Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2017-08
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17934
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Авг 17, 2017 7:58 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017081704
Тема| Балет, «Бенуа де ля Данс»
Автор| Екатерина БЕЛЯЕВА
Заголовок| «Бенуа» достиг Уругвая
В Большом театре в двадцать пятый раз вручили призовые статуэтки «Бенуа де ля Данс»

Где опубликовано| © Газета "Музыкальное обозрение" № 6 (413) 2017
Дата публикации| 2017-08-14
Ссылка| http://muzobozrenie.ru/benua-dostig-urugvaya/
Аннотация|


Юрий Григорович вручает приз в номинации «За жизнь в искусстве» Марсии Хайде. Фото Михаил Логвинов

Престиж этой премии, называемой «балетным Оскаром», не слабеет. Быть признанным внутри уважаемого сообщества хочется всем балетным артистам и хореографам. Как «МО» не раз отмечало, в последние годы сам мини-фестиваль «Бенуа де ля Данс», который когда-то был основным смотром новейшей хореографии мира, несколько потерялся на фоне энергичных столичных фестов, привозящих зарубежные спектакли целиком и в больших количествах. С другой стороны, формат концертных па де де или монологов из балетов способствует лучшей концентрации внимания, когда оценить спектакль в целом нужно по маленькому фрагменту.

Впечатляет также вселенский охват — на фестивале можно познакомиться с работами хореографов из Азии и Латинской Америки, которые еще не скоро попадут в сферу интересов Чеховского фестиваля или «Dance Open». В жюри этого года работали (не только определяли победителя накануне концерта на основе просмотра видеозаписей, но и выдвигали каждый двоих номинантов) звезда мирового балета (танцевал в Американском балетном театре), хореограф и художественный руководитель Национального балета Уругвая, аргентинец Хулио Бокка; прима-балерина Большого театра Светлана Захарова; звезда мирового балета (в прошлом прима-балерина Штутгартского балета) и худ. рук. Национального балета Кореи Сю Джин Кан; звезда мирового балета (танцевала в АБТ) и худ. рук. Вашингтонского балета Джули Кент; этуаль Парижской оперы и худ. рук. Венского государственного балета Манюэль Легри; экс-директор Балета Парижской оперы, директор Бьеннале танца в Каннах Брижит Лефевр и финский хореограф Йорма Эло.

Экспрессия «Саломеи»

В список хореографов-номинантов попало шесть человек. Аргентинско-немецкий хореограф Демис Вольпи был выдвинут за создание балета «Саломея» на музыку Дж. Адамса, В. Мартынова и Т. Сильверман в Штутгартском балете. В Москве показали один из дуэтов Саломеи и Иоканаана на музыку Мартынова. Дуэт (и, видимо, весь балет) сделан уникально – в нем вообще нет танцевальных па, но есть движение и экспрессия. С садистским отчаянием Саломея в десятый раз напрыгивает на пророка, который спокойно общается с девушкой при помощи знаков. Она, замурованная в кожаную двойку, напряженная как струна, срывает с расслабленного Иоканаана слои одежды, надеясь, что таким образом доберется до его нутра. Электроскрипка повторяет навязчивую мелодию, обрывая звук на самой драматической ноте, Саломея повисает доли секунды на партнере и скатывается с него, как шлак, на сцену. У Вольпи в арсенале уже много сюжетных балетов, и с нового сезона он больше не числится в штате Штутгартского театра, где он сформировался как хореограф на знаменитых, придуманным еще Дж. Крэнко «матине» (показах работ артистами труппы), уходит в «свободное плаванье».

Ностальгия

Румынского хореографа, директора Мариборского балета Эдварда Клуга номинировали за балет «Человек-рука» на музыку Милко Лазара (специально написанную для этого и многих других спектаклей хореографа), поставленный в Нидерландском театре танца. Но в Москве хореографию Клуга представляли солисты Дортмундского балета с дуэтом из спектакля «Хора» с музыкальным сопровождением Ады Милеи и Квартета Баланеску. Фрагмент из «Хоры» – это крошечный дуэт девушки и парня, тихо танцующих где-то на окраине мира. Танец как продолжение музыки, ее незамысловатого мотива и навеянного землей песенного сюжета. Похоже и на рил, и на польку и на танго, но хореографа явно вдохновляла на создание этой композиции его малая родина Романия – затерянная провинция Римской империи, страна, расположенная в сердце юго-восточной Европы, где песенные народные традиции очень сильны.

Жесткость звука и мягкость тела

Сильнейшее впечатление произвел балет «В ритме пульса» кореянки Хьо-Хьюн Кан, который она поставила для семерых танцовщиц труппы Национального балета Кореи на музыку Puri (знаменитейшая в Корее группа, состоящая из музыкантов, играющих на корейских ударных инструментах). Девушки (среди них и сама хореограф, которая с 2010 танцует в труппе театра в статусе второй солистки) делают в такт ударам барабанов однообразные движения руками и ногами. Барабаны пропагандируют резкость, четкость, жесткость, а тела танцовщиц, наоборот, воплощают мягкость. Входящие лучи так хитро падали на их бледные руки (свет для этого номера выставляли до полуночи), которые, выхваченные на секунды у тьмы, напоминали то шеи фламинго, то каике-то замысловатые тропические цветы вроде орхидей.

Из того, что было показано в концерте, именно этот номер выглядел самым интересным и заслуживающим поощрения в виде статуэтки «Бенуа». Но премией судьи распорядились иначе, так как они смотрели номера на видео, и отдали приз канадке Кристал Пайт, на концерт не приехавшей. Понятно, что ее хореографию покажут на фестивале следующего года, и сама хореограф, скорее всего, тоже приедет.

В этом году премию таким образом «отработал» лауреат прошлого «Бенуа» Юрий Посохов. Он создал специальный номер-посвящение «Toi, moi» на новую музыку Ильи Демуцкого, в котором обыгрывалась знаменитая статуэтка Игоря Устинова. Танцевали солистка Балета Джоффри Виктория Джаяни и солист Балета Сан-Франциско Джозеф Уолш под живой аккомпанемент. Посохов создал эту миниатюру специально к 25-летию программы «Бенуа де ля Данс». Хореография условно имитирует творческий процесс скульптора, который лепит две фигурки из мягкого материала (у Демуцкого в партитуре слышатся таящие звуки в духе «Послеполуденного отдыха фавна»), готовые взмыть в воздух. Незаметно парящая пластика сменяется более угловатой, даже геометричной палитрой движений современного танца, символизируя мудрость и опыт, которые приходят к артистам со временем и всеохватность, присущую фестивалю и премии «Бенуа де ля данс».

Посвящение Скарлатти

У А. Ратманского уже есть две премии «Бенуа», но в этом году он снова номинировался за балет «Серенада после Симпозиума Платона», на музыку Л. Бернстайна, который он поставил в АБТ. Опус относится к лучшим сочинениям хореографа, вдохновленным особенностями формы использованного музыкального произведения. Из трех титанов барокко, родившихся в 1685 г. и оставивших потомкам по солидному портфолио сонат, хореограф выбирает самого космополитичного композитора, итальянца Д. Скарлатти, который родился в Неаполе, работал некоторое время в Лондоне, не выдержал там конкуренции с Генделем, а те самые прославившие его 555 сонат написал в Мадриде, где и протекала жизнь Доменико и его испанской семьи до самой смерти. Ратманский умеет сочинять балеты про танцы – углубляться в их историю, контекст, фантазировать на тему обстоятельств рождения того или иного движения, инкрустировать диковинную архаику ультрасовременными технологиями. «Семь сонат» — это путешествие к барочному двору в его мрачноватом мадридском изводе, где юные озорники хотят опробовать модные танцы и, чтобы встретиться со своими партнерами, вынуждены ждать наступления сумерек.

В балете есть аллюзия на бесхитростные «Танцы на вечеринке» Роббинса, построенные как череда музыкальных наваждений, когда музыка делает с человеком чудесные вещи, например, побуждает к неожиданному признанию или другому романтическому порыву, который сложно будет объяснить и принять после того, как томная ночь схлынет. А в спектакле Ратманского артисты «пользуются» музыкой иначе, скорее как наперсницей ночного приключения, где у каждого участника есть план действий по соблазнению одного или нескольких партнеров, а для этого нужно как следует подготовиться, показать свои силы и присмотреться к соперникам. Ратманский рассказывает предысторию классического дуэта, бесстрашно реконструируя его гендерную неоднозначность.

Трудности перевода

Хореографию Акрама Хана, номинированного за «Жизель» на музыку В. Ламаньи по мотивам А. Адана в Английском национальном балете, на концерте не представили. Зато солисты Королевского балета Фландрии Д. Джейкоби и М. Фоли показали фрагмент из новой работы С.Л. Шеркауи «Дидона и Эней» и на музыку Г. Перселла (номинировали хореографа за спектакль «Выставка» на музыку М. Мусоргского «Картинки с выставки» в редакции М. Равеля в Королевском балете Фландрии). Пара, состоящая из татуированного бородача и агрессивной девы, станцевали героев, представляющих собой совершенных чужаков друг другу — по духу, по крови и по высшему предназначению. Особенно трудная роль у Энея, внутри которого зашит чип будущего основателя Рима, и от жара этого «чипа» он изнемогает, а Дидона знает про будущее чуть меньше, но страдает больше как заведомо проигравшая. Шеркауи, будучи наполовину африканцем, наполовину бельгийцем, умеет оформить в танце трудности перевода и национальную непохожесть.

Статуэтки лучшим

Артистические премии «ушли» во Францию, Россию и Уругвай. Лучшими танцовщицами стали этуаль Парижской оперы Людмила Пальеро и солистка Балета Уругвая Мария Рикетто, лучшими танцовщиками – этуаль Парижской Оперы Уго Маршан и премьер Большого театра Денис Родькин. Приз «За жизнь в искусстве» вручили балерине и актрисе Марсии Хайде (род. 1937). Людмила Пальеро приехать не смогла (значит, приедет на следующий фестиваль и снова представит французов, самых желанных гостей в Москве), а Мария Рикетто с большим достоинством представляла Уругвай в дуэте из балет «Ромео и Джульетта» С. Прокофьева в хореографии К. МакМиллана. Тягаться с Пальеро, одной из лучших и техничных балерин мира, Рикетто не может, но ее выучка, артистизм и изысканные манеры заставили порадоваться и удивиться развитию балета в странах Латинской Америки, где раньше только две страны (Бразилия и Аргентина) могли похвастать тем, что выпустили энное количество балерин и премьеров топ класса.

Второй гала-концерт был задуман организаторами как срез всего лучшего, что составило историю Приза Бенуа за 25 лет. Главным подарком Москве стало выступление Матса Эка и Аны Лагуны в миниатюре Эка «Память» на музыку Н. Рельке. А самым изысканным номером программы стал фрагмент из балета Каролин Карлсон «Знаки» (музыка Рене Обри) с участием этуалей Парижской Оперы Мари-Аньес Жило и Уго Маршана.


Фото Михаил Логвинов
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17934
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Авг 18, 2017 12:19 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017081801
Тема| Балет, Венгерский оперный театр, Персоналии, Алия Таныкпаева
Автор| Шолпан Жабаева
Заголовок| Прима Венгерского оперного театра Алия Таныкпаева рассказала, почему уехала из страны
Где опубликовано| © "Инфополис"
Дата публикации| 2017-08-18
Ссылка| https://informburo.kz/novosti/prima-vengerskogo-opernogo-teatra-aliya-tanykpaeva-rasskazala-pochemu-uehala-iz-strany.html
Аннотация|

О планах возвращения на родину наша соотечественница пока не задумывается, но не исключает такого варианта.


Алия Таныкпаева / Фото предоставлено компанией "ArtClassic"

Главная балерина Венгерского оперного театра казахстанка Алия Таныкпаева выступит на сцене ГАТОБ в Алматы. Вечера "Гала Этуалей" пройдут 15-16 сентября. Корреспонденту Informburo.kz Алия рассказала, почему уехала из страны и что покажет алматинскому зрителю.

В 1999 году Алия окончила хореографическое училище имени Селезнёва в Алматы. Она приехала в Алматы из Аркалыка. В школьные годы педагог из местной школы искусств заметила танцевальные задатки у девочки и посоветовала поступить в хореографическое училище.

"Тогда я сразу загорелась и поехала поступать. Спасибо папе, он тогда поддержал моё желание. Я поступила! А потом уже не было другого выхода, уже в характере моём заложено идти только вперёд", – сказала Алия Таныкпаева.
В 2001 году Алия уехала в Москву, где её пригласили в московскую балетную труппу. Там наша соотечественница проработала 4 года и ещё четыре – в Венской опере.


Директор Венгерского оперного театра пригласил Алию на амплуа ведущей солистки. В Будапеште она живёт и работает уже пятый год.

"За всю мою карьеру не было приглашения переехать в Казахстан и танцевать на родине. Так получилось, что везде меня приглашали, одно приглашение за другим следовало из европейских театров. Но я продолжаю общаться с казахстанскими коллегами", – отметила прима Венгерского оперного театра.

По мнению Алии Таныкпаевой, сегодня казахстанский балет развивается ускоренными темпами.

"В Астане построили прекрасный оперный театр, где я танцевала два года назад "Лебединое озеро". Мне хочется поработать с Алтынай Асылмуратовой, которая является прекрасным руководителем. Я не скажу, что у нас в Казахстане сейчас хуже с балетом", – поделилась балерина.

В Алматы Алия приезжала на "Концерты на родине".

"Очень добрая поддержка была со стороны коллег. Наш казахстанский народ очень гостеприимный вообще и очень добрый и отзывчивый. Кроме того, очень важно, чтобы артисты были вдохновлены работой и делали её вместе, чтобы единый командный дух присутствовал", – считает балерина.

О планах возвращения на родину наша соотечественница пока не задумывается, но не исключает такого варианта.

"Мне не хочется отнимать ни у кого места. К тому же в Казахстане меньше спектаклей. А артистка должна как можно чаще выходить на сцену и расти. А когда мало спектаклей, то какая-то балерина остаётся без спектаклей и практики, а это очень важно. Время идёт, года идут, и со временем ты уже не сможешь сделать то, что мог раньше, по молодости. Поэтому я живу здесь в данный момент", – поделилась балерина.

С венгерским коллегой, солистом венгерского театра Гергели Лэбланом они покажут в Алматы "Адажио Конрада и Медоры" и "Элегию".
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17934
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Авг 19, 2017 11:13 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017081901
Тема| Балет, МАМТ, Премьера
Автор| Наталья Витвицкая
Заголовок| «ЛИФАРЬ/КИЛИАН/ФОРСАЙТ»
Где опубликовано| © ВашДосуг.RU/VashDosug.RU»
Дата публикации| 2017-08-15
Ссылка| https://www.vashdosug.ru/msk/theatre/performance/2440051/tab-reviews/review2442328/
Аннотация|

Не надо быть балетоманом, чтобы получить удовольствие от вечера, который МАМТ назвал именами трех гениальных хореографов XX века. Труппа танцует блестяще!

С приходом нового руководителя (экс-этуаля Парижской оперы, Лорана Илера) балетная труппа театра осилила абсолютно разные по стилю постановки Лифаря, Килиана и Форсайта с очень мощной заразительной энергией и на соврешенно новом уровне профессиональных возможностей. Сам Лоран Илар явно много работал с труппой: заставил танцоров выучить европейский хореографический язык, танцевать на пределе сил — не только эмоций, — добиваясь совершенства. Концентрация артистов, чистота и техничность исполнения ошеломляют.

Завсегдатаи театра помнят, что «Маленькую смерть» Килиана труппа уже танцевала и постановка долгое время была самой кассовой. Радостно, что спектакль, получивший «Золотую маску» в 2010 году, вернулся на сцену, и вернулся в отличной форме! «Маленькую смерть» танцуют качественно, как балет для гурманов. Балерины с кринолинами на колесиках и их кавалеры в остроумных моцартовских париках похожи на сгустки энергии — их тела как будто подсвечены изнутри, движения отточены, остры и при этом очень чувственны.

«Сюита в белом» Сержа Лифаря — образцово-показательный академический балет. Россыпь коротеньких и очень техничных этюдов для солистов и совсем чуть-чуть — для кордебалета. Здесь все — аристократический стиль, шик, французское изящество и стройность. А как элегантно и по-хорошему старомодно смотрятся балерины в невесомых пачках!

«Вторая деталь» Уильяма Форсайта — полная противоположность «Сюите», да и «Маленькой смерти». Сразу чувствуется напряженность, драйв, резкость движений, ломаность линий — очень сложная хореография. Удивительно и радостно наблюдать, как артисты выдерживают этот непривычный для них ритм, да еще с видимым удовольствием от процесса. Сложно придумать более удачный финал для зрителя, чтобы продемонстрировать новые возможности труппы и ее французского худрука.

Осенние даты показов уже известны, и билеты исчезают с космической скоростью. Мы не удивлены!
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17934
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Авг 19, 2017 11:27 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017081902
Тема| Балет, Нидерландский национальный балет, Персоналии, Анна Оль
Автор| Дарья ПРОКОПЧУК
Заголовок| Прима-балерина Анна Оль: «Каждый спектакль люблю как ребёнка»
Где опубликовано| © «Городские новости» №3553 (Красноярск)
Дата публикации| 2017-08-14
Ссылка| http://gornovosti.ru/tema/interview/prima-balerina-anna-ol-kazhdyy-spektakl-lyublyu-kak-rebenka94509.htm
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Утончённая, вдумчивая, степенная, педантичная… В этом вся Анна Оль. Её карьеру можно назвать головокружительной. Ей и в Красноярске доставались в основном главные роли. Но талант быстро присмотрели, и вскоре она стала ведущей солисткой балетной труппы Музыкального театра им. Станиславского и Немировича-Данченко в Москве. В 2015 году она вновь получила приглашение, теперь уже от мировых балетных мэтров. Сегодня Анна Оль прима-балерина Нидерландского национального балета в Амстердаме. Свой небольшой отпуск она провела в родных краях, и рассказала «Городским новостям» о театре, об отношениях в труппе, о том, почему голландский зритель не дарит цветы, а также о казусах на сцене и нарушенной дома балетной диете.

— Родной дом всегда наполняет человека, подзаряжает, поэтому хотя бы раз в год приезжаю в Красноярск. Дома, как в санатории. Можно заняться здоровьем, потому что там у меня никогда нет на это времени. В этот раз меня попросили провести творческую встречу с детьми и родителями в новой балетной школе. Так что важных дел и здесь достаточно. К тому же в отпуске я не имею права сделать перерыв в занятиях более чем на пять дней, иначе будет сложно восстановиться. Поэтому ежедневно хотя бы по два-три часа тренируюсь в родном хореографическом колледже. После отъезда мне предстоит моментально окунуться в работу. Первый в сезоне спектакль «Манон» я буду танцевать не в своём театре, а в Дрездене, как приглашённая балерина. Уже понимаю, что за весь месяц у меня не получится ни единого выходного: по будням буду работать в Амстердаме, в остальные дни — в Германии. Тогда же начнётся подготовка к гала-концерту, репетиции новой программы, а также частые выезды приглашения, которые совмещать с основной работой в нидерландском театре очень тяжело. Но я счастлива, что востребована и везде меня принимают.

— Однако в одном из интервью я прочитала, что педагог в Нидерландах Вас сразу предупредил, чтобы не надеялись получить здесь горячий приём, это не Россия. И Вы уже думали, что после спектакля будет «два хлопка и уход под шорох собственных ресниц». Он просто пугал или для него тоже было удивление, что публика среагировала на русскую балерину очень бурно?

— То, что для меня было бурно, для него оказалось так себе (Смеётся). Реакция публики в разных странах отличается. Красноярская более скупа на эмоции, я помню, на поклонах особо не отдохнёшь. В Москве и Питере принимают артистов на ура, там больше молодёжи и ценителей искусства. Как в Европе, я не знала, поэтому особых оваций не ждала. А приём оказался невероятно тёплый! Приходящая в нидерландский театр молодёжь, туристы и любители всегда реагируют в конце эмоционально.

А вот цветами в Европе, как у нас не задаривают. После премьеры солисты получают их от дирекции театра. Причём букеты достаются всем одинаковые, чтобы никому не было обидно. А на обычные спектакли если и приносят цветы, то только за кулисы, на сцену — никогда, это табу. Выделять кого-то не принято. Кроме того надо учитывать, что Голландия — страна цветов. И если для нас цветы это что-то редкое, чем можно удивить, то у них они повсюду.

Я живу и работаю в Амстердаме уже два года. И до сих пор меня здесь всё потрясает: жильё, питание, короткие расстояния, а самое главное — условия в театре. У нас есть физиокабинет, врач, несколько массажистов, большая комната отдыха для артистов, машина со льдом… Что ещё интересно. Нидерландский балет называется национальный, а труппа у нас интернациональная: в составе корейцы, итальянцы, немцы, французы, грузины. Дело в том, что голландская школа балета недавно претерпела необходимую реорганизацию и только сейчас набирает силу и мощь. А у директора театра очень высокие требования к артистам, он старается собирать лучших, попасть в нашу труппу действительно сложно. В настоящее время в Голландии балет невероятно популярен.

— Анна, а как складываются отношения в коллективе? Ведь кроме Вас в театре ещё пять прим-балерин. Стекло в пуанты никто не подкладывал?

— Дух соревнования развит сильнее в России, и в целом сама атмосфера в наших театрах несколько депрессивная. Всегда найдутся те, кто любят кого-то пообсуждать. Но в нидерландском такого мрачного облака нет, и от этого легче жить. А что касается прим, то мы все разные и каждый делает свою работу. У нас прекрасный состав, все порядочные, позитивные. Одна из прим училась в Новосибирске, другая родом из Грузии. Ещё одна балерина дочь великого артиста балета Ирека Мухамедова.

Стекло в пуанты… Это так низко, и больше похоже на домысел. Интриги может и есть, но я стараюсь в это не вникать, делаю свою работу, живу своей жизнью. В старости не хочется вспоминать, какие кто строил козни. В нашем коллективе всё по-другому, правда! Если конкуренция — то здоровая. С партнёрами мне тоже повезло.

— В каких новых постановках, которых не было в вашем репертуаре, Вы себя попробовали в Европе? К каким ролям готовились как-то по-особенному?

— Один из первых я станцевала в новом театре балет «Метафоры», это постановка голландского гения, хореографа Ханса ван Манена. Потом был великий хореограф современности Джордж Баланчин. В России танцевать его постановки привилегия избранных театров: посягнули Большой и Мариинский. Ещё был балетмейстер Уэйн Иглинг, который поставил «Щелкунчик». Это английская школа, которую мне тоже не откуда было попробовать. Наконец-то, я станцевала один из моих любимых спектаклей «Жизель». В Москве директор труппы не видел меня в этой роли, и я расстраивалась. А здесь мне сказали: «Да это же абсолютно твой спектакль!»

Второй год в Амстердаме оказался ещё плодотворнее. За один сезон я поработала с множеством мировых балетмейстеров. Чего только стоит суперстар Руди ван Данциг в содружестве с художником по декорациям и костюмам Туром ван Шайком! В общем, перечислять балетмейстеров-постановщиков, с которыми сотрудничала, можно долго: Кристофер Уилдон, Тед Брандсен, Алексей Ратманский, Наталия Макарова... Но главным событием, настоящей вершиной творчества в этом году для меня стала партия Татьяны Лариной в «Онегине» Кренка. Я люблю драматические спектакли, когда можно и потанцевать, и поиграть. Хореография в «Онегине» своеобразная, не могу сказать, что сложная, там нет безумных технических сложностей. В этом балете важно другое… чувства, настроение героини. Поэтому в перерывах между репетициями зачитывалась Пушкиным, чтобы пропитаться тоской Татьяны. Каждый спектакль, к которому готовлюсь, я люблю как ребёнка, потому что хочу его полноценно выносить, чтобы он созрел, тогда его можно выводить на сцену.

— Такое состояние, когда Вы на сцене забываете о реальности, эмоции переполняют, и кажется, будто паришь где-то над собой, часто случается?

— В роли я обычно наедине с собой, партнёром, но отключиться на сто процентов невозможно, да и нельзя. Но мне вспоминается одно неповторимое ощущение эйфории... Этим летом итальянская суперзвезда, танцор Роберто Болле пригласил меня выступить в Италии в своём гала-концерте. Мы танцевали в Арене ди Вероне — самой большой театральной площадке под открытым небом в мире. Она представляла собой античный римский амфитеатр. В зале — тринадцать тысяч человек. Это было как на футбольном стадионе, я такого в жизни никогда не испытывала. Теперь понимаю, что чувствуют футболисты на матче.

— Слышала, что есть так называемые «зелёные спектакли», когда артисты труппы на законных основаниях могут позволить себе пошалить прямо во время спектакля. Происходили ли с Вами казусы на сцене?

— В этом году их не было, а за всю карьеру было море «нежданки». Не передать словами, каково это — выходить в белом акте и через несколько минут сидеть спиной к зрителям, потому что пол неровный либо туфли скользкие. Бывало такое, что и порядок танца забывала.

Однажды я танцевала Золушку. В конце есть эпизод, когда перед приходом принца с туфелькой к ней в дом, две сестры и мачеха издеваются над несчастной Золушкой. Я знала, что спектакль «зелёный», значит, что-то будет. И вдруг сёстры не по сценарию выносят мне эмалированное ведро и швабру уборщицы! Помню, как была ошарашена, еле сдержала смех.

— Анна, Вы ранимый человек? Можете прийти домой и накопившееся вылить в слёзы?

— Очень ранимый. Но сейчас я уже стала легче ко всему относиться. Позволяю себе поплакаться раз в год… маме. Иногда это лучший способ, чтобы отпустить тяжёлую ситуацию.

— На Вашей странице в соцсетях размещены рецепты сырников, шарлотки и тортов. Неужели прима может всё это есть? Признайтесь, дома нарушили балетную диету?

— Я сладкоежка! В отпуске расслабилась по полной программе. Вообще, строжайшая диета балерин это отчасти миф. Что бы я ни съела — всё сгорит. К примеру, когда мы танцевали на открытой сцене в Вероне, где температура стояла за тридцать, с меня сошло семь потов. Килограмм за спектакль точно теряю. Поэтому в активный сезон я вообще не думаю, что я ем, во сколько и в каких количествах.

— Жизель и Татьяну Вы и хотели, станцевали. Ещё партия мечты осталась?

— Мечты не заканчиваются, есть одна в запасе. Очень хочу исполнить «Ромео и Джульетту» Макмиллана. Танцевала этот спектакль только в одной редакции в красноярском театре. Но мне всё-таки хочется прикоснуться к тому шедевру. Хотя планов на будущее с недавних пор не строю. Ведь думала, что останусь танцевать в столице, а в один момент всё поменялось.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17934
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Авг 20, 2017 6:13 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017082001
Тема| Балет, НОУ, Персоналии, Екатерина Кухар, Александр Стоянов
Автор| корр. / Фото: Александр Гурман
Заголовок| Успешные и независимые by FOBERINI: Екатерина Кухар и Александр Стоянов
Где опубликовано| © Vogue Украина
Дата публикации| 2017-08-19
Ссылка| http://vogue.ua/article/fashion/brend/foberini.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Самая красивая и успешная балетная пара не только Украины, но и Европы ко Дню Независимости Украины снялись в чувственной фотосессии в вышиванках от FOBERINI и рассказали свою историю успеха, чтобы доказать: в Украине можно развиваться и добиваться самых высоких успехов.



Что Вас вдохновило связать свою жизнь с балетом?

Александр: В балет меня отдали помимо моего желания. В возрасте 11 лет я и подумать не мог, что стану премьером Национальной оперы Украины. Однажды на чемпионате по бальным танцам, где я принимал участие, меня заметил один из бывших артистов балета, подошел к моим родителям, и сказал: «Отдайте своего ребенка на балет, у него потрясающие данные!». Вот так по рекомендации незнакомого мужчины, буквально спустя полгода я уже стоял в Киеве на отборочном туре в балетном училище. Тогда я мечтал НЕ поступить, хотел вернуться домой. Но моя судьба уже была решена. Любовь к балету появилась гораздо позже, в 17 лет, когда я начал получать удовольствие от того, что я делаю. Вдохновение приходит от ощущения сцены, кайфа от своего танца и любви зрителей.

Екатерина: Я с детства мечтала танцевать! Вдохновение я ощущаю, когда слышу звуки музыки и допеваю эту мелодию своим телом и движением.

У Вас имидж самой красивой балетной пары Европы. Бытует стереотип, что в танцевальной паре романтические отношения мешают. Вы с успехом разгромили этот миф. Как Вам это удается?

Александр:
Лично мне помогает то, что мы пара не только на сцене, но и в жизни. Я знаю очень много пар, которые не могут вместе танцевать, постоянно ссорятся на репетициях и в итоге отказываются работать вместе. Мы же с Катей как пара неразлучников – нам хорошо вместе 24 часа в сутки. Мы не надоедаем никогда друг другу. Даже пока Катя смывает макияж, зовет меня с собой. (Смеется)

Екатерина: Да, снятие сценического грима занимает время и мне становится скучно. Поэтому прошу, чтобы Саша посидел рядом и пообщался со мной. (Смеется) Даже наши родители удивляются тому, что мы круглосуточно с Сашей находимся вместе, часто шутят над нами. Я думаю, нам это удается, потому что мы друг для друга не только супруги и партнеры, но еще и лучшие друзья.

Чем карьера в балете в Украине отличается от карьеры в балете за рубежом?

Е:
Мы очень много гастролируем. Руководство понимают, что для нашего театра важно участие артистов на международных концертах, чтобы имя Национальной Оперы Украины звучало во всем мире. Сейчас мы приехали с World Gala из Мексики. Там были представлены Grand Opera, New York City Ballet, Большой Театр, Мариинский Театр, мы и Берлинская Опера. Это показывает международный уровень театра. За рубежом, конечно, артисты балета зарабатывают больше. Но многие театры не отпускают артистов на гастроли.

А: В нашей стране и в бывших странах СНГ существует понятие карьерного роста и возможность получить звания: Заслуженного артиста и Народного артиста.

Были ли предложения подписать контракт заграницей? Почему остались в Украине?

А:
Нам неоднократно поступали предложения от самых разных театров со всего мира, но в силу разных причин мы от них отказались.

Е: Я глубоко убеждена, что хорошо не там, где меня нет, а там, где я есть. Я люблю свою страну и, кроме того, для нас создали прекрасные условия в нашем театре.

Какой имидж у Украины в балетных кругах на мировом уровне?

А:
Все знают, что из Украины выпускаются одни из лучших артистов балета. Украинская школа ценится во всем мире.

Е: Все знают, что украинская школа – это техника и душа. Для зрителя этот симбиоз очень важен.

Кто из артистов мирового балета вдохновляет Вас?

А:
Меня всегда вдохновлял Рудольф Нуриев, мне нравиться, как танцует Девид Холберг. Когда я учился в училище, моим кумиром был Михаил Барышников, как и у всех артистов и учеников того времени.

Е: Михаил Барышников вдохновляет абсолютно всех, в нем есть какой-то изюм. Мне очень нравятся Карло Фраччи. Но в каждом артисте можно найти что-то хорошее, чему можно поучиться.

Какая партия в балете Ваша любимая?

А:
Моя любимая партия Эскамилио, тореадор из балета «Кармен», тореадор из балета «Дон Кихот» и Ромео в спектакле «Ромео и Джульета». Я люблю роль Воланда в «Мастер и Маргарита» - это сексуальная, техничная и харизматичная партия. Мои любимые партии – страстных и эмоциональных мужчин.

Е: Я сказать однозначно не могу. Мне нравятся и партии роковых красоток, таких как Кармен, Шахеризада, и в то же время зарубежные критики называют меня лучшей Джульеттой и Жизель. Для меня на сцене очень важны драматические партии, чтобы роль имела эмоциональную составляющую.

Чем украинская публика отличается от публики за рубежом?

А:
Зритель везде разный и проявляет свои эмоции по-разному. Все зависит от культуры и менталитета. Итальянцы очень эмоциональные и если им нравится танец, они кричат «браво» от начала и до конца спектакля. А вот когда мы танцевали в Арабских Эмиратах, на протяжении всего спектакля стояла гробовая тишина. Было не понятно нравится ли им то, что происходит на сцене или нет. Зато в конце спектакля зал разразился шквалом аплодисментов. В Украине очень развита театральная культура. Украинские зрители на много лучше чувствуют моменты, когда нужно аплодировать. Наши зрители в конце всегда хлопают стоя. Для меня, как для артиста, это наивысшая похвала.

Е: Украинская публика очень воспитанная и образованная. Для меня это самый родной и теплый зритель. Выступления на родной сцене для нас самые ответственные.

Благодаря чему Вы преодолеваете сложности в карьере и в жизни?

А:
Преодолевать трудности в карьере и жизни мне помогает моя цель, к которой я иду. А на пути, как известно, всегда попадаются препятствия. Но так даже интереснее. Ведь после черной полосы всегда наступает белая, и наоборот.

Е: Благодаря работе. Еще с училища мой педагог, Татьяна Алексеевна Таякина, говорила мне: «Кода ты заходишь в зал, ты обязана оставлять все свои личные проблемы и горести за дверью». Я и сейчас убеждена, что только когда ты остаешься один на один с балетом, ты достигнешь результата. Что бы со мной не происходило в моей жизни, когда я прихожу на работу, существует только музыка, я и движение.

Что посоветуете тем, кто мечтает связать свою жизнь с балетом?

А:
Желающим связать свою жизнь с балетом я посоветую только одно... Набраться терпения и приготовиться к титаническому труду. Если вы пройдете все испытания, то будете получать от этого искусства необычайное удовольствие!

Е: Любите творчество. День ото дня совершенствуйтесь. Балет – это единственный мужчина, который никогда не прощает измен. Поэтому только труд, труд и труд.

Какие традиции в Вашей семье?

А и Е:
В каждой стране во время путешествий покупаем новогодние шарики на елку. Даже если путешествуем летом. Когда мы в Киеве, вдвоем укладываем детей спать и читаем им на ночь.

Что для Вас значит быть премьерами Национальной Оперы Украины и представлять свою страну за рубежом?

А:
Я горжусь этим званием! Украина стоит на довольно высоком уровне в мире балета. Представляя мой родной театр, я представляю нашу страну. Самая большая награда для меня – когда на международных балетных Гала, в которых принимают участие лучшие представители лучших театров мира, мы - украинцы получаем самые большие аплодисменты зрителей. И аплодируют не только мне и моей партнерше - аплодируют Национальной опере Украины и самой Украине...

Е: Для меня это огромная честь и большая ответственность. Ведь все пристально смотрят на тебя, как ты себя несешь, как ты одет, как ты говоришь. Но главное, что во время танца сцена открывает тебя настоящего, и от зрителя не скроешь ничего. Все твои внутренние эмоции и твоя сущность на сцене оголяются.

Какое Ваше самое большое достижение?

Екатерина и Александр:
Наши дети.

А в карьере?

Екатерина и Александр:
Любовь наших зрителей.

Что Вы сделали для Украины?

Е:
Благодаря нашим гастролям мы демонстрируем, что в нашей стране есть прекрасные талантливые танцовщики, которые танцуют не только телом, но и душой. Мы показываем, что Украина - это не только война. Очень важно преподносить и открывать Украину, как страну с огромным культурным потенциалом и невероятно талантливыми людьми.

А: Я только начинаю что-то делать для Украины. Только сейчас я начал задумываться над проектами, которые могут сделать что-то для нашей страны. 1 октября в Оперном Театре мы с Катериной будем танцевать спектакль «Щелкунчик». Все вырученные деньги от продажи билетов будут направлены на покупку оборудования для реанимации детской токсикологии «Охматдета».

Что бы Вам хотелось пожелать Украине ко Дню рождения?

А:
Хотелось бы пожелать мира и спокойствия, ведь ситуация в стране также влияет и на творчество в целом.

Е: А еще хочется пожелать развития в искусстве, ведь развивая культурную сферу, мы делаем вклад в будущее нашей страны.

=================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17934
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Авг 20, 2017 11:56 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017082002
Тема| Балет, БТ, фестиваль в честь 90-летия Юрия Григоровича
Автор| Вера ЧИСТЯКОВА
Заголовок| Живая классика
Где опубликовано| © Проект "Танцевальный Клондайк"
Дата публикации| 2017-08-18
Ссылка| http://dancerussia.ru/publication/816.html
Аннотация|

Со 2-го января по 26-е февраля 2017-го года на сцене Большого тетра России прошёл масштабный фестиваль в честь 90-летия Юрия Григоровича. Были показаны все репертуарные спектакли Мастера – восемь из десяти его оригинальных балетов и редакции классического наследия. Всего состоялся сорок один спектакль. Артисты танцевали вдохновенно, как никогда, чувствуя, что каждый выход на сцену во время фестиваля – это дань уважения великому балетмейстеру.



Фестиваль на деле подтвердил патриотическую мысль, высказанную в рамках пресс-конференции (май 2016) Генеральным директором Большого театра Владимиром Георгиевичем Уриным: "Мы должны ценить наших русских творцов. В России талантливых людей много, и мы не всегда их бережём. Не хулить, а хвалить надо своё. Не на запад с завистью заглядываться, а гордиться своим, русским, родным".

Молодое поколение доказало, что они достойные наследники лучших традиций театра, и с течением времени творения Мэтра не только не поблёкли, но обрели новую силу, новую пластическую красоту, новые смыслы. В этом, безусловно, огромная заслуга наставников артистов – педагогов труппы, единомышленников балетмейстера, его сотворцов в прошлом: Александра Ветрова, Людмилы Семеняки, Нины Семизоровой, Светланы Адырхаевой, Юрия Владимирова, Бориса Акимова, Владимира Никонова, Марины Кондратьевой, Михаила Лавровского.

Открылся фестиваль в День рождения Юрия Григоровича (2-го января), "Щелкунчиком" – первым спектаклем, который балетмейстер поставил специально для Большого. До начала представления юбиляра поздравило руководство театра (в лице директора Владимира Урина и руководителя балетной труппы Махарбека Вазиева), публично выразив ему благодарность за неоценимый вклад в историю русского и мирового балета. Громкими аплодисментами была встречена новость о том, что один из главных балетных репетиционных залов театра отныне будет носить имя Юрия Григоровича.



Мэтр, от природы очень музыкальный человек, высоко ценит это качество и в артистах, потому выступать в главной роли Мари в первом фестивальном спектакле выпала честь Нине Капцовой (ученице Нины Семизоровой) – балерине, которой давно уже нужно выдать специальную премию за музыкальность. Партнёром Нины стал Артём Овчаренко, в 2008-ом году именно партия Принца-Щелкунчика дала ему путёвку в "премьерскую жизнь".

На финальные поклоны на сцену с приветственными поздравительными аплодисментами в честь юбиляра вышли не только участники спектакля, но весь основной творческий состав солистов и педагогов труппы. Балетмейстера осыпал золотой дождь. Зал неистовствовал. Крики "Браво" не смолкали, заставляя вновь и вновь раздвигаться занавес.

После спектакля хореограф провёл время в кругу театральной семьи. Во время организованного в Бетховенском зале банкета каждый сотрудник театра мог лично поздравить Юрия Григоровича, сказать то, что так давно хотелось сказать, спросить о чём-то, посоветоваться, поговорить о творчестве и о жизни, преподнести памятный подарок. Артистам доставило много радости то, что Мэтр никому не отказал в просьбе сфотографироваться с ним в этот праздничный день.

Во время фестиваля состоялось шесть артистических дебютов в главных партиях. В партии Джульетты ("Ромео и Джульетта") 11-го февраля впервые выступила Мария Виноградова (педагог Нина Семизорова). Именно балеты Юрия Григоровича когда-то по-настоящему раскрыли творческий потенциал артистки, доказали её возможность творить на сцене судьбу, быть героиней. Новый образ, созданный Марией, в очередной раз подтвердил это.

Знаковым этот фестиваль стал для премьера труппы Дениса Родькина (педагог Александр Ветров). Дебютировав 21-го января в партии Принца Дезире в балете "Спящая красавица", он стал исполнителем главных партий во всех репертуарных спектаклях Юрия Григоровича на сцене Большого театра.

8-го февраля Евгения Образцова (педагог Светлана Адырхаева) впервые станцевала партию Ширин в спектакле Большого.

Артёмий Беляков перенял у своего педагога Александра Ветрова опыт исполнения в одном спектакле героев-антиподов. Летом 2016-го зрители впервые увидели его жестоко-страстного Тибальда, а во время фестиваля (12-го февраля) перед ними предстал Ромео - поэтичный юноша кристально чистой души.

9-го февраля в партии Жизели, коронной партии жены и музы Юрия Григоровича Наталии Бессмертновой, дебютировала Ольга Смирнова. Все партии балерина готовит в театре под руководством Марины Кондратьевой, и это её большое везение. Мало, кто умет так чутко, как Марина Викторовна, работать над красотой каждой линией и позы, творить на балетной сцене импрессионизм, танец живой, дышащий созданный из мимолётностей. Жизель Ольги удивительным образом сочетала в себе элегичность и экспрессивность.

Ярким заключительным аккордом фестиваля стал спектакль "Иван Грозный". В партии царя Ивана IV выступил премьер труппы Михаил Лобухин. Артист долго и кропотливо работал над этой психологически непростой ролью с её первым исполнителем – Юрием Владимировым, и то, что сегодня видят зрители на сцене – поистине актёрский шедевр.



Не уступала по качеству работа Дениса Родькина (образ Князя Курбского). Танцовщик с прекрасной фактурой, мощным полётным прыжком, ярким актёрским темпераментом и способностью к перевоплощениям настоящая находка для спектаклей Григоровича.

Партию Анастасии исполнила Светлана Захарова (педагог Людмила Семеняка, дебют состоялся 24-го февраля). Православный дух спектакля оказался ей близок необыкновенно. Бесплотная, невесомая, кроткая она поистине казалась ангелом, ненадолго спустившимся на землю.

В том, что фестиваль завершился именно спектаклем "Иван Грозный" просматривался символический смысл. Балет о властном самодержце звучит сегодня, как напутствие от умудренного жизнью царя Большого балета Юрия Григоровича своим наследникам, новым руководителям, вертящим жернова истории русского балета и решающим творческие судьбы. Тяжела шапка Мономаха. Власть и награждает, и карает. Временны люди. Истинное искусство вечно.


Фото: Дамир Юсупов / Большой театр
=================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17934
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Авг 21, 2017 9:34 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017082101
Тема| Балет, МТ, Премьера, Персоналии, Владимир Варнава
Автор| Наталья Кожевникова
Заголовок| Ярославна, Игорь и Обратная сторона луны
Хореограф Владимир Варнава: "Мне кажется, князь Игорь – это Макбет наоборот"

Где опубликовано| © Независимая газета
Дата публикации| 2017-08-21
Ссылка| http://www.ng.ru/culture/2017-08-21/6_7055_balet.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Полная On-Line версия


Фото пресс-службы Мариинского театра

В Мариинском театре поставили «Ярославну», балет Бориса Тищенко по «Слову о полку Игореве». Над самой значительной балетной премьерой фестиваля «Звезды белых ночей» работал Владимир ВАРНАВА – молодой востребованный хореограф, любимый публикой и артистами, ставящий и для больших академических компаний, таких как Мариинский театр и Пермский театр, и для индивидуальных исполнителей совсем разных направлений и жанров – от классических танцовщиков до драматических актеров. О его новой постановке и о том, что он ищет в танце, его расспросила критик Наталья КОЖЕВНИКОВА.

В «Ярославне» Варнавы не хватило собственно балета, танца, но, к чести хореографа, надо заметить, что он тонко слышит музыку: пластическая интонация точно считывала музыкальную – то резкая, прямолинейная и брутальная, то надломленная (как у Игоря), то ядовито ползучая (как у Дива), то пронзительная и отчаянная, то ласковая (как у Ярославны), всегда изобретательная, но органичная. Сценографическое решение спектакля в образах голливудских фильмов и марвеловских комиксов обращало на себя внимание, но не раздражало. Конечно, это не балетное воплощение «Слова о полку Игореве». И вообще не про русскую историю. Одна из основных идей – «все войны одинаковы», позволила во втором акте, на «обратной стороне луны» увидеть и фонтан «Краденое солнце» из Сталинграда, и подводную немецкую лодку. Но главное – «спасибо, что звучит музыка», как сказала после премьеры вдова композитора Ирина Тищенко. Музыка оказалась яркой, свежей, образной, эмоционально насыщенной, пронзительной. Балетной и (в исполнении симфонического Мариинского оркестра под управлением Валерия Гергиева) богатой симфонической партитурой, где явно слышался наследник Шостаковича.

– Вы работаете с профессиональными танцовщиками, академическими, современными и непрофессиональными. Каков ваш артист?

– Художник работает с разным материалом – с акварелью, маслом, может пробовать себя в скульптуре. Я хореограф широкого спектра, мне интересно работать с разным материалом, с теми, кто занимается танцем, но разной специфики. И я ищу для своей будущей компании универсальных артистов с большим диапазоном. Идеально подходят те, кто имеет балетное образование, но кроме академического театра искал себя, стажировался или работал в современных компаниях в Европе. С такими артистами я могу многое пробовать. Мои постоянные артисты Саша Челидзе и Полина Митряшева – очень специфические, наша последняя работа – «Видение розы». Мне нравится, что у нас получается.

– У вас в бэкграунде нет академического образования. Это позволило вам смело искать, не будучи скованным рамками традиций?

– Я прошел определенное перерождение. Начал танцевать с пяти лет эстрадные танцы, наверное, их можно с натяжкой назвать аналогом современного танца, но в 90-е годы в стране и в маленьком городе, где я рос, понятия современного танца не было. Только в столицах – Москве, Петербурге – и Екатеринбурге происходили по-настоящему значимые события в этой области. А Урал я по-прежнему считаю одним из центров современного танца в нашей стране. У меня были такие педагоги, которые заложили в меня азы импровизации, понимание, что на сцене может происходить все что угодно, что не надо стесняться своего тела – это средство выразительности, оно может выглядеть нелепо в пластических этюдах. Я им благодарен, все, что со мной случилось позже, это благодаря этому бэкграунду. В 14 лет я поступил в колледж в Центр искусств для одаренных детей Севера в Ханты-Мансийске, уехав за своими педагогами, на народное отделение, другого просто не было. К народному танцу я все детство относился достаточно скептически, мне казалось, что это устаревшая форма, а я ведь современный молодой парень. Но, поступая, увидел, как выпускники сдавали экзамен. И меня просто переклинило, потому что это было мастерски, я понял, что хочу научиться этому. И тут я зажегся. А потом по стечению обстоятельств – Кирилл Симонов, в прошлом артист Мариинского театра и хореограф шемякинского «Щелкунчика», – почему-то пригласил меня в Петрозаводск в академический театр. Я приехал как артист современного танца, а там «Щелкунчики», «Лебединые озера», я начал смотреть, как другие работают, вписался. Честно сказать, очень много разговоров, оппозиционирующих направления: «вот классика – это да, а все остальные – люди по полу валяются» или, наоборот, «вот современный танец – он о сути жизни, а классический танец – нафталин, законсервированная ерунда». Я убежден, что надо искать не то, что в танце разного, а что похожего. И этого очень много.

Имея базу эстрадного танца, народного танца, я ездил на мастер-классы, мастерские танца современного. Мне нравится знакомиться с разными техниками, с разным представлением людей об этом. И понимание того, как устроен другой жанр, позволило мне достаточно быстро влиться в структуру академического театра. Понятно, что мне было бы сложнее танцевать в таком театре, как Мариинский, потому что здесь люди, которые с молоком впитали эту школу, она внедрена с детства. Я же пытался усвоить эту школу уже сознательно.

– Вы даже получили «Золотую маску» за партию Меркуцио.

– «Маску» получил, потому что был анализ того, что я делаю. Может быть, меньше делал оборотов в воздухе, но внимательнее подошел к драматическому наполнению. Театр – вещь специфическая, кто-то ценит высокие прыжки, а кто-то проживание роли. У меня был целый букет эмоций по поводу того, что меня пригласили в театр, гордость. А тяга всегда была именно к спектаклям. И в этом театре я узнал, как работает пространство сцены, что такое кулисы, падуги, софиты, как это все может быть использовано.

– А что такое для вас танец? Это танец – чистый танец или танец как часть чего-то?

– Танец может быть любым, но в моем случае танец трансформируется в зависимости от замысла. Идея, концепция, мысль определяют форму, и появляется танец. Если я выбираю форму, чистый, эмоциональный танец, тогда танца будет много. Вот в «Глине», например, все артисты очень хорошо «закрыты» хореографией. Там нет персональных линий и во главу угла поставлена именно пластика тела. И для мариинских ребят с прекрасными телами придумана лаконичная хореографическая форма. В нашей «Ярославне», наоборот, появились конкретные драматические линии, и каждому артисту необходимо поработать самому над наполнением роли, помимо хореографии. Если он будет только танцевать, то зритель ничего не поймет. У Игоря линия очень конкретная, он превращается из народного героя в антигероя и приходит к раскаянию в конце, эта линия с очень интересной «кардиограммой роли», и это очень важно на эмоциональном, чувственном уровне передать. И вспоминается знаменитая фраза Пины Бауш: «Мне неинтересно, как люди танцуют, мне интересно, что ими движет». Здесь мы работаем со смыслами, и совершенно другой танец получается.

В «Шинели» я понимал, что мой «материал» – драматические артисты, они не могут много плясать, делать пируэты, но зато они могут в каждом движении доставать правду, а значит, и хореография должна быть с расчетом на это – движения максимально наполнены содержанием, но при этом лаконичны, точны и не самые сложные. И это совсем другая задача. Идея определяет форму, форма диктует задачу. Невозможно ставить безыдейные вещи, я не понимаю, как поставить балет «как у Форсайта». Когда мне предлагают сделать как у кого-то – я от этих предложений отказываюсь.

– Пересечения линий, композиции, абстрактная живопись и предметная. Сюжетный – бессюжетный балет. Что для вас самое главное, передать фабулу или что-то другое?

– Бессюжетные вещи мне стали сложноваты. Хотя все равно что-то в них нахожу. Я пытаюсь рефлексировать и эмоционально реагировать на материал, на идею, которая пришла. А она может прийти с любой стороны. Увидел, какие красивые длинноногие артисты, – буду ставить балет про инопланетян с длинными ногами и большими головами. Можно прочесть какую-то книгу, как было с балетом «Пассажир». Сейчас я очень люблю, чтобы на сцене происходило действие, за которым мне было бы интересно следить. Так как я люблю не только потанцевать, но и поиграть, то внедряю это в свои спектакли. И сейчас ищу способ рассказывать историю достаточно абстрактно, но эмоционально. Это сложно, какие-то законы драматургии выстраиваются, и порой она может толкать тебя быть буквальным, но, стараясь избегать буквальности, можно так уйти, что зритель ничего не поймет. И вот ты ищешь грань, как объяснить, что хочешь сказать, но не самым простым и очевидным способом. Я очень люблю драмбалет, но он настолько въелся в нас, в артистов, этот язык пантомимы. Как придумать, чтобы герой отверг предложение, но не отрицающим жестом, а, например, хореографией, чтобы он все время спиной поворачивался. Чтобы смыслы были более интересные, чем самое первое и очевидное. Надо найти что-то новое. И вот этим поиском я занимаюсь.

– У вас очень разные спектакли. Можно ли говорить о «стиле Варнавы»?

– Наверное, можно мечтать, чтобы образовался твой собственный стиль, и можно мечтать, чтобы все твои спектакли были очень разноплановые. Я пытаюсь не повторять приемы и решения, которые использовал в предыдущих спектаклях. Но это не самоцель. Иногда прошлый спектакль умирает, и ты думаешь, что была классная вещь, ее можно переработать. Главное – найти точность выражения мысли. Я пытаюсь сформировать язык танца. Но в последнее время критики говорили, что, например, в «Петрушке» и «Видении Розы» совсем нет танца, хотя вроде всем нравится. Есть и другое мнение. В «Видении Розы» была задача найти способ танца, чтобы это были не батманы с одухотворенным лицом, а что-то между бытовым существованием и все-таки танцевальное, посаженное на ритм, на музыку, и мне кажется, что у нас это получилось. Я понял, что, может быть, то, что я считаю танцем, некоторые люди не воспринимают как танец. И это нормально.

– Борис Тищенко главным в своем балете видел образ затмения, считая, что «Слово…» – не о героизме и Игорь не герой. Как вы читаете «Слово...»?

– Мне кажется, что это такой Макбет наоборот: от помрачения главного героя – к ясности, к прозрению ценой гибели многих жизней, через покаяние.

– Как происходит работа над большим балетом? Над формой и драматургическими линиями ролей? До репетиций или в процессе работы?

– Что касается «Ярославны», была проведена огромная подготовительная работа, надо было работать с музыкой, переосмыслить ее. В оригинальном спектакле было огромное количество прекрасных идей, это был советский хит, но записи не сохранились. Мы делали принципиально новую вещь. Сначала придумываешь сам идею, основную форму, сценические воплощения в «Ярославне» мы придумывали вместе с художницей Галей Солодовниковой, потому что артистам придется в этом пространстве существовать. Я не люблю декоративное пространство, в нем должна быть идея. А потом приходишь в класс, и какая-то часть из придуманного не работает, а другая – и подумать не мог, а она ожила. Весь этот балет родился в зале, хотя без той подготовительной работы ничего бы не было, потому что есть сложные внутри связи, персонажи, линии. Я люблю отсекать, я – минималист в какой-то степени. Хочется добиться лаконичности высказывания. Есть сцена – «Вежи половецкие», там эффектная музыка, и мы с художницей, драматургом много насочиняли – шаманы, жертвоприношения, костры горят, вакханалия... Но на репетиции я понял, что музыки не так много. И по-настоящему это должен быть мощный массовый всплеск. И я попытался сосредоточиться на массовой активной демонической пляске, без всяких внешних атрибутов. Поэтому многое отпало в процессе репетиций.

– Вы ввели в балет нового персонажа – Дива.

– Главных персонажей получилось три – Князь Игорь, Ярославна, и Див. Его не было в оригинальном либретто, это предвестник скорой беды, дух, пришедший из половецких преданий. Но я его больше рифмую с внутренним демоном главного героя. Вторым планом я подразумеваю такую концепцию: Игорь отправляется в половецкие земли, он идет в глубины своей души, на обратную сторону своей луны. Происходит солнечное затмение, луна закрывает солнце, и он отправляется во внутренний свой космос, чтобы выяснить – кто он такой, и с этим осознанием возвращается. Вначале герой – агрессивный, нахальный юнец, а возвращается он человеком, который отказывается от оружия, от войны и понимает ценность мира. И Див – антагонист всему хорошему в Игоре, кто его склоняет похитить дедову славу и добыть новую славу себе самому. В оригинальном либретто есть Мальчик-пахарь, для него Борис Тищенко написал отдельный номер. В том балете он был символом плодородия и новой надежды – воины погибли, но есть мальчики, которые вырастут в мужей. Я думал его купировать, но в какой-то момент мальчик стал антагонистом Диву, символом мира, он несет свет, пытается помочь и предостеречь Игоря. Ну, а Ярославна – это все те, кто любит, ждет и терпит, несмотря ни на что.

– Классические танцовщики идут на проекты современного танца с удовольствием. Почему?

– Артисты Мариинского театра в большинстве своем с радостью идут на создание нового спектакля, потому что здесь это событие не такое частое. Даже когда премьера – часто это перенос: МакГрегор приехал и перенес спектакль, который он поставил в другом театре. Но как же прекрасно заниматься новым, тем, что рождается сейчас, здесь с твоим участием. У меня есть прекрасные, инициативные ребята из кордебалета – просто огонь, они включаются, предлагают что-то, оживают в поставленных мной задачах, развиваются, начинают сочинять. Самое главное – завлечь артиста, чтобы он начал сочинять. Мне неинтересно делать спектакль, который я уже придумал полностью, – я его уже мысленно поставил, продал все билеты и у меня аншлаг. Хочется, чтобы это все было здесь и сейчас. Поэтому многое происходит в зале. Время репетиций – это время совместного творчества.

– Но вы что-то сочинили для артиста, на него, а их несколько на одного героя.

– Это сложно. У меня есть три Дива, три Игоря – Юра Смекалов, Саша Сергеев, Андрей Ермаков. Все делают по-разному, мне все нравятся. Артист по-своему наполняет схему, интерпретирует движения, мизансцены могут отличаться. Есть хореографический текст, но станцевать его можно по-разному – сухо, мягко, широко, с разной энергией.

– Своего рода хореографическая интонация?

– Да, она необходима. Академический балет прекрасен, но мне в нем живое находить сложновато. Хочется того, что будет отзываться в человеке сегодняшнем.

– В случае с «Ярославной» и «Словом о полку Игореве» – насколько необходимо погружение в историю, насколько то, что вы придумываете, соответствует источнику?

– Я воспринимаю это как миссию, мне очень повезло, что досталась возможность ставить этот балет. Спасибо руководству театра, балета, Валерию Абисаловичу, это было их предложение, потому что в меня как-то невероятно попадает эта история. Она невероятно сильная, и еще у нее можно научиться. Это произведение – очень мощное высказывание. И музыка потрясающая, она сложная, оригинальная, полное ощущение, что она написана сегодня. И меня этот материал словно сам нашел. Для меня «Слово…» стало открытием, я помню свое ощущение, когда мы в школе его изучали, было скучно. Но я обомлел, когда перечитал, нашел несколько переводов, анализ произведения Лихачевым, дебаты по этому поводу, разные версии трактовки. И я просто был поражен, насколько оно о другом. И самое интересное, что его можно поворачивать и так и сяк – это может быть о подвигах, о неудачном походе, а может быть о спасении человеческой души.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17934
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Авг 23, 2017 10:19 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017082301
Тема| Балет, Театра Бориса Эйфмана в Москве
Автор| Горюнова Ирина
Заголовок| Большой театр Бориса Эйфмана
Исторические гастроли на Исторической сцене

Где опубликовано| © Литературная газета № 32-33 (6609) (23-08-2017)
Дата публикации| 2017-08-23
Ссылка| http://www.lgz.ru/article/-32-33-6609-23-08-2017/bolshoy-teatr-borisa-eyfmana/
Аннотация| ГАСТРОЛИ



«Человек есть тайна. Её надо разгадать…
Я занимаюсь этой тайной, ибо хочу быть человеком».
Ф.М. Достоевский


40 лет назад «диссидент» официальной советской хореографии Борис Эйфман построил театр. Построил – в смысле создал (своего здания у театра, как знают во всём мире, нет и поныне). Он создал свой метод, стиль, свою мифологию, свою труппу и способ существования в ней. Прежде всего – существования самого себя. А за ним – целая школа мастеров, уже состоявшихся (от Валентины Морозовой до Марии Абашовой, от Валерия Михайловского до Олега Габышева) … За ним – совсем юные дарования, 300 талантливых детей со всей страны, лично им отобранных и обучаемых в Академии танца. Именно они позволяют надеяться, что инновационная методология Эйфмана позволит нам ещё долго сохранять лидерство в современной мировой хореографии.

Театр Эйфмана, куда приходит зритель в любой точке земного шара – это особая вселенная, особый текст, в котором есть место всем видам и жанрам искусства – от лучших образцов литературы и классической музыки до акробатики, от классической хореографии до джаза, от модерна до бального танца, от драматического искусства до клоунады. Это язык особой Души, особого дарования, особой творческой позиции, особой фантазии, достичь высот которой многие желают. Но уловить лексику – не значит открывать неизведанное, создавая уникальные пластические метафоры бытия.

Нынешние гастроли Театра Бориса Эйфмана в Москве, на главной сцене страны – самые значимые за 40 лет, которые труппа отмечает своим триумфом, своим ежедневным титаническим трудом и мастерством завораживать искушённую публику. В Москву театр приехал из Канады и США, лишь на полтора дня залетев в родной Питер. Не для того, чтобы перевести дух и перестроиться во времени после двух месяцев грандиозного успеха, который сопровождал самые продолжительные североамериканские гастроли петербургского коллектива за всю историю его существования. А для того, чтобы провести масштабную репетицию перед выходом на главную для каждого российского артиста сцену.

Большой театр России не первый раз даёт возможность зрителям столицы прикоснуться к творениям легендарного хореографа. Многие годы открытый Фестиваль искусств «Черешневый лес» знакомит поклонников Театра Эйфмана с его постановками на Новой сцене Большого. Однако впервые историческая сцена ГАБТа была предоставлена «в полное владение» всемирно прославленному петербургскому коллективу на 16 дней. Столичная аудитория увидела основной репертуар знаменитой труппы – 6 спектаклей, которые уже завоевали сердца европейцев и американцев. За последние годы Эйфман заново переосмыслил многие свои известные постановки с точки зрения идейной и хореографической концепции. Сам автор назвал эти постановки «квинтэссенцией длительных художественных поисков, направленных на открытие новых возможностей психологического балетного театра. «Спектакли имеют свойство устаревать, – подчеркивает хореограф, Но я не реставрирую прежние постановки, а создаю новые хореографические версии, созвучные сегодняшнему дню и моему мироощущению».
Открыла гастроли московская премьера новой версии «Русского Гамлета». История именно этой постановки тесно связано с Большим театром. В 2000-м по инициативе Большого Эйфман перенёс на сцену театра созданный годом ранее спектакль, премьера которого прошла в Варшаве. Фигура Павла I (ему посвящён спектакль) вновь осталась в центре внимания хореографа. Но он переработал многие хореографические пласты, делая постановочную ткань ещё более насыщенной и изысканной. Кроме того, изменены световая партитура (Александр Сиваев и Борис Эйфман), а также декорации, над которыми работал многолетний соавтор хореографа – народный художник РФ Вячеслав Окунев. Исполнители главных партий-ролей, звёзды нынешней эйфмановской труппы: Лауреат многих международных конкурсов и театральных премий Мария Абашова (Императрица), заслуженный артист России, лауреат Премии Президента РФ Олег Габышев (Павел I), лауреаты «Золотых масок» и других премий Любовь Андреева (его жена), Сергей Волобуев (фаворит Императрицы) и Олег Марков (тень Отца) внесли большой личностный вклад в реализацию новых режиссёрских задач Мастера. Особенно это касается Марии Абашовой. Её Императрица не просто вышла на первый план постановки, приковывая внимание каждым выходом на сцену, чтобы завораживающей, точно вычерченной на сценическом холсте пластикой раскрыть размышления режиссёра о власти, её трагической роли и влиянии на судьбы миллионов, а главное – самых близких людей. Танец Императрицы со Смертью в финале спектакля, пожалуй, главная режиссёрская метафора. Как бы ни был всесилен Властитель, он, как и все смертные, в итоге остаётся один на один со смертью и бессилен перед ней. Вечность гамлетовской темы, темы Человека и власти вместе с создателями по-новому раскрывает музыка Бетховена и Малера, музыка вечная и пронзительная. Особо хочется отметить работу в этом и других спектаклях юных учеников Академии танца Бориса Эйфмана. Для них школа мастерства, продолжающаяся на сцене Большого, стала особой страницей обучения.

В рамках гастролей на Исторической сцене Большого – два культовых, программных сочинения Эйфмана – «По ту сторону греха» и «Анна Каренина». Именно в них наиболее ярко проявляются всё многообразие уникального дарования Эйфмана – режиссёра, балетмейстера, сценографа, философа, драматурга.

Спектакль «По ту сторону греха» заново рождён Эйфманом в 2013-м, после длительной театральной жизни его «Братьев Карамазовых», впервые увидевших свет рампы в1995-м. Вечная тема, противоречие, так остро и пронзительно отражённое в романах Достоевского, для Эйфмана в условиях тотального ценностного кризиса начала XXI века актуально как никогда: конфликт между властью порока над человеком и подлинной верой. В спектакле с равной самоотдачей на высочайшем эмоциональном, актёрском и техническом уровне созданы образы трёх братьев Карамазовых: Алексея (Леонид Леонтьев), Ивана (Сергей Волобуев) и Дмитрия (Олег Габышев). Для них хореограф не поскупился на исчерпывающе-подробные психологические портретные характеристики, которые раскрыты музыкой трёх великих композиторов: Рахманинова, Мусоргского и Вагнера. В эту же «портретную галерею» попадает и Грушенька (Мария Абашова), для которой Эйфман нашёл удивительной красоты цыганские романсы, отличающиеся блестящим (не пошлым, что редко бывает) исполнением. Роль Отца, Федора Карамазова (Игорь Поляков) более плакатная, создана нарочито крупными, остро характерными мазками. Она единственная не претерпевает развития. Это некая маска дурных, разрушительных страстей, мучительное бремя, переданное по наследству сыновьям.
«По ту сторону греха» – ультрасовременное, наиболее сложное в техническом и художественно-выразительном отношениях сценическое произведение. В нём режиссёр вновь и вновь демонстрирует свое умение «очеловечивать» любые бытовые предметы, создавать собственные, технологически сложные артефакты, делая их полноценными участниками действа и партнёрами артистов, которые в свою очередь осваивают любые хореографические и акробатические задачи Мастера, ради передачи «жизни человеческого духа». Многое можно сказать о метафоричности каждой массовой сцены, особенно второго акта, которые с невероятной образной силой передают не только нравственные, но и политические, философские воззрения авторов – Федора Достоевского и Бориса Эйфмана.

В афише театра немало балетов, драматургической основой которых становятся произведения мировой классической литературы. Именно в них художнику наиболее ярко удаётся реализовать свою главную задачу – языком танца откровенно говорить со зрителем о самых сложных и волнующих сторонах человеческого бытия: о поисках смысла жизни, о столкновении духовного и плотского в интимном мире человека, о познании истины. Один из таких балетов – «Анна Каренина» на музыку П.И. Чайковского. Этот балет является одним из наиболее успешных спектаклей в репертуаре Театра, он с неизменным триумфом демонстрируется на лучших сценах России, Америки, Австралии, Европы. В спектакле Борис Эйфман сосредотачивается на любовном треугольнике «Анна – Вронский – Каренин» и создаёт трагическую хронику страшного внутреннего перерождения женщины. Для Эйфмана интересно не только и не столько погружение в психологический мир героини. Это уже не раз делалось многими талантливыми постановщиками великого романа. Хореографа привлекает эротическое осмысление личности Анны. Для него Анна – некий оборотень, в ней два человека: внешне – светская дама, которая известна Каренину, сыну, окружающим. Другая – сексуально зависимая от мужчины женщина, которая не может и не хочет победить свою разрушительную страсть, раздавившую её. Максимального эффекта зрительского потрясения Эйфман достигает в финальной сцене «Поезд», в которой, как всегда языком пластики, невероятной режиссёрской фантазии и блестящей работы всей труппы, показана гибель Анны.
Два опытных мастера труппы – Мария Абашова (Анна) и Олег Марков (Каренин), а также совсем молодой Игорь Субботин (Вронский) создали блестящий актёрский ансамбль, центром которого, конечно, явилась Анна. Стоит отметить, что Мария Абашова является ключевой фигурой современного хореографического Олимпа, ибо демонстрирует не только абсолютную техническую нелимитированность, но образец большого драматического дарования, которому подвластны любые самые сложные и разноплановые сценические образы и задачи. А если знаешь, что эта столь гармоничная, редкой красоты женщина, на плечах которой весь основной репертуар театра, – мама двоих сыновей, невозможно не восхититься не только её талантом и самоотдачей, но и силой духа.


Сцена из балета «Up & Down»

Обращение Эйфмана к творениям писателей и судьбам гениев, перевод литературных произведений и биографий великих исторических личностей на язык хореографии – погружение в психику, через тело в дух продолжилось в трёх других балетах, представленных на исторической сцене Большого: «Роден, её вечный идол», «Евгений Онегин»», «Up & Down». Первые два – известны московским поклонникам Эйфмана. Третий – по роману Френсиса Скотта Фицджеральда «Ночь нежна» (московская премьера) – завершил масштабные гастроли театра. Тема духовной гибели человека, предательства самого себя, своего предназначения – одна из лейтмотивных для хореографа. В этой связи он позволил себе стать соавтором Фицджеральда, вернув в финале спектакля главного героя Дика Дайвера в его же психиатрическую клинику, но… в качестве пациента. И ещё одна важная эйфмановская мысль отражена в этой блистательной постановке на музыку Джорджа Гершвина. Тема сумасшествия, душевнобольного общества, к которой мастер обращается неизменно («Идиот», «Дон Кихот, или Фантазии безумца», «Красная Жизель», «Русский Гамлет», «Роден»). Психическая деструкция героев – отражение окружающего нас мира, вылечить который способна только любовь. Ведущим пластическим лейтмотивом становится вознесённая ввысь рука с указующим перстом талантливого ученого-психиатра. Танцовщики труппы, в совершенстве владеющие авторской пластикой, с одинаковым азартом перевоплощаются и в душевнобольных, и миллионеров, отплясывают фокстрот и джаз, безумные хороводы в сумасшедшем доме, «свинговые па» на пляже в купальниках золотой молодёжи, преображаются в элегантный высший свет с чопорными манерами и в безумную толпу кинофанатов.

Когда в 1977 году Борис Эйфман создал собственную труппу, «Ленинградский Новый балет», сегодня известный театралам всего мира как Санкт-Петербургский государственный академический театр балета под руководством Бориса Эйфмана, его творческая концепция была для своего времени «слишком» новаторской и смелой. Последователи традиционной школы не спешили признавать авторитет молодого хореографа, его новаторство в выборе драматургического материала и музыки, смелость пластических решений. Блюстители «хореографического текста» много его критиковали и делают это поныне. Но Эйфману важнее текста всегда были контекст и подтекст. Борис Эйфман с первого дня работы создавал авторский, режиссёрский театр, экспериментальную лабораторию одного хореографа. Автор более сорока спектаклей определяет жанр, в котором он работает, как «психологический балет». Он воспитал не одно поколение танцовщиков с особым пластическим мышлением, блистательно владеющих искусством драматического перевоплощения. За 40 лет Эйфман-режиссёр сумел заставить зрителя не просто восхищаться красотой созданной танцевальной ткани своих спектаклей, но активно сопереживать действию, метафорически мыслить вслед за хореографом.

Помимо творческих поисков театр под руководством Бориса Эйфмана одним из первых в России разработал собственную модель организации и планирования театрального дела на принципах государственного и частного партнёрства. Эйфман вновь доказал, что «в России надо жить долго», что «весь мир – театр, когда нет своего», и что «в 40 лет жизнь только начинается…».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17934
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Авг 23, 2017 10:36 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017082302
Тема| Балет, Санкт-Петербург, "Лебединое озеро"
Автор| Вячеслав КОЧНОВ, фото пресс-службы Театра балета им. Якобсона
Заголовок| Балет без антрактов
Где опубликовано| © Вечерний Санкт-Петербург
Дата публикации| 2017-08-21
Ссылка| https://vecherka-spb.ru/2017/08/21/balet-bez-antraktov/
Аннотация|

В 2017-м мир отмечает 140 лет со дня первой постановки самого знаменитого и востребованного в мире балета – «Лебединого озера».

Есть простые, казалось бы, вопросы, на которые нет никакого вразумительного ответа. Почему одна простенькая мелодия в фа мажоре, приснившаяся однажды Полу Маккартни, покорила весь мир? В какой модуляции, в каком мелодическом ходе заключена ее тайна? Почему, когда мы слышим «Yesterday», мы все испыты­-ваем чувство пронзительного – с привкусом легкой печали – счастья, эйфории?

Примерно такие же мысли приходят, когда задумываешься о феномене сверхчеловеческой популярности балета «Лебеди­ное озеро». Все столицы, все города мира, где просто есть хоть какие завалящие театральные площадки, круглый год увешаны афишами с предложением сходить на главный балет всех времен и народов. Само словосочетание «Лебеди­ное озеро» стало синонимом слова «балет». Балеты № 2 и № 3 отстоят от лидера очень далеко – пронзительный «Щелкун­чик», музыка которого, безусловно, выше и глубже музыки «Лебединого», связан в нашем сознании больше со словами «Рождество» и «добрая сказка», чем со словом «балет». Когда в Голливуде снимают блокбастер о балете, то это – «Черный лебедь», в трагикомическом финале «Кавказской пленницы» – «Лебединое», когда Советский Союз хоронил своих вождей и когда пытался спасти, но все-таки похоронил самого себя, – с экранов ТВ звучала тревожная тема «Лебединого»…



С другой стороны, «Ле­бединое озеро» для многих и многих, прежде всего иностранцев, конечно, является еще и синонимом слова «Рос­сия». Именно поэтому, наверное, тысячи туристов, приезжающих в Петербург, считают своим долгом сходить на бессмертный спектакль. Увидеть живьем «Лебединое озеро» в Петербурге – это, наверное, как в Венеции прокатиться на гондоле или в Париже забраться на Эйфелеву башню.

Одну из лучших, по общему признанию, городских постановок бессмертного балетного шедевра в хореографии Ма­риуса Петипа и Льва Иванова в нашем городе представляет труппа Санкт-Петербургского государственного академического театра балета имени Леонида Якобсона – ее спектакли идут сразу на нескольких центральных площадках Пе­тербурга, включая Мари­инс­кий театр (две его сцены – историческую и Мари­инский-2) и БДТ им. Тов­стоногова. Спе­циально для Театра балета им. Л. Якобсона блистательный театральный художник Вяче­слав Окунев выполнил новое красочное оформление.

Прямая речь

О «лебедином» кордебалете


Вот что поведала нам о секрете «Лебединого» балетмейстер-репетитор труппы Дарья Павлова:

– Секрет «Лебединого», мне кажется, в слиянии двух гениев – Чайковского и Петипа, зрителю не надо заглядывать в программку – все, что происходит на сцене, понятно и без текста либретто. В «Лебедином» чуть ли не основную роль играет женский кордебалет, именно он транслирует художественный смысл балета. Кордебалет – это и есть тот самый симфонизм в балете, о котором так любят говорить. Если балерины кордебалета выходят на сцену несобранными, не настроенными на спектакль, думают про быт, погружены в свои житейские проблемы, то не получится никакого «Лебединого озера»…

Образ лебедей – это воспевание чистой красоты и счастья в начале, во второй картине, а в финале балета, когда Одетта рассказывает подругам о том, что любимый предал ее, они своей уникальной пластикой создают образ трагедии, печали – вспомните знаменитые поникшие арабески. В Пе­тербурге принято давать «Лебединое» в редакции Константина Михайловича Сергеева. На действительно достойном академическом уровне у нас в городе этот балет исполняют, как мне кажется, три труппы – Мариинского театра, Михайловского и наша.

Сказки любят все
Балетмейстер, актер и режиссер музыкальных спектаклей Гали Абайдулов:


– Разгадка феноменальной популярности этого мирового балетного шлягера в том, что в «Лебедином» есть все и это все выполнено на высочайшем эстетическом уровне. Тут и романтическая кантилена, любовь, фантастика, тема добра и зла, тема обмана, предательства – как же он не узнал свою любовь! – и сказочная театральность, а сказки любят все – и взрослые, и дети, есть и настоящий канкан – Танец маленьких лебедей, и гениальное па-де-де, в общем, весь арсенал классического танца.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17934
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Авг 24, 2017 8:04 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017082401
Тема| Балет, Большой театр Беларуси, Персоналии, Константин Героник
Автор| Наталья Кудряшова / Видео: Анна Войтик, Олег Ануфриенко / Фото: Дарья Бурякина / GO.TUT.BY
Заголовок| "Если ты просыпаешься и у тебя ничего не болит, — значит, ты умер". История артиста балета
Где опубликовано| © TUT.BY
Дата публикации| 2017-08-24
Ссылка| https://news.tut.by/go/557178.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В репетиционном зале балет далеко не так красив и легок, как на сцене. За кулисами это нагрузки, как у спортсменов, жесткая самодисциплина, трепет при наборе веса, конкуренция и травмы. GO.TUT.BY побывал на репетиции ведущего солиста Большого театра Беларуси Константина Героника и расспросил его про балет не как изящное искусство, а как физически трудное ремесло.

«Нам нельзя сильно накачивать мышцы, это будет некрасиво»

Балетная труппа Большого театра начала подготовку к новому сезону. Неделю назад артисты вышли на первую репетицию после 45-дневного отпуска. Теперь каждый их день расписан по часам. Он начинается в 10.00 с урока классического танца. Разогрев мышц в течение 45 минут или часа, затем репетиции. У ведущих солистов они могут быть до 14.00, потом с 15.00 до 16.00 и с 18.00 до 21.00. Итого 8 часов в день.

— Количество репетиций зависит от репертуара. Если у ведущего солиста в месяц по 6−7 спектаклей, он будет занят практически целый день, — рассказывает Константин Героник. — У нас бывает, что и обеда нет. Просишь репетитора, чтобы отпустил поесть.



Физические нагрузки у артистов балета, пожалуй, не меньшие, чем у спортсменов. Репетиция, как тренировка — целый день в поту. Поэтому занятий в зале и выступлений на сцене обычно хватает, чтобы держать тело в форме.

— Когда мало спектаклей, я делаю упражнения дома: планки, пресс качаю, отжимаюсь. Подписан на каналы про фитнес на YouTube и в Instagram. Нам нельзя сильно накачивать мышцы, это будет некрасиво. Фитнес сушит тело, делает стройным.

Диетами Константин себя не изнуряет, рацион у него простой. Утром овсяная каша, творог, бутерброд с чаем. В обед суп, котлета из театральной столовой, гарнир. В течение дня в пище он себя не ограничивает, но после 6 вечера старается не есть.

— Лучше выпить воды, когда появляется чувство голода, это действительно помогает, — говорит танцовщик. — Если буду много есть, начну поправляться. В отпуске, когда ничего не делаешь, можно набрать 2−3 килограмма. А потом тяжело прыгать.



Как и у спортсменов, у артистов балета часто бывают травмы. Страдают в основном плюсневые кости, колени, спина. Косте в этом плане повезло: серьезных травм у него не было. Тем не менее у него «всегда что-то болит».

— Можно сказать: если ты просыпаешься и у тебя ничего не болит, — значит, ты умер. Это у нас, у артистов балета, так. У меня много репетиций, к концу дня хочется просто хлопнуть дверью и уйти. Но с утра ты опять приходишь и продолжаешь работать.

Героник всегда тщательно разогревается у станка: чтобы не получить травму, нужно хорошо прорабатывать тело. Но подспудный страх все равно есть. А как иначе, если одно неудачное приземление может поставить крест на карьере.

— Мне иногда снятся сны, что я ломаю ногу. Просыпаюсь резко, щупаю себя — все нормально, слава Богу, — признается танцовщик.

«Чтобы быть лучшим, надо работать больше всех — вот простое правило»

Константин Героник родился в «танцевальной» семье, и сам занимается танцами с раннего детства. В балете он с 10 лет, с тех пор как поступил в 5-й класс Белорусской хореографической гимназии-колледжа.

— Я всегда любил танцевать, — вспоминает Константин. — Мне родители говорили, что с детства был неугомонным, и было понятно, куда я пойду. Но в хореографическое училище меня отвела бабушка, когда родители были на гастролях. Они по себе знали, что профессия очень сложная, не хотели отдавать. Бабушка им рассказала, уже после того, как меня взяли.

Про детство Константин говорит: его практически не было. Он уходил из дома в училище в 7 утра и приходил в 7 вечера. Только летом можно было вдоволь поиграть с друзьями. К счастью, сверстники его увлечение балетом не высмеивали.

— Правда, многие думали, что я хожу на пуантах. Какие пуанты, вы что? Это девушки танцуют в пуантах, у ребят специальные балетные туфли.

«Балетные» живут в танцклассах с детства и прочно усваивают два урока. Во-первых, — терпеть боль. Во-вторых, — очень много работать.

— Надо у станка отрабатывать. На репетициях отрабатывать. После репетиций оставаться. Конкуренция есть в любом театре. Всегда на уроке занимаешься, и рядом стоят ребята, которые хотят быть лучше тебя, и ты хочешь быть лучше них. Чтобы быть лучшим, надо работать больше всех — вот простое правило, — говорит Героник.

Правда, замечает он, девушкам в балете еще сложнее.

— Балет — это боль, это каждодневная пахота. Но мужчинам проще. У женщин и конкуренция выше, и травм больше. За красотой на сцене стоят мозоли от пуантов, переломанные мизинцы, постоянные диеты. Когда девушки начинают набирать вес, нам это не в кайф, — смеется артист.

«Ты не имеешь права не закончить вариацию, недотанцевать»

— Иногда что-то делаешь, у тебя не идет. Тысячу раз пробуешь, приходишь в раздевалку весь в поту. Бывает, что даже до слез доходит, — делится трудностями профессии Костя. — Но на сцене ты в образе, в другом окружении, как в сказке.

Героник в театре восьмой сезон. Самые технически сложные роли в его репертуаре — это партии Базиля в «Дон Кихоте» и Фрондосо в «Лауренсии». Но какой бы изматывающей ни была партия, артист должен станцевать ее до конца.

— В зале на тебя смотрит тысяча человек или даже больше. Ты не имеешь права не закончить вариацию, недотанцевать. Есть у тебя силы или нет — в любом случае дотанцуешь.

Спрашиваем, узнают ли его на улице, и не гоняются ли за ним поклонницы.

— На улице не узнают, я хожу в кепке и очках, — смеется Героник. — Но в социальных сетях после спектаклей всегда поздравляют и благодарят.

Век артистов балета недолог — 20 лет. Уже в 40 они выходят на пенсию и, как правило, начинают жизнь заново. Константину Геронику всего 26, но он уже примерно знает, чем будет заниматься, когда уйдет со сцены: возможно, откроет свою школу или продолжит работать в театре репетитором. Вне балета Костя себя не видит.

— Я с 10 лет этим занимаюсь и получаю от этого наслаждение, — говорит он.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Камелия
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 08.10.2013
Сообщения: 1603
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Авг 25, 2017 6:54 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017082501
Тема| Балет, Персоналии, Лоран Илер, Ксения Шевцова, Оксана Кардаш, Эрика Микиртичева, Денис Дмитриев, Георги Смилевски
Автор| АЛЕКСАНДР ФИРЕР
Заголовок| Мечты Лифаря сбываются
Где опубликовано| © Журнал «Музыкальная жизнь» №7-8 (2017)
Дата публикации| 2017 август
Ссылка| http://mus-mag.ru/mz-txt/2017-07/r-sinw.htm
Аннотация| Премьеры

На сцене Музыкального театра им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко с успехом прошла премьера программы одноактных балетов Лифаря, Килиана и Форсайта

Автором и генератором идеи этой программы стал художественный руководитель балетной труппы Лоран Илер, заступивший на свой пост с января этого года. Лоран Илер относится наряду с Сильви Гиллем, Элизабет Платель, Изабель Герен, Шарлем Жюдом, Манюэлем Легри к генерации «питомцев» Рудольфа Нуреева. В течение своей образцовой премьерской карьеры Илер не только перетанцевал весь классический и современный репертуар Парижской Оперы, но и выступал в премьерах Уильяма Форсайта и был Солором в последней постановке Нуреева «Баядерка».
Лоран Илер первым смог осуществить заветную мечту Сержа Лифаря перенести в Россию свои балеты. В советское время Лифарь уговаривал власти СССР разрешить поставить «Федру» для Майи Плисецкой в Большом театре, предлагал даже подарить раритетные оригиналы писем Пушкина к Наталье Гончаровой. Но, увы, все тогда осталось без ответа.


"Сюита в белом"

Лоран Илер впервые перенес лифаревский балет, «Сюиту в белом», в Россию, в Музыкальный театр, показал артистам стиль и тщательно отрепетировал детали, а лоск навела приехавшая на две недели экс-этуаль и экс-директриса школы Парижской Оперы Клод Бесси, перетанцевавшая в «Сюите в белом» не одну партию еще при Лифаре. Поставленная в 1943 году и показанная в оккупированном Париже «Сюита в белом» по сей день остается идеальным опусом французской неоклассики. Пуантная техника, элегантный шарм французской школы классического танца эстетически опоэтизированы автором. Музыкальность, акценты, внимание к деталям, подчеркнутая женственность – эти требования предъявляет балет к прима-балеринам. Одноактный шедевр представляет собой чудный образец танцевальной соразмерности. Сочная выпуклость звуковых образов, фантазийная самобытность ритмического рисунка, насыщенная гармоническая палитра колористичной музыки Эдуара Лало (использована партитура его балета «Намуна») и скульптурно-живописная выразительность благородно «преображенной» классической лексики Сержа Лифаря дуэтно слились в художественное сценическое действо в безупречной композиционной форме балетной труппы с неотъемлемой иерархией. В этой единодыханной данс-сюите есть вариации, дуэты, трио, массовые ансамбли. А парадный классический формат лапидарно смягчен аристократической несуетностью хореографического мышления.


Оксана Кардаш

Пришедшие из партитуры «Намуны» названия сольных номеров стали подлинными хитами для истых гурманов-балетоманов. Так, «Сигарету» можно считать экзаменом на изысканность высшего балеринства. На премьере ее с достоинством и прихотливо станцевала Оксана Кардаш, но еще более выигрышно тут смотрелась во втором составе Эрика Микиртичева, выступившая с техническим запасом, уверенной неторопливостью и спокойствием.


Эрика Микиртичева и Денис Дмитриев

А вот в адажио Эрика Микиртичева и Денис Дмитриев были несколько нарочиты, но этот дуэт требует большей рафинированности и меньшей схематичности в поддержках-«оттяжках».


Ксения Шевцова

Открытием и героиней всего премьерного блока стала Ксения Шевцова, уже, как оказалось, пятый сезон танцующая в театре. Мягкость ее утонченных линий, элегантная женственность, стилистическая интуиция и интригующая притягательная затаенность как нельзя кстати пришлись в вариации «Флейта»: ее выступление стало пластическим отождествлением зовущего голоса сирены. Доблестно станцевал «Мазурку» самый надежный премьер театра Георги Смилевски, достойно заменить его в этой роли Дмитрию Соболевскому пока не удалось. Идеальную ансамблевую станцованность и стилевое единство труппы, получающей явное удовольствие от танца, смело можно считать заслугой Лорана Илера и его команды. Это лишь великолепное начало стилистически увлекательной, скрупулезной и вдумчивой работы преображенной труппы. А французский шарм ей только к лицу.


"Маленькая смерть": Эрика Микиртичева и Денис Дмитриев

«Килианиана» в Музыкальном театре впервые в России стартовала несколькими сезонами ранее. Ныне возобновили «Маленькую смерть» Килиана, поставленную в 1991 году для Зальцбургского фестиваля к 200-летию со дня смерти Моцарта. Килиан вдохновенно создал оммаж гению композитора. Неповторимо узнаваемый певучий язык хореографа здесь рисует моцартовский галантный век. Эротические дуэты в балете переплетаются со свистом рапиры, рассекающей воздух: острый и сладкий укол как и вершинное любовное удовольствие. Из мрака вырисовываются полуобнаженные тела танцовщиков, начинающих синхронные дуэты с рапирами. Этот фрейдистский символ любви с острием смерти широко распространен в балете: во имя любви несущие смерть шпаги играют ключевую роль в драматургии таких репертуарных бестселлеров, как «Ромео и Джульетта» и «Жизель». Перекатывание рапир, дуэтный альянс с ними – одновременно будоражащая кровь любовная прелюдия и азартная игра со смертью. Укол рапиры в сердце тождественен оргазмической кульминации. Танцы перемежаются пробегами танцовщиков с огромным черным покрывалом, летящим на высоко поднятых руках. Подбегая к авансцене, танцовщики разворачиваются, и обратная волна покрывала как бы смывает предыдущих персонажей цунами страсти или дыханием времени. Из выплывающих из глубины сцены катящихся кринолинов выпархивают танцовщицы в нижнем белье и корсетах. Шесть небольших адажио пронизаны тонким сладострастием и изнуряющим плоть томлением. Тактильная лирика с переплетением тел, ласкающими движениями рук между женских бёдер и голеней, ртутно перетекающие поддержки создают эротический флер. Мистериальная жажда обладания зафиксирована в зрительно неизгладимой позе-мгновении финальной атаки, когда мужчина с распростертыми в полете руками-крыльями застывает над сомкнутыми в замок ногами женщины перед высшей точкой проникновения. В финале спектакля на сцену хаотично выкатываются пустые кринолиновые скелетные остовы былых судеб, как полые сосуды, открытые для новой жизни и любви. «Маленькая смерть» открыта для возрожденной репертуарной жизни, и артисты, вживаясь в этот балет, наполнят его большими эротическими и пластическими томлениями.


"Вторая деталь"

В 1987 году Уильям Форсайт авангардным абстрактным балетом «In the Middle Somewhat Elevated» по приглашению Рудольфа Нуреева в Парижской Опере провозгласил новую эру деконструированного классического танца, презирающего законы физики. Первыми исполнителями тогда были Сильви Гиллем и Лоран Илер, который и стал теперь инициатором московской премьеры формально бессюжетного одноактного балета «Вторая деталь» самого радикального из современных мэтров хореографии Уильяма Форсайта на музыку Тома Виллемса. Хореограф оригинально препарирует основы классического экзерсиса с безапелляционной точностью Пирогова в «сюрреалистическом» ключе Дали. Чувствующий сиюминутный жизненный контрапункт, балетный архитектор Форсайт невероятно свободно «кромсает» пространство и пренебрегает балансом и силой земного притяжения, привнося в танец синкопированную природу акцентированного диалекта и непредсказуемость хореографической мысли. В трансцендентную «пуантную» полифоничную геометрию ансамбля танцовщиков в облегающих трико «варварски» врывается «вторая деталь» а ля Айседора Дункан в виде босоногой бестии в стилизованной тунике (Ксения Шевцова ярко справилась с партией). Стиль Форсайта – серьезная проба на музыкальность и на технику с экстремальными амплитудами движений, и для труппы в целом – это дерзкий вызов, который на первом этапе танцовщики приняли ознакомительно с авансом на непрерывное энергетическое наполнение.

Премьеру интересной программы «Лифарь/Килиан/Форсайт» объективно можно назвать большой творческой удачей и художественной победой балетной труппы и, прежде всего, ее нового балетного шефа Лорана Илера, не побоявшегося для своего дебюта выбрать столь сложный хореографический материал.

Фото Светланы Аввакум, Влады Мишиной и Михаила Логвинова предоставлены пресс-службой Музыкального театра
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Камелия
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 08.10.2013
Сообщения: 1603
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Авг 25, 2017 8:14 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017082502
Тема| Балет, Персоналии, Захаров, Чино, Тэрада, Окава, Бейер, Годунова, Ли Субин, Кокорева, Сорокин
Автор| АЛЕКСАНДР ФИРЕР
Заголовок| Приглашение к танцу
Где опубликовано| © Журнал «Музыкальная жизнь» №7-8 (2017)
Дата публикации| 2017 август
Ссылка| http://mus-mag.ru/index.htm
Аннотация| Международный конкурс артистов балета в Москве

XIII Международный конкурс артистов балета и хореографов, проходивший на Исторической и Новой сценах Большого театра, стал важным мировым культурным событием

Московский форум ведет свою летопись с 1969 года, когда на первом конкурсе золото получили и подарили миру свои имена и талант Михаил Барышников, Малика Сабирова, Нина Сорокина, Юрий Владимиров, Франческа Зюмбо, Патрис Бар. XIII Международный конкурс артистов балета и хореографов принял 126 танцовщиков и 30 хореографов (с львиной долей представителей Азии) из 27 стран и вошел в историю, удивив крупным размером призового фонда, соизмеримым с Конкурсом имени П.И. Чайковского, c двумя Гран при по 100 000 $, первыми премиями по 30 000 $ в старшей и 20 000$ в младшей группах. Даже дипломантов ожидал приз в 3 – 5 000 $. В итоге Гран при ввиду отсутствия самобытных индивидуальностей не вручили никому. За всю историю конкурса высшую награду присуждали лишь четырежды (среди ее обладателей Надежда Павлова и Ирек Мухамедов, артисты, оставившие яркий след в исполнительском танцевальном искусстве). Престиж конкурса несколько упал из-за укоренившегося «лоббирования» советских участников, из-за крена от стилистической чистоты в сторону технической оснащенности трюками. В кулуарную хронику вошел скандал, когда резонно повздорившая с членом жюри Софьей Головкиной ее коллега Алисия Алонсо, экстренно покинула конкурс из-за «засуженных» подопечных кубинских конкурсантов.

В состав жюри-2017 помимо его председателя знаменитого балетмейстера Большого театра Юрия Григоровича вошли звезды балета Маргерита Парилла (Италия), Светлана Захарова (Россия) и Владимир Малахов (Австрия), ректор МГАХ Марина Леонова и ректор Академии русского балета имени А.Я.Вагановой Николай Цискаридзе, руководители балетных компаний Йоханнес Охман (Швеция), Кумико Очи (Япония), Вадим Писарев (Украина), Николай Хюббе (Дания), Юрий Фатеев (Россия), Цзидяао Чю (Китай), Томас Эдур (Эстония), хореографы Валентин Елизарьев (Республика Беларусь), Джон Михан (США), педагог-репетитор Королевского балета Фландрии Оливье Патэ, генеральный директор Международной федерации балетных конкурсов Сергей Усанов. Интернет-канал medici.tv дал возможность всем желающим посмотреть онлайн и в записи трансляции с конкурса.


Элизабет Бейер (золото, младшая группа)

Молодые танцовщики получили 22 медали. Наиболее интересной была младшая группа (14 – 18 лет). Юная Элизабет Бейер (соло) увезла бесспорное «золото» в США, где она занимается в частной школе у русского педагога. Остроногая невесомая американка с прекрасным вращением покорила публику ошеломляющим восторгом детской души, очарованной радостью от танца.


Марк Чино (золото, младшая группа)

«Озолотился» и достойный десант воспитанников Московской академии хореографии: Марк Чино (соло) и Денис Захаров (дуэт) стали лауреатами первой премии, причем выпускник Академии Чино уже получил предложение от Большого театра – самую заветную конкурсную награду. Оба питомца МГАХ поразили виртуозной техникой, артикуляционной чистотой классического танца и благородными манерами в лучших традициях московской классической школы. Хорошая фактура и чистота линий Чино, легкость исполнения и отличная выучка Захарова запомнились публике.


Елизавета Кокорева и Денис Захаров (оба - золото, младшая группа)

«Золото» по младшей группе получила и энергичная партнерша Захарова Елизавета Кокорева. Причем на последнем предвручательном этапе ей повысили лауреатский статус с «серебра» на «золото», как и конкурсантке из Южной Кореи Сонми Пак (дуэт). Антипод «записных принцев» Чино и Захарова серебряный лауреат Игорь Пугачев (соло, тоже из МГАХ) мимо поз и классической грамоты сокрушал удалью и темпераментом. «Бронзу» получил обстоятельный рижанин Карлис Цирулис (соло).

Громко заявило о себе Московское хореографическое училище при театре танца «Гжель» (возглавляемое Борисом Акимовым), две воспитанницы которого отличились, пройдя в третий тур. Солнечная Алеся Лазарева (соло) получила диплом, а «бронзу» - проникновенная Екатерина Клявлина (дуэт), точно приблизившаяся к бурнонвилевскому стилю с его фирменными «мелкими» движениями.


Ли Субин (серебро, младшая группа)

Ли Субин (соло) из Южной Кореи, чуть не засуженная жюри за исполнение вариации из «Кармен-сюиты» Альберто Алонсо в качестве классики на втором туре, исполнительски выглядит сложившимся мастером. Юной танцовщице лиричнейшего дарования по плечу широкий спектр балеринского репертуара. В итоге она разделила «серебро» с Ли Сыи (соло) из Китая. Диплом получила женственная бразильянка Дос Сантос Пинейру Аннe Жулиет (дуэт), она вместе со своим партнером Барательей Дос Сантосом Кайо блистательно исполнили остроумный номер Ицика Галили «Балкон любви» на музыку Переса Прадо: зал взорвался от восторга. Юмором, естественностью пластики, артистизмом, чувственностью и свободой исполнения артисты затмили конкурентов.


Эвелина Годунова (золото, старшая группа)

Старшая же группа (19 – 27 лет) смотрелась «прозаичнее». Но были и отличные выступления. Обладательница неженского по силе и высоте прыжка со звучной фамилией Эвелина Годунова (кстати, как и Александр Годунов выпускница Рижского хореографического училища), работающая в Сеуле, безоговорочно получила «золото» в категории «соло». Не покоряющая самобытным артистизмом, она в комплексе своих качеств универсальная прима, которой подвластно практически все классическое наследие. По словам самой Годуновой, она вовсе и не помышляла о победе, а попросту заехала в Москву по дороге из Южной Кореи на каникулы домой в Латвию, в Ригу. Собравший все мыслимые лавры на множестве конкурсов казахский атлет-технарь Бахтияр Адамжан (соло) заявил, что московским «золотом», пожалуй, стоит красиво завершить его конкурсный марафон.


Мидори Тэрада (бронза) и Коя Окава (золото, оба - старшая группа)

Получившие в дуэте соответственно «бронзу» и «золото» казанские японцы, полюбившиеся телезрителям по проекту «Большой балет» канала «Культура», аккуратная Мидори Тэрада и ликующий техничный Коя Окава, окончившие Московскую академию хореографии, аутентичней наших соотечественников демонстрируют высокие стандарты академического стиля и осмысленность танцевального мастерства. «Бронзу» с Мидори Тэрадой разделила китаянка Ао Дингвэн. Аманда Мораес Гомес из бразильской школы Большого театра, завоевавшая «серебро», получает столь искреннее наслаждение от танца, что это мощно передается публике. А вот представители Мариинского театра откровенно разочаровали. Штурмующая Московский конкурс Екатерина Чебыкина (диплом в категории «дуэты») показала лишь набор штампов, а выпускник Вагановской академии Эрнест Латыпов (дуэт) отчего-то актерски кривлялся и неровно прошел все три тура, за что получил только «серебро». Досадный казус случился с 14-летним одаренным Иваном Сорокиным из Сыктывкара. Самый юный участник состязания сверхвиртуозные трюки не демонстрировал, но предстал прекрасно выученным. Прошел на третий тур, но по причине отсутствия в своем репертуаре вариаций для финального тура (он даже не помышлял попасть и на второй тур), Иван поспешно уехал домой. Возможно, истинным вундеркиндом заинтересуются балетные школы Москвы и Санкт-Петербурга. К сожалению, не прошел даже на второй тур уникальный кубинец высокий Косме Таблада, покоривший изяществом и беспредельными линиями. Его руки могли объять всю сцену, а луч его арабеска выстреливал в поднебесье.

Тем не менее общая картина распределения лауреатских званий показала отрадную тенденцию усиления внимания Московского конкурса к академической чистоте и благородной манере исполнительства.
Если в предыдущие годы конкурс хореографов безотрадно демонстрировал, что российская современная хореография откровенно «слабое звено» отечественного танцпроцесса, то нынешние участники порадовали неким эволюционным прогрессом в контексте постановочного мышления. Интересна оказалась география молодых сочинителей: помимо огромной доли россиян приехали соискатели из Китая, Южной Америки (чилиец и бразильцы), белорусы и украинцы. Каждый из авторов должен был показать две мировые премьеры, сочиненные специально для московского форума. Нынешние участники не компилировали слепо лексические, стилевые, оригинальные приемы признанных современных хореографов (под влиянием которых находятся и балетмейстеры со стажем). Но было видно, что конкурсанты глубоко анализировали опусы знаменитых мэтров, пропускали через себя и пытались поставить нечто новое в силу своих возможностей. Тематический интерес молодых авторов простирался от философских обобщений до изысканий в сфере внутреннего мира. Анекдотичным особняком стояли миниатюры россиян, посвященные пьянству, абстиненции и маняще-желанному вхождению в алкогольный «астрал». «Серебро» «на двоих» члены жюри присудили Нине Мадан за «Равновесие ртути» и «Чайку по имени Джонатан» и Андрею Меркурьеву за «Не дай мне уйти». Оба автора представили благопристойный и вполне сбитый метражный набор современной лексики. Миниатюра «Через невзгоды» золотого лауреата китайца Вена Сяочао декларировала несгибаемую волю к жизни. Обладатель второго «золота» чилиец Зунига Хименес Эдуардо Андрес в номерах «Архипелаг» и «Кинжал» шел от музыки Шуберта, Соутулло, Верта, Гомеса. «Архипелаг» посвящен недавно ушедшей матери хореографа и повествует о боли утраты его сестер. Третью премию разделили хореографы из Китая Лю Тхинтхин и Чен Лун, дипломов удостоены россияне Александр Рюнтю, Кирилл Радев и Александр Могилев.

Венчала XIII Международный конкурс артистов балета и хореографов церемония награждения победителей и торжественный гала-концерт на Исторической сцене Большого театра. Значимость мероприятия была усилена присутствием в царской ложе Президента Российской Федерации Владимира Путина и Президента Бразилии Мишела Темера.

Фото Игоря Захаркина и Сергея Андреещева предоставлены пресс-службой конкурса
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17934
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Авг 26, 2017 9:51 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017082601
Тема| Балет, Театр Классического Балета, Персоналии, Наталья Касаткина
Автор| Maria Rogatneva
Заголовок| Наталья Касаткина: «Лучшее, что придумало человечество – это классический балет»
Где опубликовано| © Информационный портал о жизни в Чехии
Дата публикации| 2017-08-26
Ссылка| http://420on.cz/news/interview/54676-natalya-kasatkina-luchshee-chto-pridumalo-chelovechestvo-eto-klassicheskiy-balet
Аннотация|

Наталья Касаткина – руководитель государственного академического Театра Классического Балета, который на протяжении долгих лет она возглавляла вместе со своим супругом, выдающимся хореографом Владимиром Василёвым. 23 августа 2017 года он ушел из жизни в возрасте 86 лет. Одна из лучших совместных постановок театра – «Ромео и Джульетта» – будет показана в Праге 11 октября.



- Наталия Дмитриевна, давайте сперва поговорим о вашем хореографическом спектакле, который смогут увидеть жители Праги и Чехии 11 октября: «Ромео и Джульетта». Чего ожидать зрителям? Кому стоит пойти на спектакль?

- Музыка балета Прокофьева – одна из самых великих партитур, которые только знает история музыки. Так что зрителям прежде всего следует ожидать потрясения от музыки, столь же гениальной, как и ее первоисточник – трагедия Шекспира. Авторская партитура великого Прокофьева для нашей версии знаменитого балета была восстановлена выдающимся дирижером Геннадием Рождественским. И в постановке мы хотели максимально приблизиться к шекспировскому первоисточнику, воплощенному в великой музыке. Это сюжет и музыка на все времена. Понятные всем без исключения – даже тем, кто придет на балет впервые в своей жизни. Поэтому пойти стоит всем. Ведь пьеса Шекспира очень современна. Все ее персонажи достойны любви. Но торжество вражды над любовью приводит к трагедии. Современным людям есть над чем задуматься.

- Я нашла упоминание в интернете, что постановку «Ромео и Джульетта» вы сделали еще в 1984 году, или это произошло раньше?

- Значительно раньше – в Новосибирске, в 1971 году. И это был грандиозный успех. Из других городов люди просто поездами приезжали на этот спектакль.

- Сколько раз (если это поддается подсчетам) зрители имели возможность попасть именно на этот хореографический спектакль?

- Подсчету никакому не поддается, потому что спектакль шел в Новосибирске, потом с 1981 года в нашем театре, показывался многократно на гастролях во множестве стран…
- Вносили ли изменения в балет «Ромео и Джульетты» за эти годы?
- Изменений ни в сценарии, ни в хореографии не было. Были изменения в оформлении – ведь изначально спектакль был поставлен для огромной сцены Новосибирского театра оперы и балета, а это самая большая сцена в нашей стране. Поэтому сейчас по сравнению с тем вариантом, где над сценой висело около двух тонн, все более компактно, но не менее образно и, на мой взгляд, замечательно передает атмосферу эпохи.

А каждое поколение танцовщиков, конечно, вносит свое понимание, свое отношение, свои индивидуальности. Я помню, какими красками заиграл спектакль, когда в него вошла великая Екатерина Максимова, звезда Большого театра, которая несколько лет танцевала в нашем балете и ездила с нами на многие гастроли. Спектакль примечателен еще и тем, что в нем важны все партии без исключения: не только главных персонажей, но и таких, как Тибальд, Меркуцио, синьор Капулетти, синьора Капулетти, Кормилица, служанка Нелли, отец Лоренцо… Так что у зрителей будет возможность увидеть сразу целую плеяду наших ведущих солистов, большинство из которых – совсем молодые, но уже очень яркие и интересные.

- Как вы сами оцениваете эту постановку? Считаете ли ее одной из лучших ваших работ?

- Да, считаю. Из всего, что мы с Владимиром Василёвым поставили, бесспорно, выделяются три спектакля: «Весна священная» Игоря Стравинского, «Сотворение мира» Андрея Петрова и «Ромео и Джульетта» Прокофьева. Кстати, так не только я думаю – так говорят и специалисты, теоретики и историки балета, критики.

- А расскажите, над чем вы сейчас работаете? Каковы ваши творческие планы?

- Сейчас идет работа над двумя постановками. Балет «Щелкунчик и Принцесса Пирлипат» имеет в своей основе ту же сказку Гофмана, что и великий балет Чайковского. Только это предыстория сюжета, который разыгрывается в знаменитом балете: рассказывается, откуда, собственно, взялся Щелкунчик, и так далее, не буду раскрывать всех секретов. А музыку написал выдающийся композитор Эдуард Артемьев, с использованием тем Чайковского, причем, не только из балета, но и из других произведений.

То есть, здесь и авторская транскрипция классической музыки, и собственная музыка Артемьева. Очень и очень интересно. А второй спектакль – это будет реставрация знаменитого балетного шедевра, балета «Корсар» на музыку Адана, историческая реконструкция гениальной хореографии великого Мариуса Петипа, 200 лет со дня рождения которого исполняется в следующем году.

- Вы руководители известного театра классического балета. Скажите в чем разница балета ХХ века и ХХI? И чем отличаются зрители разных времен?

- В ХХ веке произошел грандиозный прорыв в искусстве хореографии, причем произошел не единожды. В начале века дягилевские сезоны показали принципиально иной подход к балету во всех аспектах. Затем в 30-е годы эпоха так называемого драмбалета очень много дала нашему искусству, и особенно это ощутилось не только в России, но и в Англии.

Наконец, в 60-е годы началось время симфобалета, связанное в нашей стране прежде всего с именем Юрия Григоровича. В ХХI веке мы пока видим, на мой взгляд, только повторы достигнутого в веке двадцатом. А зритель, думаю, не изменился. Хочет видеть прекрасный танец, наполненный смыслом. Просто современный зритель намного больше информирован, благодаря техническим достижениям: в любое время может увидеть на мониторе своего компьютера самое лучшее, что только было и есть в мировом балете. Но все равно приходит в театр, чтобы ощутить вот это сиюминутное рождение живого танца…

- Что бы вы хотели изменить в системе преподавания русской школы балета? Или с чем вы не согласны?

- Считаю, принципиально ничего менять не надо. Но что хотелось бы пожелать – чтобы молодые артисты лучше изучали старинную хореографию, чувствовали ее подлинный стиль. И, конечно, наряду с этим хорошо бы знали и неоклассику.

- Какими вы видите современного профессионального танцовщика или танцовщицу?

- Профессиональными и талантливыми. Талант, как говорится, дается Богом. Вот такого божественного проявления я всегда и ожидаю от артиста. Знаете, для меня высший комплимент, который я могу сделать балерине или танцовщику, это не определить их место в иерархии, не сказать кому-то, что вот ты – первый! Или второй… А сказать одно слово – ЕДИНСТВЕННЫЙ… Это самое высокое звание, если артист – единственный, неповторимый, ни на кого не похожий и ни с кем не сравнимый… вот таких единственных я и хочу видеть. Ведь лучшее, что придумало человечество – это классический балет…
=======================================================

ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Камелия
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 08.10.2013
Сообщения: 1603
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Авг 28, 2017 6:30 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017082801
Тема| Балет, Персоналии, Акрам Хан
Автор| АЛЕКСАНДР ФИРЕР
Заголовок| Приглашение к смерти
Где опубликовано| © Журнал «Музыкальная жизнь» №7-8 (2017)
Дата публикации| 2017 август
Ссылка| http://mus-mag.ru/index.htm
Аннотация| Чеховский фестиваль

Компания Акрама Хана (Великобритания) в рамках Театрального фестиваля им. Чехова показала на сцене Театра имени Моссовета спектакль «Пока львы молчат» по книге Картики Наир «Пока львы молчат: эхо Махабхараты»

Будучи универсальным художником современного танцтеатра и одним из самых известных в мире хореографов, британец бенгальского происхождения Акрам Хан в своих работах оригинально переплетает этнографические истоки движения с новейшими веяниями танцевального искусства, философские аспекты бытия с актуальными проблемами современного мироустройства. Он родился в 1974 году в Лондоне в семье выходцев из Бангладеш. Начал заниматься танцем в семилетнем возрасте. Изучал классический танец Южной Азии, искусство древнеиндийского танца катхак под руководством знаменитого мастера Шри Пратапа Павара. Его сценическая карьера началась в 13-летнем возрасте с легендарной постановки по древнеиндийскому эпосу «Махабхарата» Питера Брука. Он учился современным европейско-американским техникам в танцевальных школах Великобритании. Работал с Анной-Терезой де Кеерсмакер. В 1990-х он представил на суд зрителей сольные работы, создав свой неповторимый стиль – гибрид древнего индийского танца и контемпорари-данс, когда этнодвижения вливаются в современную хореографию и обретают совершенную форму. В 2000 г. он создал свою танцевальную компанию. Акрам Хан сотрудничает с современными художниками и дизайнерами. В его спектаклях участвовали выдающаяся балерина Сильви Гиллем и австралийская певица поп-дива Кайли Миноуг. Для Жюльет Бинош он поставил спектакль «Inside-I». Сотрудничающий с ним композитор Нитин Соуни говорил, что цель Акрама Хана – создать новый «индозападный» синтез в музыке и танце. Сегодня Акрам Хан ассоциированный артист лондонского театра «Сэдлерс-Уэллс» и театра «Кёрв» в Лестере.


Противоборство: Амба и Бхишма

В мистическом спектакле «Until the Lions» («Пока львы молчат»), созданном в 2016 году, Акрам Хан выступил в качестве режиссера, хореографа и одного из исполнителей. Соавтор опуса Картика Наир создала художественную концепцию, сценарий и текст. Ее книга «Пока львы молчат: эхо Махабхараты» (2015) основана на традиционном индийском эпосе. Здесь в центре повествования не мужчина, а женщина, превращающаяся в воина-мстителя. Героиня Амба была похищена во время свадьбы бессмертным Рыцарем Бхишмой (Акрам Хан) и тем самым обесчещена. Она призывает богов к отмщению. Как женщина, она сама не может никого убить или вступить в схватку с обидчиком, но жажда мести трансформирует ее в мужчину-воина с помощью стихии огня, низвергающегося с небес. А осуществленная «вендетта» дарует героине долгожданную духовную свободу. Акрам Хан с психологической подробностью живописует характер следующей зову рока героини, сохраняя ее истинную земную сущность женщины. Действо напоминает захватывающий ритуал приглашения к смерти, которая висит дамокловым мечом над ходом событий, и вращается вокруг жизненного ринга в сопровождении музыкантов, вокалистов, ударных на оригинальную музыку композитора Винченцо Ламаньи. Акрам Хан в лексике спектакля, аранжируя абстракции и метафоры, сплетает построенный на линейном нарративе индийский танец катхак, контемпорари-данс, техники боевых искусств, традиционные восточные танцы, экстатические дервишские кружения, даже элементы хип-хопа. Партнершами Акрама Хана по спектаклю стали великолепные Чинг-Йин Чень и Джой Алпуэрто Риттер – обе чрезвычайно многогранные и одаренные пластически. Одна танцовщица изображает душу Амбы, а другая – ее воинскую ипостась. Их пластическая выразительность, упоенность танцем, экспрессивно-энергетическое состояние напряжения завораживают. Сам Акрам Хан, в отличие от вездесущих «показных» индусофилов, знает тайну рождения движений. Его танец естественен, подобен зрелищу природных изменений и наполнен взрывной кинетикой.


Кружения Акрама Хана

Вздымающаяся земля сценического ринга в кульминационный момент смерти воина (его сердце пронзает копье Амбы) с грохотом забрасывается стволами бамбука, будто это неукротимые мощные всплески энергетических реинкарнаций и бессмертия мифологического воина. Смерть героя лишь очередная ступень на пути к высшему познанию, к посылаемой небесами мудрости, к вечной молодости. Смерть в спектакле сродни важному атрибуту жизни, дорога к постижению Абсолюта и обретения духом подлинного бытия. У Акрама Хана смерть-посвящение служит модуляцией к совершенству.

Сюжетная канва в спектакле «Пока львы молчат» по темам древнеиндийского эпоса используется как идеальный повод и художественное средство поведать и пластически порассуждать на извечные и старые как мир темы трагичности человеческих судеб, предначертанно жертвенного потока времени, перемалывающего градационные категории жизни и смерти, размытого дуализма непостижимого понятия мужское-женское. Автор вольно и смело перемешивает догматическую сущность долга, истоки мести.


Модель Амбы: схватка души и тела

Жертвами здесь становятся все: и обреченная мстить обесчещенная принцесса Амба, поглощаемая «перверсионной» воронкой гендерных модуляций, и великий воин, и музыканты, как вечные скитальцы, выброшенные на внешнюю орбиту мироздания. Ринг судьбы героев в спектакле сделан в виде распила (с древесными кольцами), арены-круга, которая вздыбливается колдобинами тектонических разломов, образующихся в катаклизмах времени. Этот круг, напоминающий космический ландшафт далекой планеты, весь утыкан остовами-копьями, садистски и варварски пронзающими плоть времени, пространства, человеческих жизненных циклов. Копья с нанизанной синей головой и невидимыми сердцами напоминают о хрупкости и преходящности всего сущего. Одновременно сценографические острия прекрасно ложатся на хореографическую эстетику Акрама Хана, уникально переплетающую остро-пряную палитру пластических акцентов с бесшовно-кантиленной экспрессией самого движения.


Отражения чувств

Мстящее существо, в которое перерождается Амба, по сути становится разъяренным львом, который не молчит, но когтями или, как в опусе, уподобляемым когтям хищника копьем набрасывается мертвой хваткой на жертву. Но жертвам у Акрама Хана чужды напускное страдание и смиренная беспомощность. Скорее, это осознанная смерть как бессмертие… Автор создал изысканную синтетическую танцтеатральую притчу об иллюзорности материального мира и бессмертии человеческой души.

Фото Жана Луиса Фернандеса предоставлены пресс-службой Чеховского фестиваля
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Камелия
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 08.10.2013
Сообщения: 1603
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Авг 28, 2017 7:00 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017082802
Тема| Балет, Персоналии, Эйфман, Габышев, Абашова, Андреева
Автор| АЛЕКСАНДР ФИРЕР
Заголовок| Филолог танца
Где опубликовано| © Журнал «Музыкальная жизнь» №7-8 (2017)
Дата публикации| 2017 август
Ссылка| http://mus-mag.ru/index.htm
Аннотация| Гастроли труппы Бориса Эйфмана

Труппа санкт-петербургского Театра балета Бориса Эйфмана отметила свой 40-летний юбилей на Исторической сцене Большого театра

Борис Эйфман – умный, сильный, талантливый представитель современного танцтеатра, имеющий свое творческое лицо и свою нишу. Эйфман и его театр практически одновременно празднуют юбилеи: в прошлом году – 70-летие мэтра и ныне – 40-летие труппы. Сегодня балеты Эйфмана – заметная краска в разнообразной палитре культурной жизни Санкт-Петербурга.

Истоки одержимости Эйфмана, развития врожденного призвания – в кишиневском периоде, в пору его молодости. Кишинев 50-60-х был тем городом, где бездефицитно можно было купить любую книгу или грампластинку. В придачу в камерной по масштабам молдавской столице была сконцентрирована когорта интеллигенции высокой пробы. Именно в Кишиневе Эйфман закончил балетную студию при Дворце пионеров, а затем и хореографическое отделение музыкального училища. Так случилось, что Эйфман не попал в ряды студентов политехнического института и судьбоносно оказался в молдавском театре оперы и балета, «от безысходности» он довольствовался скромной ролью артиста балета. Вот бы представить, что кто-то, не сдав экзамены в технический вуз, «влачит существование» в кордебалете Большого! Хореоуниверситетами Эйфмана стали балетмейстерское отделение ленинградской консерватории, Вагановское хореографическое училище на улице зодчего Росси, где он работал балетмейстером. Итак, благодаря удачному стечению обстоятельств отечество заполучило хореографа, чье имя известно повсюду, а слава за рубежом не меньше, нежели в России.


"Русский Гамлет". Олег Габышев - Наследник, Мария Абашова - Императрица

Главные художественные интересы Эйфмана обращены к проверенной временем великой классической музыке и краеугольным хитам мировой литературы, русской в частности. Пантеон его опусов и героев не уступает знаменитой серии «Жизни замечательных людей»: можно смело указать пальцем в любого по списку – от Чайковского до Родена... Эйфман очень щепетилен в подборе музыкального материала и не позволяет себе экспериментальных «проколов» вроде Леры Ауэрбах (чем может, например, озадачить олимпиец Ноймайер). Безупречная партитура и культовые персонажи истории и литературы в контексте их историй любви, безусловно, и насыщают это явление, именуемое театром Бориса Эйфмана. А сложившийся альянс с художником Вячеславом Окуневым и сценографом Зиновием Марголиным помогает структурировать режиссерскую работу Эйфмана. Ассортиментная пышность костюмов вперемешку с полуобнаженным телом и движущиеся арматурные «квазистроительные» конструкции с явным геометрическим предпочтением к кругу предоставляют танцу пространство, чтобы быть вписанным в него экспрессивно и предельно ярко: театральность, чувство дансантного куража времени, кордебалетные «вакханалии», перемежающиеся с соло, дуэтами, трио лирического и драматического характера, – алгоритм режиссера танца… Запомнились кадры начала девяностых, когда у Бориса Эйфмана брали интервью посреди широкого и несравненного раздолья Большой Невы на фоне залитого солнцем шпиля Петропавловской крепости. Тогда Эйфман популярно объяснял, что в хореографии есть «берег дальний». И действительно, советские и российские балетные зрители собчаковского периода могли узреть новейшие веяния и тенденции в современном танце, которые Эйфман мастерски и виртуозно подавал. Лексика его базируется на классической пуантной технике, элементах акробатики, демонстрации обилия верхних поддержек (боковых, на одной руке, за шею), изнурительных шпагатов, больших шагов, раздиров, разнообразных «оттяжек», прыжков. Почерк автора подчеркнуто эротичен (тут и слабость к любовным треугольникам), хотя в последние годы Эйфман конформистски сам себя цензурирует, видимо, в соответствии с суровыми веяниями эпохи.


"Up & Down"

Автор созданного по крупицам своего авторского театра и Академии танца пребывает в канунном ожидании открытия персонального Дворца танца. «Родившийся в рубашке» счастливчик титаническим трудом, невероятным упорством и, безусловно, талантом сумел продраться через блокаду современного танца, прорубить архаичный лед незыблемых ленинградских балетных стандартов, недоверие чиновников, скептицизм публики и критики, обвинявшей его то в излишнем эротизме, то в пошлости и конъюктурности. Эйфман парировал обвинения в вульгарности: «Критики, вгрызаясь в мое тело и питаясь моей кровью, учатся писать. В конце концов эта кровь проникает в их гены, это процесс такой, любви и ненависти, очень взаимосвязанный процесс. Убежден, что пройдет немного времени, и эта диффузия произойдет, и мое понимание, моя боль, и моя душа проникнет к ним, и я стану частью их души». Он пробился и сквозь все это, завоевав приглашения и на такие великие сцены, как Мариинка и Большой. По крупицам он построил в 1977 году свою компанию ленинградский «Новый балет», преобразовав ее впоследствии в свой культурный проект – известный как Театр балета Бориса Эйфмана. Сорокалетняя история его детища не знала культурных катастроф: это был тернистый путь самоутверждения, творческого строительства и всестороннего создания своей репутации и презентационного реноме в балетном мире.


"По ту сторону греха". Олег Габышев - Дмитрий Карамазов, Дмитрий Фишер - Алексей Карамазов, Сергей Волобуев - Иван Карамазов

Эйфмановский театр стал отождествляться с захватывающим любовно-литературным сюжетом по грамотно выстроенному либретто на самодостаточные опусы гениальных композиторов. И главное, что перехватывает дыхание у зрителей повсюду, - это совершенный инструмент его творчества – ограненное до эталонного блеска мастерство его танцовщиков – от кордебалета до солистов. Мэтр скрупулезен не только в выборе литературного и музыкального материала. Он лепит, холит, взращивает своих артистов, отдавая предпочтение имеющим выгодные физические данные – стать и высокий рост, что всегда сценически смотрится эффектно и выгодно. В сравнении с академическими труппами значительно более малочисленный коллектив позволяет мастеру добиваться максимума в репетиционном зале и на сцене от каждого из подчиненных. А из солистов он снайперски точно вынимает психологически убедительные штрихи к запоминающимся портретам литературных героев.


"Анна Каренина"

Эйфман привез на юбилейные гастроли в Большой золотую коллекцию своих опусов, наиболее совершенных, с его точки зрения (кроме балетов «Красная Жизель» и «Чайковский. PRO et CONTRA»). «Русский Гамлет», «Евгений Онегин», «Анна Каренина», «По ту сторону греха» (по «Братьям Карамазовым» Достоевского), «Роден», «Up & Down» (по роману Фитцджеральда «Ночь нежна») озвучены великолепным интернациональным ассортиментом сливок мировой музыки – от Вагнера до Гершвина, от Чайковского и Рахманинова до Сати (список огромен)… Сам юбиляр в каждом спектакле выступил не только как хореавтор, но и как художник по свету в альянсе с Глебом Фильштинским. Главный исполнительский козырь – запредельная дисциплинарная отрепетированность кордебалета, сравнимая, пожалуй, лишь с четкостью выступлений кремлёвских курсантов на парадах.


"Роден, ее вечный идол". Олег Габышев - Роден, Любовь Андреева - Камилла, Дмитрий Лунев - Натурщик

Техническая отточенность каждой фразы и их энергичная подача требуют невероятной выносливости от танцовщиков, достойных самых бурных аплодисментов. Солистов труппы Эйфмана можно окрестить соратниками хореографа: они фантастически точно передают мельчайшие нюансы авторского стиля. Техничные, гибкие, готовые к любым пластическим и актерским метаморфозам Мария Абашова, Любовь Андреева, Олег Габышев – лучшие из лучших. Они обладают тем уровнем мастерства, который создает иллюзию легкости исполнения наитруднейших партий. Первоклассные Игорь Субботин, Сергей Волобуев, Дмитрий Крылов, Олег Марков, Леонид Леонтьев, Дмитрий Фишер, Александр Соловей представляют собой команду-ансамбль персон, равно владеющих и техническим мастерством, и актерской выразительностью. У каждого из них до блеска отшлифован и, главное, осмыслен любой жест, танцевальная фраза, образный характер роли, интонационные штрихи партнерского взаимодействия. А профессиональный уровень танцовщиков столь высок, что не оставляет ни малейшей вероятности и шансов для чего- либо подобного мандражным срывам на сцене или сырой неотрепетированности. Солисты творчески пребывают с Эйфманом на одной волне, резонансно выдавая отменное качество спектаклей с сочными красками исполнительских интерпретаций. А повышенный, даже накаленный эмоциональный фон произведений Эйфмана дает возможность танцовщикам с максимальной энергетической отдачей выпустить душевный пар, что особенно находит живой отклик у зрителей, поклонников балетных «экранизаций», а также сюжетных моностилистических вариаций на темы литературных произведений.

Фото Евгения Матвеева, Майкла Кури и Кудряшовой Ханы предоставлены пресс-службой Театра балета Бориса Эйфмана
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4  След.
Страница 3 из 4

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика