Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2017-06
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9, 10  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18387
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июн 02, 2017 6:48 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017060206
Тема| Балет, "Балет Москва", Персоналии, Ольга Тимошенко, Эдуард Ахметшин, Александр Шуйский, Отмар Клеманн, Евгения Гончарова
Автор| Наталья Лучкина / Фото: m24.ru/Владимир Яроцкий
Заголовок| Артисты театра "Балет Москва": "Лебеди и принцессы в пачках – это не про нас"
Где опубликовано| © Сетевое издание m24.ru
Дата публикации| 2017-06-02
Ссылка| http://www.m24.ru/articles/142403
Аннотация| Интервью

Театр "Балет Москва" – это новый хореографический язык. Сегодня он считается авангардом, но через 20 лет уже станет классикой. Эти спектакли знакомят зрителя с непривычным для российской сцены современным танцем. Что это такое, куда движется и зачем оно нам нужно? На эти вопросы обычно отвечают режиссеры, хореографы и художественные руководители театров, а сами исполнители остаются в стороне от дискуссии.

Мы решили исправить эту несправедливость и узнать, о чем думают современные танцовщики. Пять артистов театра "Балет Москва" рассказали m24.ru о реалиях балетного мира, объяснили феномен современного танца в России и поделились историями закулисной жизни.


Театр "Балет Москва" – один из самых сильных хореографических театров России. Этого статуса он добивался пять лет: в 2012 году у театра началась новая жизнь вместе с новым директором Еленой Тупысевой. В театре две труппы – современная и балетная – и эксклюзивный репертуар. Эти постановки не повторяются ни в одном театре мира. Труппы работают в свободном пространстве и выступают на разных сценах.

Театр получил три "Золотые маски": за "Весну священную" в 2004 году, за "Все пути ведут на север" в 2016-м, и за "Кафе идиот" в 2017 году. Всего в репертуаре более 20 уникальных постановок.

В июне театр покажет новый спектакль "Крейцерова соната" на сюжет одноименной повести Льва Толстого. Это современный балет восходящей звезды мировой хореографии Роберта Бинета. Показы пройдут 2,4, 27 июня и 13 июля в Центре им. Мейерхольда.


Ольга Тимошенко

Современная труппа




О претензиях и вызовах

– Я очень хорошо помню, как в Московском государственном университете культуры и искусств мне сказали: "Оля, тебе бы лучше ставить и преподавать". То есть мне намекнули на то, что о карьере танцовщицы мне можно забыть. Я не расплакалась, не обиделась, не опустила руки. Я разозлилась, перешла на заочное и стала танцевать – прошла отбор в театр "Балет Москва". Это была такая мечта, о которой даже и не мечталось! Первое время было очень тяжело – девочек ведь слишком много. Вообще не секрет, что пробиться девушке в танцевальной сфере, мягко говоря, непросто. Вот выходит нас, таких талантливых и амбициозных, человек сто на сцену. И тебе нужно доказать, что ты лучшая. Мне, можно сказать, повезло, меня сложно было не заметить – рост для танцовщицы у меня довольно-таки большой, а телосложение – спортивное. Для какого-то театра это было бы серьезной проблемой. Для какого-то, но не для нашего.

О лебедях и Пине Бауш

Каждый танцовщик – индивидуальность, и в современном танце это очень важно. Нет ограничений, нет рамок, нет условностей. Например, зрелых балерин начинают клеймить "старухами", хотя они в самом расцвете сил. Это жестоко, но это типичный балетный мир. А вот знаменитая немецкая танцовщица Пина Бауш, наоборот, выделяла зрелых исполнителей, людей с жизненным опытом, сформировавшихся личностей. И мне такой подход ближе: от балетных правил я далека.

Говорят: балет – молодым и только. Там же все на этом построено: принцессы, легкость, молодость, "лебеди", – все такие воздушные и прекрасные. В нашем театре также есть балетная труппа, но все же мы не лебеди! Мы как будто бы совсем другие.

О нехватке образования

Современному танцовщику в России непросто. Во-первых, где учиться? Ведь специальных хореографических училищ нет. Да, существуют колледжи искусств, институты культуры и кафедры современного танца, но на них учат на педагога или на балетмейстера. Если хочешь получить опыт – ходи на классы. А потом куда? Ситуация за десять лет не изменилась: если ты учишься на классическом балете, ты знаешь, куда ты дальше пойдешь и кем будешь. Ну или откуда тебя погонят. А с современным танцем все сложно – в основном это какие-то проекты. Конечно, у многих театров есть и современная хореография, но по мне это все не то. Наша страна известна классической школой – точка. И это очень печально – многоточие.

Есть один красивый бренд – это Большой театр. Это огромный механизм, своя вселенная, жить в которой не каждый сможет. У меня есть знакомая, которая танцевала в Большом, а потом поступила в МХТ имени Чехова и перешла в мастерскую Дмитрия Брусникина. Теперь она профессиональная актриса, которая предпочитает не вспоминать о Большом.

О слезах и репетициях

Вообще танцовщики-классики к современному танцу относятся снисходительно – говорят, что исполнять его намного проще. Хотя на самом деле это глубокое заблуждение. Современный танец – очень сложная система, это множество танцевальных техник. А главное – эмоций.

Знаете, я человек довольно закрытый, но очень хорошо помню, как после первой репетиции спектакля "Весна священная" я была настолько эмоционально истощена, что вышла из зала и просто разрыдалась. Но страшно не от слез и даже не от вывернутых ног. Страшно, когда зал "тяжелый". Когда ты пытаешься найти контакт со зрителем, закинуть крючок, а получаешь сопротивление. Вот здесь ты тратишь столько внутренних сил, что после спектакля просто садишься на пол и молчишь.

Эдуард Ахметшин

Классическая труппа




О судьбе и личных капризах"

У меня классическое балетное образование. Все складывалось по привычной для танцовщиков схеме: учеба – практика – успех. После хореографического училища был и детский музыкальный театр в Санкт-Петербурге, и Михайловский театр, и театр балета Константина Тачкина, и театр классического балета под руководством Марины Медведской...

Мы ездим на гастроли по России и за рубеж, Иностранцам, к слову, обычно показывают "Лебединое озеро" и "Спящую красавицу" – это самые ходовые спектакли за границей. Вот что-что, а "принцем" я находился вдоволь. Да – эстетично, красиво, отработанно, но мне хотелось другого. И вот я оказался в театре "Балет Москва". Я сменил много театров и танцевальных коллективов, но это не были какие-то капризы, просто классический балет меня больше не держал.

Об обиженном "Щелкунчике"

Спрятать в дальний шкаф все эти заученные каноны классических балетных поз – вот была первая мысль о современном танце. А я ведь так привык к этим канонам: движения резкие, четкие, поза – поза – поза. Зафиксировал, встал и дальше красиво пошел.

И тут мне говорят, что никуда идти не нужно: нужно прорабатывать все изгибы, прогибы и слайды на полу. Тогда мой внутренний "Щелкунчик" обиделся и ушел, надеюсь, навсегда.

О зависти и лести

Мне нравится атмосфера в театре "Балет Москва". Здесь нет этого закулисного лицемерия. Все потому что солистов нет. Здесь каждый важен, каждый – солист. Я работал в больших театрах, и прекрасно помню, как тебе улыбаются в лицо, а за спиной говорят гадости. Конкуренция чернит людей. В большинстве своем мне доставались главные роли. Я помню, как один танцовщик подошел ко мне и без прелюдий выдал: "Когда же ты уже сломаешься?" Потом наигранно улыбнулся и пошел растягиваться. Тут и ответить нечего. Вот так и танцуешь: ты на сцене, а на тебе – пара десятков глаз, смотрит и ждет, когда же с тобой что-нибудь приключится.

Звезды рождаются каждый день, просто в балетном мире их могут не заметить. Там много факторов играет, в том числе и связи. Мне всегда в пример ставили Михаила Барышникова и Рудольфа Нуриева. Никто никогда не говорил, что будет легко, поэтому очень много ребят срываются и уходят из этого мира. У некоторых получается зацепиться и прорваться. Вот у Полунина, например, получилось – молодец.

О роли мужа

В спектакле "Крейцерова соната" у меня одна из главных ролей. Я играю Позднышева. И эмоционально для меня это самая тяжелая постановка. По сюжету моя жена теряет ребенка, а я пытаюсь спасти ее от гибели и депрессии. И суть в том, что ты все это чувствуешь каждой клеткой. Потому что именно так ты со зрителям и говоришь. Страдает, плачет, кричит каждая твоя мышца. После первой репетиции я пришел домой и сказал жене: "Да, вот тебе и балет". Мы в спектаклях выкладываемся по полной, так, что потом ты вечер эмоционально отходишь.

Александр Шуйский

Современная труппа




Об эмоциях и моисеевской методике

В театре "Балет Москва" я работаю девять лет. Изначально я был "народником": из эстрадного танца перешел в современный. Если классика выстраивает форму, то народный танец работает над силой танцовщика. Шесть дней в неделю с 9 утра до 11 вечера у нас были тренировки. Мы учились по моисеевской методике: была и гимнастика, и акробатика, и основы музыкального, балетного и драматического театра, ну и, конечно же, национального фольклора.

Вообще все народные танцы держатся на эмоциях. Правда, выбор тут не большой: либо грусть, либо радость. В театре "Балет Москва" эмоциональный диапазон танца пришлось существенно расширить. Это был новый уровень: когда ты от эмоций переходишь в телесность. Ты транслируешь свои эмоции через тело: я не улыбаюсь, не сжимаю губ, не хмурю брови. Достаточно того, что мое тело начинает сжиматься или расслабляться – зритель чувствует, что я хочу сказать.

О широте движения и привычках

Я помню, как мне было тяжело работать над спектаклем "Застывший смех" вместе с хореографом Крисом Херингом. Я привык, что танец – это широта движения, максимальное использование пространства. А в его спектакле все это было минимизировано: мы не делали каких-то прыжков, перекатов, широких движений. Моторика была мелкая, все было построено на постоянном напряжении, в теле – рябь. Зритель иногда этого не понимает. Человек стоит и трясется. И где здесь танец? Потом они либо понимают, либо нет. И когда после спектакля зал не замолкает – значит, все получилось, у нас был контакт.

Порой мы выводим публику из зоны комфорта. Например, проводим голосование перед спектаклем: кто хочет выключить мобильные телефоны, а кто – оставить. Некоторых это удивляет. Да, мы действительно двигаем вашу "четвертую стену".

О страхах и об учительнице по математике

Современный танец – это постоянный поиск смысла и формы. А еще это совместная работа хореографа и танцовщика. К одному спектаклю я собирал собственные страхи: рассказал о том, как боялся учительницу по математике, как меня пугала темнота, и о том, как больше всего на свете я боюсь смерти родных. Все это вошло в спектакль. И это важно: у танцовщика должна быть такая возможность – говорить и о себе, привносить что-то свое. Мы ведь просто хотим высказаться.

О голах и задачах

Движение ради движения бессмысленно: мы уже не в XX веке. Мысль очевидная, но многие танцовщики ее просто не понимают. У каждого из нас уже выработались свои приемы: например, если нужно придумать соло, то сначала ты должен представить "гол". Да, именно гол – так мы называем то, в чем заключается твоя победа. Иногда все это происходит только у тебя в голове. Я придумываю танец, пропускаю мысли через мышцы. Например, представляю, как моя правая рука поднимается вверх, делает пол-оборота в локте и опускается, и появляются ощущения в мышцах. Я не знаю, как у других – это мое, личное.

Отмар Клеманн

Классическая труппа




О выборе и переезде

Когда я сказал маме, что уезжаю в Россию танцевать, она посмотрела на меня как на сумасшедшего. А потом еще несколько раз переспросила: "Ты уверен? Уверен?" И я действительно был уверен. Я родился в Нидерландах, учился в Дрездене и про современный танец в России я знал только... Ничего. Конечно, первая ассоциация – это классический балет. Как-то к нам в школу приехала Елена Тупысева и рассказала нам про театр "Балет Москва", что меня очень заинтересовало. Я отправил резюме, прошел отбор, и меня взяли.

Это очень сильный театр. У меня были и другие предложения от компаний из Чехии и Нидерландов, но поехал я в Россию. Это был вызов самому себе, и отчасти это остается для меня вызовом до сих пор. Кстати, помимо меня в труппе еще три иностранца: два танцовщика из Японии и один из Австрии.

О различиях между российским и европейским танцем

Я бы не сказал, что российский современный танец сильно отстает от европейского. Здесь просто другой подход к современной хореографии. В России хореографы делают упор на театральность, а в Европе исходят из возможностей тела – выражение лица там вообще не важно. В этом, на мой взгляд, главное отличие. Танцовщик, который выбирает современное направление, должен научиться работать с полом, чувствовать свой центр тяжести, быть более заземленным. А главное, он должен привыкнуть к тому, что хореографы не ставят каждое твое движение.

О театральном дресс-коде

Мне кажется, что русская публика еще не привыкла к современному танцу. В Европе современный балет, например, сильно перевешивает классический, а в России наоборот. Но все же интерес растет – вам просто нужно привыкнуть. Ведь зритель научился постепенно отходить от стереотипа: в театр нужно обязательно наряжаться. Да, это заложено в русской театральной культуре, но я видел, как на спектакли современного балета многие приходили в простой повседневной одежде. В Германии тоже любят наряжаться на классический балет, но порой достаточно прийти в чистой одежде.

О репертуаре

Мне кажется, что через спектакли театра "Балет Москва" можно понять, что же такое современный танец в России в принципе: достаточно посмотреть весь репертуар, и у вас сложится готовая картина.

Вообще мне нравится, что здесь нет "переносов" спектаклей, они уникальны – идут только в Москве, играются только нами, и около 80 процентов спектаклей поставлено известными иностранными хореографами. Здесь постоянно появляется что-то новое, порой совершенно неожиданное.

Евгения Гончарова

Классическая труппа




О бабушкиной мечте

Моя бабушка очень хотела, чтобы я стала балериной. Тем более природные данные у меня были: стопа, подъем, выворотность, шаг, прыжок. Получив классическое образование, я шесть лет проработала в "Русском балете" под руководством Вячеслава Гордеева. Это была школа жизни: мы много гастролировали, ритм был жестким. И за границей часто были: Китай, Германия, Ирландия, Мексика, Индонезия, Греция, Турция... Везде показывали классический балет.

О политике и балете

В больших театрах сложно добраться до главных ролей. К сожалению, смотрят не только на твои физические данные и богатый внутренний мир. Но это вовсе не секрет – все в нашей жизни сложно. Я стояла в кордебалете, было несколько сольных партий. Потом я работала в Одессе в театра оперы и балета. Все было замечательно, но начались политические проблемы, и оставаться было невозможно. Тем более к тому времени я уже родила ребенка. Мы вернулись в Москву, но во мне уже многое поменялось – мне не хотелось возвращаться в балетный мир. И я решилась на новое – поступила в театр "Балет Москва".

Об ответственности

Мне нравится современный танец. Для меня он наполнен индивидуальностью. И мне было интересно себя попробовать в качестве танцовщика какого-то синтеза стилей. Я очень давно искала свободу в движении, но в современном танце тоже есть правила, как и в классическом. Ты берешь их за основу и наполняешь танец своей индивидуальностью, поэтому любая партия нашего театра раскрывается по-новому с каждым танцовщиком.

О Диане Вишневой

Мне кажется, к артисту балета сегодня стало больше требований. По моим ощущениям, любой взрослый танцовщик должен уметь танцевать современный танец, а его часто недооценивают, им пренебрегают. Говорят, что балетные артисты с возрастом уходят в современный танец, потому что там просто. Моя очень близкая подруга, тоже балерина, свое отношение вообще не скрывает, говорит: "Не понимаю, это несерьезно, это не балет". Так что современный танец мы обсуждаем редко – у нас разные взгляды. Для меня опытный танцовщик должен уметь танцевать современный танец. Отличный пример – Диана Вишнева (прима-балерина Мариинского театра и Американского театра балета – прим. ред.). Она перетанцевала весь классический репертуар и пробует себя в современной хореографии. И у нас начали двигаться в этом направлении. Мы еще докажем, что от России можно ждать не только "Лебединого озера".
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18387
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Июн 03, 2017 4:03 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017060301
Тема| Балет, БТ, Приз «Бенуа де ла данс»
Автор| Елена Соломински
Заголовок| Дефиле звёзд
Где опубликовано| © портал "Музыкальные сезоны"
Дата публикации| 2017-06-02
Ссылка| http://musicseasons.org/defile-zvyozd/
Аннотация|

На Исторической сцене Большого театра России прошла 25-я церемония вручения приза Benois de la Danse.

Основанный по инициативе балетного педагога Большого театра Регины Никифоровой и балерины Нины Кудрявцевой-Лури, которых поддержал Юрий Григорович (в то время художественный руководитель балета Большого театра), Международный конкурс артистов балета Benois de la Danse стал знаковым событием в мире танца. Перечень экспертов за четверть века – сто тридцать членов жюри – и более двухсот исполнителей, которые были номинантами и лауреатами конкурса, составит настоящую балетную энциклопедию ХХ–ХХI веков.

Начавшись ещё в СССР, балетные концерты, гала и церемонии конкурса путешествовали по сценам мира – проводились в Париже, Варшаве, Берлине и Штутгарте. С 1992 г. он проходит под патронажем ЮНЕСКО. Стартовав с формата гала-концерта, приз Бенуа постепенно обрёл статус конкурса, затем конкурса с гала-концертом участников и лауреатов прошлых дней, а к своему 25-летнему юбилею достиг уровня фестиваля мирового балета, как указано на титуле программы.

Неизменной оставалась идея конкурса – объединять лучшие работы мировых хореографов и представителей различных балетных школ. Эта особая атмосфера творчества и созидания, лишённая конкуренции и какой-либо политической окраски, особо ценится международным балетным сообществом. Так, известный шведский хореограф Матс Эк отметил, что «несмотря на то что Швеция и Россия многие годы были политическими врагами, их культурные связи, а приз Benois de la Danse один из таких, имеют объединяющий характер». Художественный руководитель Корейского национального балета Сю-Джин Кан считает, что важной миссией конкурса «Бенуа» является «выбор нового поколения артистов». Но, вероятно, именно ежегодная ротация членов жюри, в составе которого за двадцать пять лет побывали практически все мировые этуали и хореографы, позволяет достигать столь мощной интернациональной репрезентативности и преемственности поколений, а также представительства классической традиции и современных направлений хореографии. Причём практически все члены жюри были в прошлом лауреатами приза Benois de la Danse: Хулио Бокка (лауреат первого конкурса Benois de la Danse 1992 г.), уже упомянутая выше Сю-Джин-Кан (художественный руководитель Национального балета Уругвая), Светлана Захарова (прима-балерина Большого театра России), Джули Кент (художественный руководитель Вашингтонского балета), Манюэь Легри (художественный руководитель Венского государственного балета), Брижит Лефевр (экс-директор балета Парижской оперы, художественный руководитель биеннале танца в Каннах), финский хореограф Йорма Эло и, конечно, сам мэтр Юрий Григорович – неизменный председатель жюри.

Вообще, задаче жюри, которое, просматривая видеофрагменты с абрисами движений исполнителей, продолжительностью в несколько минут, должно принять решение о вручении приза, не позавидуешь. Тут каждый член жюри представляет своих звёзд, учеников и коллег, в конце концов, свою страну. Таким образом, география будущих номинантов априори задаётся географией членов жюри. С другой стороны, такой географический фьюжен традиционных центров балета с его новыми пространствами позволяет увидеть, сколь динамичен современный мир танца, какие взаимовлияния в нём происходят, в чём выражаются принципиально новые явления либо проявляется тиражирование известного.

Юбилейная 25-я церемония вручения приза визуально была выстроена по концептуальным законам современного искусства и успешно избежала принятого ранее пафосного классицизма. Отказавшись от традиционного сине-зелёного лазерного шоу и благодарного перечисления спонсоров, организаторы добавили классическую нотку, выбрав в качестве антре дружественное дефиле жюри и звёзд приза Benois de la Danse, шествующих парами или тройками в сопровождении звёзд Большого театра, лауреатов приза прошлых лет. Мэтр Юрий Григорович бодро прошагал по авансцене к своему почётному креслу-трону, всем своим видом давая публике понять, что активное движение – оптимальный путь к долголетию.

По случаю юбилея жюри конкурса проявило свою исключительную щедрость, удостоив призом сразу по два лауреата в двух номинациях конкурса. Так, приза «За лучшую роль танцовщика», который вручала балерина Надежда Грачёва (лауреат первого конкурса «Бенуа де ла данс» 1992 г.), были удостоены Уго Маршан (номинировался также и в 2016 г.) за главную партию в балете Парижской оперы «Ромео и Джульетта» и Денис Родькин за партию Солора в балете «Баядерка», Большой театр России, который тепло благодарил своего педагога Юрия Владимирова.

Андрей Уваров назвал имена и вручил приз «Бенуа-2017» в номинации «За лучшую роль танцовщицы». Ими стали этуаль Парижской оперы аргентинского происхождения Людмила Пальеро и солистка Национального балета Уругвая Мария Рикетто. Уругвайка по происхождению, Рикетто сделала блестящую карьеру в США, став в 2012 г. солисткой Американского театра балета и перетанцевав практически весь классический репертуар, и даже оставила свой след в кино, станцевав за Милу Кунис в фильме «Чёрный лебедь» (2010). Являясь последние четыре года солисткой Национального балета Уругвая, она активно гастролирует по всему миру. Принимая приз, балерина патриотично отметила, что Benois de la Danse стал для неё не просто знаком внимания к её успехам, а наградой для всей её страны.

В номинации «Лучший хореограф» из шести лауреатов победила Кристал Пайт (балет Парижской оперы). Впрочем, приглашённая для вручения приза в этой номинации балерина Галина Степаненко осталась стоять на сцены с поднятой в руке статуэткой: хореограф в Москву не прибыла, о чём организаторы, вероятно, не были проинформированы.

В почётной номинации «За жизнь в искусстве» приз «Бенуа-2017» был вручён Марсии Хайде, великой балерине и музе практически всех выдающихся хореографов – Джона Ноймайера, Мориса Бежара, Матса Эка, Уве Шольца, Иржи Килиана и др. Восьмидесятилетняя красавица, которая ещё в 2012 г. выходила на сцену Штутгартского балета в постановке «Мадемуазель де Скюдари» хореографа Кристиана Шпука, продолжает активно ставить балеты на сценах театров Латинской Америки. Неудивительно, что и само вручение приза она превратила в небольшой перформанс: подставив под приз обе руки, она сделала оборот с ним лицом к сидящим на сцене членам жюри, лауреатам и номинантам, будто благодаря весь балетный мир за счастье служить искусству, и, обратившись к публике, вспомнила всех хореографов, подаривших ей роли, и особенно Джона Кранко, с которым началась её работа в Штуттгартском балете. Она признаётся, что «Большой театр – это волшебство» и что она очень любит Россию, т. к. её любимые педагоги были русскими. Рецепт её молодости подкупает простотой: просыпаясь, каждое утро Марсия Хайде произносит фразу: «Лучшее ещё впереди!» О её работоспособности ходят легенды, её страсть к искусству танца восхищает и зажигает сердца новых поколений танцовщиков и хореографов. И, действительно, она будто озаряет собой пространство, и окружающие её люди улыбаются друг другу.

Связующим эмоциональным звеном между церемонией и собственно концертом новых лауреатов стал фильм, посвящённый юбилею приза «Бенуа де ла данс», – компактный видеоряд и фотопортреты звёзд балета и хореографов, которые представили краткое содержание предыдущих двадцати пяти лет деятельности и были рассчитаны, вероятно, на информирование новой театральной общественности, расположившейся преимущественно в дорогостоящем партере. И если в XIX веке балет был проходным номером-антрактом между двумя операми, то в XXI веке таким жанром становится кино между двумя балетами.

Праздник не обходится без подарков: в дар конкурсу хореограф Юрий Посохов (лауреат «Бенуа де ла данс») преподнёс свой дуэт Toi Moi («Ты и я») в исполнении артиста Балета Сан-Франциско Джозефа Уолша и Виктории Джайани (Балет Джоффри). К дару прилагались костюмы (Тимур Сулуашвили) и музыка (Илья Демуцкий). Задумка была такова: оживает статуэтка приза «Бенуа де ла данс» (автор: архитектор Игорь Устинов, внучатый племянник Александра Бенуа), однако хореография эту идею репрезентировала лишь с долей условности. Но когда второе действие вечера открылось дуэтом из балета «Семь сонат» в хореографии А. Ратманского (номинант «Бенуа-2017») в исполнении Лорен Стронджин и Джозефа Уолша (Балет Сан-Франциско), в котором эта же идея считывалась, но несколько гармоничнее (хотя балет и не был посвящён теме «Бенуа»), возникло как чувство гордости за то, что отечественные хореографы столь популярны в Сан-Франциско, так и некоторое чувство неловкости по поводу дублирования, чего на гала-концерте стоило бы избежать.

Вообще, в первом отделении вечера запомнилось лишь па-де-де Дианы и Антеона из балета «Эсмеральда» в хореографии Агриппины Вагановой, исполненное Айано Кимурой и Бруклином Маком (номинант «Бенуа-2017»). Причём интересно было наблюдать не за танцем балерины, а за движениями её чернокожего партнёра, которому хоть и досталась лишь вспомогательная миссия, но каждое движение которого раскрывалось подобно скрытой пружине, а прыжки с подкрутками и револьтаты завораживали зал.

В целом же первое отделение оставило впечатление, будто это не гала звёзд, а отчётный концерт учащихся, которые либо в каждом движении стремятся потрафить мэтрам, следуя канону исполнительской манеры драмбалета советских времён (дуэт из балета «Спартак» А. Хачатуряна в хореографии Ю. Григоровича, в исполнении Сеюл Ки Пак и Джэ У Ли – оба номинанты «Бенуа-2017», Корейский национальный балет), либо, увы, плохо слышат музыку и плохо знакомы с техникой движений (Миса Куранага, номинант «Бенуа-2017», и Паоло Арраис в па-де-де из балета «Лебединое озеро», третий акт, в хореографии Джорджа Баланчина, Вашингтонский балет).

К счастью, второе отделение концерта оказалось более впечатляющим и по-настоящему звёздным. Дуэт из балета «Ромео и Джульетта» в хореографии Рудольфа Нуреева, исполненный солистами Парижской национальной оперы Леонор Боляк и Уго Маршаном (лауреат «Бенуа-2017») был, несомненно, эмоциональнее, чем тот же дуэт, показанный в первом отделении, но в хореографии Кеннета Макмиллана, исполненный солистами Национального балета Уругвая Марией Рикетто (лауреат «Бенуа-2017») и Густаво Карвальо (номинант «Бенуа-2017»).

Но настоящий пир ждал балетных гурманов в дуэте из балета «Дидона и Эней» на музыку Г. Перселла, блестяще исполненный солистами Королевского балета Фландрии Дрю Джейкоби и Маттом Фоли. Эту хореографию Сиди Ларби Шеркауи следовало бы сравнить с цветком магнолии, раскрывающимся на утренней заре, – столь поэтично и гармонично было в ней каждое движение, подчеркиваемое ниспадающими волнами чёрного, белого и бордового шёлка. Шеркауи начал заниматься танцем в шестнадцать лет, образование получил в школе современного танца, создал в 2010 г. свою балетную компанию Eastman, а сам выступал в варьете, занимался хип-хопом и джазом. Его балетный язык возникает на стыке разных национальных культур и балетных традиций. Став лауреатом «Бенуа» в 2011 году, он вполне мог бы быть удостоен и юбилейного «Бенуа-2017», но за всю историю приза дважды его удостоились лишь Иржи Килиан и Алексей Ратманский.

Финальным аккордом первого дня юбилейного фестиваля мирового балета «Бенуа-2017» стала хореография Хьо Хьюн Кана (номинанта «Бенуа-2017») на музыку Пури «В ритме пульса», которая как нельзя лучше передала динамику современного мира. Ведущий вечера, Павел Ващилин, перечисляя имена семи танцовщиц Корейского национального балета, мучительно выговаривал набор музыкально-свистящих звуков. В чёрно-белых пересекающихся лучах-проекциях на сцене под звук японского барабана появлялись лёгкие тела-знаки, движения-иероглифы, то одинокие, то в шахматном порядке. В музыкальной и пластической судороге звуков и движений считывалась и восточная нега, и тайная угроза, тайминг нашего времени… Это был самый настоящий месседж иных культур и новых технологий. И в волшебном замке классического танца, коим является Большой театр, этот месседж становится завораживающим вопросом в будущее, над решением которого нам всем предстоит ещё ох как поработать.

Овация. Занавес.

--------------------------------------------------------------

Все фото - по ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Июн 04, 2017 12:49 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18387
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Июн 03, 2017 11:59 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017060302
Тема| Балет, Театр «Астана Балет», Премьера
Автор| Евгения Мягкова
Заголовок| Гимн современному балету
Где опубликовано| © Республиканская газета «Казахстанская правда»
Дата публикации| 2017-06-02
Ссылка| http://www.kazpravda.kz/articles/view/gimn-sovremennomu-baletu/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

В Театре «Астана Балет» прошла премьера одноактных балетов. Это «Серенада» Дж. Баланчина – общепризнанный шедевр неоклассической хореографии и «Контрасты» Р. Террановы, который отражает современные хореографические направления.



Современный балет – объемный, многогранный и многоуровневый – предстал на сцене театра во всем великолепии. Многим кажется, что современный балет – это то, что создано в наши дни или на памяти ныне здравствующего поколения. Однако балет Баланчина, родившийся в 1934 году, до сих пор воспринимается новаторским, настолько он опередил свое время. Тем не менее этот балет уже причислен к классике, к которой будут обращаться неоднократно, потому что с годами она не устаревает, а лишь становится притягательней. «Серенада» сегодня входит в репертуар самых знаменитых мировых трупп.

Многие зрители стремились попасть на премьеру, увидев имя Баланчина, одного из гениальных балетмейстеров ХХ века. Он соз­дал балет, только-только обосно­вавшись в Америке, на музыку Серенады для струнного оркестра П. Чайковского. Баланчин говорил: «Это композитор для умных и тонких людей, изысканный автор». Оказавшись в Америке, Баланчин не оторвался от корней, от культуры, сформировавшей его эстетические воззрения. Позади были учеба и работа в Петрограде, в Европе (у Дягилева, а затем в труппах Лондона и Монте-Карло), впереди – неизвестность.

Легкость и скорость американского образа жизни вдохновили его, но классическая школа русского балета не исчезла и стала почвой, давшей жизнь новому направлению балета, теснейшим образом связанному с именем Джорджа Баланчина – неоклассике. Он сумел открыть окно в новый мир, придумать новый пластический язык. Не случайно современники называли Баланчина «дерзновеннейшим из новаторов». По масштабам творчества и значимости в истории мировой культуры его ставят в один ряд с Пикассо, Стравинским, Петипа. И сегодня «Серенада» – чистая классика ХХ века.

– «Серенада» – это очень хорошая школа для наших артистов и одновременно показатель их исполнительского уровня и мас­терства, – говорит директор театра «Астана Балет» Валерий Кузембаев. – Можно сказать, с первого дня мы мечтали когда-нибудь исполнить «Серенаду». Но Фонд Баланчина очень тщательно отбирает театры, где ставятся балеты этого легендарного хореографа. И для любого театра мира – большая честь иметь в репертуаре работы Баланчина. Переносила «Серенаду» на сцену ­Театра «Астана Балет» признанный специалист, представитель Фонда Баланчина Виктория Саймон. Она одна из тех, кто работал вместе с мэтром и кому доверено ставить его балеты на других сценах.



Почему так популярно это произведение? В «Серенаде» есть какая-то неземная чистота, единение артистов. Практически отсутствуют яркие соло, хотя Татьяна Тен, Дилара Шомаева и другие артисты создали элегант­ные и одухотворенные дуэты и трио. Зрителей завораживает, что, благодаря легким прыжкам и поддержкам, кажется, будто артисты больше времени проводят паря над сценой. И даже в беге танцовщиц – с неподвижным корпусом и откинутыми руками, который стал визитной карточкой стиля Баланчина, чувствовалась невесомость. В этом балете слияние света, музыки и движений возведено в абсолют, они неотделимы друг от друга.

«Не ищите в «Серенаде» сюжета, его там нет… В этом балете танцовщики просто движутся под прекрасную музыку. Единственный сюжет – музыка серенады, если угодно – это танец при луне», – говорил Баланчин.

И действительно, 35 минутный шедевр – чистый танец. И каждый волен видеть в нем свое, придумывать историю, домысливать отношения, на которые лишь намекают артисты. В балетах Баланчина царит минимализм в антураже (декорации, костюмы), это вторично. Первичны – танцевальные образы, вытекающие из музыки. Поэтому стремление к завершенности формы, чистоте стиля были у него наиглавнейшими, а отсюда и высокие требования к техничности артистов и их музыкальности. «Техника и искусство – одно и то же. Техника – это умение, и только тогда вы можете выразить и вашу индивидуальность, и красоту, и форму», – считал Баланчин.

– У него танцевали балерины высокие и миниатюрные, от всех Баланчин требовал высочайшую технику и музыкальность. Для него это было основополагающим, – рассказала балетмейстер-постановщик Виктория Саймон. – Очень важна энергетика, умение танцевать в различных стилях, способность двигаться стремительно, экспансивно, но при этом не переступая грань, которая отделяет классический танец от модерна.

И хотя в «Серенаде» нет сюжета, ее можно читать как книгу. Здесь немало аллюзий, намеков. Это не только очень красивое зрелище, но и балет об ускользающей и желанной мечте. Балетмейстер использовал контрасты: моментальная перемена темпа, мелкие переборы ногами и широкие прыжки. И это роднит постановку Джорджа Баланчина и балет «Контрасты» бразильского хореографа Рубена Террановы. Но стремление «поймать» эфемерную мечту показано совершенно по-разному.

– Бескрайняя степь и Астана вдохновили меня. Я мечтал попасть в этот город особенного духа. Родина авангардных архитектур позволила создать что-то новое, яркое, впечатляющее, – говорил Рубен Терранова.

Бразильский балетмейстер отметил, что очень доволен работой с Театром «Астана Балет». Он выделил хорошую подготовку и талант артистов, умение быстро осваивать новую пластику, верно передавать эмоции.

– В каждой сцене содержится свой контраст. Герои моего спектакля в поисках чего-то особенного. Это будто пребывание во сне. В начале глухая темнота, затем все преображается в светлое и ясное – это контрасты мечты и реальности, жизни и смерти. Все наполнено противоположными красками и впечатлениями, – отметил хореограф.

Оба представленных балета можно назвать контрастными и одновременно гармоничными, потому что они показывают, как авторы изменяют границы возможностей человеческого тела, как смело идут на эксперимент. Они создают целостное полотно, сотканное из музыки и пластики. Для молодого коллектива, коим является Театр «Астана Балет», опыт работы над этими постановками очень важен, потому что артисты прошли уникальную школу движения на сцене, обрели навыки, необходимые для работы над современными балетами разных направлений.

Премьера балетов «Серенада» Дж. Баланчина и «Контрасты» Р. Террановы стала своеобразным экзаменом для театра, который с честью был выдержан. Когда-то Баланчин говорил: «Цените то, что у вас сегодня. Это и есть ваша жизнь». Сейчас в репертуаре театра есть два новых прекрасных балета. Но жизнь ставит новые задачи, а значит, можно ждать новых премьер. Их публика увидит совсем скоро – во время ЭКСПО.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Июн 04, 2017 12:49 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18387
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Июн 04, 2017 12:48 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017060401
Тема| Балет, БТ, Приз «Бенуа де ла данс»
Автор| Елена Соломински
Заголовок| Отчёт за четверть века
Благотворительный гала-концерт звёзд «Бенуа де ла данс» прошёл на Исторической сцене Большого театра 31 мая

Где опубликовано| © портал "Музыкальные сезоны"
Дата публикации| 2017-06-03
Ссылка| http://musicseasons.org/otchyot-za-chetvert-veka/
Аннотация|


Фото Михаил Логвинов

Миссию приза «Бенуа де ла данс» – не только представлять лучшее, зажигать новые звёзды, но и благое дело помощи ветеранам сцены – призван воплотить второй день программы. По традиции в этот день проходит благотворительный концерт лауреатов приза прошлых лет. Возможность увидеть звёзд мирового балета в их новых партиях особенно высока, и это составляет одну из интриг вечера. Однако такое случается не всегда: в Москве показывается то, что на разных сценах мира уже успело стать классикой, но сохранило свою новизну для московской публики.

Главной темой вечера 31 мая на Исторической сцене Большого театра стали любовные дуэты, среди которых по-настоящему интересны были, увы, немногие. Концерт начался с адажио из «Укрощения строптивой» (хореография Жана-Кристофа Майо, исполнители – Нина Капцова и Александр Волчков, Большой театр), в котором строптивая Бьянка укрощала Люченцио. Затем тему продолжил несколько монотонный фрагмент «Тюрьма» из балета «Летучая мышь» (хореография Ролана Пети, исполнители – Яна Саленко и Мариан Вальтер, Берлинский государственный балет). Страсть была губительна, и в ход пошли ножницы, которыми героиня отрезала чёрные крылья-перья у своего партнёра. И, вероятно, чтобы перенести тот же любовный диалог в XXI век, во втором отделении эта же пара исполнила дуэт из балета «Гнава» в хореографии Наче Дуато.

Во втором отделении «русский кейс» был представлен хореографической миниатюрой Ивана Васильева на музыку Людвига ван Бетховена, которая была громко заявлена как мировая премьера. Красавица Мария Виноградова (Большой театр России) вышла вся в чёрном пенно-кружевном платье с траурной фатой (художник по костюмам Расида Лакоба), изображая безутешную утрату возлюбленного. Васильев, явив зрителю красочный каскад фигур в воздухе, пал ниц, как написали бы в программке водевилей – «лишившись чувств». Всё увиденное очень напоминало набор движений из адажио второго акта «Жизели».

Впрочем, стоит отметить и несколько светлых историй. Это миниатюра «Закрученная спираль» в хореографии Рассела Малифанта, вдохновенно исполненная известным европейским дуэтом – Люсия Лаккара и Марлон Дино, которые после четырнадцати лет триумфального успеха в Баварской Опере с приходом в прошлом году на должность нового худрука балета Игоря Зелинского (вместо Ивана Лишки) приняли решение покинуть труппу. Теперь они выступают сразу в трёх компаниях: Рассела Малифанта, Дортмундского балета и балета Мадрида. Мощно и захватывающе выглядел дуэт «Знаки» (хореография Каролин Карлсон), исполненный солистами Парижской национальной оперы Мари-Аньес Жило и Уго Маршаном. Но самое сильное впечатление этого вечера оставил дуэт «Память», созданный шведским хореографом Матсом Эком и исполненный им самим и его женой, балериной Аной Лагуной, в финале первого отделения. Матса Эка, в недавнем прошлом руководителя Кульберг-балета, и Ану Лагуну, которые в 2016 году официально простились со сценой, трудно представить пенсионерами на покое. Хореограф не в первый раз обращается к теме памяти тела («Соло для двоих» в 1996 г., «Квартира» в 2000 г. и др.), перенося на сцену то, что его волнует сегодня, иронизируя по поводу быта, отношений и самой памяти. Движения 72-летнего Матса Эка и его 63-летней партнёрши вторгаются в рутину быта, разрушая границы пространства: и вот уже кресло, в котором сидит Лагуна, несётся по сцене, а телевизор – эта вечная причина семейных раздоров, превращается в трон, на котором восседает мать, убаюкивающая дитя. Информация в жизни этой семьи – чтение газеты или диалог – трансформируется в движение, в то же мгновение становясь памятью, как настоящее тут же становится прошлым. Память для танцовщиков, как признаётся Матс Эк, это не только пережитые чувства, но и, прежде всего, «память тела», благодаря которой роли и образы живут в исполнителе дольше, чем любые видеозаписи тех же действий. Возможно, кто-нибудь из будущих хореографов (лауреатов «Бенуа» будущих лет) создаст балет о том, что такое «память зрителя» – и это будет не менее увлекательное исследование, чем память тела танцовщика.

===============================================

Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18387
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Июн 04, 2017 1:45 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017060402
Тема| Балет, XXI Международный фестиваль балетного искусства имени Рудольфа Нуреева (Уфа)
Автор| Илюзя КАПКАЕВА. / Фото Лилии ЗАГИРОВОЙ.
Заголовок| Под знаком взмаха журавлиных крыл...
Где опубликовано| © "Вечерняя Уфа"
Дата публикации| 2017-06-02
Ссылка| http://vechufa.ru/culture/10330-pod-znakom-vzmaha-zhuravlinyh-kryl.html
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ



Минувший понедельник в Башкирском государственном театре оперы и балета был посвящен спектаклю челябинцев "Эсмеральда" на музыку Цезаря Пуни (либретто Жюля Перро основано на романе Виктора Гюго "Собор Парижской Богоматери"). Выступление Челябинского государственного академического театра оперы и балета имени Михаила Ивановича Глинки на Нуреевском форуме - это, мне кажется, своего рода знак вежливости, благодарности от БГТОиБ, артисты которого в свое время были приглашены соседями и коллегами по творческому цеху на фестиваль имени народной артистки СССР Екатерины Максимовой, в рамках коего с успехом прошел наш "Бахчисарайский фонтан". Наверное, это то немногое, что я позволю себе сказать о постановке коллектива, балетная труппа которого явно переживает не лучшие времена. Но меня в очередной раз поразила щедрая на аплодисменты уфимская публика, горячо поддержавшая в финале аутсайдеров форума, безусловно, старавшихся, но, к сожалению, в силу разных причин не поднявшихся выше ученического иллюстрирования текста хореографической "партитуры" Мариуса Петипа (постановка и новая хореографическая редакция - заслуженный артист РФ Юрий Бурлака).
На их фоне, конечно, невероятно контрастно смотрелась уфимская "Баядерка" на музыку Людвига Минкуса в постановке заслуженного артиста России и народного артиста РБ Шамиля Терегулова, продемонстрировавшая все возможности нашей труппы. Партию Никии в этом спектакле исполнила солистка Большого театра России, лауреат Международных конкурсов Дарья Хохлова, пушинкой смотревшаяся в руках уфимского Солора - заслуженного артиста Башкортостана Рустама Исхакова. И особых аплодисментов зала был удостоен наш гость из Национального театра Словакии, лауреат Международных конкурсов Артемий Пыжов, представший перед зрителями в образе Золотого Божка.

В финале зал неистовствовал, долго не отпуская участников спектакля.

...А среда была отмечена тем, что со временем назовут, быть может, одним из самых значимых событий XXI Международного фестиваля балетного искусства имени Рудольфа Нуреева. Речь об открытии надгробного памятника народной артистке СССР Зайтуне Насретдиновой, чья Зайтунгуль из балета Льва Степанова "Журавлиная песнь" некогда восхитила маленького Рудика Нуреева, оставшись в его памяти на всю жизнь.

Прах той, чья слава вырвалась за пределы Башкирии; балерины, отмеченной вослед Галине Улановой и Ольге Лепешинской званием народной артистки Советского Союза (она третьей в нашей стране была удостоена его), покоился под более чем скромной плачевного вида железной пирамидкой. О Зайтуне Агзамовне, лауреате Национальной театральной премии "Золотая Маска" в номинации "За честь и достоинство", в этом смысле как будто все забыли. И лишь балетные, лишь ее поклонники и друзья продолжали обивать высокие пороги, в том числе и порог дирекции БГТОиБ. И вот осенью прошлого года автор книги "Гран-па башкирского балета" журналист Нина Александровна Жиленко, прийдя к новому генеральному директору театра Ильмару Альмухаметову, положила ему на стол фотографию, сделанную на Южном кладбище. Тот глянул, ужаснулся и...

Дизайн будущего памятника разработали художники БГТОиБ, за основу взяв взмах журавлиных крыл, что, безусловно, символично (напомню, нынешний Нуреевский и открывался спектаклем "Журавлиная песнь"). Сыграл свою роль и рассказ очевидцев, видевших печальный клин, пролетевший в небе над кладбищем в час погребения худенького тела первой Зайтунгуль осенью 2009-го... Потому-то и звучала на церемонии открытия основная тема балета "Журавлиная песнь" (а это башкирская народная "Сын,рау торна", исполненная кураистом Ильнуром Хайруллиным (Башкирская государственная филармония). От тонкого полотна освободили "крылья" балерины Насретдиновой нынешние исполнители главных партий в этом спектакле Гульсина Мавлюкасова и Ильдар Маняпов. Не могла справиться со слезами художественный руководитель балетной труппы БГТОиБ Леонора Куватова, которую Ильмар Разинович попросил сказать несколько слов. Положила на плиту букет белых роз и отошла, уступив место другим..

Время спустя здесь разобьют небольшой цветник, завершат работы по оформлению мемориала. А пока на широкую гранитную плиту одна за другой ложились алые гвоздики, карминно-красные бутоны роз, почти полностью закрывшие подножие...

В завершение добавлю лишь, что все расходы (около трехсот тысяч рублей) театр взял на себя. В эту сумму внесла лепту и врач Галина Фаршатова, которая сочла своим долгом поддержать столь благое для всех нас дело.

В церемонии помимо руководства, сотрудников театра и представителей балетной труппы приняли участие ветераны сцены, журналисты, родственники Зайтуны Агзамовны, поклонники ее таланта. К ним примкнул и гость нашего фестиваля из Великобритании Грэм Уоттс, балетный критик, занимающийся в том числе и исследованием жизни и творчества Рудольфа Нуреева. Именно поэтому, сказал он, ему важно побывать на открытии памятника балерине, чей талант некогда произвел ошеломляющее впечатление на Великого Руди...
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18387
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Июн 05, 2017 12:29 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017060501
Тема| Балет, Дягилевский фестиваль, Персоналии, Диана Вишнева, Наталья Осипова, Теодор Курентзис, Владимир Варнава, Алексей Мирошниченко, Вячеслав Самодуров
Автор| Наталия Звенигородская
Заголовок| Лидеры российского балета в триптихе Стравинского
Дягилевский фестиваль завершился спектаклем с участием Дианы Вишневой и Натальи Осиповой

Где опубликовано| © Независимая газета
Дата публикации| 2017-06-05
Ссылка| http://www.ng.ru/culture/2017-06-05/6_7002_balet.html
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ


Строгая композиция «Жар-птицы». Фото предоставлено пресс-службой фестиваля

Дягилевский фестиваль в Перми финишировал балетной премьерой. Даже целыми тремя. В полном соответствии с концепцией фестиваля, стремящегося так или иначе развивать или как минимум прослеживать традицию «Русских сезонов» в современности, в программу заключительного вечера вошли три одноактных балета Игоря Стравинского в хореографии трех активно действующих российских балетмейстеров. Задумка худрука Пермского балета Алексея Мирошниченко повернуть время вспять (в своей «Жар-птице» он проводит зрителя через эпохи из наших дней к Михаилу Фокину), очевидно, определила и структуру спектакля в целом.

«Балеты Стравинского» выстроены в обратной хронологии. В первом акте идет «Поцелуй феи», чья мировая премьера состоялась в 1928 году (Бронислава Нижинская сочинила его не для антрепризы Сергея Дягилева, а для труппы «Балет Иды Рубинштейн»). Второе и третье отделения отданы «дягилевским» балетам – впервые увидевшим свет в хореографии Михаила Фокина «Петрушке» (1911) и «Жар-птице» (1910).

Аллегорический балет «Поцелуй феи», навеянный музыкой Чайковского и ему же посвященный, Стравинский написал по сказке Андерсена «Ледяная дева». Сам сочинил и либретто, в котором «злобная Фея» уводит героя от свадебного стола «в царство вечных снегов», где «вдали от жизни и людей» он навечно обречен быть ее спутником. Приглашенный поставить свою версию балета Вячеслав Самодуров увидел коллизию иначе. Он размышляет о столкновении дольнего и горнего, а в прикладном смысле – о возможностях сценического соединения story и абстракции. В композиции новых материков не открывает, в первых двух картинах рассказав сюжет, а две последние отдав чистому танцу. Но и в сюжетной части несоединимость обыденного (веселящаяся у мельницы молодежь, бедовая невеста) и идеального (к чему неодолимо влечет героя) передает именно языком танца. Причем Самодуров не противопоставляет по старинке народно-характерный – классическому, а находит в сцене деревенского праздника оригинальный рисунок танца, не относящегося ни к какой реальной нации, но рождающего ощущение отчужденности, непринадлежности Юноши этому миру. В интерпретации Самодурова поцелуй Феи (не злобной, а заботливой и прозорливой) не сковывает льдом, а открывает перед Юношей путь в мир высших ценностей, в мир творчества, напоминающий Парнас из балета Джорджа Баланчина «Аполлон Мусагет».

В премьерный вечер (собственно, на закрытие Дягилевского фестиваля) ведущие партии исполнила первая пара Пермского балета Никита Четвериков (Юноша) и Инна Билаш (Фея). Привыкшие, очевидно, к ролям записного балетного принца и примы, артисты лишили героев индивидуальности, «зажевав» к тому же и половину хореографического текста. Спектакль показался невнятным и рыхлым. Однако на следующий вечер, когда фестивальные фанфары отгремели и свою премьеру исполнил второй состав (Артем Мишаков и Александра Суродеева), показалось, что на сцене вообще другой балет. Ясный, слаженный, динамичный. С ярко очерченными характерами и выразительной, богато интонированной «речью».


На два вечера приехала в Пермь Диана Вишнева, чтобы выступить в партии Петрушки. Оригинальную версию легендарного балета заказали Владимиру Варнаве. Назвав свой спектакль «Исповедь/Чертова клоунада», постановщик то ли декларативно освободился от жестких жанровых рамок, то ли выдал не слишком глубокую осведомленность в каких-либо законах жанра, то ли и то и другое, что давно уже не криминал. Как будто бы балаган, как будто бы цирк. То ли «Вечерний Варнава», то ли «Реальные пацаны». Площадной юмор кукольных петрушечных представлений, и тут же плащ киношного супермена на Силаче (аватар Арапа), кабаретные перья на Диве (в оригинале – Балерина), Хеллоуин-тыква, вместо медведя – панда. В общем, публике понравилось. Тем более что смена красок и костюмов не без успеха отвлекала от того, что действие то и дело зависало и музыка заполнялась бессмысленным мельтешением.

Выбор Дианы Вишневой на роль Петрушки – ход, конечно, беспроигрышный. Даже при том, что никакого развития образа постановщик артистке не предложил, можно положиться на ее мастерство, артистизм и не раз уже продемонстрированное умение быть трогательной, но отважной, скорее грустным Пьеро, чем ортодоксальным Петрушкой.

Второй звездной сенсацией проекта стала Наталья Осипова, на один вечер прилетевшая в Пермь, чтобы станцевать «Жар-птицу». Праздничности атмосфере ее визит добавил, но спектакль не спас. Как и эпиграф, позаимствованный Алексеем Мирошниченко из одной из культовых работ Владимира Проппа «Исторические корни волшебной сказки». Идею «изучения генезиса явления», «выяснения источников волшебной сказки в исторической действительности» современный хореограф реализовал легко. Позаимствовав чисто внешние, поверхностные, узнаваемые (и это импонировало просвещенной публике) черты (чаще костюмы, аксессуары или мизансцены, чем, собственно, особенности пластического языка) у десятка гениев мировой хореографии от Уильяма Форсайта и Охада Наарина через Пину Бауш, Мориса Бежара, Джорджа Баланчина, Марту Грэм, Брониславу Нижинскую и, кажется, даже синеблузников – к Михаилу Фокину. Ничем не связанную череду эпизодов увенчали скрепы в виде спустившихся с колосников куполов-маковок.

Уводя зрителя из современности в вековую глубь балетной истории, постановщик «Жар-птицы» невольно отвел солистке забавно двусмысленную роль. Появившись впервые в шапочке и пышном замысловатом платье с перьями и блестками, Осипова затем выходила в мини-юбке из шнуров, уже без юбки, но все еще в блестках, в трико и без шапочки, в цельном, а в конце концов и в раздельном купальнике. Зал следил напряженно. Как в отрывном календаре, сменяя слой за слоем (видимо, в поисках генезиса) танцевальные эпохи, Мирошниченко и Жар-птицу заставил разоблачиться.

Нельзя сказать, чтобы триптих, созданный к 135-летию Игоря Стравинского «разоблачил» тройку лидеров российского современного балетного театра. Каждый показал, в чем слаб и в чем силен.

Пермь–Москва
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18387
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Июн 05, 2017 12:56 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017060502
Тема| Балет, БТ, Приз «Бенуа де ла данс»
Автор| Анна Галайда
Заголовок| В Большом театре отметили 25-летие фестиваля «Бенуа де ла данс»
Дуэт Матса Эка и Аны Лагуны символизировал его четвертьвековую историю

Где опубликовано| © Ведомости
Дата публикации| 2017-06-05
Ссылка| https://www.vedomosti.ru/lifestyle/articles/2017/06/05/693011-25-letie-festivalya-benua
Аннотация|


Ана Лагуна и Матс Эк пока передумали покидать сцену
М. ЛОГВИНОВ


Фестиваль с непереводимым на русский язык названием за четверть века прошел извилистый путь. Его впервые провели в 1992 г., когда интерес к балету в России умирал и в зрительном зале Большого театра почти перестала звучать родная речь. Тогда Юрий Григорович, в то время все еще главный балетмейстер страны, показал в Москве фрагменты нового балета Ноймайера, старого Бурнонвиля и Баланчина в исполнении полных сил Алессандры Ферри, Хулио Бокки и Александра Кельпина, а также презентовал новую приму Надежду Грачеву, которая и стала первой балериной – победительницей «Бенуа». Тогда это решение вызвало бурю негодования, и претензии к ритуалу выбора лауреатов за 25 лет не изменились. Но другие международные балетные награды то с более, то с менее прозрачными условиями вручения возникали и пропадали, а «Бенуа» выжил. Статуэтка работы Игоря Устинова с танцующей парой есть практически у каждого, кто за четверть века оставил какой-то след в хореографии, а два ежегодных гала-концерта «Бенуа» продолжают оставаться для московских балетоманов, снова многочисленных, одним из немногих окон в мир.

Юбилейные гала-концерты (первый – номинантов и свежеиспеченных лауреатов текущего года, второй – победителей разных лет) вышли далеко не самыми яркими, хотя прошлый год в балетном мире был насыщенным. Тем не менее нынешний «Бенуа» запомнится премьерой номера Юрия Посохова (хореографа – победителя прошлого года) Toi Moi – фестиваль гордится этим эксклюзивным приношением постановщика. Останется в памяти столкновение двух хрестоматийных «балконных» адажио из «Ромео и Джульетты» – изобилующее эффектными поддержками Макмиллана и психологически нюансированное Нуреева, которые представили Мария Ричетто и Густаво Карвальо из Национального балета Уругвая (как бы иначе мы вообще услышали о существовании этой труппы!) и французы Леонор Болак и Уго Маршан. В дуэте с Маршаном другая парижская этуаль – Мари-Аньес Жилло – как всегда значительно представила фрагмент из «Знаков» Каролин Карлсон, которым подходят мощь этой балерины в сочетании с безупречной точностью. Дрю Джейкоби и Мэтт Фоли привезли адажио из «Дидоны и Энея» в версии Сиди Ларби Шеркауи, которую он поставил в своем Национальном балете Фландрии, – и эта тягучая, медленная, мучительная битва главных героев заставила мечтать о том, чтобы увидеть полную версию этого спектакля.
Но эмоциональным пиком юбилейного «Бенуа» стало выступление Матса Эка и его многолетней музы Аны Лагуны. Счастьем было уже то, что их решение о прощании со сценой получило обратный ход. Мини-балет «Память» показал, что их существование на сцене без всяких трюков и ухищрений и есть танец в самом высшем, рафинированном смысле. Она долго неотрывно смотрит ему в глаза, он нежно касается ее плеча, скидывает с него седую косу – и им не надо ни верхних поддержек, ни низких рыбок, чтобы возникло ощущение тихой радости после непростых испытаний.

------------------------------------------------------
Победители
Лучшими танцовщиками этого года выбрали премьера Большого театра Дениса Родькина и этуаль Парижской оперы Уго Маршана, балеринами – еще одну парижскую звезду – Людмилу Пальеро, которая на церемонию не приехала, и уругвайскую танцовщицу Марию Ричетто, хореографом – канадку Кристал Пайт, которая за последние годы завоевала главные балетные сцены. За жизнь в искусстве награждена бразильянка Марсия Хайде, первая Татьяна в «Онегине» Крэнко и Маргарита в «Даме с камелиями» Ноймайера.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пн Июл 17, 2017 4:04 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18387
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Июн 05, 2017 9:48 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017060503
Тема| Балет, "Балет Москва", Премьера, Персоналии,
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| Физиологизм вытеснил феминизм
«Крейцерова соната» в «Балете Москва»

Где опубликовано| © Газета "Коммерсантъ" №98, стр. 11
Дата публикации| 2017-06-05
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/3317311
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Фото: Юрий Мартьянов / Коммерсантъ

В Центре имени Мейерхольда состоялась мировая премьера одноактного балета "Крейцерова соната": для труппы "Балет Москва" его поставил канадец Роберт Бинет на музыку Гити Разас в живом исполнении ансамбля AlterEgo. Повесть Льва Толстого глазами иностранцев увидела Татьяна Кузнецова.


25-летний Роберт Бинет прочитал "Крейцерову сонату" Толстого в 16 лет, после того как пленился одноименным квартетом Леоша Яначека, и с тех пор мечтал ее поставить на сцене. Талантливого канадца, сочинявшего хореографию с детских лет, пестовали всем балетным миром: худрук Национального балета Канады Карен Кейн отправила его в Гамбург на стажировку к Джону Ноймайеру, полтора года он состоял ассистентом Уэйна Макгрегора в лондонском "Ковент-Гардене" — и оба маститых автора доверили ему самостоятельные постановки. Руководитель "Балета Москва" Елена Тупысева перехватила юношу между очередными проектами и уговорила осуществить подростковую мечту в России. Перед премьерой пронесся слух о сенсационно феминистском прочтении Толстого — хореограф вроде бы собирался дать главное слово убиенной жене героя (благо все его соавторы — либреттистка Бритта Джонсон, художница по костюмам Хаэми Шин и композитор Гити Разас — женщины).

Феминизм не прошел: как ни старался Роберт Бинет, стержнем его балета остался Василий Позднышев (названный просто Мужем) — во многом благодаря страстному и виртуозному Эдуарду Ахметшину, в исполнении которого герой выглядит диковинной смесью униженного Хозе с неистовым Тамерланом. Обе эти ипостаси в балете вполне уместны, поскольку толстовскую "Крейцерову сонату" хореограф и его дамы прочитали по-своему. У них получилась мелодрама, достойная телеканала "Домашний". Скрипачка (Евгения Гончарова) забрасывает карьеру и выходит замуж, потому что забеременела (даже в первом, благостном дуэте нет ни оттенка любовного влечения). Выкидыш ввергает ее в депрессию, которую лишь усугубляет нежность супруга. Знакомство с Музыкантом (От Клеманн) и совместное музицирование (в балете — танцевание, в котором опять-таки ни намека на сексуальность) дает шанс на духовное возрождение, но ревность Мужа (не такая уж необоснованная, учитывая брезгливую холодность Жены) прерывает ее жизнь.

Несмотря на скромные артистические силы "Балета Москва", с хореографической частью балета Роберт Бинет справился прилично: в его вполне классических дуэтах нет очевидных заимствований, они развиваются логично, актерские переживания органично вплетены в комбинации балетных па. Хуже получается с массовыми сценами — и без того немногочисленный кордебалет хореограф поделил на гостей семьи (в других сценах эти же четыре пары изображают нечто метафорическое вроде душевного мрака, окутывающего супругов) и "внутренний голос" героини — в виде двух солисток с партнерами, необходимыми для поддержек. Иногда все они перемешиваются, как в эпизоде публичного выступления Музыканта и Жены (композитор тут щедро цитирует Бетховена), и тогда разобрать, кто есть кто, можно только по костюмам.

В отличие от запутанной композиции массовых сцен, режиссура Роберта Бинета слишком прямолинейна. Особо наивен эпизод со стаканом воды: Муж раз пять предлагает его Жене, обессиленной выкидышем,— та не берет, а из рук Музыканта — с первого раза. Костюмы, к слову, хореографии не помогают, они откровенно невыигрышны: трикотажные водолазки и плотные расклешенные юбки до колен у женщин, черные бесформенные майки "темных сил", мужские рубашки и брюки, будто купленные в ближайшем универмаге; и совсем уж комичны белые семейные трусы, в которых герой пытается склонить полностью одетую Жену к исполнению супружеских обязанностей.

Свою порцию коварства добавляет выбранная для премьеры площадка — в камерном Центре Мейерхольда зрители сидят практически на сцене. Для contemporary dance это преимущество, но для классического танца — подножка: не отделенный от зрителей рампой и оркестровой ямой физиологизм балета (все эти перетруженные балеринские икры, вывороченные стопы, мышечное напряжение поддержек) вступает в борьбу с его образной стороной. В случае с балетной "Крейцеровой сонатой" физиологизм побеждает.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пн Июл 17, 2017 4:06 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18387
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Июн 05, 2017 7:12 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017060504
Тема| Балет, Нуриевский фестиваль, Татарский театр оперы и балета
Автор| Улькяр Алиева
Заголовок| Балетное приношение
Где опубликовано| © Belcanto.ru
Дата публикации| 2017-06-04
Ссылка| http://www.belcanto.ru/17060401.html
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ


"Вальпургиева ночь. Кристина Андреева, Михаил Лобухин"

Замечательным Гала-концертом завершился ХХХ казанский балетный фестиваль им. Рудольфа Нуриева

Балетным приношением памяти великого танцовщика Рудольфа Нуриева, чьё имя с гордостью носит Международный балетный форум в Казани, стал Гала-концерт юбилейного, тридцатого по счёту фестиваля.

На сцене Татарского театра оперы и балета им. М. Джалиля состоялся на редкость душевный праздник, во время которого овации зала были искренними, а программа — интересной. И даже официальная часть, порученная постановщику завершающего фестиваль концерта Андрису Лиепе, была лишена всякой формальности. Под слайд-шоу с фотографиями Рудольфа Нуриева и отрывками из его блистательных выступлений, А. Лиепа вёл публику подобно радушному хозяину, чередуя заранее подготовленный текст с чистой импровизацией, делясь своими воспоминаниями от встречи с великим танцовщиком.

Исходная палитра Гала-концерта, представленная по стилевому разнообразию, позволила познакомить казанскую публику и гостей фестиваля не только с классикой, но и с кругом исканий молодых современных хореографов.


Жизель - Доротея Жильбер, Альберт - Иштван Саймон

В рамках «классической» части концертного вечера вновь очаровал дуэт Доротеи Жильбер (Grand Opera) и Иштвана Саймона (Semperoper). Удивительная мягкая пластика французской этуали и умное исполнение, после которого говорят парадоксальную, но ёмкую фразу: «Сама танцует, а тело думает».


Лебединое озеро. Одиллия - Екатерина Борченко, Зигфрид - Ксандер Париш

В блестящем Pas de deux из «Чёрного акта» балета «Лебединое озеро» Екатерина Борченко (Михайловский театр) запомнилась каскадом балетных фигур (особенно эффектно выглядели выходы в арабеск с хлёстким и чётким выпрямлением свободной ноги), а её партнёр Ксандер Париш (Мариинский театр) приятно поразил «зависающими» прыжками в сольной вариации.


Дон Кихот. Китри - Иоланда Корреа, Базиль - Осиэль Гунео

Иоланда Корреа (Норвежский национальный балет) и Осиэль Гунео (Национальный театр Мюнхена) повторили Гран-па из балета «Дон Кихот». И, наблюдая за хорошим апломбом кубинской балерины, всё же отметим класс Е. Борченко, которая на «пятачке» открутила тройные смерчевые обороты в фуэте, тогда как опорная нога И. Корреа плавно C-образно скользила по сцене, словно в замедленной съёмке.


Лауренсия. Михаил Тимаев, Аманда Гомес

Солистка казанской балетной сцены Аманда Гомес, покорившая автора этих строк своей «гнучестью» и запредельным шагом в си-минорной Мессе (в постановке В. Васильева), на сей раз проигрывала в плане техники своему постоянному партнёру по сцене Михаилу Тимаеву в Pas de deux из «Свадебного акта» балета «Лауренсия».


Кармен-сюита. Екатерина Кондаурова, Ксандер Париш

Екатерина Кондаурова — Кармен, принимая чувственные позы, пыталась соблазнить мучающегося противоречивыми чувствами Хозе и по совместительству своего коллегу по Мариинской сцене К. Париша в «Кармен-сюите». А балетная труппа Татарского театра оперы и балета с солирующим дуэтом — Кристиной Андреевой и Михаилом Лобухиным — погрузила в финале в буйство красок и страстей сцены «Вальпургиева ночь» в постановке Л. Лавровского.

Исполнительских удач на Гала-концерте фестиваля было много и всё же отдельной строкой хотелось бы выделить солиста казанского театра Коя Окаву, который не только удивил своими силовыми поддержками довольно рослой (по сравнению с японским исполнителем) К. Андреевой, но и в паре со своей постоянной партнёршей Мидори Тэрада покорил своими высокими, словно невесомыми, прыжками в Pas de deux Дианы и Актеона из балета «Эсмеральда».


Путь Харона - Мидори Тэрада, Коя Окава

Японская пара великолепно (как в хореографии, так и в плане образного воплощения) проявила себя и в постановке Константина Кейхеля «Путь Харона» на музыку Г. Ф. Генделя. Молодой российский хореограф явно тяготеет к стилистике Марты Грэм, и это нашло отражение как в выборе тематике (излюбленная древнегреческая мифологическая основа), так и в хореографии («каскад» изобретательных комбинаций, в которых каждое движение — самовыражение состояния души героев). В образной концепции К. Кейхеля «Путь Харона» — это путь одиночки, даже если женщина отчаянно цепляется за шанс остаться с ним.

На Гала-концерте ХХХ Нуриевского балетного фестиваля были представлены и мировые премьеры — три новые композиции Александра Могилёва, Лукаса Лима де Андрада и Дениса Вегиния.

Российский хореограф Александр Могилёв обозначил свою композицию на музыку знаменитого «Болеро» М. Равеля как «Человек». Если отбросить недосказанный контекст в названии, к которому так тяготеют современные хореографы, то могилёвский «Болеро» — довольно интересный номер в плане пластической выразительности. Его концепция — не в новомодном противопоставлении Мужчины и Женщины или Добра и Зла (автор этих строк не может понять, как можно вводить противоречивые полиобразы в равелевский монотематизм), а в близкой к бежаровской стилистике: на первый план выдвигается сам болеро и красота его танца, каждый жест ложится на характерный пульсирующий ритмический рисунок.


Человек. Александр Могилев

В центре композиции – сам герой, ведущий основную линию танца. Свобода движений главного персонажа, огибаемого кордебалетной аркой, производит впечатление импровизации. Основой пластической речи композиции становится развёртывание коротких лексических фраз, органично сливающихся в общую вязь испанского причудливого мелоса, постепенно раскрывающих магнетическую силу, заложенную в многоступенном crescendo, вплоть до экстатического кульминационного упоения танцем. И когда кульминационная волна в финале разрушается, на её гребне, на вытянутых руках кордебалета, на мгновение застывает фигура самого Человека — Человека сильного в своём стремлении и Человека слишком уязвимого, когда он лишается своего внутреннего стержня. И как итог — герой срывается вниз вместе с «рассыпающимся», словно карточный домик, кордебалетом.


Livets dans. Иоланда Корреа

Исполнительское искусство примы-балерины Норвежского национального балета Иоланды Корреа в сольном номере, подготовленном Лукасом Лима де Андрада, было на высоте, но сама хореография оставляет вопросы. Несмотря на громкое название по знаменитой картине норвежского художника-экспрессиониста Эдварда Мунка «Livets danc», сама смысловая символика «Танца жизни» просматривалась весьма туманно. Зрители с удовольствием наблюдали за чёткими линиями хореографического рисунка И. Корреа на фоне белого экрана под не менее экспрессионистическую музыку Д. Хильшвельдера, но так и не поняли, какую мысль в столь тщательно вычерченной хореографии постановщик хотел донести.


Всё не так. Михаил Лобухин

Одним из самых интересных номеров Гала-концерта по силе эмоционального воздействия стала композиция Морихиро Иваты на музыку песни В. Высоцкого «Всё не так» в великолепном исполнении премьера Большого театра России Михаила Лобухина (танцовщик словно растворялся в музыкальной и вербальной стихиях). Композиция «русского» японца (бывшего солиста Большого театра) – по существу это мини-спектакль, где язык жестов гармонично и органично сливается в единое целое со стихами. И просто удивительно как М. Ивата, с помощью хореолексики смог не только передать смысл каждой строчки песни и его подстрочник (образно-смысловую «матрицу»), но так интонационно точно, с помощью жестовой пластики передать мятежную, истерзанную душу русского поэта.


Треуголка - Серхио Берналь

Солист Национального балета Испании Серхио Берналь поразил своей фантастической пластикой в хореографической композиции Рикардо Куэ на музыку К. Сен-Санса «Лебедь» (своего рода хореографический интертекст, инвариант фокинского «Лебедя»). А также покорил своим фламенко в хореографии Антонио Руиса Солеры, удерживая восторженное внимание публики на кончиках своих пальцев, разворачивающихся «веером» в то время как каблуки-сапатеадо выстукивали характерный ритм знаменитой «Треуголки» М. де Фальи. Тело танцовщика на протяжении всего вечера периодически «выгибалось» то в грации печального лебедя, то в самоуверенного хищника-тореадора, а сам С. Берналь то и дело бросал в зрительный зал не менее выразительные взгляды исподлобья: взгляд-вызов, взгляд-приворот.


Шмель - Денис Вегиний

Номер Дениса Вегиния, поставленный на музыку знаменитого «Полёта шмеля» Н. А. Римского-Корсакова в исполнении автора, оказался забавным кунштюком. На фоне фотоинсталляции поляны, солист, одетый в полосатый костюм, энергично потряхивал кистями и ногами, имитируя и пародируя жужжание шмеля, усевшегося на цветок, чтобы в финале сытно осесть (точнее, развалиться) на сцене.

Денис Вегиний совместно со своим коллегой по Semperoper — Иштваном Саймоном исполнил хореографию Крейга Дэвидсона «Концерт для двоих» И. С. Баха. Австралийский хореограф, сотрудничающий с дрезденским театром, представил сразу две композиции, передающие саму красоту танца не без деконструктивных форсайтовских «вкраплений».


Reminiscense. Доротея Жильбер, Иштван Саймон

В стиле необарокко под музыку Баха хореограф создавал атмосферу галантного века и не менее изысканного танца. В стиле неоромантизма была решена музыкально-хореографическая композиция «Reminiscence» (Воспоминание) — в ней Иштван Саймон и Доротея Жильбер буквально растворялись в море хореографической нежности и щемящей музыкально-ностальгической тоски.

Любой юбилей надо справлять так, чтобы виновнику торжества было приятно. Что любил выдающийся танцовщик ХХ века Рудольф Нуриев? Балет и восторженные овации благодарной публики. И того, и другого на Гала-концерте юбилейного ХХХ Международного балетного фестиваля имени Рудольфа Нуриева на сцене Татарского театра оперы и балета оказалось в избытке.

Последний аккорд вечера — букет алых роз, возложенный А. Лиепой к портрету Рудольфа Нуриева. Красивый жест после столь эффектного выступления молодых и талантливых исполнителей. Великий танцовщик, несомненно, оценил бы это балетное приношение.

Фотографии предоставлены пресс-службой театра
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18387
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Июн 05, 2017 8:44 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017060504
Тема| Балет, Михайловский театр, Премьера, Персоналии, Михаил Мессерер
Автор| Елена Петрова
Заголовок| Когда вернётся «Золушка»? Чем ценен балет советской эпохи
За восстановление «Золушки» взялся главный балетмейстер Михайловского театра Михаил Мессерер

Где опубликовано| © «АиФ-Петербург»
Дата публикации| 2017-06-05
Ссылка| http://www.spb.aif.ru/culture/person/kogda_vernyotsya_zolushka_chem_cenen_balet_sovetskoy_epohi
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


cайт Михайловского театра

Елена Петрова, «АиФ-Петербург»: - Михаил Григорьевич, какую «Золушку» вы возрождаете – Кировского или Большого театра?

Михаил Мессерер: - Мы взвесили все «за» и «против» и приняли решение о «Золушке» в постановке Ростислава Захарова. Именно в его хореографии этот балет Прокофьева впервые появился на сцене, и было это в Большом театре в 1945 году, где он затем шёл много лет.

- Вы ведь уже вернули в Михайловский театр такие спектакли советской эпохи, как «Пламя Парижа», «Лауренсия», «Класс-концерт». Почему вам кажется важным это делать?

- Я далеко не единственный, кто видит в тех спектаклях ценность. Если ещё можно восстановить, то нужно это сделать, пока живы люди, которые помнят, в том числе – ваш покорный слуга. А по «Золушке» в 1960 году был снят фильм «Хрустальный башмачок» с примой Большого театра Раисой Стручковой в главной партии. Картина стала для меня подспорьем.

Конечно, кое-что я был вынужден отредактировать, у нас не такая сцена, как в Большом, сейчас другие технологии смены декораций, и мы постарались учесть интересы зрителей сегодняшнего дня.

- Молодые исполнители проявляют энтузиазм, разучивая старый балет?

- Очень большой! Это спектакль, в котором требуется понимание стиля, умение игры в образе. Актерские задачи я ставлю во всех своих спектаклях, а за «Золушку» мы взялись ещё и потому, что в труппе есть великолепные исполнители, способные воплотить эту роль. Её репетируют Анжелина Воронцова, Анастасия Соболева, Элла Перссон, Анна Кулигина, Сабина Яппарова…

- Много времени понадобилось для восстановления балета?

- Мы всегда работаем в сжатые сроки. Возможно, коллеги-профессионалы даже не поверят, но, например, «Дон Кихот» сделали за две недели. В данном случае удобно, что я главный балетмейстер театра и могу варьировать: прибавлять, сокращать репетиции, менять расписание в зависимости от усталости артистов. Таким образом, ухитряемся укладываться в короткое время, не отменяя ни одного спектакля, а у нас идёт четыре-пять балетов в неделю.

Мы ведь театр городского подчинения, финансирование в разы меньше, чем у ближайших конкурентов – Мариинского и Большого театров, с которыми нас, что приятно, сравнивают.

Зачем прыгать под потолок?

- В мае исполняется восемь лет, как вы стали главным балетмейстером Михайловского театра. Приступая к работе, имели конкретный план действий?


- Я приступил совершенно случайно. Руководитель театра Владимир Кехман попросил поставить версию «Лебединого озера», которая некогда шла в Москве, и я думал, что на этом моя деятельность закончится. Когда пригласили возглавить труппу, особенно ничего не планировал, но своей задачей как педагога считал, и считаю сейчас, повышение уровня танцовщиков, и предоставление им материала, благодаря которому они имеют возможность развиваться.

- И, всё-таки, получилось, что вы выстроили собственную линию на возрождение балетов разных эпох?

- Да, я подумал о том, что есть такая возможность, благодаря тому, что сам ещё многое помню. Я всё-таки специалист классического танца и решил приложить усилия в этом направлении. И мне кажется, это было правильное решение, что подтверждают наши успехи в России и за рубежом. Вот в Англии, где уж такие требовательные критики, Михайловскому театру присудили премию лучшей труппы, виденной в Лондоне, а там видели всё.

- Выпускники Академии имени Вагановой исторически ориентированы на работу в Мариинском театре, как же пополняете труппу вы?

- В последние несколько лет очень хорошие ребята из Академии приходят и к нам. Например, Виктор Лебедев, классический танцовщик экстра-класса, сейчас в мире таких - считанные единицы. Недавно Виктор был награждён в Москве призом «Душа танца». К нам приходят и выпускники Московского училища. Собираем артистов со всего мира, из других школ России и бывшего Советского Союза. У нас есть артисты из Новосибирска, Перми, Уфы, Киева, несколько американцев, шведка, японка, словачка, новозеландка. В новом сезоне планирую взять ещё ряд танцовщиков из Европы. Считаю одной из основных задач, чтобы, придя к нам, артисты были соединены в едином стиле.

- На репетициях вы ведь сами показываете все движения, насколько устаёте?

- Не обязательно самому прыгать под потолок, и даже лучше не надо. Необходимо «обозначить» так, чтобы артист понял. Для педагога это очень важно, А работа мне в радость, так что – не устаю.

- В чём русский балет продолжает лидировать в мире?

- В исполнении балетов Чайковского, конечно, у русских артистов пока ещё нет соперников. За редким исключением. В современном балете мы отстали, пока у нас классика сильнее. Но я чувствую, что, наверное, скоро будет сильнее современный танец. Не хотелось бы, чтобы это произошло.

- Почему же во многих труппах жалуются, что артисты не умеют танцевать модерн?

- Русские артисты, которые здесь якобы не могут танцевать ту или иную хореографию, приезжая работать на Запад, на следующий же день всё могут.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18387
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Июн 05, 2017 9:28 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017060505
Тема| Балет, Дягилевский фестиваль, Персоналии, Диана Вишнева, Наталья Осипова, Теодор Курентзис, Владимир Варнава, Алексей Мирошниченко, Вячеслав Самодуров
Автор| Виолета Майниеце
Заголовок| Хореографический триумвират
Где опубликовано| © портал "Музыкальные сезоны"
Дата публикации| 2017-06-05
Ссылка| http://musicseasons.org/xoreograficheskij-triumvirat/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Премьера трёх балетов Игоря Стравинского – «Поцелуй феи», «Петрушка», «Жар-птица» – завершала пермский Международный Дягилевский фестиваль – 2017.


фото Антона Завьялова

Авторы интригующего смелого проекта – художественные руководители пермского театра и балета Теодор Курентзис и Алексей Мирошниченко. Балетный триптих они посвятили памяти долголетнего замечательного директора фестиваля Олега Романовича Левенкова. Идея заказать три балета трём разным, хорошо известным и конкурирующим между собой хореографам – Вячеславу Самодурову, Владимиру Варнаве и Алексею Мирошниченко – стало достойным продолжением оригинальных проектов Олега Левенкова. Он бы одобрил такую идею…

Любопытно разложился балетный пасьянс. Самодурову достался «Поцелуй феи». Варнаву (предсказуемо!) «Петрушка» завлёк в мир цирка. «Жар-Птица» заманила Мирошниченко в царство стилизаций и истории танца.

Интерес к проекту ещё подогрело участие в премьерных спектаклях двух именитых балетных прим – Дианы Вишнёвой и Натальи Осиповой. На высоте оказалась и первоклассная пермская труппа, которой приглашённые хореографы посвятили самые добрые слова.

Сочинять новые балеты в сжатые сроки для чужой труппы – рискованно и крайне сложно. Как всегда, не хватало постановочного времени и помещений. Возникали сложности с изготовлением в срок декораций и костюмов, количеством световых репетиций. Порой ситуацию спасал только высочайший профессионализм постановщиков и исполнителей. Кто не рискует, тот не пьёт шампанское. Пермский театр рискнул – и победил! Праздник музыки и танца действительно удался.

У каждого балета Стравинского своя сценическая биография, которая порой мешала, а порой помогала постановщикам.

В отличие от других балетов, «Поцелуй феи» богатую сценическую историю не имеет, не говоря про «казённый вариант». Партитуру Игорю Стравинскому заказала сказочно богатая любительница Ида Рубинштейн для своей труппы. Премьера состоялась в 1928 году на сцене Парижской Оперы. Сама Ида исполняла Фею. Её чары не спасли постановку от забвения, как и хореография знаменитой Брониславы Нижинской. Даже Джорджу Баланчину, знатоку и любителю музыки Стравинского, «Фея» не раскрыла свои тайны, когда он ставил балет в Париже в 1947 году.

В дальнейшем к балету Стравинского постановщики обращались редко и без особого успеха. В России за последние десятилетия строптивую партитуру пытались покорить Н. Касаткина и В. Василёв в своём «Классическом балете» и остроумный шутник А. Ратманский в Мариинском театре. Их постановки не отличались долголетием. В памяти сохранились лишь некоторые исполнители: поцелованный Феей молодой обаятельный Володя Малахов в партии Юноши и двуликая, холодноватая Фея Ульяны Лопаткиной, отбирающая у героя жизнь и взамен дающая бессмертный талант.

В чём же причина весьма скромного успеха постановок даже знаменитых хореографов? В сложности, фрагментарности музыкальной партитуры. Сочинённая по мотивам сказки Андерсена «Ледяная дева», партитура Стравинского представляет собой дивно сверкающую мозаику в честь Чайковского. Композитор использовал, переработал и переосмыслил ряд его произведений, перечисляя их с присущей Стравинскому математической точностью. В музыке балета больше от Чайковского, чем от Стравинского, что подтверждал сам композитор. Он лично сочинил либретто про Фею, спасающую мальчика в снежную бурю. Поцелуй спасительницы дарит ему избранность, отбирая право на человеческое счастье. Второй поцелуй навсегда уводит его в «страну вне времени и пространства».

В партитуре, при желании, можно увидеть эскизы к биографии Чайковского, других творцов, при рождении поцелованных феей – музой. Балет создавался к 35-летию со дня смерти Чайковского, что наложило свой отпечаток на партитуру, сочинённую in memoriam…

Испытывая пиетет перед Стравинским, постановщики покорно следуют за заявленным сюжетом. Буря, весёлые, бездумные народные сценки, а потом – неизменный светлый мир классического танца. И хрестоматийный «вечный покой» одетых в трико танцовщиков. Пока никто не решился нарушить привычные каноны.

Не гнался за оригинальностью и Вячеслав Самодуров, исполнявший Юношу в постановке Ратманского. Драматургия да концепции – не самые сильные стороны его таланта. Он поставил «Фею» в привычной для себя танцевальной манере, не стремясь к новизне и переосмыслению партитуры.

В начале балета героя окружают наивно суетливые чёрные силы. «Дамой в чёрном» предстаёт Фея. Сценически слабо подчёркнут её роковой поцелуй – не зная, что он должен быть, проглядишь! По сцене проплывают тучки да деревца с детских рисунков или полотен примитивистов (художник Энтони Макилуэйн). А Фея гордо разъезжает на высокой металлической конструкции, подчёркивающей, очевидно, её статус. После выезда ветряной мельницы, радостно машущей крыльями, начинаются милые парные народные танцы – галоп да сентиментальный вальс. Юноша, до этого обласканный Феей, находит себе подружку. Все мирно пляшут. Ну, чистая идиллия в духе жанровых голландских картинок! Колоритная, непретенциозная танцевальная сценка – самая образная в балете.

Фея властно обрывает счастье избранника и уводит его в светлый мир безликого «белого балета», где чёрные силы, неизвестно почему, приобретают невинную белизну. Такой ход диктует музыка! Почувствовав амбивалентность чёрного и белого, постановщик не развил эту идею. Хореография сцены насыщена непривычными движениями. Местами «царство вечной красоты» смахивает на класс по освоению неудобных комбинаций, с которыми мастерски справляется пермская труппа.

С колосников свисает светильник в виде опрокинутой пирамиды с семью рядами лампочек. Висит он красоты ради или призван что-то символизировать? Пирамида и цифра 7 – знаковые вещи. Но в парадных танцах под «изломанного Баланчина» мистики или посвящения Юноши в тайны тонкого мира нет.

От воплощения самых драматичных эпизодов партитуры Самодуров почему-то отказался. На сцене ничего не происходит. Просто красиво звучит музыка (дирижёр Андрей Данилов). Этот «технический перерыв» хореографу нужен, чтобы труппа переоделась на финал.

В финале на сцене юноши и девушки в ярких жёлтых купальниках. Что символизирует их пластическое многоголосие, объяснить не берусь. То ли это тела, потерявшие душу, то ли блаженные в райских кущах?..

Постановщик рассказал, что сочинял балет, слушая музыку и прогуливаясь в сквере у театра. Творческие прогулки вдохновили Самодурова на сложную хореографию, лишённую образного начала. Поэтому говорить об актёрских удачах тут не приходится. Хореограф такие задачи исполнителям просто не ставил. Фея на этот раз Самодурова слабо поцеловала. «Поцелуй феи» всегда так коварен!

В иной ситуации оказались постановщики других частей триптиха – «Петрушки» и «Жар-Птицы». Редакции Михаила Фокина всем хорошо известны. А за дирижёрским пультом на премьере стоял сам автор проекта Теодор Курентзис. Увлекаясь оркестром, он мало внимания уделял танцующим, от чего темпы порой были слишком быстрыми и не всегда удобными. Так часто бывает, когда балетом дирижируют яркие, эгоцентричные личности. Сам Курентзис даже поучаствовал в «Петрушке» в образе Создателя (?!): по проходу в зале он вальяжно подошёл к оркестровой яме и, перемахнув через барьер, сорвал вожделенные аплодисменты. А в финале выдрессированный оркестр доигрывал партитуру без дирижёра. Курентзис уже был на сцене. Он подошёл к Петрушке, забрал его клоунский колпак, надел его и гордо удалился в кулисы. Даже обидно, что дирижёр так скромно поучаствовал в этом цирковом балете. В Москве в финале концерта он играл только на большом барабане. В родном театре мог бы оторваться по полной программе, изобразив, скажем, человека-оркестр, волшебника или зазывалу. Не пропадать же в яме такому яркому актёрскому таланту, как у Курентзиса! В балете о цирке всё было допустимо.

Современные хореографы любят превращать классические шедевры в цирк. И именно в цирковое представление превратил «Петрушку» хореограф Владимир Варнава, что для него предсказуемого и органично, в зрелище, очень целостное, продуманное и точное. Балет под названием «Цирк Щелкунчика» в Монте-Карло показал Жан-Кристоф Майо. «Цирк Петрушки» в Перми – работавший в Монте-Карло Владимир Варнава. Многие подсказки хореограф, кажется, нашёл в ранней «цирковой серии» картин и рисунков Пабло Пикассо, в оформленном художником балете Леонида Мясина «Парад», в раннем балете Ролана Пети «Бродящие комедианты». В них броский гротеск и буффонада прикрывают ужасы бытия.

Балетмейстер сознательно отказался от русского национального колорита, столь важного для Александра Бенуа и Михаила Фокина. Вместо подгулявшей масленичной толпы – цирковые обезьяны, поведение которых так напоминает человеческие поступки. А вместо русского медведя появляется китайская дрессированная панда – глобализм он всюду глобализм!

В «Петрушке» Варнава показал трагедию тонкого, ранимого художника в современном бездуховном мире, похожем на феерический цирк. Хрупкую девушку на шаре с картины Пикассо напоминает нервный, изломанный Петрушка Дианы Вишнёвой. Выставленный напоказ для привлечения публики, он стоит на огромном барабане-арене. Разные нелепые, безвольные позы принимает его гибкое тельце. Готовясь к очередному мучительному представлению, он надевает колпачок, прикрывавший причинное место. Партия трогательного вечного неудачника рассчитала и на балерину, и на танцовщика, как «Болеро» Бежара. Гендерная принадлежность сегодня не имеет значения, когда речь идёт о душевных муках. Неуклюжий персонаж (почти по Фрейду) мечтает о любви чудовищно вульгарной Дивы (Евгения Четверикова). Приплывшую золотую рыбку он умоляет исполнить его желание: чтобы его полюбила Дива, услышала, как бьётся его верное сердце. Он мечтает прослыть силачом, рывком поднимая гибкую невесомую бутафорскую штангу.

Но Петрушка – третий лишний в романе Дивы и брутального циркового Силача. В картине «Комната Арапа» следом за Силачом из той же ванны вылезает Дива. (Сейчас для Варнавы ванна – некая «идея фикс». Из ванны также вылезала героиня Екатерины Кондаурова в его недавнем балете «Мечтатели» в Мариинском театре.) За Дивой, словно во французском мюзик-холле, бегут помощники – мужчины с огромными веерами из страусовых перьев в руках. Они то изображают трепещущий хвост Дивы, то распускают его «павлином» вокруг неё. Тут Варнава, сознательно или нет, цитирует знаменитый номер Ролана Пети «Шутка с перьями», поставленный для Зизи Жанмер. Французы ценят шутку, любят цирк. А Варнаву, очевидно, привлекает всё французское.

Пошлой, бездушной парочке уютно вместе. Мешает им только Петрушка с нелепыми претензиями на любовь и духовность. Он – лишний на празднике жизни. Напрасно он разоблачает Силача, срывая с него жилет с поддельными бицепсами культуриста. Дива продолжает видеть в нём крутого мачо. Силач вызывает на бой настырного соперника и нокаутирует его на ринге.

Ещё в начале балета появляется безликий персонаж – Смерть Петрушки. В конце он подменивает героя, распятого на барабане, как на колесе пыток. Погибло тело, но жива душа… Стайкой проплывают золотые рыбки, даже не взглянув в сторону Петрушки. А, быть может, рыбки – намёк на христианское сострадание, живущее в бессмертной душе героя?

Петрушка снова занимает своё место на барабане-арене. Скоро начнётся новое мучительное представление. Со времён премьеры «Петрушки» в 1911 году в мире мало что изменилось. Только вместо старинного балагана на Марсовом поле теперь на сцене – цирк жизни с его чудовищными персонажами.

Поймать и удержать Жар-Птицу, заставить её исполнять все желания попытался хореограф Алексей Мирошниченко. Вместе с Курентзисом оба автора проекта предложили неожиданное прочтение волшебной сказки и партитуры Стравинского. На сцене последовательно оживают картины балетной хрестоматии последнего столетия. Эпохи и стили тут показаны в обратном порядке, начиная с наших дней – постановок Акрама Хана и Сиди Ларби Шеркауи. В разных эпизодах из истории балета участвуют Иван Царевич, Жар-Птица, Кащей Бессмертный, царевны. Имена персонажей абсолютно условны. Постановка лишена последовательной драматургии, волшебной сказочности и, до финала, национального колорита. Вылетев в феерическом костюме из огненных перьев, динамичная, порывистая Жар-Птица (Наталья Осипова) постепенно меняет облик. В пределах одного балета балерина может себя показать в самых разных стилях. В современном балетном купальнике она танцует с Иваном-Царевичем замысловатый дуэт под Уильяма Форсайта, подчёркивая главенство женского начала над мужским.

Жар-Птица – не только волшебный балетный персонаж. Она – символ творческого горения и небесного огня, присутствующих в постановках великих хореографов. Это подчёркивает Мирошниченко, стилизуя или цитируя знаменитые постановки «Весны священной». Из «Весны» Пины Бауш пришли царевны в свободных хитонах, участвующие в эротичных играх. Вместо золотых яблок они играют с красным платьем, примеряя наряд будущей жертвы. Удивительно точно в музыку Стравинского вписаны дикие обрядовые пляски мужчин из первой части «Весны» Мориса Бежара. Есть в постановке легко узнаваемые стилизации под американскую модернистку Марту Греем. Есть удивительно тонкие свободные пластические фантазии, подсказанные хореографу известными рисунками к утраченному балету «Иосиф Прекрасный» Касьяна Голейзовского. Группы оживают подобно окаменевшим сказочным богатырям из версии Фокина.

Венчает балет яркий, фокинский по духу апофеоз. В ослепительно белые роскошные русские наряды, богато расшитые жемчугом, одеты царевны и богатыри. А в центре, подобно солнцу, сияет Жар-Птица в дивном костюме, придуманном для Тамары Карсавиной (художник по костюмам Татьяна Ногинова). Музыкально-хореографическое видение «нового Иерусалима» торжественно завершает балетный триптих и Дягилевский фестиваль.

Постановка Алексея Мирошниченко наглядно доказывает – вся хореография ХХ–ХХI веков вышла из фокинской «Жар-Птицы» и других знаковых шедевров дягилевских «Русских балетов». Их уважают и очень любят в городе Дягилева – Перми.


фото Антона Завьялова

=================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18387
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Июн 05, 2017 10:38 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017060506
Тема| Балет, Ковент-Гарден, Трансляция в кинотеатрах
Автор| Сергей Николаев
Заголовок| Королевскому балету – 70
Где опубликовано| © "Труд"
Дата публикации| 2017-06-05
Ссылка| http://www.trud.ru/article/05-06-2017/1350905_korolevskomu_baletu__70.html
Аннотация|


Сцена из спектакля «Сон в летнюю ночь». Титания - Наталья Осипова, Оберон - Мэтью Голдинг. Фото предоставлено агентством OperaHD


В кинотеатрах покажут спектакли основателя английской балетной школы Фредерика Аштона


Сезон прямых балетных трансляций из лондонской Королевской оперы в год 70-летия Королевского балета Ковент-Гарден завершится 7 июня показом в кинотеатрах России программы из трех спектаклей выдающегося английского хореографа Фредерика Аштона: «Сон», «Симфонические вариации» и «Маргарита и Арман».

Сэр Фредерик Аштон, хореограф-основатель Королевского балета, создал уникальный английский танцевальный стиль, для которого характерны идеально чистые линии, строго выверенное положение плеч и рук, простое, но элегантное изящество движений. Работы Аштона составляют ценнейшую часть наследия Королевского балета.

Откроет вечер одноактный балет «Сон» созданный хореографом по мотивам пьесы Шекспира «Сон в летнюю ночь». Вторым будет показан бессюжетный спектакль «Симфонические вариации», а завершит вечер балетная драма «Маргарита и Арман» по мотивам «Дамы с камелиями» Александра Дюма-сына. Все три постановки очень разные, но их объединяет изысканный стиль Аштона.

«Сон» был поставлен в 1964 году как часть юбилейной программы в честь 400-летия со дня рождения Шекспира. Лtгкая, невесомая музыка Мендельсона органично сочетается с изобретательной хореографией Аштона, воплощая средствами танца знаменитую комедию о проказах лесного духа и волшебном любовном зелье. В партиях Оберона и Титании выступают звезды Королевского балета Акане Такада и Стивен МакРей.

«Симфонические вариации» – это гимн чистой красоте движений, один из первых балетов, поставленных на большой сцене Королевской оперы. Впервые исполненный в 1946 году, спектакль является постоянной частью классического репертуара Королевского балета и считается одной из лучших работ хореографа. Центральные партии исполняют Марианела Нуньес и россиянин Вадим Мунтагиров, с 2014 года носящий звание премьера Королевского балета. Оба этих солиста недавно с блеском выступили в классическом балете «Спящая красавица».

«Маргарита и Арман» – классический пример трагедии об обреченной любви, как и знаменитая опера Верди «Травиата», написанная по тому же литературному первоисточнику. Аштон поставил этот балет в 1963 году специально для звёздной пары Рудольфа Нуреева и Марго Фонтейн, в знак их уникального и долговременного партнерства. Фонтейн вспоминала, что репетиции этого балета кипели «страстью более реальной, чем сама жизнь». Финальное па-де-де, где Маргарита умирает на руках у Армана, принадлежит к числу самых драматических и трогательных сцен среди всего, что создал Аштон. В этом спектакле заглавные партии танцуют прима-балерина Королевского балета Зинаида Яновски и приглашенный солист Роберто Болле.

Прямая трансляция, организованная российским агентством OperaHD, пройдет в кинотеатрах Москвы, Санкт-Петербурга, Екатеринбурга, Казани, Калининграда, Самары, Сургута и подмосковного Реутово.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18387
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июн 06, 2017 9:43 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017060601
Тема| Балет, балетная школа Израильского балета, Персоналии, Нина Гершман
Автор|
Заголовок| Израильский балет и "Пиаф". Интервью с Ниной Гершман
Где опубликовано| © NEWSru.co.il
Дата публикации| 2017-06-05
Ссылка| http://www.newsru.co.il/rest/05jun2017/piaf.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В знаменитой Нине Гершман так явно и одухотворенно запечатлелась профессия, что понятно, почему она была одной из самых ярких солисток Израильского балета за всю его историю. Удостоена многих наград и титулов. Ей требовательная, строгая основательница Израильского балета Берта Ямпольски посвятила спектакль "Ни-На", а недавно Нине Гершман вручили премию министерства абсорбции, премию, которая носит имя Юрия Штерна. Уже три года Нина возглавляет балетную школу Израильского балета. И с декабря 2016 года является художественным руководителем труппы Израильского балета.


Фото: Ирена Ташлицкая

Как вы пришли в этот кабинет, в это кресло?

Да я в кабинете почти не бываю - то уроки, то репетиции. Все шло постепенно: я была заместителем худрука, когда им был Идо Тадмор. Потом была со-руководителем (вместе с Мате Морайи). Момент, когда я стала худруком, совпал для меня с прекрасным событием творческой жизни – я ставила новую редакцию шедевра Мариуса Петипа "Спящая красавица". Этот балет – мечта всей моей жизни. Мое очарование, мой восторг. С того момента, когда я маленькой девочкой увидела по телевизору "Спящую" на сцене Мариинского театра. С Ириной Колпаковой в главной партии...

Вы однофамильцы...

Да, моя девичья фамилия – Колпакова. И это на меня, наверное, тоже повлияло.

"Спящая красавица" - масштабный спектакль, так его задумал Петипа. Как вам удалось соотнести первоисточник с реалиями нашей страны? В чем была ваша главная задача?

-Мы, безусловно, должны считаться с тем, что труппа Израильского балета не велика. И наша публика не приучена смотреть длинные балеты, нет традиции. Да и зрители, в основном - дети. Моей задачей было сделать балет, который длится полтора часа, но при этом не расплескать красоту гениального создания Петипа. Кажется, получился красивый спектакль.

Есть ваша личная линия трактовки образов?

Я всегда не очень понимала спектакли, в которых фею Карабос танцует мужчина. Даже многие знаменитые танцовщики выходили в этой партии. И всегда подчеркивали, что она ужасная, уродливая, чудище такое. А я думаю, что правильнее, когда Карабос танцует балерина, и когда она вполне хороша собой. Ведь она фея, зачем ей пугать своим видом? Я видела фильм-балет, в котором Карабос танцевала Наталья Дудинская, и это было прекрасно, там редакция Константина Сергеева, и в начале, в прологе появляется фея Карабос, силы зла сообщают о себе, а потом появляется фея Сирени, и, понятно, что победа будет за силами добра... Мы в своем спектакле тоже так сделали...

Вы довольны результатом?

Спектакль получился красивый, с очень качественным светом, с прекрасными костюмами. Мне кажется, мы показали, обозначили ту высоту, тот уровень настоящего классического балета, который и требуется, чтобы увлечь, очаровать зрителя, дать ему манящее балетное блюдо. В зале, возможно, сидят такие же девочки, какой была я, когда влюбилась в этот спектакль на всю жизнь…

Есть у меня такой вопрос: а почему вашим кумиром в партии Авроры стала именно Колпакова? Разве Максимова не была лиричнее, одухотвореннее?

Я увидела "Спящую" в шесть лет. И она меня перевернула, заворожила. Ирина Колпаковав была в самом расцвете... А Максимова – она, я думаю, опередила свое время, вообще, сказала новое слово в балете, свое, совершенно особое слово. А если говорить о нашем спектакле, то мне кажется важным продолжить традицию русской балетной школы, Вагановской академии и выводить на сцену учениц, девочек, которые учатся в нашей школе. Они набираются опыта, видят старших товарищей на сцене, глубже вникают в профессию.

Высокая, эталонная классика балета, вся эта совершенно божественная чистота линий – и рядом ваша новая работа – спектакль "PIAF", балет в честь великой француженки, тем более странный, что речь о певице, я бы еще поняла, если бы это был рассказ о Кшесинской, Тальони, Гран, Дункан...

Но именно в этом и заключена сила балета, его магия – танцем можно рассказать обо всем! Пластика, драматургия тела, танец – сильнейшие и универсальные выразительные средства. Мир помнит и любит песни Эдит Пиаф, ее трагичная, яркая, взрывная жизнь всегда представляет неизменный интерес, Пиаф – пример для любого творческого человека, она бесконечна... Пиаф нужна всем, и наша Пиаф танцует.

Как возникла идея, и как шла работа над спектаклем?

Автор идеи, инициатор проекта – знаменитый танцовщик, ми

Автор идеи, инициатор проекта – знаменитый танцовщик, мировой авторитет, в недавнем прошлом худрук Израильского балета Идо Тадмор. Он предложил нам для ежегодного израильского фестиваля искусств "Авив" поставить новый спектакль, посотрудничать с итальянским хореографом Мауро Астольфи. У Астольфи - очень хороший послужной список, он создал в Италии труппу Spell Bound Dance Company ("Очарованный танец"), много и с успехом преподает и ставит. Астольфи сказал, что можно сделать спектакль о Пиаф. Работа была очень трудной, очень интересной. Мауро взял песни Пиаф, соединил их для того, чтобы передать состояние души с музыкой Арво Пярта и Филиппа Гласса. Он уважительно и серьезно работал с нашими артистами. Я как-то наблюдала после репетиции "PIAF", когда ребята должны были быстро перестроиться, репетировать классику – он смотрел на них с огромным интересом, очень одобрительно. Я видела его восхищение. "PIAF" они репетировали в носках – а тут встали на пуанты, и вдруг перенеслись в другой эстетический, эмоциональный мир…

Мы же всегда знаем, что балетные, классические танцовщики могут с успехом танцевать модерн, а артисты, не получившие специальной подготовки, классику: вариации Китри, Солора, Авроры, Дезире станцевать не смогут. Кто же смог воплотить образ Пиаф в балете?

Наша Лена Розенберг! Она очень яркая, интересная танцовщица, талантливая актриса. Ей высота и накал чувств Пиаф оказались близки. Она истинная Пиаф!

Лена удивительно многогранный, очень своеобразный человек, ее интересы не ограничиваются балетом, она неординарно мыслит, такие люди, такие артисты не часто встречаются...

И в спектакле о Пиаф воплотились очень важные и оригинальные черты ее личности...

Как работает Мауро Астольфи?

Его метод, его приемы работы напоминают живопись импрессионистов. Вблизи видны мелкие мазки, штрихи, общая картина выявляется, когда чуть отступаешь. Он сначала ставил и репетировал без музыки. Потом ввел музыку, и все срослось, совпало, возникло древо будущего спектакля. В постановке заняты такие наши солисты, как Людвиг Испирян, Владимир Дорохин, Леор Хорев, Ноа Коэн. На аккордеоне играет в спектакле Салит Лахав. Поют две девочки, номинантки музыкального проекта "Музыкальная школа" Рони Мадуал и Лиан Биран. Премьера на фестивале "Авив" в Ришон ле-Ционе состоялась. Впереди спектакли в Тель-Авиве (6 июня, зал Израильской оперы) и 11 июня в Хайфе (зал "Аудиториум").

О чем вы мечтаете? Что в ваших планах? Куда пойдет Израильский балет?

Я мечтаю о многом, многого бы хотела. Хотела бы, чтобы у нас возникли и "Онегин", и "Манон", и "Дама с камелиями", и балеты Баланчина...

Что же мешает?

Дорого купить права на постановку. Это сегодня очень непросто. Без помощи, без дотации балету не выжить. И это страна должна понимать... 


Кто-то из государственных чиновников, министр культуры была на ваших спектаклях?

Нет, насколько мне известно, нет. Пока не были.

Ваши дети не танцуют?

Нет, возможно, это их счастье... Дочка служит в армии, сын еще школьник. Дочь, видимо будет врачом, как папа. Я вполне довольна, что не лишила детей детства.

Как проводит досуг худрук Израильского балета Нина Гершман? Что она себе покупает, чтобы поднять настроение?

Я стараюсь смотреть все, что касается танца, балета. На досуге мы с мужем ходим на спектакли российских приезжих театров. Мы любим театр, и нам его не хватает такого, к которому привыкли. Ходим в кино на премьеры. С детьми. Покупаю я себе одежду в стиле "спортивно-элегантный". Блузки, сумки¸ пиджаки. Недавно мы были за границей, и я купила себе шляпу, с большими полями, с элементами соломки – во французском стиле. Видимо, Пиаф меня вдохновила. И я очень люблю красивую посуду. Мне нравится ставить на стол элегантные, подходящие к облику, атмосфере, эстетике дома вещи. И вот еще: мы ездили в Голландию, и пошли там на балет "Баядерка". Я мечтаю этот дивный балет поставить для наших артистов. В Голландии был хороший спектакль. А я сидела и думала: мои танцовщики не хуже, пожалуй... 



Публикуется по материалам PR-агентства
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18387
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июн 06, 2017 11:20 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017060602
Тема| Балет, Нуриевский фестиваль, Татарский театр оперы и балета Персоналии, Улькяр Алиева
Автор| Лала Мамедова
Заголовок| Улькяр Алиева: В России знают и исполняют азербайджанский балет
Где опубликовано| © Day.Az
Дата публикации| 2017-06-06
Ссылка| http://news.day.az/culture/903123.html
Аннотация| Фестиваль, Интервью

На сцене Татарского театра оперы и балета прошёл юбилейный ХХХ Международный балетный фестиваль им. Рудольфа Нуриева. По инициативе основателя и главного редактора Belcanto.ru, руководителя оперного еженедельника OperaNews.ru и целого ряда интернет-проектов - Ивана Фёдорова, в качестве критика российская сторона впервые пригласила известного азербайджанского театрального и музыкального критика, публициста, доктора искусствоведения, профессора Азербайджанской Национальной Консерватории Улькяр Алиеву, которая поделилась с Day.Az своими впечатлениями о прошедшем фестивале.



- Улькяр ханум, чем отличается балетный фестиваль в Казани от подобных международных форумов?

- Прежде всего тем, что его благословил сам Рудольф Нуриев. Немногие престижные фестивали могут похвастаться, что при жизни великих деятелей искусств получили одобрение, а также покровительство тех, чьё имя эти форумы с гордостью носят. И этот факт стал поистине бесценным для казанского фестиваля. Проводимый уже в 30-й раз, Нуриевский фестиваль в календаре международных балетных форумов стал не только одним из самых солидных фестивалей академического балетного искусства на постсоветском пространстве, но и в Европе

Казанский фестиваль - это всегда череда ярких постановок, подобранных по признаку стилевого разнообразия. Фестиваль открыли хозяева сцены, которые представили своё оригинальное прочтение балета С.Прокофьева "Ромео и Джульетта" в хореографической версии Бориса Мягкова и в новой редакции Владимира Яковлева, вызвавшей интерес как у специалистов, так и у публики. Было представлено и классическое балетное наследие - балеты "Лебединое озеро" П.Чайковского, "Баядерка" Л.Минкуса, "Жизель" А.Адана, а также "Эсмеральда" Ц.Пуни и Р.Дриго (в оригинальной хореографии А.Петрова), "Дон Кихот" Л.Минкуса (в редакции В.Яковлева).

В рамках тематических вечеров были представлены два спектакля в хореографии Владимира Васильева - балет "Анюта" на музыку В.Гаврилина и "Dona nobis pacem" на музыку знаменитой си минорной "Мессы" И.С.Баха, которые привлекли внимание своим характерным синтезом хореографии, вокала и драматического театра.

Лично мне было интересно посмотреть яркий национальный балетный эпос "Золотая орда" на музыку современного татарского композитора Резеды Ахияровой в постановке известного бакинским балетоманам хореографа Георгия Ковтуна.

Казанский фестиваль всегда радует созвездием балетных исполнителей. И на сей раз участниками фестиваля стали более 30 приглашенных танцовщиков, вокалистов и дирижеров, в том числе ведущие солисты Венской государственной оперы, Парижской Гранд-оперы, Национального балета Мюнхена, Большого театра России, Мириинского театра, Софийского национального театра оперы и балета, солисты труппы "Кремлевский балет", Московского театра им.Станиславского и Немировича-Данченко, Оперного театра Земпера (Дрезден), Норвежского национального балета, Национального балета Испании, Михайловского театра.

Фестивали подобного уровня - это всегда своего рода витрина, которая предоставляет зрителям уникальную возможность познакомиться со всей палитрой балетного искусства, открыть для себя новые имена зарубежных мастеров балетной сцены, представляющих свои школы, свой стиль исполнительского искусства. А для специалистов - это возможность для серьёзных размышлений о путях развития балетного искусства.

- И какие предварительные размышления наводит Нуриевский фестиваль?

- Нельзя категорично ответить на этот вопрос. С одной стороны, мы видим прекрасных талантливых исполнителей, которые бережно хранят чистоту и красоту классического танца. К примеру, нельзя не отметить великолепное выступление этуали Гранд-оперы - Доротеи Жильбер, которая показала практически эталонную Жизель. С другой, на примере солиста Мюнхенского балета - кубинского исполнителя Осиэля Гунео - вновь приходится удивляться, как можно при таком хорошем техническом потенциале и бездной сценического обаяния, столь, с позволения сказать, неряшливо танцевать?

Нуриевский фестиваль вновь показал, что исполнители из Азии занимают достойную "нишу" исполнителей "вставных" Па-де-де, героев второго плана. Их отличают, прежде всего, прекрасные технические возможности. На фестивале я впервые увидела в "Лебедином озере" японского Зигфрида - солиста Венской оперы Масаю Кимото.

- Сейчас много говорят о том, что классический балет больше приобретает черты спортивной акробатики...

- Есть такой момент. Увы, но публика любит акробатические элементы в балетных спектаклях и многие исполнители, в угоду публики, начинают (как выражаются сами балетные) проявлять трюкачество.

На Гала-концерте постановщик и ведущий завершающего фестивального вечера - Андрис Лиепа показывал слайды фотографий и видео с выступлением Рудольфа Нуриева, выделяя тот или иной фантастический по красоте и сложности прыжок. А я невольно, глядя на выступление великого танцовщика ХХ века, подумала, для Р.Нуриева техника - это всего лишь естественное продолжение танца, его выражение и продолжение. Хотелось, чтобы современные исполнители помнили об этом.

В целом, создаётся такое ощущение, что для современных балетных исполнителей сейчас главное не образ (псевдо-рафинированные позы в лирике и "стрельбу глазами" в бравурных партиях нельзя считать за образы), а техника - поразить шпагатом, турами и т.д. Сейчас даже пытаются "стандартизировать" внешние данные балетных артистов. Я смотрю на старые кадры с великолепной Г.Улановой и думаю, что её сейчас бы и близко не подпустили к ведущим партиям - нестандартная плотная для современной балерины фигура. Сейчас модна в балете фактура а ля У.Лопаткина или С.Захарова - рослые, болезненно худые и с длинными манекенными конечностями (при всём уважении к профессиональным качествам этих замечательных современных балерин).

Мало того, появились ограничения для балерин с низким ростом, чтобы в будущем не "ломали" линии кордебалета. Легендарная М.Кшесинская также не подошла бы под современные параметры - слишком маленький рост (полтора метра) и лишний, даже по понятиям того времени, вес. Я уже не говорю о Марго Фонтейн - её солидный для балета возраст сейчас бы посчитали, пользуясь современной терминологией, неликвид и принудительно отправили на пенсию.

Но парадоксально, я не уверена, что современные балетные исполнители войдут так ярко в историю балета как Г.Уланова или М.Кшесинская. У этих балерин прошлого был образ, обаяние, харизма. А когда смотрю на кадры выступления Р.Нуриева с М.Фонтейн, то даже через экран "захлёстывает" их удивительная энергетика - море нежности и любви.

- Каков был уровень организации балетного марафона в Казани?

- На самом высоком уровне. Казанцы гордятся своим фестивалем, интерес огромный - достаточно отметить, что все билеты были проданы за два месяца вперёд. Во время пребывания в столице Татарстана в своих телевизионных интервью я отметила, что солидный опыт работы и профессионализм, помноженный на искреннюю заботу о театре и о зрителях (и в целом о культурном имидже своей республики) - есть плод той работы, которая была проделана руководством театра для того, чтобы подарить татарским зрителям и гостям фестиваля настоящий праздник балетного искусства.

- Для проведения фестиваля столь высокого уровня необходима также и мощная финансовая поддержка?

- Безусловно. Международный казанский балетный форум не только получает всестороннее содействие со стороны руководства Татарстана, но и имеет солидную финансовую и организационную поддержку со стороны своих партнёров.

Я каждый раз не устаю повторять, где наши спонсоры, почему они не поддерживают наш отечественный Театр оперы и балета, который является ведущим театром страны и одним из старейших музыкальных театров на постсоветском пространстве? Почему какие-то сомнительные шоу-проекты проходят при спонсорской поддержке целого ряда солидных компаний, а все постановки в Театре оперы и балета осуществляются благодаря либо государственной помощи, либо обходясь собственными силами? В моей памяти остался лишь один такой случай, когда я видела логотип нашей компании в программе театра, спонсировавшего приезд и выступление Светланы Захаровой. А ведь по уровню Театра оперы и балета судят о положении академического искусства страны. Многие азербайджанские исполнители, которые сегодня блистают на мировых музыкально-театральных подмостках, прошли школу становления, "наработки" репертуара в отечественном театре оперы и балета.

И в этом смысле нельзя не восхищаться патриотизмом татарских компаний, вкладывающих средства в поддержание своей музыкальной культуры, лучших театральных традиций своей страны. И это - хороший пример для отечественных компаний и спонсоров.

- А насколько хорошо знают в Казани азербайджанский балет?

- Знают, и довольно хорошо. Азербайджану есть, чем гордиться - у нас своя славная история балета и балетного исполнительства. Балет "Девичья башня" стал первым балетом на мусульманском Востоке, а воспитанники отечественного Хореографического училища (ныне Хореографической академии) всегда выступали на ведущих мировых подмостках.

Из современных азербайджанских исполнителей знают Тимура Аскерова, Чинару Ализаде, Нигяр Ибрагимову. Отмечают руководителей балетной труппы Приморской сцены Мариинского театра: главного балетмейстера Эльдара Алиева, а также заведующего труппы - Александра Куркова, который также является воспитанником нашего Хореографического училища.

Афиши многих городов России украшены названиями балетов Ф.Амирова, Г.Гараева, А.Меликова, П.Бюльбюльоглы. В частности, в постоянном репертуаре Татарского театра оперы и балета идёт спектакль "Тысяча и одна ночь" Ф.Амирова.

- А как вам показалась балетная труппа Татарского театра оперы и балета?

- Замечательная высокопрофессиональная труппа, которая не только выглядела достойно, но и порой гораздо предпочтительнее (в плане исполнительского и актёрского мастерства) своих зарубежных коллег. И в этом, несомненно, заслуга директора театра - Рауфаля Сабировича Мухаметзянова - инициатора и организатора двух фестивалей, которые прославили Казань: балетного Нуриевского фестиваля и Шаляпинского оперного форума.

В целом, нужно отметить, что Татарстан сейчас переживает своего рода культурный ренессанс, потому что чувствуется поддержка и забота руководства республики - бывшего президента Минтимера Шаймиева и нынешнего главы Татарстана Рустама Минниханова.

Во время моего пребывания на Нуриевском фестивале, в Казани проходил ещё один форум - Международный фестиваль имени С.Рахманинова и известный татарский театральный критик Татьяна Мамаева пригласила меня на открытие фестиваля. Именно по инициативе её мамы - Ольги Константиновны - Рахманиновский фестиваль получил своё название - "Белая сирень".

Хотелось бы особо отметить, что на протяжении всего фестиваля я чувствовала к себе тёплое, доброжелательное внимательное отношение со стороны всего руководства, творческого и административного коллектива театра. И, пользуясь случаем, я бы хотела выразить свою искреннюю благодарность всему замечательному коллективу Татарского театра оперы и балета им. М.Джалиля.

- Улькяр ханум, вы в первый раз посетили Казань. Ваше впечатление от столицы Татарстана?

- Самое благоприятное. Удивительный, неповторимый по своей красоте город со своей по-восточному мягкой и тёплой аурой. Чем больше я посещаю международные форумы, тем больше начинаю осознавать, что в памяти откладываются не только фестивали, конкурсы, конференции или культурно-историческое наследие принимаемой стороны, но, прежде всего, люди. А жители Татарстана - замечательные, гостеприимные, доброжелательные, отзывчивые, как и в Азербайджане. В целом, создавалось такое ощущение, что попала в родной город, тем более не было никакого языкового барьера - как в плане русского, так и татарского языка, который я прекрасно понимала.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18387
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июн 06, 2017 5:40 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017060603
Тема| Балет, Американский Балетный Театр, Премьера, Персоналии, Алексей Ратманский
Автор| Ольга Смагаринская
Заголовок| «Взбитые сливки» по рецепту Алексея Ратманского
Где опубликовано| © портал "Музыкальные сезоны"
Дата публикации| 2017-06-06
Ссылка| http://musicseasons.org/vzbitye-slivki-po-receptu-ratmanskogo/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

В Нью-Йорке на сцене Метрополитен-оперы труппа Американского балетного театра показала премьеру балета «Взбитые сливки» в постановке А. Ратманского на музыку Р. Штрауса. С бюджетом в три миллиона долларов, дорогими костюмами, отделанными кристаллами Сваровски, необычными декорациями художника-сюрреалиста М. Райдена, этот балет стал, пожалуй, одним из самых зрелищных в репертуаре театра. Премьера состоялась 22 мая.


фото Gene Schiavone

Не очень часто на балетных спектаклях в нью-йоркской Метрополитен-опере увидишь так ярко наряженную толпу, как в дни премьеры балета «Взбитые сливки» в постановке хореографа Алексея Ратманского. Вместо засилья привычного чёрного цвета это было буйство всех оттенков розового, фиолетового и других спектров радуги, и не только в одежде, но и в аксессуарах и цвете волос. Этой премьеры Нью-Йорк ожидал с нетерпением – хореограф вернул к жизни давно ушедший в небытие балет на музыку великого Р. Штрауса, безумно красивые и необычные декорации и костюмы к которому создал известный художник-поп-сюрреалист Марк Райден. В преддверии нью-йоркской премьеры на улице по соседству с Метрополитен-оперой прошёл парад с участием солистов Американского балетного театра в костюмах из балета во главе с самим Марком Райденом. А в Paul Kasmin Gallery, а также в галерее в самой Метрополитен-опере до конца июля проходит выставка картин и эскизов художника, по которым были изготовлены декорации и костюмы этого зрелищного и красивого балета.

Однажды в начале 90-х, находясь на гастролях в Японии, юный Ратманский зашёл в один из магазинов, торгующих музыкальными дисками, и, просматривая их, нашёл неизвестное ему ранее произведение Р. Штрауса под названием Schlagobers, что означает «взбитые сливки». Там же, в Японии, в одном из книжных магазинчиков он приобрёл альбом с иллюстрациями неизвестного ему тогда художника М. Райдена, поразившими его воображение. Обе находки буквально пылились дома на полках у балетмейстера, пока обстоятельства не сложились так, что забытый всеми балет почти столетней давности на музыку Штрауса и уникальные рисунки нашего современника идеально дополнили друг друга в его новом творении.

Премьера балета Schlagobers на музыку и либретто Штрауса состоялась в 1924 году в Вене. Публика приняла этот спектакль без особого воодушевления – находящейся в разрухе и депрессии после войны Австрии было не до веселья и легкомыслия. Хотя сам Р. Штраус писал: «Я не могу переносить трагедию послевоенного времени. Я хочу создать что-то радостное».

А. Ратманский почти не менял либретто – по его словам, он всегда старается придерживаться оригинала, воссоздавая старые постановки. Стоит вспомнить, что в 1994 году в Виннипегском Королевском балете Ратманский уже ставил миниатюру на музыку Штрауса под названием «Взбитые сливки», где сюжет был несколько иной, и сам балетмейстер исполнял роль взбитых сливок, а его (тогда ещё будущая) жена Татьяна – мальчика, сына богатой дамы, который заказал себе в кафе любимый десерт из взбитых сливок. Затем в 1998 году в театре финского города Миккели был показан одноактный балет по мотивам этой миниатюры. Однако мечта сделать на музыку и либретто Штрауса грандиозный балет давно волновала приглашённого первого балетмейстера АБТ.

Сюжет балета незамысловат. «На самом деле, поначалу я не знал, как возможно удержать внимание зрителей, базируясь на таком либретто», – сказал А. Ратманский.

После первого причастия дети расходятся с церковного двора и решают пойти в кафе, чтобы отпраздновать это важное событие. Один из мальчиков (роль которого замечательно исполняет Д. Симкин), неисправимый сладкоежка, переел любимых взбитых сливок (а кто бы удержался от этого в знаменитых венских кафе?), и ему стало настолько плохо, что пришлось отвезти его в больницу.

Тем временем с наступлением ночи все обитатели кафе-магазина, многочисленные сладости и десерты, оживают, не без участия Кондитера с огромной головой-маской и в гигантском белом колпаке. Он один из нескольких персонажей, которые не танцуют и потому способны удерживать на сцене гротескные, невероятно большие маски-головы, придуманные М. Райденом.

Сказочный магазин оживает, открываются двери шкафов и многочисленных коробок, в которых хранятся сахар, кофе, какао, печенье, марципаны и другие волшебные ингредиенты, способные мгновенно поднять уровень сахара в крови. Из них выпрыгивают (поразительно, как они умещались в этих красивых коробках на полочках) Принцесса Чайный цветок, Принц Кофе, Принц Какао и Дон Сахар.

Принц Какао и Дон Сахар пытаются добиться расположения Принцессы, а она флиртует с ними обоими, но отдаёт предпочтение Принцу Кофе. В разные дни показов в роли Принца Кофе выступают Марсело Гомес и Дэвид Холберг, вернувшийся на сцену после двух с половиной лет отсутствия из-за травмы. Роли Принцессы Чайный цветок и Принцессы Пралине исполняют Изабелла Бойлстон, Сара Лейн, Мисти Копленд и другие солистки Американского балетного театра.

Первый акт состоит из характерных танцев основных «десертных персонажей», а также выходов артистов кордебалета, изображающих армию слив в сахаре, марципанов и имбирных пряников с участием самых маленьких артистов балета, которые вызывают умиление у публики своими креативными костюмами пирожных и кексов.

Эта часть балета заканчивается танцем шестнадцати девушек в белых свободных одеждах и с остроконечными капюшонами на головах, формой напоминающими меренги, которые являются воплощением образа взбитых сливок. Магазин исчезает в воспаленном воображении Мальчика, в мире его снов, сотканных из любимого десерта.

Во втором акте после ярких и сладких грёз, привидевшихся Мальчику, мы переносимся в саму больницу, где он лежит на кровати посреди сцены. Яркие розовые тона декораций, сахарно-леденцовая атмосфера магазина сменились на мрачную, вызывающую тревогу палату. На главной стене висит периодически мигающий огромный глаз, словно следящий за всем происходящим, и от этого потустороннего присутствия становится совсем жутко. В детских сказках почти всегда наивное и чудесное переплетается со зловещим и кошмарным, и второй акт наглядно передаёт это и декорациями, и персонажами, и самим ходом повествования.

Мельком появившийся в начале балета Доктор, ещё один нетанцующий персонаж с преувеличенно огромной головой и злобным лицом, теперь становится одним из главных действующих лиц. Его помощницы-медсёстры держат в руках невероятно огромные шприцы, способные навести ужас даже на взрослого пациента. По приказу Доктора они делают Мальчику уколы. Сам Доктор оказывается заядлым алкоголиком, и в один из его запоев в комнату к маленькому пациенту заходит необычная процессия, во главе которой сама Принцесса Пралине верхом на огромном снежном яке. Её многочисленная сахарная армия решает освободить бедного Мальчика, но медсёстры возвращают его обратно. Доктор лечит похмелье содержимым из бутылок с ликерами, но они вдруг оживают, и Доктор становится их жертвой – ликеры спаивают и его, и медсестёр, и помогают Мальчику сбежать из мрачного места. Вместе со свитой Принцессы Пралине он попадает в страну своей мечты, где никто не запретит ему объедаться сладостями и жить в сладких грёзах. Все остаются довольны и счастливы: Доктор с любимым алкоголем, Мальчик – в Стране взбитых сливок.

Одним из изменений, которое балетмейстер внёс в оригинал балета Штрауса, стал отказ от некоторых персонажей. Учитывая время, в которое создавался балет, неудивительно, что «в версии 1924 года были три странные ведьмы, которые хотели организовать бунт печенек-пролетариев», – рассказал Ратманский.

Это бы не был балет на музыку Штрауса, если бы в нём не присутствовали элементы польки, марша, вальсов и галопов. «Это Штраус в его лучшем виде, – считает А. Ратманский, – богатая по выразительности, красивая музыка, чувственная, мелодичная, с хорошим ритмом». Однако не всегда хореография гладко ложилась на музыку, и в таких случаях балетмейстер, по его словам, использовал пантомиму, и образы персонажей с гигантскими головами, не обременённые хореографией, пришлись здесь кстати. Артистам пришлось немало помучиться, чтобы с такими непривычно огромными головами на плечах хоть и не танцевать, но передвигаться, жестикулировать и играть.

Тем, кто знаком с творчеством художника М. Райдена, легко понять, что лучшего художника по костюмам и декорациям для этого балета найти было трудно. Мир его картин и иллюстраций полон фантастических, мифологических созданий, одновременно красивых и зловещих. Он сумел воплотить замысел Ратманского, балет которого построен на контрасте прекрасного и страшного. Это было первое сотрудничество Райдена с балетным спектаклем, и его декорации по праву стали одним из главных персонажей «Взбитых сливок» и, несомненно, в большой степени определили успех премьеры. «На первый взгляд, его рисунки просто сахарные, но вглядевшись, ты видишь в них мистику. Это то, что я и хотел вложить в суть балета, – сказал А. Ратманский. – Ты просто хочешь зайти и очутиться в этом фантастическом мире его иллюстраций».

Эта сладкая фантасмагория наводит на ассоциации с такими известными произведениями, как «Алиса в Стране чудес», «Чарли и шоколадная фабрика», «Щелкунчик», а некоторые персонажи, гигантские плюшевые игрушки, появившиеся на праздничном параде в финале спектакля, даже напоминают о диснеевских характерах и японских анимэ. Хореография балета выдержана в классических рамках и по структуре схожа с «Щелкунчиком», однако она, пожалуй, менее сложная. Как и название балета, его хореографический рисунок лёгкий, воздушный, элегантный. Вместе с красивой музыкой Штрауса и необычными декорациями Райдена балетмейстер создал волшебный сказочный мир, куда не только детям, но и многим взрослым хочется сбежать от серых и рутинных дней. Возможно, это не самый изощрённый в плане хореографии балет маэстро Ратманского, но однозначно один из красивых, зрелищных и запоминающихся. Он утоляет голод зрителя по красоте и, рассказывая о страсти к десертам, этот балет и сам является гурманским произведением искусства. Считайте, что Алексей Ратманский создал балетный десерт нашего времени.

=============================================

Все фото и Видео - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9, 10  След.
Страница 2 из 10

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика