Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2017-12
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17565
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Дек 20, 2017 8:27 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017122001
Тема| Балет, Парижская опера, МАМТ, Персоналии, Брижит Лефевр
Автор| Алиса Асланова
Заголовок| Брижит Лефевр
Где опубликовано| © La Personne
Дата публикации| 2017-12-18
Ссылка| https://www.lapersonne.com/post/brigitte-lefevre-opera-de-paris
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Брижит Лефевр в Москве! Мы не могли упустить этот шанс и не встретиться с одной из самых легендарных женщин французского балета. О премьере балета «Онис», балетных традициях и, конечно, о Рудольфе Нурееве читайте в интервью La Personne.



Вы в Москве по такому случаю, как премьера балета «Онис» в Муз. театре им. Станиславского и Немировича-Данченко. С чего вы начинали работу с артистами, ведь это балет больше о движении, о радости от движения, а ведь русские артисты всегда ищут смысл во всем.

Начало работы над этим балетом здесь, в театре Станиславского, я запомню навсегда. Начало – всегда очень интересный процесс. «Онис» – это очень французская история, в некой традиции французской. Это не городской танец, так танцуют в деревне с аккордеоном. Но то, что хотел Жак Гарнье (прим. ред. хореограф-постановщик) – это не совсем стандартно. В хореографическом смысле он хотел воспользоваться традиционным народным танцем, но при этом не стоит забывать, что он был классическим танцовщиком, который так же много работал и в стиле модерн. И вот мы видим простоту народного танца, но также работу корпуса, позы, которые очень современные. Нужна та же сила и выносливость, что при исполнении классического танца. Это сложно. Вы правильно заметили про смысл в танце для артистов, и вот смысл танца в этом балете в эмоциональности.

Какие вы давали наставления артистам перед премьерой?

Я пытаюсь вытащить из артистов самое лучшее, что есть в каждом из трех танцовщиков. Ничего особенного я не говорю, замечания одни и те же, главное, что артисты должны сделать в этом балете – это позволить своему телу говорить.

В одном из интервью вы сказали, что зрителя можно научить воспринимать танец модерн. В России все только начинает развиваться в этом направлении…

Мне кажется, что именно эти направления – современный танец и модерн, они необходимы для правильного развития артистов. В России, безусловно, есть некая культура классического танца в крови русских людей, конечно, есть народный танец, который я просто обожаю. Это здорово, когда есть такая база, но есть и обратная сторона. Поколение из поколения мы видим, что только классический танец на нужном уровне, это не только в России. Я пыталась это изменить и в Парижской опере: опираться на традиции классического танца, но также открывать и предлагать другие работы направления контемпорари.

Лоран Илер получается продолжает ваши традиции. Здесь, в театре Станиславского, он так же сохраняет традиции, но не боится идти на риск и ставит в репертуар новые балеты, совсем непривычные русскому зрителю. Например, «Ореол»…

У меня невероятная надежда на Лорана. Он когда-то работал с Каннингемом и Форсайтом, он был настоящей звездой, но всегда был открыт новому. В этом плане он очень умный и правильно воспитан, как артист. Это абсолютно нормально, что он хочет предложить публике новые вещи, это как подарок. Мир такой огромный! У Лорана, безусловно, есть такое любопытство, он умеет работать в команде и передавать артистам свои знания – вот это и значит руководить. Он делится всем, что знает, и с ответственностью, которую он несет перед театром и артистами он достойно справляется. Он очень уважительно относится к каждому артисту, при этом он им не врет. У него есть на каждого артиста свое видение.

Да, это заметно очень, он и к девушкам из кордебалета относится, так же уважительно, как к примам.

Да, но это очень опасно (смеется). Однажды в Парижской опере у нас не начался вовремя прогон из-за технических неполадок, я сказала, что мы подождем. Ко мне подходит этуаль и начинает возмущаться, что нужно устроить скандал. Но смысла кричать иногда просто нет. Конечно, мы должны быть требовательными, но идти на поводу у каждого нельзя. Руководитель должен сопровождать своих артистов и говорить им правду.

До этого вы были знакомы с этой труппой?

Да.

Значит, вы заметили разницу, которая произошла в труппе, та легкость с которой стали танцевать артисты.

Да, совершенно верно. Руководитель дает знания, но нужно чтобы артисты были готовы воспринять и выдать эти новые знания. И это произошло в театре Станиславского.

Хотелось бы продолжить тему традиций. В нашем журнале декабрь посвящен Рудольфу Нурееву и я не могу не спросить вас о нем. Лоран много танцевал его балеты и работал с ним напрямую, в какой-то степени он продолжает и его традиции?

Сам Рудольф следовал традициям, которые он знал здесь, в России, но при этом он привносил свое видение в работу. То же самое и у Лорана, я думаю. Когда мы говорим про традиции, мы должны понимать, что традиции имеют свойство видоизменяться.

Интересно то, что именно Лоран первый осуществляет постановку Нуреева в России.

Да, это так! Действительно, интересно получается.

В балете «Тюль» есть такая фраза: «Балет – это религия». Оглядываясь на карьеру Нуреева, нет сомнений, что балет был для него религией. На ваш взгляд, в чем магия этого танцовщика, который до сих пор будоражит зрителя?

Мы часто говорим про религию и танец. Мне кажется, быть танцовщиком и не быть религиозным человеком невозможно. Мы связаны с чем-то высоким, необязательно это должна быть религия с Богом, но мы связаны с чем-то большим. Профессия артиста балета – это определенный образ жизни, как у тех же монахинь в монастыре. Мне очень нравится фраза Мориса Бежара, который говорил: «Балерина – это наполовину монахиня и наполовину боксер». И это правда. Рудольф не был моим близким другом, я его, конечно, встречала много раз. В нем были качества, которые сначала я не оценила. Потом я поняла, что была неправа. Он был нетерпелив, ему хотелось всего и сразу, он был слишком требователен, хотел сразу идеального исполнения. И для Гранд Опера Рудольф стал кометой, он многое сделал для этого театра. Рудольфу, конечно, очень повезло, он руководил в тот период, когда в театр пришли новые артисты, это было очень талантливое поколение. Когда я стала директором Парижской оперы я оставила все балеты Нуреева. Как раз в его балетах живут те самые традиции, но при этом с новым видением.

И напоследок, я знаю, что вы мечтаете поставить балет с Натальей Осиповой «Айседора». Наталья Осипова по своему отношению к балету чем-то напоминает Рудольфа, такой Нуреев в юбке.

Наташа об этом не знает пока (смеется). В России на самом деле безумное количество неповторимых балерин. Осипову я видела как раз в театре Станиславского, она невероятная балерина. Проект «Айседора» я пока не продвигаю, пока обдумываю. Не знаю, хватит ли у меня храбрости на постановку этого спектакля.

Спасибо вам и до новых встреч в России!


Фото Карина Житкова

===================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17565
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Дек 20, 2017 9:20 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017122002
Тема| Балет, Театр «Кремлёвский балет», Персоналии, Николай ТРОИЦКИЙ
Автор| Александр МАЛЮГИН
Заголовок| Высокий стиль "Кремлевского балета"
Где опубликовано| © «Аргументы Недели» № 50(592)
Дата публикации| 2017-12-21
Ссылка| http://argumenti.ru/culture/2017/12/558913?typelink=openlink
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Фото Театр «Кремлёвский балет»

Театр «Кремлёвский балет» Государственного Кремлёвского дворца основан в 1990 году по инициативе известного балетмейстера, народного артиста России Андрея Петрова. За годы своего существования театр приобрёл всемирную известность и признание. «Кремлёвский балет» – это высочайшая и бережно хранимая культура классического танца, это труппа с неповторимым творческим лицом и самобытным художественным почерком. О достижениях уходящего года и планах на будущее рассказывает директор «Кремлёвского балета» Николай ТРОИЦКИЙ.

– НИКОЛАЙ Сергеевич, ваш коллектив только что вернулся из Белгородской и Курской областей, где представил на суд зрителей, неизбалованных высоким балетным искусством, несколько спектаклей. Чем была примечательна эта поездка?

– Да,с 15 по 20 декабря 2017 года в рамках праздничной новогодней программы, организованной Благотворительным фондом Алишера Усманова «Искусство, наука и спорт» под эгидой фестиваля АРТ-ОКНО, зрители Белгородской и Курской областей впервые познакомились с творчеством «Кремлёвского балета». Вообще мы не так часто работаем в России. Провинциальные театры не всегда могут выдержать требования, которые прописаны в наших райдерах. Поэтому, когда есть такая возможность, мы с большим удовольствием приезжаем в российские регионы, к зрителям, которые мечтают увидеть настоящее балетное искусство. К сожалению, по России колесят десятки танцевальных групп, которые дискредитируют русский балет. А фестиваль АРТ-ОКНО, Благотворительный фонд Алишера Усманова «Искусство, наука и спорт» делают всё, чтобы представить жителям глубинки лучшие театральные коллективы нашей страны.

Для «Кремлёвского балета» – это одно из главных событий сезона. В поездке театр посетил Белгород, Старый Оскол, Губкин, Курск и Железногорск. Зрители познакомились с двумя нашими одноактными постановками: «Шопениана» и «Корсар». «Шопениана» хореографа Михаила Фокина поставлена 110 лет назад на фортепианные произведения великого композитора. Хотя это бессюжетный балет, он полон эмоций: в нём воскрешаются образы романтического балета XIX века, а чарующая музыка становится зримой. К слову, своим рождением балет обязан великой русской балерине Анне Павловой. Во втором отделении наш коллектив представил красочный балет о приключениях корсаров на музыку композитора Адольфа Адана. Хореограф-постановщик новой редакции на основе композиции легендарного Мариуса Петипа – профессор Юрий Григорович.

– В июне и июле вы впервые провели «Летние балетные сезоны в Кремле». Обычно театры в это время закрыты, уезжают на гастроли. Решили «нарушить традицию»?

– Да. Два летних месяца мы танцевали в Государственном Кремлёвском дворце всю свою классику – «Лебединое озеро», «Щелкунчик», «Спящую красавицу», «Баядерку». Опыт удался. Огромное количество людей, которые приезжают в Москву летом, пришли к нам на спектакли. Мы называем наш театр общедоступным, как называли когда-то МХТ времён Станиславского и Немировича-Данченко. А ведь нынче многие театры – не для всех. У нас же щадящие цены. Места на балконах стоят от 300 рублей, до 2500 – в партере. Согласитесь, с другими театрами не сравнить. Тем более вместимость зала большая, и у зрителей есть возможность попасть практически на любой наш спектакль. Мы рады, что Государственный Кремлёвский дворец ведёт такую ценовую политику в отношении «Кремлёвского балета». А «Летние балетные сезоны» мы хотим сделать и в следующем году.

– Чем «Кремлёвский балет» закончит год нынешний, какими спектаклями?

– В Москве, в Государственном Кремлёвском дворце, мы завершили год балетом «Щелкунчик». На нём присутствовало 5500 зрителей! Пришло много родителей с детьми, был воскресный день в преддверии зимних праздников. Это было яркое зрелище, и мы очень довольны, как прошёл спектакль, как принимала его публика.

А 29 и 30 декабря мы даём «Щелкунчик» в концертном зале «Роза Холл» на «Роза Хуторе». Везём туда все декорации, едем полным составом на новую для нас площадку. Надеемся, это будет яркое, феерическое представление. Что может быть лучше «Щелкунчика» в новогодние дни?

– Какие планы у «Кремлёвского балета» на следующий год?

-Помимо того что будут новые «Летние балетные сезоны», у нас пройдёт 7-й традиционный фестиваль «Мировые звёзды балета в спектаклях «Кремлёвского балета». Мы танцуем те спектакли, редакции которых знают во всём мире: «Лебединое озеро», «Жизель», «Баядерка», «Спящая красавица».

В следующем году в Государственном Кремлёвском дворце у нас предполагаются две беспрецедентные для «Кремлёвского балета» премьеры, предназначенные для родителей и их детей. Это возобновление балета «Чиполлино», который был когда-то поставлен ещё в Кремлёвском дворце съездов, в 1977 году. Большой театр, как известно, имел в КДС свою вторую площадку. Кстати, постановщик «Чиполлино» тот же, что был в далёком 1977-м, – Генрих Майоров, и даже декорации будут великого Валерия Левенталя. Их воссоздаёт его дочь Екатерина Левенталь.

И вторая наша премьера, которая откроет в сентябре «Мировой фестиваль звёзд», – балет в постановке Андрея Борисовича Петрова «Аленький цветочек» на музыку Владимира Купцова. Я думаю, это будет большое событие для русского балетного искусства.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17565
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Дек 21, 2017 9:52 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017122101
Тема| Балет, Театр балета имени Леонида Якобсона, Премьера, Персоналии, Йохан Кобборг
Автор| Ольга Федорченко
Заголовок| Сервантесу приложили руку
«Дон Кихот» в Театре имени Якобсона

Где опубликовано| © Газета "Коммерсантъ" №238, стр. 11
Дата публикации| 2017-12-21
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/3502469
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Фото: М. Логвинова / Театр балета имени Леонида Якобсона

За пару недель до наступления 2018-го, объявленного годом Мариуса Петипа, Театр балета имени Леонида Якобсона показал на сцене Александринского театра премьеру «Дон Кихота», одного из столпов академического балетного репертуара. Рассказывает Ольга Федорченко.

Андриан Фадеев, художественный руководитель театра, не скрывает стремления насытить репертуар традиционной классикой в самом добротном исполнении: годичной давности премьера «Спящей красавицы» тому подтверждение. Приходится, впрочем, учитывать «полевые условия» (компактность труппы и отсутствие постоянной сценической площадки), не теряя при этом драйва первоисточника и завлекая зрителей приманками покруче, чем финальный фонтан в «Спящей» или живые конь и осел в «Дон Кихоте». Такой приманкой в последних двух постановках театра стало участие Йохана Кобборга в качестве балетмейстера.

С 1869 года, когда Петипа впервые представил в Москве своего «Дон Кихота», число действующих и танцующих лиц увеличивается от постановки к постановке. Внес свой вклад в улучшение демографии балета и господин Кобборг: он вывел на сцену Мигеля де Сервантеса, который в Прологе мучается творческим кризисом. Балетный Сервантес (Артем Пыхачов), браво размахивающий, в отличие от однорукого прототипа, обеими дланями, находит среди барселонской молодежи героев будущего романа и с упоением погружается в писательство.

Сам сюжет не претерпел сколько-нибудь значительных изменений, а перестановка сцен (поменялись местами цыганский табор и кабачок) только приблизила балет к сценарию Петипа. Зато «Дон Кихот» Кобборга щедр на семейные ценности: в финале готовность к построению ячейки общества помимо Китри и Базиля изъявляют Уличная танцовщица и Эспада, Санчо Панса и хорошенькая официантка. А традиционно выбрасываемый за кулисы незадачливый Гамаш обнаруживает склонность к религии и выражает готовность принять сан.

Массовые характерные танцы демонстрируют усвоенные размашистость и разудалость, которые выдаются за страстность «испанской» манеры. Балетмейстер окончательно вычистил хореографическое «декадентство» редакции Александра Горского, сохраняющееся в Мариинском театре в виде асимметричных построений классического кордебалета в сцене сна: дриады теперь порхают ровными рядами. Проблема отсутствия в труппе достаточного числа классических солисток, которые необходимы «Дон Кихоту» (две цветочницы, Уличная танцовщица, Повелительница дриад, Амур, вставная вариация в Pas de deux), решена кардинально: имеющиеся артистки совмещают по несколько партий. Уличная танцовщица (Светлана Свинко) выходит и Повелительницей дриад; двойка цветочниц (Анна Скворцова и Нана Кураути) вдвоем же танцует вариацию в Pas de deux; безымянная барышня, подрабатывающая официанткой то у Лоренцо, то в таверне во втором акте, оказывается Амуром (Ольга Михайлова). Знаменитый танец Мерседес в таверне на столе сообразили на троих — частично узнаваемые фрагменты хореографии Нины Анисимовой «доложили» Санта Качанова, Ангелина Григорьева и Дарья Токарева.

Как автор хореографической версии господин Кобборг изрядно проапгрейдил первоисточник, пересочинив практически каждый номер и добавив с пяток новых вариаций и танцев. Активно заплясали Санчо Панса и Гамаш — каждый получил по паре заковыристых соло, а Гамаш дважды скрутил «женские» фуэте общим числом 18 штук. Эспада помимо двух сольных фрагментов разжился еще двумя танцами. В «Таверне» (на добавленную музыку «Танца тореадоров» из первого акта) он устраивает заварушку между тореро и горожанами и пытается соблазнить Китри; в заключительном акте, на свадьбе главных героев, исполняет «помолвочный» дуэт с Уличной танцовщицей. Танцы, может, и не самые занимательные, но драматургически оправданные, проясняющие непростой характер героя и дальнейшую судьбу. Андрей Гудыма в этой партии яростно демонстрирует темперамент, но вот за что ему следовало бы вызвать балетмейстера на дуэль — так это за купирование финальной диагонали эффектнейших ранверсе с плащом и заменой ее большими пируэтами.

Добавлено несколько новых танцев для Китри и Базиля — выходная вариация главного героя, дуэт в таборе на музыку знаменитого «Цыганского танца», в финале которого на самых драматических аккордах папаша Лоренцо настигает блудную дочь и принуждает ее к браку с Гамашем. Две пары солистов гармонично вписались в новую редакцию «Дон Кихота». Утонченная Алла Бочарова в паре с Андреем Сорокиным не поражала эмоциональной открытостью, но преемственность академических традиций при очень чистом исполнении продемонстрировала. Второй премьерный спектакль обнаружил новое дарование в лице Софии Матюшенской, которая, ничуть не смущаясь нестоличной выучкой, очень задиристо станцевала сложнейшую партию при поддержке легконогого и задорного Ким Кимина.

Что до задавленного рефлексией Дон Кихота в исполнении Сергея Давыдова, то он, нелепый герой-мечтатель, стремящийся изменить мир, испытывает прямо-таки физическую боль, когда осознает, что он со своими идеалами в общем-то никому и не нужен. Даже ветряным мельницам: наверное, это единственный «Дон Кихот», в котором главного героя лишили удовольствия поболтаться на мельничных крыльях.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17565
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Дек 21, 2017 9:56 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017122102
Тема| Балет, Театр балета имени Леонида Якобсона, Премьера, Персоналии, Йохан Кобборг
Автор| Анна ВЕТЛИНСКАЯ
Заголовок| «Дон Кихот» как бомж поневоле
Где опубликовано| © интернет-журнал «Интересант»
Дата публикации| 2017-12-21
Ссылка| http://www.interessant.ru/culture/don-kikhot-kak-bomzh-po-1
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Это самый солнечный балет в мировом репертуаре

Театр балета им. Якобсона представил громкую премьеру - восстановленного «Дон Кихота» Минкуса - Петипа, но увидеть постановку в северной столице еще хотя бы раз будет непросто


Новый год по-балетному - это «Щелкунчик». Но в Театре балета им. Якобсона, в репертуаре которого, кстати, есть и «Щелкунчик», решили изменить традиции и в канун Нового года выпустили премьеру одного из самых жизнерадостных и «теплых» балетов в мировом репертуаре - «Дон Кихота» Минкуса - Петипа, наполненного солнцем и энергетикой. Что в депрессивном зимнем Петербурге никогда не будет лишним. В постановщики руководитель Театра Якобсона экс-премьер Мариинки Андриан Фадеев пригласил другого экс-премьера - Ковент-Гарден - датчанина Йохана Кобборга, внесшего свои коррективы в хореографию «русского француза» Мариуса Ивановича Петипа, двухсотлетие со дня рождения которого будет отмечаться в следующем году.


Рискнули - и победили

Кстати, сам Кобборг в свое время блистал в этом балете на королевской сцене и даже был признан самым рисковым исполнителем партии Базиля. Рисковал он и соглашаясь поставить «Дон Кихота» в Театре Якобсона. В первую очередь потому, что у театра нет своей сцены, есть только репетиционные помещения. А это значит, что каждый раз спектакль будет идти в новых условиях и каждый раз под них надо будет подстраиваться. Как артистам, так и создателям декораций, которые в данном случае тоже не последние люди в мире искусства, - это театральный художник Жером Каплан и художник по свету Венсан Милле. Поэтому задача создать спектакль, который можно будет показывать на самых разных площадках, не затрачивая при этом титанических усилий, стояла перед ними в первую очередь.

И художники ее выполнили, создав мобильные декорации, в основе которых - мрачноватые гравюры иллюстратора романа Сервантеса - Гюстава Доре, и оживив их яркими красками знойной Испании, предстающей в спектакле во всей красе и при этом нисколько не диссонирующей с зимним настроением. А «рисковый» постановщик не только несколько поменял структуру балета, но даже ввел туда нового персонажа - самого Сервантеса - и поставил новые танцы для Санчо Пансы и других характерных героев. Дон Кихот, правда, так и остается «декоративным элементом» спектакля, главные партии в котором - у влюбленных Китри (София Матюшенская) и Базиля (Кимин Ким). Понятно, что танцевавший когда-то Базиля постановщик уделил этому персонажу максимум внимания, и молодой танцовщик Театра Якобсона демонстрирует просто головокружительные па, граничащие с фантастикой, не переставая при этом улыбаться. К тому же его ярко выраженная восточная внешность вполне вписывается в испанский колорит.


Потеряли «жемчужину»?

Но, несмотря на все новшества и изменения, балет получился абсолютно классическим, петербургским. Таким, каким его видели и сто лет назад, и, будем надеяться, увидят еще через сто лет, - красивым, радостным и праздничным. Проблема только в одном - в том самом отсутствии своей сцены, получить которую в Театре Якобсона даже и не рассчитывают. И существующий в нашем городе уже пятьдесят лет балетный коллектив, названный «жемчужиной культурного пространства страны», вынужден показывать свои постановки на тех петербургских сценах, которые свободны.

Например, премьеру «Дон Кихота», посмотреть которую пришли многие известные личности, показывали в БДТ и Александринском театре. Антураж там, конечно, подходящий, но возможности сцен разные. Поэтому, например, в Александринке не помещавшуюся в импровизированную «оркестровую яму» часть оркестра пришлось буквально «запихнуть» в боковую ложу. И так происходит очень часто. К тому же подходящую свободную сценическую площадку найти в разгар сезона сложно, да и аренда стоит дорого - отсюда высокие цены на билеты. И - бесконечные гастроли.

В родном городе театр выступает в основном летом, когда драмтеатры уходят в отпуск. В результате в общем потоке непонятных балетных коллективов, ориентированных на летнее развлечение туристов, в репертуаре которых порой всего один спектакль - «Лебединое озеро», - Театр балета им. Якобсона теряется, несмотря на то что ему есть что предложить зрителям кроме этого балета Чайковского. Хотя свое «Лебединое озеро» у театра тоже имеется - но оно совсем другого уровня, уровня бренда «русский балет», и в январе, например, театр повезет своих «лебедей» в Японию. Что касается «Дон Кихота», то когда в следующий раз у петербургской публики будет возможность его увидеть - неизвестно.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Камелия
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 08.10.2013
Сообщения: 1564
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Дек 21, 2017 12:36 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017122103
Тема| Балет, Персоналии, Годани, Молина, Греко, Шольтен, Шпук, Ланг
Автор| АЛЕКСАНДР ФИРЕР
Заголовок| Танцконверсии нашего времени
Где опубликовано| © Журнал «Музыкальная жизнь» №12
Дата публикации| 2017 декабрь
Ссылка| http://mus-mag.ru/index.htm
Аннотация| Фестиваль DanceInversion

В Москве завершился Международный фестиваль современного танца DanceInversion

Идея создания этого танцфорума принадлежит нынешнему начальнику отдела перспективного планирования и специальных проектов Большого театра и художественному руководителю DanceInversion Ирине Черномуровой. Начиная с 1997 года он проходил под названиями Фестиваль современного американского танца (ADF) и Европейский фестиваль современного танца (EDF) до 2003 года, когда приобрел свое сегодняшнее название. Из-под крыши Музыкального театра имени К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко вот уже три года, как проект переехал под своды Большого театра, который и является отныне организатором фестиваля с партнерством МАМТа.
На нынешнем фестивале танцкомпания Дрездена-Франкфурта, ранее руководимая Уильямом Форсайтом, а ныне бывшим ее солистом Якопо Годани, представила три спектакля. В балетах «Вечный двигатель» и «Высокая порода», периодически ввергаемых в полную темноту, присутствовали и скрытая агрессия, и синкопированнная острота оголенных жал пуантов, и математически организованный хаос. Батманы, жете, кабриоли, разнообразные кручения, вырисовывание лекал-окружностей насыщали эти профорсайтовские опусы. Зато лиричное «Эхо беспокойной души» на музыку Равеля отличалось бликующими импульсами чувственных перетеканий.


Росио Молина

«Лес Ардора» в хореографии и исполнении испанки Росио Молины (партнеры – Эдуардо Герреро и Фернандо Хименес и музыканты) – чувственная фламенко-поэма (музыка Эдуардо Трассьеры), воспевающая природу женщины – любовницы, охотницы, соблазнительницы и феи. От палящего зноя дня до пугающих сумерек участники ролевой игры охотятся за наслаждениями, скрываются за деревьями от любопытных глаз, господствуют и подчиняются, отдаваясь друг другу.

Национальный балет Марселя, ориентированный ныне на современный стиль, показал «Болеро» и «Кордебалет» в постановке своих руководителей Эмио Греко и Питера Шольтена, поднимающих из руин труппу после варварского правления Мари-Клод Пьетрагалла, сменившей в период расцвета компании знаменитого Ролана Пети. «Le corps du ballet» подчеркивает танцевальное двуединство лексических средств – классических и современных. Цитаты из «Лебединого озера», «Жизели» и «Дон Кихота», ликование под «Марсельезу» прослаивают хореоткань спектакля, завершающегося первым движением балетного класса. В равелевском «Болеро» доминировала чувственность. Молодой солист с библейской внешностью Анхель Мартинес-Фернандес стал эстетическим и экстатическим центром балета.
В исполнении Балета Цюриха была представлена российская премьера спектакля Кристиана Шпука «Щелкунчик и мышиный король» (спектакль создан в октябре 2017) на перемонтированную музыку Чайковского. Шпук переписал либретто, опираясь на сказку Гофмана, ввел прием «театра в театре», а музыку использовал с прикладной ловкостью. В буффонадной энергетике зрелищного калейдоскопа мелькали бегающие серые мышки, клоунесса играла на аккордеоне, на самокате катался брат Мари, летали шары, клоун бил чечетку, принцесса Пирлипат погружалась в аквариум, обильно заполненный скорлупой орехов, черные снежинки с электролампочками сливались в смешанном вихре женско-мужского снегопада, а «Вальс цветов» в духе кабаре выглядел как приглашение к близости. Прекрасно танцевали Мишель Уиллемс (Мари) и наши соотечественницы Виктория Капитонова, Анна Хамзина, Елена Востротина в ролях второго плана.


Хореографическая имитация чернильных клякс

Американская компания Джессики Ланг представила программу из миниатюр (длительностью от трех до тридцати минут), демонстрировавших весь спектр техник американского танца. Мужское «Соло Баха» с прыжками контрастировало с абсолютно статичным «Вызовом» (музыкальное сопровождение – Trio Mediæval), в котором девушка, вращаясь на месте в длинной белой юбке, превращалась в диковинный цветок. Видеотанец «Белое» на музыку Эдварда Грига, где артисты движутся то замедленно, то ускоренно, подчиняясь частоте кадров, показался вторичным. На музыку Бетховена поставлен прямолинейный «Взгляд на тысячу ярдов» с экспрессивной пластикой модерна и патетикой жестикуляции. Чувство братского единения в этой движенческо-пластической модели демократии выражалось в контактном слиянии массы и ее героев. А хореографическую имитацию видеоинсталляционных перетеканий черных чернильных клякс артисты показали в бликующей композиции силуэтов и теней в номере «i.n.k.» на музыку Якуба Чупинского. На его же музыку в «Сладкой тихой думе» квартет исполнителей демонстрировал медлительное переплетение телесных отношений под феминистским углом зрения с использованием минимума танцевальных движений (отжимания, поддержки, перекаты и перетаскивания по полу за ногу или за руки, хождение кругом, взявшись за руки). И все-таки Джессика Ланг стремится здесь преобразовать пластику в сферу беспокойной поэзии чувств…

Фото предоставлены пресс-службой фестиваля DanceInversion
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17565
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Дек 21, 2017 1:12 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017122104
Тема| Балет, БТ, Премьера, Персоналии, Ратманский, Крысанова, Лантратов, Беляков, Цвирко, Биктимиров
Автор| Андрей Галкин
Заголовок| Будни Ренессанса
Где опубликовано| © Voci dell'Opera. Интернет-журнал об опере и балете
Дата публикации| 2017-12-07
Ссылка| http://www.vocidellopera.com/single-post/romeo-juliet
Аннотация| Премьера



В конце ноября на Новой сцене Большого театра состоялась премьера «Ромео и Джульетты» в постановке Алексея Ратманского. Спектакль, созданный для Национального балета Канады в 2011 году, будет соседствовать в репертуаре с версией Юрия Григоровича (1979/2010), идущей на Исторической сцене.

Никаких содержательных контрастов это соседство не обещает. Слегка осовремененный с внешней стороны, балет Ратманского абсолютно академичен по сути. Все совершается в нем как должно и в свой черед. Народные танцы на площади перемежаются танцами знати во дворце. Прыжки Джульетты-девочки сменяются бегом Джульетты-девушки. Ромео переходит от лирических позировок к страстным (вариант – отчаянным) вращениям. Меркуцио и Тибальд встречаются, ссорятся, сражаются. Праздники и будни, свидания, прощания, поединки, похороны следуют друг за другом в привычном порядке, в знакомых очертаниях танцевальных комбинаций и мизансцен. Там, где этого требует музыка, вводятся и возвращаются хореографические темы (получив письмо от Джульетты, Ромео повторяет начальные фразы ее соло). Местами балетмейстер допускает лапидарность в изложении событий (после смерти героини он сразу, минуя погребальный обряд, помещает ее в склеп). Местами, напротив, вводит как будто бы «лишние» детали, призванные показать, что в сценической Вероне течет настоящая жизнь (горожанка, потерявшая жениха в схватке первого акта, во втором приходит со своим горем к патеру Лоренцо). Но и эти робкие шаги в сторону, и отдельные выходы за пределы бытоподобия (вроде встречи бегущей к Лоренцо Джульетты с видением Ромео) лишь подчеркивают обстоятельную традиционность всего прочего.

Как подчеркивает ее работа художника. Ричард Хадсон воспроизвел, с поправкой на балетную нарядность, пестроту средневековой толпы, богатые одежды знати. Цветом и фасоном он отметил главных героев – их легкие костюмы серо-голубых тонов противостоят окружающей тяжеловесной роскоши. И он же выстроил пустынную площадь с единственным багровым зданием непонятной архитектуры, мертвые каменные улицы, безликие фасады и интерьеры – нейтральный фон, на котором пышно одетые актеры превращаются в манекены из этнографического музея.

Разумеется, ни Ратманский, ни Хадсон не были обязаны ставить классику дыбом. Выбор того или иного сценического языка – личное дело авторов и сам по себе критике не подлежит. Вопрос в другом. Какие бы выразительные средства ни избирали хореограф с художником, они должны отдавать себе отчет в том, зачем их используют, что хотят с их помощью воплотить. Как раз этой осмысленности в новом спектакле не видно. Общие места режиссуры и танца сцепляются в нем механически, поддержанные таким же обобщенно-шекспировским оформлением, и в их инертном движении, чем дальше, тем меньше различимо содержание истории.

Задача разорвать заколдованный круг клише, одухотворить происходящее падает на плечи артистов. В первый вечер московской премьеры с нею лучше всего справилась Екатерина Крысанова. Балерина, свободно чувствующая себя в лирике и в драме, передавала через пластику различные состояния своей героини. Линии ее танца становились в зависимости от музыки то струящимися, то напряженно ломкими. В то же время за каждым шагом ощущалась почти детская, бесшабашная решимость пройти свой путь до конца. Фантазерка, мечтавшая об исключительной судьбе и получившая ее в самом трагическом варианте, крысановская Джульетта пленяла поэтической завершенностью образа.

Сложнее обстояли дела у другого участника центрального дуэта – Владислава Лантратова. Его Ромео, услышанный, опять-таки, в музыке, мог бы не так идиллично мечтать, тревожнее отшатываться в предчувствии бед от дверей Капулетти, страдать сильнее, если бы исполнителя не ограничивал предложенный балетмейстером материал.

В один ряд с главными героями встали действующие лица второго плана: кормилица, сыгранная Анастасией Винокур с уместной оглядкой на фильм Дзефирелли, и Бенволио – Дмитрий Дорохов – вновь доказал, что для больших актеров не существует маленьких ролей. С того момента, когда в первой картине его застал врасплох поцелуй проститутки, и вплоть до финальных жестов в склепе, где Бенволио утешает кормилицу, от этого обычно едва заметного персонажа невозможно было отвести глаз.

Зато поистине незавидной оказалась участь танцовщиков, выступивших в партиях Меркуцио и Тибальда. Антиподы, столкновениями которых определяется развитие сюжета, превратились у Ратманского в двойников, площадных забияк, не различимых по облику и поведению. Игорь Цвирко и Виталий Биктимиров – совсем не похожие артисты – поневоле дублировали друг друга. Тибальд Биктимирова был груб и высокомерен, Меркуцио Цвирко – саркастичен и задирист. Оба вполне убеждали своей характерностью. И оба ничего не сумели предъявить в эпизодах смертей, поскольку хореограф никак не раскрыл в них контраст возрожденческого духа Меркуцио и средневековой воли Тибальда.

Новое репертуарное приобретение Большого сложно назвать неудачным. Спектакль грамотно сделан, не грешит против вкуса, а у зрителей, не видевших другие версии балета, вероятно, вызовет интерес. Но признать его победой театра еще труднее. В равной мере дистанцированный от нетленных ценностей классики и от смелого эксперимента, он самой своей будничностью противостоит ренессансной сути шекспировской трагедии и титанической мощи партитуры.


Фотографии Дамира Юсупова, Большой театр
=========================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17565
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Дек 21, 2017 6:56 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017122105
Тема| Балет, Ковент-Гарден, Персоналии, Наталья Осипова
Автор| корр.
Заголовок| Наталья Осипова: мне всегда интересно пробовать все новое
Где опубликовано| © РИА Новости
Дата публикации| 2017-12-21
Ссылка| https://ria.ru/culture/20171221/1511436047.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


© РИА Новости / Алексей Даничев

Одна из самых известных и титулованных русских танцовщиц, прима-балерина Королевского балета Наталья Осипова выступит на сцене Кремлевского дворца в Москве 1 февраля в балете "Щелкунчик Пермского театра оперы и балета. Балерина рассказала в интервью РИА Новости об этом спектакле, поделилась своими планами на новый год, сообщила об участии в гала-концерте Большого театра, посвященном юбилею Петипа, о выступлениях в Мариинском театре, на сцене Метрополитен-опера и Ковент-Гардена, о своем любимом партнере и любимом балете.

— Вы танцевали в балете "Щелкунчик" в хореографии Юрия Григоровича на сцене Большого театра и в спектакле в постановке Рудольфа Нуреева в Парижской опере. В чем особенность "Щелкунчика" Пермского театра, который вы будете представлять в Москве?

— Я еще не начала репетировать спектакль, видела только видеофрагменты репетиций. Но мы активно обсуждали концепцию с хореографом Пермского театра Алексеем Мирошниченко. У него очень интересный взгляд на это произведение — он хочет выразить всю трагичность партитуры Чайковского, его "Щелкунчик" — это не только сказка для детей, но и прежде всего для взрослых. Петр Ильич Чайковский написал потрясающую по глубине музыку, и мы постараемся это передать.

Сцена Кремлевского дворца — не самая легкая площадка для танцоров. Но насколько я знаю, будут полностью привезены все декорации, и москвичи увидят спектакль в оригинальном виде. А мы со своей стороны постараемся выложиться по максимуму.

— Наталья, вы прима-балерина Ковент-Гардена, с этого сезона стали и прима-балериной Пермского театра оперы и балета. Как возникла эта идея и как это произошло?

— Все произошло естественным путем. Я несколько раз приезжала в Пермь со своими выступлениями, мне очень нравится это место, этот театр и прекрасная команда, которая сейчас сложилась в этом театре. И когда мне сделали предложение, я с огромным удовольствием согласилась. Сейчас мы готовим мою первую премьеру — балет "Щелкунчик", и очень надеюсь, что в этом сезоне в Перми состоится еще и "Дон Кихот" с моим участием. Правда, в Москву мы этот спектакль уже не повезем.

— Большой театр всегда рад вам и приглашает вас, ваши многочисленные поклонники ждут вас и хотят увидеть на главной сцене в Москве. Не собираетесь ли вы все-таки найти возможность и выступить в Большом театре?

— Да, действительно, мы постоянно ведем переговоры, но никак не получается согласовать даты из-за моего напряженного графика. Однако в новом году я все же надеюсь появиться на сцене Большого в начале июня в рамках гала-концерта, посвященного Мариусу Петипа.

— Очень хочется узнать о ваших планах в будущем году. Где будете танцевать и в каких балетах? Будут ли выступления в России?

— Одно из самых долгожданных событий для меня — это спектакль "Легенда о любви" в хореографии Юрия Григоровича в Мариинском театре, который состоится 16 февраля. Также буду танцевать "Жизель" и "Манон" в Ковент-Гардене. Я впервые будут танцевать с Дэвидом Холбергом. Это мой любимый партнер, он был на больничном три года, я очень долго его ждала, и вот, наконец, моя давняя мечта осуществится. В мае буду выступать в Метрополитен-опера в Нью-Йорке. Я работала там пять лет, но потом переехала в Лондон и долго там не выступала. В мой день рождения, 18 мая, я станцую там мою любимую Жизель. Ну и, конечно, мое выступление в Москве 1 февраля в Кремле. Я очень давно не выступала в Москве, соскучилась по этому городу и публике. Уверена, что в Кремле будет аншлаг.

— Вы всемирно известная балерина, специально для вас создают свои работы хореографы. Но не было ли у вас самой желания выступить в роли постановщика?

— Мне всегда интересно пробовать все новое, я люблю классический балет и современный танец в самых разных его ипостасях. И я даже уже пробовала поставить несколько номеров. Но все-таки я прежде всего танцовщица, интерпретатор, и пока я могу танцевать, я буду танцевать.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17565
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Дек 21, 2017 7:29 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017122106
Тема| Балет, МАМТ, Премьера, Персоналии, Баланчин, Тейлор, Гарнье, Экман, Лоран Илер, Эрика Микиртичева, Анна Окунева, Георги Смилевски, Оксана Кардаш
Автор| Арина Ильина
Заголовок| Из XX века в XXI-й, с любовью
Где опубликовано| © Voci dell'Opera. Интернет-журнал об опере и балете
Дата публикации| 2017-12-19
Ссылка| http://www.vocidellopera.com/single-post/balanchine-and-co
Аннотация| Премьера

1 января художественный руководитель балетной труппы театра Станиславского и Немировича-Данченко, француз Лоран Илер, отметит свою первую годовщину в этой должности. За период его работы театр отпраздновал уже две балетные премьеры, причем как летом, так и осенью на сцене театра появились новые одноактные произведения. С 25 по 27 ноября Москва увидела балеты Баланчина, Тейлора, Гарнье и Экмана – три последних ставились впервые не только в театре, но и в России.



Вечер открывал балет Джорджа Баланчина «Серенада», поставленный в 1934 году. Это первое произведение, созданное хореографом в Америке, – до этого Баланчин уже успел поработать в «Русских сезонах» Дягилева, в Датском королевском балете и в труппе «Русский балет Монте-Карло». Уехав из Европы в Штаты, он был вынужден начать свой творческий путь практически с нуля: без подготовленной труппы артистов опыт постановщика не имеет смысла. Так, балет «Серенада» стал отражением творческого процесса: что происходило в классе, то появилось и на сцене.


Когда открылся занавес, зал встретили диагонали из семнадцати девушек (ровно столько пришло на первое занятие в школу Баланчина в Нью-Йорке) с приветственно поднятой рукой и устремленным вдаль взглядом. Под звуки музыки Чайковского эти семнадцать неземных созданий в лунно-голубых юбках-шопенках вызывали восторженные вздохи и аплодисменты публики, хотя торжество танца еще даже не началось.

Позже появились солистки (Оксана Кардаш, Эрика Микиртичева и Наталья Сомова), за которыми тоже стояла своя история: на самом деле, одна девочка действительно опоздала на репетицию к Баланчину, а другая упала в слезах, когда все остальные ушли из центра зала. Зная такие детали, можно с легкостью отказаться от сюжетной линии, которая так и норовит выстроиться у зрителя в голове: в вальсе Оксаны Кардаш и Ивана Михалева хочется увидеть нежность первой любви, а в элегии слишком очевидно идет борьба солисток за сердце Сергея Мануйлова… Однако сам Баланчин утверждал, что не ставил перед собой таких задач: «Единственный сюжет балета – музыка серенады, если угодно – это танец при луне».

С музыкой Чайковского у Баланчина особые отношения. По его собственному признанию, «во всем, что он делал под его музыку, он чувствовал помощь Чайковского, и если что-то получалось, то это именно благодаря великому композитору». В «Серенаде» музыка действительно стоит над танцем, в котором нет хореографических откровений. Картинные замирающие позы (скульптурный «Апполон Мусагет» Баланчина к тому моменту уже поставлен), оммаж в сторону классических балетов (легко узнаются арабески-«селедки» из «Жизели») – под музыку Чайковского всё знакомое в балете смотрится с новой легкостью и интересом. Русская тема в исполнении задорной Эрики Микиртичевой и четырех подружек льется, перетекает народными «ручейками» и брызгает легкими «блинчиками» – прав был хореограф, скромно передавая лавры великому русскому композитору.

Тем не менее, несмотря на то, что танец Джорджа Баланчина кажется незатейливым, не у каждой русской труппы получается на 100% воспроизвести эстетику мистера Би. На сцене театра Станиславского и Немировича-Данченко неоклассический Баланчин ставился впервые, что стало явным вызовом для артисток, воспитанных в стилистике классических балетов. Вне сомнений, все семнадцать девушек легки и прекрасны в этом «танце под луной», но они всё еще виллисы и лебеди, а не атлетичные беззаботные дивы Нью-Йорка. Зная выдержку и упорство труппы, хочется надеяться, что к следующим спектаклям они обретут нужный темперамент. Премьерный блок только подогрел интерес зрителей и вызвал сильное желание увидеть «Серенаду» еще раз.

Во втором отделении был показан балет «Ореол» – несгораемая классика от Пола Тейлора. Примечательно, что у самого американского хореографа танцевальная карьера началась довольно поздно, в 20 лет, однако, это не стало препятствием на его балетном пути. Он постигал современный танец с такими легендами, как Марта Грэм и Мерс Канингем, а позже отметился на сцене в работах Джерома Роббинса и Джоржа Баланчина. «Ореол» стал его первой работой после ухода от Марты Грэм в 1962 году, и, по признанию самого Тейлора, он не рассчитывал на большой успех. Но публика приняла работу благосклонно.



В России балет ставился впервые, что было в одинаковой степени волнительным моментом как для танцовщиков, так и для зрителей. Хореография непривычна и местами кажется неудобной, ее эстетика не подходит под описание классического или современного танца в привычном понимании. Пять артистов – 2 солиста в белых комбинезонах и 3 солистки в легких белых платьях – порхают по сцене, рассекая воздух руками, как крыльями. Кажется, что ноги – это всего лишь инструмент передвижения: артисты могут лететь в гранд жете, прыгать в эшапе, кружиться в шене, но энергетика танца льется в зал именно через широкие, даже атлетические движения рук. Такой атлетизм хореографии, правда, идет вразрез с музыкой Генделя и в первые мгновения застает врасплох. Барочный клавесин вызывает стойкие ассоциации с богемными залами Версаля и никак не вяжется с комичными прыжками в полуприседе. Кажется, что руки артистов беспощадно рубят французские вензеля и ногами футболят их за кулисы. Лишь к середине номера мозг начинает обрабатывать визуальный ряд, и понимание выходит за рамки хореографического языка. Сама собой напрашивается метафора облака с ангелами, ведь ‘ореол’ – это не просто свет, а чаще именно божественное сияние или даже нимб. Оттого танец Тейлора звучит легко и радостно, как благая весть. Оттого хочется, чтобы и твоя душа парила на сцене под Генделя.

В премьерном спектакле «ангелами» выступили Анастасия Першенкова, Елена Соломянко, Наталья Сомова, Георги Смилевски и Дмитрий Соболевский. В веселой партии Дмитрия много неудобных элементов, которые надо (именно надо) выполнять нарочито непринужденно, оставаясь одновременно очень сильным и невесомым. Немудрено, что именно Дмитрию – первому из новой партии премьеров театра – выпала честь открывать эту премьеру, и он виртуозно справился с этой нелегкой задачей. Монолог Георги Смилевски отличался музыкально, хореографически и эмоционально: никаких бездумных полетов, сплошная лирика, скульптурные позы, меняющиеся, как в замедленной съемке, и глубокомысленный взгляд. Что поделать, ангелы бывают разные. Несмотря на такую перемену настроений на сцене, соло Георги – это, без лишних мыслей, всё ещё просто танец, идущий от сердца и исполненный с честью и достоинством. Летающие над сценой девушки, пожалуй, единственные не вызывали вопросов. Они молоды, красивы, и их грацию не испортила даже концовка балета, где они смешно прыгали, высоко поднимая босые ноги. Они кокетничали с солистами, выписывали мягкие дуги бедрами и при этом постоянно кукольно улыбались. Именно они перенесли зрителя в свой беззаботный мир, где под Генделя можно творить, что угодно, и быть счастливым.

С третьим балетом — «Онис» от Жака Гарнье — всё куда проще, чем с предыдущими, хотя бы потому, что он длится всего 12 минут. Два музыканта в возрасте играют народные мотивы на аккордеонах, три парня ‘просыпаются’ и танцуют под эту музыку, вспоминая о былой молодости. Онис (Aunis) – небольшая провинция на западе Франции, ее столица Ля-Рошель лежит в бухте Бискайского залива, за которым начинается Атлантический океан. Эта местность вдохновила хореографа Жака Гарнье на создание балета, а подаренный ему аккордеон определил музыку будущего произведения. Существует видеозапись 1994 года, где три французских танцовщика исполняют балет «Онис» на берегу моря, но и в театральном зале можно было уловить отзвуки волн, главным образом, благодаря хореографии. Три солиста — Евгений Жуков, Георгий Смилевски-младший и Иннокентий Юлдашев — покачивались, как лодочки, потягивались всем корпусом, будто закидывая сети, морским бризом пролетали круг гранд жете ан турнан, а потом под жгучее танго вбивали ритм в пол, как в песок. Гвоздем номера стала игривая жига, где ребята продвигались по диагонали к музыкантам с таким горящим взглядом, что зрители, находившиеся в зале, невольно начинали краснеть и улыбаться от смущения, будто эти видные парни направлялись прямо к ним. Замечание по поводу взгляда прозвучало еще на открытой репетиции в октябре, и эта, казалось бы, маленькая деталь очень сильно повлияла как на настроение танцовщиков, так и на настроение зрителей. Напряжение в зале выросло так, что угасающая музыка финала утонула в бурных аплодисментах и совершенно неприличных криках «браво».

«Онис» не похож на остальные балеты репертуара «Стасика» в целом и этого вечера в частности. Это единственный балет, где совсем не задействованы девушки, — это полностью праздник мужского танца, мальчишеского залихватства, бурной молодости. Также на данный момент это самый короткий спектакль в театре (ранее это звание носил 12-минутный «Вальс» Фредерика Аштона), а по количеству занятых людей – вторая по малочисленности постановка наравне с «Другими танцами» Джерома Роббинса. Музыканты Кристин Паше и Жерар Баратон специально были приглашены в Россию, и в дальнейших балетных вечерах исполнять эту музыку будут только они. При таком раскладе и артисты должны были подобраться исключительные. Судя по неистовой реакции зала, так и случилось. Жуков, Смилевски-младший и Юлдашев открыли в центре Москвы филиал французского побережья, а для некоторых зрителей именно «Онис» открыл имена этих талантливых ребят.

Последним пунктом в программе шел сравнительно новый, 2012 года создания, балет «Тюль» от шведского хореографа Александра Экмана. Экман – любитель поэкспериментировать и даже немного похулиганить на сцене. Например, для создания «Озера лебедей» (его авторская версия бессмертного «Лебединого озера») ушло примерно 6000 литров настоящей воды. В «Тюле» тоже есть импровизированные лебеди, которые… поют.

Невозможно в двух словах описать, что происходит на сцене, как невозможно в двух словах рассказать о работе в театре – балет иронично повествует о закулисной, совсем неромантичной жизни артистов. Бесконечные повторения пор де бра, замирание по стойке смирно в определенных позициях рук и ног, счет вслух и громкое дыхание – это лишь начало истории, которая повторяется для профессиональных танцовщиков изо дня в день. В этом мире «лебеди» громко топают, скрипят пуантами и кашляют (для пущего эффекта все эти звуки записаны и громко идут в зал через колонки), а то вдруг замирают и всматриваются в зрительный зал. Честно говоря, чувство не из приятных, когда не ты смотришь на артиста, а артист – на тебя. После некомфортных гляделок девушки начинают напевать хором главную тему из «Лебединого озера», а потом и вовсе колотят пуантами об пол, будто это самая ненавистная обувь на свете (про «ненавистную» обувь, кстати, рассказывает безымянная балерина вместо музыкального сопровождения в одной из сцен балета).

Экман показывает обратный мир балета, привычный для артистов и спрятанный от зрителя за стенами репетиционных залов. В углу Солор (Геогри Смилевски) многократно отрабатывает пантомиму и не может определиться, какой именно жест выглядит эффектнее; Зигфрид и Одетта (Денис Дмитриев и Анна Окунева) карикатурно выясняют, что важнее – вечная любовь или свадьба; в это же время три потенциальных принца из кордебалета механически репетируют траурную проходку Альберта, а мимо них так же бездушно проплывают на пуантах безликие лебеди. За процессом следит строгий руководитель в черном костюме и на «каблуках»-пуантах (Анастасия Першенкова). Феерия начинается в па-де-де под названием «Цирк», где под обработанную музыку Минкуса прима и премьер (Оксана Кардаш и Дмитрий Соболевский) в винтажных цирковых костюмах исполняют высоченные перекидные, бесконечные фуэте и даже сальто назад. Всё это происходит под крики и улюлюканье коллег, которые считают фуэте, преувеличенно ахают и причитают «Поставь ее! Подвинься, черт возьми! Хорошо!» И это было действительно хорошо, эффектно и весело, хоть и злободневно, ведь довольно часто можно услышать недовольные отзывы, что атлетика и трюкачество на современной сцене затмевают тонкость и нежность балетного искусства.

На театральную изнанку намекает уже само название. Тюль – материал, из которого делаются пачки – появляется на трех огромных экранах, которые то и дело двигаются вверх-вниз вдоль кулис и задника сцены. Оркестровая яма тоже будто демонстрирует технические возможности сцены и работает, как лифт, являя из своих недр то двух прим, то четыре пары солистов, то нетерпеливо вышагивающую даму на «каблуках». Действие открывается под звенящий «Павильон Армиды» Черепнина, а заканчивается под качающий, ухающий и стучащий ритм зацикленного электронного мотива «Танца рыцарей» Прокофьева.



Всё это делает спектакль похожим на хороший фильм со спецэффектами, юмором и четко прописанными героями. Анна Окунева, не так давно перешедшая в театр Станиславского из Большого, смотрится очень уверенно и гармонично рядом с «коренной» примой Эрикой Микиртичевой; Иван Михалёв, будучи в разнузданном и гордом образе «плохого парня» балета, появляется на сцене нечасто, но всегда с посылом «Разойдитесь, я тут главный». Георги Смилевски и Денис Дмитриев приковывают внимание, даже когда их танец состоит всего лишь из меняющихся позиций рук. Кордебалет старается произвести впечатление содебасками и револьтадами. Чтобы рассмотреть всех, придется увидеть балет несколько раз, но рассматривать придется именно людей, а не хореографию. Александр Экман, здесь называющий себя «балетографом», решил не придумывать оригинальный танцевальный язык для спектакля, который транслирует репетиционную жизнь, а поставил рядом простой экзерсис и узнаваемые па из бессмертных балетов.

Стоит заметить, что не все зрители приняли такой откровенный рассказ о жизни артистов. Несколько человек покинули зал; кто-то возмущался, что постановщик издевается, потому что сам не любит балет. И всё же «Тюль» поймала в свою сетку большинство зрителей, которые горячо откликнулись на этот эксперимент.

Путешествие от неоклассического Баланчина до экстраординарного Экмана с успехом начало завоевание Москвы, традиционно любящей основательные многоактовые постановки. Без сомнений, программу стоит смотреть независимо от того, сделали вы это уже или еще нет.

Прошлогодняя «Сюита в белом» Лифаря номинирована на «Золотую Маску»; билеты на январский блок Баланчина/Тейлора/Гарнье/Экмана стремительно заканчиваются. В апреле «Стасик» представит очередной вечер одноактных премьер, где рядом с именем Брянцева выделяется имя Охада Нахарина из израильской Батшевы. Лоран Илер, выбравший курс на искрометные одноактники, может смело праздновать свой триумф.

Фотографии Светланы Аввакум
==================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17565
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Дек 22, 2017 5:06 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017122201
Тема| Балет, БТ, Премьера, Персоналии, Ратманский, Крысанова, Лантратов, Цвирко, Дорохов
Автор| Алла МИХАЛЁВА
Заголовок| Заблуждения по-веронски
Где опубликовано| © «Экран и сцена» № 24
Дата публикации| 2017-12-22
Ссылка| http://screenstage.ru/?p=7898
Аннотация| Премьера



На сцене Большого театра состоялась премьера балета “Ромео и Джульетта” Сергея Прокофьева в редакции Алексея Ратманского. Судя по всему, выбор названия принадлежал руководству театра, пригласившему хореографа перенести на российскую сцену спектакль, созданный для Национального балета Канады. И теперь в афише первого театра страны соседствуют два варианта прокофьевского балета – Алексея Ратманского и Юрия Григоровича. Впрочем, уживались же в афише Большого две “Жизели” – Владимира Васильева и того же Григоровича.

Алексей Ратманский – хореограф сколь креативный, столь деликатный. И необыкновенно музыкальный. Он умеет обновить классическое произведение, не разрушив композиционной целостности, не задев стилистики. Автор многих оригинальных постановок, он чрезвычайно тактично взаимодействует с классикой. Так было с “Корсаром”, постав-ленным им в годы руководства балетом Большого, где досочиненные фрагменты казались практически неотличимыми от хореографии Мариуса Петипа.

В отношении “Ромео и Джульетты” Ратманский тоже не проявил радикализма: аккуратно обошелся с либретто Адриана Пиотровского, Сергея Радлова и самого Прокофьева и с тем же пиететом отнесся к музыкальной партитуре. Его соавтор, сценограф и художник по костюмам Ричард Хадсон, минималистскими средствами создал величественный образ Вероны, одев исполнителей в благородные и строгие костюмы, словно взятые с полотен художников Возрождения.

По сути, Ратманскому удалось сделать невозможное: влить молодое вино в старые меха, не повредив последние. Молодым вином здесь оказалась стремительная в своем дансантном полете хореографическая партитура. Легко оттолкнувшись от первой сцены на площади, действие энергично, но не поспешно – чередуя большие ансамбли, великолепные трио, изумительные по лирической красоте дуэты и тонкие соло – следует за Шекспиром. Слово Великого Барда незримо присутствует практически в каждом эпизоде, диалоги и монологи знаменитейшей пьесы визуализируются в танце. Чего стоит только сцена у балкона, в которой мы едва ли не слышим слова Джульетты: “Ромео, как мне жаль, что ты Ромео! / Отринь отца да имя измени”. В прыжках, вращениях, поддержках, касаниях и даже беспечном валянии по полу заглавных героев от переполняющих их чувств – читаются шекспировские строки. И эта верность автору присутствует всюду: во всех сценах балета и в решении характеров персонажей, танцующих и не танцующих. Отказавшись от излишеств пантомимы, зачастую напоминающей язык жестов, хореограф использует лаконичную выразительность пластики, заставляя вспомнить определение Михаила Чехова – “психологический жест”. Одно движение рук, наклон головы – и мы многое узнаём о Кормилице, отце Лоренцо или леди Капулетти, чей рассказ о раннем замужестве и материнстве передается пластически столь же внятно, как если бы был выражен вербально. Здесь индивидуализированы даже безымянные гости, собравшиеся на бал в доме Капулетти. Что же касается главных героев, то их танцевальные партии дают исчерпывающее представление о характерах. Бенволио Дмитрия Дорохова – легок, добродушен и глубоко предан друзьям. Меркуцио в великолепном исполнении Игоря Цвирко, за скобками роли которого остается его романтический монолог о Королеве Маб, – забияка, шутник, смельчак и женолюб. Оба дерзких и инфантильных приятеля прекрасно оттеняют более зрелого внутренне Ромео, впрочем, с радостью принимающего участие в их мальчишеских забавах.

В Ромео изначально меньше агрессии, чем у его окружения. Тему вражды двух семей Ратманский не акцентирует привычным различием цветов одежды. Два одинаково напористых и азартных клана – Монтекки и Капулетти, давно забывших об истоках вражды, мало что отличает. Спектакль Алексея Ратманского – в большей степени о людских заблуждениях, чем о настоящей ненависти, жертвой которой пали два юных существа.

Джульетта Екатерины Крысановой и Ромео Владислава Лантратова по-настоящему прекрасны. Она – в своей почти детской порывистости и чистоте, ими исполнено каждое движение балерины. Он – в своей цельности, романтичности и внутренней стойкости. Каждая следующая сцена, приоткрывает, говоря высокопарно, новые грани душевной красоты юных любовников. У великолепного танцовщика Владислава Лантратова – несколько блистательных, чисто актерских эпизодов. В моменты гибели Меркуцио и ответного убийства Тибальта Лантратов–Ромео, премьер Большого, поднимается до трагических высот. Не менее хороша и Екатерина Крыса-нова, обнаруживающая подлинный драматический талант в сцене приема зелья. А финальное адажио в склепе (Алексей Ратманский, дабы избежать танца с трупом, пробуждает Джульетту до того, как Ромео уснет навеки) солисты Большого наполняют глубокой нежностью и лирической силой, логично подводя спектакль к светлому финалу – примирению враждующих.

Алла МИХАЛЁВА
Фото Д.ЮСУПОВА
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17565
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Дек 22, 2017 6:05 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017122202
Тема| Балет, МАМТ, Премьера, Персоналии, Баланчин, Тейлор, Гарнье, Экман,
Автор| Алла МИХАЛЁВА
Заголовок| Антология хореографии. ХХ век
Где опубликовано| © «Экран и сцена» № 24
Дата публикации| 2017-12-22
Ссылка| http://screenstage.ru/?p=7874
Аннотация| Премьера



В Музыкальном театре имени К.С.Станиславского и Вл.И.Немировича-Данченко состоялась премьера четырех одноактных балетов, составивших своеобразную антологию хореографии XX века – от Джорджа Баланчина до современного хореографа-радикала Александра Экмана. Репертуар Музыкального театра традиционно эксклюзивен. На его сцене впервые в России исполнялись балеты Иржи Килиана. Другой живой классик Джон Ноймайер ставил здесь столь часто, как если бы был штатным хореографом театра. Тут освоили и сложную вязь композиций Начо Дуато, и зашкаливающие темпы парадоксальной хореографии Йормо Эло. В афише театра можно встретить балеты Фредерика Аштона, Кеннета Макмиллана, Джерома Роббинса. Однако здесь никогда не танцевали Джорджа Баланчина. Вероятно, считалось, что труппе театра, не являющейся оплотом академизма, не под силу требующие технического совершенства опусы мистера Би. В возможности труппы поверил француз Лоран Илер, вот уже год возглавляющий балет Музыкального театра. Блистательный, обладающий уникальным чувством стиля танцовщик, десять лет назад завершивший карьеру на сцене Парижской оперы, он просчитал возможности солистов, а главное – кордебалета, во многом определяющего успех постановки баланчинской “Серенады” на музыку П.И.Чайковского. Впрочем, на перфекционизм Илер проверил своих подопечных еще летом этого года. Первой его акцией в статусе балетного худрука стали премьеры “Белой сюиты” – неоклассического шедевра Сержа Лифаря и “Второй детали” Уильяма Форсайта, требующей действительно изощренного мастерства. Артисты отлично справились с этими столь разными, но равно сложными спектаклями и теперь вступили в совершенно новое для себя пространство хореографии Баланчина.

“Серенада”, пожалуй, самый освоенный в России из его балетов. Первой ее поставили в Мариинке, затем – в Перми и Большом. И везде исполняли по-своему. В Музыкальном театре имени Станиславского и Немировича-Данченко “Серенаду” станцевали проникновенно, “выпели”, что, может, и не очень соответствует характеру самого произведения, созданного Баланчиным в качестве студийной работы для своих учениц – юных пухленьких американок. Тем не менее, школьная работа, в каноническом тексте которой закреплены даже репетиционные случайности (например, опоздание одной из девушек на выход), оказалась одной из самых красивых, таинственных и магических постановок великого хореографа. Впрочем, сам Баланчин уверял, что никакой таинственности в его балете нет, скромно называя его танцем девушек в лунном свете. Тем не менее, артистки Музыкального театра по доброй русской традиции все-таки наполнили свое исполнение неким сакральным смыслом. И с налетом грусти рассказали о несбывшихся мечтах, несостоявшейся любви и иллюзорности девичьих грез.

С хореографией Пола Тейлора у нас в стране знакомы мало. На памяти – двадцатипятилетней давности российские гастроли его собственной компании. Тогда программа балетов Тейлора образца конца семидесятых – начала девяностых годов оставила впечатление чего-то среднеарифметического и по-американски жизнерадостного. “Ореол” на музыку Генделя, поставленный Тейлором в 1962 году и принесший своему автору первый настоящий успех, изменил представление о знаменитом американском хореографе. Это – изящная, легкая, ироничная, внешне незатейливая работа, созданная на стыке неоклассики и модерн данс. Опус для пяти солистов складывается из череды дуэтов, трио и соло, в которых классические па волей хореографа претерпевают причудливую деформацию, а в ткань изящных композиций вкрапляются прыжки на корточках и физкультурно-пружинистые движения. Артисты Музыкального театра, всегда отличавшиеся артистизмом, чутко ощутили стилистическое своеобразие постановки Тейлора, сочетая в исполнении бодрое спортивное прямодушие и лукавую манерность, заданную барочной музыкой. Юмор и серьезность, простота и усложненность, естественность и вычурность, заложенные в двадцатипятиминутном балете, переданы восприимчивыми танцовщиками с естественной легкостью и профессиональной уверенностью.

Лоран Илер выстроил балеты программы в хронологической последовательности, поместив между разделенными пятью десятилетиями “Ореолом” и “Тюлем” Экмана двенадцатиминутный номер хореографа с культовой для французского театра фамилией Гарнье (хоть и не связанного родственными узами с архитектором Парижской оперы, но имеющего к знаменитому театру непосредственное отношение). Жак Гарнье, танцевавший на легендарной парижской сцене, спустя годы был приглашен в альма матер для создания Группы хореографических исследований. Ею он руководил на протяжении почти десяти лет, с ней сотрудничали многие знаменитые хореографы, в том числе и Пол Тейлор. Так, что своеобразным звеном, связывающим хореографию Тейлора и Экмана, Гарнье выступил не случайно.

Балет был поставлен хореографом в 1979 году в созданном им вместе с Брижит Лефевр “Театре тишины” в городе Ла Рошель – столице самой маленький провинции Франции под названием Онис.



Гарнье, занимавшийся в своем “Театре тишины” изучением возможностей человеческого тела (ради чего и покинул Парижскую оперу), создал бессюжетный балет на музыку Мориса Паше. Первоначально это было соло самого Гарнье, а уже через год номер обрел формат трио. Танец исполняется под аккомпанемент расположившихся прямо на сцене аккордеонистов. Или наоборот – сопровождает их игру. Музыканты и танцовщики здесь выступают на равных. Композиция, сотканная из песен разных народов, задает характер движений, берущих истоки в фольклоре, но скорректированных свободой современного танца и отсылками к классике. Главное здесь – азарт танцовщиков и их контакт с музыкантами.

Московским артистам аккомпанировали Кристин Паше и Жерар Баратон. Тройка молодых исполнителей в черных брюках на подтяжках и белых рубашках выкатилась на сцену и, словно освободившись от сковывавших их пут, пустилась в пляс, напоминающий танец матросов в какой-нибудь далекой от дома таверне. В маленьком балете имеется вся гамма настроений, сопутствующих представителям сильного пола в отсутствии женщин: от пьяного лихачества до легкой печали. Энтузиазм и увлеченность Евгения Жукова, Георги Смилевски-младшего и Иннокентия Юлдашева сделали коротенький танец емким и живописным повествованием о мужской солидарности, дружбе и взаимной поддержке.

И наконец, завершал вечер необычайно яркий, эффектный и очень подходящий артистам Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко, где еще со времен Дмитрия Брянцева привыкли к юмору и эксцентрике, “Тюль”. Это – балет о балете, увиденном острым, чутким на смешное и парадоксальное глазом. И взгляд этот исходит не со стороны, не из глубины зрительного зала, а изнутри спектакля и репетиционного процесса. Словно танцовщики сами недоумевают по поводу характера своей деятельности и собственной преданности этому странному занятию, противоречащему самой природе, заставляющему людей ходить на пальцах и принимать красивые, но неудобные позы. Тюль – материал, из которого шьют балетные юбки, и он здесь символизирует двойственность театральной жизни с ее парадной красотой и менее приглядной изнанкой. Изысканность языка классического танца представлена и с оборотной стороны: трудом, напряжением, ошибками, профессиональными сбоями и нервными срывами. Вот артистки кордебалета, выбитые из колеи усталостью и напряжением, тревожно вглядываются в темноту зала, или в раздражении истерически топчут сцену, а то вдруг принимаются мычать мотив из “Лебединого озера”. Только что выглядевшим табуном лошадей артисткам удается совладать с собой, и они начинают упорно репетировать не дающуюся “лебединую” композицию. Особую пикантность спектаклю придает музыка Микаэля Карлссона, включившего в свою партитуру, по просьбе Экмана, фрагменты самых знаменитых балетов. Иногда же звуковым фоном действию служат монологи обычно безмолвных исполнителей, рассуждающих о парадоксах своей профессии. Одна балерина говорит о том, как ненавидит пуанты, но как красиво она выглядит в них на сцене. Другая – о том, как сызмальства мечтала о балетной пачке, балетных туфлях с розовыми ленточками и о том, как ее детские грезы сбылись. Мечта и реальность в балете Экмана пересекаются у той заветной черты, что разделяет сцену и закулисье. В постановке шведского хореографа нас допускают в оба пространства. Мы видим балет со всех сторон, каким он был (для этого в спектакле есть декоративная пара, одетая в костюмы эпохи Людовика XIV, поощрявшего танцевальное искусство), каков он есть и каким не должен быть. В спектакле имеется роскошное па де де, собранное как коллаж из разных балетов. Словом, “Тюль” – что-то вроде веселой балетной энциклопедии, способной обогатить и доставить удовольствие, и его зрители Музыкального театра получили сполна.


Сцены из балетов “Серенада” и “Тюль”.
Фото С.АВВАКУМ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17565
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Дек 22, 2017 11:41 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017122203
Тема| Балет, театр Astana Ballet, Премьера, Персоналии,
Автор| Валентина Фиронова
Заголовок| ​Старая сказка о главном
Где опубликовано| © Республиканская газета «Казахстанская правда»
Дата публикации| 2017-12-22
Ссылка| http://www.kazpravda.kz/articles/view/staraya-skazka-o-glavnom/
Аннотация| Премьера

Сегодня в столице состоится премьера знаменитого балета «Щелкунчик» Петра Ильича Чайковского. Действо, обещают в театре Astana Ballet, будет феерическим и незабываемым.



Зрители в предвкушении, артис­ты в волнении. Градус ожидания таков, что билеты на все спектакли раскуплены, как говорится, молниеносно. Премьера еще не прошла, а уже объявлен дополнительный спектакль!

Так чем же нас будут удивлять? Об этом на пресс-конференции рассказали директор театра Astana Ballet Валерий Кузембаев, хореограф Елена Шерстнева, сценограф Жандос Омаров, педагоги-репетиторы Майра Кадырова и Зауре Умбеткулова, исполнитель главной роли Фархад Буриев и другие ее участники.

– Наш театр впервые ставит такое крупное полотно – трех­актный балет. Это своего рода экзамен, – подчеркнул Валерий Кузембаев. – Мы становимся теат­ром полного цикла. Спектакль впервые оформляют наши художники. Костюмы шьем сами. Художественная и реквизитная часть выполняется также нашими специалистами. Закулисная часть невидима публике, но она очень важна.

Хореограф Елена Шерстнева отметила, что у балета «Щелкунчик» существует несколько хореог­рафических версий. На сцене Astana Ballet он будет представлен в редакции Василия Вайнонена, поставившего спектакль для Мариинского ­театра. Осуществила постановку ректор Казахской национальной академии хореографии народная артистка России Алтынай Асыл­муратова. И участвуют в ней, кроме профессиональных артистов, воспитанники академии.

Интересной информацией поделился и сценограф Жандос Омаров, сообщивший, что визуально спектакль сильно отличается от концепции Мариинского театра. Немало пришлось потрудиться над видеопроекцией и декорация­ми. Одна только мягкая декорация занимает площадь 2 700 кв. м. Что касается реквизита и бутафории, то здесь «задействовано» 237 предметов.

Заместитель директора театра Дуйсен Мусабеков обратил внимание еще на одну показательную особенность – преемственность поколений и заботу театра о профессиональном пополнении.

– «Щелкунчик» – для нас знаковый спектакль, – сказал он, – в нем выступают юные дарования, педагоги академии и артисты теат­ра. Хореография очень теплая, уютная, домашняя. Спектакль по-настоящему семейный, на нем будет расти не одно поколение.

Масштаб зрелища действительно поражает: в постановке участвуют 40 взрослых и 160 детей. Художник по костюмам Ольга Шаишмелашвили сделала все, чтобы каждый из 200 костюмов стал «говорящим», запоминающимся и, конечно, сказочным. Как подчеркнул Валерий Кузембаев, с этого спектакля театр начи­нает работать с полной нагрузкой, задействованы все цеха.

Премьера – ответственнейший момент. Не скрывали волнение педагоги-репетиторы Майра Кадырова и Зауре Умбеткулова, отметившие, что раньше в театре главенствовала неоклассика, а «Щелкунчик» – чистейшая балетная классика, где все должно быть безукоризненно. Причем, напомнили они, «Щелкунчик» – не миниатюра, не одноактный спектакль, а полноценный балет. Волнуются все, но особенно дети. Они даже от каникул готовы отказаться, только бы сказка не кончалась.

– Я постараюсь со всей силы хорошо станцевать, – призналась хрупкая девчушка Алима Алиханова, которой доверили роль Машеньки.

Одну из главных партий исполнит блистательный Фархад Буриев, который обращает внимание, что «Щелкунчик» – необыкновенно трогательная новогодняя сказка для детей и взрослых. В балете много волшебства и чудесных превращений, таинственных приключений, возвышенных отношений между персонажами.

История Маши и Щелкунчика – рассказ о том, как истинная любовь, дружба и верность помогают преодолеть множество испытаний, сразиться с войском Мышиного Короля и одолеть его. Эта сказка поведает детям и напомнит взрослым, что только смело бросаясь в бой, можно выиграть сражение, а могущест­венной силе любви по силам победить любые злые чары.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17565
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Дек 23, 2017 10:25 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017122301
Тема| Балет, Марийский государственный театр оперы и балета имени Эрика Сапаева, Персоналии, ​Линда Печникова
Автор| Альмира АХМЕДЗЯНОВА
Заголовок| ​Линда Печникова, артистка балета: «В балете мне нравятся люди. Преданные своей работе, они крепки духом, телом и характером»
Где опубликовано| © еженедельник «Ваш новый день» (Марий Эл)
Дата публикации| 2017-12-23
Ссылка| http://www.vnd12.ru/news/obschestvo/14056-linda-pechnikova-artistka-baleta-v-balete-mne-nravyatsya-lyudi-predannye-svoey-rabote-oni-krepki-duhom-telom-i-harakterom.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Балет – настоящее волшебство на сцене, полное изящества, грации, света и доброты. Танец – гармоничное единство движения, музыки, содержания постановки и, безусловно, энергии самих артистов и постановщиков. О том, как создаётся волшебство, редакции «ВНД» рассказывает артистка Марийского государственного театра оперы и балета имени Эрика Сапаева Линда Печникова.

- Говорят, искусство само выбирает своих служителей. А как Вы пришли к балету? Был ли это осознанный выбор?

- В свое время родители увидели рекламу о наборе детей в хореографическое училище. Я прошла отбор. Вдохновения стать балериной не было. Я тогда ничего не знала о балете и мне, как любому ребенку, хотелось гулять и играть со сверстниками, а не заниматься классическим танцем. Но судьба решила по-своему, и уже почти 12 лет я посвящаю себя искусству и танцу.

- Как к такому повороту судьбы относятся Ваши близкие?

- К тому, что я продолжаю путь танца, родители и друзья относятся хорошо, радуются моим успехам. Особенно дорожу поддержкой мамы, братьев и педагогов.

- Как проходит обычный день балерины?

- Начинается он как у всех нормальных людей. Проснулась, умылась, собралась на работу. С 11 часов утра у нас ежедневный урок классического танца. Когда мы разогреваем и подготавливаем свое тело для работы. Потом в зависимости от репертуара идут репетиции, прогоны, спектакли. Каждый день проходит по-разному.

- С каким чувством Вы обычно выходите на сцену? Или палитра эмоций всегда разная?

- С волнением, словно в первый раз, вне зависимости от того, какой спектакль. Но стоит только начать танцевать, как всё улетучивается. После спектакля появляется чувство удовлетворенности и радости, что всё закончилось. После премьерных спектаклей добавляется грусть. Чаще бываю эмоционально выжата, тогда меня лучше не трогать минут десять (смеется). Поддержка со стороны педагогов, друзей по сцене ощущается. И я очень им благодарна за это. Помогут, подскажут если нужно.

- А связь со зрителями ощущается?

- Со зрителями у каждого артиста происходит взаимообмен энергией. Всегда приятно увидеть улыбки людей в конце спектакля.

- Есть ли у Вас любимые спектакли? И если да, то почему именно они особенно нравятся Вам? Какие постановки Вы посоветуете посмотреть нашим читателям?

- Думаю, самых любимых нет. Каждый по-своему любим и дорог. Самый ответственный и родной для меня - детский балет «Василиса Прекрасная» в постановке Анны Лемешонок . Спасибо педагогам и художественному руководителю театра Константину Анатольевичу Иванову за доверие выступить в главной партии. При постановке нового спектакля каждый артист получает некий опыт, работая над ним, будь это минутный выход или полноценная роль. Советую посмотреть премьеру – оперу «Кармен». И балет «Дон Кихот».

- Можно ли сказать, что балет – это «Ваше» занятие? Что в нём по душе именно Вам?

- В балете мне нравятся люди. Преданные своей работе, они крепки духом, телом и характером. Не каждый человек может перебороть себя и свою лень. Я люблю последние дни постановочных репетиций, когда артисты и цеха собираются на сцене, объединяют всю проделанную работу в целый спектакль. Я человек-поиск. Не могу заниматься чем-то одним, мне становится скучно. Поэтому развлекаю себя чем смогу, иногда помогаю парикмахерам, костюмерам, монтировщикам и другим работникам… Моё ли это - заниматься балетом? Многие говорят, что моё. Но я всё ещё нахожусь в поиске. Посмотрим, что будет лет через пять. Но то, чем я занимаюсь на данный момент, мне нравится.

- Перед Новым годом многие обещают себе что-то изменить в жизни. А Вы ставите цели, загадываете желания?

- Да, я стараюсь составлять некие цели для нового года. Вот сейчас борюсь со своей ленью и зависимостью от телефона. А ведь столько книг можно было прочитать за это упущенное в соцсетях время. Беда XXI века, к сожалению. Буду стараться в новом году. А желания загадывала и буду загадывать. Только не помню, чтобы они сбывались.

- Что бы Вы пожелали нашим читателям в Новом году?

- Самое главное - крепкого здоровья, светлого счастья, взаимной любви и доброты. Остальное придёт.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17565
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Дек 24, 2017 12:02 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017122401
Тема| Балет, Большой театр имени Алишера Навои, Узбекистан, Персоналии, ​Ольга Сабирова
Автор| Татьяна Моторина
Заголовок| НА ЦЫПОЧКАХ К МЕЧТЕ
Ольга Сабирова о том, как балет меняет жизнь

Где опубликовано| © VOT (The Voice of Tashkent)
Дата публикации| 2017-12-22
Ссылка| http://vot.uz/article/2017/12/22/est_bilet_na_balet
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

VOT представляет проект «Большие надежды. Life style». Истории, где нет широкой известности, славы и денег. Истории, где герои делают жизнь лучше и не только для себя.


Что мы знаем о балете? Балерины в воздушных пачках, парящие над сценой, оркестр, зрители — одним словом, искусство в лучшем его проявлении. Но не все знают, что обратная сторона нежного балета — беспощадное уничтожение всяких препятствий на своем пути, будь то человеческие слабости или чувства.

VOT побывал за кулисами Большого театра имени Алишера Навои, где ведущая солистка балета Ольга Сабирова рассказала о своем примере покорения театральной вершины.

ТАНЕЦ КАК ПЕРВАЯ ЛЮБОВЬ

Танцы пришли в мою жизнь в четырехлетнем возрасте. Наш детский сад посетил педагог по узбекским танцам. Она отобрала несколько детей для занятий. В это число попала и я. Через год уже танцевала в кружке хореографии и параллельно ходила на бальные танцы. Вскоре выиграла конкурс и получила приз — билет на балет «Коппелия». Я была от него в восторге, наверное, тогда и решила, что стану балериной. Мои родители не имеют отношения к искусству, но мама всегда поддерживала мои начинания. Именно она посоветовала поступать в хореографическое училище.



Поступила я быстро, пройдя три тура. Поначалу нравилось не особо, шли обычные уроки, я все думала: «Когда же мы будем танцевать?». Тогда уже знала, что без этого не смогу жить. Помню, как во втором спецклассе нам впервые выдали пуанты, попутно объясняя, как ими пользоваться, а я с нетерпением ждала момента наконец на них встать.

С первыми пуантами появились и первые трудности. Был момент, когда хотела уйти. Педагоги сильно на нас давили в психологическом плане: «У тебя ничего не получится», «Ты ужасно танцуешь» — и все это перед остальными учениками. Но неуверенному в себе человеку не место в балете. Схема предельно проста: чем выше становится твой навык, тем больше становится требований и, соответственно, замечаний. Говоря подобные вещи, они способствовали зарождению в нас здоровых амбиций. Я даже благодарна — помогая нам осваивать искусство танца, педагоги попутно воспитывали в нас характер. Назло остальным я тогда решила: либо буду лучшей, либо оставлю это навсегда.

Судьба балерины может решиться уже на экзамене в училище. Все как в известных фильмах про балет: трепетный момент, когда приходит именитый хореограф из театра и смотрит, кто из себя что представляет. Я тогда из кожи вон лезла, стараясь быстро схватить и выполнить то, что от меня хотели. Усилия оправдали себя: меня заметил главный балетмейстер театра Юсупов И.Ю. Так, после окончания училища я попала в Государственный академический Большой театр имени Навои. Здесь в мой талант поверили и понемногу стали доверять сольные куски. Тогда еще, конечно, было далеко до ведущих партий. Мой первый большой спектакль «Корсар» был спустя два года, позже, в 2012 году, главный балетмейстер поднял меня на категорию ведущей солистки.

О СИЛЕ ХАРАКТЕРА ХРУПКОЙ БАЛЕРИНЫ

В профессии я выкладываюсь на максимум, ведь ведущая солистка — это большая ответственность, необходимо каждым движением оправдывать оказанное доверие. Балерина должна уметь мыслить, нельзя полагаться лишь на свои данные.

Конкуренция тут жесткая. Сами понимаете, женский коллектив. Что только не делают девушки, чтобы завладеть желаемой категорией. Нам даже рассказывали, как однажды две балерины, сражаясь за роль, постарались опередить друг друга в выходе на сцену, в одной и той же партии! Когда пришла в театр и стала получать роли, меня преследовали завистливые взгляды за спиной: «А почему она, а не я?». Пришлось справляться с этим. Да и, бывало, сама проявляла характер по отношению к другим. Раз уж пришла в театр, так уж дойду до конца.

Примечание автора. Все мы смотрели нашумевший психологический триллер Даррена Аронофски «Черный лебедь», вышедший в 2012 году. Мы решили задать Ольге вопрос о правдоподобности изображаемой действительности в фильме и вот что она нам ответила: «Конечно, все зависит от характера человека, от того, насколько он помешан на своей цели. Но в целом, думаю, создатели фильма сильно преувеличили реальность».


В работе я всегда прислушиваюсь к замечаниям руководителя труппы Заслуженного артиста Шавката Турсунова. Для меня важно серьезно подойти к роли, которая мне дана. Чем больше затрачиваю времени и сил на подготовку роли, тем ближе она мне становится. Каждый поворот головы приходится оттачивать до совершенства и все равно, всегда знаешь, что можешь лучше, и стремишься к этому.

Работа глубоко проникает и в личную жизнь балерины. В театре я провожу много часов, а дома мало. Когда у нас спектакли, а они у нас фактически через день, я возвращаюсь домой и в 10 вечера. Времени на семью не хватает. Благо, муж у меня понимающий, он главный зритель на моих спектаклях. Тем не менее, обязанности жены никто не отменял. Приходится готовить ночью, а убираться — в единственный выходной день. Детей у нас пока нет, но с работой это не связано. Ранее считалось, что балерине не стоит заводить детей, ведь беременность и роды могут сильно подпортить фигуру, и тогда о ведущих партиях придется забыть. В реальной жизни все рожают, приводят себя в форму и продолжают танцевать.

На другие увлечения, помимо балета, у ведущей балерины просто физически не хватает времени. В целом же, день балерины определяет цель, которую она поставила перед собой. Если массовые театральные номера — ее предел, то необязательно особо себя утруждать. Если же цель — вершина театрального искусства, то ежедневно, по нескольку часов, она буквально будет доводить себя до седьмого пота.Мы не просто работаем над своим телом, мы идем против природы. Все эти фотографии с мозолями на ногах балерин в интернете — чистая правда. Пластыри и вата у меня всегда с собой.



Я склонна к полноте и вынуждена постоянно держать себя в форме. В училище во время переходного возраста сильно поправилась. Помню, педагоги прям так и называли, не стесняясь в выражениях: «Толстая! Толстая!» Что только я не делала, чтобы похудеть: сидела на жесткой диете (три дня — морковь, три дня — капуста, три дня — яблоки), обматывалась пищевой пленкой и делала упражнения. Не могу сказать, что вес ушел быстро. Но результаты в конечном итоге проявились. Конечно, если тебе все равно, что будет дальше, можешь продолжать есть, я же привыкла себя во всем ограничивать. Раньше очень любила сладкое, но теперь нельзя. Иногда только днем съешь кусочек хлеба. Страх растолстеть остается с балериной на всю жизнь: просыпаюсь и засыпаю с этой мыслью. Но этот страх — издержка нашей профессии.

НАЕДИНЕ СО ЗРИТЕЛЕМ

Непередаваемое чувство — тепло зрителя, его внимательность, аплодисменты. Однажды у нас был случай, когда во время спектакля «Ромео и Джульетта» из зала не было ни одного хлопка, нам даже показалось это подозрительным. Такое было впервые. Не знаю, с чем это было связано, но надеюсь, что они просто смотрели выступление на одном дыхании, тем более под конец они все же «расхлопались».

Бывали в нашей практике и курьезные ситуации. Однажды я танцевала французскую куклу, и во время спектакля у меня оторвалась шляпка, весь спектакль она маячила перед лицом, зрители смеялись. А под конец упали еще и локоны.

Нам рассказывали и более интересные случаи, например, бывало, актеры в пылу танца даже в оркестровую яму падали. Но сама не наблюдала таких моментов.



Мне очень нравится роль Маши в «Щелкунчике». Это новогодняя сказка. Здесь важно показать переход от маленькой девочки к девушке и ее первой любви. Наверное, я до сих пор в душе ребенок, поэтому для меня это несложно, скорее даже интересно. На сцене часто перестаешь быть собой, стараясь вжиться в роль, которую танцуешь. Я всегда полностью отдаюсь танцу, остаются лишь зритель и моя героиня.

А СТОИТ ЛИ НАДЕВАТЬ ПУАНТЫ

Нашу профессию нельзя назвать благодарной в плане заработка, но я работаю не ради денег. Все, кто шел сюда, прекрасно понимали, куда и на что идут. Единственная причина — безумная любовь к танцу.

К сожалению, век балерины короткий, мы танцуем до сорока лет, а потом выход на пенсию — передавать опыт новому поколению. Уходить со сцены всегда тяжело, но сделать это нужно достойно и вовремя, так как остро встает вопрос внешнего вида. К счастью, мне еще рано об этом думать, я довольствуюсь тем, что имею. Балет для меня — какой-то иной мир, где попадаешь в сказку с волшебным круговоротом: зрители, эмоции, снова зрители.

Своей будущей дочери балет я бы не советовала по нескольким причинам. Получается, у человека совсем не будет детства: с утра до вечера училище, репетиции, концерты. Вдобавок к этому — постоянные мозоли, кривизна ног, шишки. Наша профессия очень травмоопасна. Не так сделал партнер поддержку — и ты уже на полу, всегда есть риск что-то себе сломать. Нет, своей дочери я бы не пожелала такой судьбы. Но если бы сама вновь вернулась в детство, не изменила бы своего решения стать балериной.

Фото: личный архив Ольги Сабировой
=======================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17565
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Дек 24, 2017 1:52 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017122402
Тема| Балет, проект «Уральские сезоны», Персоналии, ​Илзе Лиепа
Автор| САША КОЛЕСНИЧЕНКО, ФОТО: ЕВГЕНИЯ УЛАЗ
Заголовок| Илзе Лиепа: "Мой самый дорогой титул — это моя фамилия"
Где опубликовано| © sobaka.ru Екатеринбург
Дата публикации| 2017-12-22
Ссылка| http://www.sobaka.ru/ekb/city/portrety/66004
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Продолжательница династии танцовщиков Лиепа, Народная артистка России, артистка балета, театра и кино вместе с братом, Андрисом Лиепа, представила в Екатеринбурге танцевальный культурно-просветительский проект «Уральские сезоны».



У вас столько титулов: Народная артистка России, Лауреат Государственной премии РФ, Лауреат театральной премии «Золотая маска». Что для вас самое ценное?

Я думаю, что самое для меня дорогое — это моя фамилия. Фамилия, которая досталась мне от моего отца – Лиепа. Когда мы были детьми наш отец говорил нам с братом: «Помните, что вы дети Лиепы. То, что проститься кому-то, не проститься вам». И этим он пытался воспитать в нас ответственность за то, что мы делаем в профессии и в жизни.

Могли бы вы назвать профессию артиста балета престижной?

В восемнадцатом веке в Санкт-Петербурге была основана императорская балетная школа, которая позднее стала Академией имени А. Я. Вагановой (Прим. ред.: Академия русского балета им. А. Я. Вагановой – одна из старейших балетных школ в мире. Основана как танцевальная школа императрицей Анной Иоанновной 4 мая 1738 года). Школа была открыта для детей из малообеспеченных семей и для детей из семей актерских. Не сразу эта профессия стала престижной. Только когда артистов стали узнавать в лицо, и фотографии с их портретами начали продавать на улицах, родители стали отдавать своих детей в балет осознанно. Профессия артиста балета требует серьезного отношения, ей чужда вседоступность – ты ей либо отдаешься полностью, либо не становишься профессионалом. Позаниматься, а потом пойти в кино или на дискотеку – это не про балет. Им занимаются только отчаянные люди, полностью посвятившие себя выбранному делу.

А может ли балетом начать заниматься уже взрослый человек?

Впервые я увидела взрослых людей, начавших занятия у станка уже в зрелом возрасте, в Париже, когда проходила там реабилитацию после травмы. Чтобы вернуться в форму, я начала посещать занятия в хореографической студии, чьи двери были открыты для всех желающих. Там занимались и танцовщицы варьете, и домохозяйки, и мужчины, и женщины – люди с совершенно разным уровнем подготовки, а то и вовсе без таковой. А педагог был настоящим профессионалом, и уроки он давал серьезные, без оговорок на этот самый уровень подготовки: каждый выполняет как может. В конце он даже ставил группу на пуанты. Для меня такой формат стал открытием. В России подобного просто не существовало – займись взрослая женщина балетом у нас, ее бы просто засмеяли. Считается ведь, что, либо ты танцуешь с малых лет, либо не танцуешь вовсе. Когда я вернулась в Россию, мы впервые начали заниматься со взрослыми женщинами. Тогда и появился «Илзе Лиепа метод». Многим страшно в первый раз встать к станку, кажется, что от тебя сразу потребует каких-то результатов. Мой же метод позволяет людям без подготовки сделать шаг в балет – это такой комплекс упражнений, вобравший в себя элементы хореографии, пилатеса и фитнеса. Но надо понимать, что этот метод разработан специально для взрослых женщин, не для детей. Чтобы стать профессиональным артистом, в профессию надо приходить в очень юном возрасте. Те, кто приходит поздно, редко добиваются серьезных результатов на профессиональном уровне. Исключения, конечно есть, но они только доказывают правило.


Мой самый дорогой титул — это моя фамилия.


В ноябре вы открыли в Екатеринбурге «Уральские сезоны». Что это за проект?

«Уральские сезоны» стали нашим первым региональным проектом. Говоря «нашим», я имею ввиду молодежное танцевальное движение «Россия танцующая», в рамках которого мы проехались по всей стране. Мы ездили по региональным фестивалям и конкурсам, смотрели на танцевальные коллективы, общались с педагогами. Нам было важно понять, что же в России происходит с танцем, и прежде всего – любительским. С любителями работать крайне важно, потому что среди них и загораются те звездочки, которые в будущем будут представлять нашу страну во всем мире. В Екатеринбурге мы провели семинары для педагогов и хореографов, постарались донести до нашей аудитории, что бы мы хотели видеть на практике, в творческом процессе, и от чего мы бы хотели воздержаться. Потому что есть определенные вещи, с которыми к ребенку приходить нельзя. Это касается музыки, тем и образов, выбора пластического языка. На семинарах присутствовало порядка семидесяти хореографов со всей области. И это был бесценный опыт – мы смогли поговорить о том, что им действительно нужно, и поняли, что надо делать семинар по методике классического танца, дать ответы на все имеющиеся у них вопросы. А в следующем году посмотреть на результат, который они представят на большом гала-концерте. Не уверена, что проекты в других городах тоже будут называться «сезоны». Хотя, это название мне очень нравится. Там, где проекты будут многолетними, в Воронеже, например, мы оставим название «сезоны».


Любое новое направление в танце не возникает из ниоткуда – его рождает сама жизнь.


Какова роль художника по костюмам в проекте?

Работа с костюмами – это отдельный, очень интересный этап. Мы работаем с замечательным художником по костюмам – Екатериной Котовой. Большую часть времени она работает на телевидении. А для «Русских сезонов XXI века» Екатерина делала костюмы к балету «Клеопатра – Ида Рубинштейн». В работе с художником по костюмам очень важно суметь ему довериться, даже если первоначальные эскизы приводят в полное смятение. Важно, чтобы готовый костюм стал не просто одеянием, но и образом. Как-то я танцевала номер Владимира Васильева (Прим. ред.: Владимир Васильев – советский и российский артист балета, балетмейстер, хореограф, театральный режиссёр, педагог) «Ворон» на музыку греческого композитора Микиса Теодоракиса. Костюм я попросила сделать Валентина Юдашкина. У него получился очень удобный и эффектный наряд – черные брюки и особая шифоновая накидка, выполняющая роль крыльев, которая опадала вниз всякий раз, когда я поднимала руки, обнажая их тем самым. Струящийся тонкий шифон и обнаженные руки – это был не просто костюм ворона, а настоящий образ. Был у меня и другой костюм от Юдашкина, для балета «Мадам Бовари» - нежный, цвета топленого молока, с жестким лифом и очень романтичным кружевом. Стоило мне его надеть, и я полностью погружалась в музыку Рахманинова.

Как вы относитесь к современному балету, к новым стилям танца?

Прекрасно отношусь. Я понимаю, что любое новое направление в танце не возникает из ниоткуда – его рождает сама жизнь, окружающая действительность. Сталкиваясь, скажем, с танцем в стиле «стрит дэнс» стоит задуматься над тем, что же мы, собственно, видим, что это за танец. Что я не люблю и не приемлю, так это анти-эстетику, анти-гармонию, некрасивые вещи. В каждом танцевальном движении должна быть одухотворенность, идея, красота.

Совсем скоро Новый Год, есть ли у династии Лиепа новогодние традиции?

Ничего особенного. Ставим елку. Правда, я успеваю не всегда, а Андрис за этим следит внимательно: у него елка всегда до потолка, что бы ни было, очень изысканно украшенная, вся в фонариках. Андрис любит, чтобы елка светилась. Когда мы были маленькие, папа (Прим. ред.: Марис Лиепа) зажигал на елке настоящие свечки. Новый Год тогда превращался для нас в настоящее чудо.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17565
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Дек 24, 2017 6:37 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017122403
Тема| Балет, БТ, Персоналии, ​Екатерина Шипулина
Автор| Алиса Асланова
Заголовок| Екатерина Шипулина
Прима-балерина Большого театра Екатерина Шипулина рассказала La Personne о премьере «Нуреева» и о творческом поиске.
Где опубликовано| © La Personne
Дата публикации| 2017-12-24
Ссылка| https://www.lapersonne.com/post/ekaterina-shipulina-museum-galina-ulanova
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Начнем с «Нуреева». Мнения о спектакле разделились: кто-то был в восторге, кто-то совсем не понял из-за чего шумиха. Интересно узнать ваше мнение, человека, который находился внутри этой работы.

Меня многие спрашивали о впечатлениях после премьеры, но мне сложно оценивать. Этот спектакль для меня уже как ребенок. Мы все, участники спектакля, с самого первого дня работали над этим балетом, иногда даже не очень адекватно относились к нему. Конечно, мы его полюбили, к концу нравилось уже все в нем.

Мне нравится этот спектакль.

Вы танцевали монолог «Дива», где должны были рассказать историю двух див: Натальи Макаровой и Аллы Осипенко. Как выстраивали эти роли?

Все шло от Юрия Посохова, который такую правильную хореографию положил на музыку и текст. При постановке он исходил из писем, написанных этими балеринами, в частности, от слов и даже интонаций. Конечно, именно это сыграло большую роль. Думаю, именно хореография затрагивает самые тонкие чувства у зрителя и вызывает сильные эмоции.

На ваш взгляд, почему в наше время нет балетного артиста такого масштаба, как Нуреев?

Думаю, он был таким особенным человеком, своевольным и свободолюбивым. Сейчас артисты, возможно, боятся потерять работу, стабильность, хотя в наше время можно уехать за границу без проблем. Точного ответа не знаю. Он был одним из первых таких бунтарей. Сейчас тоже есть артисты эпатажные, скандальные, но сейчас это все уже неактуально. Прошло то время, когда это было интересно. Сейчас артисты стараются вести себя с достоинством, это и считается профессионализмом.

Когда творческий человек уходит в светскую жизнь – это мешает или нет, как вы думаете?

У Нуреева это было органично, он себя не заставлял. У многих такой образ – это часть имиджа. Я думаю, если это в удовольствие, почему нет?..

Когда смотришь ваш Instagram, складывается впечатление, что вы очень открытый человек. Но четко видно, что это внешняя сторона жизни. Это такая позиция не открывать личную жизнь напоказ?

Да. Личная жизнь на то и личная, чтобы оставаться за кадром. Когда люди выставляют напоказ свои отношения, свою семью и детей, чаще всего это выглядит неестественно. Есть в этом какая-то показуха.

Вы учились в Пермском училище, но потом перешли в Московскую академию хореографии. Что подтолкнуло вас на этот шаг, амбиции?

На тот момент нет. Это было стечение обстоятельств, поскольку родители, будучи премьерами Пермского театра, были приглашены Брянцевым в Муз. театр им. Станиславского и Немировича-Данченко. Конечно, они согласились, и буквально через год нас мама забрала в московское училище. Очень здорово, что у меня был опыт обучения с разными методиками. В Москве я проучилась 4 года. Именно в Московской академии хореографии я почувствовала какие-то лидерские качества в себе, конечно, я хотела только в Большой. А куда еще?

Вы представляли себе, что когда-нибудь станете примой этого театра?

Наверное, нет. Я начинала со второго кордебалета, ходила в придворных, сидела на лавке. В общем, прошла все стадии.

Сложно, когда родители балетные?

С одной стороны, да. Они 24 часа в сутки говорят, что и как нужно делать. Это ты со временем понимаешь, что родители говорят правильные вещи. На самом деле, я очень благодарна им за то, что они не отбили желание к этому искусству.

За то время, что вы танцуете в театре сменилось много руководителей…

Это правда!

Какие вы посоветуете действия при смене руководства.

Да, это сложно. Ты вроде уже добился чего-то, а потом приходит другой человек и ты все доказываешь заново. У каждого руководителя свой взгляд, свои вкусы. Артист может быть прекрасен, но может не нравиться руководителю.

И как быть в такой ситуации?

Работать!

Что кроме балета есть в вашей жизни?

В последнее время стало меньше возможности сходить куда-нибудь, встретиться с друзьями, хотя я стараюсь найти время для встреч и драматического театра. Сейчас приоритет – это ребенок. От него даже уходить не хочется, если честно.

Хочется вернуться к нашей фотосессии в музее-квартире Галины Улановой. Мы не просто так вас пригласили именно в эту фотоисторию. Вы сейчас работаете с Надеждой Грачевой, которая была последней ученицей Галины Улановой. Расскажите, часто ли она делится с вами замечаниями Галины Сергеевны на репетициях?

Она очень душевно говорит о Галине Сергеевне. Их многое связывало, Надежда Александровна начинала свой путь в театре с ней и, конечно, Галина Уланова ей очень много дала в творческом плане. Ну и потом, она легенда!

Насчет замечаний, вот сейчас вспомнила, замечание о «Лебеде» Сен-Санса. В этом номере нет четкой системы, есть канва, и у каждой балерины свои руки и позировки. И вот, Надежда Александровна рассказывала, что Уланова в этом номере появлялась, не страдая сразу, как это делают большинство балерин. У нее была такая концепция, что лебедь появляется гордый, красивый, еще не трагичный. Он не умирает сразу.

И напоследок, что бы вы пожелали своим зрителям на Новый Год?

Конечно, крепкого здоровья! Жить и наслаждаться каждой секундой! Вдохновения и исполнения всех мечт! И непременно ходить в театр, наслаждаться, сопереживать и получать удовольствие!

Фото Дарья Ратушина
====================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
Страница 6 из 8

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика