Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2018-05
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9, 10  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18929
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Май 17, 2018 1:33 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018051705
Тема| Балет, Пермский театр оперы и балета, Открытый российский конкурс артистов балета имени Екатерины Максимовой «Арабеск»
Автор| Валерий Иванов
Заголовок| Пермский танцевальный бум
Где опубликовано| © «Парк Гагарина»
Дата публикации| 2018-05-17
Ссылка| http://parkgagarina.info/index.php/kultura/27774-permskij-tantsevalnyj-bum.html
Аннотация| КОНКУРС

В Перми прошел пятнадцатый Открытый российский конкурс артистов балета имени Екатерины Максимовой «Арабеск»

Своим рождением этот конкурс обязан группе энтузиастов — молодых людей разных профессий, ставших инициаторами возрождения культурных традиций Перми. Эти традиции связаны прежде всего с именем выдающегося деятеля русского искусства Сергея Дягилева, юность которого прошла в этом городе. В Перми появилось общество любителей балета «Арабеск», начались работы по созданию мемориального музея Дягилева. В течение нескольких лет здесь издавалась газета «Русские сезоны», был проведен первый в стране фестиваль хореографических училищ, из которых одно из лучших — именно в Перми.

Прошедшие здесь в 1980-х гг. конкурсы артистов балета Урала и Сибири из региональных однодневных блиц-состязаний вскоре превратились в конкурс республиканского масштаба. В 1990 году он прошел под официальным титулом первого Открытого российского конкурса артистов балета «Арабеск» с участием не только отечественных, но и зарубежных артистов.

С 1990 года художественным руководителем и председателем жюри конкурса «Арабеск», является легендарный танцовщик XX века народный артист СССР Владимир Васильев. С 1996 по 2008 год во главе жюри была народная артистка СССР Екатерина Максимова, после ухода которой конкурсу «Арабеск» в 2012 году присвоено ее имя.


Алексей Хамзин. Россия, Пермь. II премия

В 1992 году я записал интервью Владимира Васильева, в котором он сформулировал оставшиеся неизменными по сей день цели и задачи «Арабеска»: «Основная задача нашего конкурса — дать возможность проявить себя талантливым или просто способным молодым людям, тем, кто придет на смену нам, артистам старшего поколения. Мне кажется, что эту задачу «Арабеск» выполняет. Конкурс проходит не в Москве и не в Санкт-Петербурге, где и без того достаточно различных конкурсов и соревнований, а в российской глубинке, и этим он мне особенно дорог. Сам факт существования такого конкурса свидетельствует о том, что традиции нашего искусства не угасают. Юные участники получают возможность ощутить магию сцены, зрительного зала. Наш конкурс — дань уважения предшествующему поколению и эстафета в будущее. До тех пор, пока мы помним и сохраняем все лучшее в нашем прекрасном искусстве, оно будет жить и развиваться. Проведение конкурса было бы абсолютно невозможным, если бы здесь, в Перми, не нашлись подлинные энтузиасты, честные и чистые люди, которые отдают этому делу свою энергию и силу. Уверен — «Арабеску» суждена долгая жизнь».

Конкурс «Арабеск» задел своим крылом и Самару. В 2010 году его лауреатами стали Екатерина Первушина и Виктор Мулыгин — в то время солисты Самарского оперного театра. Дипломантами конкурса являются ведущие солисты театра Ксения Овчинникова и Сергей Гаген, который на «Арабеске» - 2012 получил также специальный приз имени Мариуса Петипа «За чистоту и академизм классического танца». Самарцам знакомы лауреаты «Арабеска» — солисты Марийского оперного театра Ольга Челпанова и Константин Коротков и солисты Пермского оперного театра Инна Билаш и Никита Четвериков, которые принимали участие в фестивале классического балета «В честь Аллы Шелест».

В жюри нынешнего юбилейного конкурса под председательством Владимира Васильева работали Дитмар Зайфферт (Германия, Берлин), Морихиро Ивата (Япония, Иокогама), Сон Хи Джан (Республика Корея, Сеул), Педро Карнейро (Португалия, Лиссабон), Андре Луис (Канада, Виннипег), Раду Поклитару (Украина, Киев) и россияне Леонора Куватова (Уфа), Татьяна Предеина (Челябинск), Алексей Мирошниченко и Владимир Толстухин (Пермь).

Программа торжественного открытия конкурса по существу стала визитной карточкой «Арабеска» как такового. В первом отделении, посвященном 200-летию со дня рождения Мариуса Петипа, зрители увидели фрагменты из его балетов в исполнении лауреатов «Арабеска» прошлых лет, в числе которых премьер Мариинского театра Кимин Ким с партнершей по телевизионному проекту «Большой балет» солисткой Мариинского театра Ренатой Шакировой, солист Михайловского театра Эрнест Латыпов и ведущие солисты пермской труппы Инна Билаш и Никита Четвериков.

Во втором отделении были показаны работы шести отмеченных на двух последних «Арабесках» молодых хореографов из Перми, Москвы и Санкт-Петербурга. Все они — участники творческой мастерской Владимира Васильева, целью которой является создание хореографических миниатюр, построенных на сюжетах произведений классиков русской литературы. По замыслу мастера, это должно способствовать серьезному осмыслению хореографами своей работы, пониманию, во имя чего они сочиняют те или иные пластические этюды, эскизы и комбинации. Программа, показанная на открытии «Арабеска»-2016, была посвящена Николаю Гоголю, нынешняя — Льву Толстому. Представляя работы своих воспитанников, Васильев не случайно провел параллель между Толстым и Петипа — великими современниками, жившими в России во второй половине XIX века и по существу одинаково понимавшими высокое предназначение своего творчества.

Наибольшее впечатление произвели миниатюры «После бала» пермяка Алексея Расторгуева, композиционная стройность которой сочетается с достоверностью переживаний главного персонажа, и «Молох» по «Севастопольским рассказам» москвича Павла Глухова, вызвавший искреннее сопереживание драматической судьбе молодых солдат.

В этом году в оргкомитет конкурса поступило более 250 заявок из 19 городов России и из 16 стран Европы, Латинской Америки, Центральной и Восточной Азии и Закавказья. Наряду с бывшими республиками СССР это Германия, Ирландия, Израиль, Монголия, Бразилия, Корея и Япония.

В первом туре выступили 111 конкурсантов. По окончании первого тура стало очевидно: большая часть участников неплохо владеет танцевальной техникой, уверенно выполняет достаточно сложные виртуозные комбинации. Однако это — лишь необходимый фундамент танцевального ремесла, которое при наличии таланта, хорошей выучке и трудолюбию с течением времени может обрести черты подлинного искусства. До этого многим конкурсантам пока еще далеко. Состав конкурсантов, прошедших во второй тур, оказался более ровным и сильным.

Создалось впечатление, что конкурсанты, особенно мужчины, в классике предпочитают бравурные, броские номера, в которых можно проявить юношеский темперамент и задор. Лирические, рафинировано-стильные пе-де-де и вариации выбирали немногие — на них легче споткнуться, заметнее проступают исполнительские изъяны. Многие конкурсантки предпочитали мягкие, не обремененные драматическим подтекстом вариации из «Тщетной предосторожности», «Коппелии», «Пахиты». Только по одному разу довелось увидеть женскую вариацию из «Большого классического па» Д. Обера в хореографии Гзовского, да и то в исполнении конкурсантки из младшей группы, и мужскую вариацию Джеймса из «Сильфиды» в хореографии Бурнонвиля.

На втором и третьем турах своеобразный рекорд установила выигрышная виртуозная вариация Вайю — Бога ветра из балета «Талисман», которую соло и в па-де-де станцевали около десяти раз. Мужчины с удовольствием танцевали также вариации Базиля из «Дон Кихота», Актеона из «Эсмеральды», Раба из «Корсара», Филиппа из «Пламени Парижа». Запомнился pas d”esclave –бравурный игровой дуэт из «Корсара», в котором мужскую партию блестяще исполнили новосибирец Никита Ксенофонтов и пермяк Кирилл Макурин, получившие первые премии в старшей группе. Никита стал также обладателем приза зрительских симпатий, а Кирилл — второй премии за исполнение современной хореографии.

Перечислить имена всех призеров — лауреатов и дипломантов конкурса невозможно: их вместе с награжденными разнообразными специальными призами около пятидесяти человек. Стоит отметить, что первые премии у женщин в обеих возрастных группах достались кореянкам. Это техничные и не допустившие помарок Ким Ю Чин и Сон Чон Ын.

Среди особо запомнившихся конкурсантов — учащиеся Пермского хореографического училища братья Данила и Алексей Хамзины, ставшие лауреатами соответственно первой и второй премий в младшей группе. У обоих прекрасные данные для исполнения в будущем ведущих партий лирического репертуара. Незаурядную танцевальную технику и прекрасные партнерские качества продемонстрировали получившие третьи премии в старшей группе Софья Гаврюшина и Рустам Исхаков. Спустя несколько дней после завершения «Арабеска» артисты с большим успехом выступили в Самаре в партиях Мехменэ Ману и Ферхада в спектакле Уфимского оперного театра «Легенда о любви», который был показан на IV Всероссийском фестивале «Волжские театральные сезоны».

Сочетание ярких природных данных, трепетности и артистизма продемонстрировали танцовщики из Бразилии Луанна Гондим и Маркос Яго, ставшие дипломантом и лауреатом третьей премии конкурса соответственно и получившие, кроме того, приз за лучшее исполнение номера на музыку Петра Чайковского и премии жюри прессы, а также их соотечественники лауреат третьей премии Майтэ Нунэс и ее партнер Габриэль Лопес, не принимавший участия в соревновании. Все они выпускники находящейся в бразильском городке Жоинвиле балетной школы Большого театра.

В целом уровень юбилейного «Арабеска» был достаточно высоким. Тем не менее подлинных исполнительских и артистических прорывов на нем не произошло, так что высшие награды — Гран при имени Екатерины Максимовой и приз Екатерины Максимовой и Владимира Васильева лучшему дуэту конкурса на сей раз оказались невостребованными.

Из почти шести десятков номеров, представленных на конкурсе современной хореографии, только три поставлены зарубежными участниками. Любопытно, что хореографов-мужчин оказалось в три раза меньше, чем женщин. Некоторые авторы выступили в качестве исполнителей своих сочинений.

Во многих современных номерах по-прежнему преобладают лишенные позитива абстрактные пластические композиции. Четких критериев оценки современной хореографии пока что нет, поэтому члены жюри руководствовались, похоже, исключительно личными предпочтениями. В номерах-фаворитах привлекает не столько новизна и оригинальность пластики, сколько попытки раскрыть внутренний духовный мир и взаимоотношения персонажей, а также внятная сюжетная канва.

Лауреатами стали Алексей Расторгуев за колоритный мужской дуэтный номер Vis-a-vis и шутливую сценку «Мой милый Сердан» под пение Эдит Пиаф и Мария Маркунина — за драматический номер «Иуда Искариот». В исполнении Юрия Выборнова исключительное впечатление произвел номер Константина Матулевского «Выйду ночью в поле с конем», подаривший ощущение беспредельной русской широты и простора. Интересно задуман представленный в авторском исполнении москвича Евгения Смирнова номер «Врубелевский демон: немая глубина», которому, впрочем, не хватило именно психологической углубленности исполнения.

Члены жюри и гости конкурса посетили легендарное Пермское хореографическое училище, где учащиеся разных классов специально для них подготовили концертную программу. В музейной экспозиции — как на ладони вся история училища, фотографии его знаменитых педагогов и выпускников.

На снимках запечатлены и те, чья творческая жизнь оказалась так или иначе связанной с Самарским оперным театром. Стоит отметить, что сегодня более четверти балетной труппы театра — выпускники Пермского хореографического училища.

Посещение музея Сергея Дягилева дало возможность увидеть любовно восстановленные мемориальные интерьеры родового гнезда этого знаменитого человека, ощутить ауру, в которой прошли его детство и юность.

В дни проведения «Арабеска» в Пермской художественной галерее экспонировалась выставка «Танцующая кисть Владимира Васильева», посвященная 60-летию творческой деятельности мастера. Яркие, колоритные живописные полотна, сочные по цветовой гамме натюрморты, мягкие акварели с пейзажами, задушевными зарисовками и сюжетами из театральной жизни по-новому раскрывают духовный мир выдающегося деятеля отечественной культуры.

Порадовали отличная организация конкурса командой, возглавляемой Еленой Завершинской, и исключительный интерес к соревнованию жителей Перми, которые неизменно горячо и доброжелательно поддерживали его участников.

Фото Никиты Чунтумова, Эдварда Тихонова и Марины Дмитриевой предоставлены Пермским оперным театром
===================================================

Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18929
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Май 17, 2018 6:00 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018051706
Тема| Балет, Международный балетный Фестиваль «Бенуа де ла Данс», Персоналии, Нина Кудрявцева-Лури
Автор| корреспондент Infox
Заголовок| Нина Кудрявцева-Лури: «Все без исключения номинанты Бенуа де ла Данс» – звезды балета»
Где опубликовано| © Infox
Дата публикации| 2018-05-17
Ссылка| https://www.infox.ru/press/202569-nina-kudravceva-luri-vse-bez-isklucenia-nominanty-benua-de-la-dans-zvezdy-baleta
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Нина Кудрявцева-Лури: «Все без исключения номинанты Бенуа де ла Данс» – звезды балета»

5 и 6 июня в Москве на Исторической сцене Большого Театра России в 26-й раз пройдет Международный балетный Фестиваль «Бенуа де ла Данс». У зрителей появляется редкая возможность за два вечера увидеть лучших мировых танцовщиков и фрагменты наиболее заметных постановок прошедшего года со всего мира.

Вечером 5 июня пройдет гала-концерт номинантов Приза 2018 года и награждение победителей.

6 июня публику ожидает гала-концерт звёзд балета - лауреатов разных лет: «Петипа посвящается! Классика глазами современных хореографов».

О номинантах, разных направлениях, представленных на фестивале нынешнего года, и о том, как развивается балетное искусство, корреспонденту Infox рассказала артистический директор международного хореографического приза Бенуа де ла Данс Нина Николаевна Кудрявцева-Лури.

Нина Николаевна, Бенуа де ла Данс считается конкурсом. Но несмотря на то, что там есть номинанты – лучший хореограф, танцовщик, танцовщица и др, это все же скорее не конкурс, а фестиваль балета, где и номинируются, и принимают участие в гала звезды балета. То есть по сути Бенуа показывает тенденцию развития современного балетного искусства. Расскажите, кто из хореографов номинирован в этом году и что больше представлено авангардных работ, классики или неоклассики?

На нынешнем Бенуа представлены разные направления. Авангард будет представлен в первый вечер в двух номерах. Это очень интересная вещь, поставленная для Нидерландского театра танца -II постоянным хореографом Штутгартского балета Марко Гекке, – он номинант этого года, но за другой балет – «Полночная рага».

Рага это индийский музыкальный канон или звукоряд. Гекке сочинил мужской дуэт, где используется и индийский канон, и европейская поп-музыка. Это безусловно авангард, очень своеобразный.

Другая авангардная, тоже интересная вещь, номинированная на Бенуа, «Собака без перьев» Деборы Колкер. Она построена на основе африканской и бразильской музыки, танец очень здорово там смешан с движением природы, - там есть и змеи, и переплетение лиан – все это показано на видео на большом экране и служит как бы аккомпанементом к движениям танцовщиков.

Лоран Илер и Михаил Барышников номинированы в этом году за спектакль «Дон Кихот». Это классика с некоторыми дополнениями, внесёнными каждым из хореографов.

Тьерри Маланден – на нынешнем Бенуа номинирован его спектакль «Ной». Его стиль - неоклассика, ближе к современной хореографии. У Маландена не костюмные вещи, то есть он не определяет костюмами эпоху. С моей точки зрения, он работает не в театральном направлении, а в направлении чистого движения, которым он и стремится донести сюжет. Он всегда почти использует какие-то темы, сюжеты. То есть, у него есть тематическая концепция, но решает он ее не театрально, а пластически. А пластика у Маландена ближе к современному стилю. Ближе к Форсайту скорее. Но, если у Форсайта стиль сильный, острый, то у Маландена как бы более округлённый, спокойный.

Джон Ноймайер уже был дважды лауреатом Бенуа и в этом году номинирован за спектакль «Анна Каренина».

Что можно сказать о направлении, в котором он сейчас работает?

Ноймайер представляет направление театрального балетного искусства. И хотя он и считает своей как бы визитной карточкой «Третью симфонию Густава Малера», он поразительно разный. Я не знаю такого другого хореографа, который был бы настолько разным. Ролана Пети вы можете узнать всегда, Юрия Григоровича, Мориса Бежара, но когда вы смотрите разные спектакли Джона Ноймайера, это как будто работы разных хореографов.

Лауреата Бенуа Юрия Посохова, который номинирован в этом году за балет «Нуреев» я бы тоже причислила к хореографам театрального направления, хотя его танец сам по себе очень выразителен,

Также несколько раз на Бенуа можно было услышать имя Александра Экмана… В этом году он также номинирован.

Александр Экман - это явление очень интересное, он ни на кого не похож. Это неуемная фантазия, начиная с его «Лебединого озера», конечно и его «Сон в летнюю ночь» тому пример. Экман - это театральность, возведенная в последнюю степень, почти кич. Он удивительным образом сочетает авангардную концепцию с неоклассическим словарем и большой долей юмора. То есть это сочетание авангардного решения с классической базой и движениями. В этом году номинирован его спектакль «Игра». Там тоже есть классические движения в фантастической интерпретации, в сценографии используются шары и кубы, набор игральных костей, это фантазия, перехлестывающая все. Он, безусловно, очень необычный хореограф.

У зрителей будет возможность увидеть большинство номинантов на первом гала? Что собой представляет первый гала?

Первый вечер очень интересен по репертуару, там будут представлены разные стили и разные направления в очень высоком качестве исполнения. Ведь все без исключения номинанты Бенуа – этуали и премьеры театров и компаний. И первый гала показывает их всех.

Если посмотреть биографии номинантов Бенуа нынешнего года, то можно заметить такую удивительную вещь, что стираются границы между балетными школами, танцовщицы и танцовщики учились в одних странах, потом выступают в разных театрах разных стран по всему миру. Можно ли в этой связи говорить о том, что происходит глобализация балетного искусства?

Действительно, такая глобализация происходит и в балете, это, наверное, такой общий тренд нашего времени. Во многом это сместило понятие индивидуальных балетных школ, если мы говорим о балетных школах разных стран.

Полина Семионова - выпускница московской балетной школы, сейчас она прима Берлинского государственного балета.

Мария Кочеткова, тоже выпускница московской школы, сейчас прима-балерина Балета Сан-Франциско.

Татьяна Мельник – прима-балерина Национального балета в Венгрии, Наталья Кущ - прима в Римской опере. И это я назвала только участников первого гала, и то, по-моему, кого-то забыла. Такая же тенденция и среди хореографов, выходцев из российских школ. Это и Алексей Ратманский и Юрий Посохов, и Владимир Варнава, а сейчас и Максим Петров из Мариинского театра.

Но вот если говорить, например о Парижской опере, представители которой номинируются на Бенуа уже не первый год, то можем ли мы считать, что они сохраняют свою базу, школу?

Глобализация проникла и в Оперу, что отразилось и на номинациях Бенуа. Людмила Пальеро, сейчас она этуаль Парижской оперы, аргентинка и училась в Институте искусств театра Колон в Буэнос-Айресе. Она приедет в Москву на нынешний Бенуа, чтобы получить приз, присвоенный ей в прошлом году за «Другие танцы» Джерома Роббинса. Тогда она не смогла приехать из-за травмы.

Или, например, Сэ-Ын Пак училась в Академии при Корейском национальном балете, а сейчас она первая солистка в Парижской опере. Она номинирована в этом году. Лауреат Бенуа Ханна О'Нил, тоже первая солистка Оперы, училась в Токио и в Школе Автралийского балета.

Вот уже несколько примеров, как в Парижской опере успешно работают представители других балетных школ.

По Вашему мнению, как такое смешение разных школ влияет на развитие балетного искусства?

Я не уверена, что глобализация в искусстве - это во всём хорошо, потому что театры начинают терять свое лицо, свое своеобразие. Кроме театра какого-то конкретного хореографа, большинство компаний становятся похожими друг на друга. По большому счету, зрителю уже неважно, в каком он театре, потому что репертуар примерно везде одинаковый, все считают своим долгом ставить определённых хореографов, существует такой обязательный набор. По сути, лицо труппы определяет лидер хореограф. И так было всегда.

Интересно, что в балетных постановках, в том числе и на Бенуа, все больше используются спецэффекты, новые технологии. В прошлом году перед фестивалем Бенуа прошел даже круглый стол «Танец и хай-тэк». Как Вы относитесь к такой тенденции?

Мне кажется в авангардных вещах современные технологии во многом помогают выразить идею, они обогащают движение. Но когда постановщики заменяют декорации открыткой на заднике, это конечно и не театр и не "хай-тэк".

Часто в авангардных спектаклях невозможно уловить мысль, это набор движений. И вот такие технологии могут обогатить движение какой-то идеей.

В этом году отмечается 200-летие со дня рождения Мариуса Петипа. И подзаголовок второго гала «Петипа посвящается! Классика глазами современных хореографов». Расскажите о том, что ожидается на этом гала?

Там будут представлены классические вещи: гран-па из «Баядерки» исполнят Екатерина Крысанова с Денисом Родькиным. Па-де-де из «Спящей красавицы» - Мария Кочеткова с Владимиром Шкляровым, Полина Семионова с Иваном Зайцевым из Михайловского театра станцуют па-де-де из «Дон Кихота». Это не совсем классический «Дон Кихот», хореограф Виктор Ульяте добавил в него испанского колорита.

Тоже из классики - па-де-де из балета «Талисман», его исполнят Татьяна Мельник и Бруклин Мак.

Там будут московские премьеры – Люсия Лакарра и Хосуэ Ульяте выступят в дуэте из «Кармен». И здесь Люсия Лакарра предстанет в необычном образе, мы привыкли видеть ее в лирике, а тут вдруг - Кармен!

Будет также показан фрагмент из «Щелкунчика» Сиди Ларби Шеркауи в исполнении Наталии Осиповой и Джейсона Киттелбергера. Мы с большим нетерпением ждем этого номера.

Премьеры Балета Сан-Франциско Софиан Сильве и Карло Ди Ланно исполнят Белый дуэт из «Лебединого озера» в постановке Дэвида Доусона. Интересная интерпретация классики и превосходные танцовщики.

Премьер Национального балета Кореи Джэ-У Ли станцует свою прошлогоднюю номинацию – вариацию Феи Карабос в хореографии Марсии Хайде, замечательный танцовщик, делает свою роль чуть не главной в балете. Мировые премьеры тоже будут - Дрю Джекоби ставит для себя Сюиту Фей из пролога «Спящей Красавицы». Каждую вариацию, каждый характер она будет изображать по-разному, по-разному будет освещаться сцена.

Еще одна мировая премьера - Иван Васильев покажет фрагмент из «Фауста», который сам танцует вместе с Марией Виноградовой и Денисом Савиным и ставит. Мировая премьера - Дуэт из «Шалостей Амура» на музыку Александра Глазунова в постановке Реми Вортмейера. Оксана Скорик и Ксандер Париш представят «Па де Петипа», этот номер ставит Ксения Зверева.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18929
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Май 17, 2018 6:21 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018051707
Тема| Балет, Новосибирский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Михаил Мессерер
Автор| Александра Зенкова
Заголовок| В оперном театре показали первый 3D-спектакль по эскизам 1945 года
Где опубликовано| © НГС - Независимые Городские Сайты
Дата публикации| 2018-05-17
Ссылка| http://news.ngs.ru/more/54438831/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

В НОВАТе состоялась премьера балета «Золушка» — в постановке впервые используют объёмные цифровые декорации: изображения интерьеров проецируют на прозрачные экраны. При этом спектакль оформили по эскизам 1945 года — именно тогда поставили «Золушку» композитора Сергея Прокофьева. Хореографию Ростислава Захарова восстановил художественный руководитель балета Михайловского театра Михаил Мессерер.

«Это или первое, или одно из первых решений использования подобных эффектов 3D в балетном театре [России]», — отметил хореограф. В Новосибирске такое оформление создали впервые.

Постановщики стремились сохранить атмосферу спектакля 1945 года, который был особенным: он помогал советским зрителям отвлечься от тягот войны и погрузиться в сказку. «Мы тоже надеялись сделать спектакль-праздник — неожиданный, интересный и абсолютно не будничный», — комментирует постановщик балета, народный художник Вячеслав Окунев, на официальном сайте НОВАТа.

73 года назад этот спектакль тоже был инновационным: на сцене установили гигантскую 120-метровую панораму, обеспечили эффектную смену декораций, использовали фейерверки. Михаил Мессерер пояснил, что, работая над восстановлением «Золушки», художники поставили себя на место Петра Вильямса и подумали, как бы он действовал, имея современные технические возможности.

В результате благодаря режиссёру мультимедиа Глебу Фильштинскому, который сотрудничает с лучшими театрами мира, артисты перемещаются в цифровых декорациях, как в настоящих комнатах.

Костюмы тоже созданы по эскизам Вильямса. Единственное, что позволили себе постановщики, — использовать некоторые современные материалы, которых в те времена просто не было.

На сцене получилась не совсем французская сказка: сам композитор Сергей Прокофьев отмечал, что представляет свой балет как «русскую Золушку елизаветинских времён». Его мнение учли в 1945 году: декорации Вильямса отсылали к интерьерам дворцов Петергофа и Павловска.

16 мая главные партии исполнили солисты Михайловского театра Анастасия Соболева и Виктор Лебедев. Сегодня, 17 мая, в Золушку и Принца перевоплотятся солисты балетной труппы НОВАТа Ксения Захарова и Николай Мальцев. Кстати, в январе этого года Николай сделал Ксении предложение руки и сердца прямо на сцене, сразу после спектакля «Ромео и Джульетта».

«Мне кажется, спектакль очень подходит этому театру, потому что он был открыт по окончании войны, и "Золушку" тоже сделали в 1945 году», — высказал мнение Михаил Мессерер. НОВАТ отметил день рождения 12 мая.

В новосибирском оперном театре «Золушку» ставили несколько раз, впервые — в 1964 году. Художники экспериментировали с декорациями и костюмами: так, в балете 2006 года Золушка приходила на бал в зелёном платье.

«Золушку» будут показывать до 19 мая включительно, все билеты на премьерные спектакли уже раскуплены: на момент подготовки материала свободными оставались три места в самом дальнем ряду по 2000 рублей. А уже 21 мая, в понедельник, на сцене оперного пройдет финал «Народной премии НГС», где первые лица города и герои наших публикаций наградят статуэтками 10 лучших, по мнению жителей города, компаний Новосибирска.

В пресс-службе НОВАТа отметили, что проекционное оборудование, которое закупили для спектакля, скоро используют для новых постановок (для каких именно — пока секрет). Это не первый пример использования современных технологий в театре при постановке классических произведений. К примеру, в конце марта в «Старом доме» показали обновлённого «Гамлета»: режиссёр сам переписал пьесу, и теперь актёры играют в клетке, на которую проецируют разные изображения и надписи. А многие диалоги заменили рэп-баттлами, тексты для которых артисты писали сами.

Фотографии предоставлены пресс-службой НОВАТа
================================================

Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18929
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Май 17, 2018 10:08 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018051708
Тема| Балет, Нидерландский национальный балет, Персоналии, Анна Оль
Автор| Фото Алиса Асланова
Заголовок| Анна Оль
Где опубликовано| © La Personne
Дата публикации| 2018-05-17
Ссылка| https://www.lapersonne.com/post/anna-ol-het-nationale-ballet
Аннотация| Блиц-интервью

Неожиданные вопросы от La Personne к прима-балерине Нидерландского национального балета Анне Оль.



Первый выход на сцену

В 5 лет, в каком—то безумном костюме от ламбады, макияж – красные губы и синие тени🙂

В моем плейлисте

По настроению, может быть рок, может быть и классика

Я никогда не пробовала

Прыгать с парашюта

Я горжусь

Ничем я пока не горжусь

Яркий момент из детства

Поступление в хореографическое училище

Я не могу без…

Кофе

Секрет успеха

Работа, работа и еще раз работа

Отношение к соц. сетям

Как к семечкам – уже надоели, но бросить невозможно

Отношение к критике

Позитивное

Казус на сцене

В «Лебедином озере» поскользнулась и упала прямо в первом выходе лебедя.

Самая сложная партия

Не могу выделить одну, каждая сложна по—своему

Способность, которой хотелось бы обладать

Уметь с легкостью воспринимать различные ситуации

Качества, которые вы больше всего цените в мужчине

Честность

Качества, которые больше всего цените в женщине

Честность

Что является вашим главным недостатком

Я недостаточно забочусь о своей семье

В какой стране вам хотелось бы жить

В Италии, хочется солнца!

Ваш любимый цвет

В последнее время синий

Ваш любимый цветок

Фиалки

Ваша любимая птица

Журавль

Композитор

На данный момент, Эцио Боссе

Любимая героиня в истории

Кшесинская

Исторические персонажи, которых вы презираете

Гитлер

Если не собой, то кем бы вам хотелось быть

Одри Хепберн

К каким порокам вы чувствуете наибольшее снисхождение

Курение

Ваш девиз

Не сдаваться


Фото Алиса Асланова

==========================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18929
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Май 18, 2018 8:54 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018051801
Тема| Балет, XXXI Международный фестиваль классического балета имени Рудольфа Нуриева, Санкт-Петербургский театр Бориса Эйфмана
Автор| Улькяр Алиева
Заголовок| Танцуя на грани
Балет Бориса Эйфмана на Нуриевском фестивале

Где опубликовано| © Реальное время
Дата публикации| 2018-05-18
Ссылка| https://realnoevremya.ru/articles/99370-balet-borisa-eyfmana-na-nurievskom-festivale
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ


Фото: eifmanballet.ru

В зороастризме время и пространство — бесконечны. Также изначально в божественной сфере существовало дуалистическое божественное единство сферы добра и света (Ахура-Мазда) и зла, хаоса и тьмы (Анхра-Майнью). Высшим силам интересно наблюдать над трагедиями и драмами своих созданий. Ведь причудливые, крутые виражи драматических серпантинов «щекочут» куда интереснее, чем прямая дорога со счастливым концом. И какова степень виновности тех, кто пытается, но не может преодолеть своих внутренних демонов? И когда добровольный уход из жизни (самый большой грех) может лишь принести свет в конце темного туннеля метаний и страданий? Этими вопросами задается Улькяр Алиева, доктор искусствоведения, после просмотра балета Бориса Эйфмана на Нуриевском фестивале — в колонке «Реального времени».

К подсознанию

Вот и Борис Эйфман уже столько лет пытается прорваться сквозь пространственно-временной континуум и осознать состояние подсознания умирающего человека, раскрывая себе и своим зрителям мир, а точнее перекресток граней предсмертных видений П.И. Чайковского. В своих балетных постановках он воплощает образные видения-фантазии, всегда содержащие какие-то символические метафоры, аллюзии (в данном случае «сцепление» жизни и творчества композитора). Мысль в балетном театре не нова, но если для Джона Ноймайера своего рода idea fix (одержимостью) стала столь непростая жизнь и творчество Густава Малера, то для Бориса Эйфмана — это облик современника австрийского композитора П.И.Чайковского, который он так ярко отразил в балете «Чайковский. PRO et CONTRA».

Использует Б. Эйфман и оперные образы композитора — «Пиковая дама» и «Евгений Онегин». В начальной сцене (во встрече Онегина и Татьяны) даже звучит музыкальная фраза из оперы композитора, из сцены письма Татьяны: «Кто ты, мой ангел ли хранитель, Или коварный искуситель». Идея претворения опер Чайковского в балете — сама по себе тоже не нова (можно вспомнить знаменитые балеты Дж. Крэнко «Онегин» и самого Б. Эйфмана, а также три версии балета «Пиковая дама» Р. Пети на музыку композитора), но во втором акте хореограф-постановщик оригинально «вычленяет» те моменты из опер композитора, которые должны подчеркнуть общий художественно-идейный контекст балета: образ терзаемого воображением Чайковского, который не может отделить себя от своих героев. Все на грани, а, точнее, «за гранью», словно существует параллельная Вселенная, баланс между мирами, открывающаяся герою перед смертью.

Свет, тени и Двойник

Грань первая — alter ego (второе я) самого композитора, его Двойник. Его свет и тьма. Композитор предстает без привычного ореола величия, как человек, мучимый биполярным расстройством — резкими скачками от эйфории до отчаяния. Вновь можно говорить, что мысль в балетном мире не нова (можно вспомнить М. Бежара, Ю. Григоровича), но Б. Эйфман впервые делает это столь ярко, когда в стихии танца «переплавляются» такие разные и яркие эмоции — взлеты и падения, чувство привязанности и неприязни. Дуализм главного героя — pro et сontra (за и против) — две половинки единого целого, но именно это разрывает композитора, обрекая его существование на грань реальности и безумия.

Противопоставление двух семантических полей — светлого и темного — не только способствует развитию идиллистического (мир грез) и враждебного начал, но и углубляет конфликт как внутри самого героя, так и в общей драматургии спектакля. Чайковский – всего лишь жертва своего гения и это жертвенное начало приводит в финале героя в семантическое поле «смерть».

Грань вторая — «принцип двоемирия», когда реальность тесно переплетается с фантастикой. На первый взгляд, вся конструкция балетного спектакля «Чайковский. PRO et СONTRA» перегружена известными балетными «цитатами» произведений великого русского композитора, но если постараться не упустить детали, то понимаешь какую тонкую игру на «грани» фрейдовского подсознания и «балетного артхауса» затеял хореограф.

В «мир» Чайковского врывается «мир» его героев. В какой-то момент Двойник, подобно сказочному персонажу Андерсена — Тени — отделяется от героя, становится самостоятельным персонажем, примеряя то демонический образ Ротбарта; то кукловода Дроссельмейера, в руках которого герой становится марионеткой — Щелкунчиком; то Онегина, убивающего Ленского (читай, все светлое и романтическое в душе); то обреченного Германа. И в этом можно усмотреть фабульную перекличку с другим биографическим балетом Ноймайера — Illusionen — wie Schwanensee («Иллюзии, подобно Лебединому озеру») на музыку Чайковского, в котором его герой — король-романтик Людвиг Баварский — мучается внутренними страхами, квинтэссенцией которого является Тень, приходящая то в образе Ротбарта, то черного клоуна.

Грань третья — трансформация. На протяжении всего спектакля, при неизменной постоянной константе (главном герое) художественной трансформации подвергаются все образы: покровительница Чайковского — фон Мекк преобразуется в Пиковую даму, ангелоподобный Белый лебедь в демонический образ жены композитора — Антонины Милюковой, далее в героиню из балета «Щелкунчик» — Машу и пушкинскую Татьяну. Танцовщик в образе традиционного романтического балетного Принца преобразуется в Ленского, а в финале, в сцене карточной игры, и в вовсе в сардонического, злобно-насмешливого Джокера.

Дар и крест

Грань четвертая — cognitive disinhibition (когнитивная расторможенность) — неспособность героя балета отфильтровывать картины и бредовые мысли из сознания. Б. Эйфман не случайно начинает свой балет со сцены галлюцинации из «Пиковой дамы» (под музыку главной партии Пятой симфонии композитора, которая тематически перекликается с балладой Томского — его рассказом о Черной графине). Как и у героя его оперы, Дама Пик с бесами входит в сны композитора, пытаясь проткнуть Чайковского своим посохом. Спасение приносят фигуры родных в черном, в руках которых герой застывает то в позе распятого Христа, то в позе скульптуры «Пьета» Микеланджело. В противопоставлении горизонтальной и вертикальной линий в пьете также угадывается абрис креста: его гений и инаковость (нетрадиционность) — это божественный дар и крест, который будет нести герой Эйфмана до самой смерти.

В финальной сцене Чайковский принимает смерть в виде перевернутого распятия на карточном столе — поза апостола Петра, добровольно распятого вниз головой, поскольку считал себя недостойным умереть той же смертью, что и Христос. И в финале балета Б. Эйфмана невольно возникает ассоциация с финалом оперы композитора «Пиковая дама» — смертью Германа за карточным столом с последующей молитвой хора: «Господь! Прости ему! И упокой его мятежную и измученную душу».

Грань пятая — искушение. Оно является в виде его жены — а скорее, мечты в окружении белых лебедей и молодого танцовщика в образе сценического Принца из балета «Щелкунчик». Отметим интересное использование музыкального материала данных видений — томительно-проникновенный основной тематизм из второй части Пятой симфонии, который в контексте данных сцен можно охарактеризовать как лейтмотив любовного искушения, неуловимой мечты. В целом надо заметить, что неслучайно основным музыкальным материалом своего балета хореограф избрал Пятую симфонию композитора, с его темой судьбы и рока, которая в балете преобразуется в Двойника и звучит в «переломных» моментах сценического действия.

Грань шестая — художник и толпа. «Кто я? Что я?» — вопрошал великий И. Кант, а спустя век появится работа Г. Лебона о психологии толпы. Вот и мучимый сомнениями и противоречиями герой — изгой толпы. Толпы консервативной, единым «блоком» выступающей против героя; толпы насмехающейся над героем; толпы, аплодирующей и чествующей композитора; толпы торжественно-беснующейся на свадьбе во главе с женой героя. Толпа преобразуется в воспаленном сознании композитора в силы контрсквозного действия (силы зла — по К. Станиславскому), выступая то в виде черных птиц — сомнений, то в виде серого мышиного войска.

Грань седьмая — атрибуты и символика. Лаконичное (если не сказать аскетичное) сценографическое решение обращает внимание зрителей к отдельным атрибутам балетного спектакля. Так, зонт, врученный стоящему под дождем Чайковскому со стороны фон Мекк, становится символом защиты, покровительства испытывающему нужду молодому композитору. Свадебная фата превращается на шее главного героя в удавку; бумажные деньги, которыми осыпает героя фон Мекк, символизирует ее финансовую поддержку, с помощью которой композитор пытается освободиться от Милюковой; письмо в руках фон Мекк символизирует их многолетнюю переписку; посох в руках Пиковой дамы, которым она, орудуя словно шпагой, пытается пригвоздить героя и его двойника; мост, символически разъединяющий Онегина и Татьяну (читай, композитора и Милюкову).

Иное бытие

В финале спектакля появляется карточный стол (словно визуально олицетворяя слова известной германовской арии композитора: «Что наша жизнь? Игра!»). В кульминационной сцене карточной игры можно найти и перекличку с бежаровским «Болеро» (тот же круглый стол-помост и мужской кордебалет, окружающий подиум). При этом интересную трактовку получает музыка самого композитора — теплая, насыщенная светом музыка «Итальянского каприччио» приобретает зловещий, сумрачный оттенок, как и все цвето-световое решение сцены, а жизнерадостная тарантелла становится вихрем вакхической оргии игроков с обнаженными торсами.

При всей оригинальности замысла балета, есть некоторая недосказанность и незавершенность некоторых линий драматургических решений. К примеру, дирижерская палочка, врученная Чайковскому со стороны фон Мекк как символ вдохновения. Эффектная мизансцена — Чайковский застывает в картинной позе дирижера, а потом чинно кланяется публике (первые аплодисменты в зрительном зале). Однако далее можно было использовать дирижерскую палочку не просто как атрибут, которым герой несколько минут просто размахивает на сцене, а как знаковый предмет (читай, его музыка, само его творчество). Ведь именно с помощью дирижерской палочки, своим творчеством Чайковский «подчинял» толпу и сильных мира сего, закрывавших глаза на некоторые моменты его жизнедеятельности, «выбивающиеся» из принятых норм морали того времени.

А мост в сценографии вызывает яркую ассоциацию со знаменитой сценой у канавки из оперы «Пиковая дама». И автор этих строк до конца спектакля ждала, что в балете, в виде аллегории, будет «обыгран» данный эпизод из оперы «Пиковая дама», в котором у самого края моста окажется не бедная Лиза, а сам композитор. Однако ожидание оказалось напрасным, мост как-то сам по себе незаметно исчез, выполнив лишь функцию разводного помоста.

Грань восьмая — смерть и просветление. Для героя балета Б. Эйфмана смерть — это не конец жизненного пути, а, в контексте балета, освобождение от страданий, ада и боли этого мира. Это апофеоз, ощущение света, озарение, переход в «иное бытие» в окружении его мечты — белых лебедей, когда Душа композитора, как и другой эйфмановский балетный герой — Икар, совершает свой последний полет в бессмертие. В свой потерянный и обретенный рай.
При всем кажущемся стилистическом и образном многообразии (с точки зрения консерваторов балетного искусства), во время просмотра спектакля приходит и осознание того, что порой такого рода произведения не более абсурдны, нежели реальная окружающая действительность. А грани — это всего лишь осколки-пазлы нашей жизни, которые хореограф пытается собрать в единое балетное панно «Чайковский. PRO et CONTRA».

Почти как в кино

В целом, сценография спектакля весьма органично «вписалась» в контекст постановки. Все очень лаконично и не выбивается из стилистики балетного спектакля: лучи света, направленные на последнее ложе композитора; зеркальные колонны, создающие эффект дополнительного визуального объема; прозрачные проемы в которых, как и в балете композитора, бессильно бьется Белый лебедь; люстра и театральный амфитеатр со светом рамп; завеса из удлиненной бахромы, из-за которой незаметно, скользя, возникают персонажи. Отдельно хотелось бы отметить яркие костюмы О. Шаишмелашвили и В. Окунева также гармонично соответствовавшие общей художественной концепции постановки.

Оригинальное содержание спектакля потребовало и новизны в плане драматургического построения, сценографических приемов, которые более характерны кинодраматургии. Это и характерный прием монтажности, когда одна сцена после «вырубки» калейдоскопично сменяется другой. Это и прием «стоп-кадр», подчеркивающий драматические «узлы» балета — отдельные яркие эпизоды, которые словно изъятые из потока сценического действия. Так, в сцене карточной игры на мгновение сценическое действие замирает, и луч света выхватывает Пиковую даму, показывающую герою три заветные карты, в том числе и коварный пиковый туз.

Однако самая примечательная сторона спектакля — это ее хореография, в которой современная хореолексика стала своеобразным «стилистическим мостом», объединяющим сюжетный, повествовательный балет и стихию чистого танца. В результате на сцене рождается разноликое динамическое действие, в котором пластические образы отражают события прошлого и настоящего, взлеты и падения, тончайшие оттенки чувств главного героя.

При этом рисунок танца воспроизводит рисунок музыки, чутко фиксируя изменение ритма, оркестровой фактуры унисоном, каноном, полифонией ансамблевых номеров и кордебалета. Особенно отметим синхронное движение кордебалета, которое воспринимается как некий хорошо отлаженный механизм, где человек — всего лишь «винтик» сцепления данного устройства, системы (читай, социума), который «перемалывает» все и всех, что выходит «за рамки» общепринятых обществом норм и правил.

Эссе на тему пути гения

Но «интрига ради интриги» не интересует Б. Эйфмана сама по себе. Стихия его балета — это сильные эмоции, драматический конфликт, обеспечивающий совсем другую, гораздо более высокую внутреннюю «температуру» спектакля, даже при переведении темы в условно-аллегорическую плоскость. И эти эмоции хореограф переводит в движения танцоров.

Хореографическая фантазия Эйфмана ярко проявляется в решении дуэтных сцен и, прежде всего, в дуэте с Двойником и героя с А. Милюковой. Трудность заключается в достижении необходимой степени разнообразия дуэтов, раскрытии разнообразных комплексов чувств — сомнений, борьбы, лирики, ненависти, ощущение отверженности. И в этом отношении нельзя не отметить финальный дуэт, а точнее, хореографический диалог Чайковского с Милюковой. В ее основе лишь одно состояние — безумие героев. Ластящиеся движения, объятия жены преобразуются в угловатые, острые контуры танца, оттененные неистовыми взрывами экспрессии. Все живое ушло, остались лишь судорожные, цепляющиеся за героя конвульсии жены, и они страшны, как может быть зловеща и устрашающа ласка мертвецов.

Выше всяких похвал Олег Габышев в весьма непростой партии Чайковского, который даже внешне похож на своего героя. Отметим, что О. Габышев именно исполняет, а не танцует, потому что, помимо великолепного технического исполнения (отметим скульптурную красоту и безукоризненную пластичность каждого движения), партия буквально рельефно «вылеплена» актерски (трансформация образа — интересная, по-своему незабываемая, как и непростой переход его героя из одного мира в другой) и в полной мере раскрывает артистическую индивидуальность премьера театра.
Следует особо отметить великолепное исполнение Сергеем Волобуевым столь разнохарактерной партии Двойника во всей своей образной трансформации (Ротбарт, Дроссельмейер, Онегин, Герман), а также Дэниела Рубина в «тройной» партии Принца, Ленского и Джокера. Очень выразительны Людмила Андреева в партии жены композитора, Алина Петровская — в образе фон Мекк и Графини, Марина Коротченкова — Маша, Анжела Турко в партии Татьяны и все участники спектакля.

В целом, балет Б. Эйфмана «Чайковский. PRO et CONTRA», как и другой биографический балет хореографа «Роден», это еще одно размышление, своего рода балетное эссе на тему трагичности жизненного пути гениев. И посмертной эпитафией его двух знаменитых балетов может служить изречение: Ars longa, vita brevis («Жизнь коротка, искусство вечно»). Только поистине творческая личность знает «обратную сторону» искусства — работа на грани человеческих возможностей, бессонные ночи, постоянные сомнения, выматывающие моменты творческого кризиса. И искусство принимает на своем безжалостном алтаре и эту очередную, гениальную жертву.

Улькяр Алиева, доктор искусствоведения, профессор,
фото eifmanballet.ru
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18929
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Май 18, 2018 3:26 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018051802
Тема| Балет, Театр оперы и балета имени Мусы Джалиля,
XXXI Международный фестиваль классического балета имени Рудольфа Нуриева,
Автор| Елена ФЕДОРЕНКО
Заголовок| Как во городе было во Казани
Где опубликовано| © Газета «Культура»
Дата публикации| 2018-05-18
Ссылка| http://portal-kultura.ru/articles/festival/200516-kak-vo-gorode-bylo-vo-kazani/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

В столице Татарстана продолжается XXXI Международный фестиваль классического балета имени Рудольфа Нуреева.

Театр оперы и балета имени Мусы Джалиля — пионер фестивального движения. Оперный Шаляпинский и балетный Нуреевский возникли более трех десятилетий назад. Сам танцовщик в Казань приехал только в 1992 году, землю предков увидел впервые. Но кровь свою уважал, ощущал ее буйное кипение, сплав огненной страстности и нежности, почти сентиментальности. Как и положено «человеку мира», он родился в поезде под стук колес. На могиле одинокого пилигрима — надгробие в форме чемодана, покрытого пестрым ковром.

В 1989 году, когда Нуреев танцевал «Сильфиду» в Ленинграде, на встречу с ним из Казани отправились молодые директор театра Рауфаль Мухаметзянов и руководитель балета Владимир Яковлев. Уговорили посетить татарскую столицу. Визит туда принес Рудольфу радость: выходить на сцену он уже не мог, и по совету Герберта фон Караяна начал дирижировать. В Казани повел оркестр в «Щелкунчике» (участники спектакля до сих пор вспоминают его счастливую улыбку), подарил фестивалю свое имя, поверил в следующие встречи и согласился поставить здесь «Баядерку». Но жить оставалось полгода.


«Баядерка»

«Баядерка» открыла нынешний праздник. Снайперски точный выбор срифмовал двух гениев — Мариуса Петипа и Рудольфа Нуреева, чьим юбилеям посвятили смотр. Оба по-настоящему жили и свободно дышали только в миражах театральных грез. Воин Солор из «Баядерки» — любимая нуреевская партия еще с ленинградских времен, а сам балет стал его последней постановочной работой во Франции. «Баядерка» — яркий образец большого стиля Петипа. Характерные танцы и белая классика, гротеск и экзотика, дикие пляски и нежная лирика, эклектика и гармония. Согласно давно выбранным ориентирам на главные партии пригласили гостей. Танцевать Никию выписали Матильду Фрустье из Сан-Франциско, еще недавно солировавшую в Парижской Опере. Тоненькая, невысокая танцовщица связь с русской традицией почти не почувствовала, и сюжет о том, как гордая храмовая плясунья сознательно отвергает жизнь, утверждая честь, достоинство и высокую преданность любви, прописала вскользь. Кульминацию — танец смерти с корзинкой, в которой спрятана ядовитая змея, Фрустье провела не как экстаз, где смешаны прощание и прощение, гнев и смирение. Лишь взглянула на обманувшего ее Солора, как обиженный ребенок, и отбросила противоядие, протянутое влюбленным в нее Великим брамином (масштабная и яркая роль харизматичного Нурлана Канетова). Повадки травести гостья отмела только в сцене двух соперниц, когда Никия пылко набросилась на отнявшую у нее возлюбленного принцессу Гамзатти. В этой роли необыкновенно аристократична Анна Тихомирова из Большого театра. Ее коллега Игорь Цвирко — Солор соединил благородные манеры, четкий и сильный танец с исповедальными нотами, сложив их в мелодию горького и позднего раскаяния.

Спектакль обозначен как премьера, но, скорее, это — обновленная версия, ибо «Баядерка» давно прописана на казанских подмостках. Самое ценное в свежей редакции — отрепетированные танцы, раскрытые пластические купюры, оживленная атмосфера, дивное исполнение одного из лучших балетных опусов Людвига Минкуса оркестром под управлением Рената Салаватова. Самое эффектное — декорации и костюмы Андрея Злобина и Анны Ипатьевой. Увлеченные Востоком и проживающие в Индии художники создали такое суетливое пиршество, что удивился бы сам Петипа, ценивший роскошь и красочность. Огромный слон и тигр, готовый лапой прорвать клетку, льющаяся вода и многорукое божество, на пестром фоне — многоцветные пятна костюмов. В сцене «Праздник огня», как и в картине свадебного дивертисмента, эти излишества публика принимает восторженно. Но третий акт особый: гениальное прозрение Петипа, первый опыт его аристократического петербургского стиля, когда 32 девичьи тени спускаются с Гималайских гор на грешную землю в гипнотических арабесках. Витиеватые лианы и цветы лотосов скрывают ноги отвергнутых дев, нагромождение каменных отвалов и вьющихся, как пресмыкающиеся, лиан отвлекают от трагического наваждения танца-медитации.

От «Баядерки» смотр перешел к «Лебединому озеру». В очарование актерского ансамбля отлично вписалась молодая англичанка Лауретта Саммерскейл, работающая в Мюнхене. Став открытием фестиваля, она выстроила роль как кружевную по нюансам партитуру. Равно хороши ее нежнейшая Одетта с истосковавшейся душой и непроницаемо-властная Одиллия, обольщающая Зигфрида. Балерина органична в сказочном наиве старинной пантомимы. Ей изо всех сил помогает партнер Иштван Саймон из Дортмундского балета — сосредоточенный на трюках артист представляет своего Принца одиноким романтиком. Азартно и искренне, не задумываясь о технике, танцевал Шута обаятельный «японский татарин» Коя Окава. Его фирменная смысловая огранка движений прослеживалась и в крошечной партии Золотого Божка в «Баядерке». Магнетический внутренний нерв придавали спектаклю «лебединые» сцены, отшлифованные с кордебалетом репетитором Валентиной Прокоповой. В классике и характерных эпизодах все артисты, разной степени одаренности и выучки, демонстрировали лучшее, на что способны.

Еще одна легенда о девушке-птице Сюимбике, чьи крылья похитил лесной колдун Шурале, продолжила фест и, похоже, стала его кульминацией. Небесная странница в своем защитнике Былтыре, сильном и смелом дровосеке, опознала любимого и предпочла землю заоблачным далям. Дуэт героев с необыкновенным обаянием и выразительной самоотдачей исполнили Рената Шакирова и Тимур Аскеров — гости из Мариинки. И не случайно: худрук Яковлев — воспитанник вагановской школы, и «Шурале», покорив сцены разных городов и многих стран, сегодня сохранен только в Казани и Петербурге.

Первое балетное национальное достояние было готово к встрече с публикой в довоенный год. Музыку написал многообещающий талантливый выпускник Московской консерватории Фарид Яруллин по сказочной поэме Габдуллы Тукая. Ее переработал для сцены либреттист и писатель Ахмед Файзи, активное участие в подготовке спектакля принимал Муса Джалиль, служивший тогда в литчасти театра. Молодой хореограф Леонид Якобсон приехал ставить из Ленинграда. Военные годы отложили премьеру. За месяц до Великой Победы спектакль выпустили, но его не увидел погибший на фронте композитор. Единственный балет Яруллина не устарел и не потерял обаяния. В партии Шурале — свой, родной Руслан Савденов, прослуживший в казанской труппе десять лет и нынче блистающий в театре Тулузы. Его Леший темпераментен и экзотичен: то яростно мстит людям, то застывает корявой веткой, то проползает змеей. Витиеватые позы взрываются вихрем вращений и невесомыми прыжками. В плясках лесной нечисти запомнились Огненная ведьма Ольги Алексеевой и Шайтан Алессандро Каггеджи. Фольклорная бесовщина сменялась гармонией птичьих полетов женского кордебалета, бравые молодцы прославляли восторженную силу татарского народа. Захмелевшие старички во главе со Свахой Дианы Зариповой и Сватом Фаяза Валиахметова в задорном гротеске не уступали прыткой молодежи. Свадебные ритуалы, состязания на силу и выносливость передавали не только смысл национальных обрядов и колоритный юмор, но и сам татарский характер — упрямый, гордый, жизнелюбивый.

Сказочная поэтика «Шурале» удивила Рудольфа Нуреева в его единственном казанском турне, он согласился стать полпредом феста в мире, но не успел. Его дело подхватила компания «Глобэкс Промоушн», которая уже не первый год помогает театру приглашать международных звезд. Ее генеральный директор, в недавнем прошлом талантливый солист балета Айдар Шайдуллин, прекрасно знает, как важно создать спектакль-праздник, ему близка объединяющая сила искусства, и с этим не поспорят те, кто хоть раз побывал на кремлевских концертах программы «Танцуй и пой, моя Россия!».

Нуреевский марафон не только старейший, но и самый продолжительный — он длится на протяжении многих майских дней. Жаль было покидать Татарский театр накануне «Дон Кихота» с участием виртуозной кубинки Адиарис Алмейды и приехавшего из Мюнхена Йоны Акосты, «Ромео и Джульетты», где главную партию поведет безупречная прима Кристина Андреева, юбилейного гала к 25-летию Казанского хореографического училища. Впереди — встречи с Театром Бориса Эйфмана и Музтеатром имени Станиславского и Немировича-Данченко, который покажет свои одноактные премьеры. Казанский феномен расширил и свою программу-спутник с традиционным вступительным словом перед каждым спектаклем, кинопоказами, творческими встречами, выставками и круглыми столами. В этом нет эпатажа — есть логическое развитие того прекрасного дела, какому с радостью служат люди Казанского театра.

============================================================================

ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ


«Не на публику, а для публики»

О знаменитом фестивале, на который с неподдельной радостью приезжают международные звезды, рассказывает худрук балета Владимир Яковлев:



— Основополагающих задач две: достойно показать академический репертуар, потому мы и называемся праздником классического танца, и познакомить зрителей со звездами мирового балета. Наша публика далеко не всегда может поехать в Москву или Петербург, чтобы увидеть спектакли Большого и Мариинского театров, а уж тем более — в знаменитые европейские балетные дома, вот мы и стараемся пригласить лучших солистов в Казань. Кого у нас только не было за 30 лет — сотни знаменитых артистов из Москвы, Парижа, Лондона, Нью-Йорка! Помню, когда только начали фестивальное движение, то первый выход гостя на сцену всегда сопровождался бурными овациями. Сейчас же авансом аплодируют только добрым знакомцам, полюбившимся по прежним выступлениям. Публика стала разборчивее и внимательнее: станцуй, покажи уровень, нам есть с кем сравнивать.

Почему мы предпочитаем наследие? В столицах, где много балетных компаний, каждая находит свой путь, выбирая эстетическое направление. У нас же единственный академический театр — не то что в городе, а в республике, — и поэтому наша основная задача — пропаганда классики. Мы не считаем, что она зарастает паутиной. Нет, она вечна, она развивается и соотносится с современностью: меняется эстетика танца, трансформируются мизансцены, обновляются декорации. Свой золотой фонд мы постоянно подновляем, не доводим до состояния ветхости. Театр имени Мусы Джалиля еще и государственный, получаемым дотациям нужно соответствовать. Убеждены, что не стоит выпускать экспериментальные однодневки, которые быстро уходят в небытие. Современные труппы, конечно, тоже должны выступать, и мы приглашаем их нередко — на гастроли и на фестиваль. Для меня как худрука дороги все наши спектакли, а репертуар немалый: балеты Мариуса Петипа, Артура Сен-Леона, Леонида Якобсона, в недавние годы — Владимира Васильева, Бориса Мягкова, Георгия Ковтуна. Наш принцип — делать спектакли для публики. Эйнштейн говорил о том, что все разбираются в политике и искусстве, но, к счастью, мало кто разбирается в физике. Об искусстве судачат многие, бросают нам упреки в ретроградстве, критикуют за приверженность классике. Знаете, когда у нас начался театральный бум? В 1990-е годы. Тогда в магазинах зияли пустые полки, а в музыкальный театр вернулись люди и, думаю, не случайно — они на три часа могли отвлечься от проблем, уйти от сложностей быта в иную вселенную, где царит красота. Чем волшебнее оказывалась сценическая сказка, тем лучше становилась жизнь — вот и парадокс, и закономерность. Наше пристрастие к классике, если хотите, — способ противостоять обилию развлекательных шоу и эстрады нестрогого вкуса, отсутствию новых литературных спектаклей на радио и унылому вниманию к вечным ценностям со стороны телевидения.

Мы чувствуем тягу казанцев к высокому искусству и хотим, чтобы они понимали и чувствовали его глубже, потому комментируем, объясняем, вводим в исторический контекст. Хвалить себя не собираемся. Мы работаем не на публику, а для публики. Не ошибается тот, кто ничего не делает. Бывают у нас выдающиеся спектакли, бывают средние, иногда — все складывается, иногда — получается не сразу. В общем, на сегодняшний день то, что делает наша команда, имеет успех.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Июл 15, 2018 12:26 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18929
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Май 19, 2018 1:02 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018051901
Тема| Балет, Открытый российский конкурс артистов балета «Арабеск» имени Екатерины Максимовой, Персоналии, Морихиро Ивата
Автор| Беседовал Валерий ИВАНОВ
Заголовок| МОРИХИРО ИВАТА: «ГЛАВНОЕ В ТАНЦЕ - ДУХОВНОСТЬ, ЭМОЦИОНАЛЬНАЯ НАСЫЩЕННОСТЬ ИСПОЛНЕНИЯ»
Где опубликовано| © Газета "Музыкальный Клондайк"
Дата публикации| 2018-05-14
Ссылка| http://www.muzklondike.ru/announc/301
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Прописанный в Перми Открытый российский конкурс артистов балета «Арабеск» имени Екатерины Максимовой особенно много значит для Морихиро Ивата - члена жюри нынешнего, юбилейного - пятнадцатого по счету соревнования. Вот о чем удалось расспросить его в дни проведения конкурса.

- Насколько осознанным был для вас, Морихиро, выбор балетной профессии?

- Балетом я начал заниматься с детства в студии моего отца - балетного педагога, который прошёл замечательную школу у работавшего в Японии советского педагога Алексея Варламова. Так что для меня вопрос о выборе профессии решился сам собой. В то время иностранцам было непросто получить возможность учиться в Советском Союзе. Мне очень помогли занятия в открывшемся в 1988 году в Токио Институте советского балета. Оттуда в 1990 году я был отправлен на стажировку в Московское хореографическое училище, где попал в класс Александра Бондаренко, которому многим обязан в своём творческом становлении.

- Итак, с тех пор ваша судьба оказалась неразрывно связанной с нашей страной.

- Это верно. После полутора лет стажировки я три года работал в труппе «Русский балет» Вячеслава Гордеева, где познакомился со своей будущей женой. С 1996 года в течение 17 лет я был солистом Большого театра. Свою первую роль - Шута в балете Прокофьева «Ромео и Джульетта» в постановке Леонида Лавровского на сцене Большого театра я исполнил в 1995 году, ещё будучи стажером. Затем у меня были главные роли в спектаклях разных балетмейстеров. В их числе - «Чиполлино» Генриха Майорова, «Сон в летнюю ночь» Джона Нормайера, «Балда» Владимира Васильева, «Конёк-Горбунок» Николая Андросова, «Парижское веселье» Леонида Мясина, «Болт» Алексея Ратманского. С 2012 года я являюсь художественным руководителем балетной труппы Бурятского оперного театра.

- У вас исключительно удачная конкурсная судьба.

- Ещё до приезда в Советский Союз, в 1987 году, я завоевал золотую медаль на Национальном балетном конкурсе в Японии, а вот на Международном конкурсе артистов балета 1989 года в Москве сошел с дистанции после первого тура. Принимал участие в конкурсах в швейцарской Лозанне и в американском Джексоне. На пермском конкурсе «Арабеск» - 2012 я стал обладателем Гран-при и Приза Михаила Барышникова «Лучшему танцовщику конкурса», а спустя год завоевал золотую медаль на конкурсе артистов балета в Москве.

- Можно ли утверждать, что «Арабеск» - 2012 сыграл особую роль в вашей творческой судьбе?

- Этот конкурс, безусловно, стал для меня огромной удачей. Тогда, в 1992 году, я ещё не осознавал всей ценности того, чего удалось на нём достичь. Ведь после меня 18 лет на «Арабеске» никто не получал Гран-при. После этого я часто приезжал в Пермь, выступал в концертах. Здесь прошёл мой творческий вечер. В Перми у меня была потрясающая возможность танцевать с Надеждой Павловой, со многими замечательными мастерами. На протяжении всей своей карьеры танцовщика я старался держать форму, быть достойным наград, полученных на конкурсах, в том числе и Гран-при пермского «Арабеска».

- Привлекает ли вас работа в конкурсных жюри?

- Быть членом жюри очень ответственно. Стараюсь всегда быть честным в своих оценках. К сожалению, сегодня отношение многих молодых артистов к классике меняется: на первое место выходят сложные технические элементы, внешняя броскость танца. Со многим из того, что происходит, я не согласен. Для меня по-прежнему самым главным является духовность, эмоциональная насыщенность исполнения – то, что мне передали российские педагоги - представители старшего поколения русской балетной школы. Их знания и поддержка для меня всегда значили очень много, им я обязан всем, чего добился в профессии. В свое время я приехал Россию именно для того, чтобы изучать российский балет. Для меня это составляет самую большую ценность.



Фото Никиты ЧУНТОМОВА

предоставлено пресс-службой Пермского театра оперы и балета
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18929
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Май 19, 2018 12:30 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018051902
Тема| Балет, Киевское хореографическое училище, Персоналии, Александра Гринчак
Автор| Елизавета Емелькина
Заголовок| Александра Гринчак
Где опубликовано| © La Personne
Дата публикации| 2018-05-18
Ссылка| https://www.lapersonne.com/post/kiev-ballet-school-aleksandra-grinchak
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Поэтическая ученица Киевского хореографического училища Александра Гринчак в интервью La Personne о поэзии, любимых балеринах и инстаграм. Специально для этого выпуска фотограф Ира Яковлева создала фотоисторию с видом на Киев.



Алескандра, на твой взгляд, в чем отличие Киевской школы от других школ?

Я много ездила по различным школам Европы на стажировки. Была в Лондоне, Париже, Монако, Вене и Барселоне. Русская школа выделяется дисциплиной. В Европе больше ценится работа стоп, мелкая техника и хорошее вращение, а у нас – чистота исполнения и академизм. Киевскую школу видно по рукам. У нас верх более зажат. В Барселоне многие сразу заговаривали со мной по-русски, еще не зная, откуда я.

Многие звезды балета с Украины – Нина Семизорова, Светлана Захарова, Сергей Полунин. Как думаешь, почему так?

Украинцы трудолюбивые и целеустремленные. Мы готовы работать сутками. А еще в Украине очень красивые люди, а сцена любит красоту.

У тебя стильный инстаграм. Это дань моде или желание стать популярнее?

Мне безумно приятно, что его считают стильным! Я стараюсь сочетать посты в цветовой гамме, делать их интересными и красивыми. Сначала и правда дань моде – все девочки вели свою страничку, и я тоже захотела. А сейчас, благодаря ему, я могу знакомиться и общаться с людьми из других концов планеты и делиться тем, что я люблю.

Очень много поэзии на странице. Почему? Какой любимый поэт?

Любимый поэт – Сергей Есенин. Я всегда ношу с собой маленький сборник его стихов и бóльшую часть из них знаю наизусть. От знакомства с его творчеством и началась моя любовь к поэзии. Я читаю Блока, Лермонтова, Фета, Пушкина и Маяковского. Сочиняю сама. Раньше исключительно для себя, теперь делюсь со своими подписчиками. Но пока не под всеми стихотворениями указываю свое авторство – стесняюсь.

В каком бы театре хотела танцевать?

Театр мечты – Мариинский театр в Санкт-Петербурге или театр Гранд-Опера в Париже. Это театры с богатой историей и безумно красивые, многие великие артисты выступали на этих сценах. Надеюсь, когда-нибудь присоединиться к ним.

Как получается совмещать учебу и хобби, танец и путешествия?

В детстве я не давала родителям переключать канал «Культура», по которому часто показывали балет. С 3-х лет я уже знала, что свяжу жизнь с классическим танцем, а другие увлечения появились потом, и не мешают мне заниматься любимым делом. Я полностью отдаюсь балету, а все остальное уходит на второй план. Сложно сказать, что я это совмещаю. В самолете я учу стихи, растягиваюсь, читая книги. Я была во многих странах, но не в качестве туриста, а как артист, который повышал свою балетную квалификацию.

Какой твой самый большой страх?

Я боюсь ошибаться. Я идеалист, считаю, что надо делать все идеально или не делать вовсе. Из-за этого раньше боялась, что будут ругать, теперь же практически поборола этот страх. И поняла, замечания делают, когда хотят помочь, а если что-то продолжает не получаться, сработает принцип – больше работы, меньше нервов.

Какая любимая дисциплина в училище?

Люблю все предметы в школе, но особенно классический танец. Все в моей семье либо математики, либо физики. Родители когда-то хотели, чтобы я пошла по их стопам, поэтому не любить технические дисциплины у меня не было шансов.

Попробуй вспомнить случай во время обучения, когда у тебя что-то долго не получалось. Что это было? И как ты нашла выход из положения?

Когда-то я хотела станцевать вариацию из балета «Эсмеральда». Все говорили, что я лирическая балерина и не смогу станцевать ее ни эмоционально, ни технически. Все привыкли, что Эсмеральда – роковая красотка, хотя по замыслу Виктора Гюго она – выражение невинности и чистоты. У меня получилось убедить педагога, и я станцевала эту вариацию в полуфинале конкурса YAGP в Париже.

Есть ли балетные артисты, на которых ты хочешь быть похожей?

Мне нравятся Оксана Скорик, Виктория Терешкина, Сильви Гиллем, Диана Вишнева. Но я не хочу быть на кого-то похожей, не хочу становиться копией. Я стремлюсь к индивидуальности.

Фото Ира Яковлева

===================================================

Все - фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18929
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Май 20, 2018 9:10 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052001
Тема| Балет, «Benois de la Danse — 2018», Персоналии, Юрий Григорович
Автор| Ольга Шаблинская
Заголовок| Юрий Григорович: нашим балетом можно продолжать гордиться
Где опубликовано| © Еженедельник "Аргументы и Факты" № 20 16/05/2018
Дата публикации| 2018-05-16
Ссылка| http://www.aif.ru/culture/person/yuriy_grigorovich_nashim_baletom_mozhno_prodolzhat_gorditsya
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Легендарный хореограф вновь возглавил жюри престижнейшего фестиваля мирового балета «Benois de la Danse — 2018».

Среди номинантов этого года — мировые звёзды: хореографы Лоран Илер, Юрий Посохов, Михаил Барышников, Джон Ноймайер, премьеры и примы Владислав Лантратов, Светлана Захарова, Аманда Гомес, Пабло Легаса и др. «АиФ» спросил у Юрия Григоровича о том, по-прежнему ли «в области балета мы впереди планеты всей»?

Ольга Шаблинская, «АиФ»: — Юрий Николаевич, чем, на ваш взгляд, в этом году отличается программа фестиваля?

Юрий Григорович:
— Участием новых персон. Форма фестиваля в основных чертах не меняется четверть века: найти и предъявить балетному сообществу лучшую работу артиста и хореографа, композитора, художника, либреттиста за прошедший год. А наполнение этой формы каждый раз иное. Поскольку в искусство приходят новые имена, а признанные мастера эволюционируют, меняется их отношение ко времени, к музыке, танцевальному языку. Всё это выливается в новые сочинения. Всё это программа и фиксирует. В этом её новизна и смысл.

К тому же в этом году мы даём большое гала-представление, посвящённое 200-летию Мариуса Петипа. Мы посмотрим на нашего великого учителя глазами наших номинантов, как они его понимают и чувствуют.

— Мы всегда гордились тем, что русский балет — № 1 в мире. Так ли это сейчас?

— Продолжайте гордиться. Наш балетный цех достоин интереса — пришло новое поколение балерин и танцовщиков. Они держат высокий уровень профессии, хотят работать, и работы у них много. Самоотверженно работают наши балетные школы. Мы наблюдаем за ними постоянно на наших конкурсах «Русский балет», «Молодой балет мира», «Арабеск» и Московском международном. Номер 1 или не номер 1 — не этим измеряется эффективность балетного искусства. А, я бы сказал, насыщенностью творческой жизни, погружённостью в профессию.

— Сегодня Юрий Григорович — мэтр для молодых танцовщиков, можно сказать, легенда. А кто был учителем, авторитетом для вас?

— У меня были замечательные учителя и наставники: Владимир Пономарёв, Александр Ширяев, Алексей Писарев, Агриппина Ваганова и др. Ребёнком в конце 1930-х я пришёл к ним и начал заниматься. Их быт был прост: некоторые жили при школе, их комнаты находились под нашим репетиционным залом, и они всё время слышали над собой топот с потолка и шум. И он их радовал! Они не роптали, были лишены эгоистических амбиций, не делали громких заявлений и не предпринимали громких акций. Если искать определения их жизни, я бы сказал, что они существовали кротко. Их мало волновало, что происходит за пределами этих стен в Петрограде, потом — Ленинграде, и даже собственная судьба. Потому что здесь, на бывшей Театральной улице, была их судьба, и более нигде.

Счастливых знакомств в моей творческой жизни было много. Это одно из преимуществ моей профессии — работать рядом с великими людьми, разговаривать с ними, а бывало, и спорить, но чаще всего восхищаться ими. Галина Уланова, Марина Семёнова, Дмитрий Шостакович, Арам Хачатурян, Игорь Стравинский, Фёдор Лопухов, Марк Шагал, Симон Вирсаладзе, наши балетные мастера из первой волны русской балетной эмиграции — всё это незабываемые встречи. Культурные мосты через время и расстояния.
И наш фестиваль «BENOIS DE LA DANSE» эти культурные мосты укрепляет — к нам приезжают замечательные люди из лучших театров мира.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18929
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Май 20, 2018 9:18 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052002
Тема| Балет, Новосибирский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Михаил Мессерер
Автор| Евгения Буторина
Заголовок| Вновь Принц и Золушка танцуют
Где опубликовано| © Пенсионеры - online
Дата публикации| 2018-05-
Ссылка| http://pensioner54.ru/mozaika-zhizni/dosug/moi-vpechatleniya/5357-vnov-prints-i-zolushka-tantsuyut
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



В Новосибирском оперном снова премьера – балет «Золушка» на музыку Сергея Прокофьева.

Любимую сказку всех времен и народов зрители увидели в классической хореографии Ростислава Захарова, которую бережно воссоздал руководитель балета Михайловского театра Михаил Мессерер.

Сначала он сделал это на сцене Михайловского театра, потом перенес на сцену легендарного сибирского театра, который в эти дни празднует свой день рождения.

И вот в честь праздника в театре – долгожданная балетная премьера. Удивительно красивая сказка завораживает, три акта пролетают почти мгновенно. Взяв практически классическую хореографию, создатели спектакля сделали ставку на современные технологии. Основываясь на сценографии и костюмах Пётра Вильямса, художник реконструированного балета Вячеслав Окунев по максимуму использовал все возможности современных мультимедиа, которые позволяют зрителям вместе с Золушкой бежать по бескрайним анфиладам замка, заглядывать в тихий домик, где живет семья нашей героини, путешествовать по миру вместе с тоскующим принцем. Режиссер мультимедиа Глеб Фильштинский создал, по сути, мультфильм, который стал декорациями к классическому балету, ровеснику нашего театра.

На наших глазах на сцене расцветает дивный сад, восстановленный в мелочах французский замок принимает гостей королевского бала, в парке радует гостей и зрителей фейерверк, ничуть не хуже настоящего.

Прекрасная находка - путешествие принца, когда огромный глобус с его стола вдруг оказывается на тонком ближнем занавесе, поворачивается, приближая к нам страны и чудеса. А за этой светящейся картиной Принц - Эрнест Латыпов - в бесконечном кружении скользит вдоль огромной сцены театра.

Солист Михайловского театра лауреат открытого российского и международных конкурсов Эрнест Латыпов - благородный и изящный, словно настоящий принц. Очаровательна и Золушка Анжелики Воронцовой. Немного грустно, что на премьеру в честь дня рождения театра Принц и Золушка прилетели из Санкт-Петербурга. Новосибирская танцевальная школа, объединяя традиции московской и ленинградской, всегда славилась своими танцовщиками, которых с радостью приглашали танцевать в обе столицы танца… Впрочем, славится она и сейчас. И наши артисты сумели порадовать своих зрителей. Ярко и интересно, с точной передачей характера и настроения, вела свою партию мачеха – Ольга Потешкина. Невозможно было глаз оторвать от озорного шута Кохея Фукуды. Яркими партиями запомнились танцмейстер Михаил Недельский и сестры Золушки Софья Дернова и Мария Машкина.

Спектакль получился действительно очень красивым, ярким и максимально рассчитанным на семейный просмотр. Молодому поколению, выросшему на чудесах мультипликации и мультимедиа, он точно будет интересен и более привычен, нежели постановка, где декорации нарисованы и эффект присутствия должен достигаться воображением.

Любимая сказка о всепобеждающей любви обрела в новосибирском театре новое рождение и, хочется надеяться, нового зрителя.

Фото Виктора Дмитриева

=========================================================

Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18929
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Май 20, 2018 9:25 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052003
Тема| Балет, Татарский театр оперы и балета, XXXI Нуриевский фестиваль, Персоналии,
Автор| Богдан Королёк
Заголовок| Программа «Время» или Нуриев, которого больше нет
Богдан Королёк размышляет о XXXI Нуриевском фестивале в казанском пейзаже. Часть 5-я

Где опубликовано| © «БИЗНЕС Online»
Дата публикации| 2018-05-20
Ссылка| https://www.business-gazeta.ru/article/382814
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Балетный фестиваль в Казани вышел на финишную прямую: сегодня в театре им. Джалиля — «Ромео и Джульетта», исполняемый силами местной труппы, а 22–23 мая форум закроют гастроли московского Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко с триптихом неоклассических балетов ХХ века. Итоги можно подводить уже сейчас. Балетный критик Богдан Королёк, чьи рецензии «БИЗНЕС Online» публиковал на этой неделе, о некоторых свойствах Нуриевского и его отношениях с театральным временем.

«В ОКРУЖАЮЩЕМ КАЗАНЬ МИРЕ ПРОЦЕСС УШЕЛ КУДА-ТО ОЧЕНЬ ДАЛЕКО»

Можно по-разному относиться к Нуриевскому фестивалю, но одно несомненно — организаторы и исполнители делают очень большое дело. Балетная труппа, оркестр, театральные цеха и службы — в эту декаду все работают на износ, ежедневно предоставляя зрителю профессиональный продукт (каждый день — новое название), и это достойно лишь уважения. Зритель, в свою очередь, каждый фестивальный вечер заполняет зрительный зал до отказа и вознаграждает увиденное долгими аплодисментами. Нуриевский фестиваль продал все билеты и принес людям радость — то есть обе задачи, которые полагает для себя главными, выполнил.

С профессиональной точки зрения можно предъявлять претензии к качеству приглашенных солистов. Из выступивших в первые четыря дня артистов реальный высокий класс показали солисты Большого и Мариинского театров — что приятно и хорошо, но не слишком много для фестиваля, определяющего себя как международный и делающего упор на участие гостей в репертуарных спектаклях.

Фестивальный репертуар для зрителя с некоторым опытом также едва ли будет интересен. В основном это постсоветские редакции так называемых «балетов наследия», в большинстве своем стерилизованные, демонстрирующие дезориентацию постановщиков в художественном пространстве и времени. Говоря проще — в окружающем Казань мире процесс ушел куда-то очень далеко. Уже всколыхнулась и угасла волна реконструкций старинных балетов, затронувшая отнюдь не только столичные театры. Вспыхнул интерес к абстрактной танцевальной форме — к балетам Джорджа Баланчина прежде всего — и снова маятник качнулся в сторону многоактных балетов-мелодрам, и вот уже появилось поколение хореографов, которых в балете вновь интересуют чисто музыкально-пластические взаимоотношения. Балетный театр стал заглядывать на территорию актуального драматического театра и так называемой «режиссерской оперы» — пытаясь, в том числе, выяснить отношение с собственным классико-романтическим прошлым. Возникли новые имена хореографов, сценографов, художников по костюмам, композиторов.

«ТРУППЕ ЖИЗНЕННО НЕОБХОДИМО ПРИСУТСТВИЕ МОЛОДОГО ХОРЕОГРАФА-РЕЗИДЕНТА С ЕВРОПЕЙСКИМ КРУГОЗОРОМ»

Этот разговор не стоило бы заводить, ведь публика формально довольна и заполняет зал доверху. Гораздо важнее, что этот репертуар исполняют живые люди, которым рабочий срок определен в ничтожные 15 лет, а за вычетом всевозможных травм и простоев — едва ли 10, и за этот десяток лет нужно успеть максимально реализовать себя, испробовав самый разнообразный репертуар. Молодая казанская труппа, несмотря на ряд профессиональных проблем, обладает солидным потенциалом — в ее недрах честно трудятся крепкие и попросту отличные деми-характерные и деми-классические солисты. Сегодня они замкнуты в заколдованном кругу «классического наследия», дающем немного простора для развития, физического и интеллектуального — что чревато испорченными биографиями и, пардон, сломанными судьбами. В Казани за разговорами о Рудольфе Нуриеве как-то не принято вспоминать его однокашника Юрия Соловьева.

Назвать же современной хореографию балетов «Спартак», «Золотая Орда» и Dona nobis pacem, поставленных вроде бы недавно и специально для Казани, не повернется язык — они демонстрируют тип мышления, современный советским 1970-м, и в качестве профессиональной пищи для сегодняшних молодых тел сомнительны. Труппе жизненно необходимо присутствие молодого (что в балете значит: лет 35-45) хореографа-резидента с европейским кругозором, опытом и складом хореографического ума — да только где сегодня взять такого отчаянного парня, который согласится терпеливо возделывать эту ментальную и художественную целину. Можно сказать, что и Баланчина труппе танцевать рано — но, как известно, для того, чтобы научиться что-нибудь делать, это нужно начать делать.

Сегмент репертуара, условно называемый классикой, необходим — потребно искусство дорогое и богатое. Реализовать богатство и дороговизну можно по-разному, как и трактовать понятие «классика» — например, хореографа или интерпретация классической лексики и классических структур (что на закрытии фестиваля продемонстрирует балет Уильяма Форсайта The Second Detail — хотя по всем внешним атрибутам это богопротивная «современность»). Никто и не призывает выкинуть из репертуара «Лебединое озеро» с «Баядеркой» — вопрос в необходимости в этом репертуаре эстетического противовеса. И публика, присягающая на верность текущему положению дел, есть явление в большой степени воображаемое: нет никаких свидетельств, что она не сможет воспринять иное искусство, разные формы столь желанной классики. Как нет и гарантий того, что в театр не ходят сезон за сезоном одни и те же люди: сотня спектаклей в год, какую дает казанская труппа на стационаре в миллионном городе, явно не может вместить всех имеющих потребность в смотрении балета.

Казань — город амбициозный, ежедневно примиряющий долгую историю и сегодняшний день, всячески утверждающий себя в современности. Здесь Универсиада и мундиаль, здесь пышным цветом расцвел ведомый Александром Сладковским симфонический оркестр, здесь «Золотую Маску» получает доселе никому неизвестные хореограф и танцовщик за спектакль о татарском языке — и Казань неожиданно (и с полным правом) входит в большую лигу современного танца. В центре же этого амбициозного города стоит оперный театр — привилегия, данная отнюдь не каждому крупному городу, налагающая на театр некоторые художественные и просветительские обязательства — и театр этот полагает современностью сработанные по моделям 30-летней давности балеты Бориса Эйфмана. Время внутри него символически остановлено — в интересах спокойствия и стабильности, в балетном сообществе искони столь ценимых.

«ФЕСТИВАЛЬ И ТЕАТР СОПРОТИВЛЯЮТСЯ ВРЕМЕНИ, ГОД ОТ ГОДА ПОДОБНО ГЕТЕВСКОМУ ГЕРОЮ ЗАКЛИНАЮТ ЕГО ОСТАНОВИТСЯ»

Вадим Гаевский
— старейший и самый блистательный отечественный писатель о балете, чья главная книга, «Дивертисмент», ныне выходит в новом издании и которую нужно прочесть всем, кто с классическим балетом связан — в одном из недавних интервью употребил по отношению к балетному искусству термин «уничтожающий ход времени»: «История и время вообще уничтожают балет как таковой. Это естественно. Этому времени, уничтожавшему балеты, очень помогали редакторы. Они, пытаясь спасти, донести до нас балет, заколачивали в него гвозди, ранили его очень сильно».

Нуриевский фестиваль, в название которого вынесена фраза «классический балет», вступает с этим всеуничтожающим временем в парадоксальные отношения. С одной стороны, он этому времени всячески помогает, ежегодно предлагая зрителям описанные Гаевским редакции балетов — например, «Лебединое озеро» (см. текст от 15 мая), которое в нынешнем виде есть продукт советского отношения к «классическому наследию», редакция редакции, симулякр, где текст ленинградской постановки 1952 года не слишком внятно переписан и в котором художники-постановщики имитируют орнаменты ар-деко, хотя хореографический орнамент при этом остается классическим.

С другой стороны, фестиваль и театр этому времени сопротивляются, год от года подобно гетевскому герою заклинают его остановится, отменяют его ход, показывая одни и те же спектакли и переживая один-единственный некогда случившийся чудесный эпизод — явление Рудольфа Нуриева, подарившего фестивалю свое имя. Центральный сюжет фестиваля — не презентация актерских индивидуальностей, как можно было подумать по просмотре премьерной «Баядерки» (см. текст от 14 мая), а бесконечное переживание прекрасного прошлого.

Стенды в фойе с фотографиями двух приездов Нуриева в Казань в 1992 году; упоминания о том, что Нуриев хотел перенести в Казань свою «Баядерку», но смерть помешала этим планам; ремарки в ежедневных вступительных словах к спектаклям «любимая партия Нуриева», «партия, которую Нуриев наверняка бы станцевал», «артист, который участвовал в балете „Нуриев“» — все это в конце концов приобретает черты гротескные и недобрые — напоминает недавнюю берлинскую постановку «Парсифаля» Дмитрия Чернякова, где рыцари Грааля представали членами суровой ультраконсервативной секты, благоговевшими пред архивным фотографиями самой первой постановки «Парсифаля» 1882 года. И точно так же, как персонажи того спектакля пили кровь из раны своего предводителя Амфортаса, разводя ее водой, казанский фестиваль отчаянно пытается подпитываться кровью из почти затянувшейся за давностью лет раны под названием «Нуриев, которого больше нет».

Это, возможно, главное, что настораживает и может отпугнуть иногороднего гостя фестиваля — «болезненная упоенность прошлым, маниакальная зацикленность на фантомных болях былого, невозможность жить сегодняшним днем, страх настоящего и ужас перед будущим». Впрочем, цитировать текст Дмитрия Ренанского о черняковском «Парсифале» — спектакле российского режиссера, чье (спектакля) содержание относится к российским социокультурным реалиям напрямую — будет бесполезно, если, во-первых, создатели и зрители фестиваля этот долгий и трудный спектакль не посмотрят, а во-вторых, сами не ощутят необходимость в переменах. Нужно только понимать, что проблема уничтожающего балетного времени — проблема глобальная, выходящая далеко за пределы XXXI сезона Нуриевского фестиваля и крепкие стены Татарского государственного академического театра оперы и балета имени Мусы Джалиля.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18929
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Май 20, 2018 9:30 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052004
Тема| Балет, театр оперы и балета Коми, фестиваль «Сыктывкарса тулыс», Премьера, Персоналии,
Автор| корр.
Заголовок| «Сыктывкарса тулыс» подарит своим зрителям детство
Где опубликовано| © ИА БНК
Дата публикации| 2018-05-20
Ссылка| https://www.bnkomi.ru/data/news/79043/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Премьера балета заслуженного деятеля искусств России, композитора Михаила Герцмана «Подари мне детство» состоится сегодня, 20 мая, в рамках фестиваля «Сыктывкарса тулыс». Двухактная постановка по мотивам знаменитого «Маленького принца» Антуана де Сент-Экзюпери обрела в современной интерпретации новые оттенки и грани: теперь это история не только о дружбе и любви, но и о предательстве.


Фото Марии Шумейко

Музыка к балету была написана в сжатые сроки – чуть больше 40 дней – и невероятно вымотал композитора. Впервые «Подари мне детство» представили зрителю в феврале. Как отметил в беседе с БНК Михаил Герцман, это не был «провал, как минимум»: к композитору даже подходили на улице и спрашивали, когда будет следующий спектакль. Спустя три месяца балет вновь будет показан на сцене республиканского театра оперы и балета.

«Подари мне детство» поставлен по мотивам повести-сказки «Маленький принц» - зрителю знакомы и мальчик-мечтатель Леон, и его верный друг Лис, и капризная Роза. Но Михаил Герцман погружается в материал глубже, чем Антуан де Сент-Экзюпери. Его герои не только изучают суть дружбы и любви, они сталкиваются с актуальным во все времена и оттого более печальным предательством.

- Предательство – это страшная вещь. Это хуже, чем убийство. Когда человека убили, то муки кончились. А если его предали – они только начинаются. И нет такого человека на свете, который бы не испытал предательства в том или ином виде. В моей личной жизни такого я испытал немало, поэтому для меня это мучительная, болезненная тема, - рассказал БНК Михаил Герцман.

Балет, несмотря на такой тяжелый драматический конфликт, создан для семейной аудитории. В самом описании спектакля звучит фраза, что эта история о том, «как взрослые порой не понимают детей». Либреттист Борис Лагода в «Подари мне детство» поднимает вопрос о семейных взаимоотношениях, родительских ожиданиях и разбитых детских мечтах.

- Мы часто не слышим детей, иногда мы на них сильно давим и лишаем их самомотивации, самоопределения. Точкой отсчета для написания либретто послужил конфликт маленького Леона и его родителей, когда мальчик хочет стать художником, а его заставляют быть летчиком, - отметил Борис Лагода перед первой премьерой балета.

Эта совокупность сразу нескольких ведущих тем делает «Подари мне детство» еще и поучительной сказкой. Как справится с предательством? Можно ли избежать крушения детских мечтаний? Юный зритель понимает, что жизнь состоит не только из радости и приключений, есть и печальные моменты, например, гибель.

- Может кого-то это научит более бережно относиться друг к другу. Я интуитивно понимаю, что это и есть жизнь, это и есть поучительность сказки, - отмечает композитор.

В балете задействована вся труппа, в нескольких номерах можно будет увидеть «звездочек» - юных артистов из детской студии. На февральской премьере главную партию Леона исполняла Елена Быкова, сегодня на сцену выйдет Наталья Супрун. Ранее она танцевала Белую Розу и Черную Розу, а теперь примеряет образ влюбленного в нее мальчика.

- Как будто я готовлю другой спектакль – и образ другой, и восприятие спектакля с другой стороны, совсем другая история, которую я буду рассказывать зрителю. Все в корне отличается, - прокомментировала БНК Наталья Супрун.

Изюминка «Подари мне детство» не только в новой интерпретации оригинального материала, но и в ярких и даже непривычных для поклонников балета решениях. Присоединится к постановке солистка-вокалистка театра Анастасия Морараш, она исполнит «Ангельскую песню». Это выразительный штрих, заключительная нота в балете, подводящая финальную черту.

Премьера «Подари мне детство» состоится сегодня в 16.00.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18929
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Май 20, 2018 11:54 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052005
Тема| Балет, Ростовский музыкальный театр, Первый фестиваль «Лето балета», Персоналии,
Автор| Марина Каминская
Заголовок| Первое «Лето балета»
Где опубликовано| © Наше время (г. Ростов-на-Дону)
Дата публикации| 2018-05-20
Ссылка| http://www.nvgazeta.ru/news/single/532392/
Аннотация| фестиваль

23 мая в Ростовском музыкальном театре стартует первый фестиваль «Лето балета». Его идея принадлежит новому главному балетмейстеру театра Ивану Кузнецову.

В фестивальную программу вошли два балета: «Жизель» (с этого названия в Ростовском музыкальном театре началась его балетная история) и недавняя премьера - «Баядерка». При этом главные партии в фестивальной «Жизели» будут исполнять приглашенные солисты: Сабина Яппарова из Михайловского театра и Дину Тамазлакару (Берлинский государственный балет). А в фестивальной «Баядерке» зрители увидят солистку Большого театра, уроженку Ростову Нину Капцову.

Одно из самых ярких фестивальных событий - открытый класс-концерт главного балетмейстера Михайловского театра Михаила Мессерера.

Завершится фестиваль 27 мая гала-концертом. Он будет состоять из «Вальпургиевой ночи», «Дивертисмента» и маленькой мировой премьеры: балета «Цвет» в постановке Ивана Кузнецова на музыку одной из симфоний Жоржа Бизе, которую великий композитор написал еще в юности.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18929
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Май 20, 2018 6:54 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052006
Тема| Балет, Софийский театр оперы и балета, Гастроли в Москве, Персоналии,
Автор| Павел Ященков
Заголовок| На сцене Большого проходят гастроли Софийского театра оперы и балета /
Корсары балетного моря

Где опубликовано| © Московский Комсомолец
Дата публикации| 2018-05-20
Ссылка| http://www.mk.ru/culture/2018/05/20/na-scene-bolshogo-prokhodyat-gastroli-sofiyskogo-teatra-opery-i-baleta.html
Аннотация| ГАСТРОЛИ

В то время как балетная труппа Большого гастролирует с балетом «Корсар» в Пекине, на его Новой сцене свою версию этого спектакля представили артисты Софийского театра оперы и балета. В конце прошлого года в Болгарию ее перенес известный российский балетмейстер Эльдар Алиев.


Медора — Марта Петкова. Конрад — Никола Хаджитанев. Фото Светослава Николова, предоставлено пресс-службой Большого театра

Софийская опера ведет свое летосчисление с 1890 года, то есть с того самого времени, когда была основана первая в Болгарии «Столичная оперная труппа». Балетная труппа этого театра сформировалась несколько десятилетий спустя. Спектакль «Коппелия», созданный под руководством Анастаса Петрова в 1928 году, принято считать началом профессионального болгарского балета. В 1937 м этот же хореограф поставил и первый национальный балет «Змей и Яна» на сюжет народных преданий и легенд. В дальнейшем репертуар труппы составляли национальные балеты: танцевальная драма о девушке, исполняющей обрядовый танец на горячих углях, «Нестинарка» (1942 год), «Гайдуцкая песнь» (1953 год), «Легенда озера». В советские времена болгарская труппа являлась одной из самых значительных компаний «социалистического лагеря» и развивалась в тесном сотрудничестве с представителями русской балетной школы: Софийская балетная академия, из которой и пополняет свои кадры балет Софийской оперы, работает по методике Вагановой, а в труппе ставили свои спектакли примы Кировского (Мариинки) Ирина Колпакова и Нинель Кургапкина, а репертуар коллектива строится на основе русской классики. Теперь в репертуаре театра есть и «Корсар».

За основу новой постановки Эльдар Алиев взял редакцию балета «Корсар» 1987 года в постановке Петра Гусева, которую тот осуществил на сцене Кировского театра. Алиев сам тогда участвовал в премьере, выступая в парии Конрада, однако, делая много лет спустя, в 2005 году, «Корсар» в Индианаполисе, многое тут переделал в духе модного в советские времена принципа «улучшения классики»: изменил либретто, выкинул пантомиму, а заодно и некоторых героев, сократил и перекомпоновал музыкальную партитуру спектакля. То есть, по сути дела, сделал совершенно новый спектакль, сохранив в нем лишь фрагменты старой версии. В таком виде редакция Алиева кочевала по Америке, Японии и Китаю, пока в 2015 году не оказалась во Владивостоке, в репертуаре Приморской сцены Мариинского театра, где с 2016 года Алиев является главным балетмейстером. Два года спустя Алиев перенес эту версию и в Софию.

В Россию шедевр французского театрального романтизма перенес в 1858 году один из авторов балета «Жизель» — хореограф Жюль Перро. Балет, слишком вольно пересказывающий сюжет одноименной поэмы лорда Байрона, был показан в Санкт-Петербурге через два года после премьеры в Париже, вызвавшей потрясение публики… Фурор спровоцировала последняя сцена: море, буря, гибель пиратского корабля в пучине. В петербургском Большом Каменном театре этот эффект, естественно, тоже воспроизвели… А в главной роли — морского разбойника Конрада, в модной парижской новике от хореографа Жозефа Мазилье (первого автора балета «Корсар», сочинившего к нему не только хореографию, но и вместе с де Сен-Жоржем сценарий) вышел не кто иной, как Мариус Петипа. Артист уже давно пробовал себя как балетмейстер и к концу сезона того же 58 го года сочинил к этому балету для балерины Марфы Муравьевой дуэт Pas d’esclave на специально написанную музыку принца Ольденбургского.

С того самого момента так и повелось: кто только не прикладывал руку к этому балету! Десять композиторов (четверо из них указаны в программке софийского театра) числятся в авторах прираставших к балету номеров: помимо Адана, принца Ольденбургского, Пуни (значился вторым композитором в афише уже первой российской постановки), Дриго и Делиба, указанных в программке, это еще и Юлий Гербер (автор музыки к вариации Конрада), Альберт Цабель (написавший музыку к вариации Гюльнары) и некоторые другие композиторы… На музыку Делиба Петипа уже в 1868 году сочинил знаменитую картину «Оживленный сад». Хореографов же, кроме Мазилье, Перро и Петипа, в разное время обращавшихся к «Корсару», едва ли не больше, чем композиторов. Соответственно, существует и множество редакций этого балета, и версия Алиева — одна из них.

Труппа в Софии, как и в других театрах, где этот балет ставил Алиев, небольшая, не насчитывает и 50 человек (при этом в «Корсаре» занято чуть более тридцати). Поэтому главная задача, которая стояла перед балетмейстером, заключалась в том, чтобы приспособить гигантский балет, каковым «Корсар» и является, к маленькому коллективу. Эту задачу балетмейстер выполнил виртуозно: достаточно сказать, что если у Петипа на премьере в сцене «Оживленный сад» выступало 80 артистов, а 68 было задействовано в недавней версии Ратманского–Бурлаки для Большого театра, то Алиев здесь обошелся всего 12 артистками и 4 солистками. При этом, вставив сюда и па-де-де, придал этой сцене форму развернутого grand pas. Разумеется, от балетных ансамблей, которые выстроил в этом поэтичнейшем фрагменте Петипа, при таком подходе мало что осталось.

Новшеством является и расположение этой сцены в самом пространстве балета: теперь это не сон Сеид-паши, как было у Гусева, и не празднество с танцами для прибывших во дворец переодетых в дервишей корсаров, как у Петипа, а сон самого Конрада, который грезит о любимой Медоре, купленной и увезенной пашой в свой гарем. Соответственно, нет тут ни сцены ссоры Конрада из-за нее со своим другом, нет последующей сцены усыпления Конрада и похищения Медоры Бирбанто. Как нет и самого Бирбанто. Ланкедем здесь из воспитателя Медоры и владельца базара, как было у создателя этого балета Жозефа Мазилье, а потом и у Петипа, превращен в работорговца (так было у Гусева) и замещает невольника в дуэте невольника и невольницы, носящем название Pas d`esclave.

Какие-то фрагменты от Петипа, правда, в несколько видоизмененном виде, в постановке Алиева все же остались. Например, трио одалисок и танец корсаров. Главное и сохранившееся до сих пор па-де-де из этого балета Алиев из первого действия переносит в финал и делает его свадебным.

Истинных хореографов этой сцены (как предполагают исследователи, Самуила Андрианова, Александра Чекрыгина и Вахтанга Чабукиани) Алиев, впрочем, не называет, указывая в программке только собственное авторство как постановщика балета и помечая, что использует в балете фрагменты Мариуса Петипа.В советские времена это па-де-де, за счет введения сюда партии раба (Гусев в своей редакции дает ему даже имя Али), было превращено в па-де-труа. Алиев возвращает ему вид па-де-де, изымая из него раба, однако хореографический текст этой партии сохраняет, отдав её Конраду. Для Конрада он придумывает и много новых танцев, и значительное расширение этой партии можно отнести к достоинствам постановки.

Несомненным достоинством является и роскошное оформление постоянных сотрудников Алиева: сценографа Семена Пастуха и художника по костюмам Галины Соловьевой. Особо отметим исполнителей главных партий Николу Хаджитанева (Конрад) и Марту Петкову (Медора). Пара не так давно удачно выступила сразу в двух российских фестивалях — Международном фестивале балета в Кремле (главные партии в балете «Щелкунчик», хореография Андрея Петрова) и V выпуске «Звезд мирового балета в Саратове» («Спящая красавица», постановка Никиты Долгушина). Выступление в «Корсаре» еще раз подтвердило высокий профессиональный уровень этих артистов и доказало их несомненное лидерство в софийской труппе. Никола Хаджитанев блистал на сцене Большого своим высоким прыжком и был надежен в партнерстве. Марта Петкова покоряла красивой стопой и удлиненными линиями. Некоторые шероховатости исполнения (фуэте с продвижением к оркестровой яме партнерши) были с лихвой покрыты полной отдачей в танце, яркой артистичностью этой пары и их вовлеченностью в действие спектакля.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Июл 15, 2018 12:27 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18929
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Май 20, 2018 10:38 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052007
Тема| Балет, БТ, Премьера, Персоналии, Джон Ноймайер
Автор| Андрей Галкин
Заголовок| Анна в кругу мифов
Где опубликовано| © Voci dell'Opera. Интернет-журнал об опере и балете
Дата публикации| 2018-05-07
Ссылка| https://www.vocidellopera.com/single-post/anna-karenina
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Вдоль линии занавеса проложены игрушечные рельсы. По ним едет маленький паровозик. Он пересекает просцениум и, словно обогнув кулисы и задник, выезжает опять. Так замыкается круг, внутри которого живут герои новой постановки Джона Ноймайера. «Анна Каренина» на музыку Чайковского, Шнитке и Кэта Стивенса продолжила ряд ноймайеровских обращений к литературной классике. Спектакль сочинялся сразу для трех трупп. Правом первой ночи еще летом воспользовался руководимый хореографом Hamburg Ballet. В ноябре новинку предстоит освоить Национальному балету Канады. Но московская премьера, случившаяся в конце марта, – не просто очередная остановка на пути. В Большом театре партию Анны станцевала Светлана Захарова – балерина, вдохновившая Ноймайера обратиться к Толстому.



Сотрудничество балетмейстера и артистки сложилось на редкость счастливо. С прозорливостью ювелира, гранящего алмаз, Ноймайер угадал и выявил не раскрытые до сих пор возможности исполнительницы. Он последовательно показал Анну, охваченную страстью, чувствующую себя падшей, окрыленную мечтами о новой жизни, разочаровавшуюся в них; свел героиню с Карениным, с Вронским, с сыном Сережей – и все это в танце, ведь именно через танец Захарова способна раскрыть любой образ. Со своей стороны, балерина углубила до символов многие бытовые мизансцены. Ее Анне достаточно было сесть рядом с мужем, чтобы мы увидели не просто жену, а соратницу, поддерживающую Каренина в государственной карьере. Ей достаточно было бросить беглый на страницы журнала, чтобы убедить в незаурядности своих интересов. Когда она входила в дом Облонских, пара мимолетных, едва уловимых движений свидетельствовала, что и сама Анна сознает, как неуместно ее великолепие оттеняет небогатый быт брата. Когда она подбегала к травмированному Вронскому, жесты предательски выдавали в ней леди, снизошедшую до мальчика. А если героиня ощущает неравенство отношений, то какая может идти речь о счастье? И княжна Сорокина появлялась в истории как материализация собственных комплексов Анны.

Конфликт острого ума и богатого духа, точное понимание своей роли и усталое разочарование в ней составляли зерно переживаемой Анной трагедии. Слишком молодая для того, чтобы смирить чувства, и слишком взрослая для того, чтобы безоглядно следовать за ними, оторвавшаяся от прежнего, допускавшего свободный выбор социального положения и не сжившаяся до конца с новым, где все подчинено нормам публичной благопристойности, не готовая на компромиссы и сбившаяся с прямого пути, она была обречена на блуждание в замкнутом кругу порывов и сомнений, на разрушающую счастье рефлексию, в итоге – на потерю всего. Пластика выброшенной на берег рыбины, предложенная Ноймайером для финальных сцен и с пугающей достоверностью воплощенная Захаровой, завершила сценический портрет героини. Ценный сам по себе, этот портрет служит стержнем, на который нанизано действие спектакля.

Литературный первоисточник, как всегда у Ноймайера, интерпретирован с точностью подстрочного перевода и с поэтической свободой парафраза. Сюжет Толстого воспроизведен в космополитичных формах современного быта. Крупный министерский чиновник в романе, в балете Каренин выступает перед избирателями. По принадлежащим Левину полям колесит настоящий трактор. Вронский вместо скачек играет в лакросс, и его помолвку с Кити Щербацкой празднуют на светской вечеринке. Все предъявленные постановщиком реалии ведут к нашим дням, но искать в спектакле какую-либо злободневность или обличительные тенденции бессмысленно. Ноймайеру важны не артефакты, а мифологемы европейской культуры. Из них он выстраивает картины одна другой восхитительнее. Согласная и обеспеченная жизнь Карениных, прекрасная молодость Кити и Вронского, благодушные мечты Левина на сене, под огромной луной, итальянский отпуск с подернутым облаками небом и вином на деревянном столе показаны без тени осуждения. Лишь изредка к авторской интонации подмешивается нотка иронии. О ней сигнализируют расставленные хореографом тут и там микроотсылки к своим прежним работам. В новом балете Левин наследует американский антураж и часть танцевальной характеристики Ленского из «Татьяны». Кити сопровождают на свадьбе подруги в розовом – двойники тех, с которыми шла навстречу зефирному счастью принцесса в «Русалочке».

Мир простых житейских радостей образует пространство трагедии. Его по частям постигает, в нем неизменно разочаровывается Анна. И когда, в ответ на сомнения героини, этот мир надламывается, его раз и навсегда установленный рациональный порядок нарушается. В глубине сцены все ближе и ближе к семейным группам пробегает Вронский, вторгающийся в жизнь Анны откуда-то с задворок подсознания. Муж и любовник приходят к ней в одинаковых костюмах, похожие до неразличимости, и выбор между ними делается бессмысленным. Княжна Сорокина маячит на горизонте итальянских сцен задолго до реальной встречи с Вронским.

Мотивированное изнутри переживаниями Анны, развитие сюжета внешне подчиняется музыкальному материалу. Компиляция произведений трех столь различных в своем творчестве композиторов, как Чайковский, Шнитке и Стивенс, предполагала построение спектакля по принципу сюиты. Ноймайер широко использовал возможности сюитной формы, сочинив несходные по масштабу и структуре эпизоды. Среди них есть простые зарисовки на тему конкретных событий, порою весьма неожиданные (Вронский, узнав о беременности Анны, разражается монологом, полным радости отцовства). Есть и развернутые ансамбли, такие как центральный квинтет первого акта, где спутываются в клубок отношения Анны, Вронского, Кити и Левина, и зловещим вестником судьбы мелькает призрак станционного мужика. Есть дуэты, продолжающиеся без провисания чуть ли не по десять минут. Есть сцены, почти лишенные танца, – безумие Китти. Есть и, кажется, не имеющий аналогов в мировом театре опыт приложения к сюжету принципов сонатного аллегро. В экспозиции, идущей под музыку «Торжественной увертюры на Датский гимн», главная партия отдана картинам публичной и семейной жизни Карениных, побочная – игре Вронского и его друзей в лакросс. Одни фрагменты (дуэты Анны с Вронским и сыном) группируются в последовательные цепочки. Другие (монологи Левина под Стивенса) складываются в циклы, прошивающие спектакль насквозь крупными стежками. А постоянное соседство Чайковского и Шнитке формирует ту двойную оптику, через которую рассматривается каждая линия действия.

Лирика XIX века все время поверяется гротескным трагизмом века XX-го. Чайковский сопровождает скоротечные радости, тихие драмы и грустные утешения. Шнитке переносит героев в атмосферу жестоких мук и жутких галлюцинаций. Под Шнитке Долли обнаруживает измену Стивы. Под Чайковского она смиряется со своей участью и находит покой в заботе о детях. Под Чайковского Анна и Вронский бросаются в объятия друг друга. Шнитке отражает их страсть в кривом зеркале сарказма, и в параллель к первому неоклассическому дуэту Ноймайер ставит еще один, черный, решенный в острой и дерганной пластике. Под Чайковского Левин залечивает душевные раны Кити, Лидия Ивановна возвращает к жизни Каренина, Анна играет с сыном и тоскует по нему. Под Шнитке она мучается родами и болезнью. Под Чайковского перемещаются, поворачиваются, разграничивают разные места действия светлые щиты декораций. Под Шнитке они сдвигаются, и в открывшейся изнанке мира, на перепутье дорог, среди бредущих по своим делам людей с чемоданами встречаются Анна и Вронский.

Две музыкальные сферы сталкиваются в начале второго акта во время итальянских каникул, когда рушатся все надежды, и события устремляются к развязке. Две сферы наползают друг на друга в одной из петербургских картин. По либретто Анна приходит в Большой театр смотреть премьеру «Евгения Онегина» (письмо Татьяны звучит в оркестре). На сцене же она встречается с Татьяной из пролога одноименного балета Ноймайера. Белое видение, пребывающее в «паутине снов», напоминает о мире иллюзий, грез и фантазий, где укрывались от безжалостной реальности прежние ноймайеровские герои, и куда хореограф закрывает дорогу Анне. Она сама отказывается от этого пути, беря на себя роль прагматика-Онегина и разрывая протянутое Татьяной письмо.

В общем рапидном танце, как бы в замедленной коде, мимо главной героини еще раз проходят все персонажи спектакля. Уезжают в кулисы декорации, распахивая серый горизонт. На просцениуме размыкаются рельсы. Игрушечный паровозик терпит крушение. Анна спускается через люк в театральную преисподнюю. С ее гибелью распутываются остальные сюжетные узлы. Каренин (чуть-чуть уставший и покорный обстоятельствам у Семена Чудина) связывает жизнь с Лидией Ивановной (в исполнении Аны Туразашвили превратившейся в современную мадам де Ментенон). Кити (игра Дарьи Хохловой поначалу заставляет вспомнить актрис «золотого века» Голливуда, но в безумии выдерживает проверку крупным планом кинопроекции) вновь обретает себя в браке с Левиным (Денис Савин слегка сбавляет заданный постановщиком градус юношеского максимализма). Включается в круг полудетских-полувзрослых обязанностей Сережа (партия поставлена для взрослого танцовщика, и Григорию Иконникову, исполнившему ее в первом составе, удалось решить весьма непростую актерскую задачу – не выглядеть странно или смешно в роли ребенка).

Хэппи энд? В каком-то роде. Но ведь Каренину на самом деле была дорога жена, Кити действительно любила (да и только ли в прошедшем времени любила?) Вронского, а Сережа лишился матери. И вот Каренин, Вронский, Левин, Сережа и Кити собираются под занавес у разверстого люка, на пустынной земле. Им предстоит заново отстроить сметенный трагедией мир.


Фото Дамира Юсупова, Большой театр
=====================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9, 10  След.
Страница 5 из 10

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика