Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2018-03
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20136
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Мар 20, 2018 4:57 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018032003
Тема| Балет, БТ, Премьера, Персоналии, Светлана Захарова
Автор| Фото Марина Крылова
Заголовок| Прима-балерина Светлана Захарова: интервью с новой Анной Карениной Большого театра
Где опубликовано| © InStyle
Дата публикации| 2018-03-20
Ссылка| https://instyle.ru/history/prima-balierina-svietlana-zakharova-intierviu-s-novoi-annoi-karieninoi-bolshogho-tieatra.html
Аннотация| Интервью

23 марта в Большом театре премьера балета Джона Ноймайера «Анна Каренина» со Светланой Захаровой в заглавной партии. О новом спектакле, личном счастье и планах на будущее главная прима страны рассказала InStyle.



Хореографа Джона Ноймайера, с которым вы уже работали раньше, здесь же, в Большом, называют главным психологом и экспериментатором балетной сцены. Чем он удивил вас в этот раз?

Представьте: занавес открывается, и вы видите предвыборный митинг, в центре — Каренин в современном костюме, повсюду его портреты. Я никак не ожидала, что это будет постановка о нашем времени, буквально балет со смартфонами в руках. Анна в модных нарядах и с сигаретой. Джон Ноймайер — гениальный хореограф, режиссер, философ! Он всегда создает яркие образы, которые хитро между собой переплетаются и за которыми очень интересно следить.

Анна для вас какая героиня — сильная или слабая?

Скорее, просто очень одинокая. Все вокруг заняты собой, до нее по сути никому нет дела. И когда в ее жизнь врывается Вронский, она открывает в себе такие чувства, от которых не в силах отказаться. Даже ради сына Сережи, которого безумно любит и ни на миг не забывает.

Вы редкий пример балерины, одинаково сильной и в классике, и в современном танце. Что самое сложное в таком «раздвоении»?

Возвращение! Перейти от классики к современному танцу легко и даже приятно, потому что он раскрепощает, дает свободу движения, будит фантазию. Классика же требует совсем другого подхода. Здесь много правил и канонов, здесь требуются особая подготовка и выносливость.

Вы — идеальная, всеми признанная Жизель, Принцесса Аврора, Одетта-Одиллия. И вместе с тем — Кармен, Манон Леско, а теперь и Анна Каренина. Какие образы вам все же ближе?

Все эти роли очень дороги мне. Есть спектакли, где можно показать все свои технические и физические возможности. А есть те, где вся душа нараспашку, все эмоции и чувства, как оголенные нервы, рвутся наружу. И тогда ты не думаешь о технике, а погружаешься с головой в образ своей героини и проживаешь ее жизнь.


«Мне нравится, что публика стремится попасть на все премьеры в Большой. В партере можно увидеть известные лица. Люди тщательно подбирают наряды и украшения. Для меня это знак хорошего вкуса и уважения к театру»

Светлана Захарова



Есть что-то такое в обычной жизни, что вы как прима и звезда не можете себе позволить? Ну, например, спуститься в метро?

Вот как раз прошлым летом спускалась. Тогда весь центр был перерыт, Москва стояла в одной гигантской пробке, и раз в десять быстрее было добраться до Большого на метро. Но нескольких поездок мне хватило, чтобы понять, что я живу в своей реальности и не готова ее менять даже ради экономии времени. Да, я не могу позволить себе многих вещей — из-за усталости или потому что хочу сберечь силы, энергию, эмоции для своих родных и близких.

Вам важны награды?

Признаться честно, получать награды очень приятно. Здорово, когда тебя высоко оценивают коллеги, а когда награждает государство — это вообще особые эмоции! Никогда не забуду, как мне вручали Государственную премию Российской Федерации, какие трепет и волнение я испытывала, когда объявили мое имя. Я шла по залу Большого Кремлевского дворца, на меня смотрели сотни глаз, а я ничего вокруг не замечала. Потом президент вручал награду — в этот момент мне казалось, что я могу горы свернуть…

Слышала, что ваша семилетняя дочка Анечка уже мечтает стать балериной. Вы готовы к этому?

У нее, правда, очень хорошая координация, она музыкальная и все быстро схватывает. Я буду только рада, если она пойдет по моим стопам. Это сложная профессия, и дочка не понаслышке об этом знает. Но самое главное для меня, чтобы у нее была цель в жизни.

Что для вас счастье?

Когда приходишь домой, а тебя ждут любимые люди: муж, дочь и мама, без которой я бы не стала тем, кто есть сегодня. Балет отнимает много сил, и только в семье я чувствую себя полностью защищенной, в тепле и покое — а это ведь важно для любой женщины.


«От балерин ждут почти модельной внешности — ноги и руки должны быть длинными, подъем высоким, растяжка максимальной — и чистого академизма»

Светлана Захарова



Все говорят, что в Большом особенная сцена, и дело даже не в градусе ее наклона, а в чем-то другом. Не фантазируют?

Да, самая тяжелая и сложная! Может, из-за ее размеров, может, из-за традиций, истории, тех великих людей, которые на нее выходили. Не могу этого объяснить, но нигде в мире я не волнуюсь так, как в Большом. Я даже перестала уже с этим бороться. Просто говорю себе: «Надо пережить этот момент», — закрываюсь внутренне, концентрируюсь и делаю шаг...


Партию Вронского исполнит Денис Родькин, молодой премьер Большого. В последнее время он занят во многих спектаклях с участием Светланы (на фото: их дуэт из Amore). «Я рада, что у меня есть сильный и умный партнер, которому можно довериться», — говорит прима

Фото Марина Крылова
=========================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Камелия
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 08.10.2013
Сообщения: 1736
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Мар 20, 2018 7:25 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018032004
Тема| Балет, Персоналии, Жанг, Вист, Азизай, Беррио-Аллен
Автор| Александр Фирер
Заголовок| В поисках общих точек…
Где опубликовано| © Журнал «Музыкальная жизнь» №3 (1184)
Дата публикации| 2018 март
Ссылка| http://mus-mag.ru/index.htm
Аннотация| «Точка пересечения» в МАМТе

Четыре одноактных балета на сцене МАМТа

Геометрическая звучность проекта «Точка пересечения» Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко предполагает активный поиск новых танцевальных форм при творческом соучастии артистов труппы. Возглавивший балетную труппу Музыкального театра Лоран Илер заодно взял бразды правления «Точкой пересечения»-2018 после управляющего балетом Андрея Уварова, стоявшего у истоков этого благого начинания. Как известно, в отечестве «эволюционный» уровень хореографической мысли в области контемпорари самобытен почти «до изначальности». Резонно Илер для перестраховки в этом году пригласил четырех иностранных хореографов, которым в качестве великолепного материала были предоставлены в распоряжение прекрасные солисты труппы. Художественная задача проекта кроится в построении-поиске той уникальной «точки пересечения» хореографа и танцовщиков, фантазии хареоавтора с «плоскостью-плотью» танцтеатра, которая рождала бы свежие ростки современного танца. Эта работа полезна для артистов, ибо побуждает их раскрывать свои потенциальные возможности, порой кроющиеся пассивно, глубоко внутри и не находящие выхода в текущем репертуаре. Более того, хореограф ставит свой номер на индивидуальность артиста в сотворчестве с ним, рождая новое сочинение, и этот процесс приобретает важное значение в то время, как в театре ничего подобного репертуарно не происходит (пока не привлекается хореограф, который создавал бы свой новый балет специально для Музыкального театра). «Точка пересечения» - это эксперимент и риск, интрига и азарт, и всегда есть надежда на театральные откровения.
В этот раз «скрестили шпаги» две дамы и два кавалера: москвичка из Германии Ксения Вист, китаянка Диша Жанг, албанец из Германии Бленард Азизай и британец Соломон Беррио-Аллен.

Бленард Азизай представил номер «В начале» (музыка Ставроса Гаспаратоса, Ника Кейва и Муркофа), погрузив восемь артистов в бездны подсознания, превратив их в жертв эротических монстров. Перемежались дуэты и трио; объятия и соитие, перебежки на четвереньках, удары грудью о грудь, висящие как плети руки – все это изображало рефлексии, безнадежность, борьбу с внутренними страхами, неравный бой с искушениями. Эрика Микиртичева являла собой демоническую губительность эротических желаний. Она искушала. И управляла хаосом человеческих страстей. В финале, облачившись с партнером (Леонид Леонтьев) в общий черный кринолин, они устанавливали диктатуру либидо, гипнотизируя всплесками рук и гибкостью торсов.
Опус «Жонглируй» Соломона Беррио-Аллена (музыка Оригамибиро, Аарона Мартина, Милтона Насименто, Парта Таймера) – некий медитационный пасьянс с переплетением ног, с движениями лыжников или конькобежцев, летящей сверху колодой карт, хороводами, с сигаретой, с полигендерными отношениями, с прихрамываниями и многими другими лексическими конструкциями, не лишенными специфического юмора. С одной стороны, спектакль по-детски бесхитростен и хаотичен, с другой стороны, лексические кроссворды и жонглирование говорят о начале поиска автором своего стиля, пока обделенного ясностью.


"В начале" Бленарда Азизая

Ксения Вист в своих «Песочных часах» (музыка Джона Доуленда) показала банальную пластическую мини-сагу о жизненном пути человека: мир детских рисунков, друзья, любящие родители, затем главный герой погружается в мечтательный бег от одиночества, влюбляется и в конце концов стареет. Украшением сочинения стала Анна Окунева, незаурядно окрасившая незамысловатый текст. Значительность каждого жеста танцовщицы приковывала зрительское внимание. Ординарные эпизоды она превратила в психологический театр.

Самым зрелым спектаклем оказался номер Диши Жанг «Мы» на музыку Эстера Офарима, Яна Качмарека и Элизабет Митчелл. Без прикрас и педантично она показала бытовую суть супружеской жизни в отменной интерпретации артистов МАМТа. Домашние «радости» и офисная драматургия, дежурный секс, будничная заурядность бытия, непересекающиеся мечты изнуренных домохозяек и их супругов хореограф виртуозно упаковала в каркас современной стилистики. Динамичная смена эпизодов, выверенный темпоритм повествования, пластически точный язык, приправленный юмором, создали живую атмосферу танцтеатра.

Фото Карины Житковой
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20136
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Мар 20, 2018 11:12 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018032005
Тема| Балет, театр «Астана Опера», Персоналии, Мадина Басбаева
Автор| Юрий КАШТЕЛЮК
Заголовок| Душой исполненный полет
Артистка балета Мадина Басбаева приоткрыла нам занавес творческого процесса

Где опубликовано| © "Вечерний Алматы"
Дата публикации| 2018-03-15
Ссылка| http://vecher.kz/how2rest/dushoj-ispolnennyj-polet
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Воспитанница Алматинского хореографического училища имени Селезнева, ведущая солистка театра «Астана Опера», заслуженный деятель РК Мадина Басбаева выступила в главных партиях балетов, представленных алматинской публике в честь 20-летия столицы. Балерина рассказала нам о том, как она готовится к спектаклям, а также о педагогах и всемирно известных мастерах балета, которые дали ей путевку в профессию.



– В перерывах между действиями балета «Манон» зрители говорили между собой, что балерина словно перышко. Как войти в состояние невесомости – дело в мастерстве или еще и в диетах?

– Словами это трудно передать. Профессия постигается с годами обучения, репетиций. Скажу лишь об одной важной детали. В балете очень важно правильно распределять дыхание, это один из важных навыков. Благодаря правильному дыханию получается управлять своим телом, сохранять силы на весь спектакль. Что касается диет, то я ем все, но понемногу. А если нужно сбросить вес, то просто не ужинаю. В день спектакля не ем совсем, обхожусь бутылкой воды и плиткой «Казахстанского» шоколада – для поддержания умственной работы.

– Как проходит рабочий день артиста балета? Говорят, что в профессиональных кругах станок называют волшебной палочкой. Это так?

– Если это волшебство, то оно достигается исключительно собственным трудом. В 10 утра у нас класс, мы занимаемся полтора часа: 45 минут у станка, остальное время отрабатываем прыжки. Отдыхаем полчаса-час, затем идем в зал репетировать наши сольные партии.

– Давайте продолжим тему репетиций. В балете «Манон», где вы исполняете главную партию, хореограф Кеннет Макмиллан использовал элементы фигурного катания. Как их воплотить на сцене, если нет льда?

– Действительно, в этом балете много скольжений, обводок, рыбок, подкруток, взятых из фигурного катания. Можно сказать, что в свое время основой для фигурного катания стал балет. Фигуристы использовали и используют движения из классической и современной хореографии. Так что, в принципе, это все наше, родное. Конечно, этот вид спорта развивается, появляются новые элементы, но их можно осваивать и на балетной сцене. И здесь лед не первостепенен, главное – физическая подготовка, грациозность, пластика. Если все выучено, движения выполняются точно, то создается впечатление, что они созданы именно для балета. Хочу сказать, что осуществить эту работу в немалой степени мне помогло базовое образование, которое я получила в Алматинском хореографическом училище имени Селезнева, и репетиции с художественным руководителем нашей балетной труппы Алтынай Асылмуратовой, в свое время исполнявшей партию Манон на лучших сценах мира. Алтынай Абдуахимовна очень хвалит нашу хореографическую школу, отмечая, что училище выпускает артистов, готовых к серьезной работе.

– Можете рассказать о своей альма-матер?

– Училище основательно подготовило меня к профессии, причем не только как артистку балета, но и как стойкого человека, готового преодолевать сложности. С большой благодарностью вспоминаю своих педагогов, в частности Куаныш Жакипову, преподававшую у нас в начальных классах. Это очень важный период в обучении, когда дети осваивают основу основ – хореографическую школу. Как-то она очень сильно ударила меня по спине, и в голове отложилось на всю жизнь, что нужно держать осанку. А еще, когда у нас была недостаточная выворотность, она наступала на наши ноги каблучком. И мы это терпели. Я благодарна педагогу за эту школу. Часто слышу от сегодняшнего поколения детей, которые приходят в училище, жалобы на такой метод профессиональной подготовки. Они воспринимают его со слезами. Но хочу им сказать: это все во благо. Если все испытания будут пройдены, эти дети вырастут профессионалами и будут благодарить своих педагогов за эту жесткость.

– В одном из интервью вы говорили, что к вам в училище приезжали великие мастера балета, например Галина Уланова, танцевавшая, к слову, в годы войны на сцене ГАТОБ. У вас получилось что-то почерпнуть у них в профессиональном плане?

– Галина Уланова приезжала, когда я была еще совсем маленькой. Тем не менее я потом часто вспоминала ее приезд, и ощущение того, что я стояла рядом с великой балериной, окрыляло. Позже удалось пообщаться с Людмилой Семенякой, Натальей Бессмертновой. Их советы помогали в профессиональном плане. Также на всю жизнь запомнилась встреча с Майей Михайловной Плисецкой на конкурсе в Италии. Она подарила мне шарфик со своим изображением. Я тогда была еще совсем молоденькой артисткой. Она меня похвалила, сказала, что видит во мне большой потенциал, и это тоже придало большой импульс к совершенствованию. И, конечно же, большим подарком в жизни стала встреча с народной артисткой России Алтынай Асылмуратовой. Студенткой училища я смотрела записи с ее выступлениями, училась на этом. И даже подумать не могла, что судьба сведет меня с ней.

– Можете подробнее рассказать, как проходят репетиции с художественным руководителем балетной труппы?

– Алтынай Асылмуратова – представительница питерской школы, и этим многое сказано. Она несет нам великие традиции русского классического балета. Алтынай Абдуахимовна уделяет большое внимание пластике рук, это очень важно в работе над образом. Мы очень много работаем не только над техникой, но и над актерским воплощением образа. Она сама нам все показывает и говорит: ты можешь это сделать, ты к этому готова. И мы это делаем. Алтынай Асылмуратова очень тактична, все терпеливо объясняет, что позволяет добиваться эффективных результатов.

– Скажите, пожалуйста, как вам работается в «Астана Опера».

– Это очень удобный театр, где все продумано до мелочей – и репетиционное помещение, и гримерная, и сцена. И само здание очень красиво. Насколько я знаю, архитекторы привнесли в проект элементы знаменитых театров мира, в числе которых Большой театр, Ковент-Гарден, Ла Скала. И с внешней, и с внутренней стороны это храм искусства. И работа в таком театре обязывает ко многому, нужно держать высокую планку, быть достойным этого театра. Хочется поблагодарить Главу государства за этот подарок артистам и зрителям.

Фото предоставлены театром «Астана Опера»
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20136
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Мар 21, 2018 9:33 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018032101
Тема| Балет, БТ, Премьера, Персоналии, Джон Ноймайер
Автор| Корр. ТАСС Ольга Свистунова
Заголовок| В Большом театре готовятся к премьере балета Джона Ноймайера "Анна Каренина"
Где опубликовано| © ТАСС
Дата публикации| 2018-03-21
Ссылка| http://tass.ru/kultura/5050978
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Премьерные показы совместной постановки ГАБТ и Гамбургского балета пройдут 23, 24, 25, 27 и 28 марта на Исторической сцене театра

Государственный академический Большой театр России (ГАБТ) готовится к премьере балета Джона Ноймайера "Анна Каренина" по одноименному роману Льва Толстого. В среду состоится генеральная репетиция спектакля, премьерные показы которого пройдут 23, 24, 25, 27 и 28 марта на Исторической сцене, сообщила ТАСС пресс-атташе ГАБТ Катерина Новикова.

"Анна Каренина" - это совместная постановка Большого театра с Гамбургским балетом, возглавляемым Джоном Ноймайером", - уточнила Новикова, отметив, что мировая премьера балета состоялась 2 июля 2017 года в Гамбурге и имела триумфальный успех.

Критики, присутствовавшие на премьере, писали, что "78-летний Джон Ноймайер создал свой самый современный балет о нашем времени - балет о сегодняшней России". Рецензенты сходились во мнении, что "Ноймайер будто стряхнул пыль веков с классики, поднеся зеркало вплотную к самой авансцене общественной и частной жизни современной России".

По признанию самого Ноймайера, для него было очевидно, что роман невозможно полностью воплотить на сцене за несколько часов действия. Хореограф подчеркивает, что, создавая свой спектакль, был "вдохновлен книгой Льва Толстого", которая стала для него "только точкой отсчета". Пресс-атташе ГАБТ добавила, что, по словам Ноймайера, "идея поставить балет "Анна Каренина" родилась у него в Большом театре.

Идея родилась в Большом

"Выдающийся хореограф современности, руководитель Гамбургского балета Джон Ноймайер часто обращается в своем творчестве к великим литературным источникам, - заявила Новикова. - Отдельной страницей в творчестве мастера стала русская литература".

Так, в Москве на сцене Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко шли его балеты "Чайка" по Чехову и "Татьяна" по "Евгению Онегину" Пушкина. С Большим театром Ноймайера связывают многие годы самой тесной дружбы. Неоднократный участник жюри и лауреат премии Бенуа де ла Данс, Джон Ноймайер поставил на сцене Большого два своих масштабных спектакля - "Сон в летнюю ночь" по Шекспиру (2004 год) и "Дама с камелиями" по Дюма (2014 год), напомнила пресс-атташе ГАБТ.

"А далее случился важный эпизод, - отметила она. - Ноймайер рассказывает, что после спектакля "Дама с камелиями" прима Большого театра Светлана Захарова призналась ему, что мечтала бы исполнить роль Татьяны в его одноименном балете. По мнению хореографа, эта роль не подходила Светлане. Но тогда же мгновенно ему в голову пришла идея, что Захарова могла бы стать замечательной Анной Карениной".

Так был задуман этот балет. Готовясь к постановке "Анны Карениной", Ноймайер побывал в доме писателя в Хамовниках, пересмотрел фильмы о нем, прочитал книги о его жизни и судьбе.

По словам хореографа, в спектакле он не стремился показать на сцене исторические реалии России XIX века. Его главное желание - разобраться в том, кто такие Анна, Каренин, Левин, Вронский, Кити, почему так складываются их отношения, и какие движения их души ведут к таким поступкам. Он стремится разобраться в том, что такое любовь, предательство, верность, долг.

"Я чувствую, чтобы сделать то, что я хочу, я должен дойти до самой сути, до стержня. - говорит хореограф, - Я должен поступить, как поступил Толстой - поместить это в свое время и там рассмотреть: что это значит - быть женщиной? Что ей позволено делать? Что значит быть мужчиной? Что ему позволено? Это центральная тема произведения. Мне кажется, сегодня я лучше знаю, как это сделать, чем 30 лет назад".

Современная "Анна Каренина"

"Политик Алексей Каренин, стремящийся к переизбранию, проводит митинг в Санкт-Петербурге, а граф Алексей Вронский в Москве вместе со своим полком готовится к матчу по лакроссу. Анна Каренина вместе с сыном Сережей поддерживает мужа", - с этого, как обозначено в программке, начинается балет Джона Ноймайера по роману Льва Толстого "Анна Каренина".

Ноймайер также выступил как сценограф, художник по костюмам и автор световой концепции спектакля. Костюмы главной героини выполнил дизайнер A-K-R-I-S Альберт Креймлер.

В балете "Анна Каренина" звучит музыка Петра Чайковского, Альфреда Шнитке, Кэта Стивенса. Дирижер спектакля - Антон Гришанин.

В Большой театр спектакль переносит сам хореограф и исполнители главных ролей в Гамбургском балете - Эдвин Ревазов (Вронский) и Иван Урбан (Каренин).

Роли героев романа в Большом театре репетируют: Светлана Захарова, Ольга Смирнова, Кристина Кретова (Анна), Денис Родькин, Артем Овчаренко, Артемий Беляков (Вронский), Семен Чудин, Андрей Меркурьев, Александр Волчков (Каренин), Григорий Иконников, Алексей Путинцев, Артем Калистратов (Сережа), Анастасия Сташкевич, Нина Капцова, Екатерина Шипулина (Долли), Михаил Лобухин, Егор Хромушин, Александр Водопетов (Стива), Дарья Хохлова, Евгения Саварская, Екатерина Фатеева (Кити), Денис Савин, Георгий Гусев, Артем Беляков (Левин) и другие.

Роман Льва Толстого "Анна Каренина" (дата первой публикации:1875 - 1877 годы) не раз интерпретировался в балете. Москва помнит и постановку Майи Плисецкой 1972 года, и гастроли петербуржцев - со спектаклем Алексея Ратманского (Мариинский театр), и одноименный балет Бориса Эйфмана. В театре Станиславского и Немировича-Данченко можно видеть "Каренину" в постановке Кристиана Шпука.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20136
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Мар 21, 2018 3:36 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018032102
Тема| Балет, Омский музыкальный театр, Премьера, Персоналии, Екатерина Жигалова (театр Бориса Эйфмана)
Автор| Беседовал Виталий Маевский
Заголовок| Екатерина Жигалова: «Эсмеральду я танцевала на выпускном в Новосибирском хореографическом»
Где опубликовано| © Сетевое издание БК55
Дата публикации| 2018-03-21
Ссылка| http://mc.bk55.ru/news/article/16777/?page=1
Аннотация| Премьера, Интервью

В Омском музтеатре объяснили, почему для партии Эсмеральды в одноименном балете, премьера которого запланирована на 27 марта, выбрали петербурженку Екатерину Жигалову.

По словам главного балетмейстера самого крупного местного учреждения Мельпомены Надежды Калининой, которая и осуществляет постановку спектакля, все солисты из соседних балетных Екатеринбурга и Новосибирска были заняты. Поэтому появилась кандидатура Екатерины Жигаловой – балерины знаменитой петербургской труппы Бориса Эйфмана.

«Когда я в прошлый раз работала в Омске главным балетмейстером несколько лет назад, я уже видела у нас Екатерину, и она мене очень понравилась», – пояснила г-жа Калинина свой выбор, намекая, что у Жигаловой омские корни.

Сама же балерина, которая заменит в омской постановке Нину Маляренко, на вопрос о том, насколько неожиданным было приглашение омичей, ответила так.



– Приглашение действительно было неожиданным, так как я на данный момент являюсь студенткой консерватории имени Римского-Корсакова в Санкт-Петербурге. У меня выпускной курс, предстоит предзащита и госэкзамены. И, когда поступило предложение, пришлось с завкафедрой утрясать этот вопрос. Надежда Станиславовна Калинина звонила мастеру, у которого она сама выпускалась. Он меня порекомендовал и отправил в добрый путь – творить и работать.

Партию Эсмеральды я танцевала на выпускном отчетном концерте, когда заканчивала Новосибирское хореографическое училище на 3 курсе. Исполняла па-де-де из классической версии балета – антре, адажио, вариации.

– Когда получите высшее образование в консерватории, кем сможете работать?

– Балетмейстером-репетитором. Это мне дает право работать с артистами, готовить к выпуску спектакли. Также диплом дает мне право заниматься переносом спектаклей и в соответствии с кондициями исполнителей вносить изменения в постановки классики, которые не повлияют на хореографию постановки в целом.

Я не люблю загадывать, но несмотря на диплом, который обеспечит меня работой после выхода на балетную пенсию, надеюсь еще потанцевать-поработать. Мне сейчас 32.

– Сложно ли было привыкнуть к омскому балету? Вы сотрудничаете с балетом Бориса Эйфмана, где, судя по всему, несколько иные требования.

– Да, вы правы. Там более насыщенный график работы. Я в театре Бориса Эйфмана артистка балета – танцевала и в кордебалете, и сольные партии. Конечно, темп и ритм работы в Омске и Санкт-Петербурге немного отличается.

Там ты с утра до вечера находишься на репетиционной базе и занят. Зачастую, когда тебе нужно подготовить сольную партию, то перерыв, который дается артисту балета в течение дня, он может сократиться с 4 часов до 2. В зависимости от того, что нужно готовить, какой материал. Если ты выдерживаешь и ты этого хочешь – ты работаешь. Если тебе это сложно – значит, ты принимаешь то, что сидишь запасным на лавочке.

– Как вы восстанавливаетесь при такой нагрузке?

– Сон. Нагрузка и в Омске в первые дни была немаленькая. Я изучала материал, который до меня был поставлен. Сейчас продолжаются постановочные. Целый день нахожусь в театре, домой возвращаюсь в 10 вечера.

– Насколько быстро удалось найти общий язык с вашими партнерами?

– Я сама уроженка Омска и свою балетную деятельность начинала в этом театре. С 5 лет присутствовала в Омском музыкальном. Знаю все залы, выступала на сцене. Сейчас в труппе работают ребята, с которыми я даже училась в Новосибирске. Они, правда, немного старше меня. Многие меня помнят – и педагоги, и сотрудники театра.

Но, когда ты приезжаешь немного в ином статусе, много лет живешь в другом городе, у тебя за плечами твой творческий багаж. Опасения были, что не все примут хорошо. Некоторые могут исподлобья смотреть.

Когда я вышла в балетный зал, выяснилось, что люди все открытые. С улыбкой, с уважением относятся. Непосредственно с теми партнерами, с которыми я участвую в спектакле, могу сказать, что контакт есть со всеми. Люди все профессиональные. Есть какие-то поддержки-переходы неудобные, но на то мы артисты, чтобы подсказать, попробовать по-другому.

Один раз не получилось, другой, но в следующий раз получится. Могу сказать всем своим партнерам, а у меня их на каждую партию по два, и с каждым нужно все проходить, пробовать какие-то вещи: мне комфортно со всеми работать.

фото: Сергей Макиенко
===================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20136
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Мар 21, 2018 7:31 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018032103
Тема| Балет, Ликбез
Автор| Анна Гордеева
Заголовок| Как менялся балет: объясняем на пальцах
Где опубликовано| © "Фонтанка"
Дата публикации| 2018-03-21
Ссылка| http://www.fontanka.ru/2018/03/19/145/
Аннотация|

Балерины далеко не всегда были стройными красотками и не всегда танцевали на пуантах. Как менялся балет с XIX по XXI век, специально для «Фонтанки» объясняет критик Анна Гордеева.

1 «На пальцах»

«На пальцах» — так называют балетные танцы на пуантах. Первой встала на пальцы в 1832 году Мария Тальони в «Сильфиде» и в пуантах она была одна-одинешенька: это был вызывающий жест, это была привилегия балерины.

Теперь же, когда на пальцах танцуют все выпускницы хореографических училищ, вызывающим жестом становится отказ от пуантов: так, в «Золушке» Жана-Кристофа Майо виртуозная балерина танцует босиком, а все остальные танцовщицы — в пуантах. Вместо сказочной туфельки — золотая краска на стопе; и правильно, не в обувь же принц влюбляется, а в фантастическую девушку. Впрочем, можно пуанты не убирать, а просто надеть сверху лыжи (как делает в одном из своих спектаклей балет Марибора).



2 «Красотки с фигурой»

Балерины времен Мариуса Петипа были невысоки ростом и значительно более упитанны, чем наши современницы (высоких поддержек не было, то есть мужчины не мучались, держа над головой фигуристых красоток).

Затем акселерация и эволюция балетной техники сказали свое слово: теперь классическая танцовщица обязана быть невесомой и обладать длинными конечностями.

Национальный балет Нидерландов собрал одну из лучших в Европе коллекций современных танцовщиц: их танец — праздник графики немыслимой красоты. Визит в амстердамский театр становится для туристов детоксом после музеев с Рубенсом.



3 «Неприличные пачки»

Всю вторую половину XIX века в театрах шли битвы вокруг балетных пачек: балерины старались укоротить их, подняв выше колен, начальство яростно штрафовало их за «неприличие».

Теперь такой проблемы нет: пачка может истончиться до маленького плоского круга (как у феи в «Золушке»), артистки танцуют и в трико (это особенно любят голландцы), и даже в ореховой скорлупе (как в швейцарском «Щелкунчике»). И даже тогда, когда балетмейстеры решительно возрождают старинный балет (как «Тщетную предосторожность» в Екатеринбурге), — художники по костюмам получают карт-бланш и творят с пачками вполне современные чудеса.

https://cdn.fontanka.ru/mm/items/2018/3/19/0117/999888.jpg

4 «Лошадиная музыка»

Вплоть до появления Чайковского балеты чаще всего ставились на неприхотливую, «служебную» музыку — меломаны часто презрительно называли ее «лошадиной», мол, под такую кони в цирке маршируют. Потом хореографы стали брать в работу все более сложные сочинения — и теперь можно увидеть на сцене спектакли на музыку Мориса Равеля (Йохан Ингер использовал в своём балете Walking Mad «Болеро» — и получил эффектный спектакль, ничем не напоминающий бежаровский), Франсиса Пуленка (Concerto Concordia Кристофера Уилдона в апреле привезет в Петербург Национальный балет Нидерландов) и даже рок-гитариста Микаэля Карлссона (гомерически смешной балетик «Левой, правой, левой, правой» скоро покажет в Петербурге Словенский Национальный балет Марибора).

5 «Домики» на сцене

Мода на декорации меняется и возвращается, как всякая мода: в одном веке художники тщательно строят домики и интерьеры (и оформление балета порой затмевает танец), в другом — решают обходиться очень условными декорациями, но зато выставляют немыслимой красоты свет (как случилось с «Золушкой» Майо, что не первый год с триумфом танцует Балет Монте-Карло). А потом появляется мода на реконструкции — и в екатеринбургской «Тщетной предосторожности» снова вырастают трогательные домики и интерьеры.

6
«Четвертая девушка у правой кулисы»


Структура старинного балета была пирамидальной: кордебалет — корифеи — солисты — балерина, спектакли императорских театров были выстроены по подобию империй. Зритель всегда знал, что прежде всего надо смотреть на балерину. Теперь — сложнее и интереснее: хореографы (в Амстердаме и Мариборе, например) вольно тасуют «центры внимания», заставляя нас влюбляться в четвертую девушку у третьей правой кулисы и до времени скрывая ведущую пару. В Женеве, Екатеринбурге и Монако разобраться со статусами проще — но вы все-таки присмотритесь в «Тщетной предосторожности» к девушкам на заднем плане, вас ждет много открытий.

https://cdn.fontanka.ru/mm/items/2018/3/19/0116/66655511.jpg


===================================================
Видео - по ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Апр 29, 2018 5:38 pm), всего редактировалось 2 раз(а)
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Камелия
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 08.10.2013
Сообщения: 1736
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Мар 22, 2018 9:16 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018032201
Тема| Балет, Персоналии, Мария Хорева, Мария Буланова, Екатерина Клявлина, Денис Захаров
Автор| Александр Фирер
Заголовок| Начиная танец с Петипа
Где опубликовано| © Журнал «Музыкальная жизнь» №3 (1184)
Дата публикации| 2018 март
Ссылка| http://mz.kmpztr.ru/nachinaya-tanec-s-petipa/
Аннотация| Фестиваль российских балетных школ

На Новой сцене Большого театра состоялось дефиле российских балетных школ

Фестиваль российских балетных школ «Посвящение Мариусу Петипа», приуроченный к празднованию 200-летия великого хореографа в Москве, увенчался грандиозным гала на Новой сцене Большого театра. Личность гениального хореографа Мариуса Петипа воистину имеет микеланджеловский масштаб в развитии классического танца. Уроженец Марселя более чем за полувековую службу в Императорском Мариинском театре создал более пятидесяти оригинальных балетов, многие из которых, войдя в легендарную историю танцтеатра и обретя статус шедевров, завоевали бессмертие. Его петербургские сочинения «Лебединое озеро» (совместно с Львом Ивановым), «Спящая красавица», «Баядерка», «Раймонда», «Пахита», «Корсар», «Дочь фараона» и поныне самые кассовые и рейтинговые спектакли любой балетной компании. Балеты «Дон Кихот» «Трильби», «Ночь и День», «Жемчужина» (последние два сочинены по случаю коронации Александра III и Николая II) создавались в Москве.


Александра Трикоз - Медора, Анастасия Дедикина - Гюльнара

Именно на опусах Петипа происходит становление балетного артиста, филигранно шлифуется мастерство танцовщика, оттачивается балеринский блеск. Владение стилем Петипа – залог творческого здравия любой большой труппы и непременное условие существования классического танца вообще. Двухсотлетний юбилей Петипа широко отмечается в России. Решено даже ввести знакомство с его наследием в обязательную программу общеобразовательных школ. В российской столице открылись выставки: «Два века Петипа» (куратор Сергей Конаев) в Театральном музее им. А.А. Бахрушина и «Балеты Мариуса Петипа в Москве» в МГАХ. Там же в Учебном театре прошли II Всероссийская научно-практическая конференция с международным участием «Актуальные вопросы развития искусства балета и хореографического образования», посвященная 200-летию со дня рождения М.И. Петипа, презентация книги «Балеты М.И. Петипа в Москве» (авторы-составители Марина Леонова и Юрий Бурлака), круглый стол по вопросам репертуара балетных школ и сохранения наследия Мариуса Петипа, выявления и поддержки одаренных детей в области искусства балета, многочасовой концерт участников фестиваля. Многие фрагменты из балетов Петипа были представлены в постановке и новой редакции Юрия Бурлаки, одного из известных реставраторов старинных балетов.


Мария Хорева - Аврора, Светлана Савельева - Диана, Мария Буланова - Геба, Александра Хитеева - Флора

В гала-концерте в честь великого хореографа на Новой сцене Большого театра приняли участие учащиеся из девяти ведущих балетных школ разных регионов России: Московской государственной академии хореографии (МГАХ), Академии Русского балета им. А. Я. Вагановой, Новосибирского государственного хореографического училища, Пермского государственного хореографического училища, Красноярского хореографического колледжа, Академии танца Бориса Эйфмана, Башкирского хореографического колледжа имени Рудольфа Нуреева, Якутской балетной школы (колледжа) им. Аксении и Натальи Посельских, Московского хореографического училища при Московском государственном академическом театре танца «Гжель». Хозяева фестиваля (МГАХ) стали самыми активными участниками гала, представив многонаселенный «Оживленный сад» и па де де Медоры и Конрада из «Корсара», индусский танец из «Баядерки», па де сис из «Эсмеральды», венгерский танец из «Раймонды», вальс и адажио Принцессы Авроры с четырьмя кавалерами из «Спящей красавицы». Наряду с технически крепкими девочками особенно выделялся одаренный Денис Захаров. Высокий ученический класс продемонстрировали студентки Академии Русского балета им. А. Я. Вагановой, подтвердив достойное реноме своей альма-матер: в па де катре «Розарий» из балета «Пробуждение Флоры» Риккардо Дриго – Мариуса Петипа в постановке Юрия Бурлаки были в центре внимания Мария Хорева (Аврора) и Мария Буланова (Геба). Екатерина Клявлина из училища при театре «Гжель» прекрасно показалась в роли Принцессы Авроры. Интересный фрагмент «Рождение балерины» из «Красной Жизели» представили эйфмановцы. Украшением вечера выглядели «Танцы часов» из оперы «Джоконда» в исполнении учащихся из Перми (это прозвучало и в память знаменитой Малики Сабировой, блистательно танцевавшей когда-то Царицу Ночи и участвовавшей с Евгением Качаровым в первом возобновлении этого номера).

Персонификация понятия классический балет идеальна в образе Петипа. Над академической гармонией блистательного мира его опусов время, кажется, не властно, а хореографии Петипа по высшим законам искусства уготовано вечное царствование на балетной сцене.

Фото Алексея Бражникова и Михаила Логвинова
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20136
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Мар 23, 2018 12:27 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018032301
Тема| Балет, Московский областной государственный театр «Русский балет», Персоналии, Вячеслав Гордеев
Автор| Анатолий Журин
Заголовок| Вячеслав Гордеев: Чайковский - самый балетный композитор в мире!
Где опубликовано| © газета "Труд"
Дата публикации| 2018-03-22
Ссылка| http://www.trud.ru/article/22-03-2018/1360532_vjacheslav_gordeev_chajkovskij--samyj_baletnyj_kompozitor_v_mire.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Сцена из спектакля «Шехеразада». Фото с сайта russballet.ru

Основатель и худрук «Русского балета» рассказал «Труду» о подробностях больших гастролей по городам Сибири

В эти дни Московский областной государственный театр «Русский балет», информационным спонсором которого является «Труд», совершает большое гастрольное турне по городам Сибири, посвященное 50-летию творческой деятельности своего художественного руководителя, народного артиста СССР Вячеслава Гордеева.

Гастрольный тур начался с представления балетов «Лебединое озеро» и «Щелкунчик» в Чите. В программе турне показ этих двух шедевров на музыку Чайковского в Улан-Удэ и в Иркутске, в Братске и в Ангарске, в Красноярске, в Новокузнецке и в Кемерово. Организаторы юбилейного гастрольного тура поставили своей задачей вызвать всплеск интереса к искусству классического танца, вдохновить на творческий поиск исполнителей и балетмейстеров, критиков и журналистов, пишущих о балете. О подробностях турне рассказал «Труду» основатель и худрук «Русского балета», заведующий кафедрой хореографии Института театрального искусства РАТИ (ГИТИС) Вячеслав Гордеев.

— Особенность тура — не только демонстрация творческих достижений нашего театра за годы его существования. В процессе выступлений ведущие педагоги коллектива проведут мастер-классы для учащихся местных хореографических учебных заведений, балетных студий. Такое своеобразное продолжение нашей творческой деятельности, призванной еще больше укрепить плодотворное сотрудничество театра с новым поколением артистической молодежи, посвятившей себя искусству хореографии. А еще — популяризация русского классического балетного искусства, сохранение великого наследия русской классической школы. Известное выражение «Пушкин — наше все» для деятелей балетного театра трансформируется в «наше все — это Петипа». С Петипа, 200-летие которого мы отмечаем в марте, по сути, начался русский балет, его мировая слава и мировые достижения.

Француз по происхождению, Мариус Иванович не просто десятилетия работал в России, но и вошел в наше сознание как истинно русский художник. Итогом его совместной работы с Чайковским стали спектакли, которые востребованы во всем мире. Они — точка отсчета для любого художника, берущегося за воплощение этих партитур. И, к слову, никто еще не смог превзойти Петипа. Неиссякаемая фантазия сочинителя хореографических композиций от вариаций до многофигурных ансамблей не просто заложила постановочные традиции, но и стала той плодородной средой, на которой произрастали балетные цветы последующих гениев танца — балетмейстеров и исполнителей.

Напомним, что Вячеслав Гордеев — звезда мировой балетной школы, обладатель Первой премии Международного конкурса артистов балета, престижных призов «Душа танца», Мориса Бежара, «Танцующий Икар», выдающийся танцовщик, балетмейстер, педагог. В 1970-80-е годы премьер Большого театра, на самом пике своей творческой карьеры возглавил небольшой концертный ансамбль классического танца и сумел вывести его на высокий художественный уровень, подтвержденный присвоением статуса государственного театра. За эти годы коллектив превратился в один из ведущих России, в его репертуаре многоактные спектакли, огромный концертный репертуар.

Сегодня театр «Русский Балет» известен и любим ценителями танцевального искусства не только в России. В своей гастрольной деятельности за рубежом он вносит огромный вклад в популяризацию русского балета и повышение престижа российской культуры в мире. Публика с воодушевлением принимает труппу в странах Европы, Северной и Южной Америки, Азии, Ближнего Востока. Большая часть репертуара — классическое наследие: «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик», «Жизель», «Золушка», «Коппелия», «Дон Кихот», «Шопениана», «Шехеразада», «Чиполино». Значительную часть репертуара составляют постановки самого Вячеслава Гордеева. В труппе более семидесяти танцовщиков, среди них заслуженные артисты, участники и победители международных конкурсов балета. В труппе постоянно работают и проходят стажировку артисты из Японии, Италии, США.

По мнению английской газеты «Western Morning News», «редко кому выпадает удача лицезреть современный талант России в таком блеске». В Германии «Русский балет» стал обладателем «Золотого билета», свидетельствующего о более чем стотысячной аудитории, посетившей его спектакли только в ходе одного турне. Театр, названный английским изданием TheJournal «витриной балетных талантов», был удостоен звания «Лучший балетный коллектив Европы», присвоенного Ассоциацией западноевропейских импресарио. Есть у театра и высокая российская театральная награда — престижная национальная премия имени Федора Волкова — основателя русского театра.

— Почему театр был назван «Русским балетом»?

— Сначала это был ансамбль «Классический балет», состоящий из 16 танцовщиков. Создавала его замечательная балерина Большого театра Ирина Викторовна Тихомирнова. Недомогание вынудило ее искать преемника, и она, зная о моем увлечении собственными постановками, предложила эту миссию мне. Поначалу, конечно, мы были еще слабенькими и ограничивались на гастролях показом концертных номеров — на целые спектакли тогда не замахивались. Но площадки были самые престижные: «Россия», Дворец съездов, «Олимпийский». Постепенно мы двигались к собственным полнометражным спектаклям. Фрагменты-то ведь были из самой что ни на есть балетной классики: «Дон Кихот», «Лебединое озеро», «Щелкунчик», «Жизель», «Спящая красавица». Обратите внимание — сплошь русская классика. Так стало очевидным и название коллектива: «Русский балет».

— Балеты на музыку Чайковского стали визитной карточкой коллектива?

— Скажу больше: организаторы гастролей театра за рубежом чаще всего просят нас привезти им именно знаменитую триаду: «Лебединое озеро», «Щелкунчик», «Спящую красавицу». Объяснение простое: во-первых, считаю (и не только я!), что Чайковский — самый балетный композитор в мире. Плюс, конечно, Прокофьев и Стравинский. И в этом я вижу еще одну миссию театра — пропагандировать русское классическое хореографическое искусство. Потому, несмотря на свою большую занятость, согласился несколько лет назад возглавить кафедру хореографии в ГИТИСе.

— Балет, как известно, требует большой физической и эмоциональной нагрузки...

— Я бы добавил, что покоряется это искусство сильным, энергичным и образованным людям. Я и в далекой молодости вставал раньше других коллег к станку, и сегодня стараюсь не терять формы — каждое утро начинаю с класса. Вспоминаю давние гастроли вместе с Марисом Лиепой на Кипре. Он уже был довольно известен, а я только начинал карьеру в театре. И вдруг он заболевает, и мне приходится его подменять. Приходилось танцевать по семь номеров в концерте. Помню, меня переодевали 13 человек из обслуги. Я танцевал и «Пламя Парижа», и «Дон Кихот», и «Шопениану». Уставал так, что на ноги трико не мог натянуть — руки не слушались. Потом он мне признался: «Ты видишь, я в таком возрасте, что в любой момент могу заболеть, и это печально». Я вспоминаю теперь тот разговор и все время думаю, а смогу ли быть в такой же форме через две-три недели, чтобы выглядеть собранным. Поэтому и заставляю себя придерживаться того же режима, что и много лет назад.

— Что помогает вам рассмотреть в своих учениках будущую балетную звезду?

— Я вообще противник, чтобы кого-то называли звездой. За долгие годы пришел к мысли, что талантливее нашей молодежи в мире нет. Именно она, исполняя за рубежом русскую классику, помогла России занять ведущие позиции в балете. А вообще, когда я беру на свой курс талантливых новичков, мой принцип — не мешать им совершенствоваться.

— Наверное, не все знают, что вы, пожалуй, единственный в мире артист балета, который умудрился еще и окончить журфак МГУ?

— За что очень благодарен своему наставнику Ясену Николаевичу Засурскому — дай бог ему здоровья. А получилось это, когда я принимал участие в создании журнала «Советский балет». Не люблю дилетантов, которые берутся рецензировать наше искусство, разбираясь в этом, мягко говоря, не очень. И, кстати, после окончания учебы я пошел и в аспирантуру.

— Оглядываясь в прошлое, могли бы назвать самую памятную гастроль руководимого вами театра?

— Это было под Новый 2015 год в Германии, где, кстати, мы гастролируем подряд уже более трех десятилетий. Мы стали тогда единственным российским коллективом, удостоенным чести выступить на праздновании, посвященном годовщине Евросоюза. Танцевали под Девятую симфонию Бетховена при плюс четырех градусах. Представляете состояние артистов в тонких трико и в пачках? Но ребята не ударили лицом в грязь перед миллионной аудиторией у Бранденбургских ворот. За три с половиной минуты мы показали фрагменты из 14 балетных постановок. Публика сотрясала воздух овациями, зрелище было грандиозное. Это незабываемо!
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20136
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Мар 23, 2018 12:47 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018032302
Тема| Балет, Азербайджанский государственный академический театр оперы и балета, Персоналии, Алена Ковалева, Якопо Тисси (БТ)
Автор| Кямаля Алиева
Заголовок| Что больше всего понравилось солистам Большого театра в Баку?
Где опубликовано| © Sputnik Азербайджан
Дата публикации| 2018-03-22
Ссылка| https://sptnkne.ws/hbWB
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Зарубежные солисты рад, что наконец посетили Баку и выступили перед бакинской публикой, представив знаменитый балет Петра Чайковского.

На днях на сцене Азербайджанского государственного академического театра оперы и балета был представлен знаменитый балет Петра Чайковского с участием солистов Государственного академического Большого театра России, лауреатов международных конкурсов артистов балета Алены Ковалевой и итальянца Якопо Тисси.

Будучи в Баку солисты дали интервью корреспонденту Sputnik Азербайджан и поделились своими впечатлениями о Баку.

— Как мне известно, вы впервые в Баку. И как вам наш город?

Я.Тисси: Да, впервые. Рад, что для нас создали возможность посетить этот красивый город. Мы приехали всего на три дня, поэтому не очень много смогли посмотреть. У вас настолько интересный город, что нужна неделя, чтобы вдоволь прогуляться по нему. Мне понравились и старые, и новые здания. Будем надеяться, что нас вновь пригласят сюда.

А.Ковалева: Мне очень понравился Баку. Нам удалось прогуляться по набережной, подышать морским воздухом. Я сама из морского города Санкт-Петербурга, поэтому сразу же была в восторге, когда увидела море. Очень хотелось бы увидеть и другие места Баку, но работа для нас на первом месте, а потому уже прогулки.

— Не трудно было работать с азербайджанскими солистами?

А.Ковалева: Мы сразу же почувствовали доброжелательную атмосферу – и в театре, и в труппе. Это очень помогает актерам. В каждом коллективе есть какие-то свои особенности, поэтому приятно, когда твои коллеги помогают тебе и делают все возможное, чтобы все прошло на высоком уровне. Так и произошло. Мы остались довольны от своего выступления, как будто годами играли на бакинской сцене. Волнение, конечно же, было, но потом все исчезло. Рада, что результат был хороший, потому что играть балет Петра Чайковского "Лебединое озеро" всегда очень трудно и ответственно.



Я.Тисси: Мне всегда приятно играть на сцене с актерами из других стран, потому что это позволяет поделиться опытом, научиться чему-то новому. У вас очень профессиональные солисты, поэтому приятно было выступать с ними на одной сцене. Мы с Аленой очень волновались, так как всегда трудно первый раз на новом месте, но труппа театра создала для нас все условия, чтобы мы ни в чем не нуждались. Мы благодарны руководству Театра оперы и балеты. Также хочу заметить, что премьера балета "Лебединое озеро" с нашим участием в Большом театре состоялось в 2017 году, и все остались довольны. Мы рады сейчас представить его в Баку.

— Расскажите немного о себе. Как получилось, что вы выбрали балет?

А.Ковалева
: У нас в семье нет танцоров. Вначале я танцевала просто для себя, посещала частные уроки. Затем мне предложили пойти на подготовительные курсы в Академию Вагановой. Со временем я начала получать удовольствие от танца и поняла, что это — мое. На данный момент обучаюсь в Вагановской Академии.

Я.Тисси: Я начал заниматься балетом в пять лет. Когда я увидел по телевизору балет, то сразу же сказал родителям, что хочу танцевать. В 11 лет поступил в балетную школу театра Ла Скала. Это имело большое значение для меня, поскольку я почти ничего не знал о профессиональном балетном мире. В 2013 впервые посетил Россию вместе с балетной школой Ла Скала и принял участие в классе Николая Цискаридзе Московской государственной академии хореографии. Мне было приятно, что после окончания обучения меня сразу же пригласили быть солистом Большого театра в России. Для меня это было возможностью продемонстрировать свой талант. Труппа театра меня очень хорошо приняла. В Большом театре мечтают играть многие, поэтому счастлив быть его частью.



— Якопо, вы очень хорошо говорите по-русски. Вам нравится жить в Москве?

— Да, иногда мне трудно понять что-то. На данный момент изучаю русский язык, так как хочу в совершенстве им владеть. Мне очень нравится Россия. Она не похожа на Италию, но я уже привык. Хочу остаться жить в Москве.

— Что самое главное для балетного танцора?

Я.Тисси:
Я считаю, что танцор должен обладать настойчивостью и терпением. У каждого есть свои недостатки и достоинства, и каждый знает свои слабые места. Даже, если у тебя сильная техника, все равно нужно заниматься.

А.Ковалева: Самое главное — терпение. Не все балерины могут справиться с напряжённым графиком работы. Мы весь день репетируем, работаем над новыми ролями, поэтому на отдых вообще нет времени. Несмотря ни на какие трудности, я люблю балет.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20136
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Мар 23, 2018 9:53 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018032303
Тема| Балет, БТ, Премьера, Персоналии, Джон Ноймайер
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| «Я не считал возможным просто иллюстрировать книжку»
Джон Ноймайер об «Анне Карениной» и Большом театре

Где опубликовано| © Газета "Коммерсантъ" №49, стр. 11
Дата публикации| 2018-03-23
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/3579625
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Фото: Михаил Логвинов/Большой театр


Сегодня на Исторической сцене Большого театра состоится российская премьера «Анны Карениной» в постановке Джона Ноймайера — копродукция Гамбургского балета, Большого театра и Национального балета Канады. Накануне премьеры Татьяна Кузнецова расспросила Джона Ноймайера о его балете.


— Для постановки «Анны Карениной» вы приезжали в Москву несколько раз. Над чем вы больше всего работали?

— Мне пришлось работать абсолютно надо всем, ведь я не только хореограф, но и дизайнер этого спектакля. Световая концепция, костюмы тоже мои. Поэтому я занимался и общей постановочной работой, и в то же время пробовал понять специфику Большого театра, потому что у каждой сцены есть своя персональная жизнь, своя индивидуальность. И понятно, что «Анна Каренина» на сцене Большого театра будет выглядеть не так, как в Гамбурге, или как в Канаде, или на других сценах, когда Гамбургский балет повезет этот балет на гастроли.

— Вы готовили «Анну Каренину» с 2013 года. Долго.

— Я думал о ней четыре года, а ставил один сезон: начал репетировать с некоторыми солистами в сентябре 2016 года, а гамбургская премьера была 2 июля 2017 года.

— Детский вопрос: как вы, хореограф, работаете над декорациями и костюмами? Эскизы рисуете?

— Эскизы костюмов — да, рисую. А декорации «Анны Карениной» — это конструкции, тут нужен сразу объем — макет. Центральным элементом оформления я решил сделать дверь — открывающуюся, закрывающуюся. Ведь Анна впервые сталкивается с Вронским случайно: дверь открывается, кто-то заходит... Хореографию я начал ставить еще до того, как придумал декорации, и в сценографии исходил из принципа исключительной простоты. Этот роман так богат людьми и их характерами, что я не хотел тратить время на оформление. И хотел, чтобы мой зритель не тратил время на критику или восхищение декорациями, а сконцентрировался на людях и их судьбах.

— Но костюмы самой Анны вы поручили одной из дизайнерских фирм. Почему?

— В романе очень подробно описывается, как одевается Анна. Когда она возвращается домой после встречи с Вронским, целых три абзаца посвящено ее одежде. Ясно, что это важно и для нее, и для Толстого. Я хотел, чтобы было четкое различие между нарядами Анны и остальных, и поэтому решил, что Анне Карениной нужен свой кутюрье. Я пригласил дизайнера Альберта Краймлера, потому что в своих вещах он сочетает нечто очень простое, современное и в тоже время очень женственное. Я могу себе представить, что моя Анна могла бы покупать его вещи.

— Плисецкую-Анну тоже одевал Карден.

— Но он, наверное, пытался сделать исторические костюмы.

— Да, и было очень трудно сделать костюмы с турнюром, удобные для танца.

— Самый важный экспрессивный элемент моего спектакля — артисты. Моя главная работа в Москве заключалась в том, чтобы найти баланс между тремя составами «Анны Карениной». В этом балете много ролей, разные характеры, сложные взаимоотношения. Надо было добиться, чтобы для каждого из трех составов происходящее на сцене стало настоящей реальностью. А это очень трудно, ведь все исполнители очень разные.

— Вы довольны российскими артистами?

— Конечно. Меня очень трогает, что каждый из солистов в каждой роли в каждом составе очень преданно отдается работе, хочет присвоить роль, сделать ее своей. Я и мои педагоги не требуем от артистов быть похожими на первых исполнителей. Хореография — это только текст, как бывает текст от Шекспира, Ибсена, Пушкина. Артисты выучили его с моими ассистентами, а теперь через свой индивидуальный танец передают свою интерпретацию текста. По-моему, каждый из трех составов российской «Анны Карениной» не похож на другой.

— Совсем не так было в 2004 году, когда вы ставили в Большом «Сон в летнюю ночь» и артисты отлынивали от репетиций так, что не удалось набрать даже один состав.

— Не знаю, почему вы возвращаетесь к этому идиотскому вопросу. Мне кажется это неинтересным. Тогда была другая труппа, другой руководитель, да и сам я был другим человеком.

— В первом составе Анну танцует Светлана Захарова…

— Светлану я знаю давно, еще с Петербурга, когда я с ней работал над абстрактным, бессюжетным балетом. Вижу ее постоянное развитие как балерины и актрисы, видел ее работу над ролью Маргариты Готье в «Даме с камелиями». Мне кажется, что партия Анны дает возможность показать еще более широкий спектр чувств. Светлана очень смело подходит к этой роли.

— Я знаю четыре версии Анны Карениной, начиная с балета Майи Плисецкой. А вы видели работы ваших предшественников?

— Может быть, много лет назад видел балет Ратманского. Возможно, видел фильм с Плисецкой, но не уверен. Если бы я ее видел, я бы не забыл.

— В сравнении с вашими ранними работами по литературным произведениям, вы сейчас гораздо решительнее обходитесь с первоисточниками.

— Я так не думаю. С самого первого балета — «Ромео и Джульетты» — я не считал возможным просто иллюстрировать книжку балетными движениями. Мы же не мясорубка, которая перемалывает в один фарш Пушкина, Толстого, Шекспира. Это разная литература, каждая требует своей формы, своего сценического решения, это очень сложный процесс. Если посмотреть хотя бы «Отелло» или другие мои балеты, можно увидеть, как активно я работал с первоисточниками.

— Я имею в виду прежде всего «Татьяну», которая идет в Музтеатре Станиславского. Там Онегин хлещет водку прямо из горлышка, на именинах Татьяны танцуют красноармейцы. «Анну Каренину» вы тоже перенесли в современность. Зачем? Ждет ли нас что-то радикальное?

— Знаете, вы такой вопрос задаете, что почти невозможно ответить. Я никогда не стремился быть радикальным. Я всегда хотел быть честным в своих интерпретациях. Если вы пытаетесь убедить меня в том, что я был радикален в балете «Татьяна», мне нужно время, чтобы защитить себя, объяснить, почему я так сделал. Но не думаю, что это предмет нашего интервью. Были очень конкретные причины, почему я решил перенести «Татьяну» в советский период. Если Онегин пьет из бутылки водку, мы должны понимать, что характер в балете продиктован не словами литературного произведения, но теми мотивациями, которые за ними стоят. А за словами Пушкина виден очень импульсивный человек, который может и напиться, и сделать что-то необычное. И я протестую, когда меня обвиняют в склонности к сенсациям. Это не было мотивацией ни в одной моей работе, никогда. Я думаю, что в каждом великом произведении кроме национального есть нечто универсальное. Поэтому я не делаю «Пера Гюнта» для норвежцев или «Татьяну» для русских. Меня интересуют международные ценности, общие для всех людей. Когда меня обвиняют в том, что Татьяна во время венчания стоит не с той стороны от жениха, я понимаю, что это может шокировать. Но странно, что за три месяца репетиций в России ни один человек мне об этом не сказал. И сейчас смешно все это обсуждать.

— Так вернемся к «Анне Карениной».

— Тут тоже международная интерпретация. Да, мои герои в современной одежде. Но ведь и Толстой писал свою историю о современном ему времени. Когда он начинал роман, он сам не знал его конца. Он писал сериями, все черпал из своей жизни. Стрессы, ситуации, конфликты его времени и вошли в это произведение. Конечно, можно напустить дыму на сцене, из дыма выходила бы Каренина с вуалью на лице в роскошном платье 1870-х годов. И все бы восхищались: как чудесно! Но к сегодняшней жизни это не имело бы отношения. А мне кажется, что чувство сопричастности в балете гораздо важнее внешней красивости.

— Ваш Каренин — кандидат в президенты, тема совпала с нашими выборами. По-вашему, это повредит спектаклю или сделает его еще актуальнее?

— Как я могу это знать? Естественно, совпадение случайное. Мне было важно подчеркнуть в Каренине политика. Это помогает понять, что Анна для него просто красивая кукла из его команды, играющая на его стороне. Он гораздо больше озабочен своей репутацией, чем неверностью жены. У Анны в этом браке нет своей жизни, и это важная часть конфликта романа.

— Как вы подбирали музыку к своему балету?

— В первую очередь я искал музыку, которая бы отражала время, когда писалось это произведение. Поэтому появился Чайковский: он жил в те времена, Толстой был его поклонником. Но ведь «Каренина» не мыльный сериал со сладким саундтреком. Эмоции тут такие экстремальные, что мне была нужна музыка с более сильными эмоциональными качествами, чем у Чайковского, музыка, которая шокировала бы всех. И я выбрал Альфреда Шнитке. И еще в «Карениной» очень важен мотив мужика, которого часто упускают. А ведь Толстой проводит его через все произведение, иногда совершенно неожиданным образом, у меня это тоже Шнитке. Музыка объясняет характеры героев балета. Итак, у нас уже есть Каренин-рационалист. Вронский, чувственный до физиологичности. А третий важный человек — Левин, и мне нужна была форма его определения, которая опять-таки шокировала бы всех. И тогда я выбрал музыку, от которой после Чайковского и Шнитке возникает ощущение свежего воздуха. Это музыка Кэта Стивенса. И любопытно, когда мы изучали характер Левина и жизнь Стивенса, между ними обнаружились параллели: оба они люди в поиске. Кэт был очень известный певец, который перестал писать песни, потому что искал высших ценностей в жизни. Он принял ислам, стал называться Юсуфом Исламом. И его музыка идеально совпала с темой Левина — такой спонтанной и естественной духовностью.

— В этом году исполняется 140 лет со дня первого издания «Анны Карениной». В каком возрасте вы впервые прочитали этот роман? Изменилось ли ваше отношение к нему?

— Абсолютно. Я прочитал «Каренину» лет в пятнадцать-шестнадцать, потом видел много фильмов, и довольно долго мне казалось, что меня совершенно не интересует эта история. Я не находил в ней ничего, что имело бы ко мне отношение. Но несколько лет назад, перечитав роман, я обнаружил, что это совершенно не то, что я помнил. В этом колоссальном произведении только 40% про Анну Каренину и столько всего про все остальное! Сколько характеров, как выписаны, какие полнокровные, объемные, как в 3D, мне кажется, что все эти характеры жили в самом Толстом, пока он писал эту книгу. Нельзя сказать, кто хороший, кто плохой в этом романе. Все эти Кити, Стивы, Долли удивительные, проявляют самые разные аспекты своей личности, и, по-моему, именно в этом выражается их подлинная человеческая сущность. И это объясняет для меня эпиграф книги «Мне отмщение и Аз воздам». Толстой имеет в виду, что только Бог может судить, кто прав, кто виноват. И только он имеет право на возмездие.

— А в вашем балете есть персонажи, к которым относитесь с большей любовью, чем к остальным?

— Нет. Это было бы нечестно по отношению к другим. Как если бы одного своего ребенка любить больше, чем другого.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Апр 29, 2018 5:44 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20136
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Мар 23, 2018 10:44 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018032304
Тема| Балет, БТ, Премьера, Персоналии, Джон Ноймайер
Автор| Яна Жиляева
Заголовок| Что невиданного покажет Большой в новом балете «Анна Каренина»
Где опубликовано| © Forbes
Дата публикации| 2018-03-23
Ссылка| http://www.forbes.ru/forbeslife/359065-chto-nevidannogo-pokazhet-bolshoy-v-novom-balete-anna-karenina
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Премьера по Гамбургскому счету: секс на музыку Шнитке, трактор и танцы с косами

23 марта в Большом — премьера балета «Анна Каренина». Роман Льва Толстого инсценирует американский хореограф Джон Ноймайер, многолетний худрук Гамбургского балета. Постановочные расходы Гамбургский балет и Большой театр разделили, вступив в так называемую копродукцию. Мировая премьера «Анны Карениной» прошла в июле 2017 года в Гамбурге. Сейчас настала очередь Москвы.

Зачем смотреть «Анну Каренину» тем, кто уже читал роман

В среднем, с момента изобретения кино, роман Толстого экранизируют каждые три года, а все первые красавицы своего времени стремятся сыграть Анну: Грета Гарбо, Вивьен Ли, Марлен Дитрих, Татьяна Самойлова, Жаклин Биссет, Софи Марсо, Татьяна Друбич, Кира Найтли, Елизавета Боярская. По мотивам романа непрерывно создают телесериалы, драматические спектакли, мюзиклы, оперы и балеты. У новой «Карениной» в Большом в Москве большая компания: в репертуаре Театра Вахтангова — пластическая драма Анжелики Холиной, в Музтеатре Станиславского и Немировича-Данченко — балет Кристиана Шпука, в Театре оперетты — мюзикл Романа Игнатьева с текстами Юлия Кима.

Из всех мировых хитов о любви со смертельным исходом Анна Каренина — единственная героиня, погибающая от своей любви, без отягощений сословным неравенством и унижений бедностью, безденежьем, в отличие, например, от госпожи Бовари или Дамы с камелиями, Травиаты.

Способность успешных людей испытывать чувства такой силы, чтоб влюбиться без памяти, погубить свои карьеры и репутации, сгореть от страсти вызывает неуемное человеческое любопытство, независимо от политических и экономических ситуаций, международной обстановки и научно-технического прогресса. Аристократический мир рухнул, социальная роль женщины принципиально изменилось, церковные браки сменили гражданские, бракоразводные процессы стали нормой жизни, вместо балов знакомятся в Tinder — ландшафт романа Толстого исчез — а история Анны Карениной никуда не делась. Способность Анны Карениной генерить страсть, выражаясь современным разговорным языком, — такой же феномен, как, например, батарейка, заряжающая айфон за 30 секунд, стартап Абрамовича. Чем рациональнее время, тем дороже настоящие чувства. Как в начале романа подметил Толстой, «все счастливые семьи похожи друг на друга, каждая несчастливая семья несчастлива по-своему», так каждая постановка «Анны Карениной» дает новую версию ответа, каково это полюбить так страстно, чтобы умереть от любви.

Поддержать новую работу Джона Ноймайера в Большом выстроилась очередь из спонсоров и меценатов: компании «Северсталь» и ювелирно-часового дома Cartier ( компания давно приятельствует с театром, реставрировала старинную мебель, приглашала Монику Белуччи на открытие и устраивала ужин в честь 80-летия Майи Плисецкой, но выдать денег на балет — €100 000 стандартная плата за право быть спонсором спектакля — решилась в первый раз) до Андрея Костина, который пожертвовал на постановку свои личные средства.

Что нового расскажет хореограф Джон Ноймаейр об Анне Карениной

В Москве у Джона Ноймайера репутация гениального интерпретатора русской классики. До «Анны Карениной» в Большом на сцене музыкального театра Станиславского и Немировича-Данченко шли его балеты «Чайка» по Чехову и «Татьяна» по Пушкину.

О том, чем его заинтересовал роман Толстого в наше время, Джон Ноймайер рассказал на своем творческом вечере в театральном музее имени Бахрушина за несколько дней до премьеры, убежав со световой репетиции (Джон Ноймайер — не только хореограф-постановщик балета, но и автор либретто, сценографии, художник по костюмам и создатель концепции светового оформления). Ноймайер, литературовед по образованию, напомнил, что никогда не инсценирует литературные произведения буквально, а исследует круг авторских идей в контексте времени, а потом, опираясь на собственные впечатления, сам моделирует ситуации на тему сюжета романа. Так, рассказал хореограф, посмотрев «Чайку» Андреа Брет в театре «Шаубюне», он понял, что в пьеса Чехова — это треугольник отношений «любовь-жизнь-театр», и поставил свою «Чайку», превратив Треплева в хореографа-модерниста, Аркадину — в балерину классического балета, а Тригорина — в хореографа-академиста.

Рассуждая об «Анне Карениной», Ноймайер обратил внимание на то, что в романе Толстой описывает актуальные, современные ему события. Например, в финале Вронский уезжает на сербско-турецкую войну, которая началась в 1876 году, то есть во время создания первых глав романа в 1873 году, ни о какой войне еще речь не шла. Пользуясь приемом Толстого, создатель балета перенес свою «Анну Каренину» в наше время. Поэтому паровоз — только игрушечный, в руках у Сережи, зато Кити и Левин носят клетчатые рубашки канадских лесорубов и ездят по сцене Большого на тракторе, а Вронский вместо скачек играет в лакросс.

Выбирая музыку к балету, хореограф сделал ставку на Чайковского, добавив Альфреда Шнитке ( все откровенные, сексуальные сцены идут под Шнитке) и Кэта Стивенса, взявшего имя Юсуф Ислам после перехода в ислам. По мнению Ноймайера, его духовные искания близки поискам смысла в жизни Константина Левина.

В «Анне Карениной» хореографа Ноймайера нет правых и виноватых: «Герои могут прекрасными людьми и одновременно совершать чудовищные поступки. Ведь даже Орфей оглянулся в подземном царстве, спустившись за Эвридикой».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20136
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Мар 23, 2018 10:50 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018032305
Тема| современная хореография, студия Дианы Вишневой Context Pro, Персоналии, Алексей Кононов
Автор| Полина Виноградова
Заголовок| Болезнь Федры и время Аллы
Где опубликовано| © "С.-Петербургские ведомости"
Дата публикации| 2018-03-22
Ссылка| https://spbvedomosti.ru/news/culture/bolezn_fedry_i_nbsp_vremya_ally/
Аннотация|


Ника Цхвитария и Андрей Арсеньев (Мариинский театр), исполнители партий Федры и Ипполита. ФОТО Марка ОЛИЧА

Этой весной студия Дианы Вишневой Context Pro начала проводить открытые репетиции и встречи с современными хореографами. Впервые зрители получат возможность наблюдать обычно закрытый для публики процесс.

Приоткрыть завесу тайны между замыслом и его воплощением решится не каждый хореограф. Первым смельчаком стал Алексей Кононов, выпускник Вагановской академии, основавший собственную танцевальную компанию в Берлине. Петербургские зрители видели его балеты F 63.9 и «Время женщины» на Малой сцене БДТ им. Г. А. Товстоногова.

Он позволил всем желающим понаблюдать за репетицией балета F 63.9 по трагедии Марины Цветаевой «Федра» (F 63.9 - это международный код, означающий «любовь» в официальной классификации болезней). Партии Федры и Ипполита исполнили солисты Мариинского театра Ника Цхвитария и Андрей Арсеньев. Этот балет - личное высказывание хореографа о любви и падении.

Постановка создавалась в Берлине с немецкими артистами. По словам Кононова, самое трудное было объяснить немцам однокоренные слова «падшая женщина» и «грехопадение». Тема осознания своей греховности и трагического искупления греха проходит лейтмотивом спектакля и отчетливо слышна в музыке Альфреда Шнитке. Воплотить «Федру» посредством танца Алексей Кононов задумал почти двадцать лет назад. Несколько раз перечитывал трагедию, ему казалось, что Марина Цветаева будто написала либретто для балета. Диалогов практически нет. Сплетенье рук, сплетенье ног и судеб.

«Хотелось понять, как, зачем и почему такое возможно. Я пытался довести историю до предельной интимности, показать взаимоотношения двух людей, которые не могут сойтись вместе. Никогда», - признался Алексей Кононов.

Найти свою Федру было очень трудно. Партию главной героини репетировали балерины берлинского Staatsballett, но так и не сумели станцевать, как велел российский хореограф, «чувствами, а не мышцами, чтобы танец исходил из нутра, как крик раненой души». И вот появилась восемнадцатилетняя Агнешка. Совсем юная балерина передала то, что не получилось выразить у сорокалетних звезд берлинского балета.

В Петербурге Федру найти тоже было непросто. Но она нашлась - умеющая танцевать «чувствами, а не мышцами» Ника Цхвитария. Партия Федры безумно сложная. Руки как плети, руки как крылья, ноги подкашиваются, разъезжаются. Ей больно, очень больно. Ее ломает, скручивает, тело горит от нервного напряжения. Как будто балерину кружит ураганный ветер, а она как веточка на этом ветру, дрожит и трепещет, еще не сломленная, но уже бессильная.

«Каждый твой шаг - это точка, ей нет покоя», - говорил Кононов... Звучала музыка Шнитке, похожая на стон. Андрей Арсеньев, исполнитель роли Ипполита, танцевал легко и непринужденно - никакого чувства вины, никакого страдания. Сама полюбила, никто не велел...

Второй балет, который привез Алексей Кононов в Петербург, называется «Время Женщины». Именно так - с большой буквы. Спектакль посвящен Алле Осипенко. Под музыку Иоганна Себастьяна Баха и Мортона Фелдмана танцовщики Камилла Мацци и Андрей Арсеньев с помощью пластики, показывающей красоту сильного и гибкого тела, рассуждали... о старости. Но старости не как увядании красоты, напротив, о том явлении, мимолетном и оттого прекрасном, которое в природе зовется осенью.

Идея возникла десять лет назад - к юбилею Аллы Евгеньевны. Она же репетировала главную роль, но состояние здоровья не позволило балерине выйти на сцену. Премьеру пришлось отложить до следующего юбилея. Через пять лет спектакль станцевали в Германии, но без участия Осипенко. Хореограф Алексей Кононов может часами рассказывать о своей дружбе с выдающейся балериной. В 1999 году он поставил для Аллы Осипенко балет «...но облака...» по пьесе Сэмюэля Беккета, абсурдный и парадоксальный, как многие жизни и судьбы.

Историю близкой дружбы со своей музой Алексей Кононов рассказал так живо и искренне, что казалось, он читал личный дневник.

«Мне было страшно озвучить, что я чувствую, показать, кто я есть», - признался хореограф.

То же самое станцевать уже не так страшно, да.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20136
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Мар 23, 2018 11:29 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018032306
Тема| Балет, Персоналии, Николай Цискаридзе
Автор|
Заголовок| Николай Цискаридзе: «В балет пора вернуть звезду»
Где опубликовано| © «Приморская газета»
Дата публикации| 2018-03-23
Ссылка| http://primgazeta.ru/news/nikolaj-ciskaridze-v-balet-pora-vernut-zvezdu-22-03-2018-06-58-39
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Николай Цискаридзе — человек, ставший легендой. Один из самых молодых народных артистов, премьер Большого театра и звезда мировой сцены. В отношении него регулярно звучали эпитеты «блестящий» и «эталонный». Его решение пять лет назад завершить карьеру для многих стало ударом, начали раздаваться разговоры о конце эпохи. Однако, как оказалось, преждевременно. Николай Цискаридзе продолжил творить уже в Академии Русского балета им. А. Я. Вагановой. И снова триумф — за пять лет его руководства ежегодные концерты учащихся балетной школы на сцене Кремлевского дворца превратились в культурное событие жизни двух столиц. Сейчас Николай Максимович принимает активное участие в работе над новым российским Законом о культуре. О важности государственного регулирования отрасли и о том, зачем нужна звезда в театре, «Приморская газета» беседует с ректором Академии Русского балета Николаем Цискаридзе.

— Поймала себя на мысли, что из-за большого количества материалов о вас складывается впечатление, что все уже спрошено и обо всем уже узнано.
— Я уже как-то говорил, что, когда человека часто показывают, складывается впечатление, что он действительно очень хорошо знаком. Когда люди встречают меня в музеях, на улице, в аэропорту, они подходят и начинают со мной разговаривать в полном ощущении, что знают меня, причем не один год. Я тоже иногда бываю в подобной ситуации, когда встречаю где-то людей, знакомых мне только по экрану телевизора.

— Николай Максимович, за март вы два раза прилетали во Владивосток. И оба раза, в том числе, по политическим мотивам. Чем объясняется ваша поддержка именно Владимира Путина?
— Почему Путин? Я этого человека много лет наблюдаю со стороны. За это время он повзрослел, но его энергия, работоспособность совершенно не изменились. Будучи сам руководителем, а любой театр, музей, любая библиотека — это маленькое государство, я понимаю, с какими трудностями ему приходится сталкиваться. Мое государство достаточно большое, хотя, конечно, с масштабами ВГУЭС, ДВФУ или, тем более, МГУ, не сравнить. Но это очень большой коллектив, огромное количество зданий и невероятно плотный график у меня, как у ректора. И, наблюдая за Владимиром Владимировичем, я иногда прихожу в замешательство: сколько же ему приходится делать и какое количество обращений выслушивать и реагировать на них.

— Нескончаемый поток?
— Как иллюстрация. В 2017 году у меня была очень удивительная история. Много лет я мечтал побывать в Бутане. Это очень маленькая страна в Гималаях, и сейчас она испытывает определенные сложности, так как на ее территорию начали претендовать и Китай, и Индия. А Бутан уникален тем, что в этой стране никогда не было войны, у них нет армии, которая их бы охраняла: не нужно было готовить военных для защиты своих рубежей. И только вмешательство России в последние годы остановило пляски могущественных соседей вокруг Бутана. В этой стране с утра до вечера во всех храмах молятся за мир. И вот так получилось, что я с друзьями находился в храме Будущего Будды. Мы специально для посещения выбрали момент, когда не шло массовое богослужение — всего один монах читал молитву.

И вдруг появилась полиция — и оказалось, что приехала одна из королев. Она заходит, видит иностранцев, подходит к нам и начинает разговаривать — а все жители Бутана очень хорошо говорят по-английски. Спрашивает, откуда мы приехали. Мы отвечаем, что из России и тогда она спрашивает: «Вы Путина знаете?» Все начинают кивать, и вдруг она поворачивается ко мне, — как будто знала, что я могу выполнить ее просьбу, и говорит: «Пожалуйста, передайте ему, что я каждый день за него молюсь, и я его очень люблю». Я пообещал.

Месяца через два я участвовал в совещании, где председательствовал Владимир Владимирович. После крайне насыщенной работы был организован небольшой кофе-брейк, во время которого президент общался со всеми участниками. К нему просто нескончаемым потоком шли люди с письмами. Любой человек начинал свою речь, что называется, «за здравие» и тут же доставал бумажку с просьбой. И я хотел ему рассказать эту историю — обещал же! — но мне было неудобно прерывать просителей и как-то вклиниваться в поток. И вот когда президент уже собрался уходить, я к нему обратился. Владимир Владимирович отвечает: «Да-да, пойдем, по дороге расскажешь». И приготовился, что я сейчас тоже челобитную достану. А я передал слова королевы Бутана. Путин остановился, посмотрел на меня — сложилось ощущение, что он не знал, как реагировать: ждал просьбы, а получил совсем иное. И вот когда мы с ним расстались, кто-то из присутствующих спросил меня: «А что ты у него попросил?», а я вспомнил фразу из фильма «Золушка»: «Ты разговаривал с королем и ничего у него не выпросил?!» Мне стало так смешно в этот момент. И я подумал: когда ты 18 лет живешь в таком режиме, то можно просто сойти с ума. Я поражаюсь его выдержке.



— Николай Максимович, с учетом всей вашей жизни в искусстве, культуре, назвать вас экспертом будет более чем справедливо. С вашей точки зрения, нужен ли в Приморье филиал Эрмитажа, Русского музея и так далее. От многих авторитетных людей приходится слышать мнение, что у нас в регионе есть что выставлять, свое, местное?
— Вот объективно, и в Эрмитаже, и в Третьяковской галерее, и в Русском музее, и вообще во всех наших крупных художественных центрах собрано огромное количество экспонатов, которые хранятся в запасниках и которые никто никогда не видел. Проблема в нехватке площадей. Понимая все это, глава государства принимает решение о создании еще одного центра, где можно экспонировать наше богатство. Правильно ли это? С моей точки зрения, более чем. Напомню: когда был юбилей Эрмитажа, то главный подарок, который получил музей, — это новые площади для выставочного пространства: им отдали Биржу на стрелке Васильевского острова. А по поводу нужны ли филиалы именно здесь… Я вообще человек по натуре скептический, и для меня стакан всегда наполовину пуст. Когда начиналось строительство того же Мариинского театра, я не верил, что это начинание будет иметь успех в Приморье, просто потому хотя бы, что здесь нет традиции посещения подобных мест. Нет привычки ходить в оперу, на балет. Одно дело, когда труппа приехала на месяц, и на их спектакли раскуплены билеты. А каждый день в течение года, двух? Но ходят же! Значит, в этом есть потребность. И с филиалами художественных музеев будет ровно такая же история.

— Формируется новая культурная история Владивостока?
— Да, в принципе. Вот Советский Союз не сделал ничего в области музыкального образования во Владивостоке. Академии, консерватории — не дошла сюда волна по их строительству и формированию преподавательского состава.

А ведь Владивосток — один из крупнейших городов на Дальнем Востоке России. И я много раз уже говорил, что от Улан-Удэ до Токио нет балета в нашей стране: нет традиции, образования, нет кадров. И для того же Мариинского приходится искать людей в других городах, странах, уговаривать их приехать.

— Филиал открывшейся Академии во Владивостоке должен внести свой вклад в изменение ситуации, как мне кажется.
— Должно пройти несколько выпусков, чтобы изменить ситуацию кардинально. Пока здесь учатся всего два класса, своего помещения у нас нет, и только решается, где оно будет. Я в начале марта говорил с вашим губернатором, он показал огромный проект центра. Кстати, во исполнение поручения президента о том, что Владивосток должен стать одним из серьезных очагов культуры и образования в сфере культуры. Филиал Академии уже есть, но он должен расшириться. И сейчас для нас получение своего здания — первоочередная задача. Обретя помещение, мы сможем учить не только российских студентов, но и иностранных, со всех азиатских стран. А для них это очень интересно. Кстати, давайте сравним. Мы, являясь старейшей школой балета в мире, принимаем 60 человек, а с владивостокскими детьми — 80, а Китай только в одном городе принимает две тысячи. Разницу представляете? И это только в первый класс. Да, конечно, потом они потихоньку отсеиваются, но все равно, когда у тебя пять тысяч только в одной школе в первом классе, процент выискивания действительно одаренного ребенка возрастает кратно. Но, дай Бог, чтобы во Владивостоке все сложилось. Тот проект, который я видел, дает огромный потенциал для возможностей.

— Старейшая школа балета? Мне казалось, что родина этого искусства все же Запад — Италия, Франция.
— Что удивительно, за 280 лет существования нашей школы ни революция, ни блокада Ленинграда не остановили учебный процесс. Представляете: люди полуголодные, в этом ужасе войны, но ведут занятия. А во Франции и Италии — фактической родине балета — в конце 19 века, после буржуазных революций, этот вид искусства исчез. Вообще. Школы прекратили существование. Как следствие, в театрах отсутствовали труппы. И если бы не Русские сезоны Дягилева в Париже и потом по всей Европе, никогда бы балет там не возродился. Да и русская революция 1917 года, когда огромное количество российской интеллигенции, аристократии, артистов отправилась на запад, внесла свой вклад в восстановление этого вида искусства в западной Европе. Если мы сегодня будем рисовать карту мирового балета, то все стрелочки будут вести на улицу Зодчего Росси, туда, где находится Академия Русского балета. Это мы научили весь мир танцевать, подарили репертуар. Но почему-то никто сейчас не хочет это помнить. Знаете, очень смешно, когда англичане учат нас, как надо танцевать. В какой-то момент в одном из интервью я сказал английской критикессе: «Какое право вы имеете, когда вашему балету всего 60 лет, говорить мне, человеку, который представляет трехсотлетнюю историю, что-либо о том, как надо танцевать и что надо делать в балете? Я же не учу вас сеять газоны. Почему вы вторгаетесь в то пространство, где вы никто и звать вас никак? И мало того, все, что вы имеете, сделали русские, только вы пытаетесь никогда этого не произносить». А в Америке — я был тогда молодым, нахальным мальчиком — пошутил. Меня спросили: «Почему вы считаете, что ваш балет лучше?» Я говорю: «Ну, потому что он существует дольше, чем США как государство». Это была нахальная шутка, но ведь все мои слова правда!

— Что лично вы вкладываете в понятие слова «искусство»?
— Понимаете, вот даже сегодня мы общаемся — это уже театр: есть артист, и есть зритель. Я здесь могу разыграть комедию, могу — трагедию, могу петь, танцевать, беседовать. Искусство — это, наверное, то, что вас заставляет сопереживать, что-то испытывать. А лично для меня искусство — это счастье.

— Если бы не балет, то что тогда?
— Я балет выбрал, когда мне было 10 лет, это мой личный выбор, меня никто не заставлял. Мои родственники были очень сильно против, это сейчас они рассказывают, что знали уже тогда, что я уникальный мальчик. Когда я пришел в первый класс на самый первый урок, педагог сказал: «нарисуй что-нибудь». Кто-то рисовал маму, кто-то — солнце, кто-то еще что-то. Я нарисовал балеринку и подписал «болет». Через «о» почему-то. Наверное, от слова «боль», как мама шутила. Но когда я стал взрослее и столкнулся с жизненными сложностями, я понял, что доктор, особенно тот, кто спасает жизнь, наверное, это самое интересное. И, может, если бы я не стал артистом, и если бы я дожил до 18 лет без сформированного выбора, я бы пошел в медицинский университет. Врач — очень достойная, интересная, полезная профессия. Но не очень оплачиваемая.

— Вы счастливый человек?
— Всегда был уверен, что несчастный человек — злой человек. Моя жизнь сложилась очень удачно. Я с самых первых шагов стал «номером один» и ни разу не знал другого положения. Конечно, есть определенная избалованность своим нахождением в центре сцены, безусловно. Но я наблюдал за людьми, которые стартовали вместе со мной в школе, у которых были неплохие возможности, но мелочность, глупость в отношении к себе в профессии приводили их к страшным результатам, и они озлоблялись.

Я очень мало видел людей, которые понимали, что занимаются не своим делом, кардинально меняли сферу. Но, как правило, это были счастливые люди, потому что, сменив все, они реализовывались. Возможностей крайне много. Главное понять, что именно вы хотите. Мне было очень интересно быть артистом, очень.

Но в один прекрасный момент я увидел, что старость пришла. Некоторые коллеги — мои ровесники — еще пляшут и выглядят смешными, а я просто пришел к министру культуры и сказал: «Я больше танцевать не буду. Вот у меня есть такой диплом и такой диплом. Думайте, что со мной делать». И мне предложили занять пост ректора Академии.

— Русский балет востребован на Востоке? В Японии, Китае?
— Здесь очень интересная ситуация. Особенно в том, что касается Японии. Когда мы первый раз приехали в эту страну, мы — русские — были номером один. Тогда в конце 80-х — начале 90-х значение советского балета в этой стране было очень сильное. К сожалению, за 90-е годы мы потеряли этот рынок. Американцы, французы, англичане его захватили, и теперь они очень серьезные наши конкуренты.

Показателем может служить такая ситуация, когда наши ведущие коллективы, приезжая на гастроли, не могут продать зал. И это страшная тенденция. Сейчас нужно разрабатывать новую культурную политику. Однако есть проблема: у нас чиновники стали над творческими людьми в театрах. Да, конечно, это мировой тренд. Но к чему это привело? Ведь не случайно в Италии, Франции закрываются театры. Особенно, балетные, музыкальные. И это, увы, закономерный результат. Менеджеры ничего не понимают в искусстве, в том, на что и на кого готова идти публика.

Это, кстати, еще одна проблема — ни одному менеджеру не нужна звезда. Потому что ее надо оплачивать, надо считаться с ее мнением и так далее. А театр без звезд существовать не может. И вот японцы, как люди, которые очень четко считают деньги, быстро поняли, что собирать залы не под кого. Когда мы ездили, то было так: два месяца гастролей, 48 городов и везде аншлаг. Сейчас — три города, два из которых Токио и Осака, и билеты с трудом продаются. К сожалению, в артистов перестали вкладывать деньги. Мы их не знаем, не видим их лиц. Если ситуацию не переломить, будущее театров может быть довольно печально.

— И последний вопрос. Должно ли государство вмешиваться в культуру? Поддерживать, законодательно регулировать, или культура сама может справиться со своим развитием?
— Мы часто говорим о европейском опыте, а ведь в той же Франции очень четко прописаны законы о театрах и правила в театрах. Вплоть до того, что вы можете делать, если вы назначены на определенную роль: что носить, как говорить, как выглядеть и так далее. Там, например, есть закон, который мне безумно нравится, и я считаю его очень гуманным: у них указан точный возраст окончания работы артиста балета — 42 года. Всё, с этого возраста ты не можешь больше быть артистом. В твой день рождения, если ты звезда, тебе устраивают прощальный вечер — и до свидания. Знаете, почему это гуманно? Потому что я точно знаю, во сколько я уйду, вы точно знаете, во сколько вы уйдете, и у вас нет недовольства, что вас уволят, а я до 70 что-то там буду изображать на сцене. И так во всем. Да, у нас ничего подобного нет. А ведь должно быть прописано все, с учетом специфики каждого подвида — библиотек, музеев, цирка, оперного, балетного, драматического театров. Поэтому регулирование быть должно, но другое дело, что участвовать в разработке законов о культуре должны, в том числе, и работники культуры. И я счастлив, что сейчас у нас такая возможность есть.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20136
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Мар 23, 2018 5:08 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018032307
Тема| Балет, Персоналии, Вероника Землякова
Автор| Светлана Келасьева
Заголовок| Ведущая солистка Самарского академического театра оперы и балета Вероника Землякова о буднях балерины
Где опубликовано| © Самарская газета
Дата публикации| 2018-03-22
Ссылка| http://sgpress.ru/Obschestvo/-Veduschaya-solistka-Samarskogo-akademicheskogo-teatra-opery-i-baleta-Veronika-Zemlyakova-o-budnyah-baleriny89706.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Считается, что балерины питаются исключительно листьями салата и с младых ногтей не отходят от станка в танцевальном классе, позабыв про все остальное. О том, действительно ли это так, рассказала ведущая солистка Самарского академического театра оперы и балета Вероника Землякова.


Все началось с театра

- Хореографией я занимаюсь с шести лет, - говорит Вероника. - Моя мама тоже была балериной, поэтому я, можно сказать, выросла в театре. Мама как-то обмолвилась, что, ли бы у меня были более скромные данные, возможно, она бы и не отдала меня учиться. И речь не только о физических способностях, но и об эмоциональности, подвижности, желании танцевать.

Профильного училища в Самаре тогда еще не было. При театре работала только детская хореографическая школа. Поэтому, когда Веронике исполнилось 11 лет, она поступила в училище в Уфе. Взяли ее сразу во второй класс, в общеобразовательной школе она училась в шестом.

-Все семь лет учебы я жила в интернате, - продолжает рассказ Вероника. - Эту поездку восприняла как приключение. Рядом ни мамы, ни папы - это же так увлекательно! Новый класс, соседки по комнате - мы жили по три человека - все было очень интересно.

Кормили в училище хорошо. Давали и сладкую кашу с маслом, и беляши.

- Я никогда не сидела на воде и двух орешках, как принято считать, - развенчала первый миф о балеринах ведущая солистка САТОБа. - Наш день - это сплошные физические нагрузки, поэтому сжигаются все калории.

В интернате многие вещи пришлось делать самой - содержать в порядке гардероб, следить за внешностью. Но Вероника была самостоятельной всегда, это ее не пугало.

- Мой муж Кирилл тоже артист балета, и когда мы поженились, я оценила, как это замечательно, что мы оба с раннего возраста привыкли к самостоятельности, - говорит Землякова.

Немецкие сезоны

Начиная со второго курса Вероника танцевала в столичных театрах в качестве приглашенной актрисы. Окончила учебу с красным дипломом и осела в Москве, в Русском национальном балетном театре. Вышла замуж, а вскоре молодых супругов пригласили на работу в Германию, в город Магдебург. Так в 20 лет Вероника оказалась в чужой стране.

- Работать в Германии было интересно, - вспоминает она. - Там совершенно иная хореография. Театр выпускал по четыре премьеры в год. Это были и современные постановки, и классика, и модерн, и мюзиклы, для которых даже пришлось учиться петь. Были спектакли, которые ставили на нас с мужем.

В Германии супруги прожили восемь лет, там у них родился сын. Обычно для людей сцены обзавестись детьми - целая проблема. Ведь ради этого нужно на долгий срок выпасть из творческого процесса. Веронику это не напугало. Она перестала танцевать в три месяца беременности и вернулась из декретного отпуска, когда сыну исполнилось пять месяцев. Потом достаточно быстро восстановилась и вернулась к сольным партиям.

Возвращение

Несмотря на то, что карьера у обоих супругов складывалась удачно, семья все же решила вернуться в Россию.

- У меня был вид на жительство, и я уже должна была получить немецкое гражданство, - рассказывает Вероника. - Но нас с мужем не устраивало, что работа занимает всю нашу жизнь. Постоянно находиться в творчестве - это здорово. Но ребенка мы практически не видели, с ним постоянно была няня. С бабушками и дедушками сын общался раз-два в год. Это неправильно.

Сначала планировали переехать на родину мужа, в Санкт- Петербург. Но потом решили принять приглашение руководства САТОБа и обосноваться в Самаре.

- Видимо, потому что я выросла в этом театре, мне захотелось поработать на самарской сцене, - полагает Вероника. - Кроме того, мне кажется, имеет смысл приносить пользу в том городе, где ты родился. Я испытала огромное удовольствие, когда пригласила на спектакль свою учительницу начальных классов и мое выступление вызвало у нее восторг. В Самаре много людей, которые способствовали моему формированию, и здорово, что сейчас я могу доставить им радость. Думаю, есть вещи, которые не стоит перекрывать амбициями, стремлением попасть именно в столичный театр.

Не сценой единой

Официальный стаж, после которого артисты балета уходят на пенсию, - 20 лет. То есть, если приступить к работе в 18, в 38 можно отправляться на заслуженный отдых. Но на самом деле все индивидуально. Кто-то продолжает работать и дальше, кто-то заканчивает гораздо раньше. Понимая, что их профессия связана с рисками, артисты балета нередко получают второе образование, как говорится, не отходя от станка.

Во время коротких приездов в Самару Вероника с мужем заочно окончили местную академию культуры по специальности «хореография». А в какой-то момент супруги решили открыть фотостудию и несколько лет вплотную занимались этим бизнесом. Было интересно, но сложно совмещать с работой в театре. Впрочем, Вероника допускает, что, возможно, когда-нибудь вернется к этому занятию.

Танцы с утра до вечера

Рабочий день артиста балета начинается в 10.30, примерно до 15 часов идут репетиции. Затем перерыв до 18, и вновь работа до 21 - либо на спектакле, либо, если в этот день его нет, опять репетиции.

- Как видите, ничего интересного у нас не происходит, - смеется Вероника. - Мы танцуем, танцуем, потом опять танцуем и снова танцуем.

В промежуток между репетициями она успевает встретить ребенка из школы и отвести в спортивную секцию.

Репетируются не только премьеры, но и текущий репертуар. Завтра вечером зрители увидят «Лебединое озеро», где Вероника танцует Одетту-Одиллию, поэтому сегодня нужно вспомнить эти партии. В репетиционном зале, помимо Вероники, ее партнер по сцене Дмитрий Пономарев, дирижер, педагог-балетмейстер, аккомпаниатор. Какие- то фрагменты, которые всех устраивают, прогоняют единожды. Другие повторяют по несколько раз. Каждый из участников процесса высказывает свои замечания и предложения, и так до тех пор, пока результат не устроит всех.

В день спектакля артисты приходят часа за два до выхода на сцену. Нужно переодеться, проверить, в порядке ли костюмы, загримироваться. С простым гримом актеры справляются сами, более сложный помогает нанести специалист. Еще одно непременное действие - разминка, необходимая, чтобы избежать травм. Сначала, еще до переодевания, в репетиционном зале. Минут 20-30 физических упражнений, после которых, чтобы не остыть, надевают теплую одежду и обувь. Затем небольшой разогрев непосредственно перед выходом на сцену.

- Перед каждым спектаклем я очень волнуюсь, - говорит Вероника. - И не важно, премьера это или уже много раз сыгранная партия. Успокаиваюсь, только когда выхожу на сцену.

Пластика, идущая от сердца

- Люди приходят в театр за эмоциями, - уверена Землякова. - Я, например, очень люблю драматическое искусство. Не только потому, что я выросла в этой среде, мой папа - заслуженный артист Самарской области, актер театра «СамАрт» Юрий Земляков. Но все мы время от времени переживаем моменты опустошения, когда неожиданно настает пауза в творчестве. И тогда я иду в драматический театр. Слежу за тем, как актеры пластически выражаются. Иногда их движения - какие-то повороты тела, головы - настолько органичны, что ты понимаешь: это то, что мне нужно! Я смогу это использовать! Наше искусство молчаливое. Наша пластика идет изнутри, от сердца. Хочется, чтобы зритель понимал все, о чем мы хотим рассказать. Чтобы каждый наш взгляд, каждый жест попадал в точку. Ведь иногда балет воспринимается как череда схематических движений. Но как только мы внесем в них смысл, начнем рассказывать заложенную в эти движения историю, все изменится. Мы стремимся к тому, чтобы все было именно так, чтобы внутри у зрителя что-то переворачивалось. Только тогда приходит понимание того, что наш труд не напрасен.

Автор фото: Екатерина Елизарова
===========================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20136
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Мар 23, 2018 5:14 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018032308
Тема| Балет, МАМТ, Персоналии, Алексей Любимов
Автор| Галина БАЛАШОВА
Заголовок| Алексей Любимов: «Очень интересно узнавать все новые возможности своего тела»
Где опубликовано| © Еженедельник «Вечерний Саранск»
Дата публикации| 2018-03-22
Ссылка| http://vsar.ru/18643_aleksey_lyubimov___ochen_interesno_uznavat__vse_novye_vozmojnosti_svoego_tela
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



На прошлой неделе в Саранск приезжал наш земляк, ведущий солист балета Московского академического музыкального театра имени К.С. Станиславского и В.И. Немировича-Данченко Алексей Любимов. «ВС» следит за творческими успехами Алексея Любимова на протяжении многих лет. В прошлом году он получил «балетный Оскар», стал лауреатом премии «Душа танца» в номинации «Звезда». Напомним, что это единственная профессиональная премия в области балета в нашей стране. И ранее ее обладателями становились Майя Плисецкая, Владимир Васильев, Николай Цискаридзе, Ульяна Лопаткина и многие другие прославленные российские танцоры.

Алексей служит балету в театре имени Станиславского и Немировича-Данченко уже 17 лет. За эти годы он исполнил множество главных партий в балетных спектаклях самых известных хореографов страны и мира: Юрия Григоровича, Джона Ноймайера, Иржи Килиана, Начо Дуато, Джерома Роббинса и других. Столичные критики и зрители любят Алексея за универсальность, он одинаково хорош и в классическом танце, и в современной хореографии. Молодые хореографы любят приглашать Алексея в свои постановки, потому что он может все. Третий год подряд Алексей Любимов становится участником «Точки пересечения» - международного фестиваля молодых хореографов, проводимого его родным театром. В этом году он танцевал в постановке хореографа из Германии Ксении Вист «Песочные часы». Сразу после фестиваля артист приехал на родину, чтобы встретиться с учениками хореографической школы, в которой делал первые балетные шаги. Встреча с альма-матер была назначена еще на ноябрь прошлого года, но из-за большой занятости Алексея она смогла состояться только весной.
Общение знаменитого артиста с учениками саранской хореографической школы было очень оживленным. Ребята задавали самые неожиданные вопросы, а Алексей честно на них отвечал, рассказывал о важных моментах своей биографии и смешных эпизодах из сценической жизни. На встречу он пришел не с пустыми руками, принес тяжелую бронзовую статуэтку «Душа танца», а она, между прочим, полметра высотой и весит немало. Показал Алексей будущим артистам балета и другие дорогие ему награды: медали и каменный цветок, подаренный Юрием Григоровичем после того, как наш земляк исполнил партию Данилы-мастера в балете «Каменный цветок». Надо отметить, что Алексей Любимов всегда помнит своих первых учителей и навещает их в каждый приезд, а еще с удовольствием делится знаниями и умениями с будущими коллегами, дает мастер-классы.

Мальчики и девочки охотно фотографировались со своим кумиром, рассматривали его «трофеи», терли на удачу статуэтку, загадывали желания. Алексей долго раздавал автографы, позировал фотографам, шутил. Восторгу детей не было предела… Журналисты «ВС» попросили Алексея поделиться впечатлениями от встречи с юными танцорами. «Было очень приятно. Ребята порадовали, ради них стоило приезжать. Дети непосредственные, заинтересованные, я почувствовал себя частью чего-то хорошего. Буду рад, если помог понять им что-то о профессии, помочь с выбором дальнейшего пути».

А это отзывы тех, кто на этой встрече был. «Честный, откровенный и безумно интересный разговор с учениками хореографической школы потрясающего танцора, звезды балета такой огромной величины, что многие дети, думаю, и не осознают!!!».
«Талант, сила, упорство, завораживающая пластика, необыкновенная открытость, сумасшедшее обаяние, энергетика и харизма, воспитание, простота и чистота души! Все это безупречно сочетается в этом красивом молодом человеке».

В рабочем графике артиста непросто найти время для отдыха, ведь так много интересных проектов предлагают: зарубежные поездки, интересные постановки, фотосессии у модных фотографов, участие в съемках видеоклипов. А еще есть работа в собственной танцевальной студии и служба в родном театре. Но Алексею удается все совмещать.

В феврале, например, состоялся гастрольный тур по Италии с программой «Сатори», в которую входят три одноактных балета, всемирно известной звезды балета Сергея Полунина. Алексей Любимов - давний друг Полунина и участник всех его начинаний. В марте Алексей вернулся на родную сцену, принял участие в «Точке пересечения», сейчас танцует в репертуарных спектаклях театра. Параллельно Алексею удается участвовать и не в балетных проектах. Перед самым поездом в Мордовию, например, у него была фотосессия для Гринпис… Фотограф Григорий Шелухин вместе с Гринпис России переосмыслил проблему пластиковых пакетов в проекте «Крохотная смерть». На его фотографиях артисты Московского академического Музыкального театра имени К.С. Станиславского и В.И. Немировича-Данченко танцуют в окружении пластиковых пакетов.
В свой уникальный проект пригласил Алексея Любимова и известный московский фотограф Саша Кабанов. Алексей стал моделью в новаторском эксперименте фотографа со сверхчувствительной аппаратурой. «Прыгаю в полной темноте, в одном кадре получается несколько Алексеев Любимовых в разные моменты движения. Очень интересно узнавать все новые возможности своего тела», - делится впечатлениями от работы с фотографом Алексей.

Несмотря на востребованность и сложившуюся столичную жизнь, Алексей Любимов всегда рад поддержать начинания земляков. Будучи в Саранске, артист навестил не только первую школьную учительницу Марию Михайловну Черепневу и родную хореографическую школу, Алексей зашел и в Министерство культуры, национальной политики, туризма и архивного дела Мордовии, чтобы познакомиться с его руководителем и обсудить возможности совместных проектов. Сейчас мордовские поклонники Алексея могут увидеть его на сцене, только приехав в Москву.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9  След.
Страница 4 из 9

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика