Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2018-04
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11076

СообщениеДобавлено: Пт Апр 27, 2018 12:28 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018042704
Тема| МАМТ, Руководство, Планы
Автор| Светлана Наборщикова
Заголовок| «Музыкальный театр нельзя закрыть на замок»
Гендиректор МАМТа Антон Гетьман — о звездах со стороны, обновлении репертуара и зрительской активности
Где опубликовано| © Известия
Дата публикации| 2018-04-27
Ссылка| https://iz.ru/736359/svetlana-naborshchikova/muzykalnyi-teatr-nelzia-zakryt-na-zamok
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Сегодня Московский академический музыкальный театр им. К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко (МАМТ) объявит планы на юбилейный 100-й сезон-2018/19. Позади у прославленного коллектива насыщенный творческими событиями век, впереди — не менее значимые свершения. О достижениях и перспективах одного из лучших театров страны обозревателю «Известий» рассказал генеральный директор Антон Гетьман.

Дом и циркуляция воздуха

— Ваш театр начинался как театр-дом. Так и продолжался долгое время. Когда в августе 2016 года вы возглавили коллектив, одно из первых ваших высказываний звучало примерно так: «Театр-дом трудно сочетается с музыкальным жанром». Вы по-прежнему придерживаетесь этой позиции?

— Очень важно определиться с понятийным аппаратом. Когда я говорю, что театр-дом и музыкальный театр несовместимы, я имею в виду только то, что дом музыкального театра не должен быть замкнутой системой, он должен быть открыт. Конечно, дом — это крепость, там должно быть комфортно и безопасно. Но музыкальный театр нельзя закрыть на замок. То, что определяет его базу — собственно музыка — всегда сопротивляется границам, конфликтует с замкнутой системой. Ни один музыкальный театр, где бы он ни находился, закрывшись от внешнего мира, не сможет развиваться, а следовательно, перестанет быть интересным публике

Это не моя позиция, это мировая практика. Музыкальный театр глобален. Он не имеет границ, языковых барьеров и прочих ограничений, которые есть в драматическом театре. Если говорить об опере, надо внимательно проанализировать, почему в абсолютном большинстве оперных театров мира нет своей постоянной труппы. Для этого есть внятные, четкие и логичные причины.

Возьмем самые близкие нам по структуре немецкие оперные театры. У них есть свои небольшие ансамбли оперных солистов от 20 до 35 человек, которые работают на фест-контрактах. У кого-то на один сезон, у кого-то — на два или три, чтобы обеспечить средние по размеру партии в текущем и премьерном оперном репертуаре. Но основные партии, как правило, исполняют солисты-гости. Вот они и есть тот уникальный художественный материал, который не может принадлежать только одному театру — просто потому, что ни один театр сегодня не сможет полностью реализовать потенциал выдающейся сопрано N или гениального тенора M. Вы их просто не удержите. Они хотят и должны петь, и они поют в Европе и Америке — везде.

В нашем театре сильная и с очень большими возможностями оперная труппа. И я буду счастлив, если эти возможности станут активно реализовываться в оперных спектаклях театра. Но это не говорит о том, что двери театра будут на замке. В любом доме — в театре-доме в частности — нужно регулярно «проветривать» помещение. В театре должна быть постоянная циркуляция воздуха — новые дирижеры, режиссеры, художники, артисты. Но ровно в той мере, в какой этого требует существующий и будущий репертуар, и в какой степени в этом нуждается публика. Мне кажется, что мы часто забываем, для кого работаем. Это очень просто: мы работаем для публики — не для себя.

— Большинство опер в вашем репертуаре поставлено режиссером Александром Тителем. Это выдающийся мастер, но получается, ваш театр — его крепость.

— Тем не менее в этом сезоне, который закончится через 2,5 месяца, будут постановки и Константина Богомолова, и Камы Гинкаса. В том, что касается оперной режиссуры, наша система не замкнута. В театре ежегодно работают приглашенные режиссеры, причем в первую очередь приглашенные непосредственно Александром Борисовичем Тителем.

— Что же нужно разомкнуть в таком случае?

— Я считаю, что разомкнуть необходимо ту часть дóма, которая называется «дирижеры» и «солисты». Приглашенных дирижеров меньше, чем хотелось бы.

— В чем причина? Они не едут? Вы не готовы предоставить им соответствующие условия?

— Тут нет конкретной причины. Просто мы с театром должны пройти некоторый путь к осознанию того, что это проблема, и она связана с мировоззрением, привычками, инерцией, традицией, да мало ли с чем. Это не то, что меняется в одночасье: встал утром — и вдруг это осознал, всё понял. Возможно, в конце концов, так и произойдет, но для наступления этого утра надо провести длительную и кропотливую работу — внутреннюю, внешнюю, организационную…
Я не случайно сказал, что мы работаем для публики. Мы должны понимать, что спектакль, который идет 3-4 года под управлением одного дирижера и в одном или двух составах вокалистов, неизбежно исчерпывает емкость зрительского интереса. Сколько раз можно сходить на спектакль в одном и том же составе исполнителей?

— В зависимости от любви — раза три-четыре.

— И это отличная цифра, если мы работаем по системе stagione, и спектакль ограничивается 10–12 представлениями, а потом исчезает из репертуара надолго или навсегда. Тогда 3–4 раза — это о'кей. Но мы сейчас говорим о нашей ситуации, когда некоторые спектакли текущего репертуара идут в сезоне по 16 раз и эксплуатируются годами. А некоторые спектакли держатся в репертуаре больше 20 лет. Тогда 3–4 раза — это ничтожно малая цифра.

— С этими спектаклями вы собираетесь расставаться?

— Прощание со спектаклем — на время или навсегда — очень болезненный процесс в любом театре. Расставаться со спектаклем можно и нужно только тогда, когда мы поймем, что займет образовавшуюся пустоту. Если просто «вынимать» спектакли, есть опасность обеднить репертуарное предложение, что неправильно. Но ротация в репертуаре — нормальное явление. Афиша сезона должна выглядеть как некий месседж. Это очень важно: комбинация композиторов, режиссеров, дирижеров, солистов — творческое высказывание, а не простой перечень названий произведений в алфавитном или каком-то другом порядке.

— Идеально — обновлять репертуар на 100% каждый сезон.

— Да, но это нереально. Я считаю, что должна быть поставлена задача 50-процентного обновления. Перед театром и передо мной в частности она стоит. Мне трудно сказать, как быстро ее можно решить. Возможно, понадобится еще два-три сезона. Мы должны быть интересны публике, и обновление репертуара — один из способов решения задачи.

— У вас как у государственного театра есть госзадание. Обычно там указывается количество спектаклей, численность публики. Сочетается ли оно с вашими задачами?

— С 1 января 2018 года наше госзадание включает три события в год, которые не имеют никакого отношения ни к количеству публики, ни к количеству показываемых спектаклей, ни к средней посещаемости.
— Это вас радует?

— Это прекрасно. Очень прогрессивный шаг московского правительства.

Сейчас вы финансируетесь правительством Москвы по двум разделам: субсидия и грант. Насколько это удобно для театра?

— Исчезновение госзадания в том виде, в котором оно было, и переход на грантовую систему — две связанные вещи. Субсидия выделяется на что-то, ее нельзя предоставить просто так. Если совсем просто, это «обмен» государственных денежных средств на услуги, которые учреждение должно оказать по заказу учредителя. Госзадание — формализованные обязательства театра, которые он должен выполнить, получив субсидию. Решение правительства Москвы и департамента культуры города Москвы отказаться от госзадания в том виде, в котором оно было до 2018 года, неизбежно привело к тому, что субсидия превратилась в грант.
Естественно, стало проще: теперь у нас нет такого большого свода обязательств. Отношения с учредителем стали прозрачнее, оперативнее. Важная деталь: у департамента культуры и у нас исчезло огромное количество ненужной бумажной работы. По сути, если сложить суммы субсидии и гранта, общий размер финансирования не изменился. Но эта реформа привела к облегчению нашей ежедневной работы в части бюрократии.

«Дон-Кихот» и оперный прорыв

— Вернемся к делам творческим. Позвольте вас поздравить с недавним присуждением «Золотой маски» за балет французского происхождения «Сюита в белом». Думаю, таким образом поприветствовали достоинства не только спектакля, но и худрука балета Лорана Илера.

— Спасибо. И труппу, и худрука — это их совместная работа.

— В только что состоявшемся гала-концерте «В честь Петипа», наряду с Московской академией хореографии, участвовала Школа балета Парижской оперы. Это тоже инициатива Илера?

— Это была наша совместная идея. Лоран учился в этой школе, является ее последователем в творческом смысле. Когда мы начали говорить о юбилее Мариуса Петипа, нам показалось очень важным высказаться не столько о прошлом, сколько о будущем. Под будущим балета мы понимаем прежде всего молодых артистов, сегодняшних студентов Московской академии и Парижской школы. Через несколько лет они заканчивают учебу и займут свои места в ведущих труппах мира, в том числе в России и Франции.

— Ваш балет развивается с французским акцентом. И это хорошо — у французов одна из лучших школ мира. Но заявленный «Дон Кихот» Рудольфа Нуреева — не чрезмерный ли жест почтения Парижской опере? У вас был свой прекрасный спектакль.

— Идея с нуреевским «Дон Кихотом» пришла в голову не потому, что мы хотели сделать какой-то жест. Есть несколько причин. Во-первых, нам показалось, что наш «Дон Кихот» требует некоторого обновления. Любые спектакли, которые долго идут, нуждаются время от времени в какой-то чистке. Во-вторых, и это мне кажется важным, ни один классический балет в редакции Нуреева в России никогда не шел. Я не готов анализировать причины этого, но учитывая, что в 2018 году Рудольфу Нурееву исполнилось бы 80 лет, нам показалось, что это был бы справедливый оммаж.

Но если бы не возникла идея с нуреевской версией, мы в любом случае занялись бы «Дон Кихотом» — он был слишком заигранным…

— Резон понятен, но даже в Парижской опере раздаются голоса, что спектакли Нуреева — не лучшие редакции классических балетов.

— Неоднократно слышал эти мнения, и по отношению к отдельным редакциям могу даже согласиться. Но в любом случае это набор субъективных оценок. Большая часть московской балетной публики не видела этих спектаклей живьем — только в записи. Число зрителей, которым удавалось посмотреть их за рубежом, минимально. Чтобы опровергнуть эту точку зрения или прийти к выводу, что она соответствует действительности, нужно хотя бы один раз поставить редакцию Нуреева.

— В связи с чем перенесен на новый сезон уже объявленный спектакль?

— Это исключительно вопрос ресурсов. Нам не хватило денег в этом финансовом году. Проект оказался дороже, чем мы предполагали.

— Ваш худрук балета как-то сказал, что не будет приглашать звезд со стороны — и не приглашает. Это сочетается с идеей театра-дома, но противоречит продвигаемой вами открытости.

— На мой взгляд, не противоречит. Артистом балета, я бы сказал, движет не центробежная, а центростремительная сила. В отличие от оперы, артист балета сильнее привязан к своему театру, к труппе. На то есть масса причин: ежедневные классы, репетиции, педагоги, разнообразный по стилистике и хореографии репертуар, постоянные партнеры. Замкнутость балетной труппы с лихвой компенсируется разнообразием хореографии, с которой артист балета работает в своем театре. И разнообразием партий, разумеется.

Лоран Илер занимает абсолютно ясную позицию: сегодня в приглашении звезд нет необходимости. У нас есть балетная труппа — сильная, разнообразная. Наши артисты способны в довольно сжатые сроки осваивать технически и стилистически совершенно разный хореографический материал. И на мой взгляд, они делают это очень успешно. Приглашение балетных солистов должно быть чем-то обосновано.

Делать это для кассы у нас нет оснований. Делать это, потому что мы не можем сами выпускать спектакли, и к нам приедут помочь сделать правильно — такой ситуации тоже нет. Я не исключаю, что в какой-то момент у Лорана возникнет идея пригласить кого-то, но это будет продиктовано какими-то весомыми художественными обстоятельствами.

— Безусловно, главное для театра — публика, но она разная. Кому-то нужен эксперимент, но большинству необходимы проверенные временем хиты. Как собираетесь учитывать интересы всех зрителей?

— Будем балансировать между консервативной публикой и публикой, которая предпочитает более сложные, даже авангардные постановки, сделанные смелым театральным языком. Для этого есть малая сцена на 209 мест.

Наш проект «Опера на экране» (в этом сезоне остался один показ в июне) будет продолжен и в следующем сезоне. Проект показал, что интерес к современным оперным постановкам очень высокий — посещаемость практически 100%. Мы внимательно смотрим на эту публику. Это совершенно не обязательно молодые люди. Есть зрители среднего возраста, выше среднего, есть мои ровесники, то есть сильно за 50. Людям интересно, что происходит с оперой, за пределами Садового кольца.

— В мае у вас объявлена премьера оратории Генделя «Триумф времени и бесчувствие» со звездным составом. Ставит Константин Богомолов, текст написал Владимир Сорокин, исполняет ансамбль Филиппа Чижевского. Почему же играете на малой сцене? Боитесь не набрать зрителей?

— Нет. Когда мы с Александром Борисовичем Тителем решили, что это будет малая сцена, Константин Богомолов нас полностью поддержал. Дело не в наших страхах не собрать зал. Дело в том, что в этой постановке крайне важна камерная атмосфера, которой в зале на тысячу мест добиться практически невозможно, — таково режиссерское решение. Нас ждет очень интересная работа, неожиданная. Я с нетерпением ее жду.

Это первая постановка этой оратории в России, первый опыт Константина Богомолова в опере, первый опыт модельера Саши Терехова как художника по костюмам в опере. Здесь много чего впервые. Мне кажется, это многообещающий проект, который может открыть для публики в первую очередь нового оперного режиссера, а самое главное — новую интерпретацию этого материала.

— Одна из примет открытости музыкальной системы — копродукция. Какие перспективы у театра в этой области?

— У нас очень амбициозные планы — вплоть до 2022 года. Не хотелось бы сглазить, но, если все сложится, как планируем, начиная с сезона-2019/20, у нас каждый сезон будет копродукция.

— Уже известно, что будете ставить, с кем?

— Конечно, но сказать пока не могу. Это крупные фестивали и оперные театры мира.
Покорение столиц и соцсетей

— Бытует мнение, что музыкальный театр мирового уровня должен посетить с гастролями пять крупнейших городов мира: Милан, Токио, Париж, Лондон, Нью-Йорк. Как обстоят дела с покорением гастрольных столиц?

— В декабре 2019 года наша балетная труппа приглашена в Париж. Сейчас обсуждаем условия. Это будет первый в новейшей истории театра выезд в такой крупный и важный с точки зрения театральной репутации город.

— На какой сцене будете выступать?

— В театре Шайо. Едем с программой современных балетов, что очень важно. Я бы даже сказал принципиально, потому что российские труппы с современной хореографией в Европу не приглашают, а нашу пригласили.

— Эти спектакли уже присутствуют в репертуаре?

— Один из них уже есть. Балет Александра Экмана «Тюль», который мы представили в ноябре прошлого года. Еще два спектакля, которые войдут в программу, представим в следующем сезоне. Хореографы — выдающиеся мастера. Почти классики.

— А когда выйдут на большую сцену те, кто занят в ваших хореографических воркшопах, той же «Точке пересечения»?

— В следующем сезоне вы увидите работу одного из хореографов, работавшего в этом проекте. Оригинальную, созданную специально для нас. Это будет мировая премьера. И у нас есть идея — мы еще над ней размышляем — в следующем сезоне сделать большой гала-концерт, составленный из лучших работ, которые созданы в программе «Точка пересечения» за 2016–2018 годы. Планируем это событие на февраль-март 2019-го.

— Накануне сезона вы сказали, что намерены серьезно заняться рекламой театра в соцсетях. Насколько я вижу, пока это не удается.

— Идет очень трудно, согласен. Причин много. Как выяснилось — и это стало для меня почти что откровением — довольно сложно найти людей, которые могут стилистически и содержательно правильно вести театральные аккаунты в соцсетях. У меня было заблуждение, что это можно делать за счет аутсорсинга, внешних компаний.
Выяснилось, что это не работает.
Приходят прекрасные профессиональные люди, которые технологически оснащены блистательно, но они совершенно не в состоянии понять, как правильно сформулировать специфически театральные вещи. Театральный мир довольно замкнут; нам кажется, раз мы это понимаем, то это может понять и тот, кто с театром не связан. Выясняется, что это не так.

— Можно их вырастить в своем коллективе.

— Выращиваем, но нужно время. И оно уходит в основном на поиск языка — стилистически это должно быть безупречным и без атрибутов личных аккаунтов. Я уверен, что мы с этой задачей справимся. В театре создана уникальная зрительская база, которая исчисляется десятками тысяч человек. Считаю, что это прекрасная основа для продвижения театра в соцсетях.

— Перспективы для театральной рекламы на улицах вы не видите?

— Это неэффективное расходование средств.

— Украсить афишами фасад здания вполне достаточно?

— Да, вместе со всем остальным: таргетированной рекламой, социальными сетями, поддержкой наших информационных партнеров; с образовательными программами, которые сегодня привлекают огромное внимание и куда ходят люди совершенно разного возраста. Мы видим, как те, кто присоединяется к нашим образовательным программам, затем покупают билеты на спектакли.

— Вы имеете в виду ваш проект «Студия»?

— Да, я высоко оцениваю скорость его развития, считаю, что просветительство — обязательная часть нашей работы. Мы работаем для публики и должны брать на себя труд объяснять ей, что, как и почему делаем. Нельзя обижаться на зрителя, который не понимает, о чем балет Форсайта «Вторая деталь». Надо объяснить ему, что это такое и как оно устроено.

Мы долго обсуждали наш образовательный проект и в январе запустили в качестве пилота. Сегодня он показал, на мой взгляд, выдающиеся результаты. Что меня совершенно потрясло, так это интерес наших сотрудников к участию в этих проектах. Я имею в виду и технические службы, и творческий персонал. Мы записали презентацию проекта на Московском театральном форуме, ролик минут на 15. Это было 24–25 марта. Сегодня у записи уже больше полумиллиона просмотров.

— Впечатляет…

— Приведу еще один пример зрительской активности. На постановку Богомолова нам потребовались волонтеры для выполнения конкретной и несложной работы. Коллеги, которые ведут проект «Студия», обратились к нашей студийной аудитории. Нужно было пять человек, а заявлений оказалось больше 300.

— Какими качествами должен обладать идеальный, с вашей точки зрения, директор музыкального театра?
— Идеальных директоров не бывает. А хороший — терпением. Умением слушать. Пониманием, что члены команды в чем-то должны быть профессиональнее тебя.

Справка «Известий»
Антон Гетьман в 1989 году окончил Ленинградский государственный институт театра, музыки и кино. В качестве директора возглавлял Драматический театр на Литейном, Санкт-Петербургскую академическую филармонию им. Д.Д. Шостаковича.

В 2002 году стал заместителем гендиректора Большого театра России, где курировал в том числе международные проекты, причастен к созданию 150 оперных и балетных постановок. В 2016 году Антон Гетьман был назначен генеральным директором Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18948
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Апр 27, 2018 2:50 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018042705
Тема| Балет, МАМТ, Премьера, Персоналии, Брянцев, Гёке, Нахарин
Автор| Арина Ильина
Заголовок| Скучный. Глубокий. Драйвовый
Где опубликовано| © Voci dell'Opera. Интернет-журнал об опере и балете
Дата публикации| 2018-04-22
Ссылка| https://www.vocidellopera.com/single-post/bryancev-gyoke-nakharin
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

«Брянцев / Гёке / Нахарин» в Музыкальном театре им. Станиславского и Немировича-Данченко. Новый репертуар Музыкального театра им. Станиславского и Немировича-Данченко – это уже очевидная четкая линия худрука Лорана Илера, его авторский проект, начавшийся летом 2017 года с тройчатки «Лифарь / Килиан / Форсайт». Осенью были представлены другие четыре одноактных балета «Баланчин / Тейлор / Гарнье / Экман», и вот, наконец, состоялась весенняя премьера «Брянцев / Гёке / Нахарин».



Ритмически все три программы перекликаются друг с другом: вечер открывают нежные неоклассические работы с традиционными балетными составляющими – летящими шопенками и романтическими дуэтами, а завершают современные и даже экспериментальные вещи, окончательно сметающие флёр тоски и загадочности первых номеров. Схема выигрышная, так как может удовлетворить самые разные ожидания зрителей, а публика в МАМТе, как известно, очень разношерстная.

Московские любители балета в ожидании премьеры заранее разделилась на два лагеря: в первом были те, кто жил в ностальгии и радовался возвращению в репертуар почти позабытого «Призрачного бала» Брянцева, во втором собрались яростные приверженцы всего нового и трендового, желающие поскорее увидеть постановку культового израильского хореографа Охада Нахарина. Ни в одном лагере при этом не ждали Марко Гёке, как минимум о нем просто не думали. Этот немецкий хореограф кому-то был неизвестен вообще, кому-то был знаком по фестивалю Context, где был показан его балет «Нижинский», который, к слову, высидели и оценили далеко не все. В любом случае, Гёке был единственным сдерживающим фактором в этих зрительских страстях. По иронии судьбы, именно его балет «Одинокий Джордж», занимающий центральное место в программе, оказался самым гармоничным и интересным как хореографически, так и по замыслу.

У Гёке вначале был танец, а потом музыка в отличие от стандартной схемы, где музыка определяет хореографию. Действительно, хореограф сперва придумал все движения и только затем начал поиски музыки, которая бы отвечала идее балета. Одинокий Джордж – это реально существующий самец одного из подвидов галапагосской черепахи, ставший последним представителем своего вида. Ученые обнаружили Джорджа в 1972 году, а в 2012 году он умер в возрасте примерно 100 лет, так и не оставив потомства. Самый знаменитый холостяк в мире, как называли Джорджа, стал для Марко Гёке символом одиночества и безысходности, поэтому тревожный Струнный квартет №8 Шостаковича стал не просто музыкальным сопровождением, а, можно сказать, отдельным героем в этой истории. Так как музыка была выбрана уже после того, как сложилась хореография, артисты могли сами варьировать темп движений, опираясь лишь на некоторые музыкальные акценты и следя друг за другом краем глаза, чтобы соблюдать синхронность.

Как сказала на открытой репетиции постановщица Антунетт Лоран, если вы увидели балет Гёке хоть один раз, вы навсегда запомните и узнаете его стиль. Много колюще-режущих движений руками, будто совершающих харакири и рассекающих воздух мельницами, устойчивая четвертая позиция ног (когда одна нога выворотно стоит перед другой на небольшом расстоянии), многочисленные гипнотизирующие повторения одних и тех же связок – всё это неизменные элементы хореографа. Руки у Гёке «танцуют» активнее, чем ноги. В «Одиноком Джордже» это одновременно выражает и животные инстинкты, присущие человеку, и хаотичные метания одинокой души. Балет длится примерно 25 минут, что позволяет привыкнуть к хореографии, рассмотреть ее в деталях, удивиться многогранности артистов и проникнуться идеей страха и тоски (не без помощи Шостаковича), при этом не устав.

В очень тусклом свете поначалу сложно узнать знакомых артистов, а, когда глаза привыкают к сумеркам, начинаешь поражаться: рядом с молодыми солистами, завсегдатаями современных постановок (Евгений Жуков, Иннокентий Юлдашев, Евгений Поклитарь, Максим Севагин), эту ломаную, чуждую театру хореографию танцуют премьер Георги Смилевски и прима Наталья Сомова. И те, и другие, в итоге, смотрятся в балете настолько органично, что грани амплуа стираются на глазах, и кажется, что для артистов МАМТа больше нет ничего невозможного (что еще подтвердит третий балет нынешней программы).

Кто именно в балете Джордж, понятно не сразу, но это не так и важно. Мужчины и девушки ведут себя как животные, рычат и шипят друг на друга, размахивают «лапами», выпускают «когти», при этом совершенно ясно, что черепахи – это всего лишь грубая метафора, а рычание и шипение добавлены хореографом скорее для иронии. Тема потерянности и одиночества в обществе обсуждается и обыгрывается так часто, что говорить об этом серьезно уже кажется чем-то банальным и неинтересным, но история с вымершим видом черепах делает человеческое одиночество не менее жутким. Когда в финале балета все артисты, сгорбившись, медленно уходят за кулисы, и кто-то грустно зовет Джорджа (хоть в скрипучих стонах из-за кулис сложно разобрать имя «Джордж»), это неизменно обостряет неуютное чувство тоски и незащищенности от мира.

После депрессивных настроений и леденящего душу Шостаковича на помощь приходит израильский хореограф Охад Нахарин со своей работой «Минус 16» 1991 года. Нахарин стал мэтром танца, разработав и распространив танцевальный стиль гага, который многие называют настоящей философией свободного движения. Мастер-классы по гаге востребованы по всему миру, а постановки Нахарина имеют невероятный успех у всех поклонников современного танца. Именно поэтому появление Охада Нахарина и гаги в МАМТе стало поистине долгожданным событием. На выходе получился любопытный социальный эксперимент.



Сюрпризы начинаются еще до открытия занавеса. В антракте звучит легкий джаз, на авансцене уже стоит солист (Максим Севагин, геройски оттанцевавший все четыре дня премьерного блока), который затем и вовсе начинает импровизировать под музыку при зажженном свете и ничего не понимающих зрителях. В глазах тех, кто только возвращается на свои места, читается одновременно паника («Не успели!»), удивление и интерес. Но наибольший шок случается, когда в середине спектакля тринадцать артистов спускаются в партер и вытаскивают зрителей на сцену, заставляя их танцевать. Люди реагируют по-разному: кто-то смущается и пытается уйти, кто-то стоит в оцепенении, кто-то наоборот пускается в пляс и пытается повторять за артистами, не стесняясь, кто-то (будем честными) откровенно пьян и готов на всё. На одном из представлений из бельэтажа донесся крик «Мы завидуем!». Зрители, которым не посчастливилось оказаться на сцене, очень бурно поддерживают танцующих, активно снимают на камеры, кричат, свистят и вообще ведут себя как на концерте, где можно выражать свои эмоции как угодно.

А до этого всё вполне прилично... Знаменитая сцена со стульями, в которой артисты после каждого куплета неистово кричат на иврите Shebashamaim uva'aretz (запомните эту фразу, вам тоже захочется ее крикнуть вместе со всеми), вводит в транс и напоминает шаманские практики. По ходу танца, в котором взлетают, падают на пол, трясутся и заламывают руки, артисты начинают снимать с себя одежду и с остервенением бросать ее в центр своего полукруга, как бы заявляя: «Всё отдам врагу, но мой дух не сломить!» Возможно, в Израиле в исполнении труппы Охада Нахарина «Батшева» эта сцена смотрится чуть иначе на фоне печальных судеб евреев во время Второй мировой войны, когда дух действительно ломали, а в концентрационных лагерях от убитых действительно оставался лишь ворох одежды. В МАМТе этого всего, конечно, не чувствуется, но несгибаемая русская удаль просыпается даже под еврейскую пасхальную песню. Затем идет гипнотический мужской танец на авансцене под звуки метронома и внезапный проникновенный дуэт под оперную арию, а в конце спектакля все артисты вытворяют невероятное. Под бурные аплодисменты все начинают исполнять акробатические движения, прыгать в разножках и делать сальто, а потом и вовсе отжигать как в ночном клубе, свободно отдаваясь танцу под современное техно. Занавес многократно опускается и поднимается, являя зрителям то статичные позы, то продолжение безумного отрыва, к которому, честно говоря, очень хочется присоединиться.

После спектакля в сети появились неодобрительные отзывы, что тоже стало своеобразным результатом социального эксперимента. Кому-то показалось, что это не балет, что такое можно вытворять лишь на корпоративах, да и вообще театр пошел по скользкой дорожке. Именно здесь необходимо вспомнить ту самую философию гаги – отринуть всё и двигаться свободно и раскованно, «достигая ощущения бесконечности наших возможностей», по словам самого Охада Нахарина. Этому учились профессиональные артисты МАМТа на ежедневных классах в период подготовки спектакля, постигая дзен, измеряя собственные возможности и анализируя отношения со своим телом; эту свободу предложили ощутить и зрителям, хоть и методом шоковой терапии.

После такого бешеного выброса энергии как-то забывается, с чего всё началось. А именно – с того самого балета, которого так ждала первая половина неравнодушных театралов – с «Призрачного бала» Дмитрия Брянцева. Он вернулся в репертуар практически случайно. Балет, поставленный в 1995 году, лежал на полке несколько лет и был показан один раз в прошлом, 2017 году, в рамках вечера, посвященного Дмитрию Брянцеву. Тогда Лоран Илер увидел «Призрачный бал» впервые и был поражен его красотой и богатством хореографической лексики. Решение вернуть балет в афишу поддержали и артисты.

Прозрачный атлас, вздымающийся от каждого дуновения воздуха, обрамляет сцену, высоко над которой горят свечи. В полумраке появляются пять пар, отрешенные, будто они не настоящие люди, а действительно призрачные воспоминания о романтических встречах из прошлого. Первая картинка впечатляет и настраивает на мечтательный лад, растет предвкушение чего-то щемяще прекрасного, ностальгически тёплого, неописуемо красивого. Всё это действительно есть, но начинает надоедать уже на втором дуэте.

Томные парные танцы под Шопена – это привет «Даме с камелиями» Джона Ноймайера, чьих балетов в 1995 году в Москве еще не было, а Брянцев был. Только вот в «Даме» есть история, и чувства героев заставляют зрителя упиваться их счастьем вместе с ними, а в «Призрачном бале» взаимоотношения в парах предлагается достроить самому зрителю. Почему она падает и плачет? Почему он импульсивно самовыражается на авансцене? Почему они не смотрят друг на друга? Почему смотрят? На вопрос «Что же такое произошло в этой танцевальной зале?» можно найти много ответов, опираясь и на свой любовный опыт, и на книжно-сериальные ситуации. Очевидно, за много лет произошла уйма вещей, поэтому представлять их все просто бессмысленно (сколько встреч, столько и историй), поэтому и танец здесь выглядит довольно вакуумным и отрешенным.

Это танец во имя танца, потому что на балу, хоть и призрачном, надо танцевать. Между романтическими дуэтами звучит безликая, ничего не выражающая мазурка, и схема «вальс-мазурка-вальс-мазурка-вальс-мазурка» смотрится конвейерно и больше выполняет демонстративную функцию, нежели смысловую. При такой структуре дуэтов могло быть и два, и двадцать – идея бы не менялась, всё зависело лишь от пределов фантазии хореографа, по чьей воле дуэтов в балете, к счастью, всё-таки всего пять.

Однако при этом хореография балета действительно красива – недаром Лоран Илер был так ей очарован. Если зритель хочет увидеть (нео)классический белый балет, где кавалер галантно носит балерину на руках, а балерина в летящем платье демонстрирует идеальные линии, «Призрачный бал» – это то, что нужно для баланса «ожидание-реальность». Дуэты, бесспорно, прекрасны, но в разных составах акценты расставлены чуть по-разному. Например, в первом дуэте Георги Смилевски благоговейно поддерживает невесомую Ксению Шевцову, а во втором составе Анастасия Лименько проявляет чуть больше независимости рядом с более робким Леонидом Блинковым. В последнем дуэте в паре Кардаш-Михалев в центре истории – фантастическая Оксана, а в паре Микиртичева-Дмитриев интереснее раскручивать мужскую линию, хотя исполнено всё на высоте в обоих случаях. Знаменитые поддержки Брянцева до сих пор смотрятся виртуозно, и все балерины представлены в лучшем свете, так что слабое звено балета не сам танец, а режиссура. Структура балета зациклена, конец на 100% повторяет выход и смену партнеров и тем самым угрожает бесконечностью спектакля. Но свет в конце концов гаснет, и зал взрывается аплодисментами: кто от восхищения, а кто – от облегчения.


Фотографии: Дарья Ченикова, специально для Voci dell'Opera
========================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18948
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Апр 27, 2018 3:47 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018042706
Тема| Балет, БТ, Гастроли в Новосибирске, Персоналии, Светлана Захарова, Ольга Смирнова, Денис Родькин, Артём Овчаренко,
Автор| Анна Золотарева
Заголовок| Две "Дамы" в Новосибирске
Где опубликовано| © Voci dell'Opera. Интернет-журнал об опере и балете
Дата публикации| 2018-04-25
Ссылка| https://www.vocidellopera.com/single-post/lady-camellias
Аннотация| ГАСТРОЛИ

Большой подарок всем любителям прекрасного преподнес известный скрипач-виртуоз Вадим Репин, организовав гастроли Большого театра на сцене Новосибирского академического театра оперы и балета. 12 и 13 апреля в рамках V-го Транссибирского Арт-фестиваля давали «Даму с камелиями» Джона Ноймайера. С момента премьеры в 2014-м году этот балет никогда не покидал стен Большого, и родной город Вадима Репина стал первым, куда этот спектакль был вывезен в полном составе (для проведения двух показов из Москвы приехали 210 человек). Новосибирские зрители также получили возможность насладиться оригинальными костюмами и декорациями, многие из которых были специально приобретены на парижских блошиных рынках.

Будучи преданной поклонницей балета, я не могла пропустить это уникальное событие, однако непосильной задачей оказался для меня выбор состава: 12-го апреля главные партии исполняли Светлана Захарова и Денис Родькин, а 13-го апреля на сцене царили Ольга Смирнова и Артем Овчаренко. Решив посетить оба спектакля, я совершенно об этом не пожалела –потрясающие своей красотой и лиризмом, такие разные «Дамы» стали для меня глотком свежего воздуха в городе, куда никак не хотела приходить весна.

Постановка Джона Ноймайера оказалась настоящим открытием. Его хореография вкупе с меланхоличной музыкой Фредерика Шопена настолько тронули сердце и душу, что следующие несколько дней мелодии и созданные артистами образы не выходили из головы. Мне казалось, что я лично знаю Маргариту Готье и Армана Дюваля, они стали для меня абсолютно реальными людьми, живущими среди нас, – полный глубокого психологизма роман Александра Дюма-сына «Дама с камелиями» не может оставить равнодушным. В основе его сюжета лежит серьезный, кровоточащий конфликт, который когда-то вдохновил и Джузеппе Верди, – борьба человеческих чувств и желаний с общественным мнением – тема, которая составляет часть личного жизненного опыта каждого из нас.

Две примы Большого продемонстрировали запредельное мастерство: на наших глазах происходило полное слияние балерин с образом Маргариты Готье. Конечно, невольно тебе хочется их сравнить, понять, кто из танцовщиц впечатлил больше, но для себя, если честно, я так и не смогла сделать такой выбор. Светлана Захарова – абсолютно эфемерная и волшебная. Её Маргарита будто предвидит свою судьбу: она танцует, заигрывает с многочисленными поклонниками, общается с Арманом с затаенной печалью. Даже её искренняя улыбка кажется горькой и исполненной понимания её скорбной участи. Красота Светланы очень нежная и благородная, словно бутон розы. Выразительные руки, поющие стопы, одновременно легкость и хорошо ощущаемый опыт исполнения. Светлана – абсолютная царица сцены, которая заполняет собой всё пространство, несмотря на невероятную хрупкость и утонченность.

Ольга Смирнова – более дерзкая и земная Маргарита. Она не осознает или же не хочет осознавать, что её жизнь вот-вот оборвется. В первом акте она показывает полное осознание своей красоты и власти над мужчинами. Ей хочется взять от жизни всё, она прекрасна и сильна... Тем трагичнее воспринимается её искренняя любовь к Арману, необходимость оставить его, а затем медленное увядание. Для меня Ольга – это экзотическая орхидея, томная и роскошная. Есть в её красоте что-то восточное, тонкое, одухотворенное.

Нельзя обойти вниманием и великолепных премьеров главного театра страны. Денис Родькин и Артём Овчаренко сотворили абсолютную магию на сцене. Восхищает то, насколько глубоко они прочувствовали своего героя, как искренне смогли показать трепетную любовь и восхищение своей партнёршей. Их различная трактовка образа также найдет своего зрителя. Лично мне ближе Арман Артема Овчаренко, который был на сцене трогательным и нежным юношей, без ума влюблённым в Маргариту. Денис Родькин, как всегда, был поразительно красив и благороден, но при этом в некоторых сценах казался несколько отчужденным и преисполненным осознания своего обаяния и привлекательности.

«Дама с камелиями» – это современный балет, поэтому он обладает актуальной для сегодняшнего дня композицией, приближенной к кинематографу. В основном, сюжет состоит из флэшбеков – воспоминаний Армана Дюваля, который рассказывает трагическую историю его любви к Маргарите своему отцу. Такая игра с прошлым и настоящим смотрится на сцене очень свежо и ново, как и многие хореографические находки Ноймайера, например, ввод параллели между Маргаритой Готье и куртизанкой Манон Леско. Героини являются своеобразным зеркальным отражением друг друга во всем, что происходит в их жизни, при этом Маргарита боится этой схожести и пытается выбросить образ Манон из головы, подсознательно понимая, что им уготовлена одна и та же участь. Всё это находит своё отражение в танцевальном рисунке, в каждой общей сцене Маргариты и Манон (последнюю танцевала балерина невероятной красоты – Мария Виноградова). Замечательно Ноймайеру удались и жизнерадостные юмористические партии Прюданс Дювернуа (Виктория Литвинова) и Гастона Рьё (Михаил Лобухин). Хоть они и не являются моими любимыми в этом балете, тем не менее, они создают необходимый контраст между серьезными искренними переживаниями Маргариты и Армана и окружающим их легкомысленным обществом.

Весь балет строится на трёх очень разных по настроению и цветовому решению дуэтах главных героев. Первый рассказывает нам о первой встрече Маргариты и Армана, где Дама с камелиями предстает перед нами роковой соблазнительницей в роскошном темно-фиолетовом платье. Второй дуэт олицетворяет счастливые свидания героев, происходящие в деревне, куда они сбежали вместе. Последний же дуэт невероятно мрачен по настроению и костюмам: это последняя встреча влюблённых, и смерть Маргариты уже пугающе близка. Моим абсолютным фаворитом стало «белое» адажио Маргариты и Армана во втором акте. Воздушное платье Маргариты на ярко-голубом фоне создает ассоциации с облаками, летящими по небу. Largo из Сонаты № 3 Шопена буквально разрывает сердце на части, оставляя в нём светлую печаль. Высокие поддержки, изящные позы, то, как герои бегут вместе, взявшись за руки, показывает нам их счастье, смешанное с большим страхом потерять друг друга. На нашей огромной новосибирской сцене мы увидели квинтэссенцию любви и надежды.

Многие опытные любители балета сталкиваются с тем, что в какой-то момент при просмотре спектаклей они перестают чувствовать ту магию и волшебство, которые поразили их, когда они увидели балет впервые. Они часто знают все партии буквально наизусть, много внимания уделяют анализу техники артистов и их возможных ошибок. Думаю, что с балетом Ноймайера такое невозможно. «Дама с камелиями» – история не о потрясающей технике и балетной выучке, а об отношениях, чувственности, личном опыте артистов и музыкальности. Мне кажется, что современный балет должен развиваться именно в этом направлении. Возможно, более психологические сюжеты и приближенные к жизни персонажи способны привлечь в театр нового зрителя и заставить его наслаждаться балетным искусством. Очень бы хотелось на это надеяться. Спасибо «Даме с камелиями» за то, что этот спектакль заставил и меня ещё сильнее полюбить балет.


Фотографии: Philippe Jordan, Михаил Логвинов, Елена Фетисова
==========================================
Фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18948
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Апр 27, 2018 4:17 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018042707
Тема| Балет, БТ, Премьера, "Пьеса для него"
Автор| Валерий Модестов
Заголовок| Портрет современного танцовщика
Где опубликовано| © Вечерняя Москва
Дата публикации| 2018-04-27
Ссылка| http://vm.ru/news/486521.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРЫ

На Новой сцене Большого театра состоялась премьера необыкновенного Вечера балета. Четыре талантливых танцовщика – рассказали в поставленных для них «пьесах» – о любви, в основном трагической.

Большой театр любит время от времени удивлять балетный люд. Но что бы вот так: бенефис сразу четырех солистов в один вечер под многозначительным названием «Пьеса для него» – такого я не припомню.

Однако появившейся возможностью проявить себя в новой хореографии (два балета поставлены в России впервые, а два других – мировые премьеры) грех было бы не воспользоваться. И артисты воспользовались.

Владислав Козлов и его друзья (Дмитрий Дорохов, Якопо Тисси, Марк Чино, Дарья Бочкова, Маргарита Шрайнер, Элеонора Севенард) весело, лирично, хотя и с налетом легкой грусти, исполнили композицию Антона Пименова «Обручение ради смеха» (мировая премьера), поставленную на одноименный вокальный цикл Франсиса Пуленка, прозванного за любовь к песне «французским Шубертом».

Хореограф-вагановец, заявивший в одном из интервью, что «никогда не станет раздевать артистов на сцене», превратил песни Пуленка на стихи французской поэтессы Луизы де Вильморен, которая предпочитала очаровательные картины XIX века мрачной действительности, в изящные балетные номера, оттенив их пятью экспромтами для фортепиано в исполнении Роже Паскаля.

Талантливые художники Елена Зайцева (костюмы) и Константин Бинкин (свет) внесли свою неброскую, но очень образную лепту в изящную композицию Антона Пименова.

О своей интерпретации «Послеполуденного отдыха фавна» Вацлава Нижинского бельгийский хореограф Сиди Ларби Шеркауи сказал: «В этом небольшом балете я возвращаюсь к эклоге Стефана Малларме о пробуждении сексуальности, о мужской и женской энергиях, дополняющих и преображающих друг друга… Но меня больше волнует животная природа двух существ, которые в конечном итоге становятся единым организмом, а также та сила, которая соединяет их со Вселенной».

Так что ни о какой томной неге и «текучей пластике» героя речь не идет. Дополняющая импрессиониста Клода Дебюсси шумная музыка Нитина Соуни – одного из ярких продюсеров британской электронной fusion-сцены – помогла хореографу превратить играющего на пастушьей свирели Фавна из античных мифов в современного Юношу, познающего «науку страсти нежной» в эротических играх с Нимфой, которая вполне может быть плодом его воображения.

Собственно это и представляют нам постановщик и исполнители (Георгий Гусев и Дарья Ловцова) балетной миниатюры «Фавн», не переходя границы приличий.

Герой балета Андрея Кайдановского «Love Song» в исполнении Дениса Савина (особенно в первом эпизоде) будто иллюстрирует по «Фавну» двойственную природу человека.

Несомненной заслугой Кайдановского является умелое соединение драматического и балетного театров. Перед зрителем предстают полные драматизма пластические сцены боли и отчаяния, любви и ненависти и, как итог – жалости к самому себе Героя в исполнении Дениса Савина и его «сны и пьяный бред», материализованные Игорем Цвирко и Екатериной Крысановой.

Сделано это ярко, изобретательно и образно, с многоточием в финале: недосказанность вселяет надежду на исцеление.

Заключительным аккордом Вечера стала мировая премьера спектакля Марихо и Пилар Альварес и Клаудио Хоффманна «Юг», рассказывающего языком танго об истории возникновения танго.

Танго – не просто танец, это своеобразная философия жизни, сладостный полет в неизведанные миры; это взаимодействие противоположных по заряду энергий – их замыкание дает то свет, то тьму; это откровенные движения и соблазнительно-соблазняющие позы, в которых таятся покорность и сила, неповиновение и нескрываемое желание. Танго – это бегство от всех и объединение двоих против всех.

Танец, пленивший сердца романтиков во всем мире, появился на свет в конце XIX века в беднейших кварталах Буэнос-Айреса, где ютились искавшие лучшей доли крестьяне, потомки недавних рабов, солдаты и многочисленные иммигранты. Счастья на всех не хватало, его заменил танец, доступный всем. Он расцветал в буйных портовых кабаках и дешевых борделях, сплетая воедино разные мелодии и ритмы: аргентинскую милонгу, африканское тангано, гаванскую хабанеру, испанское фламенко, ритуальные танцы индейцев, европейские мазурку и вальс…

В танго не было запретных тем и запретных движений. Да и танцевали первые танго только мужчины, рисуясь друг перед другом в борьбе за внимание подружек.

И только спустя годы танго стало танцем мужчины и женщины. Из баров и борделей он перекочевал на портовые улицы и в лачуги городской бедноты, а потом и в дома состоятельных аргентинцев. Скоро танец шагнул в Европу, вызывая восторг одних и раздражение других. Последний германский кайзер Вильгельм запретил танцевать танго при своем дворе – из-за его «плебейского происхождения и дикой страсти». В России в 1914 году указом министра двора воспрещалось само упоминание «танца под названием танго».

Запрещать запрещали, а танцевать не переставали. Из рук в руки передавались заигранные пластинки с «Кумпарситой» Родригеса, «Брызгами шампанского», «Утомленным солнцем»… Звучали мелодии задушевное танго в исполнении Вадима Козина, Петра Лещенко, Александра Вертинского...

Облетев весь мир, танец тоски по несчастной любви и покинутой родине, танец страсти и одиночества сменил обноски аргентинской нищеты на сверкающий атласными лацканами смокинг и бальное платье и стал классикой.

Об этом поведали нам поэтическим языком танца солисты балета Большого театра Игорь Цвирко (Хулиан), Мария Виноградова (Мария), Денис Савин (Арнедо) и еще 12 артистов в спектакле «Юг».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18948
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Апр 27, 2018 5:35 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018042708
Тема| Балет, БТ, Гастроли в Новосибирске, Персоналии, Светлана Захарова, Ольга Смирнова
Автор| Сергей ЗАХАРОВ
Заголовок| Не мыльная опера, а история о жертве во имя любви
Где опубликовано| © «Новая Сибирь»
Дата публикации| 2018-04-21
Ссылка| https://newsib.net/kultura/ne-mylnaya-opera-a-istoriya-o-zhertve-vo-imya-lyubvi.html
Аннотация| ГАСТРОЛИ

Балет Джона Ноймайера «Дама с камелиями», представленный Большим театром на сцене НОВАТа, завершил новосибирскую программу пятого
юбилейного Транссибирского арт-фестиваля.


ЗА ПЯТЬ лет своего существования Транссибирский арт-фестиваль, во-первых, завоевал репутацию одного из самых значительных событий в культурной жизни Новосибирска и многих других городов региона, а во-вторых, вышел за пределы магистрали, которая подарила ему название, и стал событием международным. В программу юбилейного фестиваля, как с вполне понятной гордостью сообщают организаторы на своем сайте, включены 42 основных мероприятия в России (22 в Новосибирске и Новосибирской области, 20 в других городах России — от Красноярска до Санкт-Петербурга) и пять за рубежом — в Брюсселе, Токио и Тель-Авиве, свыше тридцати обучающих программ.



Отдельной главой музыкального форума можно считать встречи с другими видами искусства — живописью, кино и театром. Этой весной гости Транссибирского посетили выставки картин американской художницы Марии Кононовой и фоторабот Александра Иванова, посмотрели впервые представленный русской публике документальный фильм Бруно Монсенжона «Мстислав Ростропович. Неукротимый смычок» и получасовую ленту выдающегося скрипача современности Гидона Кремера «Картинки с Востока», а также стали зрителями первого в этом десятилетии выступления балетной труппы Большого театра России на сцене Новосибирского театра оперы и балета.

Солисты Большого неоднократно выступали на этом фестивале (самая верная и преданная его участница — супруга художественного руководителя форума Вадима Репина Светлана Захарова), но таких масштабных гастролей (в турне отправляются и балет, и оркестр) в рамках «Транссиба» еще не было. 12 и 13 апреля балет Джона Ноймайера «Дама с камелиями», представленный Большим театром на сцене НОВАТа, завершил новосибирскую программу пятого юбилейного Транссибирского арт-фестиваля. К слову, это был четвертый визит прославленной труппы в Новосибирск (предыдущие выступления Большого датированы 1976, 2006 и 2009 годами). Билеты были раскуплены задолго до показа. Разошлись буквально за неделю с начала реализации, несмотря на солидный ценник от пяти до пятнадцати тысяч рублей за место, что организаторы, конечно, предполагали. «Это чуть ли не первые гастроли Большого театра по России за последние несколько декад, — говорил Вадим Репин накануне открытия фестиваля. — Он регулярно выезжает и в Лондон, и в Нью-Йорк, и в Токио, а по России никогда не путешествует. Я думаю, в Новосибирск приедет очень много желающих (не только со всего округа, но и с Дальнего Востока), которые уже сейчас дерутся за билеты, чтобы попасть на спектакли Большого театра».

Глава Гамбургского балета знаменитый хореограф Джон Ноймайер — давний поклонник Дягилева и Нежинского, впервые поставил «Даму с камелиями» в 1978 году в Штутгарте и с тех пор неоднократно воссоздавал спектакль с лучшими балетными труппами мира. Сам хореограф считает эти постановки центром своей творческой карьеры. По его словам, история циничной и «материальной» женщины, внезапно постигающей смысл и ценность истинной любви, актуальна во все времена: «Нет, это не мыльная опера про романтичного юношу и больную чахоткой куртизанку, а история о жертве, совершенной ради любви. Поэтому этот балет до сих пор остается самой популярной из моих работ».
Премьера балета на сцене Большого театра состоялась в 2014 году, и впервые эта постановка вывозится на гастроли. Сделать это, по признанию Вадима Репина, было непросто: «Чтобы организовать два показа, для которых из Москвы приехало бы 210 человек, нам пришлось сильно постараться».

В СПЕКТАКЛЕ 12 апреля партию Маргариты Готье исполнила народная артистка России, лауреат госпремии РФ Светлана Захарова. Специалисты признают, что балерина раскрывается в спектакле Ноймайера как глубокая драматическая актриса, бесконечно правдиво проживающая трагическую историю своей героини. 13 апреля в партии Маргариты выступила прима Большого театра, лауреат «Бенуа де ла данс» 2013 года Ольга Смирнова.

Основу либретто балета составил сюжет романа Дюма-сына «Дама с камелиями», кроме того, в свой спектакль хореограф добавил сюжетную линию «Манон Леско» Прево: характер второй ветреной красавицы добавляет еще больше драматизма в историю главной героини Маргариты Готье. Но Ноймайер пренебрег очевидным приемом и не стал использовать музыку опер Верди («Травиата») и Пуччини («Манон Леско»), написанных на эти же сюжеты, — он предпочел пронзительную музыку Фредерика Шопена.
В балете Джона Ноймайера все сосредоточено на обостренных человеческих чувствах, выраженных с помощью совершенной классической хореографии, а приобретенные на парижском блошином рынке детали интерьера и более трехсот костюмов, созданных специально для этой постановки, усиливают эффект реальности исторической эпохи. На последних репетициях хореограф не скрывал слез. Солисты Большого театра были поражены искренним переживаниям Ноймайера: хотя с момента первой премьеры спектакля прошло сорок лет, сюжет «Дамы с камелиями» по-прежнему вызывал у постановщика самые сильные эмоции.

«Работа над спектаклем была счастливым временем. Такой естественности и натуральности не встречала я в спектаклях. Настолько все чисто, нежно, трогательно, по-настоящему и взаимоотношения с партнерами — до мелочей, — признается балерина Светлана Захарова в одном из интервью. — Джон Ноймайер потрясающий: приятный, настоящий и искренний человек. Когда ты ему доверяешь и доверяешься, он открывает тебе то, что чувствует сам. Один его взгляд, и ты понимаешь, что он хочет сказать и чего хочет от тебя добиться. Ты не стесняешься своих эмоций, открываешься и окунаешься с головой в работу. Между нами возникла какая-то душевная связь. Мне кажется, что я понимаю и чувствую этого хореографа. Он много рассказывал про спектакль, про образ Маргариты. Но и я многое предлагала. После спектакля Джон сказал мне: «Знаешь, у меня было впечатление, что именно сегодня состоялась премьера моего спектакля. Я увидел его по-другому, по-новому». Хотя в хореографии мы вообще ничего не меняли. Услышать такое дорогого стоит».

Дорогого стоит и уникальная возможность увидеть покоривший сердца балет за пределами столицы. Остается только догадываться, какой театральный проект привезет Транссибирский фестиваль следующей весной, чтобы превзойти впечатления юбилейного форума. Пока организаторы не озвучивают чаяния и планы, но работа над следующими выпусками идет полным ходом. «Пятый фестиваль — это не только юбилей, но и точка отсчета для нас, — отмечает в интервью радио «Орфей» идейный вдохновитель и бессменный лидер «Транссибирского» Вадим Репин. — Когда начинаешь серьезно размышлять на эту тему, понимаешь, что на самом деле все только начинается. И с этим настроением мы беремся за следующий, уже шестой фестиваль и строим планы на седьмой и восьмой. Азарт у нас в крови кипит, адреналин играет в полную силу».


Фото Евгения ИВАНОВА
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18948
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Апр 27, 2018 7:55 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018042709
Тема| Балет, Canada's Ballet Jörgen, Персоналии, Сания Абильмажинова
Автор| Беседу вел Александр Герштейн
Заголовок| Танец как состояние души
Где опубликовано| © Газета «Русский Экспресс» (Торонто)
Дата публикации| 2018-04-26
Ссылка| http://russianexpress.net/nid/14371
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Настоящий праздник балета. «Лебединое озеро», «Щелкунчик», «Коппелия», «Золушка», «Ромео и Джульетта», «Синяя птица», «Дон Кихот», «Жизель», «Анастасия» - это лишь неполный список классических и современных балетных спектаклей, в которых танцует ведущие партии Сания Абильмажинова, прима-балерина Canada's Ballet Jörgen.

Обладательница серебряной и золотой медалей Международного балетного конкурса в Берлине, Сания была удостоена дипломов международных конкурсов в Шанхае, Нью-Йорке, Эстонии, стала полуфиналисткой престижнейшего конкурса Большого Театра.

- Конечно, золотая медаль за первое место - это очень весомо, - говорит Сания, - но я считаю, что уровень конкурса Большого, для участия в котором собираются лучшие артисты со всего мира, настолько высок, что для меня было большим достижением - выйти в полуфинал. Ведь мне пришлось соревноваться с такими именитыми балеринами, как Наталья Осипова, Евгения Образцова - звезды мирового балета…

Сания родилась и выросла в Ташкенте. В возрасте 10 лет поступила в хореографическое училище, танцевала год в театре, а потом переехала в Москву. Три года проучилась в Красногорском хореографическом колледже, совершенствуя мастерство, да и российский диплом открывал больше возможностей. По окончании колледжа была принята в труппу московского театра имени Наталии Сац. Талантливой молодой балерине сразу доверили сольные партии. Как вспоминает с юмором Сания, «в кордебалете даже дня не стояла». А в 2009 году, по приглашению компании Canada’s Ballet Jörgen, приехала в Торонто.

- Кто сыграл самую важную роль в вашем успехе?

- Во-первых, моя бабушка, - говорит Сания. - Она была драматической актрисой, но всю жизнь мечтала танцевать. И поскольку моя мама также не стала балериной, решили отправить учиться меня. Ну и, конечно, большую роль в моей творческой жизни всегда играли мои педагоги, которые верили в меня, мой талант и мое успешное будущее на балетной сцене. Мне помогали всегда, и в Ташкенте, и в Красногорске, и в Москве, да и в Канаду я попала благодаря им. А когда оказалась здесь, директор нашей многонациональной компании Бенгт Йорген - он сам из Швеции, и 75 процентов артистов у нас из разных стран мира - меня увидел, поверил, и так я стала ведущей солисткой нашей труппы…

Приехав в Торонто на год, Сания получила предложение продлить контракт на несколько сезонов и решила остаться в этом разноликом, гостеприимном городе, где живет и работает уже девять лет. На вопрос, какие роли самые любимые, отвечает, не задумываясь:

- Во-первых, конечно, «Лебединое озеро». Для меня было огромной честью станцевать Одетту-Одиллию. И скажу честно: я очень люблю Одетту, но Одиллию - черного лебедя, коварного - больше. Для меня этот образ и этот спектакль важны необыкновенно. Еще в нашем репертуаре есть балет «Анастасия», мы в этом сезоне с ним гастролируем по всей Канаде. Эта постановка и главная партия в ней, Анастасии Романовой, для меня очень много значат…

- Каковы планы на будущее?

- Если начать с дальнего, то балетом «Анастасия» заканчивается мой танцевальный контракт. Но я также и преподаю, во время гастролей мы в каждом городе даем мастер-классы. А в июле организуем летние программы для студентов и молодых артистов, в которых я работаю как педагог: веду классы, репетиции, обучаю репертуарным ролям и участвую в отборе молодого пополнения для нашей труппы…

Расставаться с Canada’s Ballet Jörgen Сания не собирается, хотя за девять лет перетанцевала практически весь репертуар компании.

- Я сейчас в таком замечательном возрасте и состоянии души, когда для меня танец - это наслаждение, а не только сложная техническая работа, нервы... На многое смотрю совсем иначе. Хочу танцевать еще как минимум лет пять, но тянет к чему-то новому, поэтому сейчас рассматриваю возможность краткосрочных контрактов, в качестве приглашенной артистки. В моих планах - Boston Ballet и Шанхайский Балет, они периодически приглашают на сольные партии в спектаклях мировой классики…

Но это - в будущем. А пока что Сания Абильмажинова работает над воплощением своей мечты - Гала-концертом, в котором будет выступать она сама, ее коллеги и приглашенные ведущие артисты канадского балета.

- Follow your dream – «Следуй своей мечте», - так мы решили назвать концерт, - рассказывает Сания. - Потому что артисты нашей компании и Национального балета Канады будут исполнять соло, па-де-де, групповые номера из классических балетов и современных постановок, которые мы очень хотим станцевать, но не можем по разным причинам. Либо их нет в репертуаре, либо потому, что некоторые - не ведущие солисты, а вторые. Причем не я определяла, кто что будет танцевать, каждый выбирал себе роль сам...

Концерт состоится 19 и 20 мая на сцене Lyric Theatre, который находится в хорошо знакомом зрителям North York Centre for the Arts. Первое отделение целиком отдано мировой балетной классике: «Пламя Парижа», «Корсар», «Дон Кихот», «Конёк- Горбунок», «Лебединое озеро», «Баядерка». Некоторые из них в Канаде пока не ставились.

- В концерте будут принимать участие мои коллеги, - продолжает Сания, - артисты компании Canada's Ballet Jörgen, приглашённые артисты - выпускники Национальной балетной школы Канады, Кирилл Лордски из школы Владимира и Анны Карпов, выпускница Киевской Академии хореографии Юлия Почко. Специальными гостями вечера станут ведущие солисты Национального театра Канады Елена Лобзанова и Наойя Эбе. Мы с Наойя хорошие друзья, несколько лет назад встречались в летней программе. В первом отделении Елена и Наойа исполнят Гранд-Па из «Акта теней» балета «Баядерка».

Гала-концерт посвящен 15-летию творческой деятельности Сании Абильмажиновой. Специально для нее талантливый канадский хореограф Дерек Сангстер ставит один из дуэтов.

- Я с ним уже работала, - говорит Сания, - и это его подарок мне. Тема - взаимоотношения двух людей, любовь через всю жизнь, и ее оттенки. Во втором отделении мы исполним соло, дуэты и групповые номера в стиле современного балета, а также представим зрителям очень красивый, необычный дуэт Child of Darkness, «Дитя тьмы» - фрагмент из канадского балета Silence of the Grey Goose, который поставил когда-то для Alberta Ballet известный хореограф Норберт Визак. Главную партию в нем исполняла Свея Иклофф, она как бы передала ее мне в наследство, поставив этот номер специально для меня и моего партнера…

На сцене оживет трогательная история слепого юноши и девушки, которую выдали замуж за богатого пожилого мужчину, который очень грубо с ней обращался. Она никогда не знала доброго отношения. И только встретив этого юношу, она впервые ощущает настоящую любовь. А завершится концерт знаменитой сценой «Вальпургиева ночь» из оперы Шарля Гуно «Фауст».

- Это изюминка нашего концерта, номер, которого никто в Канаде не видел «вживую», так как опера не ставилась. Веселый, задорный, с участием всех солистов. И воплощение моей давней мечты - станцевать партию Вакханки. Мне было лет 15, - вспоминает Сания, - когда я буквально влюбилась в эту сцену, впервые увидев в ней по телевизору Екатерину Максимову. И вот, наконец, моя мечта осуществится…


Истинное удовольствие получат и зрители, которые в эти два вечера заполнят зал Lyric Theatre. Их ждет настоящий праздник балета!

============================================
Все фото - по ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Ср Май 23, 2018 10:09 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18948
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Апр 27, 2018 8:16 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018042710
Тема| Балет, Третий фестиваль «Воронежские звёзды мирового балета», Персоналии, Иван Кузнецов, Александр Литягин, Андрей Меркурьев
Автор| Алла Ключанцева
Заголовок| Что «Вечер современной хореографии» нам принёс?
Где опубликовано| © Страницы Воронежской культуры
Дата публикации| 2018-04-27
Ссылка| http://culturavrn.ru/starred/24142
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Третий фестиваль «Воронежские звёзды мирового балета» показал премьеру. 26 апреля хореографы Ростова-на-Дону (Иван Кузнецов), Воронежа (Александр Литягин) и Москвы (Андрей Меркурьев) представили воронежцам три одноактных балета, объединенных названием «Вечер современной хореографии». Каждый балет имеет свою музыку, историю, композицию и своего постановщика.



Хореограф первого – балетмейстер Ростовского музыкального театра Иван Кузнецов. Балет «Бизе-сюита» – его первая постановка, премьера которой состоялась в Новосибирске в 2017 году. На сцене зрители увидели красивую историю трёх пар. Правда, когда Ивана попросили раскрыть сюжет своей постановки, он ответил:

- А его и нет. Я просто сидел дома на кухне, слушал музыку и в голове возникали образы, которые я воплотил потом на сцене.

Кстати, о музыке. «Бизе-сюита» идет исключительно под звуки фортепьяно. Пока что – под записанные звуки фортепьяно. Как объяснил сам Иван Кузнецов, у него на руках нет нот, чтобы предоставить их оркестру. Этой проблемой молодой хореограф обещал заняться при первой возможности.

Хотя, кажется, зрителям было всё равно, под какую музыку выступают артисты. Исполнители главных партий – Михаил Ветров и Елизавета Корнеева выполнили свою задачу великолепно, за что и получили заслуженные аплодисменты.



Вслед за работой Ивана на сцене был показан балет «Болеро», хореографом которого выступил главный балетмейстер Воронежского театра оперы и балета Александр Литягин. Работа поставлена на контрастную музыку Мориса Равеля, и содержание её тоже контрастно:

«…Сюжет построен на конфликтах между вечным и сиюминутным, между началами созидающими и разрушающими. Контрасты становятся резче по мере нарастания энергии, исходящей от музыки. Чем в итоге обернется противостояние?..»

Ведущие партии в «Болеро» исполнили Иван Негробов и Диана Егорова. И это стоит увидеть каждому.



Третий балет – «Просветлённая ночь». Хореограф – солист Большого театра Андрей Меркурьев. Стараниями этого артиста оркестр Воронежского театра оперы и балета впервые исполнил произведение Арнольда Шёнберга.

Как рассказал сам Андрей, он поставил этот балет в Перми на Дягилевском фестивале, затем перевёз его в Москву и сейчас – в Воронеж.

Исполнителями главных партий воронежской «Просветлённой ночи» стали Максим Данилов и Юлия Непомнящая.

Кстати, о Данилове сам хореограф высказался так:

«Я не знаю ни одного артиста, кто мог бы выступить так же, как Максим. Могу полностью доверить ему этот балет. Смотрю на его работу и вижу себя, я танцевал бы точно так же».

Сложно понять, о чем «Просветленная ночь». О влюбленности и изменах? Об одиночестве и непонимании? Ответ каждый находит сам.

Как сообщил Александр Литягин, «Вечер современной хореографии» уже вошёл в репертуар Театра оперы и балета. Кажется, он оказался там ещё до показа премьерного спектакля. И не зря. Если вам давно хотелось узнать, что такое неоклассика, и чем она отличается от классического балета – обязательно сходите и посмотрите.

А Третий фестиваль «Воронежские звезды мирового балета» неуклонно движется к финалу-апофеозу…


Фото: Александр Самородов
======================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18948
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Апр 27, 2018 8:22 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018042711
Тема| Балет, Нижегородский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Юрий Ветров
Автор| Людмила Лаврова
Заголовок| Хрустальный сон Дон Кихота
Где опубликовано| © Belcanto.ru
Дата публикации| 2018-04-27
Ссылка| http://belcanto.ru/18042702.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



В Нижегородском государственном академическом театре оперы и балета имени А.С. Пушкина состоялась премьера новой постановки балета Людвига Минкуса «Дон Кихот».
Это событие — весьма значимое для Нижегородского оперного театра, поскольку в 1936 году «Дон Кихот» стал первым хореографическим спектаклем в репертуаре Горьковского театра оперы и балета (предыдущее название театра). Так что спектакль о приключениях рыцаря печального образа — некий символ для этой сцены.

Впервые же явление балета «Дон Кихот» публике в 4 актах и 8 картинах состоялась в московском Большом театре 14 декабря 1869 года в хореографии и по либретто Мариуса Петипа, а музыку написал штатный балетный композитор Императорских театров Людвиг Алоизий Минкус. (Вот ведь как! Существовали штатные балетные композиторы!).

В 1902 году этот спектакль в хореографии Александра Горского (хотя Петипа в своих мемуарах писал, что Горский выдал его спектакль за свой) перенесли в Мариинский театр, и участвовали в нём лучшие силы того времени: Китри — Матильда Кшесинская, Базиль — Николай Легат, Амур — Тамара Карсавина. Так что хореографическая и исполнительская планка балета «Дон Кихот» изначально была задана высокая. Но и наше время не оскудело на таланты. Авторы нижегородской премьеры — балетмейстер-постановщик Юрий Ветров (Москва), в прошлом — солист Большого театра СССР, и художник-постановщик Евгений Спекторов (Нижний Новгород) создали яркий, красочный и праздничный по духу спектакль.

Уже супер-занавес настроил на классический стиль: во весь его гигантский размер зрителям предстала копия гравюры знаменитого художника Поля Гюстава Доре (1832 — 1883): Дон Кихот на коне, а Санчо Панса на осле едут навстречу новым приключениям. Но супер-занавес как-то незаметно исчез, и перед нами возник кабинет Дон Кихота и он сам в своём «настоящем» костюме, увлечённо читающий очередную книгу. Отправившиеся в путешествие Дон Кихот (Павел Смаев) и Санчо Панса (Максим Малов) появляются на площади испанского городка, где «веселится и ликует весь народ». Яркий солнечный свет заливает площадь, и почти физически ощущается жаркость летнего полдня. Слева в глубине — таверна отца Китри Лоренцо (Михаил Болотов). На заднике — типичные для Испании постройки на склонах гор с ярко-красными крышами, а в правой и левой кулисах — сами эти склоны, заросшие буйно цветущим кустарником. Китри (Елизавета Мартынова) кокетничает с влюблённым в неё цирюльником Базилем (Андрей Орлов). Богатый дворянин Гамаш (Артём Зрелов) — потенциальный жених Китри, которого выбрал ей отец, с мушкой на щеке и в зелёно-фиолетовых одеждах, вызывающих улыбку (во всех костюмах, созданных Спекторовым, уже заложены образы и характеры действующих лиц), забавно передвигается по сцене, явно неуютно чувствуя себя среди простолюдинов.



Юрий Ветров создал новую сценическую и хореографическую редакции балета Петипа и Горского, и ему, несмотря на наличие разнородных компонентов в балете, вслед за Горским удалось найти для них единый стиль. Считается, как пишет критик Л. Михеева, что сюжет в «Дон Кихоте» — лишь «повод для красочных и разнообразных танцев, непрерывного (прерываемого лишь антрактами) парада артистов, демонстрирующих своё мастерство». Однако Ветров сделал балет двухактным, а сюжетную линию — стройной, и танцы органично вытекают из сценических событий, точнее, отражают их. Музыка Минкуса в «Дон Кихоте» необычайно танцевальна, ритмически богата, поэтому завораживающая прелесть этого балета — именно в стихии танца. К тому же, балетмейстер добавил танцы в обычно сугубо пластические партии Санчо Панса и Дон Кихота, чем придал балету ещё больше динамики. Так, Санчо лихо крутит пируэт и в первом акте, и во втором.

Юная солистка нижегородской труппы лауреат международных конкурсов, одна из лучших выпускниц Башкирского хореографического колледжа имени Рудольфа Нуреева 2017 года Елизавета Мартынова впервые исполняла партию Китри. Она начала аккуратно и осторожно, но от вариации к вариации прибавляла уверенности своему танцу. Будучи физически одарённой от природы — крепкие ноги, большой шаг, высокий подъём, Елизавета демонстрировала чистоту вращений, хороший прыжок и великолепную технику мелких движений. Её Китри, жизнерадостная и озорная в I акте, в сцене сна Дон Кихота — более строгая в образе Дульцинеи, а в финале — светящаяся счастьем в грандиозном па-де-де. Несмотря на то, что Мартынова танцует в театре первый сезон, в «Дон Кихоте» она проявила себя не только как балерина с прекрасной школой, но и как актриса, способная окрасить образ в разных сценах богатством эмоциональных нюансов.

Андрей Орлов (Базиль), гибкий и лёгкий, оказался хорошим партнёром Мартыновой, что особенно проявилось в свадебном дуэте в финале. Это па-де-де Китри и Базиля считается одним из самых сложных, но и самых красивых на балетной сцене, его часто танцуют на конкурсах и в гала-концертах.

Сцена сна Дон Кихота — невероятное по красоте, нежности и волшебности зрелище, и в этом огромная заслуга художника-постановщика Евгения Спекторова. На нижегородской сцене Дон Кихоту снится, что он — в хрустальном дворце с хрустальным, но таким «настоящим» фонтаном, и этот дивной, нереальной красоты дворец, хрусталинки которого готовы вот-вот зазвенеть на нежнейшем пиано, — одна из самых прекрасных сценографических вершин, которые мне посчастливилось видеть в театрах. Дриад Спекторов одел в бело-бирюзовые пачки, очень им идущие и производящие впечатление сказочной воздушности. В такой атмосфере танцевать можно только прекрасно, это и демонстрировали солистки и кордебалет.

Амур в исполнении Марины Мастыка был настолько лёгок и невесом и при этом упорен в своих амурных намерениях, что невольно вызывал благодарность Мариусу Петипа, который вариацию Амура, чтобы она не потерялась, перенёс в «Дон Кихот» из другого своего балета. Чистотой классического танца блеснула Татьяна Пельмегова в партии Повелительницы дриад, а дриады продемонстрировали не только свою сказочную сущность, но и красоту поз, элегантность и синхронность танца.

Любовь к испанским танцам Петипа щедро вложил в «Дон Кихота», построив на них весь балет: хота, сегидилья, танец тореадоров, болеро, фанданго, а артисты-нижегородцы, впитавшие в себя испанский темперамент и стиль, зажигательно их исполнили (в спектакле танцы «прозвучали» в стилизованной версии). Украсил сценическое действо и темпераментный цыганский танец с бубнами.

В хореографии «Дон Кихота» много юмористических ноток, но Юрий Ветров добавил и свои: например, ввёл новое действующее лицо — Трактирщицу, мать Китри (Ольга Щёлушкина), которая энергично и задорно отплясывала с поварёшкой в руках.

Евгений Спекторов нашёл живописное и выразительное, но удачно высвобождающее пространство сцены для танцев художественное решение, и вместе с Юрием Ветровым и дирижёром-постановщиком Ренатом Жиганшиным создал постановку, искриться которую «заставили» своим талантом артисты балетной труппы Нижегородского оперного театра. Хорошо, что Дон Кихот уже был в пути, а то прибежал бы тушить нижегородскую сцену, потому что масла в огонь нескончаемой овацией ещё подливали зрители.

Фото Ирины Гладунко предоставлено Нижегородским государственным академическим театром оперы и балета
======================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18948
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Апр 29, 2018 9:52 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018042901
Тема| Балет, Третий фестиваль «Воронежские звёзды мирового балета», Персоналии, Иван Кузнецов, Александр Литягин, Андрей Меркурьев
Автор| Фаина Мания
Заголовок| От неоклассики до contemporary. Воронежцам показали современный балет
Где опубликовано| © «АиФ-Черноземье»
Дата публикации| 2018-04-28
Ссылка| http://www.chr.aif.ru/voronezh/events/ot_neoklassiki_do_contemporary_voronezhcam_pokazali_sovremennyy_balet
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Три премьеры, три самостоятельные постановки, три режиссера – о «Вечере современной хореографии» рассказываем в материале «АиФ-Черноземье».



В четверг, 26 апреля, зрители театра оперы и балеты побывали на «Вечере современной хореографии», который презентовали в рамках фестиваля «Воронежские звезды мирового балета-2018». От одного балета к другому меняется форма подачи – от неоклассики до contemporary.



Без оркестра и драматургии

Плавные движения, пастельные тона, работа в парах - открыла вечер «Бизе-сюита» на музыку Жоржа Бизе. Над постановкой работал начинающий хореограф Иван Кузнецов, для которого балет стал дебютом. В 2017 году он поставил этот балет для солистов Новосибирского государственного академического театра оперы и балета. На воронежскую сцену Иван Кузнецов перенёс его совместно с известной балериной Еленой Лыткиной, которая выступила в качестве ассистента хореографа.

«Драматургии в этом балете нет, ее не нужно искать. Любой балет рождается из музыки. Я слушал музыку на диске, и у меня в голове появлялись комбинации», - рассказал главный балетмейстер Ростовского музыкального театра Иван Кузнецов.

Постановщик целенаправленно ушёл от оркестрового сопровождения. Балет идёт под звуки фортепиано для того, чтобы подчеркнуть камерность произведения и не перегружать его мощью звучащего оркестра.



Премьера «Болеро»

Центральной связующей частью программы «Вечера современной хореографии» стала постановка главного балетмейстера Воронежского театра оперы и балеты Александра Литягина. Сюжет модерн-балета «Болеро» на музыку одноимённого произведения Мориса Равеля построен на конфликтах и столкновениях различных стилей и эпох. Противостояние классики и модерна, вечного и сиюминутного, начал созидающих и разрушающих усиливается по мере нарастания энергии, исходящей от музыки.

Зрителей провели по кругам виртуального зала, собравшего произведения мирового искусства, и заставили переживать весь спектр чувств, присущих человеку.

«Почему я выбрал «Болеро»? Потому что в этой музыке есть страсть, любовь, конфликт, финал. В ней можно найти все переживания, с которыми сталкивается человек. Именно поэтому в постановке так много внутренних конфликтов героев, - отметил Александр Литягин. – Главную цель, которую я ставил перед собой, это затронуть нотки души зрителей».

Премьера постановки, в которой была задействована практически вся балетная труппа театра, однозначно, удалась. Тех, кто не смог увидеть «Болеро» в рамках фестиваля, Александр Литягин успокоил – балет появится в репертуаре.



Из Большого в Воронеж

Рассеивается туман, и на сцене театра разворачивается новое действие. В финале показали балет «Просветлённая ночь» на музыку одноимённого сочинения Арнольда Шёнберга, созданный Андреем Меркурьевым. Меркурьев не нуждается в особом представлении. Он хорошо известен в стране и за её пределами. Впервые Меркурьев поставил «Просветлённую ночь» в Перми на Дягилевском фестивале, потом перенёс балет в столицу и пригласил в него солистов и артистов Большого театра. И вот теперь доверил танцевать своё произведение солистам воронежской балетной труппы.

«Для меня этот балет о нашей непростой жизни, о том, через что нам приходится проходить – любовь, измены и многое другое. Конечно, показать всю драматургию через секундные действия невозможно, но тут на помощь приходит музыка. Эта постановка о мужском и женском – по отдельности и вместе», - рассказал работающий по контракту солист Большого театра, хореограф, заслуженный артист РФ Андрей Меркурьев.



Как признался постановщик, в воронежском театре он встретил артиста, который как нельзя лучше раскрыл центральный образ спектакля. Максим Данилов подтвердил свой статус артиста, наделённого даром драматического перевоплощения.

«Хочется отметить высокий уровень воронежской труппы. Было очень душевно и круто. Конечно, всегда есть, куда стремиться. И это касается любого театра – воронежского, Большого или Мариинского, - подчеркнул Андрей Меркурьев. – В Советском Союзе любой маленький город имел свою балетную труппу. Потом произошел развал, города остались без балета. И сегодня мое поколение старается делать все, чтобы артисты не уезжали из своих городов. Чтобы они заканчивали училище и занимались в своем городе балетом. Мы должны создавать такие условия, чтобы молодые ребята не уезжали. В таких вещах, конечно, всегда возникает финансовый вопрос. Но когда я начинал, мне было неважно, сколько я получаю. Я трудился и ждал момента. Нужно не забывать, что искусство – это не зарабатывание денег».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18948
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Апр 29, 2018 5:49 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018042901
Тема| Балет, БТ, Премьера, "Пьеса для него"
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| Прогресс вне плана
«Пьеса для него» в Большом театре

Где опубликовано| © "Коммерсантъ"
Дата публикации| 2018-04-28
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/3618275
Аннотация| ПРЕМЬЕРЫ


Фото: Дамир Юсупов / Коммерсантъ

На Новой сцене Большого театра состоялся бенефис, устроенный для четырех артистов труппы и названный «Пьеса для него». В программе — две мировые и две российские премьеры. Татьяна Кузнецова считает этот вечер самой интересной затеей Большого в этом сезоне.

«Пьеса для него» в планах театра не значилась. Похоже, появлению этого проекта Большого — единственного в сезоне, претендующего на актуальность,— мы обязаны неуемной энергии его куратора Ирины Черномуровой. Статус вечера она определила по старинке: бенефис. Однако бенефициантов тут четверо, причем все нетитулованные, без государственных званий, широким массам плохо известные, а один так и вовсе артист кордебалета. Подобрав каждому из героев хореографа или готовую современную постановку, куратор решила воздать должное замечательным артистам Большого и дать им возможность блеснуть в новом качестве. Задачу свою вечер выполнил: все четверо были неотразимы. Но каждый по-своему.

Балетик «Обручение ради смеха» на музыку Пуленка специально для кордебалетного артиста Владислава Козлова и трех сопутствующих ему пар поставил Антон Пимонов — в той насквозь вторичной новопетербургской манере, которая примечательна своей неназойливостью: на следующий день легко забывается практически все, увиденное накануне. Вот и в «Обручении» помнится серенький дымок, серенькие культурные брючки и платьица артистов, обмирания дам в низких «бревнышках», невнятное соперничество кавалеров и поверх всего этого тумана — высокий статный 24-летний бенефициант. Музыкальный, элегантный, с широким осмысленным жестам, с роскошной амплитудой батманов, небурным, но стабильным вращением, с точными позами в зависающих больших прыжках Владислав Козлов изо всех сил пытался придать значительность череде исполняемых им па. Старания артиста вызывали нетерпеливое желание увидеть его в более интересном репертуаре. Принца Дезире он уже станцевал — способного юнца пару лет назад разглядел в кордебалете худрук труппы Махар Вазиев; возможно, бенефис подарит фактурному танцовщику и другие серьезные классические партии.

У Вячеслава Лопатина ролей и без бенефиса тьма — разностильных, разномастных, разнокалиберных, от шутов до Печориных. Этот скромный, неброский, невысокий, пластичный, всеядный и технически всемогущий премьер — палочка-выручалочка театра, из разряда тех талантов, которые могут станцевать что угодно, хоть телефонную книгу. Но выбор для бенефиса безудержного в своей сексуальности Фавна из «Послеполуденного отдыха фавна» Дебюсси казался все-таки странным: Лопатин, тонкий стилист и адепт психологического театра, особого темперамента в этой сфере доселе не проявлял. Тем не менее именно его Фавн, причем в откровенной современной трактовке хореографа Сиди Ларби Шеркауи, бельгийца марокканского происхождения, оказался главной неожиданностью вечера. Послушное тело артиста пережило череду превращений: переливалось ручьем, корявилось сухим деревом, потягивалось проснувшимся леопардом, пока весь этот пантеистический пантеон не слился в едином антропоморфном чувственном акте, настолько прекрасном в своей естественности, что лишь физкультурная деловитость Нимфы (Юлия Скворцова) позволила корреспонденту “Ъ” сохранить профессиональное хладнокровие.

Двух антиподов — записного героя-любовника Игоря Цвирко и рефлексирующего интеллигента Дениса Савина — бенефис соединил в мировой премьере спектакля «Юг» на музыку Пьяццоллы и других менее известных авторов. В постановке Марихо и Пилар Альварес и Клаудио Хоффманна о смертельной любви двух мужчин к одной женщине серия разнообразных танго — салонных, эстрадных, почти народных, мужских, женских, ансамблевых — нанизана на сюжет о том, как темпераментный Хулиан (Игорь Цвирко) угодил в тюрьму за убийство обожаемой им Марии (Мария Виноградова), которую на самом деле ненароком зарезал его соперник, богатый, но нелюбимый Арнедо (Денис Савин). Игорю Цвирко роль страстного неудачника с сопутствующими яркими всплесками соло подошла идеально, но и Денис Савин был чрезвычайно хорош — и актерски, и технически — в своем уязвленном одиноком танго с мелкими переборами ног и мучительной изысканностью позировок. Дюжина других участников этой «мыльной оперы» погрузилась в мир танго с нескрываемым удовольствием, старательно сохраняя аутентичную сдержанность движений. И все же эта танцевальная история слишком шлягерная (чтобы не сказать попсовая), чтобы жалеть о краткости ее бенефисной жизни.

А вот «Lovesong», поставленная русским венцем Андреем Кайдановским на песню Жака Бреля «Не покидай меня» в исполнении разных интерпретаторов в театре «Одеон», а к бенефису перенесенная им в Москву для изумительного актерского трио Екатерина Крысанова—Игорь Цвирко—Денис Савин, вполне достойна сценического долголетия. Хотя внешне это обычная история закончившейся любви, к тому же помещенная в нарочито бытовой антураж, непривычный на сцене Большого: повзрослевший в Германии хореограф Кайдановский — поборник театра-танца в той степени его гиперреалистичности, которая обращает происходящее в высокий гротеск. Отважные классические премьеры Большого окунулись в эту стихию, как в родную, и крайне обидно, если их блистательную работу увидят лишь зрители «Пьесы для него».

Впрочем, куратор Черномурова допускает, что на будущий год могут появиться «Пьесы для нее» и другие креативные начинания, призванные приоткрыть неизвестные широкой публике достоинства артистов труппы Большого. Возможно, в ряду будущих проектов найдется место и лучшим спектаклям «первого блина», который, вопреки пословице, не вышел комом.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Май 06, 2018 2:25 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18948
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Апр 29, 2018 8:54 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018042902
Тема| Балет, Воронежский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Юрий Бурлака
Автор| Семенова Дарья
Заголовок| Восточная сказка великого Петипа / "Корсар" в Воронежском театре оперы и балета
Где опубликовано| © Журнал «Страстной бульвар,10» Выпуск №8-208/2018
Дата публикации| 2018 апрель
Ссылка| http://www.strast10.ru/node/4613
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

В год двухсотлетия великого балетмейстера, «русского француза» Мариуса Петипа ведущие коллективы страны вспоминают о классическом наследии и представляют зрителям премьеры не устаревающих постановок. Одним из первых включился в празднование Года танца в России Воронежский театр оперы и балета, 26 января порадовавший публику «Корсаром» - реставрацией романтического шедевра Мариуса Ивановича, в котором когда-то блистал сам хореограф, выходивший на сцену в партии Конрада. На взгляд современного зрителя, балет может казаться архаичным и тяжеловесным, но постановщик премьеры Юрий Бурлака аргументировано спорит с этим предубеждением.



Выпуск спектакля был намечен на ноябрь прошлого года, но солидный объем технических работ, сложность музыкального оформления и декорационных решений, а также трудности репетиционного процесса помешали осуществить задуманное в срок. Вынужденная задержка пришлась даже кстати, позволив открыть Год русского балета одной из лучших постановок Петипа. Но прав главный балетмейстер воронежской сцены Александр Литягин, говоря, что такие жемчужины, как «Корсар», «Спящая красавица» или «Баядерка» будут актуальны всегда - и в юбилейный период, и в скромный год 199 летия мастера: эти шедевры уже прожили почти 200 лет и проживут еще столько же.

В 2007 году Литягин был на премьере «Корсара» в Большом театре и тогда же задумал эту постановку в стенах Воронежского театра оперы и балета. Причем автором адаптации тогда еще будущий балетмейстер сцены видел только Юрия Бурлаку, осуществившего масштабную московскую реконструкцию. Постановщик подошел к делу профессионально: приехал в город, оценил возможности труппы и цехов, прослушал оркестр и пообщался с руководством, после чего принял приглашение. Начался небыстрый совместный процесс творчества, делались эскизы декораций и костюмов (художник Валерий Кочиашвили), шел кастинг артистов, а затем и репетиции. Юрий Петрович осуществлял контроль дистанционно, а большой объем каждодневной работы лег на плечи его молодого коллеги из Воронежа.

Проект осуществлен благодаря поддержке Департамента культуры Воронежской области, хотя основную часть средств уже привычно предоставил Театр. За последние 20 лет это первый в городе балет подобного формата - трехактный, с роскошной сценографией. Энтузиазм Александра Литягина передался и дирекции, и артистам: в постановку поверили, танцовщики заинтересовались и мысленно примерили на себя партии корсаров и невольниц. Сам балетмейстер, помимо художественных, решал еще и организационные задачи: он верил в труппу, но хотел проверить, как она будет смотреться в классическом наследии. При этом распределение ролей тоже проводилось воронежским руководителем балетной части театра, а Юрий Бурлака, что называется, принимал работу: соглашался с кастингом, одобрял комбинации, отрепетированные Литягиным, советовал и советовался. Так что для молодого специалиста, поработавшего ассистентом на «Корсаре», спектакль стал боевым крещением, школой мастерства и ступенькой к профессиональному росту.



Но длительность постановки - 2 часа и 40 минут с двумя антрактами - беспокоила творческую группу: насколько современный зритель готов к ней? Сегодня посетители театра, испытывая вечный цейтнот, хотят получить эмоцию в компактный промежуток времени, да и пресловутую клиповость мышления никто не отменял. Но уже предпремьерный показ развеял сомнения, а аншлаг в зале в течение трех премьерных дней ознаменовал победу постановщиков. Кроме того, «Корсар» всколыхнул интерес ко всему классическому репертуару сцены - и «Лебединому озеру», и «Спящей красавице», выпуск которой намечен на декабрь, и другим названиям в яркой афише коллектива. Красота чистого танца нашла отклик у публики, не привыкшей к монументальности настоящих хореографических полотен, но принявшей ее.

Однако, по словам Александра Литягина, самый большой страх изначально был за другое: сможет ли коллектив соответствовать великому шедевру, в далеком 1863 году вышедшему в хореографии Мариуса Петипа? Захочет ли Юрий Бурлака - мастер, безусловно, востребованный и имеющий возможность выбирать, - по итогам работы поставить свою фамилию в премьерной афише? Но результат оказался действительно достойным ярких имен: «В этом году мы предоставим компетентному жюри «Золотой Маски» спектакль «Корсар» как адаптированную версию балета. Мы думаем не о наградах, а о нашей труппе, о воронежском зрителе, о том, что в театре должен быть репертуар, на который интересно ходить, так что билеты будут раскупаться, а в кассы выстроятся очереди. Все хотели бы получить не только «Маску», но и «Золотой софит», и «Душу танца». Но это не главное», - говорит главный балетмейстер сцены.

Что же главное в неспешном «Корсаре», могущем быть даже скучным и очень далеко ушедшем от поэмы мрачного романтика Байрона, писавшего о разочарованном пирате, утратившем возлюбленную? Классическое балетное либретто представляет совсем иную интерпретацию сюжета. В Средиземном море лихой пират Конрад (Иван Негробов) влюбляется в прекрасную невольницу Медору (Марта Луцко) - собственность алчного Исаака Ланкедема (Михаил Негробов). Молодым людям удается бежать вместе, но предательство друга заглавного героя Бирбанто (Максим Данилов) перечеркивает мечты храбреца. Похищенная заговорщиками девушка оказывается в гареме важного паши Сеида (Олег Рудометкин), ранее плененного увиденной на рынке в Адрианополе черноокой гречанкой. Ее подруга, легкомысленная Гюльнара (Елизавета Корнеева), очарована возможностью возвыситься, став женой паши. В результате своей находчивости дерзкая красавица-рабыня овладевает сердцем Сеида, влюбленные Медора и Конрад находят друг друга, а преступники, покусившиеся на дружбу и любовь, разоблачены. Отважные друзья предводителя пиратов вырывают его невесту из рук притеснителей, и герои уплывают прочь с острова Кос - навстречу новым приключениям, кои не заставляют себя ждать: в море разыгрывается страшная гроза, и корабль смельчаков тонет. Однако истинное чувство торжествует, и верная пара спасается, дабы уже никогда не расставаться.



История полна неожиданных поворотов, поэтому неискушенный зритель с неослабевающим интересом следит за перипетиями, выпадающими на долю персонажей. Тонкий аромат Востока, ощутимый скорее в визуальном оформлении, нежели в музыке, сочетается с цветистостью фабулы и сюжетными аллюзиями. И все-таки балет статичен и медлен, а партитура, составленная из сочинений Адольфа Адана и дополненная фрагментами произведений Лео Делиба, Цезаря Пуни, Петра Ольденбургского, Риккардо Дриго, Альберта Цабеля, Юлия Гербера, зачастую кажется развлекательной и эклектичной. В роли музыкального драматурга также выступает Юрий Бурлака, а воплощает его замысел с оркестром художественный руководитель воронежского Театра, дирижер Андрей Огиевский. Тем не менее, большие мастера находят простор для творчества, усиливая почти отсутствующий национальный колорит: ассистент хореографа Юлиана Малхасянц работала над народно-сценической частью спектакля, и о сотрудничестве с ней труппа отзывается с восторгом.

Конечно, хореография «Корсара» не могла быть воссоздана в первоначальном виде, поскольку сохранившиеся о балете сведения далеко не полны. Но Юрий Бурлака, тщательно изучивший архивные материалы, заполнил пробелы оригинальными элементами и композициями из утерянных спектаклей «Гентская красавица» и «Питомица фей» на музыку Адана. При этом воронежская адаптированная версия не повторяет постановку, осуществленную специалистом в Большом театре, - чуть менее, чем трехчасовое полотно по-иному скомпоновано в три акта: почти часовой первый, короткий второй и финальное действие протяженностью немногим более часа.

Однако эта продолжительность воспринимается легко. Сам спектакль поражает не столько монументальностью, сколько амплитудностью движений, красочностью декораций и костюмов, точностью светового оформления, сделавшего бы честь и драматической постановке, ярким видео-контентом и хореографической полнотой, особенно заметной в третьем акте, где невольницы, борющиеся за внимание паши, предстают в сцене, известной в балете под именем оживленного сада. Красота эпизода, динамика происходящего и продуманность композиций позволяют считать премьеру Юрия Бурлаки событием в Воронеже и всем Черноземье.

Сильная сторона постановки - юмор, возникающий порой неожиданно для зрителей. Вальяжные, словно бы самовлюбленные корсары, лениво помахивающие кинжалами в общих мизансценах, комический трепет, внушаемый базарному люду появлением Сеида, и даже преувеличенное отчаянье Медоры, не могущей разбудить погруженного в опиумный сон Конрада, вызывают и интерес, и азарт, и смех: за балетом хочется следить, не отрываясь. Виртуозность вращений, присущая исполнительнице главной женской партии Марте Луцко, легкость и высота прыжка Елизаветы Корнеевой, танцующей честолюбивую Гюльнару, смелость и напор Максима Данилова в роли коварного Бирбанто и полетность движений, характеризующая пластику Ивана Негробова, делает «Корсара» ярким хореографическим явлением. А тонкий лиризм и точность психологического рисунка ведущего дуэта влюбленных превращает его в подлинное театральное действо.

Спектакль похож на богатое полотно, которое не надоедает рассматривать в деталях. Сложная система занавесов, обрамляющих сцену в каждой из картин, в нескольких штрихах обозначает место действия. Костюмы персонажей не повторяются. В эффектно выстроенном финале корабль, качающийся на зыбких волнах, зачерпнет бортом воду, взволнуется маняще-синее море (в этом постановщикам помогает видеопроекция), и покажется, будто настоящая буря обрушилась на героев. Слаженная ансамблевая работа коллектива довершает впечатление подлинности. Возможно, главное в январской премьере - энтузиазм и самоотдача его создателей, честно и с воодушевлением выполняющих каждый свою часть работы - кто-то больше, кто-то меньше, - но не дающих повода усомниться в том, что красивая восточная сказка, овеянная литературными романтическими аллюзиями и легендарной славой, действительно свершается в стенах Воронежского театра оперы и балета.


Фото А.САМОРОДОВА
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18948
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Апр 30, 2018 11:34 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018043001
Тема| Балет, МАМТ, приз "Душа танца", Персоналии,
Автор| корр.
Заголовок| В Москве в 24-й раз вручат единственный в России балетный приз "Душа танца"
Где опубликовано| © ТАСС
Дата публикации| 2018-04-30
Ссылка| http://tass.ru/kultura/5169661
Аннотация|

Церемония награждения состоится в Музыкальном академическом театре имени Станиславского и Немировича-Данченко

Единственный в России профессиональный балетный приз "Душа танца" в 24-й раз вручат в понедельник в Москве. Церемония награждения пройдет в столичном Музыкальном академическом театре имени Станиславского и Немировича-Данченко (МАМТ).

Приз учредили журнал "Балет" и Министерство культуры РФ в 1994 году. С тех пор его ежегодно вручают мастерам хореографии, а также дирижерам, композиторам, художникам, педагогам, журналистам, освещающим достижения в искусстве танца.

За время существования престижной награды ее обладателями были такие выдающиеся личности, как Ольга Лепешинская, Марина Семенова, Юрий Григорович, Майя Плисецкая, Родион Щедрин, Владимир Васильев. Этот список продолжили мастера сегодняшнего дня, в числе которых Ульяна Лопаткина, Николай Цискаридзе, Светлана Захарова, Диана Вишнева, Наталья Осипова, Иван Васильев и многие другие деятели отечественного искусства.

Имена новых лауреатов (в общей сложности их 17) тоже не являются тайной - согласно установившемуся правилу, их объявляют заранее.

Лауреаты 2018 года

Приз "Душа танца" вручается в девяти номинациях: "Звезда", "Звезда современного танца", "Звезда народного танца", "Восходящая звезда", "Мэтр танца", "Учитель", "Маг танца", "Рыцарь танца" и "Пресс-лидер".

В числе трех обладателей приза в номинации "Звезда" - премьер Большого театра Михаил Лобухин, прима-балерина Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко Эрика Микиртичева и ведущая солистка Красноярского театра оперы и балета Екатерина Булгутова.

В номинации "Звезда современного танца" значатся два лауреата: ведущая солистка Театра Бориса Эйфмана Мария Абашова и танцовщик и хореограф Павел Глухов. "Звездой народного танца" стала Анастасия Сорокина - солистка Ансамбля народного танца имени Игоря Моисеева.

На церемонии награждения представят сразу три "Восходящие звезды": Алену Ковалеву (Большой театр), Марию Стец (Астраханский театр оперы и балета) и Окаву Коя (Татарский театр оперы и балета). "Рыцарей танца" тоже будет три, этого титула удостоятся заведующий балетной труппой Мариинского театра Юрий Фатеев, балетмейстеры Александр Полубенцев и Олег Рачковский.

"Мэтром танца" объявят главного балетмейстера Михайловского театра Михаила Мессерера. Приз в почетной номинации "Учитель" вручат педагогам Московской академии хореографии и Академии русского балета имени Вагановой - Татьяне Гальцевой и Марии Грибановой. В ранг "Мага танца" возведут дирижера Большого театра Павла Клиничева. "Душу танца" в номинации "Пресс-лидер" получит телеведущий Геннадий Янин.

Концерт в честь лауреатов

"По традиции церемония награждения пройдет в формате гала-концерта", - рассказала ТАСС главный редактор журнала "Балет" Валерия Уральская. Она отметила, что отдельные номера имеют адресный характер и будут исполнены в честь того или иного лауреата.

В честь своих "Учителей", "Мэтров", "Магов" и "Рыцарей" в гала-концерте выступят лауреаты "Души танца" прошлых лет. Это, в частности, Вячеслав Лопатин, Анастасия Сташкевич (Большой театр); Виктория Терешкина, Кимин Ким (Мариинский театр); Елена Соломянко, Иннокентий Юлдашев (Музыкальный театр им. Станиславского и Немировича-Данченко); Анастасия Соболева, Виктор Лебедев (Михайловский театр); Кристина Андреева, Нурлан Канетов (Татарский академический театр оперы и балета); Владимир Морозов, Марина Фадеева (Краснодарский театр балета Юрия Григоровича); а также учащиеся Московской государственной академии хореографии; артисты Государственного академического ансамбля народного танца им. Игоря Моисеева, перечислила Уральская.

По ее словам, в концерте примут участие и новоявленные лауреаты. Танцевать для публики будут Алена Ковалева, Окава Коя, Мария Стец, Мария Абашова, Екатерина Булгутова, Эрика Микиртичева, Анастасия Сорокина, Павел Глухов.

Перед началом церемонии награждения в Атриуме театра состоится открытие выставки "Лауреаты "Души танца" в балетах Петипа", в рамках которой художник Дмитрий Щербаков представит видеофрагменты балетов в хореографии Петипа, а также архивные выпуски журнала "Балет", посвященные великому хореографу, сказала главный редактор журнала "Балет".
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18948
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Май 01, 2018 11:56 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018043101
Тема| Балет, Большой театр Беларуси, Персоналии, Юрий Троян
Автор| Людмила МИНКЕВИЧ
Заголовок| Хорошая труппа сродни алмазу
Юрий Троян: Хорошая труппа сродни алмазу

Где опубликовано| © НАРОДНАЯ ГАЗЕТА
Дата публикации| 2018-04-20
Ссылка| https://www.sb.by/articles/khoroshaya-truppa-srodni-almazu.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Художественного руководителя балета Большого театра народного артиста Беларуси Юрия Трояна сложно застать в рабочем кабинете. С начала года он гастролировал с труппой по городам Европы и Мексики, затем возглавлял жюри международного фестиваля в Витебске, сейчас активно репетирует с артистами театра новый балет. В общем, не до “посидеть”, особенно в юбилейный год — Национальному академическому Большому театру оперы и балета в мае исполняется 85 лет.



— Юрий Антонович, если не ошибаюсь, юбилей в этом году не только у театра, но и у вас. Пятьдесят лет творческой деятельности — событие знаковое. Но любовь к театру наверняка возникла еще раньше? Вспомните, когда вы познакомились с театральной сценой?

— Еще на 10 лет раньше. Если в 1968 году я пришел работать в Большой уже в качестве артиста балета, то в 1958-м попал сюда вынужденно. Мама работала костюмером, а меня некуда было пристроить вечером. Здесь меня быстро завербовали в детский миманс. Через года два я был уже достаточно загруженным артистом, у меня даже были роли со словами, но почему-то все в оперных спектаклях. Может, в знак протеста против оперы, когда мне исполнилось 10 лет, я пошел и сдал экзамены в хореографическое училище — оно было в здании театра. Но 1 сентября, когда начались занятия, был жутко разочарован. Нас всех раздели, поставили к станку, вывернули руки-ноги и заставили стоять под музыку минут 20. И все! А я ведь пришел танцевать. Мне не понравилось и я бросил. Директор хореографического училища Клавдия Федоровна Калитовская, наверное, видя во мне какие-то способности, долго уговаривала маму, чтобы я вернулся. Вернулся я только после Нового года и то потому, что родители пообещали купить мне велосипед. Это был первый случай, когда я бросал балет.

— А были еще?

— Отучившись четыре года в Вагановском училище в Ленинграде, я был отчислен за драку. Это было за год до выпускного. Вернулся в Минск и решил, что больше не пойду в хореографическое. Мы подали документы в обычную школу, и я целое лето провел с мыслью, что с танцами покончено. Но 31 августа во мне что-то щелкнуло. До меня дошло, что теряю столько лет работы! К тому же уже была любовь к профессии и театру. На автомате пошел к Клавдии Федоровне в кабинет. “Троян? А я тебя ждала, — сказала она. — Знала, что ты вернешься”.

Третий раз я бросал театр, когда порвал ахилл. По тем временам очень тяжелая травма. Мне было 24 года, я уже был заслуженным артистом. Очень переживал. Но вернулся на сцену и еще 13 лет танцевал. Фактически на одной ноге. Поэтому не все в балете так легко, красиво и изящно, как кажется со стороны.

— Все ли мечтающие о сцене готовы на такие жертвы?

— Далеко не все. В хореографическое училище, сегодня это колледж, принимают в 10 лет. Естественно, в этом возрасте за детей решают родители. Такая ситуация, как у меня, когда я еще до поступления мог познакомиться с театром, стать здесь своим, бывает редко. Кто-то привыкает, кому-то нравится, кому-то нет. По-разному складываются судьбы ребят. Побеждают в этой профессии даже не самые способные, а те, кто, помимо хореографических способностей, обладает бойцовским характером. Балет сродни спорту. Здесь нужно преодолевать себя физически, психологически, нужно многому учиться. Нагрузки огромные — например, солист, исполняющий роль Спартака, теряет за вечер 3—4 килограмма. Нервная система должна быть железной — выступать приходится перед огромным залом. Плюс ко всему эта профессия опасна для здоровья. Соблюдаем технику безопасности, осторожничаем, но редко кто обходится за 20 лет в театре без болезней и профессиональных травм.

— Работа в сфере культуры в нашей стране, увы, не самая высокооплачиваемая. У вас было немало предложений уехать за границу, а вы остались. И в балете сегодня у нас танцуют яркие артисты, лауреаты международных конкурсов, которых наверняка тоже приглашали за рубеж. То есть не все так плохо, как говорят? Или дело вовсе не в деньгах?

— Истина, как всегда, посередине. Уехать предлагали и предлагают упорно. В некоторых зарубежных театрах существует система скаутов, которые ездят по городам и переманивают артистов. Это намного проще, чем вырастить собственных. Наши бывшие солисты работают во многих серьезных труппах вокруг Беларуси — в странах Балтии, Польше, России. Думаю, если бы они все вернулись, получилось бы 3—4 состава. Есть немало мест, где платят намного больше, чем у нас, и это привлекает некоторых артистов. Тем не менее многие остаются здесь. По разным причинам, а скорее, по их сочетанию. У нас очень хороший репертуар, есть возможность себя реализовать. И достаточно крепкая труппа. Деньги деньгами, но ведь хочется заниматься своей профессией на определенном уровне.

Мне, например, поступало много предложений, особенно в 1990-е годы, уехать работать в частные школы в Канаду, Латинскую Америку, ЮАР. Уверен, у меня все сложилось бы там хорошо. Но я не жалею о своем выборе. Для меня всегда было важно, на каком уровне я занимаюсь своей профессией. Сегодня в театре остаются те, кто уже попробовал здесь танцевать, у кого здесь родители, друзья, семьи. Есть люди, для которых это важно и которые не любой ценой идут за деньгами. К тому же, если ты уже вошел в обойму лучших в коллективе, то приходят и звания, и деньги, и зарубежные поездки.

— К слову, недавно закончились продолжительные гастроли балета Большого театра Беларуси, проходившие в Мексике. В декабре — январе наши артисты выступали в Германии и Австрии, танцевали “Витовта” в Вильнюсе. Чем белорусский балет интересен зарубежному зрителю?

— Причины, по которым нас приглашают за рубеж, — качество исполнения и наша профессиональная основа. Мы принадлежим к старой русской школе. В царской России была система императорских театров. В Москве и Санкт-Петербурге действовали хореографические училища. Сложилась своя школа. Все это досталось в наследство Советскому Союзу, а соответственно и нам, развивалось и давало свои результаты. Именно в классическом танце представители этой школы ценятся во всем мире. И мы далеко не последние в этой когорте.

— В репертуаре театра много зарубежных балетов. Учитывая, что мы показываем себя миру, возможно, стоит сделать акцент на национальном репертуаре?

— Репертуар коллектива должен быть сбалансированным. Кому-то нравится классика, кому-то современный танец, а кому-то, кто особенно любит родину и интересуется историей, национальный балет. Поставили в 2013 году “Витовта”. Спектакль вызвал большой успех — у нас, в России, Литве... Получили за балет Национальную театральную премию, премию Президента “За духовное возрождение”. Интерес и государства, и просвещенной общественности показал, что есть смысл и дальше делать подобные спектакли. Предложил поставить балет про Анастасию Слуцкую. Был такой фильм. Но спектакль будет совершенно другим, хотя либретто написал автор киносценария Анатолий Делендик. Музыку сочинил Вячеслав Кузнецов. Работаем почти той же командой, что и в “Витовте”. В воскресенье провели первую постановочную репетицию. Премьера назначена на конец октября.

— Витовт, Анастасия Слуцкая — личности известные и даже немного пропиаренные. Нет желания рассказать со сцены о каких-то менее знакомых деятелях или периодах истории?

— Эффект узнаваемости должен быть. Если мы найдем героя, которого знают только три историка, вряд ли публика пойдет на него посмотреть. Должны быть некие ожидания. Поэтому приходится искать вещи, которые не очень хорошо известны, но на слуху. Возьмем балет “Спартак”. У Плутарха эта история занимает полторы или две странички. Мимолетный эпизод в истории Древнего Рима. Но вытащили тему, Хачатурян написал гениальную музыку, сделали несколько постановок — и теперь это мировая тема и огромная известность.

— Большому театру — 85. Но старичком его не назовешь. Реконструированное здание, постоянно пополняющийся репертуар... Какова сегодняшняя политика театра в области балета?

— Мы имеем силы, возможности и большое желание танцевать все. Ставим классику, делаем национальные балеты, танцуем современную хореографию. В репертуаре появился Иржи Килиан, которого у нас никогда не было. Над спектаклями работают разные постановщики, противоположные по своему мышлению.

Серьезная труппа должна быть как алмаз — с множеством граней. Это хлопотное дело — пытаться делать все. Но мы пытаемся. И, судя по интересу к нам и со стороны нашего зрителя, и со стороны зарубежных импресарио, мы находимся на высоком уровне.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18948
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Май 03, 2018 12:21 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018043102
Тема| Балет, Словенский Национальный театр, Гастроли в России, Персоналии, Иржи Бубеничек
Автор| ИННА ЛОГУНОВА — директор отдела культуры Posta-Magazine
Заголовок| Пастернак без слов: хореограф Иржи Бубеничек — о балете «Доктор Живаго», великой любви и русской революции
Где опубликовано| © Posta-Magazine
Дата публикации| 2018-04-18
Ссылка| http://posta-magazine.ru/culture/doctor-zhivago-ballet-tour-may-2018
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В этом году планируются первые российские гастроли одной из крупнейших балетных трупп Европы — Словенского Национального театра, — которая представит спектакль «Доктор Живаго».



Балет «Доктор Живаго» по мотивам одного из ключевых романов русской литературы XX века поставил чешский хореограф Иржи Бубеничек, с которым мы поговорили о предстоящем спектакле и других его проектах.

Окончив пражскую Консерваторию танца, Иржи Бубеничек с 1993 года танцевал в труппе Гамбургского балета, возглавляемой легендарным Джоном Ноймайером. Став премьером, он исполнял ведущие партии репертуара, в том числе в балете «Нижинский», поставленном Ноймайером специально на него. Позже он перешел в Дрезденский балет, выступал в составе трупп Парижской оперы, Нью-Йорк-Сити-балета, Цюриха, Венского государственного балета и других компаниях. Успешный и востребованный хореограф, он также сотрудничает с крупнейшими мировыми театрами.

Инна Логунова: Как вы решились поставить балет по такому сложному и многослойному роману, как «Доктор Живаго»? Как восемьсот страниц текста перевести на невербальный язык балета?

Иржи Бубеничек
: Некоторое время назад Национальный театр Словении предложил мне поставить для них балет. Я долго думал, что это может быть. Я видел столько версий классических балетов, сам танцевал во многих из них, мне не хотелось делать что-то знакомое, мне вообще интересно каждый раз браться за новое. У моего отца была обширная коллекция фильмов, и в юности я очень любил фильм «Доктор Живаго» Дэвида Лина, который пересматривал бессчетное количество раз. Позже я прочел книгу. В этой истории меня всегда интересовали драматическая судьба главных героев, любовь Юрия и Лары, которых жизнь, соединяя на короткое время, вновь разводила в разные стороны. Также меня увлекало трагическое время, описанное в романе: революция, Гражданская война, первые годы советской власти. У нас в Чехии тоже был коммунизм, так что мне это близко. Как хореографа меня привлекают сюжетные балеты, часто на литературной основе. Так что я сказал себе: да, это невероятно сложно, но я хочу поставить этот спектакль, чего, кстати, раньше никто не делал. В своем балете я сосредоточился прежде всего на истории любви, но время как фон этих событий, конечно, тоже присутствует.

— Расскажите о работе над постановкой в Любляне.

— Это было сложное, но вдохновляющее время: два месяца чрезвычайно интенсивной работы, репетиции продолжались с 11 утра до 9 вечера с небольшим 45-минутным перерывом. Я работал с моим братом Отто, который создал сценографию спектакля, а также выступил соавтором либретто. Мне было важно, что танцовщик, исполняющий партию Юрия Живаго, практически не покидает сцены и в финале он, как и его герой, истощен физически и эмоционально — что вызывает сопереживание. Спектакль поставлен на музыку Шостаковича — для ее исполнения нужен большой симфонический оркестр, который не помещался в оркестровой яме, так что мы вывели его на сцену. В ходе подготовки мы взаимодействовали практически со всем коллективом театра, не только балетной труппой. Например, в спектакле вживую на русском поют оперные солисты. В постановке обилие костюмов, сложный свет — все это нужно было держать в голове, но вся команда сделала прекрасную работу: публика аплодировала стоя, я был счастлив.

— Есть ли планы поставить балет в других театрах?

— Да, мне бы хотелось, я веду переговоры с несколькими российскими театрами, но пока ничего определенного.

— Что представляет собой ваша компания Les Ballets Bubeníček, что входит в ее репертуар?

— Les Ballets Bubeníček — гастролирующая компания, не привязанная к определенному театру. Мы выступаем с моими постановками, собираясь на отдельные проекты, в которые я обычно приглашаю своих друзей из Балета Дрезденской оперы и Гамбургского балета, с которыми мне в разное время приходилось работать. Ближайший проект покажем в конце июня в Праге по случаю столетия Чешской республики. Это будет полуторачасовая постановка под открытым небом в центре города.

— Вы упомянули, что предпочитаете сюжетные балеты, — какие истории вас привлекают?

— Так, сейчас работаю над балетом по мотивам «Процесса» Франца Кафки для Королевской оперы в Стокгольме, премьера которого запланирована на май 2019 года. Это, в отличие от неоклассического «Доктора Живаго», будет современная хореография. Следом буду ставить «Метрополис», основанный на одноименном немом фильме Фрица Ланга. Некоторое время назад я поставил балет об Аните Бербер, скандальной немецкой танцовщице и актрисе 1920-х годов совершенно невероятной судьбы: бисексуалка, она была замужем за геем, шокировала публику откровенным эротизмом на сцене. Умерла от туберкулеза, не дожив до 30 лет. Также у меня есть балет по мотивам фильма 1993 года «Пианино» Джейн Кэмпион, отмеченного «Золотой пальмовой ветвью» Каннского фестиваля. Его действие разворачивается в середине XIX века в Новой Зеландии, куда из Шотландии эмигрирует главная героиня. Это был интересный эксперимент, где я сочетаю неоклассику и современную хореографию.

— Как бы вы охарактеризовали себя как хореографа?

— Я всегда ищу способы выразить эмоции. Особенно когда речь идет о любовной истории, стараюсь сделать так, чтобы каждая сцена была наполнена чувством. Я предпочитаю не относить себя к какой-то определенной категории. Мне нравится и неоклассическая эстетика, и современный танец, и физический театр. Больше всего меня привлекает эксперимент: например, в спектакле «Орфей» на сцене сосуществуют актеры, музыканты и танцовщики.

— Вы долгое время танцевали в Гамбургском балете Джона Ноймайера, одного из главных современных неоклассиков и мастеров драмбалета. Как его хореография повлияла на вас, если повлияла?

— В том, что касается манеры движения, я как хореограф мыслю иначе, чем он. На меня оказал влияние его подход к сюжету: движения не возникают из ниоткуда, исключительно ради красоты сцены, как декоративный элемент; каждый жест, шаг, поворот головы имеет определенный смысл и подоплеку, идет изнутри. Впрочем, такое понимание балета мне привили еще в Консерватории танца в Праге, где наше обучение строилось на системе Вагановой. С нами учились также актеры и музыканты, это была прекрасная творческая среда, которая также повлияла на меня. У нас в Чехии традиционно сильна актерская школа, будь то кино или театр. Все это вошло в мою кровь и плоть и, конечно, во многом определяет то, что я делаю как хореограф. Поэтому, когда я работаю с танцовщиками, прошу их не играть роль, а чувствовать, проживать. Это для меня самое важное.

— Как вы работаете над своими спектаклями?

— Обычно начинаю с музыки, параллельно изучаю материал, читаю все, что могу найти по теме, — эта подготовительная работа занимает около года. Когда дело доходит до репетиций, я часто иду от фактуры конкретных танцовщиков. Иногда придумываю шаги и движения заранее, а иногда прихожу в зал только с общей идеей, которая выкристаллизовывается в процессе. Все зависит от постановки, каждый раз все происходит по-разному. Так или иначе, всегда пропускаю движения через себя, через собственное тело, показываю танцовщикам, чего я хочу от них в танце.

— Позволяете актерам импровизировать, прислушиваетесь к их идеям?

— Да, прислушиваюсь, но как хореограф избегаю импровизации — я стараюсь создавать свой стиль, и мне важно, чтобы танцовщик воплотил в танце определенный замысел. Но если идея мне нравится и кажется органичной, я использую ее. Хотя как танцовщик я всегда любил импровизировать — например, в одном балете Охада Нахарина у меня был получасовой импровизационный номер.

— Какими качествами нужно обладать, чтобы быть хореографом?

— Работая параллельно над несколькими проектами, нужно быть очень организованным, держать в уме множество дедлайнов. Собственно, как в любой другой работе: если хочешь что-то довести до конца, нужна дисциплина. Не бояться делать то, что может показаться глупым или неправильным, верить в себя. Необходима самокритика, умение отказываться от идей, которые не работают, быть открытым.

— Как вы пришли в балет?

— Я вырос в семье известных акробатов, и меня с детства готовили к той же карьере. Но однажды в школу гимнастики, в которой я учился, пришли отборщики из балетной школы, которые обратили внимание на меня и моего брата-близнеца Отто. В итоге родители отдали нас в балет. Нам очень повезло с педагогом, который не только научил нас технике, но и заразил страстью к этому искусству. С одиннадцати лет балет — моя работа и самое большое увлечение.

— Когда вы впервые почувствовали себя профессиональным танцовщиком?

— Сразу после выпуска из школы, когда меня приняли в труппу Гамбургского балета. Думаю, вы становитесь профессиональным танцовщиком или хореографом, когда впервые получаете за это деньги.

— Расскажите о вашем брате.

— Отто невероятно талантлив во многих вещах. Он тоже танцевал, был премьером Гамбургского балета. Он пишет музыку, в том числе для моих постановок, оформляет балеты как сценограф и художник по костюмам, разрабатывает дизайн обуви. Сейчас он учится в художественной школе в Гамбурге, чтобы получить официальный диплом художника-сценографа.

— Что такое танец? Когда простое движение становится танцем?

— Любое движение — танец. Он рождается из музыки, из биения сердца, это часть нашей человеческой сущности. Помните эксперименты, в которых изучали, как музыка влияет на молекулярную структуру воды? А человеческое тело на 70–80 процентов состоит из воды. Когда мы слышим музыку, наше тело невольно отвечает движением. Потому что танец делает нас счастливыми. Танец — это свобода.

=========================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18948
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Май 03, 2018 2:59 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018043103
Тема| Балет, Омский музыкальный театр, Персоналии, Наталья Торопова
Автор| Беседовала Наталья Чупирова
Заголовок| Душой исполненный полёт Натальи Тороповой
Где опубликовано| © журнал "Омская муза" № 46, стр. 22-26
Дата публикации| 2018 апрель
Ссылка| http://admomsk.ru/c/document_library/get_file?p_l_id=271087&folderId=271678&name=DLFE-59010.pdf#page=24
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



У танца есть душа. Без нее танец не живет – превращается в телесную механику и трюк. Воплощением души классического танца на протяжении двух с лишним десятилетий была в нашем городе именно она – Наталья Торопова. Какой мощный энергетический и эмоциональный заряд получали зрители, когда на сцене Музыкального театра шел спектакль с участием этой балерины, какой катарсис испытывали в конце «Песни про купца Калашникова» или «Эсмеральды», какими просветленными, ставшими чуточку лучше и добрее покидали зрительный зал… В Год балета «Омская муза» расскажет, как появилась и расцвела удивительная творческая личность заслуженной артистки России Натальи Тороповой.

История о том, как обыкновенная девочка стала необыкновенной балериной Таких историй немало – и, как правило, это сказки про Золушек. В жизни заслуженной артистки России Натальи Леонидовны Тороповой тоже были свои Крестные – прекрасные феи, вовремя превращающие «тык вы» в «кареты». Но обо всем по порядку…

А сначала Наташа с родителями-педагогами жила в поселке с поэтичным названием Родная Долина и просто любила, оставшись одна дома, покружить под красивую музыку. Шли 1960-е годы. Трудно представить – но тогда и в помине не было Интернета, да и телевидение вошло еще далеко не в каждый дом. Основным поставщиком информации служили печать, радио и кино.

О том, кто такие балерины, второклассница Наташа Торопова узнала случайно. Кто-то подарил ей набор открыток, посвященных балету. Можно только догадываться, какие картины рисовало воображение хрупкой девочки, занятой рассматриванием карточек со звездами советского балета. Вероятно, красавицы балерины казались ей небожительницами.

Даже не мечтая быть одной из них, Наташа втайне от родных написала в Пионерскую правду» с вопросом – где учат на балерин? И вскоре, как вспоминает Наталья Леонидовна, пришел ответ, что можно попробовать поступить в Ленинградское хореографическое училище, так как в нем есть общежитие для иногородних:

– Из училища на мой запрос ответили: зачем ехать так далеко, ведь в ближнем Новосибирске есть училище с интернатом. Из Новосибирска прислали список необходимых для поступления документов. Тогда я все рассказала маме. Собрали документы и поехали проверяться, так ничего и не сказав папе. Кстати, папа долго потом не хотел из-за этого с мамой разговаривать.

На экзамене Наташа темпераментно станцевала номер собственного сочинения «Маленький остров Куба», и ее приняли.

– Я и еще одна первоклашка Галя Дмитриева из Камня-на-Оби, с которой вскоре мы подружились, жили в интернате. В одной большой комнате – двенадцать девочек из разных классов. С нами учились два мальчика-омича. Один из них – Володя Деревянко – затем перешел в Московское училище, получил золото на международном конкурсе, танцевал в Большом театре у Григоровича, впоследствии стал директором Дрезденского балета. Второй – Игорь Вахитов – связал судьбу с другим видом искусства, был главным дизайнером нашего города.

«В начале жизни школу помню я…»

– Училище в Новосибирске находилось на улице Романова, в доме 33 – недалеко от музкомедии. Старенькое кирпичное здание (оно до сих пор сохранилось), три небольших балетных зала. Поэтому старшие зани- мались в театре, до которого можно было дойти пешком или проехать две остановки на трамвае. Возле училища расположился маленький уютный садик со старыми деревьями, который все мы очень любили. Так хорошо все было устроено, что мы чувствовали себя почти как дома. Вспоминаю воспитательниц, нянечек в общежитии, которые вечно подслушивали, заставляли наводить порядок, по утрам объявляли: «Подъем!»

Первое, чему я научилась, приехав в училище, – вязать! Крючком и спицами. Сидят двенадцать девчонок на кроватях, качаются на панцирных сетках, вяжут и непрестанно что-нибудь друг другу рассказывают. К сожалению, сто лет не вязала – последний раз, когда сын был маленький, – для него.

Сейчас в колледже стиральные машины, душевые. А мы по понедельникам ходили в баню. Не близко, в сторону цирка – строем, разбившись на пары. Я косы отращивала, а в училище – чирик! – отрезали их в целях гигиены.

Нашему классу не очень повезло. Педагоги по классическому танцу у нас несколько раз менялись. Самой важной для меня была обожаемая Саяра Сагировна Юнусова, которая учила нас первые два года. Перед этим она выпустила Ларису Матюхину, которая впоследствии стала примой Новосибирского театра оперы и балета, народной артисткой. Сама Юнусова была выпускницей Вагановского училища и очень похожа на мою маму. Нас с Галей, интернатских, она забирала к себе домой, устраивала викторины, дарила книжки. Долго у меня жила фарфоровая собачка, которую я выиграла в одной из таких викторин. Саяра Сагировна ко мне по-особому тепло относилась.

На ее уроках все работали так правильно, выворотно, что даже старшие приходили посмотреть, как мы, первоклассники, например, анлер на середине делаем. А меня просили: «Ну-ка, покажи свою «птичку»!»

Но – так сложились обстоятельства – Саяра Сагировна уехала в Казань и стала одним из организаторов и педагогов Казанского хореографического училища. Мы долго переписывались, я ей присылала свои фотографии, иногда встречались, последний раз – на 50-летнем юбилее колледжа.

Как рассказывает Наталья Леонидовна, ее курсу не очень повезло: периодически менялись педагоги, и хотя у каждого из них было чему поучиться, студенты, увы, были мало задействованы в практике. Последний перед выпуском курс у Натальи Тороповой вел С. А. Павлов, тоже представитель ленинградской школы.

«Балетных пачек шелестящих великолепная сирень!»

Но вот остались позади годы ученичества. Наталью в числе многих выпускников хореографических училищ направили работать в Красноярск. Там только строился театр оперы и балета. Но вскоре юная артистка кордебалета вышла замуж, а через три года с маленьким сыном уехала в Омск, к родителям.

На родину Наталья Торопова вернулась вовремя. Омская музкомедия переезжала в новое здание, и набиралась балетная труппа – театр расширялся, получил новый статус музыкального, увеличился штат.

Балетные спектакли приехали ставить В. А. Могильда, Д. А. Авдыш. Начинающая артистка окунулась в захватывающую театральную атмосферу: набиралась сценического опыта, танцуя в замечательных «Легенде о Тиле», «Тщетной предосторожности» в постановке Давида Авдыша.

А потом известная Виолетта Бовт – москвичка, одноклассница Майи Плисецкой – решила познакомить омскую публику с «Эсмеральдой» (музыка Ц. Пуни, балетмейстер – М. Петипа) и увидела в юной хрупкой Наташе главную героиню.

– Виолетта Бовт повлияла на ваше становление?

– Однозначно. Виолетта Трофимовна – классический педагог-репетитор: все проживается, репетируется досконально, скрупулезно. Главное, что она сделала, – научила работать над ролью, над нюансами. Показывала, рассказывала, обращала внимание на каждую мелочь. С ее легкой руки – удача в заглавной партии балета «Эсмеральда».

Она показывала – и, как заклинание, повторяла: «Делай, как ты чувствуешь». В. Бовт не довлела над эмоциональной стороной – но добивалась от исполнителя технической точности, работала с артистами очень бережно.

Не могу сказать, что какой-то балетмейстер был лучше, а какой-то – хуже. У каждого постановщика есть свое, что он хочет сказать, донести до публики. Но именно Виолетта Трофимовна Бовт для меня в балете стала крестной мамой. И в жизни у нас были очень теплые отношения. Она общалась с моими родителями, а я бывала у нее дома в Москве, и пока она не уехала в Америку, старалась, если была в столице, забежать, увидеться. На дни рождения передавала с оказией цветы…

Виолетта Трофимовна много сделала и для нашего с Володей Кузнецовым дуэта. При ее участии мы подготовили прекрасный концертный номер «Памяти декабристов», с которым выступали в Ленинграде, Москве и получили Премию Омского комсомола.

– Вы станцевали более двадцати главных партий за свою карьеру. Какие роли, постановки самые любимые?

– Когда работаешь над ролью – тогда она и любимая. Конечно, первая любовь – партия Эсмеральды.

У Омского музыкального театра есть своя специфика. Когда театр открылся, он не обладал такой супертруппой, как Большой, Мариинский, чтобы ставить классические большие балеты. А в «Эсмеральде» – много на- родных танцев, много актерской игры. Роль цыганской девушки сразу легла на душу – это было мое.

Сама драматургия спектакля требовала колоссальной эмоциональной отдачи танцовщиков и находила такой же сильный отклик у зрителей. И сценография была прекрасная. Все совпало. Спектакль пользовался любовью и артистов, и публики. Жаль, что он ушел из репертуара. Эта версия балета еще сохранилась в Театре имени Станиславского и Немировича-Данченко.

Как утверждает Наталья Леонидовна, она была актрисой лирико-драматического склада:

– Мне всегда больше удавалось все, что связано с эмоциональной отдачей. Может быть, мне нужно было быть драматической артисткой? Моя бабушка говорила: «Что ты себе этим балетом душу рвешь? Иди в кино снимайся!»

Однако не всякая актриса могла бы стать балериной, а балерине необходимо и всем техническим арсеналом танцовщицы располагать, и блистать актерским мастерством. Всем этим была щедро наделена солистка Омского музыкального Наталья Торопова. Ее легкие гранд жете, когда она парила над сценой, «летя, как пух от уст Эола», изящные арабески и аттитюды, но главное – непередаваемое очарование всех ее героинь: то лучащихся радостью, то исполненных печали, – все это вместе заставляло удивиться, восхититься и навсегда полюбить создаваемые балериной сценические образы.

У героинь Натальи Тороповой эмоции часто били через край. Именно эмоциональная открытость и искренность подкупали в ее Анюте (балет на музыку В. Гаврилина «Анюта»), Алене («Песня про купца Калашникова» В. Казенина), Кончите («Юнона и Авось» А. Рыбникова), заставляли сопереживать и любить.

Наталья Леонидовна вспоминает один из моментов в балете «Эсмеральда», который особенно рвал душу не только публике, но и самим артистам: Эсмеральду ведут на казнь, и мимо нее на музыкальную паузу хладнокровно проходят погубившие ее Феб и Флёр де Лис:

– По словам Владимира Кузнецова, который исполнял роль Феба, я такими глазами смотрела вслед этой паре, что даже артистам на сцене с трудом удавалось удержаться от слез… И хотя это была только роль, в тот момент я по-настоящему страдала.

Партнеры для каждой солистки – это особая тема. Ведь балетный спектакль, как правило, это история любви, и партнер здесь – ровно ее половина.

– Все – любимые, все замечательные, – так тепло говорит Наталья Леонидовна о тех, с кем танцевала на омской сцене. – Олег Карпович, Виктор Тзапташвили, Геннадий Силин, Дмитрий Родиков, Сергей Басалаев, Казимир Марданов, Александр Шелемов, Сергей Флягин.

Первым – с «Эсмеральды» – был Владимир Кузнецов, выпускник Пермского хореографического училища. С Володей у нас было предельное взаимопонимание. Он тоже человек очень эмоциональный, и вообще все балетные – эмоциональные. –

Каждый балетмейстер, как вы уже говорили, – новая эпоха для театра.

– Да, многое менялось с приходом нового балетмейстера, что-то уходило, появлялись новые спектакли. Когда главным балетмейстером стал Станислав Колесник, уклон был сделан в сторону классики. На сцене Омского музыкального поставили «Лебединое озеро», «Щелкунчика», «Анюту». И это был новый шаг, этап для театра.

Удалось поработать и с другими постановщиками: «Жизель» переносил петербуржец А. Гридин, «Конька- Горбунка» поставил балетмейстер В. Федянин, «Юнону и Авось» – А. А. Дементьев из Саратова.

Большой пласт – для меня этапный – спектакли Георгия Анатольевича Ковтуна. Не могу про них не упомянуть, эти постановки были мне очень близки: «Песня про купца Калашникова», «Капитанская дочка», «Пеппи»…

– Вы всю жизнь были преданы Омскому музыкальному театру. Не хотелось что-то поменять?

– В то время не так много было возможностей. А потом – у меня здесь были родители, сын, – поэтому не рвалась. Хотя предложения поступали и за границей поработать. Но сыну Диме было тринадцать лет – побоялась в таком возрасте оставить его без присмотра. Наверное, я человек, который не любит больших перемен. Если уж делаю – то пока не успела подумать. А если буду обдумывать – не решусь никогда.

«Учитель, воспитай ученика, чтоб было у кого потом учиться…»

– Удел балерины – всю жизнь учиться. Вам, вероятно, это всегда доставляло радость. Про учебу на педагога- репетитора в консерватории имени Римского-Корсакова в Питере вспоминаете с удовольствием?


– Конечно. Это время, консерваторские педагоги мне много дали. Я училась в классе знаменитой примы Кировского театра Габриэлы Комлевой.

Когда у сына родилась дочка Катюша, я была в Ленинграде на сессии. В консерватории на рояле раскладываю конфеты: ребята, угощайтесь, у меня сегодня внучка родилась! Помню, как из дверей классов повысовывались головы: что это за студентка, у которой уже внучка есть? А сейчас Катя уже на первом курсе моей альма-матер – Новосибирского хореографического училища, пошла по моим стопам.

– Сейчас вы работаете педагогом «на два фронта»: в ОмГУ им. Ф. М. Достоевского преподаете классический танец и в Музыкальном театре в студии учите классике детей. Что труднее – танцевать или преподавать?

– Пожалуй, больше сил, и физических, и эмоциональных, отнимала работа артистки Музыкального театра: репетиции, участие в спектаклях. Но все трудности, мучения искупались счастьем быть на сцене. Преподавать – тоже интересно и непросто.

– Знаю, что многие ваши воспитанницы из студии сейчас учатся в хореографических училищах, а кое-кто уже закончил…

– Да. Их уже десятки. Я даже вела записи в блокноте: кто куда поступил. Есть студентки и выпускницы Московской государственной академии хореографии, Новосибирского, Пермского, Самарского, Красноярского хореографических училищ. Мы, педагоги студии, стараемся следить за их успехами, через родителей поддерживаем связь, и они нас не забывают.

– Что составляет сейчас смысл жизни – нынешние приоритеты?

– Какой трудный вопрос… Работа. И семья. Хочется всех поддержать, всем помочь: и внучке-студентке, и маленькому внуку Тёме, и своим студентам, ученикам. Все так тесно переплетено в этой жизни!

Беседовала Наталья Чупирова

В материале использованы строчки из стихов Александра Пушкина, Евгения Винокурова, Светланы Скорик, Елены Мироновой.
=====================================================

Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
Страница 7 из 8

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика