Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2018-02
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18108
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Фев 26, 2018 12:12 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018022602
Тема| Балет, Екатеринбургский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Вячеслав Самодуров
Автор| Ольга Федорченко
Заголовок| Сеанс «Пахиты» с последующим разоблачением
Новая постановка в Екатеринбурге

Где опубликовано| © Газета "Коммерсантъ" №33, стр. 11
Дата публикации| 2018-02-26
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/3558303
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Фото: Владислав Лоншаков / Коммерсантъ

Екатеринбургский театр оперы и балета представил премьеру трехактной «Пахиты» в постановке Сергея Вихарева и Вячеслава Самодурова, посвященную 200-летию со дня рождения нашего балетного «всего» Мариуса Петипа. Из Екатеринбурга — Ольга Федорченко.

Эта «Пахита» обречена стать хитом и самым ярким явлением нынешнего мемориального балетного сезона, хотя ее появлению предшествовала трагическая и внезапная смерть хореографа-постановщика Сергея Вихарева в начале репетиционного процесса (спектакль завершал Вячеслав Самодуров). Первый российский реконструктор классической хореографии Вихарев в соавторстве с Павлом Гершензоном сочинили совершенно провокационный спектакль, не изменив при этом ни единого сюжетного хода либретто и бережно уложив в дорожный саквояж всю мало-мальски сохранившуюся хореографию Петипа.

«Пахита» — это мост, который дерзко соединил балетную легенду XIX века с материалистической действительностью ХХI века, опираясь на хореографический рационализм ХХ века. Его главные конструкторы уверенно забили сваи фантазии в зыбкий грунт неочевидной балетной документалистики и установили опоры железной логики, невзирая на мощное встречное течение исторических анекдотов. Пахита XIX века, сев в цыганскую кибитку, прибыла в третье тысячелетие за рулем собственной гоночной машины, ничуть не удивившись происшедшим трансформациям.

Три акта авторы спектакля поместили в три разные эпохи. Первое действие с неторопливой экспозицией убаюкивает зрителей высококачественной реконструкцией одного из знаковых спектаклей. В нем все то, чего ожидаешь от «Пахиты» и Вихарева, блестящего знатока архивной хореографии: наивность сценических положений, изобретательные и завораживающие танцы, обстоятельные пантомимные диалоги.

Умиленного и потерявшего бдительность зрителя во втором акте ожидает шокирующее пробуждение. Кажется, авторы спектакля только и ждали момента сорвать весь этот ложный романтический флер. Постановщики проводят сеанс магии с последующим ее разоблачением, перенося пошлую в общем-то сцену в идеально ей соответствующую эстетическую среду: в немое кино начала ХХ века. Волоокий красавчик Люсьен и роковая женщина Пахита усердно таращат глаза с длиннющими ресницами; зловещие отморозки с ужасающими гримасами размахивают острыми ножами; идеальный подлец Иниго, демонически хохоча, вершит свое мерзкое дело и становится жертвой собственного хитроумия.

Третий акт начинается в театральном буфете в антракте спектакля. В новой реальности Люсьен и Пахита становятся премьерами балетной труппы, папаша Люсьена — директором театра, испанский губернатор — генеральным спонсором. Драматическая реальность, спортивная и театральная, сплетается воедино: на фоне хоккейных побед происходит разоблачение театральных коррупционеров и совмещение арестов и праздников, увенчанных свадебным grand pas.

Grand pas вышколенная труппа танцует почти идеально: синхронно прорезывая пространство сцены, шикуя кабриолями и соблазняя канканными амбуатэ. Головы танцовщиц украшают не «испанские» гребни, победно торчащие из кичек, но очаровательные французские шляпки из «Мулен Руж»; черные трико на ногах и черные же пуанты вкупе с обворожительными улыбками придают забронзовевшей академичнейшей хореографии Петипа парижскую игривость и фривольность, начисто вытравленную в прошлом веке. Микки Нисигити и Екатерина Сапогова (в разных составах) исполняют главную партию с милой французской развязностью, при этом все их танцевальные высказывания безупречно точны и блестяще артикулированы. Алексей Селиверстов и Александр Меркушев, по очереди выступавшие в роли Люсьена, оценили пластическую вариативность, предложенную постановщиками: идеальный кавалер-душка в первом акте, рефлексирующий герой-невротик во втором и безупречный во всем аристократ-премьер в третьем.

Екатеринбургская «Пахита» войдет в историю благодаря композитору Юрию Красавину, автору «свободной транскрипции» партитуры Эдуарда Дельдевеза и Людвига Минкуса. Из незатейливых мотивчиков и попевочек он создал мощное полифоническое звучание невероятно цельного и увлекательного произведения. Эти трансформации и загаданные Красавиным музыкальные шарады способны ввергнуть в неистовый восторг. Введенные в состав оркестра аккордеон, ксилофон и усиленная роль ударных, то осторожно-деликатных, то рубящих с плеча, придали партитуре «Пахиты» авторства Красавина еще большую пластичность и французскость. Впрочем, удары хлыста в самых напряженных моментах не дают убаюкаться очарованием обманчиво-старинного балета.

====================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18108
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Фев 26, 2018 12:17 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018022603
Тема| Балет, Екатеринбургский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Вячеслав Самодуров
Автор| Лейла Гучмазова /Фото: Татьяна Андреева
Заголовок| Великий немой станцевал
В Екатеринбурге заново открыли старинный шедевр Мариуса Петипа

Где опубликовано| © Российская газета - Федеральный выпуск №7504 (41)
Дата публикации| 2018-02-26
Ссылка| https://rg.ru/2018/02/25/reg-urfo/v-ekaterinburge-postavili-balet-mariusa-petipa-pahita.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Взвизгивают скрипки, грохочет барабан, и нарядная балетная толпа церемонно сдергивает с обелиска тряпицу. Изображенный на нем усач одной вельможной паре приходится братом и деверем, другой паре - заклятым врагом, а мелькающая там и сям юная цыганка - вовсе не цыганка, только вот до поры об этом никто не знает... Иначе какой же это старинный балет?

В год 200-летия отца русского балета Мариуса Ивановича Петипа у отечественных театров, до сих пор выезжающих на наследии гения, появился повод разобраться в своих разномастных "Петипа", где от оригинала осталось разве что имя. Разобраться - и ситуацию как-то исправить. Много лет назад в Мариинском театре этим занялся премьер балета Сергей Вихарев, чье имя стало синонимом тотальной ревизии русского балетного наследия. В прошлом году он нелепо погиб, и нынешняя "Пахита" в Екатеринбурге - его проект, доведенный до рампы друзьями - адски поработавшими хореографом Славой Самодуровым, теоретиком Павлом Гершензоном, постановочной командой. Спектакль получился сверх ожиданий - блистательный.




Балет вдруг оказывается не пасынком оперы, а братцем немого кино и цирка

Действий три, первое - балет балетович: по старинной схеме, чередующий подробную пантомиму с танцами. Однако схема начинена прекрасными па времен рождения русской "Пахиты", очищенными от последующей глупости "балета достижений": в турах пуанты идут не к колену, к щиколотке, векторы деликатны, никаких задираний ног выше головы. А еще действо напичкано акцентами вроде променада солисток с мелкими точными прыжочками, плотными заносками, венчиком рук над головой: неброскими мелочами, делающими старинный балет старинным.

Дальше авторы пошли ва-банк, уместив балет в стилистику "немой фильмы". Мыльные балетные страсти оказались один в один киношными - и тут, и там изъясняются руками, злодеи замышляют убийство, героиня-вамп (бывшая цыганочка) бросается на помощь, а в углу сцены колотит по клавишам тапер. Сценография с резкими линиями и угловатыми стульями-стенами наделяет это мыло обширным культурным фоном эпохи. К финалу авторы уводят историю в современную балетную труппу, где влюбленным солистам строит козни меценат. И тут, когда действо готово свалиться в банальность, разражается главное - гран па "Пахиты". Идеальная конструкция сольных вариаций и кордебалетных линий. Очень стараются солистки (ассистент балетмейстера Клара Довжик), преобразившаяся Пахита - Мики Нисигути - порхает и разит, но главное - музыка Юрия Красавина; именно она всех здесь вдохновляет. Известный в балетном цехе как автор "Магриттомании" в Большом, свой триумф он объясняет скромно: прежде не слушал Минкуса и Дельведеза и не успел, как, например, Геннадий Рождественский, возненавидеть их нотный метраж. А потому сделал свой парафраз таким же легким и удобным, как у присяжных мэтров - а еще умным, ироничным и действительно смешным. Скромно брякает аккордеон, монолог мачо выпевает гнусавый гобой, а в самые ответственные моменты - пируэты никто не отменял - оркестр метит смертельный номер громким "бумс" (дирижер-постановщик Федор Леднев). И балет вдруг оказывается не пасынком оперы, а братцем немого кино и цирка.

Розыски в балетных архивах - дело неблагодарное, представить в точности старинный спектакль невозможно даже при безупречной квалификации и чутье. Видимо, Сергей Вихарев как первый в новом российском времени ревнитель Петипа пришел к идее, что стремление к точности исчерпаемо как живописный реализм. И шагнул дальше, придумав спектакль радостный, пестрый, современный и живой.

==========================================
Фотогалерея по ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Ср Апр 04, 2018 12:17 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18108
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Фев 26, 2018 6:40 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018022604
Тема| Балет, Екатеринбургский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Вячеслав Самодуров
Автор| Екатерина ШАКШИНА
Заголовок| «Пахиту» уже танцуют. А вот «Турандот» ещё не поют
Театр оперы и балета представил новинки

Где опубликовано| © "вечерний-екатеринбург.рф"
Дата публикации| 2018-02-26
Ссылка| http://xn----8sbdbiiabb0aehp1bi2bid6az2e.xn--p1ai/culture/theater/46233-pakhitu-uzhe-tantsuyut--a-vot-turandot-eshchyo-ne-poyut/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Премьерой спектакля «Пахита» открыт Год Петипа в екатеринбургском Театре оперы и балета (пр. Ленина, 46а). Год объявлен в России «именным» в честь 200-летия великого хореографа, создателя классического русского балета.

Дебют Мариуса ПЕТИПА как танцовщика и как хореографа на русской сцене состоялся именно в «Пахите» 170 лет назад. Потом он неоднократно ставил этот балет в Императорских театрах. Большое классическое па — это всё, чем исчерпывалась «Пахита» в современных постановках до сих пор. Премьера в Екатеринбургском оперном — большой трёхактный балет, где есть и знаменитое гран па, и новая хореография с обновлённой музыкой. Петербургский композитор Юрий КРАСАВИН, в сущности, переписал первоисточник Эдуара ДЕЛЬДЕВЕЗА и Людвига МИНКУСА.


«Цыганочка» Пахита — Елена КАБАНОВА. Фото: Александр ИСАКОВ

Идея реконструкции балета Петипа принадлежит тоже петербуржцам — историку балета Павлу ГЕРШЕНЗОНУ и балетмейстеру Сергею ВИХАРЕВУ. Это не просто восстановление, а переосмысление старинной хореографии, новый взгляд на неё. Работу над балетом после безвременной кончины питерского хореографа продолжил и завершил художественный руководитель нашего балета Вячеслав САМОДУРОВ. Екатеринбургская «Пахита» посвящена не только Петипа, но и памяти Сергея Вихарева.

Сюжет, основанный на назидательной новелле Мигеля ДЕ СЕРВАНТЕСА «Цыганочка», остался прежним. Цыганка Пахита вовсе не цыганка, волею судеб ребёнком она оказалась в таборе, а после невероятных перипетий снова возвращается в тот благополучный мир, где была рождена. Наверняка коллизиями «Цыганочки» вдохновлялись создатели популярного в 1970-х в СССР мексиканского фильма «Есения» и более поздних душещипательных латиноамериканских сериалов. А екатеринбургская «Пахита» в своём последнем акте иронизирует над нетленной мелодрамой и берёт в помощники ШЕКСПИРА. Артисты танцуют на фоне возникшей на сцене фразы из монолога Макбета, где происходящие события названы сказкой. Бессмысленной историей, рассказанной безумцем, с пафосом и шумом. Но собственный смысл в постановке очевиден: три акта «Пахиты» — три разных времени искусства. Здесь и классический балет, и балет в стиле экспрессионистских кинолент 1920-х, и сегодняшний антураж, и сиюминутное восприятие форс-мажора… Меняющиеся балет и времена, изменчивая жизнь и неизменные страсти выходят к зрителям в сценографии Альоны ПИКАЛОВОЙ, в костюмах Елены ЗАЙЦЕВОЙ.



«Пахиту» уже танцуют. А вот «Турандот» ещё не поют. Опера Джакомо ПУЧЧИНИ выйдет к зрителям только осенью, в начале 107-го сезона. Но подготовка к премьере уже началась, и нам предъявили её самые первые результаты. В декорационном цехе театра мы увидели, как будет выглядеть сказка Карло ГОЦЦИ о китайской принцессе и её смертельно опасных для женихов загадках в новой постановке оперы. Художник Дирк ХОФАКЕР (Германия) менял декорации в макете и на мониторе, показывал на эскизах, как будут одеты китайская принцесса Турандот, её отец-император, её слуги, её суженый — принц Калаф. А режиссёр из Франции Жан Ромэн ВЕСПЕРИНИ комментировал показ и рассказывал о своей интерпретации «Турандот»:

— Я прежде всего музыкант, и всё, что пытаюсь передать в постановке как режиссёр, — уже придумал Пуччини. Его музыка и стала двигателем моей фантазии. Мы хотим передать атмосферу, заложенную в музыке, где есть и Восток, и Запад, средневековый Китай и комедия дель арте, фантастическая страна, выдуманная принцесса, любовная история и юмор. Пуччини не успел закончить свою последнюю оперу, другие композиторы дописывали финал. Мы представим «Турандот» с финалом Франко АЛЬФАНО, а за пультом будет главный дирижёр театра Оливер ФОН ДОХНАНЬИ…

Жан Ромэн Весперини — выпускник Национальной школы театра в Шайо и Школы музыки и драмы Гилдхол в Лондоне, где обучался вокалу как баритон. В числе его режиссёрских работ «Волшебная флейта» и «Дон Жуан» МОЦАРТА, «Севильский цирюльник» РОСССИНИ, многие другие классические оперы, он сотрудничал с Питером ШТАЙНОМ, выдающимся режиссёром современности, работает в парижском Театре «Одеон»… В июле 2018 года приглашён ставить «Богему» на Новой сцене Большого театра. Опять Пуччини. А в Екатеринбурге маэстро впервые, и очень рад, по его собственному признанию, этому новому опыту.

Художник Дирк Хофакер как сценограф работал над множеством оперных и балетных спектаклей в разных театрах мира, и в отличие от режиссёра Весперини, на его счету уже есть опыт работы с Екатеринбургским театром оперы и балета. Он был здесь художником-постановщиком оперы «Евгений Онегин». Костюмы и декорации к «Турандот», как мы воочию убедились, будут действительно сказочными, но не совсем китайскими. В них имеются и элементы китайской придворной одежды, и детали монгольских костюмов, и татарских национальных нарядов. А действо оперы происходит под Луной, которая часто будет зависать над сценой и… на самой сцене. Как лунное отражение в зеркале, на полу дворца светлый круг. Гонг, который возвестит, что принц Калаф готов принять вызов китайской принцессы и разгадать её загадки…

Сейчас в репертуаре екатеринбургского Театра оперы и балета две оперы Пуччини — «Мадам Батерфлай» и «Богема». В сентябре «Турандот» станет третьей.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вт Фев 27, 2018 11:12 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18108
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Фев 26, 2018 7:09 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018022605
Тема| Балет, театр «Русский балет», Премьера, Персоналии,
Автор| Марина Александрина
Заголовок| Премьера балета «Дон Кихот» в редакции Вячеслава Гордеева прошла с аншлагом
Где опубликовано| © «Московская газета» - сетевое издание
Дата публикации| 2018-02-26
Ссылка| http://mskgazeta.ru/kultura/prem-era-baleta-don-kihot-v-redakcii-vyacheslava-gordeeva-proshla-s-anshlagom.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Фото: театр «Русский балет»

В Кузьминках два вечера подряд кипели испанские страсти. Здесь на сцене Центра развития театральных искусств с аншлагом прошла премьера балета Людвига Минкуса «Дон Кихот» в новой хореографической редакции художественного руководителя театра «Русский балет», народного артиста СССР Вячеслава Гордеева. Зрители и критики высоко оценили спектакль. Новая версия возносит один из самых известных балетов на небывалую творческую вершину.

«Эта премьера – дань глубочайшего уважения величайшему балетмейстеру Марису Петипа, посвятившего свою жизнь русской Терпсихоре. «Дон Кихот» – балет-праздник, который соединяет изящную веселую музыку, сложнейшую хореографическую технику, красочные декорации, яркие костюмы. Он полон любови, юмора и веселья», – говорит маэстро.

Когда-то Гордеев сам блистательно исполнял партию главного героя балета – цирюльника Базиля в «Дон Кихоте» на сцене Большого театра и его давней мечтой было поставить это гениальное творение в своем театре.

За основу нового спектакля были взяты сценарии Мариуса Петипа и его ученика Александра Горского. В тоже время собственное либретто и новый сценографический облик придали постановке Гордеева больше динамики, красочности и действия. Балет поставлен в двух актах и шести картинах.

Расширилось и содержание спектакля, который стал более понятным по сюжету, а также в канву постановки вплетены новые персонажи, например, Алонсо Кихано (молодой Дон Кихот) и его племянница – монахиня Жуанна. Неожиданным стали и новые музыкальные страницы, которые в партитуре «Дон Кихота» ранее никогда не звучали. Ноты для них предоставило венское общество Людвига Минкуса.
Главные герои балета – Дон Кихот и Санчо Панса перестали быть только комедийно-драматическими персонажами, они получили свои танцевальные партии. Впервые предстают в этой постановке и дуэтные фрагменты и вариация Алонсо Кихано в испанском стиле, авторство которых принадлежит Гордееву, и другие виртуозные соло главных героев. Их исполняют звезды «Русского балета» – заслуженная артистка РФ Анна Щербакова (Китри) и заслуженный артист Московской области Дмитрий Котермин (Базиль).

Анна Щербакова блестяще справилась с ролью, о которой мечтала буквально с самого детства, довершив пластические характеристики образа двойными фуэте.
Для Дмитрия Котермина партия Базиля станет новым витком в творчестве. Его танец наполнен невероятной энергетикой и темпераментом. В его активе – феноменальный по высоте и полетности прыжок, поразительная устойчивость и координация движений, сила и быстрота вращений. Сложнейшие пируэты, требующие предельной мобилизации, он выполняет с легкостью и артистическим азартом.

В спектакле принимает участие практически все артисты театра, они восхитительно воплощают замысел Вячеслава Гордеева, с нескрываемым удовольствием отрабатывая нюансы испанских и цыганских танцев.

Особую атмосферу спектаклю придают оригинальные декорации Игоря Нежного и бесподобные костюмы Татьяны Тулубьевой. Они удивляют своей красотой и изысканностью даже бывалых театралов
Справочно

История легендарного «Дон Кихота» по мотивам романа Сервантеса на музыку Людвига Минкуса в постановке французского и российского балетмейстера Мариуса Петипа началась в 1869 году. Это единственный его балет, родившийся в Москве на сцене Большого театра. Позже он был перенесен на сцену Мариинского театра Санкт-Петербурга.

В 1900 году на сцене Большого театра новую постановку «Дон Кихота» осуществил ученик Петипа – Александр Горский. Именно его хореографическая версия завоевала все сцены мира.

За все время своего существования балет пережил множество вариаций. Его восстанавливали, обновляли, реставрировали, вставляли новые номера. Балет стал иконой «московского стиля» и визитной карточкой Большого театра. На его сцене главные партии Китри и Базиля исполняли великолепные балерины и блистательные танцовщики: Ольга Лепешинская, Майя Плисецкая, Екатерина Максимова, Михаил Лавровский, Вячеслав Гордеев, Владимир Васильев.

Вячеслав Гордеев к «Дон Кихоту» также обращался уже не раз. В репертуаре «Русского балета» есть одноактная сюита «Дон Кихот» – динамичная версия спектакля, в основе которой – история любви цирюльника Базиля и прелестной Китри.+

В 2006 году маэстро предпринял первую попытку постановки полноценного спектакля на сцене Екатеринбургского академического театра оперы и балета. Балет «Дон Кихот» в его хореографической редакции имел огромный зрительский успех и заслужил одобрение критиков.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18108
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Фев 27, 2018 11:11 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018022701
Тема| Балет, театр «Русский балет», Премьера, Персоналии,
Автор| Юлия Коц
Заголовок| "Русский балет" представил зрителям новую постановку балета "Дон Кихот"
Где опубликовано| © «Российская газета»
Дата публикации| 2018-02-27
Ссылка| https://rg.ru/2018/02/27/reg-cfo/russkij-balet-predstavil-zriteliam-novuiu-postanovku-baleta-don-kihot.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Фото: Предоставлено Московским областным государственным театром "Русский балет"


Московский областной государственный театр "Русский балет" представил публике премьеру - новую постановку знаменитого балета Мариуса Петипа "Дон Кихот" в хореографической редакции Вячеслава Гордеева. Как признался сам народный артист СССР Вячеслав Гордеев, он давно мечтал поставить этот яркий темпераментный спектакль в собственной редакции.

Для новой постановки балета Вячеслав Гордеев взял за основу сценарий Мариуса Петипа и Александра Горского, сочинил собственное либретто. Балет стал динамичнее, понятнее современному зрителю, полнее по сюжету. В музыкальную часть постановки вошли страницы, которые в партитуре "Дон Кихота" ранее не звучали. Нотный материал предоставлен венским обществом Людвига Минкуса. Что касается главных персонажей - Дон Кихота и Санчо Панса, то они тоже изменились - перестали быть лишь комедийно-драматическими героями и приобрели собственные танцевальные партии, наблюдать за которыми теперь стало особенно интересно. Появились в постановке и новые персонажи, такие как Алонсо Кихано (юный Дон Кихот), монахиня Жуанна, племянница Дон Кихота.

Впервые зрители увидели дуэтные фрагменты и вариацию Алонсо Кихано в испанском стиле - исключительное авторство Гордеева. Он, будучи знатоком академического танца, сочинил очень музыкальные и технически виртуозные соло для персонажей своего "Дон Кихота".

- Эта премьера - дань глубочайшего уважения величайшему балетмейстеру - Мариусу Петипа, посвятившему свою жизнь русской Терпсихоре, - говорит Вячеслав Гордеев. - "Дон Кихот" - балет-праздник, соединяет изящную веселую музыку, сложнейшую хореографическую технику, красочные декорации, яркие костюмы. Он полон любви, юмора и веселья.

Как рассказали в театре, вскоре "Дон Кихот" отправится с гастролями по регионам России, постановку, в том числе, смогут увидеть и жители Сибири. Гастроли будут посвящены юбилею Вячеслава Гордеева. Однако в ближайших планах артистов - показать балет зрителям в Москве и Московской области.

Кстати

В репертуаре театра "Русский балет" почти 10 лет входит балетная сюита "Дон Кихот" - это одноактная версия, в которой укладывалась основная коллизия сюжета - история любви цирюльника Базиля и Китри. "Дон Кихот" в новой редакции - полнометражный спектакль в двух актах и шести картинах.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вт Фев 27, 2018 11:25 am), всего редактировалось 2 раз(а)
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18108
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Фев 27, 2018 11:23 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018022702
Тема| Балет, МАМТ, «Точка пересечения», Персоналии, Диша Чжан, Ксения Вист, Соломон Беррио-Аллен, Бленард Азизай
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| Акт — вещь упрямая
«Точка пересечения» в Музтеатре имени Станиславского и Немировича-Данченко

Где опубликовано| © Газета "Коммерсантъ" №34, стр. 11
Дата публикации| 2018-02-27
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/3558678
Аннотация|


Фото: Юрий Мартьянов / Коммерсантъ

На Малой сцене Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко состоялась очередная «Точка пересечения»: четыре приглашенных хореографа поставили одноактные балеты специально для артистов труппы. Рассказывает Татьяна Кузнецова.

От других российских проектов, нацеленных на поиск балетмейстерских дарований, «Точка пересечения» отличается деловитым прагматизмом: здесь не ждут заявок, а ищут своих авторов сами. Продюсеры проекта Ксения Никольская и Дарья Фомина шарят по сетям, отсматривают онлайновые видео с европейских конкурсов, по старинке опрашивают знакомых авторов и в результате отбирают с десяток хореографов-кандидатов. Итоговую четверку утверждает худрук проекта, с этого сезона — Лоран Илер, худрук балетной труппы «Стасика», горячо поддержавший начинание предшественников.

Правила игры неизменны все три «точечных» года: месяц на 20-минутную постановку, небольшое (до восьми человек) количество артистов, минимальные материальные затраты, непременное видеооформление: перед каждой работой крутят ролик с авторским эпиграфом — устным или визуальным. Конечно, есть риск, что работа выйдет неудачной или артисты не справятся с незнакомым языком. Но и шансы один к четырем.

На сей раз в «Точке» пересеклись две опытные дамы с весомым послужным списком (37-летняя китаянка Диша Чжан и 34-летняя Ксения Вист — москвичка, выросшая в Германии) и два необстрелянных юнца: 21-летний британец Соломон Беррио-Аллен, артист из компании Рассела Малифанта, и 23-летний германский албанец, фрилансер Бленард Азизай. Мужчины выглядели искренними, но сумбурными: оба предложили собственный пластический язык, еще не обузданный грамматическими правилами, и довольно бессвязный стиль повествования, выглядящий как поток сознания.

Бленард Азизай, заявивший в видеоэпиграфе к балету «В начале» о борьбе с внутренними монстрами ради творческого освобождения, представил темные силы в образе босой и прелестной Эрики Микиртичевой. Возможно, балерина олицетворяла пагубность секса — в начале спектакля она завлекательно сымитировала партерное соитие с партнером, в финале пара, объединенная общим кринолином, заворожила подопытных артистов пассами рук и волнением торсов. Между этими эпизодами была борьба (мужчин с мужчинами и каждого участника — с самим собой), согбенные пробежки с висящими до полу и буйно болтающимися руками, постоянные смены рисунка мизансцен, а также адажио мятущейся женщины с опорой на двух индифферентных мужчин и пара эпилептических припадков.

Соломон Беррио-Аллен в своем опусе «Жонглируй» остался в ладу с собой: он отметил свою работу тем специфическим чувством юмора, когда не сразу понятно, шутит ли автор. Впрочем, два танцовщика (невозмутимый Юрий Выборнов и жизнерадостный лицедей Евгений Поклитарь, герой всех «Точек») английский юмор легко переводили на русский с помощью мимики и родного телесного темперамента, в то время как стильные непроницаемые девушки (главная среди трех — изысканная в своей угловатости Валерия Муханова) добавляли к мужским хохмам элегическую загадочность. Незаемная лексика опуса позволяет надеяться на будущие успехи юного британца, однако выстроить свои находки в четкую композицию он пока не в состоянии.

Зато четче некуда высказалась Ксения Вист в балете «Песочные часы»: за какие-то 25 минут она обрисовала всю жизнь своего главного героя. Сначала зрелый танцовщик Алексей Любимов изображал ребенка, инфантильно внедряясь в классическое — на пуантах, с аттитюдами и обводками — адажио «родителей». Потом резвился с «друзьями» в обобщенно-лирическом стиле эпигонов Начо Дуато, обогащенном житейскими жестами — вроде опрокидывания стаканчика. Активную фазу жизни герой завершил почти советским адажио: целомудренные объятия, романтичные пробежки, вздымательные поддержки и чуть ли не игра в ладушки. После ухода любимой герой резко сгорбился и, видимо, умер — раз наступила темнота. В этом омуте банальностей не захлебнулась лишь Анна Окунева. Солистка имеет редкий дар наделять актуальностью любое па: свою заурядную партию она провела так, будто Ксения Вист превратилась в Ноймайера — каждый шаг Анны, поворот головы или неспешное разворачивание ноги превращались в знаки современности.

Лучшим спектаклем программы оказался завершивший ее балет «Мы». Хореограф Диша Чжан, лауреат многих премий, чей ранний опус «Пекинские истории» еще 15 лет назад взяла на свой фестиваль Пина Бауш, позволила себе быть общедоступной и смешной, рассказав историю трех семейных пар идеально выверенными минималистскими средствами. Отобранные хореографом жесты по своей житейской конкретности граничат с физическим театром, но повторяемость, отточенность и лаконизм этих движений упаковывают простонародный сюжет (пьющий муж-клерк, замордованные бытом жены, семейный секс и эротические мечты, конкуренция среди скучающего «офисного планктона») в стильную форму современного пластического театра. При этом пульсирующий ритм спектакля, его стремительный темп, остроумные мизансцены, отличные актерские работы без наигрыша и комикования, находчивое обыгрывание аксессуаров вроде офисных кресел на колесиках оставляют этой зрелой работе все преимущества занимательного зрелища.

После свежих премьер театр дважды покажет «Перемотку» — так назван сборник лучших сочинений прошлых лет. «Мы», без сомнения, тоже пополнит эту коллекцию, позволяющую без особых затрат расширять репертуар театра и заодно привлекать в него новое поколение зрителей. Извлечение практической пользы из художественного эксперимента — еще одна особенность «Точки пересечения», отличающая ее от других российских проектов.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Ср Апр 04, 2018 12:18 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18108
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Фев 27, 2018 11:32 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018022703
Тема| Балет, XVII Международного фестиваля Dance Open (СПб), Персоналии, Екатерина Галанова
Автор| Светлана Наборщикова
Заголовок| «Задача Dance Open — привезти самое лучшее»
Где опубликовано| © Газета "Известия"
Дата публикации| 2018-02-27
Ссылка| https://iz.ru/713526/svetlana-naborshchikova/zadacha-dance-open-privezti-samoe-luchshee
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Глава крупнейшего в России танцеального форума Екатерина Галанова — о тайных смыслах фестиваля, понимающих зрителях и хрустальных наградах


Объявлена программа XVII Международного фестиваля Dance Open, который пройдет в Санкт-Петербурге со 2 по 17 апреля. Наряду со спектаклями гостям и участникам фестиваля предложат мастер-классы, лекции, образовательные программы, творческие встречи. О достижениях и перспективах крупнейшего в России танцевального форума «Известиям» рассказала его художественный руководитель и директор Екатерина Галанова.

— Прочитала на вашем сайте поэтичное эссе о том, что 17-й сезон Dance Open посвящен сказке. Так случайно получилось?

— В каком-то смысле всё случайно в нашей жизни. Не потому, что хочу пофилософствовать. Именно программу этого года довольно давно начали собирать. В какой-то момент случилась проблема роста, когда мы немного не успевали за своими мечтами. Но в этом году стало все складываться — мы привозим «Золушку» Балета Монте-Карло в постановке Жана-Кристофа Майо с невероятными костюмами Жерома Каплана.

Я считаю, что это один из лучших его спектаклей. Наверное, самый трогательный и глубокий. История не столько про Золушку: это гораздо более серьезная и пронзительная вещь. То же можно сказать о «Щелкунчике» Йерона Вербрюггена (Большой театр Женевы). Спектакль абсолютно фантасмагоричный, совершенно сумасшедшие декорации…

Вроде бы привозим сказки, но на самом деле — это поиск смыслов, философское погружение и, на мой взгляд, жесткое попадание в сердце, может быть, даже излишне жесткое. «Фламенко» Хосе Антонио и его труппы я смотрела несколько лет назад в Мадриде. Меня поразило, что в какой-то момент я перестала видеть фламенко. Было ощущение, что танцовщики со мной разговаривают, я их понимаю, хотя там нет нарративного сюжета. Это скорее драматическая актерская работа, очень сложная, в том числе и на энергетическом уровне.

— Танцовщики Национального балета Нидерландов (Dutch National) уже стали завсегдатаями фестиваля. Эта труппа — ваше личное пристрастие?

— Можно сказать и так. Была довольно крепкая труппа, но особенного интереса у меня к ней не было. С приходом худрука Теда Брандсена они начали не просто набирать, а, как на лифте, подниматься. Очень интересно стали работать с репертуаром, и теперь мы можем развернуть с их помощью веер лучших хореографов.

В этот раз привозим «Кончерто Конкордия» Кристофера Уилдона, «Тристана и Изольду» Доусона, «Подвижные пространства» моего любимого Кшиштофа Пастора, «Дежавю» Ханса ван Манена. Попросили также вставить в программу «Воспоминания о дорогом месте» Алексея Ратманского. Это красивая, изящная вещь на музыку Чайковского… Задача — за один вечер показать самых лучших и самых успешных хореографов мира.

— И самых радикальных?

— Вы, вероятно, имеете в виду спектакль «Левой, правой, левой, правой». Да, Словенский национальный театр Марибора — тоже моя любимая труппа. Хореографы, которые работают с Марибором, это радикальная молодежь: Клюг, Ингер, Экман. Они экспериментируют с языком и формой хореографического текста, с мировоззрением зрителей, хулиганят, иронизируют, очень лично окрашивают всё. Dance Open существует в самом широком диапазоне — нам очень хочется показать зрителю целостную картину мира балета: от лучшего, накопленного за столетия, и до того, что будет признано лучшим завтра.

— И в качестве уравновешивающего компонента предлагаете старую добрую «Тщетную предосторожность» Екатеринбургского балета?

— Мы открываем ею фестиваль. Тут тоже своя история. Из жизни ушел Сережа Вихарев (реставратор старинной хореографии. — «Известия»). Мне посчастливилось — правда, недолго — с Сергеем работать, когда я была артисткой балета. Сережа был очень чутким и талантливым человеком, хотелось бы что-то сделать в его память. И как раз поставленная им «Тщетная предосторожность» никогда не показывалась в Санкт-Петербурге. Спектакль — изумительный, легкий, праздничный, искрометный, с совершенно невероятным оформлением а-ля Ван Гог. Художница Альона Пикалова красиво это всё сделала. Ну и ребята замечательно танцуют. За этот год они сделали нечеловеческий рывок.

— Dance Open остался год до совершеннолетия. Удалось ли реализовать то, что задумывалось 17 лет назад?

— Я вообще тогда не задумывалась. Ушла из театра в бизнес, и мне хотелось что-то сделать, не очень отрываясь от балета. Мы начали с серии мастер-классов и медленно, вдумчиво шли, наращивая обороты. Коллектив был — полтора человека, сейчас это — серьезная профессиональная команда, соответствующая требованиям самых высокотехнологичных и капризных театров. Пиар, техническая сторона, логистика — это всё грани работы команды, влюбленной в общее дело, влюбленной в балет.

Шутка ли, во время фестиваля каждые два дня мои ребята принимают новую труппу с новым райдером. И обеспечить артистов надо так, чтобы они работали, как дома. Они не должны почувствовать, что в гостях. И они этого не чувствуют. Конечно, вначале мы не думали, что потянем такой фестиваль. Но мне кажется, и не надо задумываться. Главное — просто ножки в сторону цели переставлять.

— По традиции танцем фестиваль не ограничивается. Что на этот раз запланировано в off-программе?

— В этом году мы ее значительно наполнили и усилили. Это и выставка, и лекции. Мы хотим что-то сделать не только для профессионалов нашей индустрии — студентов, педагогов, репетиторов, хореографов, но и для людей, которые просто любят балет. Уже стало понятно, что мы на правильном пути — все лекции востребованы.

Когда мы «ловили» идеи, то провели мини-исследование. Наши зрители (может быть, и не только наши) хотят знать, правильно ли они понимают и оценивают ту или иную вещь. «Мне не понравилось, потому что плохо, или моего образования недостаточно, чтобы оценить это?» «Мне понравилось. Почему мне понравилось? Как это нужно расшифровывать?» Именно проблемам восприятия и оценки будет посвящена серия лекций.

— Вопрос о премии Dance Open, которую присуждают по итогам гала-концерта. Вначале ее вручали ежегодно, теперь — раз в два года. Нет достойных кандидатов?

— Был дикий финансовый кризис. Года четыре назад нам не хватало денег на программу для зрителей. То есть вопрос стоял так: или мы делаем премию, или привозим еще одну труппу. Тогда мы приняли командирское решение делать премию раз в два года. Мы решили, что делать ее нужно, как «Оскар», или не делать вообще. Может быть, надо было сделать ее с еще большим перерывом. Но пока так. И еще одно соображение сыграло свою роль. В связи с тем что мы ежегодно привозим лучших из лучших солистов и в гала-концерте заняты многие ребята, мы поняли в какой-то момент, что вручаем премии одним и тем же людям…

— Не только у вас было такое ощущение.

— Но при этом всё честно. Привозить ребят похуже, чтобы они получили премию, а лучших не привозить? Мы тогда наказываем зрителя. И мы оставили формат концерта. Привозим лучших исполнителей с интересной хореографией, а дальше, если статуэтка попадает в руки одних и тех же и у кого-то, например, пять статуэток, значит, он до сих пор молодец. Пока он лучший — у него на полке количество нашего хрусталя с каждым разом увеличивается (смеется).

В балетном мире все динамично: сегодня ты первый, а завтра что-то повредил, порох ушел. Буквально год — и уже не то. И наоборот: за год можно сделать очень многое. Динамика балетного человека, труппы может быть невероятной. Показ перед выдающимися людьми — а у нас, вы знаете, очень представительное жюри во главе с классиком Хансом ван Маненом — для них очень важен и нужен. Получил артист или не получил премию, может быть, не имеет большого значения. Главное — то, что он имел возможность перед такой представительной аудиторией станцевать.

Ребята страшно волнуются. Даже для самых-самых важно — приглашен или не приглашен на следующий гала, guest или не guest в следующих постановках, свершился переход в другую труппу или не свершился. Трудно даже представить, сколько новых контрактов и приглашений случается на нашем фестивале. Это возможность для очень именитых и абсолютно успешных артистов попробовать что-то новое. Они ведь довольно инертны, потому что огромное количество работы в их родных театрах, это тяжело, организм изнашивается. А когда тут же, после концерта, можно решить множество вопросов… Новое направление, новый проект — и здесь же руководители, хореографы, педагоги, партнеры. Я путешествую по банкетному залу, и у меня ощущение, что сначала было, как на конференции, пленарное заседание, а сейчас — работа по секциям. Смотрю и понимаю, что идут творческие процессы. Мы сделали самое главное, ура!

— То есть фестиваль — это еще и своего рода балетный рынок?

— Творческая лаборатория, которая реально приносит успех. У меня тепло на душе, когда я понимаю, что знаю, где и как они договорились. В том числе это наши усилия, мы тоже немного меняем этот мир. По-моему, это очень здорово.

— И все же в первую очередь фестивали делаются для зрителей. Кто он, ваш зритель?

— Нам очень хочется видеть зрителя не случайного, того, кто разбирается, понимает, куда он пришел и зачем. Именно поэтому мы ведем такую серьезную информационную кампанию.

Дорогие зрители, не покупайте билеты без разбора. Почитайте, что мы пишем про каждый спектакль. Вам, наверно, лучше пойти на «Тщетную предосторожность», а вы посмотрите «Золушку», наверное, она вам будет ближе. Вы, пожалуйста, уважаемый, приходите на Dutch National… Мы специально привозим полное разнообразие спектаклей, чтобы была возможность каждому любителю танца найти то, что его цепляет, вовлекает, волнует. Именно поэтому наша задача — привезти самое лучшее и максимально разнообразное.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18108
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Фев 27, 2018 11:44 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018022704
Тема| Балет, Танец, Премьера, "Солярис", Персоналии, Юрий Смекалов
Автор| Автор: Фотограф - Виктория Назарова
Заголовок| Юрий Смекалов: "Что будет, если вывернуть человека наизнанку?"
Где опубликовано| © Peterburg2.ru
Дата публикации| 2018-02-26
Ссылка| https://peterburg2.ru/articles/yuriy-smekalov-chto-budet-esli-vyvernut-cheloveka-naiznanku-38567.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

"Солярис" – первый балетный спектакль в репертуаре "Приют комедианта", совместный экспериментальный проект театра и творческого объединения Юрия Смекалова M.A.D. Company. Действие спектакля разворачивается на станции "Земля" и в космическом пространстве. Отправляясь в межпланетное путешествие человек неизбежно погружается в исследование собственного, внутреннего космоса. Накануне премьеры, которая состоится 3 марта, поговорили с хореографом и постановщиком спектакля Юрием Смекаловым.

Юрий, расскажите, как вы пришли к балету? Насколько мне известно, в детстве вы учились в музыкальной и художественной школах, играли в хоккей и занимались плаванием.

Моя мама мечтала стать балериной. Но когда в детстве она сказала, что хочет заниматься балетом, ее мама ответила: извини, мы уже купили тебе фортепиано. Думаю, что она решила реализовать во мне свою несбывшуюся мечту. Однажды мы поехали с отцом в зоопарк. И у входа он заметил объявление, что в хореографическое училище имени А.Я.Вагановой набираются мальчики. Папа, естественно, сразу вспомнил о мечте мамы стать балериной, и принял решение отвести меня на просмотр на улицу зодчего Росси.

Какой вы видели свою будущую жизнь, пока были студентом Академии? Насколько это совпало с тем, как все сложилось?

Учась в Вагановском, я представлял себя исключительно артистом Мариинского театра. Но все сложилось иначе, и после выпуска десять лет я проработал в труппе Бориса Эйфмана, о чем нисколько не жалею. Хотя судьба в итоге все равно привела меня в любимую Мариинку.

Жалеть, и правда, не стоит. У Эйфмана вы танцевали Ивана Карамазова, Дон Жуана, Вронского, Тригорина, за которого получили "Золотую маску". А какую из работ в этом театре вы бы назвали самой значимой?

Однозначно партию Тригорина в "Чайке". Роль амбициозного и в то же время сомневающегося в своих силах человека мне кажется интересной. Это во многом портрет настоящей творческой личности. Плюс ко всему, эта работа случилась уже после того, как созрело желание уйти из театра – возникло ощущение внутреннего стопора. Но Борис Яковлевич вдохновил меня на эту роль, и у нас сложился уникальный тандем и взаимопонимание во время постановочного процесса.



Может быть, есть герой, которого вам танцевать почему-то сложнее? Или партию, которую вам тяжело принять или понять.

Да, роль Гурна в балете "Сильфида". После десяти лет работы в театре Эйфмана у меня сформировалось убеждение, что каждая роль в спектакле должна быть выстроена и закончена. И как раз в спектакле Бурнонвиля есть логическая образность партии Гурна. В нашей версии спектакля, которую переносила фон Розен, этот персонаж выстроен не достаточно убедительно.

С 2008 года вы работаете как хореограф. Как долго зрело в вас решение не только исполнять, но и сочинять танец? Помните ли момент, как приняли решение ставить первый свой спектакль?

Конечно, помню. Это был хореографический вечер "Золото осени" в Москве, который изначально я хотел представить как свой дебют в качестве режиссера и хореографа. Случилось так, что во время работы над этим проектом умер мой близкий друг и учитель Георгий Алексидзе. И эту постановку я посвятил ему, переосмыслив сюжетную линию спектакля.

"Verba volant, scripta manent – слова улетают, написанное остается" стала моей первой работой в качестве режиссера и хореографа.

Но почему оставаться только танцовщиком было уже было мало?

Случилась серьезная травма – была опасность, что вообще не буду танцевать. Но я не мог представить себя не танцующим и оторванным от балета, поэтому и поступил снова в Академию русского балета, но уже на курс "Искусство хореографа" к Георгию Алексидзе, чтобы получить новую специальность.

"Солярис" – первый балетный спектакль в репертуаре "Приюта комедианта". Расскажите, как вам пришла идея спектакля?

У нас с Виктором Минковым, директором и художественным руководителем "Приюта комедианта", родилась идея о новой творческой коллаборации. После первой совместной работы – вместе с его продюсерским центром мы привезли в Санкт-Петербург балет Infinita Frida, который я ставил в Мексике. Набравшись смелости, мы решили, что можно создать новый балетный спектакль, но уже на петербургской сцене. При том, что балетной антрепризы в нашей стране, по сути, не существует – крайне сложно собрать сильных танцовщиков из разных театров, тем более, представляющих разные танцевальные направления.

Если же говорить об идее спектакля... мы берем тему, которая волнует каждого в определенный момент жизни. Важно рассуждать о том, откуда произошел человек, важно думать, как серьезно космос связан с нашим существованием.

"Солярис" – роман крайне значимый для космической фантастики. Самая сильная его сторона, на мой взгляд, в том, что автор оставляет финал открытым – Лем лишь задает вопрос о происхождении человека, о его связи с космосом. Мы можем только дискутировать, обсуждать их, оттого тема и остается волнующей.

Стоит ли зрителю пытаться "прочитать" танец, держа в голове "Солярис" Лема? Советуете ли вы ли перечитать книгу перед походом на спектакль?

Не стоит подходить к интерпретации спектакля, вооружившись знанием сюжета. Но перечитать необходимо, конечно. Во-первых, для многих "Солярис" – это только фильм Тарковского. А он все же дал свою трактовку романа и наполнил экранизацию размышлениями, которых в книге нет. И стоит напомнить, что сам Лем был не очень доволен фильмом. Во-вторых, перечитать книгу важно, потому что каждый зритель или читатель может найти в ней собственные ответы на вопросы, заданные писателем. Каждый будет видеть свой смысл, по-своему определять важность романа. Возможно, тот, кто перечитает "Солярис", сможет обнаружить некоторые ответы именно в нашем спектакле.

Вы уже отметили, что в "Солярисе" задействованы сильные танцовщики - как солисты Большого, Михайловского, Мариинского театров, так и не менее талантливые танцовщики современных направлений. Как удалось собрать эту команду?

Как удалось? Ответ мне не известен (улыбается). Повторюсь, что в балетном мире очень трудно собрать для нового проекта танцовщиков такого уровня. На мой взгляд, самым успешным человеком в таких проектах остается Екатерина Галанова, которая приглашает лучших артистов на фестиваль Dance Open. Мы, конечно, не конкурируем. Но я все-таки пытаюсь своей идеей заразить артистов: они собрались ради творчества, чтобы вместе создать нечто интересное. Я работаю в академическом театре и понимаю сложность устройства этого механизма – не каждый год есть возможность ставить большую премьеру. В этом, например, наш театр не планирует балетных премьер. А для действующего хореографа год без постановки – это пробуксовка. Я не имею права останавливаться. Поэтому ищу возможность сделать новый спектакль с интересными артистами.

Насколько работу над "Солярисом" можно назвать сотворчеством с танцовщиками? Или вы хореограф-диктатор?

Во время репетиций понял, что все же я – диктатор (улыбается), но очень мягкий. Я понимаю, что работаю в команде с творческими людьми, мастерами. Конечно, прислушиваюсь к ним. Что-то позволяю решать самостоятельно, но в рамках поставленной задачи. Бывает, что артисты не соглашаются, спорят. Если кому-то удается представить более убедительную версию, я ее принимаю. Естественно, я ищу и требую того, что устраивало бы меня. Но вообще в современном танце существует огромное стремление к свободе, она должна присутствовать.

Как раз в "Солярисе" мы вспоминаем о знаменитой буддистской загадке: что будет, если вывернуть человека наизнанку? Космос окажется внутри него, а его собственный маленький мирок – снаружи, станет космосом. В данном случае, я не хочу, чтобы мой маленький мирок ограничивал талантливых людей. Хочется, чтобы процесс работы был соавторством. И здесь еще одна важная вещь, которую мы тоже затрагиваем в спектакле: не существует прошлого и будущего – только настоящее, процесс, который мы проживаем сегодня. И раз получаем удовольствие от процесса – значит, что-то обязательно получится.

Заявлено, что "Солярис" создавался на стыке разных танцевальных культур. К каким жанрам вы обращаетесь?

Мы имеем в виду, что артисты представляют разные культуры. Все-таки культура академического танца и балета отличается от современных направлений – иные принципы движения, построения тела, оси, связок, соотношения формы и содержания. Меня тревожит, что многие спецы современного танца холодного относятся к академическому балету, считают балетных жителями другой планеты, которые ничего не знают, кроме своей элитарной пластики (хотя современный танец сегодня тоже достаточно элитарен). Есть у них классика и традиции, они в них растворены – больше ничего не интересно. Это обидно слышать. В академическом театре много людей, которые с пиететом и трепетом относятся к современной хореографии и изучают ее. Но классический балет – огромная нагрузка и ответственность, танцовщики погружены в этот мир и не так просто уделять много времени изучению новых направлений. Поэтому мне хочется в какой-то степени объединить разные культуры танца, чтобы люди разных направлений могли существовать на равных правах в одном спектакле, дополняя друг друга. У нас не будет противопоставления академического и современного танца. Задача – пригласить артистов на новую территорию, выйти из собственного привычного мира.

То есть не будет столкновения классического балета и современного танца?

Нет, "Солярис" – спектакль с единым хореографическим решением. Я уже ставил спектакли в разных стилях – Мариуса Петипа, Ростислава Захарова, но здесь я хочу попробовать себя в другом направлении. Посмотрим, что получится.

Безусловно, соединение культур находит отражение и в музыке Бхимы Юнусова. Как происходил процесс написания музыки для "Соляриса"?

Я слышал его музыку до этого, но Бхима прежде не работал с большой формой. Он не консерваторский композитор, но у него отличный вкус, Бхима активно изучает современные направления. И это человек с интересным внутренним миром.

Я убежден, что можно быть профессионалом, но если нет внутренней глубины, как бы мастерски ни была сочинена композиция или поставлена хореография, они будут ограниченными. Важно иметь внутренний свет, о котором мы говорим в "Солярисе".

Бхима, на мой взгляд, им обладает. Понятно, что есть музыкальная экспликация спектакля со своими задачами, ритмами, темами, настроениями, которые я предлагаю композитору. Он пишет, отталкиваясь от конкретных характеристик. Важно, чтобы просто закрыв глаза и слушая музыку, зритель распознавал лейтмотивы, основные темы, чтобы форма раскрывалась. Может быть, в создании музыки сегодня такая последовательность и не обязательна... Но я убежден, что произведение должно погружать в определенную атмосферу, раскрывать сюжет спектакля. Говорить абстракциями мне неинтересно. Нужно чтобы возникали ассоциации – да, но для меня важно и логическое, сюжетное развитие. Этого мы стараемся добиться вместе.

Как определите для себя, что постановка удалась?

Это никогда нельзя определить заранее. Любой человек, который что-то создает, одновременно думает: "Как классно!" – и сомневается в том, что сделал. Мой главный критерий – реакция артистов. Я вижу, что им нравится. Это залог того, что работа может получиться. Другой вопрос, что когда соединяются хореография, музыка, пространство, сценография, может произойти, что угодно. Магия случится или не случится. От сомнений никуда не деться. Понятно, что "Солярис" будет крепнуть от показа к показу, но уже сейчас есть все задатки интересного спектакля, нескучно, такого, на который не жаль потратить время. Но только через энное количество лет, когда "Солярис" будет танцевать тридцатое поколение артистов, можно будет сказать, что спектакль удался.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18108
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Фев 27, 2018 12:11 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018022705
Тема| Балет, МАМТ, «Точка пересечения», Персоналии, Диша Чжан, Ксения Вист, Соломон Беррио-Аллен, Бленард Азизай
Автор| Майя Крылова
Заголовок| Скрежет с энтузиазмом
Где опубликовано| © портал "Музыкальные сезоны"
Дата публикации| 2018-02-27
Ссылка| https://musicseasons.org/skrezhet-s-entuziazmom/
Аннотация|

Проект «Точка пересечения» проходит на Малой сцене московского Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко в третий раз. Как и прежде, цель проекта – выявление новых имен молодых хореографов и создание современных балетов.


Бленард Азизай. «В начале»

Важно, что такие балеты создаются в недрах театра, предоставившего танцовщиков и площадку. Это взаимная выгода: молодые постановщики получают возможность заявить о себе, артисты же, по словам художественного руководителя балетной труппы МАМТа Лорана Илера, открывают в себе «потенциал, который раньше не использовался». А театр присматривается к возможности пополнить талантливыми произведениями балетную афишу. Условия были просты: двадцать минут на балет и минимальный бюджет. Прочее – без ограничений. На постановки отвели месяц.

В проекте приняли участие четыре хореографа из разных стран. Российских участников на этот раз не было. Среди приглашенных – Диша Жанг (балет «Мы»), Бленард Азизай («В начале»), Ксения Вист («Песочные часы») и Соломон Беррио-Аллен («Жонглируй»). Общее у них, пожалуй, лишь то, что артисты балетной труппы, как показалось, всей душой прикипели к новому проекту и оценили предоставленные им возможности. Во всяком случае, они танцевали с большой отдачей, постигая неклассические способы пластического существования на сцене.

Бленард Азизай – уроженец Албании, работающий в Берлине. Сотрудничал с такими известными труппами, как компании Саши Вальц и Акрам-Хана. В Москве он поставил мини-балет о внутренних монстрах, обуревающих человека. Их следует нивелировать, ибо «мы должны победить, чтобы творить». Фраза из программного авторского монолога в буклете точно описывает танец: «Мы делаем неправильные повороты, бьемся о стены, теряемся». В балете Азизая, сквозь мрак и дым, под скрежет фонограммы, танцовщики занимаются условной схваткой с чем-то или кем-то: каждый – то демон, то борец с демоном. Мужчины и женщины манипулируют друг другом и спасаются от манипуляций. Объемный танец рук, характерный для хореографа, сменяется хождением на четвереньках, взаимным «перетягиванием» тел, катанием по полу и прочими атрибутами современного танца. В финале, когда демон, надо полагать, повержен, танцовщики как бы взлетают, помогая себе руками-крыльями.

Ксения Вист, балерина и хореограф из Германии, много ставила для труппы Национального балета Берлина, где работала десять лет. В Москве она дебютировала с номером «Песочные часы». Хорошее знакомство с европейской хореографией (Вист танцевала в балетах Бежара, Форсайта, Прельжокажа и Гёке) позволило ей создать осмысленный и внятный мини-балет, в котором речь идет о неумолимости времени. И о нашей перманентной изменчивости, заставляющей тело и душу мгновение спустя быть уже другими. Любопытен и красив саундтрек балета: песни-баллады английского композитора XVI-XVII веков Джона Доуленда в исполнении Стинга и с сопровождением лютни. Здесь быстро рисуют мелом на черном кубе, приоткрывают друг другу объятия, лихорадочно ищут путь к себе и от себя, а потом сгибаются под тяжестью потерь. Пуанты соседствуют с «анархией» корпуса и рук, а соло Алексея Любимова выразительно до смятения.

Соломон Беррио-Аллен, британский постановщик и художник, по его словам, занимается понятиями «привязанности и отстранения». И то, и другое предполагает поиск в «незнакомых территориях». Пятерка исполнителей балета «Жонглируй», чья походка – синкопы, а построение – гуськом, налегает телами друг на друга, чтобы упасть на пол по телесной инерции, как стоящие на ребре костяшки домино падают от прикосновения пальцем к крайнему элементу. Цитаты из брейка и метод закрепленной импровизации сочетаются с фронтальной геометрией эстрадного шоу, с «рапидом» прогнувшейся назад спины, руки обнимают воздух, а движение оборачивается загадочной головоломкой. Сочетание телесной дисциплины и телесной расхлябанности заканчивается массовым падением бумажных прямоугольников из-под колосников. Деньги, предположили в зрительном зале.

Балет под названием «Мы», поставленный Дишей Жанг, самый «бытовой» из номеров программы. «Истории жизни обычных людей», а не умозрительные конструкции – самое дорогое для китайского независимого хореографа с множеством международных наград: два первых места на конкурсах современной хореографии в Германии и Испании. Истории тех семей, в которых есть пьянство мужа и привычные хлопоты жены, замороченность бытом и мгновения семейного взаимопонимания, рождение ребенка и рутинные будни «офисного планктона». Три пары демонстрируют взлеты и падения отношений.

У Жанг получается трагикомедия повседневности, со всеми ее невзгодами и радостями. Такой современный танец, балансирующий между традиционной пантомимой и «физическим театром», встречается не очень часто, если говорить об удачах: ведь так легко впасть в комикование или в перечисление. Возможно, местами «Мы» слишком иллюстративны, зато мгновенно узнаваемы, и публика это приветствует. После многозначных повествований с философическим подтекстом так приятно окунуться в реальную жизнь.

фото – Карина Житкова
=======================================
Все фото - по ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Ср Апр 04, 2018 12:20 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18108
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Фев 27, 2018 1:59 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018022706
Тема| Балет, Пермский театр оперы и балета, Персоналии, Алексей Мирошниченко
Автор| Арина Ильина
Заголовок| Три явления балетов Алексея Мирошниченко в Москве
Где опубликовано| © Voci dell'Opera. Интернет-журнал об опере и балете
Дата публикации| 2018-02-22
Ссылка| http://www.vocidellopera.com/single-post/miroshnichenko
Аннотация| Гастроли

С октября 2017 года по февраль 2018 года Пермский театр оперы и балета трижды выступил в Москве с гастролями балетных спектаклей хореографа Алексея Мирошниченко. В рамках фестиваля Context был показан балет «Жар-птица», 1 февраля в столице показали «Щелкунчик» с Натальей Осиповой, а уже через неделю труппа выступала с балетом «Золушка» на театральном фестивале «Золотая Маска».



Все три работы выдают руку одного мастера, а, вернее, целой команды: над всеми этими спектаклями вместе с Алексеем Мирошниченко трудились Альона Пикалова (художник-постановщик), Татьяна Ногинова (художник по костюмам) и Алексей Хорошев (художник по свету). При этом «Жар-птица» в число номинантов на «Золотую Маску» не попала (Балеты Стравинского, где наряду с «Жар-птицей» Мирошниченко также идет «Петрушка» Владимира Варнавы и «Поцелуй Феи» Вячеслава Самодурова, попали лишь в лонг-лист), а «Золушку» выдвинули на соискание премии в восьми номинациях. Судьба премьерного «Щелкунчика» определится только осенью.

Балеты Мирошниченко & Co объединяет размах авторской мысли. Режиссерски каждый балет продуман до деталей, великолепные разнообразные костюмы превосходят число артистов в несколько раз (например, по словам хореографа, в «Золушке» на переодевание иногда отведено всего 40 секунд), декорации и свет меняются так кардинально, как будто вместо пульта за кулисами стоит машина времени. В общем, при просмотре любого из этих балетов становится ясно, что в авангарде Пермского театра стоят люди решительные, творческие, деятельные и бесконечно талантливые. И это мы еще не упоминали худрука театра Теодора Курентзиса, чьи классические концерты собирают толпу фанатов, по энтузиазму не уступающую фанатам группы Metallica.

Алексей Мирошниченко – выпускник АРБ им. Вагановой 1992 года. Он работал в Мариинском театре сначала как артист, затем как хореограф-репетитор, после был приглашен в Нью-Йорк Сити Баллет в качестве хореографа-постановщика, а в 2009 году возглавил труппу Пермского театра. За этот насыщенный творческий период Алексей выработал собственный узнаваемый стиль, причем не столько хореографический, сколько режиссерский. При этом хореограф явно любит конкретику: его балеты помещены в определенный исторический контекст. Действие «Щелкунчика» развивается в 1892 году в императорской России, то есть в год, когда этот балет был впервые поставлен на сцене Мариинского театра, «Золушка» происходит в 1957 году, в год Фестиваля Молодежи и Студентов в Москве, а «Жар-птица» вообще покрывает собой весь XX век от современности до 1910 года – премьерного года балета.

Конечно, «Жар-птица» Мирошниченко выбивается из ряда сказочных сюжетов, так как в этом балете сюжет – понятие размытое. Хореограф проводит зрителя за руку сквозь 12 балетных «эпох» и предлагает угадать имена 12 культовых хореографов XX века: от современного Акрама Хана (широкие штаны выдают его «Священных чудовищ») до Михаила Фокина. Между ними просматривается «Вторая деталь» Уильяма Форсайта, «Весна священная» Пины Бауш и Мориса Бежара, «Lamentation» Марты Грэм, а также Баланчин, Голейзовский и другие. Главные герои сказки – Иван-царевич, Царевна, Кощей и Жар-птица – проходят сквозь годы и стили и в конце будто сходят с эскиза Леона Бакста. Костюмы – первое, что выдает аллюзии, хореография стилизована очень удачно и тоже прямо и понятно намекает на мэтров прошлого. Только декорации, этакое чудо инженерной мысли (разнообразные металлические «соты», кубы, горизонтальные и вертикальные линии и «облачка» полукругов), не особо связаны с происходящим на сцене, но в конце выстраиваются в гипотетический лего-Кремль, в который вписан триумфальный хэппи-энд Фокина. Конечно, стоит сделать небольшую оговорку: интеллектуал Мирошниченко здесь ориентировался на таких же интеллектуалов зрителей. В какой-то степени та часть публики, которая не увлекается историей балета и просто любит театр как досуг, осталась немного в стороне. С другой стороны, повышение образования зрителя – это благородная миссия, и здесь хореографа упрекнуть не в чем.

Что касается «Золушки», то в этом балете всё работает на историю, четкую и понятную, как часы на Спасской башне Кремля. Часы, кстати, в балете есть: действие происходит в Москве, в Большом театре, где ставится балет Прокофьева «Золушка», и вокруг этой истории развивается человеческая драма. Молодой хореограф Юрий Звездочкин (его прототипом стал Юрий Григорович) ставит классический балет на солистку Веру Надеждину и приглашенного из Франции премьера Франсуа Ренара, которого позже обвиняют в антисоветской деятельности, высылают из страны, а Веру по подозрению в пособничестве отправляют работать из Москвы в Пермь. Неожиданная интерпретация классической сказки поначалу вызывала много вопросов, но в итоге получила невероятный отклик у зрителя, многие откровенно плакали, как после душераздирающего кино. Оркестр под руководством Теодора Курентзиса рвал сердца на части, и это сложно назвать авторским преувеличением: так Прокофьева исполняет только Пермь.

И такая «Золушка» есть только в Перми: с серыми залами Большого театра, золотыми декорациями балета в балете, с гэбистами, министром культуры Фурцевой и снимающим ботинок Хрущевым. В балете очень много персонажей, очень много действия, очень много костюмов – от простых тренировочных купальников до роскошных бальных платьев, много драмы и при этом не так уж много собственно танцев. Из хореографии в памяти остаются только прекрасные дуэты Золушки и Принца в «балете», Веры и Франсуа в Александровском саду и Веры и Звездочкина в Перми – все три с фантастическими поддержками и сложными техническими элементами. Все остальные танцы (а танцуют даже хмурые агенты КГБ) отходят далеко на второй план, так как на первом – сама история, надрывная, щемящая и очень теплая.

Наконец, в «Щелкунчике» Алексей Мирошниченко пошел по тому же пути и также встроил драматическую историю в определенный контекст. Конец XIX века, народные гуляния на площади, очертания Санкт-Петербурга, костюмы русской знати, на улице бакалейщики продают калачи, а Мари во сне является не принц, а гусар.

«Щелкунчик» так же густонаселен, как и «Золушка», в нем так же много пантомимы, но танцев уже не занимать. Центральной темой балета становится взросление Мари и исследование психологии юной девушки пубертатного возраста. Сюжет похож на традиционного «Щелкунчика», хоть немного и подогнан под реалии имперской России. Столичная семья дает званый ужин в Сочельник, Дроссельмейер – пожилой, но бойкий дядюшка – не столько развлекает, сколько управляет развлечением: по его призыву выносят импровизированную сцену, и родители разыгрывают домашний спектакль без всяких заводных кукол. Мари снится Щелкунчик-гусар, они влюбляются друг в друга и кружатся в танце в волшебном Блюменбурге, но сомнение Мари приводит к трагедии – чары рушатся, и возлюбленный превращается в бездушную игрушку. Правда, в конце Мари всё же обретает счастье. По воле случая Дроссельмейер знакомит ее со своим племянником, который как две капли воды похож на прекрасного юношу из сна.

Алексей Мирошниченко признался (и с этим нельзя спорить), что ставить новую классическую версию и без того классического спектакля – задача в разы более сложная, чем придумывать современный вариант. К сожалению, эту сложность невозможно не заметить: танцев в спектакле много, но многие из них довольно скучны, как например, кукольные дуэты во втором акте. Исключение составляет, разве что, Восточный танец – настоящая индийская Камасутра, которая выглядит ярко и соблазнительно и подтверждает идею о взрослении Мари.

Массовые танцевальные сцены хореографу, наоборот, удались. Очень красивый танец у Снежинок, которые в этом спектакле должны бы называться Льдинками. Они пугают героев своей колючестью и холодом и совсем не улыбаются. Из таких слово «Вечность» точно не собрать. Также оригинально поставлен вальс цветов. Так как действие сна происходит в Блюменбурге (Цветочном городе), то и танцуют здесь розы, лилии, пионы и лотосы, причем соло отдано четырем мужчинам: пока девочки сидят на колене и качают головой, мальчики делают высоченные заноски, прыгают в жете и крутят многочисленные туры.

Как уже было сказано, над спектаклем трудились всё те же герои – Альона Пикалова и Татьяна Ногинова. На их трудах держится фактически весь спектакль, и в нем они развернулись гораздо шире, чем в «Жар-птице» или «Золушке». Особенно заметен триумф пошивочного цеха. Костюмы каждого персонажа продуманы до мелочей, будь то гусарский мундир Щелкунчика или простой наряд городового, яркость красок иногда зашкаливает (мыши, например, кислотно-желтые и толстые, как хомячки). Каждую сцену хочется ставить на паузу и рассматривать, как старинную открытку.

К сожалению, триумфальными эти гастроли назвать сложно из-за катастрофической неорганизации приглашающей стороны. Из-за заминки на досмотре труппа попала в КДС лишь за 2 часа до начала спектакля, поэтому никто не успел полностью проверить декорации и выставить свет. В итоге спектакль начался с двадцатиминутной задержкой, а антракт длился целый час из-за технических проблем. Ожидание было настолько утомительным, что зрители, обычно щедрые на овации в Кремле, довольно сдержанно следили за действием и выразили своё одобрение аплодисментами лишь после нескольких эпизодов и традиционно по окончании вечера. Тем, кто сидел сбоку, вообще было сложно оценить масштабы постановки: сцена Пермского театра в два раза меньше кремлевской, и для установки декораций в Кремле максимально выдвинули кулисы, сократив и без того ограниченный обзор. И если кому-то было плохо видно, то отсутствие программок с либретто, которые по какой-то причине вообще не поступили в продажу, еще сильнее подпортило впечатление.

Конечно, зритель не дурак и без программок знает, что такое «Щелкунчик», тем более тот зритель, который намеренно покупал дорогие билеты на выступление Осиповой и имел представление о том, что именно он будет смотреть. К слову, в тот же вечер было запланировано выступление Светланы Захаровой в Большом театре в «Спящей красавице», которое в последний момент отменилось, тем самым дав повод оставшимся балетоманам бежать в Кремль «на Наташу».

Наташа не подвела. С первого появления на сцене и до конца поклонов прима была полностью поглощена своей ролью. Ее Мари – подросток, вполне способный влюбиться и помечтать о взрослых отношениях. В отличие от классических версий Вайнонена и Григоровича, героиня балета Мирошниченко не готова мириться с тем, что счастье было возможно лишь во сне, и искренне переживает разлуку со своим возлюбленным из Блюменбурга. Сцена ее горьких слез над куклой Щелкунчика под драматичную музыку адажио – это самый сильный момент во всем балете. Наташа изобразила своё отчаяние до безобразия натурально, а, как известно, настоящее горе не так красиво, как его рисуют в романах. Па-де-де с Никитой Четвериковым смотрелось интересно, причем не только благодаря успешным вариациям, но и драматургии и образам артистов. Рядом с по-голливудски красивым и аристократичным Никитой Наташа играла бойкую девчонку, которая представляла из себя взрослую и независимую героиню, почти что Шурочку Азарову, готовую взять саблю и пойти на французов. Пока Никита с присущей ему принцевской нежностью парил над сценой, Наташа, как ураган, неслась в круге шене и резво и резко колола воздух пуантами.

К слову, это не первая работа Алексея Мирошниченко, в которой танцует Наталья Осипова. На дягилевском фестивале в мае 2017 она участвовала в премьере вышеупомянутой «Жар-птицы». Возможно, роль Веры Надеждиной в «Золушке» тоже бы ей очень подошла. Не исключено, что ее бешеная энергия внесла бы еще больше красок в этот и без того эмоциональный балет. Москва же увидела Наташу в роли Мари, и можно смело заявить, что Осипова очень гармонично смотрится в режиссерских находках Мирошниченко.

Вместо эпилога хочется сказать, что в Перми происходят необъяснимые прекрасные вещи. Там рождаются оригинальные спектакли, каких давно не ставили в Москве. Туда едут звезды мировой величины. Москвичи уже давно летают в Пермь на премьеры и фестивали. Поэтому приезд Пермского театра в Москву и возможность в такие короткие сроки посмотреть три чудесных балета – это настоящий подарок судьбы. Остается только пожелать Алексею Мирошниченко и его команде новых интересных задумок и исполнений, чтобы поскорее увидеть очередной балетный блокбастер.
=====================================================

Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18108
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Фев 27, 2018 2:36 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018022707
Тема| Балет, , Персоналии, Инна Гинкевич
Автор| Бурулёва Юлия
Заголовок| Инна Гинкевич: «Кастовость в балете сравнима с иерархией в Индии»
Где опубликовано| © "World Podium"
Дата публикации| 2018-02-12
Ссылка| http://worldpodium.ru/news/inna-ginkevich-kastovost-v-balete-sravnima-s-ierarhiey-v-indii
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Героиня сегодняшнего интервью плывёт по морю жизни, словно прекрасный белый Лебедь, никогда не склоняя головы и не сворачивая с выбранного маршрута, ловко преодолевая затейливые лабиринты судьбы и изощрённые интриги конкурентов, маневрируя в сложных айсбергах и бурях, которые встречаются на пути. Она ни при каких обстоятельствах не изменяет себе, не предаёт окружающих и всегда стремится к своим целям и мечтам, претворяя их в реальность. Её жизненное кредо – честь, достоинство, любовь и дружба!

Инна Владимировна Гинкевич - Заслуженная артистка России,за спиной которой более 50 ведущих и сольных партий классического репертуара в Большом театре (1990-1994г.г.) студия Ю.Н. Григоровича , Московском Академическом Музыкальном театре им. К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко (1994-2013г.г.), Приморской сцене Мариинского театра г. Владивосток, актриса, ведущая, модель. Главный хореограф Москомспорта. Советник руководителя департамента Москомспорта по вопросам хореографии. Директор ГБУ «Спортивная школа олимпийского резерва № 25» Москомспорта.

В рамках этого интервью мы поговорили с Инной Владимировной о разных этапах и рубиконах её карьеры, становлении творческого и личностного пути, преградах и испытаниях.



Вы родились в Ленинграде. Родители имели какое-то отношение к творческому миру?

Папа – известный архитектор Владимир Гинкевич, реализовавший большое количество объектов, среди которых Кижи, Валаам. Мама, как верная спутница Дали – Гала (ее тоже зовут Галина), партнёр во всём - в жизни, в творчестве, в искусстве, и, конечно, мой воспитатель, куратор, друг.

Как в Вашей жизни появился балет?

Благодаря маме. Когда она была маленькая, поступала и была принята в хореографическое училище. Но её бабушка (моя прабабушка) не одобряла балет, считая, что это не Смольный институт благородных девиц. Хотя я уверена, что из мамы получилась бы звезда балета,так как у нее были прекрасные данные, особенно огромный прыжок (который отметила комиссия при приеме): по всем параметрам она идеально подходила, и сейчас - в 72 года находится в прекрасной форме и многие думают, что она бывшая балерина.

Значит в Вас мамины мечты воплотились в полной мере?

Да, наверное, мама во мне реализовала свои несбывшиеся планы и мечты. Хотя я изначально хотела быть фигуристкой. Но меня переубедили: папа доходчиво объяснил, что балет - большое искусство, фигурное катание- тяжелый спорт. Травматизм в фигурном катании больше, чем балете: лёд – это не пол. Меня отвели в Мариинский театр на балет «Щелкунчик». Я до сих пор помню свой восторг и желание стать Машей.

В 6 лет я попросила бабушку отвести меня в танцевальный кружок во дворе дома, где мы жили, потом стала заниматься в ДК им. Горького на Нарвских воротах, где работали педагоги, которые параллельно трудились в Академии хореографии им.А.Я.Вагановой. Я была очень старательная, у меня получалось, поэтому педагоги посоветовали маме, чтобы я поступала именно в это хореографическое училище (которое и по сей день считается лучшим в мире). Так я оказалась в классическом балете. Сейчас, ретроспективно оценивая детские годы, понимаю, что детства в обыденном понятии у меня не было. Мы практически не ходили в кино и кафе. Все силы и время были сконцентрированы, направлены только на достижение профессии и желание стать лучшей.

Расскажите о годах учёбы в Ленинградском академическом хореографическом училище им. А.Я. Вагановой (ныне Академия)

Я искренне благодарна своему первому педагогу - Галине Петровне Новицкой. Она воспитала целую плеяду звёзд, среди которых Ульяна Лопаткина, Алла Сигалова, Майя Думченко, я и другие.

При замечательном составе педагогов в училище, почти все дополнительно занимались с артистами из Мариинского театра. С 3-го класса балета меня стали курировать Народные артисты СССР Наталья Дмитриевна Большакова и Вадим Николаевич Гуляев. Они были не только танцовщики экстра класса и звезды мирового балета, но и педагоги «от Бога», их влияние оказало колоссальное воздействие на меня не только как на балерину, но и как на личность.

Переходя на 1 курс мне опять очень повезло и я попала в класс к звезде советского балета Народной артистке СССР И.Б.Зубковской. Потрясающей балерине, педагогу и просто самой красивой женщине г. Ленинграда того времени. Именно она привила мне вкус и стиль не только на сцене, но и в жизни. У меня не было ни одного выходного, каждое воскресенье я ездила дополнительно заниматься в Мариинский театр. Даже на летних каникулах на даче был станок (я приспособила под него перила от лестницы) и я каждый день занималась. Иногда хочешь пропустить занятия, сделать выходной, а перед сном ляжешь читать книжку и начинает мучить совесть, что день упущен, успехи не сделаны, кто- то в этот момент стал лучше тебя. В этом случае я вставала и шла заниматься к станку, после чего с «чистой совестью» ложилась спать и спокойно засыпала. Я раньше всех, в 5 классе балета, начала танцевать на сцене Мариинского театра в выпускных и отчетных концертах хореографического училища, где обычно выступают ученики только старших и выпускных классов, но я была исключением.

Так сложилось, что меня очень любили художественный руководитель училища К.М.Сергеев и Н.М.Дудинская. Еще в 1 классе балета они отобрали меня на празднование 80-ти летия Наталии Михайловны на партию маленькой Наташи Дудинской. С этого момента началась моя «звездная карьера» в училище. Продолжением звездного часа были съемки американского документального фильма «Как стать звездой?» Снимало АBC. Режиссером фильма был Тэд Тэрнер и сын президента Америки того времени Рональда Рэйгана –Рони Рэйган-младший. На главную роль в блоке «Про Великий российский балет и Академию им.А.Я. Вагановой,как колыбель русского балета» выбрали меня. Это было для меня очень тяжелым испытанием, потому что я после такого фильма уже не имела права не стать примой. Я уже говорила, что была максимально занята в производственной практике училища. В конце первого курса в рамках международных гастролей мы ездили во Францию, где я умудрилась «отличиться» и обо мне даже написали в местных газетах.

Во время выступления в Гран Пале во время балета «Пахита», солистка которая танцевала вариацию, получила травму и ушла за кулисы, а я стоя в этот момент на сцене в двойке (я должна была танцевать эту партию на следующий день) не раздумывая ни секунды вышла на середину и дотанцевала эту вариацию. До сих пор помню, как зрители встали и аплодировали, а я только потом поняла и осознала всю ситуацию. Я действовала на автоматизме и профессионализме, заложенном в меня моими педагогами. С училищем мы много гастролировали в рамках обмена опытом и я еще ученицей побывала в Швеции, Германии, Венгрии, Франции. Я танцевала сложные па-де-де из балетов с «Корсар», «Пламя Парижа», «Дон Кихот», на протяжении двух лет танцевала Машу в «Щелкунчике»,станцевала «Шопениану», «Фею кукол». Мне очень повезло с педагогами по дуэтному танцу. На 1 курсе это был Н.Н.Серебрянников (по его методике и книге ведется обучение до сих пор), 2-3 курс -Заслуженный артист РФ,звезда балета и виртуоз поддержки М.Ф.Даукаев. Этот человек был моим кумиром с детства, и мне очень повезло, что он стал не только моим педагогом, но и наставником и близким другом. Нагрузка в училище была огромная, при этом я успевала хорошо учиться, висела на доске почёта.

Какие отношения были с педагогами и сокурсницами? У Вас абсолютно балетные данные – утончённость, изящество, грация. Наверняка, с ранних лет приходится сталкиваться с происками завистниками и интригами конкурентов.

Отношения складывались по-разному. Злость и зависть проявляется обычно в младших классах: у детей методы разборок более жестокие и прямые, чем во взрослом возрасте, когда за спиной плетут интриги. Я с первого класса была отличницей по всем предметам, лучшей ученицей. По жизни было много разных моментов. Например, проверяя мои балетные пуанты, мама резала руки, так как там были бритвы. Иголки втыкали в полотенце, которым вытираешь лицо. Мне с детства присуща черта правдолюба: за друзей всегда стою горой. И был инцидент, когда после экзамена в младших классах одна девочка стала говорить, что моя подруга Катя получила незаслуженную оценку. Я заступилась за подругу, стала выяснять отношения с обидчицей, в результате она на меня замахнулась, а я в ответ дала сдачи и ударила ее пуантом. Было разбирательство, вызывали родителей, но пришли к выводу, что виноваты обе стороны,а то бы мне грозило отчисление. А с той подругой - Катей Ковмир, дочкой известного Премьера Народного артиста РФ Николая Ковмира, мы дружим до сих пор, несмотря на то что она уже давно живет во Франции. Хочу отметить, что все мои школьные друзья остались и через 28 лет со мной. Мы до сих пор сильно дружим, с некоторыми работаем вместе. Все они стали звездами в своем бизнесе и состоялись как личности, и сейчас мне приятно видеть рядом уже ставшие родными лица.

Ситуации же с педагогами которые хотели избавиться от конкурентов своих лучших учениц были сложнее. Сейчас понимаешь, что люди совершали абсурдные поступки лишь бы достичь своей цели. На параллельном курсе педагог занимала должность парторганизатора. Эта женщина решила меня дискредитировать по партийной линии за «плохое» поведение, мотивировав тем, что я прилюдно целовалась со своим молодым человеком, который потом стал моим мужем. Андрей Плеханов приехал к нам на стажировку на втором курсе: мы встали в пару, начали вместе танцевать, участвовать в спектаклях в училище, между нами завязались романтические отношения, которые впоследствии закончились свадьбой. Было собрано партсобрание, на котором педагоги выясняли отношения, целью было мое отчисление или как минимум не допуск к выпускному спектаклю.

В итоге меня отстояли мои педагоги и К.М.Сергеев, было принято разумное решение: «Раз создалась пара премьеров, надо радоваться, а не чинить препятствия». В результате, все ребята попросили меня стать Комсоргом хореографического училища, чтобы защитить себя от искусственных проблем и интриг. Это по тем временам очень серьёзная, ответственная должность. Я долго думала, не соглашалась, но потом решилась и ни сколько не жалею. Всё случайное неслучайно. Чётко могу констатировать, что мне сейчас это действительно помогает. Октябрята, пионеры, комсомольцы – организованность, дисциплина. Я в своей жизни встречаю людей из мира бизнеса, политики, искусства и сразу чувствуется, кто в прошлом был комсомольским лидером. Практически все, кто имел эти навыки, многого добился в жизни. Наше поколение сильно отличается от сегодняшнего. Существовала чёткая идеология, когда люди работали не за деньги, а за идею. Понятие «честь мундира» было не пустым звуком, а действенным фактором. И это относилось не только к высшим чинам офицерской власти, но и к нам - комсомольцам.

Когда я выпускалась - во время государственного экзамена сломала плюсневую кость в стопе. Со сломанной ногой дотанцевала экзамен до конца. Та же конкурирующая преподавательница с параллельного класса, которая ранее инициировала разбирательства по партийной линии, сказала, что я симулирую. Я была лучшей ученицей, все пятёрки, шла на красный диплом, но по классике мне поставили 4 с плюсом. Плюс, как известно, в диплом не идёт. Когда я принесла заключение рентгенолога, где чёрным по белому было написано, что у меня перелом с трещиной, мне ответили: «Это же невозможно, танцевать с таким переломом! Но мы уже не можем ничего поменять». Это, конечно, был вызов и наглость, но, наверное, такой опыт - проверка на прочность характера. Я не поехала на гастроли в Америку с «Щелкунчиком», два месяца восстанавливалась, но, как и раньше, была нацелена на движение и развитие.

После окончания училища Вы не пошли в Мариинский театр, куда Вас звали, а отправились в Москву- в Большой театр «Студию Юрия Николаевича Григоровича». «Большой» и «Мариинский» - конкуренты, и приглашение в Москву из Питера, как и наоборот, скорее исключение, чем правило.

Сейчас не редкость, когда выпускников из Санкт-Петербурга приглашают в Москву и наоборот, в 1990г. это считалось эксклюзивом. До того момента в Москву пригласили таких великих балерин, как Галина Сергеевна Уланова, Марина Тимофеевна Семёнова, Нина Владимировна Тимофеева, Людмила Ивановна Семеняка.

Меня растили для Мариинского театра и все были уверены, что я буду там работать. Мало того, Н.М.Дудинская просила меня остаться еще на год усовершенствования в ее классе, чтобы она выпустила Ульяну Лопаткину и меня, как свою ученицу.Это было небывалое в истории училища предложение, но я отказалась. Была молодая и глупая. У меня в голове сидела одна мысль «скорее бы в Москву!»

Если вернуть время вспять, сейчас, наверное, я бы приняла это предложение. Не из за дальнейших больших возможностей в карьерном росте ,а лишь для того, чтобы еще лишний год получать знания и секреты от этого великого педагога и мастера. Когда был просмотр в Мариинский театр, где сидела большая комиссия, моего педагога И.Б.Зубковскую спросили, почему я стою в коридоре и наблюдаю, а не нахожусь переодетая в зале? На что Инна Борисовна, всплеснув руками, с горечью в голосе, сказала «У нее своя программа: Замужество, Григорович, Москва».

Юрий Николаевич Григорович пригласил меня и на тот момент уже моего мужа Андрея Плеханова в Большой театр РФ «Студию Ю.Н.Григоровича», куда собрал всех лучших выпускников хореографических училищ 1990г..

Оценивая с высоты прожитых лет тот период, я отчётливо понимаю, что желание уехать из Петербурга в Москву было обусловлено стремлением вырваться из-под контроля родителей. У меня очень строгие родители, которые контролировали каждый шаг, заботились, оберегали и я считаю, что это правильно! Но всё равно юношеский максимализм хотел свободы. Закончился период Петербурга, начался период Москвы.

После окончания хореографического училища им. А.Я. Вагановой, вы пошли учиться и успешно закончили сначала Российскую академию театрального искусства (ГИТИС), а затем Академию профессионального мастерства искусств в Москве.

Сейчас в Академии русского балета им. А.Я. Вагановой есть бакалавриат и магистратура, раньше этого не было: мы получали диплом среднего специального образования. В 18 лет заканчиваешь училище и автоматически идёшь получать высшее образование. Я в 90-м поступила, в 95-ом закончила. Конечно, когда учились, мы уезжали на гастроли - нам шли на встречу, многое прощали. Потом я получила второе высшее - Академия Профессионального мастерства при консерватории. Для работы в Департаменте спорта и туризма г.Москвы получила диплом о профессиональной переподготовке, дающий право на работу в спорте, а сейчас получаю третье высшее в «РАНХиГС» - управление кадрами. Вот и получается, что «век живи-век учись».

В целом, к Москве сразу привыкли? В Питере ведь совсем другая атмосфера, ритм, энергетика…

У меня в жизни всегда всё происходит параллельно. Если мне кто-то или что-то нравится, этот человек оказывается рядом со мной, или я оказываюсь в том месте, которое понравилось. На втором курсе учёбы мы были с отчётным концертом училища в Москве, жили в легендарной гостинице «Россия». Я смотрела на Кремль и думала: «Как мне нравится Москва! Масштаб!» Так получилось, что в Париже я побывала раньше, чем в столице. Когда оказалась на Кутузовском проспекте, подумала, что это почти Шанзелизе - даже арка стоит. На Дмитровке рядом с Большим театром была сеть кондитерских магазинов, где продавалась любимая пастила в шоколаде. В Москве было всё то, чего не хватало в Питере.

Я поняла, что Москва - мой город и я хочу здесь жить. Эта мысль в моей голове зафиксировалась, но в то время я даже предположить не могла, что наступит момент, когда меня пригласит Юрий Григорович, и я буду работать в Большом театре СССР.

То есть Вы согласны с выражением, что мысль материальна?

Да, мысли продуцируются! Точно также происходит и с людьми. Те на кого я обращаю пристальное внимание, волею судьбы становятся потом моими друзьями. Как пример, мои любимые фильмы с детства - «Выше радуги» «Три мушкетёра», «Опасные гастроли». Меня всегда интересовал режиссер этих фильмов. И вот в Москве со мной абсолютно случайно в ювелирном магазине знакомится тот самый легендарный режиссёр Георгий Юнгвальд-Хилькевич, с которым мы стали близкими друзьями. Его жена Нодира мне как родственница, наши дети дружат с трёх лет. Георгий Эмильевич очень много значил для меня и моей семьи, он очень сильно повлиял на мое развитие - как в искусстве так и в жизни. Уже два года, как его нет с нами, но он всегда живет в моём сердце и душе.

Какие самые яркие ассоциации возникают о годах работы в «Большом театре»?

Некоторые пытаются говорить, что студия Григоровича не была Большим театром. Что в корне не верно: да это была привилегированная труппа в труппе Большого театра СССР и все документы и трудовые книжки были оформлены у нас, как у артистов Большого театра, и зарплату мы получали в кассе театра, и танцевали на сцене Большого и т.д . Привилегированная труппа «Студия Юрия Николаевича Григоровича» называлась на западе «Бриллиантовые танцовщики Большого театра». Да, за пять лет работы в Большом театре мы редко появлялись в России: в основном труппа гастролировала по всему миру. Ведущие солисты Большого всегда были рады ездить и выступать с нами на гастролях. По тем меркам у нас были колоссальные гонорары. В 18 лет сложилось ощущение: «Жизнь-сказка!» Ты занимаешься любимым делом, много зарабатываешь, да ещё и рядом любимый муж. После первой поездки я привезла столько денег, что могла купить квартиру.

Но молодость и отсутствие родителей рядом дали о себе знать. Большинство из нас тратили деньги на развлечения и на себя и не задумывались о будущем. Тогда казалось, что сказка не закончится. А потом началась девальвация и буквально через два года цены в Москве выросли, гонорары стали несопоставимы. Хотя всё равно мы с мужем заработали на квартиру, были деньги для того, чтобы купить вторую. Всё было прекрасно! В 1994г. начались финансовые сложности - каждому из ведущих артистов труппы не выплатили крупную сумму гонорара на гастролях в Италии (около 10 тыс. долларов), на тот момент это были огромные деньги, мы возмутились. Юрий Николаевич – очень правильный человек, он занимался творчеством и, возможно, был не совсем в курсе сложившихся обстоятельств. «Доброжелатели» преподнесли ему ситуацию под таким углом, что он сказал: «Я вас вырастил, а вы превратились в крокодилов». Конечно, правда у каждого своя. Между 18-ю и 25-ю годами разница колоссальна, в 18 – юные птенцы, в 25 -все состоявшиеся личности. В этот момент Юрий Николаевич уходит из Большого театра, а мы, находясь на гастролях в Америке, узнаём, что труппа будет расформирована.

Я ХОТЕЛА ОСОБО ПОДЧЕРКНУТЬ О СТУДИИ ЮРИЯ ГРИГОРОВИЧА: Вся наша труппа - лучшие выпускники 90-ого года. Авторитет Ю.Н.Григоровича зашкаливает, его приглашение в труппу «как манна небесная» , аккумулируются лучшие силы страны в его студии. Юрий Николаевич отбирал нас филигранно. Внимание уделялось не только профессиональным данным, выучке, но и внешности, росту. Когда случился распад студии Григоровича, из 60-ти бриллиантовых танцовщиков в Россию вернулись человек 10, а, может быть, меньше. Но парадокс заключается в том, что все без исключения мои коллеги в дальнейшем состоялись в жизни - кто-то в Европе, кто-то в Америке, Австралии, Японии все стали премьерами – покорили мир! Ю.Н.Григорович воспитал плеяду самородков, которые значительно подняли мировую культуру балета. Я же на момент расформирования труппы разошлась с мужем, он остался в Америке, а я захотела вернуться в Россию.

Из «Большого театра» вы ушли в Московский академический Музыкальный театр им. К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко. Почему именно туда? А, например, не вернулись в Мариинский?

Я планировала вернуться в Мариинский театр, тем более родители жили на тот момент еще в Петербурге. Помню, как сижу в буфете «Мариинки» с друзьями - Фарухом Рузиматовым, Маратом Даукаевым, обсуждаю тему своего возвращения. И вдруг заходит Дмитрий Александрович Брянцев. А до этого он звонил моему педагогу И.Б.Зубковской и очень интересовался мной, хотел со мной поговорить. Я тогда удивилась, так как мы не были знакомы, но я, конечно, знала, что это известный хореограф, художественный руководитель Музыкального театра им. К.С Станиславского и Вл.И.Немировича-Данченко. Он подошёл к нам, познакомился и сказал, что хочет со мной поговорить, но для этого надо обязательно встретиться в Москве. Дмитрий Александрович понимал: если предложит сейчас, когда рядом друзья, меня отговорят. Мы встретились в Москве, Брянцев рассказал, что Ролан Быков планирует снимать фильм-балет на греческий сюжет, и они хотели бы пригласить меня на главную роль. Я сказала: «Хорошо, пойду служить в Мариинку и параллельно буду сниматься». На что Брянцев ответил: «Какой худрук Вас отпустит? Съёмки буду длиться год! А в Театре Станиславского я – художественный руководитель, проблем не будет».

Конечно, на тот момент для меня Театр Станиславского в сопоставлении с Мариинским театром был как картошка и чёрная икра (улыбается). Я, конечно, люблю картошку, но объективно понимаю, что это не деликатес. Но сняться в фильме-балете у Быкова и Брянцева очень хотелось! Я знала, что Дмитрий Брянцев - великий постановщик: фильмы-балеты – его конёк. Как раз параллельно в этот период я познакомилась со своим вторым мужем, отцом моей будущей дочери, у нас завязался роман. Я решаю остаться в Москве, уделять больше внимания семейной жизни, плюс съёмки фильма и я даю согласие прийти в Театр Станиславского на положение солистки.

Как раз тогда туда же пришёл мой друг и коллега по Большому театру теперь уже Народный артист РФ Георги Смилевски, что тоже повлияло на мое решение. К сожалению, умирает Ролан Быков, идея с фильмом канула в лету. Меня звали обратно в Большой театр, но я не пошла. Прекрасно понимала, что там придётся постоянно доказывать своё место под солнцем. А у меня маленький ребёнок, муж-бизнесмен, которому надо уделять внимание. Сделала больший уклон в сторону семьи. Музыкальный театр им.В.К.Станиславского и Вл.И.Немировича-Данченко мне очень подходил: я танцевала ведущие, сольные партии, репетировала с замечательными педагогами Народными артистками СССР М.С.Дроздовой и Г.Н.Крапивиной, у меня было много свободного времени, могла себе позволить не ездить на гастроли, так как финансовых проблем не было.

В Музыкальном театре им.К.С Станиславского и Вл.И.Немировича-Данченко на протяжении многих лет Вы были Балериной, которая значительно подняла престиж этого театра. Работая там, получили почётное звание Заслуженной артистки России. Расскажите об этом периоде.

В театре Станиславского я проработала почти 18 лет, хотя завистники говорили, что это для меня перевалочный пункт и я долго не проработаю.

Этот театр я очень люблю. Его худруков: гениального Дмитрия Брянцева, которого уже нет с нами, но память о нем живет в его балетах оставленных им и в наших сердцах, М.Л.Лавровского, С.Ю.Филина (благодаря которому наш театр вышел на высочайший до тех пор небывалый уровень и почти сравнялся по значимости с Большим театром), всех педагогов, которые так много для меня сделали –М.С. Дроздова, Г.Н. Крапивина, М.В Крапивин, А.А Николаев, Л,В. Шипулина. Моих партнёров: Георги Смилевски, Виктора Дика, Дмитрия Ерлыкина, Станислава Бухараева, Эльмара Кугатова, Дмитрия Романенко. В 95-ом году театр Станиславского никто особо не рекламировал, хотя там работали прекрасные балерины - Татьяна Чернобровкина, Наталья Ледовская. Это считался театр средней руки, у которого был узкий круг сугубо московских зрителей, и мало кто интересовался его жизнью . Я, придя в театр, стала давать свои интервью, рассказывая и о театре, и приглашать моих друзей на свои спектакли.

Многие мои поклонники после Большого театра стали приходить на мои спектакли поддержать меня и в театр Станиславского, среди них Яна Титова, Роман Абрамов. Это люди, которые прекрасно разбираются в искусстве балета и театре. Со всеми своими балетными поклонниками я общаюсь до сих пор. Некоторые стали близкими друзьями. В театре, как и в жизни многое завязано на человеческом факторе, на отношениях.

Я умею дружить, ценю друзей и никогда их «не продам». Многих это раздражает до сих пор. В театре была специфичная атмосфера, определённый менталитет, свои нюансы - мне пришлось перебарывать структуру и систему. Например, меня вызвал директор балета и сказал, что я слишком роскошно одеваюсь, а надо быть скромнее. Я резонно возразила, что помимо репетиций у меня есть другие проекты, съёмки, и я не намерена ломать образ жизни, к которому привыкла. Сразу, как пришла, сказала, что никогда не встану в кордебалет, даже в корифейские партии! И в данном случае для меня не будет понятия: «Я выручу!» Это была моя позиция, которая многих настроила против меня. Начались сплетни вроде: «Кто такая Гинкевич? Почему пришла и продвигает свою политику», - но мне это было индифферентно. Меня всегда интересовало творчество и мой личностный рост. Например, при планировании престижной поездки в Японию мне предложили встать, помимо сольных партий, в лебедей, я категорически отказалась. Конечно я хотела покорить и японскую публику, увидеть страну и заработать денег, но для меня это было не основополагающим. Я пришла в театр на других условиях и не хотела принципиально идти на компромисс в данной ситуации, понимая, что кто- то хочет далее превратить эту ситуацию в систему, говоря: «Ну она же уже делала это раньше, не переломилась». В это время я поехала в увлекательную поездку с Майей Михайловной Плисецкой.

Музыкальный театр им. К.С.Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко принадлежит Департаменту Культуры г. Москвы. Мы были максимально задействованы в многочисленных правительственных поездках, днях Москвы в других городах и странах, в престижных и интересных выступлениях, встречах. Творческая жизнь была очень насыщенная!

Я не ушла в 38 лет на пенсию. Из театра я уволилась в 41 год. Я еще могла танцевать и была в прекрасной форме (что доказала моя работа в дальнейшем, как приглашенной примы в Приморском театре оперы и балета (ныне филиал Мариинского т-ра) Но в театр Станиславского на должность художественного руководителя пришёл Игорь Анатольевич Зеленский, которого я прекрасно знала еще ученицей в Питере, когда он приехал на 2 летнюю стажировку в Академию им А.Я.Вагановой. Никак не ожидала, что с его приходом в театре начнутся большие проблемы. И.А. Зеленский - прекрасный танцовщик в прошлом, но отвратительный руководитель. Из-за его административной безграмотности около 40 артистов балета ушли, потому что не смогли с ним работать.

Это был основной костяк: Заслуженные артисты РФ, ведущие солисты, включая талантливую молодёжь, на которую делались ставки - сейчас они работают в Германии, в Голландии и других странах, кто то перешел в Большой театр. Но интересен тот факт, что первая уволилась я, и это, видимо, послужило примером для многих. Ужасно то, что страна потеряла профессионалов и опять лучшие кадры «утекли «на запад».

Мне сразу после увольнения поступило предложение стать главным хореографом Департамента спорта и туризма г.Москвы, затем мне поручили руководить «Школой олимпийского резерва N 25» это был смелый эксперимент, но я согласилась, о чём ни разу не пожалела до сих пор. Стала активно работать, снималась в кино в свободное от работы время. Начался новый этап жизни.

Сценарий фильма «Большой» на днях получил престижную кинематографическую награду «Золотой орёл». Согласны ли Вы с этим?

Я очень любила Тодоровского до того момента, как он снял фильм «Большой». И этим всё сказано. Это не только моё мнение. Если честно, мне абсолютно всё равно как на него отреагирует наш кинематографический мир, но я считаю, что не надо позориться перед профессионалами! В наше время очень многие лукавят: например, приходят на провальные спектакли и поют дифирамбы, как в той сказке о «Голом короле». Все профессионалы, которые присутствовали на премьере фильма «Большой» и не лукавили, отметили, что все два часа привыкали к внешности балерины, сыгравшей главную роль. Да, по сценарию это девушка из глубинки, но у нас нет балерин с такими лицами и таким хабальским поведением. Наверное нам хотели показать исключение! Но не надо показывать такое, это неправильно. Неужели не хватило элементарного такта показать балет так, как надо? Ведь сняли шикарный, технически сложный, увлекательный, интересный фильм про космос - «Салют-7», после которого все профессионалы отрасли сказали, что картина им понравилась.

В прошедшем году в кинематографе очень высок интерес к балетной теме - кроме «Большого», вышли киноленты «После тебя» и «Матильда». Смотрели эти фильмы? Поделитесь впечатлениями.

Если бы Вы меня не спросили, про «Матильду» я бы не вспомнила. «Матильда» – огромный респект оператору, интересные находки с точки зрения съёмки балета. Мы не будем брать исторические факты. Ещё я не понимаю смысловую нагрузку персонажа Данилы Козловского в этой картине? Он талантливый актёр, но я считаю, что нельзя эксплуатировать внешность человека, давая ему роль, которая нецелесообразна в контексте всего действия. Он сейчас снимает как режиссёр фильм про футбол, и я надеюсь, что это будет хорошо!

Единственный Российский фильм о балете, который я могу рекомендовать, это фильм Анны Матисон с Сергеем Безруковым в главной роли –«После тебя». Эта кинолента приближена к тому, что мы, люди балета, хотели бы видеть, и она не позорит представителей нашего мира.

Единственный мировой фильм о балете, который отражает смысл и степень самопожертвования человека – «Чёрный лебедь» с Натали Портман. В этой картине присутствует стремление, красота, самопожертвование. Конечно, художественная история утрирована, но зерно в нём есть.

Если ты пришёл в балет или отдал ребёнка в балет, должен чётко понимать, что жизнь всей семьи вращается вокруг жизни этого ребёнка. А этот ребёнок попадая в свою вселенную, он автоматически становится не таким как все.

Завершив активную балетную карьеру, работая в сфере «Москомспорта», Вы снова вернулись на сцену в качестве приглашённой балерины Приморского театра оперы и балета в городе Владивостоке. Как так получилось?

Это был ещё один подвиг в моей жизни. На тот момент я 9 месяцев уже не занималась балетом - жизнь была насыщена множеством других проектов, административных и творческих.

Я вместе со Святославом Игоревичем Бэлзой вела торжественный вечер, посвященный 75-летию Приморского края. Ко мне подошёл губернатор Владимир Миклушевский и спросил: «Почему Вы не танцуете? У нас открывается театр премьерой очень интересного балета «Четырнадцатая симфония» на музыку Д.Д.Шостаковича, который ставит Народный артист, мировая звезда балета Айдар Ахметов и нам бы хотелось, чтобы вы исполнили главную роль».

Я плотно общалась с Айдаром Ахметовым, в Приморском театре он был художественным руководителем балетной труппы. Ахметов – известный мастер, который много работал за рубежом, сотрудничал с Рудольфом Нуреевым. Приморский театр Оперы и Балета только открыли, там были большие возможности, театр задумывался как центр азиатского содружества, потому что и японцы, и китайцы - фанаты балета. Главную партию в «Четырнадцатой» должна была танцевать Народная артистка РФ Юлия Махалина, но что-то произошло, Айдар остался без балерины. Это был авантюрный шаг, но я согласилась. Мы пригласили Артёма Ячменникова, я его знала по театру Станиславского и понимала, что он очень подходит на эту роль. Сбросила за две недели 10 килограмм, вошла в форму и станцевала премьеру.

Театр заключил с нами контракт: мы с Артемом,а потом с Георги Смилевски на протяжении двух лет вели спектакли в этом театре. И, наверное, я даже была в лучшей форме чем до увольнения из театра Станиславского. Это психологически очень сложный момент, через который я прошла сама и наблюдала на своих подругах. Ты находишься на пике технического и актёрского мастерства, но возраст неумолим и пора закругляться. Вопрос решился сам собой. В это время начались финансовые проблемы в Приморском театре, после чего его передали под руководство Валерия Гергиева.

У меня стало оставаться совсем мало времени, перестали отпускать с основной работы. Таким образом, в 43 я закончила балетную карьеру, но балет – это навсегда.

Нас учили Мировые Мэтры. К сожалению, в 90-ые многие звёзды балета разъехались, мало кто из оставшихся в России работает по профессии. Зачастую на местах остаются и преподают люди, которые, может быть, не всегда на это имеют право. Кастовость в балете сравнима с иерархией в Индии: артист кордебалета, ведущий, премьер.

Но есть ещё человеческие понятия: ты можешь быть прекрасным артистом или артисткой, но не всем хорошим танцовщикам дано преподавать и руководить. Хотя имеет место быть и самоорганизация, и дисциплина. Сейчас в балете наметились положительные тенденции - стали возвращаться звёзды, которые уезжали в другие страны.

Я работаю главным хореографом Москомспорта, являюсь директором школы Олимпийского резерва N25, написала и выпустила 6 книг учебно-методических рекомендаций, которые называются ««Школа движений» И.В.Гинкевич в сложнокоординационных видах спорта». Организаторские навыки, комсомольское прошлое, премьерская балетная закалка дали о себе знать и очень пригодились в моей жизни сегодня. Я делаю всё, чтобы передать нашему и будущему поколениям ту базу знаний, мастерства и умений, которыми владею. Как это когда-то делали мои педагоги, обучая нас. Мы в долгу перед ними и их знания не должны умереть! Преемственность поколений была, есть и будет!

Как показывает история человеческой цивилизации, чтобы состояться в той или иной области, мало одного таланта. Это всегда гармоничный синтез факторов, в котором немаловажную роль играют трудолюбие, нацеленность на результат, стойкость характера и верность своим мечтам! Для Инны Гинкевич успех – это путь, а не какая –то определённая вершина или призрачная субстанция. И она с честью и достоинством идёт по своей судьбе, реализовываясь в разных направлениях!

Благодарим Инну Владимировну за конструктивный диалог, желаем и в дальнейшем «Бороться и искать, найти и не сдаваться!»


Фото из личного архива Инны Гинкевич
===========================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18108
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Фев 28, 2018 12:10 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018022801
Тема| Балет, Екатеринбургский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Вячеслав Самодуров
Автор| Анна Галайда
Заголовок| Как Вячеслав Самодуров руководит самой креативной балетной труппой России
Где опубликовано| © Собака.ру
Дата публикации| 2018-02-27
Ссылка| http://www.sobaka.ru/city/theatre/69150
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Фестиваль Dance Open в 2018 году откроется 2 апреля спектаклем «Тщетная предосторожность» Екатеринбургского театра оперы и балета. Мы узнали у руководителя труппы Вячеслава Самодурова (его «Пахита», которую показали в минувшие выходные, стала чуть ли не главным событием сезона), как в хореографии соблюсти баланс между новаторством и сохранением наследия.



В честь 200-летия Мариуса Петипа 2018-й объявлен в России Годом балета. Что он значил для вас?

Как для любого балетного человека, Петипа для меня – имя нарицательное. Первопричина всего, что мы имеем сейчас, как хорошего, так и плохого. Меня он поражает своей многогранностью. Что такое Петипа? Это великий шоумен, авантюрист, пройдоха – пират Карибского моря из Франции. Он приехал в Россию, спасаясь от преследования полиции, воспользовался приглашением, которое дирекция императорских театров направила его брату – звезде Парижской оперы. Полтора десятилетия он просидел за спинами балетмейстеров первой величины, перенося в Петербург и Москву чужие постановки, и все-таки дождался назначения первым балетмейстером и занимал этот пост почти полвека. Петипа гораздо больше, чем просто хореограф: творец – он создал школу, хореографию, миф русского балета. Да, балет в России существовал за сто лет до его приезда в Петербург. Так же, как литература существовала и до рождения Пушкина, музыка – до Глинки, но мы начинаем разговор именно с них.

Вместе с тем, мы живем в королевстве кривых зеркал: репертуар всех балетных театров нашпигован «Баядеркой», «Спящей красавицей», «Лебединым озером», подписанными именем Петипа. Но собственно от его постановок там осталось мало. Его балеты идут в других декорациях, в них изменена зачастую не только структура танца, но и самого спектакля, хореографический текст не соответствует историческому. Это творчество многих поколений редакторов. Не могу сказать, хорошо это или плохо, просто происходил процесс адаптации произведений под понимание тех людей, которым они переходили. Тем не менее, Петипа и его современник датчанин Август Бурнонвиль – единственные хореографы XIX века, чье наследие хоть в каком-то виде сохранилось до наших дней.

Театр не может быть музеем

На фестиваль Dance Open вас пригласили с «Тщетной предосторожностью» Сергея Вихарева и Павла Гершензона, которая считается старейшим из доживших до наших дней классических балетов. Но идущая у вас версия – не столько оглядка назад в прошлое, сколько взгляд в будущее.


«Тщетная предосторожность» – принципиально важный шаг в развитии отношения балета к своему наследию. И удивительно, что именно те люди, которые во многом внедрили моду на возвращение в прошлое, в итоге пришли к мнению, что настоящая научная реконструкция невозможна, что вещи трансформируемы и должны смотреться через новую призму. «Тщетная предосторожность» – это новый спектакль, основанный на старом материале. Во-первых, спектакль записан не полностью, а частично, так что недостающие фрагменты Сергею Вихареву приходилось дополнять самому, во-вторых, здесь сплавлена хореография Петипа и его современника Бурнонвиля, в-третьих, спектакль вообще разыгрывается в другом сценическом пространстве, нежели оригинальная «Тщетная предосторожность»: действие начинается в балетном классе и там же заканчивается. То есть это не столько комедия о любви дочки богатой фермерши и бедного крестьянина, сколько спектакль о пафосе балетного искусства, где в финале торжествует чистый, ничем не отягощенный танец.

«Тщетную предосторожность» выпустили два года назад. Юбилей Петипа вы отмечаете еще двумя премьерами. Как с ним связаны «Пахита» и «Приказ короля»?

Авторы «Пахиты» – та же команда безумцев, которая делала «Тщетную предосторожность». Почувствовав адреналин от ее успеха, им захотелось большего. Они создали грандиозный, с моей точки зрения, новый проект, где необычно все: смелая идея, дизайн, работа с музыкой. И предложили совершенно оригинальную концепцию: каждый из трех актов – это три разные эпохи, действие переносится из одного времени в другое, приближаясь к современности. Это настоящее театральное путешествие по русскому балету увлекательно для тех, кто любит умный театр. Тем же, кто приходит на спектакль отдохнуть и получить удовольствие, можно наслаждаться очень красивой картинкой. Горжусь, что с этой идеей постановщики пришли в наш театр. К сожалению, Сергей Вихарев скоропостижно скончался, не успев закончить спектакль, и сделать это пришлось мне. «Пахита» – это то, в чем я вижу будущее работы со старым материалом. Балетные нотации – это записи танцев на бумажке, старинные, записывается нотами. Для меня «Пахита» – интеллектуальный прорыв и художественный в балете, и я рад, что у меня была возможность стать частью этого проекта.

«Приказ короля» в чем-то еще более авантюрный. Дело в том, что на Урале холодные зимы, и нам необходим адреналин, чтобы согреваться. Поэтому мы постоянно ищем себе приключения на голову. Только вздохнув от «Пахиты», мы переключились на выпуск «Приказа короля». В этом проекте тоже необычно все. Если в «Пахите» существуют либретто и старая музыка Дельдевеза, частично сохранился хореографический текст, то в «Приказе короля» мы выступаем поварами, которые делают суп из топора. Он основан на нескольких либретто забытых балетов Петипа, которые мы бросили в котел, новую музыку пишет петербургский композитор Анатолий Королев, создают сценографию Зиновий Марголин, а костюмы – Анастасия Нефедова.

Наследие Мариуса Петипа – тот золотой запас, который до сих пор гарантирует заполняемость зрительных залов и позволяет безмятежно спать менеджерам большинства российских театров. Вы же в Екатеринбургском театре стремитесь внести в афишу максимум новых названий, заманить на которые публику – особое искусство. Зачем вам это надо?

Театр не может быть музеем. Конечно, мы несем ответственность за сохранение наследия. Но еще и за то, что оставим следующим поколениям. Нам приятно сейчас гордиться Петипа. Но в свое время то, что делал Петипа, было новым, и кому-то это нравилось, кому-то нет. И в разные десятилетия его жизни к нему было разное отношение. Тем не менее, это было новое. Было не только удачное – было и много неудач. Если театр не будет шевелиться, то следующие поколения будут продолжать говорить о Петипа – и все. А каждый театр несет на себе еще и созидательную миссию, как ни высокопарно это звучит. Это не значит, что мы создадим что-то, что нас переживет. Но, возможно, оно станет платформой еще для чего-то. В театре важен процесс, а не результат.

А помните собственное первое столкновение с современной хореографией, с современным балетом?

Первое сильное впечатление было в Мюнхене – нас, несколько учеников Вагановской школы, послали на концерт в Мюнхен. Заодно была возможность смотреть спектакли в Баварской опере. Тогда я первый раз увидел «Свадебку», «Симфонию ре мажор» Иржи Килиана. Они буквально потрясли и меня, и всех нас. Вот это был первый сильный пинок под попу. И впоследствии я как-то легко воспринимал новые увиденное.

Насколько вас инфицируют идеями окружающие? Вы заражаетесь от людей?

Я вообще подвержен плохому влиянию: подхватываю бациллы, идеи и вредные привычки. Но при этом никогда не теряю доли своей автономии. Если что-то во мне проросло, то я уже пру, не сворачивая. Но, в принципе, мне кажется, когда слишком много разговоров, общение слишком заполоняет, и после этого нужна стирка головы.

У хореографов существуют такие достижения, когда понимаешь: карьера удалась? Патент на величие?

Слышу ваши слова – а в голове звон: я никогда об этом не думал. Понятия не имею, в чем заключается «патент на величие». И будет ли патент на величие при жизни патентом на величие после смерти? Честно говоря, меня это мало волнует. В этом смысле я очень эгоцентричен, мое собственное мнение остается определяющим. То, о чем вы говорите, – это остановка. Она разрушает творческую энергию. Я очень спокойно встречаю и прощаюсь с успехами и неудачами.

Что дают вам гастроли, участие в фестивале Dance Open?

Я сам с интересом жду анонса программы Dance Open. К сожалению, фестиваль проходит в апреле, когда у меня в процессе какая-то постановка, и я грызу локти, что не могу посетить все спектакли, но всегда стараюсь вырваться хотя бы на один-два коллектива.

Петербург – город, в котором вы окончили Вагановское балетное училище и стали признанным танцовщиком. Что он значит для вас?

Люблю гармонию Петербурга, сюда приятно возвращаться. Тем более здесь живут мои родители.

У вас нестандартная траектория жизненного продвижения: Петербург-Амстердам-Лондон-Екатеринбург. Что вас заставило задержаться в последней точке?

Держит театр. За шесть лет он стал очень важной частью моей жизни. Я за него всегда болею душой – держат и его стены и люди.

Есть любимые места в городе?

В Екатеринбурге я живу в квадратном километре: театр – дом – магазин – спортклуб. Иногда устраиваю себе праздник и хожу в Ельцин-центр. Он меня привлекает всем, от музея до книжного магазина и хорошей еды. Это интеллектуальный центр Екатеринбурга, там проходят прекрасные лекции, события. Горжусь, что у нашего театра с Ельцин-центром партнерские отношения.

Любите ли вы путешествия?

Обожаю. Вообще люблю переезжать с места на место, менять место жительства. Вещизмом не страдаю – периодически выкидываю из дома барахло и не складирую его на добрую память. Мне нравится ездить, выбирая места методом научного тыка.

А куда вы готовы возвращаться?

Амстердам. Периодически туда заезжаю, потому что у меня там остались друзья. Одна из таких точек – Лондон и, безусловно, Италия.

Текст: Анна Галайда

Фото: Елена Лехова
-------------------------------------------
По ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Ср Апр 04, 2018 12:24 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18108
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Фев 28, 2018 2:16 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018022802
Тема| Балет, Парижская опера, Премьера, Персоналии, Мари-Аньес Жилло
Автор| Мария Сидельникова
Заголовок| «Болеро» на прощание
Балеты Равеля в Парижской опере

Где опубликовано| © Газета "Коммерсантъ" №35, стр. 11
Дата публикации| 2018-02-28
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/3559546
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Фото: Little Shao / Opera national de Paris

В Парижской опере состоялась премьера новой программы, в которую вошли два самых известных балета французского композитора Мориса Равеля — «Дафнис и Хлоя» (в постановке Бенжамена Мильпье) и «Болеро» (версия Мориса Бежара). Рассказывает Мария Сидельникова.

Вечера-оммажи балетным композиторам — давняя традиция Парижской оперы, и сейчас к ней снова возвращается репертуарная политика театра. В фаворитах — Морис Равель, которого с таким размахом чествовали больше сорока лет назад, на рубеже 1975–1976 годов, когда праздновалось его столетие («Болеро» тогда танцевала приглашенная в Париж Майя Плисецкая). В прошлом сезоне были программа равелевских балетов Джорджа Баланчина и Джерома Роббинса и собственное «Болеро» оперы в новой постановке Сиди Ларби Шеркауи. В этом же году парижане наконец-то дождались классики — «Болеро» Мориса Бежара, собирающего полный зал даже в Opera Bastille. Впрочем, ради заветных 16 минут зрителям пришлось битый час смотреть на последнее равелевское приобретение оперы — это «Дафнис и Хлоя» авторства Бенжамена Мильпье.

Одноактный балет на античный сюжет о любви пастуха и пастушки Равелю заказал Дягилев в 1909 году. Сам композитор называл «Дафниса» «хореографической симфонией», «музыкальной фреской», в которой собраны его фантазии об античности. Мильпье же собрал в нем свои фантазии о современном балете, и в 2014 году на премьере его «Дафнис» выглядел необычайно изящным, тонким и свежим спектаклем. Оказалось, сработал эффект момента. Когда Мильпье ставил «Дафниса», уже было известно, что через полгода он возглавит труппу оперы, и всеобщее воодушевление, особенно среди артистов, решительно украсило балет. Не сказать что перфекционист Матьё Ганьо утратил легкость своего чистейшего танца или что Доротея Жильбер разучилась семенить пуантами так же юрко и невинно, как хлопать глазами, а хищное тело Элеоноры Аббаньято стало менее решительным и уж точно виртуозные жете и кабриоли Франсуа Алю не потеряли ни мощи, ни скорости. Другое дело, что хореографическому тексту не хватает внутренней драматургии. Несмотря на чуткость Мильпье к равелевской партитуре, есть ощущение, что глядишь в аквариум — все движется, все красиво, но сколько ж можно.

А вот бежаровским «Болеро» пресытиться при всем желании не получится, потому что сколько исполнителей — столько и трактовок. Те немногие балетные артисты, которым выпал шанс подняться на красный стол, говорят, что жизнь делится на до и после «Болеро» и что такого уровня откровение, и художественное, и личное, не постичь никаким психоанализом. Впрочем, сочиняя в 1928 году по заказу Иды Рубинштейн балет с испанским характером, об откровениях сам Равель думал в последнюю очередь. Повторяющаяся ритмичная фигура для него, убежденного социалиста, служила метафорой политической пропаганды, а действие будущего балета он представлял на выходе с завода. Но уже у Брониславы Нижинской, первой постановщицы «Болеро», никакой политики не было и в помине, а прогремевшая на весь мир премьера Бежара в 1961 году и вовсе утвердила равелевское сочинение главным эротическим балетом XX века. В нынешней сессии «Болеро» в Парижской опере, первой с 2009 года, два дебютанта: этуали Амандин Альбиссон и Матиас Эман.

Но премьеру танцевала Мари-Аньес Жилло — последняя парижская этуаль, утвержденная самим Бежаром, и это ее последнее «Болеро» на сцене оперы перед уходом на пенсию. «Болеро» — тяжелейшее испытание и для молодых, физически здоровых артистов, что уж говорить про измученную травмами Жилло. Но она свою слабость сделала мощнейшей артистической силой, ее Мелодия звучала не просто отчаянно — фатально. Худые ноги со стоической монотонностью твердили одну и ту же фразу, высохшее тело и плети-руки не повышали градус, а, наоборот, двигались по равнодушной ниспадающей. Не она питалась энергией самцов, осаждавших стол, это они вытягивали из нее последние соки. В итоге до экстаза Мари-Аньес Жилло довела не только свое тело, но и зал: овации она принимала, едва держась на ногах.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18108
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Фев 28, 2018 2:41 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018022803
Тема| Балет, Таджикский государственный академический театр оперы и балета имени Садриддина Айни, Персоналии, Мухаммад Азимзода
Автор| Марина Чернышова-Мельник
Заголовок| Жизнь на пуантах: история таджикского артиста балета Мухаммада Азимозода
Где опубликовано| © Sputnik Таджикистан
Дата публикации| 2018-02-28
Ссылка| https://sptnkne.ws/gRrh
Аннотация|

Ведущий солист Таджикского государственного театра оперы и балета Мухаммад Азимзода рассказал, чем его пленил балет



В Душанбе живет и работает ведущий солист Таджикского государственного академического театра оперы и балета имени Садриддина Айни Мухаммад Азимзода.

Своей профессии он выучился в России, а точнее на Урале.

Sputnik Таджикистан узнал, как он начал танцевать и сделал балетные танцы своей профессией.

Профессию Мухаммада решил случай

27-летний хореограф Мухаммад Азимзода родился близ Душанбе в городе Вахдате, который тогда назывался Орджоникидзеабад.

В 1998-м он поступил в школу №141 на улице Абдулло Зикирова. Однако закончить ее будущий артист балета не смог, поскольку в 2003 году в его судьбе случился неожиданный поворот.

"Летом я отдыхал на даче у тети. Тогда в театр, где мой дядя работал массажистом, приехали педагоги из Перми. Они отбирали детей для учебы в Пермское государственное хореографическое училище. Дядя предложил мне попробовать себя в танцах. Если честно, тогда я согласился только по той причине, что хотел полетать на самолете", — смеется Мухаммад.
Так у будущего артиста балета появился шанс попасть в Россию. Тогда как раз между двумя государствами заключили соглашение о квотах на обучение для таджикских студентов. Русского языка Мухаммад тогда вообще не знал, однако это не помешало ему поступить в училище.

После переезда для Мухаммада все было в диковинку.

"Это сейчас я каждый год езжу в Россию, а тогда все казалось очень странным. Мы приехали в Пермь вшестером — четыре парня и две девушки. Из нас всех только девушки говорили по-русски, и они помогали нам общаться", — вспоминает артист балета.

В программе обучения у ребят из Таджикистана русский язык был обязательным. Поэтому за восемь лет, которые Мухаммад провел на Урале, он прекрасно освоил язык и сейчас общается практически без акцента.

Первые полгода таджикские студенты очень страдали, поскольку в Таджикистане любят готовить жареную пищу, а танцорам нужно соблюдать строгую диету.

"На нас все смотрели с удивлением. Класс насчитывал 22-23 человека и был очень интернациональным: шесть таджиков, башкиры, татары. Русский был почему-то только один", — пояснил Мухаммад.

В России хорошо, но фруктов мало

Он добавил, что очень благодарен России, поскольку именно в этой стране получил прекрасное образование и состоялся как личность.

"Я уже много российских городов объездил. Был проездом в Москве, Санкт-Петербурге, Екатеринбурге… Россия — это для меня второй дом", — говорит Мухаммад.

Однако все-таки артисту балета комфортнее жить на родине.

"Но о России у меня отличные воспоминания. Я никогда не встречался там с негативным отношением. Единственный минус состоит в том, что в России нет таких вкусных фруктов, как в Таджикистане", — с улыбкой добавил Мухаммад.

По его словам, за восемь лет, пока он жил в России, Душанбе и Вахдат изменились в лучшую сторону. Когда артист вернулся в Таджикистан, он не узнал столицу. В городе построили новые здания, на улицах появилось много цветов. Еще одним хобби Мухаммада оказалось фотографирование природы и цветов, поэтому эти изменения он сразу заметил.

Балетная карьера в Таджикистане

В 2011 Мухаммад вернулся в Таджикистан, где устроился солистом балета в Таджикский академический театр оперы и балета имени Садриддина Айни в Душанбе. Тогда же он поступил в Таджикский государственный институт искусств имени Турсунзаде по классу балета и в 2016-м получил образование художественного руководителя культурного коллектива и педагога.

С 2012 года Азимзода стал преподавать классический танец в Республиканском хореографическом колледже имени М. Собировой. Но надо сказать, что в Пермь Мухаммад ездит каждый год.

За свою карьеру таджик испонял партии в следующих постановках: "Жизель" (Альберт), "Корсар" (Конрад), "Лейли и Меджнун" (Кайс, Меджнун), "Спящая красавица" (Принц Фезире), "Щелкунчик" (Принц Щелкунчик) "Шопениана" (юноша), "Маќоми ишќ" (Рудаки), "Ведение Рози" (Розо), "Дон Кихот" (Эснадо).

Случались в карьере Мухаммада и курьезные моменты. Как-то он стоял в первых рядах в балете "Дон Кихот". У него были очень узкие трико, и поэтому в самый ответственный момент артист умудрился упасть перед зрителями на пятую точку. Коллеги начали громко хохотать прямо во время спектакля, а сгорающий от стыда Мухаммад очень разозлился и после постановки даже устроил небольшой скандал.

Теперь такие моменты в прошлом. Мухаммад Азимзода танцует во всех ведущих постановках Таджикистана. А в колледже, где он преподает, в этом году у него будет первый выпускной класс. Кроме этого, после основной работы артист преподает танцы для детей.

В Россию зовут, но Таджикистан милее

Артиста несколько раз звали работать педагогом в Россию, но он отказывался.

"У меня нет российского гражданства, а оформлять все документы для этого долго и муторно. Поэтому работать в России я не буду, однако буду постоянно к вам приезжать", — объяснил Мухаммад.

Он добавил, что огорчен, что жители России иногда слишком требовательны к его землякам, которые не знают русского языка. Как-то он был проездом в петербургском аэропорту Пулково и ужаснулся отношению к таджикам, которые не говорят по-русски. Мухаммаду было печально это видеть, поскольку Петербург считается культурной столицей России.

"Нельзя, чтобы отношениям России и Таджикистана мешали конфликты на национальной почве", — считает Мухаммад.

В 2017 у артиста возникла идея привезти своих бывших одноклассников по колледжу в Перми в Душанбе, чтобы познакомить с родной страной. Он уверен, что в текущем году это удастся сделать.

"Я хочу, чтобы россияне увидели красоты Таджикистана, отведали плова, попробовали баранину, приготовленную по классическому рецепту", — мечтает Мухаммад.

Повседневная жизнь артиста

В студенческие годы Мухаммад приобрел интересное хобби. Часто общаясь с вахтершами в колледже, молодой человек научился вязать и теперь виртуозно изготавливает носки, шарфы и шапки.

По его словам, это занятие отлично успокаивает нервы. В Таджикистане Мухаммад даже вяжет знакомым вещи на заказ. Кроме этого, он отлично готовит и любит угощать гостей пловом собственного приготовления.

В августе или сентябре 2018 года у Мухаммада запланировано важное событие: состоится его свадьба. Его избранница не имеет никакого отношения к балету, хотя, казалось бы, сама судьба намекала ему на спутницу жизни из числа партнерш.

"Мне предлагали жениться на партнерше, с которой я постоянно танцевал. Более того, некоторые горячие головы даже заочно нас поженили. Однако нет. Мне одной балерины хватает в театре, не хватало еще и дома балерины", — со смехом комментирует обстоятельства артист.
=============================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18108
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Фев 28, 2018 5:33 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018022804
Тема| Балет, МАМТ, проект «Точка пересечения», Персоналии, Диша Чжан, Ксения Вист, Соломон Беррио-Аллен, Бленард Азизай
Автор| Анна Галайда
Заголовок| Жонглеры с песочными часами
Молодая труппа обретает свой голос

Где опубликовано| © Российская газета - Федеральный выпуск №7506 (43)
Дата публикации| 2018-02-27
Ссылка| https://rg.ru/2018/02/27/kak-molodaia-truppa-obretaet-svoj-golos-v-proekte-tochka-peresecheniia.html
Аннотация|

В третий раз на Малой сцене Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко прошел проект "Точка пересечения". Он соединяет танцовщиков молодой труппы и хореографов, начинающих свой путь в профессии.


Самым запоминающимся номером оказался "Жонглируй" Соломона Беррио-Аллен. Фото: Пресс-служба Музыкального театра Станиславского и Немировича-Данченко


Американо-европейский опыт поиска хореографов занесен в Россию больше десяти лет назад Алексеем Ратманским. Но в рабочий механизм он у нас так и не превратился, и каждый театр сам придумывает для экспериментальных хореографических проектов формат. В "Станиславском" с ним определились сразу: раз в год по видео происходит отбор четырех постановщиков, которые за месяц должны представить по 20-минутной работе с минимумом исполнителей и оформления.

В этом году в отбор попали хореографы с совершенно разным багажом: 34-летняя экс-танцовщица Берлинского Штаатсбалета Ксения Вист и представляющий Великобританию 21-летний артист компании Рассела Малифанта Соломон Беррио-Аллен, 37-летняя китаянка Диша Жанг, отмеченная еще Пиной Бауш, и немец албанского происхождения Бленард Азизай, сотрудничавший с компаниями Саши Вальц и Акрама Хана. Несмотря на разный жизненный и профессиональный опыт, всю четверку хореографов волнуют социальные проблемы и попытки разобраться с тем, что происходит с душой человека в современном мире. И все они, за исключением Вист, русской по происхождению, предпочитают работать в разных техниках современного танца, оставив пуанты большому буржуазному искусству.

Но и Вист в номере "Песочные часы" соединяет классический танец с разными движенческими практиками, чтобы рассказать историю обычной человеческой жизни: детство под крылом родителей, поиск понимания с миром через обретение друзей, притяжение и отталкивание любви. Но и режиссерские приемы, и сочетание разных танцевальных языков оказываются столь же упрощенными, как и пересказ тока жизни. "Песочные часы" спасают Алексей Любимов, которому досталась центральная роль, и исполняющая с ним любовный дуэт Анна Окунева - их личностная значительность и пластическая выразительность придают отсутствующую в хореографии многозначность.

В номере "Мы" Диши Жанг офисный клерк, возвращаясь домой, засыпает стоя, положив голову на подушку, которую виртуозным движением пристраивает у него на плече жена, почти не отрываясь от драяния пола. Бытовая пластика, театральность приемов вызывает в памяти "Чай или кофе?" Андрея Кайдановского, триумфальный номер первой "Точки пересечения". Но их сопоставление обнаруживает существование той почти неуловимой и трудно поддающейся фиксации грани, на которой один уходит в простоту, лаконичность, обобщающую ясность, а другая - в бытовую пошлость и банальность, от которых не спасает даже благословение великой предшественницы.

Мужская часть квартета хореографов предусмотрительно отказалась от явной сюжетности своих постановок. Бленард Азизай в номере "В начале" явно попытался сформулировать некие общечеловеческие моральные начала. При этом его постановка, в которой заняты рекордных восемь танцовщиков, композиционно непроста и театральна. Ее центром становится "дуэт рук", в котором пара объединена общим кринолином, позволяющим двигаться лишь верхней части тела, очень выразительной и элегантной в исполнении Эрики Микиртичевой и Леонида Леонтьева.

Проект "Точка пересечения" соединяет молодых танцовщиков и начинающих свой путь хореографов

Но, пожалуй, самым запоминающимся оказался номер самого юного участника нынешнего проекта Соломона Беррио-Аллена "Жонглируй". Он не пытается поразить, завлечь, потрясти - просто создает чистую композицию в чистом пространстве. Она выстроена так, будто хореограф занимается этим десятилетиями - музыка, свет, линии костюмов соединяются в пазле, который объединяет своеобразный язык хореографа, тоже созданный из множества диалектов предшественников, но при этом очевидно обладающий собственной интонацией, которую очень точно улавливают Евгений Поклитарь и Валерия Муханова - выросшие в труппе выдающиеся мастера исполнения современной хореографии. Как ни парадоксально, "Станиславский", в новейшей истории прославленный как российский первопроходец в освоении постановок Ноймайера, Дуато, Килиана, до сих пор остается труппой интерпретаторов чужих открытий. За год, прошедший с прихода нового худрука Лорана Илера, ее исполнительский опыт вырос за счет исполнения Лифаря, Тейлора, Экмана. Но шанс на собственное творчество пока дает только "Точка пересечения". И теперь она продемонстрировала, что молодая труппа готова к большему.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Ср Апр 04, 2018 12:26 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5  След.
Страница 4 из 5

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика