Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2018-04
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18943
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Апр 10, 2018 10:49 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018041003
Тема| Балет, Фестиваль, Чувашский театр оперы и балета, Персоналии,
Автор| Рита Кириллова
Заголовок| Как продуманное новаторство становится классикой
Об этом узнают зрители XXII Международного балетного фестиваля

Где опубликовано| © Советская Чувашия
Дата публикации| 2018-04-10
Ссылка| http://sovch.chuvashia.com/?p=194091
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Красной линией нынешнего балетного «форума» станет тема новаторства и классики — всему новому поначалу приходится преодолевать сопротивление, но именно оно с годами становится непререкаемой классикой.

Фестиваль откроется 12 апреля. В честь 200-летия Мариуса Петипа он будет полон творческих подношений величайшему балетмейстеру, после которого и появилось само понятие русский балет, а также представит знаменитые театры и их легендарные постановки.

В этом году фестиваль растянется во времени. Он превращен в двухнедельное действо. Так что любители балетного искусства смогут насладиться им без суеты. Сбылась и мечта балетной труппы — параллельно со «взрослым» организован мини-фестиваль для детей с двумя недавними премьерами «Чиполлино» и Золушка».

А откроет праздник концертная программа «Петипа-гала», которая, по сути, станет вечером одноактных балетов. Любой артист и балетмейстер страны считает себя обязанным «поэту танца», не только поставившему в России 60 балетов, но и создавшему систему обучения, которая работает до сих пор и несет славу русской балетной школы по всему миру. Вот и в нашем театре трепетно готовятся к этой премьере, и, несмотря на академический посыл, зрителя ждут неожиданные подарки. Например, от номера легендарного балетмейстера из балета «Приказ короля» сохранился лишь клавир, поэтому постановщик «Петипа-гала» Данил Салимбаев считает эту работу определенным вызовом — в театре постарались создать дивертисмент так, как бы он мог выглядеть у самого Петипа. К тому же сам клавир композитора Визентини — из серии «невозможно достать», но его достали, и сейчас художественный руководитель театра дирижер Сергей Кисс для этой постановки готовит с оркестром специальную оркестровку. Тонкий нюанс — в оркестре в этот вечер будут и приглашенные московские музыканты: арфистка Екатерина Олейниченко и скрипач Петр Лаврищев.

Другой сюрприз — постановка «Сна Авроры» из «Спящей красавицы», вернее, того действа, которое осталось за рамками балета Чайковского: это фантазия на музыку антракта. А хит Петипа, балет «Баядерка», будет представлен картиной «Тени», одной из самых прекрасных и мистических. В программу войдет и самая первая работа «русского француза» в России — балет «Пахита». В этом году к нему обратились многие театры. В Чебоксарах его постарались сделать таким, каким он дошел до наших дней. Для выступления в «Пахите» приглашены гости из Франции, с родины Мариуса Петипа из города Бордо, Сара Ренда и Роман Михалев.

Звезды Большого театра выступят в спектакле «Жизель», обновленную версию которого в театре представляли совсем недавно. Это Евгения Образцова, пленившая нашу публику на прошлом фестивале в «Спящей красавице», и Артемий Беляков, блеснувший тогда же на гала-концерте. «Жизель» — также тот балет, что появился в России благодаря Петипа.
Еще одно сенсационное приглашение — театр «Балет Евгения Панфилова» из Перми! Причем с постановкой «Ромео и Джульетта», более 20 лет идущей на сцене этого новаторского театра. В свое время спектакль был принят далеко не всеми, но теперь уже стал классикой, давно сделал противников поклонниками, получил «Золотую маску» и по сей день идет при аншлагах. Посмотреть уникальную постановку можно только в Перми. А вот зрители балетного фестиваля и в Чебоксарах увидят это интересное прочтение вечного сюжета.

«Театр классического балета Наталии Касаткиной и Владимира Василёва», где все спектакли идут в авторской версии этих выдающихся хореографов, также приезжает с новаторскими постановками «Весна священная» и «Жар-Птица», которые уже 40 лет входят в его репертуар и также стали классикой. А когда-то не то что эти балеты, но и сама музыка эмигранта Игоря Стравинского в СССР была под негласным запретом. Касаткина с Василёвым первыми решились его нарушить. 40 лет назад это было настоящим шоком. Организаторы фестиваля признаются, что заполучить на фестиваль эти спектакли было нелегко, но в конечном счете все совпало, и постановка вошла в фестивальную афишу.

На гала, как на праздничный десерт, обещают много гостей и много хороших работ. И именно на гала построение программы «от Петипа до современности» предстанет в окончательном великолепии. Вместе с солистами чувашской сцены заявлены звезды из Франции и Узбекистана. На сцену выйдут любимцы публики из Мариинки и Московского академического театра имени Станиславского и Немировича-Данченко, из Михайловского театра и «Кремлевского балета». Ждут в Чебоксарах и балетных критиков. Одним словом, нынешний фестиваль может стать рекордным по количеству и качеству мероприятий.


В постановке «Ромео и Джульетта» на музыку Сергея Прокофьева Евгению Панфилову принадлежит и хореография, и сценография. В театре знаменитый спектакль называют «пространством, где переплетаются две главные струны-мелодии: непобедимой любви и непобедимого рока».
***
ИЗ ИСТОРИИ
Родившийся в Марселе Мариус Петипа считал Россию единственной страной, где балетное искусство процветало и стояло на правильном пути развития. В нашу страну он приехал в 1847 году — директор Императорских театров предложил ему место первого танцовщика. Позже Петипа принял русское подданство и иного отечества для себя не желал. Русских артистов он называл лучшими в мире, говоря о том, что способность к танцу у них просто врожденная и требует лишь тренировок и шлифовки.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18943
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Апр 10, 2018 1:38 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018041004
Тема| Балет, Открытый российский конкурс артистов балета «Арабеск», Персоналии, Владимир Васильев
Автор| Юлия Баталина
Заголовок| Владимир Васильев: Половина моей профессиональной биографии связана с Пермью
Где опубликовано| © NewsKo
Дата публикации| 2018-04-10
Ссылка| https://www.newsko.ru/articles/nk-4653158.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Художественный руководитель Открытого российского конкурса артистов балета «Арабеск» — о современной хореографии, месте живописи в своей жизни и своих отношениях с Пермью



— Как получилось, что вы стали руководителем балетного конкурса в Перми?

— Это была не моя идея. В Перми была группа увлечённых людей, которые придумали и сам этот конкурс, и его название. Ко мне обратился Евгений Субботин, который понимал, что конкурсу нужны профессионалы, и, конечно, лучше бы профессионалы с именами — это привлечёт к нему молодых участников. Когда Евгений мне сказал об этом, я даже подумал: жаль, не я это придумал. Замечательно, что этот конкурс проходит именно в Перми. Пермь — особый город с его школой и балетными традициями, и расположен он в самом сердце России.

С тех пор прошло 30 лет. Конкурс живёт, он окреп, приятно, что многие артисты, которые здесь получили первое признание и путёвку в жизнь, сегодня занимают ведущее положение в театрах России. Этим я могу гордиться: гордиться нашим русским искусством классического танца.

— С недавних пор на «Арабеске» присутствует не только классический танец, но и современная хореография, и присутствует всё активнее. Вот уже второй раз пройдёт ваша «Мастерская» с молодыми хореографами, они ставят мини-балеты по произведениям Льва Толстого. Современная хореография и классическая литература: как они сочетаются?

— Приятно, что наше искусство развивается, что подключаются молодые мастера, что классика и современное искусство выступают в тандеме. Что касается «Мастерской» и литературной основы в ней, то это было моё главное условие. Сейчас многие хореографы делают бессюжетные балеты. И хотя в них есть интересные находки в области танцевальной лексики, зачастую это всё — слова, слова, слова...

Они в сердце не входят. В этом году будет уже пятая моя «Мастерская» и вторая в Перми. Первая прошла в Воронеже по произведениям Андрея Платонова, вторая — по Астафьеву в Красноярске, третья — по Шукшину в Барнауле. Два года назад был Гоголь в Перми, теперь вот Лев Толстой: в этом году отмечается 190 лет со дня его рождения. Мы понимали, что пытаться поставить огромные романы в рамках «Мастерской» бессмысленно, поэтому брали его повести и рассказы. Всё — и литературную основу, и музыку — выбирали сами хореографы.

— «Арабеск» называется российским конкурсом, но по факту он уже давно международный, с широким зарубежным участием. Вам не хотелось официально назвать его международным, повысить, так сказать, статус?

— Международных конкурсов много, я сам получил Гран-при на первом в истории Международном конкурсе артистов балета в Варне в 1964 году, а российский конкурс — один, наш «Арабеск». Двери его раскрыты для всех, но в первую очередь — для российских танцовщиков и хореографов. Нам хотелось, чтобы молодые русские артисты балета чувствовали себя здесь как дома и чтобы наш конкурс был максимально демократичным. С другой стороны, мне кажется, что и для зарубежных участников есть особая гордость в том, чтобы получать звания лауреатов на российском конкурсе среди конкурентов из страны, славной своим классическим балетом. А многие из зарубежных участников представляют именно русскую школу, поскольку и в Европе, и в Азии, да и в Америке есть русские балетные школы с русскими педагогами. Судя по участникам и по их результатам, «Арабеск» ничуть не слабее самых именитых международных конкурсов.

Мне здесь невероятно интересно, и я всегда жду новых открытий. Когда мы начинали, я и не подозревал, что этот конкурс так развернётся! Надеюсь, что и после нас он будет продолжаться. Хотелось бы, чтобы те, от кого это зависит, понимали, что конкурс «Арабеск» — достояние не только Перми, но и России, и этим нужно гордиться.

— В день вашего рождения, 18 апреля, в Пермской художественной галерее откроется ваша персональная выставка. Какое место занимает в вашей жизни живопись?

— Ровно 10 лет назад здесь, в Перми, к 50-летию моей творческой деятельности прошла моя выставка, сейчас она будет приурочена уже к 60-летию.

«Арабеску» в этом году исполняется 30 лет, так что получается, что ровно половина моей профессиональной биографии связана с Пермью. Другого такого города, кроме родной Москвы, в моей жизни нет.

Живопись сегодня занимает, пожалуй, главное место в моей жизни. Это то, без чего я не могу жить. Я всё время рисую, пишу маслом, акварелью. Недавно после моей выставки в Казанском кремле мне вручили членский билет Союза художников Татарстана, а три дня назад, на вернисаже выставки моих акварелей в Москве, пригласили в Творческий союз художников России. Просто принесли и вручили билет союза — я об этом заранее даже не знал. На открытии «Арабеска», которое будет снимать и показывать в режиме онлайн на своём сайте телеканал «Культура», в первом отделении, которое будет посвящено юбилею Мариуса Петипа, в проекции будут использованы мои эскизы. Обычно и в «Мастерской» моя живопись используется в мультимедийном решении. В этот раз мы, скорее всего, пойдём другим путём, максимально используя возможности света и световых эффектов. Хотя всё будет решаться вместе с хореографами уже на сцене.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18943
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Апр 11, 2018 11:07 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018041101
Тема| Балет, фестиваль Dance Open (СПб), Балет Монте-Карло
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| Фламенко в возрасте
В Петербурге проходит Dance Open

Где опубликовано| © Газета "Коммерсантъ" №62, стр. 11
Дата публикации| 2018-04-11
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/3598801
Аннотация|


Фото: Евгений Павленко / Коммерсантъ

На сцене Александринского театра спектаклем Балета Монте-Карло «Золушка» и мировой премьерой шоу «Душа фламенко» в исполнении компании Хосе Антонио балетный фестиваль Dance Open открыл международную часть своей программы. Из Санкт-Петербурга — Татьяна Кузнецова.

Своей экстравагантной «Золушкой», показанной в Москве в 2006 году, хореограф и глава Балета Монте-Карло Жан-Кристоф Майо покорил балетный мир российской столицы. Этот роман положил начало взаимным гастрольным визитам и появлению в репертуаре Большого театра одного из самых популярных спектаклей Майо — «Укрощения строптивой». Петербуржцы за этой любовной историей наблюдали со стороны, фестивальный спектакль Балета Монте-Карло оказался для них в новинку. Жан-Кристоф Майо, большой любитель сказку делать жизнью, превратил «Золушку» в смесь семейной драмы, гротесковой комедии и кукольного гиньоля, а сценограф Эрнест Пиньон-Эрнест облагородил эти жанры, поместив действие в стильные многофункциональные декорации в виде гигантских листов бумаги. Сложенные гармошкой, они превращаются в дворцовую лестницу, измятые по краям — в дом Золушки, расцвеченные пурпурно-золотой проекцией — в дворцовый зал. В истории Майо нет ни тыкв, ни роковой полуночи, ни туфелек. Фея-покровительница — умершая мать Золушки, ревнующая муженька к сексапильной стерве, его новой жене,— перед балом просто вызолотит босые стопы своей дочери: этого достаточно, чтобы помешанный на женских ножках принц потерял голову.

«Золушка»-2018 внешне осталась прежней — яркой, эффектной, динамичной. Но петербуржцам не повезло — те, на кого Жан-Кристоф ставил этот балет, уже вышли на пенсию, танцевала тотально омоложенная труппа. Тут надо пояснить: пожалуй, ни у кого замена первых исполнителей не оказывает такого сильного влияния на спектакль в целом, как у Майо, этот хореограф-диктатор сочиняет роли точно по мерке конкретных артистов. В «Золушке» нового призыва не оказалось ключевого персонажа — Феи: уникальную Бернис Коппьетерс, соединявшую капризную пластику эльфа с нежностью матери и эротичностью влюбленной женщины, заменила японка Мимоза Коикэ — крепкая танцовщица, специалистка по ролям разлучниц и злодеек. Свою привычно резкую манеру танца она смягчила, как смогла, однако в ее любовь к дочери и мужу верилось с трудом. Впрочем, и отец Золушки, очаровательный простодушный 21-летний кореец Джейонг Ан, выглядел скорее ее братом, а в дуэтах с мачехой — сыном последней. Обаяние резвого принца (Франческо Мариоттини) и непосредственность незабитой Золушки (Алессандра Тоньолони с ее «вкусной» стопой) не смогли выправить этот деформированный четырехугольник, лишивший спектакль львиной доли его психологической тонкости и трогательной человечности.

Вечер «Душа фламенко» тоже заставил вздыхать по «снегам былых времен»: блистательный Хосе Антонио — кумир застойного СССР. К фестивалю Dance Open этот почтенный мэтр, неоднократно возглавлявший различные компании, собрал очередную труппу из дюжины танцовщиков и пяти музыкантов и представил мировую премьеру. Все одиннадцать номеров «Души фламенко» глубоко традиционны, чтобы не сказать старомодны. Ни заигрываний с другими видами танца, ни концептуальных эскапад, коими в последние годы испанские экспериментаторы пленяют мировые фестивали (хотя частенько их опыты по осовремениванию фламенко выглядят скорее нелепо, чем прогрессивно). «Душа фламенко» претендует на жанр антологии: севильянас XVIII века, ронденья, солеа, фаррука — все исторические формы танца, причем в своих классических версиях. И отчасти эта консервативность оправданна: в сущности, даже самые продвинутые зрители ценят искусство фламенко за его древнюю необузданность.

Однако петербургская «Душа фламенко» оказалась слишком уж древней: главными героями вечера стали те, кому за пятьдесят. Если не хорошо за семьдесят, как самому Хосе Антонио, исполнившему собственный номер «Ай! Видалита» про ушедшую любовь: в нем он слезно прощался с атласной шалью. Спишем на возраст артиста чрезмерный мелодраматизм хореографии, однако изящные дроби, порхающие кисти чувственных рук и умение подчеркнуть красоту позы выгодно отличали патриарха от молодых, но топорных членов труппы. В своей фарруке блеснул и второй хореограф программы — немолодой Фернандо Ромеро. Суровый, тонкий, гибкий, сдержанный и страстный, он рассыпал потрясающий жемчуг сапатеадо, отчетливый и звучный даже на глушащем его линолеуме сцены. Женщин, достойных образцовых мужчин, в труппе не нашлось. Танцовщицы выплясывали сувенирную разновидность фламенко — грубили резкими руками, отчаянно молотили каблуками и открыто заигрывали с партнерами и зрителями. Впрочем, доверчивая публика все равно осталась в восторге. Прав Хосе Антонио в своей приверженности традициям: вечно живое классическое фламенко способно спрятать под своим колдовством все недостатки новых исполнителей. Особенно если старые хорошо забыты.

----------------------------------------------------------------------------------------------
https://www.kommersant.ru/doc/3586817?from=doc_vrez

Что смотреть на фестивале Dance Open
Выбор Татьяны Кузнецовой


Ежегодный балетный фестиваль Dance Open проходит в 17-й раз, однако главным событием петербургского весеннего сезона он сделался лишь пять лет назад, когда отважился расширить собственные горизонты. К классическим мастер-классам по системе Вагановой для подростков из разных стран и светскому гала-концерту, увенчанному церемонией вручения хрустальных ног Анны Павловой лучшим артистам, добавилась международная программа, которая с каждым годом делается разнообразнее и актуальнее. В этом году Александринский театр примет пять европейских компаний со свежим репертуаром: на Dance Open представят одну мировую и с полдюжины российских премьер от главных хореографов-ньюсмейкеров Европы. Татьяна Кузнецова считает достойными внимания все пять вечеров программы


«Золушка»
Балет Монте-Карло


Это один из лучших спектаклей руководителя Балета Монте-Карло Жан-Кристофа Майо, великого умельца рассказывать старые сказки на новый лад. Туфелек здесь нет в помине — на балу Золушка пленяет всех голой позолоченной стопой. И опекает ее не волшебница-фея, а умершая мать, любовь которой способна творить чудеса — хореограф Майо трактует сказку как очень личную семейную историю. Впрочем, как и композитор Прокофьев, сентиментальностей хореограф решительно избегает. Смешав психологический триллер и старинный гиньоль, пуантный танец и бытовую комедию нравов, Майо сочинил балет смешной, печальный и невероятно стильный, чему немало поспособствовали декорации Эрнеста Пиньон-Эрнеста в виде исполинских листов белоснежной бумаги, способных трансформироваться во что угодно. Хоть в хижину, хоть во дворец.

Александринский театр, 6–7 апреля, 19.00
---------------------------------------------------------------------------------------------

«Душа фламенко»
Компания Хосе Антонио Руиса


Хосе Антонио — всеми почитаемый патриарх фламенко, в прошлом блистательный танцовщик и далекий от модных веяний хореограф — покажет на Dance Open мировую премьеру своего нового спектакля. Никаких заигрываний с другими видами танца, никаких современных обличий и поисков новых форм — «Душа фламенко» принципиально консервативна. Хриплое клокочущее канте хондо, стонущие гитары, автоматные очереди выстукиваний-сапатеадо, яркие всполохи оборчатых юбок, непостижимые женщины, необузданные мужчины. Но, честно говоря, именно этого и ждут от фламенко даже самые продвинутые зрители.

Александринский театр, 8 апреля, 19.00
-------------------------------------------------------------------------

«Made in Amsterdam»
Национальный балет Нидерландов


Одна из лучших европейских трупп покажет в Петербурге современную классику эпохи глобализма: шесть маленьких балетов пяти авторов. Классику по форме (в смысле танца на пуантах без существенной деформации канонов) и по сути: создатель голландского балета 86-летний Ханс ван Манен, давно причисленный к «живым классикам», будет представлен фрагментом из «Пяти танго» Пьяццоллы и миниатюрой «Дежавю» Арво Пярта. Гордость англичан, главный хореограф Ковент-Гардена Кристофер Уилдон — балетом «Concerto Concordia» на музыку Пуленка. Самый знаменитый из россиян Алексей Ратманский (уехавший в Нью-Йорк, но работающий по всему миру) поставил в Амстердаме «Воспоминание о дорогом месте» на музыку Чайковского. От штатного хореографа труппы поляка Кшиштофа Пастора голландцам достались «Подвижные пространства», от англичанина Дэвида Доусона — па-де-де из «Тристана и Изольды». Это будет вечер открытий в самом буквальном смысле: пять из шести балетов — российские премьеры.

Александринский театр, 10 апреля, 19.00
-------------------------------------------------------------------------------------------------------

«Щелкунчик»
Большой театр Женевы


Хореограф этого двухактного балета Йерун Вербрюгген пять лет назад сам танцевал Щелкунчика в постановке Жан-Кристофа Майо: его персонаж был безбашенным и потешным в своей неистовости балетмейстером, двойником хореографа Майо. Как выяснилось, танцовщик напророчил себе судьбу: на следующий же год он принялся ставить балеты сам — уверенно, энергично и взахлеб. Покоренные безудержной фантазией Йеруна флегматичные швейцарцы отдали ему на откуп свой главный театр. Двухактный «Щелкунчик» — его первый полнометражный балет. Традиционной рождественской сказки по либретто Мариуса Петипа петербургская публика точно не дождется, хоть и услышит знакомую музыку Чайковского. «Взбалмошный, скоростной, волшебный, пронизанными искорками драгоценного юмора балет»,— уверяют критики, считающие Вербрюггена балетным Тимом Бёртоном.

Александринский театр, 13 апреля, 19.00
-------------------------------------------------------------------------------------------------------

«Left Right Left Right»
Словенский национальный театр Марибора


Театр из Марибора, возможно, не самая статусная труппа, однако на фестиваль привозит самый продвинутый репертуар. В дополнение к сновидческой постановке своего руководителя Эдварда Клюга под названием «Сон Хилла Харпера» на музыку Милко Лазара (как уверяют рецензенты — «тонкой и изысканной вязи эмоций и ощущений») словенцы покажут современные балеты двух замечательных шведов. Невозмутимый Йохан Ингер, сочиняя свою «Прогулку сумасшедшего», смешал философичность Арво Пярта с эротизмом равелевского «Болеро» и заставил артистов бороться с подвижной деревянной стеной. А молодой Александр Экман — лучший (и вовсе не потому, что единственный) создатель современных абсурдистских комедий — поставил танцовщиков на беговые дорожки и, скомандовав «левой-правой, левой-правой», обеспечил им трудную, но весьма забавную сценическую жизнь.

Александринский театр, 15 апреля, 19.00


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Май 06, 2018 1:34 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18943
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Апр 11, 2018 11:27 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018041102
Тема| Балет, Живорись, Персоналии, Владимир Васильев
Автор| Зоя Игумнова
Заголовок| «Мне тесно в рамках одной профессии»
Народный артист СССР Владимир Васильев — о том, как совместить живопись и балет, станцевать Шукшина и привить хореографам любовь к чтению

Где опубликовано| © Известия
Дата публикации| 2018-04-11
Ссылка| https://iz.ru/726429/zoia-igumnova/mne-tesno-v-ramkakh-odnoi-professii
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В этом году балетмейстер и хореограф Владимир Васильев отмечает 60-летие творческой деятельности. Но кроме сцены в его жизни есть и еще одна страсть — живопись. К юбилейной дате в Доме Гоголя открылась выставка его картин «Сказки об Италии», а в Пермской художественной галерее на днях открывается экспозиция «Танцующая кисть». О том, как совмещать занятия разными видами искусства, не оглядываться на былые заслуги и любить родину, народный артист СССР рассказал «Известиям».


Фото: М. Панфилович

— Владимир Викторович, вы достигли в балете всех возможных высот. А теперь занялись живописью. Как вы думаете, к ней относятся так же требовательно, как и к выступлениям?

— Наверное... Не знаю... Главное, я сам отношусь к собственной живописи требовательно. Мне нравится сам процесс работы, а после — у меня огромное количество претензий к себе. Это нормальная, совершенно естественная оценка. Мне кажется, только дилетанты восхищаются плодами своего творчества. У них обычно всё — прекрасно.

Возьмите Шаляпина. У него была постоянная неудовлетворенность, стремление завтра сделать лучше, чем сегодня. И так до бесконечности. Федор Иванович, кстати, был необыкновенно талантлив: лепил очень неплохо, рисовал.

— Вы занялись рисованием, потому что хотели везде поспеть, во всем себя проявить?

— Просто мне всегда было тесно в рамках одной профессии! Это не для того, чтобы показать: «Я и это могу, и то мне по плечу». Нет. Мне хватает творчества, но мне всё интересно. Когда я начинал рисовать, делал это раза два в год. Всё время занимала основная профессия. Сейчас я рисую постоянно, каждый день. И это меня наполняет радостью творчества.

— Чем пишете?

— В основном акварелью, потому что ее легче брать с собой в поездки. Когда я еду куда-нибудь, обязательно прихватываю краски. Они со мной были и в Италии, и в Бразилии, и на Енисее, и на Волге. Еще пишу маслом, но это только на Рыжевке в Костромской области. Там работается как нигде — только я и природа, и ничто не мешает нашему слиянию.

— А о том, чтобы добиться признания крупных музеев, вы не думали?

— Нет. Но мне приятно, когда художники и искусствоведы говорят, что я могу назвать себя профессиональным художником, когда пишут рецензии, спрашивают, продаю ли я свои картины. Наверное, время пришло и для этого. Тем более сейчас.

— Пенсии народного артиста СССР не хватает?

— Да. Думаю, я не один, кто бы так ответил. Но я пока, слава богу, могу работать.

— В последние годы вы уделяете много внимания молодым хореографам. С ними вы поставили спектакль по рассказам Шукшина. Разве можно станцевать Шукшина?

— Можно. И Шукшина, и Платонова, и других великих. Я решил собрать наших отечественных современных хореографов и дать им возможность попробовать себя в особом проекте. В рамках разных фестивалей, там, где есть к тому интерес, мы организуем творческие мастерские, которые обязательно связаны с литературой. В них наши современные хореографы ставят мини-балеты на тему творчества того или иного писателя. Так мы сделали первый спектакль в Воронеже по произведениям Платонова. Литературоведы недоумевали: «Как же можно делать балет по Платонову?» А после спектакля один из литературных критиков сказал мне, что, пожалуй, ничего лучше на сцене по Платонову не видел.

— Вы не ведете их проторенной тропой. Ставите сложные задачи.

— Да, это непросто. Современные хореографы обычно делают бессюжетные постановки. Я хочу показать им, как можно работать с сюжетом, с драматургией спектакля. Поэтому в моей мастерской они должны опираться на литературу и предпочтительнее — на серьезную музыку. Не секрет, что сейчас молодежь мало читает. И этих знаний, этой основы им часто не хватает. Таким образом, для создания своих миниатюр им приходится больше читать.

У нас уже состоялось несколько мастерских — помимо платоновской еще по Астафьеву (на Азиатско-Тихоокеанском фестивале в Красноярске), по Шукшину (на Шукшинском фестивале в Барнауле), по Гоголю (на открытии конкурса артистов балета «Арабеск» имени Екатерины Максимовой). А в этом месяце откроется юбилейный, пятнадцатый по счету «Арабеск». И там тоже будет мастерская — по Толстому, к 190-летию со дня его рождения. Счастье, что ее будет снимать и даже показывать в режиме онлайн на своем сайте телеканал «Культура». И мы сможем показать открытие конкурса большему числу зрителей.

Не могу сказать, что мастерская — это какие-то уроки Владимира Васильева. Скорее я стараюсь делиться с молодежью своим опытом и тем ценным наследием, которое сам получил от своих великих учителей и предшественников.

— Почему бы вам не давать уроки в училище Большого театра?

— В Московскую академию балета я пока приглашений не получал, но много уже сделал для Школы Большого театра в Бразилии. Я с удовольствием приезжаю и работаю там, где меня любят и ждут. Десять лет я руководил в ГИТИСе отделением хореографии. И был счастлив там. Сейчас задача номер один в хореографии — увлечь человека эмоционально, заставить его сочувствовать героям на сцене. А для этого надо многое знать во всех областях искусства.

— Меня потрясла информация, что вы получили звание народного артиста СССР после того, как Парижская академия танца присудила вам премию Вацлава Нижинского, назвав вас «Лучшим танцовщиком мира». Это действительно сыграло роль?

— В Советском Союзе признание Запада если и имело какое-то значение, то не до такой степени, чтобы по этой причине «народного» давали. У нас звание не за это присуждали. Нужно было не один год серьезно доказывать, что ты этого звания достоин. И оно действительно было высшим и имело огромный вес.

— Что же могло подстегнуть чиновников?

— Подстегнуло то, что у меня были главные роли и премьеры в Большом театре. Я к тому времени «Спартака» уже станцевал.

— Еще бы после «Спартака» не дать «народного»!

— За него я получил Ленинскую премию. А к определению «Лучший танцовщик» я отношусь философски. В чем лучший? В этой партии, может быть, лучший, а в той — кто-то другой.

— Некоторые не стесняются с телеэкрана говорить, что они лучшие.

— По-настоящему великие мастера, с которыми мне посчастливилось встречаться или работать, слово «я» произносили крайне редко. И это только добавляло им величия и достоинства. Впрочем, времена нынче иные: реклама и мелькание на экране — важное средство продвижения.

— Сам о себе не напомнишь — никто не вспомнит.

— Может быть, сейчас это важно молодым — не знаю. Но время всё расставляет по своим местам. Оно — главный и, в общем-то, единственный судья. Хотя всё когда-нибудь забудется. Вот недавно исполнилось 20 лет со дня ухода из жизни Галины Улановой. Кто-то по телевидению или радио вспомнил об этом? А величин, подобных ей, в мире не так много.

— В 2020 году вам исполнится 80 лет. Говорят, вы решили отметить юбилей постановкой Реквиема на сцене оперного театра в Казани.

— У меня давным-давно была идея поставить Реквием Моцарта. С этим произведением уже была связана моя работа — «О, Моцарт, Моцарт» с Евгением Колобовым. Музыка эта гениальна, использовать ее — думаю, мечта любого хореографа. Обсуждения такие были, но пока окончательно концепция не сформирована.

— Суеверны?

— Нет. Когда-то мне хотелось сделать спектакль о художнике, прожившем большую жизнь и двигающемся к своему финалу. И лучшего музыкального ряда, чем Моцарт, для этого не найти. А сейчас передо мной уже совершенно иные картины. Посмотрим. Но, конечно, я бы хотел, чтобы мое творчество и дальше было связано с Татарским академическим театром оперы и балета.

— С чего началась ваша работа с казанским театром?

— Еще 30 лет назад у меня появилась задумка поставить на большой сцене спектакль на Мессу Си минор Баха. Это грандиозное произведение, не сравнимое, на мой взгляд, ни с чем другим в музыке. Никогда и нигде оно не ставилось. Но я хотел это сделать, чтобы получилось нечто зрелищное. Мечтал о Ватикане. Именно на площади Святого Петра хотел показать его, собрать международный состав исполнителей. Но в конце 1980-х это сделать было сложно. Все говорили: «Да, идея замечательная!» — но дальше дело не шло.

Шли годы, а идея не давала мне покоя. Большой театр или Мариинка очень подошли бы. У них и труппа огромная, и сцена, и возможности. Я хотел, чтобы на сцене одновременно находились и хор, и кордебалет, и певцы, и оркестр. Но я понимал, что вряд ли это там получится.

И вдруг случайно в разговоре с директором оперного театра в Казани Рауфалем Мухаметзяновым я поделился с ним своей мечтой. И он сразу предложил поставить Мессу Баха у них. Мне это не приходило в голову. Но когда я послушал хор театра — понял, что Бог посылает мне подарок в виде этой труппы.

— Почему русский балет так ценится в мире?

— Да потому что за ним прекрасная школа и традиции. Оказывало и оказывает влияние на Запад именно русское искусство, русская широта, русская взыскательность и к самому себе, и к тому, что ты делаешь. Мне непонятно, почему у нас так преклоняются перед западным.

Шаляпин гордился тем, что он русский и что несет свет своего искусства именно из России. Обратите внимание: он гордился не собой, а тем, что получил на своей родине. В мемуарах Шаляпин писал, что его душа наполнялась радостью, когда он слышал хорошего певца, который оказывался русским по происхождению.

— Вы говорите о русской балетной школе. Но все знают, какими жертвами дается успех. Можно ли добиться результата без муштры, без того, чтобы тебя били по ногам, критиковали? Может, лучше, когда тебя хвалят?

— Кому как. К кому-то, наверное, можно подходить по всей строгости, а к другим — только по-хорошему. Я вспоминаю первые два года в школе. Мне было очень легко. Дети только учились читать, а я в первом классе почти всего Дюма прочел, а в 10 лет уже добрался до «Войны и мира». Меня никто не заставлял. Мне самому это было нужно. Так же было и в балете, и во всем другом, чем бы я ни занимался.


СПРАВКА «ИЗВЕСТИЙ»

Владимир Васильев родился 18 апреля 1940 года в Москве. В 1958 году окончил Московское хореографическое училище и был принят в балетную труппу Большого театра. Партии готовил под руководством Алексея Ермолаева, затем — Галины Улановой. В 1982 году окончил балетмейстерский факультет ГИТИСа и начал преподавать в этом вузе на кафедре хореографии.



С 1986 по 1995 год заведовал этой кафедрой, с 1990 года — профессор. В 1988 году вместе с супругой народной артисткой СССР Екатериной Максимовой организовал балетный конкурс «Арабеск». С 1995 по 2000 год был художественным руководителем — директором Большого театра.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18943
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Апр 11, 2018 11:59 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018041103
Тема| Балет, Самарский оперный театр, К юбилею Петипа, Персоналии,
Автор| Валерий Иванов
Заголовок| Самара в ауре шедевров Мариуса Петипа
Где опубликовано| © Парк Гагарина
Дата публикации| 2018-04-11
Ссылка| http://parkgagarina.info/index.php/kultura/27560-samara-v-aure-shedevrov-mariusa-petipa.html
Аннотация|

В 2018 году в России широко отмечается знаменательная дата — 200 летие со дня рождения Мариуса Петипа — великого русского балетмейстера, выдающегося танцовщика, педагога и театрального деятеля, который стоял у истоков русского классического балета и окончательно утвердил стиль академического классического танца

В репертуаре Самарского оперного театра целый каскад балетов с хореографией Петипа. Это «Жизель», «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Баядерка», «Корсар», Grand pas из балета «Пахита». Памятные акции в честь Петипа начались в театре задолго до дня его рождения — 11 марта 2018 года. Юбилею балетмейстера был посвящен прошедший на исходе 2017 года XVII Шелестовский фестиваль классического балета. Программу фестиваля, наряду с репертуарными спектаклями театра с хореографией Петипа, составили фрагменты его балетов, не идущих на самарской сцене. Все они реконструированы и представлены в новой хореографической редакции главным балетмейстером театра заслуженным артистом России Юрием Бурлакой. Это па де катр «Розарий» из балета «Пробуждение Флоры», сюита из балета «Арлекинада» и па де де из балета «Талисман» композитораДриго и па де де из балета «Привал кавалерии» композитора Амсгеймера.


Сцена из балета «Пробуждение Флоры»


Эти номера явились основой и представленной в преддверии 2018 года премьеры — двухактного балета-дивертисмента «Grand pas Петипа». Автор сценария и режиссер-постановщик спектакля – заслуженная артистка России Валентина Пономаренко, дирижер-постановщик – главный дирижер театра лауреат международного конкурса Евгений Хохлов, художник-постановщик – главный художник театра Елена Соловьева. Консультант проекта – Юрий Бурлака.

Спектакль открылся детским полонезом-мазуркой из балета «Пахита» в исполнении учащихся Детской центральной хореографической школы. Затем вслед за юными влюбленными Пахитой – Ксенией Овчинниковой и Люсьеном – Нурланом Кинербаевым на сцену, сменяя друг друга, выходили дочь богатого раджи Гамзатти – Дарья Климова, мужественный воин Солор – Кирилл Софронов и страдающая от неразделенной любви Никия – Екатерина Панченко из балета «Баядерка», обитательницы «Оживленного сада» из балета «Корсар», принцесса Аврора — Вероника Землякова и принц Дезире – Дмитрий Пономарев из балета «Спящая красавица».

«Изюминкой» премьерного представления «Grand pas Петипа» стали реконструированные Бурлакой фрагменты балетов Петипа. Отличаясь один от другого по форме и стилистике, они расширили представление самарских зрителей о наследии Петипа, а артистам самарской балетной труппы дали возможность раскрыться по-новому, обогатить палитру своих выразительных средств.

Воспевающий любовь одноактный балет «Пробуждение Флоры» представляет собой по существу развлекательную танцевальную сюиту с участием античных богов. От четырех исполнительниц – «богинь» подернутого романтическим флером фрагмента «Розарий» требуются прежде всего особые непринужденность, воздушность и поэтичность исполнения, сочетающиеся с четким соблюдением классических танцевальных канонов. Эти задачи оказались по плечу Веронике Земляковой – богиня цветов Флора, Дарье Климовой – богиня рассвета Аврора, Анастасии Тетченко – богиня ночи Диана и Екатерине Панченко – богиня молодости Геба.

«Привал кавалерии» — комедийный балет с подчеркнуто наивным сюжетом, действие которого разворачивается в небольшой австрийской деревне, куда приходит на привал полк гусар-кавалеристов. Персонажи дуэта — местная красотка Тереза и деревенский паренек Пьер. В этом фрагменте исполнители Диана Гимадеева и Илья Чернышев сумели добиться впечатляющей четкости танцевальных па и стилистической точности пластики.

Сюита из балета «Арлекинада» — пожалуй, самый яркий по оформлению и костюмам, насыщенный колоритными танцами и броскими мизансценами премьерный дивертисмент. В основе балета – фантазия на темы знаменитой итальянской комедии дель арте с ее традиционными персонажами Арлекином, Коломбиной, Пьеро, Пьереттой и их друзьями. Арлекин – большая удача Сергея Гагена, соединившего в своем исполнении отточенную танцевальную технику и психологическую выразительность образа. Трогателен и гармоничен дуэт Гагена и Марины Накадзимы — Коломбины. Украшением сюиты стал вокальный номер – серенада, которую в сопровождении мандолины исполнил солист оперы Антон Кузенок.

И, наконец, заключительный премьерный фрагмент — дуэт из фантастического балета «Талисман», в котором сталкиваются судьбы небожителей и землян. Персонажи дуэта – дочь повелительницы небесных духов юная Нирити, предвкушающая свое первое посещение земли, и призванный сопровождать и охранять ее бог ветра Вайо. Ксении Овчинниковой удалось воплотить в танце нежную трепетность и наивное ожидание чуда Нирити, а Кириллу Софронову и Нурлану Кинербаеву — стихийный темперамент Вайо.

Отличительной особенностью балета-дивертисмента «Grand pas Петипа» является динамичность структуры. Уже в начале апреля 2018 года зрители увидели его обновленную программу. Новинками стали реконструированные и представленные в новой хореографической редакции Юрием Бурлакой фрагменты из балетов с хореографией Петипа. Это поэтичный па де катр «Оживленные статуи» из балета «Конек-горбунок, или Царь-девица» и бравурный пиратский танец «Форбан» из «Корсара» Цезаря Пуни, лирический дуэт Лизы — Дина Гимадеева и Колена — Максим Маренин и исполненный студентами хореографического училища в деревянных башмаках колоритный «Саботьер» из «Тщетной предосторожности» Петера Гертеля. Утонченную изысканность танцевальной пластики продемонстрировали Вероника Землякова и Кирилл Софронов в па де де Раймонды и Жана де Бриена из балета Александра Глазунова «Раймонда». Особый успех сопутствовал яркой, зажигательной Ксении Овчинниковой и явившему безупречную четкость и элегантность танцевальной манеры Нурлану Кинербаеву – солистам Grand pa de des «Венецианский карнавал» Пуни.

Главным событием юбилейного марафона, посвященного Мариусу Петипа, стала премьера балета Цезаря Пуни «Эсмеральда», одного из выдающихся творений русского классического наследия. В основе либретто этого романтического балета, автором которого является знаменитый балетмейстер XIX века Жюль Перро, роман Виктора Гюго «Собор Парижской Богоматери» и сочиненный писателем сценарий одноименной оперы. Премьера «Эсмеральды» в хореографии Перро состоялась в Лондоне в 1844 году, а спустя четыре года этот балет увидели в Петербурге. Дальнейшая судьба «Эсмеральды» в России связана с Мариусом Петипа, петербургские постановки которого 1886 и 1899 годов послужили основой для всех последующих версий балета.

Нынешняя постановка «Эсмеральды» — третья по счету на куйбышевской-самарской сцене. Впервые на местных подмостках «Эсмеральда» появилась в 1951 году. Ее постановку осуществили тогдашний главный балетмейстер театра Юрий Ковалев, дирижер Борис Мерцалов, сценограф Михаил Мурзин и художник по костюмам Татьяна Меншикова. Это был перенос спектакля в редакции Владимира Бурмейстера, поставленного в 1950 году в Московском музыкальном театре имени Станиславского и Немировича-Данченко. Партию Эсмеральды исполняли Валентина Кирпичникова и Людмила Статкевич, Феба – Юрий Загатов и Николай Щеголев, Клода Фролло – Александр Ильницкий.

Второе обращение Самарского оперного театра к «Эсмеральде» произошло в 1997 году. Именно этот балет выбрал для своей первой постановки в театре возглавивший в том же году его балетную труппу выдающийся танцовщик и педагог Никита Долгушин. «Эсмеральда» была ему особенно дорога: в 1981 году под руководством Татьяны Вечесловой и Петра Гусева ее поставили в Малом ленинградском театре оперы и балета (МАЛЕГОТЕ) специально для Долгушина и Татьяны Фесенко. Под художественным руководством Долгушина над «Эсмеральдой» с куйбышевской труппой работала петербургский балетмейстер Александра Тихомирова. В основу спектакля легла хореографическая версия Перро-Петипа. Гармоничное и очень стильное оформление балета предложил санкт-петербургский художник Вячеслав Окунев, сумевший не только добиться достоверности и соответствия эпохе декораций и костюмов, но и подчеркнуть романтическую природу балета и драматизм его сюжета.

В спектакле особенно запомнились виртуозно поставленные и тщательно отрепетированные массовые сцены. В числе исполнителей были Ольга Гимадеева, Валентина Пономаренко и Марина Дворянчикова – Эсмеральда, Андрей Шалин – Феб, Владимир Тимофеев – Клод Фролло, Юрий Проскуряков – Квазимодо. Постановки «Эсмеральды» 1951 и 1997 годов завершались трагически: заглавная героиня умирала на эшафоте.

Нынешнюю постановку «Эсмеральды» можно назвать заметной вехой в сценической биографии балета. Юрий Бурлака подошел к работе с научной педантичностью, представив зрителям собственную версию «Эсмеральды», в которой бережно воссоздана авторская хореография Мариуса Петипа. К этой версии Бурлака шел в течение многих лет, начиная с осуществленной им совместно с Василием Медведвым постановки «Эсмеральды» 2009 года в Большом театре. В последующие годы он поставил «Эсмеральду» еще несколько раз, в том числе в 2012 году в Челябинске, однако самарский спектакль не является буквальной копией этих постановок.

Вот мнение Бурлаки о самарском спектакле: «Этот трехактный, в пяти картинах балет, по своему масштабу лишь немного уступающий «Спящей красавице», обязательно должен быть в репертуаре академического театра. Может быть, кому-то из самарских артистов спектакль будет «на вырост», но без этой планки невозможно двигаться дальше. «Эсмеральда» хороша тем, что в ней могут ярко проявить себя артисты самых разных амплуа: в балете есть и сугубо классические, и гротесковые, и чисто игровые, требующие незаурядного актерского мастерства партии. Главное — постараться бережно сохранить все самое ценное в их хореографии, не поддавшись соблазну произвольно адаптировать ее в соответствии с реальными возможностями».

В содружестве с дирижером-постановщиком Евгением Хохловым, художником-постановщиком Дмитрием Чербаджи и художником по костюмам Натальей Земалитдиновой, использовавшей эскизы Ивана Всеволожского 1899 года, в спектакле удалось передать романтическую, лишенную острых драматических акцентов ауру старинного балета. Яркое, порой даже излишне красочное, отсылающее к сказочным андерсеновским сюжетам зрелище, насыщенное каскадом разнохарактерных танцевальных сцен и выразительной пантомимой, возвращает зрителей на много десятилетий назад – в эстетику конца XIX века.

В стремлении максимально приблизиться к хореографическому оригиналу «Эсмеральды» Бурлака отказался от вставных номеров, появившихся в различных версиях балета, самым эффектным из которых является па де де Дианы и Актеона из постановки «Эсмеральды», осуществленной Агриппиной Вагановой в 1935 году в Ленинградском театре оперы и балета.

«Эсмеральда», показанная 11 марта, в день 200-летия Петипа, подарила зрителям сюрприз: в театре появился легендарный юбиляр. Перед началом спектакля он любезно раздавал автографы публике, затем из центральной ложи наблюдал за происходящим на сцене, а в антракте провел показательное публичное занятие с юными танцовщиками из хореографической школы.

В премьерных спектаклях «Эсмеральды» были заняты все ведущие солисты труппы. В заглавной партии с равным успехом выступили Ксения Овчинникова и Вероника Землякова, которые наделили героиню чертами, в наибольшей степени соответствующими творческой индивидуальности каждой из них. Если у Овчинниковой цыганка Эсмеральда прежде всего жизнерадостна и экспансивна, то у Земляковой ей свойственны более глубокие эмоциональные переживания.

Партия Гренгуара как нельзя лучше подходит Кириллу Софронову, сумевшему достоверно передать характер бедного молодого поэта. Находящемуся в прекрасной танцевальной форме Нурлану Кинербаеву в равной мере удались партии Грегуара и красавца Феба. В фаворитах актерского ансамбля и Михаил Зиновьев — главный злодей «Эсмеральды» Клод Фролло, едва не погубивший главную героиню. Запомнились и другие исполнители, в числе которых Екатерина Панченко – невеста Феба Флёр-де-Лис, Дмитрий Пономарев – Феб, Алексей Турдиев – Клод Фролло, Дмитрий Сагдеев – главарь шайки бродяг Клопен Крульфу.

В нынешней постановке «Эсмеральды», как это было принято в пору создания балета, все завершается благополучно. Таким образом, самарские подмостки – одни из немногих, на которых в разные годы были представлены практически все основные отечественные версии знаменитого балета.


Фото предоставленны театром
---------------------------------------------------------
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18943
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Апр 11, 2018 12:21 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018041104
Тема| Балет, Воронежский театр оперы и балета, Премьера, К юбилею Петипа, Персоналии,
Автор| Семёнова Дарья
Заголовок| Морской блокбастер Мариуса Петипа
Романтическая история любви, воплощённая в танце

Где опубликовано| © Литературная газета № 15 (6639)
Дата публикации| 2018-04-11
Ссылка| http://www.lgz.ru/article/-15-6639-11-04-2018/morskoy-blokbaster-mariusa-petipa/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


А корабль рока плывёт
Фото: А. Самородов


Воронежский государственный театр оперы и балета на своей сцене открыл Год танца в России постановкой «Корсара» – шедевра Мариуса Петипа, чей 200-летний юбилей послужил поводом посвятить 2018 год балетному искусству.

Постановка легендарного классического балета, навеянного поэмой Байрона, была давней мечтой главного балетмейстера сцены Александра Литягина: в 2007 году он побывал на премьере Большого театра, осуществлённой знаменитым мастером-реставратором Юрием Бурлакой. Спустя 10 лет именно Юрий Петрович при­ехал в Воронеж, чтобы подарить коллективу и публике романтическую историю любви, воплощённую в танце и проникнутую ароматом Востока. Молодые артисты с энтузиазмом восприняли появление столь громкого названия в афише театра: всем вдруг захотелось станцевать смелых корсаров и трепетных невольниц. Балет, по праву являющийся жемчужиной классического репертуара, конечно, не мог быть воссоздан в первоначальном виде, поскольку сохранившиеся сведения далеко не полны. Но Юрий Бурлака, умело используя архивные материалы, заполнил лакуны оригинальными элементами и композициями из утерянных постановок Адольфа Адана «Гентская красавица» и «Питомица фей». Исторический подлинный характер этих нововведений поддерживает атмосферу и визуальное наполнение спектакля. При этом воронежский «Корсар» не повторяет постановку Большого театра: почти трёхчасовое действо разделено на три акта, скомпонованные по-иному.

Не уступает в сложности и музыкальное оформление: в партитуре традиционный Адан соседствует с фрагментами произведений Лео Делиба, Цезаря Пуни, Петра Ольденбургского, Риккардо Дриго, Альберта Цабеля, Юлия Гербера. Воплощает замысел музыкального драматурга, в роли которого также выступил Юрий Бурлака, художественный руководитель театра дирижёр Андрей Огиевский.

Неспешность действия и некоторая эклектичность музыки, присущие и оригинальному балету, в XXI веке могут показаться архаичными. Но занимательный сюжет, в котором находится место и юмору, и лирике, и приключениям, и даже катастрофе в финале, держит зрительское внимание. Торжественное появление Сеид-паши (Олег Рудометкин) в первом акте, прекрасный дуэт Медоры (Марта Луцко) и Конрада (Иван Негробов) во втором и восхитительная сцена «Оживлённый сад», построенная динамично, разнообразно и визуально красиво, а также эпизод кораблекрушения становятся опорными точками, придающими движение морскому блокбастеру позапрошлого столетия. Эффектно и точно выставленный свет, видеопроекции – рябь на поверхности маняще-синего моря – и сложная система занавесов, обрамляющих сцену в каждой из картин, усиливают впечатление праздника, характеризующее роскошный балет гениального юбиляра Мариуса Петипа
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18943
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Апр 11, 2018 8:45 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018041105
Тема| Балет, фестиваль Dance Open (СПб)
Автор| Лейла Гучмазова
Заголовок| Дух над вешней водой
В Санкт-Петербурге проходит XVII Международный фестиваль

Где опубликовано| © Российская газета - Федеральный выпуск №7540 (77)
Дата публикации| 2018-04-11
Ссылка| https://rg.ru/2018/04/11/reg-szfo/chem-udivit-festival-dance-open-v-sankt-peterburge.html
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Петербургский фестиваль Dance open уже семнадцатый по счету - и поэтому вопрос "чем удивите?" теперь звучит уже не так актуально, как в былые годы. Важнее, что в главном Dance open остается верен себе: в цитадель классического танца везут только лучшие балетные образцы мира. В почете здесь и "неклассика" - в самом широком диапазоне.


В Петербург - цитадель классического танца - везут только лучшие балетные образцы. Фото: Владимир Черенко

На этот раз в афише сплошь тяжеловесы: Екатеринбургский балет с "Тщетной предосторожностью" ("РГ" подробно писала об этом восхитительном творении Сергея Вихарева), гламурный Балет Монте-Карло с "Золушкой", многоумный Национальный балет Нидерландов, озорной Словенский национальный театр Марибора, труппа фламенко Хосе Антонио и даже Большой театр Женевы с растопившим зиму "Щелкунчиком". Впечатляет, особенно если понимать, что две труппы подготовили мировые премьеры специально для фестиваля Dance open.

Первая - будто бы неожиданная в этом ряду компания фламенко того самого уроженца Мадрида Хосе Антонио Руиса, очаровавшего Россию еще лет сорок назад. Впрочем, чтобы догадаться о его возрасте, придется долго считать: мэтр Хосе Антонио толком уже не танцует, но, ненадолго выйдя на сцену, способен дать фору молодым коллегам - статью, чувством сцены, умением общаться с партнершей и пониманием той самой "Души фламенко": так, кстати, называется мировая премьера. Рядом с этим сеньором дюжина молодых вяловатых, имеющих для танца все, кроме этого понимания, - ощутимо блекнет; и только прекрасные артисты канте хондо, блистательный Фернандо Ромеро - приглашенная звезда, да небольшого роста безвестный солист скрашивают одиночество мэтра.

Национальный балет Нидерландов приехал на Dance open в третий раз и оказал фестивалю честь российской премьерой. Его спектакль "Сделано в Амстердаме" собрал шесть миниатюр пяти авторов. "Гвоздями", видимо, должны были стать очень известные британцы Кристофер Уилдон с его культурой движения и спокойной, ненарочитой изобретательностью рисунков и обычно глубокомысленный Дэвид Доусон. Первый порадовал легкостью и красотой прямых линий - не балет, а вешние воды. Доусон выглядел как средней руки отечественный балетмейстер 70-х, ставящий балет о комсомольской любви. Радость парадоксов творчества: оба они смотрелись гораздо консервативнее почтенного, разменявшего девятый десяток Ханса ван Манена, внятного до резкости в каждом па.

Но настоящим подарком стали два последних балета. "Воспоминания о дорогом месте" Алексея Ратманского, сделанные шесть лет назад специально для Национального балета Нидерландов на одноименный опус Чайковского, радовали немодным и тонким психологизмом, чистотой фраз, логикой мотивов и той хрупкой лиричностью, что притягивает в Чайковском всякий раз.

За семнадцать лет своего существования фестиваль Dance open воспитал свою публику

По-настоящему поразили "Подвижные пространства" поляка Кшиштофа Пастера - яркие, динамичные, делающие из хитового Кончерто гроссо Шнитке и клавесинного концерта Хенрика Гурецкого интеллигентный шабаш с кучей эмоций. Пастер, прежде представляемый как высокоинтеллектуальный любитель большого балетного повествования, вдруг оказался почти лихим мастером бессюжетной истории.

Так что вечер плавно выдержал крещендо, а Dance open уже воспитал свою публику: зал Александринки, несмотря на репутацию "косного", не отпускал артистов до третьего поднятия занавеса.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Май 06, 2018 1:40 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18943
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Апр 12, 2018 3:17 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018041201
Тема| Балет, Большой театр оперы и балета Беларуси, Персоналии, Такатоши Мачияма
Автор| СВЕТЛАНА ШИДЛОВСКАЯ
Заголовок| Такатоши Мачияма: «Балет — не спорт. Нет очков и баллов, все оценки очень субъективны»
Где опубликовано| © «Агентство «Минск-Новости»
Дата публикации| 2018-04-12
Ссылка| https://minsknews.by/takatoshi-machiyama-balet-ne-sport-net-ochkov-i-ballov-vse-otsenki-ochen-subektivnyi/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В Минске сложился круг балетоманов, которые ходят на Такатоши Мачияму.

Орр, Меркуцио, Золотой божок, Модест Алексеевич, Чиполлино, Базиль, Нурали, Голубая птица, Актеон, Мензер, Ланкедем… Многие роли характерные — с юмором, гротеском, ярко выраженным внешним рисунком. 1 апреля он — Черный человек в «Витовте», 4-го — Маленький принц в одноименном балете, 10-го — Шут в «Лебедином озере», 12-го — Гладиатор в «Спартаке»…

О «боге ветра из Страны восходящего солнца» художественный руководитель белорусского балета Юрий Троян отзывается так:

— Это образец артиста. Организован и трудолюбив. Координация движений абсолютная. А какой полет!.. Но главное — он очень талантлив. Учился в Санкт-Петербурге у великолепного танцовщика и педагога Бориса Брегвадзе.

В Минске у Мачиямы появилась коллекция наград — «золото» и «серебро» международных конкурсов балета в Турции и Гонконге. Такатоши Мачияма — лауреат международного конкурса балета в Хельсинки, дипломант двух российских конкурсов.

— С 2016 года Такатоши Мачияма работает как мой ассистент, — говорит хореограф, балетмейстер-постановщик Александра Тихомирова. — «Сонеты», «Орр и Ора» вышли при его непосредственном участии. У артиста несомненные задатки педагога. Театр это видит и дает ему возможность проявить себя на разных поприщах.



С недавних пор Мачияма начал работать и в качестве педагога-репетитора.

…Така уехал из Осаки в 16 лет. Надо заметить, что классический балет появился в Японии всего век назад, но сейчас он в ранге особо почитаемого искусства. В этой стране работают тысячи балетных школ, в них занимаются в основном девочки, родители которых не преминут гордо подчеркнуть: «Наша дочь учится балету!» Обучение стоит больших денег. Однако далеко не все ученики мечтают о сцене, для них балет — хобби. Только не для Таки. Еще подростком он решил стать профессионалом и учиться в одной из лучших балетных школ мира — Вагановской академии. А для этого нужны средства. Семья у Мачиямы обычная: папа был спортсменом-любителем, сейчас занимается бизнесом, мама — воспитатель в детском саду, есть брат и сестра. Чтобы Така стал танцовщиком, финансово подключилась вся семья, в том числе бабушки и дедушки с обеих сторон.

Корреспондент агентства «Минск-Новости» Такатоши Мачиямой, который танцует в 25 спектаклях Большого театра Беларуси, и узнала о его творческих планах.



— Такатоши-сан, стоит, наверное, начать с вопроса, где сегодня ваш дом?

— Когда я в Минске говорю: «Поеду домой», это означает — в Осаку. Когда на гастролях говорю: «Поеду домой», это означает — в Минск. Осака — родная. Минск — почти родной, ведь я в Большом театре уже седьмой сезон.

— «Старичок», одним словом.

— Да, мне уже 26 лет (улыбается).

— С чего началась работа в Большом театре Беларуси?

— Я исполнил японский танец в балете «Щелкунчик».

— Классика — кульминация балета. А современную хореографию любите?

— Конечно. Я танцую в балетах Иржи Килиана «Шесть танцев» и «Маленькая смерть». Они гениальны. Но ведь уже и Килиана называют современным классиком! Вообще, современная хореография — новый, блистающий мир. Некоторые мои друзья-танцовщики, которые работают в Европе и США, перешли исключительно на современные танцы. На мой вопрос, почему, ответили: «Ты в классике думаешь мышцами, а у нас нет жесткой формы, канона. Как твое тело чувствует музыку, так и надо двигаться». На мой взгляд, и классика, и модерн — все прекрасно. Они оттеняют друг друга.

— Считается, что в мире хорошо танцуют только французы, русские, ну еще немного итальянцы и датчане…

— Как? Кто это сказал? (Артист вспыхнул от возмущения.) Это очень грубо. Балет — не спорт. Нет очков и баллов, все оценки очень субъективны. Есть стили, например американский, канадский, японский, китайский, казахский…

— Ну, казахи приобщились к балету не так давно.

— Тем не менее, когда на конкурсе узнаем, что приехал артист из Казахстана, все делают стойку: приехал стопроцентно сильный конкурент.

— Труппа белорусского Большого недавно вернулась из турне по Мексике. Вы дали за 48 дней 42 спектакля, переезжали из города в город. Было трудно?

— Когда видишь, как работают наши девочки-балерины, нам, мужчинам, жаловаться нельзя. Недостойно.

— Какая у вас любимая партия?

— Модест Алексеевич в «Анюте». У Чехова в рассказе «Анна на шее», по которому создан балет, говорится, что это чиновник 52 лет, полный, пухлый. Мне накладывают пузо, на талию наматывают полотенце… Когда я работал над этим образом, часто вспоминал отца — фигурой он напоминает Модеста Алексеевича. Тучные люди по-другому двигаются (показывает поворот головы). Я стараюсь не играть Модеста, а быть Модестом. В этом спектакле у меня нет прыжков, каких-то трюков. Только пластика. Играют глаза, плечи… Эта роль хорошо получается и у Константина Кузнецова, и у Константина Героника. У каждого свой Модест.

— Танцовщик, ассистент балетмейстера, педагог-репетитор. Вас радует востребованность?

— Бывает так тяжело, физически и морально, что я думаю: сумасшедшая жизнь! Но в другие дни — совсем иные мысли. Хорошо понимаю: мне дан шанс. Я работаю в Большом во всех смыслах театре, очень многие из танцовщиков-соотечественников хотели бы тоже работать здесь. У меня — свое место, и я это очень ценю. Мне дали дорогу. Более того, я еще и сам выбираю, как по ней идти. Значит, надо идти.

— Вы так увлекательно рассказали о роли Модеста — мужа Анюты. А в жизни стали мужем раньше, чем на сцене?

— Нет, позже. Моя жена — ведущий мастер сцены Яна Штангей. Иногда встречаемся в одних спектаклях — «Маленький принц», «Корсар», «Орр и Ора»… Мы — комплект, если позволительно так сказать.

— Кто в вашей балетной семье стоит у плиты?

— Тот, кто не занят на сцене или в репетиционном зале.

— Как семьи Мачияма и Штангей отнеслись к браку?

— Японцев иногда представляют людьми, замкнутыми на своей культуре. Неправда. Один факт: когда мы куда-то едем с папой на машине, в салоне звучат Элвис Пресли, Фрэнк Синатра, Майкл Джексон… Мои родители рады тому, что Яна меня во всем поддерживает. У нас нет языкового барьера. В Осаке моя жена говорит по-английски. В Харькове, где живут родители Яны, мы все общаемся на русском. Я могу съездить в Харьков на два-три дня без Яны — встречают как родного.

— С русским языком у вас полный порядок. А по-белорусски можете?

— «Асцярожна, дзверы зачыняюцца. Наступны прыпынак — «Оперны тэатр».

— Вы представляете свое будущее? Оно в Минске? В Осаке?

— Разве можно сказать, каким будет будущее? Помню, в детстве был настольный телефон, а сейчас — смартфон. Прошло всего пятнадцать лет… А что будет еще через пятнадцать лет? Может, автомобили станут летать. Может, исчезнут границы между странами… Конечно, надо готовиться к будущему, и я думаю, например, о том, что стану делать, если получу травму и не смогу танцевать (мы оба стучим по дереву). Хотел бы остаться в балете, в Минске… Увидим.

…Красивым жестом танцовщик откланялся и ушел на встречу с приехавшим из России балетмейстером-постановщиком Андрисом Лиепой репетировать Петрушку, русского шута и потешника, в одноименном балете Игоря Стравинского, премьера которого назначена на 6 июня.

Справочно

Такатоши Мачияма родился в Осаке (Япония). Окончил Академию русского балета имени А. Я. Вагановой в Санкт-Петербурге. С 2011 года работает в труппе Большого театра Беларуси.

Фото предоставлены Большим театром Беларуси

================================================
Все фото - по ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Сб Апр 14, 2018 10:54 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18943
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Апр 12, 2018 4:10 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018041202
Тема| Балет, XXII Международный балетный фестиваль (Чебоксары), Персналии,
Автор| Данилова Мария Витальевна
Заголовок| Чарующий мир балета
Где опубликовано| © «Чебоксарские новости»
Дата публикации| 2018-04-12
Ссылка| http://chebnovosti.ru/news.aspx?id=cf711d71-4f42-4e7b-b35f-f20c0ebbe2cb
Аннотация| Фестиваль

Сегодня поднимет занавес XXII Международный балетный фестиваль. Он удивит ценителей искусства необычным синтезом классики и современности.


Откроет праздник танца премьера — концертная программа «Петипа-гала», посвященная 200-летию со дня рождения российского балетмейстера французского происхождения Мариуса Петипа. Русский балет стали называть лучшим в мире благодаря этому мастеру. Он вывел на сцену более 60 спектаклей, не считая постановок в операх и небольших сюжетов, создал свод правил, которым по сей день исправно следуют многие артисты и хореографы. Яркие образцы творческого наследия Мариуса Петипа вошли в концертную программу.

Вечер украсит гран-па звезд на музыку композитора А. Визентини. Это фрагмент не сохранившегося целиком спектакля «Приказ короля». Единственным уцелевшим клавиром балета поделился профессор Санкт-Петербургской Академии русского балета. По словам руко­водителя балетной труппы Чуваш­ского государственного теат­ра оперы и балета Данила Салим­баева, получился небольшой дивертисмент с солистами и кордебалетом.

Театралы насладятся знаменитой картиной «Тени» из «Баядерки» и музыкальным антрактом из «Спящей красавицы». Данил Салим­баев подготовил миниатюру «Сон Авроры» (фрагмент, когда героиню еще не поцеловал прекрасный принц). Во втором отделении авторы красочного действа представят уцелевший третий акт из спектакля «Пахита», хореография которого принадлежит Мариусу Петипа.

На сцене будут блистать этуали Большого театра Бордо (Франция) Сара Ренда и Роман Михалев. Действо украсит игра солистов оркестра Московского театра «Кремлевский балет». «Приезжают арфистка Екатерина Олейниченко и скрипач Петр Лаврищев, — рассказал на пресс-конференции художественный руководитель театра и дирижер Сергей Кисс. — Арфа — инструмент особый, придающий музыке романтичность, воздушность и неповторимую прелесть».

В афише фестиваля есть эксклюзивные номера, которые привезут приглашенные труппы. Только в Перми идет балет Сергея Прокофьева «Ромео и Джульетта» в авторской хореографии Евгения Панфилова. Одноактные постановки Игоря Стравинского «Весна священная» и «Жар-Птица» можно посмотреть исключительно в Москве в театре Наталии Касаткиной и Владимира Василева. Спектакли знает не одно поколение артистов и зрителей. В свое время их горячо обсуждали и балетные критики, и публика — и не все оценивали по достоинству. Теперь это классика, которая собирает аншлаги.

Сегодня балет «Ромео и Джульет­та» считается самой неординарной хореографической версией шекспировской трагедии. Он лауреат многих международных фестивалей и конкурсов, номинант Российской национальной танцевальной премии «Золотая Маска» сразу в трех номинациях. «Мариус Петипа тоже был новатором. Некоторые современники балетмейстера не принимали его творчество. Эта своеобразная красная линия, проходящая через фестиваль: как нечто авангардное, новое и не всегда поначалу принимаемое становится классикой, становится в ряд академических постановок в репертуарах театров», — отметил Данил Салимбаев.

Театралы вновь увидят премьеру прошлого года «Жизель». Партии в ней исполнят мастера Большого театра Евгения Образцова и Артемий Беляков. Подготовлен и мини-фестиваль для юной публики — «Золушка» Сергея Прокофьева, побывавшая в европейском турне, и «Чиполлино» Карена Хачатуряна, лауреат «Узорчатого занавеса».

Фестиваль завершится гала-концертом. Наряду с солистами чувашского театра выступят их коллеги из разных уголков мира. Звезды балета подготовили классические номера. Например, солисты Михайловского театра Ирина Перрен и Марат Шемиунов привезут адажио из балета «Спартак» Арама Хачатуряна (хореография Георгия Ковтуна). Будут представлены и лучшие произведения современной хореографии. В рамках балетного форума состоится творческая встреча с главным редактором московского «Музыкального журнала» Еленой Езерской.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18943
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Апр 12, 2018 5:54 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018041203
Тема| Балет, МАМТ, Премьера, Персоналии, Дмитрий Брянцев, Марко Гёке, Охад Нахарин
Автор| Елена ФЕДОРЕНКО
Заголовок| С минус шестнадцати на «Бал»
Где опубликовано| © Газета «Культура»
Дата публикации| 2018-04-12
Ссылка| http://portal-kultura.ru/articles/balet/191865-s-minus-shestnadtsati-na-bal/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

В премьере одноактных балетов Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко соединились верность традициям и дерзкое освоение неведомых территорий.

Программу, составленную из «Призрачного бала» Дмитрия Брянцева и двух российских премьер — «Одинокого Джорджа» Марко Геке и «Минус 16» Охада Нахарина, задумал худрук балета Лоран Илер. Как тонкий дипломат, он отдал дань уважения к истории труппы: премьера первого в доме на Большой Дмитровке в 1995 году произвела фурор. В других одноактовках — несходные стили и неведомые «станиславцам» пластические языки. Здесь французский вожак выступил в роли мудрого воспитателя и просветителя, уже привычно направляя труппу на обретение нового опыта. Артисты откликнулись с азартом и куражом, сделали незнакомую хореографию своей, танцевали без намеков на компромиссы, бесстрашно и свободно. Вечер сложился в панораму жизни, где сходятся беспомощная тоска и сумасшедшая радость.


«Призрачный бал»
Фото: Светлана Аввакум


— спектакль грустный, меланхоличный. Пять пар танцуют при свечах под музыку Фредерика Шопена. Оркестр, ведомый маэстро Феликсом Коробовым, и рояль Анны Малышевой звучат чувственно и артистически деликатно. Ветер в таинственном зале колышет тюлевые занавески. Не хватает камина и задремавшей рядом барышни, в чьем воображении, возможно, и оживают романтические образы. Такую версию излагал сам Дмитрий Брянцев, потом у него возникали и иные объяснения — будто бы дамы и кавалеры сошли со старинных полотен. Мысли скользят, меняя направления. Прочитывается тем не менее единая ассоциация: «Бал» — мечты об ушедшем и прекрасном прошлом. Вообще-то, автор был жизнелюбом и оптимистом, два десятилетия твердо руководил балетом Музтеатра, ценил юмор и чувствовал природу танцевального гротеска. Предпочитал фабульные спектакли в любых форматах, ставил полнометражные опусы и миниатюры. При этом не типичный для хореографа бессюжетный «Призрачный бал» сегодня ничуть не устарел.

В полутьме не рассмотреть лиц танцовщиков, сплетающих кружева вальсов, полонезов, мазурок. Они похожи на эфемерные видения. Сумрак рассеивается, ансамбль исчезает, и на сцене поочередно возникают дуэты. Каждая пара ведает о своем, печально напоминает о том, что далеко, что — только в памяти. Чувства для исполнителей оказываются сложнее движений, освоенных почти безупречно. Наивна и воздушна Ксения Шевцова и ее партнер Георгий Смилевски. Острое волнение объединяет Оксану Кардаш и Ивана Михалева в страстном диалоге. Необыкновенно поэтичны Наталия Сомова, отрешенная Эрика Микиртичева и нежная Валерия Муханова, воскрешающие чуть старомодные миражи изысканного брянцевского шедевра. Сравнения «Бала» с «Шопенианой» Михаила Фокина конца прошлого столетия, конечно, не случайны.

«Одинокий Джордж», поставленный Марко Геке менее трех лет назад, — тоже невеселый спектакль. Хитрец Геке направил нашу мысль по лукавому пути: Джордж — черепаха, последний представитель редкого вида, прожил век и умер на далеких островах Эквадора. Сто лет одиночества. Что такое быть последним и одиноким — волнует хореографа. Но, конечно, его переживания связаны отнюдь не с миром рептилий. Балет — о внутреннем сиротстве, что делает человека уязвимым и беззащитным.

В пластике — экстаз инстинктов и мускульная энергия. Складывается ощущение, что Геке, словно профессор точных наук, экспериментирует с физическими возможностями тела. Руки, готовые выпасть из суставов, стремительно прорисовывают четкие прямые линии и пунктиры, лезвиями сверкают кисти, дрожат пальцы, сжимаются кулаки. По сцене семенят геометрические фигуры с острыми углами локтей. Движения столь энергичны, что, кажется, вот-вот оторвутся тела от земли, но — не взлетят: не дано. Узнаваемый пластический язык хореографа сконцентрирован на работе рук и корпуса — прыжкам, вращениям, арабескам и всяким красивостям на этой палитре нет места. Стая, где каждый из десятка исполнителей получает соло (запомнились Георги Смилевски, Екатерина Иванова, Евгений Поклитарь, Денис Дмитриев), опасная и зловещая в своей замкнутости, не спасает самых отчаянных и бесстрашных. В итоговом монологе Наталья Сомова «пропевает» песнь отчуждения — горького и гордого признания о неспособности слиться с окружающим миром. Никого, кто был рядом, теперь нет, все затмевает личная катастрофа, и звучит потрясающий по силе воздействия Восьмой струнный квартет Дмитрия Шостаковича. В музыке — шквал эмоций и настроений, в движениях — судороги и конвульсии.

Для спокойного хореографа-философа Охада Нахарина театр — пересечение зрелища, танца, клипа, дискотеки и гремучего сплава мелодий. Израильтянин в спектакле «Минус 16» предлагает радостный способ выживания. На огромном черном пространстве сцены — полукруг стульев, на них сидят актеры, одетые в одинаково черные костюмы. Подпевают ритмичной еврейской пасхальной песне, в бешеном темпе простирают руки, бьют себя в живот, отрывают от земли ноги, ломают тела, то склоняясь вперед, то откидываясь назад. Энергия движения ураганом обнимает всю цепочку исполнителей. Последний в бессилии падает ниц и вновь вскакивает. Зловещий ритуал повторяется вновь и вновь. Танцоры сбрасывают с себя одежду и швыряют ее к центру сцены: летят шляпы, пиджаки, брюки, ботинки, рубашки. Обнажаться заставляют не внутренние страсти, а некая мистическая сила, похожая на растекающуюся злость. Экстаз агрессии — предвестие тотальной катастрофы. Похожее мы уже видели в отважном танцевальном шоу под названием «Анафаза» в исполнении компании «Батшева», которой Нахарин руководит почти три десятилетия. В «Минус 16» хореограф цитирует фрагменты ранее поставленного. Спектакль начинается из затакта, занимая собой время антракта, когда на сцену выходит златокудрый Максим Севагин и пускается в импровизации, легко переводя их от стиля к стилю. Зрители не выходят из зала, увлекаясь фирменным танцем под названием «гага», предлагаемым в качестве эпиграфа к маленькому балету. В Москве ассистенты Нахарина по труппе «Батшева» проводили мастер-классы по «гаге», которую ее изобретатель называет «прославлением танца» с его «животной сущностью и взрывной силой». Можно соединять все, что угодно: модерн и акробатику, брейк и первобытные пляски, буто и гимнастику, балет и фламенко. Главное — познание себя через собственное тело. Процесс не терпит отвлекающих маневров и дополнительных атрибутов — зеркал или предметов мебели, только — внутренние импульсы, только — пустое пространство.

В финале, остроумном и жизнеутверждающем, танцовщики сбегают в зал, и каждый выбирает себе партнера из публики. Неведомо, что говорят артисты своим визави в первой медленной части, но «новички» быстро избавляются от зажима и волнений. Студентки, бабушки, толстоватые мужички — все, кто оказываются на сцене, танцуют и отвечают движением на трюки, выделываемые профессионалами. Мощные токи положительных эмоций забирают зрителей, восторженные аплодисменты мешаются с криками: «Мы вам завидуем».

«Да, нас преследуют мечты и одиночество, но главное — все будет хорошо» — таков замечательный вывод вечера. Лоран Илер — еще и отличный психолог, сумевший через грезы о былом и беспросветное сиротство привести публику к безмятежному счастью. А что до исполнителей, то они получили возможность проявить свои умения.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Май 06, 2018 1:43 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18943
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Апр 13, 2018 11:07 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018041301
Тема| Балет, Екатеринбургский театр оперы и балета, Персоналии, Самодуров
Автор| Марина Иванова
Заголовок| Слава Самодуров: «Dance Open несет мощный заряд энергии»
Худрук Екатеринбургского балета — о фестивальных трансформациях, балетных столицах и десерте в виде приза

Где опубликовано| © Газета «Известия»
Дата публикации| 2018-04-13
Ссылка| https://iz.ru/731901/marina-ivanova/slava-samodurov-dance-open-neset-moshchnyi-zariad-energii
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Фото: Елена Лехова


В Санкт-Петербурге продолжается XVII Международный фестиваль Dance Open. В ближайшие дни зрителей ожидают спектакль Словенского национального театра Марибора и выступление юных звезд балета, участвовавших в мастер-классах форума. Завершится Dancе Open гала-концертом солистов ведущих театров мира и церемонией вручения фестивальной премии. Среди членов жюри — знаменитый в прошлом танцовщик, ныне художественный руководитель Екатеринбургского балета Слава Самодуров. «Известия» расспросили артиста о петербургском форуме и родном театре.

— Екатеринбургский балет во второй раз принимает участие в фестивале Dance Open. На ваш взгляд, насколько органично вписалось это событие в культурную жизнь Петербурга?

— Dance Open вступил в свой 17-й сезон и вроде бы должен обрести некую устойчивость, но он прекрасен тем, что постоянно меняется — возникает новая идеология, приглашаются новые труппы и исполнители. То, что фестиваль так трансформируется, и есть самое интересное. А для города это — важное событие, которое несет в себе мощный заряд энергии и идей.

— Ваш коллектив — молодой, растущий. Насколько полезны для него подобные фестивальные визиты?

— Для нас всегда большая честь участвовать в Dance Open. Это ответственно. И мы рады, что фестиваль два года подряд находит, что в нашем репертуаре есть спектакли, достойные его внимания. В прошлом году мы привозили «Снежную королеву», в этом — «Тщетную предосторожность».

— Это был выбор руководителя фестиваля Екатерины Галановой или ваши личные предложения?

— Безусловно, это выбор Dance Open.

— У фестиваля есть премия, и вы впервые принимаете участие в жюри. Вместе с коллегами вам предстоит выбрать победителей в номинациях «Виртуозность» и «Выразительность». За что награждают в первом разделе, я понимаю. А вот как определить выразительность танцовщика?

— Это очень субъективное ощущение. Наверное, речь должна идти о послевкусии, которое возникает после выступления артиста. Даже очень чисто исполненный танец может быть лишен жизни. Приз за выразительность я понимаю как приз за витальность, энергию, харизму. Другими словами, за нечто особенное, что делает танцовщика звездой.

— Награды такого рода нужны танцовщикам?

— Думаю, каждый артист любит получать призы, награды. Артистов ведь не так часто балуют. Когда существует десерт в виде приза, мне кажется, это здорово.

— Когда начинался Dance Open, вы еще были действующим танцовщиком. Лично вам хотелось бы получить признание такого форума?

— Надо заглянуть в прошлое, затрудняюсь сейчас ответить. Я просто рад, что у сегодняшних артистов есть возможность оказаться в луче света и завоевать свою награду.

— Екатерина Галанова в интервью «Известиям» сказала, что рассматривает премию Dance Open как творческую лабораторию. После окончания церемонии собираются артисты, хореографы, продюсеры, идет творческий разговор, завязываются контакты, обсуждаются контракты. Вы собираетесь использовать это событие подобным образом?

— Не могу загадывать на будущее. Среди участников жюри и артистов есть люди, которых я уже знаю, и есть люди, с которыми я не встречался. Я в таких ситуациях просто предоставляю случаю шанс. Еду на этот фестиваль как член жюри по приглашению Кати, чтобы поддержать ее. Это моя главная миссия.

— Вы танцевали в крупнейших балетных столицах мира, сейчас работаете в Екатеринбурге. Там были столичные балеты, здесь — балет провинциальный. Разница есть?

— Провинция — это не географическое понятие, а состояние мозгов. Всё, что я могу по этому поводу сказать: провинция не есть место на карте.

— Столичный балет может быть и в провинции?

— Безусловно. Главное, что в Екатеринбурге востребовано то, что мы делаем, — все наши эксперименты, а их немало, интересуют людей, и театр заполнен. Это говорит о том, что Екатеринбург — город с интеллектом, любознательный город. Кстати, и сам он активно развивается. Здесь, я считаю, лучший аэропорт в России. Вообще изменения, которые произошли в Екатеринбурге за те годы, что я здесь работаю, радуют.

— Интерес екатеринбуржцев к театру, балету вы связываете со своим приездом или это параллельный, не имеющий к вам отношения процесс?

— Не знаю. Прошло немного времени, а на этот вопрос можно ответить, только будучи на определенной временной дистанции.

— Какой длины будет эта дистанция — пять, десять лет?

— Представления не имею. Предпочитаю существовать в сегодняшнем дне.

— Надолго ли рассчитан ваш контракт?

— До конца следующего года.

— В этом году празднуется 200-летие со дня рождения Мариуса Петипа. Ваш театр тоже откликнулся на это событие. «Пахиту», одно из самых ярких созданий Мариуса Ивановича, начал ставить Сергей Вихарев, а после его трагической кончины дело продолжили вы, по мнению публики и критики, — успешно. Что значит для вас фигура Петипа и почему хореограф, скончавшийся больше века назад, продолжает оставаться для балета путеводной звездой?

— Для меня Петипа — хореограф, авантюрист, ремесленник, гений. А также человек, благодаря балетам которого до сих пор кормятся российские и мировые театры. Нам кажется, что мы знакомы с его творчеством, но я надеюсь, что эта юбилейная дата даст нам возможность еще раз подумать о том, что Мариус Петипа сделал, и, может быть, переосмыслить его наследие.

— Вы назвали Петипа авантюристом, и это прозвучало как похвала. Что вы вкладываете в это понятие — авантюрист в балете?

— Не только в балете. Он был авантюристом в жизни. Если почитать его биографию, она полна приключений...

СПРАВКА «ИЗВЕСТИЙ»
Танцовщик и хореограф Вячеслав (Слава) Самодуров родился в 1974 году в Таллине (Эстония). В 1992-м окончил Академию русского балета им. А.Я. Вагановой (педагог — Геннадий Селюцкий) и был принят в балетную труппу Мариинского театра. Спустя шесть лет получил статус премьера. В том же статусе работал в Национальном балете Нидерландов и Королевском балете Великобритании. В 2011 году назначен художественным руководителем балетной труппы Екатеринбургского государственного академического театра оперы и балета.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18943
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Апр 13, 2018 11:15 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018041303
Тема| Балет, XV Открытый российский конкурс артистов балета «Арабеск-2018» им. Екатерины Максимовой, Персоналии,
Автор| Игорь Карнаухов
Заголовок| Одно дыхание с балетом
На Гран-при «Арабеска-2018» претендуют более 200 танцоров со всех концов мира

Где опубликовано| © Новый Компаньон
Дата публикации| 2018-04-13
Ссылка| https://www.newsko.ru/articles/nk-4656264.html
Аннотация| КОНКУРС

В Перми продолжает работу XV Открытый российский конкурс артистов балета «Арабеск-2018» им. Екатерины Максимовой. Его художественный руководитель, народный артист СССР Владимир Васильев, ныне празднующий 60-летие творческой деятельности, снова отметит на берегах Камы день рождения и расскажет пермякам о своей живописи.

На вечере открытия конкурса, посвящённом также 200-летию Мариуса Петипа, на сцене Пермского театра оперы и балета блистали лауреаты и призёры «Арабеска» прошлых лет: обладатель Гран-при конкурса 2012 года, премьер Мариинского театра Кимин Ким с партнёршей по телеконкурсу «Большой балет» Ренатой Шакировой; солист Михайловского театра, обладатель второй премии конкурса 2014 года Эрнест Латыпов; ведущие солисты пермской труппы Инна Билаш и Никита Четвериков; звёзды Татарского театра оперы и балета Аманда Гомес, Мидори Тэрада, Коя Окава и многие другие.

Во втором отделении в рамках празднования 190-летия Льва Толстого театральные подмостки отдали «Мастерской» Васильева, в работе которой принимают участие лауреаты пермского конкурса прошлых лет, хореографы из Перми, Москвы и Санкт-Петербурга Алексей Расторгуев, Павел Глухов, Константин Кейхель. Мастера современного балета представили миниатюры по мотивам повестей, рассказов и даже публицистики великого русского писателя.

Всего на участие в конкурсной программе поступило 260 заявок от молодых исполнителей из 16 стран и 19 городов России. Они представляют 25 театров, среди которых Большой, Мариинский и Театр им. Станиславского и Немировича-Данченко, а также 22 учебных заведения. Все начинающие артисты претендуют на Гран-при, денежный эквивалент которого составляет 300 тыс. руб.

Напомним, уровень пермского конкурса столь высок, что за 28 лет Гран-при присуждался всего трижды, и всякий раз его увозили в Азию: кроме Морихиро Иваты в 1992 году, дважды, в 2010 и 2012 годах, побеждали танцоры из Южной Кореи — Чжун Йон Дже и Кимин Ким.

На этот раз один из основателей конкурса Владимир Васильев в прогнозах относительно победителя остаётся краток: «Он должен быть на голову выше остальных».

Кроме главной награды, в каждой из двух возрастных групп присуждаются по две первых, две вторых и две третьих премии. Также жюри выбирает лучших среди исполнителей номеров современной хореографии и балетмейстеров. Конкурс предусматривает и вручение более 10 специальных призов.

Оценивать конкурсантов будет авторитетное жюри во главе с самим Владимиром Васильевым; среди судей — главный балетмейстер Пермского театра оперы и балета Алексей Мирошниченко и один из его именитых предшественников Николай Боярчиков, первый обладатель Гран-при «Арабеска» Морихиро Ивата (Япония), художественный руководитель Пермского хореографического училища Владимир Толстухин, киевский хореограф Раду Поклитару и другие мэтры.

Коллегия назовёт имена лучших 21 апреля, а уже на следующий день «Арабеск-2018» увенчается гала-концертом.

Одновременно с проведением конкурса в Пермской художественной галерее открылись две выставки. На первой Владимир Васильев вновь демонстрирует пермякам свою живопись и акварели; 18 апреля, в свой день рождения, Владимир Викторович сам проведёт авторскую экскурсию (начало в 15:00). На второй выставке представлены фотоработы Юрия Чернова, снимающего «Арабеск» в течение всех лет его проведения, начиная с 1990 года.

«Горжусь тем, что «Арабеск» называется открытым российским конкурсом. Поскольку международных конкурсов много, называющихся же российскими практически нет. Но самое приятное, что наши лауреаты побеждают на других именитых конкурсах, становятся ведущими артистами российских и зарубежных театров. В этом году исполнится 60 лет моей творческой деятельности. Из них уже почти 30 связаны с Пермью. Кроме Москвы, другого такого города для меня нет. Отрадно, что каждые два года мы встречаемся здесь, и в эти две недели у нас с городом одно дыхание», — говорит Владимир Васильев.

Напомним, с 1994 года конкурс «Арабеск» проходит под патронатом ЮНЕСКО, с 2012 года носит имя Екатерины Максимовой. За программой конкурса можно следить на сайте http://www.arabesque.permonline.ru/news. Вечер закрытия планируют транслировать «ВЕТТА 24» и инфоканал «Дом.ru Гид», телеканал «Культура» снимет передачу о пермском конкурсе.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18943
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Апр 13, 2018 11:23 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018041304
Тема| Балет, Екатеринбургский театр оперы и балета, Персоналии, Самодуров
Автор| Ирина СОРИНА, фото Натальи ЧАЙКИ
Заголовок| Сделано на Урале
БАЛЕТ ИЗ ЕКАТЕРИНБУРГА ВОСХИТИЛ ПЕТЕРБУРГСКОГО ЗРИТЕЛЯ

Где опубликовано| © "Вечерний Санкт-Петербург"
Дата публикации| 2018-04-13
Ссылка| https://vecherka-spb.ru/2018/04/13/sdelano-na-urale/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Екатеринбургский театр оперы и балета привез в Петербург «Тщетную предосторожность» Мариуса Петипа. Художественный руководитель екатеринбургского балета Вячеслав САМОДУРОВ посвятил петербургскую премьеру памяти автора реконструкции Сергея Вихарева (1962 – 2017).



В интервью «Вечёрке» худрук рассказал о работе над «Тщетной предосторожностью».

– В этом году широко отмечается двухсотлетие со дня рождения Мариуса Петипа. Вот и «Тщетная предосторожность» – реконструкция балета Мариинского театра 1880-х годов в хореографии Мариуса Петипа и Льва Иванова. Чем вас привлекают балеты Петипа?
– Красотой. Я не люблю слово «творчество». Я люблю слова «работа» и «мастерство». Вот Петипа был мастеровой. Есть работа хореографа. Петипа ставил по заказу – и ничего. Просто у человека был талант делать то, чем он занимается. Без высокопарного «творить».

– Балет «Тщетная предосторожность» существует в постановке Фредерика Аштона. Вы его, наверное, танцевали в Театре «Ковент-Гарден»? Почему не стали ставить свой балет?
– Спектакль в «Ковент-Гардене» – одна из моих любимых работ Аштона. К счастью, мне довелось его танцевать. Он идет во многих театрах мира и России, а спектакль Сергея Вихарева и Павла Гершензона – эксклюзивная продукция, специально для нашего театра. «Тщетная…» – это был их выбор. Наша «Тщетная…» не похожа на спектакль Аштона, но не менее интересна. Когда я увидел этот спектакль на сцене театра, я понял: классика может быть другой. Мне неинтересно смотреть старое в новой концепции, а когда я вижу «Лебединое озеро», у меня ощущение, что смотрю на музейный экспонат, что между мной и сценой – стекло. Когда я смотрю «Тщетную…», у меня такого ощущения нет – стекло убрали. Артисты очень любят этот спектакль, возникла так называемая «любовь с первого взгляда».

– В балете действие происходит в деревне, в солнечном Провансе. Что ассоциируется с творчеством Ван Гога. Поэтому отсылка в оформ­лении спектакля к его живописи выглядит достаточно естественно. Чья это была идея? Не опасались ли вы смешения стилей – классический балет Петипа и постимпрессионизм Ван Гога? Хотя ведь они были современниками!
– Умной головой и смелым человеком, который все это придумал, был Павел Гершензон. Сергей Вихарев поддержал его в этом безумстве.

– «Тщетная предосторожность» – премьера 2015 года. Реконструкцией занимался главный наш специалист Сергей Вихарев. Недавно состоялась у вас премьера «Пахиты» Петипа, восстановление которой – заслуга той же команды. Но трагическая смерть Вихарева не дала ему закончить работу. Скрупулезную расшифровку записей заканчивали вы сами?
– Да, с помощью моего ассистента Клары Довжик. Говорить о «Пахите» и приятно, и больно. Да, ее должен был делать Сергей Вихарев. Не могу описать тот шок, который мы испытали, узнав о его внезапной смерти. Он говорил, что Екатеринбургский театр – это единственный театр, который не оказал никакого сопротивления (а Сергей рушил стереотипы). «Пахита» – это Мона Лиза с другой прической и в другой одежде. «Пахиту» мы привезем на Дягилевский фестиваль.

– Вот уже седьмой год вы возглавляете балет Екатеринбургского театра оперы и балета. С вашим приходом он стал главным ньюсмейкером страны. Наверное, вы уже устали от комплиментов. А все-таки приятно?
– Комплименты всегда приятны, но у нас нет времени, чтобы наслаждаться ими. Очень много работы.

– Вы были первым в стране, кому удалось привлечь к постановке нынешних руководителей знаменитого NDT Пола Лайтфута и Соль Леон (в Мариинском театре об этом могут только мечтать). Балет Ханса ван Манена «Пять танго» впервые поставлен в России в 2013 году тоже у вас.
– Я рад, что нам удалось реализовать эти проекты. Кроме привлечения новых известных имен мы сосредоточились на создании собственной продукции. У нас единственная возможность быть увиденными и услышанными – это создавать новый продукт.

– Почти сразу после приезда в Екатеринбург вы организовали в театре «Dance-платформу». Ваш дебют в качестве хореографа состоялся в аналогичной программе в Большом. Платформа открыла новых молодых постановщиков?
– У нас только что состоялась премьера одноактных балетов Made in Ural. Один из балетов поставил Игорь Булыцын. Он участвовал во всех «Dance-платформах» – сначала как танцовщик, потом начал ставить и теперь сделал очень сильную работу.

– Вы долго жили в нашем городе, переехав сюда, когда вам было восемь лет. Вас еще что-то с ним связывает? Приезжаете ли вы сюда не только на гастроли?
– В Петербурге живут мои родители. Мне нравится приезжать сюда на гастроли.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18943
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Апр 14, 2018 10:48 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018041401
Тема| Балет, Воронежский театр оперы и балета, Персоналии, Андрей Меркурьев, Александр Литягин
Автор| Татьяна Лозюк / Фото: Татьяна Лозюк
Заголовок| Балетмейстеры Андрей Меркурьев и Александр Литягин: в первую очередь, зритель должен получать удовольствие
Где опубликовано| © Страницы Воронежской культуры
Дата публикации| 2018-04-14
Ссылка| http://culturavrn.ru/theatre/24018
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



С 22 по 28 апреля Воронежский государственный театр оперы и балета проводит III фестиваль «Воронежские звёзды мирового балета». 2018 год объявлен в России годом русского балета и знаменитого балетмейстера Мариуса Петипа, поэтому спектакли фестиваля будут связаны с его именем.
Исполнять главные партии в фестивальных спектаклях будут приглашённые звёзды русского и мирового балета. На воронежской сцене вновь выступят премьер Большого театра РФ Вячеслав Лопатин и артисты балета ГАБТа Диана Косырева и Иван Алексеев, на открытие фестиваля приедут ведущие солисты Большого театра.

В преддверии этого события состоялась встреча журналистов с солистом Большого и Мариинского театров, хореографом, заслуженным артистом РФ Андреем Меркурьевым и главным балетмейстером Воронежского театра, автором идеи и творческим руководителем балетного фестиваля Александром Литягиным. В ходе конференции балетмейстеры рассказали о выборе музыки, тонкостях процесса работы над постановками и планах на будущее.

– Андрей Николаевич, вы выбрали музыку Арнольда Шёнберга, а Александр Александрович – Мориса Равеля. Можете рассказать, почему вы остановились на этих композиторах?

– На самом деле, если говорить про «Просветлённую ночь» (Verklärte Nacht) Шёнберга, это не новая постановка специально для театра, честно сознаюсь. Два года назад я освоил эту музыку на Дягилевском фестивале в Перми, – рассказывает Андрей Меркурьев. – Мне предложили поучаствовать в постановке, где один спектакль в разных стилях должны были поставить три хореографа, но остался один я, остальные «отвалились». Я сказал, что полностью возьму на себя музыку и буду делать сам. Взять музыку Шёнберга было предложение Дягилевского фестиваля, а не моё. Но теперь эта музыка стала мне родной. Я могу лететь в самолёте, ехать в автобусе и переслушивать Шёнберга. У этой музыки есть своя энергетика, что-то такое родное, что я уже не могу убрать из своей жизни. Я сразу предупредил артистов Воронежского театра, что музыка будет непростая и может им не понравиться. Но уже после первой встречи музыка пришлась ребятам по душе.

– Поскольку у нас немного времени, Андрей сразу сказал, что мы не успеем сделать три новые постановки, поэтому мы решили взять «Просветлённую ночь» Шёнберга, – рассказывает Александр Литягин. – Потом я предложил Андрею хореографию Ивана Кузнецова, и мы сразу сказали, что это будет камерная история на три пары солистов, которая должна пойти первым актом. У Андрея будет третий акт, заключительный, поскольку это самое воодушевленная, глубокая и философская история. Значит, нужен был ещё второй акт. Я предложил Андрею одну музыку, но он сказал, что она не подходит по стилистике. После этого было еще несколько вариантов. Но потом я позвонил Андрею и сказал, что почему-то моё сегодняшнее настроение склоняется к Равелю, и Андрею это предложение понравилось, потому что первый акт – камерный, третий – глубокий, воздушный, воодушевленный, и нам нужен был акт, который бы имел четкую ритмическую канву. Мы же помимо творчества занимаемся ещё тем, чтобы проект был востребован в театре, чтобы зрителям было не скучно, и они хотели видеть это снова и снова. Все вопросы, вплоть до количества артистов, необходимого для того, чтобы проект был качественным, мы с Андреем обсуждаем вместе.
Мне было интересно ставить постановку под музыку Равеля - сразу возникли какие-то ассоциации, идеи. И артистам музыка знакома и интересна.

– Андрей Николаевич, перед вами стояла задача поставить балет на такую-то музыку. А как дальше развивались события? Как вы искали образы?

– На самом деле, «Просветлённая ночь» Шёнберга для музыкантов – как для учеников литература по школьной программе – обязательна к прослушиванию. Есть даже история, рассказывающая, о чём эта музыка. Но я её не придерживался, а искал свои образы, у меня получился свой сюжет. Я даже специально не вчитывался в тот текст. Когда я ставлю спектакль, даже не смотрю других хореографов, потому что в процессе работы возникают в голове чужие образы, начинаешь хотеть взять себе что-то. А так передо мной пустой лист, и я иду интуитивно, внутренне, музыка даёт мне всё. Сначала есть только музыка, потом ставится хореография и затем рождается сюжет.

– В первый раз была постановка в Перми, потом – в Москве, сейчас у нас. Вносятся ли какие-то изменения или вы стремитесь показать тот же спектакль, просто с другими артистами?

– Что-то всё равно будет меняться, потому что артисты другие, возможности другие, мышление другое и всё становится другим. Хотя есть канва. Например, мы переносим спектакль «Лебединое озеро», но танцуем по-своему, потому что у нас свои традиции, вкус и стиль, свой город. Но всё равно придерживаемся каких-то канонов. Конечно, я не буду менять весь балет, потому что он уже поставлен. Надеюсь, что будет возможность приехать к вам и на следующий фестиваль. Там уже всё будет новое.

– Вы уже работали с двумя коллективами, сейчас работаете с третьим. Воронежский коллектив что-то отличает? Может быть, открыли какие-то новые возможности, которых не видели раньше?

– Отличия, конечно, везде есть. Но какие возможности? Это такие же люди, как и везде. Артист может быть менее, более опытный, более или менее способный, возможностей может быть чуть меньше или чуть больше, но это такие же артисты, как и везде, в принципе. Нельзя сказать, что они самые уникальные. Но меня восхищает в воронежских артистах то, что они хотят действовать, а это всё, что нужно хореографу – когда на тебя смотрят с открытыми глазами, тебе хочется работать. Я не делю артистов на лучших, худших, столичных, провинциальных.

– Как планируете выстроить работу с труппой? Как будет проходить репетиционный процесс?

– Он уже проходит. Это как для вас прийти и взять интервью. Это – ваша работа, это – наша. У нас нет такой проблемы, как «выстроить». Радует, что одна постановка уже поставлена, и у нас не три хореографа, а два, мы вместе работаем и делим артистов. По времени нам удобно, а если бы мы делали ещё третью постановку, нам было бы сложнее, потому что зачастую участвует большая часть одних и тех же артистов (есть основной костяк труппы). Меньше проблем у нас и не такой загруженный репертуар у артистов балета.

– Александр Александрович, как происходит разделение артистов?

– Задача каждого хореографа в том, чтобы показать всех артиста с разных сторон, а не чтобы все были заняты в одной хореографии, а больше ничем. Мы делим артистов так, чтобы под стилистику Андрея подходили одни артисты, под стилистику танца Ивана Кузнецова – другие, и под мою – третьи. Мы разделили артистов на разные хореографические группы, чтобы с лучшей стороны показать их. Чтобы кого-то не нагружать совсем, а кого-то не перегружать, мы равными частями выстроили и рабочий график, и хореографию.

– А какова общая идея проекта?

– Проект связан с деятельностью Мариуса Петипа. В свое время Петипа был самым современным и популярным хореографом, он брал современную для своего времени музыку и работал в современной стилистике. Уже прошло 200 лет со дня рождения его постановок, поэтому мы не берём за основу его творчество. Но мы хотим показать, что классический балет продолжает развиваться, придерживаясь канонов, придерживаясь и дополняя лексику классического танца. Поиск актуальных тем, использование актуальной музыки делают возможным самовыражение. То есть для нас важно показать, что классический балет тоже современен и актуален на сегодняшний день. Мы хотим развиваться, ставить новые постановки, хотим показать, что мы открыты для сотрудничества. Мы хотим видеть, что Воронеж и театральная карта нашей страны развиваются не в одном направлении, а во многих.

– Эволюция происходит во всём. И в театре тоже должна быть эволюция, – подхватил Андрей Меркурьев. – Когда я посмотрел «Корсар», я был в шоке, что такой спектакль идёт в вашем театре и на каком уровне. Спектакль богатый, смотрибельный, востребованный, и сами артисты хотят работать.
Если мы не будем развивать театр, если мы не будем делать новых премьер, мы просто растеряем артистов. Опять начнут все уезжать в плохие столичные труппы.
Если артисту интересно то, что он делает, то он ложится спать с мыслью «Поскорее бы завтра наступило, чтобы приступить к репетиции» и думая, что он должен сделать для того, чтобы раскрыть эту роль интереснее, глубже. То же самое с хореографом: если ему интересно это ставить, если он хочет раскрыть как можно глубже и шире постановку, ничто не должно препятствовать этому развитию.

– Александр Александрович, Если говорить о перспективе развития этого фестиваля, может быть, вы уже думали, в каком формате он будет продолжать развиваться?

– Мы ищем новое название фестиваля, может быть, «Воронежские и не воронежские звезды мирового балета», – делится Александр Литягин, – Мы хотим продолжать сотрудничество со звёздами мирового театра из других городов. В этом году нас, хореографов, трое, может быть, в следующем году нас будет семеро и у каждого будет своя часть труппы. Мы будем искать каждый год что-то новое. Очень хочется показать наш театр с другой стороны - со стороны развития современной хореографии.
Не исключено, что фестиваль будет разделен на два – один будет посвящён современной хореографии, второй – классическому наследию репертуара нашего театра.

– Андрей Николаевич, вы как танцовщик работали со многими хореографами. Кто оказал на вас наибольшее влияние?

– У меня был хореограф Алла Сигалова. Специфический хореограф, скажем так. У неё свой образ, она не ставит большие грандиозные балеты, но у неё есть свой стиль. Почему я назвал её? Потому что она в какой-то степени перевернула мой мир. Она стала направлять меня в совсем другую среду, заставляла меня думать. Алла Сигалова один из первых хореографов, который заставлял меня думать. Я стал по-другому относиться вообще к балету и по-другому переживать роль на сцене. Было ощущение, что это съёмки в кино – нельзя было гримасничать или слишком улыбаться, строить из себя дурачка, надо было так двигаться, сидеть, чтобы всё было естественно. Всё должно быть натурально. Я ехал в метро и отрабатывал хореографию, забывая, что на меня смотрят люди. Это круто, когда ты выходишь из театра и продолжаешь о нём думать, ты спишь с этим, просыпаешься с этим. Я люблю делать на сцене не просто набор движений, а жить театром.

– Есть тексты, в которых много отсылок к другим авторам. Вы делаете отсылки к хореографам, с которыми работали? Или вы стремитесь сделать постановку полностью своей?

– Любая хореография начинается с подражания. Я не против этого. Например, сегодня я ставлю балет и говорю: Вот здесь, Лёша, сделай движение как у такого-то хореографа. Когда я смотрю на хореографов, я беру у них лучшее и не копирую пластику, а беру ощущения, то есть как бы пересказываю своими словами. Могу взять музыку, которая была у кого-то другого хореографа, потому что мне нравится эта музыка, но всё остальное делаю по-своему.
Люди, которые давно знакомы с моим творчеством, говорят, что у меня стал появляться свой язык. Для меня, конечно, очень ценно слышать, что у меня есть свой почерк.

– Как вы считаете, зритель, посмотрев спектакль, должен понять, что хотел донести хореограф, какую мысль заложил? Или сформировать свою точку зрения, понять по-своему?

– Зритель должен прийти и получить удовольствие, и мы его должны заставить либо смеяться, либо плакать, чтобы зритель он ушел не пустой. Зритель должен погружаться в постановку.


Вечер современной хореографии, объединяющий три одноактных балета, состоится 26 апреля в 19:00.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18943
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Апр 14, 2018 12:39 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018041402
Тема| Балет, БТ, Премьера, Персоналии, Джон Ноймайер
Автор| Алла МИХАЛЕВА
Заголовок| Несчастлива по-своему
Где опубликовано| © «Экран и сцена» № 7
Дата публикации| 2018-04-14
Ссылка| http://screenstage.ru/?p=8463
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Фото Д.ЮСУПОВА

Джон Ноймайер – один из самых часто ставящих в России западных хореографов. Его балеты шли на сцене Мариинки, Большого и Музыкального театра имени К.С.Станиславского и Вл.И.Немировича-Данченко.

Мастер адаптаций для балетной сцены великой драматургии и прозы, он переводил на язык танца произведения Шекспира, Ибсена, Теннесси Уильямса, Томаса Манна, Андерсена, Дюма-сына. К русскому театру у Ноймайера отношение особое. С тех пор, как в юности он увидел “Три сестры” Ли Страсберга, Ноймайер стал последователем системы Станиславского на балетной сцене и, конечно же, не мог обойти вниманием драматургию Чехова. В 2002 году, в руководимом им Гамбургском балете, он обратился к “Чайке”, которую в 2007 году поставил и в Москве, на сцене Музыкального театра имени Станиславского и Немировича. Это был удивительный спектакль – тонкий, со множеством оттенков и нюансов, с подробно выписанными, абсолютно чеховскими характерами. И хотя Аркадина превратилась в прима-балерину императорских театров, Тригорин – в хореографа, Треплев – в его начинающего коллегу, а Нина – в девушку, мечтающую о танцевальной карьере, атмосфера и суть пьесы были уловлены точно. Чеховское “люди обедают, только обедают, а в это время слагается их счастье и разбиваются их жизни” витало в воздухе, ставя спектакль в ряд лучших (и не только в балете) сценических воплощений пьесы. Затем, в том же театре, появилась “Татьяна” по пушкинскому “Евгению Онегину”. Как всегда, Ноймайер воплощал не сам роман, но свое ощущение от произведения, оставаясь верным не букве, а духу автора. Перенеся действие в двадцатые годы прошлого века (на именинах заглавной героини лихо отплясывали красноармейцы), он пластически визуализировал русскую душу Татьяны, которая не только “в семье своей родной казалась девочкой чужой”. Она отличалась от окружения с самых первых минут до трагического финала, была обречена на фатальное одиночество.

Теперь, что вполне логично, очередь дошла до Толстого – до его самого востребованного сценой и экраном романа “Анна Каренина”, так что Чехов, Пушкин и Толстой сложились в своеобразный русский триптих Джона Ноймайера, европейского художника, родившегося и выросшего в США, но понимающего про Россию то, чего мы, быть может, не знаем сами.

Премьерный спектакль – совместная постановка Большого театра (с ним хореографа связывают не вчера сложившиеся отношения) и Гамбургского балета (мировая премьера “Анны Карениной” состоялась в Гамбурге меньше года назад – 2 июня 2017 года). По части оригинальности прочтения классического первоисточника Ноймайер верен себе. Он переносит действие в сегодняшний день, дает свой взгляд на характеры героев, но при этом не перечеркивает Толстого. Постановка Ноймайера – развернутый комментарий к первой фразе романа: “Все счастливые семьи похожи друг на друга, каждая несчастливая семья несчастлива по-своему”. Действие, как и у Толстого, строится вокруг взаимоотношений четырех пар: Каренин – Анна, Анна – Вронский, Стива – Долли, Левин – Китти. Сюжетообразующей становится, естественно, линия Анны, дополняемая ее дуэтами с сыном Сережей (его роль исполняет взрослый артист) и роковым Мужиком, тем самым, что попадает под поезд в начале романа.

В партии Анны (в составе, открывшем серию премьерных показов) предстала Светлана Захарова – балерина, созданная для этой роли. Ее невероятный шаг, фантастическая гибкость, красота удлинненных линий рук и ног плюс профессиональный перфекционизм делают ее идеальной исполнительницей этого образа, отмеченного экспрессионистским нервом и остротой движений. Российскую приму связывает с Ноймайером долгое сотрудничество. В Мариинском театре Захарова танцевала в его “Теперь и тогда”, на сцене Большого была Ипполитой (Титанией) в “Сне в летнюю ночь”, Маргаритой Готье в легендарной “Даме с камелиями”, ставшей одной из лучших партий балерины.

Анна Каренина Светланы Захаровой, как и ее Маргарита Готье, – натура сильная. Мы видим Анну очень разной, например, спутницей жизни политического деятеля, каким здесь представлен Алексей Каренин. Анна дежурно позирует перед камерами – с мужем, сыном, все втроем. Затем – изнывающей от банальностей и скуки, играющей с сыном, ждущей нового и неожиданного, чем и оказывается встреча с Вронским, азартным игроком в лакросс (спортивная игра заменила здесь верховую езду). Даже знакомство героя с Анной происходит на бегу: он несется куда-то в трусах и майке с полотенцем в руках. Кстати, хореограф, отличающийся вниманием к деталям в психологической разработке характеров, в решении образов мужа и любовника Анны достаточно прямолинеен. Если Алексей Вронский – в первую, вторую и третью очередь спортсмен, то его тезка Каренин – политик, политик и политик. Надо сказать, что исполнители, выступающие в одном составе с Захаровой, – Семен Чудин (Каренин) и Денис Родькин (Вронский) убедительно оправдывают поведение своих героев. Пластика первого дозирована, осторожна и монотонна, тогда как второго – упруга, раскована и более разнообразна. Каждый из них олицетворяет определенный человеческий тип: сухого чиновника и самовлюбленного бонвивана. Такой взгляд на толстовских героев накладывает отпечаток и на характер Анны. Ее дуэты (ритуальные – с мужем; неожиданные в своей акробатической смелости – с возлюбленным; ребячливые – с сыном) отмечены неким отстранением. Каренина Захаровой – трагически одинока. Единственный, с кем она вступает в равноправный танцевальный диалог, – Мужик (Эрик Сволкин), преследующий Анну как призрак, “взламывающий” ее дуэты с Вронским, превращающий их в трио. Мужик появляется, упав с колосников, как знак беды, как небесное проклятие, тяготеющее над толстовской героиней. Он, как и детский паровозик, с которым весь спектакль играет Сережа, влечет Анну за собой к трагическому концу. Иногда в оранжевый комбинезон рабочего-путейца облачается и Вронский.

Две другие пары (Стива – Долли, Левин – Китти) выписаны хореографически не менее подробно. Измены Облонского показаны откровенно и красноречиво. Супруга распахивает дверь спальни и застает мужа в постели с гувернанткой. Эмоциональный дуэт выяснения отношений Стива–Михаил Лобухин танцует, запутавшись ногой в спущенной штанине, которую безуспешно пытается натянуть на себя. Долли–Анастасия Сташкевич выглядит, как и у Толстого, терпеливой, доверчивой и способной прощать.

Осовременен здесь и Левин–Денис Савин, превратившийся в американского фермера в клетчатой рубахе и ковбойской шляпе. Спектакль поставлен на микс музыки П.И.Чайковского и А.Г.Шнитке, но Левину сопутствует собственная тема – песни британского композитора и певца Кэта Стивенса, после принятия мусульманства ставшего Юсуфом Исламом.

Левин выглядит любимым персонажем хореографа, выписанным им с особой теплотой. Свободный и раскованный в поле, на тракторе, в окружении косарей, в светском салоне он выглядит неловким чужаком. И все-таки, в отличие от Анны, он не одинок, а индивидуален, что особо проявляется в его отношении к Китти (Дарья Хохлова), сначала нежно влюб-ленной во Вронского, а после его измены находящейся на грани безумия. Сцена в санатории, куда отправляется лечиться брошенная Китти, – лучшая в спектакле. Иступленный монолог напоминающей раненую птицу героини проецируется на экран. Но даже если бы крупные планы отсутствовали, танец Китти все равно столь выразителен, что передает малейшие перепады ее внутреннего состояния. Поначалу она даже не замечает появления Левина, но бережное внимание, забота и нежность, которыми исполнено каждое движение героя, вскоре возвращают больную к жизни. Удивительное по эмоциональной насыщенности адажио образно передает динамику взаимоотношений героев. Свадьба Китти и Левина – также неординарное событие в спектакле. Жених появляется в последний момент, срочно натянув на себя белую рубашку и черный пиджак, но оставаясь в неизменных высоких сапогах.

Отношения Анны и Вронского многим яснее. Поначалу это – страсть, потом – усталость друг от друга. На фоне голубого итальянского неба их роман вступает в свою завершающую стадию. Возвращение в Россию, флирт Вронского с княжной Сорокиной, скандал в опере уже не имеют значения. Анну неумолимо влечет к смерти, ничто не способно ее остановить – даже встреча с сыном. Мы не увидим бросающейся под поезд Анны Карениной: она крестится и исчезает, проваливаясь в люк. Самое же неожиданное в спектакле Джона Ноймайера – финал. Вронский оплакивает Анну, по-своему страдает Каренин, но, как выясняется, по-настоящему смерть героини переживает лишь обретший семейное счастье и нежно качающий на руках первенца Левин. Похоже, он готов взять на себя и заботу об осиротевшем Сереже, который в финале одиноко кружит по сцене.

Алла МИХАЛЕВА
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
Страница 3 из 8

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика