Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2017-06
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9, 10  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20205
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июн 06, 2017 11:40 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017060604
Тема| Балет, Дягилевский фестиваль, Персоналии, Игорь Стравинский, Вячеслав Самодуров
Автор| Ольга Манулкина
Заголовок| Апология танца
СЛУШАЯ БАЛЕТ ВЯЧЕСЛАВА САМОДУРОВА «ПОЦЕЛУЙ ФЕИ»

Где опубликовано| © Colta.ru
Дата публикации| 2017-06-06
Ссылка| http://www.colta.ru/articles/theatre/15048
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ


© Антон Завьялов

На закрытии Дягилевского фестиваля в Перми состоялась премьера трех балетов Игоря Стравинского. Первый из них, «Поцелуй феи» в постановке Вячеслава Самодурова, вызвал горячие споры и спровоцировал дискуссию, затрагивающую вопросы поэтики балета и смежных искусств.

Это не рецензия и не может ею быть — я не балетный критик. Но в балетных рецензиях редко идет речь о музыке, а в данном случае музыка и является камнем преткновения, о который, как принято считать, спотыкались предыдущие постановщики балета. Потому я решаюсь высказать мнение, что хореограф Самодуров этот камень сумел обойти, и попробую показать, каким образом ему это удалось.

Story

Уход от сюжета к бессюжетному — главная трудность «Поцелуя феи»: музыка Стравинского бросает нарратив еще раньше, чем это делает либретто. Композитор оставляет историю, махнув на нее рукой, и уходит — складывать слово «вечность» из льдинок, к иным отношениям музыки и балета. В «Поцелуе феи» Стравинский делает это легко, потому что история («Ледяная дева» Андерсена, не путать со «Снежной королевой») — последняя, кого пригласили в проект, задуманный Александром Бенуа. Идея была — балет «на музыку дяди Пети» (Бенуа), то есть «чайковскиана» — по аналогии с «шопенианой». Сюжет следовало подобрать к фортепианным пьесам, «сочетавшимся по чисто музыкальной affinité (сродство)».

«Ледяная дева» Андерсена, которую Стравинский переименовал в «Поцелуй феи», вероятно, появилась, как указывает музыковед Ричард Тарускин, из «Колыбельной песни в бурю», которую сам Стравинский выбрал в качестве лейттемы и символа балета. То есть сюжет возник из музыки Чайковского. В принципе же Стравинский к подобной сюжетизации относился скептически. «Мой “Аполлон Мусагет” всегда кому-то напоминает о Греции», — сказал он в первой книге «Диалогов», а в четвертой заявил, что настоящий сюжет этого балета — стихосложение.

В письме к Бенуа Стравинский пересказал фабулу «Поцелуя» в трех словах. Либретто (Ледяная дева, она же Фея, по ходу меняет отрицательный характер на положительный, а холод льдов и смерть — на высоты искусства и жертвование обычной жизнью ради творчества) определяет только каркас истории: оторвала от матери — поцеловала — оторвала от невесты — ребенок стал Художником. Едва ли не более важным оказывается метасюжет балета — и адекватно воплотить его на сцене гораздо сложнее.

Вячеслав Самодуров не раз говорил о стремлении уйти от «истории», накануне премьеры уточнял, что ему интересно работать в «пограничной зоне на стыке нарратива и абстракции». В «Поцелуе феи» он не отказывается рассказывать story, покуда это возможно (есть и Юноша, и Фея, и крестьяне, и Невеста), но к третьей картине хореограф прощается с Невестой и отправляет восвояси крестьян. Наивно-жизнерадостный земной мир поворачивается к Юноше изнанкой картонных декораций: со сцены сметают весь бутафорский хлам, чтобы классический балет мог заняться единственным приличествующим ему делом — классическими танцами. Эта логика «перемены участи» прописана в партитуре Стравинского: если в партитуре значится pas de deux, при чем тут нелепые заявления либретто вроде «Невеста веселится и играет с подружками»?



Трудности со Стравинским

Они отнюдь не исчерпываются соотношением сюжетного и бессюжетного. Есть еще, к примеру, масштаб. Это самый длинный балет Стравинского, но в нем «большой балет» Чайковского и Петипа сжат до одного акта. (Ту же операцию композитор сорок лет спустя проделал с жанром реквиема: его «Requiem canticles» голландцы Андриссен и Шенбергер определили как реквием, «усохший до афоризма».) То, что у Чайковского и Петипа занимало целый номер, у Стравинского вмещается в раздел, раздел — в период, период — в пару тактов.

Другая трудность — обманчивая простота музыки. В «Поцелуе феи» нет дистанции по отношению к «модели» и нет иронии; нет сбившегося с ноги аккомпанемента, как в «Мавре»; нет якобы обработок, а на деле пересоздания пьес XVIII века, как в «Пульчинелле»; нет «бахизмов с фальшивизмами», как окрестил неоклассические сочинения Стравинского Прокофьев. Все честно и крайне серьезно — и это сбивает с толку.
«Поцелуй феи» — виртуозная стилизация, «перевоплощение в Чайковского» (Тарускин). Стравинский сочиняет здесь четвертый балет Петра Ильича. Но видимость (здесь — слышимость) обманчива. Узнать тему, мотив, фрагмент Чайковского удается реже, чем думалось. Конечно, «Колыбельная в бурю», «Юмореска», «Мужик на гармонике играет», «Ната-вальс», «Серенада», «Нет, только тот, кто знал» заявляют о себе сами. Но вокруг них в воздухе носятся атомы и молекулы музыки Чайковского. Вот что-то из Пятой — или из Шестой? А это секвенция из «Спящей»? А это Карабос или мыши из «Щелкунчика»? Элементы фортепианных пьесок и песен для детей, выбранные самым прихотливым образом, собраны в новое целое, для которого они, казалось, были созданы.

Пьесы, предложенные Бенуа, — прелестные салонные миниатюры. К ним Стравинский добавил детские песни и «взрослые» романсы. Во фрагменте, на который Самодуров поставил выход Феи в первой картине (поставил так, как он сам описывает музыку Стравинского, — «комбинация характерной для него колкости и обманчивой дансантности»), нелегко признать фортепианный отыгрыш песни «Зимний вечер». Зато легко убедиться, что, как Стравинский ни сдерживает свои ритмические привычки, он все же «меняет квадратность Чайковского на ромбы и трапеции» (Лоуренс Мортон).

Колкий мотив из «Зимнего вечера» попадает в ротацию, как извлеченные из фольклора паттерны в «Свадебке», при следующем провороте акцент смещается; перед ним в такую же передрягу угодил другой мотив, побывав затем в трех разных размерах за три такта. Нет, конечно, это не «Великая священная пляска», о которую ломали головы и ноги дирижеры, хореографы и танцовщики. Но ловушка в том, что вы не подозреваете этих ритмических каверз в Чайковском, за которого принимаете звучащую ткань. Короче, если вы думаете, что это Чайковский, — посчитайте.

Другой вопрос — насколько эти ритмические сложности должны становиться предметом хореографии. Алексея Ратманского в его «Поцелуе феи» (Мариинский театр, 1998 год) интересуют более крупные ритмические структуры, Самодурова — именно вся эта ювелирная работа: каждое смещение на микрон, каждый «сбой» нерегулярной ритмики Стравинского находят пластический отклик.

Но Самодуров не пропускает и моменты, когда заводится ритмическая «машина», когда движение становится регулярным — и понеслось: птица-тройка, балетный галоп, мелькают города и страны, внутри нарратива проступает абстрактный балет, ходят поршни, вращаются шестеренки, складываются геометрические фигуры. Машина классического ансамбля, ради которой, возможно, и сочиняются спектакли, подобные «Поцелую», начинает работать во всю мощь.

Хореография Самодурова вскрывает в партитуре Стравинского прежде неочевидные связи, дает неожиданный даже для опытного слушателя стереоскопический эффект. К примеру, когда в начале первой картины звучит «Колыбельная песнь в бурю», Самодуров идет не за плавностью и округлостью мелодии и не за ритмом шага (как было у Ратманского). Его интересуют две другие структуры: почти колокольная раскачка в теме песни — и вдруг обнаруживающийся в басах барочный, баховский «мотив шага»: медленный, мучительный, который у Баха всегда в конечном счете — мотив крестного пути.

Этот барочный мотив я впервые услышала в «Колыбельной» Чайковского—Стравинского (как раньше слышала в «Путевом столбе» Шуберта или в «Песнях странствующего подмастерья» Малера), когда из глубины сцены в балете Самодурова двинулась процессия путников — медленно и тяжело раскачиваясь. На мой взгляд, такие открытия сами по себе говорят о качестве балетного спектакля.

Слишком на что-то похоже

Частая реакция на «Поцелуй феи» Самодурова — хореография слишком на что-то похожа: на Петипа, на Баланчина, на Форсайта. Анализ хореографического текста вне моей компетенции. Замечу только, что, если тебе заказан балет, в котором Стравинский перевоплощается в Чайковского, думая о «Спящей», — Петипа и Баланчин где-то поблизости, и нет резона игнорировать их присутствие. Как сказал Иосиф Бродский, всякий, кто берется за перо, испытывает «ощущение вступления в прямой контакт с языком, точнее — ощущение немедленного впадения в зависимость от оного, от всего, что на нем уже высказано, написано, осуществлено».

Проблема финала

Проблема финала в «Поцелуе феи» — едва ли не самая большая проблема для хореографа. Стравинский максимально усложнил ему жизнь. Так заканчивать балет неполезно для аплодисментов.

Медленный и даже тихий финал в балете не новость. «Серенада» Баланчина, в которой хореограф переставил местами финал и «Элегию» в партитуре Чайковского — в рифму медленному финалу «Патетической» симфонии («Серенада» — ближайшая родственница «Поцелуя феи», еще один «балет Чайковского»), «Аполлон» Стравинского и Баланчина. Проблема в том, какова эта медленность. В финале «Поцелуя феи» нет пронзительности «Элегии», нет торжественного пунктира «Аполлона». Снова звучит «Колыбельная в бурю», а завершает все меланхоличный мотив из трех ниспадающих нот, вальс, который никак не может начаться. Слишком медленно, слишком просто — растворение и рассеивание вместо желанного апофеоза. Публика в растерянности.

У Ратманского Юноша-хореограф, демиург, воздвигает памятник классическому балету, цитируя подряд самые узнаваемые группы-символы «белых» балетов — вплоть до лебединого клина. На этот памятник смотрит публика — герои рассказанной сказки Андерсена. У Самодурова на сцену выходит танцовщик, исполнявший партию Юноши, одетый в униформу, — имя и биография героя, а также место действия не важны: героя зовут никак, действие происходит нигде. Он слегка качнулся, поворот, пауза, снова поворот. Присоединяется балерина, затем кордебалет. Вслушиваются в ритм. Раз-два-три, раз-два-три. Это незастывшая музыка, это вальс — однообразный и безумный, по Пушкину, пусть замедленный. Потому Самодурову понадобился темп как в исполнении под управлением Неэме Ярви — самый подвижный и единственный вальсирующий, если сравнивать, например, с Мравинским, Юровским и тем более самим Стравинским.

Это человек танцующий — одинокий, не нуждающийся ни в бытоподобном либретто, ни в публике. Если мне скажут, что финал спектакля Самодурова есть цитата из Форсайта, — отлично, она встала на свое место. И помогла решить финал балета, где цитатность — способ существования. У Самодурова апофеоз — это танец, не памятник ему. Это необходимость танцевать, за которую тоже можно пожертвовать всем, в том числе историей, сюжетом, нарративом — называйте как хотите, — и которая и составляет главный сюжет всех классических балетов.

Симфонический антракт

Этот апофеоз танца Самодуров отсекает от всего предыдущего большой визуальной паузой, которая одновременно — апофеоз музыки. Он опускает прозрачный занавес из белого тюля не в начале Эпилога, а раньше, в Сцене третьей картины, превращая ее в роскошный симфонический антракт («Нет, только тот, кто знал»). На ум приходят две оперные ассоциации. Это симфонический антракт «Катерины Измайловой» Шостаковича в мариинском спектакле 1995 года, когда с первыми звуками пассакальи оркестр начинает медленно подниматься из ямы, будто выдавливаемый бешеным напором подводного течения, и на кульминации обрушивается в зал. Вторая ассоциация — финал «Гибели богов» Петера Конвичного в Штутгарте, когда после монолога Брунгильды, в точке, где на оперной сцене должно бушевать пламя, гореть Валгалла, катиться волны Рейна и становится совершенно ясно, что Вагнер провидел голливудские возможности, — режиссер опустил черный занавес, по которому пошли титры с ремарками Вагнера. Может показаться, что театр здесь отступает перед музыкой, — но на деле он именно этим добивается победы, то есть решения трудной сценической задачи. Так произошло и в «Поцелуе феи» Самодурова.

Если зритель этим озадачен, тем лучше. Есть и такая задача у искусства — озадачивать. И это тоже школа Дягилева и Дягилевского фестиваля.

Ergo, пока не будет убедительно доказано обратное, я буду считать, что Вячеславу Самодурову удалось, не споткнувшись о камень, найти хореографическое решение музыкальной задачи Стравинского и укротить строптивую фею. Стоит запомнить дату и место, где это произошло: 25 мая 2017 года в Перми, на Дягилевском фестивале.
=========================================================

Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20205
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Июн 07, 2017 11:36 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017060701
Тема| Балет, Михайловский театр, Персоналии, Иван Зайцев
Автор| Алиса Асланова
Заголовок| Иван Зайцев
Где опубликовано| © Ballet Insider
Дата публикации| 2017-06-07
Ссылка| http://www.balletinsider.com/archive/solo/7255
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Премьер Михайловского театра в нашем новом интервью рассказывает о начале карьеры, работе у Бориса Эйфмана и о том, как начинался его путь в Михайловском театре.



Bi: Почему балет?

ИЗ: В детстве я танцевал в самодеятельном коллективе и мне там очень нравилось. Потом узнал, что есть хореографическое училище, которое готовит профессиональных танцовщиков. Но что такое балет и что это за профессия я и понятия не имел. Вот желание заниматься тем, чем мне нравится, и определило мой выбор.

Bi: Вы закончили Краснодарское хореографическое училище, и у вас была стажировка в театре балета Юрия Григоровича. В чем заключалась эта стажировка?

ИЗ: Стажировка была во время обучения – с первого по третий курс. Мы активно танцевали в балете «Спартак», например.

Bi: Почему тогда Вы решили уехать в Петербург?

ИЗ: Мама настаивала на том, что мне необходимо высшее образование. И я стал выбирать между Москвой и Петербургом.

Bi: Обычно выбирают театр, а вы – институт?

ИЗ: Да, так у меня сложилось. В Краснодаре на самом деле не существует такого понятия, как “карьера”, поэтому в первую очередь было стремление получить высшее образование.

Bi: На кого вы мечтали учиться?

ИЗ: Я думал, что у меня будет диплом педагога-хореографа, но в итоге заслужил диплом преподавателя хореографических дисциплин, художественного руководителя самодеятельных коллективов.


«У Эйфмана я получил колоссальный опыт. Там закаляешься физически и психологически»


Bi: Вы начали карьеру артиста в Театре Балета им. Л. Якобсона.

ИЗ: Меня туда пригласили после экзаменов. И неожиданно для меня сразу дали станцевать Ромео. Я совсем не рассчитывал на это.

Bi: Наверное, этот театр помог вам в развитии?

ИЗ: Там была большая практика. Театр небольшой, труппа маленькая, и было много работы. Один день я выходил в па-де-труа, на следующий день – в кордебалете в вальсе стоял. Я успел поработать с Георгием Алексидзе, он на меня сделал трехминутный номер. Я помню, что был поражен, как быстро и талантливо он это тогда сделал.

Bi: Через какое-то время вы переходите в совершенно другой театр – «Балет Бориса Эйфмана». Почему?

ИЗ: После конкурса артистов балета в Москве театр Балета Борис Эйфмана пригласил меня стать у них солистом. Конечно, мне интересно было попробовать. Плюс, зарплату обещали выше, чем там, где я работал.

Именно у Эйфмана я получил колоссальный опыт. Там закаляешься физически и психологически. Я станцевал много по-настоящему интересных ролей, о которых мечтал. Я проработал там два сезона. Последней моей партией в этой труппе стал Гамлет.

Bi: Был ли страх не устроиться в труппу после Эйфмана? Всё-таки это не классический театр.

ИЗ: Был страх, что меня вообще никуда не возьмут, потому что классической форме на тот момент в какой-то степени я мог сказать «до свидания». Но мне очень хотелось попасть в Михайловский театр. Этот театр был на слуху и именно там происходило много разных событий таких, как приход в качестве художественного руководителя балета Начо Дуато, переход блистательных танцовщиков Натальи Осиповой и Ивана Васильева из Большого театра в Михайловский.

Я месяц занимался в Михайловском, параллельно проверился и в Большой театр, куда меня взяли в кордебалет. Но через месяц занятий в Михайловском театре меня позвали стать солистом. В тот момент как раз Начо Дуато начал ставить «Спящую красавицу».

Bi: Вы стали сразу танцевать ведущие роли?

ИЗ: Нет. Ко мне присматривались. Меня ставили в маленькие сольные партии. Первой ведущей ролью стал Джеймс в «Сильфиде». Потом я попал в балеты Начо. И так потихоньку все пошло.



«Профессия у нас замечательная. Она позволяет нам бесконечно познавать себя»



Bi: Расскажите про работу с Начо Дуато.

ИЗ: У него совершенно другая хореография и музыкальность особенная. Он слышит такие акценты, которые ты даже не представляешь. Он сам показывает хореографию и показывает хорошо. Это ставит репетиционный процесс на другой уровень. Он заставляет артистов участвовать в процессе, мы всегда искали разные варианты. Это очень здорово, потому что ты чувствуешь себя соучастником постановки.

Bi: Сколько сезонов Вы уже в Михайловском театре?

ИЗ: Шестой сезон.

Bi: Вы чувствуете разницу, как было вначале и как сейчас?

ИЗ: Сейчас мне сложнее. На мне лежит больше ответственности. Я понимаю, что, когда я пришел, то почти ничего не умел, но я пришел с горящими глазами. А сейчас я думаю, что нужно, несмотря ни на что, идти вперед и никогда не останавливаться. В целом, профессия у нас замечательная – она позволяет нам бесконечно познавать себя.



Блиц

Первый выход на сцену

В 6 лет

Впечатление из детства

Радость

С чего начинается утро

С потолка

Идеальный день

Выходной

Мне не нравится

Лицемерие

Хочу познакомиться

С собой через 40 лет

Привычка

Работать

Изменить в себе

Многое, но лучше оставить как есть

Я читаю

Тургенева

Не могу без

Своей семьи

Свобода

Принимать самостоятельные решения

Секрет успеха

Целеустремленность и работоспособность

Фотограф
Чарльз Томпсон

========================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20205
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Июн 08, 2017 9:58 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017060801
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Ольга Смирнова
Автор| ВЕРЕСКОВ СЕРГЕЙ
Заголовок| Ольга Смирнова: «Когда балет становится смыслом жизни, в нем можно чего-то добиться»
Где опубликовано| © ELLE
Дата публикации| 2017-06-05
Ссылка| http://www.elle.ru/celebrities/interview/olga-smirnova-tolko-kogda-balet-stanovitsya-smyislom-jizni-v-nem-mojno-chego-to-dobitsya/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Эксклюзивное интервью ELLE с прима-балериной

Накануне одного из самых ярких событий в мире балета – 25-го балетного фестиваля Benois de la Danse, ELLE встретился и побеседовал с Ольгой Смирновой – примой Большого театра и Лауреат Приза. О славе, Стиве Джобсе и вкусных пирожных – в эксклюзивном интервью.

ELLE Ольга, как вы думаете, с чем связан рост интереса к балету в России? Или я ошибаюсь, и интерес к балету никогда не спадал?

Ольга Смирнова
Я думаю, что вы отчасти неправы. В советское время, как в общем-то и сейчас, балет был предметом национальной гордости и представлял страну за рубежом. Просто когда медийность, телевидение и Интернет проникли во все сферы жизни, балет не сразу встал во главе этого процесса. Поэтому, наверное, могло показаться, что он как будто не на виду. Но сейчас многое поменялось: создаются проекты на телевидении, посвященные балету; благодаря интернету и Youtube многие спектакли разных времен стали доступны для просмотра. Я думаю, мое поколение балетных танцовщиков – первое, которое постоянно находится «в поле зрения» публики. Например, регулярно появляются записи твоих выступлений на Youtube, театр транслирует спектакли на весь мир.

ELLE А вам эта медийность скорее мешает или помогает?

О.С.
Мне, как человеку в общем-то закрытому, излишняя медийность не всегда комфортна. Потом нужно учитывать определенные нюансы на съемках балета, так как например операторы любят брать крупные планы, и, соответственно, требуется определенный легкий грим и нужно следить за мимикой лица, а не только за графичностью поз тела. Я впервые с этим столкнулась, когда участвовала в телешоу «Большой балет» на канале «Культура». Контролировать все сразу – это сложно, особенно когда нет опыта. Тем более, что артисты балета привыкли работать над собой и стремиться к совершенству. И это еще выше поднимает перед нами планку, не дает права на ошибку, на «проходное» выступление. Потому что, если проявишь слабость, именно это выступление и попадет в Интернет, его и запишут – как всегда бывает в жизни. (Смеется.) Еще трудно работать в напряженном динамичном графике, когда премьеры балета совпадают с прямой трансляцией на весь мир. Театр имеет очень насыщенный репертуар и иногда между спектаклями мало времени на подготовку и восстановление, но при этом мне трудно отказываться от спектаклей, от возможности испытать незабываемые эмоции на сцене, прожить историю своей героини и поделиться со зрителями своим состоянием души.

ELLE Одним из свидетельств интереса к балету – не только у нас, но и за рубежом – служит появление большого количества фильмов, связанных с балетом. От «Черного лебедя» до «Большого» Валерия Тодоровского и «Танцовщика» – про Сергея Полунина. Смотрите ли вы фильмы о балете и, главное, правдивы ли они?

О.С.
Снять правдивый фильм о балете трудно. Наверное, сделать это можно только в рамках документального жанра – а он, как правило, не очень увлекает массового зрителя. Кстати, «Танцовщик», о котором вы говорите, относится как раз к документальным фильмам – я его недавно посмотрела с большим интересом и советую всем, кто следит за балетом, посмотреть его, так же как и российский фильм «После тебя», где артиста балета психологически точно сыграл Сергей Безруков. В этих фильмах режиссер и актеры сумели добиться близкой к реальности атмосфере балетного мира и при этом понятной для непрофессионала. К сожалению, многие фильмы строятся на преувеличениях и создают впечатление, что в балете главное – личные истории, соперничество, интриги, что-то еще. А это не так: в жизни балетного артиста главное – сам балет и любовь к нему. Только когда балет - смысл жизни, в нем можно чего-то добиться и суметь справиться с колоссальными ежедневными нагрузками, ради счастья быть на сцене.

ELLE С учетом всех усилий, которых требует балет, вы никогда не боялись, что не добьетесь успеха? Что весь проделанный путь окажется напрасным? Вообще, вы ставили для себя такую цель – добиться признания?

О.С.
Сложно сказать. Мне трудно размышлять в категориях зрительской любви. Для меня важнее мои отношения с собой: следить за тем, расту ли я в профессиональном смысле? Чем опытнее я становлюсь, тем яснее вижу, что расти можно бесконечно, и чем дальше – тем больше эмоций хочется выразить языком танца, постепенно приходит понимание, как это можно сделать. Один и тот же спектакль невозможно исполнить одинаково: появляются новые нюансы, в каких-то местах появляется новое осмысление и понимание, и этот процесс бесконечен так же, как без конца меняемся мы: взрослеем, учимся, открываем для себя самих себя и окружающих. Это ведь жизнь и точно такая же жизнь скрывается внутри образов и героев, которых я исполняю. Но я не говорю, что мнение зрителей мне безразлично. Это неправда. Но самое важное, все равно - внутри.

ELLE Есть ли сцена, на которой вы еще не выступали, но мечтаете выступить? Почему?

О. С.
Есть. (Улыбается.) Это сцена Гранд-опера в Париже. Мне хотелось бы там выступить, потому что этот театр – достаточно закрытый мир, куда далеко не всех артистов приглашают. Но это желание не означает, что для меня не волнительно выступать в родном мне Санкт-Петербурге - в Мариинском театре, или в Москве – на сцене Большого. Казалось бы, выступление дома должно проходить спокойно, но не знаю почему, на сцене Большого я испытываю самое сильное волнение. Наверно на родной сцене перед своими зрителями всегда хочется больше донести то, что хочешь.

ELLE Балет – это профессия или образ жизни? Вообще, у вас бывает свободное время, не посвященное балету?

О.С.
Конечно, жизнь в балете занимает очень много времени. И даже когда ты не в театре, а занимаешься чем-то другим, мысли все равно сами собой возвращаются к недавним репетициям, я постоянно анализирую, пытаясь найти свою трактовку и понимание исполняемого. Но я также понимаю, что для того, чтобы быть интересной зрителю, нужно быть интересной самой себе. А для этого необходимо расширять свой кругозор. Поэтому я люблю в свободное время много читать. С одной стороны, это не требует слишком больших усилий – не надо прикладывать физических усилий, а с другой перед тобой открываются целые миры. Недавно, например, когда я готовилась к балету «Жизель», мне захотелось перечитать раннего Достоевского. А сейчас увлеклась биографией Стива Джобса. Мир балета и мир высоких технологий далеки друг от друга, но меня поразила его совершенно удивительная увлеченность собственным делом, перфекционизм. Это поразительно! Он ведь доводил в своей работе каждую деталь до совершенства.

ELLE Можете ли рассказать о секретах питания балерины? Наверняка ведь у вас есть какая-нибудь специальная диета.

О.С.
На самом деле, для балерин главное, чтобы еда была достаточно здоровой и чтобы быстро помогала восстановить силы и мышцы. А вот цели сделать питание низкокалорийным у меня нет – я ем все: и спагетти, и мясо, и рыбу. (Смеется.)


ФОТОM.LOGVINOV

ELLE Кстати, в вашей столовой я видел множество всяких сладостей: рогалики, пирожные, печенье…

О.С.
О, балерины практически все – сладкоежки! Конечно, мы не едим торты килограммами, но сладкое помогает восполнить запас энергии и, к тому же, поднять настроение.

ELLE В чем вы видите важность и ценность проведения таких мероприятий, как Benois de la Danse? Кстати, с какой партией вы выступите на фестивале?

О.С.
Benois de la Danse – это балетный «Оскар», иначе и не скажешь. Здесь профессионалы оценивают профессионалов. И получить награду из рук старших и более опытных коллег – очень важно. Это вдохновляет. Ты чувствуешь, что твой труд оценивается и признается мастерами балета. Тем более, этот фестиваль собирает звезд балета со всего мира, что дает возможность и самим участникам научиться чему-то друг у друга – когда смотришь чужие выступления. Это полезный опыт. Так что переоценить вклад Benois de la Danse в развитие балета трудно!

На этот раз я танцую партию из балета Grand Pas Classique, поставленного балетмейстером Виктором Гзовским на музыку Даниэля Обера. Кстати, это па-де-де середины XX века известно, в основном, в исполнении французских танцовщиков. Самой популярной записью выступления считается то, где партию исполняет знаменитая балерина Сильви Гиллем – и для меня это эталонное исполнение. Сдержанное, а не показное изящество, благородство манер. Я очень люблю это па-де-де: красивое и технически очень сложное.

ELLE Последний вопрос: какими качествами должен обладать человек, занимающийся балетом, чтобы добиться в нем успеха? Не считая огромной любви к искусству, конечно.

О.С.
Стремление к лидерству, ответственность и дисциплина с одной стороны и фанатичная преданность и любовь к своей профессии – с другой.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пн Сен 03, 2018 5:38 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20205
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Июн 08, 2017 11:02 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017060802
Тема| Балет, МТ, Персоналии, Диана Вишнёва
Автор| Лейла Гучмазова
Заголовок| Как Диана Вишнева стала танцующим брендом №1
Где опубликовано| © Собака.ru
Дата публикации| 2017-06-08
Ссылка| http://www.sobaka.ru/city/theatre/58424
Аннотация|

В специальной номинации «Выбор города» премии «ТОП 50. Самые знаменитые люди Петербурга» представлен лишь один бесспорный номинант-победитель. В предыдущие годы награды в почетной категории были удостоены Алиса Фрейндлих, Михаил Пиотровский, Олег Каравайчук. На этот раз выбор был сделан в пользу прима-балерины Мариинского театра Дианы Вишневой, о неповторимости которой мы попросли рассказать балетного критика Лейлу Гучмазову.

Балетоманы и поклонники современного искусства — как, правило, не слишком пересекающиеся группировки бомонда. Не многие чередуют походы на выставку Яна Фабра со знакомым до оскомины «Лебединым озером». Но все же есть те, кто сочетает арт с балетом, как кеды с классическим костюмом. И есть балерины, умеющие делать балет актуальнейшим искусством. Первая и лучшая в наших широтах в этом деле - Диана Вишнева.

Очень напрасно история поступления Вишневой в хореографическое училище имени Вагановой стала темой сентиментальных дамских изданий, а не бизнес-книг по мотивации. В самом деле – если тебе повезло родиться в интеллигентной семье и нет нужды в балете как в социальном лифте, то не свет же сошелся клином на этом здании улицы Росси? А между тем чистая правда: для начала Вишневу (худющий олененок Бемби с глазами в пол-лица) не приняли в школу ввиду «отсутствия данных». Профессионалам станка, конечно, виднее. Но по детским фотографиям Дины и ее нынешним кондициям нельзя понять, что в ней могло не нравиться. Дальше официальный CV путается в показаниях: то ли девочка-Бэмби проявила характер, то ли ее мама, то ли здоровая человеческая природа - если говорят «нельзя», особенно сильно хочется.

Так или иначе, быстро обнаружилось, что ребенок уникальный. Что у нее не просто очевидные данные, а еще и силы трудится до восьмого пота, когда все вокруг уже падают. Взрослой балериной Мариинского она без нажима делилась с приятельницей: «Как хорошо, что я не устаю» - тут надо поплевать и постучать по дереву, как полагается у суеверного театрального люда. Так что гордостью вагановской школы она стала еще до окончания: Вишневу с номером «Кармен» отправили на невозможно престижный конкурс При де Лозанн. Первую порцию славы она получила в виде золотой медали и Гран при. Вторую – досрочным приглашением в труппу Мариинского на заметные партии. А тут еще на горизонте впервые появился продюсер Сергей Данилян, устроивший вчерашней выпускнице ни много ни мало дебют на сцене Большого в роли Китри в «Дон Кихоте» и присвоил ей титул «Божественная». Москва полюбила ее всей душой, особо выделив из блестящего поколения «новой Мариинки». Через год, в 1996, она получила Benois de la Danse и «Золотой софит», превратилась из стажера в солистку Мариинского театра. Практически сразу пошли приглашения. Все это было очень почетно и…очень рано. Впору было очуметь от успехов.

Сохранить трезвость при таком стремительном взлете Диана смогла благодаря двум обстоятельствам. Первое — она действительно чувствовала себя частью поколения, пришедшего блистать – с ней рядом шли на сцену Ульяна Лопаткина, Софья Гумерова, Майя Думченко, Светлана Захарова; ей было, с кем соперничать и куда стремиться. Второе – параллельно премиям и скорым престижным ангажементам у нее есть спасительная привычка много работать, и работать с головой.

К рубежу нулевых она станцевала на сценах Метрополитен и Ковент Гарден, в 2001 дебютировала соло в Баварском балете и Ла Скала, через год – Опера де Пари, еще через год – Метрополитен. Предусмотрительные главные театры мира закрепляли отношения статусом приглашенной солистки с учетом ее пожеланий – например, Берлинский Штаатсбалет и American City Ballet. Так что Диана Вишнева со своим громадным классическим багажом могла бы спокойно стричь купоны, поддерживая форму и корректируя редакции китри, жизелей, манон леско, одетт-одилий и раймонд. Но это ни разу не характер Вишневой. Она неуемная. Ее однокашницам, станцевавшим после Петипа неведомых России Джорджа Баланчина, Джона Ноймайера и – о, боже – Уильяма Форсайта, программа-максимум казалась выполненной. Вишневой хотелось еще Джона Крэнко, Мориса Бежара, Матса Эка и Марту Грэм, Алексея Ратманского и Поля Лайтфута-Соль Леон, а потом еще Эдварда Локка и Каролин Карлсон. А она – помните не сразу поступившего в балетную школу олененка Бэмби? – уж если захочет, то получает. Технические вопросы Вишнева снимает сразу: вечно уверенные в недостаточном старании артистов хореографы поражаются ее дотошности. Перфекционизм разливается дальше техники. Станцевать человекоподобный фантом Эдварда Локка, экзистенциально заостренную урбанистку Каролин Карлсон, а потом Короля-Солнце в балете-шоу молодого хореографа, не спровоцировав ни единого упрека по части стиля – это Вишнева. Слить в один вечер изысканно интеллектуального «Лунного Пьеро» Шенберга в постановке Алексея Ратманского, женщину-соблазн Дуайта Родена и гламурную энигму Мозеса Пендлтона с разлетающимся на тысячи капель костюмом – это тоже Вишнева. Право долгие годы скакать в вечнозеленом «Дон Кихоте» она оставила другим.

В середине нулевых Диану Вишневу хотел заполучить Большой театр, и тогда случилось знаменитое «вишневое чаепитие» - ведущие балерины пришли к генеральному директору «на чай», наперебой рассказывая, что им и без звездной конкурентки мало работы. Забавно, что театральный люд отнесся к артисткам Большого театра как к старой нелюбимой жене: да, осточертела, но имеет право. А Вишнева только приобрела возможностей. К тому времени относятся пять главных партий в новых спектаклях American City Ballet. А вскоре подоспела череда сенсаций. Закономерно – и до сих пор удивительно – что проект «Диана Вишнева: красота в движении» продюсера Сергея Даниляна 2009 года стал первым независимым обладателем Национальной «Золотой маски». И сразу в трех номинациях – лучший спектакль, лучшая балерина, приз критики. Впервые на российском фестивале-конкурсе балетный вечер, подготовленный по частной инициативе, обошел государственные театры. Потом были «Диана Вишнёва: Диалоги» и «Диана Вишнёва: Грани».

Подход к делу «не просто балерины» продолжал работать: в 2013 году в Москве прошел первый фестиваль «Диана Вишнева: Context», застолбивший сразу несколько направлений. Образовывать публику: как ни увеличилось количество приезжающих в Россию театров, а все-таки осведомленность того самого «широкого зрителя» в хореографическом разнообразии мира невелика. Малоизвестны направления кинотанца, тотального театра, театра движения, не говоря уж об инерции и о типично российских ожиданиях неизбежных тридцати двух фуэтэ от любой неизвестной труппы. Фестиваль Вишневой не просто привозит театры Аргентины, США, Израиля и так, но и проводит кинопоказы. Еще фестиваль занят профессиональным просветительством: как ни стараются театры и как ни ухитряются независимые компании, количество и качество мастер-классов по искусству танца в наших пенатах просто ничтожно. Сюда же относится конкурс молодых российских хореографов – это в Голландии хореографов выращивают давно и сознательно, как тюльпаны, а в России процесс абсолютно стихийный и с привычным «вопреки». Победитель получает не просто славу, а оплаченную стажировку в одном из лучших на свете мест для обучения – например, баловень судьбы Владимир Варнава получил место в парижском Ателье танца Каролин Карлсон. Человек сцены Диана Вишнева искренне волнуется за участников, вникает в детали и старается видеть лучшее – даже когда мэтр из жюри живой классик Ханс ванн Манен ничего подобного не наблюдает. Фестиваль уверенно растет и обрастает сенсациями – в его досье первые гастроли легендарной труппы Марты Грэм, приезд в Россию главного балетного постмодерниста ХХ века Матса Эка и стабильный рост аудитории. В финале гала-концерт в ноябре 2016 года в Петербурге на исторической сцене Мариинского театра Диана Вишнева в дуэте с Орели Дюпон, вступившей в должность худрука балетной труппы Парижской оперы, исполнила постановку Охада Наарида B/olero. А в этом году масштабы петербургской программы фестиваля Context еще больше расширятся. Для российской ситуации персона Дианы Вишневой как двигателя прогресса безупречна – она пришла к современной хореографии прима-балериной из академического мира, не знающей ограничений. Дав фестивалю свое имя, она каждый год представляет на нем премьеру и танцует сама, давая нам уникальный шанс увидеть настоящий танцующий брэнд. Ловите момент, такое нечасто случается.

==============================================

Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20205
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июн 09, 2017 9:36 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017060901
Тема| Балет, БТ, XIII Московский международный конкурс артистов балета и хореографов
Автор| Светлана Наборщикова
Заголовок| В Москве стартует главное балетное соревнование
XIII Московский международный конкурс артистов балета и хореографов примет конкурсантов из 27 стран

Где опубликовано| © Известия
Дата публикации| 2017-06-09
Ссылка| http://iz.ru/603569/svetlana-naborshchikova/konkurs
Аннотация| КОНКУРС

10 июня на исторической сцене Большого театра открывается XIII Московский международный конкурс артистов балета и хореографов. Он станет одним из самых многочисленных в своей истории — 200 участников, и самым обеспеченным — в частности, обладатели Гран-при среди танцовщиков и хореографов (если таковые будут) получат по $100 тыс. Имена победителей будут объявлены 20 июня.

— Международный конкурс артистов балета и хореографов является абсолютно знаковым явлением, одним из самых значимых и самых престижных для профессионалов, — представила соревнование председатель оргкомитета, вице-премьер Ольга Голодец. — Победит, конечно же, сильнейший, а мировая балетная культура — безусловно, Россия в ней занимает лидерскую позицию — обогатится новыми именами.

Конкурсанты приедут из 27 стран. Помимо Италии, Украины, США, Японии, Великобритании, Китая и других балетных держав в списке оказались ранее считавшиеся далекими от классического танца Панама и Южная Африка.

— Встречается практически весь балетный мир, — порадовался этому факту председатель международного жюри Юрий Григорович. — 12 конкурсов у нас уже состоялось, и я прошел их все с самого начала. Должен сказать, что диапазон существенно расширился, балет охватил практически всю планету.

Сегодня трудно представить, что когда-то танцовщики обходились без состязаний. Первопроходцем в этом деле стала болгарская Варна. В 1964 году там состоялся первый в истории Международный конкурс артистов балета. Публика наслаждалась балетом, вкушая прелести летнего отдыха. Московский международный конкурс, появившийся пятью годами позже, замысливался исключительно цеховым мероприятием. Его главной целью была демонстрация превосходства отечественной балетной школы.

На сцену вышли лучшие советские танцовщики, включая звезду Кировского балета Михаила Барышникова, который получил золотую медаль в конкурсе солистов. Композиция «Вестрис» о гении французского танца, поставленная для танцовщика Леонидом Якобсоном, стала кульминацией форума. Второй вершиной выглядело индусское создание Мориса Бежара «Бакти» в исполнении солистов балета Парижской оперы Франчески Зюмбо и Патриса Барта. Последовавшая за этим номером 40-минутная овация вошла в конкурсную летопись как самое длительное проявление зрительского восторга.

Председатель жюри Галина Уланова поставила гостям высший балл, в чем партийные кураторы не замедлили ее упрекнуть. «Как вы можете это знать? — поинтересовалась балерина. — Голосование ведь тайное...». И пообещала, что в случае давления выйдет из состава жюри. В результате условия конкурса были переписаны. Вместо полагающейся дуэтам одной золотой медали организаторы вручили две: советской паре и истинным победителям — французам.

Несогласная Уланова сказала, что в дальнейшем не собирается возглавлять жюри, и несмотря на уговоры, слово сдержала. Начиная со следующего четырехлетия, у конкурса появились две константы: бессменный председатель Юрий Григорович и советские, а затем российские участники в списке золотых лауреатов и обладателей Гран-при. Этого приза в виде массивной позолоченной чаши были удостоены Надежда Павлова (конкурс 1973 года) Ирек Мухамедов (1981), Андрей Баталов (1997). Последним обладателем Гран-при в 2005 году стал представитель Украины Денис Матвиенко, который сегодня успешно трудится в России, возглавляя балетную труппу Новосибирского театра оперы и балета (НОВАТ).

Его подопечные вошли в число участников нынешнего соревнования. Кроме того, за Россию выступят танцовщики и хореографы из Москвы, Воронежа, Перми, Сыктывкара, Якутска, Красноярска, Уфы, Ижевска, Санкт-Петербурга, Краснодара, Йошкар-Олы — всего, по информации пресс-службы конкурса, 90 человек. Любопытно, что в списке отсутствуют хозяева площадки — артисты Большого театра, хотя на прошлом состязании они были в числе победителей. Большая часть труппы сейчас гастролирует в Японии, однако, по словам Юрия Григоровича, на открытии ведущие танцовщики будут. Не могут не быть — в качестве приветственного спектакля заявлена сюита из балетов Юрия Николаевича, 90-летию которого посвящен этот форум.

Справка «Известий»

Московский международный конкурс артистов балета и хореографов проводится раз в четыре года. Учредителями являются правительство РФ и Министерство культуры. Организатор — ФГБУК «Росконцерт». Исполнительский конкурс проводится по двум возрастным категориям — младшей (с 14 до 19 лет) и старшей (с 19 до 27 лет) и двум номинациям: солисты и дуэты. В конкурсе хореографов, который введен в программу с 2001 года, возрастной ценз отсутствует.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20205
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июн 09, 2017 9:45 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017060902
Тема| Балет, XXI Нуреевский фестиваль (Уфа)
Автор| Автор: Елена ШАРОВА / Фото: Альберт ЗАГИРОВ
Заголовок| Пять премьер и «Золотая маска»
XXI Нуреевский фестиваль был полон сюрпризов

Где опубликовано| © «Республика Башкортостан» №66
Дата публикации| 2017-06-09
Ссылка| http://resbash.ru/stat/2/10579
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ


Солисты балета Сан-Франциско танцевали «Лебединое озеро» по-русски эмоционально.

«В каждом, кто выйдет на сцену после меня, будет жить частичка меня» — эти слова Рудольфа Нуреева стали началом гала-концерта и — завершением XXI Международного фестиваля балетного искусства. Пожалуй, одного из самых запоминающихся творческих форумов за всю историю фестиваля.

Двадцать первый — это обновленная версия «Лебединого озера» башкирской сцены — балета «Журавлиная песнь». Это открытие памятника великой Зайтуне Насретдиновой, в 32 года ставшей народной артисткой СССР. Это дважды лауреат «Золотой маски» екатеринбургский спектакль «Ромео и Джульетта» (одной из «Масок» постановка обязана выпускнику нашего колледжа Игорю Булыцину). Это приглашение большого числа балетных критиков, в том числе из-за рубежа. А еще — фееричный гала-концерт, программа которого была составлена так, чтобы потрафить вкусам как сторонников вечной классики, так и тех, «кто любит поострее». Впервые в современных номерах ставку делали не на приезжих артистов, а на своих — и не прогадали. Изюминкой гала-концерта были пять (!) мировых премьер, что, несомненно, стало своеобразным рекордом Нуреевского фестиваля.

Двадцать первый — это еще и прискорбное разочарование. Для тех, кто не смог попасть на все или хотя бы часть спектаклей форума. По словам зрителей, уже за два месяца до его начала афиши перечеркнула досадная желтая ленточка с надписью, радующей, наверное, только артистов: «Билеты проданы».

Однако любителям классического искусства не стоит далеко убирать парадные одежды и спешить прощаться с оперным до осени: под занавес сезона их ждет долгожданная премьера, опера «Искатели жемчуга», к слову, впервые когда-то поставленная именно в Уфе.

Впрочем, приоткроем с разрешения коллектива театра тайны предстоящего юбилейного 80-го сезона: осенью на сцене расцветет «Аленький цветочек», балет, поставленный на грант главы региона, а новогодним подарком станет давно исчезнувшая из репертуара театра опера «Царская невеста».



Прямая речь


Ильмар АЛЬМУХАМЕТОВ,
директор театра оперы и балета:


— Фестиваль завершен, и можно уже делать какие-то выводы. Мне как менеджеру, наверное, стоит подумать над тем, чтобы расширить к следующему форуму палитру названий, звезд. Хотя репертуар нынешнего фестиваля был ограничен темой посвящения Юрию Григоровичу. Гала-концерт планируем проводить дважды — по просьбе зрителей. Думается, нужно более тщательно продумывать политику взаимоотношений со зрителем, организовывать акции. Мы уже работаем над следующим форумом, но это пока секрет. Скажу одно: будет интересно.


Ангелина КАРПОВА,

солистка Большого театра, исполнительница главной роли в балете «Корсар»:


— Несмотря на то, что выступала на чужой сцене, меньшей, конечно, по размеру, танцевать было комфортно. Очень помогали ваши ребята, поддерживали, подсказывали. Кстати, у вас очень удобное покрытие сцены, нежесткое, нескользкое. Сам театр очень красив, я рада тому, что у нас проводятся такие фестивали — с прекрасной организацией, радушно принимающей публикой.

Леонора КУВАТОВА,

главный балетмейстер театра:


— Каждый фестиваль имеет свое лицо, и этот не исключение. А главным для подобных форумов является внимание к искусству танца. Был такой случай: мы с хореографическим колледжем выезжали в Белебей. После спектакля сидевший в зале православный батюшка вышел на сцену и сказал: «Вы делаете большое дело, вы воспитываете молодежь на хорошей музыке, на эстетике, классике».



Александр КУЗЬМЕНКО,

народный артист РБ:


— Самые важные для меня моменты, которые я смог «ухватить», — это прежде всего то, что он открылся визитной карточкой башкирской хореографии — легендарной «Журавлиной песнью», очень нуждавшейся в обновлении. Замечательно, что в рамках форума был открыт памятник Зайтуне Насретдиновой. И поработали над ним, уже понятно, люди неравнодушные, понимающие, профессиональные.


Следующее — это современный балет «Ромео и Джульетта». Ощущение удивительное. Он вызвал неоднозначные отклики, но это и хорошо. Мне, как артисту драматическому, он очень понравился. Не нужно даже читать либретто человеку, не знакомому с Шекспиром, — все ясно и так. И вдвойне приятно то, что получивший «Маску» Игорь Булыцин — наш выпускник. Это лишний раз напоминает о том, как хороша наша школа. Я согласен с теми, кто говорит, какие интересные дела творятся в Екатеринбурге. Но когда видишь наших ребят на сцене, понятно, насколько сильны наша выучка, традиции. Есть ли они в Екатеринбурге? Труппа там сборная, и большая часть, к слову, из Уфы. В этом есть свои плюсы, но, думаю, и минусы.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20205
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июн 09, 2017 9:50 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017060903
Тема| Балет, Одесский Театр оперы и балета, Премьера
Автор| Виолетта СКЛЯР / Фото Олега ВЛАДИМИРСКОГО
Заголовок| ВОЗВРАЩЕНИЕ "СПЯЩЕЙ"
Где опубликовано| © "Порто-франко" Номер 20 (1364)
Дата публикации| 2017-06-09
Ссылка| http://porto-fr.odessa.ua/index.php?art_num=art044&year=2017&nnumb=20
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

177 лет исполнилось бы в мае нынешнего года великому композитору Петру Ильичу Чайковскому. Готовясь к этой дате, Одесский Театр оперы и балета поставил весьма красивый, качественный и "дорогой" спектакль - "Спящую красавицу", которую считают самым совершенным творением композитора.



Либретто балета написано по сюжету одноименной сказки Шарля Перро, и предполагалось, что в финале на свадьбе принцессы Авроры и принца Дезире сойдутся едва ли не все сказочные герои, вплоть до Мальчика-с-пальчика и Людоеда. Но каждый конкретный постановщик что-то отметает, что-то сокращает. И автор режиссерской версии Мария Полюдова, известная солистка балета театра, выбрала для финального "парада" героев Перро - Кота в сапогах (Руслан Талипов) и Белую Кошечку (Ольга Пилипейко), Волка и Красную Шапочку (Павел Гриц и Анна Тютюнник), Синюю птицу и принцессу Флорину (Станислав Варанкин и Наталья Ивасенко). Хореография Мариуса Петипа, сочиненная для премьеры, состоявшейся в Петербурге в январе 1890 года, плюс фрагменты хореографии Константина Сергеева и Федора Лопухова - старая добрая классика, тут осовременивание неуместно и ненужно. Зрителю представили добротную постановку с великолепными декорациями Евгения Гуренко (тут тебе и расписные задники, и плывущая по сцене ладья феи Сирени, и позолота дворцовых залов, и таинственный сумрак волшебного леса, и замерший во сне замок заколдованной принцессы) и тщательно выполненные, яркие и воздушные костюмы героев (художник по костюмам - Сергей Васильев).

Но самое главное в балетном спектакле, конечно, даже не все вышеперечисленное, а мастерство солистов и кордебалета. Кому-то новая "Спящая" запомнится прежде всего выведенными в эпизоде охоты на сцену живыми борзыми: благородные животные вели себя безупречно, красовались холеными боками и грациозной статью. Только о собаках забываешь, как только они покидают сцену, и снова погружаешься в сказочную атмосферу.

Для знаменитого Вальса цветов Мариус Петипа выбрал корзиночки с цветами, французский символ девичьей привлекательности - их изготовили из бумажных полосок. А весь танец в обрамлении цветочных гирлянд и корзиночек, с маленькими танцорами в центре (наряду со взрослыми артистами в спектакле участвуют воспитанники образцового ансамбля классического танца "Фуэте" Детской школы искусств № 4 и Детской хореографической школы) как и во времена Петипа, смотрелся гимном цветущей весны, побеждающей любви, перед которой бессильны даже самые злые чары. Великолепные принцесса Аврора (Елена Добрянская) и принц Дезире (Станислав Скрынник) очаровали публику финальным адажио, да и каждым появлением на сцене - герои жили в ритме оркестра, казалось, дирижерская палочка составляет единое целое с ними. Хотя обычно главный дирижер ОНАТОБ Александру Самоилэ работает над оперным материалом, любовь к музыке Чайковского (маэстро признается, что ему порой кажется, будто он сам написал тот или иной пассаж) заставила его обратиться к балету, и результат оказался впечатляющим. Нет сомнений, что "Спящая" станет таким же хитом репертуара нашего театра, как и другой шедевр Чайковского - балет "Лебединое озеро".
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20205
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июн 09, 2017 10:44 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017060904
Тема| Балет, Новосибирский театр оперы и балета, Персоналии, ИВАН КУЗНЕЦОВ
Автор| ИВАН КУЗНЕЦОВ
Заголовок| Записки хореографа. Пролог.
Где опубликовано| © Ballet Insider
Дата публикации| 2017-06-08
Ссылка| http://www.balletinsider.com/archive/blog/ivan_kuznetsov/7261
Аннотация|

«Быть или не быть?» – именно этим вопросом я задаюсь последние полгода. Немного о себе, окружающих и балетном мире буду рассуждать в новом блоге для вас и замечательного издания Ballet Insider я – Иван Кузнецов, ведущий солист Новосибирского театра оперы и балета.



Немного пафосное начало получилось, хотя по жизни я довольно скромный человек. Но поскольку запись первая, то обязан рассказать о себе. Окончил Московскую академию хореографии по классу экс-премьера Большого театра Юрия Валентиновича Васюченко, по счастливому случаю был приглашен в Венскую оперу, где проработал два полноценных сезона, затем вернулся в родную Москву для продолжения творческого пути в Музыкальном театре им. Станиславского и Немировича-Данченко. Не проработав там и полгода, принял предложение Игоря Анатольевича Зеленского и перебрался в Новосибирск, где стал буквально «поглощать» все ведущие партии в классических балетах под его чутким надсмотром.

«И почему такой вопрос озаглавил этот текст?» – спросите вы. Больше года назад я травмировал колено на спектакле (полный разрыв передней крестообразной связки) и по сей день еще не вышел на сцену. Вопрос этот обращен к будущему танцевальной карьеры.

Как артист балета я ничего нового в наше искусство не привнёс, хотя считаю себя довольно добросовестным работником (с отрывками моих выступлений можно ознакомиться на моём аккаунте в инстаграме). Но дело в том, что особого удовольствия от танца я никогда не получал, выходил на сцену выполнять поставленную задачу: «тут нужно исправить ошибки прошлого спектакля, здесь нужно помочь балерине, дальше поберечь ногу». Творчества не ощущал…

…Зато ощутил реализацию и воплощение в другой ипостаси. Я начал организовывать концерты в Новосибирске, когда у меня были периоды без спектаклей в театре. Для этих концертов я начал ставить небольшие номера. Сам не ожидал того, как меня это захватит! Уже сейчас готовим премьеру одноактных балетов, которые покажем летом.

Но про свои хореографические начинания я расскажу отдельно.

И вот сейчас пресловутое «Быть или не быть?». Ежедневно на классах в театре я набираю форму, начинаю прыгать, вращаться и готовиться к выходу на сцену. Но настоящего стимула нет. Меркантильный заработок неприемлем для ведущего солиста, который должен быть примером для молодых танцовщиков. Ни в Новосибирске, ни в Большом, ни в каком-либо другом театре… Честолюбие внутри подсказывает, что должно быть что-то искреннее и настоящее перед выходом на сцену, верно? Время покажет.

P.S. Изначальный интерес к профессии появился после увиденного выступления Дениса Матвиенко на Московском конкурсе артистов балета в 2005 году, его исполнение па-де-де из балета «Корсар» и револьтады в коде. Угадайте как я «сломал» колено? Да, на револьтаде в коде «Корсара», а Денис Владимирович теперь художественный руководитель новосибирской труппы. Символично, не правда ли?)

=====================================================

Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20205
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июн 09, 2017 5:53 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017060903
Тема| Балет, XXI Нуреевский фестиваль (Уфа)
Автор| Елена ФЕДОРЕНКО
Заголовок| А любовь к Рудольфу сберегли
Где опубликовано| © Газета «Культура»
Дата публикации| 2017-06-08
Ссылка| http://portal-kultura.ru/articles/balet/162291-a-lyubov-k-rudolfu-sberegli/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

В Уфе завершился XXI Международный фестиваль балетного искусства имени Рудольфа Нуреева, ставший для Башкирии настоящей летописью новой эпохи. Историческую миссию форума переоценить трудно. С нежностью потомки отдают дань памяти великому танцовщику, своему земляку.

Здесь он, неукротимый, впервые ворвался на сцену, словно бросая вызов лишениям и голоду своей неустроенной 16-летней жизни. Тогда Театр оперы и балета уфимцы чаще называли Аксаковским народным домом — город построил его на собранные всем миром средства, воплотив образ почти недосягаемого счастья. Фасад напоминал итальянский «Ла Скала», зрительный зал — Большой театр в миниатюре. Маленькому Руди, сыну политрука Красной армии, он показался раем.




Каждый фестиваль переносит нас в те, уже давние годы: жизнь и танец Нуреева становятся ближе. На пересечении событий и в поисках утраченного времени нынешний день проявляется и ярче, и отчетливее. Еще одна рифма с хроносом: этот смотр посвятили 90-летию великого Юрия Григоровича. Именно он ранним рождественским утром 1993-го, узнав о смерти Нуреева, моментально придумал, как увековечить память великого современника. Но не только во внезапном озарении дело. Родство гораздо глубже. Оба, Григорович и Нуреев, воспитанники одной школы — вагановской, между выпускными экзаменами одного и другого всего полтора десятилетия. Оба — новаторы, провидцы, медиумы. Создатели стиля, определившего пути развития хореографического искусства наперед, но без уничтожения базовых ценностей, а, напротив, в почтении к классике. Гордые спектакли Григоровича всколыхнули балетную вселенную. Широкий пылкий танец Нуреева поменял правильный ландшафт западного исполнительства. Техническое совершенство, акробатические поддержки, головокружительные па передавали такой эмоциональный накал чувств, что испуганным ревнителям нравов почудился и недозволенный эротизм. Жаль только, что бескомпромиссный молодой хореограф и необузданный танцовщик, харизматики и художники невероятной работоспособности, как и всепоглощающей энергии, разошлись при создании «Легенды о любви». Схлестнулись нравы. Вышел из берегов бурный характер. Но в нуреевском чемодане, доставленном в Россию, когда Рудольф совершил знаменитый «прыжок свободы» в аэропорту «Ле Бурже», было аккуратно сложено голубое трико из лайкры — для костюма Ферхада в балете Григоровича. «Жалею, что не станцевал «Легенду о любви», — неоднократно говорил Нуреев и на старте, и на пике, и на закате своей головокружительной карьеры.

Летят журавли



Память берегла впечатления детства. Ему было всего семь, когда на единственный билет мама решила провести в театр всех своих четверых детей. У парадной лестницы, как и положено, оставили калоши, а у Рудика их просто не было — к счастью (и, получается, к мечте) он добрался на материнских руках. Уже через час мальчик знал, его судьба — танец. Показывали первый национальный балет «Журавлиная песнь» по старинным легендам. Возвышенная любовь побеждала пороки — от зависти до коварства, люди общались с птицами, и все было ясно без слов: через волшебные движения. С тех пор полнозвучный мир башкирского «Лебединого озера» исчезал с афиши и возвращался. Заботливо отреставрированная, с новенькими костюмами и декорациями «Журавлиная песнь» открыла смотр. Словно время повернуло вспять. Уфимские звезды — непогрешимая Гульсина Мавлюкасова и точный Ильдар Маняпов — оказались кандидатурами безусловными для передачи в совершенном танце поэтических метафор: от лирически-нежных до бесстрашно-героических.

А тогда, в детстве, Рудик видел в главной партии Зайтунгуль народную артистку СССР Зайтуну Насретдинову. Участники форума открыли памятник легендарной балерине. Хотите верьте, хотите нет, но во время церемонии дождь, ливший безостановочно несколько дней кряду, вдруг прекратился, выглянуло солнце, и в небе закружился свободолюбивый журавлиный клин.

Лица фестиваля

Гостей было немало. Артисты едут сюда с охотой, считают, что подмостки, помнящие виртуозный Танец с шестом Рудика Нуреева из той же «Журавлиной песни», приносят творческую удачу. На сей раз впервые целыми театральными семьями пожаловали соседи. Сколь же бескрайна наша страна, если расстояния в четыре сотни километров вполне соседские. Челябинский театр представил немного уставшую классическую «Эсмеральду» Цезаря Пуни, которая никогда не шла на башкирской сцене. Екатеринбург показал залихватски бодрую современную версию «Ромео и Джульетты» от Вячеслава Самодурова, признанную фаворитом «Золотой маски».

Основная классическая часть мероприятия воскресила балеты, связанные с именем Нуреева. Их исполняли хозяева. Кордебалет работал с моцартовской легкостью, что говорит о зрелости коллектива, способного танцевать наследие. Приглашенные на главные партии солисты из знаменитых театров России и зарубежных компаний не затмили башкирских артистов, но помогли рождению живых и обаятельных спектаклей, отношения в которых возникали на глазах у зрителей. В 1964 году Нуреев с Марго Фонтейн в Вене представили «Лебединое озеро», на поклоны их вызывали 89 раз, и длились овации едва ли не дольше, чем сам спектакль. Самый известный балет русской классики вели гости из Михайловского театра Екатерина Борченко и Иван Зайцев.

«Баядерка» Минкуса гипнотизировала Нуреева: он создавал отважный образ Солора, предавшего любовь и переживавшего отчаянную расплату за неверность. На фестивале эмоциональный породистый воин-красавец Рустама Исхакова метался меж изящной и трогательной Никией солистки Большого театра Дарьи Хохловой и надменной красавицей Гамзатти Гульсины Мавлюкасовой. Роль Золотого божка пафосно исполнил Артемий Пыжов, приехавший в Уфу из Словакии.

Пара из ГАБТа — Ангелина Карпова и Артемий Беляков — победно выступила в «Корсаре». Изысканную версию топового в классике балета уфимцам подарил Юрий Григорович, сохранивший все шлягеры хореографии Мариуса Петипа. Бравурная вариация из «Корсара» на балетном конкурсе 1958 года в Москве принесла Нурееву всесоюзную известность.

Пусть расцветают все «Цвета»

По традиции фестиваль венчал гала-концерт. Его с чувством глубокой признательности к театру подготовили москвичи — четко срежиссировал Андрей Меланьин и вольно провел Сергей Коробков. Сменялись слайды, запечатлевшие танец «неистового Руди», звучали строки его размышлений о жизни: зрителей пригласили перелистать страницы творческой биографии танцовщика, и они с готовностью пошли на предложенный диалог. Солисты балетных трупп России, а также Парижа, Сан-Франциско, Словакии, японские и башкирские артисты исполняли знакомые и неизвестные номера, классика соседствовала с современностью. И эта всеядность тоже нуреевская: он горячо приветствовал в Парижской опере первые опыты юных творцов и ценил мэтров, привлекал к работе шокирующих маргиналов и неведомых экспериментаторов.

В том, что хореографы показали на гала свеженькие «мировые премьеры», видится мудрая тактика худрука балета Леоноры Куватовой и директора театра Ильмара Альмухаметова, стремящихся наладить сотрудничество труппы с современными сочинителями. Отличному драматическому танцовщику Ринату Абушахманову, уже давно ступившему на путь хореографа, довелось поработать с учениками балетного колледжа, и получилось прелестное «Шествие» («Куадрилья»). Запомнились темпераментный и деликатный квартет «Цвета любви» Вячеслава Пегарева, простодушные игривые «Куклы» Нины Мадан. Своими номерами Ирина Филиппова соответствовала понятному желанию публики сопереживать происходящему на сцене как драматическому действию. В монологе «Небеса» на музыку Эдуарда Артемьева взметнувшийся герой Сергея Бикбулатова падал ниц, задавленный и наказанный за свою дерзкую смелость. Вместе с Софьей Гаврюшиной Бикбулатов — оба только начинают путь в театре — с мятежной страстью исполнил дуэт «Столкновение».

На балет билетов нет

И все-таки с наибольшим наслаждением уфимские артисты представляли фрагменты из спектаклей Григоровича. Рассказывая о башкирском балете, нельзя не вспомнить о Шамиле Терегулове, которого Леонид Якобсон настойчиво, но безуспешно приглашал к себе в ленинградский коллектив. Отличный танцовщик и мудрый педагог решил строить вместе с Леонорой Куватовой — первой партнершей Михаила Барышникова — башкирскую балетную школу. Дружба Терегулова с Григоровичем тоже дала свои плоды: репертуар уфимского театра пополнился семью спектаклями мэтра. Куватова, возглавляя одновременно и труппу, и хореографический колледж, связывает видимые успехи обеих институций с ленинградскими-петербургскими корнями: «Мы гордимся тем, что у нас живут традиции вагановской школы — дышащий корпус, точность линий, мягкие руки, четкие позиции. Сейчас танцуют уже творческие внуки Шамиля Терегулова, прилагавшего титанические усилия для создания единого ансамбля. Не уверена, что есть еще коллектив, где работают выпускники, вышедшие из одной альма-матер. Родители доверяют нам своих 10-летних детей, и мы ведем их всю театральную карьеру, растим не только исполнителей, но и педагогов, и балетмейстеров. Они все для меня родные и воспитаны в любви к спектаклям Юрия Григоровича. Ко мне часто подбегают ученики с вопросом: когда я смогу участвовать в «Спартаке»? Это для них гораздо важнее, чем зарплата, гастроли, привилегии, и это дорогого стоит».

Менее полутора лет назад театр возглавил Ильмар Альмухаметов, и, хочется верить, чехарда с частой сменой директоров завершилась: «У меня полное ощущение, что за год пронеслась пятилетка. Моя жизнь связана с театром, со студенческих лет люблю это дело и понимаю, что здесь не бывает чужого, мелочей, знаю, как важен любой труд. Для меня незазорно взять и переставить артисту стул, принести реквизит, помочь костюмеру. Надеюсь, с новой менеджерской командой нам удастся решить проблемы, а их немало. Например, большой дефицит музыкантов: служить в театральном оркестре, где каждый день нужно быть в форме, — колоссальная подвижническая самоотдача. Мы работаем с уникальными инструментами: голос и тело — подарки природы. С талантом нелегко, и я готов простить многое, кроме одного — лени. Наш труд приносит первые результаты, но успешные спектакли и проекты — нормальный процесс, им не стоит особо восхищаться. Нуреевским фестивалем мы гордимся и, готовя его, не забывали, что развитие национальной культуры вряд ли возможно без понимания истории».

Картина покажется неполной, если не вспомнить о расположившемся в одном из залов единственном в мире музее Рудольфа Нуреева. Богатейшая коллекция недавно пополнилась новыми экспонатами: прикроватный коврик, дорожные сумки и томик Байрона с закладками и пометками артиста. В соседнем фойе развернута выставка «Балет, балет», там среди живописных портретов знаменитостей внимание привлекают удивительные флористические изображения гениального танцовщика, сложенные из листьев рябины и малины.

Смотр в городе пользуется невероятной популярностью, каждый спектакль собирает полные залы, и в первый же день баннеры, вывешенные на фасад уфимского «Скала», по диагонали пересекает желтая лента со словами: «Все билеты проданы».

=================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пн Июл 17, 2017 4:18 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20205
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Июн 10, 2017 10:26 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017061001
Тема| Балет, Балетная труппа Детского музыкального театра имени Наталии Сац, Премьера, Персоналии, Кирилл Симонов
Автор| Людмила Гусева
Заголовок| От Лермонтова до Симонова
Где опубликовано| © Орфей
Дата публикации| 2017-06-10
Ссылка| http://muzcentrum.ru/index.php?option=com_content&view=article&id=23011:ot-lermontova-do-simonova&catid=12
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Москва – балетный город, но не единым Большим и Музыкальным имени Станиславского жив балет в Москве: есть классические балетные труппы помоложе, поменьше и с не такими громкими названиями, есть коллективы, которые специализируются на современном танце, а есть балетные труппы при музыкальных театрах. Балетная труппа Детского музыкального театра имени Наталии Сац - одна из самых благополучных - свое здание, свой оркестр, госфинансирование, стабильность. Но при этом работа в строго очерченной нише – для юного зрителя - накладывает строгие требования к балетным постановкам: они не должны далеко отклоняться от академических традиций, быть яркими, занимательными, понятными и актуальными для целевой зрительской группы – детей, подростков и их родителей, т.е. подходящими для семейного просмотра. Костяк репертуара этой труппы составляют балеты по популярным сказкам - театр же детский, но есть и большая классика - "Лебединое озеро" и "Щелкунчик” в академических редакциях.



Премьера нового балета «Маскарад» по мотивам одноименной драмы Лермонтова в Театре Сац – попытка театра выйти за пределы детского репертуара и сделать шаг от традиции к современности. В театре новый худрук балета, Кирилл Симонов, и это его первый балет в новом ранге. Симонов - петербуржец, его имя известно с тех пор, когда Алексей Ратманский отказался ставить в Мариинском театре "Щелкунчика", не сойдясь с идеологом этой постановки, художником Михаилом Шемякиным. Балетмейстера на замену Ратманского нашли в собственных рядах - им и оказался солист театра Кирилл Симонов. Смелый дебютант с той громкой постановки начал свою публичную балетмейстерскую карьеру, в Мариинском театре она не очень сложилась, зато сложилась в провинции. Симонов специализируется на сюжетных балетах, предпочитает по-постмодернистки переписывать знакомые истории. И именно перелицовки знакомых сюжетов, а не собственно танцы, зачастую обеспечивают успех его балетов.

Но либретто "Маскарада" писал не балетмейстер, а зав. литчастью театра Роксана Сац, хранительница традиций семейного предприятия. Либреттистка обошлась без заходов в постмодерн, лишь немногим отклонившись от первоисточника, к сожалению, убрала из истории Неизвестного, этого мини-Яго, тем самым урезав и так небогатую фабулу навеянного шекспировским "Отелло" драмы юного Лермонтова, а также заменила глубокое горе Арбенина в конце истории его сумасшествием, что более соответствует балетным традициям.



Трудно сказать, почему для зрителя старше 12 лет (именно такой возрастной ценз стоит на афише этого спектакля) была выбрана драма с убийством главным героем жены на почве ревности и его сумасшествием в финале. Но, похоже, для театра в первую очередь была важны музыка Хачатуряна, написанная к одноименному драматическому спектаклю, и, может быть, и популярное название, вписавшее в историю русского театра не одну славную страницу.

Знаменитый вальс из "Маскарада" стал увертюрой и музыкальным лейтмотивом спектакля, но одного вальса и оставшихся фрагментов музыки Хачатуряна к этому спектаклю для двухактного балета не хватило, поэтому использованы куски разных произведений Хачатуряна, и театральной музыки, и симфонической, в отличие от популярных миксов на музыку Шостаковича, в последнее время самого востребованного в балете классика, партитура на сборную музыку Хачатуряна получилась не очень цельной. Но у театра неплохой оркестр (дирижер – Алевтина Иоффе), и новый балет хорошо прозвучал, особенно в лирических фрагментах спектакля. Солисты оркестра даже дважды выходили на сцену, исполняя параллельно с балетными артистами сольные фрагменты музыки.

Музыка для "Маскарада" была выбрана академическая, а за современность в спектакле отвечала в первую очередь сценография (сценограф - А. Орлов), которая обычно определяет время действия. Действие балетного "Маскарада" перенесено из лермонтовских времен в более близкое нам время. Иногда кажется, что точно время не определить, но напрашиваются 90-е ХХ века. Еще не под запретом казино в столицах, в них бушуют страсти, новая элита лихо отплясывает на презентациях, вечерниках и прочих маскарадах. Арбенин в сексуальном прикиде - в пиджаке на голый торс (художник по костюмам - С. Граурогкайте) - по виду герой нового времени - периода зарождения русского капитализма - то ли бандит, то ли успешный бизнесмен, в общем, уважаемый человек. Казнь жены по подозрению в измене, дополненная остракизмом прислуги мужа, которая раздевает и разувает провинившуюся жену перед предсмертной агонией - в стиле тех же, лихих 90-х.

Сцена тонет в темном глянце - пол, задник, стены - тотально черные, блестящие, зеркала, наполненные отражениями и тенями. Что только не взбредет в голову в этом странном мире перекрестных отражений? Символическое пространство, выполненное в модном минимализме: минимум мебели и аксессуаров - картежный стол, кресла и диваны, все на колесиках, запахивающиеся и распахивающиеся портьеры: мрачный интерьер, мрачный, депрессивный мир. Только неоновые деревья в зеркальных тумбах - свежее заимствование с улиц собянинской Москвы.

В интриге спектакля участвуют четыре главных персонажа - Арбенин (Максим Подшиваленко), Нина (Елена Князькова), князь Звездич (Артур Геворгян) и баронесса Штраль (Екатерина Рыбчина). Главный герой балета - Арбенин, ему отдана большая часть танцевального и драматургического материала, но персонаж получился актерски и танцевально не выразительный, и в "Маскараде" доминировала Нина Арбенина, возможно, потому что ее танцевала Елена Князькова.

Когда-то, в начале 90-х, Князькова очень удачно стартовала - получила золотое лауреатство двух престижных балетных конкурсов (Москва, Варна), долгие годы работала с Григоровичем, начинала в его авторской труппе в Москве при Большом театре, а потом была примой у него же в Краснодаре. Сейчас балерина оказалась на периферии балетной Москвы, хотя по уровню дарования вполне могла оказаться и в самом центре.

Нина Князьковой - как бы ни банально это звучало, настоящий луч в темном царстве, царстве морока, выстроенном Симоновым и Орловым - воплощение нежности, женственности, чистоты, неиспорченности и юности (как это удается возрастной балерине? таково мастерство!). По замыслу режиссера Нина - антипод смелой и сексуальной светской львице баронессе Штраль, из-за развязности которой она и стала жертвой подозрительного мужа.

Понятно, что привлекло к Нине старого греховодника Арбенина: грешников притягивает чистота. Впрочем, старым греховодником Арбенин был у Лермонтова, в драме о предыстории Арбенина зритель узнает из его же монолога и обвинений Неизвестного. А в балете у героя нет прошлого, нет и разоблачения Неизвестного. Более того, спектакль начинается со сцены в игорном доме, где в общем адском угаре Арбенин выступает чуть ли не светлым ангелом, спасителем проигравшегося Князя. Объем персонажа, его черная изнанка, в балете потеряны, потерян и объем истории: Арбенин у Лермонтова не верит жене, потому что в своей прошлой, добрачной жизни, знал только лживых женщин и сам обманывал их мужей, а в балете все выглядит как умопомрачение героя в обстановке мрака и обмана. Но Арбенин у Лермонтова - масштабный герой, точней антигерой, мнящий себя сверхчеловеком, а у Симонова про Арбенина можно сказать немного - это статный мужчина плотного телосложения, выглядящий хозяином жизни. В сумасшествие такого персонажа, не склонного ни к рефлексии, ни к переживаниям, не верится. Героя не жалко, жалко его невинную жену, погибшую из-за завышенного самомнения и подозрительности ее мужа.

Второй мужской персонаж - Князь - чуть повертлявей Арбенина, но также обезличен, хотя изначальный замысел противопоставить двух героев нашего времени - серьезный мужчина и прожигающий жизнь тусовщик и плейбой - был интересным.

Возможно, "Маскарад" замышлялся Симоновым как драма сильного человека, который крупно ошибся и серьезно наказан - потерей единственного светлого и любящего человека рядом и сумасшествием, но усилиями Елены Князьковой спектакль вышел трагедией чистой и любящей женщины, невинно пострадавшей от цепи случайностей, равнодушия окружения и озлобленности мужа.

Хореография "Маскарада" в отличие от декораций и режиссерской концепции решена в старом добром стиле, именуемом неоклассикой, без заходов на территорию Эка или Прельжокажа, и даже почти без проявлений фирменного творческого почерка К. Симонова: выкручивания рук маловато, хотя совсем без не обошлось: в сольных фрагментах Арбенин и заламывает их над головой, и ударно, по-симоновски, вращает. Кордебалет до ряби в глазах машет руками как маятниками в знаменитом вальсе. Кордебалетные сцены маскарада вообще поставлены не без ехидства, например, на маскараде князь и баронесса вместе с окружением неожиданно отплясывают что-то опереточное, в стиле шимми.

Лучшими моментами в хореографии "Маскарада" стали дуэты Нины и Арбенина, не только благодаря балерине, обладательнице редкого лирического дара, но и партнеру - с первой поддержки ясно, насколько станцована пара, партнер рядом с хрупкой партнершей смотрится настоящим атлетом, а балерина только что пушинкой вокруг танцовщика не летает.

В целом вопрос - зачем детскому музыкальному театру "Маскарад" - так и остался неразрешенным. Балет "Маскарад"в детском музыкальном театре - создан для взрослого, не юного зрителя. Заход в современность - половинчатый и очень осторожный. Но это новый, хотя и традиционный, сюжетный балет, что у зрителя всегда в цене, с популярным названием, связанным с классиком русской литературы и историей театра, с музыкой известного композитора, добротной хореографией и очень хорошей балериной в главной роли.

/фотограф - Елена Лапина/
==========================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20205
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Июн 10, 2017 10:55 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017061002
Тема| Балет, Платоновский фестиваль искусств - 2017, Нидерландский театр танца (NDT 2)
Автор| ТАТЬЯНА ПОДЪЯБЛОНСКАЯ
Заголовок| Два аншлага собрал на Платоновском фестивале в Воронеже Нидерландский театр танца
Где опубликовано| © "Комсомольская правда" Воронеж
Дата публикации| 2017-06-10
Ссылка| http://www.vrn.kp.ru/online/news/2772461/
Аннотация| Фестиваль, Гастроли

Труппа NDT 2 показала эксклюзивную программу из 4 одноактных балетов



В Воронеже сильны танцевальные традиции и школа (свое хореографическое училище, фестиваль "Танцующий город"), поэтому все образчики различного танцевального языка неизменно собирают кассу. Тем более Нидерландский театр танца - один из лидеров мировой современной хореографии, отличающийся собственным танцевальным стилем, приехал на гастроли в столицу Черноземья впервые. На Платоновфесте выступил второй состав NDT - молодая труппа артистов. Но это не означает "второсортность". NDT 2 создана для пополнения основной труппы, и требования к танцовщикам очень высоки.

- Кроме техники нам важна индивидуальность танцоров, необходимо, чтобы они раскрывались как личности, и умели работать в команде, - рассказала худрук Нидерландского театра танца Нэнси Эуверинк. - Прежде, чем попасть в основной состав, участникам нужно пройти школу NDT 2.

Воронежцам артисты показали программу из четырех современных мини-балетов, поставленных специально для NDT 2, - Mutual comfort, Sleight of hand, Solo, I New Then.

В представлении было все прекрасно: отточенность и синхронность движений, игра света и тени.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20205
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Июн 10, 2017 2:12 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017061003
Тема| Балет, Украина, Персоналии, Александр Стоянов
Автор|
Заголовок| Звезда украинского балета Александр Стоянов: "Моя муза - это моя жена"
Где опубликовано| © Viva.ua
Дата публикации| 2017-06-10
Ссылка| http://viva.ua/lifestar/interesting-conversation/43766-zvezda-ukrainskogo-baleta-aleksandr-stoyanov-moya-muza-eto-moya-jena.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Александр Стоянов – гордость отечественного балета: он прыгает до небес так легко, будто без особых усилий. Звезда мирового балета сегодня празднует свой 30 день рождения.
По случаю 30-летнего юбилея Александр дал эксклюзивное интервью для Viva.ua



– Александр, вспомните о начале своего пути в мире балета. О какой роли вы мечтали и к чему стремились?

В училище мечтал о спектакле "Дон Кихот" – это не балет, а праздник эмоций, веселья. К тому же он требует хорошей физической формы и высокого профессионализма.

– Есть ли в вашем репертуаре роль, которую вы могли бы назвать судьбоносной?

Для меня это роль Щелкунчика в одноименном балете. С этой партии я начал свой дебют, но как позже оказалось, эта партия еще и важную роль сыграла в моей семейной жизни. Меня в этом спектакле поставили в пару с Екатериной Кухар. Тогда Катерина, честно говоря, не очень обрадовалась и отказывалась со мной танцевать. Мне было сложно завоевать ее расположение, так как она уже много раз танцевала этот спектакль с именитыми артистами, дуэтом в училище с ней занимался Валерий Ковтун, легенда мирового балета, которого Майя Плисецкая называла самым лучшим партнером, а я впервые должен был исполнить эту партию. Кате не хотелось меня обучать. На репетициях у нас стояла накаленная обстановка, и все же мы станцевали. С того момента мы уже 10 лет танцуем вместе и воспитываем двоих детей.

– То, что вы муж и жена в жизни, чаще мешает или помогает вам, когда вы работаете над партиями?

Нам это только помогает. Это большое преимущество станцованной пары. Вы даже не представляете, насколько у человека развита мышечная память. Мы досконально знаем друг друга, чувствуем эмоциональное состояние друг друга и настроение.

– Сколько вы работаете уже в Национальной опере?

С 2006 года. Меня пригласили сюда сразу же после выпуска из Киевского государственного хореографического училища. Предложений в тот год поступило много: Львовский оперный театр, Донбасс Опера, Мариинский театр. Но мой педагог, к мнению которого я прислушиваюсь, посоветовал мне остаться в Киеве и танцевать в Национальной опере Украины. Так я и поступил.

– Большая ли балетная труппа Национальной оперы?

Балетная труппа Национальной оперы Украины самая большая в Украине. Ее размеры так же превышают и большинство европейский балетных театров. Точной цифры вам не скажу, но для общего понимания – до 200 человек. К примеру, в других театрах Украины и большинство театров Европы – около 100 человек.

– За время вашей работы в Национальной опере поменялось уже три художественных руководителя. Большое ли влияние имеет художественный руководитель на развитие карьеры артиста балета?

Конечно. Он имеет очень большие возможности для развития артиста. Но мне с этим никогда не везло. Характер у меня сложный и непокорный, поэтому поначалу было нелегко утвердиться. С первым моим художественным руководителем, Виктором Анатольевичем, у нас было достаточно конфликтов. Меня даже снимали со спектаклей. Но сейчас мы друзья, любим порыбачить вместе, выехать за грибами. С последующими руководителями было все довольно гладко. То ли период становления меня как артиста уже прошел и появился определенный статус, то ли я повзрослел... Но главное – это оценка зрителя, его ведь не обманешь. Зритель пойдет не на того артиста, кого тянет художественный руководитель, а на того, кто нравится. Поэтому все доказываю упорным трудом.

– Вам льстит, когда вы о себе слышите приятные отзывы, вроде: «фирменный стояновский прыжок», «это было по-стояновски фирменно», «прыгает высоко, как Стоянов»?

Да. Не скрою, мне это приятно. Особенно приятно было, когда я однажды сделал связку трюков «разрывной плюс револьтад» в вариации Актеона, а спустя некоторое время самые техничные танцоры мира начали повторять эту связку в своих выступлениях.

– Чем вы гордитесь к 30 годам?

Мне еще рано чем-то гордиться. Я живу, работаю и стремлюсь. А в будущем собираюсь гордиться своими детьми.

– Что вас вдохновляет?

Моя муза – это моя жена Екатерина Кухар.


Фотографии предоставлены пресс-службой
==========================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20205
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Июн 10, 2017 2:21 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017061004
Тема| Балет, Платоновский фестиваль искусств - 2017, Нидерландский театр танца (NDT 2)
Автор| Татьяна Ткачева (Воронеж)
Заголовок| Танцоры из Нидерландов удивили Воронеж "стоячим" балетом
Где опубликовано| © Российская газета
Дата публикации| 2017-06-10
Ссылка| https://rg.ru/2017/06/10/reg-cfo/tancory-iz-niderlandov-udivili-voronezh-stoiachim-baletom.html
Аннотация| Фестиваль, Гастроли

Вечер одноактных балетов с NDT 2 подарил публике Платоновского фестиваля три российских премьеры - "Ловкость рук", "Взаимный комфорт" и "Соло".


Сцена из спектакля "mutual comfort". Фото: Joris-Jan Bos / Дирекция международного Платоновского фестиваля

Один из мини-спектаклей поразил воронежцев нетипичными для contemporary dance театральными приемами - двум солистам приходилось работать на пятиметровой высоте, в сложном костюме и только верхней половиной туловища. Эту постановку, "Sleight of Hand", показали в конце - обозначив новое направление развития NDT, который давно считается флагманом современной хореографии.

Нидерландский театр танца командировал в Воронеж молодежный состав. NDT 2 был основан по инициативе предыдущего худрука - знаменитого Иржи Килиана. Он считал, что эта труппа станет мостиком между балетными школами и крупными театральными компаниями, рассказала руководитель NDT 2 Нэнси Эуверинк:

- Наши постановки требуют от танцоров выдающейся физической техники, владения разными стилями и знания того, как устроен этот бизнес. Здесь важен командный дух ответственности: состав меняется каждые три-четыре года (артисты уходят либо в основную труппу, либо в другие компании), и нужно помогать новичкам осваивать репертуар. Текучка плановая - контракт с артистом изначально заключается на три года. Первый год человек учится, второй - выступает, на третьем должен принять решение о своей дальнейшей судьбе.

Сейчас это уже не "второй состав" NDT, а полноценная компания, балеты для которой сочиняют специально. Приглашают хореографов разных поколений, чтобы в репертуаре были спектакли разных стилей.

Так, лучшая из показанных в Воронеже постановок - "Соло" на музыку Баха - детище живой легенды, голландца Ханса ван Манена. Внешне там все очень просто: три танцора по очереди выбегают на сцену и показывают высший пилотаж владения телом. Уже шедший в России балет "I New Then" поставлен хореографом среднего поколения Йоханом Ингером. На почти голой сцене его персонажи движутся то "в унисон", то вразнобой (держась, однако, за руки), заставляя думать о парадоксах человеческих отношений.

Автор третьего мини-спектакля "mutual comfort" Эдвард Клюг кладет в основу хореографии личность танцора, делая при этом артистов словно продолжением музыки.

- Современные хореографы идут от возможностей танцовщиков. Дают задание - придумать фразу в танце, абстрактный эпизод. Источником вдохновения может стать и музыка в студии, и какая-то человеческая ситуация, - пояснила Нэнси Эуверинк.

Мини-спектакль "Sleight of Hand", который постановщики Соль Леон и Пол Лайтфут назвали мистическим балетом, можно с некоторой натяжкой назвать сюжетным. Более того, в нем есть декорации - для современного танца это редкость. Двум потусторонним персонажам - женщине и мужчине - выделили высокие "столбы", замаскированные длинными платьями. Двигаться на этой конструкции можно лишь верхней частью туловища, что заставляет артистов удвоить экспрессию. Остальные танцоры мечутся по сцене, пытаясь совладать с голосами подсознания. Кто-то появляется прямо из оркестровой ямы, как из другого мира…

Возможно, в таком ключе и будет развиваться NDT, который после ухода Иржи Килиана пребывает в поисках новой идентичности.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20205
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Июн 10, 2017 11:17 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017061005
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Денис Родькин
Автор|
Заголовок| Премьер Большого театра: В фильме Тодоровского показаны абсурдные вещи
Где опубликовано| © Национальная служба новостей
Дата публикации| 2017-06-10
Ссылка| http://nsn.fm/culture/premer-bolshogo-teatra-v-filme-bolshoy-pokazany-absurdnye-veshhi.html
Аннотация|

Премьер Большого театра Денис Родькин рассказал спецкору НСН, как попал в балет и в чем неправда фильма «Большой».

Премьер Большого театра, лауреат этого года фестиваля «Бенуа де ла Данс» Денис Родькин на творческой встрече в театральном музее им. А.А. Бахрушина рассказал журналистам, как встретили постановки Большого театра в Японии, а также о том, какие моменты фильма Валерия Тодоровского «Большой» не соответствуют «балетной» действительности.

- В Японии совсем недавно завершился фестиваль «Русские сезоны». Расскажите, как принимали труппу Большого театра в Стране восходящего солнца?

- Партии «Жизели» и «Лебединого» танцевались очень просто, потому что энергетика зрителей отлично чувствовалась. Я обычно в «Жизели» очень устаю в конце, а тут даже не устал. Наверное, японская публика так поддерживала. Ну, и влажность в Японии большая, дышится легче. После спектакля было огромное число людей, желающих взять автографы. Я больше раздавал автографы, чем танцевал на сцене. Еще больше полюбил японцев после этих гастролей.

- Можно сказать, что большое внимание к выступлениям было не только со стороны публики, но и со стороны правительства…

- Премьер-министр Японии Синдзо Абэ очень был восхищен нашим выступлением, а мою фамилию в своей речи произнес аж два раза. «Русские сезоны» - это такой политический момент, поэтому очень много было политиков и чиновников, как со стороны Японии, так и со стороны России. Было большой честью танцевать в такой обстановке.

- Вы в Японии действительно устроили праздник для всех. Показали, что язык искусство един для всех. Сейчас балетное искусство как таковое более интересно за рубежом, а в России меньше ребят ходит на занятия. Интерес к балету, как искусству есть, но только со стороны. И само искусству в России не так быстро развивается, как хотелось бы.

- Меня в балет отдала мама, чтобы не бегал по улицам. В 16 лет я осознал, что неплохо получается. Я знаю только одного человека, который сам захотел пойти в балет – это Николай Цискаридзе. Думаю, что это задача родителей, разглядеть в ребенке, особенно в мальчике, балетный талант. У меня в начале обучения не было достаточного роста, был неважный прыжок. Но многого удалось достичь тренировками. Не знаю, чем занимался бы, если бы не балет.

- В этом году вы получили признание, как лучший танцовщик в этом году. Какие впечатления?

- Я приехал в Японию, там уже знали, кто я и что из себя представляю. Меня поздравляли, расспрашивали. Безусловно, приятно, что мне досталась такая награда. Многие танцуют всю жизнь и признание обходит их стороной. А мне 26 лет – и награда уже есть. Награда вдвойне приятная, потому что признание пришло от зрителей и профессионального жюри.

- У каждого человека в жизни есть наставники. Кто вас по жизни наставляет, подсказывает?

- Первым таким человеком стала педагог балетной школы, которая не дала меня отчислить. Если бы не она – меня в балете не было бы. Когда я пришел в Большой театр, для меня большим авторитетом и наставником стал Николай Цискаридзе. Не надо думать, что стоит попасть к Цискаридзе - и карьера сделана. На меня наоборот смотрели более пристально. Приходилось доказывать, что я достоин учителя. После ухода Цискаридзе, я, конечно, остался в подвешенном состоянии. Была некая театральная интрига. Потом меня пригласила танцевать балерина Светлана Захарова. Все эти люди на мою жизнь очень сильно повлияли.

- Где вы чувствуете себя как дома с точки зрения отношения зрителя?

- В Японии. Я всегда говорил, что это моя самая любимая страна после России.

- Какие роли для себя Вы видите в ближайшее время и какую роль мечтаете станцевать?

- Все, о чем мечтал, уже станцевал. И даже то, о чем не мечтал, станцевал. «Баядерку», «Лебединое»… «Герой нашего времени» станцевал, но в современной постановке я себя на 100% не чувствую. Каждый должен заниматься своим делом.

- Зрителям всегда интересно узнать, что происходит за кулисами. Как считаете, нужно ли приоткрывать эту завесу?

- Ну, когда артист переодевается, наверное, не надо (смеется). А так – конечно. Очень интересно наблюдать, как артист «разогревается» перед спектаклем. Для меня самое сложное встать с утра и «разогреться». Черновую работу на сцене не показывают. Многим интересно будет посмотреть, но надо знать меру.

- Какие впечатления у вас остались от фильма «Большой»?

- С точки зрения человека, не связанного с балетом, фильм будет интересен. Он учит никогда не унывать вне зависимости от того, что случилось в твоей жизни. С точки зрения балета там показаны абсурдные вещи. Сцена, в которой этуаль Парижской оперы Николя Ле Риш пьет коньяк – такого быть не может. Просто сделали экшн, чтобы было интересно смотреть.

Главная героиня фильма, на мой взгляд, никогда не стала бы балериной в Большом театре, потому что у нее очень плохие данные с профессиональной точки зрения. Для «Лебединого озера» нужна идеальная балерина. А в фильме этого не было.

Что касается любимого фильма или книги, я в детстве читал книжку про Рудольфа Нуриева. Эта биографическая книга на меня произвела огромное впечатление.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20205
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Июн 10, 2017 11:24 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017061006
Тема| Балет, Астраханский государственный театр оперы и балета, Персоналии, Константин Уральский
Автор| Наталия Туйгунова
Заголовок| Константин Уральский: "Уверен, что Астрахань — мой город"
Главный балетмейстер Астраханского государственного театра оперы и балета об экспериментах, жизни в США и поиске

Где опубликовано| © Московский Комсомолец Астрахань
Дата публикации| 2017-06-10
Ссылка| http://ast.mk.ru/articles/2017/06/10/konstantin-uralskiy-uveren-chto-astrakhan-moy-gorod.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Русский балет – бренд, сложившийся за долгие годы и известный во всем мире. Уважение к российским танцовщикам родилось благодаря сильной технике, глубокому психологизму. Художественный руководитель балета и главный балетмейстер Астраханского государственного театра оперы и балета Константин Уральский рассказал об экспериментах, жизни в США и поиске.


Фото из личного архива К. Уральского

Делай так, как ты чувствуешь

Думаю, что мы не решаем свою судьбу, только иногда по глупости пропускаем правильные «повороты». Бывает, идешь по жизненному пути, вдруг перекресток, не обращаешь на него внимания, идешь дальше. А он берет и снова тебе попадается. Тут уже задумываешься. У меня было много разных моментов, когда судьба меня будто направляла. В один из моментов, когда я поддался воле судьбы, я оказался на стажировке в США.

Я тогда был начинающим хореографом. Приехав, я открыл для себя абсолютно новый мир. Эмоции незабываемые. Есть замечательные строки в мемуарах российского танцовщика-хореографа участника «Дягилевских сезонов» Леонида Мясина. Он описывает, как на корабле приплыл в Нью-Йорк из Европы. И на него буквально обрушилась лавина свободы мышления. Лавина – это точное описание того, что испытывал первое время и я. В американской культуре «свобода» – это ключевое слово. Делай так, как ты чувствуешь, как видишь.

Однако для того, чтобы изобретать, нужно иметь хороший фундамент. Если хороших знаний нет, то и строить не на чем. Любая инновация может быть только на основе хорошей школы. Если говорить о хореографии, то только имея за спиной очень сильную консервативную школу (а многие европейские школы балета достаточно консервативны), можно развиваться, вырываться из рамок.

Я провел в США много лет жизни. На формирование моего языка повлияло изучение современных танцевальных школ: джаз-танца и модерн-танца. Но я остаюсь хореографом классического балета. И, конечно, люди, окружавшие меня.

Практически без опыта я возглавил «Балет Айова». У нас были различные постановки, но мы все делали быстро, четко. Экономика капиталистического мира не позволяет тратить на репетиции годы, тут все нужно делать в темпе. А еще нужно уметь презентовать себя, продвигать. В штатах все культурные проекты держатся на спонсорских средствах, получить которые можно лишь доказав, что твой продукт лучше, чем у других. Ради этого я даже прошел школу маркетинга и пиара. В общем-то, я всегда готов учиться.

Всегда ищу золотую середину. Работая в «Балет Айова» я в первую очередь научился общаться с людьми. Такого понятия, как «мне должны», там просто не существовало. Действовать приходилось лишь убеждениями, нужно было заинтересовать, вдохновить людей. Этот закон действует в моей работе и сегодня. Каждый артист в моей труппе – это индивидуальность.

Я очень горжусь тем, что в нашей балетной труппе нет кастности. Да, в любом спектакле есть составы. Но это не означает, что тот, кто сегодня танцует ведущие партии, завтра не будет стоять в кордебалете. У нас бывает такое, что сегодня в спектакле солируют одни, а на другой день другие танцовщики. И этому я тоже научился там, в США. Я ехал в Россию с настроением поделиться опытом.

В российских театрах редко встречаются небольшие труппы. Часто, чтобы создать масштаб, используют большое количество людей. А попробуй сделать толпу, если у тебя всего 20 человек на сцене? Тут уже надо сочинять, придумывать схемы, рисовать расположение композиций, в которых будет рождаться ощущение массовости. Я искал, ставил композиции, вспоминая опыт своих педагогов. Умение работать с малым количеством людей очень ценно, поэтому сегодня я учу своих студентов, как выпустить на сцену 15-17 человек и заставить зрителя поверить в то, что там была толпа.

Путь к собственному стилю

Однажды, в одном из спальных районов Нью-Йорка мне попался шикарный балетный зал, который остался от одного русского педагога. Помещение пустовало. И этот «поворот» я не пропустил – занял зал, набрал команду и все закрутилось. Так в Нью-Йорке появилась моя школа танца. К русскому балету большое уважение во всем мире, поэтому проблем с поиском учеников не было. Для меня это был один из самых интересных периодов жизни.

В этом зале я сочинил свои известные постановки – «Второй фортепианный концерт Рахманинова», «Вальс белых орхидей». Интересной особенностью того места было то, что над балетным залом находилась жилая квартира. Я поселился в ней, поэтому имел возможность спуститься и поработать в любое время суток. Кстати, возвращаясь к мемуарам Мясина, сделаю небольшую ремарку: в своей книге он рассказывает, что у него была давняя мечта иметь дом с балетным залом, чтобы заниматься, когда он хочет. Со временем эта его мечта сбылась – у него был большой дом с залом на Лонг Айленде. Так вот, мой зал с квартирой наверху тоже находился на Лонг Айленде.

В штатах я очень скучал по большому репертуарному театру с большим залом, оркестром. Я скучал по «русскому танцовщику» и очень надеялся, что мой опыт поможет ему развиваться. Сегодня я могу сказать, что не ошибся. И пример тому — астраханская балетная труппа, которую я собрал. Мой посыл был не в том, чтобы «переманивать» опытных артистов из других театров, а в том, чтобы сделать свою команду из молодых танцовщиков. Поэтому я пригласил выпускников ведущих балетных учебных заведений: из Питера, Москвы, Казани, Перми, Новосибирска, Уфы. Из них и была создана основа нашей балетной труппы. Конечно, пришлось много заниматься с начинающими артистами, но я люблю работать с молодежью. Эта труппа по-своему уникальна, артисты примерно одного возраста. За шесть лет работы мы вырастили сильных танцоров, выработали свой стиль. В этом мне очень помогали ассистенты-балетмейстеры, приехавшие по моему приглашению в Астрахань. Особенно я благодарен бывшему танцовщику Большого театра, замечательному педагогу Юрию Ромашко.

Астрахань – мой город

Мне сложно сказать, какая из моих постановок самая-самая. Каждая имеет свою прелесть и свои сложности. Каждая любима по-своему.

Не люблю слово «новаторство». Потому что искусство – постоянный поиск. Если в художественном замысле (неважно, художник ты, композитор, режиссер, хореограф) отсутствует поиск, то вся твоя задумка — мертворожденный ребенок. Для меня каждый спектакль — это жизнь. Это мир, в который я окунаюсь сам и в который стараюсь погрузить артистов, а затем и зрителей. Например, в «Вальсе белых орхидей» мы видим Париж в определенный период истории. Для создания нужной атмосферы нужно было использовать все – музыку, язык, литературу. Нужно было жить той эпохой.

Я днями слушал французскую музыку того времени, вживался в картины, написанные художниками этого периода. Перед постановкой я специально поехал в Париж. Помню, попросил жену оставить меня одного. Я долго стоял на мосту и курил. Я пытался запомнить каждую деталь, впитать окружающий меня мир, чтобы передать его зрителю. Уверен, что техника танца – это лишь часть большой работы.

Интересно, что недавно прошла выставка, посвященная «Вальсу белых орхидей». Она разместилась в креативном пространстве «ТелеЛето». Я очень хорошо отношусь к таким местам. В каком-то смысле для меня это даже символично — в Нью-Йорке часто бывал в районе Сохо (бывших производственных зонах), где сегодня создаются креативные пространства, развивающиеся благодаря молодежи. Так вот, там доминирующий стиль помещений – как раз лофт. В Астрахани я обожаю ходить по улице Фиолетова, где все старые здания сейчас обретают новую жизнь.

Для меня это сигнал: обычно такие изменения связаны с молодежью, с креативными людьми. Мне понравилась реакция зрителей на выставку по спектаклю, и я надеюсь, что она не последняя. Сводчатые потолки навевают мысли о Средневековье. Может быть, мы сделаем что-нибудь необычное по тематике спектакля «Андрей Рублев»…

Очень люблю Астрахань. Я ехал сюда с настроем, что возможно, это та точка, где я захочу остаться жить. Так оно и вышло. Мне нравится, что это старый русский город с невероятной архитектурой, сочетанием стилей. Из окна своего кабинета я вижу и Казанскую церковь, и купола Успенского собора. Для меня это очень дорого. Я люблю многонациональную культуру и рад, что меня окружают разные, не похожие друг на друга люди. У моей младшей дочки, например, три лучших подруги, и все они разных национальностей. А как здорово вместе с друзьями отмечать национальные праздники. Уверен, что Астрахань — мой город.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9, 10  След.
Страница 3 из 10

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика