Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2017-11
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18376
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Ноя 19, 2017 11:38 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017111901
Тема| Балет, Михайловский театр, Премьера, Персоналии,
Автор| Евгений ХАКНАЗАРОВ
Заголовок| «Золушка» периода хай-тек
Михайловский театр восстановил знаменитый прокофьевский спектакль, до предела насытив его технологическими новинками

Где опубликовано| © интернет-журнал «Интересант»
Дата публикации| 2017-11-18
Ссылка| http://www.interessant.ru/culture/zolushka-pierioda-khai--1
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Видео и свет играют чуть ли не основную роль в возрожденной «Золушке»
Фото с сайта Михайловского театра


Михайловский театр преподнес поклонникам балета настоящий подарок - очень красивую премьеру, про которую, наверное, не будет отрицательных рецензий. Михаил Мессерер восстановил знаменитую прокофьевскую «Золушку» в хореографии Ростислава Захарова. Новый спектакль, несмотря на богатство хореографических изысков, обошелся без традиционных заклинаний: и добрая Фея, и остальные персонажи вооружены в поисках добра и любви продвинутыми мультимедийными технологиями. Возможности балетной труппы дополнились эффектными видеотрюками, что добавило постановке настоящей сказочной зрелищности.
Осовременивание старой доброй классики - а «Золушка», несомненно, яркий пример советского классического балета - всегда воспринимается с настороженностью. По счастью, в Михайловском театре поставили разумные пределы в техническом новаторстве, а видеоряд сделали с любовью и знанием дела: старая сказка не превратилась в итоге в мультимедийную «тыкву». Кроме того, новый подход позволил «Золушке» вернуться в репертуар Михайловского театра после десятилетнего отсутствия. Ведь балетные постановки весьма затратны, и спектакль должен хорошо продаваться. В ведомстве Кехмана считать умеют: все-таки использование видеоряда хорошо дополняет традиционные декорации, а также доставляет администрации и театральной бухгалтерии чувство экономического комфорта. Кроме того, чудесный королевский сад с фейерверками, выполненный по технологиям XXI века, выглядит гораздо лучше, чем если бы был нарисован на заднике. Зрители пребывают в восхищении - особенно дети, которых на «Золушку» приводят в изобилии.

Главным художникам воссоздания стал Вячеслав Окунев, авторство светового и видеодизайна постановки принадлежит Глебу Фильштинскому. Их совместные усилия создали превосходную картинку. Выразительная хореография вариаций Фей весны, лета, осени и зимы сопровождается настоящими живыми пейзажами, в которых существуют действующие лица. Внутренние помещения замка благодаря видеотехнологиям кажутся бесконечными, а путешествие Принца вокруг земного шара в поисках обладательницы заветной туфельки становится динамичным и весьма наглядным.


Туфелька настоящая, а часть лестницы дворца - видеоинсталляция
Фото с сайта Михайловского театра


Но каких бы похвал ни удостаивались декорации, в том числе и высокотехнологичные, без отличной хореографии и хороших танцовщиков балетного спектакля не существует. С этим в Михайловском всё в порядке: если оперной труппе театра и ее руководителю Паате Бурчуладзе еще предстоит хорошо потрудиться, то балет давно стал визитной карточкой здания на площади Искусств. «Золушка» - балет характерный, драматический, стилевой, если хотите. Выражаясь просто - здесь есть что танцевать. Безусловно, главные герои - Золушка (Анастасия Соболева) и Принц (Виктор Лебедев) - носители сути спектакля. И границы этих образов достаточно четко очерчены. Гораздо больше творческого простора предоставляется сестрам Золушки (Екатерина Одаренко и Екатерина Беловодская) и особенно Мачехе - в этой партии выступила Ксения Русина. Эти персонажи уморительны и сосредоточивают львиную долю юмора постановки.

Из остальных партий отметим на редкость интересную работу Екатерины Борченко над образом Феи; горячий отклик у зрителей вызвали Роман Волков, представший Шутом, и Никита Назаров в танце Кузнечика. В титульной роли Анастасия Соболева подтвердила свою репутацию обладательницы редчайшего лирического дара, а Виктор Лебедев - Принц - статус одного из лучших в мире исполнителей чистой классики.

«В этом балете Захарова танцуют практически все. Не только сестры, но даже Мачеха исполняет свою партию на пальцах. «Золушка» - один из балетов наследия, его нельзя терять. Прошлое нужно знать для того, чтобы успешно двигаться вперед. Новое поколение приняло на веру, что балетные спектакли 30-50-х годов XX века - это хореодрама, «страдающая» от недостатка собственно танцев. А это совсем не так. «Пламя Парижа», «Лауренсию», «Золушку» никак нельзя назвать нетанцевальными», - рассказал нам Михаил Мессерер.

На балеты Михайловского театра всегда проданы все билеты. И яркая, добрая, красивая, каноническая «Золушка» не стала исключением, стремительно вернувшись в перечень репертуарных хитов. На серию декабрьских показов уже сейчас почти нет билетов. А немногие оставшиеся в продаже являются практически недоступными для семейного похода - очень, очень дорого. И это, пожалуй, единственное печальное впечатление от нового спектакля.


Новая постановка Михайловского театра очень зрелищна
Фото с сайта Михайловского театра
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18376
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Ноя 19, 2017 5:42 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017111901
Тема| Балет, Международный фестиваль современного танца DanceInversion, Танцевальная компании Дрездена-Франкфурта, Национальный балет Марселя
Автор| Павел Ященков
Заголовок| «Кордебалет» станцевал «вечный двигатель»
Фестиваль DanceInversion, продолжает показывать свои спектакли

Где опубликовано| © Московский Комсомолец
Дата публикации| 2017-11-19
Ссылка| http://www.mk.ru/culture/2017/11/19/kordebalet-stanceval-vechnyy-dvigatel.html
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Международный фестиваль современного танца DanceInversion, продолжающий показывать в Москве свои спектакли на разных сценических площадках, презентовал гастроли двух известнейших европейских трупп «Танцевальной компании Дрездена-Франкфурта» под руководством Якопо Годани и Национального балета Марселя. Гастроли первой прошли на сцене Музыкального театра Станиславского и Немировича-Данченко, второй в «Геликон-опере».


Балет "Вечный двигатель" Танцевальной компании Дрездена-Фракфурта. Фото: dance-inversion.ru

Надо заметить, что после того как руководители и идейные вдохновители фестиваля Владимир Урин и Ирина Черномурова перешли в Большой театр деятельность DanceInversion расширилась, художественный уровень значительно вырос и теперь фестиваль, который проводит дирекция Большого театра оказался в состоянии осуществлять такие проекты как привоз дорогостоящих и прославленных компаний. Нынешний восьмой по счету (если не считать международных фестивалей- предшественников, проводимых с 1997 года) DanceInversion, наверное, один из самых интересных. Было интересно увидеть в каком состоянии находятся ныне известнейшие не так давно европейские труппы. Хотя, скажем сразу, слава двух перечисленных компаний после ухода из них своих создателей в обоих случаях в значительной мере ныне утратила свою силу и притягательность.

Танцевальная компания Дрездена-Франкфурта (она работает на базе сразу двух театральных площадок: Европейского центра искусства Хеллерау в Дрездене и Депо Бокенгеймер во Франкфурте-на-Майне) известна прежде всего тем, что создана она была для экспериментов знаменитейшего хореографа XX века Уильяма Форсайта, на протяжении многих лет собственно и руководившего этим балетом. Два года назад, начиная с сезона 2015-2016 г.г. художественным руководителем компании стал бывший танцовщик Форсайта Якоп Годани, который на протяжении 9 лет (с 1991 по 2000, после обучения в бежаровской школе «Мудра» в Брюсселе и работе в нескольких труппах современного танца в Париже) был солистом Франкфуртского балета Уильяма Форсайта. Годани работал с всемирно знаменитым «деконструктивистом» (английские критики окрестили Форсайта «балетным антихристом») над хореографией множества выдающихся постановок, а после ухода из труппы делая международную карьеру как хореограф сотрудничая с большим числом международных балетных компаний (лондонского Королевского балета, Баварского государственного балета, Нидерландского театра танца (NDT) и Национального балета Нидерландов, театра Ла Скала и множества других).

Сменив Форсайта в Танцевальной компании Дрездена-Франфурта бывший ученик сразу отмежевался от наследия учителя, в последние годы больше ориентированного на перформанс и танцевальную инсталляцию. Убрав его балеты из репертуара Годани заявил «о других традициях, которым он теперь хотел бы следовать» («Мы с Форсайтом тотально разные»), сосредотачиваясь на «виртуозности танца». Однако дальше деклараций, если судить по программе предъявленной на DanceInversion, дело так и не пошло.

«Тотальную» схожесть продемонстрировал не только балет «Вечный двигатель», которым завершалась гастрольная программа, но и два других балета показанных в течении вечера: балеты «Высокая порода» и «Эхо беспокойной души». Причем унаследованные хореографом приемы «Форсайта для бедных» копируют не только хореографию мастера, но даже излюбленные им костюмы (прозрачные трико и комбинезоны сеточкой с надетыми поверх трусами черного и малинового цветов) и пристрастие к электронной музыке (два балета гастрольной программы «Высокая порода» и «Вечный двигатель» созданы в сотрудничестве с дуэтом 48nord Ульриха Мюллера и Зигфрида Рёссерта). Аналогично и световое оформление спектаклей, часто затемненное, в котором «свет» и «тень» часто используются как художественный прием, создающий особое сценическое пространство.

«Высокая порода» - новинка, выпущенная только в этом году. На сцене 14 танцовщиков обоего пола сплетаются в какое-то массовое общее тело, единое существо напоминающее многоголовую гидру, которое иногда распадается на пары. Балет «Эхо беспокойной души» на музыку двух пьес Равеля «Ундина» и «Виселица» более индивидуализирован и меньше чем остальные напоминает хореографию Форсайта. В основе этого шедевра Равеля старые французские стихотворения в прозе Алоизиюса Бертрана. На сцене рояль и две пары танцовщиков, которые танцуют на импрессионистическую музыку хорошо выражающую её импрессионистическую лиричную хореографию, которая резко контрастирует с похожей на цирковую (блестящие золотистые майки и трусы) одеждой артистов. Пары танцуют то отдельно, то объединяются в па-де-катр, показывая по мысли хореографа «узор бесконечных комбинаций отношений между людьми».

Прошлогоднее сочинение Годани балет «Вечный двигатель» тоже структурирован, в нем занято 16 артистов компании, которым тут дозволяется иногда выделятся из общей массы в соло. И хотя все артисты чрезвычайно пластичны и профессиональны, в этом балете Годани влияние Форсайта еще более очевидно, поэтому хореографию этого балета следует признать вторичной и неоригинальной.

Еще более разочаровал Национальный балет Марселя – труппа некогда культовая, одной из первых (в 1984 году) во Франции получившая статус Национального хореографического центра. Основоположником компании является легендарный хореограф Ролан Пети, создавший для нее немало произведений, имеющих сегодня статус признанной классики XX века. Ничего из этих шедевров в репертуаре компании, к сожалению, сегодня не сохранилось.

В России эта труппа, созданная в 1972 году, вообще чуть ли не одна из первых открыла для наших соотечественников окно в мир европейской хореографии. Её гастроли в СССР два года спустя (в 1974 году) стали настоящим явлением искусства, а балет «Собор Парижской богоматери» - был воспринят как революционный манифест новой хореографии.

Балеты показанные на нынешних гастролях тоже своеобразные манифесты. Балет «Le Corps de Ballet (в переводе кордебалет, или буквально «тело балета») national de Marseille», как сообщается в буклете «идеальный проект для формирования нового облика Национального балета Марселя», который новые руководители коллектива Эмио Греко и Питер Шольтен, «задались целью найти критически оценив современное состояние балетного искусства». Для принявших на себя руководство труппой с сентября 2014 года Эмио Греко и Питера Шольтена «Le Corps de Ballet» - первая постановка для этой труппы выявляющая тот самый «новый облик».

Облик этот странноват: 17 низкорослых и довольно упитанных артистов, затянутых в подчеркивающее все недостатки их тел серые комбинезоны и маски, долженствующие обезличить кордебалетную массу. На протяжении 70 (!) минут они попеременно демонстрируют свои навыки то в современной, то в классической хореографии. Музыка - от полной тишины, до боя барабанов, французского гимна исполняемого голосом Мирей Матье и фрагментов па-де-де из балета Чайковского «Щелкунчик». Соответственно и в хореографии полная мешанина современности с классикой, в которой различимы целиковые цитаты из «Лебединого озера», «Дон Кихота» и других классических балетов, причем набранные без разбора и какой-либо концепции.

Впрочем, концепция эта сформулирована творческим дуэтом (Питер Шольтен - бывший театральный режиссер и драматург, Эмио Греко, кстати, уже побывавший еще на самом первом международном фестивале современного танца - исполнитель из компании знаменитого театрального провокатора Яна Фабра) теоретически и основывалась на книге Элиаса Канеттти «Масса и власть», где главное - «синхронность и отношения между индивидуальным и общественным». Танцовщикам здесь предписано взаимодействовать с кордебалетной массой вливаясь в ее единое тело и взрывать классический танец всевозможными техниками танца современного. Таким образом, по мысли парочки, они будто бы нашли подход к классической балетной труппе с её организацией и иерархией и раскрывают теперь в балете не только «технические аспекты, но и аспекты социальные». Претендуя на творческую самобытность, они даже объявили о создании нового направления в хореографическом искусстве – «экстремализма».

В сущности, балет «Le Corps de Ballet» это пластическое высказывание марсельского балета о самом себе, о своей истории. Очевидный упадок Марсельской труппы проходил постепенно, в течении 20 лет, после ухода со своего поста Ролана Пети и утраты его репертуара. Разрушение компании началось с деятельности бывшей звезды Парижской оперы Мари-Клод Пьетрагаллы возглавившей марсельскую труппу после Ролана Пети в 1998 году и на протяжении 6 лет прививавшей там современную хореографию, затем благодаря Фредерику Фламану, продолжившему эту политику. Приходится констатировать, что деятельность Эмио Греко и Питер Шольта пока тоже не вывела компанию из состояния депрессии и упадка, и это хороший урок для наших театральных чиновников зачастую не умеющих хранить то что имеем.

Продемонстрировать успехи марсельского балета на практике призван второй балет, показанный на гастролях Марсельской труппы – «Болеро» Равеля. Известнейшее произведение было создано в 1928 году для актрисы и миллионерши Иды Рубинштейн. Вдохновленное испанским танцем болеро в хореографии Брониславы Нижинской оно исполнялось на огромном столе, идею которого и позаимствовал у сестры Нижинского Морис Бежар, создав в 1961 году гениальный балет (первая исполнительница Душка Сифниос), превзойти совершенство и эмоциональную силу которого до сих пор никому не удавалось. Проиграл «своему ученику» в этом отношении, даже сам создатель Марсельского балета Ролан Пети (Бежар в 40-е годы работал в труппе Ролана Пети). Что касается «Болеро» Эмио Греко и Питер Шольтен, то оно не самое плохое из всего множества балетов на эту музыку нами виденных к этому времени.

Начинается 25-минутный балет (хотя сама партитура рассчитана на 15 минут) тоже с откровенной цитаты: так же как у Бежара с высвеченных прожектором раскачивающихся под завораживающую мелодию кистей рук. Из 17 человек в ночных сорочках которые по ходу действия и музыки присоединялись к протагонисту выделялся собственно сам этот протагонист - Анджел Мартинес-Эрнандес, длинноволосый пластичный солист марсельской труппы, танцевавший «Болеро» упиваясь движениями, постепенно переходящими в проникнутое экстазом возбуждение.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вт Дек 05, 2017 6:19 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18376
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Ноя 20, 2017 8:49 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017112001
Тема| Балет, фестиваль Context. Diana Vishneva
Автор| Наталия Звенигородская
Заголовок| "Нижинский" не оправдал ожиданий
Завершился пятый фестиваль Context. Diana Vishneva

Где опубликовано| © Независимая газета
Дата публикации| 2017-11-20
Ссылка| http://www.ng.ru/culture/2017-11-20/6_7118_balet.html
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ


У Нижинского – «сексуальное пробуждение», у Дягилева – «предчувствие славы». Сцена из балета Гекке. Фото со страницы фестиваля в Facebook

Нынешний год в истории фестиваля пятый. Нетерпеливые организаторы называют его юбилейным. Основания для гордости есть. Культурная экспансия Дианы Вишневой распространилась на обе столицы – по четыре фестивальных дня в Москве и в Петербурге. Начинает захватывать регионы: сотрудничество с Пермским театром оперы и балета, образовательная акция в Норильске, в результате которой лучшие ученики хореографических школ пройдут стажировку в питерской студии Дианы Вишневой. И интернет-пространство – появился первый онлайн-курс о современном танце на платформе Arzamas.

Рядом с танцевальными гала и полномасштабным балетом «Нижинский» развернулась «Параллельная программа» – обширная киноафиша, мастер-классы представителей разнообразных техник современной хореографии, Лаборатория танцевальной критики, воркшоп «Театральная фотография», лекции обозревателей ведущих мировых изданий, проект «Разговор с хореографом» (в этом году в контексте был Алексей Ратманский). Стартовавшую в этом году масштабную образовательную программу для хореографов России начали с высокой ноты – воркшопа по методике культового хореографа Уэйна Макгрегора: участники получили шанс выиграть грант на создание собственной постановки и стажировку в лондонской Studio Wayne McGregor.

Одним из ключевых событий называют вечер молодых хореографов Context Lab. Предваряя выступления финалистов на сцене «Гоголь-центра», Диана Вишнева поблагодарила Кирилла Серебренникова за помощь и сотрудничество и выразила надежду на скорейшее разрешение всех его проблем.

В финал конкурса вышли четверо россиян – Юлия Коробейникова (Красноярск), Андрей Короленко (Новосибирск), Полина Митряшина (Санкт-Петербург), Мария Заплечная (Москва), а также Ольга Лабовкина из Минска, которую в результате и объявили победительницей. Но если, как утверждают организаторы, то, что нам довелось увидеть, – лучшее из 120 (по другим данным, 150) поданных на конкурс заявок, возникает вопрос: не предложить ли в следующем году фестивалю запустить параллельно вечерним показам, кинопрограмме, мастер-классам и лекциям прогон роликов всех заявителей? Может быть, совместными усилиями найдем хоть один истинный талант.

Кому не откажешь в таланте и мудрости, так это маркетологам фестиваля. До последнего держали интригу, в афишах и пресс-релизах анонсировали выступления самой Вишневой. Что греха таить, ряды российских поклонников современного танца, конечно, растут, в том числе и благодаря этому фестивалю, но многие и сюда все еще приходят «на Диану». Однако в юбилейном году танцевать арт-директор «Контекста» не вышла. Доктора запретили. Прима-балерина ждет ребенка.

В остальном же зрителю предложили широкий выбор – от неоклассики до мюзик-холла, от модернизированного фрейлехса в постановке Барака Маршала для американской компании Bodytraffic до неподражаемой в свои пятьдесят четыре знаменитой итальянки Алессандры Ферри, от Уэйна Макгрегора, визуализировавшего в балете FAR и десятиминутке «Свидетель» формулу красоты XXI века, до трех лихих парнишек из штутгартской компании Gauthier Dance, умело демонстрирующих мускулы и прочие прелести, едва прикрытые телесного цвета бандажами.

Яблоку негде было упасть в Театре имени Моссовета на представлении нового балета хорошо известного москвичам немецкого хореографа Марко Гёкке «Нижинский». Предваряемое претенциозно многозначительным либретто действо ничего не расскажет непросвещенному зрителю (а именно на такую западную публику, по уверению главы Gauthier Dance Эрика Готье, рассчитан спектакль) ни о жизни, ни о творчестве, ни о трагедии гениального безумца. В течение полутора часов полоумный Нижинский, похожий на карикатурного Гитлера Дягилев, матка (так называют мать танцовщика), жена Нижинского Ромола, а также Терпсихора и Нечто топчутся по сцене в одинаковых судорожных подергиваниях. У Нижинского оно, надо полагать, изображает психологическую ломку и «сексуальное пробуждение», у Дягилева – «предчувствие славы», которое «пробуждает и жадность», у матки с Ромолой – один Гёкке знает что. А Нечто – понятно, предмет темный, исследованию не подлежит. В общем, Нижинский остается Нижинским, Гёкке остается Гёкке. Каждому – свое.

Неожиданный эффект вызвало соседство в фестивальной программе «Нижинского» и сочинения Гойо Монтеро, испанского хореографа, ныне возглавляющего Балет Нюрнберга. Одноактовка Asunder («На части»), поставленная Монтеро для Пермского театра оперы и балета – воплощение давней мечты Дианы Вишневой создать собственный (в недрах фестиваля выпестованный и спродюсированный) спектакль. Монтеро нередко пеняют на чрезмерную «начитанность» в балетном деле, намекая на недостаток самобытности. И, судя по предпремьерным кулуарным настроениям, если бы букмекерские конторы вздумали принимать ставки на успех затеи, это принесло бы солидный куш немногочисленным оптимистам. Однако «мировая премьера» оказалась приятным сюрпризом.

Возможно, Монтеро и не самый самобытный хореограф, но его Asunder – сочинение поэта. Единая субстанция из шестнадцати облаченных в дымно-жемчужные трико артистов, словно меняя плотность вещества, разрываясь на части, некой таинственной туманностью передвигается по сцене под музыку Оуэна Белтона, Рихарда Вагнера и Фредерика Шопена, даря смотрящему новый эмоциональный и эстетический опыт. Через абстрактный, но не бесстрастный танец, смену темпов и ритмов, разнообразную окраску движения, виртуозные перестроения и борьбу мизансцен Монтеро пробивается к чувству и пробуждает мысль. Хореограф и художник, работая с формой, показал, каким глубоким и многоплановым она способна обернуться содержанием.

Марко Гёкке и Гойо Монтеро. Первый сконструировал самобытный язык, но ничего не добавил и мало что объяснил. Второй не слишком оригинален в лексике, а вот поди ж ты – творец. Еще один мир создал. И за это «Контексту» спасибо отдельное.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18376
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Ноя 20, 2017 8:58 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017112002
Тема| Балет, Московский областной государственный театр «Русский балет», Премьера
Автор| Ирина Котенко
Заголовок| На сцену пригласили Дон Кихота
Где опубликовано| © газета Труд
Дата публикации| 2017-11-19
Ссылка| http://www.trud.ru/article/19-11-2017/1356620_na_stsenu_priglasili_don_kixota.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


В постановке приготовлены сюрпризы для зрителей. Фото автора

Балет «Дон Кихот» представил Московский областной государственный театр


Московский областной государственный театр «Русский балет» показал столичным зрителям премьеру – балет Людвига Минкуса «Дон Кихот». Бессмертную историю благородного рыцаря из Ламанчи поставил художественный руководитель театра, народный артист СССР Вячеслав Гордеев. Премьерные показы состоялись на сцене Губернского театра, и были посвящены 200-летию гениального балетмейстера Мариуса Петипа.

Маэстро Гордеев не первый раз обращается к героям романа Сервантеса. Более десяти лет в репертуаре театра балетная сюита «Дон Кихот» - одноактная версия спектакля. Однако балетмейстер, в молодые годы блистательно исполнявший на сцене Большого театра партию цирюльника, мечтал создать масштабный спектакль. Первая постановка «Дон Кихота» в авторской редакции Гордеева состоялась на сцене Екатеринбургского государственного академического театра в 2006 году, где он в то время возглавлял балетную труппу.

Для постановки в «Русском балете» Гордеев сочинил собственное либретто. Сюжет развернулся в двух актах и шести картинах. Балетмейстер сохранил значительную часть уникальной хореографии Петипа, но при этом придал спектаклю оригинальный сценический облик.

В постановке приготовлены сюрпризы для зрителей. В музыкальную часть вошел нотный материал венского общества Людвига Минкуса, никогда прежде не звучавший в партитуре. Дон Кихот и Санчо Панса, связывающие воедино сюжет балета, перестали быть пантомимными ролями и приобрели собственные танцевальные партии. Появились новые действующие лица, в числе которых Алонсо Кихано – рыцарь Ламанчский в молодости.

В спектакле занята практически вся трупа «Русского балета». Рядом с опытными мастерами на сцене нашлось место и артистам, только начинающим творческий путь – воспитанникам Красногорского хореографического училища. Юные дарования очень органично исполнили роли амуров.

Постановка имеет сложную хореографию и насыщена сольными партиями. Как сказал режиссер и постановщик Вячеслав Гордеев, «наш «Дон Кихот» - это праздник балета, который полон любви, юмора и позитивной энергии». Главные партии исполнили прима-балерина, лауреат международных конкурсов Анна Щербакова (Китри) и заслуженный артист Московской области Дмитрий Котермин (Базиль).

Два вечера со сцены лились веселье, восторг и эмоции. Каждый участник стремился внести оригинальные краски в палитру постановки. Как всегда на высоте были ведущие солисты Юлия Звягина и Мстислав Арефьев, исполнившие главные роли во втором премьерном показе.

Выразительный образ тореадора Эспады создал Владимир Минеев, а партию соблазнительной уличной танцовщицы исполнила Оксана Гасникова. Чувствовалась рука мастера, доцента Московской государственной академии хореографии Светланы Ивановой, специально приглашенной для подготовки танцевальных номеров. Особо стоит отметить оригинальные костюмы и декорации к спектаклю, созданные художниками Игорем Нежным и Татьяной Тулубьевой.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18376
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Ноя 21, 2017 10:20 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017112101
Тема| Балет, Кыргызский национальный академический театр оперы и балета имени Абдыласа Малдыбаева, Персоналии, Акан Нуртазин
Автор| Елена Иванченко
Заголовок| Акан Нуртазин: «Если человек культурно образован, то и государство будет прогрессировать»
Где опубликовано| © News-Asia
Дата публикации| 2017-11-21
Ссылка| http://www.news-asia.ru/view/10899
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Беседа с народным артистом КР Аканом Нуртазиным проходила во время репетиции спектакля «Жизель» под звуки оркестра, это стало отличной возможностью не только узнать о положении балета в стране, но и подглядеть, как проходят театральные будни артистов. Главный балетмейстер национального театра оперы и балета рассказал корреспонденту News-Asia о своей карьере в балете, и почему для искусства так важна поддержка государства.

Скандальный спектакль

– Как вы пришли в балет?

– Мои родители работали в театре, с этого всё и началось. Отец был солистом оперы, он закончил Московскую консерваторию имени Чайковского, мама работала в хоре. Тогда в советское время с детскими садами была проблема, поэтому артисты приводили своих детей в театр, так и я вырос в этой атмосфере. Раньше Московское и Ленинградское хореографические училища направляли свои комиссии по всем республикам бывшего Советского Союза, чтобы отобрать талантливых детей для учёбы в Москве. От Киргизии в комиссии был народный артист СССР Чолпонбек Базарбаев, он меня и смотрел. В итоге я прошёл отбор, и в 1974 году мы поехали в Москву на последний экзамен. Мы были единственной делегацией, которую полностью приняли – 6 мальчиков и 6 девочек. Так я и поступил в Московское хореографическое училище при Большом театре, проучился там 8 лет. Последние три года я учился у выдающегося педагога русской школы Петра Антоновича Пестова. Его выпускники во всех театрах Советского союза были солистами. В 1982 году я окончил хореографическое училище и меня сразу приняли в театр. Была возможность остаться в Москве, но тогда наш театр оперы и балета входил в тройку лучших во всем СССР. Мне посчастливилось попасть под крыло Чолпонбека Базарбаева и Урана Сарбагишева, который тогда был главным балетмейстером, я вырос и окреп с ними. Карьера стремительно развивалась, почти с первого года начал танцевать сольные партии. В 89-м году проводили такой региональный конкурс Средней Азии и Казахстана, он проходил в Душанбе, председателем жюри был Вячеслав Гордеев, народный артист СССР, солист Большого театра, и вот тогда я стал обладателем первой премии и золотой медали. В этом же году я стал лауреатом премии Союза молодежи КР.

– Помните свои первые спектакли?

– Мой первый спектакль был «Па-де-труа» балет «Лебединое озеро», я был придворным у принца, потом «Материнское поле», где танцевал младшего сына. В 1984 году состоялись отчётные гастроли в Большом театре, тогда я сдавал экзамен своим педагогам, показывал, каким я стал. В завершении в Бетховенском зале, колкая на язык, московская критика обсуждала, как прошли гастроли. Ведущие критики тогда отметили меня, как молодого прогрессивного танцовщика, отличившегося своим академизмом и актёрским мастерством. Это была самая лучшая похвала. Позже я перетанцевал многие ведущие партии со всеми нашими балеринами, в последние годы карьеры был уже постоянным партнёром народной артистки СССР Айсулу Токомбаевой. Она потрясающая актриса, когда на сцене смотришь в её глаза, они полностью погружают в образ, и ты уже не можешь из него выйти.

– Что было самым запоминающимся за время работы? Интересные спектакли, например.

– Был один подарок судьбы. В русской драме в 80-е годы работал выдающийся режиссёр Владислав Пази. И вот в 85-м году он предложил мне сыграть драматическую роль в нашумевшем тогда спектакле «М. Баттерфляй». Мне выпала роль женщины, точнее китайского разведчика, переодетого в женщину, который влюбляет в себя французского адвоката, работника посольства. Когда мы показали этот скандальный спектакль, он произвёл взрыв в Бишкеке. Билеты было невозможно достать, за месяц всё скупали. Где-то 6 лет играли, даже на гастроли ездили, в Москве и Питере взяли первую премию. Потом руководство театра сменилось, Пази уехал в Санкт-Петербург, а спектакль сняли.

– Когда вы решили закончить карьеру танцовщика и начать передавать опыт молодому поколению?

– У артиста балета очень короткая карьера, мы работаем всего 20 лет, потому что идёт сильный износ всего организма – очень большая нагрузка на мышцы и позвоночник, многочисленные травмы. Ближе к завершению карьеры, я стал переходить на актерские партии, где не надо много танцевать, такие как, хан Гирей (балет «Бахчисарайский фонтан», – Авт.). В 2002 году я оформил пенсию, но продолжал танцевать до 2008, тогда был сложный период в театре, не было прихода молодых солистов. Талантливые ребята после окончания хореографического училища уезжали в Россию, Казахстан, в Европу, конечно, там были и зарплаты больше и перспективы шире. Где-то с 2005 года уже начал практиковать в театре педагогическую деятельность.

Спасти балет

– С 2009 по 2014 года вы были главным балетмейстером, как менялся театр за всё время вашей работы?

– Если говорить без ложной скромности передо мной тогда стояла задача сохранить наш балет, потому что на культуру практически не обращали внимание: деньги не выделялись, зарплаты были совсем небольшие, гастролей не было. Многие таланты уехали, и в театре остались люди, которые искренне любили балет. Мне удалось сохранить труппу и повысить академический уровень. Это сразу заметили и зрители и пресса. Мы стали приглашать звёзд балета из России, Казахстана, чтобы вернуть зрителя в театр. Это был стимул и для наших артистов, потому что главное на сцене во время спектакля это то, как танцует солист, остальные уже равняются на него. Тогда это послужило хорошим толчком, однако с 2011 года танцовщики снова начали уезжать, правительство только обещало помочь, но всё оставалось на словах. Я в то время не вылезал из министерства культуры, из белого дома, вплоть до спикера парламента дошёл, но, к сожалению, никому ничего не надо было. Про культуру все забыли, были другие задачи – экономика, борьба за кресло. Я и сам потерял желание работать, смотря на безразличие к искусству. Мой педагог меня учил, когда работа не приносит никакого удовольствия, нужно уходить, иначе будешь вредить не себе, а окружающим, и делу. В 2014 году решил, что с меня хватит и написал заявление. Почти два года вовсе не интересовался ни театром, ни искусством, даже на спектакли не ходил. Полностью посвятил себя семье, как раз внуки появились.

– Но всё же решили вернуться.

– В этом году в театре начались действительно серьезные проблемы, и руководство обратилось с просьбой, чтобы я вернулся и попытался заново организовать работу, чтобы всё окончательно не развалилось. И вот с 31 октября официально стал работать. Сейчас моя главная задача – наладить дисциплину, которая расшаталась и моральный климат в театре. Также вернуть всех талантливых ребят, которые уехали, создать крепкий костяк труппы, и конечно, поднять творческий уровень и академичность. Сегодня творческий состав намного лучше, чем в то время, когда я был главным балетмейстером. Однако я один при всем желании, опыте и знаниях, не смогу ничего сделать, только с ребятами, если они будут верить в меня и выполнять свои обязанности. Тогда мы и горы свернём. Ещё одна немаловажная задача – попытаться в этом году, или хотя бы в следующем организовать гастроли, потому что артист не может сидеть на месте, он должен ездить, показывать себя, учится у других. Сейчас договариваюсь со своими бывшими однокурсниками, с которыми учился в Москве. Хочу, летом, пусть даже на месяц, но куда-то выехать.

– А раньше труппа гастролировала?

– В советское время мы часто разъезжали по республикам, нашим регионом для гастролей была Сибирь, кроме этого ездили в Москву, в Прибалтику. Однако с развалом союза, ближе к перестройке все границы нарушились, одна дорога стоила бешеных денег. Тогда наша культура и начала скатываться вниз.

Искусство молодых

– Как сейчас в стране обстоят дела с культурой, государство выделяет деньги?

– К сожалению, пока не скажу, что много внимания уделяется. В прошлом году, например, президент Алмазбек Шаршенович начал выдавать стипендии именно для балета, 14 стипендий по 10 тысяч сомов. Помимо зарплаты для молодежи это дополнительный стимул. Незначительные изменения есть, мы карабкаемся наверх, пусть и очень маленькими шагами.

– А зрители любят балет, в особенности у молодежи есть интерес?

– В те годы, когда мы стали приглашать зарубежных звезд, зритель начал хорошо ходить на балет. С открытия сезона прошло несколько спектаклей и почти все места были заняты. Я стал замечать в зале очень много студентов из сельской местности, недавно приехавших в город, много иностранцев из Индии и Пакистана, которые учатся здесь. В Индии нет классического балета, только индийский танец, поэтому им нравится смотреть наши постановки, даже на телефон снимают, потом выкладывают на «YouTube». На балет ходят, потому что уже знают нашу звездную молодежь. Сейчас есть талантливые ведущие танцовщики, такие как Марат Сыдыков – лауреат многих международных конкурсов.

– Марат летом этого года участвовал на международном конкурсе артистов балета и хореографов в Москве.

– Московский международный конкурс ещё с советских времен считается одним из самых престижных. Марат занял второе место во взрослой категории среди мужчин, это большая победа. Можно сказать, в истории кыргызского балета, это первый случай, до него ни один танцовщик из Кыргызстана таких мест не занимал, даже элементарно никогда не участвовали в международных конкурсах. У нас в труппе работает японка Мэгуми Мацумото, очень сильная и перспективная балерина. Она впервые исполнит партию Китри в балете «Дон Кихот». Старшее поколение должно потихоньку уступать место юным талантам, потому что балет – это искусство молодых.

– Ребята из хореографического училища приходят в театр?

– Да, сейчас работают 6 человек, учащиеся 3 курса, это у них практика, во всех наших спектаклях участвуют. Надеюсь, после окончания учебы они пополнят коллектив. В театре не хватает мужского состава, многие уехали за границу.

С душой

– Расскажите о своих первых постановках?

– Сначала были концертные постановки, потом ставили премьерную оперу «Травиату», и все балетные танцевальные отрывки я поставил. Планировалось много всего, но из-за ограниченности бюджета невозможно было воплотить идеи в жизнь. Я не люблю ставить дежурно, лишь бы что-то показать. И педагог мой учил никогда не размениваться на количество. Если уже взялся, то сделай так, чтобы потом не стыдно было. Надо ставить спектакли, на которые зритель будет ходить, а не для галочки.

– Ставите ли вы современные постановки, или только классику?

– Есть молодые балетмейстеры, которые ставят современные номера. Недавно наш кыргызстанский танцовщик, который работает в Германии, Максат Сыдыков поставил «Ромео и Джульетту». Я думаю, надо готовить нашего зрителя к этому направлению.

– Что для вас главное в балете? Сам танец, музыка, может быть, актёрская игра?

– Это все едино, синтез музыки и танца. Важно раскрыть людей, даже в художественной гимнастике иногда так актерски отыгрывают, похлеще, чем в балете. Советский русский балет отличался именно актерской игрой, душой. Моя задача сохранить эту тенденцию, чтобы во всех спектаклях она проходила главной линией, и зритель не просто замечал какие-то технические моменты, как в гимнастике, а сопереживал. Артист должен со сцены мимикой, глазами, движениями передать смысл. Вот это главное.

– У вас есть любимые спектакли?

– Особенные постановки для меня – это «Баядерка» партия Солора, «Спартак» партия Красса, и «Жизель» Альберт. Хотя все свои партии я всегда очень любил.

– Есть такие постановки, в которых хотелось бы солировать, но не удалось за время карьеры?

– Да, вы знаете, на второй год работы в театре в 83-м году шла «Спящая красавица», я очень хотел станцевать принца Дезире, мы с педагогом год готовили эту партию, но на педсовете, спектакль посчитали устаревшим и сняли с репертуара. Хотел исполнить партию Нурдина в балете «Чолпон», за время работы в театре только ее не станцевал.

– Дальнейшие планы уже продумывали?

– Будем восстанавливать балет «Баядерку», с новыми декорациями и костюмами, старые почти на 90% устарели, потому что никаких средств не выделяется, а это стоит огромных денег. Администрация нашла спонсора, и уже в марте будем ставить. Буквально недавно смотрел эскизы нашего художника, с любым мировым театром можем соперничать по декорациям и костюмам. Этот сезон будет коротким, так как идёт ремонт, а в следующем в планах восстановить полностью спектакли «Дон Кихот», «Бахчисарайский фонтан», «Спартак», национальный балет «Куйручук» композитора Молдобасанова. Из классики хотелось бы поставить «Спящую красавицу» Чайковского, хотя это, конечно, упирается в деньги. Вот такие осторожные мечты на будущее.

– Как балетная профессия отражается на повседневной жизни?

– Искусство и культура очень положительно влияет на любого человека. Если он воспитан, культурно образован, то и государство будет прогрессировать, и сам человек. Общий уровень культуры в стране заметно снизился. Балет – это самый доступный и прекрасный вид искусства. Оперу не все могут понять, нужно быть к ней подготовленным. Я считаю, что балет облагораживает человека.

– Кто-то из вашей семьи занимается балетом, дети, внуки?

– Нет, старшая дочь, когда была ребёнком, участвовала во многих спектаклях, занималась народным танцем, тогда «Таберик» только начинал свою деятельность, даже на гастролях успела побывать. Сыновья работают совершенно в других сферах, старший – экономист, младший учится в Москве на архитектора. Они любят искусство, часто приходили на мои спектакли. А так чтобы пошли по моим стопам, я и сам не хотел. Это очень тяжёлый труд, и зачастую неблагодарный.

– Что бы вы могли пожелать тем, кто сейчас учится и мечтает карьере артиста балета?

– Трезво оценить, действительно ли ты хочешь стать артистом балета. Это тяжёлый труд, надо очень любить профессию и быть готовым ко всему. В балете много и травм, и других переживаний – это требует мужества. Сейчас столько возможностей, которых не было в наше время, остаётся только желание и вера в себя.

– Вы никогда не жалели, что выбрали именно балет?

– Никогда. Я в театре вырос, если бы не стал артистом балета, всё равно обязательно бы работал в театре.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18376
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Ноя 21, 2017 10:30 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017112102
Тема| Балет, БТ, Премьера, Персоналии, Алексей Ратманский
Автор| Корр. ТАСС Ольга Свистунова
Заголовок| Большой театр покажет премьеру балета "Ромео и Джульетта" в постановке Алексея Ратманского
Премьерные показы спектакля пройдут с 22 по 26 ноября

Где опубликовано| © ТАСС
Дата публикации| 2017-11-21
Ссылка| http://tass.ru/kultura/4744879
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Государственный академический Большой театр России (ГАБТ) готовится к премьере балета Сергея Прокофьева "Ромео и Джульетта" в постановке хореографа Алексея Ратманского. Во вторник на Новой сцене ГАБТ состоится генеральная репетиция спектакля, серия премьерных показов которого пройдет с 22 по 26 ноября, сообщила ТАСС пресс-атташе Большого театра Катерина Новикова, отметив, что билеты на все представления полностью раскуплены.

При этом она обратила внимание на то, что в репертуаре Большого уже давно существует еще одна версия балета "Ромео и Джульетта" в хореографии Юрия Григоровича, которая идет на Исторической сцене. "Та постановка создана в 1979 году и капитально возобновлена в 2010 году", - напомнила Новикова, добавив, что теперь в афише ГАБТ будут значиться два одноименных спектакля.

"Вообще, у балета "Ромео и Джульетта" богатая история, которая во многом связана с Большим театром", - подчеркнула пресс-атташе ГАБТ.

Из истории балета

Новикова рассказала, что балет "Ромео и Джульетта" был написан Сергеем Прокофьевым в 1935-1936 годах. О том, как это происходило, сам композитор поведал в "Автобиографии".

"В конце 1934 года возникли разговоры с Ленинградским театром имени С. М. Кирова (ныне Мариинский театр - прим. ТАСС), - писал Прокофьев. - Меня интересовал лирический сюжет. Набрели на "Ромео и Джульетту" Шекспира. Но Театр имени Кирова пошел на попятную, и вместо него заключил договор московский Большой театр".
"Весною 1935 года мы с Радловым разработали сценарий, тщательно консультируясь с балетмейстером по всем техническим вопросам, - продолжал композитор. - В течение лета музыка была написана, но Большой театр нашел ее нетанцевальной и нарушил договор".
"В ту пору много разговоров возникло вокруг нашей попытки закончить "Ромео и Джульетту" благополучно: в последнем акте Ромео приходил на минуту раньше, заставал Джульетту живою, и все кончалось хорошо. Причины, толкнувшие нас на это варварство, были чисто хореографические: живые люди могут танцевать, умирающие не станцуют лежа <…> После нескольких бесед с хореографами оказалось, что можно разрешить балетно конец со смертельным исходом, а затем родилась и музыка для этого конца", - пояснял Прокофьев.

В итоге мировая премьера "Ромео и Джульетты" состоялась 30 декабря 1938 года в Национальном театре города Брно в постановке Ивана Псоты. На сцене Кировского театра спектакль был выпущен в постановке Леонида Лавровского и декорациях Петра Вильямса в 1940 году, главные партии исполнили Галина Уланова и Константин Сергеев. В Большом театре балет "Ромео и Джульетта" в той же постановке появился после войны в 1946 году. Роль Джульетты также исполняла Галина Уланова, в партии Ромео был Михаил Габович.
К партитуре Прокофьева обращались хореографы всего мира. Среди самых известных постановок - работы Кеннета МакМилана (премьера 9 февраля 1965 года, Английский Королевский балет), Фредерика Аштона (19 мая 1955 года, Датский Королевский балет), Джона Кранко (26 июля 1958 года, театр Ла Скала, Милан), Рудольфа Нуреева (1977 год, Лондон Фестивал Балет). В Большом театре "Ромео и Джульетту" уже в ХХI веке ставили Деклан Доннелан, Ник Ормерод и Раду Поклитару. С 1979 года по наши дни в репертуаре театра этот балет идет в постановке Юрия Григоровича и декорациях Симона Вирсаладзе.

Версия Алексея Ратманского

Новую постановку "Ромео и Джульетты" в Большом осуществляет Алексей Ратманский, продолжила пресс-атташе театра. Она рассказала, что впервые хореограф показал эту работу в 2011 году в Торонто по заказу Национального балета Канады. Спектакль получил высокую оценку критиков и зрителей, отметивших экспрессивность, музыкальность, драматическую наполненность балета. "Возможно, история стала менее сентиментальной, но обрела свежее, живое дыхание, у этой истории есть душа", - писала о спектакле канадская пресса.

По словам самого Ратманского, вдохновляясь гениальной музыкой Прокофьева, он не стал отходить от сюжета Шекспира и сохранил в своей постановке исторический колорит Италии эпохи Возрождения. "Когда начинаешь работать с музыкой, невозможно ей эмоционально не отвечать, даже если ты не поклонник Прокофьева или музыки ХХ века. Такие формулы, такие мелодии, такая музыкальная драматургия, что остаться равнодушным просто невозможно", - процитировала хореографа пресс-атташе.
Она также привела еще одно признание балетмейстера, в котором он сообщает, что немного поменял оригинальное либретто. "Я позволил себе изменить один сюжетный ход: Джульетта просыпается до того, как умер Ромео. Танцы с мертвым телом меня всегда смущали", - пояснил свою концепцию Ратманский.

Балет "Ромео и Джульетта" поставлен Ратманским на пуантах. "Классический танец для меня - абсолютно живой язык, - сказал хореограф. - Одно время - в детстве, в юности - я пытался копировать всякие авангардные вещи. Но в какой-то момент понял, что это имитация. То, что я знаю, это классический язык. С тех пор у меня сомнений не было, и нет сейчас".

Главные партии репетируют Екатерина Крысанова, Анастасия Сташкевич, Евгения Образцова (Джульетта), Владислав Лантратов, Вячеслав Лопатин, Семен Чудин (Ромео), Игорь Цвирко, Антон Савичев, Артур Мкртчян (Меркуцио) и другие. Дирижер-постановщик - Павел Клиничев.

Над спектаклем работали также сценограф и художник по костюмам Ричард Хадсон, художник по свету Дженнифер Типтон, ассистенты хореографа Грета Ходжкинсон и Александр Антониевич.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18376
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Ноя 21, 2017 10:46 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017112103
Тема| Балет, фестиваль «Context. Диана Вишнева»
Автор| Анна Галайда
Заголовок| Заманивать зрителей фестиваль «Context. Диана Вишнева» уже научился
Теперь задача – привить балетной публике вкус к современной хореографии

Где опубликовано| © Ведомости
Дата публикации| 2017-11-21
Ссылка| https://www.vedomosti.ru/lifestyle/articles/2017/11/21/742482-context-diana-vishneva?
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ


Спектакль Гойо Монтеро Asunder сделан специально для фестиваля
Ирина Григорьева


Буквально накануне открытия Диана Вишнева объявила, что по медицинским показаниям сама танцевать не может. Она должна была выйти на сцену в гала открытия и в вечере балетов Стравинского Пермского театра оперы и балета в созданной специально для нее роли Петрушки. Для многих в России современная хореография, которую пропагандируют Вишнева и ее Context, – непознаваемая черная дыра. Но ради того чтобы увидеть живую легенду классического балета, публика готова потерпеть эти эксперименты. Поэтому отказ фестиваля в возврате билетов, продававшихся на спектакли с участием Вишневой по повышенным ценам, еще до его старта накалил атмосферу.

Для тех, кто спокойно переносит отсутствие диадем и фуэте, вдохновительница фестиваля превратила его в прекрасную образовательную площадку. Так толково собранную, что ясно: такую платформу хотела бы иметь сама балерина, выросшая в те времена, когда дрожать приходилось над каждой затертой до дыр черно-белой копией Бежара, а Марта Грэм со своей труппой так и не была допущена до гастролей в стране победившего балета. Поэтому Context включает цикл документальных фильмов, посвященных танцу, мастер-классы по разным техникам (в этом году можно было позаниматься техникой Мерса Каннингема), лаборатории по танцевальной критике и театральной фотографии, встречи с выдающимися мастерами хореографии (среди гостей были Алексей Ратманский и итальянская прима Алессандра Ферри). Важным для фестиваля стал самостоятельный заказ новой постановки – это традиционная мировая практика, но все еще экзотика для России.
Как обычно, прошел и конкурс молодых хореографов. Правда, несмотря на огромное количество участников (около 150 человек из 30 городов), он оказался обескураживающе безликим. Только повышенная зоркость членов жюри позволила выбрать из пяти финалистов (сенсационно четверо из них – женщины) победительницу. «Воздух» Ольги Лабовкиной из Минска так же художественно мимолетен, как сама заглавная субстанция номера.

В выборе спектаклей Вишнева и постоянный куратор фестиваля Самуэль Вюрстен из Нидерландов руководствовались, вероятно, желанием дать такой спектр современной хореографии, который удовлетворил бы любые вкусы. В программе соседствуют созданный по заказу Context спектакль испанца Гойо Монтеро Asunder («На части»), эффектно задуманный, но практически невоплощенный; вульгарно-эстрадный «Нижинский» Марко Гекке, поставленный труппой Gauthier Dance из Штутгарта, превращающий в скандал трагические стороны жизни великого танцовщика; одна из лучших постановок Уэйна Макгрегора – FAR. Эта композиция, музыкальный электронный ритм которой (композитор – Бен Фрост) грозит сбить зрителей бельэтажа на головы партера, сделана хореографом в 2010 г. для собственной труппы. В ней нет пуантового танца, немыслимых растяжек и бешеных пируэтов, которые отличают спектакли Макгрегора в Королевском балете Великобритании. Тем не менее для балетной публики она выглядит даже более радикально: на пустой сцене только тренированные тела танцовщиков, мощь и энергия которых выглядят сверхчеловеческими в воплощении телесных фантазий Макгрегора.
Но в финале FAR так же, как и привезенных из Перми балетов Стравинского (сопровождение чужого оркестра оказало этой программе медвежью услугу) или невероятно красивого дуэта Сиди Ларби Шеркауи, аплодисменты были гораздо жиже, чем после старомодного американского Bodytraffic и парней из Gauthier Dance с номером, который украсил бы в былые годы шоу Бориса Моисеева. Заманивать зрителей Context научился виртуозно. Но понадобится еще много образовательных программ, чтобы они научились отличать эстрадно-цирковое искусство от хореографического.

На две столицы
Фестиваль Дианы Вишневой в этом году окончательно захватил обе столицы. Если раньше все лучшее доставалось москвичам, то с этого года программа практически дублируется.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вт Дек 05, 2017 6:20 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18376
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Ноя 21, 2017 4:32 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017112104
Тема| Балет, «Ромео и Джульетта»
Автор| Иван Петров
Заголовок| Ромео должен умереть
6 главных постановок балета «Ромео и Джульетта»

Где опубликовано| © ВТБ – России
Дата публикации| 2017-11-21
Ссылка| https://vtbrussia.ru/culture/gabt/romeo-dolzhen-umeret-/
Аннотация|

Очередная балетная премьера в Большом театре — счастливый случай, когда на одной афише оказались имена величайшего драматурга всех времен, великого композитора ХХ века, одного из лучших хореографов нашего времени, а также легендарное название, связанное с множеством мифов и ко многому обязывающее: Шекспир, Прокофьев, Ратманский, «Ромео и Джульетта». Накануне премьеры в Большом — рассказ о новом спектакле и еще пяти знаковых постановках прокофьевского балета.

1940 год, Ленинград

В 1934 году, еще до того, как Сергей Прокофьев окончательно вернулся в Советский Союз, ленинградский ГАТОБ (бывший Мариинский театр) заказал ему новую оперу. Среди предложенных сюжетов была и трагедия Шекспира. Со временем оперный замысел превратился в балетный. Сценарий написали Прокофьев, драматург Адриан Пиотровский и режиссер Сергей Радлов, в то время постановщик нескольких громких спектаклей по пьесам Шекспира. Вместе они, совершенно в прокофьевском духе, задумали хулиганские переделки трагедии, и вот главная из них: в финале спектакля Ромео заставал Джульетту живой — веронские любовники не погибали, а Монтекки и Капулетти примирялись.

Несколько лет партитура пролежала под сукном, а когда ГАТОБ, уже ставший Театром имени Кирова, вернулся к задумке, дотошный хореограф Леонид Лавровский, которому поручили постановку, потребовал хулиганство прекратить: вернуть на место подлинный финал, выбросить одни номера, дописать новые, усилить состав оркестра — сделать все, чтобы получилась настоящая трагедия. Прокофьев сопротивлялся. Танцовщики и оркестранты, не привыкшие к подобной музыке, писали жалобы. По легенде, готовившая партию Джульетты Галина Уланова сочинила двустишие, ставшее знаменитым: «Нет повести печальнее на свете, / Чем музыка Прокофьева в балете». Раздраженный Прокофьев парировал: «Вам нужны барабаны, а не музыка». В день премьеры, 11 января 1940 года, воздух за кулисами искрил.

И все же спектакль показали с большим успехом. Джульетта — Уланова стала символом балета ХХ века, а работу Прокофьева признали одной из лучших балетных партитур, когда-либо написанных. Много позже по мотивам спектакля Лавровского сняли фильм, а сам спектакль, хотя и с некоторыми потерями, до сих пор идет на сцене Мариинского театра.

1965 год, Лондон

Все лучшее, что возникало в советской провинции, очень скоро оказывалось в Москве. В 1946-м ленинградского «Ромео и Джульетту» перенесли в Большой театр, Джульетту вновь танцевала Уланова, к тому времени перешедшая работать в Большой, а Лавровский стал главным балетмейстером театра. Десять лет спустя этот спектакль вывезли на гастроли в Лондон — то была первая зарубежная поездка главного театра Советской страны. Прием был ошеломляющим: британцы ночевали в очередях за билетами на «Ромео», а после спектаклей автомобиль с Улановой в буквальном смысле несли до отеля на руках.

В Европе распространилось нечто вроде «лихорадки “Ромео”»: все ведущие хореографы считали своим долгом поставить балет Прокофьева — и волей-неволей в отдельных чертах повторяли московский спектакль. Королевский балет Великобритании решил поступить честнее: в середине 1960-х туда намеревались перенести версию Лавровского — но советская сторона ответила отказом. Тогда амбициозный молодой хореограф Кеннет Макмиллан решился на собственную постановку и выиграл: спектакль и сегодня остается в числе бестселлеров и по мировой популярности может поспорить с канонической советской версией.

На премьере 9 февраля 1965-го главную женскую партию танцевала Марго Фонтейн. Великая балерина готовилась завершить карьеру: на тот момент ей было 45 лет (заметим, что в роли девочки Джульетты лондонцы когда-то видели 46-летнюю Уланову). Новый творческий импульс ей дали хореография Макмиллана и партнерство молодого Рудольфа Нуреева.

1990 год, Лион

Спектакли Лавровского и Макмиллана — большие балеты-драмы с крепкой драматической режиссурой и пышным историческим оформлением. Более или менее удачное копирование этих двух версий превратилось в повсеместную рутину: на разных сценах мира воздвигались похожие друг на друга арки и лестницы, Ромео в свободной белой рубахе и трико спешил к Джульетте, мечтательно сидящей на балконе в белом хитоне, а на рисованном небе Вероны горели звезды.

Хореографов французской «новой волны» 1970–1980-х, к которым принадлежит и Анжелен Прельжокаж, такой формат спектакля волновал мало. В балете, который Прельжокаж поставил для Лионского балета, танцующие герои окружены не псевдоренессансной архитектурой, а бетонной стеной с колючей проволокой и сторожевыми собаками. В этом тоталитарном государстве царят жесткие порядки: вооруженные дубинками полисмены то и дело вступают в стычки с оборванцами — обитателями мрачного гетто. Никакой вражды двух фамилий в спектакле нет. Бегства из этого мира тоже нет: в последние секунды спектакля Тибальд равнодушно обходит тюремный периметр, внутри которого в объятиях друг друга остались коченеть мертвые Ромео с Джульеттой.

Балет Прельжокажа вызвал протест меломанов: партитура Прокофьева недосчиталась трети всех номеров. Впрочем, волнения вскоре сошли на нет: спектакль быстро завоевал мировой успех, в том числе благодаря киноверсии. Российский зритель мог видеть этот спектакль на гастролях труппы Ballet Preljokaj в Москве в 1999-м.

2008 год, фестиваль Bard SummerScape

На ежегодном фестивале, проходящем под Нью-Йорком, в 2008 году впервые случилось то, что задумывали в Ленинграде в 1930-е хулиганы Прокофьев, Радлов и Пиотровский: Ромео и Джульетта отпраздновали свадьбу. Известный исследователь музыки Прокофьева и композитор Саймон Моррисон отправился в московские архивы, где разыскал клавир (фортепианное переложение) первой редакции балета с пометками для оркестровки — и тщательно восстановил музыку счастливого финала, заодно убрав из оркестра два десятка лишних музыкантов, что попали туда по требованию хореографа Лавровского.

Старую новую музыку доверили хореографу Марку Моррису. Его спектакль не принес пластических открытий и в целом выглядел весьма традиционно. Зато только в нем сегодня можно увидеть и услышать танец трех мавров — свадебный подарок, что преподносит Джульетте ненавистный жених Парис, а также финал, где мертвая Джульетта оживает, монах Лоренцо бьет в колокол и созывает Монтекки и Капулетти подивиться этому чуду и примириться (и здесь можно узнать музыку, которую Прокофьев использовал потом в Пятой симфонии). Кстати, называется спектакль Морриса точно так, как однажды Прокофьеву посоветовали назвать свой балет: «Ромео и Джульетта. По мотивам Шекспира».

2014 год, Антверпен / 2016 год, Екатеринбург

Вячеслав Самодуров, один из ведущих российских хореографов-классиков, придумал поместить действие балета вне конкретной эпохи: его Ромео и Джульетта — артисты, которые приходят на репетицию одноименного балета. Вместе с британским художником Энтони Макилуйэном хореограф придумал единую на весь спектакль декорацию — красную трехъярусную конструкцию, опрокинутую назад: больше всего она похожа на фрагмент шекспировского театра «Глобус», вынутый оттуда, словно кусок пирога. Другая находка, по которой с первого взгляда можно отличить этот спектакль от множества других «Ромео», — костюмы: современного кроя наряды украшены принтами полотен эпохи Ренессанса.

И, хотя в балете Самодурова нет ни арок, ни звездного неба, ни Джульетты в белом хитоне, многие черты канонических версий в нем сохранились — есть и бои на рапирах, и роскошные массовые сцены, и тщательно разработанные, реалистичные игровые эпизоды. Главное же, что Самодуров привнес в «Ромео», — насыщенный танцевальный поток и мощный энергетический заряд. Спектакль можно увидеть в Екатеринбургском оперном театре почти каждый месяц, хотя билеты надо покупать заранее.


2011 год, Торонто / 2017 год, Москва

Нынешняя премьера в Большом театре — долгожданное возвращение на российскую сцену хореографа Алексея Ратманского. «Ромео и Джульетта» был поставлен Ратманским для Национального балета Канады: после премьеры критики единодушно признали спектакль «современной классикой». Действительно, здесь Ратманский работает в привычной ему неоклассической манере, связывая традиционные па в нестандартных комбинациях и темпах. «Ромео», что ныне увидят москвичи, очень близок и британской версии Макмиллана, и балету Лавровского — тому самому, что шел в Большом театре три четверти века назад. И все-таки легко ощутить, что спектакль Ратманского создан в XXI веке — проверить это можно с 22 по 26 ноября на Новой сцене.

Для справки
ВТБ и Большой театр связывают многолетние дружеские отношения. Банк входит в состав попечительского совета театра и некоммерческой организации «Фонд Большого театра», созданной в 2002 году. ВТБ поддерживает все значимые премьеры Большого, такие как «Дама с камелиями», «Иван Грозный», «Евгений Онегин», «Спящая красавица», «Снегурочка», «Ромео и Джульетта», «Легенда о любви», «Манон Леско» и другие.

Фото: РИА Новости, ТАСС, Jean-Claude Carbonne

Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Nata Blovatskaya
Активный участник форума
Активный участник форума


Зарегистрирован: 15.01.2014
Сообщения: 483
Откуда: Бишкек, Киргизия

СообщениеДобавлено: Вт Ноя 21, 2017 7:34 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017112105
Тема| Балет, Балет, Кыргызский национальный академический театр оперы и балета имени Абдыласа Малдыбаева, Персоналии, Мадина Минжилкиева
Автор| Kaktus
Заголовок| Трое детей и три работы балерины Мадины Минжилкиевой
Где опубликовано| © Kaktus media
Дата публикации| 2017-11-21
Ссылка| http://kaktus.media/doc/366345_troe_detey_i_tri_raboty_baleriny_madiny_minjilkievoy.html
Аннотация|

Когда смотришь, как легко и грациозно балерины порхают по сцене, невольно думаешь, что в жизни у них все получается так же легко. Никому не хочется представлять неудобные пуанты и мозолистые от постоянных тренировок ноги воздушных красавиц. Никому не хочется верить, что им приходится часами стоять у станка, оттачивая каждое движение.

Корреспондент Kaktus.media встретилась с примой театра оперы и балета имени А. Малдыбаева Мадиной Минжилкиевой, чтобы узнать про жизнь балерины по ту сторону кулис.

– Я была очень удивлена, когда узнала, что вы - мама троих детей. Наверное, очень сложный выбор, когда с одной стороны семья, а с другой - работа?

– Да, для меня этот выбор всегда был непростым. Но когда я уходила в декрет, то всю себя посвящала семье, а когда приходило время возвращаться на работу, настраивалась на эту волну. Хотя даже в декрете не могла сидеть без дела и думала о работе, пыталась привести себя в форму. Потому что балет - это моя детская мечта.

– Сколько времени вы обычно сидите в декрете?

– Вообще в декрете можно находиться, пока ребенку не исполнится три года. Но так долго я провела дома только после рождения третьего ребенка. С первым сидела одиннадцать месяцев, а со вторым - три месяца.

– Сложно приходить в форму после декрета?

– Конечно, сложно, но с детства у меня, как и у многих других балерин, есть закалка. Мы много работаем, терпим боль, прикладываем неимоверные усилия, чтобы занять свое место на сцене.

В третий раз и восстановление проходило очень тяжело. Иногда сил не было даже на то, чтобы просто ходить, не то что танцевать. Но я этот этап прошла. Хотя в первый месяц после рождения сына казалось, что я не выдержу все это в третий раз.

– Изменился ли ваш подход к работе после рождения детей?

– Да, я стала более ответственной и мудрой. Раньше могла пропустить репетицию из-за лени. А сейчас я себе этого не позволяю. Ведь чем больше я работаю, тем большего результата добьюсь во время выступления.

Еще у меня появилась выносливость. Теперь я могу отыграть весь спектакль, не замечая при этом потерю сил.


Фото: Viktor Rehemäe

– А вы не боялись, что другая балерина займет ваше место, пока вы в декрете?

– Я даже об этом не думала, если честно. Но если человек стремится к чему-то и может этого достичь, то почему бы и нет? Я же не одна должна танцевать. Я за справедливость. Если человек может лучше, то зачем мне занимать его место?

Да и у нас нет в Кыргызстане такого понятия, как "прима". Это где-нибудь в Петербурге или в Москве примы есть. Да, я солистка и мастер сцены, но примой считать себя не могу.

– Ваши дети не чувствуют недостатка вашего внимания из-за того, что вы очень много работаете?

– Они у меня очень самостоятельные. Старшему уже тринадцать лет, он сам делает уроки и помогает бабушке следить за младшими братьями. Они прекрасно справляются. А если возникают какие-то трудности, то рядом с ними всегда есть бабушка, моя мама.

Им очень нравится ходить на мои выступления. Всегда потом говорят мне, какой красивой я была на сцене.

– Сыновьям нравится приходить к вам на работу?

– Да. Я иногда беру их по одному, и им этот мир театра кажется очень добрым и красивым. Они говорят мне, что люди в нашем театре не такие, как за его пределами. Они более тонко чувствующие, более образованные. Меня радует, что они это замечают и имеют шанс расти в такой обстановке.

– Наверное, хотят тоже, как мама, выступать?

– Нет, у них свои увлечения: карате, тхэквондо. Мой старший хочет быть хирургом. С самого детства много читает об этом в интернете. Уже знает, чем лечить простуду или головную боль.

А среднему интересна архитектура. Он хочет что-то строить.

Вот младший постоянно поет, может быть, со временем пойдет по пути моего дяди (Мадина Минжилкиева - племянница Булата Минжилкиева, выдающегося оперного певца. - Прим. Kaktus.media). Любит слушать и подпевать Полине Гагариной. В год и три месяца исполнял "Синюю вечность" Муслима Магомаева.

– А если все же кто-нибудь из них решит заняться балетом, вы разрешите?

– Нет. Это тяжелый труд, к тому же малооплачиваемый. Если бы отправить учиться их за границу, то, может быть, был бы толк, а здесь - нет. Я как солистка, заслуженный артист и мастер сцены получаю очень скромную зарплату в театре, на которую нереально прокормить семью. Из-за этого приходится работать еще на трех работах: занимаюсь с детьми, преподаю боди-балет. И хотя мне эти работы тоже нравятся, но я же не робот. Из-за усталости не всегда получается полностью показать себя в театре.

Из-за такого ритма многие травмы, полученные во время репетиций, заживают дольше. Некоторые дают о себе знать спустя несколько лет.

У нас в театре нет даже массажиста. А он очень нужен. У артистов балета во время танца иногда забиваются мышцы, а потом очень болят. Профессиональная помощь была бы кстати. А так приходится самим разминать их, ходить в парилки.

– Уехать не хотели?

– Хотела и возможности были. Но я не хочу бросать детей. И перевозить их с места на место тоже не хочу.

Я очень люблю свою работу и этот театр. Но я также понимаю, когда многие талантливые артисты уезжают отсюда или меняют профессию, чтобы зарабатывать больше.

– А есть ли у вас любимая партия?

– Да, мне очень нравится роль Айдай в балете "Чолпон". Там героиня перевоплощается из злой старушки в прекрасную девушку. Еще мне нравится Китри из "Дон Кихота".

Но самая большая мечта - это станцевать партию Жизель. В ней очень много эмоций.

– Самая запоминающаяся партия за последнее время?

– Это партия Толгонай из "Материнского поля". Я танцевала ее год назад. Должна была танцевать в этом году тоже, но повредила ногу и из-за этого уже не успею подготовить эту партию как следует. А к такой роли нельзя относиться несерьезно.
Эта партия сама по себе для меня была эмоционально очень тяжелой. Судьба этой женщины стала мне так близка, что как только, даже после репетиций, я думала о ней, то сразу на глаза наворачивались слезы.

– Скажите, а балерины сидят на диете или как-то еще ограничивают себя, чтобы добиться желанной роли, стать лучшей?

– Я против диет. Считаю, что нужно есть нормально, но в меру. Во время репетиций и спектаклей ты, в принципе, и так сожжешь все лишние калории. А если есть мало, то сил на работу совсем не будет.

Есть ограничения иного плана. К примеру, очень часто я не могу себе позволить просто погулять с друзьями. Во-первых, это из-за моей сильной занятости, а во-вторых, наша зарплата не позволяет ее тратить так легкомысленно.

– Балерины очень редко выступают до преклонных лет. Вы задумывались, что будете делать, когда придет время уйти из балета?

– Да, я сейчас уже начинаю планировать, чем займусь. Мне очень сложно представить свою жизнь без театра, но думаю, что буду преподавать. Еще хочется открыть что-то свое.

Я понимаю, что не вечная и танцевать долго не смогу. Хочу уйти красиво. Чтобы меня запомнили. Чтобы не говорили, что я уже слишком стара и мне здесь давно не место.

Нужно уходить красиво и вовремя.

ВСЕ ФОТО ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3566

СообщениеДобавлено: Ср Ноя 22, 2017 2:37 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017112201
Тема| Балет, БТ, «Нуреев», Персоналии, Юрий Посохов, Кирилл Серебренников
Автор|
Заголовок| Хореограф Юрий Посохов сообщил, что приступил к репетициям балета "Нуреев"
Где опубликовано| © РИА «Новости»
Дата публикации| 2017-11-17
Ссылка| https://ria.ru/culture/20171117/1509040032.html
Аннотация| премьера

Известный хореограф Юрий Посохов сообщил РИА Новости, что в пятницу приступил к репетициям балета "Нуреев" для подготовки спектакля к премьере.

"Нуреев" должен был стать последней премьерой 241-го сезона Большого театра в постановке творческой команды, которая в позапрошлом сезоне создала балет "Герой нашего времени", признанный лучшим балетным спектаклем сезона и удостоенный национальной театральной премии "Золотая маска". Однако премьеру балета "Нуреев" в постановке режиссера Кирилла Серебренникова перенесли с 11 июля нынешнего года на май 2018 года.
Гендиректор Большого театра Владимир Урин ранее рассказал, что вопрос о сроках выхода спектакля "Нуреев" должен был решиться после встречи с Серебренниковым в сентябре. В итоге было решено, что премьерные показы балета "Нуреев" пройдут 9 и 10 декабря. Серебренников дал согласие театру на то, что, если ситуация с его задержанием не разрешится, спектакль "Нуреев" может быть доведен до премьеры хореографом Юрием Посоховым.
"Я сегодня первый день, только приступаю к репетициям. Могу только сказать, что никаких изменений или сокращений и с точки зрения хореографии, и с точки зрения режиссерской работы не будет. Все останется в том варианте, который был готов в прошлом сезоне", — сказал Посохов.
Басманный суд Москвы 23 августа поместил худрука "Гоголь-центра" Серебренникова под домашний арест по делу о мошенничестве. Защита предлагала отпустить режиссера под залог или поручительство. Режиссер отбывает домашний арест в своей квартире на улице Пречистенка в центре Москвы. Суд позволил режиссеру во время домашнего ареста посещать театр, но только с разрешения следователя.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3566

СообщениеДобавлено: Ср Ноя 22, 2017 2:39 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017112202
Тема| Балет, БТ, «Ромео и Джульетта», Персоналии, Алексей Ратманский, Ричард Хадсон, Екатерина Крысанова, Владислав Лантратов
Автор|
Заголовок| Большой театр представит в среду премьеру балета "Ромео и Джульетта"
Где опубликовано| © РИА «Новости»
Дата публикации| 2017-11-21
Ссылка| https://ria.ru/culture/20171121/1509285992.html
Аннотация| премьера

Большой театр представит на Новой сцене в среду, 22 ноября, новый спектакль сезона — балет Сергея Прокофьева "Ромео и Джульетта" в постановке Алексея Ратманского, во вторник состоялась генеральная репетиция.

Вместе с хореографом над постановкой работали автор сценографии и костюмов Ричард Хадсон, художник по свету Дженнифер Типтон, дирижер-постановщик Павел Клиничев.
Ратманский — постоянный хореограф Американского театра балета — свой человек в ГАБТ, где с 2004 по 2009 год он возглавлял балет. Ратманский поставил на этой сцене не один спектакль, некоторые из них, например, "Светлый путь", "Пламя Парижа", "Русские сезоны", до сих пор в репертуаре ГАБТ и пользуются большой популярностью.


"Ромео и Джульетта"
Балет "Ромео и Джульетта Ратманский впервые поставил в 2011 году в Торонто по заказу Национального балета Канады. В Большом театре он представляет именно эту постановку.
Хореограф сохранил шекспировский сюжет печальной повести Ромео и Джульетты, исторический колорит Италии эпохи Возрождения и использовал всю партитуру Прокофьева без купюр.
"Когда начинаешь работать с музыкой, невозможно ей эмоционально не отвечать, даже если ты не поклонник Прокофьева или музыки ХХ века. Такие формулы, такие мелодии, такая музыкальная драматургия, что остаться равнодушным просто невозможно, — сказал Ратманский накануне московской премьеры.


О вечной истории любви
По словам руководителя балета ГАБТ Махара Вазиева, спектакль Ратманского очень интересный, технически насыщенный и эмоциональный.
"Ратманскому удалось, с одной стороны, сохранить саму эпоху, а с другой — придать динамизм с учетом его хореографии, дать свое прочтение этой вечной истории любви, главного, что у нас есть", — сказал Вазиев.
Заглавные роли Ромео и Джульетты танцуют балерина Екатерина Крысанова и премьер Владислав Ландтратов — танцовщики, чья карьера в Большом театре начиналась в период работы здесь Ратманского.
"Вместе с хореографией Ратманского я выросла в театре, он вырастил меня как балерину. Его хореографический язык мне близок и понятен", — сказала накануне премьеры Екатерина Крысанова. "Его хореография очень музыкальна, в ней множество нюансов — неиссякаемая возможность работать и постигать все тонкости его искусства", — добавила она.
"Алексей Ратманский — первый хореограф, который меня заметил, который начал со мной работать, у меня с ним очень добрые, доверительные отношения. И я рад, что сегодня он в Москве, в Большом театре, и мне доверена роль главного героя — Ромео", — сказал Владислав Лантратов.

Сценическая красота
Не только прекрасна хореография, в которой отражен каждый нюанс музыки Прокофьева, блистательно искусство артистов, но и восхищает необыкновенная сценическая красота, создатель которой художник Ричард Хадсон.
"Приступая к этой работе, я много занимался исследованием, изучал книги, посвященные эпохе Возрождения в Италии, — сказал Хадсон. — Я взял за образец работы художника-символиста 1920-х годов, который брал идеи Возрождения, немного упрощал их и делал более символическими в своей живописи. И такими получились мои декорации — простыми, яркими, выразительными. И на их фоне существуют детально разработанные костюмы, отсылающие нас к эпохе Возрождения".
По словам художника, он привнес некоторые изменения в московский спектакль, которые оказались к лучшему, — убрал некоторые детали, которые показались ему лишними, а что касается костюмов, постарался, чтобы они больше шли героям и чтобы артистам было в них свободно двигаться.
"Не могу не сказать несколько восторженных слов о мастерских Большого театра — очень удобных, прекрасно оборудованных, с естественным светом, где трудятся настоящие таланты", — отметил Хадсон.

Премьерные спектакли пройдут 22-26 ноября.

Главные партии репетируют: Екатерина Крысанова, Анастасия Сташкевич, Евгения Образцова (Джульетта), Владислав Лантратов, Вячеслав Лопатин, Семен Чудин (Ромео), Игорь Цвирко, Антон Савичев, Артур Мкртчян (Меркуцио).
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18376
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Ноя 22, 2017 11:38 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017112203
Тема| Балет, Пятый международный фестиваль современной хореографии «Context. Диана Вишнева»
Автор| Игорь Ступников
Заголовок| Знакомцы старые и новые
Где опубликовано| © "С.-Петербургские ведомости"
Дата публикации| 2017-11-22
Ссылка| https://spbvedomosti.ru/news/culture/znakomtsy_starye_i_nbsp_novye/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ


Дрю Джейкоби и Мэтт Фоли в миниатюре «Я полюблю тебя». ФОТО Николая КРУССЕРА

Пятый международный фестиваль современной хореографии Context. Diana Vishneva показал немало интересного в современной хореографии, ее поиски, направления, взаимодействие с классическим танцем. Зрители увидели премьеру балета «Нижинский» в постановке Марко Геке, молодые хореографы стали участниками программы Context. Lab и многочисленных мастер-классов.

Для гала-концерта в Мариинском театре Диана Вишнева выбрала работы прославленных мастеров современного танца. Алексей Ратманский поставил для Национального балета Нидерландов одноактную миниатюру на музыку Фортепианного концерта № 1 Дмитрия Шостаковича. Исполненная радости, юмора, света, музыка продиктовала и хореографическое решение спектакля - быструю смену пластических рисунков, легкость высоких поддержек в дуэтах, вихревые вращения в вариациях. Труппа продемонстрировала филигранную технику, умение воплотить в танце эмоциональный отклик на музыку.

Хореографические сочинения Сиди Лабри Шеркауи не впервые появляются на петербургской сцене, всегда поражая зрителей новизной сюжета, смелостью выбора исполнителей. На этот раз в исполнении американских танцовщиков Дрю Джейкоби и Мэтта Фоли зрители увидели лирическую новеллу «Я полюблю тебя» - дуэт-признание, окрашенный дымкой грусти и робкой надеждой на счастье.

«Змеи и лестницы» - такое название дал своему опусу американский хореограф Джастин Пек. Как всегда, рисунок его дуэтов непредсказуем, в них классический танец неожиданно прерывается пластическими изломами, кантилена движений - взрывами прыжков и туров. У исполнителей этой миниатюры Жаннетт Дельгадо и Дениса Савина тонкая фактура и чистота линий сочетаются с силой и энергией, а динамизм - с прозрачной и бесшумной легкостью.

Английский хореограф Уэйн Макгрегор хорошо знаком петербуржцам, его балет «Инфра» включен в репертуар Мариинского театра. Стихия Макгрегора - современный танец в самом широком понимании этого термина, и поначалу не все балетные труппы воспринимали его стиль. Но в итоге под натиском его творческой энергии сдался даже Королевский балет Великобритании, оплот английской рафинированной классики. В миниатюре-дуэте «Свидетель» выступили Герман Карнехо и прославленная итальянская балерина Алессандра Ферри, которая, несмотря на солидный возраст, поразила зрителей выразительностью пластики, экспрессией жеста.

Балетная труппа Пермского театра оперы и балета привезла в Петербург одноактный балет «На части», созданный хореографом Гийо Монтеро на музыку Вагнера и Оуэна Белтона. Суровая стихия военного времени охватила сцену: гибель близких, трагические утраты, солдатское мужество - все это ярко проявилось в исполнении солистов и великолепно слаженного кордебалета.

В программе вечера было немало юмора. Хореограф Алехандро Черрудо сочинил для трех дюжих парней забавное трио-поединок, где каждый танцовщик поочередно демонстрировал свое мастерство. Маурус Готье, Розарио Гуэрра и Давид Родригес возникали в молниеносно меняющихся ракурсах, ритмах, плоскостях, своеобразных позах-иероглифах. Весь номер воспринимался как шутка, как баловство здоровых жизнерадостных людей.

Явно под влиянием картин Марка Шагала создал свою хореографическую зарисовку «Зеленая невеста» хореограф Барак Маршал. Под мелодию еврейских народных песен на сцене кипело и шумело еврейское местечко. Веселье сменялось перебранками, выбор невесты - спорами и обидами. Иногда танец прерывался и к рампе выходила пара влюбленных: жених с помощью микрофона подробно объяснял будущей жене, как нужно готовить блюда из рыбы или телятины.

Фестиваль Context. Diana Vishneva показал неограниченные возможности современной хореографии, ее выразительность и своеобразие.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18376
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Ноя 22, 2017 7:13 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017112204
Тема| Балет, Пятый международный фестиваль современной хореографии «Context. Диана Вишнева»
Автор| павел Ященков
Заголовок| В Москве и Санкт-Петербурге завершился фестиваль современной хореографии Context
На «Контексте» Дианы Вишневой поиграли с «чертовой клоунадой»

Где опубликовано| © Московский Комсомолец
Дата публикации| 2017-11-22
Ссылка| http://www.mk.ru/culture/2017/11/22/v-moskve-i-sanktpeterburge-zavershilsya-festival-sovremennoy-khoreografii-context.html
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Международный фестиваль современной хореографии Context не зря носит имя Дианы Вишневой. Звезда классического танца мало того, что организовала его пять лет назад (так что фест в этом году отмечал своеобразный юбилей), она всегда интересовалась танцем современным, перетанцевала балеты чуть ли не всех значимых хореографов современности и потому, превратив фестиваль едва ли не в один из самых влиятельных из многочисленных форумов современного танца у нас в стране, обдуманно относится и к составлению его программы.


Балет "Нижинский". Фото: Ирина Григорьева

Помимо спектаклей Context это еще и кинопоказы (самым интересным из фильмов фестиваля оказался фильм американских режиссеров-документалистов Дэвида Барба и Джеймса Пеллерито «Марсело Гомес: анатомия танцовщика»), творческие встречи (на этот раз с хореографом резидентом Американского Балетного Театра (ABT) Алексеем Ратманским), мастер-классы (помимо других, уникальный мастер-класс Самуэля Вюрстена по технике Мерса Каннингема), лекции (ведущего критика Le Monde Розиты Буассо по истории современного французского танца). И конечно Context Lab – своеобразная мастерская молодых хореографов, потому что и задумывался фестиваль Дианы Вишневой в том числе и для появления в пространстве современного танца новых имен.

Событиями фестиваля стал приезд труппы из Штутгарта Gauthier Dance со спектаклем «Нижинский», показ в рамках гала-концертов фрагментов из балетов одного из самых значительных современных хореографов Уэйна Макгрегора и вечер «Балетов Стравинского», что привез на фестиваль коллектив Пермского балета под руководством Алексея Мирошниченко.

Начнем с «Нижинского». Кто только из хореографов не обращался к богу танца в своем творчестве. Лучше других воплотили эту фигуру в своих балетах Морис Бежар и Джон Ноймайер, но Гекке ухитрился рассказать о гениальном танцовщике на своем собственном оригинальном языке..

Есть искушение сравнить этот балет с неосуществленным пока проектом «Нуреев» (от этого сравнения не удержалась и сама Диана Вишнева на пресс-конференции). Действительно и тот, и другой, балеты биографические. И тот, и другой последовательно рассказывают о жизни танцовщиков, причем жизни не только творческой, но и личной. И в том, и в другом случае не обойдена фигурой умолчания тема гомосексуальности, присутствующая в жизни и того и другого артиста. С той только разницей, что в отличии от довольно невинного в этом отношении балета «Нуреев» (насколько можно об этом судить по достаточно объемным фрагментам из этого балета с прогона опубликованным нашей газетой), в балете Гекке эта тема выявлена с шокирующей откровенностью. И хотя там не присутствует обнаженных фотографий танцовщика (у Нижинского их и не было, на сцене висит лишь фотография Нижинского-ученика императорской балетной школы) хореографически эта тема в балете Гекке выражена чуть ли не с физиологической натуралистичностью. Например, помимо рук, на работе которых в сущности построен весь балет, в сцене с Дягилевым, а в еще большей степени в сцене с одноклассником Исаевым, задействован язык (надо отметить, что на спектакле этим обстоятельством никто из зрителей шокирован не был).

Тем не менее сравнивать эти балеты не имеет смысла именно из-за новизны и необычности хореографического языка Гекке, который в отличии от довольно традиционного языка хореографа Юрия Посохова и традиционных режиссерских приемов Кирилла Серебренникова, очень необычен и своеобразен. Даже тема творчества Нижинского выражается тут не только с помощью обращения к его знаковым балетам – «Послеполуденному отдыху фавна», «Петрушке», «Видению розы». Теме Дягилева и Нижинского тут предшествует тема рождения искусства. Это первая часть балета, где героями являются не обычные люди, а «нечто» таинственное, какое- то «божественное начало» ассоциируемое с музой танца Терпсихорой и её окружением, крылатыми созданиями, которые напоминают бабочек и стрекоз.

Да и обращение к балетам, знаковым для творчества Нижинского, опять же, выражается не банально, с помощью узнаваемых движений из этих балетов и костюмов (для «Петрушки» это просто белый воротник, для «Видения розы» это лепестки которые прилеплены на руках танцовщика и которыми «взрывается» в этот момент вся сцена), а именно пластически, с помощью уникального языка движений.

Гекке изобретатель этого языка. Весь балет в основном построен у него на движениях рук. Очень ломанных, очень «маленьких» и компактных», где нет высоких подъемов ног и больших прыжков. Гекке вообще интересна только верхняя часть тела. Ноги в его «системе» совсем не важны. Главное тут корпус (который именно поэтому в его балетах танцовщики обычно обнажают) и четкая и быстрая работа рук.

Из самых интересных событий фестиваля и хореография МакГрегора – одного из самых модных и продвинутых современных балетмейстеров. Хореограф-резидент лондонского Королевского Балета, известен не только тем, что ставил движения к блокбастеру «Гарри Поттер и Кубок огня». Мастер с мировым именем испытывает давний интерес ко всякого рода научным опытам: один из его балетов исследовавший связь мозга и тела возник из сотрудничества с нейробиологами Кембриджского университета. В другом он использовал кардио-сканер, исследуя одновременно и физические свойства, и символический резонанс человеческого сердца. «Chroma», один из лучших проектов Большого театра периода правления Сергея Филина, изучала оптические эффекты, а, кроме того, проводила «изощренное, экстремальное исследование человеческого тела» и движения. О том же «Инфра» в Мариинке.

Вот и идея постановки балета FAR, как это нередко бывает у МакГрегора, пришла ему в голову благодаря книге британского ученого Роя Портера «Плоть в эпоху разума» - истории исследования тела и души в XVIII веке – времени, когда произошел прорыв в медицине и со всей очевидностью встал вопрос о месте духовного в человеческом теле. Собственно, «изощренным, экстремальным исследованием человеческого тела» и духовного в нем начала - МакГрегор постоянно и занимается. В том числе и в балетах представленных на фестивале. Хотя 25-минутный фрагмент из постановки FAR, как говорят люди, видевшие балет целиком, несколько проигрывает цельному спектаклю с декорациями, что был показан несколько лет назад в Санкт-Петербурге.

Однако и показанные фрагменты произвели сильное впечатление. Как и дуэт «Свидетель» (это тоже отрывок из балета Макгрегора Witness) в исполнении прославленной балерины Алессандры Ферри и ее партнера премьера ABT Германа Корнехо. Ферри вернулась на сцену после долгого перерыва и уже по окончании карьеры классической танцовщицы. Можно было только удивляться завораживающей пластике балерины и её партнера и поражаться форме, которую танцовщица сумела сохранить, так долго не выходя на сцену. А её эксперимент в современном танце заслуживает безусловного восхищения.

Показанный в рамках фестиваля вечер «Балетов Стравинского» не стал номинантом «Золотой маски», хотя, кажется, имеет для этого все основания. Он продолжил тему дягилевских балетов на фестивале. В этой программе пермского театра объединены три балета: «Поцелуй феи» в хореографии Вячеслава Самодурова, «Петрушка» Владимира Варнавы и «Жар-птица» самого худрука Пермского балета Алексея Мирошниченко.

У Вячеслава Самодурова проблемы все те же самые: умеющий сочинять изысканную и красивую хореографию, которой он и снабдил некоторые (отнюдь не все) сцены (особенно хорошо получилось белое адажио) балетмейстер не силен рассказывать на сцене истории и разрабатывать драматургию спектакля. Утомляют и бесконечные хореографические само повторы-клише, что Самодуров переносит из спектакля в спектакль, цитирования Баланчина и Ролана Пети (привет «Арлезианке»). Лучшее в этом спектакле это оформление придуманное в умилительно-детском стиле художником-постановщиком Энтони Макилуэйном, всегдашним соавтором Самодурова в последнее время.

Умилительно-детским выглядел и спектакль Владимира Варнавы «Петрушка», в роли которого должна была выступать сама Вишнева, но по рекомендациям врачей отказалась. При этом сделанная с детской непосредственностью, которая очень идет этому балету, помещенная в цирковое пространство, «чертова клоунада» (так назвал свой спектакль сам постановщик) целиком укладывается в концепцию, придуманную для спектакля его создателями (Бенуа, Фокиным, Дягилевым, Стравинским). Заимствований у того же Ролана Пети и тут хватает. Например, у французского балетмейстера Варнава «подтибрил» сцену с веерами, которую тот поставил для своей жены Зизи Жанмер.

Цитатами из других авторов переполнен и балет Алексея Мирошниченко «Жар-птица», но в данном случае такова задумка хореографа, ведь перед нами не просто балет, а занимательнейшее путешествие по хореографическим стилям и эпохам XX и XXI века. Путешествие из нашего времени в прошлое начинается от современных хореографов – Акрам Хана, Начо Дуато, Форсайта, и таким образом в обратном направлении движется до первосоздателя балета «Жар-птица» Михаила Фокина в финале балета. То есть в балете представлены стили и харктерный язык тех хореографов, без которых невозможно представить историю хореографического искусства. И пусть балетмейстер немного путается в хронологии (перед Бежаром и его «Весной священной» у Мирошниченко идет неоклассика Баланчина, но поскольку мы путешествуем в обратном направлении, должно бы быть наоборот) или его Пину Бауш в хитонах и с красной тряпкой запросто можно перепутать с Айседорой Дункан и её красным флагом (которым босоножка эпатировала в Америке обывателей и восхищала в России большевиков) нестыковки охотно ему прощаешь, ради той занимательной игры, что он придумал для зрителей. Более креативного хореографа, который все время сочиняет для своего очередного спектакля что-то необыкновенное, в российском театральном пространстве, кажется, не существует.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вт Дек 05, 2017 6:23 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18376
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Ноя 22, 2017 7:36 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017112205
Тема| Балет, конкурс Youth America Grand Prix, Парижская опера, Персоналии, Элизабет Платель
Автор| Андрей Аврамчук
Заголовок| Элизабет Платель
Где опубликовано| © La Personne
Дата публикации| 2017-11-19
Ссылка| https://www.lapersonne.com/post/elisabeth-platel-interview
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

La Personne встретился с директором Балетной школы Парижской оперы Элизебает Платель в Париже на конкурсе Youth America Grand Prix. О трендах в технике конкурсантов, эволюции в балете и традициях школы Парижской оперы читайте в нашем интервью.



Что вы думаете об уровне участников в этом году?

Пока что мы не видели всех участников, а только доконкурсную группу и несколько мальчиков. Но мне кажется, что уровень не сильно изменился по сравнению с прошлым годом.

У меня только что был урок с девочками 15-16 лет. Что касается конкурсантов, которые занимаются профессионально или в частных школах, техника хороша, но иногда основы не так проработаны. В их движениях нет атаки, потому что они хотят ногу повыше поднять или сделать побольше пируэтов. И, если честно, такую же проблему я вижу и в своих студентах.

Это тренд последних лет?

Я начала это наблюдать недавно, да. Поэтому в своей работе я возвращаюсь к старым техникам. В этом смысле нам очень повезло, ведь мы – школа традиций, а еще у нас есть труппа, чей репертуар нам помогает. Мы готовим студентов по этому репертуару, таким образом сам репертуар эволюционирует, а за ним эволюционирует и балет.

У Youth America Grand Prix за плечами огромная история, но в чем вы видите основную миссию конкурса сейчас?

Обеспечить встречу студентов и преподавателей. Как директора мы, конечно же, ищем людей, которые могли бы присоединиться к нашим школам. Необязательно потому, что они лучшие, больше потому, что они подходят школе, а школа подходит им.

На конкурсе очень много талантливых участников, но самое главное – найти кого-то, кто будет счастлив с твоей школой. Очень часто студенты мечтают попасть в определенную школу, но не соответствуют ее типу. Из-за этого им становится неприятно учиться, и сама учеба будет не так эффективна. Именно поэтому жюри представлено директорами самых разных школ, чтобы определить, кто куда больше подходит.

Как бы вы определили критерии вашей школы?

Мы, конечно же, школа французского балета: с особым вниманием на ноги, виртуозность и чистоту движений. Итальянцы, например, предпочитают больше движений, больше огня. Русские больше спину и руки. Нельзя сказать, что что-то из этого лучше другого, но когда ты видишь вышедшего на сцену конкурсанта с невероятной чистотой движений, ты понимаешь – это французский стиль. Словно французская философия: чистая, логичная, но также и немного латинская, поэтому огонь мы тоже любим.

Как этот конкурс может повлиять на будущее участников?

В первую очередь, это выход на сцену. Когда выходишь на настоящую сцену, ты автоматически делаешь большой прорыв, поднимаешься по профессиональной лестнице. С момента, когда ты сделал свою первую вариацию на сцене, ты начинаешь новый этап в своем развитии как артист.

К сожалению, иногда победители крупных международных конкурсов не добиваются той славы и мастерства, которых от них ожидаешь. Иногда они и вовсе исчезают со сцены. Почему, вы думаете, так происходит?

Это балетная жизнь. Балетные соревнования и сам балет – две абсолютно разные вещи. Конкурсы нужны, чтобы развиваться, а не побеждать. Я участвовала всего лишь в одном конкурсе в Варне. Для меня это была возможность поработать над шестью вариациями и представить их жюри. Я не ставила себе цель победить. Конечно, я получила медаль, но не золотую. А в конце концов стала этуалью.

Конкурс – это всего один день. Гораздо более важно, что ты делаешь до конкурса и после него. Неважно, победив на нем или нет. А еще многое зависит от преподавателя, он тоже должен хорошо понимать смысл конкурса.

Как бы вы описали уровень балета сегодня?

Когда я присоединилась к труппе в 1976 году, все говорили, что балет мертв. Сейчас 2017 год, и балет все еще жив. Это все еще что-то, что нравится людям. Во Франции в 80-х годах мы испытали сильный рост популярности современного танца, но классический балет никогда не терял свой статус. Что нам нужно сегодня – это сильные личности, как в поколении Нуреева. У нас много хороших артистов, но почти все они одинаковы, а должны быть разными. Даже в моей школе, где мы обучаем всех примерно одинаковым техникам, студенты должны выделяться, быть уникальными. Быть как все – это легко и безопасно, а вот быть уникальным – гораздо труднее и рискованнее.

Какая балетная школа, по вашему мнению, сегодня лучшая в мире?

Я бы сказала, что я очень счастлива, работая в Балетной школе Парижской оперы, это моя любимая школа, моя семья. И я никогда не покину эту школу.

===============================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18376
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Ноя 22, 2017 10:12 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017112206
Тема| Балет, МАМТ, Персоналии, Лоран Илер
Автор| Татьяна Кузнецова, Елена Пушкарская
Заголовок| «Мы не приглашаем артистов со стороны»
Лоран Илер о премьерах Музтеатра Станиславского

Где опубликовано| © "Коммерсантъ" от 22.11.2017, 21:09
Дата публикации| 2017-11-22
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/3475155
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Фото: Анатолий Жданов / Коммерсантъ


На этой неделе две главные балетные труппы Москвы представляют свои премьеры. В среду на Новой сцене Большого театра впервые в России был показан балет Прокофьева «Ромео и Джульетта» (2011) в постановке давнего любимца Москвы Алексея Ратманского. Музыкальный театр имени Станиславского и Немировича-Данченко придерживается иной стратегии: он сделал ставку на неизвестных широкой публике хореографов, чьи балеты в эту субботу будут представлены впервые в России. Татьяна Кузнецова и Елена Пушкарская расспросили художественного руководителя балетной труппы музтеатра Лорана Илера о новом вечере одноактных балетов «Баланчин. Тейлор. Гарнье. Экман» и о его дебюте в качестве хореографа в Риме.


— Вы показываете уже второй вечер одноактных балетов. С программой «Лифарь, Килиан, Форсайт» все понятно. Эти хореографы — центральные фигуры ХХ века. С программой «Баланчин. Тейлор. Гарнье. Экман» не все так очевидно. Объясните ваш выбор.

— Четыре разных хореографа, каждый рассказывает что-то свое об истории балета — по-моему, это само по себе потрясающе. Я был поражен, узнав, что наша труппа (Музтеатра Станиславского.— “Ъ”) никогда не танцевала Баланчина. И выбрал его ранний, самый романтичный балет — «Серенаду» 1934 года. Великая хореография, прекрасная музыка, двадцать женщин — зачем отказываться от такой возможности? К тому же, подготовив два состава, можно занять большинство женщин труппы.

— Как раз «Серенаду» в России ставили довольно часто. А вот Пола Тейлора впервые. Почему вы выбрали именно его?

— Тейлор — ведущая фигура американского танца модерн. Вообще-то модерн — это такая мода, которая может выйти из моды. Но не «Ореол» Тейлора. Он создан в 1962 году, это была потрясающая эпоха в истории США. И балет тоже потрясающий — такой солнечный! Эти прыжки, эти особенные руки. И музыка Генделя. «Ореол», конечно, вписан в историю балета.

— Молодого шведа Александра Экмана тоже впервые ставят в России.

— О, Александр — маг и волшебник театральности. Он умеет играть со всем, что попадает ему в руки. «Тюль» на музыку Микаэля Карлссона поставлен пять лет назад, это взгляд современного человека на классический балет. Взгляд уважительный, с пиететом, но и с мягкой иронией. В «Тюле» все очень академично, даже чрезмерно: соблюдаются все позиции, все каноны. При этом Александр остроумно вышучивает балетные клише и штампы.

— А «Онис» Гарнье — ваша дань Франции?

— Этот балет всего на 12 минут, но он очень любопытен. Хореография конца 1970-х, времени поисков во французском балете, попыток уйти от неоклассики. В «Онисе» чувствуется влияние фольклора, Алвина Эйли (хореографа, создателя Американского театра танца Алвина Эйли, первой негритянской труппы США.— “Ъ”). Балет для трех мужчин — хороший контраст с женской «Серенадой», я хотел дать возможность молодежи проявить себя. Мы не приглашаем артистов со стороны — это мой принцип. Я считаю, что в труппе потрясающие солисты, которые работают с огромным аппетитом и раскрываются в новом репертуаре с совершенно неожиданной стороны. В этом вечере, показывающем развитие балета с 1934 по 2012 год, им есть что танцевать.

— Для такого репертуара классической труппе надо было выучить новые языки. Освоили ли их артисты? Будут ли эти балеты похожи на оригиналы?

— Когда Пол Тейлор ставил свой балет в Парижской опере — а я участвовал в этой постановке,— он не ждал, что классическая труппа затанцует, как его собственная, модернистская. Но он считал, что это отличный опыт — и для артистов-классиков, и для его хореографии, которая получит от них новые краски. Энди Ле Бо — он ставит здесь «Ореол» — очень доволен нашими артистами, их эмоциональностью и качеством работы. А Брижит Лефевр — она приехала репетировать «Онис», поскольку работала вместе с Гарнье,— была просто потрясена. Она сказала, что в исполнении наших ребят увидела те нюансы хореографии, которые не видела много лет. Но, как говорят во Франции, не будем «продавать» этот вечер заранее, чтобы не убить результат. В конце концов, все решают зрители.

— Мнение публики для вас — главный критерий?

— Я полностью доверяю русским зрителям, в Москве они поразительные — умные, эмоциональные, открытые. Перед выпуском первой программы меня пугали консерватизмом московской публики, говорили: «Зачем показывать Форсайта?» Но был такой горячий прием, что теперь я не слушаю скептиков.

— Говорят, на следующий сезон у вас будут еще две премьеры одноактовок. Вы предпочитаете такой формат многоактным балетам или это просветительская миссия?

— Я не собираюсь никого учить, я просто выбираю то, что считаю красивым, интересным и значительным. Что до многоактных балетов, то сегодня слишком мало хореографов, которые их хорошо ставят. Но в будущем у меня есть такой проект. И, конечно, мы несем ответственность за те большие классические балеты, которые у нас в репертуаре: мы должны делать все, чтобы они выжили. Ведь времена стремительно меняются, техника эволюционирует, восприятие тоже, и мы должны быть очень внимательны для того, чтобы в этих спектаклях не потерять контакт со зрителями.

— Вашим артистам все время приходится обживать «чужую одежду» — учить готовую хореографию. Не хотите ли вы пригласить балетмейстера на оригинальную постановку?

— Хочу. Но не будем забегать вперед, пока это в проекте.

— Вы и сами начали ставить — в Римской опере состоялась премьера «Дон Кихота». В афишах так и написано: «хореография Лорана Илера , навеянная оригинальной версией Михаила Барышникова». Как это может быть при живом постановщике?

— От Миши я получил полный карт-бланш. Он мне сказал: ты полностью свободен, делай что хочешь — можешь добавлять или убирать танцы. Для меня его разрешение было очень важно, чтобы не чувствовать себя подавленным этой фантастической хореографией. Ведь это мой первый опыт в качестве хореографа. Настоящий вызов и в то же время большая честь — я был польщен, когда Элеонора (директор балета Римской оперы Элеонора Аббаньято.— “Ъ”) предложила мне сделать хореографию к «Дон Кихоту» Барышникова.

— Чем ваша редакция отличается от его версии?

— Это другой балет, я действительно многое переделал: адажио второго акта, финалы, «Сон» с дриадами, сегидилью, поставил сцену у цыган, фанданго, которых не было у Миши. Раньше «Дон Кихот» был для меня частью собственной истории: я танцевал в Парижской опере балет Нуреева, прекрасно его знаю. Но за время работы в Москве я изучил весь репертуар Музтеатра Станиславского, видел русские версии классических балетов. Здесь другой подход к классике, другие закономерности — и это на многое открыло мне глаза. В Риме я постарался использовать весь свой опыт. В то же время мне было важно сохранить дух хореографии Барышникова и, конечно, его прекрасную собственную вариацию с бокалами в таверне.

— Рубикон перейден: вы поставили свой первый балет. Не собираетесь ли теперь повторить опыт в Музтеатре Станиславского?

— Не знаю, поставлю ли я еще какой-нибудь балет в своей жизни. Римская постановка была запланирована до того, как я стал худруком Музтеатра Станиславского. Работа в Риме стала для меня настоящим открытием и возможностью понять на собственном опыте, что значит быть хореографом. Ведь танцевать, передавать артистам готовую хореографию и сочинять самому — это три разных рода деятельности. Могу сказать одно: прежде всего я педагог-репетитор и руководитель труппы. И в ближайшие сезоны в Москве ставить не собираюсь.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вт Дек 05, 2017 6:36 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9  След.
Страница 5 из 9

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика