Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2017-06
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9, 10  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18365
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Июл 02, 2017 9:57 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017063105
Тема| Балет, Академия русского балета им. Вагановой, Выпускной спектакль
Автор| Роман Володченков
Заголовок| Гастроли Академии русского балета в Москве. Явление третье
Где опубликовано| © портал "Музыкальные сезоны"
Дата публикации| 2017-06-27
Ссылка| http://musicseasons.org/gastroli-akademii-russkogo-baleta-v-moskve-yavlenie-trete/
Аннотация|

Уже третий год подряд в Москву с отчётным выпускным концертом приезжает петербургская Академия русского балета имени А. Я. Вагановой. На выступления юных артистов этого знаменитого учебного заведения стремится попасть и балетный люд, и разнообразная интересующаяся публика, и представители бомонда.



Интерес к академии подогревается не только её почти трёхвековой историей, но и деятельностью её нынешнего ректора Николая Цискаридзе – блистательного танцовщика и в недавнем прошлом премьера Большого театра России.

Н. Цискаридзе – образованный, талантливый и амбициозный руководитель – делает немало для вверенного ему хореографического учреждения. С тех пор, как он появился в академии, уровень обучения здесь повысился значительно, да и престиж школы растёт буквально день ото дня. Учащиеся Вагановки немало гастролируют, ведётся активная научная работа (один из примеров – выпуск пятитомной хроники «Петербургский балет. Три века»), выпускаются полезные учебные пособия и книги о выдающихся деятелях петербургского балета. Всего и не перечесть. Столь многогранна и масштабна работа ректора и его команды, стремящихся делом доказать свою профессиональную состоятельность.

Нынешняя московская программа академии – объёмная, сложная по репертуару, разнообразная по стилям, представляющая учащихся разных возрастов. Она состояла из трёх отделений, в первом из которых была показана «Фея кукол» Й. Баера в хореографии братьев С. и Н. Легатов (возобновление и редакция Н. Цискаридзе), во втором – картина «Школа танца» из балета «Консерватория» датского классика Августа Бурнонвиля, «Венгерская рапсодия» Ф. Листа в хореографии Льва Иванова и «Классическая симфония» С. Прокофьева в хореографии Леонида Лавровского. Третье отделение, венчающее, как редкий по красоте бриллиант императорскую корону, балетное действо – это «Пахита» в хореографии Мариуса Петипа в редакции Юрия Бурлаки и Николая Цискаридзе. Столь изысканным балетным меню публика насыщалась с наслаждением гурманов, и лишь очень редкие зрители заполненного шеститысячного зала Государственного Кремлёвского дворца покидали его только к третьему отделению.

«Фею кукол» (хореография 1903 года, редакция 2016 года), с возобновлёнными по эскизам Льва Бакста костюмами и декорациями, Н. Цискаридзе привозил в Москву и в прошлом году. И тогда, и сейчас этот театральный, по сути, дивертисментный балет был очень живо воспринят. Выдержанный в эстетике мирискусников спектакль вводил зрителей в атмосферу закрытого кукольного торжества с танцами разных народностей. Завершало череду механических по пластике выступлений классическое па-де-труа Феи кукол и двух влюблённых в неё Пьеро. В этих партиях показались Элеонора Севенард, Павел Михеев и Оскар Фрейм. Их танец отличался лёгкостью исполнения технических элементов и живым актёрством.

«Консерваторию» А. Бурнонвиля 1849 года (один из сохранившихся шедевров датской танцевальной классики) специально для академии возобновила Дина Бёрн Ларсен. Этот балет хорошо воспитывает тела танцовщиков, даёт им особую закалку и необходимые навыки. «Консерватория» – один из главных уроков балетного прошлого. Без него цепочка из последующих танцевальных творений распалась бы. Перенести в академию столь яркий хореообразец – тактически верное решение ректора, всесторонне образовывающего свою балетную поросль. Освоив «Школу танца» Бурнонвиля, юные артисты уже в театре будут смелее ощущать себя в сложной технике заносок и более внимательно относиться к рисунку танца партий разных направлений и стилей. Здесь, в «Консерватории», запомнились солисты Оскар Фрейм – Балетмейстер, Влада Бородулина – балерина Элиза и Александра Коршунова – балерина Виктория, а воспитанники младших классов и студенты старших курсов, прилежно заучившие непростой текст кордебалетных партий, привлекли целостным и завершенным ансамблем.

«Венгерская рапсодия» Льва Иванова на музыку Ференца Листа – свежий эксклюзив академии выпуска 2017 года. Возобновлением этой характерной хореографической сюиты 1900 года занималась Ирина Генслер, известная танцовщица и педагог петербургского балета. Она, искренне преданная своему делу, поставила перед собой трудную задачу – на примере известного, но забытого материала показать заметные преимущества характерного танца, его выразительных средств. Начиная с торжественного выхода и кончая финалом, «Рапсодия» прозвучала как развёрнутый одноактный бессюжетный балет, погружающий в стихию гордого, с царственным апломбом венгерского танца.

«Классическая симфония» С. Прокофьева – образец танцевальной классики, созданной лидером «драмбалета» Леонидом Лавровским для Московского хореографического училища в 1966 году. Через год после этого балетмейстера не стало.

Вдохновлённый первыми гастролями труппы New York City Ballet Дж. Баланчина, Л. Лавровский решил попробовать создать балет в духе того, что делал его бывший соотечественник в США. А Баланчин, ориентировавшийся на опыт симфонического балета Фёдора Лопухова, тогда, за океаном, успешно продолжал традицию содержательного, но бессюжетного балета. После смерти Л. Лавровского его «Классическая симфония» довольно долго оставалась в репертуаре Московского училища и продолжала быть тем танцевальным текстом, на котором выросло не одно поколение талантливых артистов балета. Специально для Вагановской академии спектакль возобновил сын балетмейстера Михаил Лавровский, и в этой своей работе ему удалось обратить внимание на значительную роль мужского классического танца. В четырёхчастной танцевальной симфонии именно юноши правят балом, демонстрируя галантность, изящество и виртуозные качества балета.

Пик успеха концерта пришелся на «Пахиту» Мариуса Петипа (хореография 1881 года, редакция 2017 года), где постановщики и артисты показали и мастерство, и подлинный профессионализм. Трудно найти прорехи в данном спектакле. И декорации, и костюмы, и свет, и грим, и причёски, и сами исполнители – всё оказалось высокого художественного уровня. Оставалось только бесконечно удивляться, как и в какие сроки ректору и его педагогам удалось так качественно всё отрепетировать и показать уровень театра, а не учебного заведения!

Элегантным вступлением к гран-па стали исторические бальные танцы (полонез, контрданс, гавот, котильон) – часть важного направления в обучении артистов балета. Благодаря историко-бытовому танцу будущие исполнители усваивают основы стилей разных времён и эпох. Старательно и достаточно раскрепощённо станцевали па-де-труа Влада Бородулина, Александра Коршунова и Руслан Стенюшкин. Ровно, с артистической подачей исполнили полонез и мазурку воспитанники младших классов. Каждая из пяти женских вариаций была исполнена как яркий мини-спектакль, как выход для каждого отдельно сидящего в зале, как классическая миниатюра, в которой есть и манера, и апломб. А ведущие солисты в гран-па Элеонора Севенард и Егор Геращенко заставили сомневаться, что они ещё не артисты академического театра, настолько уверенным и слаженным был их танец.

Подводя итоги Вечера Академии русского балета имени А. Я. Вагановой в Москве, отмечу и высокий уровень нынешнего исполнения, и значительный рост профессионализма в сравнении с прошлогодним выступлением. Если в подобном русле будет и дальше развиваться школа, то и весь русский балет в скором времени ожидает период подлинного ренессанса.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18365
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Июл 02, 2017 11:14 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017063106
Тема| Балет, НОУ, Персоналии, Екатерина Кухар
Автор| фото: Ксения Орлова
Заголовок| Железный характер хрупкой примы-балерины
Где опубликовано| © Портал "Хочу" (Украина)
Дата публикации| 2017-06-22
Ссылка| http://hochu.ua/cat-health/longread/article-76789-balet-iskusstvo-na-grani-vyizhivaniya/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Железный характер хрупкой примы-балерины: кровь в пуантах, диеты и беременность, нервы и гастроли. Я не заметила, как Она вошла (балерины, видимо, и в жизни слегка парят над землей). Моя героиня — Екатерина Кухар, прима-балерина Национального театра оперы и балета Украины. Нет, она не хрупкая. Она "полупрозрачная", говорит тихо и плавно, и кажется, что даже слова ее грациозны.



Мы решили с Екатериной поговорить про балет в связке обывательских вопросов: какие бывают пуанты, а правда, что пальцы ног в крови, а почему юбки разной длины, а сколько весят балерины... Ведь чем больше узнаёшь про балет, тем сильнее им интересуешься и глубже понимаешь.
Если так исторически сложилось, что балет от вас совсем далек и про Екатерину Кухар вы знаете мало, то сводим на нет это безобразие. Во-первых, стоит запомнить: это украинский бриллиант балетного искусства. Имя, которым каждый из нас может гордиться, потому что гастрольный тур Екатерины состоит из аншлагов и сплошных оваций стоя!

В 5 лет в песочнице ее природную стройность и пластичность заметил тренер с художественной гимнастики. Екатерину берут в уже сформированную группу, в середине учебного года, и с этого началась стремительная карьера Кухар.

Спустя время Кухар обгоняет сверстников, закончив экстерном с отличием Киевское государственное хореографическое училище.

Будучи на первом курсе (!) блестяще дебютировала в партии Маши в балете «Щелкунчик» на всемирно известной сцене Bunka Kaikan в Японии.
Сегодня в Национальной опере Украины Екатерина исполняет ведущие роли практически всего репертуара.

Танцует в паре с мужем, Александром Стояновым, с заслуженным артистом Украины, премьером Национальной оперы Украины. Лондонский балетный критик Мэгги Фоер называет их дуэт самой красивой балетной парой Европы.

Балетная пара воспитывает двоих детей, 8-летнего Тимура и 2-летнюю Анастасию.


Екатерина, балет – это искусство для избранных? Может ли каждый человек практиковать занятия балетом?

Поступить в хореографическое училище может не каждый. До начала нужно пройти три тура:
1. Внешние и физические данные.
2. Медкомиссия.
3. Танцевальность и чувство ритма.
Смотрят плоскостопие, спинку, сердечко (как реагирует на нагрузку), зрение…. Если что-то не в норме, то нельзя заниматься. Например, физические регулярные нагрузки сильно влияют на зрение.

На пуанты ставят профессионально с 10-11 лет и начинают с элементарных легких движений (Suivi, Relevé). Начинать занятия балетом нужно в детском возрасте, примерно в 3-5 лет.

А как родителям определить предрасположенность ребенка к балету?

Если родители видят хрупкое телосложение ребенка (мы говорим про мягкую мышцу, тонкую кость и т.д.), музыкальность, пластичность, то стоит показать ребенка профессионалу. Для начала это может быть танцевальный кружок, художественная гимнастика, а потом, будьте уверены, преподаватель предложит развить талант, если он себя проявит.

Меня в 5 лет случайно заметила тренер по художественной гимнастике, когда я с бабушкой играла в песочнице. Конституция была видна невооруженным взглядом, и несмотря на то, что была уже половина учебного года, меня пригласили на занятия. Проверили мою гибкость и пригласили уже в сформированный состав группы.

Для взрослого, который только начинает заниматься балетом, как и сколько надо заниматься?

Взрослому человеку для поддержания формы, для осанки, для растяжки достаточно классического урока, который состоит из 4 компонентов. Начинается со станка, потом переходит на экзерсис без станка, «середина» прыжки, пуанты. Этот комплекс называется «балетный класс», и длится он около часа. Для начинающих сессии у станка достаточно.

Идеально, как у нас: все дни, кроме понедельника. То есть у нас один выходной в неделю. Хорошо, когда человек приучает себя к определенному режиму. Например, если танцор делает «станок», то в идеале в одно и то же время, например, в 10 часов утра. Стабильный и регулярный режим приучат организм работать по часам.

Заниматься надо минимум 3 раза в неделю. Два раза для взрослого человека мало, потому что тело в возрасте сложно поддается растяжкам и выворотности. Это сложнее наработать, чем в молодости.

А правда, что лучше заниматься вечером, потому утром после пробуждения мышцы только проснулась и не прогретые?

Это полная ерунда. Может, это работает для сов, которым такой режим просто-напросто комфортен. Для всех театров мира классический урок начинается утром, в 10-11, и заканчивается в 11-11. Если человек занимается непрофессионально, то, конечно, он волен выбрать комфортный для себя режим.

Я, например, утром, после пробуждения, первое, что делаю, пью воду и ложусь на коврик качать пресс, прокачиваю спину и руки гантельками.

Расскажите про растяжения. Как вы справляетесь с ними?

Три месяца назад мы ездили в Днепропетровск на спектакль «Дон Кихот». Приезжаем, а там белый скользкий линолеум – как стекло. У меня был шок. Я натерла канифолью (так обычно делают, когда скользкий пол), Гейнор (они не такие скользкие, как Гришко), но все равно было скользко, как на катке. Очень опасно. А «Дон Кихот» – это же не «Лебединое озеро», плавненько не получится. Это испанский характер, резкие движения, страсть и темперамент… Из-за страха упасть, мои мышцы, видимо, были напряжены, и после прыжка в кольцо почувствовала, что потянула ногу. Что я делала? Из средств спасения пользуется популярностью народный метод: обвязываем больное место красной шерстяной нитью. Нужен покой. Используем и противовоспалительные мази. Можно применять массажи, магнит, ультразвук. Все эти процедуры очень способствуют заживлению.

ЧТО ЗАПРЕЩЕНО БАЛЕРИНАМ

А есть смежные занятия, которые противопоказаны, когда занимаешься балетом?
Например, я одновременно училась игре на баяне и фортепиано, и были проблемы с большим пальцем: из-за грифеля он был вечно оттопырен, тогда как для фортепиано эта позиция рук неприемлема. Есть такие нюансы с балетом?


Я точно помню, что в детстве нам категорически запрещали надевать коньки, потому что они развивают плоскостопие.

С ума сойти! А все говорят «балет на льду» – ощущение совершенно родственных занятий.

Абсолютно нет. Вы обращали внимание на ноги фигуристок? Они специфически прокачаны: без тонких линий, немного жилистые, ярко выраженные галифе и икры. Безусловно, это не есть плохо, просто для балета нехорошо, потому что смотрится не очень в пачке, линии уже не такие плавные и мягкие.

Также балеринам не рекомендуют конным спортом заниматься, чтобы избежать «колеса». Ну и лыжи, парашютный спорт в силу травматизма. Не стоит забывать, что артиста балета кормят ноги.

ОКРОВАВЛЕННЫЕ ПАЛЬЦЫ НОГ

Если мы говорим «пловец», то подразумеваем широкую грудную клетку, мощный скульптурный торс, говорим про теннис – прокачанные руки. А если мы говорим про балет – это всегда только изящество и хрупкость? Или окровавленные пальцы ног?


Это зачастую утрирование в интернете. Да, бывает, что мы растираем пальцы до крови и мяса, но это случается обычно в училище, когда балерина незрелая и еще не понимает своих «точек невозврата». У каждой из нас должны быть свои подходящие пуанты (на рынке представлено множество) – да, их надо правильно выбрать и понимать нагрузку. Разные виды пуантов под разные танцевальные задачи, и формируют они, конечно, свои профессиональные мозолики. Как и у человека, который постоянно пишет ручкой.

В училище, чтобы не стесать нежную детскую кожу нас учили обматывать ленточкой все пальцы на ногах. Но, конечно, это не всегда помогало: когда ты занимаешься, то не чувствуешь боль. А когда уже снимаешь пуанты, картина бывает разная. Сейчас уже появились препараты, которые называют вторая кожа и растертые пальцы быстрее заживают. Раньше пользовалась народным методом: у варенного яйца между скорлупой и белком есть тонкая белая полупрозрачная прослойка, которую я наносила на пораженное место.

Первое время больно работать, особенно если пятка стерта. Но важно понимать, что любая профессия накладывает свой отпечаток, и балерины должны ухаживать за собой: сейчас много средств и много прекрасных мастеров педикюра. В настоящее время для репетиций и спектаклей я использую английские вкладыши. Всё не так страшно, как на картинках (смеется).

Сложно в нашем разговоре обойти вниманием Анастасию Волочкову (смеемся). Она опубликовала в своем Инстаграме однажды фото, которое совсем неприглядно показало ее ноги: боковая косточка, пальцы под углом и т.д. Это проблема всех балерин?

Да, косточки (подагра) есть практически у всех, поскольку девочки работают на пальцах и полупальцах, и нагрузка на сустав идет очень сильная. Есть такой нюанс: стоять ровно на пальчиках считается не очень красивым по классическим канонам. Признак «класса» – когда стопа изогнута арочкой, как птичка. Линия должна быть продолжением ноги, как бы удлинять.

Над этой «птичкой» балерины работают всю жизнь. Когда мы стоим на пуантах, основная часть нагрузки идет на большой палец и соответственно на косточку большого пальца от чего появляется большая нагрузка на сустав. Мне кажется, эта косточка начала у меня расти в 9 лет, когда я уже активно занималась в балетном училище. Я и йодную сетку делала, но не помогло… У всех обычно она вырастает в детстве, и так остается. У меня друг работает в Голландии и недавно написал, что его мечта осуществилась: он вырезал себе эти две косточки. После балета он начал работал моделью, и смог избавиться от этой проблемы. За свою балетную карьеру он, бедный, немало намучился с ногами: ему и стопы не хватало…

А что значит не хватало стопы?

Считается красивым, когда стопа изогнута, по-народному, большой подъем.

БАЛЕТНОЕ ТЕЛО – каким оно должно быть?

Что касается внешних данных, то как определить с детства, что ребенку просто Бог приказал заниматься балетом. Обычно говорят, что тонкая кость, изящная кисть… Это так?


Да, тонкая кость обязательно. Телосложение должно быть, как у арабского скакуна: тонкая щиколотка обязательна! Если у балерины некрасивая щиколотка, то линии потеряют свое изящество. Икры не должны быть ярко выраженными, проще говоря, накачанными. Ножки должны быть красиво очерчены, не «тумбочки». Конституция должна быть соответствующей: вытянутые мышцы и легкая кость. Кроме красоты, это еще и вопрос удобства: с балериной нужно делать поддержки, и парням легче работать с «невесомой» балериной, как и самой балерине прыгать на носочках и всячески «порхать». Зритель приходит смотреть на красоту, получить эстетическое удовольствие, и нужно это помнить.

В прошлом году я приехала в Парижскую консерваторию, меня позвали на госсэкзамен (первый раз в истории после Сержа Лифаря), было очень интересно смотреть, как танцуют представители других школ, другой национальности. И на этом госсэкзамене была одна девочка, идеально сложена, прекрасна технически, но лицо…. Когда она вышла, у всех был шок. Она по 5-балльной системе отработала на 5ку. Если бы не ее лицо, она могла бы уже заключить хорошие контракты, но ее лицо вызывало много вопросов. Мы, как практики, понимали, что ни один художественный руководитель не возьмет на себя такую ответственность и не выпустит ее в главной партии. Все ее будущие «удачи» – это редкие характерные персонажи, с естественным безобразием. Вот такие моменты бывают, и это была настоящая дилемма для комиссии.

ПУАНТЫ: они бывают разные?

Расскажите про пуанты: какие они бывают, как их выбрать, в чем особенности?


Их есть много вариантов. У нас в Украине представлены не все марки. Самая традиционная марка – Гришко, которая уже долго на рынке. В основном, все детки начинают заниматься на этих пуантах, потому что они изготовлены из натурального материала, что для ножки, которая формируется очень хорошо. Сейчас очень много балерин работает в Гейнор – это американская марка. Гришко в Америке стоит около 80-100 долларов. Здесь они стоят на порядок дешевле, около 900 грн. Гейнор в Украине – около 100 долларов.

Балерина для каждого спектакля выбирает себе определенные пуанты. Суть не в том, какая марка, а какие элементы на них надо будет исполнять. К примеру, «Спящая красавица» начинается с прыжочков – для этого берут пуанты более мягкие. Конечно, сразу мягкие они не становятся – ты должен отработать где-то месяц на репетиции в них, чтобы они стали удобными и можно было свободно выходить на сцену.

На вращения берутся пуанты более жесткие. Когда нужно скакать на пальчиках, то надо брать пуанты просевшие, и именно просевшие в районе пальчиков. Не каждая балерина умеет скакать на пуантах – это считается трюком. Вот мы привыкли 32 фуэте, круг тур пике, а простые скачки – трюк не менее сложный. Я не могу скакать, когда пуант жесткий и стопа из него вываливается. У каждой балерины есть набор пуантов под разные задачи. Раньше, когда я работала в пуантах Гришко и ехала на длительные гастроли, брала с собой приблизительно 24 пары пуантов.

24 пары!!! А сколько у Вас всего пуантов?

Да, приходится брать с запасом, потому что нет уверенности, что будут в магазине города, плюс важна моя колодка, мой размер. Интересно, что пуанты Гришко тоже ведь разные, с разными наименованиями: Майя, Фуэте, 2007 модель… У Гейнеров есть свои нюансы: пятачок может быть маленьким или большим, пяточка – низкая или высокая, стелька – мягкая или жесткая, ширина – полная или узкая, высота чашечки (корпус пуанта до пятачка) – может быть закрытая и более открытая…

Я в шоке, никогда бы не подумала, что они так отличаются…

Да (улыбается). А еще есть пуанты Блок, Фрид – это английские. Гришко – чашечка сделана из мешковины, стелька деревянная. Гейнор – он весь из пластика. Пуанты Гришко легко переделываются в балетки после того, как ломается стелька. Очень удобно в них заниматься: стопа выглядит, как будто в пуанте.

Гейнор бывают только пластиковые, и они, к слову, последние появились на рынке. Очень популярны за счет практичности: долго служат, можно бросить в стиральную машинку.

Снашиваемость пуантов зависит от графика и от того, насколько часто они используются. У меня сейчас в работе, например, 7 пар пуантов, и все их я знаю «в лицо» (смеется). Каждая пара – для отдельных элементов, определенных спектаклей.
Пуанты я всегда делаю под себя. Например, клею кожаный пятачок, расшиваю пяточку, чтобы не натирало. Пришиваю тесемки и резиночки для удобства.Дополняя пуанты различными нюансами, балерина делает их идеальными для себя.

МАКИЯЖ И ПРИЧЕСКИ

А яркий макияж балерины – это правда для того, чтобы и на галерке все видели эмоцию танцовщицы?


Недавно в Монреале у нас был зал на 3 тысячи человека. Просто представьте, что видит 3 ярус, галерка. И вот нам преподаватели говорят: ваши эмоции должны быть понятны зрителям 3го яруса. Но! Неестественно ярким гримом пользовались балерины раньше, а сейчас уже все используют обычный декоративный make up. Театральный грим намного реже применяется, чаще всего его используют мужчины, особенно для характерных партий.

А волосы все время собраны для того, чтобы подчеркнуть линию силуэта и для элементарного удобства?

А волосы не всегда собраны. В в спектакле «Кармен» у меня хвостик. В спектаклях «Шехерезада», «Ромео и Джульетта», «Мастер и Маргарита» у меня распущенные волосы как часть сценического образа. Но если в спектакле встречаются фуэте, то это всегда гулька, исключением является только спектакль «Лилея», в котором фуэте я кручу с длинной косой.

Я, к слову, обожаю эмоциональные спектакли, потому что переживать и воплощать на сцене страстные чувства, вытаскивать из себя Боль и Счастье и передавать публике – это настоящее актерское искусство.

А по поводу юбок: они бывают очень разные, от чего это зависит?

Это и каноны, и вопрос удобства, и характер героини, и эпоха. Длинные падающие юбки – это так называемые «шопенки». Костюм – это всегда про характер. Очень часто смена длины юбки балерины на протяжении спектакля – это метаморфоза ее характера, когда более длинная юбка означает взросление или смену состояния. Иногда это хитон (юбка от груди), если спектакль предполагает исторически отсылки к костюмам времени, когда девушки носили хитоны. Они могут быть, как в пол, так и до середины колена.
Всегда приятно танцевать, когда юбка не жесткая, а летящая. И если бы кто знал, как я не люблю колготки (смеется)

А белье есть определенное для балерин?

Да, специальное утягивающие белье для груди, потому что балерина в прыжке и прыгающая грудь – это вещи, которые не сочетаются. Трусики только телесные. Трико может быть разного цвета.

ДИЕТЫ И ВЕС, БЕРЕМЕННОСТЬ

Расскажите про диеты. Когда человек мало ест, то обычно говорят: «ешь, как балерина». У балерин и вправду такой скудный рацион?


По-разному. Завтракаю я мало, и это связано с тем, что просыпаюсь в 8, а в 10 утра у меня уже балетный класс, на который ты не можешь прийти с тарелкой каши внутри (смеется). Поэтому мой завтрак – это чашечка свежесваренного кофе, пару кусочков сыра, шоколадная конфетка и канапе. В идеале начать со стакана воды свой день, но я не могу проснуться без кофе, который, кстати, пью с лимоном. Цитрусы, вообще, очень показаны: это природный антиоксидант, витамин С полезен для иммунитета и кожи, сжигает лишние калории. Еще для поддержания фигуры ем ананас – хорошо сжигает жиры тоже.

А есть «запрещенка»?

(смеется) есть! Виноград, потому что он состоит из сплошной глюкозы. Когда я была второй раз беременна, на 7м месяце я оторвалась: меня можно было ничем вообще не кормить, просто миску винограда. И пришлось садить меня на диету. Еще долго выясняли, что влияет на набор веса: мучного не ела, сладкого не ела… Но всё хорошо в меру. Маленький кусочек торта можно съесть, но потом надо его согнать на беговой дорожке или в балетном зале.

А какой у Вас рост и вес, чтобы понимать всю «боль» ?

Рост мой 1 м 61, вес мой перед вторым декретом был 42 кг, сейчас чуть-чуть меньше, боюсь озвучивать (смеется). Кстати, с беременностью были интересные истории. Помню, перед второй так танцевала, что все подходили и говорили: «Ты какая-то другая». А я и вправду себя по-другому ощущала. Но еще ничего не понимала. И вот прихожу на репетицию, а танцевать не могу. Пошла к доктору, отстояла очередь с беременными, на меня еще все так смотрели, потому что щупленькая и худенькая.

Прошу доктора посмотреть, потому что, кажется, что в положении, а доктор:
- сколько Вы весите?

- 42 кг

- можете уходить, в Вашем случае это невозможно, поскольку у Вас совсем нет жировой прослойки.

Я настояла, чтобы меня обследовали, и потом у всех был шок.

Это, кстати, интересный момент, потому что многие говорят о том, что изнурительные диеты делают материнство недосягаемой мечтой для многих балерин..

Я, скорее, счастливое исключение из правил. Это редкость, когда у примы-балерины есть детки, а у меня аж двое. Многие боятся уходить в декрет, потому что никто не может предугадать, как это скажется на организме женщины. Есть такие, что не могут похудеть. Есть и противоположные случаи, когда балерины после родов «высыхают», будучи до этого сбитенькими. То есть вопрос формы очень важный, учитывая то, что мы нужны всем, пока мы в форме. А форму поддерживать в положении нельзя, если балерина ответственно относиться к своему новому статусу. Я уходила в декрет сразу, как только узнавала про беременность. Почему? Потому что помимо большой нагрузки может быть срыв: неаккуратный прыжок может запомнится на всю жизнь. Поддержка партнера – это давление на живот, на спину. Никто не может предсказать, предусмотреть и это не тот случай, где можно рискнуть.

Как долго Вы восстанавливались и возвращались?

Уже через три месяца после родов у меня был спектакль. Первый раз – премьера. Второй раз – обязал контракт. Пришлось бы платить огромную сумму неустойки. Но балет – это спорт, это характер, по-другому никак. Я уже через месяц после родов стала делать массаж, потом стала к станку и спустя три месяца танцевала.

КАК ПОНЯТЬ, ЧТО БАЛЕРИНА ТАНЦУЕТ КРАСИВО?

Как понять, что балерина потрясающе танцует? Есть визуальные маркеры профессионализма?


Балет – это, конечно, не точное искусство, не математика. Зритель смотрит на балерину и выбирает по своему ощущению. Балерина должна быть гармоничной и взаимодействовать со своим партнером, и музыкой. Балерина не может быть безучастной или показывать, что ей больно, или ее что-то раздражает.

Я очень не люблю, когда в паре нет контакта – это неинтересно смотреть. Это ж не спортивная гимнастика, где мы смотрим на то, как хорошо люди владеют своим телом, это история, которую рассказывают на сцене наши тела, жесты, мимика. Например, сцена сумасшествия в «Жизели» должна настолько пронизывать зрителя, чтобы побежали мурашки по коже. У меня бывает такое состояние, что я плачу – до такой степени вхожу в образ. Помню, в Америке я танцевала со слезами на глазах, иду со сцены, а муж за кулисами: «Боже, мне тебя так стало жалко».

То есть 32 фуэте – это механика, и ее для искусства недостаточно. Должна быть жизнь в каждом движении. Ты должен смотреть на балерину и не чувствовать, как трудно ей дались эти прыжки. Должна быть легкость – удовольствие для глаз зрителя.

ГАСТРОЛИ И ГРАФИК

Вы много гастролируете, не могу не задать два вопроса. Первый: как балерине выйти на международную сцену. И второй: позволяет ли профессия себя содержать?


Да, мы можем себя прокормить (смеется), но «премьерам» легче это сделать, потому что кордебалет редко приглашают на гастроли, и не всегда театр их отпускает.

Это всё работает как сарафанное радио. Свой первый спектакль заграницей я танцевала в возрасте 15 лет, когда бывший народный артист СССР Валерий Петрович Ковтун, любимый партнер Майи Плисецкой, меня заметил. Он готовил своего ученика к выступлению в Японии и выбрал меня для роли Машеньки в балете «Щелкунчик». А дальше, как снежный ком, обрастаешь знакомствами и предложениями.

Ты приезжаешь на World Ballet Gala – здесь собираются представители лучших балетных театров мира (Берлинская опера, Гранд Опера, Миланская опера, Шведский королевский театр) – и знакомишься с людьми, которые тебя запоминают и могут потом пригласить на гастроли.

Как часто Вы гастролируете?

Ну вот примерно мой график в мае: неделя Канады, две недели Америка, 4 дня Швеция, 3 дня Германия, а потом 3 дня в Кипре. Так выстроен месяц. К сожалению, при таком графике станцевать в Киеве не получилось.

Интересно, что сейчас корейцы являются одними из лидеров в балете. Я недавно была в Сеуле и поразилась, на какому уровне у них развита инфраструктура для занятия балетом. Просто поразительно, если вспомнить мой первый визит, когда по пятибалльной системе их уровень был на троечку. А сейчас они так «набрали» в технике! Почему? Потому что привлекают лучших специалистов, государство вкладывает огромные деньги в развитие своей культуры – они понимают, что балет – это имидж страны на международной арене. Отмечу, что костюмы у корейского балета – самые лучшие! Они идеальны не только по стилю, качеству, покрою, но и выглядят «дорого-богато» — расшиты россыпью камней Сваровски.

КАК ПРОЯВЛЯЕТСЯ ХАРАКТЕР В БАЛЕТЕ

Назрел вопрос характера и усталости. Балет – это постоянные нагрузки, физическое и моральное изнурение. Как Вы в сложные периоды, когда кажется, что эмоциональный фон на нуле, находите силы снова идти на тренировку и продолжать занятия? Как подзаряжаетесь?


У меня такой сложный этап был один-единственный раз – в училище, когда я выпускалась. Мы выпускаемся на третьем курсе, а уже на втором у меня было очень много практики, я много работала.

Так получалось, что у меня была двойная нагрузка: сначала преподаватель показывал элементы со мной, а потом еще я их повторяла в своей паре. Меня выпустили экстерном на год раньше, потому что по словам моего прекрасного педагога Татьяны Алексеевной Таякиной, мне уже в училище делать было нечего, можно идти работать (улыбается). Я на госсэкзаменах была единственной, кто делал 64 фуэте. После нагрузки в училище, я пришла в театр, и уже чувствовала перенасыщение. Я была просто не готова к новым свершениям, потому что не отдохнула от сделанного. Тогда я чувствовала усталость моральную.

Сейчас, уже будучи опытной балериной (улыбается), я понимаю, что очень важно правильно отдыхать. Важен хороший сон, хороший релакс с массажем для расслабления мышц и разгона скопившейся молочной кислоты (если она застаивается, то мышцы зажимаются, и потом при нагрузке травмируются).

Если я чувствую, что график совсем сумасшедший, я стараюсь хотя бы на день убежать «в семью»: побыть с детьми, уехать куда-то на море.

А как с «доброжелателями»? Такой талант и такой успех – наверняка есть те, кто не склонен видеть трудолюбие и упорство, а объяснять удачу иначе, употребляя нелицеприятные выражения. Как реагируете на колкие замечание и зависть?

Конечно, всем нравится ты не можешь. И чем выше планка успеха, тем больше доброжелателей. Как в балете, так и в другой профессии. Я научилась не реагировать на эти моменты, акцентировать внимание на работу. Подобных людей от себя отодвигаю и не возвращаюсь к ним больше никогда. Я открыта и доброжелательна, но если человек сделал для меня пакость, то он просто перестает существовать в моем мире. А вообще представьте, что было бы, если балерина, выходя на сцену один на один с публикой, думала о том, что там за кулисами думают ее коллеги (смеется). Надо просто иметь железные нервы (улыбается).

Не зря говорят, что балерина – это стальная хрупкость…

Да, слабые не выживают. Вас съедят, задавят и переступят.

А вы смотрели «Черный лебедь»? Насколько правдива балетная история в фильме?

Конечно, всё утрировано. Это американский фильм, и акцент на экшен, чтобы впечатлить зрителя. Но интриги, слезы, боль и конкуренция – это всё есть. От этого надо уметь отключаться: как в балете, так и на любой другой работе. Надо приходить в «зал», закрывать дверь и всё остальное оставлять за этой дверью. С работой надо быть наедине, отдаться ей и тогда будет результат. Балет и вовсе не прощает лжи и прогулов: в свете рампы видно все огрехи и помарки. И успех, как у Ахматовой: «Я знаю, ты моя награда за годы боли и труда».

А детям Вы хотели бы такой же карьеры?

Если честно, то сыну нет, потому что в нашей стране это пока еще неблагодарный труд (хотя мужчины в балете на вес золота). А для девочки – да! Это всегда прекрасно: это и осанка, и формы, и чувство ритма, и чувство прекрасного.

Кстати, по поводу вашего мужа, с которым вы вместе танцуете. Есть стереотипное мнение, что мужчины в балете – это некая манерность, жеманность и ни разу не мужественность. Но если задуматься, балет ведь больше про характер, про труд, про те же стальные нервы. Это ли не мужественность?

Да, это стереотип. «Женственные» парни сейчас есть во всех индустриях, и в балете тоже. Но прямая ассоциация с балетом – это неверно. Это мужественная профессия, которая требует колоссальной самоотдачи. Трико – это не значит жеманность. Наши мужчины в трико выполняют партии очень темпераментных и властных персонажей, глядя на которых ты усомнишься сразу в какой-либо присущей «женственности». Например, Тореодор в «Кармен». Приходите в балет, вникайте и интересуйтесь – Вы будете поражены глубиной и красотой этого вида искусства.

ФОТО репетиции: Ксения Орлова
===========================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18365
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Июл 02, 2017 12:26 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017063107
Тема| Балет, Тбилисский международный балетный фестиваль, Персоналии, Нино Ананиашвили
Автор|
Заголовок| Ананиашвили о важности Тбилисского международного балетного фестиваля
Где опубликовано| © Sputnik
Дата публикации| 2017-06-21
Ссылка| https://sptnkne.ws/eGh4
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Мировые звезды балетного искусства выступят на сцене Тбилисского государственного театра оперы и балета им. З. Палиашвили.

ТБИЛИСИ, 21 июн — Sputnik. Тбилисский международный балетный фестиваль стартует 21 июня в Тбилисском государственном театре оперы и балета им. З. Палиашвили.

О важности мероприятия для грузинской столицы рассказала худрук балетной труппы театра, прима-балерина Нино Ананиашвили.

"Я с полной ответственностью могу сказать, что количество тех столиц, которые заслуживают принимать фестивали балета, не так уж велико. И в этом списке Тбилиси занимает особое место благодаря своему грузинскому хореографическому наследию – благодаря Вахтангу Чабукиани и Вере Цигнадзе", — отметила Ананиашвили.

Фестивальные спектакли будут идти на сцене театра две недели, до 2 июля включительно. По словам Ананиашвили, гостям и жителям Тбилиси будет предложена разнообразная программа с участием артистов Грузинского государственного балета и мировых звезд балетного искусства.

"Особенно хочу поприветствовать первый визит в Грузию одной из лучших трупп Европы — Нидерландский Театр танца (NDT). Авангардный репертуар и совершенно отличная хореографическая лексика труппы, основанной в 1959 году, объясняет то, что на протяжении 60 лет NDT считается "фабрикой" мировой ведущей хореографии. Достаточно упомянуть имена Иржи Килиана, Ханса ван Манена, Руди ван Данцига, Начо Дуато, Пола Лайтфута и Соля Леона", — говорит прима-балерина.

Особенную благодарность за помощь в организации участия Нидерландского Театра танца NDT 2 в фестивале в Тбилиси Нино Ананиашвили выражает послу Королевства Нидерландов в Грузии Йоханессу Дюма.

"Я также хочу поприветствовать моих коллег – звезд ведущих мировых балетных трупп, которые с удовольствием согласились принять участие в фестивале, и выразить надежду, что их визит в Грузию не будет последним. Я верю, что мы будем встречаться друг с другом ежегодно", — отметила Ананиашвили.
Нино Ананиашвили является художественном руководителем фестиваля, в котором примут участие артисты балета из Грузии, России, США, Германии, Польши и Нидерланд.

Откроется фестиваль премьерой балета Александра Крейна "Лауренсия" (хореография Вахтанга Чабукиани). Это спектакль в новой хореографической редакции и постановке Нино Ананиашвили. В первый премьерный день солировать будет ведущая балерина Тбилисского театра Лали Канделаки и ведущий солист Бостонского балета Лаша Хозашвили. Показы "Лауренсии" повторятся 23 и 25 июня. Главные партии на этих вечерах исполнят Нуца Чекурашвили, Нино Самадашвили, Екатерина Сурмава, Ионен Такано, Френк Тонгерен и Давид Ананели.

Главным событием фестиваля, как упоминалось, станет выступление Нидерландского Театра танца 2 (NDT 2). Нидерландский Театр танца 2 был основан в 1978 году на базе Нидерландского Театра танца, специально для молодых исполнителей, отличающихся высокой техникой танца и энергией.

На данный момент группа насчитывает 16 танцоров, чей возраст не превышает 23 лет. Художественным руководителем NDT 2 является Джеральд Тиббс. Благодаря своему высочайшему профессионализму этот Нидерландский Театр танца является одним из самых известных представителей голландского искусства за границей.

В Тбилиси, в рамках балетного фестиваля, 28 и 29 июня голландцы покажут одноактные балеты известных современных хореографов – "Ловкость рук" (Sleight of Hand) Соля Леона и Пола Лайтфута, "Взаимный комфорт" (Mutual Comfort) Эдварда Клюга, "Соло" (Solo) Ханса ван Манена, "Кактусы" (Cacti) Александра Экмана и "I new then" (непереводимая игра слов) Йохана Ингера.

Государственный балет Грузии будет представлен на фестивале двумя спектаклями, главные партии в которых исполнят ведущие танцоры известных балетных трупп мира.
А 30 июня на фестивале будет представлен балет "Дон Кихот" композитора Людвига Минкуса, в котором выступят солисты Большого театра Москвы – Екатерина Крысанова и Владислав Лантратов.

Балет "Лебединое озеро" на музыку Петра Чайковского публика увидит на сцене театра 1 июля. В постановке станцуют ведущие солисты Польского национального балета Чинара Ализаде (Одетта-Идилия) и Владимир Ярошенко (принц Зигфрид).

Завершится фестиваль 2 июля балетным гала-концертом. В вечере примут участие Нино Ананиашвили, азербайджанская балерина, солистка Большого театра Чинара Ализаде, Владимир Ярошенко (Национальный балет Польши), Александр Волчков (Большой театр, Россия), Кариро Кабрера и Михаил Канискин (Берлинский государственный балет, Германия), а также Виктория Джаиани и Темур Сулуашвили (Балет Джоффри, Чикаго, США).

В фестивальных концертах примет участие оркестр Тбилисского государственного театра оперы и балета им. З. Палиашвили под управлением российского дирижера Алевтины Иоффе.

Тбилисский международный балетный фестиваль проходит при поддержке Тбилисского театра оперы и балета, министерства культуры и охраны памятников Грузии, мэрии Тбилиси, Банка TBC, а также посольства Королевства Нидерландов в Грузии и правительства Венгрии.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18365
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Июл 02, 2017 1:07 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017063108
Тема| Современный Танец, Фестиваль Open Look, Персоналии, Вадим Каспаров
Автор| Ирина Парамонова
Заголовок| Вадим Каспаров: В чистом виде танец давно не удивляет
Где опубликовано| © MR7.ru — информационно-новостное онлайн издание Санкт-Петербурга
Дата публикации| 2017-06-15
Ссылка| http://mr7.ru/articles/161158/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Только премьеры, Жозеф Надж, Вим Вандекейбус и другие маститые хореографы, а также новые имена, лекции, выставки и мастер-классы — на крупнейшем в России фестивале современного танца и театра OPEN LOOK. «МР» поговорил с основателем фестиваля и директором Дома танца «Каннон Данс» Вадимом Каспаровым.

«МР»: В чем особенности программы этого года?

Вадим Каспаров: Фестиваль OPEN LOOK прошел достаточно длинный путь от мастер-классов и выступлений только одного танцевального коллектива — компании Била Янга из США – до такого масштабного, многослойного состояния, в котором он будет представлен в этом году петербургскому зрителю. Нам очень хочется, чтобы фестиваль занял достойное место среди своих «собратьев» в Европе и США. Именно такие «амбиции» заставляют нас каждый раз все выше и выше поднимать планку и творческую и организационную. Так появились в программе и Терро Сааринен, Ультима Вез и Вим Вандеркибус, Сегеди балет из Венгрии. Среди множества премьер — одна мировая (!) — это спектакль звезды французского танца Жозефа Наджа.

Любопытно, что покажет Вим Вандеркибус — ученик Яна Фабра. Критики отмечают его фантастическое дарование и чутье перформера.

Вим, действительно, начинал у Фабра, но буквально через 1,5 - 2 года создал собственный театр, в котором он смог реализовать свой потенциал как художник и хореограф. Для меня возможность представить Ultima Vez — это все равно, что показать что-то легендарное и желанное. И еще пару лет назад это казалось недостижимой целью. Но теперь мы ждем встречу с Вимом и надеюсь, что наш зритель сумеет открыть для себя его творчество. Спектакль Вима — это ощущение художника, который пытается заглянуть в не самое далекое будущее и представить, что там может быть. Скажу честно — жесткое будущее, но это предчувствия художника. Как и все спектакли Вима, это философская притча, с историей и красивыми декорациями. Спектакль состоится на сцене Балтийского дома, т. к. эти декорации не вместились бы на Новой сцене. Кроме того, мы впервые в России покажем фильм о Виме, снятый его сестрой Лут Вандекейбус, и фильмы самого Вандекейбуса.

Зрительский опыт показывает, что часто в фестивальных спектаклях мало танца как такового.

Уникальность фестиваля OPEN LOOK («Открытый Взгляд») в том, что он представляет все точки зрения на современный танец. Поэтому и в прошлом году, и в этом есть спектакли, где не танцуют. Дело в том, что в чистом виде танец давно уже не удивляет. Даже виртуозность в каком-то смысле становится сродни спортивному трюкачеству. Поэтому хореографы и пытаются идти дальше в попытках достучаться до зрителя. Современный танец в зависимости от страны или даже региона, где он исполняется и ставится, имеет свои отличительные черты. Где-то упор идет на текст, где-то на символизм, где-то на абстракцию, а где-то на физический театр. К примеру, в Гааге больше хореографов, которым близка эстетика NDT, где раньше многие из них танцевали. А в Амстердаме больше тех, кому близка экспериментальная эстетика, т. к. там лидерами являются Николь Бойтлер и Эмио Греко. Среди хореографов, для которых танец не является «главным» языком общения, — Жозеф Надж. Но он как-то за счет своей энергетики, харизмы ведь доносит многие годы свои мысли до зрителя? Поэтому многие годы наряду с чисто танцевальными спектаклями, развиваются и те, где танец как бы на втором плане. Сейчас даже в российском театре тренд на взаимодействие современного танца и театра очень прослеживается. Многие актеры начинают открывать для себя безграничные пластические возможности тела, которое владеет современным танцем.

Если драматический театр сейчас стремится к документальному, то к чему стремится театр танца?

Современный танец отказывается от стереотипов, вбирая в себя много смежных видов искусств, создает то, что имеет не только эстетику, но и глубокий психологический смысл. Сейчас просто красиво танцевать не достаточно, чтобы завоевать зрителя. Именно поэтому многие авторы ищут не только пластические решения, но и другие визуальные приемы, взятые из кино, драмтеатра, современного искусства. Российский театр танца, который мы показываем в рамках программы Russian Look, имеет свои устремления, а западный — свои. Это связано с разными этапами развития и устройства жизнедеятельности танцевального коллектива здесь и на Западе. И если для наших компаний вопросы существования и выживания сейчас важнее, то для западных стоят уже совершенно другие задачи. Но наши танцовщики и хореографы уже давно стоят в одном ряду с западными, работая в ведущих танцевальных компаниях современного танца, а не балета на Западе. Не скажу, что меня это радует. Просто из-за отсутствия элементарных профессиональных условий, из России вымываются поколения танцовщиков, которые могли бы работать здесь — помогая развивать наш танец. Но, я в любом случае не перестаю верить в светлое будущее современного танца в России.


29 июня - 9 июля
Новая сцена Александринского театра: наб. Фонтанки, 49а
От 1500 руб.
Программа: open-look.ru.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18365
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Июл 02, 2017 4:21 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017063109
Тема| Балет, БТ, XIII Международный конкурс балета
Автор| Марина Алексинская
Заголовок| "Хорошо то, что — прекрасно"
послесловие к XIII Международному конкурсу балета

Где опубликовано| © "Завтра"
Дата публикации| 2017-06-29
Ссылка| http://zavtra.ru/blogs/horosho_to_chto_prekrasno
Аннотация| КОНКУРС

Президент РФ Владимир Путин и президент Бразилии Мишел Темер посетили Большой театр в заключительный вечер XIII Международного конкурса балета, и этот факт можно считать кульминацией балетной триады: с 28 апреля по 20 июня 2017 года в Москве проходили III Всероссийский конкурс молодых исполнителей "Русский балет", фестиваль Benois de la danse-25 и, наконец, XIII Международный конкурс балета, которые стали главными событиями театральной жизни России и вернули в Большой театр надежду на слиянность мощи красоты с мощью власти. Атмосфера в залитом хрустальным светом зрительном зале была традиционной. Пафос, ожидание — как Нового года — гала-концерта, того шквала эмоций, что взрываются с кабриолями, антраша, пируэтами по неизъяснимым для рассудка причинам. Как увертюра — событие, волнующее вдвойне: церемония награждения лауреатов и дипломантов.

Всего для участия в XIII Международном конкурсе балета съехалось в Москву более 150 человек двух возрастных групп: младшая (до 18 лет включительно), старшая (от 19 до 27 лет) из 27 стран. Доминирование стран: Китай, Корея, Япония, Бразилия (в 1990-е здесь была открыта школа Большого театра), Казахстан, Кыргызстан соразмерно фактору влияния Россия на карте геополитики, Европа, как следствие, обозначила свое присутствие на конкурсе весьма и весьма условно. Конкурс проводится в три тура. Программа: вариация или па-де-де из классического балета, фрагмент из классического балета по выбору, номер современной хореографии; отдельная позиция — состязание хореографов (открыта в 2001 году). Конкурс есть конкурс, его напряжение, амбиции не всегда позволяли укротить волнение, справиться с поставленной задачей, были и падения, и досадные оплошности, для Александра Омельченко (Украина) драматургия конкурса сложилась совсем печально, выход в третий победительный тур обернулся фиаско. На вариации Альберта из балета "Жизель" он упал, полученная травма не позволила продолжить выступление. В балете, как и в спорте, "удача — дама капризная". Список победителей конкурса в открытом доступе. Мне бы хотелось сейчас отметить своих фаворитов.

Ан Жулиет дус Сантос Пинейро (Бразилия). Талант 15-летней девочки, её яркость, легкость, бравурность, апломб ослепительным блеском сверкнули во II туре. Па-де-де из балета "Талисман" в хореографии Лопухова (партнер: Барателла дус Сантос) ошеломило настроением праздника и невольно напомнило предания, еще хранимые в некоторых домах, о прима-балерине 30-х годов, Ольге Лепешинской. На программке II тура я вывела Ан Жулиет дус Сантос Пинейро на первое место. Однако, коварным оказался III тур, но и диплом — почетная награда для конкурсантки.

Овации и гром аплодисментов снова и снова вызывали на сцену дуэт Тэрада Мидори и Коя Окава (Япония, солисты Татарского академического театра оперы и балета, III и I премия соответственно). Коя Окава как потомок самураев вынуждал задуматься о существовании II закона Ньютона, в прыжках он взлетал, переплетая ноги, к колосникам, и эффектно падал на одно колено, тогда как феминная Тэрада Мидори в бледно-розовом хитоне, как в дымке цветения сакуры, казалась особенно трепетной (па-де-де из балета Дриго "Талисман").

Украшением конкурса стала воздушная, выразительная Ли Субин (Южная Корея) в вариации Лизы из балета "Тщетная предосторожность" в хореографии Аштона. Открытием — Сон Ми Пак (Южная Корея, I премия), 18-летняя студентка первого курса Корейского национального университета искусств. Изысканная, с уточненными линиями она заворожила мистичностью в па-де-де из балета Адана "Жизель" (партнер Ли Сангим), и то было одним из незабываемых для меня переживаний.

Переживания лауреатов и дипломантов XIII Международного конкурса балета – церемония награждения. Событие волнующее вдвойне.

Беспрецедентен сам конкурс, его почти полувековая история (впервые состоялся в 1969 году) — энциклопедия мирового балета второй половины XX века. "Я уверен, — цитирую Арнольда Хаскелла, автора капитальных трудов в области балета, — само выступление на самой прославленной сцене мира останется драгоценным воспоминанием для всех, кто участвует в конкурсе, независимо от того, будут ли они в числе первых или окажутся побежденными". В настоящее время Международный конкурс балета — легенда. Достаточно сказать, что его лауреатами были Людмила Семеняка и Михаил Барышников, Нина Семизорова и Юрий Владимиров, а в состав жюри входила элита мирового балета. Галина Уланова, Иветт Шовире, Алисия Алонсо, они и сейчас в моих воспоминаниях, заретушированных временем, как пером, предстают видениями какой-то неземной элегантности.

Истеблишмент мирового балета — жюри и XIII Международного конкурса. Светлана Захарова — прима-балерина Большого театра. Марина Леонова — ректор Московской государственной академии хореографии, Николай Цискаридзе — ректор Академии Русского балета имени Вагановой, Вадим Писарев — художественный руководитель Донецкого государственного академического театра оперы и балета; Чио Цзидяао (Китай) — художественный руководитель театра "Ляонинь балет", Кумико Очи (Япония) — художественный руководитель международной компании "Очи Балле", Николай Хюббе — художественный руководитель Датского королевского балета. Призовой фонд XIII Международного конкурса в $200 000 распределен следующим образом. $30 000 — I премия, старшая группа, $20 000 — I премия, младшая группа, номинация "Артисты балета". $30 000. — I премия, номинация "Хореографы". $3-5 000. — премия дипломантов. Гран-при в рекордные $100 000 — интрига конкурса, присуждается в случае единогласного решения жюри. За всю историю конкурса известны всего четыре обладателя гран-при, это Надежда Павлова (СССР, 1973), Ирек Мухамедов (СССР, 1981), Андрей Баталов (Россия, 1997), Денис Матвиенко (Украина, 2005). Вот и на этот раз интрига конкурса осталась неразрешимой. Разве что, акцентировала проблемы мирового балета.

Прежде всего, проблему contemporary dance как эволюции искусства хореографии — в общем; его экспансии на сцены Большого и Мариинского театров, иными словами принуждение к игре по чужим правилам — в частности. "Широк русский человек, надо бы сузить" напрашивается цитата. Ибо сам феномен contemporary dance обязан "Весне священной". Премьера балета (хореография Вацлава Нижинского) состоялась в 1913 году в театре Елисейских полей, она собрала весь парижский бомонд и… ожидание "русского чудо" обернулось в грандиозный скандал. И — технологию успеха. В настоящее время идеологи contemporary dance камлают на "Весну священную" как идеологи contemporary art на "Черный квадрат", выкладывают дорогу в ад. Нет ни законов, ни критериев contemporary dance. Есть спекуляция на славе "Русских сезонов" и ловкий предлог, де жесткие критерии ограничат свободу самовыражения. И что же? Матс Эк в рамках Benois de la danse-25 представил свой номер "Память". И очевидным стало: даже "сумрачный гений" (так называют хореографа) бьется, как белка в колесе, в густом замесе непристойностей на тему "психопатология обыденной жизни" Фрейда. Уродливость по форме, беспомощность по содержанию — "иконография" contemporary dance.

Другая проблема — сохранение академизма. Танца на кончиках пальцев, со строго установленной системой движений, дисциплиной жестов и поз, с фигурами изумительной лепки в коротких лифах, в туго затянутых корсетах, летучесть, эфемерность красоты которого бросает публику то в жар, то холод. "Менее всего просты люди, желающие казаться простыми". Так вот, классический танец с его культом искусственности — спасение от ложной простоты. Международный конкурс балета в Москве — последний бастион академизма, а это значит: проблема его сохранения приобретает сугубый характер. Примечателен факт. На вопрос: "какие из русских балетов имеют за границей самый большой успех?" Михаил Фокин, балетмейстер "Русских сезонов", ответил: "В Париже — “Князь Игорь” и “Шехерезада”, в Лондоне — “Карнавал” и “Сильфиды”". Прошел век. Индустрию contemporary dance навязывают как жвачку. На вопрос: "какие из русских балетов имеют за границей самый большой успех?" ответ дает репертуар гастролей Большого театра. "Лебединое озеро", "Жизель" (вторую жизнь балет обрел именно в России), "Спартак". И, тем не менее, XIII Международный конкурс балета вскрыл тревожные факты. Выхолащивается точность хореографии академического балета: вариации засорены движениями, не подходящими ни по стилю, ни по содержанию, трюкачество подменяет артистизм, музыкальная сторона исполнения, небрежность в костюме вызывают недоумение. Вывод: необходимо издать фолиант аутентичных текстов академического балета, наследия великих мастеров; Русскому балету придать в России статус музейной ценности, авторские права балетмейстеров должны неукоснительно соблюдаться. Ибо если не виден впереди свет, можно обернуться назад. Одних балетов Мариуса Петипа — шестьдесят четыре. И не пора ли вернуть шедевры Русского балета в театры России?

И ещё. XIII Международный конкурс балета состоялся в преддверии Года Русского балета и 200-летия Мариуса Петипа, "короля" и повелителя Русского балета. Примечательно, что попытки низведения Русского балета приходятся на смену вех. Так было в 1917-м, так было в 1991-м. И вот в честь 25-летия фестиваля Benois de la danse Бахрушинский музей устроил выставку, акварельный портрет Марины Семеновой, балерины, с которой связывают существование Русского балета в ХХ веке, привлек мое внимание. Есть балетный апокриф: комиссар Луначарский прибыл в Ленинград, на экзамен хореографического училища, с тем, чтобы подписать окончательный приговор Русскому балету. Магии красоты юной Марины Семеновой, выпускницы училища, оказалось достаточно для того, чтобы Русский балет в Советском Союзе занял своё привилегированное положение. В 2003 году Марина Семенова была удостоена приза Benois de la danse в номинации "За жизнь в искусстве". Учредитель фестиваля и его художественный руководитель, а равно Всероссийского конкурса молодых исполнителей "Русский балет" и Международного конкурса балета в Москве — Юрий Григорович. Народный артист СССР, патриарх Русского балета, творец "золотого века" Большого театра, с кем связывают существование Русского балета в XXI веке.

P.S.

I премия и золотая медаль XIII Международного конкурса балета в номинации "Хореографы": Вен Сяочао (Китай), Зунига Хименес Эдуардо Андрес (Чили).
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18365
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Июл 02, 2017 5:15 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017063110
Тема| Балет, Башкирский театр оперы и балета, Персоналии, Руслан Абулханов
Автор| Елена ШАРОВА / Фото: Булат БАДАМШИН
Заголовок| Принцы и гладиаторы Руслана Абулханова
Где опубликовано| © «Республика Башкортостан» №72
Дата публикации| 2017-06-23
Ссылка| http://www.resbash.ru/stat/2/10633
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Я не разделяю партии на те, в которых нужно стараться, и проходные, отмечает он


Чтобы убедительно станцевать партию Модеста Алексеевича в «Анюте», Руслан старательно изучил фильм «Анна на шее»

«День прошел зря, если я не танцевал», — представьте, эту довольно легкомысленную фразу произнес не кто иной, как немецкий мыслитель Фридрих Ницше. Думается, для Руслана Абулханова, солиста Башкирского театра оперы и балета, каждый день проходит с толком.


Симпатичные девочки до балета доведут

Правда, дорога к изящному искусству танца была довольно-таки извилистой. Поначалу папа — композитор, баянист, музыкант — отдал сына в музыкальную школу имени Наримана Сабитова в класс баяна. При ней же существовала и танцевальная студия, пробудившая в подростке неодолимое желание потанцевать — приходилось все совмещать, в том числе игру на баяне и хор. В студии на подающего надежды юношу обратили благосклонный взгляд педагоги и посоветовали попробоваться на более серьезном уровне. Хореографический колледж принял Руслана без особых проблем.


Однако в душе подростка, как водится в этом возрасте, бушевали смутные сомнения. «Если честно, я не совсем понимал, во что ввязываюсь, — признается Руслан. — Я и в театре-то, по-моему, ни разу не был, и даже не представлял, что танцевать придется, к примеру, в лосинах. Главное, что влекло меня к балету, — это возможность нескучно провести время с симпатичными девочками».

Понять, что юноша идет верной дорогой, помог-таки поход в театр: там шел вечер одноактных балетов «Вальпургиева ночь» и «Кармен-сюита». «Я сидел в первых рядах и очень впечатлился — спектакли-то реально зрелищные, — рассказывает Руслан. — Наверное, если бы пришел на «Лебединое», был бы разочарован — не дорос еще, понятно. Ну, а по-взрослому осознал, что балет для меня — это навсегда, уже на пятом-шестом году обучения. До этого я как человек, привыкший все делать добросовестно, честно отрабатывал программу колледжа, особо не заморачивался, жил в своих фантазиях. И вот мне шестнадцать лет: было детство и прошло, а сейчас я уже взрослый. Пора все решать и определять. И я влюбился. Понял, что это — мое. Попытался представить себя кем-то другим — и не смог».

От Гномика до Принца

Итог ожидаемый: в России, да и за ее пределами, знают московскую школу балета, питерскую, пермскую, конечно, но и наша, башкирская, не в последних рядах. И не только благодаря имени, которое носит колледж: из его стен вышло немало знаменитостей, блистающих на лучших сценах мира. «Ноги у нас растут» не абы откуда — из Питера и Перми, — рассказывает Руслан. — Наши педагоги получили прекрасное классическое образование именно там во время войны, воспитав в свою очередь наших нынешних замечательных учителей. Хороши у нас и «народники» — это отметил приезжавший недавно знаменитый хореограф Владимир Васильев. Кстати, какой-то критик отметил, что редкий театр имеет в своем штате такое количество своих выпускников. Это как раз и говорит о хорошей школе, о самобытности нашего балета. В Большом театре танцуют выпускники со всего мира — это неплохо, но никак не характеризует московскую школу балета».

Блеснуть профессионализмом и талантом ему самому впервые довелось в балете Карена Хачатуряна «Белоснежка и семь гномов». Видимо, блеснул весьма успешно, потому что в «Белоснежке» начал с Гномика и дотанцевался до Принца. Вместе с «повышением» научился бороться со страхом выхода на сцену. «Вообще, надо быть готовым к любым неожиданностям, — считает Руслан. — Заболел артист, за полтора часа находят выручалочку, и все — выходи танцевать ведущую партию. А ведь для определенного спектакля нужна определенная форма. Нурали, например, в «Бахчисарайском фонтане» — это характерная партия, движения, близкие к народному танцу. Принц в «Лебедином» —уже совсем другая история. Нагрузка у Нурали больше силовая, у Принца — классическая».

Сейчас у Руслана в репертуаре тридцать спектаклей и еще концертные программы. Зато возникла просто традиция какая-то: исполнять самые разноплановые и разножанровые роли в пределах одной постановки.

В «Спартаке», например, он и Красс, и Гладиатор. «Мне нравится вживаться в образы непростые, Спартак — он все же достаточно понятный: положительный герой, вызывающий сочувствие и восхищение. А как сыграть отрицательного персонажа и при этом расположить к себе зрителя — это интересная задача, — считает Руслан. — Красс импонирует мне своей властностью, он готов идти до конца, через все, чтобы добиться своей цели. Кто-то даже мне сказал: «У тебя Красс получился, как Наполеон». А Гладиатор — что ж, тоже роль достаточно сложная.

Вообще я не разделяю партии на те, в которых нужно стараться, и проходные. Выходя в кордебалете, играю определенную роль, я — часть спектакля, и немаловажная. Пусть это не определенный образ, но это «кирпичик» постановки, ее фон, атмосфера».

В «Щелкунчике» Руслан перетанцевал все: от «кирпичика» до Принца — Испанская, Китайская куклы, Арлекин, Черт. «Движения движениями — это дело артиста, но тут важно войти в образ, и в этом очень помогают педагоги. Самые мудрые как раз за этим и следят: за целостностью персонажа, за тем, чтобы техника не отставала от образа», — отмечает он.

А вы тут Принца не встречали?

Драматические актеры, как правило, вдумчиво рассказывают о том, как перелопачивают горы литературы, дабы постичь глубину образа. «У нас этот процесс тоже входит в подготовку к роли, — рассказывает Руслан, — но я больше люблю смотреть. И не спектакли, а фильмы. Они помогают вживаться в ту или иную эпоху. Например, когда готовился к роли Модеста Алексеевича в «Анюте», с удовольствием посмотрел старую ленту «Анна на шее». Люблю смотреть, как разные исполнители играют одну и ту же роль, примечая, какую фишку я приберу себе, а что оставлю без внимания».

Ну, с чиновниками все понятно, а вот как станцевать Принца — абстрактного, нереального, обязательно прекрасного и исключительно благородного — каких на улице не встретишь? «Да очень просто, — смеется Руслан. — Их же никто в жизни не видел, сказочных, по крайней мере. Придумал себе такого хорошего, воспитанного, галантного — вот вам и Принц к восхищению прекрасных дам».

Люблю с законным чувством гордости отыскивать в репертуаре наших театров незнакомые названия: креативим, значит, помаленьку. Руслан засветился в «Даксофонии» на музыку Ханса Райхеля в постановке Александра Пепеляева. «Это был номер, сделанный на конкурс, после чего его благополучно забыли, — рассказывает Руслан. — Хореография современная, герои — два таких насекомых — богомола. Номер длинный: когда его танцуешь, время останавливается, и ощущение возникает такое, будто всю жизнь уже прожил. Конец предсказуем: самца съедают. Жизненно так. Мы номер сейчас восстановили и танцуем в «Коктейле из льда и пламени».

Заболеть Крассом

Между тем балет «Ромео и Джульетта», показанный на Нуреевском фестивале и преподнесенный как раз как образец современной хореографии, Руслана не вдохновил. «Два слова: дань моде. Не факт, что через 20 — 30 лет хореография останется именно в таком виде. Пусть это будет — но как эксперимент. А время отделит зерна от плевел, — уточняет он. — К тому же такие эксперименты несут очень мало информации в небольшом «хореографическом тексте». Тем более, зритель у нас большей частью не подготовлен. Он приходит в театр отдыхать, а не разгадывать хореографические ребусы. Приходит себя показать, на других посмотреть. И это правильно: театр — это праздник. Мне очень понравилась в постановке сцена, когда Ромео погиб, а эта девочка просыпается. Она радуется тому, что наконец-то проснулась и любимый рядом. Она еще ничего не знает, ластится к нему, как щеночек, счастливая. И ты, зная все наперед, ужасаешься тому, что сейчас она все поймет. Это сильно».

Роль-мечта присутствует в жизни каждого творческого человека, и танцовщики не исключение. «Для меня это Базиль в «Дон Кихоте», Солор в «Баядерке». Я не взялся за них не потому, что мне не хватает амбиций — просто адекватно оцениваю себя. Для этих партий нужно быть абсолютно раскрепощенным на сцене и технически хорошо подготовленным. Это приходит с возрастом и опытом.

Пока я овладел умением легко и просто выходить из роли. Есть у меня финальная фишечка: выхожу на поклоны до центра сцены в образе, а разворачиваюсь к зрителю, уже будучи Русланом. Сил полно: да я сейчас вам еще станцую! А в гримерке наступает чувство полного опустошения. Были у меня премьеры, после которых я уходил на больничный: так сильно падал иммунитет, поднималась температура. Это тот же Модест Алексеевич на меня так неслабо подействовал. Красс тоже в постель уложил», — говорит Руслан.

Взлететь над городом

В жизни Руслан — сплошное противоречие. Вопреки сложившемуся мнению о том, что певцы пуще глаза берегут голосовые связки, а танцовщики — руки-ноги, Руслан большой экстремал. Среди его увлечений — байкерство, горные лыжи. «Ручки-ножки — это не главное, главное — голова, — разумно считает он. — Не стоит влезать в травмоопасные ситуации, ни в коем случае нельзя экономить на экипировке. Эти мои увлечения не от любви к экстриму. Просто я люблю одиночество. Для меня это один из способов отдохнуть, разгрузить психику. Домой возвращаюсь расслабленным, добрым и умиротворенным — как будто меня привезли с морского берега».

Жизнь лицедея — жизнь бродячая, но из своих поездок Руслан привозит не оскаленные маски африканских колдунов или брелоки с Эйфелевой башней. В каждом городе он делает «прыжок в разножку» — шпагат в воздухе на фоне самого известного здания. «Пока прыгается — прыгаю, — смеется он, — потом, наверное, буду стоять на руках. Такой снимок для меня своего рода сувенир. Например, в Мексике прыгнул на фоне пирамиды Тиотиокан. Отметился и в Уфе — на крыше зданий комплекса «ПушкинЪ». Побывал-то я много где, везде приживался, немного даже по-итальянски говорю. За рубежом можно хорошо поработать, хорошо отдохнуть, много что посмотреть. А жить все же лучше в Уфе».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18365
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Июл 02, 2017 6:32 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017063111
Тема| Балет, Челябинский театр оперы и балета, фестиваль балета «В честь Екатерины Максимовой»
Автор| ?
Заголовок| «Золотая маска» и балет из Иерусалима: чем удивил публику фестиваль Максимовой
Где опубликовано| © «Вечерний Челябинск онлайн»
Дата публикации| 2017-06-28
Ссылка| https://vecherka.su/articles/culture/128360/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Девятый раз в Челябинске прошел фестиваль балета «В честь Екатерины Максимовой». Поклонникам Терпсихоры предложили традиционный набор – три спектакля и гала-концерт. Однако нынешний форум явно претендовал на новый, международный уровень: впервые к нам пожаловали гости из дальнего зарубежья – «Иерусалимский балет», ажиотаж усилила золотомасочная постановка «Ромео и Джульетта» от самого маэстро Самодурова, которого называют не иначе, как «новой надеждой русского балета».



Выгодная компенсация

Максимовский фестиваль стал долгожданным событием для челябинской публики, пребывающей на голодном пайке по части театрально-музыкальных постановок: в нынешнем сезоне в челябинском оперном театре случилось всего-то полторы премьеры (с учетом оперы «Алеко», которую после режиссерской вивисекции Олега Иванова реанимировала Екатерина Василева). К тому же, в этот раз зрители лицезрели исключительно современные балетные постановки, которые на сцене местного оперного театра появляются редко и, как правило, во время фестивалей или еще более редких гастролей. При таком раскладе балетный форум стал своего рода компенсацией в условиях дефицита премьер на сцене местного театра оперы и балета, можно сказать, что надежды он оправдал.

Все три фестивальных спектакля привлекли внимание зрителя, хозяева не остались в стороне: продемонстрировали балет «Любовь и страсть Иды Рубинштейн», премьеру которого громко сыграли в начале сезона. Новый проект изначально задумывали для зарубежных гастролей, чтобы не ударить в грязь лицом на ведущие партии пригласили столичных артистов. На родной сцене экспортный вариант показали всего пару раз. Поскольку приглашенным звездам выступать в репертуарных спектаклях провинциального театра не слишком интересно, да и театру накладно, по приезде состав подкорректировали за счет местных оставшихся прим. Так что «Ида» получила свое второе рождение, точнее перерождение.

Впрочем, эксклюзивность постановки, которая создавалась исключительно для челябинского проекта, сыграла на повышение ставок. Оригинальная хореография Надежды Калининой, дорогие костюмы и эффектные декорации, французские лавры и комплименты сделали свое дело - родная публика, не успевшая разглядеть премьеру в октябре, в июне не скупилась на овации.

Автора, автора!

Екатеринбургский театр оперы и балета в последнее время устойчиво держится в передовиках производства, а заодно и «Золотой маски». В прошлом году он номинировался аж по 15 пунктам, в этом чуть меньше, зато заполучил сразу две награды – за лучший спектакль и лучшую мужскую роль, и как раз в спектакле «Ромео и Джульетта», заявленном на челябинском фестивале. Приезд екатеринбургской труппы ждали с придыханием, билетов было не достать, публика, недополучившая высокого и вечного во время сезона, требовала сатисфакции.

С трудами праведными того же Самодурова, возглавившего екатеринбургский театр оперы и балета шесть лет назад, челябинцы немножко знакомы – в 2014-м северные соседи уже привозили к нам «Вариации Сальери», также отмеченные на «Маске». Теперь «новая надежда русского балета», как называют молодого, но уже прославившегося хореографа из Екатеринбурга некоторые критики, замахнулась на «Вильяма нашего Шекспира».

У входа в зал присоединяюсь к кучке журналистов, претендующих на случайно свободные места ( в оперном театре не слишком жалуют пишущую братию). Администратор дает отмашку, и мы пристраиваемся кто где. Бодрый голос ведущего подогревает предвкушение шедевра.

- Сергей Рахманинов. «Ромео и Джульетта», - раскатисто, с переливами прозвучало, как песня. Кто-то из зрителей в сумерках судорожно пытался заглянуть в программку, а кто-то на слово поверил, что Сергей Васильевич успел сваять новый шедевр. И только истинные интеллигенты тихо знали, что сей балет сочинил тоже Сергей, но Прокофьев.

Возрождение со шлейфом

Самодуровский опус произвел на пристрастного зрителя неоднозначное впечатление, вызвавшее целую гамму эмоций. Постановщик отошел от классической трактовки балета и предложил свою, авторскую версию, явно тяготеющую, как сейчас модно говорить, к синтетическому жанру.

Нечто подобное всего две недели назад в Челябинске с успехом представил московский драматический театр имени Пушкина – свой сплав хореографии, пантомимы и драматического театра на примере «Дамы с камелиями» демонстрировал Сергей Землянский, тоже хореограф и тоже выходец из Екатеринбурга, но работающий с драматическими артистами. Самодуров делает ставку на танцовщиков, пытаясь драматизировать хореографический рисунок, наполнить его актерской игрой. И ему это иногда удается: блестяще выполнены массовые сцены, батальные эпизоды, начиная с первой уличной драки, когда противники сходятся стенка на стенку, оставляя после отхода тела убитых в пылу боя.

Знаменитый «Танец рыцарей» - один из лучших номеров. Хореография уходит на второй план, уступая место драматизму и бешеной энергетике. На сцене 18 танцовщиков (такого богатства челябинской труппе и не снилось), дамы в платьях с принтами картин художников Возрождения дополняют картинку, виртуозно играя с длинными шлейфами, полыхающими золотом и алыми бликами. Движения сдержанны, просты и четки, помноженные на яростный оркестровый напор, создают ощущение непримиримости и неотвратимости.

В эпизодах стычек Меркуцио с Тибальдом танцовщики уверенно владеют шпагой, а сцены выстроены эффектно и динамично: Меркуцио насмехается, «цепляет» Тибальда и виртуозно уходит от его шпаги, продолжая комиковать. Вообще Меркуцио в спектакле отведена роль главного двигателя, он в большей степени является носителем конфликта, чем Ромео, более яркий, выразительный, разноплановый (все-таки недаром именно Меркуцио отметили «Золотой маской»), вокруг него постоянно что-то происходит, и когда Меркуцио гибнет, действие окончательно замирает и останавливается.

Танцы за упокой

Впрочем, пробуксовка начинается еще раньше: после первой, громкой заявки на новые правила игры, хореография все больше и чаще подменяется пантомимой, танцовщики начинают повторяться, а действие провисать. Визуальный ряд тоже постепенно сходит на нет, и зритель начинает скучать. Особенно напряженно становится в лирических сценах, где герои пытаются передать чувства, переходя с известного им языка танца на непривычный язык жеста, все больше напоминающий разговор глухонемых.

Третий акт стал просто убийственным в прямом и переносном смысле, в сценической ткани зияли пустоты: Джульетта рыдает, не желая выходить замуж за Париса, Джульетта бьется в истерике на руках у кормилицы, Джульетта боится принять снадобье Лоренцо. Народ явно подустал от богатых внутренних переживаний и скудной внешней картинки, откровенно начал скучать – шелестеть и кашлять. В какой-то степени спасала прокофьевская музыка, но танцы с мертвой, пардон, спящей Джульеттой, финальный парад-алле действующих персонажей по авансцене стали последней каплей, погасившей былые надежды. Прекрасно, что постановщик последний акт сделал самым коротким, и неизбалованная челябинская публика с облегчением взорвалась аплодисментами.

Отелло из страны обетованной

Третий вечер отдали на откуп коллегам из Израиля. «Иерусалимский балет» должен был стать козырной картой фестиваля. На удивление особого ажиотажа приезд артистов из страны обетованной не вызывал – свободные места в зале были. Частная труппа под руководством Нади Тимофеева предложила челябинцам тройку небольших миниатюр и одноактный балет «Отелло». Признаюсь, от выступления ожидала большего – все-таки современный танец гораздо активнее развивается за границами русского классического балета.

Миниатюры «Течения», Tancici dum и «Бег» продемонстрировали прекрасную физическую форму танцовщиков и внешнее совершенство, что уже приятно. А вот фантазии хореографов даже на не слишком богатой памяти провинциального журналиста случались и покреативнее.

Традиционно неоклассика основывается на ассоциациях, набор которых предлагается зрителям. Названия дают подсказку, хорошо бы еще иметь интеллектуальный запас, чтобы вовремя вспомнить Танцующий дом в Праге. Джазовая обработка знаменитой баховской токкаты давала большой разбег для фантазии. Увы, джаз и классика абсолютно одинаково позиционировались постановщиком, оригинальность музыкальной основы оказалась до обидного лишней.

На общем фоне выделялся «Отелло» - полноценный одноактный балет. Как показалось пристрастному зрителю музыка Арво Пярта и хореография Марины Кеслер нашли достаточно точек для соприкосновения, чтобы спектакль состоялся. Постановщица сделала ставку на отношения Отелло и Дездемоны, любовные сцены за пологом спальни были красивы, сексуальны, но вполне традиционны, иллюстративны. Впрочем, не всем же повезло увидеть «Маленькую смерть» Килиана, которая попала в Челябинск с подачи бывшего худрука оперного театра Антона Гришанина. К тому же «Отелло» прекрасно уравновешивал первую, бессюжетную часть вечера, демонстрируя по максимуму репертуар и возможности труппы.
Простой классики на нынешнем фестивале компенсировал заключительный гала-концерт, обрастающий стандартным набором номеров: «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Элегия» и эффектное па-де-де из «Дон Кихота». Остается констатировать, что праздник балета в Челябинске успешно развивается - расширяет географические и жанровые рамки, знакомит публику с новыми коллективами и экспериментами. Хорошо бы еще, чтобы процесс шел не в ущерб репертуарному плану.

===========================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18365
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Июл 02, 2017 7:00 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017063112
Тема| Балет, Национальный театр оперы и балета им. Т.Шевченко, Премьера, Персоналии,
Автор| Полина Булат, журналист
Заголовок| Балет «За двумя зайцами»: как устроена будущая премьера Национальной оперы Украины
Где опубликовано| © Українська правда
Дата публикации| 2017-06-27
Ссылка| https://life.pravda.com.ua/culture/2017/06/27/224976/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Под конец театрального сезона Национальная опера Украины представит премьеру спектакля "За двумя зайцами" по одноименной пьесе Михаила Старицкого.

Рассказать трагикомический сюжет языком классической хореографии взялась команда коренных киевлян: хореограф Виктор Литвинов, либреттистка и балерина Татьяна Андреева, композитор Юрий Шевченко, сценограф Сергей Маслобойщиков и художница по костюмам Анна Ипатьева.

По словам создателей, балет станет признанием любви Киеву и обратит внимание на историю и атмосферу города.

УП.Культура побывала на репетициях и за кулисами спектакля и подсмотрела, из чего состоит будущая премьера.

Либретто

Автором либретто и режиссером спектакля стала Татьяна Андреева, заслуженная артистка Украины и балерина труппы Национальной оперы Украины. Она же исполнит главную партию Прони в первом составе балета.

"Мне интересно быть не только частью искусства, но и влиять на него", – объясняет артистка свое решение сделать спектакль.

На постановку Андрееву вдохновила не столько сама пьеса, сколько давнее увлечение старой киевской архитектурой конца ХІХ – начала ХХ века: "Об этом периоде не так много художественного материала, и "За двумя зайцами" оказался именно тем, что нужно. Мне хотелось создать спектакль, центром которого был бы сам город. Люди иногда не осознают, в каком чудесном месте они живут и с какой историей каждый день соприкасаются".

Команда проекта практически не связана стенами Национальной оперы: среди ее сотрудников только сама Андреева и хореограф Виктор Литвинов.

По словам либретистки, спектакль должен получиться не столько классически дансантным, сколько театральным, с активным визуальным рядом – чтобы зрителю не заскучал ни на минуту. К тому же, команде было интересно поработать над юмористической постановкой – таковые встречаются в репертуаре театра нечасто.

Впрочем, финал создатели балета обещают трагический. "Помимо основной линии, в спектакле есть подтексты, – рассказывает Татьяна Андреева. – О селе, которое хочет стать городом, о выборе и о щемящем человеческом одиночестве".

Партия же Прони Татьяне оказалась интересна своим диапазоном: "В романтической роли ты работаешь в определенной пластике и не можешь выйти за ее рамки. Здесь можно быть и романтической героиней, и смешной, и глупой, и гротескной".

По словам балерины, идея станцевать премьеру возникла не сразу, а в процессе режиссуры спектакля, когда прониклась характером персонажа.

Музыка

Над музыкой к балету композитор Юрий Шевченко, заслуженный деятель искусств Украины, работал один год. Автор либретто говорит, что именно музыка дала толчок к созданию сценографии и костюмов: "Спектакль можно было решить и более авангардно, но тогда понадобилось бы работать с совершенно другой музыкой".

Одним из самых больших вызовов для композитора стала тема Голохвастова:

"Я написал треть балета, а темы Голохвастова не было. В итоге я решил опереться на песенку героя из фильма Иванова: полез в интернет и увидел, что музыка, написанная для кино киевским композитором Вадимом Гомолякой, очень популярна – ее знают и активно скачивают. Песенка "В небе канареечка летает…" оказалась так прочно связана с образом Голохвастова, что я просто не мог ее не использовать".

Однако Шевченко настаивает – в его музыке нет прямых цитат, скорее – интонации, которые пронизывают всю партитуру и проявляются то в галопе, то в польке, то в вальсе и даже в похоронном марше.

"Я решил, что так будет ярче. Зрители ждут эту тему, и я не нашел другого пути, чтобы быть убедительным," – говорит композитор.

Шевченко рассказывает, что сложно было подобрать нужную интонацию юмора, сделать ее неоднозначной, ироничной и печальной одновременно. И вместе с этим создать понятную и целостную историю:

"Нужно все время думать о том, чтобы зрителю было интересно. У меня большой опыт, я слушаю много разной музыки: и современной, и авангардной, и старинной. Но своей работой мне нужно показать не насколько я умный, а установить контакт с каждым из присутствующих в зале".

Хореография

Ставить хореографию взялся народный артист Украины, балетмейстер Виктор Литвинов, в прошлом художественный руководитель труппы Национальной оперы Украины. Его постановка не предполагает статики, зритель не увидит ни одного пантомимного движения.

По словам Татьяны Андреевой, это будет не чистая классика, но и не авангард. Балет расскажет и об ауре старинного города, и о трудностях выбора, с которыми постоянно сталкивается человек.

Именно поэтому, помимо главных героев пьесы, в спектакле будут танцевать не только сами герои, но и их мысли и переживания.

Одна из характерных черт текста "За двумя зайцами" – эффектный суржик, и ему найдется место в хореографии.

Например, Проня будет осваивать балет, словно французское наречие. И танцевать не как классическая балерина, то есть, аристократка, а говорить на хореографическом языке мещанки: ступать одной ногой на пуант, а вторую пытаться неуклюже подтянуть на тот же уровень.

Одним из самых ярких номеров обещает стать киевский вальс – авторы принципиально ввели в спектакль городскую тему, чтобы подчеркнуть атмосферу Киева в период своего расцвета.

Костюмы

Костюмы к балету создавала художница Анна Ипатьева, которая много работает над современными постановками, в частности с "Киев Модерн-Балетом" Раду Поклитару.

Для всех участников спектакля Ипатьева разработала более 100 костюмов: одна Проня за 2 акта переодевается 5 раз

На образ главной героини художницу вдохновила картина Владислава Шершевского "Прима", цитирующая работу Марии Примаченко и шрифт на пачке знаменитых сигарет. "Как только я увидела картину, я поняла – в этом вся Проня", – рассказывает Анна Ипатьева.

Костюмы Прони меняются с развитием самого персонажа: вначале – это очень активная цветовая гамма, но чем больше героиня влюбляется и приближается к исполнению своей мечты, тем больше оттенки ее нарядов выравниваются и становятся спокойнее.

Мотивы Примаченко повторяются в образах остальных героев балета: репродукции картин были отпечатаны на ткани и нашиты на балетные костюмы, как заплатки.

Практически вся коллекция тканей состоит из льна, мешковины. Костюмы украшает украинская вышивка и цветные ленты. "Пачки и тюль неуместны в балете на легкую городскую тему", – объясняют выбор в костюмном цеху театра.

Сценография

Сергей Маслобойщиков, известный сценограф, график, сценарист и режиссер, изначально предложил решить пространство сцены в супрематическом ключе и совместить сельско-крестьянскую эстетику с эстетикой Малевича.

Супрематическим должен был быть и пейзаж Киева, и образы спектакля. Один из них – черное пианино. По словам художника, оно могло стать черным квадратом, который бы преследовал Голохвастова и, в конце концов, его пожирал.

Вся супрематическая конструкция в итоге бы исчезала, а на сцене оставалась одна темнота. "Дирекция театра сказала: "Народ не поймет". После этого было сделано еще 20 вариантов сценографии, но я настоял, чтобы в программку вошел первый эскиз", – рассказывает Маслобойщиков.

Нынешняя сценография представляет собой полуразрушенный театрик XVIII века, сквозь который прорастают мальвы – вначале появятся небольшие ростки, но по развитию сюжета декорация начнет двигаться, цветы разрастаться и превращаться в эфемерный киевско-сельский пейзаж.

"Идея села, которое не может стать городом, актуальна и сейчас, – говорит сценограф. – Я говорю это без оценочного злорадства или иронии – процесс сам по себе уникален и интересен".
Работая над премьерой, команда больше ориентировалась не столько на пьесу Михаила Старицкого, сколько на первоисточник – драму Ивана Нечуя-Левицкого. Отсюда и настроение истории, и некоторые изменения в составе персонажей. Но главным героем спектакля все-таки останется Киев.

"Его атмосферу поймут и не-киевляне. Мы же узнаем, к примеру, Париж по каким-то символам. Они будут и в нашем балете", – обещает автор либретто Татьяна Андреева.

Полина Булат, специально для УП.Культура
==============================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18365
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Июл 02, 2017 8:54 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017063113
Тема| Балет, Чеховский фестиваль
Автор| Павел Ященков
Заголовок| Южнокорейская труппа современного танца поразила москвичей хард-роком
На Чеховфесте завершила свои гастроли компания «Модерн Тэйбл»

Где опубликовано| © Московский комсомолец
Дата публикации| 2017-06-30
Ссылка| http://www.mk.ru/culture/2017/06/30/yuzhnokoreyskaya-truppa-sovremennogo-tanca-porazila-moskvichey-khardrokom.html
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Театральный фестиваль имени Чехова впервые представил в своей программе уже довольно известный в мире южнокорейский театр современного танца «Модерн Тэйбл» и один из самых известных спектаклей этой компании «Даркнесс Пумба»…


Фото: chekhovfest.ru

Что такое «пумба»?

— Это слово означает какие-то чувства, сдержанные внутри нас, печаль, которая рвется и никак не может прорваться наружу, как бы неизбывный выплеск этих чувств. Еще «пумба» — это что-то наподобие бомжа, уличного музыканта просящего на улице деньги. Это народ, который был забыт государством. Это горькие чувства, хотя иногда они, танцуя и играя, вызывают смех публики, — говорит мне руководитель компании Ким Дже Док.

Ким Дже Док одновременно является танцовщиком, певцом, а также композитором «Даркнесс Пумба». Перформанс — так определяет жанр спектакля сам постановщик. Перед нами на сцене нечто невероятное — это смесь всех жанров: от традиционной корейской народной песни до хард-рока… Да, да — именно хард-рока, хотя пришел ты вроде на представление современной балетной компании…

Но когда шоу достигает своей кульминации, на сцене откуда ни возьмись появляется ударная установка, электрогитары, певцы и солист с микрофоном, стоящий прямо посреди публики в проходе зрительного зала. И вечер современной хореографии неожиданно превращается в самый настоящий рок-концерт с бешеным выплеском энергии зрительного зала, потому что, как говорится, «колбасит» публику тут не по-детски!

Выплеск энергии между тем — главное в этом шоу… Энергия с которой танцуют 7 танцоров труппы, напоминает закрученную и сжатую пружину, готовую вот-вот развернуть свою спираль и рвануть в полную мощь наружу… Каждую минуту здесь все увеличивается и увеличивается внутренняя динамика и темп…

— Общий смысл — это ненаполняемость чувства… Когда наполняешь, наполняешь и никак не можешь наполнить. Мой перформанс про это, это главная мысль. Человек хочет радостно танцевать, и он много танцует, но все равно не наполняется этим радостным чувством, — говорит Ким Дже Док.

— Такое ощущение, что это как молитва какая-то… Танец как коллективная молитва, творимая на публике вами и вашими танцовщиками…

— Да, это главная моя цель. В спектакль я вкладываю что-то дианистическое. Тут определенно есть шаманизм…

На сцене 7 танцовщиков в черном между тем словно шаманы заворожено и отрешенно ведут свой экстатический танец. Он и есть сам экстаз в чистом виде — ударяясь о сцену, тела стремительно вскакивают вверх и потом снова устремляются вниз, выделывая в воздухе какие-то трудновообразимые кульбиты, и при этом растворяются в захватывающем, как смерч, ритме, выплескивая наружу тоску и горечь через хореографию и музыку. Но страдания неизбывны…

А в зрительном зале из глубины публики высвечиваемый прожектором певец (традиционный корейский вокал) поет переработку из древнего корейского эпоса — песнь Чиби:

«В день поминовения усопших бьют барабаны: «Дун-дун! Ах, душа, чья ты была при жизни? Нет, то душа не Кун Миня, спрыгнувшего с высоты пяти чжанов, и не князя Чу Хуэй, то девы Шэн душа, покоящейся под надгробьем из трехсот камней. О! Душа девы Шэн, явись, возьми щедрые подношения. И плывут подношения вниз по реке, медленно погружаясь в ее воды…

Где же ты, плененное сердце?

Где же? Где же? Где же? Где же?

Где можно его увидеть?

Мое сердце, мое сердце в моей руке, в моей руке

Надо схватить, надо держать, надо не отпускать…»

Жаль, что эту красоту древнекорейского эпоса, исполняемого на языке оригинала, наш зритель не понимает! Зато его захватывают сменяющие лирику громыхающие следом хард-роковые ритмы. Это со сцены в зал выходит сам лидер группы Ким Дже Док, закончивший свой взрывной танец на сцене… Он берет второй микрофон и после пронзительного соло на губной гармошке поет сочиненную им забойную современную композицию. Так зрителя и шарахает «из огня да в полымя».

— «Даркнесс Пумба» это перформанс. 11 лет назад в 2006 году, когда мне было 23 года, я начал сочинять это произведение. Вначале это было 25-минутное представление. А в 2013 году, когда мы создали труппу, я досочинил начало и конец. Сейчас в нашей труппе вместе со мной работают 10 танцовщиков — трое остались в Корее, и 7 танцовщиков выступают здесь. А когда выступления, как сегодня, идут с живой музыкой, с нами работают еще 4 музыканта.

— Где вы учились танцу?

— В Корейском национальном университете искусств я занимался современными танцами. У нас классический балет, и корейские танцы идут как дополнительные.

— А когда начали писать музыку?

— Моя мама была музыкантом, и я с детства учился у нее играть на фортепиано, сочинять музыку, также петь. То есть с детства я был очень близок к музыке. Потом я стал сочинять музыку с помощью компьютера. Сейчас миксирую и все делаю сам от начала до конца.

— Вы гастролируете по всему миру?

— После Москвы мы улетаем в Англию, правда, с другим уже спектаклем, ведь у нас разный репертуар. В этом году мы уже выступали в Англии, а также в Японии, были в Вене, в Чехии, Венгрии, Египте. Кроме того, я сотрудничаю еще с другими труппами. В Сингапуре, например, у меня 7 лет есть труппа. Я работал в Японии, в Новой Зеландии, в Бразилии, Германии, Бельгии, Швейцарии и многих других странах. Меня приглашали выступать с лекциями в Школе балета Рамбер, а также в Школе современного танца в Лондоне.

— То есть вы работаете помимо собственной с разными трупами?

— Да, и это очень удачно получается…

— Южная Корея делает в современном и классическом балете какие-то невероятные успехи. Только что в Москве, в Большом театре, закончился Международный конкурс артистов балета и хореографов, и на нем очень сильно была представлена ваша страна. Пак Сонми получила «золото» по младшей группе, и многим очень понравился выступавшей с ней в паре ваш танцовщик Ли Сангмин, который уже брал у нас «серебро» на конкурсе в Перми, а в Москве стал дипломантом…

— Да, я уже знаю. И он, и она учатся в том же университете, который окончил я. А современным танцем с ними занимается работающий также и с нашей труппой педагог.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пн Июл 17, 2017 5:28 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18365
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Июл 02, 2017 9:27 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017063114
Тема| Балет, Пермское хореографическое училище, Выпускной
Автор| Юлия Баталина редактор отдела культуры ИД «Компаньон»
Заголовок| Лица завтрашнего балета
Пермское хореографическое училище представило свой 63-й выпуск

Где опубликовано| © NewsKo
Дата публикации| 2017-06-30
Ссылка| https://www.newsko.ru/articles/nk-4097654.html
Аннотация|

Балетоманы знают выпуски знаменитой пермской балетной школы по именам вышедших из неё звёзд и их руководителей. Вряд ли будет когда-то забыт знаменитый выпуск 1974 года, когда художественный руководитель училища легендарная Людмила Сахарова напутствовала Надежду Павлову и Ольгу Ченчикову. Нынешний же курс наверняка со временем станет знаменитым курсом Анны Григорьевой, Альбины Колобовой и их руководителя Ирины Козынцевой.


А. Григорьева. Щелкунчик
Фото: Ирина Прокопьева


Выпускные концерты прошли в начале июня, перед самым Днём города. Посмотреть на знаменитых выпускниц, лауреатов международных конкурсов и Дельфийских игр, собрались многие знатоки и любители балета, и зал был полон не только родителями и родственниками будущих звёзд.

Всё первое отделение длинного концерта было занято гран-па из «Пахиты» — роскошным и торжественным балетным актом, который даёт возможность показать «товар лицом»: здесь и классический танец, и характерный, и па-де-де с вариациями, и кордебалет, и танец для самых маленьких. В качестве примы выступала та самая Анна Григорьева, которая давно привлекла внимание рекрутеров из ведущих театров России. Она продемонстрировала удивительные для столь юной балерины точность и какое-то очень взрослое сочетание уверенности движений с отсутствием стремления «превзойти себя»: прыгнуть повыше, прокрутиться поэффектнее — все эти ошибки молодости, которые порой так портят танец начинающих, ей чужды. У Анны феноменальное чувство правильного танца, когда изгиб руки и движение стопы важнее, чем спортивно-эффектные пируэты.

Её партнёром был Игорь Кочуров — единственный «принц» в этом, в общем-то, небогатом на выпускников-мальчиков курсе. Он честно старался соответствовать партнёрше и радовал статью и «рыцарственностью», которые помогут ему превратиться в блестящего премьера.

В па-де-труа прекрасно показал себя Никита Чебаков — чрезвычайно талантливый и, похоже, трудолюбивый молодой человек, фактурный характерный танцовщик.

«Гвоздём» концерта было второе отделение, полностью занятое одноактным балетом «Концертные танцы», специально поставленным для этого события хореографом Антоном Пимоновым на музыку Стравинского. Сложный и красивый, очень спортивный, очень полифоничный современный танец позволил молодым танцовщикам показать умение работать в ансамбле и просто доставил удовольствие зрителям, поскольку был красив — без всяких скидок на учебный характер этой работы.

Третье отделение было дивертисментным — здесь были и современный танец, и классика, и неоклассика. Тот же Антон Пимонов специально для Альбины Колобовой и Игоря Кочурова поставил небольшой трогательный дуэт на музыку Шарля Берио «Балетные сцены»; Никита Чебаков и Дарья Мокрушина танцевали «Деревенского Дон Жуана» — почти обязательную для выпускных концертов училища характерную миниатюру Леонида Якобсона; Анна Григорьева блистала в адажио из «Спящей красавицы». Завершило программу фламенко из «Лауренсии».

Сразу после выпускного концерта Анна Григорьева отправилась на Х Международный конкурс артистов балета в Москву, и всё училище приготовилось следить за её триумфом. Увы, триумфа не случилось: она не прошла во второй тур. По мнению педагогов, переутомилась: всё-таки физически она не столь сильна, чтобы после того, как два вечера подряд на протяжении трёх часов выступала в нескольких разных партиях, начать соревноваться с опытными соперницами вроде Джой Вомак. Но все блестящие качества балерины, её тонкость и танцевальность по-прежнему с ней.

Увы, не пермские зрители будут следить за её развитием: она приняла предложение о работе в Большом театре.

=====================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18365
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Июл 02, 2017 9:39 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017063115
Тема| Балет, Американский театр балета, Персоналии, Джон Кранко, Диана Вишнева, Марсело Гомес
Автор| Майя Прицкер
Заголовок| Диана Вишнева попрощалась с АБТ
Конец главы

Где опубликовано| © "В Новом Свете" (МК в США)
Дата публикации| 2017-06-29
Ссылка| http://www.vnovomsvete.com/articles/2017/06/29/diana-vishneva-poproshhalas-s-abt.html
Аннотация|

Балет Джона Кранко «Онегин» на музыку Чайковского, возможно, и не относится к шедеврам мировой хореографии.


Последние поклоны после спектакля

Но выбрав для своего последнего выступления в качестве примы Американского Балетного театра роль Татьяны в «Онегине», Диана Вишнева почти доказала обратное. Одухотворив и возвысив хореографию Кранко до почти невозможного артистического поднебесья, она станцевала не его, а Пушкина и Чайковского Татьяну, добавив собственную мудрость (не исключено, что обогащенную знаменитой статьей Марины Цветаевой) и создав в этот вечер один из великих образов в современном балете.

Каждое явление ее на сцене, разумеется, делало ее центром внимания, несмотря на то, что Онегину в балете уделено немало внимания и места, и Марсело Гомес - постоянный партнер Вишневой по АБТ - был очень хорош в роли Онегина, которого Кранко почти всегда видит глазами Татьяны. Но Вишнева завораживала, ошеломляла, останавливала дыхание. От невероятных, бисерных, сливавшихся в почти надземное скольжение па де бурре на пуантах в первом действии, сильнее всяких слов сказавших о том, как смятена юная мечтательница Татьяна загадочным, «из других миров», красавцем, - до дуэтов третьего действия, в которых совершенно потрясает пластическое преображение Татьяны-Вишневой, - она выстроила роль с тем совершенством, к которому зрители уже давно привыкли, и с той экстраординарной интенсивностью проживания, которая, кажется, вобрала в себя все ее существо танцовщицы и актрисы, но в этот вечер оказалась помноженной на эмоции прощания с АБТ.

То, что происходит с ней в третьем действии, забыть невозможно. Вот большой дуэт с Греминым (отличный Роман Журбин) на петербургском балу, где, не потеряв ни грана искренности, естественности и простоты былой Татьяны, героиня излучает внутреннюю тишину и покой. В ней та же грация, но жесты по-новому плавны и сдержанны, а фразы длинны и певучи.

В последнем же дуэте с Онегиным происходит и вовсе невообразимое: да, перед нами та верная, преданная и благодарная мужу Татьяна, которую мы видели на балу, и то, что их связывает - подлинно. Вот почему так растеряна она перед письмом Онегина, так выбита из колеи его - и своей, внезапной, уже взрослой страстью, с которой хочет и не может бороться... И эту страсть, это бесстрашие, с которым балерина бросается в вихрь поддержек и комбинаций, усиленную уникальным в своей художественной полноте партнерством с таким же бесстрашным здесь Гомесом и музыкой Чайковского (центральная тема из «Франчески да Римини» - одно из немногих, на мой взгляд, «попаданий» Кранко в партитуре балета), ощущаешь в последнем ряду партера...

«Балет может выразить больше, чем любое другое искусство», -сказала в одном из интервью балерина. В этот вечер это было именно так. После того, как занавес упал над одинокой, застывшей в отчаянии фигурой Татьяны, в забитом до предела зале Метрополитен-оперы началось нечто невообразимое: аплодисменты и рев публики длились минут 20, Диана и Марсело, еще не оправившись от пережитого в спектакле, плакали и благодарили друг друга, труппа АБТ, по сложившемуся ритуалу, осыпала Вишневу цветами, с колосников летели белые лепестки, и букеты выносили примы и премьеры труппы, Кевин МакКензи, в 2003 году пригласивший ее в АБТ на первый спектакль и двумя годами позже сделавший Вишневу примой своей труппы, Алексей Ратманский, в балетах которого - от «Золушки» до «Лунного Пьеро», «Анны Карениной», «Трилогии Шостаковича» - она танцевала, Ирина Колпакова - легендарная балерина Кировского-Мариинского и главный педагог-репетитор Вишневой в АБТ... Вы все это уже видели, наверняка, на "Фейсбук" и "Ю-тубе", потому что все, кто мог, это снимали...

Что потом? «... не совсем прощание, - написала Вишнева на своей страничке на "Фейсбук" в ответ на статью Джоан Акачелла в журнале «Нью-Йоркер». - Я, может быть, и покидаю АБТ, но мои американские планы только начинают осуществляться, и следующие шаги обещают быть не менее увлекательными, потому что будут сфокусированы на развитии новых и новаторских форм сценического искусства...».

Она остается примой-балериной Мариинского театра и будет, скорее всего, гостьей-солисткой в других труппах, если ей это, конечно, будет интересно. Согласно «Нью-Йорк таймс», в августе в Петербурге открывается ее собственная балетная студия, где кроме балета будут заниматься йогой и гимнастикой как профессионалы, так и любители, и где будет место для работы с новыми хореографами. Последнее ее особенно интересует - именно для пропаганды современной хореографии она основала пять лет назад свой фестиваль «Контекст», представляемый и в Москве, и в Петербурге, и приглашает на него самые интересные современные постановки со всего мира. Она всегда была балериной не только эмоциональной и проникновенной, но и думающей, ищущей, постоянно растущей. Я видела этот рост и на сцене, и в ее интервью. А таким нужна свобода. Хорошо, что она еще так молода и может написать еще не одну главу.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18365
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Июл 02, 2017 11:03 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017063116
Тема| Танец, Международный фестиваль танца Open Look
Автор| Вадим Каспаров
Заголовок| Нелегкий путь современного танца
Продюсер Вадим Каспаров — о развитии новой хореографии в России

Где опубликовано| © Известия
Дата публикации| 2017-06-29
Ссылка| http://iz.ru/node/612007
Аннотация|

Сегодня фестиваль современного танца Open Look открывается уже в 19-й раз. За эти годы мы прошли достаточно сложный путь, который во многом отражает и путь этого искусства в нашей стране в целом.

Когда фестиваль только зарождался, у нас был настоящий дефицит российских мастеров. Чтобы пересчитать в те годы специалистов, чье участие в современной хореографии было действительно ощутимо, хватит пальцев одной руки. Еще одно обстоятельство, мешавшее развиваться этому искусству, — информационная блокада. Помню, как мне пришлось из одного человека целый час буквально вытягивать по словам информацию о том, что же такое American Dance Festival и для чего он нужен. Из уст в уста передавались сведения о том, что происходит с танцем за рубежом, и не все были готовы ими делиться.

Это сейчас мир иной — есть YouTube, видеозаписи многих спектаклей выкладываются в Сеть; а тогда — мы пытались разрушить барьеры, сделать современный танец доступным. Но не для того, конечно, чтобы унифицировать его язык — в любом случае каждый хореограф ищет свой язык танца, отталкиваясь от предельно субъективных ощущений. Просто иногда хореографы — как раз ввиду этого информационного вакуума — изобретали велосипед. Им казалось, они сочиняют что-то принципиально новое, хотя это все задолго до них уже кто-то сочинил. Поэтому изменения в среде современного танца в России в конце 1990-х были просто необходимы.

В первый год существования проекта, который уже позже стал называться «Фестиваль Open Look», мы приняли коллектив известного американского хореографа Билла Янга. Помню, какой это был для нас стресс. Мы тогда ничего не знали: ни как расселять гостей, ни как координировать. Плакат первого фестиваля был распечатан мной на листе формата А4, и в одной конторе мне увеличили его, сделали большие плакаты — два на весь город. И, несмотря на всё это, у нас был аншлаг! Я не мог понять, как люди узнали об этом событии. Интерес проявили и пресса, и телевидение. Значит, публике это оказалось действительно нужно.

Однако была и другая проблема: недостаток образования. Я помню, как Саша Кукин (основатель Театра танца Саши Кукина) провел мастер-класс как представитель России, а Билл Янг — со стороны Америки, а артисты Янга выступили со спектаклем. И когда постановка объединилась с образовательной частью, словно возник электрический разряд.

Мы до сих пор сохраняем такое сочетание, одно подпитывает другое. Известно: лучший тренер — тот, кто может не только рассказать, но и показать. И когда мы приглашаем провести мастер-классы зарубежных хореографов, носителей своей танцевальной техники, это можно сравнить с изучением иностранного языка: каким бы хорошим ни был русский педагог, всё же он может не обратить внимания на те нюансы, которые будут видны носителю языка.

И вот постепенно ситуация стала меняться. Была прорвана «информационная блокада», изменилось отношение к современному танцу. Скажем, 20 лет назад в Мариинском театре почти не было современных балетов, а сейчас одна треть репертуара — это современная хореография. В Академии Бориса Эйфмана есть соответствующий спецкурс. Мы ведем переговоры о спецкурсе и в Театральной академии, нынешнем Институте сценических искусств.

Поначалу наш фестиваль существовал без государственных субсидий, потом город стал помогать. Радует, что сегодня и представители бизнеса нас поддерживают. Они стали понимать, что в культуру надо вкладывать деньги, не ожидая быстрых результатов. Иначе станет хуже, в частности, для самих бизнесменов: их будут окружать малообразованные и агрессивные люди, которые рано или поздно свою агрессию проявят.

К сожалению, люди моего поколения не понимали значения культуры, потому что государство полностью спонсировало ее, когда они были детьми. Перестройка сознания случилась в 1990-е — тогда учреждения культуры оказались перед необходимостью зарабатывать деньги самостоятельно. Многие с этим не справились. И стало ясно: культура — это не что-то само собой разумеющееся. Это ценность, за которую надо бороться. Она требует защиты и поддержки.

Сегодня, если мы хотим, чтобы современный танец развивался, нужно понимать, зачем он нужен обществу. Являясь в каком-то смысле противостоянием классическому балету, современный танец тем не менее не протестная история, не андеграунд и не маргинальное направление. Это — одна из основ нашего будущего. Как в литературе: Пушкин, Толстой и Чехов — опора, но нельзя жить только великим прошлым. Современные писатели тоже нужны, и общество и государство должны прилагать все усилия, чтобы помочь им состояться. Так и с современным танцем, путь которого в нашей стране оказался непростым, но безусловно ярким.

Автор — основатель и директор Международного фестиваля танца Open Look

Мнение автора может не совпадать с позицией редакции
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18365
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Июл 02, 2017 11:17 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017063117
Тема| Балет, Большой театр Беларуси, Премьера, Персоналии, Александра Тихомирова
Автор| Евгения Заболотских
Заголовок| Орлиное озеро
Где опубликовано| © Союзное Вече Номер 28 (732)
Дата публикации| 2017-06-28
Ссылка| https://souzveche.ru/articles/culture/37838/
Аннотация| Премьера, ИНТЕРВЬЮ

В Большом театре Беларуси состоялась премьера совместной работы Санкт-Петербургского театра «Килизэ» и Большого театра Беларуси - спектакля «Орр и Ора»


Самым сложным для артистов было почувствовать себя свободными, как птицы. Фото: Пресс-служба Большого театра

НЕРАЗЛУЧНИКИ

Этот балет по праву можно считать союзным творчеством. Либретто написал петербургский бизнесмен и меценат Вячеслав Заренков, музыка - совместная работа российского и белорусского композиторов, а поставила спектакль хореограф из северной столицы, работающая на главной сцене республики. У Александры Тихомировой корреспондент «СВ» и спросила, как рождалась постановка.

- У балета очень интересное и необычное название. Это что-то мифологическое?

- Все просто. «Орр и Ора» - это орел и орлица. Однажды с автором идеи Вячеславом Заренковым произошла интересная история. Он отдыхал на Кипре, и в его дом начал биться клювом орел. Открыв балкон, он увидел несчастную обессилевшую птицу с поникшими крыльями. Укрыл ее одеялом, а на следующее утро выпустил и увидел, как она взвилась в небо. Но вместо того чтобы улететь, орел отправился к окну соседнего дома, разбил клювом стекло, оттуда показалась орлица, и они улетели.

Оказалось, что эту пару друзья подарили жившим вместе парню и девушке. Но вскоре молодые люди расстались и забрали каждый по птице. Однако орел не смог жить в одиночестве, отправился на поиски подруги и вскоре нашел ее. Эта история вдохновила Вячеслава Заренкова на создание книги «Орлы и люди», а она, в свою очередь, сподвигла меня на работу над спектаклем.

- Обычно музыку к балету пишет один автор, у вас же вышло по-другому.

- Да, та музыка, которую написал петербургский автор Михаил Крылов - чудесная, с яркой мелодикой и очень напевная. Но мне показалось, что она больше для кинематографа или для драматического спектакля. Балетный жанр диктует свои законы. Поэтому мы пригласили белорусского композитора Олега Ходоско. Музыкальной редакцией балета занимался он. И это здорово.

А МНЕ ЛЕТАТЬ ОХОТА

- Ревности не было?


- Ни капли! Миша Крылов тоже с удовольствием пошел на этот эксперимент. И родилось что-то особенное. Кстати, история знает немало похожих примеров. Музыку к «Лебединому озеру» тоже многократно переделывали. При жизни Чайковского спектакль вообще провалился в Москве в 1879 году. А потом каждый хореограф, когда обращался к этой теме, написав свое либретто, преобразовывал и музыкальный материал.

- Тема полета часто возникает и в других спектаклях, над которыми вы работали.

- Она есть и в моем «Маленьком принце», и в четвертом акте «Лебединого озера». Ведь полет - это не только самолеты или птицы. Я представляю его, как состояние человека, как вырвавшуюся на свободу творческую мысль, воображение. Мы смотрим на это понятие не буквально, а размышляем.

- Нередко вы и сами находитесь в состоянии полета, переезжая с места на место: родились в Саратове, работали в Петербурге и теперь трудитесь в Минске. Как на вас влияет белорусская земля?

- Мне повезло, так как в восемнадцать лет я попала в Мариинский театр. До сих пор живу в Петербурге, но много времени провожу в Беларуси. И как раз благодарна белорусской земле за то самое ощущение полета, свободы выражения своих фантазий. У меня есть фотография, где мне пять лет. Я в детском саду, исполняю белорусский танец в костюмчике-вышиванке. И сейчас, когда я смотрю на этот снимок, я понимаю, насколько все в жизни не случайно, и очень благодарна Большому театру в Минске за возможность осуществления своих мечтаний.

СЛОВО АВТОРУ

- Эта история не только романтична и поучительна. Она легко ложится на музыку, в ней много движения и динамики, - поделился накануне премьеры автор либретто и рассказа «Орр и Ора» Вячеслав Заренков. - Полет орлов, стремление влюбленных навстречу друг другу - об этом интересно говорить языком танца, пластики. Но если рассказ только повествует о событиях, то либретто должно отражать музыкальную драматургию. Мы постарались уделить внимание темам любви и счастья, которых достойны и птицы, и люди.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18365
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Июл 02, 2017 11:23 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017063118
Тема| Балет, Мариинский театр, Персоналии, Ульяна Лопаткина
Автор| Марианна ДИМАНТ. Фото пресс-службы Мариинского театра
Заголовок| Душа к губам прикладывает палец…
Где опубликовано| Вечерний Санкт-Петербург
Дата публикации| 2017-06-28
Ссылка| https://vecherka-spb.ru/2017/06/28/dusha-k-gubam-prikladyvaet-palec/
Аннотация|

ПРОЩАНИЕ СО СЦЕНОЙ УЛЬЯНЫ ЛОПАТКИНОЙ ПРОШЛО В ДУХЕ САМОЙ НЕПУБЛИЧНОЙ ЗВЕЗДЫ НАШЕГО БАЛЕТА



На днях Мариинский театр официально уведомил поклонников примы-балерины Ульяны Лопат­киной о том, что она «сообщила о завершении своей танцевальной карьеры».

Вот так – без громких слов, без итогового апофеоза, без цветочных корзин и продолжительных оваций – как бы просто тихо раствориться. Очень в духе нашей героини, о которой привычно думать как о самой скромной, самой сдержанной, самой непубличной звезде отечественного балета. Когда-то Вадим Гаевский назвал ее даже «тургеневской девушкой XXI века». Образ красивый, но соответствует он действительности лишь отчасти. «Тургеневские девушки» (живущие и в нашем столетии) – это, кажется, что-то такое робкое, мягко-сентиментальное… А Ульяна все-таки, по-моему, другая. В пластических образах, ею создававшихся, в утонченности линий и абсолютной, чистейшей грации движений всегда ощущались какая-то внутренняя острота и сила. Не томные извивы модерна, – скорее, стреловидная готика, пронзающая небеса. Энергия, превосходящая то, что называется человеческой душевностью, эмоциональностью, – едва ли все это не опровергающая.

Не отсюда ли ее пристрастие к Баланчину? К той эстетике, где сантиментам места нет – есть танец par excellence. Тут Ульяна достигала такой отрешенной сосредоточенности, что воздух вокруг, казалось, дрожит от напряжения.

Вообще балет – искусство, так сказать, перфекционистское – здесь все продумано, рассчитано, предусмотрена каждая мелочь. У Лопаткиной же – в особенности. Она даже упреки получала – в избыточной, «математической», что ли, выстроенности. Как бы в некоторой холодноватости. «…И пробует волю твою на зубок холодный расчет балерины…» – не про нее ли (задолго до нее) было это сказано?

Нет-нет, совсем не «холодный расчет», подавляющий зрительскую «волю». Что-то иное. Для огромного количества людей она есть «зáмок красоты», икона. Абсолют. Я знаю многих, ходивших на ее спектакли как на молитву и сидевших в зале (говоря сло­вами из письма Бориса Пастернака Галине Улановой) «со все время мокрым лицом». Словом, из любивших ее «можно составить город», в население которого войдут не только массы очарованной публики, но и довольно строгие обычно коллеги. Балерина Майя Дум­ченко, выпустившаяся из Академии русского балета на пять лет позже Ульяны, признавалась мне, что никогда не забудет ее первого «Лебе­диного»: «Я не могла отвести от нее глаз. Особенно в «черном» акте – она была очень элегантная… вроде мягкая, но внутри такой был нерв… Мне передавалось ощущение какого-то соблазнительного притяжения, что ли…»

Хотя, конечно же, кому-то ближе другое – живая экспрессия, открытый темперамент… Это нормально. Лопаткина, в общем, ни с кем не соревновалась, просто всегда была верна себе, своей природе. А там, в природе этой, гармонически соединялись два как будто бы неблизких начала – рационально-волевое и таинственно-интуитивное. И – рождались шедевры: объя­тая невыразимым внутренним пожаром Мехменэ Бану, тихо пламенеющая Никия, скорбно замкнутая Одетта…

Мне довелось как-то вести встречу с ней в Театральном музее. В прямом общении Ульяна оказалась человеком открытым, была оживлена, шутила, иронически поминала придавивший ее, совсем молоденькую, титул «Бо­жественная», рассказывала о всяких сценических приключениях и злоключениях. Как, например, роковая змея в «Баядерке» вылетела однажды из цветочной корзины раньше времени. Или про «жароптицево перо», которое она, наоборот, долго не могла отодрать от себя в шедевре Стравинского – Фо­кина: «Я дергаю, дергаю, а оно – никак. Ну, думаю, хоть вместе с куском пачки, но вырву… И главное, пока я дергаю, музыка же проходит!»

Тревога понятная. Но «музыка», конечно, не проходила. Ульяна сама была ею. Всегда. Даже в паузах.

В нас она не затихнет тоже. Будет мистически длиться – как последний, отчаянный взмах тонкой руки в фокинском «Лебеде»…
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18365
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Июл 03, 2017 12:15 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017063119
Тема| Балет, труппа Бориса Эйфмана, Гастроли в США
Автор| Нина Аловерт. Фото автора
Заголовок| Борис Эйфман. Новые редакции прежних балетов.
Где опубликовано| Elegant New York
Дата публикации| 2017-06-26
Ссылка| http://elegantnewyork.com/boris-eifman-alovert-1/
Аннотация| ГАСТРОЛИ


“Красная Жизель”. Балерина – Дарья Резник

PRO ET CONTRA.

Гастроли Театра Бориса Эйфмана – всегда событие в театральной жизни Нью-Йорка. Последние годы Эйфман привозил в Сити Центр свои новые балеты, в этом году мы увидели редакции его прежних шедевров: «Красную Жизель» и «Чайковского» (теперь: «Чайковский: pro et contra”).

Причины, побудившие хореографа пересмотреть свои старые балеты, можно понять. Среди них: новый взгляд хореографа на прежние темы и сюжеты, совершенно иное поколение танцовщиков…

Начну с балета «Чайковский: pro et contra”.

Балет поставлен на собранную музыку из произведений П.И.Чайковского.

В переосмыслении хореографом спектаклей, созданных ранее, много подводных камней. Но в данном случае мы увидели новый балет, хотя и с некоторыми сценами, которые вошли в него из старой постановки. Но дело не в том, какое количество хореографического текста осталось от прежнего варианта. Дело прежде всего – в новом ритме всего спектакля. Балет в целом можно сравнить с извергающимся вулканом. Мощная энергия фантазии хореографа не знает предела, что приводит иногда к излишнему нагромождению сцен. Но это понимаешь потом, когда, освободившись от спектакля, начинаешь его обдумывать. Поэтому, даже посмотрев балет дважды, невозможно выстроить внутреннюю логику сюжета. Ограничусь главными линиями спектакля и сценами, которые производят наибольшее впечатление.

Весь балет построен как воспоминания умирающего Чайковского, иногда – безумные и мучительные, иногда радостные (о творчестве и успехе). В центре балета – Чайковский как гениальный творец. И его Двойник. В прежнем балете Двойник олицетворял тайное знание Чайковского о себе. В новой версии – Двойник скорее представлен, как некое злое начало, во всяком случае – недоброе. Он как будто вбирает в себя то темное, что есть у каждого человека в душе, в данном случае – у композитора. Двойник – олицетворение тайных и запретных желаний Чайковского.

Вообще в балете многие герои предстают в разных ипостасях. Так например, сам Двойник еще является Чайковскому в виде Ротбарта, Дроссельмейера и Германна, Надежда фон Мекк – Пиковой Дамой.

Возвращаюсь к Чайковскому и Двойнику. В прежнем балете Чайковский идет в игорный дом, в новом хореограф отправляет туда Двойника, который, вырывавшись на свободу, начинает жить почти самостоятельной жизнью. В конце балета Двойник, лишенный прежней губительной силы, возвращается к композитору, чтобы затем расстаться с ним навсегда. И во всем балете нет ничего трагичнее этой сцены прощанья композитора со своим двойником, частью своей души. Двойник уходит в бессмертие в сопровождении эскорта белых лебедей. Чайковский умирает на руках своих родственников в «реальной» жизни. Может быть, не совсем логично, но вся сцена прощания поставлена на таком уровне высокой трагедии, что нет смысла подвергать ее анализу. Это театр, это его мистика, его эмоциональное воздействие на душу зрителя.

В прежнем спектакле гораздо отчетливее была подана тема гомосексуализма Чайковского. В новом она заметно «притушена», отчего не совсем понятно, почему общество заставляет Чайковского покончить с собой: в то время к гомосексуализму относились иначе, чем сегодня. Поэтому не совсем понятна и трагедия женитьбы композитора. В прежнем балете Чайковский женился, пожелав в какой-то момент быть «как все». В новой версии упор сделан на то, что девушка насильно женит на себе Чайковского. Но эта невозможность быть, как все, одна из основ раздвоения личности: с одной стороны – гениальный творец, который хочет жить не только творчеством, с другой – Двойник, олицетворение тайных страстей, ликующий, соблазняющий, разрушающий… Но в этой душевной раздвоенности кроется не только причина трагедии, но и один из источников творчества.

Контрастные картины сменяют одна другую: освободившись от власти Ротбарта и его свиты, Чайковский создает мир прекрасных белых лебедей. К нему приходит слава, Надежда фон Мекк надевает на него лавровый венок, его женит на себе молодая девушка, Двойник в образе Дроссельмейера издевается над его любовью к Принцу, подменяя прекрасного юношу уродливой куклой … Весь этот калейдоскоп прожитой жизни, все душевные метания героя, воплощенные в меняющихся сценах, несутся перед глазами зрителя.

В балете существуют две точки наивысшего напряжения: еще до трагического прощания Чайковского и Двойника – это фантасмагорическая сцена из «Пиковой дамы» в игорном доме, шабаш игроков. В этой части, правда, по сравнению с первой версией, уменьшена роль Пиковой Дамы, а жаль. Но Эйфман еще работает над своей новой редакцией.

После разгула страстей в игорном доме, после встречи с Пиковой Дамой и крушения – Двойник возвращается к композитору. И тогда среди общей тревоги, несущихся белых лебедей и черной свиты Ротбарта, происходит трагическое прощание композитора со своим двойником.

Единственное, что категорически нельзя принять в новом балете – это оформление Зиновия Марголина. Художник оформляет уже не первый балет Эйфмана, но так и не пришел к пониманию жанра его спектаклей и стиля его хореографии. Опять унылые цвета декораций, опять какая-то конструкция наподобие моста на фоне задника (повторяющаяся из спектакля в спектакль). Стол, покрытый ярким зеленым сукном, в игорном доме появился лишь по логике сюжета.

Костюмы Вячеслава Окунева, оставшиеся от первого спектакля, и новые Ольги Шаишмелашвили удачны, но не гармонируют с оформлением.

***


В «Красной Жизели» ситуация иная.

В данном случае Эйфман оставил в целом прежний спектакль, внеся в него изменения, выкидывая важные сцены, что привело к разрушению прежнего шедевра. А «Красная Жизель» – шедевр, созданный в свое время как будто на одном дыхании, в нем нет места переменам.

Три главные перемены нарушают прежний замысел, который по своей сути остался прежним.

Прежде всего – образ Чекиста. Чекист в балете, каким он был представлен раньше, приходит не из среды «ликующих хамов», которые врываются на сцену императорского театра. Он явно принадлежал к более высокому классу общества и пришел в революцию по убеждению. Новый Чекист – психопат и садист. Когда я сказала об этом Эйфману, он возмущенно ответил, что не изменил ни одной детали в образе. Да, не изменил. Но добавил сцену, (вообще не нужную), где происходит избиение заключенных в застенке. Чекист сидит и хладнокровно наблюдает. И в спектакле эта сцена сразу меняет все историю отношений Балерины и Чекиста. Не может он отпустить Балерину в эмиграцию. Не может по логике своего характера. Прежний Чекист отпускал, у него еще были понятия, хотя и подавленные, но Балерину он по-своему любил. А этот – не может отпустить. А по сюжету – отпускает.

Второе: выпущена центральная сцена балета, знаменитая сцена с головой Чекиста. В ночном клубе, куда Балерина ходит танцевать, ей вдруг видится Чекист. В прежнем спектакле все исчезало, и в прорезь черного задника виделась ей лишь голова Чекиста, которую она перекатывала носком своей туфли. С этой страшной мистической сцены начинала развиваться новая трагическая тема спектакля – надвигающееся безумие Балерины. Сейчас сцены с головой нет, на этом месте – дуэт: Балерина и Чекист. Смысл его непонятен: то ли Чекист действительно является в Париж, то ли Балерина его вспоминает.
«Взрыва» безумия нет, есть обычное балетное «воспоминание», а потому дуэт смотрится, как вставной номер. Последующая блестящая сцена с красным плащом повисает в воздухе, она не является продолжением предыдущей.

И третье изменение, в котором нет необходимости, Эйфман сочинил в концовке балета. Безумие покидает Балерину, перед смертью наступает просветление. Балерина уходит в «зазеркалье», в смерть. Почему в этой сцене вдруг появился Партнер??? Я понимаю, хореограф хотел создать ассоциацию с той сценой в балете «Жизель», где Альберт ищет на кладбище тень привидевшейся ему Жизели. Но в классическом балете это и происходит в начале второго акта. А в концовке балета уже нет места другим героям. Балерина остается одна наедине со смертью и бессмертием. Бегающий между зеркалами Партнер нарушает пафос и величие концовки.

Но те, кто не видели оригинальный вариант, все равно находятся под большим впечатлением от спектакля: такая эмоциональная сила в нем заложена. Тем более жаль видеть отдельные разрушения шедевра.



Артисты труппы Эйфмана.

Когда я уезжала в эмиграцию в 1977 году, Эйфман только готовился к началу первого сезона своего нового театра. С труппой первые годы танцевали приглашенные «звезды» других театров. Вернувшись в Ленинград в конце 80-х годов, я еще застала премьеров Валентину Морозову и Валерия Михайловского. Труппа постепенно пополнялась. В нее приходили солисты из других театров. И с начала 90-х труппа Эйфмана – это уникальный ансамбль солистов и кордебалета, которому нет аналогий.

Новое поколение, которое мы увидели сегодня, яркое, талантливое, совсем иное, чем прежнее, как впрочем, оно иное и во всем балетном мире.

О технике говорить не приходится. Сейчас все высоко прыгают, крутятся, у всех высокий шаг и умение делать любые акробатические трюки, привносимые хореографами в балет.

Все премьеры труппы Эйфмана– танцовщики, обладающие ярко выраженной актерской индивидуальностью. Им надо было бы посвятить отдельную статью. Поэтому сейчас я только кратко остановлюсь на индивидуальных особенностях премьеров (кордебалет – отдельная тема).

Олег Габышев. Пластичный, музыкальный, тонко чувствующий танцовщик. Чайковский Габышева слишком мягок, слишком тонко организован душевно, открыт и беззащитен для мира, в котором он живет. Чайковский Габышева живет в диапазоне между страданьем в миру и радостью созидания.

Двойник Сергея Волобуева – особое явление в спектакле. В нем есть какая-то сатанинская сила, очарование зла, безудержность разрушительных страстей. Мне очень жаль, что я не увидела другой состав исполнителей. Дмитрий Фишер (Чайковский) и Дмитрий Крылов (Двойник), вероятно, вносят в балет другие оттенки, что весьма интересно. Фишера мы знаем по предыдущим гастролям. Он всегда держится с большим достоинством, обаятелен и слегка «закрыт» для внешнего мира (в «Красной Жизели» он танцевал Друга Партнера). Крылова я вижу впервые. И поразил не только феноменальный прыжок его Шута в игорном доме, но есть в актере какое-то лукавство, какая-то ирония, которые заставляют следить за ним даже в роли Принца в эпизоде из «Щелкунчика». Олег Марков – еще одна яркая актерская индивидуальность. Думаю, все мы отметили благородство, артистичность и властную силу его Учителя в «Красной Жизели».

Мария Абашова наибольшее впечатление оставила в роли баронессы Надежды фон Мекк, особенно в роли Феи Карабосс и Пиковой дамы, где она так выразительна в сочетании красоты безупречного танца и ликующего злорадства мстительной волшебницы.

Любовь Андреева – лирическая танцовщица. Она трогательна даже во всех сценах своей агрессии в роли жены Чайковского.

В одном из спектаклей «Красной Жизели» роль Балерины танцевала Дарья Резник, недавняя выпускница Академии балета им.А.Я.Вагановой. Она несомненно талантлива, ей теперь надо работать над ролью. Это только начало ее творческого пути.

И теперь – кордебалет… Нет, не кордебалет, ансамбль актерских индивидуальностей. Можно только поражаться танцовщикам в этих ансамблях. Каждый из них не только блестящий исполнитель, но каждый существует в своем образе, в котором он не менее выразителен, чем солисты в своих премьерных ролях. И все таки все вместе – ансамбль, который в балетах Эйфмана часто наиболее ярко воплощает идею или эмоциональную силу всего спектакля. Как Эйфман подбирает танцовщиков для массовых сцен, это его загадка, они и внешне поражают: высокие, стройные красавицы и красавцы, рост в рост… браво!


Закончились гастроли, закончился праздник, но мы еще долго будем вспоминать и переживать увиденное, все pro etcontra. До следующего приезда Театра Бориса Эйфмана.

=========================================

ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9, 10  След.
Страница 8 из 10

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика