Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2017-07
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18670
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Июл 24, 2017 10:35 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017072402
Тема| Балет, Екатеринбургский государственный академический театр оперы и балета, Премьера
Автор| Анна Галайда
Заголовок| В балетной премьере Екатеринбургского оперного театра гармонично соседствуют XIX и XXI века
Событием вечера стала реанимация сюиты из балета «Наяда и рыбак»

Где опубликовано| © Газета "Ведомости"
Дата публикации| 2017-07-24
Ссылка| https://www.vedomosti.ru/lifestyle/articles/2017/07/24/725462-premere-ekaterinburgskogo-teatra
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Настоящий пример, как превратить в фейерверк ограниченный набор па, дала реанимация сюиты из балета «Наяда и рыбак»
Екатеринбургский государственный академический театр оперы и балета


В программу вошло три новинки. Две из них – старт на большой профессиональной сцене Игоря Булыцына и Софьи Лыткиной. Появление их работ в репертуаре стало результатом пятилетней деятельности местной «Dance-платформы», созданной для поиска молодых хореографов.

Лыткина выбрала Концерт для четырех клавесинов, струнных и континуо Баха. В эту музыку она встроила традиционную балетную форму «падекатр». Четверка танцовщиков в начале балета образует пластический квадрат, постепенно превращается в гирлянду, разбивается на пары, частично отказывается от пуантового танца, чтобы в финале вновь обрести строгую геометрическую форму.

«Увертюра» Булыцына на музыку увертюры Сальери к опере «Катилина» оказалась классическим па-де-де, парадный стиль которого декларирован синей пачкой балерины и синим же колетом партнера. Доверившись хрестоматийной форме, хореограф бросил силы на то, чтобы танец соответствовал торжествующей мощи музыки, ее оркестровому блеску. Диане Еремеевой и Кириллу Попову удалось передать и соревновательный кураж постановщика, и его желание блеснуть необычными поддержками и оригинальными связками комбинаций.
А настоящий пример, как превратить в фейерверк ограниченный набор па, дала реанимация сюиты из балета «Наяда и рыбак». Знаток классического наследия Юрий Бурлака выбрал версию Александра Ширяева 1903 г. Из истории любви морской девы к сицилийскому рыбаку он взял первый акт: появление Наяды, ее дуэт с Маттео и деревенский праздник, а также легендарный танец героини со своей тенью, которую она обретает, вымолив у богов человеческую душу, из третьего действия.

Чтобы возродить старинный спектакль, неприхотливую музыку Цезаря Пуни заново оркестровал Александр Троицкий, декорации по мотивам балета Мариинского театра создал художник Андрей Войтенко, костюмы – Татьяна Ногинова. Этих «Наяду и рыбака» нельзя назвать реконструкцией. Но постановка воссоздает поэтичность балета, родившегося в эпоху романтизма.
Этот микст стилей вызывает в памяти образы не только Перро и Петипа, но и хореографов той же эпохи Артюра Сен-Леона и Августа Бурнонвиля. Он оказался к лицу екатеринбургской труппе, в последние годы танцующей датские «Консерваторию» и «Ярмарку в Брюгге» наряду с «Тщетной предосторожностью», отсылающей к Петипа. Большой крестьянский па д’аксьон с его танцами кордебалета, двойками корифеев и корифеек, солистов и солисток, чьи танцы порой не уступают по сложности номерам ведущих солистов, позволяет разглядеть все слои труппы, в которой есть настоящие виртуозы Томоха Терада и Игорь Булыцын. И все же «Наяда и рыбак» стали презентацией новых солистов – обладателей точнейших и стремительных ног пермской выучки Надежды Ивановой, исполнившей партию брошенной невесты Джианнины, и Алексея Селиверстова – Маттео. А Мария Михеева, вышившая кружева многочастной вариации Наяды, деликатно предъявила права на романтический репертуар труппы.

Екатеринбург


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пн Авг 21, 2017 10:33 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18670
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Июл 24, 2017 3:59 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017072403
Тема| Балет, Гастроли в Лондоне
Автор| Анна Галайда
Заголовок| Мариинский театр выступит с традиционными гастролям в Лондоне
Где опубликовано| © Российская Газета
Дата публикации| 2017-07-24
Ссылка| https://rg.ru/2017/07/24/mariinskij-teatr-vystupit-s-tradicionnymi-gastroliam-v-londone.html
Аннотация| ГАСТРОЛИ

Англичане, больше всего в жизни чтущие традиции, уже больше полувека летом принимают в своем Королевском театре Covent Garden русский балет. Гастроли Большого или Мариинского - такая же часть летнего сезона, как июньские скачки в Аскоте. Выступления обычно начинаются в последние дни июля и продолжаются три недели.
В этом году нести службу в Королевском театре - очередь Мариинского балета. Как это сложилось с первых гастролей Мариинского (тогда еще Кировского) балета в Лондоне в 1961 году, гастроли организовывают Виктор и Лилиан Хоххаузеры, за полвека досконально изучившие вкусы своего зрителя. В пяти программах Мариинского балета, как всегда, преобладает классика - то, что по многолетней привычке ждет от русских артистов мир.


Маленькой сенсацией этого летнего сезона выглядит решение открыть его "Дон Кихотом" - визитной карточкой Большого. Но выступление Виктории Терешкиной должно стать ответом всем скептикам - это одна из лучших исполнительниц партии Китри в мире. К тому же партия Базиля дает возможность презентовать ровный ряд солистов-мужчин: Кимина Кима, Филиппа Степина, Владимира Шклярова, Андрея Ермакова, Тимура Аскерова, - преимущественно новое поколение премьеров.

Вероятно, "Лебединое озеро" в редакции Константина Сергеева англичане видели не намного меньше, чем петербуржцы: в разные эпохи его танцевали там Наталья Дудинская, Наталья Макарова, Ульяна Лопаткина, а на этот раз эмблему русского балета представят Виктория Терешкина, Екатерина Кондаурова, Оксана Скорик - звезды нынешнего поколения. Покажут в Covent Garden и другой великий классический балет, родившийся в Петербурге, - "Баядерку", позволяющую блеснуть не только солистам всех рангов, но и уникальному кордебалету Мариинского театра.

Гран па из балета "Пахита", еще один 150-летний шедевр Мариуса Петипа, вошел в программу "Контрасты", где будет соседствовать с "Кармен-сюитой" Альберто Алонсо и "Инфрой" британца Уэйна Макгрегора, родившейся как раз на сцене Covent Garden. Это, вероятно, самая рискованная для организаторов тура программа, и ее покажут всего дважды. Но внимание к ней гарантировано благодаря участию Дианы Вишневой, Виктории Терешкиной и Екатерины Кондауровой, рядом с которыми выступят Надежда Батоева, Рената Шакирова, Роман Беляков - новое поколение танцовщиков, которое Лондону только предстоит узнать.

Только дважды (против восьми "Лебединых озер") пройдет и "Анна Каренина" Алексея Ратманского, чью "Золушку" и Concerto DSCH Мариинский театр показывал в Лондоне во время предыдущего сезона три года назад. В партии Вронского предстанет Ксандер Париш - воспитанник школы Королевского балета Великобритании, в родной труппе не продвинувшийся дальше стояния с канделябрами, а в Мариинском театре превратившийся в патентованного принца и благодаря этому ставший культовым персонажем на британских островах. Лондонские зрители и критики вообще умеют поднимать выдающиеся таланты в эмпиреи - как они это проделали несколько лет назад на гастролях Большого театра с Натальей Осиповой. Есть шанс и у петербургских танцовщиков.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18670
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июл 25, 2017 11:11 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017072501
Тема| Балет, «Ла Скала, Реконструкция, Персоналии, Алексей Ратманский
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| Архивные лебеди
Алексей Ратманский восстановил историческую хореографию Петипа

Где опубликовано| © Газета "Коммерсантъ" №133, стр. 11
Дата публикации| 2017-07-25
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/3366125
Аннотация|


Фото: Marco Brescia and Rudy Amisano/Teatro alla Scala


Балетная труппа театра «Ла Скала» завершила летний сезон показом «Лебединого озера», реконструированного Алексеем Ратманским по архивным записям Николая Сергеева. Из Милана — Татьяна Кузнецова.


Алексей Ратманский увлекся реконструкциями не так давно. Его первый научный эксперимент — трехактная «Пахита» — увидел свет в Мюнхене в 2014 году, в 2015-м в Нью-Йорке явилась «Спящая красавица», в 2016-м Цюрих представил «Лебединое озеро». «Ла Скала» оказался вторым в очереди, получив в свое распоряжение точную копию швейцарского спектакля.

Оригинальный хореограф с мировым именем оказался настоящим книжным червем: он педантично расшифровывает закорючки нотации, изобретенной в XIX веке, восстанавливает стремительные исходные темпы, проникает в логику танцевального мышления Мариуса Петипа и успешно прививает артистам манеру танца прапрабабушек и прапрадедушек. Этот тип танцевания, трогательный и грациозный, с иной техникой и иными правилами, поразил аутентичностью еще в «Пахите» — в отличие от декораций и костюмов (в «Лебедином» их автор Жером Каплан), которым хореограф не придает особого значения. А жаль: все эти вращения на полупальцах, «итальянские» прыжочки с присогнутыми коленями, ограничение высоты ног в адажио, поворотливые па-де-бурре и округлые ручки требуют старинной оправы, к которой так трепетно относился покойный Сергей Вихарев, первым из россиян реконструировавший балеты Петипа. В «Лебедином» Ратманского на оформление лучше закрыть глаза (впрочем, длинные пачки лебедей у Каплана вышли удачными); на первый план тут выходит хореография Петипа и Иванова — те эпизоды, что были утрачены за 120 лет жизни спектакля.

Это, конечно, предмет для диссертации. Однако даже неофит почувствует, как стремительно и увлекательно пролетает первая картина — день совершеннолетия принца Зигфрида, который обычно выглядит затянувшейся разминкой перед знаменитым лебединым актом. Заслуга Ратманского — в реконструкции грандиозного вальса поселян со всеми его старинными атрибутами. С табуретами, позволяющими фиксировать затейливые двухуровневые композиции, с увитым лентами майским деревом, позаимствованным рачительным Петипа из старинной «Тщетной предосторожности», с расчетливыми приливами и отливами кордебалетных масс. Правда, в той же картине оруженосец принца Бенно выдает подозрительного «козла» в своей вариации (jete en tournant с опрокинутым корпусом появились на свет значительно позже), режет глаз мельтешня па-де-басков на торжественную музыку полонеза, да и восстановленное па-де-труа Петипа явно уступает шедевру Горского (равно как и танец невест из третьей картины). Однако анахронизмы не отменяют общего впечатления цельности, а несовершенства отдельных фрагментов придают большей человечности самому Мариусу Петипа — хореографу, конечно, гениальному, однако знавшему и обычную творческую усталость.

Для русского глаза самыми непривычными выглядят «белые» акты — начиная с главной лебединой позы. Вообще-то многие знают, что «гуся» придумала в Ленинграде Агриппина Ваганова в начале 1930-х, так что неудивительно, что вытянутую вверх руку с отогнутой «клювом» кистью заменили крендельки рук, скрещенных над головой, под которыми прячут головки испуганные лебеди. Поза эта выглядит женственнее и трепетнее, убедительны также смятенные перестроения кордебалетных масс и дети-лебедята, занявшие своим танцем обычно голый центр сцены в главном вальсе лебедей. Логичным кажется и исторический факт участия оруженосца в лирическом адажио Зигфрида и Одетты: Бенно ненавязчиво подставляет крепкую руку или плечо, чтобы принц мог лучше разглядеть свою избранницу. Смущают разве что охотники, то и дело выскакивающие из-за кулис со своими арбалетами,— периодически они застывают статуями, а лебеди мирно укладывают головы им на плечо.

Труппа «Ла Скала» пока еще хранит следы академической муштры худрука Махара Вазиева, покинувшего ее ради Большого театра. Кордебалет держит линии и ракурсы, тройки-двойки-четверки солистов стараются работать синхронно и ровно. Принц (Клаудио Ковьелло — выдвиженец русского директора) танцует с благовоспитанной чистотой и с той же аккуратностью выражает положенные чувства. Его партнерша, сицилианка Виттория Валерио в роли Одетты-Одиллии (которая в этой версии вовсе не волшебница, а просто женщина, похожая на принцессу лебедей), актерствует за двоих: она умудряется быть пылкой и естественной даже в строго регламентированной пантомиме. Не говоря уже о хореографии, которую ее породистые ноги с поразительно красивой, идеально выворотной стопой выписывают с каллиграфической изысканностью. Увы, таким изящным ногам обычно не хватает силы: 32 фуэте, придуманные в позапрошлом столетии итальянкой Леньяни и исполненные ею на премьере «Лебединого» в Петербурге, Виттория Валерио открутила так потрясенно, будто этот трюк ей все еще в диковинку. Что, в сущности, тоже стало убедительным штрихом этой реконструкции, которую никогда не поставят в России: советские версии главного отечественного балета не допускают иных эстетических вариантов.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пн Авг 21, 2017 10:36 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18670
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июл 25, 2017 12:40 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017072502
Тема| Балет, Летние Балетные Сезоны, Compagnia Nazionale di R. Paganini, Персоналии, Луиджи Мартеллета
Автор| Татьяна Бутурлина
Заголовок| Луиджи Мартеллета: О Летних сезонах в России и современном прочтении русской классики
Где опубликовано| © "Русская планета"
Дата публикации| 2017-07-23
Ссылка| http://rusplt.ru/sub/culture/luidji-martelleta-letnih-30263.html
Аннотация|



Летние Балетные Сезоны, открывшиеся этим летом в Российском академическом Молодежном театре, из года в год удивляют зрителя интересными и нестандартными прочтениями классики.

По словам организатора «Летних балетных сезонов», художественного руководителя Аллы Немодрук, всего, за 16 лет, спектакли «Летних балетных сезонов» посетили более 600 000 человек и это большое достижение в плане популяризации балета в целом.

Изначально этот проект задумывался в основном для иностранных туристов, посещающих Москву после закрытия театрально-концертного сезона. Но жители столицы проявили к летним спектаклям не меньший интерес, и очень скоро «Сезоны» стали заметным событием, а теперь уже и доброй традицией культурной жизни летней Москвы.

Надо отметить, что в «Сезонах - 2017» участвуют не только российские коллективы, но и солисты парижской Гранд Опера и знаменитая итальянская балетная труппа Compagnia Nazionale di R. Paganini.

Основанная в 2006 году, труппа, под руководством римского танцовщика и хореографа Луиджи Мартеллета представит в августе современное прочтение жемчужины российского и мирового балета «Лебединое озеро».

Луиджи отмечает, что главная миссия его коллектива – познакомить публику с искусством движения, вдохновленным классической базой и дополненным нео - классикой и современными направлениями.

«Для меня большая честь представить свои спектакли в таком престижном проекте, как «Летние балетные сезоны» в России, которую я считаю родиной танца, балетного искусства.

Кроме неоклассической версии «Лебединого озера», мы привезли и второй спектакль «От танго до болеро» - пластические истории о любви и дружбе, ревности и предательстве – обо всем, что каждый испытал хотя бы раз.


Сразу отмечу, что идея поставить «Лебединое озеро» преследовала меня в течение многих лет. Будучи ведущим солистом балетной труппы Римской Оперы, а также других итальянских и европейских театров, я неоднократно исполнял главную партию в балете и хорошо изучил его.

Для данной постановки мы, прежде всего, убрали язык жестов, пантомиму и некоторые «тяжелые» фрагменты классического исполнения, – что сделало хореографию спектакля легче, но не лишило его классической выразительности.

Лучшими танцовщиками для меня всегда оставались представители вашей страны. На первом месте – несомненно, Рудольф Нуреев – именно он изменил отношение, восприятие танцоров-мужчин в классическом танце; на втором - Михаил Барышников – из-за его техники, и на третьем – великолепный Владимир Васильев.

По моему мнению, современный балет отличает скорость выполнения и простота понимания, в нем много энергии, техники, динамики и нет места для манерности и пантомимы.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18670
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июл 25, 2017 6:42 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017072503
Тема| Балет, Фестиваль балетного искусства в Уфе, Персоналии,
Автор| Людмила Лаврова
Заголовок| Накал страстей по-нуреевски
Итоги XXI Международного фестиваля балетного искусства имени Рудольфа Нуреева

Где опубликовано| © портал "Музыкальные сезоны"
Дата публикации| 2017-07-25
Ссылка| http://musicseasons.org/nakal-strastej-po-nureevski/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ


«Лебединое озеро». Принц — И. Зайцев, Одетта — Е. Борченко

Удивительная всё-таки «вещь» ‒ перекличка времён и имён! Мог ли подумать маленький уфимец Рудик Нуреев, чьи дошкольные годы пришлись на Великую Отечественную войну, что он не только будет танцевать на сцене Башкирского театра оперы и балета, но станет одним из самых известных балетных танцовщиков мира? Но в годы войны слово «мир» для маленького ребенка, да и для взрослых тоже, означало, прежде всего, прекращение войны, т. е. победу в ней. А «мир» в значении «страны планеты Земля» покорился взрослому Рудольфу – мало кому из балетных артистов довелось купаться в такой славе, какая досталась Нурееву. Но земной славы ему, видимо, было недостаточно, недаром же он говорил о себе: «Я умру полубогом». Может, он был полубогом при жизни, а после смерти для балетного мира стал абсолютным божеством.

В России именем Рудольфа Нуреева названы целых два международных фестиваля: Фестиваль классического балета в Казани и Фестиваль балетного искусства в Уфе. Мой рассказ будет об уфимском фестивале, который в этом году проходил уже в 21-й раз. Его программа состояла из балетов, в которых танцевал великий Руди, ‒ «Лебединое озеро», «Баядерка», «Корсар» и особая гордость Башкирского театра оперы и балета, хозяина фестиваля, ‒ национальный башкирский балет «Журавлиная песнь», который оказался первым балетным представлением, увиденным семилетним Рудиком. Этот же балет стал первым спектаклем (уж совпадение или нет), где юный Рудольф станцевал сольную партию, небольшую и несложную, ‒ танец джигита с шестом, но она стала для начинающего танцовщика судьбоносной. В 1955 году на Декаде башкирской литературы и искусства в Москве, куда уфимский театр привез свою «Песнь», Нуреева заметили педагоги Ленинградского хореографического училища имени Вагановой и рекомендовали его для поступления на учёбу – высокий старт был дан.

Новинка фестивальной программы ‒ участие в ней двух приглашённых театров оперы и балета – екатеринбургского и челябинского. Екатеринбуржцы привезли «Ромео и Джульетту» Сергея Прокофьева (хореограф Вячеслав Самодуров), а челябинцы – «Эсмеральду» Цезаря Пуни в бессмертной хореографии Мариуса Петипа (новая редакция Юрия Бурлаки). Участие в фестивале не только приглашённых солистов, а целых театральных коллективов – большое событие для любого фестиваля, и не каждый фестиваль может себе такое позволить. Другой вопрос – качество привезённых спектаклей. В постановке Самодурова трудно узнать классических Ромео (Александр Меркушев) и Джульетту (Екатерина Сапогова), скорее, это история, скажем так, о Роме и Жене. В третьем акте танцев практически нет, одна пантомима, но здесь нельзя не отдать должное актёрскому таланту Екатерины Сапоговой. Костюмы Ирэны Белоусовой – под стать хореографии: невнятные, «без роду и племени». Странное решение: на лифах женских платьев – фотопечать картин итальянских мастеров эпохи Возрождения (следует из программки). Разглядеть эти крошечные принты из зала невозможно, даже из 4 ряда, где я сидела. Зачем тогда они? В любом случае, эти принты не заменят полноценные костюмы, отвечающие стилю эпохи. Декорации – покосившиеся полукруглые ярусные галереи из металлических прутьев кровавого цвета напоминают не Верону, а тюремный дворик, на галереях-переходах которого вот-вот покажутся охранники с ротвейлерами (художник-постановщик – Энтони Макилуэйн). Единственный, кто доносил до зрителей изначальную суть балета, был оркестр под управлением дирижёра Большого театра и главного дирижёра Екатеринбургского театра оперы и балета Павла Клиничева.

«Эсмеральда»Челябинского академического театра оперы и балета – изумительно красивый спектакль (сценография Дмитрия Чебарджи, художник по костюмам Татьяна Ногинова (с использованием эскизов И. Всеволожского (1899)). Именно такой красоты декораций и костюмов публика и ожидает от старинных балетов, а, впрочем, – от любых. Ведущие солисты ‒ Екатерина Хомкина-Сафронова (Эсмеральда), Дарья Демченко (Флер ле Лис) и Алексей Сафронов (Феб де Шатопер) были вполне на уровне, а в целом, челябинской труппе есть в чём совершенствоваться.

Открылся фестиваль долгожданной «Журавлиной песнью». Этот балет создавался в 1940-х годах. Музыку к нему написал Лев Степанов, а консультантом Степанова по башкирскому фольклору стал молодой композитор Загир Исмагилов. В результате этого сотрудничества получилась замечательная музыка, в которой народные мелодии облечены в симфоническую форму и главные герои имеют яркую музыкальную характеристику — каждый свою. Либретто на основе башкирских легенд создал знаменитый танцовщик Файзи Гаскаров. Юноша Юмагул (премьер Башкирского театра Ильдар Маняпов) любуется природой на лесной поляне. В небе пролетает стая журавлей и Юмагул следит за их полётом, наигрывая на курае журавлиную песню. Услышав дивную мелодию, птицы опускаются на поляну и начинают танцевать. Юмагул присоединяется к ним. Появляется Зайтунгуль (прима-балерина Башкирского театра Гульсина Мавлюкасова), Юмагул объясняется ей в любви. Вдруг, как смерч, на поляну влетают охотники под предводительством Арсланбая (Сергей Бикбулатов) и начинают стрелять журавлей. Зайтунгуль и Юмагул находят подранка и помогают ему взлететь. Отец Зайтунгуль Абрай (Ромен Хурматуллин) хочет выдать её замуж за богатого Арсланбая. Но старейшина (Вячеслав Журавлёв) требует исполнения старинного обычая – соревнования джигитов за право взять в жёны красивую девушку. Юмагул побеждает Арсланбая, но тот коварно наносит ему рану, а его слуги оттаскивают раненого подальше в лес. Зайтунгуль готовят к свадьбе с Арсланбаем, но во время налетевшей бури ей удаётся убежать. Привязанного в лесу к дереву Юмагула освобождают журавли, и тут его находит Зайтугуль. Но в этот момент беглянку настигает неудавшийся жених, которого убивает вступивший с ним в схватку Юмагул.

Поставила балет Нина Анисимова, балетмейстер Ленинградского театра оперы и балета имени С. М. Кирова (сейчас – Мариинский театр), а учесть национальные аспекты ей, помимо Файзи Гаскарова, помогал первый исполнитель партии Юмагула Халиф Сафиуллин. Премьера состоялась в 1944 году и была приурочена к 25-летию Башкирской АССР.

Обновлённая версия балета идёт в редакции Шамиля Терегулова (постановка его же) и хореография эта удивительна разнообразием: у каждого действующего лица, а не только у главных героев – уникальный и узнаваемый образ. Изысканны танцы журавлей, но особенно впечатляет их «походка» ‒ именно так эти чудесные птицы переставляют ноги! Поразительно, как хореографу удалось перевести характер движений, присущий журавлям, в классический танец! В спектакле гармонично сочетаются стилизованные башкирские народные и обрядовые танцы и классический балет. Очень выразителен танец охотников: группа во главе с Арсланбаем в башкирских народных костюмах и шапках, отороченных куницей, как ураган, влетает на поляну и начинает свой огнедышащий танец. По мощи, напору, бешеной энергетике и темпу этот танец напоминает «Половецкие пляски» из оперы Бородина «Князь Игорь». В классической части балета – великолепные адажио, интересные поддержки, нежные сольные танцы Зайтунгуль, воздушный «журавлиный» кордебалет. Сценография великолепна, за что браво-брависсимо художнику Рифхату Арсланову. Здесь и башкирские пейзажи с лесом, рекой и горами, и роскошная «настоящая» юрта богача Арсланбая, и необыкновенное многообразие башкирских народных костюмов, как женских, так и мужских, и очень трогательные костюмы журавлей. Словом, красота и ещё раз красота. Щемящая сцена во II акте, когда Зайтунгуль готовят к свадьбе с Арсланбаем, она очень грустно танцует в кругу своих подруг и в это время в небе пролетает видео-клин журавлей, а оркестр издает «журавлиный клич» (дирижёр-постановщик – Марат Ахмет-Зарипов).

«Журавлиная песнь» ‒ спектакль-долгожитель, а долгожителями являются только постановки, востребованные публикой. Так что не удивительно, что он поразил семилетнего Рудика Нуреева, и уже 73 года радует зрителей всех возрастов. Символично, что в тот день, когда маленький Нуреев попал на «Песнь», партию Зайтунгуль исполняла легендарная башкирская балерина, Народная артистка СССР Зайтуна Насретдинова. Балетный критик Рене Сирвен писал: «Париж не имел счастья аплодировать госпоже Насретдиновой. Но её знает весь мир, благодаря восхищению Рудольфа Нуреева её мастерством». К слову, во время фестиваля на могиле, где похоронена Насретдинова, открыли ей памятник, на котором изображен клин летящих журавлей.

В «Лебедином озере» (постановка Юрия Григоровича, сценография Симона Вирсаладзе) блистали солисты Михайловского театра Екатерина Борченко (Одетта-Одиллия) и Иван Зайцев (Принц). Борченко – балерина с богатыми природными данными: тоненькая, с великолепными «лебедиными» руками, красотой линий и воздушной лёгкостью. Её Одетта была очень нежная, благородная, настоящая королева лебедей. Удивительно, как Екатерина сумела тут же перевоплотиться в темпераментную, энергичную, напористую и властную Одиллию. Одетте-Одиллии очень повезло с Принцем. Иван Зайцев – элегантный, поэтичный, музыкальный, легко танцующий, у него все движения как будто сами по себе делаются, при этом он прекрасный партнёр. И Зайцеву, и Борченко, продемонстрировавшим отличную школу, очень шли эти образы. Но невозможно обойти вниманием и солиста башкирской труппы Андрея Брынцева. Его весёлый, задорный и немного грустный Шут впечатлил прыжками и пируэтами.

В «Баядерке» (балетмейстер-постановщик Шамиль Терегулов, художник Дмитрий Чебарджи) Никию исполнила солистка Большого театра Дарья Хохлова. Претензий по исполнению к Дарье нет, однако же, её «перетанцевала» в менее крупной партии Гамзатти прима-балерина Башкирского театра Гульсина Мавлюкасова. Великолепным Солором – и по технике, и по актёрской выразительности ‒ был премьер башкирской труппы Рустам Исхаков. Блистали в искромётном индусском танце коллеги Гульсины и Рустама по труппе Адель Овчинникова и Сергей Бикбулатов. Обратил на себя внимание в маленькой партии факира Магдаваи Тагир Тагиров (тоже Башкирский театр). Золотого божка исполнил ведущий солист Национального театра Словакии Артемий Пыжов, очень фактурный и техничный танцовщик среднего роста, но в спектакле его Божок казался гигантским – вот она, магия сцены!

Завораживающе потусторонними были тени в III акте, где во всей красе продемонстрировал своё искусство высококлассный кордебалет Башкирского театра. Во многих театрах Европы «Баядерка» идёт без акта «Тени», т.к. далеко не в каждом театре есть достаточно многочисленный кордебалет высокого уровня, способный исполнить непростую хореографию теней. Так что башкирская труппа во главе с художественным руководителем балета Леонорой Куватовой может гордиться собой, а мы – ею.

В красивейшем спектакле «Корсар» (хореограф-постановщик Юрий Григорович, художник-постановщик Николай Шаронов) с «настоящим» деревянным кораблём, с ветром, бьющимся в парусах, с пенящимися бирюзовыми волнами Конрада и Медору танцевали солисты Большого театра Артемий Беляков и Ангелина Карпова. Всё вроде бы хорошо, но не могу сказать, что глядя на них, сердце замирало. В картине «Оживлённый сад» сольную вариацию Петуньи танцевала молодая артистка башкирской труппы Белла Оздоева в изумительном костюме «настоящего» цветка бордово-свекольного цвета. Запомнились необычность партии, образа, костюма и, конечно, исполнение.

Завершился балетный форум поистине грандиозным гала-концертом, в котором блистали солисты из разных театров мира.



Фото Андрея Коротнева

=====================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18670
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июл 25, 2017 6:58 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017072504
Тема| Балет, Нью-Йорк Сити балет, Парижская опера, Большой театр, Персоналии, Джордж Баланчин
Автор| Alastair Macaulay
Заголовок| «Драгоценности» Баланчина — Москва, Париж, Нью-Йорк
Где опубликовано| © портал "Музыкальные сезоны"
Дата публикации| 2017-07-25
Ссылка| http://musicseasons.org/dragocennosti-balanchina-2/
Аннотация|

Зеленый! Красный! Белый! С каким наслаждением можно было наблюдать в прошедший четверг (уже по окончании постановки «Драгоценностей» Баланчина в рамках фестиваля в Линкольн-центре) за танцорами балетной труппы Парижской оперы, исполнявшими «Изумруды», а также артистами Большого театра в постановке «Бриллиантов». Три цвета осветили сцену театра имени Дэвида Коха, в котором 50 лет назад (тогда он назывался Государственный театр города Нью-Йорк) состоялась премьера «Драгоценностей».


Ольга Смирнова и Семен Чудин. «Бриллианты»

Три цвета слились на сцене воедино, получилось нечто вроде триколора. Они —отражение трех стран, которые были наиболее близки американскому хореографу. Балетное образование он получил в России, но ему пришлось покинуть страну в 1924 году; своей зрелости он достиг во Франции, сотрудничая с Сергеем Дягилевым; в Нью-Йорке он вместе с Линкольном Кирштейном в 1933 году основал Школу американского балета, а в 1948 году — Нью-Йорк Сити балет.

«Изумруды» на музыку Форе уже давно признаны символом Франции в трилогии Баланчина; «Рубины» на музыку Стравинского — отражение сути Нью-Йорка, его бешеной скорости, бесконечной толчеи и вечно молодого города. Именно Нью-Йорка, а не всей нации. «Бриллианты» на музыку Чайковского — аллегория бескрайних сельских просторов и монументальных городов России. Обычно в постановке всех трех частей участвует одна и та же труппа, демонстрируя, сколь отличны они друг от друга. Такому подходу, как правило, следуют постановщики во всех уголках планеты. Но особые даты требуют особых празднеств.

До самого воскресенья публика только и будет что обсуждать выступления всех трех трупп: труппы Большого и Сити балета по очереди участвуют в постановке «Рубинов» и «Бриллиантов», труппа Большого также чередуется с труппой Парижской оперы. Выступление примы Ольги Смирновой в «Бриллиантах» — лучшая иллюстрация того, зачем вообще стоит проводить подобные фестивали. Ведущие танцоры Нью-Йорк Сити балета Мэган Фэрчайлд, Хоакин де Лус и Тереза Райхлен показали высокий класс «принимающей стороны».

Между Большим и Сити балетом много общего в стиле исполнения: размеренный темп, роскошная текстура, сложная с технической точки зрения танцевальная составляющая. Щегольская манера Парижской школы куда меньше подходит для исполнения работ Баланчина, особенно когда танец становится прерывистым и перестает следовать в такт музыке (танцору нужно то слегка задерживаться на музыкальных переходах, то с легкостью и изяществом переходить к следующему движению вслед за музыкой). «Изумруды», хоть и есть в них что-то французское, едва ли напоминают о Париже — скорее о просеке где-нибудь в Фонтенбло; между тем танцоры придают постановке «городской» лоск.

Ольга Смирнова, которой еще предстоит долгое будущее в мире балета, впервые участвовала в постановке «Бриллиантов» в 2012 году, в самом начале своей карьеры. За это время она отточила и линии рук, и движения головы и ног. Она замечательно исполняет роль с начала — в духе романтизма и загадочности, и до конца, когда музыка приобретает несколько более торжественный оттенок. Ее партнер Семен Чудин также продемонстрировал гораздо большую уверенность по сравнению с его предыдущим выступлением в Нью-Йорке три года назад.

Яркое впечатление оставило изящное выступление Терезы Райхлен в сольной партии в постановке «Рубинов», очаровательное и вместе с тем напористое исполнение Хоакина де Луса также не осталось без внимания публики. Но настоящим сюрпризом фестиваля оказалась Мэган Фэрчайлд. Как и в других недавних своих выступлениях, она словно расцвела на сцене: в ее образах видна зрелая, уверенная в себе личность, в то же время не лишенная азарта и остроумия.

Едва ли кто-либо из современных хореографов работал над созданием свободной от сюжета и совершенно самодостаточной хореографии больше, чем Баланчин. Его лучшие работы, несомненно, закрепили за ним статус выдающегося драматурга, использующего язык балета. И не пытайтесь увидеть здесь противоречие: в его опусах нет сюжета, но они наполнены драмой. «Драгоценности» часто называют первым полнометражным абстрактным балетом, однако его высокий уровень станет еще более очевидным, если зритель поймет, что в этот балет автор на самом деле заложил множество историй, ситуаций и даже целых миров. Три его части, хотя и не похожи друг на друга, тесно связаны одна с другой, в том числе общими деталями. В каждой части многократно используется одна и та же хореографическая фигура: танцоры начинают движение из позиции чуть наклонившись вперед и делают широкий жест с наклонением корпуса назад. В каждой из частей обязательно присутствует па-де-де.

Европейские труппы, сохранив первоначальную цветовую гамму постановки, тем не менее привезли свои костюмы от Кристиана Лакруа («Изумруды») и Елены Зайцевой («Бриллианты»). Труппа Нью-Йорк Сити балета отдала предпочтение оригинальным костюмам Каринской; вполне вероятно, что местная публика будет не в восторге от «новых веяний» трупп из Москвы и Парижа (зеленовато-голубые костюмы от Лакруа особенно выбиваются из общей картинки).

Впрочем, с тем же непониманием публика, вероятно, воспримет декорации, используемые в постановке Сити балетом (они были созданы в 2004 году Питером Харви и по сравнению с первоначальной версией 1967 года, которая столь органично смотрится в постановках Мариинского театра, выглядят несколько вульгарно). Подозреваю, что при тщательном изучении обнаружится, что Парижская опера и Большой исполняют «Изумруды» и «Бриллианты» с некоторыми расхождениями по тексту в сравнении с Сити балетом.

«Драгоценности» уже давно являются идеальным «введением» в мир поэзии балета; однако лишь в этом столетии они вошли в международный репертуар. Под финальные овации публики на сцене в четверг собрались все три труппы и их руководители Орели Дюпон (Париж), Питер Мартинс (Нью-Йорк) и Махар Вазиев (Москва) — настоящее «entente cordiale».



Перевод: Марат Абзалов

Источник: https://www.nytimes.com/2017/07/21/arts/dance/balanchine-jewels-lincoln-center-festival-city-ballet-bolshoi-paris-opera-ballet.html


============================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18670
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июл 25, 2017 7:32 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017072505
Тема| Балет, Большой театр, XIII Московский международный конкурс артистов балета и хореографов
Автор| Валерий Иванов
Заголовок| Балетные страсти в Большом театре
Где опубликовано| © «Парк Гагарина»
Дата публикации| 2017-07-25
Ссылка| http://parkgagarina.info/index.php/kultura/25755-baletnye-strasti-v-bolshom-teatre.html
Аннотация| КОНКУРС

В Москве прошел XIII Международный конкурс артистов балета и хореографов. Этот конкурс, который проводится с интервалом четыре года, — престижнейшее творческое соревнование мирового масштаба.


Денис Захаров и Елизавета Кокорева. Фото Игоря Захаркина


Родившийся в далеком 1969 году в пору царившего тогда в СССР общего гражданского и духовного подъема, конкурс уцелел в череде бурных социальных и экономических катаклизмов последних десятилетий. Сегодня он является по существу одной из немногих по-настоящему масштабных и значимых акций, свидетельствующих о преемственности культурных традиций в нашей стране.

Прописанному в столице советского государства этому международному конкурсу изначально надлежало быть «самым-самым» по всем своим показателям, и руководство страны, нужно сказать, ревниво пеклось о поддержании его престижа. Ныне многое изменилось. Ушли в прошлое тщательные предконкурсные просмотры и «штудии» наших участников: раньше к соревнованиям допускались только лучшие из лучших. Зато в самой программе соревнований появилось много нового. Конкурс стал более открытым для современных веяний в искусстве танца. Начиная с девятого конкурса 2001 года его полноправными участниками стали хореографы, а конкурсанты-танцовщики теперь соревнуются в двух возрастных группах: младшей – 14-18 и старшей – 19-26 лет.

Московский балетный конкурс навсегда связан с именем великой Галины Улановой, возглавлявшей жюри самого первого конкурса. У его истоков — Игорь Моисеев и Ольга Лепешинская. Подобно магниту конкурс притягивает легендарных мастеров мирового хореографического искусства. В разные годы в его жюри были Марина Семенова и Иветт Шовире, Майя Плисецкая и Алисия Алонсо, Роберт Джоффри, Джером Робинс, Константин Сергеев.

Мне посчастливилось быть на всех без исключения московских балетных конкурсах. Каждый из них имел свою «особинку» и ни один не избежал шквала разноречивых отзывов и суждений. Что говорить, многие нарекания были вполне справедливыми: долгие годы наша страна жила за железным занавесом, до нас практически не доходили искания современных хореографов. Да и жюри подчас не удавалось избежать предвзятости оценок. Тем не менее безусловным фактом является то, что каждый конкурс открывал имена танцовщиков, которые становились украшением не только отечественной, но и мировой сцены.

В череде золотых лауреатов неистовый Александр Годунов и классичный Вячеслав Гордеев (1973 год), несравненная Нина Ананиашвили и темпераментный Вадим Писарев (1985 год). Не забыть, каким безудержным вихрем ворвался на сцену Большого театра, мгновенно покорив московскую публику, аргентинец Хулио Бокка (1985 год). А еще были изысканнейший Владимир Малахов (1989 год), моторный японец Морихото Ивата (1993 год), безупречно гармоничный Николай Цискаридзе (1997 год), трепетная Евгения Образцова (2005 год).


***

Особенностью нынешнего конкурса стало то, что он состоялся в преддверии года Русского балета (2018 год) и 200-летия со дня рождения Мариуса Петипа и в год 90-летнего юбилея выдающегося хореографа современности Юрия Григоровича — неизменного начиная со второго конкурса председателя его жюри.

На сей раз коллегами мэтра в жюри были 16 мировых балетных знаменитостей, в числе которых возглавляющие отечественные академии балета Марина Леонова и Николай Цискаридзе, Валентин Елизарьев (Республика Беларусь), Вадим Писарев (Украина), прима-балерина театра Ла Скала Маргерита Парилла (Италия), звезды мировой сцены Светлана Захарова и Владимир Малахов (Австрия), хореографы, художественные руководители балетных компаний и педагоги из Швеции, Дании, Франции, Китая, Японии, США.

В танцевальном соревновании приняли участие 126 конкурсантов, из которых 52 выступали в младшей и 74 — в старшей возрастных группах. Это исполнители из России, составившие примерно четверть общего числа конкурсантов, и из 26 зарубежных стран, значительная часть которых — бывшие советские республики и страны азиатского и южноамериканского континентов, в которых популярность балетного искусства растет в геометрической прогрессии. Нашу страну представляли конкурсанты из Москвы, Воронежа, Новосибирска, Перми, Сыктывкара, Якутска, Красноярска, Уфы, Ижевска, Санкт-Петербурга, Краснодара и Йошкар-Олы.

К сожалению, как и в прошлые годы, на московском конкурсе не были представлены ведущие балетные страны Европы. Они то ли игнорируют это соревнование, то ли тамошние молодые артисты действительно слишком заняты в своих компаниях и предпочитают реальные гонорары конкурсным рискам. Более внятного объяснения подобной ситуации от организаторов конкурса услышать не довелось.

Не «сработали» и два беспрецедентные за всю историю конкурса Гран-при по 100 000 долларов США в номинациях «Артисты балета» и «Хореографы». Впрочем, забегая вперед, замечу, что бесспорного лидера состязания, достойного Гран-при, на сей раз не оказалось. Так случается часто. Московский балетный конкурс появляют суперзвезд не чаще одного раза в десятилетие. За всю историю конкурса их было только четыре: тогда совсем еще юная ученица Пермского училища очаровательная Надежда Павлова (1973 год), мужественный Ирек Мухамедов (1981 год), грациозный Андрей Баталов (1997 год) и обаятельный Денис Матвиенко (2005 год).

Программа нынешнего конкурса по традиции была достаточно сложной. Конкурсанты-солисты на первых двух турах исполняли классические вариации, одна из которых — из обязательной конкурсной программы, и специально поставленный к конкурсу современный номер или фрагмент из балета, сочиненного не ранее 2005 года, а на третьем туре — две классические вариации. Конкурсанты, выступавшие в дуэте, на каждом из туров исполняли па де де из балетов классического наследия.

Первые два тура танцевального марафона и конкурс хореографов прошли на Новой сцене Большого театра, третий тур, торжественное открытие конкурса, церемония награждения и гала-концерт лауреатов — на его Исторической сцене.

Пожалуй, ни один из московских балетных конкурсов не проходил в столь стремительном, «скоростном» режиме. Всего два дня заняли выступления 126 конкурсантов на первом туре, столько же времени — выступления прошедших на второй тур 30 участников младшей и 32 участников старшей возрастных групп. Еще по одному дню ушло на третий танцевальный тур, на который были допущены 20 «юниоров» и 19 «синьоров», и на конкурс хореографов.


***

Разобраться в своих впечатлениях и расставить все точки над «i» в процессе этого спринтерского танцевального марафона было не так-то просто. Главное впечатление — значительно возросший технический уровень конкурсантов — и совсем юных, и уже имеющих исполнительский и конкурсный опыт артистов. Сегодня не в диковинку сложнейшие — на грани акробатических и даже цирковых трюков — танцевальные па. Впрочем, голая техника уже редко кого повергает в восторг. Для подлинного лидерства она должна сочетаться с глубокой эмоциональностью, вкусом, точным ощущением стиля исполняемых вариаций. А у безусловных фаворитов к этому добавляются актерский апломб, изысканность манеры, четкость поз.

Вот и члены жюри не сговариваясь заявляли о том, что основными критериями оценки конкурсантов для них являются одухотворенность и выразительность исполнения, красота движений, тела. Ну а техника — это необходимый фундамент танцевального ремесла, которое при хорошей выучке и при наличии подлинного таланта с течением времени может обрести черты подлинного искусства. До этого многим конкурсантам естественно, пока еще далеко. Они стараются продемонстрировать то, чему их научили педагоги в учебных заведениях, а начавшие артистическую карьеру — еще и то, что им удалось обрести, выступая на профессиональной сцене.

Далеко не все участники, выступавшие на первом туре, были равноценны. Зато уже на втором туре состав конкурсантов оказался достаточно ровным и сильным. Кое-кого из участников младшей возрастной группы выручал современный репертуар, в котором они чувствовали себя более свободно и раскованно, раскрепощались эмоционально, проявляли свое «нутро»: в строгой классике это дается значительно труднее. В то же время кое-кого из них подвел выбор не соответствующего их возрасту «взрослого» репертуара, для исполнения которого требуется значительно больший актерский и жизненный опыт. В этом случае претензии — к педагогам и наставникам юных конкурсантов.

Не скрою: бесконечный, перемежаемый нечастыми па де де поток вариаций, низвергавшийся в режиме нон-стоп на членов жюри и зрителей на первых двух турах, порой усыплял, настолько неотличимыми одна от другой были эти вариации. А ведь каждая — из балета, имеющего свою стилистику, в каждой — индивидуальность хореографа-создателя, упоминание фамилии которого порой являлось простой формальностью, поскольку для многих конкурсантов главный приоритет — наиболее выгодное представление собственной персоны. Этого пытаются достичь по-разному: адаптацией авторского хореографического текста к своим возможностям, насыщением его посторонними, не имеющими отношения к стилистике конкретного номера акробатическими элементами и спортивными трюками, вольного обращения с музыкой, на которую поставлен номер.

Все это неизбежные издержки конкурсных состязаний, которые не удалось избежать и на нынешнем конкурсе. Как всегда с нетерпением ожидался переломный момент, когда отсеялись менее способные и подготовленные конкурсанты, а остались те, у кого отличная техника сочетается с музыкальностью, образным мышлением и способностью воплощать душевные переживания своих персонажей. Впрочем, такие конкурсанты были замечены и на первом туре, который, как это ни парадоксально, выглядел выигрышнее и эффектнее у участников младшей возрастной группы, в целом более аккуратных и точных в интерпретации обязательной академической классики.


***

У меня, как и у всех заинтересованных зрителей, постепенно обозначились свои лидеры, выступления которых на протяжении всего конкурса вызывали особый интерес. Особенно приятно, что мои личные оценки в целом совпали с вердиктом жюри, который показался вполне взвешенным и справедливым и не явился поводом для бурных споров и негативных эмоций.

Невозможно рассказать более-менее подробно обо всех конкурсантах, обративших на себя внимание. Вот лишь несколько заметок. С первого появления на сцене запомнился представлявший Россию выпускник Московской академии хореографии Марк Чино, которому на жеребьевке достался первый номер в младшей возрастной группе. Восемнадцатилетний воспитанник Валерия Анисимова исключительно ровно выступил на всех трех турах, продемонстрировав прекрасную выучку и благородство исполнительской манеры. Марк заслуженно стал обладателем золотой медали. Успеху юного танцовщика в немалой степени способствовал удачно подобранный, полностью соответствующий его творческой индивидуальности репертуар: каскад сольных вариаций из классических балетов и изящный современный номер Александра Рюнтю, ставшего серебряным призером нынешнего конкурса хореографов.

Редкостное сочетание природных данных, артистизма и партнерских качеств неизменно приковывали внимание к выступлениям еще одного воспитанника Московской академии Дениса Захарова, завоевавшего золотую медаль в дуэтной номинации младшей возрастной группы.

Уроженец Киргизии петербуржец Эрнест Латыпов, ставший серебряным лауреатом в дуэтной номинации старшей группы, запечатлелся в памяти еще по конкурсу 2013 года. Изящество пластики, темперамент и личностное обаяние придают его исполнению особые притягательность и шарм. Перед началом заключительного гала-концерта лауреатов, когда вердикт жюри был уже известен, наставник Эрнеста — выдающийся педагог Геннадий Селюцкий, получивший на этом конкурсе специальный приз журнала «Балет», рассказал мне о том, что уделяет большое внимание расширению творческого диапазона своего воспитанника. Именно поэтому наряду с бравурным па де де из «Дон Кихота», искрометной вариацией бога ветра Вайо из «Талисмана» и предельно эмоциональным современным номером на музыку Шопена для завершающего выступления Латыпова на конкурсе было выбрано исполненное особого изящества и благородства и представляющее собой квинт-эссенцию классической петербургской школы па де де Авроры и Дезире из «Спящей красавицы». «Это вряд ли по силам танцовщикам-мужчинам, получившим на этом конкурсе первые премии», — заключил педагог.

На конкурсе не обошлось без «традиционного» ЧП, в центре которого на сей раз оказался самый юный конкурсант — Иван Сорокин из Сыктывкара, 14-летний ученик гимназии искусств при главе Республики Коми. Обладающий незаурядными способностями и отличной выучкой паренек поразил членов жюри и специалистов своими выступлениями на первых двух турах и прошел на заключительный третий тур. Однако среди выступавших финалистов его не оказалось. Выяснилось, что, приехав на конкурс на свой страх и риск и не рассчитывая на успех, Иван не подготовил репертуар для третьего тура и по окончании второго, воспользовавшись заранее купленным обратным билетом, сразу уехал домой. Лично мне запомнился исполненный Сорокиным необычный современный номер «6 секунд», в продолжение которого он доставал из карманов брюк пригоршни перьев и подбрасывал их над собой, всякий раз обволакивая свой обнаженный торс пушистым белым облаком. После этого для подготовки сцены к выступлению следующего конкурсанта пришлось объявить технический перерыв, а в прессе появились сообщения о том, что «балетный конкурс упустил будущую звезду» и что Ивана пригласили в свои ученики столичная и петербургская балетные академии.

Ввиду большого числа сольных и дуэтных конкурсных номинаций в обеих возрастных группах обладателями наград стали более двух десятков конкурсантов, среди которых оказалось только семь номинальных представителей России. Впрочем, реальное число лауреатов и дипломантов соревнования, имеющих непосредственное отношение к России, все-таки намного больше, поскольку страна «приписки» участников конкурса определялась в соответствии с их гражданством,

Так, получившая диплом Джой Вомак из США, которая выступала в старшей группе в дуэтной номинации, — выпускница Московской академии хореографии, в течение трех лет она работает в труппе «Кремлевского балета». Екатерина Чебыкина из Украины, еще одна дипломантка этой номинации, танцует в Мариинском театре. Запомнившаяся артистизмом и особой выразительностью исполнения японская пара: обладательница бронзовой медали Мидори Тэрада и золотой медалист выпускник Московской академии хореографии Коя Окават — солисты Татарского театра оперы и балета. Солистами этого театра являются также обладательница серебряной медали бразильянка Аманда Мораес Гомес — выпускница открытой на ее родине балетной школы Большого театра, и партнер Аманды лауреат конкурса 2009 года Михаил Тимаев, получивший введенную на этом конкурсе специальную награду «за партнерство». Это, безусловно, впечатляющее достижение солистов Казанского оперного театра.

А вот имена остальных призеров конкурса. В младшей возрастной группе лучшей солисткой стала американка Элизабет Бейер. Серебряные медали у китаянки Сыи Ли и у Субин Ли из Южной Кореи. «Бронзу» члены жюри присуждать не стали. У солистов-юношей вторую премию получил россиянин Игорь Пугачев, третью — Карлис Цирулис из Латвии. В номинации «Дуэты» победительницами стали Елизавета Кокорева из России и Сонма Пак из Южной Кореи. Вторые премии в этой номинации у мужчин и женщин не присуждены, третьи достались россиянке Екатерине Клявлиной и Виктору Гонкаувесу Кайшете из Бразилии.

В старшей возрастной группе у женщин-солисток обладательницей первой премии стала Эвелина Годунова из Латвии. Вторую премию жюри не присудило, а третья досталась россиянке Лилии Зайнигабдиновой из Уфы. У солистов-мужчин лучшим признан Бактияр Адамжан из Казахстана. На втором месте китаец Мяоюань Ма, на третьем — киргиз Марат Сыдыков. В женской номинации «Дуэты» первая премия не присуждена, третью разделили японка Терада Мидори и китаянка Динвэн Ао. В той же номинации у мужчин третьим стал китаец Джанфын Ван.


***

В соревновании хореографов на этот раз приняли участие 30 человек из семи стран. Каждый из участников представил два специально подготовленных к этому конкурсу номера, причем многие авторы выступили и в качестве исполнителей своих сочинений.

Если при оценке исполнения классики речь идет о такой тонкой материи, как чистота стиля, то с современными номерами дело обстоит проще. Большинство из них обычно являются современными лишь по временному признаку и не обогащают представление о подлинной современной танцевальной лексике. В значительной степени это относится и к сочинениям хореографов — участников конкурса.

Многие современные номера привлекают не столько новизной пластического рисунка, сколько законченными сюжетами. В целом же современная хореография пока что удручающе пессимистична. В большинстве своем это некие медитации, болезненные копания в собственной психике, передаваемые порой хаотичным набором изощренных гимнастических упражнений. Большая часть номеров решена в минором ключе, исполняется в темноте, рисуя состояние беспокойства, отчаяния и тревоги, в некоторых преобладает хаос движений без драматургического развития и кульминаций. В то же время современная хореография подчеркивает красоту тела, невероятную гибкость и пластику танцовщиков.

Четких критериев оценки современной хореографии пока что нет, поэтому члены жюри руководствовались, похоже, исключительно личными предпочтениями. В номерах-фаворитах их привлекли, очевидно, не столько новизна и оригинальность пластики, сколько попытки раскрыть непростые взаимоотношения персонажей. Несмотря на то, что две трети конкурсантов-хореографов — 19 человек — составили россияне, первая премия досталась китайцу Вен Сяочао и чилийцу Эдуардо Зуниги за номера «Через невзгоды» и «Архипелаг» соответственно. У россиян Нины Мадан и Андрея Меркурьева — серебряные, у китайцев Чэн Луна и Лю Тхинтхина — бронзовые медали, у россиянина Александра Рюнтю — диплом за стильную миниатюру «Парик».

Юрий ГРИГОРОВИЧ, председатель жюри, балетмейстер Большого театра, народный артист СССР:

«Московский конкурс – это прежде всего конкурс классической хореографии. Но сейчас на нем очень большое внимание уделяется и современным хореографическим тенденциям. И это прорыв. На подобных конкурсах никогда нигде не было такой номинации. На нашем конкурсе бывает много молодых россиян, которые доказывают, что могут делать это лучше, профессиональнее, чем их коллеги на Западе. Все, что мы видим, безусловно, интересно, хотя многое и спорно. Может быть, нужен специальный театр современного танца, где бы хореографы могли самовыражаться. Интересны сами по себе тенденции развития современной хореографии, но какими они будут, сейчас сказать сложно».

Валентина ПОНОМАРЕНКО, директор самарской Центральной хореографической школы, педагог-репетитор Самарского академического театра оперы и балета, заслуженная артистка России:

«Для всех, кто причастен к искусству балета, Московский международный конкурс артистов балета и хореографов — большое событие. Все, что связано с этим конкурсом, имеет самое непосредственное отношение к Самаре, где работает одна из старейших в стране балетных трупп и ведется подготовка артистов балета в специализированных учебных заведениях: в имеющей богатые традиции хореографической школе и в недавно открывшемся хореографическом училище. Конкурс — прекрасная школа и для артистов-профессионалов, и для ребят, находящихся у истоков профессии. К сожалению, педагогам, артистам и ученикам, которые живут и работают в провинции, не так-то просто присутствовать на подобных акциях. Нам приходится довольствоваться только трансляциями, а так важны личные впечатления о конкурсе и о непосредственном общении с его участниками, членами жюри и почетными гостями».


Валерий Иванов,
Самара-Москва-Самара

Фото предоставлено пресс-службой конкурса

==================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18670
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Июл 26, 2017 11:26 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017072601
Тема| Балет, Вечер балета Bolle and Friends, Персоналии, Роберто Болле
Автор| Ирина Сорокина
Заголовок| Illuminiamo la danza! / Осветим танец!
Где опубликовано| © портал "Музыкальные сезоны"
Дата публикации| 2017-07-26
Ссылка| http://musicseasons.org/illuminiamo-la-danza-osvetim-tanec/
Аннотация|

Вечер балета Bolle and Friends («Болле и его друзья») уже давно стал must на Арене ди Верона. Итальянский танцовщик с мировым именем, красавец, «греческий бог» Роберто Болле очень любим на родине. Что немудрено – итальянских танцовщиков и танцовщиц, завоевавших мировое признание и международную популярность, совсем немного.



Каждый год концертная программа, построенная по одному и тому же принципу (десяток номеров, в том числе классические хиты, перемежающиеся с современными номерами, с участием трёх-четырёх пар из ведущих европейских и американских компаний), показывается в Риме, Турине, Вероне и всегда имеет успех.

Фанаты сбегаются на выступления любимого артиста. В этом году Роберто и его друзья выступают во Флоренции, Термах Каракаллы в Риме (три спектакля), Сполето, на Арене ди Верона и в Санта Маргерита ди Пула. На Арене Bolle and Friends появляются четвёртый год подряд. Мероприятие носит коммерческий характер и собирает десятки тысяч зрителей. На этот раз на Арене ди Верона их явилось аж 13 600! В минувшем 2016 году количество поклонников Роберто было не меньшим, и газеты сравнивали их с галактикой. Так произошло и сейчас: перед началом концертной программы в руках зрителей зажглись маленькие свечи, много-много свечей. Это красивая традиция Арены ди Верона, но на этот раз свечей были тысячи, и эффект, ими произведённый, был поразительным!

В гала-концерте нынешнего года принял участие итальянский актёр, снискавший славу как мастер дубляжа и «подаривший» свой голос звёздам Голливуда, Франческо Паннофино. По мнению автора этой статьи, его участие было необязательным и выражало лишь некоторую неуверенность организаторов в том, что танец сможет функционировать без плоских шуток, преувеличенно бодрого тона и намёка на юмор. В самом начале Паннофино, вызвав на сцену звезду, рассказал публике, что классический танец содержит сто одну позицию (было использовано именно слово posizione), и заставил Роберто проделать их одну за другой в приемлемом темпе, дабы зрители могли рассмотреть их, а во второй раз – с немыслимой скоростью, с целью усилить комический эффект. Это и был номер, открывший концертную программу, под названием Ballet 101, на музыку Эрика Готье и в его хореографии в соавторстве с Йенсом-Петером Абеле.

После этой, как выражаются по-итальянски, pagliacciata, наконец-то можно было вздохнуть спокойно и отдаться стихии классического танца, прекраснее которого ничего нет на свете. На этот раз «друзьями» Роберто были Мелисса Хамилтон из лондонского Royal Ballet, Миса Куранага из Boston Ballet, Херман Корехо и Даниил Симкин из American Ballet Theatre, Анна Оль и Юн Гё Цой из Het National Ballet, Полина Семионова из Staatsballett Berlin и American Ballet Theater. Артисты исполнили «ударные» классические и неоклассические па-де-де и современные дуэты.

Сам Роберто, несмотря на прекрасную физическую форму, благоразумно удержался от выступления в самых виртуозных классических дуэтах, требующих немалой силы и выносливости, и предоставил их исполнение более молодым коллегам. Всеми любимый танцовщик оставил за собой па-де-де из «Баядерки» (центральный эпизод акта «Тени», но без участия кордебалета), из «Кармен» Ролана Пети и три современных дуэта: из балета «Караваджо», Take me with you и Rencontre.

Парад дуэтов должны были открывать Миса Куранага и Даниил Симкин па-де-де из «Дон Кихота», но по неизвестным причинам на сцену вышли – или, лучше, вылетели – Анна Оль и Юн Гё Цой в чуть менее знаменитом па-де-де из «Эсмеральды». Блестящая, виртуозная, «огненная» пара задала нужный тон вечеру. В первом отделении программы эта же пара исполнила номер Penumbra в хореографии Реми Вертмейера на музыку Рахманинова, а во втором отделении партнером Мисы в известном Tchaikovsky Pas de deux в хореографии Баланчина был Херман Корнехо. Артисты поразили зрителей ещё более высоким уровнем техники, особенно лёгкостью и чистотой вращений.

Обладатель уникального артистического дара Даниил Симкин в паре с грациозной и сильной Мисой Куранагой в па-де-де из «Дон Кихота» также показал чудеса техники, которая может считаться чем-то запредельным, вызвав попросту восторженный рёв публики труднейшими прыжками в коде. Но его талант по-настоящему раскрылся в знаменитом соло Les Bourgeois в хореографии Бена Ван Кавенберга на музыку Жака Бреля. Даниил самым волнующим образом изобразил героя знаменитой танцевальной миниатюры, не только поразив зрителей потрясающей лёгкостью и сложностью прыжков, но и завоевав их сердца тонкой иронией и едва ощутимым привкусом горечи.

А что же сама звезда? В па-де-де из «Баядерки» и «Кармен» Ролана Пети Роберто проявил себя как изысканный танцовщик и идеальный партнёр, с истинным джентльменством уступивший пальму первенства партнёрше, нашей соотечественнице, великолепной балерине Полине Семионовой.

В современных номерах его дамой была ирландка Мелисса Хамилтон из Royal Ballet. С ней Болле станцевал дуэт из балета «Караваджо» одного из самых известных итальянских хореографов Мауро Бигонцетти и Take me with you в хореографии Роберта Бондары на музыку английской альтернативной рок-группы Radiohead. Совместное выступление двух артистов создало в огромном зрительном зале под открытым небом подлинно магическую атмосферу. Утончённость линий Мелиссы Хамилтон особым образом гармонировала с красотой и благородством партнёра.

По окончании первого отделения Франческо Паннофино предложил зрителям осветить сцену при помощи мобильных телефонов. Публика немедленно откликнулась на его призыв, в том числе и те, у кого в руках были фонарики для чтения программок или либретто. Эффект, произведённый этим трюком, был ещё сильнее, чем от зажигания традиционных свечей. Роберто Болле, обратившись к зрителям, объяснил смысл этой инициативы: «Искусство танца переживает огромные трудности в нашей стране. При помощи этого маленького жеста мы хотели показать, какой огромный энтузиазм оно вызывает. Это сигнал тревоги, который превращается в признание в любви. Эмоции и душевное тепло, которые дарит танец, трудно игнорировать».

Завершил программу номер Rencontre, поставленный специально для Роберто известным итальянским хореографом Массимилиано Вольпини на музыку Рене Обри. Болле заинтересован в использовании высоких технологий, специальных эффектов, видеопроекций для своих номеров; по мысли танцовщика, этот союз означает диалог танца с современностью, с будущим, он помогает танцу в поиске новых путей. В программе Bolle and Friends минувшего года Роберто осуществил первый эксперимент подобного типа, Prototype, который имел большой успех. Ныне он представил на суд зрителей Rencontre, дуэт, в котором его партнершей снова была Мелисса Хамилтон.

По окончании, как всегда бывает, – пламенные аплодисменты всем участникам гала-концерта и даже что-то вроде восторженного рёва.

================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18670
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Июл 27, 2017 10:46 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017072701
Тема| Балет, Государственный академический театр классического балета, Персоналии, Наталия Касаткина
Автор| Светлана Наборщикова
Заголовок| «Писали о нас плохо, хотя успех был фантастический»
Народная артистка Наталия Касаткина — о семейном дуэте, музыке Артемьева, слезе Стравинского и путешествиях с «Кармен-сюитой»

Где опубликовано| © ИЗВЕСТИЯ
Дата публикации| 2017-07-27
Ссылка| https://iz.ru/624445/svetlana-naborshchikova/s-vasilevym-my-govorim-ob-odnom-i-tom-zhe-no-po-raznomu
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В Москве проходит ежегодный летний фестиваль Государственного академического театра классического балета Наталии Касаткиной и Владимира Василёва. В программе — классические и современные постановки, принесшие коллективу заслуженное признание. Разговор обозревателя «Известий» с народной артисткой Наталией Касаткиной начался с вопроса о новой работе.

— Появилась информация, что вы готовите балет «Щелкунчик-2»...

— Балет будет называться «Щелкунчик и принцесса Пирлипат». У Гофмана есть эта история. В нашем первом «Щелкунчике» она тоже есть, но разыгрывается как небольшая сцена, а тут будет серьезно, на два акта.

Музыку пишет замечательный Эдуард Артемьев. Мне кажется, мы с ним нашли общий язык. В его музыке есть темы Чайковского, причем не только из «Щелкунчика» — из Пятой симфонии, других произведений, но это авторская транскрипция. Много забавного. Есть и завораживающие эпизоды. Например, финал первого акта — это какой-то космос…

— Музыка уже готова?

— Не вся, но многое. Мы с Артемьевым договорились, что сначала попробуем освоить музыку, которая есть, а потом, если чего-то будет не хватать, обратимся к нему.

— Михаил Шемякин в Мариинском театре тоже ставил историю Щелкунчика и принцессы Пирлипат. С вашим балетом она каким-то образом перекликается?

— Нет. Балет Шемякина — это балет художника. Его многие ругали, а мне понравился. В начале прошлого века во время Дягилевских сезонов художники вышли на первый план. Рерих, Бенуа и другие были главными в спектакле. Я вспомнила Рериха в связи с «Весной священной», там было много неподвижных моментов, когда Нижинский давал зрителям возможность слушать музыку и разглядывать костюмы. Шемякин возобновил эту традицию. Мне кажется, что хорошо.

— Кстати, о «Весне». В этом году отмечается 135 лет со дня рождения ее автора, Игоря Стравинского, а вы с Владимиром Василёвым первыми в Советском Союзе поставили этот балет.

— Стравинскому было дорого то, что мы сделали балет на русскую тему, по архивным материалам. Мы с ним виделись в Нью-Йорке, когда Большой театр привез на гастроли «Весну священную», которая прошла замечательно. Он видел спектакль, подписал нам программку, и там слеза капнула на то, что он написал.

— В 2013 году, когда в Большом театре праздновали 100-летие «Весны священной», все ожидали, что в программу будет включен и ваш балет.

— Он был включен. Нас пригласили, затем неожиданно приглашение отменили и позвали Уэйна Макгрегора (британский хореограф. — «Известия»). А тот в итоге отказался. Почему нас отменили, я не знаю. Мы должны были выступить своим коллективом — с декорациями, артистами. Спектакль был отрепетирован. Он у нас идет до сих пор.

Сейчас в рамках «Больших гастролей» мы были в Крыму, показывали там на творческой встрече запись — кусочек с премьеры, где Юра Владимиров — Пастух, а я — Бесноватая. Это фантастика, как Юра танцевал, как выкладывался — невероятно. Потом показали студентам и преподавателям Крымского университета культуры, искусств и туризма полностью спектакль, но уже в исполнении нашего коллектива. Столько вопросов было… Какой-то кубинец там оказался, говорит: «Это же абсолютно современная хореография, почему вы его не показываете?». А мы его показываем в «Новой опере», но редко, потому что необходим большой состав оркестра.

Нас ругали ужасно после «Весны священной», не давали ставить шесть лет. Андрей Павлович Петров видел в Министерстве культуры книжечку, где было написано: «Спектакли Василёва и Касаткиной не рекомендовать для постановки». Мы были «модернисты» и «сексуально озабоченные», не понимаю, почему. Нам говорили: «Наденьте на Адама и Еву костюмы, они не должны быть голыми». У нас есть фотографии, где Миша Барышников и Ира Колпакова в костюмчиках, иначе не пропустили бы спектакль. Такое было время.

— Адам и Ева — персонажи «Сотворения мира» Андрея Петрова. Вы ведь должны были поставить этот балет в Большом театре, но не поставили. Что это за история?

— Обыкновенная история, этого надо было ожидать. Начали мы королевским составом: Екатерина Максимова — Ева, Владимир Васильев — Адам, Юрий Владимиров — Черт, Борис Акимов — Создатель, Нина Сорокина — Чертовка. А потом нам запретили ставить. Объяснили, что мы, может быть, сами того не желая, пропагандируем божественное происхождение человека. Позже Катя Максимова снялась в фильме-балете «Адам и Ева» с нашим солистом Станиславом Исаевым, это — практически полная киноверсия «Сотворения мира».

— Но в Кировском (Мариинском) театре балет шел?

— Шел, и очень долго. Михаил Барышников по-настоящему стал знаменитым после этого балета, и за ним стали особенно следить, как бы он не удрал. В ЦК КПСС ходила такая фраза — «Падение молодого Барышникова началось с «Сотворения мира».

— Об этой истории сейчас вспоминают в связи с переносом спектакля «Нуреев» в Большом театре. Как вы относитесь к этой ситуации?

— Я не видела то, что они сделали. Должна увидеть, тогда и скажу, как к этому отношусь.

— Идея балета, посвященного танцовщику, вас привлекает как хореографа?

— Конечно, привлекает, если это посвящено его творчеству.

— В этом году еще один юбилей. «Кармен-сюите», созданной композитором Родионом Щедриным и хореографом Альберто Алонсо для Майи Плисецкой, — 50 лет. А вы танцевали в первом составе.

— Это величайший балет. Сейчас, когда не стало Майи, мне трудно его смотреть. Там было что-то, вложенное именно в нас. Альберто каждому говорил: «Твоя роль — главная». Моя роль была — Бык, он же Рок, вторая ипостась Кармен. Хосе — тоже главный: без него не будет Кармен. Тореадор — главный. И так далее, вплоть до кордебалета, все — главные. Мы чувствовали себя очень значительными, поэтому и получилась Майя такой. Впрочем, она и без нас такой получилась бы, потому что гениальна, но вместе с нами, с этой командой...

В таком составе мы путешествовали по миру 10 лет. Помню, Альберто приехал на спектакль в Милан, в «Ла Скала», и в зрительный зал не пошел. Я спрашиваю: «Почему ты не смотришь, у тебя будет такой успех!» — «Нет-нет, не пойду. Я не видел успеха, я читал только ужасную прессу».

Писали о нас плохо, хотя успех был везде фантастический. Во Франции ругали Щедрина за то, что испортил Бизе, где-то ругали вообще всё. Тогда в Милане мы силой вытащили Альберто на поклоны. Акустика в «Ла Скала» представляете какая, и там просто стон стоял — такой был восторг невероятный. Я говорю ему: «Ну и плюнь на эту прессу, разорви и сожги».

Алонсо очень многое в нас вложил. Когда он начал ставить, еще не было партитуры Щедрина, он ставил под Бизе, и если ему не хватало музыки, просто делал паузу. У меня был выход, а потом пауза. И так по всем ролям. Щедрин сидел на репетициях. Следил за нами и сразу вписывал в партитуру все нюансы. Поэтому такой живой и необыкновенный получился спектакль.

— Александр Годунов, с которым Майя Плисецкая снялась в фильме «Кармен-сюита», был лучшим Хосе, на ваш взгляд?

— Они все были разные. Первым Хосе был Коля Фадеечев. Казалось бы, чистейший классический танцовщик. В Лондоне его называли «коммунист-аристократ» или что-то в этом роде. Но у него получилась эта роль, казалось бы, характерная. А у Годунова было что-то свое, необыкновенное. В нашей «Весне священной» он, кстати, станцевал Пастуха, свою последнюю роль в Большом театре. Это тоже было событие. А я свою роль Бесноватой тогда отдала Милочке, его любимой женщине (балерина Большого театра Людмила Власова. — «Известия»).

— «Кармен-сюита» привлекала многих хореографов. Вы видели что-то из этих постановок?

—Я старалась не смотреть.

— Версию Макса Эка Плисецкая называла ослепительной.

— Майя Михайловна очень хорошо относилась ко всем версиям. Ей нравилось, что на музыку ее любимого мужа делают спектакли. Но Матс Эк очень талантлив, я думаю, что это здорово было.

— Меня всегда интересовало, как вы с Владимиром Юдичем ставите. В вашем дуэте кто-то ведомый?

— Абсолютно нет. Мы зачастую даже не знаем, кто что сделал. Либретто мы сочиняем вместе, вмешиваемся в работу друг друга, ругаемся. Хореографию я могу, лежа на диване, сочинять, а потом идти в зал и показывать, а он должен обязательно топать, прыгать, пробовать. Но всё равно, когда мы сходимся в зале, всё соединяется. Не всегда мужские танцы ставит Владимир Юдич, бывает, и я, и наоборот. Поддержки — это, конечно, его. Я могу рассказать, какой бы мне хотелось видеть поддержку, но реализация самого приема — как мы шутим, «куда бежать и за что хватать» — конечно, за ним.

— Вы когда-нибудь говорили друг другу: «Нет, мы больше не будем работать вместе»?

— Такого не было, но крик стоял каждый раз. Наш маленький сын Ванечка говорил: «Папа, мама, ну что же вы так кричите? Я бы не стал так кричать». И он вырос спокойным мальчиком, может быть, потому что мы так орали. Просто не могли друг до друга докричаться. После выяснялось, что говорили об одном и том же, но по-разному.

— У вас сейчас практически семейное предприятие: вы — хореографы, сын Иван Василёв — директор. Какие плюсы и минусы есть у такого содружества?

— Не вижу минусов. Разве что один. Иван получил образование как режиссер кино. У него есть несколько самостоятельных фильмов, есть фильмы, в которых он был вторым режиссером. И мне жалко, что он это потерял. Но Сергей Герасимов, у которого он учился, научил своих студентов подходу к экономике. Поэтому, когда он пришел спасать нас, что нужно было — в какие-то годы судьба театра находилась под угрозой, — ему это удалось.

— Сложно задавать такой вопрос, но жизнь есть жизнь. Что будет с театром после вас? Обычно авторские театры после ухода создателей, прекращают существование.

— Не всегда. Конечно, самое простое в балетном театре — давать с утра до ночи «Лебединое озеро» и «Щелкунчика»… Но, думаю, этого не произойдет, особенно если будет построено здание и наш театр будет функционировать как настоящий Центр балета, о котором мы говорили и над созданием которого работаем. Кстати, у нас очень талантливая внучка, Катя Василёва. Сейчас она главный режиссер Челябинского театра оперы и балета. На ее счету почти 20 спектаклей — оперы, мюзиклы, современные вещи. Если бы всё у нас случилось со строительством, это был бы уже авторский театр и балета, и оперы…
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18670
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Июл 27, 2017 4:33 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017072702
Тема| Балет, Санкт-Петербургский государственный академический театр балета, Персоналии, Борис Эйфман
Автор| АННА ХРАМЦОВА
Заголовок| Балетмейстер Борис Эйфман: У каждого творца своё понимание допустимого и недопустимого
Эйфман – об откровенных сценах в балетных спектаклях
Где опубликовано| © Сайт газеты Metro
Дата публикации| 2017-07-27
Ссылка| https://www.metronews.ru/novosti/reviews/baletmeyster-boris-eyfman-u-kazhdogo-tvorca-svoe-ponimanie-dopustimogo-i-nedopustimogo-1287641/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

На Исторической сцене Большого театра в рамках Открытого фестиваля искусств “Черешневый лес” состоялась премьера новой версии спектакля Бориса Эйфмана “Русский Гамлет”. Этим событием открылись масштабные московские гастроли Санкт-Петербургского государственного академического театра балета, посвященные его 40-летию. Корреспондент Metro пообщалась с хореографом о его произведении, откровенных сценах в балетных спектаклях и отношениях с труппой.

Вы поставили балет “Русский Гамлет” в 1999 году, а сейчас представили зрителям обновлённую версию. Что изменилось с тех пор?

Со времён премьеры первой версии балета прошло почти два десятилетия. Конечно же, за это время наш театр обрел принципиально иные творческие и технологические возможности, которые и нашли отражение в новой постановке. “Русский Гамлет” шагнул из 20 века в 21-й и стал одним из самых актуальных спектаклей в мировом балетном театре. Недавняя премьера в Большом показала, что мы правильно поступили, дав этой постановке новую жизнь.

Вы обратились в своём балете к истории непростых взаимоотношений царевича Павла с его матерью Екатериной II. Почему именно эти персонажи?

Не я придумал название “Русский Гамлет” – Павла так именовали ещё при жизни. Сама история соединила российского императора с шекспировским героем. Мне предстояло понять, как перекликаются эти две судьбы. И я думаю, что шекспировский Гамлет был более счастливым...

Почему?

Потому что Гамлета любила мать. Что касается Павла, то Екатерина II держала сына в постоянном страхе и не подпускала к трону. Всё это сказалось на психике наследника и впоследствии, в период правления, толкало его на сумасбродные поступки. А ведь изначально он был открытым человеком, полным надежд, любви к родной стране и светлых стремлений. Я хотел показать в своем балете метания души Павла и противоречивость его натуры.

Гамлет ищет ответ на вопрос “быть или не быть”. А ответы на какие вопросы ищет герой вашей постановки? И находит ли он их?

Перед ним стоял схожий вопрос: бороться за власть, свергнуть мать-императрицу и пойти на радикальные меры по восстановлению справедливости или же смириться с судьбой и ждать своего часа? И он нашёл ответ. Как и Гамлет, Павел не прибегнул к насилию.

Считаете ли вы Павла сильным или слабым человеком?

Не могу рассуждать о личности реального царевича Павла. Что же касается героя балета, он одновременно и сильный, и слабый. Призрак убиенного отца, Петра III, постоянно призывает его к мести, но Павел не можем переступить черту. Для него, как для человека глубоко религиозного, убийство было одним из самых страшных грехов.

Мне кажется, вы переосмыслили образ Екатерины II. У вас она не просветительница и реформатор, а властолюбивая, безумная женщина. Вам она не нравится?

Я знаю, как много сделала Екатерина для России. Но в спектакле невозможно показать все годы ее царствования и отразить многочисленные екатерининские реформы. Да и постановка вовсе не об этом. Она о Павле и его отношениях с матерью. Мы видим Екатерину его глазами, чувствуем его обиду. Для Павла она была, в первую очередь, женщиной и матерью, а потом уже императрицей.

Смысл в вашей постановки кроется в том, что власть делает из человека безумца. Вы руководите театром долгие годы. Из вас власть не сделала Карабаса-Барабаса?

В этом году нашему театру исполнилось 40 лет. За это время коллектив прошёл несколько этапов. В самом начале мы были заняты формированием собственного стиля. Всё это происходило в условиях борьбы и преодоления сопротивления. В тот период у меня возникали конфликты с моими коллегами: и они были не совсем готовы, и я был молодым и нетерпеливым. Следом настал этап, когда труппа начала понимать, что успех театра – это не мой личный успех, а наш общий. И от него зависит жизнь всего коллектива – как в творческом, так и в материальном плане. Сегодня я не трачу время на какие-либо трения и разногласия, а сочиняю произведения, которые артисты с радостью воплощают на сцене. Я ни в коем случае не Карабас-Барабас.

В вашей постановке есть предельно чувственные, даже откровенные сцены. Как вы определяете грань между красотой и пошлостью?

У каждого творца своё понимание допустимого и недопустимого. Всё закладывается в нас в процессе воспитания, образования, а точнее – еще в утробе матери. Провокации, избыточная откровенность, эпатаж – стиль либо молодых художников, которым хочется прославиться, либо стареющих мэтров, пытающихся удержать внимание публики. Мои же постановки всегда остаются в рамках искусства, высокой эстетики.

Зрители балета делятся на две категории: те, кто любят его и приходят осмысленно, и те, кто приходит за компанию и засыпают ко второму акту. Есть ли у вас универсальный метод, как приучить человека к балету?

Специальных методов нет. Сегодня очень трудно отвлечь людей от Интернета, заставить их потратить деньги и время и пойти на балет. Но наш театр даёт зрителю то, что он никогда не получит ни от телевизора, ни от компьютера – эмоциональный поток, идущий от артистов через движения, музыку. И, знаете, когда в конце представления зал аплодирует стоя, я не различаю тех, кто пришёл осознанно и тех, кто оказался на балете случайно. Зрители испытывают на наших спектаклях подлинный катарсис, и это значит, что наше искусство востребовано и необходимо людям.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18670
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июл 28, 2017 11:59 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017072801
Тема| Балет, Мальта, «Хрустальный дворец», Персоналии, Екатерина Миронова, Александр Сомов, Мария Аллаш, Мария Виноградова, Иван Васильев
Автор| Сергей Бирюков, редактор отдела культуры, Валлетта - Москва
Заголовок| А также в области балета мы впереди на Мальте всей
Где опубликовано| © Труд № 049
Дата публикации| 2017-07-28
Ссылка| http://www.trud.ru/article/28-07-2017/1352760_a_takzhe_v_oblasti_baleta_my_vperedi_na_malte_vsej.html
Аннотация|


Солистка Большого театра Анна Аглатова летала по сцене сидя на солнышке. Фото предоставлены постановщиками спектакля

На острове впервые поставили полнометражный балетный спектакль


В культурной жизни Мальты произошло без преувеличения историческое событие: здесь впервые поставили оригинальный полнометражный балетный спектакль. И произошло это при активном участии российских артистов.

Театральным традициям Мальты не одно столетие. Первый общедоступный театр был построен здесь еще в 1731 году. Но балет пришел на остров только в ХХ веке. И принесла его с собой княжна Наталья Путятина, дочь петербургского сановника, бежавшего от революции за рубеж. Девушка (чью историю я узнал из недавно стартовавшего русскоязычного журнала «Мальтийский вестник») мечтала стать балериной Мариинского театра и беспокоилась о том, одобрят ли ее родственники такую «недворянскую» карьеру. Но жизнь заставила решать совсем другие проблемы. Оказавшись в эмиграции, Наталья вышла замуж за мальтийца и осела на острове. А основанная ею в 1939 году танцевальная школа «Отрада» впоследствии переросла в Академию балета. Но до полнометражного оригинального спектакля дело дошло лишь теперь.

Поводом для его постановки стало 50-летие дипломатических отношений между Россией и Мальтой. Связи между нашими странами, понятно, гораздо старше, они зародились еще при Иване Грозном, получили развитие при Павле I, давшем Мальтийскому ордену прибежище от нашествия Наполеона. Но именно в 1967 году Советский Союз признал Республику Мальта, незадолго до того получившую независимость от Великобритании.

Чтобы отметить эту дату, Европейский фонд поддержки культуры, базирующийся на Мальте и возглавляемый нашим соотечественником Константином Ишхановым, инициировал постановку спектакля «Хрустальный дворец» по мотивам романа Ивана Лажечникова «Ледяной дом». Хореографию и режиссуру взялись делать совместно руководитель миманса Большого театра Екатерина Миронова и танцовщик этой же труппы Александр Сомов. На главные роли пригласили из ГАБТа приму Марию Аллаш (Королева бриллиантов), ведущую солистку Марию Виноградову (Комедиантка), из петербургского Михайловского театра – премьера Ивана Васильева (Комедиант). В массовые сцены позвали юных мальтийских артистов из танцевальной студии Бриджит Гаучи Борда и детский хор «Стейдж коуч». Остров выставил также «авангард» своей симфонической культуры – Мальтийский филармонический оркестр, за пульт которого встал наш балетный дирижер Павел Клиничев.


Ведущая балерина ГАБТа Мария Виноградова и премьер Михайловского театра Иван Васильев исполнили главные роли Шутихи и Шута

Это был яркий контраст: пройдя узкими улочками мальтийской столицы Валлетты, раскаленной июльским солнцем, войти в грандиозное средневековое здание бывшего рыцарского госпиталя, ныне преобразованное в Средиземноморский конференц-центр, в его коридорах столкнуться с запросто идущей на спектакль госпожой президентом республики Мари-Луиз Колейро Прека (Мальта – очень спокойное государство) – и затем уже в театральном зале перенестись, благодаря декорациям Сергея Тимонина, в Петербург XVIII века. Сперва во дворец императрицы (драматическая актриса Мария Порошина), которая, потрудившись над указами, потом на живой лошади отправляется в сад смотреть балетный дивертисмент. А во втором действии это тот самый Ледяной дом, в который забавы ради государыня отправила справлять свадьбу влюбленную пару шутов. Сценические эффекты вроде плывущего над сценой солнца с восседающей на нем оперной певицей, исполняющей оду монархине (солистка Большого Анна Аглатова), воссоздали дух театральных феерий галантного века. А второе действие напомнило о традиции сказочных «белых» актов из «Жизели», «Лебединого озера», «Баядерки». Наградой за эти северные чудеса стали аплодисменты двуязычной публики: в зале было примерно поровну коренных мальтийцев и представителей нашей не столь уж малочисленной здешней диаспоры.

Как рассказал «Труду» инициатор проекта Константин Ишханов, он бы хотел показать его на одном из дюжины фестивалей, которые проводит его Фонд в разных странах от Армении до Испании. Не исключены и гастроли в Москве. В таком случае, мне кажется, стоит подумать над совершенствованием хореографии, которая подчас скрывала танец главных солистов за слишком плотным и пестрым рядом кордебалета. И, возможно, была бы полезна редакция музыки, написанной российско-мальтийским композитором Алексеем Шором. Алексей – одаренный человек, склонный к стилизации: например, среди его сочинений есть фортепианный цикл «Хорошо темперированный шансон», но если там цитирование известной тюремной песни «Таганка» уместно, то неясно, зачем оно в романтическом балете о событиях XVIII века.

Вообще у российско-мальтийских музыкальных связей немало «опорных точек». Например, в художественном руководстве Средиземноморского конференц-центра мне встретился воспитанник Московской консерватории, ученик знаменитого пианиста Виктора Мержанова Алексей Галеа Каваллацци. Он коренной мальтиец, а своим именем обязан маме – ее увлечению романом «Анна Каренина» и его героем Алексем Вронским. Алексей рассказал о том, что на будущий год здесь планируются гастроли двух российских оркестров – петербургского (Капеллы) и тюменского. Дирижировать Мальтийским филармоническим оркестром приедет руководитель симфонического коллектива Московской консерватории Анатолий Левин.

А почему бы не пригласить тот же Филармонический к нам? На Мальте есть своя композиторская школа, было бы интересно составить о ней представление. Может, и эта идея найдет отклик в Европейском фонде поддержки культуры? Или в любой другой организации, причастной к укреплению связей между нашими народами?
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18670
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июл 28, 2017 12:10 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017072802
Тема| Балет, Мальта, «Хрустальный дворец», Персоналии, Екатерина Миронова, Александр Сомов, Мария Аллаш, Мария Виноградова, Иван Васильев
Автор| Сергей Бирюков
Заголовок| Теперь и на Мальте – свой русский балет
Оригинальный полнометражный спектакль поставили при участии наших звезд

Где опубликовано| © Независимая газета
Дата публикации| 2017-07-28
Ссылка| http://www.ng.ru/culture/2017-07-28/7_7039_malta.html
Аннотация|


Фирменный прыжок Ивана Васильева. Фото предоставлено пресс-службой проекта


В столице Мальты Валлетте совместными усилиями российских и мальтийских артистов состоялась мировая премьера балета «Хрустальный дворец». Это первый оригинальный балетный спектакль большой формы, поставленный на острове. Событие посвятили 50-летию восстановления дипломатических отношений между нашими странами.

Мальтийская культура имеет тысячелетние корни. Есть здесь и свои театральные традиции. Первый на острове общедоступный театр был построен еще в 1731 году. В ХХ веке появились балетные студии, первую из которых основала в 1939 году русская эмигрантка княжна Наталья Путятина, ученица знаменитой Ольги Преображенской. Но до полнометражного балетного спектакля дело дошло только сейчас.

Уточним: речь идет не просто о балете, а о спектакле с драматической и оперной составляющей. Однако ведущая роль остается за танцем.

Идея возникла у президента Европейского центра поддержки культуры Константина Ишханова, базирующегося на Мальте. Центр проводит более десятка фестивалей в разных странах, включая Россию, Армению, Германию, Испанию… Подоспела и красивая дата: в 1967 году наша страна установила дипломатические отношения с Мальтой, незадолго до того освободившейся из-под британского владычества. Появилась мысль устроить к 50-летию этого события совместную постановку, какой на острове еще не бывало.

Сюжет выбрали безошибочно: на солнечной Мальте история трагической любви двух придворных комедиантов императрицы Анны Иоанновны, забавы ради замороженных ею в Ледяном доме (использованы мотивы знаменитого романа Ивана Лажечникова), встретила в буквальном смысле жаркий прием. Хореографию и режиссуру делали совместно Екатерина Миронова (руководитель миманса Большого театра) и Александр Сомов (танцовщик этой же труппы). Декорации Сергея Тимонина, отчасти «материальные», отчасти основанные на видеопроекции, воссоздали обстановку царских увеселений XVIII века. Матушка-императрица (драматическая актриса Мария Порошина), потрудившись над указами, отправляется смотреть балетные дивертисменты в дворцовых садах. Красивые и пышные костюмы (их автор – Елена Нецветаева-Долгалева), сценическая машинерия, перемещающая по театральному небу солнце с восседающей на нем Оперной дивой (солистка Большого Анна Аглатова), действительно воссоздают дух театра рококо. Особенно волшебен второй акт, происходящий в Ледяном доме. Это большая сюита, выдержанная в духе «белых» классических балетных актов. Зрители, заполнившие просторный Рипаблик-холл Средиземноморского конференц-центра (это бывший двор грандиозного рыцарского госпиталя, превращенный в крытый атриум), аплодировали сольным и ансамблевым выходам ведущей солистки Большого театра Марии Виноградовой (Шутиха), премьера Михайловского театра Ивана Васильева (Шут), примы Большого театра Марии Аллаш (Королева бриллиантов).

«Я здесь повелительница холода, замораживающая сад. И одновременно олицетворение первых русских балетных спектаклей – они появились вместе с танцевальной школой, учрежденной Анной Иоанновной, – рассказала «НГ» Мария. – Выразительно звучал Мальтийский филармонический оркестр под управлением одного из наших лучших балетных дирижеров Павла Клиничева. Особенно тронули детки из здешней балетной студии Бриджит Гаучи Борда, которых мы пригласили участвовать в постановке. Они волновались, на репетициях иногда забывали, что надо делать, но на спектакле полностью собрались. У них хорошая школа, здесь до сих пор занимаются по методу Энрико Чеккетти – одного из основателей петербургского балета».

«Яма здесь небольшая, поэтому оркестр был далеко не в полном составе, человек сорок, – добавил Павел Клиничев. – Но коллектив отзывчивый, достаточно опытный, существующий уже около полувека. Работа доставила удовольствие…»

Приветствовать артистов и публику приехала президент республики Мари-Луиз Колейро Прека, поделившая вступительное слово с российским послом Владимиром Малыгиным. Примерно половина зрительного зала в этот вечер разговаривала по-русски: на четырехсоттысячной Мальте – заметная диаспора наших соотечественников, и спектакль дал им праздничный повод для встречи. Но половина была – коренные мальтийцы, и для них представление стало опытом погружения в русскую историю и культуру.

К сожалению, сколько-нибудь регулярного проката этот крупный и недешевый проект не предусматривает. Впрочем, его инициатор Константин Ишханов хочет привезти спектакль на будущий музыкальный фестиваль в Армению. А потом, возможно, и в Москву. Если это так, может быть, стоило бы подумать над коррекцией хореографии. Пока, при всей эффектности работы главных солистов, их порой было плоховато видно сквозь плотный первый план кордебалета. Возможно, есть смысл сделать и редактуру музыки российско-мальтийского композитора Алексея Шора. Алексей – одаренный человек, особенно если учесть, что он по исходной профессии математик. Однако его увлечение шансоном, над которым он подшучивает в других своих сочинениях (например, в «Хорошо темперированном шансоне» для фортепиано), здесь иногда приводит к странным ассоциациям с мелодиями вроде знаменитой «Таганки».

В любом случае, надеемся, у проекта будет продолжение. Хотя бы в виде дальнейших взаимных визитов артистов. Знаю, например, что через год с Филармоническим оркестром собирается выступить руководитель студенческого симфонического коллектива Московской консерватории Анатолий Левин. А нашей публике было бы интересно услышать мальтийский оркестр в национальном репертуаре – здесь есть своя композиторская школа. Отчего не представить себе такой концерт в рамках, скажем, консерваторского фестиваля «Собираем друзей» или «Московской осени», проводимой Союзом композиторов столицы?

Валлетта–Москва
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18670
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июл 28, 2017 12:53 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017072803
Тема| Балет, Санкт-Петербургский государственный академический театр балета, Гастроли, Персоналии, Борис Эйфман
Автор| Анастасия Попова
Заголовок| "Русский Гамлет" прибыл из Петербурга в Москву
Балет Бориса Эйфмана посвящен императору Павлу I

Где опубликовано| © Независимая газета
Дата публикации| 2017-07-27
Ссылка| http://www.ng.ru/culture/2017-07-27/100_rushamlet.html
Аннотация| ГАСТРОЛИ


На фото сцена из балета "Русский Гамлет". Фото пресс-службы театра Бориса Эйфмана

Двухнедельные гастроли театра Бориса Эйфмана на исторической сцене Большого театра открылись московской премьерой новой редакции балета «Русский Гамлет» на музыку Людвига ван Бетховена и Густава Малера. Спектакль о трагической судьбе самого загадочного русского императора – Павла I не претендует на историческую достоверность, зато пытается погрузить зрителя в психологические бездны.

Где проходит грань между разумом и безумием, безграничной властью и бесправием, публичным образом жизни и одиночеством – на эти вопросы каждому хореограф предлагает ответить самостоятельно. А в качестве ведущей темы балета – избирает не правление императора, а существование юной, незапятненной грехом души в жестоком мире аристократии.

События спектакля охватывает период наследничества Павла, не показывая его восхождение на трон и последующего кровавого убийства. При этом «умирает» герой в каждой сцене: насильственная гибель отца (Петра III), постоянно обостряющиеся отношения с матерью (Екатериной Великой), первое чувство и его утрата (убийство супруги Натальи Алексеевны фаворитом императрицы) оказываются для юноши роковыми. Драматические потрясения разрушают психику персонажа: к моменту своей коронации Павел приходит измученным, глубоко больным человеком.

Противостояние Наследника и его окружения заложено Эйфманом в музыкально-хореографической драматургии балета. Для искрящихся весельем массовых эпизодов постановщик выбирает оптимистичные первые части и скерцо симфоний Бетховена. Для пронзительных сольных монологов героя - лирико-трагические адажио и скорбные малеровские финалы.

При пластической изощренности и тех, и других, главное достоинство спектакля – выразительные, выполненные на острие ножа ансамбли. Особенно впечатляет терцет Екатерины, Павла-ребенка и взрослого Павла-наследника), с фирменными эйфмановскими подбрасываниями и выкручиваниями партнерши. Нельзя не отдать дань солистам труппы Эйфмана - Олегу Габышеву (Павел), Марии Абашовой (Императрица), Любови Андреевой (супруга Павла), технически и актерски выложившимся по-максимуму.

Несмотря на мрачный психологизм балета, ощущения безысходности у зрителя не возникает. Преодолевается оно, во многом, благодаря роскошной сценографии. Художник Вячеслав Окунев сочинил монументальную декорацию с изображением солнца (символ императорской власти), подчеркнул тела и движения танцовщиков стильными аксессуарами – чего стоит хотя бы шлейф платья Екатерины, перекрывающий всю сцену. Автор световой партитуры Александр Сиваев искусно использовал контрафактурное освещение — часто вместе с исполнителями на сцене мелькают их тени.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18670
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июл 28, 2017 1:12 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017072804
Тема| Балет, "Летние балетные сезоны", Гастроли, Персоналии, Жереми-Лу Кер, Антуан Киршер
Автор| корр.
Заголовок| Артисты Парижской оперы выступят на "Летних балетных сезонах" в Москве
Где опубликовано| © РИА Новости
Дата публикации| 2017-07-28
Ссылка| https://ria.ru/culture/20170728/1499317296.html
Аннотация| ГАСТРОЛИ

В рамках "Летних балетных сезонов", которые проходят в Москве с 1 июля, молодые танцовщики Парижской оперы Жереми-Лу Кер и Антуан Киршер исполнят партии Ромео и Меркуцио в балете "Ромео и Джульетта" Сергея Прокофьева, сообщили в пресс-службе "сезонов".

Спектакли состоятся на сцене Российского Молодежного театра (РАМТ) 28 и 29 июля.
Жереми-Лу Кер участвует в московских "Летних балетных сезонах" второй раз. В прошлом году он блестяще исполнил главные партии в спектаклях "Щелкунчик" и "Дон Кихот".

"Для меня большая радость и честь танцевать для российской публики. Она по-хорошему ненасытна, любит балет и требует от тебя полного включения, полной отдачи. Конечно, выступать перед таким искушенным зрителем — очень ответственно", — сказал в интервью РИА Новости артист.

По словам танцовщика, ему нравится, что "Летние балетные сезоны" дают зрителям возможность увидеть много классических балетных постановок в исполнении разных трупп.

"Я не знаю других стран, где это было бы столь доступно. Для москвичей и гостей столицы такой фестиваль, кстати, он самый продолжительный из тех, в которых я участвовал, — настоящий подарок", — подчеркнул артист.

Жереми-Лу Кер исполнит партию Ромео в балете "Ромео и Джульетта" Прокофьева.
"Ромео — одна из самых потрясающих ролей, которую мечтает исполнить, наверное, каждый танцовщик. Обычно в классических постановках драматическая часть отдана героине, но в таких балетах, как "Ромео и Джульетта" именно герой несет ответственность за развитие сюжета, "двигает" действие и его игра очень существенна. Признаюсь, я люблю играть чуть больше, чем танцевать, поэтому роль Ромео — просто мечта для меня", — сказал артист.

Вслед за французами, участниками "Летних балетных сезонов" в Москве станут итальянцы. Балетная труппа Compagnia Nazionale представит 2 августа современное прочтение знаменитого "Лебединого озера", а 3 августа — балет "От танго до болеро".
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18670
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июл 28, 2017 7:12 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017072805
Тема| Балет, Михайловский театр, Персоналии, Михаил Мессерер
Автор| Дмитрий Грозный
Заголовок| Вопреки людоедскому режиму
Где опубликовано| © "Деловой Петербург"
Дата публикации| 2017-07-27
Ссылка| https://www.dp.ru/a/2017/07/27/Vopreki_ljudoedskomu_rezhimu
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Михаил Мессерер, главный балетмейстер Михайловского театра, поговорил с "ДП" о работе с Рудольфом Нуреевым, последствиях танцевальной глобализации и сталинских балетах.


Михаил Григорьевич, редко так бывает, но в последние недели балет все время в топе новостей. На днях худрук Михайловского театра Владимир Кехман ушел со своего второго поста — гендиректора Новосибирского театра оперы и балета. Что это означает для Михайловского театра?

— В России много примеров, когда один человек руководит несколькими культурными учреждениями. Возьмите Валерия Гергиева, который успевает быть в стольких местах, как в нашей стране, так и за границей. Так что в принципе Владимир Кехман справлялся с двумя театрами легко и непринужденно. А как дальше развернутся события… Я не верю в то, что он полностью оставит Новосибирский театр, в который он вложил столько усилий. А в каком качестве он будет далее прилагать там свои силы — увидим в будущем сезоне.

Ульяна Лопаткина объявила об уходе из Мариинского театра, Диана Вишнева — об уходе из Американского театра балета. Эти фигуры — символы русского балета 10–20 последних лет. Нас ждет безвременье?

— Из классической литературы мы знаем, что разговоры о безвременье идут в течение последних тысячелетний. И оно до сих пор так и не наступило. Поэтому эти выдающиеся имена, я надеюсь, не последние, о которых мы услышим. Мне лично как зрителю жаль, что я не смогу увидеть в Мариинском театре ни, скажем, Константина Сергеева, ни Наталью Дудинскую (одни из самых известных танцовщиков середины XX века. — Ред.), а теперь и Ульяну Лопаткину. Но Диана Вишнева, слава Богу, танцевать продолжает.

Балет "Нуреев" стал знаменитым, несмотря на то что его никто не видел: спектакль отменили за 3 дня до премьеры. Но были видеозаписи, благодаря которым одни эксперты говорят, что это выдающийся балет, другие — что выдающаяся провокация. Вы смотрели?

— Не считаю себя вправе комментировать балет, который я не видел.

Большинство споров вызывает даже не сам балет, а эпатажное фото Нуреева, которое демонстрируется во время балета. Насколько это оправданно на сцене Большого театра?

— Могу лишь повторить, что не могу комментировать спектакль, которого не видел.

А с самим Нуреевым вы много общались?

— Да, он много занимался у меня в классе в Королевском балете в Великобритании, в театре Ла Скала, в Берлинском балете. И я бывал у него дома. Это было в 1980–е годы. Рудольф был абсолютным трудоголиком. Работал без продыха, и, похоже, сутки длились у него часов тридцать пять… Он репетировал целый день, ставил спектакли, выступал практически ежевечерне, утром опять репетировал, и казалось, что слово "усталость" ему незнакомо: по вечерам у него оставались силы пригласить друзей на ужин к себе в дом в лондонском Ричмонд–парке. Угощение неизменно включало вкуснейший луковый суп с добавлением нескольких капель красного вина. Несмотря на всю свою занятость, Рудольф успевал еще очень многое, например слетать на аукционы антиквариата. Он хорошо разбирался в старинных вещах, в частности, коллекционировал мебель и ковры.

Череда скандалов связана с фильмом "Матильда", который тоже никто не видел, но предлагают запретить. Фильм, посвященный балерине Матильде Кшесинской, снимали в Петербурге, в нем участвовало много танцовщиков. А вас не приглашали для консультаций?

— Нет, не приглашали, к сожалению, я бы с удовольствием это сделал. Фильм не видел, понятия не имею, что там. Опять–таки, как можно комментировать!

У нас наступило такое время, когда беспрерывно кто–то чем–то оскорбляется…

— История сложная была у России…

Завтра в Михайловском театре состоится прогон нового балета "Золушка". Балет 1945 года. До этого в театре восстановили "Пламя Парижа" 1932 года и "Лауренсию" 1939–го. Это балеты эпохи, которая в России однозначно ассоциируется со Сталиным. В России мы вообще сейчас наблюдаем небывалый сталинский ренессанс. Почему именно эта эпоха вас так интересует?

— Муж моей тети был расстрелян, другой дядя много лет провел в лагере и, выйдя оттуда, скончался. Да и вообще, с моей биографией, кажется, меня вряд ли можно обвинить в пристрастии к каким–либо тоталитарным тенденциям. И моя позиция состоит в том, что, восстанавливая балеты того времени, мы не восхваляем Сталина — мы восхваляем Ростислава Захарова, Василия Вайнонена, Вахтанга Чабукиани, Асафа Мессерера и Константина Сергеева — людей, которые творили вопреки людоедскому режиму. И то, что ставим балеты тех лет, — не более чем совпадение.

Я стараюсь дать артистам возможность познакомиться с различными стилями. Наша труппа стоит на трех китах: классике XIX века, современных балетах и балетах того периода, который вы называете сталинским. В 1960–х годах хотели обновления, но выплеснули вместе с водой ребенка, кто–то решил, что все спектакли были плохими. Главная претензия — что они якобы нетанцевальные. Но это явно не так! Я уже много раз повторял, что мы не должны забывать свое прошлое, мы его должны как минимум знать.

Для восстановления же "Золушки" было несколько причин. Недавно прошел юбилей Сергея Прокофьева, предстоит юбилей Ростислава Захарова — первого постановщика этого балета. Мы решили восстановить именно ту самую — первую постановку Большого театра.

Как сейчас восстанавливать балет, понятно: для начала надо включить видео. Но насколько точно можно воспроизвести балет, если пленок не сохранилось или их тогда вовсе еще не было?

— Мы должны понимать, что балет все–таки не музейный экспонат: вот у нас стоят старинные часы, и их можно скопировать. А спектакль прошел вчера вечером, а сегодня он будет уже слегка другим. Что же тогда говорить, если спектакль не шел несколько десятилетий! Без изменений (да и то, почти без) можно лишь постараться восстановить костюмы и сделать декорации по эскизам того же автора. Поэтому я никогда не говорю, что мы делаем спектакль именно таким, каким он был когда–то.

Перед началом работы всякий раз я себе задаю вопрос: как бы сам автор сегодня восстановил собственный спектакль? Пытаюсь поставить себя на его место. А когда восстанавливал балет "Лауренсия", то вспомнил о разговорах Вахтанга Чабукиани с моей мамой — я был тогда еще юношей. И Чабукиани говорил, что по–другому хочет поставить этот балет, если появится возможность. И гениально показывал, как бы он это сделал. Спектакль меняется даже при жизни автора. И его надо обновлять, потому что иначе он умирает.

Что будет после "Золушки", вы уже знаете?

— Тут мы упираемся в финансирование. Имея бюджет на одну премьеру в сезон, мы должны сделать из этого полностью успешный проект. Вы не должны забывать, что у нас театр городского подчинения и наш бюджет несравним с бюджетами, скажем, Мариинского или Большого театров. Мы не можем позволить себе такое количество премьер, поэтому тщательно продумываем, что поставить. Делаем что можем. Было очень важно получить финансирование для "Золушки": балет трехактный, занята вся труппа, дорогое оформление, дорогие видеоэффекты.

Сделать спектакль за очень большие деньги — это прекрасно. И тем, у кого есть такая возможность, хочется завидовать. Особенно если спектакль вышел удачным.

Владимир Кехман говорил, что бюджет Большого театра в 10 раз больше, чем ваш…

— Вот именно. То, что нас называют в одном ряду с театрами, которые имеют бюджет и дотации в 10, а то и в 12 раз больше, очень лестно для нас.

Балет всегда существовал за счет меценатства. Известно, что Дягилев, по сути, был хорошим фандрайзером. У Михайловского много меценатов?

— Мы пользуемся помощью нескольких меценатов, очень благодарны им за поддержку, они люди скромные, не очень любят быть названными. Могу сказать, что "Пламя Парижа" и "Класс–концерт" мы сделали с помощью академика Астафьева (владелец компании "ЛенСпецСтрой". — Ред.), ряд наших спектаклей поддержал Тошихико Такахаши.

Почему, если говорить в среднем по миру, балет недооценен по сравнению с оперой?

— Опера уже очень элитарное искусство. А балет, наверное, еще более элитарен.

Но в России–то ситуация обратная: в Европе билеты на оперу стоят дороже, а в России — на балет?

— В России балет, как известно, больше, чем балет: это одна из областей, где российское искусство впереди планеты всей. Популярность русского классического балета во всем мире несравненна. Думаю, что большинство россиян знают об этом и принимают балет как нечто свое.

Постоянно слышу разговоры экспертов, которые говорят, что в балете все плохо, танцевать некому, уровень подготовки катастрофически упал…

— Я в балете 60 лет и все эти 60 лет слышу эти разговоры. Не уверен, о чем именно ведут речь сейчас.

С одной стороны, понимаю, что часто кажется, будто в прошлом трава была зеленее: мы же знаем, что в 568 году до н. э. были найдены скрижали, на которых было написано, что в прошлом все было лучше…

С другой — если классический балет (а это материя нежная) не пестовать, он действительно может исчезнуть, и будет жаль: я нахожу классический балет одним из высших достижений человеческой цивилизации. Проблему же вижу в некоей всеядности зрителя, который из–за количества получаемой сегодня информации перестает различать, что есть что, удовлетворяясь любым танцевальным действом.

Тема "пора валить" очень популярна и в молодежной среде, и среди состоявшихся людей. Вы не понаслышке знаете, что это значит — "свалить": вы остались в Японии во время гастролей Большого театра в 1980 году. Причины, по которым уезжали вы, и причины, по которым уезжают сейчас, — разные или нет?

— Мои причины известны: хотелось жить свободно, чтобы дети и внуки рождались свободными людьми. Мне хотелось ездить куда пожелаю, работать там, где меня приглашают, и свободно говорить то, что я считаю нужным, да и мыслить свободно. Но это было давно. А по какой причине уезжают люди сейчас, я не стану утверждать — у каждого причина немного своя.

В то время "свалить" было однозначно опаснее…

— Риск был огромный, конечно. Я знаю, что далеко не у всех людей все складывалось. Но, слава Богу, я был уверен в своих силах и не обманулся. Но не могу переносить это на сегодняшнюю ситуацию. Балетные артисты, уехав, всегда могут вернуться. Например, одна из моих главных профессиональных задач — следить, чтобы в Михайловском балете сохранялся единый стиль, поскольку многие наши артисты — бежавшие из других театров. И с Запада к нам тоже "бегут". Раньше об этом невозможно было подумать, чтобы уезжали с Запада в Россию. Но у нас в труппе помимо россиян есть американцы, танцовщики из Восточной и Западной Европы, из Японии, даже из Новой Зеландии…

Скажите откровенно, кому вы завидуете?

— Стараюсь давить в себе подобные порывы. Во–первых, прежде чем руководить другими, надо научиться руководить самим собой. И, когда я чувствую, что прорастает что–то вроде зависти или схожие негативные чувства, я в себе это душу на корню.

А кому я завидую белой завистью, если такая существует… В жизни — никому, а в искусстве я, конечно, признаю выдающийся талант многих: например, хореографов Алексея Ратманского, продвинувшего Большой театр в XXI век, и Жан–Кристофа Майо, создавшего авторский театр в Монте–Карло, не говоря уже о таких китах, как Джордж Баланчин или Нинет де Валуа, которая создала лондонский Королевский балет… Преклоняюсь перед ними. Или перед Касьяном Голейзовским. Он считался почти антисоветским хореографом, из–за чего у него были серьезные проблемы. Но то, что он делал в первой половине XX века, смотрится сегодня не менее современно, чем произведения сегодняшних творцов.

Топ–менеджеру важно, чтобы его сотрудники выкладывались на 100%. Как сделать так, чтобы ваши сотрудники, артисты балета, танцовщики выкладывались на 100%? В России есть два признанных метода — метод кнута и метод пряника. В балете, насколько я могу судить, кнут намного популярнее.

— Не люблю критиковать коллег, но мой метод — добро побеждает зло. Восьмилетний опыт в этом театре и весь предыдущий опыт работы на Западе показывает, что артист балета должен обязательно чувствовать себя комфортно в зале. И тогда ты добиваешься намного больших результатов.

Сейчас на всех главных балетных конкурсах побеждают артисты из Китая, Кореи и Японии. Существует ли угроза, что весь мировой балет будет made in China?

— Просто балет глобализовался. К примеру, когда–то моя мама начинала школу балета в Японии. Проблема еще в том, что в конкурсе часто выигрывает человек, чьи трюки производят наиболее сильное впечатление. Я понимаю членов жюри: конкурс в искусстве — вещь сложная, а уж балетные исполнители тем более не укладывается в рамки соревнований. Трудно оценить одухотворенность и массу других вещей. Для этого нужно смотреть спектакль целиком. Поэтому зачастую побеждает техническая оснащенность.

Другое дело, что многие замечательные педагоги в свое время были вынуждены уехать из России. Многие из них — в Японию, в Корею, в Китай. И за счет этого азиатский балет шагнул вперед. И если лучшие педагоги, условно, будут находится в Австралии, то австралийцы будут побеждать. А если в Люксембурге — то люксембуржцы…

Вы когда–нибудь видели хорошее кино про балет?

— Понятно, что любому полицейскому детективные фильмы смотреть смешно. Так же и балетным людям подчас смешно и тяжело смотреть фильмы про балет. И, какая бы великая актриса ни играла роль балетного педагога, мне понятно, что она не должна так ходить по репетиционному залу, как она ходит в фильме. Но это смешно мне, а нормальному зрителю вполне интересно.

Так же как мне любопытно смотреть фильмы про профессиональных боксеров.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9  След.
Страница 7 из 9

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика