Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2017-10
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17581
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Окт 28, 2017 11:27 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017102801
Тема| Балет, Беларусь, Персоналии, Валентин Елизарьев
Автор| Юлия ЧУРКО
Заголовок| Талант 70–летней выдержки
30 октября народный артист Беларуси и СССР Валентин Елизарьев отметит свой 70-летний юбилей

Где опубликовано| © СБ БЕЛАРУСЬ СЕГОДНЯ
Дата публикации| 2017-10-27
Ссылка| https://www.sb.by/articles/talant-70-letney-vyderzhki.html
Аннотация| ЮБИЛЕЙ

О феномене Валентина Елизарьева размышляет балетный критик Юлия Чурко, свидетель многих постановок маэстро

«Балет — искусство мысли» — так я назвала посвященный Валентину Елизарьеву труд, недавно вышедший в Минске из печати (глава о балете «Страсти» написана С.Улановской) и в некотором роде подводящий итоги его более чем тридцатипятилетней деятельности на нашей сцене. Оговорка «в некотором роде» нужна, ибо итоги не окончательные, а лишь предварительные — сотворчество хореографа с национальной труппой, надеюсь, будет продолжаться. Собственно говоря, оно и продолжается: с успехом и аншлагами идут его спектакли, влияние их сказывается на всем театральном процессе, Елизарьев выступает и в качестве педагога, преподает студентам вуза, будущим сочинителям новых балетных произведений.



В качестве главного балетмейстера Национального академического Большого театра оперы и балета Валентин Елизарьев поставил целый ряд оригинальных спектаклей. Их ценность еще увеличивается по сравнению с прошлым. Ранее считалось, что, идя на балет, надо мозги оставлять дома. Памятны иронические высказывания М.Е.Салтыкова–Щедрина о «веселых живчиках на веселых ландшафтиках». Правда, балет никогда и не считался особым средоточием ума. Ныне же, у Елизарьева, он выглядит чуть ли не интеллектуалом. Спектакли, созданные хореографом, на редкость глубоки и содержательны.

И в этом своем утверждении я отнюдь не одинока. Эти их качества называются в десятках, если не сотнях статей. А благодаря многочисленным гастролям труппы мир все больше узнает о Беларуси и ее хореографии.

Особенно отмечалась зарубежными критиками самостоятельность мышления Елизарьева.


«Кармен-сюита».
ФОТО BOLSHOIBELARUS.BY


Еще мудрый Юрий Иосифович Слонимский, один из самых авторитетных зачинателей советского балетоведения, писал о распространенности в балетном театре так называемого «легализованного плагиата», который трудно обнаружить и почти невозможно поймать.

Елизарьев в этом плане иной. Он предпочитает собственные идеи, лексику, формы, работает над ними вдумчиво, тщательно и — плодотворно.

Мне пришлось быть свидетелем, как решалась им, например, последняя сцена в «Тиле Уленшпигеле» на музыку Е.Глебова. Хореограф бился над ней долго, и мысль окончательно выкристаллизовалась, лишь когда постановка приблизилась к генеральной репетиции. Композитор уже не успевал написать специальную музыку, и хореографу было необходимо довольствоваться тем, что было: лишенным всякой героики (хотя балет по своей сути был героическим), плывущим тающим аккордом и короткой, словно улетающей вдаль мелодией. И Елизарьев нашел выразительнейшее решение: из недр толпы, из людского единения вновь, как и в начале балета, рождается Тиль. Озорник и шутник, он появляется вверх ногами и, смеясь, озаряет мир солнечной улыбкой. И хотя путь героя трагичен, спектакль заканчивается светло и торжественно, оставляя в сознании зрителей надолго запоминающуюся мысль: народ и его герои бессмертны.

Если увидите — запомните их и вы. Его спектакли впечатляют и сегодня и, бесспорно, принадлежат нашему времени. Хотя они не рассказывают о нем впрямую, их автор — наш современник. Ибо так думает и чувствует он сам, так думают, чувствуют и двигаются его герои.

И всем им в той или иной мере свойственна некая краткая ясность, даже афористичность мысли, подобная описанной в финале «Тиля».

Елизарьев осуществляет постановки и классических балетов. На сцене шли все три балета Чайковского — «Лебединое озеро», «Спящая красавица» и «Щелкунчик», основанные на легендах, сказках, с которых хореограф бережно и тактично сдувает пыль лет, дает свою интересную интерпретацию. Балеты эти представляют вторую, и необходимую, сторону репертуарной политики хореографа.

И еще в одном качестве предстает Елизарьев — педагога. Вот уже несколько лет он ведет курс «Искусство балетмейстера» в Белорусской академии музыки. Двое из его прежних выпусков — Раду Поклитару и Сергей Микель — уже завоевали в мире хореографии свои имена, стали победителями международных и российских конкурсов. Некоторые из их постановок впечатлили меня и сподвигли на статьи, не худшие из написанных. Не случайно одна из рецензий на балеты называлась «Трагедии и сказки Валентина Елизарьева».

Однако при всей неоспоримой художественной ценности созданного жизнь балетмейстера непохожа на безмятежное шествие по красной ковровой дорожке. С начала пути, с, казалось бы, родного Ленинграда, где он учился, Елизарьева неустанно критиковали (как мне кажется, часто несправедливо) за все подряд: следование чуждым западным вкусам, усложненность выразительных средств, за излишнюю эротичность и даже — (!) — близость к русской культуре (так было в случае с постановкой сказки о Жар–птице, изумительно красивого и яркого спектакля). Начальство понимало и любило Елизарьева всегда меньше, чем зрители.

Правда, и он не был для всех мил и удобен. Во время работы над книгой я опросила многих из его окружения. Палитра мнений была широкой: авторитарен и несговорчив; не интриган, но ершист; гордый и самодостаточный; суровый и жесткий, но справедлив и искренен. Все сходились лишь в том, что он талантлив и трудолюбив. И мне показалось это знаком хорошим и достаточным. Ибо многое из негатива было обусловлено его положением руководителя, вынужденного делать малоприятный выбор. Кто–то верно заметил: гибким шеям тяжела шапка Мономаха.

Позиция Елизарьева обеспечивает, как ни странно, минимум интриг, дисциплину и самоотдачу артистов. Он умеет заражать их любовью к творчеству. «Я иду не на работу, а в театр», — с некоторой обидой сказала в его время одна из балерин. Это напомнило мне сентенцию Мариса Лиепы, оскорбленного тем, что не так назвали профессиональную обувь мужчин–танцоров. «Это не тапки, а балетные туфли», — с апломбом заявил он.

А еще Елизарьев обладает чувством юмора.

— Чтобы стать классиком, вам не хватает одного, — как–то заметила я в разговоре с ним.

— Чего? — с любопытством спросил он.

— Вы — живой.

— И очень рад этому, — среагировал балетмейстер.

«Я тоже», — подумала я. Надеюсь, читатели со мной согласятся.

Юлия ЧУРКО, профессор, доктор искусствоведения.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17581
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Окт 28, 2017 11:37 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017102802
Тема| Балет, Украина, Премьера фильма, Персоналии, Сергей Полунин
Автор|
Заголовок| В балетных училищах учат молчать и выполнять команды - Сергей Полунин
Где опубликовано| © Газета.ua
Дата публикации| 2017-10-28
Ссылка| https://www.sb.by/articles/talant-70-letney-vyderzhki.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



24 октября украинский танцовщик, звезда мирового балета, Сергей Полунин представил британский биографический фильм "Танцор". Повествует о жизни и творчестве Сергея с раннего детства в Херсоне.В 13 лет поступил в Королевскую школу балета в Лондоне. Был премьером Британськоого Королевського балета, театров России и Баварской оперы. В 27 лет решил оставить классический балет. Символическим прощанием со сценой стало видео, где Полунин танцует под песню Hozier - Take Me To Church. Танец в стиле "контемп" создал друг Сергея - добавил элементы балета - прыжки и повороты. Видео стало "вирусным". После показа "Танцора" .Сергий Полунин ответил на вопросы журналистов.

Какая первая реакция на фильм? Участвовали ли Вы в монтаже?

- Не принимал никакого участия в монтаже фильма, - говорит Сергей Полунин. - Хотел, чтобы у режиссера было свое видение. Родители и друзья собирали видео, фото. Я пытался жить своей жизнью. Даже не хотел смотреть отснятый материал. И фильм трудно смотреть. Впервые - с режиссером Дэвидом Лешапелем. Просто поставил меня перед фактом, что смотрим "Танцор". Не пересматривал, а заново проживал эти моменты.

- Что новое увидели в фильме?

Напомнил мне об определенных вещах. Во время просмотра почувствовал, насколько дружба важна, что родители сделали для того, чтобы я смог учиться. Это не было что-то новое - а напоминание, куда должен вернуться, и где делал правильно, а где нет.

- Удалось Вам начать жить нормальной жизни, о котором мечтали в течение фильма?

- Больше тружусь. Счастье нахожу в работе. В осуществлении мечты. Учусь новому, путешествую. И просто наслаждаюсь каждым моментом жизни. Счастье не зависит от чего-то или от кого-то - это внутреннее состояние.

- Удалось ли Вам преодолеть своих "внутренних демонов". О которых говорили в фильме?

- Был выбор - каким путем пойти. Или дать волю внутренним демонам, или вернуться на сторону хорошего. Оба - меня привлекали. Отрицательный - легче и веселее. Но решил от плохого вернуться к хорошему. Заняло пару лет. Когда увидел, как дети танцуют под мое видео - это вдохновило. Тогда понял, что жизнь мощнее депрессии. Каждый день писал, что хорошего со мной происходит, что вижу. Из негатива вышел в позитив.

- Спасибо за фильм, он замечательный. Кого Вы играете в "Восточном экспрессе", это первая роль в кино?

- Снимался сразу в 2 фильмах: "Красный Воробей" Фрэнсиса Лоуренса и "Убийство в Восточном экспрессе" Кеннота Брана - в нем роль больше. Первый день на съемках был вместе со всеми актерами. Когда увидел звезд, с которыми предстоит играть - был шокирован. Должен был адаптироваться, чтобы выглядеть достойно на их фоне. Не знал, что мне делать. Пришлось все схватывать в секунды. Не знал, как держать вилку, или трогать пищу. Но такие вещи приходят с опытом. Надеюсь, никого не подвел. Все звезды, с которыми работал, оказались очень открытыми и добрыми людьми. Провели с ними много времени. Нам создавали атмосферу командности: грим накладывали всем вместе, до съемок были вместе, играли в игры вместе - чтобы завязались отношения.

- Часто Вас окружают хорошие люди?

- Да, мне везет по жизни. Всегда случались учителя, через кого я "проходил" - и они мне помогали, когда попадал на новое место, или даже в новую страну. У нас нет, к сожалению, такой традиции, как на Тибете, чтобы всю жизнь у тебя был учитель, который бы учил жизни. Ибо школах и по ТВ, к сожалению, жизни не учат. Поэтому приходится самому узнавать и искать своих наставников.

- Есть ли у Вас кумиры, те, кто Вас вдохновляет?

- Актер Микки Рурк дает мне новую энергию. Когда трудно - смотрю с ним фильмы. Знаю его лично. Дал мне хороший совет: Кто работает больше всех - тот лучший.

Как вы видите свое будущее через пять лет? Не будете Вы распыляться на все направления, которые сейчас начали?

- Если сконцентрироваться - можно успевать все. Сейчас совмещаю три вещи: танец в балетном театре, съемки в фильмах и работа над проектом Polunin Projekt, в котором буду ставить свою хореографию. Поэтому нужна хорошая команда и единомышленники рядом - тогда можно все успевать и не тратить напрасно время.

- В чем суть Вашего авторского проекта?

- Проект об информации, представление танца для более широкого круга людей. Будем снимать фильмы про танцы, ролики, создавать интернет-платформы. Хотел бы, чтобы образование танцовщиков было разноплановым. Я учился только балету. Даже в академии ни был - только танец. А жизнь - разноплановое. И один из важных элементов - это язык. А в балетных заведениях обучают молчать и выполнять команды. Когда танцовщики приходят в театр - не могут ответить, подробно сказать, чего хотят. Мы не можем за себя постоять. Индустрия от этого страдает. А более мощные - опера, кино - идут вперед. Танец отстает. А время ограничено - все надо успеть. Хотел бы говорить с танцовщиками - чтобы понимали эту проблему, наверстывали пробелы.

- Планируете создавать школу в Украине?

- Да, очень хочу в Украине. В Лондоне иметь премьеру в декабре. После этого смогу говорить о развитии проекта в других странах.

- Какую страну считаете родным?

Самым близким местом всегда, видимо, будет страна, в которой родился. Но путешествуя - открываешь для себя мир и понимаешь, что границы нужно убирать. Когда езжу по миру, вижу, что люди везде абсолютно одинаковые. С теми же проблемами, с одинаковыми мечтами, желаниями. Богатые, бедные - политики и не-политики. Когда снимали фильм - очень хотел показать природу, снять в разных странах. Показать, как хорошо в Сибири, на Гавайях, в Украине.

- Удалось ли помирить родителей?

- Они долго не говорили друг с другом. Но фильм их объединил. Начали общаться, потому что передавали друг другу видео, фотографии. Затем снова был перерыв. Это медленный процесс - но благодаря фильму он начался.


В Лондоне в галерее современного искусства Tate Modern состоялась церемония награждения престижной премии Men of the Year Awards от британского журнала GQ. В список лучших мужчин 2017 попал украинский артист балета Сергей Полунин.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3304

СообщениеДобавлено: Сб Окт 28, 2017 8:13 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017102803
Тема| Балет, Тбилисский театр оперы и балета, Персоналии, Мария Александрова, Владислав Лантратов
Автор|
Заголовок| Звезды Большого театра выступят в балете «Лауренсия» в Тбилиси
Где опубликовано| © Новости-Грузия
Дата публикации| 2017-10-26
Ссылка| https://www.newsgeorgia.ge/zvezdy-russkogo-teatra-vystupyat-v-balete-laurensiya-v-tbilisi
Аннотация|

ТБИЛИСИ, 26 октября – Новости-Грузия. Звезды Большого театра выступят 28 октября на сцене Тбилисского государственного театра имени Палиашвили в балете «Лауренсия» на музыку Александра Крейна в хореографии Вахтанга Чабукиани.
«Лауренсия» — балет в двух действия по драме Лопе де Вега «Овечий источник» («Фуэнте Овехуна»). Либретто, хореографическая редакция и постановка принадлежит художественному руководителю балетной труппы Тбилисского театра, прима-балерине Нино Ананиашвили.
Партию Лауренсии исполнит прима-балерина Большого театра, народная артистка РФ и лауреат премии «Золотая маска» Мария Александрова. Партию Фрондосо – премьер Большого театра Владислав Лантратов, сын известного танцовщика Валерия Лантратова.
«Лауренсия» в этом сезоне будет идти только два дня – 29 октября главную партию исполнит прима тбилисской труппы Лали Канделаки и солист Ионен Такано.
Представление начнется в 20:00. Билеты можно приобрести в кассах театра или онлайн.
Над постановкой работали: консультанты постановочной хореографии – народные артисты Грузии Лилиана Митаишвили и Иринэ Джандиери, ассистент — Екатерина Шавлишвили, художник-постановщик — Давид Монавардисашвили, художник по костюмам — Александр Васильев, художник по свету — Джо Рид.
Музыку исполнит оркестр Тбилисского государственного театра оперы и балета, дирижер — Заза Калмахелидзе.
Премьера балета «Лауренсия» в России состоялась 22 марта 1939 года в Ленинградском театре оперы и балета имени Кирова (ныне Мариинский театр).
Балетмейстером постановки был Вахтанг Чабукиани. Декорации и костюмы для спектакля создал художник Соломон Вирсаладзе. Главные партии исполнили Вахтанг Чабукиани и Наталья Дудинская.
В Грузии этот балет на сцене Тбилисского театра оперы и балета Вахтанг Чабукиани поставил 14 ноября 1948 года. Партнершей легендарного грузинского танцовщика тогда стала Вера Цигнадзе. С тех пор балет неоднократно восстанавливали в Тбилиси. В последний раз — в 2007 году, по инициативе Нино Ананишвили.
В 2014 году Ананиашвили представила свою новую хореографическую редакцию «Лауренсии» в Минске, на сцене Большого академического национального театра оперы и балета Беларуси.
В последний раз балет в Тбилиси был представлен 21 июня 2017 года — «Лауренсией» открылся первый Тбилисский балетный фестиваль.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17581
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Окт 29, 2017 9:51 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017102901
Тема| Балет, Американский театр балета (ABT), Премьера, Персоналии, Алексей Ратманский, Леонид Десятников
Автор| Сергей СЫЧ
Заголовок| Нью-йоркский тандем
Где опубликовано| © «Аргументы Недели »
Дата публикации| 2017-10-26
Ссылка| http://argumenti.ru/culture/2017/10/553522?typelink=openlink
Аннотация| Премьера


Кристина Шевченко и Келвин Ройал. 
Балет «Буковинские песни»

В Американском театре балета (ABT) в Нью-Йорке новый сезон открылся премьерой балета Алексея Ратманского «Буковинские песни» на новое произведение Леонида Десятникова. Это уже шестая совместная работа балетмейстера и композитора, и, похоже, можно уже говорить о творческом тандеме, начало которому было положено в Большом театре России.

АЛЕКСЕЙ Ратманский с 2004 по 2009 год руководил балетом главного театра страны. В театре он поставил в 2003 году изящный балет «Светлый ручей» на музыку Дмитрия Шостаковича. В 2011 году хореограф поставил романтический балет «Утраченные иллюзии» по одноимённому роману Оноре де Бальзака на музыку Леонида Десятникова, для которого он создал новую балетную партитуру. Ратманский сделал всё, чтобы балет Большого развивался и в репертуаре появились новые имена и разноплановые постановки. В 2008 году Ратманский переехал в Нью-Йорк и был приглашён на должность хореографа-резидента в Американский театр балета.

Леонид Десятников в качестве музыкального руководителя Большого театра проработал один театральный сезон (2009–2010 годы). До своего прихода, в 2004 году композитор подарил Большому постмодернистскую оперу «Дети Розенталя» (на либретто Владимира Сорокина). Эта опера стала переломной в творческой истории главного театра страны, сориентированного на оперную классику. Так, благодаря Десятникову в репертуаре Большого театра появился шедевр оперного искусства ХХ века опера «Воццек» Альбана Берга и поставил её Дмитрий Черняков. Этот спектакль стал главным музыкальным событием, а новые имена и авангардные постановки стали для Большого театра обычным явлением.

В 2013 году Десятников написал музыку к балету «Опера».Театр Ла Скала пригласил Алексея Ратманского для постановки на своей сцене. Союз хореографа и композитора развивался и окончательно оформился в тандем в Американском театре балета Нью-Йорка. На вопрос корреспондента газеты «Нью-Йорк Таймс», почему Ратманского так вдохновляет музыка Десятникова, он заявил, что это «та музыка, которую я хотел бы написать, если бы был композитором». В мае 2017 года в нью-йоркском театре хореограф представил балет по рассказам Исаака Бабеля «Одесса» на музыку любимого композитора. Работа над этим балетом для хореографа и композитора стала очень важной, ведь они оба имеют украинско-еврейские корни, хотя называют себя русскоязычными евреями.

Следующая совместная работа – балет «Буковинские песни» также имеет отношение в украинской культуре. Десятников посвятил своё новое сочинение пианисту Алексею Гориболю. Источником вдохновения для написания 24 фортепианных прелюдий для композитора стала книга украинских народных песен с ХVIII века до наших дней, изданная в советские времена. Находясь между Украиной и Румынией, карпатские Буковины впитали разные музыкальные культуры. Поэтому в «Песнях» слышны еврейские мотивы, балканские ритмы и украинские песнопения. Балетная труппа и солисты Кристина Шевченко и Келвин Ройал не танцевали, а оживляли песни на сцене. «Эти замечательные, безымянные мелодии существовали вне истории и политики. Но контекст, в котором они существуют сейчас, изменился», – считает композитор. В балете Ратманский использовал 12 прелюдий, которые исполнял приглашённый театром знаменитый пианист Алексей Гориболь, исполнявший музыку прямо на сцене, что создало особую атмосферу в зале и было восторженно принято зрителями.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17581
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Окт 30, 2017 6:46 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017103001
Тема| Балет, Самарский театр оперы и балета, Персоналии, Юрий Бурлака
Автор| Александр Бузулукский
Заголовок| Новый главный балетмейстер театра оперы и балета:«Самарский ритм жизни мне больше по душе»
Где опубликовано| © Портал ProGorodSamara.ru
Дата публикации| 2017-10-30
Ссылка| http://progorodsamara.ru/news/view/196378
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Портал ProGorodSamara.ru пообщался с профессионалом балетного искусства Юрием Бурлакой о любви к истории, закулисье театральной жизни и об отношении к Самаре

Расскажите, как вы попали к нам в Самару?

- Родился и вырос я в Москве. Закончил Московскую государственную академию хореографии и работал в театре «Русский балет». Потом ещё учился в ГИТИСе. Преподавать начал в академии, сейчас являюсь доцентом кафедры истории хореографии и балетоведения. И через какое-то время меня пригласили поработать в Большом театре в Москве. Всего в Большом я «служил» 4 года: год работал балетмейстером и три года - руководителем балетной трупы. Потом был небольшой перерыв, и поступило приглашение от Самарского театра, на которое я с радостью согласился.

С чего началась ваша любовь к балетному искусству?

- Моя история началась довольно банально, как и у любого ребёнка. С балетом у меня никаких связей не было и у родителей тоже. Мне нравилась игра на фортепиано и в свое время меня отдали в танцевальный кружок. Потом по советам педагогов я поступил в Московскую академию хореографии. Тем более мама недалеко работала, так что это был ещё и очень тонкий родительский расчёт.

Как вам Самара, какие впечатления у вас вызвал наш город?

- Самара — город с историей. Мой отец был капитаном туристического судна на направлении Москва — Астрахань, поэтому я часто бывал в Самаре. А в целом город большой, со своими традициями, в том числе и балетными. Мне кажется, здесь всё гораздо спокойнее и размереннее, чем в Москве. Это ближе мне и моему характеру, поэтому я думаю и чувствую себя здесь комфортно.

Почему ваша специализация называется «реставратор балета» и что это значит?

- Я всегда тяготел к истории. Мне нравится изучать эпохи балета, проводить работу с архивами и углубляться в специальность. Поэтому, пока одни мои коллеги показывали свои собственные произведения, я представлял произведения, которые были утрачены или не исполнялись долгое время. В целом реставрация - это расчищение оригинального текста от наслоения, приближение к оригиналу.

Насколько это направление актуально в данный момент как для зрителя, так и для танцовщиков?

- Я думаю, это довольно актуально сейчас. Есть определённый ряд классических спектаклей - примерно 10-15 названий. Поэтому чем дальше от нас по времени спектакль рождается, тем больше накоплено всех этих наслоений. Но тут нужно чувствовать грань - какой спектакль нужно реставрировать, а какой за время постановок и показов уже приобрёл законченный облик.

Как вы считаете, балет - это больше ремесло или творчество?

- Как и за любым видом искусства, за балетом стоят долгие и кропотливые годы работы. Ремесло в балетном искусстве, я бы сказал, номер один. Если ты основным ремеслом в нужное время не овладел, то дальше у тебя как у танцовщика могут возникнуть проблемы. Не зря же существует долгая 8-летняя программа обучения, и формироваться она начала не сегодня и не 50 лет назад. Первые формирования программы обучения танцовщиков и танцовщиц балета датируются концом 17-го века. Но то, что стоит над ремеслом, - это уже совсем другая история.

Сколько сил стоит красивая, без сучка и задоринки, постановка на сцене?

- Зритель, по большому счету, должен видеть красивую завлекающую картинку. Ему не нужно знать, сколько сил это всё стоит. Но, с другой стороны, при нынешнем отношении к искусству балета, наверное, зрителям стоит приоткрыть завесу тайны и показать, как это с другой стороны. Рассказать о том, что профессия эта выбирается в 10 лет, за которыми следуют 8 лет обучения в закрытом режиме по 12 часов в сутки и тяжёлые нагрузки. Идет постоянная работа над своими недостатками и несовершенствами — именно для этого, кстати, в балетном зале стоит зеркало.

В кино о балетной профессии правду показывают?

- Я думаю, все художественные фильмы правы отчасти. Иногда для пущего эффекта режиссёры просто сгущают краски. Не всё так страшно, в эту профессию приходят люди, которым это нравится, им это интересно.

Чего ждать нам в этом году от самарского театра?

- В этом году мы отметим прекрасный праздник — 200 лет со дня рождения Мариуса Петипа. В его честь недавно прошел XVII фестиваль классического балета имени Аллы Шелест, один из гала-концертов которого был посвящён Петипа. В этом же контексте Юбилея в декабре планируется премьера балета «Эсмеральда». Когда-то давно он был в репертуаре Самарского театра, потом исчез, а теперь снова возвращается. Постановка будет максимально приближена к версии 1899 года. Кроме того, 9 ноября ожидается премьера проекта Grand pas Петипа.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вт Окт 31, 2017 8:06 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17581
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Окт 30, 2017 7:01 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017103002
Тема| Балет, Гамбургский балет, Гастроли в Москве, Персоналии, Джон Ноймайер
Автор| Игорь Корябин
Заголовок| Голгофа Ноймайера в филармоническом ракурсе
Балетные «Страсти по Матфею» на музыку И.С. Баха: впервые в России

Где опубликовано| © Belcanto.ru
Дата публикации| 2017-10- 30
Ссылка| http://belcanto.ru/17103003.html
Аннотация| ГАСТРОЛИ



Пресс-конференция Джона Ноймайера в Зимнем саду московского Концертного зала им. П.И. Чайковского состоялась 24 октября, в день генерального прогона на этой сцене его знаменитого, можно сказать, легендарного балета «Страсти по Матфею» на музыку известнейшего пассиона И.С. Баха. Само же афишное мероприятие, прошедшее 25 октября, вызвало такой большой ажиотаж у публики, что журналистам было предложено посетить именно генеральную репетицию. Впрочем, компромиссом это ничуть не стало: пройдя без повторов и остановок, репетиция абсолютно ничем от спектакля не отличалась.
Весь арсенал вокальных, танцевальных и музыкально-инструментальных сил, а также весь набор необходимого для этого уникального проекта минималистского реквизита был, безусловно, задействован и на прогоне, так что впечатления автора этих строк, о которых пойдет речь ниже, основаны именно на предпоказе 24 октября. Сие беспрецедентное для столицы музыкально-культурное событие стало ярким апофеозом организационных усилий Московской государственной филармонии (при поддержке Министерства культуры РФ). Содействие проекту, отмечающему 500-летие Реформации, оказали Посольство Германии в России (Москва) и Институт Гёте в Москве. Как известно, процесс Реформации начался в Германии с «95 тезисов» христианского богослова Мартина Лютера (1483–1546), датой обнародования которых историческая наука традиционно считает 31 октября 1517 года.
Одним из пунктов доктрины Лютера явилось утверждение Священного Писания как единственного религиозного догмата. Убежденный протестант Иоганн Себастьян Бах (1685–1750), родившийся на два столетия позже Лютера, решительно встав на путь начатого им дела реформации, но в качестве своего оружия избрав музыку, создал «Страсти по Матфею» («Matthäus-Passion», BWV 244), один из своих вечных, нетленных шедевров. Эта духовная оратория для солистов, хора и оркестра как раз и зиждется на одном из памятников Священного Писания (Евангелии от Матфея). Первая редакция опуса относится к 1727–1729 годам, вторая (как правило, лежащая в основе всех исполнений в наши дни) датируется 1736 годом. Полное латинское название сочинения – «Passio Domini nostri Jesu Christi secundum Matthaeum».

В музыкальной части московского театрально-филармонического проекта приняли участие Государственный академический камерный оркестр России (художественный руководитель и главный дирижер – Алексей Уткин), Академический Большой хор «Мастера хорового пения» Российского государственного музыкального телерадиоцентра (художественный руководитель – Лев Конторович), Старший хор Детской музыкально-хоровой школы «Пионерия» им. Г.А. Струве (руководитель – Елена Веремеенко), австралийский дирижер Саймон Хьюитт (главный дирижер Гамбургского балета), а также певцы-солисты. Немецкие исполнители – Аня Цюгнер (сопрано), Беттина Ранх (меццо-сопрано), Тобиас Берндт (баритон, Иисус), Мартин Платц (тенор, Евангелист) и Тило Дальман (бас-баритон, Понтий Пилат). Солисты хора – Ольга Калугина (сопрано, 1-я служанка), Татьяна Минеева (сопрано, 2-я служанка) и Серафима Коняшина (сопрано, жена Пилата). Партия большого концертного органа – Александр Фисейский, партия органа-позитива – Даниэль Сальвадор (Испания), партия клавесина – Сергей Сироткин.
Танцевально-пластическую часть синкретического мегапроекта «Страсти по Матфею», автором идеи и хореографом-постановщиком которого стал Джон Ноймайер, взял на себя ансамбль Гамбургского балета в составе 41 артиста. Художественным руководителем и главным хореографом Гамбургского балета Ноймайер (американец по рождению) является с 1973 года. За более чем 40 лет его деятельности на этом посту труппа стала одной из ведущих балетных трупп Германии, а марка «Гамбургский балет» давно уже превратилась в международный бренд высочайшего уровня. С 1963 года работу солиста в Штутгартском балете Ноймайер стал сочетать с первыми своими опытами балетмейстера-постановщика. В 1969 году он стал главным балетмейстером Франкфуртского балета, но на создании новаторских форм танца в стиле contemporary dance на основе расширения и обогащения классической балетной традиции со всей основательностью смог сконцентрироваться, когда уже перебрался в Гамбург.

Более чем за полвека на хореографическом поприще Ноймайер сумел создать свой собственный оригинальный стиль танцевального движения и выразительной пластики не только в сюжетных, но и в бессюжетных композициях. И возможно, что «Страсти по Матфею» – едва ли не квинтэссенция его интеллектуальных исканий, ведь горячие споры вокруг этого балета не утихают с 1980 года (!), со времени, когда он был создан. При этом в отношении сюжетности-бессюжетности этой постановки ситуация довольно хитрая и неоднозначная. С одной стороны, баховский пассион – опус ярко театрализованный, со своей внутренней логикой, музыкальной драматургией, массовыми хоровыми сценами, пояснительным текстом «от автора», порученным Евангелисту Матфею, репликами-речитативами канонических новозаветных персонажей и ариями певцов-солистов. Он так и просится на театральную сцену: в рамках концертного подиума ему заведомо тесно!
С другой стороны, Ноймайер не выбрасывая ни единой ноты из монументальной (более чем трехчасовой) двухчастной партитуры Баха, к сюжетности хореографических ассоциаций явно не стремится. Кроме Иисуса в пассионе фигурируют упомянутые выше Понтий Пилат, жена Пилата, две служанки, а также еще неупомянутые Петр, Иуда, два первосвященника и два свидетеля, приписка реплик голосов которых к конкретным исполнителям в программке обсуждаемого проекта загадочно отсутствует, но это вовсе не значит, что их нет. В балете явно персонифицирован один лишь Иисус – изумительно-тонкая, чувственная, пластически-филигранная работа Марка Жюбета! Этот харизматично-темпераментный солист – словно фундаментальный стержень, визуальная опора всей хореографической композиции, однако, как ни крути, – композиции всё же бессюжетной, хотя среди всего ансамбля танцовщиков Иисус однозначно выделяется, и степень этой выделенности всё время нарастает по мере приближения его восхождения на Голгофу.

В начале спектакля Иисус, раз он Сын Человеческий, незаметно возникает из массы всего ансамбля. Сцена на Голгофе, возводимой незадолго до финала спектакля из обыкновенных прямых скамеек (жестких банкеток) – кульминация этой выделенности. В финальных сценах Иисус, сошедши с креста (но не сошедши, а вознесшись на Небеса, пройдя через земные муки ради искупления грехов человечества), снова сливается с ансамблем. Этим хореограф словно подчеркивает, что отныне Иисус живет в каждом из нас. И сие наводит на мысль, что весь танцевально-пластический рисунок спектакля – это не написанная Бахом партия сценической пластики, рождаемой движением и покоем танцовщиков, их позами и мимикой, элементами силовой акробатики и статикой жеста, динамикой взрывной турбулентности сольных па и заведомо сложными, подчеркнуто ассиметричными, иррациональными фигурациями как ансамблей, так и массовых сцен.
Говоря подобным языком, несуществующую партию сценической пластики Ноймайер словно выписывает с помощью 41 танцовщика своей труппы, последовательно четко и вдумчиво следуя природе и мельчайшим изгибам мелодики барочного инструментализма Баха. При этом подчеркнутых «ассоциаций в лоб» не возникает, а визуальная картина спектакля, рисуемая движением и естественной красотой линий человеческого тела, – намеренная рельефно-зримая и захватывающая абстракция, живущая по законам развития музыкального аккомпанемента. В данном случае под таковым надо понимать весь «живой саундтрек», создаваемый здесь и сейчас всем составом исполнителей – оркестром, хором, певцами-солистами и солистами-инструменталистами.

Вовсе неслучайно поэтому, что привычной раскладки «персонаж – исполнитель» в программке этого спектакля вы не найдете. Специально в ней не выделяется даже исполнитель партии Иисуса! Это говорит о том, что весь ансамбль танцовщиков – один собирательный персонаж, каждый винтик-участник которого важен так же, как и все остальные. Привычное понятие «кордебалет» к этому ансамблю также неприменимо: ведь де-факто (пусть де-юре согласно иерархии штатного расписания это, возможно, и не так) мы имеем дело с подлинным ансамблем солистов, техническая выучка каждого из которых, вне зависимости от степени занятости в спектакле, просто феноменальна!
В понимания замысла хореографа-постановщика формула «здесь и сейчас» абсолютно применима и к создаваемой им партии сценической пластики, и это очень важный отправной момент! Как заметил именитый хореограф на встрече с журналистами в Москве, его спектакль можно сыграть где угодно: в метро, в цеху фабрики, на улице – лишь бы нашлись семь скамеек (упомянутых выше жестких банкеток). Значит, он легко может быть встроен в конкретную среду, и при этом число «семь» – вряд ли случайная, а, скорее, осознанная ассоциация с семью смертными грехами либо с семью последними словами Спасителя на Кресте (семью короткими фразами, произнесенными им во время распятия).
Пилотная – продолжительностью порядка часа – хореографическая версия «Страстей по Матфею» Ноймайера сначала была представлена в Гамбурге в интерьере храма, в намоленном пространстве церковного собора, и лишь затем этот балет уверенно обжил светскую сцену. Его российская премьера необычна и уникальна вдвойне, ведь привычное сценическое пространство Концертного зала им. П.И. Чайковского на сей раз расширено за счет примыкающего к нему дополнительного подиума на месте убранных кресел партера. Перед началом действа в глубине основной сцены располагается оркестр, хор, дирижер и певцы-солисты, а на авансцене уже заранее выставлены как раз семь скамеек-банкеток.

Это исходный рубеж для возникающего на сцене ансамбля из 41 танцовщика в белых свободных одеяниях – неоромантизм в чистом виде, не отягощенный конкретикой! Вслед за музыкой танцевально-пластическими фигурациями постепенно начинает обживаться не только большое «открытое всем ветрам» пространство партерного подиума, но и проходы зрительского амфитеатра: свободно перемещаясь по ним и время от времени присаживаясь на ступеньки, какая-то часть ансамбля сливается со зрителями. Ясно, что и на сей раз новая сценическая среда спектакля неизбежно повлияла на его новую настройку. Привычные для артистов мизансцены и порядок движений, а также живой контакт труппы с залом в форме вылазок в зрительскую часть приобрели новые, подчас весьма неожиданные ракурсы. Нет сомнений, работа в этом плане проделана колоссальная, ведь бессюжетная танцевально-драматургическая композиция предстала выстроенной «с точностью до миллиметра».
Интересны рассуждения самогó хореографа, приоткрывающие стратегию и тактику его замысла: «В ходе длительного процесса репетиций первоначальный метод нашей работы изменился. Танцоры больше не должны были исполнять свои партии. Прежде всего, они должны были оставаться самими собой. Во время репетиций и даже сейчас, во время исполнения окончательной версии, они получают удовольствие от импровизационной свободы и самостоятельности. В какие-то моменты они “соскальзывают” в одну из партий, после этого становятся “инструментом” хореографически развитой идеи движения, а затем снова имеют право выразить свою реакцию, отношение к тому, что происходит на сцене. Каждый из 41 танцовщика в равной мере является актером, зрителем и свидетелем: это не менее важно для концепции, чем форма спектакля. Танцоры в той или иной степени играют самих себя, и в то же самое время олицетворяют Петра, Иуду и Матфея. Таким образом, они строят мост к тем мужчинам и женщинам, которые пришли увидеть и услышать их и, в свою очередь, стать свидетелями Страстей Христовых». «Я считаю, что танец – это то, что выражает отношения между людьми», – и это еще один постулат метóды Ноймайера.

Парадокс, но, несмотря на великолепное музыкальное исполнение, поистине чарующее звучание оркестра, хора и солистов, ведóмых уверенной рукой маэстро Хьюитта, музыка в этот вечер была не главной. Данное заявление, на первый взгляд, звучит необдуманно крамольно, ведь совершенно очевидно, что без самóй этой музыки – без этой величайшей партитуры всех времен и народов! – не было бы и этого уникального синкретического действа. Но балетный пассион Ноймайера на стыке хореографии, пластики, музыки, вербального вокального посыла и элементов невербальной бессюжетной драмы настолько многопланов и с первого раза даже трудноохватен, что визуальные впечатления забирали на себя практически всё внимание, фиксируя в сознании музыку лишь как восхитительный фон. В финале этого весьма продолжительного спектакля-пассиона невольно задаешься вопросом: «Сколько раз нужно его посмотреть, чтобы увидеть полностью, чтобы ни одна деталь, ни один штрих не ускользнули из поля зрения?» Думается, пары-тройки раз хватило бы. Но такой возможности на этот раз просто физически не было, и то, что сей разовый мегапроект вообще состоялся, само по себе уже событие просто невероятное!
По роду своей деятельности хореографы, в основном, говорят языком поставленного ими танца, но в заключение этих заметок вновь дадим слово виновнику московского торжества (интервью газете «Известия»): «Когда я поставил балет на эту тему, был скандал. Но мне было не страшно представить духовные идеи сквозь призму танца. Я верю, танец – великое искусство и может отражать самые разные аспекты человеческой жизни: интеллект, чувственность, сексуальность, духовность. Я не ставил перед собой задачи быть миссионером, но в чем-то этот балет стал символом моей собственной веры, моих отношений с Богом и христианскими идеями. Пожалуй, если бы меня спросили, какую работу я считаю самой важной в своей жизни, я мог бы отметить именно “Страсти по Матфею” на музыку Баха».


Фото c пресс-конференции предоставлены отделом информации и общественных связей Московской филармонии. Фото с постановки балета Джона Ноймайера «Страсти по Матфею» на сцене Концертного зала им. П.И. Чайковского © Kiran West
===============================================================
Все фото - по ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вт Окт 31, 2017 8:07 am), всего редактировалось 2 раз(а)
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17581
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Окт 30, 2017 7:12 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017103003
Тема| Балет, Гамбургский балет, Гастроли в Москве, Персоналии, Джон Ноймайер
Автор| Майя Крылова
Заголовок| Хук справа
«СТРАСТИ ПО МАТФЕЮ» ДЖОНА НОЙМАЙЕРА

Где опубликовано| © Colta.ru
Дата публикации| 2017-10- 30
Ссылка| http://www.colta.ru/articles/theatre/16432
Аннотация| ГАСТРОЛИ

Этому спектаклю почти сорок лет. В России «Страсти» показали впервые, приурочив организованные Московской филармонией гастроли Гамбургского балета к празднованию 500-летия Реформации — о важном социокультурном статусе вечера можно было судить хотя бы по присутствию среди публики президента Германии Франк-Вальтера Штайнмайера. Принимающая сторона отвечала за музыкальную часть проекта — баховский пассион исполнили Камерный оркестр России, «Мастера хорового пения» и хор «Пионерия», солистов (сопрано Аню Цюгнер, альта Беттину Ранх, тенора Мартина Платца, баритона Тобиаса Берндта и баса Тило Дальмана) и дирижера Саймона Хьюитта выписали из Германии. Выбор площадки для выступления подопечных Ноймайера многих удивил, но придирчивому хореографу пространство Концертного зала имени Чайковского пришлось по нраву — разве что понадобилось демонтировать зрительские ряды в партере, чтобы расширить подмостки. Из двухсот представлений спектакля по всему миру собственно в театрах opus magnum Ноймайера показывали не так часто, а в Гамбурге его и вовсе играют в барочной церкви Святого Михаила.


© Kiran West

Ползком, шагом и прыжками — путь к истине тернист.

«Во времена Баха, — говорит Ноймайер, — люди ощущали себя частью церковной церемонии, но не зрителями — степень вовлеченности была качественно иной». Сегодня подобное восприятие «Страстей» вряд ли возможно — поэтому хореограф прибегает к проверенному приему «театра в театре»: артисты некой труппы в его спектакле слушают баховскую музыку и воплощают в танце свои представления о персонажах новозаветной истории — и свои предположения о том, как она могла бы выглядеть в наши дни. Ноймайеру не нужны ни пышные декорации (их в «Страстях» попросту нет), ни подробные костюмы (их заменяет белая прозодежда), а из реквизита требуются только семь аскетичных скамеек. Главное для хореографа — достигнуть эффекта внезапности: танцовщики должны убедить публику, что они слышат «Страсти по Матфею» как будто бы в первый раз.

Вот только лица вышколенных до автоматизма танцовщиков Гамбургского балета так величавы и пафосны, а детали пластической партитуры кажутся такими отрепетированными и заученными, что посыл Ноймайера как-то не срабатывает. «Страсти» смущают буквальностью: когда сын человеческий (Марк Жюбет), раскинув руки в стороны, дрожит и корчится на составленном из скамеек кресте, а потом застывает в неподвижности, красиво, по-балетному складывая ноги, невольно закрываешь глаза от неловкости — метафоры хореографа слишком однозначны и плоски. Прямую изобразительность баховских пассионов и то, что музыковеды называют «драматической картинностью», Ноймайер усиливает и удваивает: патетика умножается на патетику, жалобность дублируется жалобностью, просветление — просветлением. И вот что, пожалуй, самое главное: хореография в первую очередь обслуживает сюжет, а с партитурой взаимодействует по остаточному принципу — редко замечая баховскую полифонию, не пытаясь осмыслить важные для музыкальной драматургии противостояния и слияние хоров.
Там, где у Баха ария, у Ноймайера будет сольный номер, там, где звучит хор, поставлена массовая сцена — это правило в гамбургском спектакле действует железно. Жанр «Страстей» — многолюдная феерия с танцовщиками, бегущими в амфитеатр к зрителям, со спотыкающимися слепцами и калеками, с эффектными стоп-кадрами, с обращенными к небу скорбными взглядами, с безмолвными криками. Ползком, шагом и прыжками — путь к истине тернист. Запутанность поиска иллюстрируется выворачиванием ноги с пятой позиции на шестую и обратно. На музыку никто не обращает внимания — от нее отвлекает хук справа. Едва ли не единственный по-театральному остроумно решенный эпизод на весь многочасовой спектакль — лжесвидетельство: Ноймайер выводит на сцену мужчину и женщину в пуантах, надетых только на одну ногу, — тела танцовщиков перекошены в шаге.

Хореографический текст «Страстей» складывается из всего, что под руку попадется: классика, неклассика, пуантный танец, босые ноги, кроссовки. Этим Ноймайер вроде бы намекает на всеобщность и универсализм, но на выходе они всякий раз оборачиваются вульгарным педантизмом — точь-в-точь как у Бориса Эйфмана. Если петербургскому мастеру нужно сказать публике что-то о тяжком бремени судьбы, на сцену обязательно выйдет человек, волочащий на спине крест. Если его немецкому коллеге нужно показать вселенскую скорбь, артисты Гамбургского балета заплачут, экспрессивно закрыв лицо руками.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пн Ноя 06, 2017 11:30 am), всего редактировалось 2 раз(а)
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17581
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Окт 31, 2017 8:16 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017103101
Тема| Балет, пражский Национальный театр, Премьера, Персоналии,
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| В поисках собственного времени
«Timeless» в Национальном балете Чехии

Где опубликовано| © газета "Коммерсантъ" №203, стр. 11
Дата публикации| 2017-10- 31
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/3454488
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Фото: Pavel Hejny/narodni-divadlo.cz


На сцене пражского Национального театра главная балетная труппа Чехии представила премьеру трех одноактных балетов разных хореографов, объединенную общим названием «Timeless». Рассказывает Татьяна Кузнецова.

В главной балетной труппе Чехии всего 73 человека, причем женского кордебалета (по числу которого и измеряются возможности компании) два десятка. Это означает, что большие классические спектакли чехам не потянуть (хотя в репертуаре и числится «Баядерка», требующая по крайней мере 32 женские «тени»). Этой осенью местного хореографа Петра Зуску на посту худрука сменил поляк Филип Баранкевич, сделавший карьеру в респектабельном и продвинутом Штутгарте и обросший международными связями. Первой премьерой сезона стала программа «Timeless», выстроенная так, как принято во всех серьезных труппах: бесспорный классический шедевр (в данном случае «Серенада» Джорджа Баланчина), мировая премьера («Separate Knots» израильтянина Эмануэля Гата) и не затрепанное мировое наследие (здесь — «Весна священная» Глена Тетли).

Прекрасная «Серенада», поставленная Баланчиным в 1934 году на одноименную музыку Чайковского для своих первых американских учениц, до сих пор серьезный экзамен для любой труппы (в ноябре, например, его будет сдавать московский Музтеатр Станиславского). На отличные оценки чешские артистки не претендовали: не та выучка. 18 девушек едва успевали занять положенные места в стремительно меняющемся рисунке танца — тут уж не до вытянутых стоп и единообразия рук. Лидирующие позиции театр поручил японкам. Кастинг сомнительный — как если бы роль лирической героини отдали какой-нибудь тарантиновской Черной Мамбе. Ая Ватанабэ и Михо Огимото явили бесподъемные стопы, несгибаемую твердость тел и железные руки. На их фоне молдаванка Алина Нану, которой поручили третью, прыжковую партию, выглядела чистой сильфидой — легкой, оживленной и грациозной, хотя и сутуловатой.

Под громким названием «мировая премьера» скрывался 12-минутный номер Эмануэля Гата, любимца французских фестивалей, приобщившегося к танцам после службы в израильской армии. К 48 годам его брутальный напор поиссяк вместе с фантазией: теперь он все чаще пользуется импровизациями танцовщиков. Его дуэт «Separate Knots», поставленный на музыку Шопена, могут исполнять как разнополые, так и однополые артисты (в первом составе оказались Морган Лану и Федерико Иеволи). Типичные для Гата растяжки, жесты уличных регулировщиков, взаимные захваты торсов, перекаты по полу и пронзительные взгляды в упор сильно потускнели на театральной сцене. Этим летом подобные гендерные схватки смотрелись значительно эффектнее в фестивальном Монпелье, приспособившем под дуэты Гата свои площади и магазины.

Энергетической кульминацией вечера ожидаемо стала «Весна священная» Стравинского в постановке Глена Тетли (1974), американского хореографа, поработавшего и в Европе, который пытался создать гибрид «внутренней приземленности современного танца с эфирным лиризмом классического балета». Получилось что-то вроде американского Григоровича с поправкой на режиссерскую неискушенность. Его «Весна священная» — балет с сюжетом: Избранника приносит в жертву некое племя в леопардовых набедренниках и комбинезонах телесного цвета, обитающее в диких тропических лесах. Впрочем, поскольку хореограф не обременял себя повествовательной логикой, употребив свой дар на сочинение композиций и движений максимальной эмоциональности, то нельзя сказать однозначно, была ли жертва вынужденной или добровольной. Монологи Избранника (Ондржей Винклат) соединяют мучительные напольные пор-де-бра с силовыми прыжками вроде двойных содебасков. Мужской кордебалет тоже прыгает — много, долго и широко, и для танцовщиков это испытание равноценно московскому «Спартаку» — массовый финал залитые потом артисты дотягивают на последнем издыхании.

В отличие от прочих версий «Весны», здесь у Избранника есть родители (очень моложавые, без программки этого не понять), возглавляющие племенной кордебалет. Это позволяет хореографу блеснуть искусством дуэтного танца, повторяя по несколько раз особо понравившиеся комбинации — скажем, переворачивание Отцом вытянувшейся в струнку Матери вниз головой или обморочное падение одеревеневших женщин на руки мужчин в низком «бревнышке». Статная темпераментная Никола Марова была весьма импозантна в партии Матери, и даже жаль, что хореограф заставил ее заранее окаменеть от горя и не дал поучаствовать в предсмертной пляске сына. Впрочем, после экзерсисов Гата большой шумный многолюдный спектакль произвел сокрушительное впечатление — зрители устроили ему такую овацию, будто балет Глена Тетли открыл им Америку.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пт Ноя 03, 2017 8:05 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17581
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Окт 31, 2017 7:51 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017103102
Тема| Балет, Академия русского балета имени А.Я. Вагановой, Персоналии, Николай Цискаридзе
Автор| Нана Хоштария
Заголовок| Легенда русского балета Николай Цискаридзе: Первый вице-президент Азербайджана Мехрибан Алиева любит и патронирует балет, и это очень важно
Где опубликовано| © "Москва-Баку"
Дата публикации| 2017-10- 31
Ссылка| http://moscow-baku.ru/news/culture/legenda_russkogo_baleta_nikolay_tsiskaridze_pervyy_vitse_prezident_azerbaydzhana_mekhriban_alieva_lyu/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Фото: Google


Легенда современного русского балета Николай Цискаридзе, более 20 лет прослуживший на сцене Большого театра, сегодня передает свой опыт ученикам на посту ректора одной из старейших балетных школ мира - Академии русского балета имени А.Я. Вагановой в Санкт-Петербурге. В интервью «Москва-Баку» Николай Цискаридзе рассказал о Тбилиси своего детства и предстоящей поездке в Баку.

-Николай Максимович, вы родились в Тбилиси. Чувствуете ли свою связь с Родиной?

-Конечно, я этнический грузин и никуда это не денешь, кровь не выльешь, правда? При этом я русский артист и очень этим горжусь. Всю свою жизнь я служил в Большом театре в Москве. К моменту, когда Советский Союз развалился, я уже давно жил в Москве, здесь же учился. Что касается Грузии, Тбилиси… когда пять лет назад меня назначали в Академию русского балета, одна ваша ехидная коллега сказала: «Ну что, Николай, теперь вы петербуржец?», на что я ответил: «Вы знаете, даже если меня отправят на Луну, я все равно останусь тбилисcцем». Хочу я этого – не хочу. Я родился в Тбилиси. Это моя Родина.

Моя мама всегда понимала, что со временем с течением жизни я забуду грузинский язык, и она сделала все для того, чтобы я его никогда не забыл, чтобы я умел на нем разговаривать, писать и читать. В детстве, в юности, мне, конечно, не хотелось всего этого делать, и мама меня заставляла. Сейчас я понимаю, насколько это было важно и правильно.

Сегодня, когда я смотрю фильмы на грузинском, читаю литературу, я все понимаю. Я – грузин, и это правда. Я не могу себя по-другому ощущать.

-Часто ли вы бываете в Тбилиси, нравится ли то, как он сегодня выглядит?

-К сожалению, в Тбилиси я бываю нечасто по одной простой причине – многие из тех людей, среди которых я вырос, уже в мире ином. Для меня это очень тяжело ощущать, осознавать. Поэтому мне легче не поехать в Тбилиси, чем поехать. К сожалению, даже когда я приезжаю дня на два-три, сразу хочу уехать, потому что… знаете как, кажется, все родное, а тех самых людей нет… Это очень неприятно. Издалека мне кажется, что они где-то там, в Тбилиси, а когда приезжаешь и их нет – это тяжело.

Тот Тбилиси, который мы видим сейчас, абсолютно не имеет никакого отношения к тому, каким он был в мое детство. Да, это очень красивый город, для тех, кто приезжает, это диковинка. Но для тех людей, которые жили в советском Тбилиси, он, конечно, сильно отличается. Он очень изменился – стал и комфортнее и, может быть, в каких-то местах праздничнее, чище… Но тот дух, дух многонациональности ушел. Те люди, среди которых прошло мое детство, исчезли… И не только потому, как я уже и отметил, ушли в мир иной, некоторые просто переехали в другие страны. Поэтому сегодня Тбилиси для меня другой по своему ambiance (фр. – атмосфера, окружение). Полностью другой.

-Самое очаровательное и красивое место для вас в Тбилиси?

-Очень любимое, ностальгическое место – это фонтан напротив гостиницы «Иверия». Когда я был маленький, танцевал в спектаклях театра… и вот мы приезжали на репетиции и… с одноклассниками бежали к этому фонтану – там продавалось самое вкусное мороженое в городе. Сколько лет прошло… Когда приезжаю в Тбилиси, вспоминаю. Это было мое самое любимое – побежать к фонтану, купить мороженое и, сидя на парапете у фонтана, кушать. Сейчас, к сожалению, уже и нет этого мороженого, а мои одноклассники, с которыми я там бегал, – давно уже, как и я, взрослые люди. Все, увы, по-другому.

-Баку, как и Тбилиси, многонациональный город. Есть ли у вас связи с Азербайджаном?

-Как раз скоро, в 20 числах ноября, я по приглашению Правительства Азербайджана приеду для проведения мастер-классов. Есть поводы для переговоров. Возможно, в будущем Азербайджан посетит Академия русского балета. Пока точно неизвестно, но есть вот такие наметки. Пару лет назад в Академию приезжала большая делегация педагогов из Баку…

Конечно, балет абсолютно во всех союзных республиках после развала Советского Союза испытывает безумную нужду в российском влиянии. Я об этом говорил неоднократно. Грузинский балет, азербайджанский, литовский, украинский и т.д. начались только с 1991 года. До этого история балета в этих странах напрямую связана с русским балетом, если обобщить, все это русский балет – во времена Российской империи, затем – Советского Союза.

Сегодня без «вливания» опыта из Москвы и Петербурга, балетные школы постсоветских стран стали испытывать большие сложности в развитии. Поэтому есть необходимость в повышении квалификации. Надеюсь, что после моего визита в Азербайджан, между балетными сообществами наших стран установятся более тесные связи. Я знаю, что первый вице-президент Азербайджана, супруга президента Мехрибан Алиева очень любит балет и патронирует его. И это очень важно. И мое приглашение в Азербайджан состоялось не без ее участия. Так что, я думаю, с Азербайджаном у нас все прекрасно сложится.

А напоследок хотелось бы пожелать на родном грузинском языке: долгие лета всем народам Закавказья – в Азербайджане, Армении, Грузии! Здоровья, благополучия, мирного неба над головой! Didi madloba (груз. - большое спасибо – ред.)!

=============================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17581
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Ноя 06, 2017 11:34 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017103201
Тема| Балет, труппа Бориса Эйфмана, Гастроли, Персоналии,
Автор| Мария Лебига
Заголовок| Под поезд на пуантах. В Сургуте показали "Анну Каренину" в постановке петербургского балетмейстера Бориса Эйфмана
Где опубликовано| © СургутИнформТВ
Дата публикации| 2017-10- 30
Ссылка| http://sitv.ru/arhiv/news/culture/105282/
Аннотация| ГАСТРОЛИ



Любовь и страсть. В Сургуте выступил балет Бориса Эйфмана. На сцене дворца искусств «Нефтяник» артисты показали спектакль «Анна Каренина». Постановку можно назвать визитной карточкой коллектива из культурной столицы.

Репетиция перед спектаклем. Час на грим. 20-летняя Дарья Резник в Анну Каренину перевоплощается в третий раз за свою карьеру. Несмотря на то, что её героиня старше самой балерины, артистка уверена с помощью танца сможет передать весь трагизм этой истории. «Это погружение в психологический мир героини. Она пошла за страстью, забыв о ребенке, забыв о той жизни, которой она жила, выбрав страсть и именно страсть привела к такому печальному концу», — считает артистка театра балета Бориса Эйфмана Дарья Резник.

Легендарный балетмейстер Борис Эйфман поставил «Анну Каренину» в 2005 году. Вот уже 12 лет спектакль с успехом демонстрируется не только в России. Его ждут и любят во всем мире. Секрет успеха в том, что Эйфману удалось психологически раскрыть образы всех главных героев. Благодаря чему, эта история получилась не про XIX век, а про современность.

«Этот спектакль является визитной карточкой нашего театра. Я думаю, это лучшее творение легендарного балетмейстера Бориса Яковлевича Эйфмана. Он душевный, история такая, которая пронзает, всегда актуальна. Это жизненный треугольник», — считает артист театра балета бориса Эйфмана Сергей Волобуев.

«Я думаю, это очень большой эмоциональный накал, это выражение эмоций души через тело и только Борис Яковлевич ставит такие спектакли, очень драматичные, которые цепляют за душу по-настоящему», — добавила Дарья Резник.

Два часа. Столько длится спектакль. За это время под музыку Петра Чайковского артисты рассказывают историю Льва Толстого. Любовный треугольник между Анной Карениной, её супругом и молодым Вронским. Страдания, общественное порицание и безысходность. Все это чувствуется в каждом движение артистов. Сургутская публика стоя аплодировала артистам Санкт-Петербургского государственного академического театра балета Бориса Эйфмана. Несмотря на то, что критики часто обсуждают и даже осуждают постановки этого балетмейстера, все спектакли проходят с аншлагами. Возможно потому, что как часто говорят в рецензиях: это балет XXI века, такой же стремительный, как и современная жизнь.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17581
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Ноя 06, 2017 1:45 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017103202
Тема| Балет, Опера, История, Персоналии,
Автор| Иван Петров / Фото: РИА Новости, ТАСС
Заголовок| Здесь танцуют
В год столетия Октябрьского переворота — шесть рассказов о том, как совершалась революция в советской опере и балете

Где опубликовано| © vtbrussia.ru
Дата публикации| 2017-10-09
Ссылка| https://vtbrussia.ru/culture/gabt/zdes-tantsuyut/
Аннотация| ГАСТРОЛИ



После 1917 года опере и балету в России грозила неизбежная гибель. К классовой борьбе и построению социализма оба искусства с их лебедями, феями, принцами и пиковыми дамами никакого отношения не имели. Известно, что от бывших императорских театров Ленин хотел оставить группу из нескольких танцовщиков и певцов, показывая их по очереди в Москве и Петрограде в качестве курьеза прежней эпохи.

Чтобы доказать новой власти и новому зрителю свою полезность, деятелям музыкального театра потребовались титанические усилия. Принцы и лебеди вооружились красными знаменами и штыками и отправились на сценические баррикады. И хотя сегодня многие из тех опытов перешли в разряд исторических анекдотов, важно понимать, что авторы первых советских опер и балетов действовали с абсолютной серьезностью — и искренней верой в то, что показ революции на сцене сам собой произведет революцию жанра.


Балет «Спящая красавица»
Ленинград (1924/1925)


В первые годы советской власти создавать оригинальные балеты на новую музыку отваживались нечасто: путь приходилось нащупывать вслепую. С другой стороны, от царских времен осталось несколько партитур исключительной ценности, в том числе балеты Чайковского. Их и было решено адаптировать к новому быту — подобно тому, как приспосабливали великокняжеские дворцы к нуждам советских учреждений.

С целью поставить музыкальный театр на рельсы революции в Ленинграде была создана Мастерская монументального театра — «Мамонт». Ее руководитель, режиссер Николай Виноградов, писал новые сценарии к старым балетам и операм. Один из них содержал переделку «Спящей красавицы». Постановка была объявлена ГАТОБом (бывшим Мариинским театром) в сезон 1924/1925.

Читая сценарий Виноградова, можно только жалеть, что постановка так и не состоялась. Действие новой «Спящей» происходило в XV веке и представляло «первое восстание пролетариата». Всемирный герцог (фея Карабос) угнетал рабочий народ. На музыку знаменитого крестьянского вальса «народ срывал атрибуты герцогской власти и танцевал с новыми символами труда». Астролог-мыслитель (фея Сирени) жезлом открывал завесу будущего. Герцогу удавалось похитить Зарю Революции — принцессу Аврору. Народ устремлялся в погоню. Царство, где спала Аврора, представляло собой «город Коммуны в золоте богатств, в серебряном пламени электрических огней и красном дыму заводов». Финал спектакля таков: Вождь восстания (принц Дезире) «факелом взрывает гроб, в алом сиянии и пламени красных знамен встает Аврора, прекрасная заря Всемирной Революции».


Опера «В борьбе за коммуну»
Ленинград (1924)


Студия «Мамонт» деятельно взялась и за адаптацию старых опер. 19 сентября 1924 года в ленинградском Малом оперном театре (бывшем Михайловском) студийцы дали премьеру оперы Пуччини «В борьбе за коммуну».

Такой оперы у великого композитора-итальянца нет: в новых одеждах перед ленинградцами предстала «Тоска». Вместо Рима 1800 года на сцене воздвигся Париж 1871-го, действие происходило в последние дни Парижской коммуны. Коллизии оперы остались прежними: укрытие в соборе, арест, пытки тенора, убийство баритона, гибель сопрано. Только теперь от врагов спасались коммунар Арлен и его русская невеста Жанна, вместо фрески с картинами Страшного суда за занавесью обнаруживалось панно «Торжество коммунизма», а на музыку знаменитой арии Vissi d’arte Жанна-Тоска пела о том, как «с нуждой боролась, в работе тяжелой изнемогла».

Спектакль прошел всего 14 раз и был снят с репертуара: свидетели премьеры остались в недоумении. Изменился государственный строй, но не изменились привычки публики: слезоточивая мелодрама и знакомый наизусть итальянский текст по-прежнему были зрителю милее, чем арии о «железных солдатах грядущей революции». «Мамонт», который подступался к «Гугенотам» Мейербера и «Риенци» Вагнера, оставил свои планы. А Пуччини, по слухам, даже собирался приехать в Ленинград на премьеру.


Опера «Декабристы»
Ленинград (1925) / Москва (1953)


Опыт с «Тоской» показал, что создать советскую оперу не получится без новых партитур. «Декабристы» Юрия Шапорина стали одной из первых оригинальных советских опер — и имели несчастливую судьбу. Опера следовала романтическим канонам XIX века: героиней была француженка Полина Гёбль, и действие вращалось вокруг ее любви к декабристу Анненкову. Впервые «Декабристов» исполнили на торжественном заседании к столетию декабрьского восстания — и вслед за тем подвергли шквалу критики: слишком много лирики и мало идейности. Чтобы удовлетворить требования партийных критиков, понадобилось 30 лет переделок; изначальное либретто Алексея Толстого в конце концов пришлось заменить на новое, авторства Всеволода Рождественского.

Официальная премьера «Декабристов» состоялась в январе 1953 года. Выросшую до четырех актов эпическую оперу объявили выдающимся достижением советской сцены, применив к ней все подобающие сравнения — с операми Глинки, Мусоргского и Бородина. В историю же «Декабристы» вошли, увы, не из-за музыки, а благодаря казусу, имевшему место на премьере. Кульминация оперы: картина восстания, музыка исполнена пафоса и величия. Занавес поднимается, открывая взорам золоченый купол Исаакиевского собора, — и по залу прокатывается волна смеха. В год восстания декабристов на Сенатской площади в помине не было никакого купола — собор достроили только 30 лет спустя.


Опера «Лед и сталь»
Ленинград (1930)


В мае 1930 года ленинградская Акопера (то есть Академическая опера — в то время обиходное название для бывших Императорских театров обеих столиц) показала новую оперу Владимира Дешевова «Лед и сталь». На сцене развернулась история Кронштадтского мятежа 1921 года.

Непривычными для оперы были места действия — барахолка, металлургический завод, форт. Необычными были и герои: сцену заняли матросы, рабочие, лоточники, спекулянты, шпана — почти четыре десятка персонажей. И пели они не изысканные поэтические тексты, а выражались сочным уличным языком того времени — да и не пели практически: место развернутых арий заняли речитативы и разговорные сцены. Но главное — небывалой для оперной сцены была историческая дистанция: между реальными событиями Кронштадтского мятежа и его изображением на сцене не прошло и десяти лет.

Рабочему зрителю больше всего понравились картина на заводе, написанная в модном тогда жанре «музыки машин», и батальный апофеоз: согласно либретто, комсомолка Муся проникала на пороховой склад мятежников и подрывала его. В партитуре было прописано 17 взрывов, для которых построили особые закулисные машины. Новую оперу жестко раскритиковали, и спектакль не задержался в репертуаре: революция оперного жанра вновь была отложена. В 2007 году «Лед и сталь» вернули из небытия в немецком Саарбрюккене — и сегодня у нас есть счастливая возможность услышать эту оперу.


Балет «Пламя Парижа»
Ленинград (1932) / Москва (1933)


Приобщить балет к достижениям революции оказалось еще сложнее, чем оперу: трудно представить что-то более далекое от бытовой и политической реальности, чем язык классического танца. После нескольких неудачных попыток революционизировать балет в год 15-летия Октября от советских хореографов и сценаристов ждали чуда.

Для балета — этакого юбилейного подарка — была избрана тема Великой французской революции. Благодаря композитору Борису Асафьеву в спектакле зазвучала музыка баррикад: хор исполнял революционные песни. Это дало повод для знаменитого анекдота о Стаханове, которого пригласили в Большой театр на «Пламя Парижа». Передовик, никогда не видевший балет, спрашивает у соседа по ложе: «Когда уже будут петь?» Сосед (по одной из версий — Немирович-Данченко) терпеливо объясняет, что в балете не поют, чувства здесь выражают танцем. В этот момент вступает хор с «Марсельезой». Стаханов ухмыляется: «А ты, видать, тоже на балете впервые».

Сценарий таков: живущий в предместье Марселя маркиз домогается крестьянки. Ее защищает отец, которого избивают слуги маркиза. Марсельские крестьяне мстят вельможе и громят его замок (согласно режиссерским описям, из окна замка по ходу штурма выбрасывали полсотни бутафорских предметов интерьера), а затем двигаются на Париж. Неловкий сценарный ход породил шутку о том, что причиной Великой французской революции стали одна поцелованная крестьянка и один побитый крестьянин.

Критики отнюдь не с восторгом приняли «Пламя Парижа», попеняв авторам на политическое легкомыслие и обилие немотивированных танцев: «Вот закончилась революция — и тра-ля-ля, потанцуем». Но артисты и зрители полюбили в «Пламени» именно мощную танцевальную стихию: ее след можно уловить в кинодайджесте балета. «Пламя Парижа» украшало сцены многих советских театров; по мотивам этого спектакля в 2008 году Алексей Ратманский поставил собственную версию в Большом театре, давним партнером и другом которого является банк ВТБ.


Балет «Партизанские дни»
Ленинград (1937)


После премьеры «Пламени Парижа» те же авторы — композитор Борис Асафьев, художник и сценарист Владимир Дмитриев, балетмейстер Василий Вайнонен — задумали новый, более радикальный спектакль. Теперь и в балет наконец проникала советская историческая тематика: в «Партизанских днях» действие разворачивалось на Кубани и Кавказе в годы Гражданской войны. Хореография строилась исключительно на хара́ктерных (то есть адаптированных к сцене народных) танцах — для советского балета это было неслыханно. Никаких пуантов и воздушных пачек: обувь на каблуках, тяжелые юбки в пол у женщин, галифе и патронташи наперевес у мужчин. На фоне белоснежных гор партизаны мчались в бой на живых конях: эта сцена в духе фильма «Чапаев» — самой популярной киноленты того времени — неизменно вызывала овации.

Спектакль репетировали рекордные четыре года. За это время вышли печально известные постановления «Сумбур вместо музыки» и «Балетная фальшь»; авторы боялись неверно отразить героическую историю страны — а критерии верного и неверного менялись поминутно. После официальной премьеры, что состоялась в мае 1937-го, спектакль шел всего два сезона и все это время дорабатывался. Изобретательные танцы Вайнонена раз за разом истаивали — и на последних представлениях, где уже совсем было нечего танцевать, без перерыва сменяли друг друга митинги, аресты, допросы и настоящие пулеметные перестрелки.

Спустя три года деятели балета нашли иной рецепт, как превратить бывшее императорское искусство в советское, — и обратились не к революционным сюжетам, а к великой классической литературе: в 1940 году сцену увидел балет «Ромео и Джульетта», который сам в одночасье превратился в классику.


Текст: Иван Петров
Фото: РИА Новости, ТАСС
=======================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17581
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Ноя 17, 2017 6:06 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017103203
Тема| Балет, Берлинская государственная опера, Персоналии, Яна Саленко
Автор| Юлия Пнева
Заголовок| Яна Саленко: "Мы не машины и не роботы"
Где опубликовано| © Voci dell'Opera - Интернет-журнал об опере и балете
Дата публикации| 2017-10-28
Ссылка| http://www.vocidellopera.com/single-post/ianasalenko
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ




Прима-балерина Берлинской государственной оперы, приглашённая звезда Королевского театра Ковент-Гарден, Римской государственной оперы, Шанхайского балета... Украинская танцовщица Яна Саленко достигла всего, о чём может мечтать балерина, в весьма юном возрасте. Мы побеседовали с Яной о Берлине, эстетике танца и балетной технике.

Яна, с какими мыслями Вы подошли к новому театральному сезону? Успели ли отдохнуть за лето? Какие у Вас планы на будущий сезон?

Конечно, с нетерпением, так как всегда приятно создавать что-то новое. Моё лето было коротким, но я не жалею об этом, так как когда ты постоянно в форме, становится легче танцевать. На данный момент я приглашённая балерина Шанхайского балета, принимаю участие в их туре по Европе, танцую "Лебединое озеро" и также параллельно в Берлине "Спящую красавицу". Ещё в этом месяце я очень жду премьеру моего вечера в Киеве. Это важное событие для меня, он состоится впервые, и я жду с нетерпением! В ноябре я гость в Римском театре, там буду выступать в балете "Дон Кихот". Мой отдых проходит в самолётах или в гостиницах в разных странах мира.

Вы уже многие годы исполняете главные партии в классических балетах наследия. Вам не надоедает танцевать одно и то же? Николай Цискаридзе, допустим, говорил, что ненавидит "Лебединое озеро" со страшной силой.

Нет, конечно. Каждый день проходит по-разному, так и спектакли не бывают одинаковыми. У меня всегда есть цель: улучшить, поправить ошибки. Для меня классическая музыка — музыка, которую можно слушать бесконечно. Вот, например, "Щелкунчик" мне никогда не надоест, хотя танцую я его очень давно. Это один из самых первых балетов в моей карьере.

Вам нравится жить и танцевать в Берлине? Какие Ваши любимые места здесь? Что обязательно должен увидеть человек, впервые приехавший в этот город?

Да, мне очень нравится жить в Берлине. Считаю его моим городом. Берлин за последние годы очень развился в культурном плане. Слышала, Берлинская филармония считается одной из самых лучших в мире, так что советую пойти. Кроме того, музеи... И просто это очень красивый город, где можно расслабиться.

Благодаря Владимиру Малахову и Игорю Зеленскому в Германию переехало большое количество талантливых русских танцовщиков. Как Вы думаете, балерине, принадлежащей к труппе европейского театра, легче обрести всемирную известность? А для Вас важно быть востребованной и знаменитой?

Думаю, да! Наша русская балетная школа вызывает большое уважение в Европе и Америке, и ещё мы очень трудолюбивый народ. Это воспитывают в нас с малых лет. Конечно, важно быть востребованным, больше для самооценки, так как мы очень критически относимся к себе.

В какой стране самый лучший балет?

Для меня — Королевский балет в Лондоне, также Большой театр и Мариинский, Парижская опера.

Вы очень миниатюрная балерина, но тем не менее исполняете партию Одетты-Одиллии. Нет ли мечты станцевать Никию и Жизель? Как балерина с хорошим прыжком Вы танцевали Гамзатти. А как насчёт Мирты?

На самом деле, я эти партии исполняла, но на данный момент большой спрос на "Лебединое". Обожаю "Баядерку", танцевала Никию и Гамзатти (под мой рост можно подобрать людей). Мирту не танцевала, но попробовать не отказалась бы, хотя Жизель мне больше по душе.

Ставили ли для Вас балеты?

Пока ещё нет.

В каких пуантах Вы танцуете? Почему весь мир перешел на долговечные пуанты и продолжает их рекламировать, несмотря на то, что появилось столько примеров того, как они деформируют и уродуют стопы лучших балерин?

Ноги балерин будут деформироваться всегда, но на данный момент у нас большой выбор, и это облегчает нашу проблему. Я выбрала лондонские "Фрид". Хотя они недолговечны (иногда хватает на один спектакль или одну репетицию), они очень мягкие, поэтому, собственно, долго не держатся.

Как достичь совершенства? Нужно ли стремиться к нему в творчестве? Случались ли в Вашей карьере идеальные, на Ваш взгляд, спектакли?

Я ценю зрителей и критиков, которые всегда в восторге рассказывают о том, как прошёл спектакль, и также ценю, когда после спектакля аплодируют стоя. На самом деле, я научилась наслаждаться, а не быть перфекционисткой, принимать всё, как есть... мы же не машины или роботы, так что жить на сцене — это самое главное для меня. А также люблю привнести что-то новое в каждый спектакль.

Вы самокритичны?

Да, конечно.

Без чего Вы не представляете свой удачный день?

Мой день должен быть продуктивным. Я без дела не могу даже отдохнуть.

Заставляете ли Вы себя ходить на класс?

Нет. Даже если нет настроения я всегда знаю: когда начну делать класс, будет легче.

Как Вы считаете, почему балетная техника так далеко шагнула вперед за последние 10-20 лет? Плисецкая говорила, что вертеть больше 2 туров-пассе без подкрутки партнера невозможно, а теперь даже дети делают трюки, которые раньше считались невыполнимыми.

Я считаю, техника была всегда, но у всех она проявляется по-разному. Какие раньше были виртуозные танцовщики, иногда, думаю, даже сложно повторить их технику. Думаю, больше поменялся стиль балета или даже критерии его оценки.

Некоторые консервативно настроенные зрители категорически против шпагатов и "задираний" ног в классических балетах, утверждая, что за подобным трюкачеством прячется отсутствие духовности. Что Вы об этом думаете?

Да, я за духовность, также за персональный образ и актерское мастерство. Если зрители хотят посмотреть растяжку и много трюков, почему бы не пойти в цирк или на гимнастику? Балет должен быть эстетичным! Если есть у балерин техника и растяжка, конечно, это достоинство. Главное, владеть этим талантом с эстетикой и с умом.

Наметились ли в балетном мире какие-нибудь новые тенденции? Я, допустим, замечаю огромную роль Инстаграма в распространении балетного искусства.

Конечно, техника растёт! Если бы при Нуриеве, Макаровой, Плисецкой и Барышниковом, существовал инстаграм, было бы идеально следить за тем, как они жили. Сейчас медиа помогает каждому таланту раскрыться и показать себя на весь мир.

Ваше важнейшее профессиональное достижение на сегодняшний день?

Быть желанной в разных театрах мира и иметь разнообразный репертуар. Танцевать всё.

================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17581
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Ноя 18, 2017 12:20 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017103204
Тема| Балет, Татарский государственный академический театр оперы и балета имени Мусы Джалиля, Персоналии, Кристина Андреева
Автор| Беседовала Татьяна МАМАЕВА
Заголовок| Кристина Андреева: «На сцене даже сильная боль забывается»
Где опубликовано| © журнал "Казань" № 10, 2017
Дата публикации| 2017 октябрь
Ссылка| http://kazan-journal.ru/2016-10-24-11-47-42/item/4268-kristina-andreeva-na-stsene-dazhe-silnaya-bol-zabyivaetsya
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Кристина Андреева — ведущая балерина Татарского государственного академического театра оперы и балета имени Мусы Джалиля.

Умна, скромна, необычайно трудолюбива, с великолепными природными данными.

Лауреат множества международных балетных конкурсов. Уже несколько сезонов казанские балетоманы ходят «на Андрееву». Какова она на сцене, мы знаем, сегодняшний разговор раскрывает Кристину с той стороны, что не видна из зрительского кресла.




«ЛЮБЛЮ ХОККЕЙ!»

— Кристина, вы заняты практически во всех спектаклях репертуара, нагрузки фантастические. Как вы восстанавливаетесь и физически, и психологически?


— В первую очередь хожу в СПА‑сало­ны, удаётся часто там бывать. Хожу на массаж. Очень нравится, когда массаж делают тайки, мне кажется, сейчас это самые лучшие мастера. И я на этих сеансах полностью расслабляюсь физически. В последнее время за пределами театра у меня появилось очень много друзей, стараюсь много времени проводить с ними и полностью отключаться от балета. Могу сходить на хоккей, в кино, просто на вечерние посиделки с друзьями в каком-нибудь хорошем ресторане. Общение для меня очень важно.

— Хоккей — это немного необычное увлечение для балерины.

— Это произошло случайно. Меня пригласили сняться в фотосессии с игроками «Ак Барса», сейчас я и болею за эту команду. Сфотографировалась, завязалось знакомство, ребята меня пригласили на хоккей, я как раз попала на плей-офф, это был жёсткий матч между Уфой и Казанью, атмосфера энергии и азарта поглотила меня. И я поняла, что не могу без этого. Сейчас летом во время отпуска ждала, когда же смогу попасть снова на матч.

— Друзья в команде появились?

— Да, конечно.

— Друзья вне театра — кто они?

— Так получилось, что мои друзья — они юристы. У нас есть много разных тем для разговоров, о театре стараемся не говорить. Мы дружим близко уже полтора года, и я уже успела сходить на свадьбу.

— Если не ошибаюсь, вы поймали букет невесты?

— Я старалась.

— И что, помог букет?

— Думаю, всё будет хорошо.

— Говорят, что это верная примета.

— Мы много смеялись и говорили про то, кто же поймает этот букет. Нас там было шесть девочек, и прежде чем ловить букет, нам надо было пройти маленький конкурс, продефилировать. Естественно, я не могла просто пройти, поэтому, хотя и была в вечернем платье, скинула туфли на каблуках и сделала несколько балетных па. И очень старалась поймать букет.

«А ЕЩЁ ЛЮБЛЮ КИНО!..»

— Кристина, а какие фильмы вы любите смотреть?


— Я посмотрела много советских старых фильмов, их очень любила моя бабушка, с ней я жила некоторое время. Она меня приучила к таким фильмам. Сейчас, конечно, слежу за новинками. Не могу сказать, что у меня есть какой-то любимый жанр, просто люблю кино.

— Вам удаётся ходить в казанские театры?

— Я очень хочу походить по театрам, но, к сожалению, времени не хватает. Желание у меня огромное, надеюсь, что в этом сезоне всё получится.

— Вы всегда очень стильно одеты, у вас есть стилист?

— Нет, я всё делаю сама.

— Какие марки одежды вы любите?

— Раньше для меня было важно просто удобство одежды. В последнее время стараюсь носить платья и ходить на каблуках. Один из моих любимых брендов — Louis Vuitton, просто без ума от этой марки. Купила себе на гастролях классные ботиночки и сумочку этой марки. Недавно у меня появились кеды марки Valentino. Очень люблю бренд Burberry.

Хотя теперь я предпочитаю классику, в выходные дни могу надеть джинсы, футболку, кроссовки. Люблю комфорт.

«…И «МАСТЕРА И МАРГАРИТУ»

— За город бывает возможность выбраться?


— Да, бывает, недавно, например, смогла съездить на Свияжск — и просто потрясена этим местом. Оно закрытое, одухотворённое, там просто чем-то очень важным наполняешься.

— Вы — верующий человек?

— Да, я хожу в церковь, чаще бываю в Петропавловском соборе. Духовника у меня пока нет, я ещё не настолько воцерковлённый человек.

— В театре заводить друзей сложно и опасно…

— Я с этим уже столкнулась… Не огорчаюсь, хорошо, что Господь отвёл ненужных людей. Я больше приобрела.

— Вам удаётся посидеть с книгой, что вы читаете?

— Старюсь находить время для чтения. Недавно, на гастролях и в отпуске, читала Ремарка — «Жизнь взаймы», «Триумфальную арку», «Три товарища». Очень люблю «Унесённые ветром». Но самая любимая книга — это «Мастер и Маргарита». Я её читала, наверное, раз десять. Иногда могу просто детективы читать. Глянец не читаю, не люблю.

— Сколько часов в день вы работаете, если нет спектакля?

— По-разному, это зависит от репертуара. Иногда бывает по три репетиции в день, иногда одна. В десять утра у нас начинается урок, и в четыре-пять часов я ухожу.

— Шесть часов? Это много.

— Много, согласна. Мы сейчас стараемся репетиции немного раскидывать, в прошлом сезоне у меня была травма.

— Как вы сейчас себя чувствуете?

— Я промучилась почти целый год, жила на обезболивающих, сейчас, слава Богу, всё позади. Меня познакомили с замечательным специалистом из РКБ, и он мне помог. Три месяца лечилась. Врач сразу же сказал, что эти проблемы у меня от нагрузок, и надо немного себя пожалеть. Меня, думаю, спасло море. Я приехала, и буквально через два дня отёк спал.

— Я знаю, что на Нуриевском фестивале вы танцевали с травмой.

— В тот день, когда в репертуаре фестиваля была «Эсмеральда», у меня случилось обострение. Не могла встать на ногу. Я была на уколах, намазала ногу всем, чем можно, выпила все обез­боливающие. Когда вышла на сцену, сначала было боязно. Но когда выходишь на сцену, даже самая жуткая боль, она забывается.

«ХОЧУ НА МАЛЬДИВЫ ИЛИ В ДОМИНИКАНУ»

— Какие новые работы будут у вас в новом сезоне?


— Пока не знаю, я станцевала практически весь репертуар нашего театра. Но в этом сезоне у нас будет новая «Баядерка», так что появится возможность поработать в этом спектакле. Очень люблю этот балет. Надеюсь, приедет Кайе Кырб, это замечательная балерина, сейчас коуч. Последние два года она приезжает зимой, после наших гастролей. Мы репетировали с ней «Жизель», «Лебединое озеро», и «Баядерку» с ней готовили.

— Вы любите путешествовать?

— Очень!

— А где вы любите бывать?

— Наши гастроли дают прекрасную возможность знакомиться с разными странами. Летом я больше люблю пляжный отдых, каждый год стараюсь выбрать новую страну. Мне очень нравится Азия — люди, природа, это меня потрясает. Сейчас планирую поездку на Мальдивы или в Доминикану. Хочу, чтобы были океан, белый песок, пальмы и… никого.

— Вы любите экстрим?

— В этом году в Турции я решила полететь с горы на параплане. Высота 2400. Я сама от себя этого не ожидала! Наверное, мне что-то такое было нужно.

— Повторите такой полёт?

— Не знаю… Наверное.

================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17581
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Дек 03, 2017 2:21 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017103205
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Элеонора Севенард
Автор| Игорь Черский
Заголовок| Элеонора Севенард: о родстве с Матильдой Кшесинской, 32 фуэте и балетной моде
Где опубликовано| © журнал Marie Claire
Дата публикации| 2017-10-24
Ссылка| http://www.marieclaire.ru/stil-zjizny/eleonora-sevenard-o-rodstve-s-matildoi-kshesinskoi/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Выпускница Академии им. А. Я. Вагановой Элеонора Севенард получила сразу три приглашения ─ в Мариинский, в Большой и в Marie Claire. Одаренная девушка выбрала Большой театр и интервью нашему журналу.



Marie Claire: Элеонора, ты уже выступаешь на сцене Большого?

Элеонора Севенард: Да, мне доверили первую сольную партию-вариацию в Гран па в спектакле «Дон Кихот». Также танцую в кордебалете, осваиваю репертуар.

Перечисли, пожалуйста, всех твоих родственников, которые имели отношение к балету.

Мой прапрадедушка Иосиф Кшесинский, Матильда Кшесинская, его сестра, и их отец Феликс Кшесинский, который был ярчайшим характерным танцовщиком, танцевал до очень преклонного возраста, и им многие восхищались.

А что ты знаешь о своей великой предшественнице?

Матильда Феликсовна - первая русская прима-балерина, которая сделала 32 фуэте. До нее в России этого никто не делал. Тогда считалось, что подобный трюк на сцене под силу только итальянкам. Но Кшесинская разгадала его секрет. Я горжусь тем, что она моя предшественница, для меня это особенный стимул в профессии.

Ты уже тоже делаешь 32 фуэте?

Да, но сейчас этому нас учат педагоги. И нам уже не нужно сидеть в зале и гадать, как это сделать.

Расскажи, как одолеть хотя бы 10 фуэте.

Нужно встать в четвертую позицию. Это когда левая нога спереди, а правая сзади (или наоборот). Выбрать точку - допустим, в зеркале или на стене, куда ты будешь смотреть, чтоб не плыло все перед глазами во время вращения. Сделать плие… Говоря простым языком, присесть, чтобы взять форс. Игорь, ты действительно будешь пробовать? Тебе сложно, мне кажется, будет.

Я хочу понять, что ты чувствуешь. Начнем сначала: встаю в четвертую позицию, приседаю. Правильно?

Да. Потом выталкиваешься правой ногой, подводишь ее к колену, и это происходит в поворот. Далее: нужно правую ногу открывать в сторону и приседать только на одной ноге. Нет, так ты упадешь. Нужно правой ногой брать форс в поворот, то есть использовать силу от поворота.

(Поднимаясь с пола) А кто вообще изобрел фуэте и для чего?

Итальянки, чтобы показать свою виртуозность и силу. Это реально сложно, может затечь нога или рука.

А как насчет трения? У меня ощущение, что пуант может начать дымиться.

Пятак, на котором мы стоим, действительно нагревается. Но обувь для нас делают из специальных материалов, которые выдерживают температуру.

Скажи, а 32 - это абсолютный предел, или кто-то может больше?

32 - это по количеству тактов в музыке. То есть, когда композитор пишет музыку, он рассчитывает, что балерина в этот момент сделает 32 фуэте. Больше, мне кажется, зрителю уже будет тяжело смотреть.

Твой личный рекорд – 32?

Нет. Чтобы на сцене сделать качественно 32, нужно привыкнуть делать 40 или 45 в зале.

Ты начала заниматься балетом с четырех лет?

Да. Но отдав нас с сестрой туда, мама еще не думала, что это может стать профессией. Мы просто занимались хореографией, гимнастикой. Я и в художественную школу ходила, на музыку, в бассейн. Но балет оказался мне ближе всего.

А вообще сейчас какая ситуация с балетом? Мы по-прежнему впереди планеты всей?

Да, даже в частных школах Америки, Италии преподают русские педагоги. Вот, например, когда я еще училась в академии, мы ездили танцевать в «Гранд опера» и в «Ла Скала». Там к нам был особенный интерес, местные педагоги приходили смотреть, как мы занимаемся. Очень многие сейчас танцуют модерн, а самое сложное в балете, это именно классика, основы.

Ты именно за классический балет? То есть, ты будешь его продвигать?

Конечно, потому что это моя школа. Я училась именно для того, чтобы танцевать классический балет. Но я не отрицаю, что в будущем захочу попробовать что-то новое, потому что мир не стоит на месте.

Классический балет хранит традиции, верно?

Да, все пытаются сохранить первоначальный стиль, даже в плане декораций. Костюмы, понятно, изменились. Раньше пачки были до колена, сейчас поднялись.

Расскажи о балетной моде.

Пачка - это юбка, которая стоит как обруч. А юбка, которая закрывает ноги, называется шопенка. Это два костюма для классического танца, в зависимости от того, что конкретно ты танцуешь. А в модерне сейчас просто надевают купальник, например, черное трико, и не используют никаких юбок - ни пачек, ни шопенок.

Принципиально ли начинать заниматься балетом именном в раннем возрасте?

Да, конечно! Чтобы стать профессиональным артистом балета, надо долго учиться. Мы не просто так по шесть часов в день в зале работаем. В процессе занятий наши мышцы, связочный аппарат и даже суставы, особенно суставы ног, формируются так, чтобы быть готовыми к колоссальным нагрузкам, которые ждут нас на профессиональной сцене. Человек без особой подготовки не сможет, например, встать на пуанты. У него кость сломается или растяжение связок произойдет.

Из-за деформации костей тебе в обычной жизни приходится носить специальную обувь?

У меня бывают проблемы с выбором. Допустим, обувь рассчитана на определенный подъем ноги, и бывает сложно подобрать ту, которая не будет давить на свод. Но такое встречается не только у артистов балета.

А на плоской подошве ты нормально ходишь?

Плоская подошва в принципе считается вредной, потому что развивает плоскостопие.

Какими преимуществами обладает балерина, по сравнению с обычными женщинами?

Физическая выносливость, правильное дыхание, знание своего тела. Если у нас что-то болит, мы можем конкретно назвать мышцу, потому что нам преподают анатомию.

Элеонора, у тебя есть еще проекты, кроме балета?

Два года назад я снималась в фильме с Елизаветой Боярской, играла ее героиню в детстве. Картина называется «Ромео и Джульетта холодной войны», будет четыре части. У меня была роль без текста ─ воспоминание, как герои познакомились в академии и полюбили друг в друга. Фильм должен выйти на Первом канале.

Расскажи, пожалуйста, о правильном питании балерин. Вы же, с одной стороны, должны быть стройными, а с другой тратите кучу калорий.

Часто девочки-балерины становятся вегетарианками, вообще не едят мясо, и из-за этого получают травмы. Белок необходим. Когда мне нужно похудеть, я стараюсь просто не есть после шести, и ем меньше. Особой диеты нет: питаюсь тем, что легко переваривается. То есть не чипсами и не макаронами.

У вас отсев происходит еще на стадии обучения?

Да, с первого же класса академии начинают отчислять. И лучше пусть это случится как можно раньше, а не с предвыпускного курса. Тогда ребенок успеет найти для себя что-то другое.

А отчисляют за что?

Ты можешь не справляться с какими-то техническими заданиями, которые нужно исполнять на определенном этапе твоего обучения. У тебя может измениться фигура.

То есть, если девочка прекрасно танцует, но поправилась, ее бракуют?

Если она поправилась не сильно, скажем, выросла, то это нормально. Но если мальчик уже не может ее поднять, то это уже другое дело. Он может сорвать спину.

Какие ближайшие премьеры с тобой смотреть?

Большой классический танец в балете «Баядерка».

В каких соцсетях ты присутствуешь?

ВКонтакте, в Инстаграм, в Фейсбуке. Слежу за новостями, но за всеми не успеваю. Если у меня есть свободное время, я лучше пойду погулять или посмотрю фильм.

Представь, что ты мама, и тебе надо решать, куда отдать дочку. В балет, в художественную гимнастику, в фигурное катание или пусть сама решит?

Пусть сама решит. Чтобы профессионально заниматься балетом, гимнастикой или другим видом спорта, нужно очень сильно любить то, что ты делаешь. Иначе просто не хватит сил. Балет ─ это тяжелая профессия. Ею нужно жить.

Фото: Instagram, личный архив Элеоноры Севенард
++++++++++++++++++++++++++++
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17581
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Дек 03, 2017 5:02 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017103206
Тема| Балет, Чувашский государственный театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Анна Серегина, Ольга Серегина
Автор| Наталия Чемашкина
Заголовок| Сила характера
Анна и Ольга Серегины о балете «Чиполлино»

Где опубликовано| © МК Чебоксары
Дата публикации| 2017-10-10
Ссылка| http://cheb.mk.ru/articles/2017/10/10/sila-kharaktera.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

«Детский балет — это всегда очень интересно. Танцевать для детей — особенное удовольствие», — так с озорной улыбкой о предстоящей премьере рассказывает балерина, солистка театра Анна Серегина. 27 и 29 октября в Театре оперы и балета Чебоксар дают балет «Чиполлино». И Анна Серегина, представитель балетной династии, танцует в нем одну из ведущих партий. О спектакле, о профессии и силе характера мы поговорили не только с Анной, но и с ее мамой, заслуженной артисткой России, педагогом-репетитором Ольгой Витальевной Серегиной.


фото: Регина Аврамова

— Анна, какую партию вы исполняете в новом балете «Чиполлино»?

Анна Серегина: Я танцую партию Редиски. Очень ждала эту работу. Одно дело, когда танцуешь что-то серьезное из классического балета, другое дело, когда ты можешь сама порезвиться, похулиганить. Да, в балете это возможно, но только если профессионально, чтобы это не сказалось на качестве. Сейчас идут постановочные репетиции, почти все готово. Я очень довольна, мне нравится. У артистов есть такой термин «ложится под ноги», все удобно. У меня получается такая «Редиска-Редисочка» — застенчивая, веселая, искренняя, преданная подруга. У меня есть несколько работ по детским произведениям: Ласточка в «Айболите», была занята в «Буратино», сейчас танцую Машеньку в «Щелкунчике» и главную партию в «Золушке». Танцевать для детей — особенное удовольствие. Они искренние, не стесняются чувств, реагируют мгновенно. На мои спектакли приходит милая, трогательная девочка, ей года три, не больше. Мама доводит ее до сцены, и этот белокурый ангел несет мне цветы…

Ольга Серегина: (улыбается) Да, именно ради такого и стоит танцевать.

— А эмоции детей, которые часто вслух во время спектакля их выражают, не мешают?

А.С.: Мы не слышим… И даже не потому, что впереди оркестр. Артисты не разглядывают людей в зале. Я вижу только лицо партнера.

О.С.: Тем не менее родители, когда идут в театр с детьми, должны их подготовить.

— Анна, вы в балет сознательно пошли, или это было настояние мамы?

О.С.: Аня всегда настаивала, что хочет в балет. И учиться начала с шести лет, буквально заставив меня отвести ее в балетный класс.

А.С.: (смеется) Рассказывают, мне было лет 6-7, мама танцевала на сцене «Лебединое озеро», а я, стоя за задником, повторяла ее движения. Хотя был и кризисный период: лет в 13 я чуть не ушла из балета, спасибо маме — остановила. С тех пор ни разу не пожалела, что выбрала эту профессию.

— Быть артистом – это определенный характер, а быть артистом балета?

О.С.: Быть солистом балета очень сложно, потому что ты отвечаешь за спектакль. Кордебалет — важный элемент, он создает атмосферу, но без участия солиста это невозможно. Иногда кордебалет даже вдохновляется от солистов…

А.С.: Бывает, мы выходим на репетицию, а кордебалет не хочет работать, нет настроения. Но если ты задаешься целью, начинаешь делать все с абсолютной самоотдачей, общаться со всеми, все прямо на глазах начинают заводиться и репетировать, как на спектакле. Мы все на сцене взаимосвязаны, не только балерина с партнером. Я это знаю, сама тоже, как и многие артисты балета, придя в театр, прошла через кордебалет.

— Выходит, вы находитесь между двумя мощными энергиями: энергией кордебалета и зрителя, а еще оркестр…

А.С.: Именно! И здесь как раз важен тот самый стержень, который должен быть.

О.С.: Быть солистом — это огромное физическое, моральное, психологическое напряжение. Мы, когда готовимся, ночами не спим, слышим в голове музыку. Я, даже засыпая, пританцовываю, Аня тоже. Мы все время в этой подготовительной работе, мозг напряжен. И когда спектакль заканчивается, он не уходит в одну секунду, продолжает жить в тебе.

— Я знаю, как драматические артисты готовятся к премьерам, входят в роль, выхватывают черты героев, иногда даже меняются в период подготовки. А для артиста балета главное — все-таки характер персонажа или схема танца?

О.С.: Тут по Станиславскому, есть артисты, которые изображают, а есть те, которые чувствуют. И это разные школы актерского мастерства. Танец — это обязательно чувство, и мы должны передать это зрителю. Я, когда танцевала, всегда превращалась в героя, но в жизни я совершенно иная. Аня так же работает. Я должна обязательно понять характер образа, и только тогда получится то, что нужно.

А.С.: Бывают такие партии, которые легли сразу. Например, был случай, когда по определенным обстоятельствам солисты не смогли станцевать спектакль «Вальпургиева ночь», а до него пять дней. И предложение художественного руководителя балетной труппы Данила Салимбаева танцевать в этом спектакле я вообще сначала приняла за шутку. У меня было 4 дня на премьеру, которую я никогда не танцевала и даже порядка не знала! Сутки учила порядок, мама очень помогла. И вдруг на репетиции поняла, что мне легло, не надо ничего изображать. А бывает иначе — найти надо. Вот «Спящую красавицу» я долго искала, только через несколько спектаклей пошло, как надо.

— «Вести спектакль» — это предполагает иной образ жизни, вы многое не можете себе позволить, а это несвобода.

А.С.: В бытовом смысле я не могу себе позволить многого, что хотелось бы сделать для семьи, для себя, потому что часто репетиции допоздна. Гастроли опять же предстоят затяжные. Но родные с этим уже смирились, даже ребенок. Для меня свобода все-таки в другом — в танце, в профессии. И оно того стоит.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7  След.
Страница 6 из 7

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика