Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2018-05
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Камелия
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 08.10.2013
Сообщения: 1684
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Май 21, 2018 7:40 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052101
Тема| Балет, Персоналии, Жан-Кристоф Майо, Бернис Коппитерс, Алессандра Тоньолони, Франческо Мариоттини, Мимоза Коике
Автор| Александр Фирер
Заголовок| Поэзия прозаических па
Где опубликовано| © Журнал «Музыкальная жизнь» №5 (1186)
Дата публикации| 2018 май
Ссылка| http://mz.kmpztr.ru/
Аннотация| Гастроли Балета Монте-Карло

В рамках санкт-петербургского фестиваля Dance Open состоялись гастроли Балета Монте-Карло со спектаклем «Золушка» в постановке Жан-Кристофа Майо

Представив свою «Золушку» двенадцать лет назад в Москве, Жан-Кристоф Майо покорил столичную публику. И если с тех пор многолетнее взаимное чувство крепко связывает Балет Монте-Карло с москвичами и Большим театром, то на гастроли в Петербург труппа из Монако приехала впервые и тоже, как когда-то впервые в Москве, с «Золушкой». Спектакль был принят на ура. Яркий (в костюмах Жерома Каплана) балет не утратил своей художественной новизны, остался таким же глубоким, своеобразным, динамичным, броским и трогательным. Манера эффектной театральной игры и психологическая ясность хореографии удивительно соотносятся с прокофьевской партитурой. И хотя Майо, расширяя сказочное время, бесцеремонно включил в балет «Романс» из прокофьевской симфонической сюиты «Поручик Киже» (из музыки к одноименному кинофильму), озвучивая одну из страниц поисков-скитаний Принца с эротично- экзотическим танцем, логика его версии сверхубедительна.


Алессандра Тоньолони - Золушка, Франческо Мариоттини - Принц

В тревожных гармониях прокофьевской вселенной с мириадами диезных сарказмов, космических катаклизмов и проникновенной лирики хореограф Майо услышал биение сердца и мятежную полифонию души матери-защитницы своего ребенка. Автор сделал на бестселлерной сюжетной основе истории Золушки притчу-посвящение Матери, чья беззаветная любовь к своему чаду по глубине и бесконечности тождественна непостижимому миру музыки. Освободив либретто от волшебной атрибутики, автор ощущает не менее поразительной и каждодневную реальность.

У братьев Якоба и Вильгельма Гримм (на версию которых опирался Майо) мать обещает, что будет смотреть на Золушку с неба и всегда находиться возле нее. И в виде белой птички-ангела мать исполняла все, о чем просила Золушка. В этой же сказке одна из сестер отрезает палец ноги, чтобы надеть туфельку, вторая сестра – пятку и так, что башмачок окрашивается кровью. (У Майо ножки сестер почернеют и сгниют). А после свадьбы Золушки и Принца голуби выклевали глаза сестрам. В спектакле, конечно, нет такого жестокого натурализма, хореограф лишь иносказательно обыгрывает и по-своему транслирует сюжетные перипетии в балете.


Театр в театре

Важная роль отведена Матери Золушки. Вопреки сокрушительной стихии времени ее смерть не прервала духовной связи с ней отца и дочери, а ее платье как родной талисман: оно бережно покоится то в руках отца, то Золушки, в нем героиня отправляется на бал, и им отец душит свою вторую злую жену до полусмерти, окончательно перелистывая неоднозначный период жизни с ней. Волнообразные движения появляющейся указующей руки матери нисходят словно из космоса энергетическим потоком материнской любви. А волшебные блестки как зримое воплощение благодати, просыпавшиеся когда-то с небес на умершую мать, вернутся с ней в образе Феи и позолотят ножки дочери перед балом и в финале низвергнутся на счастливых Золушку и Принца.

Дивный дуэт родителей Золушки на увертюрные такты предваряет пролог-смерть матери. Экспансивным вторжением в осиротевшую субстанцию Золушки и отца становится вероломное расширение их семьи в лице одиозной мачехи с остро торчащим «скорпионным» жалом сзади и двойным довеском дочерей-хамок. Но Фея-охранительница (мать в виде инопланетянки или ее душа и любовь, сублимировавшиеся в образ-дух) повседневно помогает дочери на тернистом пути к счастью, который пролегает среди огромных белых неисписанных листов жизни (сценография Эрнеста Пиньона-Эрнеста, искусно подсвеченная светорежиссером Домиником Дрийо). Листы-фантомы претерпевают метаморфозы от скромной обители Золушки до элегантных абстракций дворцовых интерьеров, превращаются в зеркало, в яхту Принца или парадную лестницу, скатывания вниз и взлеты наверх по которой в прямом и переносном смысле вторят крутым виражам судьбы.


Мимоза Коике - Фея

Земными вассалами Феи служат в доме отца комично-гротесковые распорядители по исполнению желаний, ловко сдерживающие агрессию мачехи и вообще разряжающие грозовую обстановку (кстати, они же по совместительству прислуживают и Принцу). С их помощью, а также манекенов накануне судьбоносного бала Фея-мать, принесшая приглашение Золушке, «продюсирует» кукольный спектакль, в котором танцовщики разыгрывают театр в театре на оригинальную сказочную историю Золушки с ампутацией пальцев ног сестрами ради вожделенного влезания в башмачок и дефиле будущих детей Золушки-принцессы в розовых и голубых памперсах. А пока босые ножки героини окунают в чан с чечевицей, после чего они оказываются густо усыпанными волшебными блестками – Золушка готова к торжеству.

На балу помешанный на чувственном визионировании женских ножек Принц выбирает себе пассию по красоте стопы, но ни одна из вульгарных особ не соответствует его критериям. И только от золоченых ножек прибывшей Золушки он теряет голову. Но и прозревает, понимая, что его охватило истинное чувство. В их адажио они оба пребывают словно в невесомости, летят счастливые в головокружительном танце. Жемчужиной сцены бала у Майо становятся параллельные дуэты Золушки и Принца и Феи-матери и Отца, разнотембральные по сути – нежно-прелюдийный и элегически сакральный. Пары меняются партнерами и воссоединяются снова. Но скоро бал из светского пати превращается в марафонный бег компании Принца за удовольствиями с оргиастическим, вакханальным финалом. Тогда Мать незамедлительно уводит Золушку из дворца, подгоняя ее босоногую под зловещий набат времени – прокофьевскую «тему часов».

После активных поисков Золушки Принцем история заканчивается обретением счастья. Отец избавляется от Мачехи, а влюбленные воссоединяются. Но удивительная находка хореографа – нежный и элегический дуэт Отца с призраком покойной жены (время не властно над памятью о дорогих сердцу ушедших), что стало самым убедительным пластическим эквивалентом полному драматизма финалу партитуры балета.

Коррективы в сегодняшнюю жизнь спектакля вносит новое поколение исполнителей. Но в памяти неизгладим дивный разнопалитровый образ Феи в интерпретации первой исполнительницы неповторимой и харизматичной Бернис Коппитерс, чье выразительное тело и движения бесконечных рук сродни пластическому запечатлению поэзии высокой пробы. А ее любовь обнимала не только Золушку, но и все сущее. Ветеран труппы Мимоза Коике на нынешних гастролях превзошла себя в педантичном копировании манеры Бернис, но реально справилась тем не менее лишь с технической ипостасью многогранного образа. В роли Отца корректно выступил Альваро Прието, но его перетанцевал во втором составе сценически естественный, танцевально органичный молодой и красивый кореец Джэ-Ён Ан, однако смотрелся он, скорее, братом Золушки или ее бойфрендом, а в паре с мачехой – ее сыном. Марианна Барабаш пластически размыла острохарактерный рисунок партии Мачехи, напротив, в исполнении этой роли Мод Сабурен каждый жест пластически подавался и читался ясно, как если бы она декламировала словесный текст. В партии сестер блистали Виктория Ананян и Гаэль Риу. Распорядители по исполнению желаний по-балетному точные Леннарт Радтке и Кун Хавенит и особенно артистичные Алексис и Жиоржи Оливейры воплотили на сцене прокофьевскую иронию и гротеск. Эмоциональный и обаятельный Франческо Мариоттини в роли Принца – всеобщего любимца, дуэтно гармонировал с Алессандрой Тоньолони (Золушка), искренной и активной, а порой ее сокрушительная напористость все-таки более бы подходила веронской героине Шекспира. Но мелкие придирки не снижают прекрасного впечатления от сбалансированного ансамбля и той отдачи, с которой выступали артисты.

Фото Станислава Левшина
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18649
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Май 22, 2018 10:29 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052201
Тема| Балет, XXXI Международный фестиваль классического балета имени Рудольфа Нуриева, Персоналии, Кристина Андреева, Михаил Тимаев
Автор| Улькяр Алиева
Заголовок| История веронских влюбленных на Нуриевском фестивале
Где опубликовано| © Реальное время
Дата публикации| 2018-05-22
Ссылка| https://realnoevremya.ru/articles/99706-istoriya-veronskih-vlyublnnyh-na-nurievskom-festivale
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ


Фото: vk.com/kazan_opera

0 мая у очаровательной примы балетной труппы Татарского государственного театра оперы и балета им. М. Джалиля Кристины Андреевой день рождения. Что может быть лучшим подарком для балерины? Это главная партия в полюбившемся балетном спектакле на сюжет самой известной, красивой и печальной истории о веронских влюбленных Вильяма Шекспира и тем более на божественную музыку Сергея Прокофьева, считает Улькяр Алиева, доктор искусствоведения. Подробнее — в материале «Реального времени».

Раздвигая стены

Что можно нового сказать о любви, если о ней все сказано? Тем не менее каждое новое поколение, каждый хореограф вносит свой вклад в осмысление самого прекрасного чувства, вписывая новые строки в музыкально-хореографическую любовную летопись. Перекличка веков, как связь между прошлым и будущим, мужчиной и женщиной, противопоставляющих свою любовь родовой ненависти, — все эти вечные вопросы нашли свое отражение в ярком балете «Ромео и Джульетта» в хореографии Бориса Мягкова в редакции Владимира Яковлева, премьера которой состоялась на прошлом Нуриевском фестивале.

Составлять рецензию вторично о каком-либо спектакле и трудно, и легко одновременно. С одной стороны, нет необходимости касаться общих вопросов. С другой же, частности порой затмевают целое, невольно заставляя по-новому взглянуть на знакомый спектакль и акцентировать свое внимание на исполнителях.

Редакциям Владимира Яковлева нужно аплодировать стоя, оценивая способность художественного руководителя балета татарского театра очень деликатно и осторожно обходиться с авторским текстом. Вот и в его редакции балета Б. Мягкова главные персонажи в исполнении Кристины Андреевой — Джульетта и Михаила Тимаева — Ромео, раздвигая стены (читай, пространство и время), находят успокоение не в душной келье, а «над пропастью во ржи», под мягкий и просветленный аккомпанемент оркестра.

Безумно жаль молодых влюбленных, которые не успели сделать ничего существенного в жизни. И смерть их лишь оттеняет социальную и человеческую беспомощность несчастных подростков, пытающихся играть «по правилам» жизни взрослых. Герои балета в виде ангелов уходят из этого столь несовершенного мира (рационального и слишком материального) в мир иной, предоставив зрителям еще раз задуматься над ценностью любви и хрупкостью человеческой жизни.

Контраст ненависти и любви подчеркивается даже визуально: на фоне звездного неба — белоснежные костюмы влюбленных очерчивают их трогательность и уязвимость. Тихо догорают свечи жизни влюбленных, их прощание с миром, принесшим им столько страдания и одновременно такого заоблачного счастья, что хотя бы предсмертные минуты они смогут побыть вместе — и все это на фоне красивейшего прокофьевского мелоса. И музыка, и сценическое и светоцветовое решения финала окутаны светом — неярким, но удивительно теплым как и, впрочем, все простые человеческие мечты о счастье.

Рисунок каждого танца в балете гибко фиксирует изменение ритма, фактуры, противопоставлением нескольких танцевальных «линий», отвечающих на сплетение контрастных мелодико-ритмических элементов в партитуре. И здесь не только следует просто «вычертить» хореографический текст, но и «сшить» эмоционально-образную «ткань» в драмбалетных моментах (драматическая игра в балете с использованием пантомимы), погружая зрителей в атмосферу средневековой легенды. Помимо драматического начала, в балете много мизансцен, отмеченных добродушным юмором — своего рода бытовые жанровые сценки-зарисовки, позволяющие окунуться в атмосферу, мир простых человеческих радостей. При этом актерское мастерство должно проявляться у всех — и у солистов, и у кордебалета.

К свету

На Джульетту — Кристину Андрееву хочется смотреть не отрываясь, как на дорогу, исчезающую в тумане: отвлечешься на секунду — и не увидишь главного. Прима татарского театра создала яркий образ своей героини в выразительной трансформации: от простодушной непосредственности и радости совсем еще юного создания до отчаявшейся пленницы вековой вражды, понимающей свою обреченность.

Хрупкая, изящная Андреева излучала сияние нежной и мягкой теплоты в любовном адажио, когда от любви в пируэтах кружится голова, можно свободно парить в воздухе в поддержках и скользить вниз, в объятия Ромео-Тимаева. И, словно не веря своему счастью, восторженно замирать в отточено фиксированных арабесках. А то боязливо отступать в бисерных па де бурре и отчаянно метаться по сцене в полетных жете, словно ее героиня пытается вырваться из сковывающих оков родовой ненависти и вражды.

Достойно рядом с очаровательной партнершей смотрелся премьер татарского театра Михаил Тимаев в партии Ромео. В окружении своих двух неизменных друзей Ромео-Тимаев выглядел чуть взрослее, мысленно постоянно пребывая в поэтических видениях и грезах (именно такой Ромео способен на столь глубокое чувство, поглощающее все его существо). В самой фактуре премьера татарского театра ощущается монументальность, позволяющая ему, на удивление публики, выполнить фантастически долгую поддержку на вытянутых руках (не менее 20 секунд). Впрочем, такую талантливую красавицу, как Андреева, в столь знаменательный для примы день и на руках подержать не грех.

Жители Вероны

В целом все действующие лица балета не только имеют свои собственные музыкальные и хореографические темы, но и, благодаря яркой индивидуальности исполнителей в спектакле, они были «вылеплены» как портреты-символы. Меркуцио Олега Ивенко обладает прекрасными природными данными: чистотой классической формы, гибкостью и легкостью, воздушным парящим прыжком. А в столь запоминающейся сцене поединка с Тибальдом, Ивенко проявил все свое актерское обаяние и мастерство, перетягивая внимание зрителей с титульных героев на себя.

Бенволио Алессандро Каггеджи проявил замечательную танцевальную легкость и живость. Тибальд Артема Белова был убедителен в столь выразительных и резких движениях, олицетворявших злобу и насилие, хищническую натуру своего героя. Неудавшийся жених Парис Ильнура Гайфуллина деликатно «аккомпанировал» героине и весьма достойно проявил себя в коротких прыжковых вариациях. И, глядя на такого благородного Париса с букетом белых роз в руках, невольно подумалось, что если бы не роковая встреча с Ромео на балу, Джульетта с таким предупредительным Парисом жила бы долго и счастливо.

Отдельной строкой хотелось бы отметить поистине звездный состав трех шутов — Илью Белова, Фаяза Велиахметова и Коя Окава в танцевальном споре, соперничестве за внимание не только зрителей сценической Вероны, но и казанской публики.

Диана Зарипова создала колоритный образ кормилицы, Капулетти Глеба Кораблева и Монтекки Ильнура Зарипова были благородны и сдержаны, Алина Штейнберг на кроваво-алой дорожке картинно заламывала руки в сцене «Смерть Тибальда», а Денис Исаев в партии Лоренцо тщетно пытался примирить непримиримое в судьбах своих влюбленных подопечных.

В финале влюбленные, в буквальном смысле возносятся то ли в рай, то ли в чистилище (если верить Данте). И даже если и в дантовский ад, то возникает риторический вопрос — можно ли считать адом место, где рядом тот, кто дорог больше жизни? И в целом наблюдая за перипетиями сюжетной канвы и, несмотря на пронзительно трагичный финал, балет был с восторгом воспринят публикой, устроившей долгие овации всем участникам спектакля и особенно героине вечера — Кристине Андреевой, которая безуспешно пыталась охватить руками все букеты, преподнесенные в столь радостный для нее день. В конце концов, у каждого свое восприятие известной истории любви, а тут, к тому же и музыка божественная.

Улькяр Алиева, доктор искусствоведения, профессор,

фото vk.com/kazan_opera
==============================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18649
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Май 22, 2018 10:41 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052202
Тема| Балет, Международный фестиваль балетного искусства Palette of Ballet (Узбекистан)
Автор| Заряна Юлдашева
Заголовок| Все о Палитре балета
Где опубликовано| © Afisha.uz
Дата публикации| 2018-05-22
Ссылка| https://www.afisha.uz/gorod/2018/05/22/balette/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ



Балет – прекрасное искусство, которое призвано приносить эстетическое наслаждение и заставляет задуматься о вечных темах: Жизни, Любви, Вселенной. А когда собираются представители разных стран и школ, балет приобретает новую уникальную форму.

Впервые в Узбекистане с 1-10 мая прошел Международный фестиваль балетного искусства Palette of Ballet. Он начался с “Поэмы двух сердец” – древней восточной легенды о вечной любви, побеждающей смерть. А завершился, пожалуй, самым классическим балетом «Лебединое озеро» с солистами Мариинского театра: утонченной Анастасией Колеговой и статным Евгением Иванченко. На сцене Большого были продемонстрированы не только великолепные классические па, но также и современные постановки, которые оказались в новинку ташкентскому зрителю.

Все начинается с Любви

Удивительной историей любви открылся фестиваль балетного искусства. Заслуженная артистка Узбекистана, Надира Хамраева, в роли танцовщицы Комде и солист Бекзод Акимбаев – музыканта Модана, в полной мере сумели раскрыть главную тему восточной легенды – о силе любви, которая побеждает все препятствия.

Грация, пластика, экспрессивность

Начиная со следующего выступления, жизнь ГАБТа уже не будет прежней. Головокружительной, экспрессивной, космической постановкой поразила израильская современная танцевальная группа Vertigo. Спектакль «Один, один и один» – отражение внутренних и внешних миров, взаимодействие личности и социума, переплетение мужской и женской энергий.

«Наконец-то мы дождались того момента, когда выпала возможность увидеть на сцене Большого современные постановки. Спектакль имеет философскую подоплеку. Он о человеческом одиночестве, об опыте человека контакта со Вселенной. Я думаю, что танцорам, благодаря великолепной постановке, удалось это отобразить. Овации, которыми зрители щедро одаривали танцоров в конце, явный показатель того, что Ташкент уже готов к тому, чтобы к нам приезжали ведущие труппы и показывали современный балет. Я уверенна, что аудитория оценит это. Будем надеяться, что будет много артистов с гастролями и когда-нибудь у нас тоже будет свой Ташкентсткий театр современного балета», – считает Азиза Умарова.

«Настоящим откровением для меня стало всё же выступление группы современного танца Vertigo из Израиля. Балет “One. One & one” – покорил своей экспрессией, бешеным темпераментом, минимализмом и концептуальностью режиссуры и постановки пластического танца. Для меня именно этот выступление оставило самые яркие впечатления. В современном искусстве стираются грани между различными видами искусства, современные перфомансы включают в себя и пластический танец, и музыку, и работу с цветом и светом. Спектакль “One. One & one”, на мой взгляд, является воплощением современного искусства», – поделилась Инна Сандлер, художник.

Три дня счастья

Целых три дня своими постановками радовала, пожалуй, самая долгожданная и желанная труппа «Балет Бежара Лозанна». Грациозные балерины и статные артисты балета поразили невероятной гибкостью, легкостью и артистизмом. Труппа представила несколько миниспектаклей, различных по содержанию, темам, костюму. Воздушный «Экспромт…» – в летящих юбочках, откровенный «Бхакти III» – в алых одеяниях, неземной «Лебедь из прошлого, который помнит, что это был он» – в пышной пачке, интригующий «Пиаф».

«Балет Бежара Лозанна – это, конечно, отточенное мастерство танцоров, продуманность каждого движения, акцента, музыки – это акмеизм в танце. У них мне понравились два танцевальных фрагмента – «Бхакти III», покорил необычностью зрительных образов, костюмы свет и второй танцевальный фрагмент, который мне понравился у этой балетной труппы – «Пиаф», балет посвящённый неповторимой Эдит Пиаф, под звучание её песен, её необычного голоса», – рассказала Инна Сандлер, художник.

«Цвета танца»

Приятно удивили артисты Измирского государственного театра оперы и балета, которые представили два одноактных балета: «Бах по-турецки» и «Цвета танца». Хореографом труппы является уже известный ташкентскому зрителю Мехмет Балкан, который посетил столицу еще в начале года для работы над спектаклем "Дама с камелиями".

«Измирская труппа была на высоком профессиональном уровне. Они зажгли зал! Овациями сопровождался каждый номер! Они представили современную хореографию, но с элементами классического балета, более понятного нашему зрителю!» – поделилась Ширин Хасанова, солистка Государственного Академического Большого театра имени Алишера Навои.

Классика всегда будет в моде

Завершилась «Палитра балета» одной из самых известных классических постановок, в которой были продемонстрированы лучшие черты местных и иностранных артистов балета. «Лебединое озеро» – балет в трех актах, трагичная история любви, безграничная красота рук и технические сложные партии. Удивительно гибкая, легкая, обаятельная и очаровательная Анастасия Колегова сразила всех своей красотой, скромностью и большим профессионализмом. А харизматичный Евгений Иванченко удивил высокими прыжками и техничностью партии.

В рамках фестиваля также состоялся Бенефис заслуженной артистки Узбекистана, ведущей солистки театра, Тамиллы Мухамедовой, которая во время своего вечера исполнила все самые красивые и сложные партии.

Иностранные артисты также провели ряд мастер-классов для труппы ГАБТа. Хочется верить, что и наши артисты, мотивированные и вдохновленные выступлениями, будут с еще большим упорством стремиться к совершенству.
=============================================

Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18649
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Май 22, 2018 10:48 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052203
Тема| Балет, Саратовский академический театр оперы и балета, Персоналии, Кирилл Симонов
Автор| Алексей Олексеенко
Заголовок| Призрачная красота балета: в Саратове показали балет "Вешние воды"
Где опубликовано| © Ревизор.ру
Дата публикации| 2018-05-22
Ссылка| http://www.rewizor.ru/theatre/reviews/prizrachnaya-krasota-baleta-v-saratove-pokazali-balet-veshnie-vody/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

В Саратовском академическом театре оперы и балета выпустили мировую премьеру – балет "Вешние воды" на музыку современного композитора Владимира Кобекина, посвященный 200-летию со дня рождения Ивана Тургенева


Фото: пресс-служба Саратовского академического театра оперы и балета

Балет "Вешние воды" в постановке известного хореографа, художественного руководителя балета Театра Наталии Сац впервые выходит на театральную сцену – до этого момента опыта трансформации повести Тургенева в танец на театральной сцене не было. Спектакль, либретто для которого с щепетильной тщательностью и уважению к достоянию великого русского реалиста переработал тандем из композитора и хореографа и музыка для которого написана специально по заказу театра, станет центральным событием XXXI Собиновского музыкального фестиваля.

"...он прыгнул вперед: с унылого берега своей одинокой, холостой жизни бухнулся он в тот веселый, кипучий, могучий поток – и горя ему мало, и знать он не хочет, куда он его вынесет, и не разобьет ли он его о скалу! Это уже не те тихие струи уландовского романса, которые недавно его баюкали… Это сильные, неудержимые волны! Они летят и скачут вперед – и он летит с ними".

"Почему "Вешние воды"? Это получилось случайно. Юрий Леонидович Кочнев (художественный руководитель и главный дирижер Саратовского театра оперы и балета) мне позвонил – я был в аэропорту, и мы начали говорить, какой балет хотим написать и поставить. У меня выскочило: "Вешние воды". Я вспомнил фильмы, красивые танцы, которые в нем были. Я тогда даже не помнил, что в этом году отмечается 200-лет со дня рождения Тургенева. Мы были вне этого. Балет писался не один год – и вот мы поняли, что грядет Мировая премьера, точно к 200-летию со дня рождения писателя"

Владимир Кобекин, композитор.

"Вешние воды" — история о русском помещике Санине, его первой любви к прелестной девушке Джемме, которую разрушила порочная страсть к Марье Николаевне Полозовой. На протяжении всего действия мы видим слабость благородства, столкнувшейся на жизненном пути с коварством обольстительных прелестей, ведущих человека к безвольности – бич общества времен Тургенева, сохранивший свою актуальность до наших дней. Это история горьких воспоминаний, наполненная призраками прошлого, ожившими на театральной сцене. Причем тема "призрачности" времени в полной мере отраженна в сценографии, за которую отвечали приглашенные московские художники Екатерина Злая и Александр Барменков.

"Мы изначально готовили другое решение и предполагали еще более классический вид этой постановки. Но примерно за час до сдачи макета мы решили кардинально все поменять и решили, что это будет темный балет: черное на черном… Опустевший дом Санина, где еще живут его воспоминания – призраки бывшей жизни. Но очень красивые призраки".

Художник Александр Барменков

"К этому добавилось решение в костюмах – на такой "тяжелой" декорации весь балет выступает в легких, воздушных платьях. Он легкий как дыхание, как упущенный момент, который вспоминает Санин… Все действие этого спектакля - как память, слайд, черно-белые фотографии, в которых есть одно яркое воспоминание… "

Художник Екатерина Злая

Облачив сцену в темный нуар, а артистов в дорогие, но легкие "подиумные" костюмы художники добились акцента на главную фабулу Тургенева – эмоции. Эмоции, которые находят своё отражение в музыке и танце. И если по хореографии многие ожидали привычных решений балетмейстера Кирилла Симонова, то музыка до первого взмаха палочки маэстро Кочнева оставалась загадкой – для Владимира Кобекина это не только первый опыт обращения к литературным текстам Тургенева, но и первый балетный опус. Удивили оба. Симонов точным, узнаваемым, но свежим сочетанием классического и современного балета, а Кобекин – выдающейся музыкой на стыке времен, сложно сочетаемой с традиционным пониманием значения словосочетания современный композитор. Свежая партитура будет сыграна в наш век, но могла и, кажется, должна звучать в театрах и дворцах столетия назад, где снискала бы не меньший успех. В симфоническом вступлении, аккуратно подводящем зрителя к началу действия, сочно звучат предостерегающие мотивы, как предвестники драмы – на сцене сквозь полупрозрачный занавес-фасад поместья видны легкие движения балетных артистов, слегка покачивающихся и отстраненных в своей призрачной красоте. Занавес поднимается, темп ускоряется и больше уже не падает, ни давая выступающим малейшей надежды на отдых.

Хореограф Кирилл Симонов поставил в Саратове яркий образец интенсивного психологического неоклассического балета. Все участники сцены постоянно находятся в движении, большое внимание уделено пластике тела, движению рук исполнителей, акцентирующих на себе зрительское внимание своими вычерченными изломанными линиями. И для артистов такая нагрузка – физическая и психологическая, дается с определенным усилием, допуская мелкие шероховатости, исправляемые временем и репетициями, – но результат их действий впечатляет уже сейчас. Полуторачасовой балет для зрителя пролетает за один миг, оставляя в сознании грустное ощущение увиденной литературной истины и необъяснимое ощущение невесомости от музыки и танца. "Вешние воды" - балет с тяжелым сюжетом, который смотрится на удивление легко.

Ключевые образы – помещика Санина и юную Джемму, исполняют артисты балета Алексей Михеев и Кристина Кочетова – еще одно точное "попадание" постановки. Алексей в партии Санина смотрится гармонично и убедительно: отразить душевные метания человека, взглянувшего на секунду в свою прошлую жизнь и нашедшего в ней переломный момент - "перевалочный пункт" собственной безвольности, - удалось ему полностью. Джемма в исполнении Кристины Кочетовой предстает эталоном очарования, легкости и грации – в "противовес" которой действует герой Татьяны Князюковой Марья Николаевна. Её образ наполнен животной страстью, сексапильностью и желанием – блестящим, ярким, но далеко не чистым. В её танце читается вседозволенность, точность, беспрецедентная уверенность в собственных силах и своём очаровании, перед которым не
может устоять ни Санин, ни её муж Ипполит Полозов (Александр Седов). Все это разнообразие характеров, облаченных в монохром декораций и разноплановые сценические эффекты, созданные художниками, заставляют чувствовать эффект дежавю и надежду – чувство чего-то важного, что уже случалось, что финал – знаком, но разве не это ли шанс на то, чтобы в этот раз он был другим?

Балет "Вешние воды" - это постановка скурпулезных деталей, постановка тонкой психологии, идеальный балетный очерк русской литературы – сложный, многогранный, порой непонятый, но близкий. Его можно рассматривать под лупой и все равно не найти всего, что заложено в пленяющие векторные движения. Российские балетные критики уже называют этот балет гордостью для театра - а прошел только закрытый показ. В афише саратовского театра появилась еще одна постановка, созданная на основе произведения русской классики – созданная впервые. И, кажется, что ничего не может помешать её счастливой репертуарной судьбе.

"Так долго не было Тургенева, который настолько театрален и хореографичен по своей стилистике и философии. Театр сегодня попал в эпицентр, в точку. Это мое чувство. Когда я услышала о "Вешних водах", для меня это было глотком свежего воздуха – "Ну, наконец-то".

Елена Езерская, музыкальный и театральный критик
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18649
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Май 22, 2018 11:20 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052204
Тема| Балет, МАМТ, МГАХ, Балетная школа Парижской Оперы
Автор| Роман Володченков
Заголовок| Приношение Петипа
Где опубликовано| © портал "Музыкальные сезоны"
Дата публикации| 2018-05-22
Ссылка| https://musicseasons.org/petipas_offering/
Аннотация| Гала-концерт

Мариус Петипа (1818–1910), чье 200-летие отмечается в этом году, не испытывает недостатка внимания: все самые значимые балетные труппы посвящают ему спектакли, концерты и даже целые фестивали. К юбилейным торжествам присоединился и Музыкальный театр имени К.С.Станиславского и Вл.И.Немировича-Данченко. В представленной на его сцене концертной программе «В честь Петипа» (23 и 24 апреля) объединились творческие силы Московской государственной академии хореографии, Балетной школы Парижской Оперы и балетной труппы самого Музтеатра.



«Оживленный сад» на музыку Лео Делиба – шедевр Петипа, впервые добавленный им в «Корсар» в 1868 году. Выбирая его в качестве концертного посвящения мэтру, Московская государственная академия хореографии (ректор Марина Леонова) придерживалась определенной цели: показать не только солисток (Медора – Елизавета Егорова, Гюльнара – Полина Дияншина), но и женский кордебалет, продемонстрировать, как одно сочетается с другим в разнообразных многофигурных композициях. Что с большой долей успеха и удалось. А внимательные зрители смогли отметить и четкость рисунка хореографии, и музыкальность исполнения, подметить гармоничную связь всех частей изысканного и впечатляющего номера (постановка и новая хореографическая редакция Юрия Бурлаки).

В цветочно-клумбовый ансамбль «Оживленного сада», где каждому воспитаннику (с учетом возраста и пройденной программы) отведено свое место, постановщики ввели и другой фрагмент из балета «Корсар» – па де де Медоры и Конрада из 2-ой картины I акта (хореография Александра Чекрыгина по М.Петипа). Его исполнили уже известные московской театральной публике лауреаты международных конкурсов Елизавета Кокорева и Денис Захаров. Их танец отличался академической сдержанностью. Было видно, что юные артисты умеют распределить силы и сосредоточиться на качественном исполнении. Демонстрируя солидный технический арсенал, они, однако, не проявили свойственного им артистизма. Возможно, что его исполнители приберегли для майских выпускных экзаменов.

Соотечественники Мариуса Петипа из Балетной школы Парижской Оперы (директор Элизабет Платель) показали одноактный современный балет «Весна и осень» на музыку Антонина Дворжака в хореографии Джона Ноймайера (его же декорации, костюмы и свет). Соединяющий в себе пластику классического танца и модерна спектакль (педагог-балетмейстер – Алисон Сандгрен) оказался чувственным, романтическим, живым приношением Петипа и, по существу, пластическим манифестом искусства, где главное – это талант и свобода творчества, где красота и вкус – значительное мерило, а стойкий характер в сочетании с упорным трудом приводит к серьезным достижениям. Все это можно было увидеть и услышать в ноймайеровском танцевальном творении, исполненном легкими и хорошо выученными воспитанниками французской балетной школы (солисты па де де Люси Девинь и Гийом Дио; 2 юноши Рафаэль Дюваль и Анисе Марандел).

«Пахита» Э.Дельдевеза стала первым балетным спектаклем, который Мариус Петипа поставил в России (совместно с Фредериком на основе одноименного балета Ж.Мазилье). И состоялось это буквально в год его приезда (1847). Но тогда в спектакле еще не было знаменитого Гран па на музыку Л.Минкуса (добавлено в 1881-м в возобновленную «Пахиту» для бенефиса Е.Вазем), сохранившегося на отечественной сцене до наших дней.

На сцене Музыкального театра Гран па из «Пахиты» появилось давно. Еще в 1972 году его здесь возобновил П.А.Гусев, а сольные партии танцевали такие известные московские балерины и танцовщики, как Виолетта Бовт и Юрий Григорьев, Маргарита Дроздова и Вадим Тедеев. Нынешняя постановка к 200-летию Петипа осуществлена худруком балетной труппы Лораном Илером (костюмы Луизы Спинателли).

Что касается композиции Гран па, то, на первый взгляд, в ней сохранилось многое, что было и ранее в разных постановках. Другое дело – стиль исполнения, подсказанный Илером. Вот он явно отличался яркостью подачи, остротой поз и особым приподнятым настроением. Такой стиль, в разной степени свойственный всем частям Гран па, сначала показался непривычно резким. Но ведь весь номер, по сути, не бессюжетный фигурный ансамбль, а торжественный дивертисмент в честь свадьбы Пахиты и Люсьена д’Эрвильи. Потому и особое настроение в танце, заданное здесь Илером, надо признать уместным и абсолютно оправданным.

Очень эффектно в «Пахите» показались ведущие солисты Эрика Микиртичева и Иван Михалёв (Пахита и Люсьен). Но, если Микиртичева только подтвердила свой статус стабильной, чуткой к разным направлениям хореографии ведущей балерины, то Михалёв, возможно впервые, доказал, что способен подняться над своими способностями и приблизиться к уровню премьера.

Гран па предшествовали полонез и детская мазурка, прекрасно исполненная учащимися Московской государственной академии хореографии. А опытный и интеллигентный Феликс Коробов, как и всегда, очень профессионально продирижировал оркестром Музыкального театра.

Вечер «В честь Петипа» привлек интересным и нетрадиционным сочетанием номеров, позволил оценить возможности разных хореографических школ (русской и французской), и убедил, что великому искусству, каковым является балет, не нужны излишний пафос, пышность и грандиозность звучания для того, чтобы сохранить свою индивидуальность и образцовые качества в современном мире.

Фото: Светлана Аваакум
====================================================================
Все фото - по ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Июл 15, 2018 12:29 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18649
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Май 22, 2018 11:26 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052205
Тема| Балет, Персоналии, Владимир Варнава
Автор| Ульяна Романова
Заголовок| Код танца Владимира Варнавы
Где опубликовано| © La Personne
Дата публикации| 2018-05-21
Ссылка| https://www.lapersonne.com/post/vladimir-varnava
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Владимир Варнава – один из самых заметных персонажей на сцене русского балета XXI века. В списке его работ – постановки в Москве, Петербурге и Монте-Карло. Недавно на La Personne вышла расшифровка public talk танцовщика и хореографа, а сегодня мы с ним говорим о его исследованиях танца и собственных независимых проектах, среди которых – балет «Ткани» и «Видение розы».



Вам не страшно от того, что с вами происходит? Постановки в труппе Жана-Кристофа Майо, эпичный балет «Ярославна» в Мариинском театре, грядущая премьера спектакля «Золушка» с Натальей Осиповой.

Я уже привык к этим систематичным случайным совпадениям. Прав тот, кто работает. Этот совет мне дал хороший друг, и я пытаюсь ему следовать. Но все, что происходит вокруг, только кажется стечением обстоятельств. Однажды, в полуподвальных помещениях Питера появился балет «Пассажир», он получил «Золотую маску» и дал «зеленый свет» другим проектам. Игорь Колб, узнав, что я больше не работаю в Петрозаводске, предложил мне работу, благодаря которой стало возможно мое сотрудничество с балетными театрами Петербурга. Участие в «Весне священной» Мартина Форсберга побудило уйти из театра и начать поиски собственного пути развития.

Что в вас поменялось, когда вы увидели балет Форсберга?

В 2011 году мы вместе с Мартином ставили в Музыкальном театре Республики Карелия балеты на музыку Стравинского: я работал над своим первым спектаклем большой формы «Пульчинелла», а его пригласили из Швеции создавать «Весну». На тот момент он уже сотрудничал с датскими, британскими и бельгийскими труппами. Его авторитет очень давил, тем более, я был занят у него как танцовщик и видел работу изнутри. У Форсберга все получалось легко, живо, вскрывались интересные смыслы. У меня внутри творился моральный ад, а недостаток опыта и знаний переживался на тот момент достаточно сложно. Примерно в то же самое время появился широкий и свободный интернет-доступ к информации. Я наткнулся на записи балетов Анжелена Прельжокажа, и пришло странное ощущение: моя творческая жизнь проходит мимо – надо искать, учиться, выбираться из изоляции. Так я покинул театр в Петрозаводске, купил билет на самолет и поехал на кастинг к Прельжокажу. Правда, из-за визы пришлось вернуться обратно в Петербург (Смеется), хотя и удалось пройти отбор из 200 танцовщиков на гастроли балета «Белоснежка».

Значит, ваш путь проходит не без препятствий?

Конечно. Начиная с того, что мои первые педагоги Оксана Бойко и Андрей Санников уехали из родного Кургана в Ханты-Мансийск, куда я сбежал за ними, и заканчивая тем, как руководители Петербургских компаний не пускали заниматься классом – спасибо Валерию Михайловскому: он был первый, кто разрешил посещать его уроки, что меня очень поддержало тогда. Но все трудности испаряются, а опыт остается. Анализируя путь, я часто обращаюсь к детству, к началу, и прихожу к выводу, что мои первые представления о мужской и женской энергии сформировали еще преподаватели в Кургане: она была тонкой, очень изящной, а он – мощным и эксцентричным, работал большими мазками. Это зерно, трансформируясь, находя новые способы выражения, живет во мне и сейчас. В институте в Ханты-Мансийске мы учили ритуальные танцы народов севера – позднее я их использовал в спектакле «Шинель.Балет» (реж. Максим Диденко — прим. ред.). Каждый день жизни дает возможность получать знания, которые потом перерабатываются, преобразовываются, смешиваются друг с другом, а применяя этот опыт, ты уже изобретаешь нечто свое.

Ваши независимые работы и есть реализация полученных знаний?

Скорее, наоборот. Благодаря тому, что я создаю проекты для себя вне продюсерских заказов и театров, получились театральные «Ярославна» в Мариинском, «Поцелуй феи» у Жана-Кристофа Майо и многое другое. Одно питает и поддерживает другое. Я исследую танец и движение в своих собственных независимых спектаклях, где я менее ограничен временем, расписанием артистов и сроками, которые в театре обычно не превышают два с половиной месяца (смеется). В нашей лаборатории – сегодня это петербургское пространство Escabo Stage – мы вместе с артистами идем к чему-то важному для нас самих, к самоидентификации в поле мирового современного танца, не боясь потратить лишний час-два-три на поиск пластических решений. Именно в такой обстановке родился балет «Видение розы» – он не обременен необходимостью планового выпуска, здесь была важна возможность захватывающего процесса, а не результата, и зритель это чувствует.

Во всех своих постановках вы работаете с конструкциями: раскладываете их, собирая потом в новые формы. Как вам удается сохранять в них целостную линию повествования?

Когда-то я начинал с очень абстрактных работ, позже увлекся драматургией в музыкальном спектакле. По сути, «Петрушка», «Пассажир», «Записки сумасшедшего», «Ярославна» – это способы конструирования или, если хотите, деконструирования сюжетного спектакля. Попытка уйти от конкретного, прямолинейного способа повествования, но при этом сохранить возможность рассказать историю. В новом же, очень важном для меня, балете «Ткани» нет такой задачи, поэтому в ход идет драматургия телесная. Здесь можно провести параллель с искусством Малевича и Кандинского: в нем сочетается эмоциональный фон с осознанным расположением фигур в пространстве и сюжетом линий. Пожалуй, именно «Ткани», где я делюсь тем, из чего мы состоим, стали концентрацией моего опыта и моих ощущений в танце сегодня.

C чего начинаются ваши спектакли?

Меня всегда волновал этот вопрос, и долго я не знал наверняка, какой ответ будет верным . Но однажды мой любимый хореограф Михаил Фокин «дал» мне совет, который проходит сквозь его мемуары – спектакль можно начинать с чего угодно. Услышал музыку – ставь, появилась идея – ставь, возникла абстрактная идея – ставь, заинтересовал сюжет, литература – ставь. Нет никаких правил: на сцене может появиться, что угодно, нужно учиться понимать контекст и не переставать пробовать – в этом смысл.

Фото Ира Яковлева

===============================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Камелия
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 08.10.2013
Сообщения: 1684
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Май 22, 2018 2:35 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052206
Тема| Балет, Персоналии, Сиди Лярби Шеркауи, Пимонов, Кайдановский, Альварес, Хофманн, Лопатин, Козлов, Цвирко, Савин, Крысанова
Автор| Александр Фирер
Заголовок| Танцы на четверых
Где опубликовано| © Журнал «Музыкальная жизнь» №5 (1186)
Дата публикации| 2018 май
Ссылка| http://mz.kmpztr.ru/
Аннотация| Бенефисы в Большом

Бенефисный проект «Пьеса для него» для четырех незаурядных танцовщиков Большого театра, показанный на Новой сцене, стал, пожалуй, самым успешным в нынешнем сезоне


В двух мировых и двух российских премьерах блеснули записные стилисты-энциклопедисты Вячеслав Лопатин и Денис Савин, чьи актерские интерпретации уже почетно вписаны в новейшую историю московского балета, а также стремительно завладевающий премьерским репертуаром темпераментный Игорь Цвирко и молодой интригующий Владислав Козлов, пока еще «непрочитанная книга».

Мировая премьера опуса Антона Пимонова «Обручение ради смеха» названа по одноименному вокальному циклу Франсиса Пуленка в незабвенном исполнении обладательницы чистейшего родникового тембра Натали Дессэ (фонограмма). Насквозь вторичную хореопьесу, честно поставленную по готовым лекалам или словно «компьютерно скомпонованную» из дансантных клише, украсили лишь замечательный голос певицы и пластическая выразительность статного и элегантного Козлова. В камерном ансамбле из семи танцовщиков он приковывал к себе внимание музыкальностью и артистичностью, партнерством, а главное – эффектом присутствия. И хотя в багаже артиста уже и есть удачные единичные вводы в партии Принца Дезире, Ленского, Грушницкого и Эрика Бруна, фактически именно на бенефисе состоялась яркая презентация Владислава Козлова для будущих значительных ролей в репертуаре театра с надеждой на их осуществление.


Love Song. Денис Савин, Екатерина Крысанова, Игорь Цвирко

Все опусы Сиди Лярби Шеркауи пронизаны чувственностью, и она буквально фонтанирует в его миниатюре «Фавн», которая создана на знаменитую импрессионистскую прелюдию Клода Дебюсси «Послеполуденный отдых фавна» и на музыку Нитина Соуни. В исполнении Вячеслава Лопатина номер прозвучал эпикурейским экстазом. Танцовщик талантливо уловил идею Шеркауи о животной инстинктивности начал танца и его чувственной природе. Он сокрушительно доминировал в дуэте с Юлией Скворцовой (Нимфа). В изумительной пластике Лопатина сочетались эротичное томление, красноречие разгоряченных импульсов и страстных извивов, телесная естественность. Казалось, артист растворился в музыке, представ пластической субстанцией одноименной эклоги Стефана Малларме.

Второй мировой премьерой стала танго-сюита «Юг» на музыку Астора Пьяццоллы, Даниэля Бинелли, Анхеля Вильольдо, Фелисиано Латасы и Альфредо Бевилаквы, которая была подобрана аргентинскими хореографами-постановщиками Марихо и Пилар Альварес и Клаудио Хофманном. Страстная история про любовь и смерть в узких рамках любовного треугольника была поведана в аутентичных и разножанровых танго-па, а балерины Большого при этом надели туфли на высоких каблуках. Роковые страсти вдохновенно и с видимым удовольствием разыграли Игорь Цвирко (Хулиан), Денис Савин (Арнедо), Мария Виноградова (Мария) и ансамбль артистов. Лейтмотивы борделя и мрачной тюрьмы заключали рассказ о взаимной любви Хулиана и Марии, которую ненамеренно зарезал Арнедо, набросившийся на соперника. Душевную мелодичность, закованную в страстные оковы ритма, солисты Большого подали с элегантностью и породистым исполнительским шиком. Роли идеально подошли бенефициантам: техника, артистизм, темперамент Цвирко и Савина мастерски соединились в создании полнокровных персонажей.

Главным событием вечера стала российская премьера «Love song» Андрея Кайдановского на песни «Не покидай меня» Жака Бреля и «Прекрасная земля» Лесли Брикасс и Энтони Ньюли в исполнении Нины Симон. Пронзительный рассказ в рваных обрывках памяти о панической боязни потерять возлюбленную, мучительное и бесконечное воспоминание о завершившейся любви с лихорадкой чувств сверхэмоционально и достоверно рассказали Игорь Цвирко, Денис Савин (представив два образных состояния одного персонажа, разнесенных в пространстве и блуждающих по времени) и блистательная Екатерина Крысанова, полнокровный и холерический объект влечения. Хореограф неожиданно дуэт превращает в трио, а угасание чувств в разрушительно-бытовой лавине подает психологически и пластически точно – через аффектацию и эротику, хрупкость касаний и яростность схваток многоугольника локтей и колен. Особая удача номера – исполнители, сумевшие нетривиально интерпретировать пьесу, не любезничая со зрителем и особо не растолковывая что к чему, но предлагая раздумья и трепет.

Фото Дамира Юсупова
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18649
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Май 23, 2018 10:22 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052301
Тема| Балет, Казанское хореографическое училище, Персоналии,
Автор| Улькяр Алиева
Заголовок| Большие надежды Большой сцены
В рамках Нуриевского фестиваля прошел юбилейный концерт Казанского хореографического училища

Где опубликовано| © Реальное время
Дата публикации| 2018-05-23
Ссылка| https://realnoevremya.ru/articles/99705-koncert-kazanskogo-horeograficheskogo-uchilischa-na-nurievskm
Аннотация|

Всем известно, что самые творческие люди на свете — это дети. Юные исполнители на сцене всегда вызывают самые добрые чувства, а талантливые — умиляют вдвойне. И все же, как бы ни был талантлив юный исполнитель, ему прежде всего надо помочь раскрыться, развить свои способности. И в этом смысле юбилейный концерт к 25-летию Казанского хореографического училища — это тот редкий случай из определения in situ — в нужное время, в нужном месте и в правильном контексте.


Алина Штейнберг в сцене из балета Ж. Бизе — Р. Щедрина «Кармен-сюита». Фото art16.ru

В нужном месте в нужное время

В этот вечер на сцене Татарского государственного театра оперы и балета им. Джалиля в рамках Нуриевского фестиваля совместно выступили большая гордость татарского балетного исполнительского искусства — его настоящее (выпускники КХОУ) и большие надежды — его будущее. При этом многие номера маститые исполнители танцевали совместно с юными дарованиями.

Инициатива проведения необычного спектакля, целиком состоящего из выступления учащихся и выпускников КХОУ, принадлежит руководству училища. Как отметила директор училища Татьяна Шахнина, данный концерт был осуществлен при организационной поддержке президента Республики Татарстан, Министерства культуры республики и руководства Татарского театра оперы и балета. А роскошная корзина цветов от Министерства культуры Татарстана на сцене казанского академического театра — знак весьма символический и необходимый. Ведь совсем скоро Театр оперы и балета им. Мусы Джалиля станет вторым домом для юных танцоров, решивших навсегда связать свою судьбу со сценой, и этот концерт — это еще и шанс «апробировать» себя на большой сцене, почувствовать вкус первого успеха.

Первые шаги на профессиональной академической сцене всегда становятся поворотным событием в жизни каждого юного дарования и когда это выступление становится знаковым событием и для музыкально-театральной жизни Казани, то сам вечер приобретает статус уникального, приобщая не только юных артистов, но и самих зрителей к истории татарского хореографического искусства.

Этот концерт, продуманный детально с соответствующими видеоинсталляциями в сценографии, автоматически ставит юные дарования в разряд профессиональных исполнителей с соответствующими требованиями. И это, наряду с учебой, для них — большая и одновременно радостная, волнующая нагрузка. Юные исполнители поделились частичкой своего света и таланта — светом ярким, лучистым, одаривая всех зрителей в зале теплом своих сердец.

Все вместе

Абсолютно очаровательное впечатление оставило выступление самых юных исполнительниц в своих первых балетных туниках цвета палевой розы. В «Розовой симфонии» на музыку А. Вивальди в хореографии Е. Барышниковой они разыграли шуточное «противоборство» учениц первых и вторых классов с последующим «примирением». В хореографических композициях художественного руководителя концерта А. Полубенцева в сценах из балета «Щелкунчик» П.И. Чайковского — «Вальсе цветов» с солирующими юными исполнителями Софьей Шакировой, Камиллой Алтуховой и Али Кадырова, в «Танце пастушков» с солирующими учащимися КХОУ Анастасией Буртовой и Савелием Храмковым в окружении неотразимого квартета овечек — самых маленьких участников, а также в полонезе на музыку В. Килара с участием солистов театра — Дианы Лобиной и Александра Ахмедзянова, хореограф органично соединил возможности разных возрастных групп учащихся Казанского училища.

Особо хотелось бы отметить выступление учащихся народного отделения КХОУ, позволивших зрительному залу «окунуться» во власть эмоциональной и пластичной стихии столь разнообразных характерных танцев, оценить хореографию Х. Мустаевой в «Цветущем курае» с солирующей Алиной Махачевой, «Коробейников» в хореографии В. Закамской, а также хореографию С. Аминовой и И. Габдрахманова, поставивших мускульно-ритмичный мужской танец «Казанские шакирды», в котором вместе с учащимися выступил солист дублинского «Риверданса» Рифат Габдулхаков.

На высте были учащиеся народного отделения с солирующей Миланой Ширмановой в «Танце девушек» в классической хореографии Л. Якобсона и последующим дуэтом Сююмбике и Былтыра с участием солистов театра Александры Елагиной и Антона Полодюка из балета «Шурале» на музыку Ф. Яруллина.

Удивительный артистизм, непосредственность, местами по-ученически аккуратную старательность всех участников спектакля тепло приветствовали не только, как это обычно бывает, родители и родственники детей, но и приглашенная публика. И, глядя на соцветие юных учащихся, «кружащихся» в столь яркой феерии танцевальных номеров, есть надежда, что за будущие кадры балета Татарстана можно быть спокойными — коллектив КХОУ достойно продолжает лучшие педагогические традиции в системе хореографического образования и бережно хранит преемственность традиций балета.

В целом весь концерт выпускников КХОУ можно охарактеризовать как In varietate concordia («единство в многообразии»). Была представлена и балетная классика — «Классическое па-де-де» Д. Обера из оперы-балета «Бог и баядера, или Влюбленная куртизанка» в хореографии В. Гзовского в великолепном исполнении солистки Цюрихского балета Виктории Капитоновой в дуэте с премьером театра оперы и балета Михаилом Тимаевым. Хореография Алисии Алонсо — сцена из балета Ж. Бизе — Р. Щедрина «Кармен-сюита» — была представлена солистами татарской балетной труппы театра Алиной Штейнберг и Глебом Кораблевым.


«Розовая симфония» на музыку А.Вивальди. Фото art16.ru

Советская классика была представлена сюитой «Курды» из балета «Гаянэ» А. Хачатуряна в хореографии питерского хореографа Н. Анисимовой с очаровательно-зажигающей Айсылу Мирхафизхан (Москва) и солистами театра оперы и балета — Александра Ахмедзянова и Фаяза Велиахметова.

Современная хореография была представлена в композиции Revelation («Откровение») Дж. Уильямса на его знаменитую композицию «Колыбельная для ангела» из кинофильма «Список Шиндлера» в хореографии М. Хираяма, в которой органично сочетается неоклассика и модерн с элементами акробатики (стойка на руках). Этот номер в исполнении очаровательной недавней выпускницы КХОУ, обладательницы великолепной пластики и запредельного шпагата, Эльмиры Сериковой стал одним из самых ярких и запоминающихся номеров в концерте.

Выпускник училища, бывший премьер Кремлевского театра, а ныне премьер румынского Teatrul de Balet Sibiu, Кирилл Ермоленко представил хорошо известную композицию «Все не так, ребята» на музыку В. Высоцкого, так ярко раскрывающую мятежную душу поэта. А секстет балетной труппы театра оперы и балета — Нина Семина, Регина Гарифуллина, Лада Старкова, Александр Ахмедзянов, Амир Гильфанов и Артем Артем Хабибуллин — меланхолично предавался воспоминаниям в композиции А. Полубенцева «Вдовы» на музыку А. Дворжака, в которой прослеживается некоторая образно-тематическая «перекличка» с No Man's Land («Земля без мужчин») известного английского хореографа Лиама Скарлетта.

Художественный руководитель Астраханского театра оперы и балета Константин Уральский представил на юбилейном концерте сцены из своего балета «Пиаф. Я не жалею ни о чем» в исполнении двух выпускниц КХОУ, а ныне солисток астраханского театра, Марии Стец и Айгюль Альмухаметовой. Образный строй песен «французского воробушка» — излюбленный материал многих хореографов (наиболее известен бежаровский балет, лаконично названный «Пиаф»), однако каждый хореограф реализует образный строй песен Пиаф, исходя из своего понимания и мироощущения. Титульная героиня К. Уральского страдала под звуки Mon Dieu! (Господи!) и, словно не веря своему счастью, восторженно взлетала, раскрывая тело и душу в «полетных» поддержках партнера Антона Пестехина в композиции Padam Padam.…

Как-то принято оставлять «за кулисами» рецензий труд репетиторов, педагогов. А ведь именно их деятельность направлена на то, чтобы сформировать, дать возможность талантливым танцовщикам быть на сцене виртуозными и выразительными. Поэтому отметим работу Натальи Александровой, Ольги Бородиной, Виталия Бортякова, Валентина Давлеева, Александра Ельчанинова, Веры Закамской, Ольги Зариповой, Альфии Кавеевой, Елены Костровы, Евгения Лиханова, Марины Мамин-Оглы, Луизы Мухаметгалеевой, Асии Нигматуллиной, Марины Усановой, Ирины Хакимовой, Сании Хантимировой, а также труд концертмейстеров — Натальи Литинской и Натальи Черентаевой.

Работа с юными талантами, как бы трудна она ни была, — благодарный труд. Педагоги маленьких исполнителей не только отдают свои знания и мастерство, но и сами подпитываются, заряжаются от них огромной энергией — доброй, позитивной. И этой энергии, думается, вполне хватит зрителям до следующих интересных мероприятий, проводимых Казанским хореографическим училищем.

Улькяр Алиева, доктор искусствоведения, профессор
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18649
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Май 23, 2018 10:33 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052302
Тема| Балет, XXXI Международный фестиваль классического балета имени Рудольфа Нуриева, Персоналии, Лоран Илер
Автор| Гузель Гайнанова
Заголовок| ВОСПОМИНАНИЯ БАЛЕТМЕЙСТЕРА ЛОРАНА ИЛЕРА О РУДОЛЬФЕ НУРИЕВЕ: «ЕСЛИ ВЫ ТАК НЕВНИМАТЕЛЬНЫ К ХОРЕОГРАФИИ, Я БУДУ НЕВНИМАТЕЛЕН К ВАШЕЙ КАРЬЕРЕ»
Где опубликовано| © Sntat.ru
Дата публикации| 2018-05-23
Ссылка| http://sntat.ru/kultura/vospominaniya-baletmeystera-lorana-ilera-o-rudolfe-nurieve-esli-vy-tak/
Аннотация| творческая встреча с Лораном Илером

Один из известнейших мировых танцоров балета и худрук балета Московского академического Музыкального театра им. Станиславского и Немировича-Данченко рассказал в Казани об уроках, которые он усвоил благодаря работе с легендарным балетмейстером Рудольфом Нуриевым.
На XXXI Международный фестиваль классического балета имени Рудольфа Нуриева в Казань Лоран Илер приехал с тремя постановками Московского академического Музыкального театра им. Станиславского и Немировича-Данченко — «Сюита в белом», «Маленькая смерть» и «Вторая деталь».

Лоран Илер окончил балетную школу Парижской национальной оперы в 1979 году и в том же году начал выступать в качестве артиста кордебалета. Первые своеобразные пробы Лорана у уже известного на тот момент балетмейстера Рудольфа Нуриева состоялись в Париже, прямо во время одного из спектаклей. Как вспоминает Лоран Илер, тогда одна из солисток, которая танцевала «Черного лебедя», сказала, что Нуриев сможет прорепетировать с молодыми артистами во время антракта. Они показывали ему свои движения в гримерке в то время, когда он обновлял макияж и прическу перед выходом на сцену.

«Я сразу почувствовал страсть, с которой он занимается любимым делом. Он был очень отрытым к нам и не боялся потратить на нас свое время. Каждый из нас чувствовал его какую-то невероятную силу и мощь, потому что, когда он смотрел на тебя, то как будто бы сканировал», — рассказал он.

Впоследствии Рудольф Нуриев, будучи директором балетной труппы Парижской оперы, в 1983 году поручил Лорану партию Франца в «Коппелии», после чего молодой артист быстро вошел в репертуар.

Уже в 1985 году, когда Лорану было всего 23 года, Нуриев возвел его в ранг этуали балета Парижской оперы за партию Принца Зигфрида в «Лебедином озере» в постановке отца-основателя балета Московского музыкального театра имени К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко Владимира Бурмейстера. Сейчас, будучи художественным руководителем этого театра, он называет это событие очень символичным.

Об отношении Рудольфа Нуриева к артистам

Он всегда был уверен, что вы можете сделать то, что вы даже сами не знаете о самих себе, рассказал Лоран Илер. «По его словам, танец — это то, что нужно делать очень быстро, нужно быстро реагировать и учить. Никаких разговоров. Он всегда говорил, что нужно делать все до своего предела», — отметил французский балетмейстер.

Лоран Илер отмечает, что Рудольф Нуриев всегда давал шанс молодым артистам. Они даже могли его расстраивать, но лишь единожды. Нужно было всегда быть на высоте, когда как это не было за гранью возможного. Качество, композиция, осмысленность каждого движения — для него это всегда было важно.

«Артисты никогда не должны были жульничать. Достигнуть качества можно было только благодаря очень большой работе. Нужно было всегда проходить через сложную дверь, а не пользоваться обходными путями», — отметил Лоран.

«Однажды он увидел, что один из артистов пропустил движение, специально или случайно. Хотя артисты не могли сделать это специально, потому что знали, что Рудольф всегда смотрит на нас из-за кулис. Он сказал артисту: „Если вы так невнимательны к хореографии, я буду невнимателен к вашей карьере“», — рассказал Лоран Илер.

О травмах и втором дыхании

По его мнению, та мощь, с которой работал Нуриев, была чем-то феноменальным. Мне кажется, ни один человек в мире не сделал столько на сцене как артист и одновременно как хореограф, считает Лоран.

Рудольф никогда не пропускал ни одного класса, был там с самого начала до конца. Причем он всегда был внимателен к работе, которую совершали артисты вокруг него. Нельзя было делать что-то вполсилы, нужно было работать «в полную ногу». Он всегда говорил, что, если он может сделать это, то и мы сможем, потому что мы в два раза моложе.

«Мне всегда нужно чувствовать присутствие артиста на сцене, вы никогда не должны опускать себя, вы все время должны быть в образе», — вспоминает Лоран Илер наставления Рудольфа Нуриева.

Мы даже травмировались меньше, чем нынешние артисты, потому что работали каждое утро по 1-1,5 часа. Это дает настолько хороший фундамент в плане физической подготовки, что травм не было в течение еще многих лет после окончания балетного училища.

Иногда ты задавался вопросом, как можно станцевать второй и третий акт, если ты уже устал. Но нас учили тому, что называется второе дыхание. Эта та энергия, о которой мы не знаем. Благодаря этому ты никогда не опускаешь себя, потому что никогда не следует экономить силы. «Когда приходит этот второй уровень, ты словно становишься кем-то другим, потому что открываешь в себе что-то невероятное. Я думаю, что в такие моменты артисты дают зрителям особые эмоции. Потому что они становятся выше этой усталости», — отметил Лоран Илер, вспоминая о своем наставнике.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18649
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Май 23, 2018 12:54 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052303
Тема| Балет, Омский музыкальный театр, Персоналии, Елена Матвиенко
Автор| Виталий Маевский фото: Александр Катаев
Заголовок| Елена Матвиенко: «Мы не любим с Андреем танцевать. Это наша работа, и в жизни мы не танцуем»
Источник: http://mc.bk55.ru/news/article/17456/
Где опубликовано| © «МС2»
Дата публикации| 2018-05-23
Ссылка| http://mc.bk55.ru/news/article/17456/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Директор Омского музыкального театра Нэлли Бут накануне заявила, что ее труппа нуждается еще как минимум в 10 артистах балета. Елена Матвиенко давно и прочно закрепилась в ее костяке.



О том, как супруга балетного премьера Андрея Матвиенко смогла быть не только женой звезды, но и востребованной балериной, артистка поделилась с «МС2».

– Елена, быть спутником жизни известного деятеля сцены нелегко. Сколько лет вы в браке?

– Лет восемь в браке, но живем дольше. Поженились в Омске. У нас двое деток: первая дочь 5 лет, Глафира, второй мальчик, Захар, родился чуть больше 5 месяцев назад. Я еще кормящая мама.

– И тем не менее уже выходите на сцену?

– Да.

– Мамочке двух замечательных малышей как удается сценическую форму поддерживать?

– 17 апреля мне исполнилось 34 года, и мой вес сейчас 50-51 килограмм при росте 172 сантиметра. Но для кормящей мамы двоих детей – это хорошая форма. Помогает генетика и физическая нагрузка. И плюс здоровое питание, столь модное в наше время.

– Из здорового питания вы что предпочитаете? Из чего состоит рацион балерины Матвиенко?

– Если мясо, то я его не жарю, а отвариваю. Употребляется это с большим количеством овощей. Пью зеленый чай. Сладкую газированную воду не пьем. Минеральную можно. Соки натуральные. Компоты натуральные. Без сахара. Фрукты. Рыба на пару.

– Вы закончили Новосибирское хореографическое училище?

– Да, именно это учебное заведение. Потом мне предложили работать в Новосибирском театре оперы и балета. Там-то я и познакомилась с Андреем Матвиенко, и, собственно говоря, так как я омичка, потом и его сюда уговорила переехать.

– Значит, Омск именно вам должен быть благодарен, что на нашей балетной сцене засверкал Андрей Матвиенко?

– Он переехал в Омск из-за меня. В Новосибирске у него очень удачно балетная карьера складывалась – там он был ведущим мастером сцены. Все было у него очень хорошо. Мама его немножко за это была на меня в обиде, что он из-за меня променял Новосибирск на Омск. Но сейчас она, конечно, не жалеет, потому что здесь у Андрея сложилась семья и с карьерой все замечательно. В Новосибирске, поскольку мы оба с Андреем не местные, нам ребенка в случае гастролей театра оставлять не с кем бы было. Мне пришлось бы сидеть три года в декрете. Хотя, конечно, там Андрей перетанцевал весь ведущий репертуар. И у меня с работой было все хорошо. Зеленский (тогдашний руководитель балета Новосибирского театра оперы и балета, – примечание «МС2») сделал его премьером. У нас тут просто так называют, а в Новосибирске есть такой официальный статус.

– Как вам работалось с Игорем Зеленским?

– Прекрасно. Игорь очень вдохновлял. Он был строгий, довольно своеобразный, мог высказаться грубо в отношении артистов. Но у него присутствовало природное мужское обаяние, и новосибирские солисты тянулись за ним, брали с него пример.

– А тот, кто пришел на смену Зеленскому, украинский танцовщик, он другой?

– Он тоже сильный танцовщик. Сейчас в Новосибирском театре несколько изменилась система – больше директор управляет. А Зеленский в наше время сам назначал на партии.

– Сейчас только приказом директора?

– Как говорят, да. У Зеленского было больше свободы. Но сейчас Игорь работает в Германии, и у него все хорошо. У него большая семья – трое детей, две девочки и мальчик. Супруга была солисткой Мариинского театра. В Новосибирске она как педагог работала.

– Два творческих человека в одной семье. В чем залог счастливой семейной жизни? Вы все время на втором плане, чтобы мужчина был впереди?

– Вы знаете, ну конечно, амплуа диктует, что Андрей №1, но в семье я первая. Я отношусь очень спокойно к тому, что муж ведущий солист. У меня нет зависти, что он достигает каких-то творческих и профессиональных успехов. Ни капельки. Семья только вдохновляет его.

– Для вас танец – это что?

– Вообще мы не любим с Андреем танцевать. Поскольку это наша работа – в жизни мы не танцуем. Но мы с детства в этой профессии. Это самовыражение, возможность почувствовать себя красивой в разных образах. Танец дает чувство творческого удовлетворения.

– Детей в балет отдадите?

– Возможно. Глафира по физическим данным очень ладненькая получилась. От Андрея она взяла мягкую спину, шаг, высокая будет в меня.

– Вас как на всё хватает: на детей, на театр, на мужа? Как силы распределяете?

– Не сплю пятый месяц – тяжело. Но это все временно. Дети в радость.

========================================

Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Камелия
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 08.10.2013
Сообщения: 1684
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Май 23, 2018 1:51 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052304
Тема| Балет, Персоналии, Кардаш, Микиртичева, Михалёв, Соболевский, Захаров, Кокорева, Трикоз, Биссон, Дио Автор| Александр ФИРЕР
Заголовок| Весенняя «Пахита» в «оживленном саду»
Где опубликовано| © Журнал «Музыкальная жизнь» №5 (1186)
Дата публикации| 2018 май
Ссылка| http://mz.kmpztr.ru/
Аннотация| В честь Петипа в МАМТе

На сцене МАМТа состоялся вечер «В честь Петипа»

Худрук балета Музтеатра Лоран Илер представил на гала-концерте к 200-летию со дня рождения Мариуса Петипа выступления учащихся Московской государственной академии хореографии, балетной школы Парижской национальной Оперы и артистов МАМТа. И тем самым подчеркнул родственную связь русской и французской балетных школ и уникальный франко-русский альянс, который в лице гения русского француза Петипа дал миру высокое понятие классического балета.


"Пахита". Оксана Кардаш и Дмитрий Соболевский

Вечер открыли ученики МГАХ сюитой из балета «Корсар» «Оживленный сад» на музыку Лео Делиба в хореографии Петипа (постановка и новая редакция Юрия Бурлаки). Воспитанники ректора Марины Леоновой впечатляли стройностью линий многочисленного кордебалета, синхронностью исполнения, завидными данными длинноногих красивых учениц. Видна и школа, и репетиторская работа: красивые кисти, натянутые стопы, отработаны ракурсы и повороты головы. Однако во всем этом чувствовалось и какая-то эмоциональная зажатость, не хватало детского обаяния, непосредственности, личного отношения к воспроизводимому тексту и музыкальной фразе. Особенно это бросалось в глаза в присовокупленном па де де Медоры и Конрада из второй картины первого акта «Корсара» (хореография Александра Чекрыгина по Мариусу Петипа, редакция Юрия Бурлаки) в исполнении золотых лауреатов последнего Московского международного конкурса артистов балета в Москве Елизаветы Кокоревой и Дениса Захарова. На конкурсе они выглядели более живыми, а ныне – схемами без какого бы то ни было личностного наполнения. Не говоря уже о том, что Кокорева некрасиво крутила фуэте и танец разъяла на отдельные экзерсисы. Оправданием служит лишь то, что классика требует напряжения, и свобода приходит только с годами сценического мастерства (или не приходит). Лучшей в классике показалась Александра Трикоз (Медора в «Оживленном саду»), свободно оттанцевавшая и адажио, и вариацию.


"Spring and fall". Натан Биссон и Карола Пудд

Французские учащиеся из балетной школы Нантера при Парижской Опере (директор Элизабет Платель) упоительно самовыражались в балете «Весна и осень» (но «spring and fall» можно перевести и как «прыжок и падение») на музыку Антонина Дворжака в полуклассической хореографии Джона Ноймайера. Конечно, это по технике и виртуозности не Петипа и не классика, но каждая школа предлагает то, к чему она готовит в будущем. А в нынешней репертуарной ситуации Оперы – изобилие современного танца и дефицит больших классических спектаклей. Так или иначе но исполнительский кураж французских детей, их внутренняя свобода, осмысленность и музыкальность в танце восхищали. В чувственном, пубертатном потоке юношеского ликования они радостно выпрыгивали навстречу новым желаниям, игриво перекатывались по сцене, наслаждались жизнью, молодостью, весной. Полуобнаженные юноши в белых просторных штанах боролись друг с другом, кувыркались, выстраивались в скульптурные композиции, знакомились с девушками в белых платьицах, своей движенческой стихией заполняли все сценическое пространство. Молодые танцовщики точно передавали атмосферу легкого весеннего возбуждения (в этом сочинении, несмотря на его название, хореография явных осенних мотивов не навевает). С точки зрения техники обращают на себя внимание культура стопы танцовщиков, точность и чистота их вращений, артикуляционная аккуратность, пластичность. Выделялись Натан Биссон, Гийом Дио, Даниэль Лозано Мартин и Карола Пудд.

Для гала балетная труппа МАМТа возобновила в немного сокращенном варианте (без нескольких женских вариаций) гран па из «Пахиты» на музыку Людвига Минкуса в постановке Лорана Илера по хореографии Мариуса Петипа. В прологе полонез-мазурку исполнили юные воспитанники МГАХ.

Луиза Спинателли одела балерин в роскошные пачки. А Лоран Илер придал лоск исполнительской манере балерин, добился от них скрупулезной синхронности в рисунке и отполировал до блеска чистоту ансамбля, а также сумел достичь шика и свободы в танце артистов. Блистательны были все шесть солисток. А примы и премьеры первого и второго составов были неузнаваемо неотразимы. Впервые Оксана Кардаш выглядела парадной прима-балериной, впервые Дмитрий Соболевский взмывал в поднебесье и зависал, впервые Иван Михалёв демонстрировал доблестные качества уверенного премьера, порывистого, готового смело преодолеть любые технические каверзы. А Эрика Микиртичева поражала стабильностью и победоносностью своих фуэте.

Фото Светланы Аввакум
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18649
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Май 23, 2018 9:17 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052305
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Евгений Трупоскиади
Автор| Анастасия Барбаш
Заголовок| Евгений Трупоскиади: «Танец надо проживать»
Где опубликовано| © «ГТРК «Кубань»
Дата публикации| 2018-05-23
Ссылка| https://kubantv.ru/details/evgeniy-truposkiadi-tanets-nado-prozhivat/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Артист Большого театра Евгений Трупоскиади начал свою карьеру в Краснодаре — в театре балета Юрия Григоровича. Чем отличается детство и юность танцовщиков от жизни обычных ребят, классический балет — от современного, и какая сторона его жизни — самая счастливая, артист рассказал «России. Кубань». А его друзья, коллеги и преподаватели немного рассказали о нем.



— Евгений, вы приехали, чтобы выступить на фестивале современной хореографии. Это шестой фестиваль, и вы — приглашенная звезда в родном городе. Как ощущение?

— Прекрасное ощущение. Очень приятно, что в этом году Александр Викторович Мацко пригласил именно меня, и я вообще очень благодарен этому человеку. Мы с ним довольно долго знакомы, еще с тех времен, когда я работал в нашем театре.

— Вы тяготеете к современной хореографии?

— Да, очень тяготею. Мне безумно стало нравится танцевать и разучивать новый стиль, новую пластику, хореографию. Я начал этим заниматься примерно 10 лет назад. Это другой мир, другая мысль. Она очень развивает, помимо классики традиционной, которую мы танцуем постоянно, современная хореография из тебя вытаскивает совсем другие чувства, эмоции и физику.

— И тело по-другому ощущается?

— Естественно, приобретаешь огромный багаж новых движений, ощущений, эмоций, чувств, и когда познаешь новый стиль хореографии, это вещь ни с чем несравнимая.

— Расскажите о номере, который вы станцевали со своей партнершей Татьяной Крюковой.

— Спектакль «Новеллы о любви», «Танцы разбитых сердец» — это второе отделение нашего концерта. У нас три таких экспрессивных, разнохарактерных номера: один – классический, о человеке, который очень творческий, мыслящий и открытый; второй номер — современный, драйвовый, можно сказать, постельная сцена, но очень веселая, игровая, на живую музыку; третий номер — кульминационный и очень тематический, это эмоциональное и страстное танго. Три разных характера в одном произведении. Танец надо проживать, словно это настоящая история. Только тогда зритель поймет, что это не просто работа.

— Интересно было работать, танцевать с Татьяной Крюковой? Ведь вы знакомы с первого дня учебы в хореографическом краснодарском училище?

— Мы пришли в один день в хореографическое училище на вступительные экзамены, нас приняли, и мы начали учиться. Мы очень хорошо знакомы, вместе танцуем, я чувствую энергию, я вижу, как она это делает, заряжаюсь. И надеюсь, что контакт получился.

Женя отличался харизматичностью, он всегда был очень ярким танцором, у него роли были характерные. Он был очень сильным, строгим, но по жизни добрый, отзывчивый, талантливый. Я очень рада за своего однокурсника, который сейчас работает в Большом театре. Замечательно, что мы вместе учились.

Татьяна Крюкова, танцовщица


— Что Татьяна имела в виду, когда сказала, что вы строгим могли быть?

— Думаю, что это рабочий момент. Конечно, при подготовке роли невозможно, чтобы было все гладко. Есть люди разных характеров, и как чайник закипает — какой-то быстрее, какой-то медленнее. Я не могу сказать, чтобы очень строгим был, но это больше рабочих моментов касается. Жизненные качества — совсем другие. Когда чувствую, что ситуация накаляется, стараюсь перевести ее в мирное русло.

— Что сложнее психологически и физически: учиться и становиться в профессии или работать сейчас, когда вы уже состоялись?

— Это как строить дом — этаж за этажом. Выше — сложнее. Нет ощущения, что сейчас уже легче. Работа в театре началась еще при учебе, конечно, разучивание всех спектаклей, участие в них — это был другой фундамент, но уже очень крепкий, серьезный, и в Большом театре он мне помог. Потому что я уже знал, что очень схожий репертуар у нашего краснодарского театра балета Юрия Григоровича и Большого. Все спектакли Юрия Григоровича, практически все, идут в Большом театре.

— Вы играете в «Золотом веке» и «Щелкунчике» те же роли, что когда-то на Краснодарской сцене отрабатывали?

— В «Иване Грозном», и это был счастливый момент — именно это помогло мне в итоге прийти туда, где я сейчас нахожусь, потому что от Григоровича не уйти. Григорович — это столп, на котором стоит Большой театр. Григорович очень много лет делал этот театр, делал славу его своей хореографией. История моего появления там судьбоносна, скажем так, для меня. Какой артист не мечтает попасть работать в лучший театр нашей страны?! Случилось так, что мне пришел сначала вопрос, а потом приглашение, потому что в моем небольшом творческом резюме было написано, что я это уже делал раньше, знаю.

— Интересно, в вашем личном рейтинге Большой театр на каком месте, что он значит для вас?

— Недавно поймал себя на мысли, что на сцене во время спектакля, точнее за кулисами, я вижу работу артистов, а выйдя на сцену — смотрю в зал и ловлю то самое первое ощущение, когда открылся занавес Большого театра, и я стоял на сцене. Это действительно история, и ты понимаешь, что эти стены — в них всё живое, даже пространство и воздух вокруг, они пропитаны человеческими эмоциями. Это ни с чем не сравнимое ощущение.

Помню, приходила домой уставшая, даже не могла кушать иногда сразу, потому что валилась в кровать. Но это время вспоминается теплым, таким душевным. Нам было весело, хоть мы много трудились. У нас не было такого детства, как у остальных, но все было замечательно.
Алла Фролова, одногруппница


— О детстве не жалеете?

— Жалею, что еще больше сил не вкладывал в то, что мы делали, потому что когда человек еще молодой, он думает, что тут еще есть, и там что-то можно посмотреть, а тебя жестко ставят к станку и говорят: «Только это». В детстве еще есть какие-то мысли, но уже сейчас я знаю точно, что надо было просто стоять еще больше у станка. Как говорил наш педагог, Геннадий Иванович, в балете случайных людей не бывает. И я очень благодарен ему за то, что многое приобрел на начальном этапе.

Он не спорщик был, он был максималист. Он мне нравился тем, что был очень устремленный. Даже когда не хватало сил, он садился, отдыхал какое-то время и говорил: «Давайте еще попробую». У него было до фанатизма развито стремление получить профессию.
Геннадий Силин, преподаватель


— Были какие-то другие интересы, кроме танцев? Поэзию любите до сих пор?

— Конечно, все они были с более творческой стороны. Поэзию люблю, она в моей жизни была разная, для меня интересная. От легкой и чистой поэзии Сергея Есенина в начале до Бродского, сейчас читаю и Гумилева.

— Вы состоялись не только как артист, а и как семьянин. У вас трое детей, жена — балерина, Виктория. Расскажите немного о них.

— Это прекрасная сторона моей жизни. Конечно, работа — это жизнь. И вот я даже не знаю... Моя жена — замечательный человек, я очень ее люблю. Мы с ней творческие — одинаковые. В человеке есть внутренняя энергия, которая притягивает, и я знаю точно, что именно этот человек энергетически со мной связан. Конечно, от такого союза не могло не прорасти семя. У меня трое детей — две дочери и сын. Дочка младшенькая, ей всего шесть месяцев.

— Своим детям желаете этой профессии? Или подарите им детство?

— Скажу честно, я сторонник династии. В нашей профессии это очень распространено. Я знаю, каково быть танцором. И хочу, чтобы мои дети почувствовали тоже самое.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18649
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Май 23, 2018 11:04 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052306
Тема| Балет, Новосибирский театр оперы и балета, Персоналии, Михаил Мессерер
Автор| Лилия Вишневская. Фото автора
Заголовок| В НОВАТе прошли премьеры первого 3D-спектакля «Золушка» по эскизам 1945 года
Где опубликовано| © Бумеранг №18 (806)
Дата публикации| 2018-05-23
Ссылка| https://bumerang.nsk.ru/news/culture/Volshebnaya_skazka/?sphrase_id=13524
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



В НОВАТе прошли премьеры первого 3D-спектакля «Золушка» по эскизам 1945 года

Хореограф Михаил Мессерер совместно с художниками Вячеславом Окуневым и Глебом Фильштинским воссоздали на большой сцене Новосибирского оперного исторический Балет Победы – спектакль 1945 года, поставленный в Большом театре балетмейстером Ростиславом Захаровыми и художником Петром Вильямсом. В заключительной премьере 19 мая в балете Сергея Прокофьева в роли Принца на сцену НОВАТа вышел Иван Васильев.



Балет Победы

Замысел сказочного балета родился у Прокофьева зимой 1940 года. Летом 1943 года в Перми, где работал тогда Кировский театр, гениальная работа была завершена. Композитор создавал свою «Золушку» в лучших национальных традициях: ее партитура отличается подлинной танцевальностью, мелодичностью, классические балетные формы сочетаются с «вальсовой стихией», столь характерной для русских балетов. Но самое главное, Прокофьев стремился как можно человечнее раскрыть темы старой сказки и не раз повторял, что для него Золушка «не только сказочный персонаж, но и живой человек – чувствующий, переживающий, волнующий нас».

Случилось так, что впервые «Золушка» увидела свет рампы в Москве на сцене Большого театра в памятный 1945 год. Как праздничный салют Победе воспринимался этот спектакль, воспевавший торжество справедливости и гуманизма над злом и ненавистью. И поставлен он был с большим размахом и небывалой щедростью. «Золушка» принадлежит к числу произведений, которые, едва родившись, сразу становятся классическими», – написал после премьеры Александр Таиров...

На зрителей первой послевоенной премьеры праздничная роскошь «Золушки» произвела неизгладимое впечатление: после невзгод военного времени они попали в волшебную сказку, возвратились в детство. Такое настроение хотели сохранить и создатели новой версии, которую новосибирцы увидели в эти майские дни.

– Ростислав Захаров и Петр Вильямс создали балет-праздник, пронизанный радостным воодушевлением первых послевоенных дней. Мы хотели сохранить это настроение и подарить зрителям волшебную сказку, которая очарует современных детей и взрослых. Поэтому взяв все лучшее, что было в исторической постановке – эталонную хореографию и яркое художественное решение, мы обогатили ее достижениями современных сценических технологий, – отмечает художественный руководитель театра Владимир Кехман.

«Балет «Золушка» в сценографии Петра Вильямса – не совсем французская сказка, в ней прослеживается русская линия. Прокофьев говорил, что представляет свой балет как «русскую Золушку елизаветинских времен». И его мнение учли в 1945 году: декорации Вильямса отсылали к интерьерам дворцов Петергофа и Павловска. А в роскошных платьях и париках, изящных деталях обстановки есть намеки на русскую дворцовую эстетику XVIII века...»

Балетная классика и инновации

Вдохновляясь эскизами Петра Вильямса, народный художник России Вячеслав Окунев и режиссер мультимедиа Глеб Фильштинский создали сценическое оформление, применяя современные цифровые технологии. В новом балете впервые используются 3D-эффекты: театральное волшебство творится с помощью видеоарта, костюмы и реквизит существуют на сцене как в традиционных живописных, так и в «живых» мультимедийных декорациях. Изображение на нескольких прозрачных экранах мгновенно меняется, перенося действие из одной сказочной картины в другую.

– Рожденный сразу после страшной войны, этот знаменитый спектакль освобождал зрителя от тягот и забот непростого времени, предлагал ему праздник, сказку, – цитирует слова Вячеслава Окунева пресс-служба НОВАТа. – Для своего времени это был прорыв! Зрителю открывалась гигантская 120-метровая панорама, когда Золушка бежит по дворцу, эффектные перемены, фейерверки. Настоящая феерия! Мы тоже надеялись сделать спектакль-праздник – неожиданный, интересный и абсолютно не будничный, рассказать эту историю в XXI веке, используя возможности нашего времени. Поэтому придумали перевести эскизы Вильямса в объемное пространство. Единственное, что мы себе позволили – при создании костюмов использовать некоторые современные материалы, которых в те времена просто не существовало...

– В Новосибирске такое оформление создано впервые. Вообще, это или первое, или одно из первых решений использования подобных эффектов 3D в балетном театре России. Работая над восстановлением «Золушки», мы поставили себя на место Петра Вильямса и подумали, как бы он действовал, имея современные технические возможности, – в свою очередь отмечает хореограф спектакля Михаил Мессерер.

Задумка удалась! Благодаря режиссеру мультимедиа Глебу Фильштинскому, в нарисованном помещении можно гулять, переходить из комнаты в комнату. Кроме того, в пресс-службе НОВАТа заверили, что проекционное оборудование, которое закупили для спектакля, будет использовано в новых постановках.

Сохранить наследие

Легендарную хореографию Ростислава Захарова восстановил художественный руководитель балета Михайловского театра Михаил Мессерер. Знаменитый балетмейстер, в 2017 году поставивший «Золушку» на сцене родного театра, переносит свое произведение на новосибирскую сцену. Михаила Мессерера, принадлежащего к легендарной балетной семье Мессереров-Плисецких, любители балета любят и ценят: лишь недавно из репертуара НОВАТа ушла его постановка «Пламя Парижа», но спектакль «Жизель, или Вилисы» по-прежнему пользуется популярностью.

– Во всём мире сейчас ощущается жажда балетов с классической лексикой, со сложной пуантовой техникой и блеском мужских партий. И «Золушка» Ростислава Захарова – пример именно такой виртуозной хореографии. В ней есть благородная простота формы, предписанная классической традицией. Это наше наследие, которое мне хотелось сохранить, – приводит пресс-служба слова известного хореографа.

Мотивируя восстановление спектакля «Золушка» Большого театра 1945 года, в своих многочисленных интервью Михаил Мессерер называет две важные даты: в 2016 году отмечалось 125-летие Сергея Прокофьева, а в 2017-м – 110-летие Ростислава Захарова. Сама же идея поставить «Золушку» принадлежит Владимиру Кехману, который счел, что этот балет обязательно должен быть в репертуаре НОВАТа. «Этот спектакль очень подходит вашему театру, который был открыт по окончании войны. И «Золушку» тоже сделали в 1945 году», – поясняет балетмейстер. Кроме того, по мнению Михаила Мессерера, хореография Захарова разнообразна и полна достоинств: «Танцы поставлены столь музыкально, кажется, что ничего лучше на эту музыку и сочинить-то невозможно. И я благодарен судьбе, что мне довелось восстановить работу Мастера».

... Нынешняя постановка «Золушки» войдет в историю театра как самый высокобюджетный спектакль, в котором задействованы около ста артистов – практически вся балетная труппа Новосибирского оперного! 16 мая главные партии исполнили солисты Михайловского театра Анастасия Соболева и Виктор Лебедев. 17 мая в Золушку и Принца перевоплотились молодые звезды новосибирской сцены Ксения Захарова и Николай Мальцев. В третьем премьерном показе в главных партиях выступили ведущая солистка НОВАТа Вера Сабанцева и премьер Михайловского театра Иван Васильев. Наши искренние поздравления артистам! И пусть чудесный балет Сергея Прокофьева еще долго-долго радует своей красотой и магией новосибирцев и гостей столицы Сибири.


Лилия Вишневская. Фото автора
=============================================
Все фото - по ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Июл 15, 2018 12:30 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Камелия
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 08.10.2013
Сообщения: 1684
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Май 24, 2018 9:19 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052401
Тема| Балет, Персоналии, Жан-Кристоф Майо, Екатерина Петина, Виктория Ананян, Матей Урбан, Кристиан Творзянски
Автор| Александр Фирер
Заголовок| Жизнь в абстракции
Где опубликовано| © Журнал «Музыкальная жизнь» №5 (1186)
Дата публикации| 2018 май
Ссылка| http://mz.kmpztr.ru/
Аннотация| Премьера в Балете Монте-Карло

Балет Монте-Карло показал мировую премьеру «Abstract/Life» в зале принцев монакского Гримальди Форума в хореографии Жан-Кристофа Майо на музыку Бруно Мантовани



"Жизнь"

Вечер открылся возобновлением много лет не шедшего в Балете Монте-Карло «Скрипичного концерта» Игоря Стравинского в хореографии Джорджа Баланчина (редакция 1972 года). Это произведение признано одним из самых удачных хореографических воплощений музыки Стравинского, где танцевальные взаимодействия (соло, дуэты и ансамбли двух пар солистов и немногочисленного кордебалета) идеально координируют с диалогами солирующей скрипки с различными инструментами оркестра. Концерт не был написан специально для танцтеатра, Баланчин, слушая запись, сочинял хореографию: рождалась мимика, движения, комбинации, композиция, отразившие синкопированный драйв музыкальной ткани и наивитальнейшую кантилену арий. Среди солистов первого и второго составов выделялись более точным исполнением Екатерина Петина, Виктория Ананян, Матей Урбан и Кристиан Творзянски. Хореографическую абстракцию они облекали в живые сценки общения в диалоге.


"Абстракция"

Майо подобно Баланчину был «поставлен перед фактом» сочинять по прочтению предложенной ему музыки, а не лично выбранной из своего плейлиста или персонально им заказанной. Директор фестиваля «Весна искусств» в Монако Марк Моннэ предложил композитору, директору Парижской высшей национальной консерватории музыки и танца Бруно Мантовани написать оркестровое сочинение, который в свою очередь обратился к Жан-Кристофу Майо поставить на него балет, получивший название «Abstract/Life». Музыка с солирующей виолончелью, долгая и незапоминающаяся (но справедливые слова и рассуждения оставим все-таки для досточтимых и просвещенных ценителей музыки), течет то сдержанно и неболтливо, а то стремительно накатывает ударами цунами. Декорации Эме Морени из плотной алюминиевой фольги – важные, лаконичные, с глубоким и угрюмо поблескивающим объемом, удобным для безысходной муки и редчайших просветов, напоминают детородный орган и свисающий сверху фаллический нарост. Умный и чутко слышащий музыку Майо создает в предложенном музыкальном и сценографическом пространстве элегантное, дисциплинированное и холодноватое зрелище без аффектированно-восклицательных па, вмещающее в себя небезынтересные соло, дуэты, трио и большие ансамбли. Его методом работы послужил тезис «видеть музыку и слышать хореографию»: базовыми стали движения хореографа из предыдущих работ, оптимально соотносящиеся с новым музыкальным материалом, которые он развил и превратил в оригинальный опус. Все артисты сплочены гармонией общего, но все гибельнее и неизбежно сокращается пространство для ее существования. В общем порядке беспорядка превалирует чувство судьбы и даже обреченности. Обильный движениями и массовыми перегруппировками танец сгущается, а мрачные световые и музыкальные силы сливаются в истребляющий металл. Многозначность картинок диктует множественность толкований происходящего, и какое из них верно – сказать трудно. Тут и катаклизмы мировых катастроф со вспышками мощных разрядов, и серая беспросветная жизнь, которую влачит колония человеческих существ в тонких коричневых облегающих комбинезонах с экзотическими гривами световодов. Люди словно погружены в подземный мрак некоего нибельхайма. Они рождаемы и пожираемы чреслами металлической горы с возможным их перерождением. Оптимист Жан-Кристоф Майо улавливает в партитуре моменты просветленного напряжения, чтобы вывести действие из медитации в активный драматургический всплеск, но общий абстрактный тон музыки новым импульсом отбрасывает эти замыслы хорерографа и не дает им дальнейшего развития. Действо кажется реальным и одновременно химеричным, как и жизнь людей и толпы всегда конкретна и абстрактна.

Танцовщики прекрасно обживают пластику сочинения, а их демонстративно драматическое выражение лица смягчено хорошо скрытым актерским лукавством: дескать, таков прием, и я его доблестно выполняю.

Фото Аличе Бланджеро
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18649
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Май 24, 2018 9:39 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052402
Тема| Балет, XXXI Международный фестиваль классического балета имени Рудольфа Нуриева, МАМТ, Персоналии,
Автор| Улькяр Алиева
Заголовок| Лики танца
Вечер одноактных балетов завершил Нуриевский фестиваль

Где опубликовано| © Реальное время
Дата публикации| 2018-05-24
Ссылка| https://realnoevremya.ru/articles/99983-vecher-odnoaktnyh-baletov-zavershil-nurievskiy-festival
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Великий хореограф ХХ века Морис Бежар однажды сказал: «Существует лишь хороший и плохой танец. Классический балет — отец современного. Через 20 лет современный танец либо станет классикой, либо выйдет из моды и забудется». И, в этом смысле, надо отдать должное Московскому академическому музыкальному театру им. К. Станиславского и Вл. Немировича-Данченко выступившему на Нуриевском фестивале в качестве приглашенного гостя и завершившему этот великолепный балетный праздник тремя одноактными балетами-миниатюрами, которые с полным основанием можно назвать классикой балетного искусства. Подробнее — в материале «Реального времени» от Улькяр Алиевой.


Фото: stanmus.ru

Романтическое видение

В Казани были представлены утонченно-нежная «Сюита в белом» в хореографии Сержа Лифаря, соблазнительно-чувственная «Маленькая смерть» в хореографии Иржи Килиана и ярко-динамичная «Вторая деталь» в хореографии Уильяма Форсайта.

Волшебную по красоте «Сюиту», состоящую из ряда сцен-миниатюр, вариаций на музыку французского композитора Эдуарда Лало можно с полным основанием назвать гимном неоклассического балетного перфекционизма: чистый рисунок музыки, чистый рисунок танца, канон и полифония группировки танцоров.

Логически хореографические миниатюры никак между собой не связанны (коротенькие техничные этюды солистов и кордебалет порой в виде пластично-барельефного), которые можно вполне обозначить прокофьевским термином «мимолетности». Однако все миниатюры невероятно красивы, в них важны точность поз, пластичность нюансов и безупречная музыкальность в поющих линиях рук, скульптурно отточенных арабесках, четких пируэтах у балерин и воздушность в прыжках (brise, entrechat, double tour en l'air) у танцовщиков, а также идеальный общий план ансамбля и линии кордебалета.

В исполнении балетной труппы «Стасика» был не классический идеал, а, скорее, романтическое видение, поэтическое одушевление этого идеала. Абсолютно очаровательное впечатление оставили выразительные Оксана Кардаш («Сигарета») и Эрика Микиртичева («Адажио»). Однако в целом пока не ощущается по-французски изысканная филигранность в нюансах, заметна несколько шаткая синхронность, да и артистическая свобода была ощутима лишь в коде-апофеозе.

И глядя на исполнителей балетной трупы театра, тщательно старающихся «вить» узоры из тончайшей «паутины» лифаревского хореотекста подумалось, что такие гармоничные композиции — редкий элемент в современных балетных постановках (тяжело создавать нечто идиллически-наивное в наше непростое время). Это — модель мира, которого нет, но очень хочется, чтобы он был, хотя бы на балетной сцене.

«Золотые уши» Килиана

Великий чешский балетный кудесник и основоположник Нидерландского танцевального театра Иржи Килиан создал свой узнаваемый, килиановский стиль с оригинальной хореографической лексикой. И каждая его композиция, восходящая к основам постмодернистской эстетики, все же имеет свою форму, ясную логику построения. И, видимо, поэтому в качестве музыкального материала для своих балетов великий современный хореограф в основном использует произведения классического музыкального наследия. При этом его гениальные хореографические миниатюры создаются (вернее, создавались, ибо мастер сознательно сейчас отошел от балетных постановок, предоставив шанс своим ученикам создавать композиции) на музыку, которая изначально считалась недансантной (нетанцевальной), подтверждая известное высказывание Рудольфа Нуриева о «золотых килиановских ушах» в построении музыкально-пластичных метафор.

И даже вводя отдельные предметы в сценический антураж своего хореотекста, он это делает не руководствуясь принципом «предмет ради предмета» (чем грешат многие современные хореографы), а ради тонкого намека, заставляющего с каждым последующим просмотром его балетов искать все новые стороны символического подтекста.

И. Килиан поставил две и такие разные постановки на музыку В.-А. Моцарта — «Шесть танцев» и «Маленькая смерть». Две постановки роднят и элементы хореографической лексики (оригинальные фуэте, пируэты, поддержки, обводки на экарте, партерная пластика, перекаты со сцены), и элементы сценографии: рапиры и передвигающиеся на колесиках тяжелые кринолины. Никаких декораций, только сумрачный фон и свет, выхватывающий то всех участников, то отдельные пары.

Московский театр представил на Нуриевском фестивале вторую часть знаменитого килиано-моцартовского диптиха — спектакль «Маленькая смерть», видимо решив, что после балета С. Лифаря, восхитительно чувственная музыка Моцарта, создающая гипнотическую атмосферу телесного и духовного растворения, более органично впишется в контекст одноактного балетного вечера. При этом московский театр стал первым, представившим балет Килиана на российской сцене.

В спектакле «Маленькая смерть» кажется, что хореография, как и музыка, малоподвижна, но это всего лишь иллюзия. Внутри этой статики постоянно происходят движение, изменения, вроде водной глади, на которой виднеется картина таинства любви. Вот эта гладь становится чуть мутной, и одна картина (один дуэт) исчезает, сменяемый следующей картиной, следующей парой. А огромное темное полотно, словно волна любви, «накатывается» на всех участников этого утонченно-чувственного балета, отражающего эйфорию любви.

Все это лишь метафора, ассоциация, но и в самом названии произведения la petit mort (пикантный французский эвфемизм любовного апогея и экстаза, введенный в обиход в аристократических салонах «галантного века»), уже есть «ключ» к пониманию этого балета. И рапиры, которые вначале опасно балансируют на пальцах танцовщиков и которыми они так ловко рассекают воздух, а после окольцовывают ими партнерш, рождают ассоциации с фаллическим началом, а кринолины, за которыми прячутся их партнерши, — с женским целомудрием и смущением.

Любовные отношения мужчины и женщины — это встреча двух миров. Первые робкие прикосновения, завораживающие пассы руками и переплетение рук, ног, тел во всевозможные любовные вензеля. Нет разделения души и плоти, есть полная гармония, откровение, когда обнажаются тело и душа.

Особо значение в килиановской постановке приобретают руки. Он и Она — словно парящие птицы с характерными «изломами» крыльев в локтях. Руки-крылья у шести пар оказались разными: у кого-то повыше, у кого-то пониже, а где-то и вовсе округлыми. Последний финальный эпизод — уход со сцены пары влюбленных, держащих друг друга за руки, и кринолины, словно кулисы, хаотично закрывают действо, все же оставляя чувство недосказанности и открытости формы композиции. Что в целом вполне логично. Как утверждает сам хореограф: «Прошлое — это история, будущее — тайна, настоящее — подарок».

Дерзкий «Баланчин»

А настоящее предстало в виде спектакля У. Форсайта в котором 14 исполнителей под электронный бит Тома Виллемса ритмично создавали хореографическую композицию «Второй детали» (The Second Detail). Не нужно искать в хореографии У. Форсайта хоть какую-то идею или логику. Даже надпись-заставка с определенным артиклем The по середине авансцены, которую под конец, «легким движением ноги» один из танцовщиков опрокидывает, не несет смысловую нагрузку.

Эта очередная форма протеста хореографа, который славится своей нелюбовью переводить свою хореографию в слова. Недаром на своем официальном сайте известный хореограф поместил цитату Рене Магритта: «Объект не настолько одержим своим собственным именем, чтобы нельзя было найти другое определение и даже лучше».

Хореографию Форсайта определяют как Hard Balanchine — «Жесткий (скорее, дерзкий) Баланчин». Та же строгая геометрия кордебалетного ансамбля, как и у его учителя Дж. Баланчина, делящаяя хореографическую «ткань» на несколько контрапунктические «пласты», линии. Знаменитые парадоксальные баланчиновские нечеткости — количество исполнителей на сцене постоянно варьируется, «разбиваясь» на отдельные сольные пробежки или ансамблевые номера.

При этом каждый исполнитель — составная часть, деталь сцепления хореографической «системы». Кажется, убери хоть одного исполнителя, даже «вторую деталь» в виде сольного выхода (ближе к финалу) босоногой балерины в своеобразном хитоне и с угловато причудливыми движениями, и вся эта тщательно выверенная конструкция рассыплется, как карточный дом.

Хореография Форсайта не просто сложная, а архисложная (все на грани физических возможностей балетных исполнителей) — высокая «внутренняя» динамика движений, наклоны, развороты, замахи ногой, пируэты, широкие плие, оригинальные форсайтовские «изломы» шпагатов и аттитюдов, сверхвыворотные позы. И опрокинутая в конце спектакля надпись определенного артикля только подтверждает, что современный балет не признает установленных границ как в плане фантазии, так и в балетной иерархии. Все так просто и так сложно.

Что же, весьма символично, что очередной XXХI Международный фестиваль классического балета им. Рудольфа Нуриева завершился балетом У. Форсайта. Ведь именно Р. Нуриев, будучи директором балетной труппы Парижской оперы, помог и поверил в талант многих молодых и малоизвестных хореографов, ставших в наше время культовыми, в том числе и Уильяма Форсайта. Полная внутреннего «оголенного» нерва композиция Форсайта словно дает организаторам Нуриевского фестиваля очередную энергию, стимул для претворения новых проектов, чтобы показать своему зрителю как прекрасен язык тела.

Улькяр Алиева, доктор искусствоведения, профессор,
фото stanmus.ru
====================================================

Все фото - по ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Чт Май 24, 2018 10:27 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9  След.
Страница 6 из 9

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика