонстративной замкнутости на европейских темах: сенсацией первой части фестиваля стал именно «Чужестранец» («Xenos») — новая постановка британца Акрама Хана, в которой этот выходец из семьи эмигрантов-бангладешцев исследует проблемы собственной идентичности, погружаясь в прошлое своей исторической родины. Хореограф, сделавший блистательную мировую карьеру, и раньше эксплуатировал национальную тему. Не только эстетически и технически (скрестив древний индийский катхак с современной пластикой, он изобрел оригинальный, прославивший его танцевальный язык), но и сюжетно: его лучшие спектакли («Desh», например) основаны на воспоминаниях детства и рассказах старших членов семьи об идеализированном Бангладеш. Но в сольном 75-минутном «Чужестранце», созданном Ханом с композитором Винченцо Ламаньей и пятью музыкантами по сценарию Рут Литтл, хореограф идет еще дальше. Он погружается в драматические глубины истории: это спектакль о шести миллионах сипаев, вырванных Первой мировой из индийского Эдема, брошенных в окопы, утративших все и выживших вопреки всему. Хореограф, сказавший перед выступлением, что в этой работе он подводит итоги собственного пути, отрефлексировав важнейшие для него темы — жизни и смерти, времени и памяти, был совершенно искренен: такой неистовой исповедальности, с какой он исполняет этот сложнейший спектакль, в работах Акрама Хана — в принципе очень открытого и темпераментного танцовщика — видеть еще не доводилось.

«Xenos» в общем-то бесхитростен, хотя сценограф Мирелла Вайнгартен и художник по свету Майкл Халлс превратили танцевальное соло в монументальное и чрезвычайно динамичное зрелище. На уровне второй кулисы планшет сцены вздымается крутой горой. Гребень этого бруствера — вторая сценическая площадка, его откос — многозначная метафора, разъясняющая и без того довольно прозрачный сюжет, разделенный на три смысловые части. Первая, этнографическая, начинается еще во время сбора публики: на авансцене среди ковров, низких столиков и разбросанных подушек два индийских музыканта выпевают-выстукивают ритмично-шуточный диалог, и барабаны в их руках соперничают с речевой скороговоркой. Акрам Хан вываливается на сцену внезапно: стреноженный канатом, он падает, круша игрушечную идиллию,— так начинается эпопея его героя, вобравшего в себя шесть миллионов жизней «чужестранцев».

Первое, «индийское», соло Акрама Хана — выстукивания, вращения, переливы рук, мгновенные патетические остановки — полно отчаяния от утраты рая. Длинные нити национальных ножных бубенцов превращаются в кандалы, канаты, спущенные с бруствера, утаскивают за его гребень предметы мирного быта, умолкают, исчезают со сцены позитивные индусы. Вторая, полупантомимная, часть спектакля проходит на экстремально узком гребне бруствера. Высоко над ним, слабо высвеченные, висят в непроглядной тьме пять музыкантов. Музыка придает «военному» эпизоду потусторонний оттенок: сочетание контрабаса, альта, бас-саксофона и индийского барабана звучит инфернальной тризной, отправляемой по случаю смертей героя — персонаж Хана, то вышагивающий, то крадущийся, то замирающий по стойке «смирно» на бровке укрепления, погибает многократно, каждый раз по-разному: зависая на канатах, катясь, сползая, рушась с откоса на авансцену и вновь карабкаясь на бруствер. В финале под звуки моцартовской «Lacrimosa», перемежаемой индийским пением, умирающий герой в конце грандиозного танцевального соло обнаруживает вещественное основание для утверждения жизни: сотни кедровых шишек скатываются с вершины бруствера, подтверждая ее вечность и неизменность.

Очевидность замысла, как и иллюстративность режиссерских ходов, отнюдь не вредит этому спектаклю: великий дар актера Хана любую банальность способен превратить в откровение. Танцовщик Хан — сильно похудевший и слегка постаревший — тоже безупречен, разве что спина утратила былую гибкость. Несравненны его летающие, порхающие, стонущие, шепчущие руки; ошеломляющи вращения — круги шене по суживающейся в одну точку спирали, вихри пируэтов при извивающемся корпусе; восхитительно разнообразны и отчетливы выстукивания босых пяток, неподражаемы координация и сценическая органика. Но то, что не замечают зрители,— адские перегрузки на пределе физических сил — чувствует сам танцовщик: перед фестивалем 44-летний Акрам Хан уже объявил, что «Xenos» — последний спектакль, который он танцует лично. Найдет ли он исполнителей, равных себе, какими станут его спектакли без главного действующего лица, не окажется ли уход со сцены танцовщика Хана концом мифа о Хане-хореографе, узнаем в недалеком будущем, когда фестивальный Монпелье в очередной раз пригласит своего любимца и завсегдатая утверждать бессмертие танца — постаревшего, но все равно современного.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3565

СообщениеДобавлено: Сб Июн 30, 2018 2:17 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018063001
Тема| Балет, "Балет Цюрих", Персоналии, Викторина Капитонова
Автор| Маша Хинич и Соня Нимельштейн
Заголовок| Балерина Викторина Капитонова о романе и балете "Анна Каренина"
Где опубликовано| © NEWSru.co.il: новости Израиля
Дата публикации| 2018-06-26
Ссылка| http://www.newsru.co.il/rest/26jun2018/karenina.html
Аннотация| интервью


Балерина Викторина Капитонова о романе и балете "Анна Каренина"
Фото: Monika Rittershaus. Предоставлено организаторами гастролей



С 26 по 30 июня на сцену Израильской Оперы выйдут герои великого русского романа "Анна Каренина". Новое прочтение Толстого представит немецкий хореограф Кристиан Шпук и швейцарский "Балет Цюрих". Израильский зритель увидит новую по стилю и образному решению постановку со смешанным лексиконом движений из элементов современного танца и классического балета.
В роли Анны Карениной появится Викторина Капитонова, которую в свое время хореограф Хайнц Шпёрли пригласил из Московского музыкального театра им. Станиславского и Немировича-Данченко в Цюрихский Балет. Викторина, безусловно, лучший кандидат на роль Анны – кто, как не русская балерина может наилучшим образом передать все эмоции и переживания главной героини?
Несколько лет назад в свой день рождения Викторина получила в подарок от Шпука роман "Анна Каренина" и с того момента начала вживаться в роль, стараясь максимально прочувствовать образ главной героини. Как призналась балерина, давалось ей это очень нелегко. И даже после блестящей премьеры, после которой Викторина около часа приходила в себя, а немало зрителей прослезились, растроганные ее мастерством, она призналась, что не может понять Анну, не одобряет ее, и сама бы так никогда не поступила.

Накануне израильской премьеры балета "Анна Каренина", поставленного по роману Льва Николаевича Толстого, организаторы гастролей поговорили с Викториной Капитоновой о том, как балет стал делом ее жизни и о ее роли в спектакле "Анна Каренина".
Текст подготовили Маша Хинич и Соня Нимельштейн.

Викторина, расскажите, как вы начали заниматься балетом, кто вас вдохновил, может быть, кто-то танцевал в семье?

В семье никто не танцевал. Когда мне было 5 лет, мама записала меня и мою сестру в самодеятельную школу при Доме искусств, а через 5-6 лет, когда мне было 11, мой педагог сказала маме, что у меня есть данные, и ей стоит отправить меня обучаться балету.

Викторина, когда вы поняли, что балет будет вашей профессией, что именно это и есть ваше призвание?

В тот момент, когда мама последовала совету моего первого педагога, и мы поехали искать, где лучше начать заниматься профессиональным балетом, я еще не думала о балете, как о деле жизни, конечно, мне очень нравилось, но осознание пришло чуть позже. Когда мы нашли балетную школу в Казани, и мама не хотела меня отпускать, вот тогда я почувствовала, что мне очень хочется танцевать и стать балериной. Думаю именно с этого момента мысль о том, что балет может стать моей профессией начала прорастать.

Какой был первый балет, в котором вы танцевали главную партию?

Это был "Щелкунчик", я танцевала Марию, в Казанском театре.

До того, как вы попали в "Балет Цюрих", вы танцевали в Московском музыкальном театре им. Станиславского и Немировича-Данченко.

Да, я проработала в театре Станиславского два сезона. На тот момент им руководил Сергей Филин.

Как вы попали в "Балет Цюрих"?

Получилось все неожиданно. Один из моих друзей танцовщиков в театре Станиславского решил попробовать продолжить карьеру в Европе, он поездил по европейским театрам и получил контракт в балете Цюриха, а через месяц позвонил мне и сказал, что им требуется балерина, и он подумал про меня.

Есть один очень трогательный момент, который связан с балетом "Анна Каренина", который будет впервые представлен в Израиле 26 июня, и где вы будете танцевать главную партию. Об этом написано совсем немного, но правда ли то, что этот балет был создан Кристианом Шпуком специально для вас?

Когда я начала работать в "Балете Цюрих", его руководителем был Хайнц Шпёрли. Потом ему на смену пришел Кристиан Шпук. Его стиль танца был менее классический, чем тот, к которому я привыкла на тот момент, и поэтому, возможно, у нас и не получалось более тесного взаимодействия, и я в течение трех лет мало что танцевала в его балетах, в общем, ничего серьезного. Прошло время, и мы присмотрелись друг к другу, притерлись? и он поставил для меня "Анну Каренину". Это более классическая версия балета, чем все другие его работы.

Можно ли сказать, что этот балет не совсем неоклассика, а ближе к настоящему классическому балету?

Да, можно сказать, что ближе к классике, но все равно это не полностью классический балет, потому что есть движения, но их невозможно увидеть, прочитать, из-за того, что у нас объемные длинные костюмы, стилизованные под ту эпоху. Только в картине, которая рассказывает о путешествии в Италию более отчетливо можно прочитать классический стиль.

Образ Анны Карениной очень непростой образ. Насколько вы смогли его прочувствовать, насколько он вам близок, может быть – это женский идеал для вас?

Если честно, то мне очень тяжело понять Анну. И стало еще более тяжело понять, после того, как у меня появился ребенок. Видимо, это связано с эпохой и другими общественными правилами, но я могу представить ее чувства, которые она испытывала, если бы вдруг у меня не было возможности быть рядом со своим ребенком. Именно в такой ситуации я могу ее понять, как это тяжело – разлука с ребенком, который для нее, как воздух. Пока что, только этот момент мне близок в образе Анны.

И, тем не менее, поскольку этот балет создан для вас, критики считают, что вы - идеальная Анна Каренина, что вы лучшая исполнительница этой партии, можно сказать вершина исполнения. Создается впечатление, что образ глубоко прочувствован вами до самых мелочей. Как вам удается при внутреннем несогласии с героиней так глубоко и искренне передать ее драму на сцене?

Я всегда иду от себя, из своего внутреннего состояния. Я представляю, что происходило бы со мной в данной ситуации, как бы я переносила одиночество, когда человек рядом с тобой тебя не понимает. Этот опыт и эти ощущения я беру из реальной жизни из похожих ситуаций, которые бывают у всех, и я это состояние переношу на сцену. И, если человек знает, как это тяжело, то это невозможно спрятать. Конечно, тяжело совместить хореографию со своими собственными чувствами в момент исполнения – ведь нужно контролировать движения, но, в то же время, с другой стороны, лучше не думать о движениях, а идти за чувствами, и тогда они проявляются в пластике, возникает нужный визуальный образ. Я очень много смотрю свои видео и продолжаю по ним учиться и совершенствовать какие-то моменты, чтобы они визуально воспринимались более достоверно.

Совсем недавно на сцене в Цюрихе вы исполнили главную партию в "Лебедином озере" в восстановленной постановке Алексея Ратманского. По вашему ощущению, какова сейчас основная тенденция, движение в классическом балете – к ремейкам прежних постановок, к их точному восстановлению, или к полному обновлению и новому их осмыслению?

Алексей Ратманский восхищается хореографией Мариуса Петипа. Сложность в том, что сейчас многое утрачено - балетная техника все время развивается. Конечно, Алексей постарался поставить ближе к оригиналу, ближе к первоисточнику, очень скрупулезно следую записям и стилистике – постановке корпуса и пантомиме, которые очень важны. Однажды он сказал, что балерина может быть высокотехнична, но если она не может выразить себя через пантомиму, то ничего не получится. Конечно, невозможно исключить те моменты, которые связаны с совершенствованием балета, но тенденция все-таки восстановить его первоначальный вид.

Два года назад вы уже выступали в Тель-Авиве в постановке "Ромео и Джульетта" Цюрихского балета. Какие у вас впечатления от израильской публики?

Мне очень понравилось выступать в Израиле. Был теплый и радушный прием – это как приехать домой. Очень жаль, что в этот раз я танцую всего одно представление, и я надеюсь, что не разочарую зрителей, а наоборот любители балета получат огромное удовольствие.


Викторина Капитонова родилась в России, училась в Казанском хореографическом училище и в Московской государственной академии хореографии. С 2005 танцевала в Татарском государственном академическом театре оперы и балета им. М.Джалиля, где исполняла сольные партии в "Лебедином озере", "Спящей красавице", "Дон Кихоте", "Баядерке", "Коппелии" и "Щелкунчике". В 2008 стала победительницей Открытого конкурса артистов балета "Арабеск" в Перми.
В сезоне 2008/09 танцевала в Московском академическом Музыкальном театре имени К. С. Станиславского и В. И. Немировича-Данченко, а в 2010 была приглашена в Балет Цюриха, где исполняет главные партии классического репертуара. Среди новых работ — заглавная роль в "Анне Карениной" Кристиана Шпука, которую хореограф создал специально для нее, а также партии Жизели и Мирты в "Жизели" Роберто Болле и Фридемана Фогеля.
Наряду с классическими партиями, в ее репертуар вошли роли в балетах Начо Дуато, Джорджа Баланчина, Матса Эка, Иржи Килиана, Уэйна Макгрегора и Мартина Шлепфера. В рамках программы поддержки молодых хореографов Балета Цюриха она представила свою собственную постановку "Два тела — одна душа". В 2015 году получила танцевальный приз "Друзей Балета Цюриха".
Викторина исполнила роль Одили/Одетты в воссозданном Алексеем Ратманским балете "Лебединое озеро", мировая премьера которого состоялась в Цюрихском оперном театре в феврале 2016 года.

Балетная труппа Цюрихской оперы – самая крупная в Швейцарии и одна из крупнейших в Европе балетных групп. С 1996 по 2012 год труппой руководил швейцарский хореограф Хайнц Шпёрли, превративший эту балетную компанию в ведущий европейский балетный ансамбль. Труппа эта славится гармоничным сочетанием современного абстрактного балета, классических традиций и уровнем профессионализма танцовщиков. Так что, неудивительно, что с Балетом Цюриха работали такие выдающиеся хореографы, как Уильям Форсайт, Иржи Килиан, Матс Эк, Охад Нагарин, Уэйн МакГрегор и другие.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
I.N.A.
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 07.05.2003
Сообщения: 7901
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Июн 30, 2018 1:01 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018063002
Тема| Балет, МГАХ
Автор| Павел Ященков
Заголовок| Москва пышно отметила день рождения русского балета
Где опубликовано| Московский комсомолец
Дата публикации| 2018-06-28
Ссылка| http://www.mk.ru/culture/2018/06/28/moskva-pyshno-otmetila-den-rozhdeniya-russkogo-baleta.html
Аннотация| В Большом вспомнили об уроке танцев


фото: Михаил Логвинов / МГАХ

На Исторической сцене Большого театра своими выпускными концертами отметили знаменательные даты два старейших учебных заведения России: Московская государственная академия хореографии — ей исполнилось 245 лет, и Академия русского балета им. Вагановой, которая отпраздновала свое 280 летие.
4 мая 1738 года считают днем рождения русского балета. В этот день императрица Анна Иоанновна собственноручно подписала августейший указ об открытии «Танцевальной Ея Величества школы» и определила в нее 12 девочек и 12 мальчиков, число в два раза большее, чем указал в челобитной французский балетмейстер Жан-Батист Ланде — основатель училища. Уж очень любила царица, решившая превратить Петербург в северный Париж, балы, маскарады с фейерверками и прочее веселье.
Московское училище несколько моложе. Годом его основания принято считать 1773 й. В этот год в Воспитательном, или Сиротском, доме, созданном по повелению другой императрицы, Екатерины II, в 1764 году, выстроили сцену. В Сиротский дом принимали сирот и подкидышей, обучая их ремеслам, наукам и всевозможным искусствам, включая танцы. В них-то воспитанники, к удивлению начальства, и демонстрировали самые большие успехи.
Первый урок танцев провел здесь итальянец Мисоли, а учились танцевальному искусству в год основания школы 54 девочки и мальчика. Первые пять лет по четыре раза в неделю по четыре часа их обучали этой премудрости опять же итальянцы Филиппо Беккари и его жена. Как раз тогда предприимчивый антрепренер Карл Книппер организовал петербургскую труппу, так что школа первоначально готовила танцовщиков совсем не для московских, а для столичных петербургских театров.
Сейчас школе 245 лет, и состоявшийся к этой дате отчетный концерт продемонстрировал, что школа под руководством ее ректора Марины Леоновой — на сегодня одно из лучших хореографических учебных заведений в мире. Программа концерта была посвящена еще одной дате, отмечаемой академией, — 200 летию со дня рождения создателя мирового классического балетного репертуара Мариуса Петипа, поэтому первая и третья части составлялись почти исключительно из произведений мастера.
Один из красивейших танцевальных ансамблей Петипа — сюиту «Оживленный сад» из балета «Корсар», созданную хореографом в 1868 году (то есть сразу вслед за парижской версией Жозефа Мазилье 1867 года), показали в первом отделении отчетного концерта. Для московской академии ее поставил тонкий реставратор старины Юрий Бурлака.
4 мая 1738 года считают днем рождения русского балета. В этот день императрица Анна Иоанновна собственноручно подписала августейший указ об открытии «Танцевальной Ея Величества школы» и определила в нее 12 девочек и 12 мальчиков, число в два раза большее, чем указал в челобитной французский балетмейстер Жан-Батист Ланде — основатель училища. Уж очень любила царица, решившая превратить Петербург в северный Париж, балы, маскарады с фейерверками и прочее веселье.
Московское училище несколько моложе. Годом его основания принято считать 1773 й. В этот год в Воспитательном, или Сиротском, доме, созданном по повелению другой императрицы, Екатерины II, в 1764 году, выстроили сцену. В Сиротский дом принимали сирот и подкидышей, обучая их ремеслам, наукам и всевозможным искусствам, включая танцы. В них-то воспитанники, к удивлению начальства, и демонстрировали самые большие успехи.
Первый урок танцев провел здесь итальянец Мисоли, а учились танцевальному искусству в год основания школы 54 девочки и мальчика. Первые пять лет по четыре раза в неделю по четыре часа их обучали этой премудрости опять же итальянцы Филиппо Беккари и его жена. Как раз тогда предприимчивый антрепренер Карл Книппер организовал петербургскую труппу, так что школа первоначально готовила танцовщиков совсем не для московских, а для столичных петербургских театров.
Сейчас школе 245 лет, и состоявшийся к этой дате отчетный концерт продемонстрировал, что школа под руководством ее ректора Марины Леоновой — на сегодня одно из лучших хореографических учебных заведений в мире. Программа концерта была посвящена еще одной дате, отмечаемой академией, — 200 летию со дня рождения создателя мирового классического балетного репертуара Мариуса Петипа, поэтому первая и третья части составлялись почти исключительно из произведений мастера.
Один из красивейших танцевальных ансамблей Петипа — сюиту «Оживленный сад» из балета «Корсар», созданную хореографом в 1868 году (то есть сразу вслед за парижской версией Жозефа Мазилье 1867 года), показали в первом отделении отчетного концерта. Для московской академии ее поставил тонкий реставратор старины Юрий Бурлака.
Надо сказать, что никакое другое балетное учебное заведение в мире не сможет с подобной стилистической тонкостью и изяществом одолеть такую сложную вещь. Как когда-то у самого Петипа (в версии 1899 года), в балетных ансамблях здесь занято 68 (!) человек, то есть на сцену перед нами вышла почти вся московская академия: от учеников младших классов до нынешних выпускников. (Ну кто еще такое потянет?) При этом выступление питомцев Московской академии разительно отличалось от того, которое мы видели совсем недавно — на вечере, посвященном Петипа в Музыкальном театре Станиславского и Немировича-Данченко: на этот раз стройные в своей симметрии и упорядоченности кордебалетные ряды были музыкальны и поэтично одухотворены.
Особо бурно принимала публика вставленное в сюиту па-де-де из этого балета в исполнении Елизаветы Кокоревой (педагог Татьяна Гальцева) и Дениса Захарова (педагог Денис Медведев) — «золотых» лауреатов последнего Московского международного конкурса. Елизавета только окончила второй курс, и выпуск ей еще только предстоит. А Денис уже зачислен в качестве артиста кордебалета в Большой театр. Мало того, уже успел выступить там в балете «Спящая красавица» в культовой партии Вацлава Нижинского — Голубой птицы (па-де-де Голубой птицы и принцессы Флорины). Так что юноша имеет большие перспективы, и выступление на отчетном концерте еще раз это доказало.
«Вариации на тему рококо», показанные во втором отделении вечера, — пачечный неоклассический балет в стиле российско-американского хореографа Джорджа Баланчина. Он был поставлен главным балетмейстером Пермского театра оперы и балета Алексеем Мирошниченко первоначально на учеников пермского училища, а потом перенесен хореографом и в местный театр. Ученикам Московской академии он тоже пришелся впору, хотя и достаточно условно вписывается в концепцию вечера, посвященного, напомним, 200 летию Петипа. Зато отсылает ко времени первоначального формирования балетного театра.
Название балета «Вариации на тему рококо» происходит от названия музыкального цикла Чайковского «Вариации на тему рококо для виолончели с оркестром», который композитор сочинял в 1876–1877 годах, т.е. как раз параллельно с созданием музыки к балету «Лебединое озеро». Впрочем, никакого соответствия «лебединым темам» в балете Мирошниченко нет.
Хореограф обращается тут к эпохе рококо — эпохе придворных спектаклей и балов, модных в царствование Людовика XV. Из танца тогда исчезла та величественность и торжественность исполнения, которая была принята при дворе короля-солнце Людовика XIV, а благодаря воцарившейся повсеместно легкости нравов придворно-хореографическому искусству того времени стала присуща некоторая двусмысленная манерность и грация, которую мы можем ощущать также в манере живописцев того времени — Ватто, Ланкре и Буше.
Лейтмотив рококо (от французского rocaille — буквально: украшение из раковин) — асимметрия и вычурность линий — характерны и для балета Мирошниченко. В этом балете, как и во всяком произведении искусства эпохи рококо, важен не легкомысленный сюжет, которого в сущности в нем и нет, а любование формой: красотой рук и ног, окультуренностью стоп, изнеженной манерностью и грациозностью движений. И танцовщики, занятые в двух па-де-де и одном па-де-труа, как нельзя лучше справляются с возложенными на них довольно сложными хореографическими задачами.
Не обошлось на этом отчетном концерте и без потерь: русско-японский танцовщик Марк Чино заменил Марчелло Пелиццони — необыкновенно обаятельного итальянца, одного из лучших выпускников этого года, который сломал ногу прямо перед концертом на просмотре в Музыкальном театре Станиславского и Немировича-Данченко.
Самого же Марка Чино — выпускника Московской академии прошлого года, а сейчас артиста Большого театра, зрители могли еще увидеть в третьем отделении концерта в па-де-де из балета «Спящая красавица», которое он станцевал с выпускницей Елизаветой Егоровой. За год работы в театре Чино перешел в «высшую танцевальную лигу», превратился в танцовщика экстра-класса, практически уже готового солиста, способного выходить и в премьерских партиях. (В сущности он их в Большом уже и танцует: вставное па-де-де в балете «Жизель» и сольная партия в «Этюдах» Ландера — балете суперсложном и коварном). Партию принца Дезире на концерте Чино станцевал удивительно чисто, даже с премьерским шиком, отчетливо артикулируя движения и покоряя элегантностью.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение Отправить e-mail
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 10844

СообщениеДобавлено: Вт Июл 03, 2018 1:50 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018063101
Тема| Музыка, Опера, Башкирский государственный театр оперы и балета , Персоналии,
Автор| Гульназ Данилова (Уфа)
Заголовок| Меню для балетоманов
Чем Башкирский театр оперы и балета удивит публику?
Где опубликовано| © «Российская газета - Неделя – Башкортостан»
Дата публикации| 2018-06-29
Ссылка| https://rg.ru/2018/06/29/reg-pfo/v-ufe-startoval-novyj-baletnyj-proekt-dmitriia-antipova.html
Аннотация| Премьера

Сегодня мировой премьерой одноактных балетов "Рапсодия" на музыку Сергея Рахманинова и "Времена года или Таинственный сад" Александра Глазунова Башкирский государственный театр оперы и балета закрывает 80-й сезон.Постановка, которая войдет в репертуар, приурочена к юбилею Рудольфа Нуреева и к завершению Года балета в России. Но это – только часть проекта, который стартовал в Уфе в день рождения Рудольфа Нуреева. Подробнее о нем корреспондент "РГ" попросил рассказать автора - известного хореографа и артиста балета Дмитрия Антипова.

- Дмитрий, как появился проект и что он собой представляет?
- Еще в студенческие годы я мечтал побывать на родине Рудольфа Нуреева. Тогда мне это не удалось, но мечта осталась и начала сбываться, когда появилась возможность участвовать в Нуреевском фестивале. У уфимского театра хорошее имя в балетном мире, и мне как балетмейстеру-постановщику захотелось поработать с ним, создать что-то красивое и необычное. К счастью, наши интересы совпали - по концепции, материалу, идее и тематике постановок, которые я разрабатывал и которые искал театр. Получилось, что мы строили один мост, только с противоположных концов и, наконец, встретились.

Проект объединяет несколько направлений. Первое - постановка новых неоклассических спектаклей. Для начала - "Рапсодия" и "Времена года или Таинственный сад". Второе - проект "Лица", который мы реализуем совместно с фотохудожником Александром Даниловым. Ведь театр - не только здание, но и люди, которые в нем работают. Третье - культурно-образовательный проект "RUDY DANCE lab", который начнется в августе с открытия творческой мастерской для хореографов.

“Смысл в том, что у артиста и зрителя долен быть выбор, а для этого в "меню" нужно разнообразие

- Почему жанром новых спектаклей выбрана неоклассика?

- Неоклассика - красиво, стильно и актуально. Это целостное направление балетного театра, фактически - следующий этап репертуарных спектаклей, которые основываются на школе классической хореографии с некоторыми изменениями в стиле и технике исполнения движений. На классическом языке балета говорит весь мир, а когда ты можешь говорить на этом языке свободно и вкраплять в него интересные словосочетания, идиомы, он обогащается, становится "вкусным". За последние 50 лет сделан мощный прорыв в технике, сочетании красоты и сложности, скорости движения без потери смысла. Неоклассику часто называют современной хореографией, но она имеет эстетику большой театральной сцены, что отлично от площадок, где танцуют contemporary-импровизацию или модерн, которые не имеют такой эстетически проработанной концепции, как классика. Для большой формы эти стили могут быть хорошими вкраплениями, как некогда были обязательными вкраплениями в большой балет народный или характерный танец, гротеск.

- Вы считаете, что башкирский театр готов к этому?

- Он голоден до такого формата. На протяжении своей истории театр получил колоссальный опыт работы с хореографией разных сильных балетмейстеров. Артисты уже "перезрели" в классике, которую они знают лучше, чем свои пять пальцев, и готовы реализовывать свое мастерство в чем-то более энергоемком.

- Почему так актуален формат не трехчасового спектакля, а часового?

- Информационный поток в наш век стал значительно более плотным, полистилистичным, он включает звук, визуальные, технические эффекты, компьютерную графику. Такой синтез создает больший сгусток энергии за меньшее количество времени. Наше сознание работает с большей отдачей, мы устаем от восприятия. Отсюда - часовой формат спектаклей.

- Что предполагается получить в результате работы творческой лаборатории?

- Сейчас идет конкурс, на который поступило уже более 20 заявок на участие. Из них будет отобрано шестеро. Каждый из участников должен создать две работы. Для первого сезона выбраны такие темы, как Башкирия и башкирские легенды и Рудольф Нуреев. То есть на выходе мы получим шесть вариантов "страстей по Нурееву" и башкирских легенд. На все про все дается две недели - стандартный формат работы мастерской. Это большой и бесценный опыт для балетной труппы, для зрителей и для самих хореографов. Я сам участвовал в шести разных мастерских и знаю, каково выпускать работу за такой срок. Все зависит от организации и правильных условий, чтобы не только потрудиться, но и удовольствие от этого получить.

- Как воспринимают такой подход в коллективе?

- Вкус к такому активному рабочему процессу проявили все, в том числе руководители и цеха театра, а балет понял, что можно концентрированно тратить силы, чтобы быть на уровне, в топе. Оттачивать мастерство необходимо постоянно. У нас нет права останавливаться и топтаться на месте, только вперед и вверх.

Смысл в том, чтобы у артистов и зрителя был выбор, а для этого в "меню"- репертуаре должно быть разнообразие. Сегодня неоклассика, завтра сочетание классики с элементами contemporary, послезавтра вечер миниатюр. Я уверен, что позиции театра нужно просто усилить и показать его так, чтобы его "меню" захотели попробовать во всем мире.

- Дмитрий, вы много работаете за рубежом. Что сейчас модно в балете?

- Мода - это фестивали. В целом же превалирует неоклассика, дающая большие возможности для постановок, так как сочетает разные формы - красивые сюжеты, символизм и абстрактность. Основы дает, конечно, русский балет. Я - балетмейстер Лондонской школы русского балета, основанной старшим поколением артистов Большого театра. У меня появилась небольшая версия Московского хореографического училища, что помогает поддерживать и усиливать традиции русской балетной школы.

- Интерес к балету проявляют и кинематографисты. Как вы относитесь к фильмам, где показывают закулисье?

Если не копаться в нижнем белье, а показывать мир театра - почему нет? Наверное, нужно приоткрывать завесу, показывать те колоссальные метаморфозы, которые происходят с каждым артистом. Между небожителями, которых зрители видят на сцене, и теми, кем артисты являются в повседневности, очень тонкая грань. С одной стороны, артисты такие же люди, как и остальные, у них такие же радости и печали. Но с того момента, когда они выходят на сцену и до того, как закрывается занавес, это совсем другие, нереальные люди. Там они являются трансляторами, резонаторами космоса, как угодно назовите. На сцене ты - это не ты. Тебя как будто подменяют.

Досье

Дмитрий Антипов - выпускник Московской государственной академии хореографии, артист балета, балетмейстер, педагог. Хореограф творческой мастерской Владимира Васильева. Резидент-хореограф и педагог Школы Русского балета в Лондоне. Художественный руководитель "Rudy Dance lab".

Лауреат международных и российских конкурсов с 2007 -2016 гг.
Обладатель итальянской награды Premio Fausto Maria Franchi за лучшую современную хореографию, специального диплома Московского международного конкурса артистов балета и хореографов. Участник международного музыкального фестиваля "Декабрьские вечера С. Рихтера" (Москва), "Творческой мастерской В.В. Васильева" (Красноярск, Пермь, Барнаул), хореографического проекта "Dance-платформа" (Екатеринбург), постановщик авторского проекта Е.Мечетиной и Д.Антипова для фестиваля "Зеленый шум".

В рамках Международного музыкального фестиваля в Токио (Япония) создал камерный балет "Aubade". Хореограф телевизионного проекта "Большой Балет" на телеканале "Россия. Культура" 2015, хореограф-постановщик открытия Международного конкурса артистов балета и хореографов "Арабеск" им. Е. Максимовой 2016.
В апреле 2018 года в Перми поставил одноактный минибалет "Роковая соната" по мотивам произведения Л.Н. Толстого "Крейцерова соната", который стал частью Открытия XV юбилейного конкурса артистов балета "Арабеск" имени Екатерины Максимовой.


Последний раз редактировалось: Наталия (Вт Июл 03, 2018 3:17 pm), всего редактировалось 2 раз(а)
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9  След.
Страница 7 из 9

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика