Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2017-05
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20408
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Май 06, 2017 10:59 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017050601
Тема| Балет, «Кремлевский балет», Персоналии, Екатерина Чуркина
Автор| корр.
Заголовок| Екатерина Чуркина: «Кремлевский балет» – это мечта»
Где опубликовано| © Город Ч (Кирово-Чепецк)
Дата публикации| 2017-05-06
Ссылка| http://gorod-che.ru/new/2017/05/06/33355
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Образцовая школа танца «Этуаль» отметила 25–летний юбилей. Среди гостей торжественного вечера, посвященного этому событию, была Екатерина Чуркина, солистка театра «Кремлевский балет». Нашему журналисту удалось пообщаться с Екатериной.

— Екатерина, как прошел юбилейный вечер «Этуаль»?

– Замечательно! Я вновь с удовольствием окунулась в потрясающую атмосферу. В этот вечер танцевали все! В «Этуаль» я занималась два года, и с руководителем школы Надеждой Синицыной мы поддерживаем самые теплые отношения.

— Ваш профессиональный путь балерины начался именно в Кирово–Чепецке?

– Здесь я впервые стала на пуанты, и Надежда Владимировна буквально «выбила» мне путевку в профессиональный балет. Тогда в Киров приехал на гастроли коллектив Пермского хореографического училища, и Надежда Синицына договорилась с педагогами о просмотре своих воспитанниц, среди которых была и я.

В антракте прямо в гримерке нам устроили мини–просмотр, и троих пригласили в училище. В итоге в Пермь поехала только я и безо всяких вступительных испытаний стала учащейся хореографического училища. Билет на этот концерт, который стал для меня счастливым, я храню до сих пор.

— Получается, что вы в десятилетнем возрасте уехали из семьи. Каково это было психологически?

– Я–то была еще совсем маленькая и очень хотела стать балериной, а вот моим родителям пришлось сделать сложный выбор. Это я по–настоящему поняла после того, как сама стала мамой. Безусловно, морально им было гораздо тяжелее, чем мне. Не устаю говорить «спасибо» маме и папе за то, что не побоялись отпустить меня жить вдали от них в интернате училища.

— А как вы попали в театр «Кремлевский балет»?

– Через кастинг, конечно. В тот год конкурс в этот престижный театр был огромный, но мне опять повезло, и я была принята в труппу. В театре тогда служило около 120 человек, конкуренция зашкаливала, поэтому пробиться на сольные партии было очень сложно. Сейчас коллектив театра в два раза меньше, и танцуют все. У каждого есть своя ниша, в которой он незаменим.

— Сейчас вы уже чувствуете себя уверенно? Вспоминаете свой первый выход в сольной партии?

– Каждый выход на сцену в сольной партии – это всегда волнение, большая ответственность и некий стресс. Однако, когда получается станцевать так, как было отрепетировано в зале с педагогом, получаешь огромное удовольствие.

— В каких спектаклях вы участвовали?

– В нашем театре в основном идет классический репертуар и оригинальные постановки художественного руководителя Андрея Петрова. Я занята в каждом спектакле, во многих исполняю афишные партии. Танцевала в таких балетах, как «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Жизель», «Щелкунчик», «Эсмеральда», «Дон Кихот», «Снегурочка», «Ромео и Джульетта», «Золушка», «Баядерка», «Волшебная флейта», «Руслан и Людмила» и других.

— Есть ли у вас профессиональная мечта?

– Хотелось бы, чтобы в нашем театре были спектакли современных зарубежных хореографов. Очень хочется попробовать себя в другой хореографии и пластике.

— Как проходит ваш обычный день?

– Встаю около семи утра, отвожу сына в садик, а потом около 50 минут еду на метро до Кремлевского дворца. Сначала мы занимаемся в зале, выполняя упражнения у балетного станка и на середине зала. Такой класс–тренаж позволяет артисту балета держать себя в форме и совершенствоваться. Потом начинаются репетиции, и домой мы возвращаемся обычно около 19–20 часов.

Если в этот день премьера, то обязательно будет прогон и вечером спектакль. Тогда приезжаю домой уже около половины двенадцатого вечера. Отмечу, что день премьеры – это всегда праздник. Балет до сих пор остается одним из самых любимых видов искусства.

— Правда ли, что жизнь балерины – это одни сплошные ограничения?

– Если говорить о еде, то самая лучшая диета – это работа, которая «подсушивает» тело, чувствуешь себя подтянутой и легкой. В этом случае есть можно все что угодно. Здоровью уделяем особое внимание: необходимо беречься и хорошо восстанавливаться после нагрузок. Если этого не делать, то можно устать и потерять контроль, что влечет за собой травмы. Однажды и у меня была травма коленного сустава.

— В будущем планируете педагогическую деятельность?

– Скорее всего, так и будет. Но, пока есть желание и здоровье, я буду продолжать исполнительскую деятельность.

— Удивительно, как при такой профессиональной занятости у вас остается время на семью.

– Совмещать напряженный график (выходной – один день в неделю) и семью непросто, так что без помощников из числа близких и родных в нашей профессии не обойтись. Мне очень помогли родители супруга, благодаря которым я достаточно рано вернулась на работу после рождения сына. Без них нам было бы трудно. Конечно, мне бы хотелось побольше времени проводить с семьей, и я стараюсь это делать.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20408
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Май 07, 2017 10:27 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017050701
Тема| Балет, Astana Opera, Премьера, Персоналии, Кеннет Макмиллан, Патрисия Руан, Карл Бернетт
Автор| Флюра Мусина
Заголовок| Театр Astana Opera: история Манон Леско
Где опубликовано| © «Республиканская газета «Казахстанская правда»
Дата публикации| 2017-05-05
Ссылка| http://www.kazpravda.kz/articles/view/teatr-astana-opera-istoriya-manon-lesko1/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



Еще один шедевр хореографического искусства – балет Кеннета Макмиллана «Манон» – украсил афишу столичной сцены.

Художественный руководитель балета Astana Opera Народная артистка России Алтынай Асылмуратова последовательно проводит амбициозную и невероятно привлекательную идею – собрать в репертуаре театра все шедевры балетной классики и знаковые постановки ХХ века, созданные выдающимися хореографами современности. И судя по стремительным и громким последним премьерам, идея эта успешно реализуется.

Драматический балет «Манон», поставленный знаменитым английским хореографом в 1974 году, не утратил своего очарования по сей день. Сэр Кеннет Макмиллан перевернул представления о сюжетном балете, возведя его до уровня психологического театра, не лишив при этом хореографию изобретательности и выразительности. Возможно, именно в этом секрет долговечности спектакля, который не сходит с мировой балетной сцены вот уже более 40 лет.

Решение взять за основу либ­ретто роман XVIII века Франсуа Прево «История кавалера де Грие и Манон Леско» Макмиллан объяснял так: «Меня очаровали персонажи. В балете участвует 16-летняя героиня, прекрасная, но абсолютно безнравственная, и герой, который под ее пагубным влиянием становится шулером, лжецом и убийцей. Нетрадиционный сюжет для балета, верно?» И далее добавляет: «Мне кажется, поведение Манон обусловлено ее прошлым, проведенным в нищете. Она не только боится стать бедной, но и стыдится этой бедности. Быть бедной означало в то время медленную смерть».

Эту идею чрезмерной роскоши и разложения общества прекрасно реализовал в оформлении спектакля друг и соратник Кеннета Макмиллана художник Николас Георгиадис.



Богатая драпировка салона-борделя и нищенские трущобы созданы при помощи многочис­ленных разорванных в клочья лоскутов ткани, в зависимости от освещения «рисующих» то бедную обстановку, то пышное убранство гостиных. Чудесная игра света и тени создает приз­рачность этих двух состояний. Переход одного из другого осуществляется мгновенно, в этом зыбкость этого мира, размытость границ и отсутствие всяких, в том числе и нравственных, ориен­тиров. Декорации необычайно мобильны и позволяют при помощи нескольких скупых, но точных деталей полностью изменить место действия: мгновение назад это была улица – и вот уже роскошный бордель или скромная комната кавалера де Грие.

Созданный родственниками и соратниками хореографа «Фонд К. Макмиллана» тщательно следит за точностью исполнения хореографического текста, а также за соответствием сценографии и костюмов первоначальному замыслу. При неукоснительном соблюдении хореографического текста в мире существуют 3 сценографических версии спектакля: в оформлении Питера Фармера (в этой версии спектакль идет в ряде стран), в сценографии Мии Стенсгоу и в оригинальных декорациях Николаса Георгиадиса.

Не каждый театр может иметь в репертуаре этот спектакль, но мировой сценический авторитет Алтынай Асылмуратовой, которая в 90-х годах, с одобрения самого сэра Макмиллана, блис­тала в партии Манон на сцене Ковент-Гарден, а позже танцевала премьеру на сцене Мариинского театра, позволил перенести в Astana Opera балет в том виде, в каком он представлен в Лондонском королевском балете, то есть в самой полной авторской версии, в декорациях и костюмах Николаса Георгиадиса.

Прибывшая специально на премьеру леди Дебора Макмиллан, вдова знаменитого хореографа, особо отметила великолепную работу постановочных цехов театра, которым удалось совмест­но с пригла­шенными специалистами создать декорации и костюмы в полном соответствии с оригинальными эскизами и чертежами. Богатство костюмов и их количество тоже поражает воображение: каждый персонаж, будь то солист или статист, изображающий толпу, имеет свою визуальную характеристику.

В балетах Макмиллана нет кордебалета, который создает фон для солистов: изобретательный хореограф создал яркие живые картины общества Парижа и Нового Орлеана – полные суеты бездушные массы. При этом каждый артист имеет свою, точно очерченную роль, он должен наполнить ее жизнью в рамках предполагаемых обстоятельств. И именно в этом заключалась главная задача педагогов-репетиторов Патрисии Руан и Карла Бернетта, осуществляющих перенос спектаклей Макмиллана по всему миру. Но в то же время – никакой аффектации и теат­ральных жестов, каждый образ должен органично вплетаться в общую картину балетного действа. Именно этой, почти кинематографической точности и реальности происходящего на сцене добивались педагоги от артистов на протяжении нес­кольких месяцев изнурительных репетиций.

Танец нищих в первой картине, дуэт подвыпившего Леско со своей «дамой» и великолепная сарабанда Манон с поклонниками – прекрасные образцы действенного массового танца, виртуозного и изобретательного, с которым прекрасно справились артисты театра. Но они намеренно лишены внутреннего чувства. Основной энергетический заряд несет страстное па-де-де Манон и де Грие, именно оно движет всю трагическую историю.

Четыре дуэта Манон и де Грие – четыре состояния, от зарождения роковой для обоих страсти до смерти виновницы всех злоключений. И суматошная танцевальная вакханалия вокруг работает по принципу контраста, усиливая пронзительную драму цветка любви, расцветающего на «мусорной куче» разлагающегося общества, в котором деньги являются абсолютной и высшей ценностью.



Удивительная работа со светом итальянского художника по свету Якопо Пантани зримо воплощает эти образы на универсальных и метафоричных декорациях ­Георгиади. В последней картине третьего акта, когда сбежавшие из-под стражи, едва живые любовники в серых лохмотьях бредут по таким же серым и безжизненным просторам Луизианы, почти сливаясь с ландшафтом в беспросветной неизбежности конца, начинается четвертый, последний дуэт Манон и де Грие. И с развитием музыкальной темы знаменитой «Элегии» Массне, которая является лейтмотивом балета, главной темой их любви и рока, безжизненная пустыня зацветает красками. Световая и музыкальная партитуры дополняют эмоциональное состояние прощального дуэта, а с последним вздохом Манон гаснет и свет, возвращая безутешного кавалера де Грие в серый мир без любимой.

Партия Манон необычайно притягательна для балерин всех поколений. Но ее недостаточно станцевать, ее надо создать. Одни балерины пытаются честно ­«сыграть» роль – получается доходчиво, но малоэмоционально. Другие стремятся примерить ситуации и поступки Манон на свою индивидуальность. Но выясняется, что ощутить себя Джульеттой или Авророй легче, чем подобной женщиной, по определению Мопассана – «сложной, расчетливой и прямодушной в своей преступности и в то же время необычайно естественной».

Для исполнения главной партии Манон было выбрано 2 состава – примы балетной труппы Айгерим Бекетаева и Мадина Басбаева. И уже не в первый раз эти уникальные балерины создают совершенно разные образы, каждый убедителен по-своему. Манон у Айгерим Бекетаевой – наивная, плывущая по течению и по-детски ребячливая, не ведающая, что творит, в трактовке Мадины Басбаевой героиня подвижная, как ртуть, импульсивная, Манон-авантюристка.

Романтическая фигура кавалера де Грие также отличается в исполнении разных составов: мужественный и страстный герой-любовник ведущего солиста Рустема Сейтбекова и подверженный воле обстоятельств, безвольный де Грие молодого солиста театра Олжаса Тарланова.

Как нередко бывает в балетах-драмах, в «Манон» ярко прорисованы образы большинства персонажей. Даже лишенный танца господин Г. М. (Жанибек Иманкулов) остается в памяти как уверенный в себе охотник за удовольствиями, не подвластный чувствам и уважающий лишь силу и богатство.

Бахтияр Адамжан и Арман Ура­зов виртуозно справляются с не­простой техникой партии Леско – брата Манон и образом бесшабашного ловкого проныры, но не всегда понятна природа его отношений с сестрой. Достаточно убедительным и цельным выгля­дит образ любовницы Леско в исполнении Анель Рустемовой и Гаухар Усиной.

Невероятно сложная хореогра­­­­фия Кеннета Макмиллана предъяв­ляет свои требования к исполнителям: помимо чисто физических данных и виртуозной техники нужно также обладать безупречным чувством стиля. И только когда эти составляющие доведены до совершенства, артист может свободно творить. Пока балерины хорошо освоили текст роли, более или менее удачно входят в образ. Но для того, чтобы стать полнокровной Манон, создать свой неповторимый образ, нужно время, считает художественный руководитель балета Алтынай Асылмуратова. И, видимо, она права, потому что сэр Кеннет Макмиллан поставил удивительный спектакль, который имеет четко очерченные, но подвижные границы, и вдохнуть в него жизнь могут истинный талант и индивидуальность. Вероятно, поэтому балет, созданный более 40 лет назад, и сегодня выглядит свежим и актуальным.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20408
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Май 07, 2017 11:04 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017050702
Тема| Балет, БТ, Юбилейный вечер, Персоналии, Михаил Лавровский
Автор| Роман Володченков
Заголовок| В честь Михаила Лавровского
Где опубликовано| © портал "Музыкальные сезоны"
Дата публикации| 2017-05-06
Ссылка| http://musicseasons.org/v-chest-mixaila-lavrovskogo/
Аннотация| Юбилейный вечер

На исторической сцене Большого театра прошёл Юбилейный вечер выдающегося танцовщика, педагога и хореографа, народного артиста СССР Михаила Лавровского. Много известных и рядовых почитателей таланта этого замечательного человека собрались в зрительном зале 4 мая.


Михаил-Лавровский.-Фото-Михаила-Логвинова.-Большой-театр

В начале вечера худрук балета Махар Вазиев отметил не только большую роль Лавровского как лидера своего поколения, но и необыкновенное качество его танца, остающегося эталонным для современных танцовщиков. Блистательный Спартак, галантный Альберт, мечтательный Ромео – в этих и других главных партиях Михаил Лавровский и по сей день недосягаем в своем искусстве!

В программе танцевального юбилея зрители смогли увидеть разные хореографические постановки Михаила Лавровского и подлинное мастерство замечательных танцовщиков Большого, тех, с кем мэтр много работал и кому сумел передать свои партии. Таким образом, почти весь вечер на сцене демонстрировались лучшие силы мужского классического танца первого театра страны.

Так, главным исполнителем в одноактном балете «Фантазия на тему Казановы» на музыку В. А. Моцарта выступил Игорь Цвирко. Партия рокового соблазнителя женщин, изобилующая сложнейшими прыжковыми комбинациями и актёрскими сценами, необыкновенно подошла артисту. Цвирко действовал раскованно – и как внимательный партнер балерин, и как технически выразительный солист!

«Фантазия на тему Казановы» – действенный сюжетный балет, дающий возможность показать свои таланты не только ведущему танцовщику, но и солистам второго плана, чьи партии не менее привлекательны для публики. Так, в роли Арлекина – куртуазного слуги Казановы – хорошо показался координированный и артистичный Георгий Гусев. Со своими пластическими задачами виртуозно справились и исполнители партий Друзей Казановы – Василий Жидков, Антон Кондратов, Андрей Кошкин и Андрей Рыбаков.

Балет о жизни и приключениях Казановы Михаила Лавровского, когда-то, около двадцати лет назад, постоянно присутствовал в репертуаре Большого театра. Думается, что он и сегодня мог бы разнообразить его афишу, в которой не хватает таких изящных, жизненных, с ненавязчивым философским подтекстом танцевальных вещиц.

«Амок» – хореографический номер на музыку А. Симоненко (режиссёр-постановщик Леонид Лавровский-Гарсиа, художник по костюмам Долорес Гарсиа Ордоньес), вдохновлённый одноимённой новеллой Стефана Цвейга. Его сложность заключается не в танцевальном тексте, а в том, насколько глубоко артисты способны погрузиться в атмосферу этого впечатляющего любовного произведения. И, надо сказать, исполнителям «Амока» – Артуру Мкртчяну и Аните Пудиковой – это удалось! Они с особым настроем и эмоциональной отдачей включились в цвейговскую тему.

Необыкновенное, магнетическое воздействие оказал на зрителей дуэт из «Спартака» Юрия Григоровича в исполнении Марианны Рыжкиной и Михаила Лобухина. Вот где по-настоящему проявился известный на весь мир стиль Большого балета! Не менее ярко, с необходимым темпераментом и на высоком техническом уровне солировали в гран-па из «Дон Кихота» Екатерина Крысанова и Владислав Лантратов.

Номер «Русская балерина» (музыка К. Дженкинс, А. Гуэрра, Ж. Луисьер, режиссёр-постановщик Леонид Лавровский-Гарсиа, художник по костюмам Долорес Гарсиа Ордоньес), при наличии сюжетной линии, связанной с судьбой одинокой и, возможно, всеми забытой балерины, привлёк не историей с определённой коллизией, а как раз танцевальностью, демонстрацией технических, трюковых способностей артистов. Здесь балерина (Она - Виктория Литвинова), сидящая в баре, наблюдает за танцевальным флиртом Юноши (Алан Кокаев) с тремя кокетливыми девушками (Дарья Ловцова, Кристина Лосева, Анита Пудикова). Парень настолько виртуозен, что способен покорить любую, даже самую неприступную особу женского пола. Объектом его ухаживаний становится и балерина...

Завершил программу вечера одноактный балет «Нижинский» на музыку С. В. Рахманинова с Иваном Васильевым в титульной партии. Этот спектакль, уже имеющий немалую историю существования на сцене, как будто создан под индивидуальность Васильева – масштабного, «полётного» танцовщика, современного бога танца. Артист сумел создать убедительный образ легендарного артиста дягилевских сезонов, буквально раздираемого на части любящими его Дягилевым (Михаил Лавровский) и Ромолой (Мария Виноградова).

Балет на троих (Нижинский, Дягилев, Ромола), а именно таким и является «Нижинский», – произведение биографическое, сфокусированное на личной драме великого артиста, оказавшегося заложником своего таланта. Вырвавшись из рук всесильного импресарио и женившись на Ромоле, он так и не смог подняться на прежний пьедестал успеха. Эмоциональная, подвижная психика и личные переживания Нижинского вовлекли его в ситуацию болезненного надлома. Это состояние Васильеву и удалось передать. Судьба артиста, вероятно, затронула его за живое. Перенеся образ Нижинского на себя, Иван Васильев заставил зрителей реально сопереживать сложной судьбе одного из самых знаменитых танцовщиков прошлого столетия.

Символом балета, его главной фигурой, несомненно, является балерина. Однако ХХ век, особенно его вторая половина, показал, что место танцовщика на сцене не менее значимо, чем балерины. Одним из тех, кто это убедительно доказал, былМихаил Лавровский, поднявший планку мужского классического танца на небывалую высоту! Сегодняшнее поколение танцовщиков Большого театра с успехом продолжает развивать традиции, заложенные Лавровским, что ярко и продемонстрировал Юбилейный вечер в честь именитого артиста.

=========================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20408
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Май 09, 2017 9:25 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017050901
Тема| Балет, МАМТ, Персоналии, Олеся Новикова, Ксандер Париш, Владимир Шкляров
Автор| Людмила Гусева
Заголовок| Мариинские звезды на второй московской сцене
Где опубликовано| © Орфей
Дата публикации| 2017-05-08
Ссылка| http://muzcentrum.ru/news/22557-mariinskie-zvezdy-na-vtoroj-moskovskoj-stsene
Аннотация| ГАСТРОЛИ

Этот сезон для балета Московского музыкально театра имени Станиславского и Немировича-Данченко складывается непросто. Старая эпоха - эпоха Зеленского – неожиданно прервалась в его начале, вместе со старым худруком ушли и его репертуарные планы, его подопечный Сергей Полунин и его начинание - ежегодный весенний фестиваль спектаклей театра с участием звезд мирового балета.

Был приглашен новый худрук, в репертуарный план театра текущего сезона были внесены оперативные изменения - на финал, в июле, была поставлена единственная балетная премьера - две одноактовки. Не угасла и идея гастролей известных танцовщиков других театров в спектаклях МАМТа: этой весной со сцены Стасика вместо зарубежных светили звезды Мариинского театра, ведущие солисты Олеся Новикова и Ксандер Париш, а также многолетний премьер этого же театра и балета Баварской оперы Владимир Шкляров. Год назад Шкляров, как раз в рамках балетного фестиваля, станцевал на сцене Музыкального Зигфрида в "Лебедином озере" Бурмейстера, а сейчас станцевал Базиля.



Так волей судьбы и новой администрации театра в этом сезоне мини-фестиваль звезд прославленного Мариинского театра сменил смотр с участием мировых звезд. И это оказалось не менее интересным: артисты из Петербурга - довольно редкие гости в Москве. Большой не балует артистов не менее именитого российского балетного театра гастрольными предложениями, разве что в пожарном порядке, собственная артистическая скамейка в Большом в полном соответствии с названием театра – большая. А вот любимый москвичами небольшой Московский музыкальный театр гастрольные возможности артистам других театров предоставляет. Именно в МАМТе в партии Одетты-Одиллии в свое время вышла Евгения Образцова, тогда еще первая солистка Мариинского театра, эту роль она не получила ни в Мариинке, ни в Большом, где она работает сейчас. В прошлогоднем международном фестивале МАМТа станцевали Владимир Шкляров и бывший премьер Мариинского, а ныне Михайловского театра Леонид Сарафанов. А в этом году в "Жизели" вышла супруга Сарафанова - Олеся Новикова, и это стало одним из самых долгожданных событий московского балетного сезона.

В Мариинском театре Новикова находится на особом счету - согласно балетоманской молве, лучшая из лучших в труппе, артистка, воплощающая сам дух петербургской школы, незаслуженно обойдена статусом - она до сих пор официально не прима, а ведущая солистка Мариинского театра. Сама артистка и на сцене, и в жизни скромна и не амбициозна, и, похоже, не считает это важным. Она танцует, своими спектаклями показывая, что официальный статус и реальное положение в театре могут и не совпадать. Ее исполнение ряда партий классического репертуара считается в Мариинском театре эталонным. В их числе - Жизель. Она была приглашена исполнить именно ее в спектакле Театра Станиславского.

За почти 180 лет своей сценической жизни роль молоденькой крестьяночки Жизели, полюбившей графа, переодетого простолюдином в поисках любовных приключений, преданной им, сошедшей с ума, но за гробом простившей и спасшей своего возлюбленного от гибели, пережила такое количество воплощений, что кажется, свобода интерпретации этого образа размыла все границы. Прошло всего несколько лет после отъезда Светланы Лунькиной, утонченной протагонистки романтического стиля, и в тренде оказалась яркая, мятежная и витальная пейзанка-вилиса Наталья Осипова. «Тихая» Жизель Новиковой - полная противоположность «громкой» Жизели Осиповой, и гастроли Новиковой вновь заставили нас вспомнить, что "Жизель" относится не к драматическому, а к романтическому балету.

Начиная с внешности, которую можно отнести к такому типу красоты, которая традиционно связывается с Жизелью, героиня Новиковой кажется сошедшей со старинных гравюр - гладкие темные волосы, украшенные голубыми ленточками, черные глазищи, белое платье (цвет чистоты), затянутое в темно-синий корсет. Сознательно выделаны под старинный стиль и позы в первом действии - склоненная набок головка, чуть поданный вперед корпус, скругленные ручки. В соответствии со старинными балетными традициями в танец вносятся игровые элементы. Например, в первом появлении Жизели – героиня выбегает из домика на стук в дверь спрятавшегося Альберта и делает танцевальный круг, озираясь и удивляясь, что никого нет. Или в вариации первого действия, когда знаменитая диагональ прыжков на одной ноге обставлена не как технический трюк, а как диалог с друзьями, которые ее упросили станцевать.

У Жизели-Новиковой первого действия нет ни намека на аффектированность: естественность, мягкость и деликатность - главные черты ее характера. Возможно, в Москве привыкли к более яркому выражению чувств в первом (драматическом) действии, а некоторая приглушенность, пастельность реакций новиковской Жизели кажутся чуть отстраненными, снижающими остроту действия. Эта поведенческая утонченность находится в полной гармонии с манерой танца, такой же деликатной и мягкой, как и поведение героини. Но мягкая подача соединяется с твердым стержнем этой Жизели: она последовательно говорит «нет» влюбленному в нее лесничему, она любит танцевать и танцует, несмотря на страхи матери и слабое здоровье, она предъявляет права на своего любимого, вступая в спор на равных с дочерью герцога, пока не убеждается в его лжи и предательстве. А после этого стержень ломается. Но только в этой жизни. Потому что в своей загробной жизни Жизель так же тверда и последовательна в спасении своего покаявшегося любимого.

В танцевальной манере Новиковой нет выраженного контраста между Жизелью-реальной девушкой и Жизелью-вилисой, обе искусны и легки в танце, обе нежны и грациозны. Прыжок, который особенно важен для второго акта спектакля, где царят бестелесные существа - вилисы, у Новиковой по московским меркам невелик, но эффект его невесомости достигается за счет мягкости, кантилены, бесшумности и «жизни» рук . Руки у Жизели-вилисы, кажется, совсем бескостные, трепещущие, с поникшей кистью - лепестки нежного цветка перед увяданием. В кругу бестрепетных мстительниц-вилис Жизель чужеродна, будто она не вилиса, а ангел.

Станцевать в «Жизели» театр предложил паре из Мариинского театра – Альбертом Новиковой стал солист той же Мариинки Ксандер Париш.

Париш, этнический англичанин, взятый семь лет назад в петербургскую труппу из арьергарда «Ковент-Гардена», сделал в Мариинском театре приличную карьеру, став ведущим солистом (одна ступенька до премьера). Танцовщик обладает завидной фактурой (высок, статен, красив, вылитый иностранный принц), за, в общем-то, небольшой срок при активной поддержке руководителя балета Мариинского театра получил доступ к премьерским партиям. Но если даже пару лет тому назад это казалось форой, за вычетом фактуры выдающимися данными танцовщик не блистал, то нынешнее его выступление - доказательство, что время, терпение, труд и усилия мариинских педагогов не пропали даром - сейчас это крепкий солист, соответствующий уровню известного театра. Правда, не более того. Альбер т весь спектакль оставался в тени своей Жизели. Сольную часть партии графа Альберта он станцевал технически стабильно, но не без напряжения. Не обладая яркой актерской индивидуальностью, Париш сыграл Альберта без откровений, зато с партнерской миссией справился на отлично, заставив еще раз оценить преимущества приглашения в чужие спектакли не отдельных солистов, а пар, если и не станцованных, то хотя бы работающих в одном театре.



У Владимира Шклярова, приглашенного на партию Базиля в «Дон Кихоте», была более сложная задача. Он выступал по экстренной замене, выручая театр: второй год подряд МАМТ приглашает известного кубинского виртуоза Осиеля Гунео выступить в его коронной роли, второй раз объявляет это, и второй раз танцовщик не приезжает. Конечно, Шкляров - опытный Базиль, но ему предстояло в короткие экстренно вписаться в не совсем канонический спектакль (у МАМТа своя версия "Дон Кихота", в постановке А. Чичинадзе), выступив в паре с местной партнершей.

В партнерши Шклярова поставили одну из самых популярных балерин театра Оксану Кардаш. Год назад она же станцевала вместе с Шкляровым «Лебединое озеро». Но слаженное партнерство в «Дон Кихоте» гораздо важней – в этом балете сумасшедшие, травмоопасные воздушные поддержки, а Кардаш – балерина не маленькая, да и в роли Китри она вышла только второй раз. Пара все-таки решила рискнуть и выполнить все парные элементы ультра-си: верхние лифты Шкляров выполнял на одной руке, с эффектной задержкой, лихо подкидывал Оксану в круге воздушных поддержек. Но «рыбка» в первом действии была исполнена аварийно, были небольшие сбои и в партерных поддержках. Однако в финальном действии при исполнении такой же «рыбки» пара реабилитировалась.

Чем дальше танцевали вместе Шкляров и Кардаш, тем более гармоничной парой они казались, и в финальном па-де-де продемонстрировали образцовое партнерство. И это неспроста. Оба артиста - в общем-то, тяготеют к чистой классике, а характерность, которой пронизана первая часть балета, обоим не очень близка.

Безусловно, для Владимира первое действие и сцена в кабачке второго действия - это отличный повод показать эффектные испанистые позировки и богатый технический арсенал, Шкляров - известный виртуоз Мариинского театра - продемонстрировал его в полной мере: стремительные многооборотные вращения и большие прыжки (в том числе и "барышниковский" двойной воздушный пируэт с наклоном). Было видно, что партия сделана до миллиметра и давно втанцована, но партия Базиля требует скорей непосредственности, стихийности, даже бесшабашности. Несмотря на игровые уловки, Шкляров не выглядит цирюльником и человеком из толпы. А вот в финальном па-де-де все становится на свои места, игра в простого парня из Барселоны закончилась, и аристократическая манера, даже чуть отягощенная трюкачеством, здесь уместна. Как и белый свадебный костюм Базиля, необычный для Москвы (тут предпочитают черное). В свадебном па-де-де Шкляров и Кардаш прошли по тонкой границе шика и академической строгости.

Оксана Кардаш с ее породистым лицом и изысканной манерой танца тоже не тянет на образ простой девчонки с барселонской площади, которая записана по московской традиции за Китри. Но стандарты исполнения "Дон Кихота" московской традицией не исчерпываются. "Дон Кихот" танцуют везде и по-разному. Вот уже и в Большом на первые составы на гастролях и дома ставят Ольгу Смирнову, балерину без намека на темперамент и бесконечно далекую от демократической московской традиции.

Кардаш - конечно, потеплее Смирновой, но отыграла в "Дон Кихоте" ту же модель гордой, уверенной в себе девушки: пламени на улице не зажжет, но из дома сбежит и в поединке с отцом за право выйти замуж по любви победит. Балерина прекрасно технически оснащена, были помарки (прыжок "в кольцо" не удается, в фуэте ее поносило по сцене), но не надо забывать - всего второй спектакль, дальше будет лучше.

Кардаш - балерина, которая за последние два года стала не только примой Стасика, но и одной из самых популярных балерин в Москве, за ней следят не меньше, чем за балеринами Большого. Но после Большого театра это делать трудно, особенно в первой, «народной» части спектакля. Но то, из-за чего нельзя пропустить Оксану Кардаш в «Дон Кихоте» - это сцена сна Дон Кихота, в котором прелестница Оксана перевоплощается в образ прекрасной Дульсинеи: упоение танцем, искусная выделка мельчайших деталей, изыск в каждом па и каждом взгляде. Женщина-мечта.

Закрепила свой успех балерина в свадебном па-де-де, где по виртуозности почти не уступала своему именитому партнеру, по парадной подаче текста была с ним в полной гармонии, смягчив декоративность этого дуэта своей цветущей женственностью.

В следующем сезоне «Дон Кихот», который долгие годы шел в МАМТе, сменят на редакцию Нуреева, которая никогда не шла в России. Ожидаем новых гостей? Новый худрук балета Театра Станиславского, в прошлом знаменитый танцовщик Парижской национальной оперы, обещал продолжение, только не в форме фестиваля, как его предшественник, а единичные приглашения звезд.

Людмила Гусева

/фото stanmus.ru/
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20408
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Май 09, 2017 9:44 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017050902
Тема| Балет, МАМТ, Персоналии, Лоран Илер
Автор| Алиса Асланова / Фото Карина Житкова
Заголовок| Лоран Илер
Где опубликовано| © Ballet Insider
Дата публикации| 2017-05-02
Ссылка| http://www.balletinsider.com/archive/solo/6999
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Большое интервью с Лораном Илером эксклюзивно для Ballet Insider, в котором художественный руководитель балетной труппы Муз. театра Станиславского подробно расскажет о ключевых идеях в репертуарной политике, кадровых перестановках и шедеврах, без которых не может представить себе современный театр.



Bi: Совсем недавно были объявлены планы театра на следующий сезон, которые в балетных кругах вызвали резонанс. По выстроенному Вами репертуару очевидно, что Вы хотите развивать труппу в разных направлениях, и такое многообразие возможностей для развития очень интересно артистам. Но Вы также идете на осознанный риск ради того, чтобы попробовать привить зрителю вкус к совершенно новым для него стилям танца. Это так?

ЛИ:
Абсолютно. Любой современный хореограф работает не с какой-то нарративной историей, а раскрывает какую-либо тему. Хореограф показывает впечатление. Картина может казаться абстрактной, но в ее основе лежат идеи. Для меня важно, чтобы публика получила эмоции: мощь от произведения, новый язык, технику… Мы даем ключ от новой Вселенной, которую зритель может открыть для себя. Публика не может не соблазниться этим предложением. Некоторые спектакли, которые мы предложим зрителям в следующем сезоне уже стали классикой, остальные станут классикой завтра. Например, один из балетов, которые заявлены в программе – «Серенада» Баланчина, это уже классика, и это шедевр! Этот балет так же актуален сейчас, как и большие классические балеты.

У меня глобальные планы, ведь я хочу чтобы о Муз. театре Станиславского говорили больше во всем мире, а для этого важно, какое лицо у театра перед миром танца. У меня контракт на пять лет, которые быстро пройдут. Я не должен терять время, но и не должен торопиться.

Bi: Вы убрали кассовые спектакли – «Эсмеральду» и «Татьяну», которую очень полюбили зрители…

ЛИ:
На это были причины. «Эсмеральда» остается в репертуаре, просто мы не показываем ее в следующем сезоне. Я не хочу показывать одни и те же спектакли – ведь это неинтересно зрителям. У театра есть своя публика, я ей хочу предложить разные балеты. Мы не сможем добавить к существующему репертуару новые спектакли, это стало бы неподъемной ношей. Мне нужно было выбирать. Поэтому некоторые спектакли мы не будем играть в течение одного сезона, так как новый репертуар требует времени для репетиционного процесса. Я не хочу жертвовать качеством во имя количества, поэтому некоторые спектакли не будут показаны в следующем сезоне. Нельзя стоять на месте и показывать одно и то же. От этого труппа только беднеет и опустошается, так же как и зритель, который тоже нуждается в новых спектаклях.

Насчет «Татьяны» Ноймайера, она так же будет показана через сезон. Если бы этот спектакль шел в этом сезоне, я бы его оставил. Это сложная вещь, которая требует большой работы над собой, и так как его нет уже в этом сезоне, нужно время на восстановление спектакля. Например, для «Манон» нужно меньше времени. Все это очень важно, и нужно правильно расставлять приоритеты.

Понимаете, разговоры возникают всегда, когда делается новая версия какого-либо спектакля. Я думаю, когда Бурмейстер сделал свою версию «Лебединого озера», тоже были обсуждения: «Зачем нужна новая версия?», «Старая лучше…»

Bi: Как, например, с новой версией «Дон Кихота» Рудольфа Нуреева…

ЛИ:
Да. Я считаю, что версия «Дон Кихота» Рудольфа Нуреева более классичная и академичная, с более точной структурой. Музыкальность в этом спектакле представлена очень интересно, эта версия имеет свое, узнаваемое лицо. На мой взгляд, это один из лучших спектаклей, который сделал Нуреев, очень конкретное и породистое произведение, и именно эта версия найдет свое место в Муз. театре Станиславского.

Всегда будут люди, которые будут против нового, но главным всегда будет то, что будет происходить на сцене.

Bi: Кто справится с мужской партией в этом спектакле? Есть ли артисты, которые станцуют Базиля на нужном уровне?

ЛИ:
Я надеюсь. Это вопрос работы. У Рудольфа свой собственный стиль. Да, эта версия требовательна к артистам. Она требует качественной, техничной работы как от женщины, так и от мужчины. И да, она создана не для того, чтобы облегчить жизнь артистам. Все всегда говорят, что версия Нуреева невообразимо сложная, но она проще, чем мы думаем.

Я восстанавливал все балеты Рудольфа и считаю, что в его балетах некоторые вещи усложнились и стали не такими, какими он их ставил. Эта версия хорошо структурирована и показывает труппу с хорошей стороны. Именно поэтому премьера состоится к концу будущего сезона, чтобы у нас было достаточно времени хорошо подготовиться. Думаю, зрителям будет интересно посмотреть, как артисты исполнят хореографию Нуреева.

«Нет ничего ненужного. Если спектакли вызывают вопросы – это полезно»

Bi: А ведь интересно получается – в России балеты Нуреева еще не ставились, и как символично, что Вы – преемник Рудольфа – ставите его спектакль первым в России. Красиво…

ЛИ:
Так получилось. (Улыбается) Конечно, у меня нет идеи привезти сюда все балеты Нуреева. Многие хореографы заслуживают того, чтобы быть в этом театре. И моя основная идея состоит в том, чтобы артисты пробовали себя в разной хореографии.

Bi: Да, и оба вечера, которые Вы заявили на следующий сезон очень разнообразны.

ЛИ:
Я не могу себе представить, как зритель примет эти абсолютно разные балеты. Например, «Тюль» Экмана. Этот спектакль – дань классическому балету, который поставлен с тонким чувством юмора. Экман с уважением относится к языку классического балета, но при этом обращает внимание на то, как чрезмерно в нем пестуются детали. И это он показывает в своем творении. Все сделано очень уважительно и доброжелательно по отношению к балету. Я уверен, что его точка зрения на классический балет понравится зрителям.

Балет «Минус 16» Охада Наарина особенный – еще одно подношение зрителям. Спектакль современный, актуальный. Это не модерн, философию которого нужно понимать и многое знать, чтобы понять. Этот спектакль Наарина проще, он “сегодняшний”, а если такие балеты делаются талантливо, у зрителей есть возможность многое прочесть в них.

Bi: Как будет проходить подготовка к осваиванию таких разных стилей? Запланированы какие-то специальные классы или репетиции? Взять, например, авангардного Марко Геке, это же другой мир для артистов.

ЛИ:
Как раз сейчас мы с хореографами продумываем, сколько времени необходимо для подготовки их спектаклей. Например, для подготовки к балету «Ореол» Пола Тейлора (на мой взгляд, это лучший его балет), будут проведены специальные мастер-классы с репетиторами Пола Тейлора. То же самое будет перед постановочными Охада Наарина. Эти мастер-классы будут открыты для всей труппы, чтобы они смогли понять язык хореографов. Не думаю, что будут специальные классы у Геке. Здесь все будет происходить уже во время репетиций.

Bi: Как возникла идея совместить несовместимое: Брянцев, Геке, Наарин?

ЛИ:
Да, это три разные Вселенные. Мне кажется, именно их различие делает возможным их соединение – получится унифицированный вечер.

Геке станет экзотикой вечера, я уверен, что русская публика готова в течение двадцати минут наслаждаться чем-то очень экзотичным. Мнения опять же разделятся: кто-то полюбит, кто-то не примет совсем, кто-то отнесется ровно. Но я думаю, что нет ничего ненужного. Если спектакли вызывают вопросы – это полезно.

Bi: На Ваш взгляд, какой спектакль станет самым сложным для труппы?

ЛИ:
Я пока не знаю. Возьмем конкретный пример. У нас был просмотр для балета Форсайта. Репетитор от фонда приехал на просмотр и отобрал почти три состава для этой премьеры. Он сказал, что много артистов в труппе способны танцевать такую хореографию, несмотря на то, что труппа никогда не танцевала Форсайта.

Bi: Что необходимо артисту, чтобы успешно впитать новый стиль в свое тело?

ЛИ:
Важно, чтобы артист полностью отдался хореографу и то, с каким духом он работает над произведением. Артист здесь не для того, чтобы судить произведение, которое создается, а для того, чтобы защитить это произведение перед зрителем. А публика уже пусть решает.

Bi: В июле в один вечер с Форсайтом труппа покажет и «Сюиту в белом» Сержа Лифаря. В этом спектакле труппа как на ладони, есть риски обнажить ее недостатки.

ЛИ:
На данный момент у нас самое начало репетиций, мы учим текст. Мы всегда рискуем, когда делаем что-то в первый раз. Выбирая этот спектакль, я хотел показать труппу и дать им возможность качественно поработать, ведь это по-настоящему большой классический балет. «Сюита в белом» – почти единственный балет Сержа Лифаря, оставшийся в репертуаре, в нем много работы и для солистов, и для кордебалета. Нужна храбрость, чтобы, несмотря на скептиков, попробовать его исполнить. Я не буду сейчас предлагать труппе танцевать Мерса Каннингема, но я хочу чтобы она прогрессировала, двигалась вперед. Амбиции нужны. Я думаю, с правильной работой и амбициями – все получится.

Bi: В субботу Вы были в числе жюри конкурса «Русский балет», где в состязании приняли участие лучшие учащиеся из балетных школ России. Как Вы оцениваете уровень русской школы?

ЛИ: На всех конкурсах разные уровни. Были и сильные дети, и слабые. Важен репертуар, который выбирают конкурсанты и их педагоги. Некоторые версии я даже не знал. Например, конкурсантка исполняла вариацию из «Классического па-де-де» на музыку Обера, которое я тоже танцевал, и было забавно увидеть какие-то новые нюансы в вариации и понимать, что ты эту версию не знаешь. Конкурсанты не несут ответственности за то, какие версии танцуют, скорее, это вопрос к педагогам, поэтому я больше внимания уделял самим артистам: их артистизму, технике и стилю. Мне кажется, результаты конкурса законные и логичные. Для меня это была прекрасная возможность яснее увидеть все составляющие части того, что называют “русской школой”. Этот конкурс – иллюстрация того, что представляет собой русская балетная школа сегодня.

Bi: Сейчас уже прошли выпускные экзамены в балетных училищах. Возможно, кто-то из выпускников и конкурсантов уже приглашен в Муз. театр Станиславского?

ЛИ:
У нас уже был просмотр в труппу в январе. Некоторым артистам мы уже сделали предложение. Также у нас много запросов от артистов, которые хотят попасть в труппу. Я очень рад, что таких запросов становится все больше. Сейчас труппа очень открыта и для иностранных артистов, и для русских.

Bi: Недавно Вы повысили некоторых артистов в ранге. Заметно, что Вы поддерживаете молодых артистов, например, скоро состоится премьера Ксении Шевцовой в «Лебедином озере».

ЛИ:
Да, я повысил артистов, потому они этого заслуживают. Ксения Шевцова на недавних гастролях в Мюнхене мгновенно заменила балерину и сделала это замечательно. Я ей дал «Лебединое» не из-за этого, а потому что она повела себя как настоящий артист, который способен за две минуты переодеться и станцевать смело и убедительно на сцене. Все это было профессионально. Эти качества доказывают, что этот артист может быть солистом. В любом случае Ксения одна из тех артистов, на которых я обратил внимание, когда пришел в театр. Будут и другие премьеры. Я уважительно отношусь к примам нашей труппы, но важно давать танцевать и молодым артистам. Конечно, это риск, и не все сразу будет исполнено безукоризненно, но я беру этот риск на себя. Есть какие-то вещи, которые открываются только на сцене.

«Артист здесь не для того, чтобы судить произведение, которое создается, а для того, чтобы защитить это произведение перед зрителем»

Bi: Какой спектакль Вы мечтаете включить в репертуар театра?

ЛИ:
(Улыбается) Мои мечты, которые я постараюсь реализовать здесь, я пока не озвучу. Я люблю говорить о том, что уже известно и подтверждено.

Bi: Мы можем надеяться, что увидим что-то еще из Баланчина?

ЛИ:
Да! Те шедевры, которые он создал, нельзя не включать в репертуар театров! Для меня очень важно иметь его балеты в репертуаре, потому что Баланчин и его произведения принадлежат всему миру. Мы не имеем права лишать публику видеть эти шедевры, ведь это часть истории балета. Также как мы не представляем театр без Чехова и Шекспира, также и балетный театр нельзя представить без Баланчина.

Bi: За это время Вы уже узнали Москву, появились ли любимые места?

ЛИ:
Я в театре десять часов в день, семь дней в неделю, – поэтому, пока нет. Я купаюсь в той доброжелательности, которую дарят мне театр и труппа, которая очень многогранна. С каждым днем мне все интереснее работать здесь. При этом я стараюсь сохранять голову холодной, потому что, кроме творчества, мне приходиться принимать рациональные решения.

Из того, что я уже видел, мне очень понравились православные церкви. Это очень красиво. Я знаю, что в Москве много всего происходит, и мне хочется с ней познакомиться, но сейчас для меня в приоритете театр. Я должен был узнать труппу и репертуар. Но я так же должен найти время для того, чтобы познакомиться с этим городом и его культурой. И я обязательно это сделаю!
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20408
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Май 09, 2017 11:49 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017050903
Тема| Балет, Фестиваль "Золотая маска"
Автор| Вадим ГАЕВСКИЙ
Заголовок| Свет в конце туннеля
Где опубликовано| © «Экран и сцена» № 8
Дата публикации| 2017-05-01
Ссылка| http://screenstage.ru/?p=6599
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ


Сцена из спектакля “Скрипичный концерт № 2”.
Фото Н.РАЗИНОЙ


Я понимаю, что для заголовка избрана слишком банальная фраза, но она хороша уже тем, что точно передает мои ощущения и мои мысли после просмотра фестивальных спектаклей. Балетная программа на этот раз была предельно коротка – всего пять спектаклей: два сюжетных и многоактных и три бессюжетных одноактных, – но зато пробудила давно дремавшие чувства энтузиазма и надежды.

Оба сюжетных поставлены Вячеславом Самодуровым: “Ромео и Джульетта” в Екатеринбурге, “Ундина” в Москве, в Большом театре. Об “Ундине” я уже высказывался в “ЭС” летом прошлого года, и, конечно, московский балет проигрывает шекспировскому екатеринбургскому. Хотя нельзя не оценить настойчивое и успешное стремление номинантки “Золотой Маски” Екатерины Крысановой–Ундины подчинить себе трудную (на мой взгляд, чрезмерно и неоправ-данно трудную) партию заглавной героини. А вот “Ромео и Джульетта”, ставший лучшим спектаклем в балете, – яркое произведение большого стиля. Самодуров, как и подобает современно мыслящему балетмейстеру, ориентируется на музыку, а не только на пьесу, его вдохновляет Прокофьев, а не только Шекспир и не только ренессансная архитектура (как было почти у всех создателей прошлых редакций). И это приводит к впечатляющим результатам. Кроме, может быть, финальной сцены (“Ромео у гроба Джульетты”), написанной Прокофьевым с такой нечеловеческой скорбью и силой, что дать ее адекватное сценическое оформление представляется невозможным. При том, что балетмейстер свободно владеет актуальным, весьма изощренным хореографическим языком и мастерски ставит развернутые кордебалетные эпизоды.

Но об этом спектакле, спектакле-событии, уже много писалось и говорилось, и здесь я хочу сказать о другом и назвать другое имя: Антон Пимонов из Мариинского театра; еще один номинант (и лауреат) “Золотой Маски”, еще один балет на музыку Сергея Прокофь-ева: “Скрипичный концерт № 2”. Опус поставлен в манере Джорджа Баланчина (о чем говорится в буклете и что подразумевает номер 2 в названии балета). Конечно, это оммаж Баланчину, сочинение в честь Баланчина, когда-то, еще будучи Георгием Баланчивадзе, танцевавшего здесь, рядом, лишь перейти через мост, на сцене Мариинского театра (“Скрипичный концерт” показывается на Новой сцене). “Hommage” поставлен почтительно, но и очень достойно, находчиво, изобретательно и совершенно свободно. Многие ходы хореографии неожиданны и просто-напросто хороши, особенно медленная часть, которую увлеченно и увлекательно, в строгом баланчинском стиле, танцует Виктория Терёшкина, еще одна номинантка и лауреат “Золотой Маски”.

“Скрипичный концерт” идет в третьем отделении большого прокофьевского спектак-ля, а перед ним показывается еще один бессюжетный балет, поставленный Максимом Петровым (новое для меня имя). Тут вспоминается не Баланчин, а Алексей Ратманский, его сочинения на музыку Шостаковича, посвященные 30-м годам советского балета. Ратманский тогда, еще работая в Большом театре, реабилитировал эту музыку и эти сюжеты, с которыми работал Шостакович. Тут, в случае Максима Петрова, ситуация другая, но по-своему интересная. Свою “Русскую увертюру” Прокофьев написал сразу же после возвращения в Советский Союз и вскоре после разгрома оперы Шостаковича “Леди Макбет Мценского уезда”. И Прокофьев, никогда ничего не боявшийся, всегда веривший в свою судьбу, в свой высокий профессионализм, в способность писать по заказу, даже социальному, не теряя ничего, ни своего авторитета, ни своего таланта, написал песенную увертюру, повторяя, возможно, про себя прогремевшую тогда фразу знаменитого спектакля Вахтанговского театра: “Вы просите песен, их есть у меня”. То же мог бы повторить и Максим Петров, сочинивший легкую, остроумную, мастерски поставленную стилизацию на мотивы молодежной лирики 30-х годов, не стремясь ни ее осмеять, ни ее оплакать. Я бы номинировал и его, Максима Петрова.

Потому что оба они – и Пимонов, и Петров, если и не представляют одно поколение (Пимонов старше, Петров моложе), то в этом прокофьевском спектакле явили собой одну тенденцию, как мне показалось, весьма перспективную. Обоих влечет неустаревающий неоклассицизм, оба работают в ясной и четкой манере, не стремясь переусложнить свой хореографический язык и не задаваясь сложными неразрешимыми вопросами. Для них многое давно понятно, а все непонятное они оставляют на потом. Придет новый Гам-лет – балетмейстер, появится новый Гамлет – балетный артист, которые будут мучить себя, собственный танцевальный язык, а, может быть, и нас вечными вопросами. А пока я, самый старый зоил балетной критики, поздравляю молодых балетмейстеров с несомненной удачей.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20408
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Май 10, 2017 10:03 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017051001
Тема| Балет, Фотография, Персоналии, Нина Аловерт
Автор| Елена ЖУКОВА
Заголовок| Соединённые берега
Где опубликовано| © Еженедельник "Аргументы и Факты" № 19 10/05/2017
Дата публикации| 2017-05-10
Ссылка| http://www.vl.aif.ru/culture/nina_alovert_raskryla_sekrety_professii_teatralnogo_fotografa
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Нина Аловерт раскрыла секреты профессии театрального фотографа


Сцены из балета «Кармен-сюита» Нина Аловерт снимала во Владивостоке 30 апреля. © / АиФ

«Я не фотограф, я - театральный фотограф» - говорит Нина Аловерт, и для неё это принципиально. Критик, исследователь, искусствовед, знающая наизусть каждое «па» из репертуара мирового классического балета.

В середине прошлого века она начала снимать артистов во время действия вопреки существующим традициям парадно-официальной фотосессии. В 70-е годы в поисках творческой свободы уехала в США, где живёт по сей день. Находясь в центре культурной жизни русской эмиграции третьей волны, старалась запечатлеть «прекрасные мгновения» выдающихся деятелей литературы, искусства. Среди её героев - скульптор Эрнст Неизвестный, художник Михаил Шемякин, поэт Иосиф Бродский, писатели Василий Аксёнов, Сергей Довлатов, мастер балета Михаил Барышников. Нина Аловерт привезла свои работы Во Владивосток. Уникальный проект «Соединяя берега» впервые представлен в Приморском музее им. Арсеньева.


Фото: АиФ

Город преобразований

-Нина Николаевна, как вас приняла здешняя культурная элита?


- Впервые я приехала во Владивосток полтора года назад, и уже по пути из аэропорта успела влюбиться в ваш город, в его атмосфере есть что-то близкое мне. Как всякая любовь - это необъяснимо. Помню, как меня впервые потряс пейзаж Уссурийского залива: стихия океана, неподвластная человеку. Другой мир, космос! Я с удовольствием сюда вернулась, по Светланской гуляю с удовольствием, она для меня родная улица. Надо сказать, здесь тёплая отзывчивая публика. Во Владивостоке у меня появились новые друзья: Дмитрий Мотовилов, директор Приморского музея Виктор Шалай, галерист Вера Глазкова, и это большой подарок судьбы. Главный смысл моих поездок в Россию - люди, и это главная связь в прошлым.

- Вы успели посетить приморскую сцену Мариинского театра?

- В первый же вечер отправилась на премьеру «Кармен», отметив, как профессионально поставлен спектакль. Мне хорошо знаком главный балетмейстер театра Эльдар Алиев, в 90-е годы в Америке он создал превосходную балетную труппу, завоевавшую лучшие подмостки мира. Я всегда с большим удовольствием смотрю его работы в разных театрах, верю в него. Считаю, что театру повезло.

- Ещё недавно мы и не могли мечтать о постановках такого уровня…

- Появление нового театра меняет облик города, он становится важной частью его не только культурной, но и нравственной атмосферы. Вечные произведения искусства необходимы людям, как воздух. Признаюсь, и в прошлый приезд, и теперь я немного фотографировала во время действия, надеюсь, что эти работы войдут в один из будущих проектов. Так же важно, что в городе есть этнографический музей. Я успела полюбоваться на выставку животных - тигров, леопардов, медведей. Будет время - посмотрю музей более внимательно.

- Где ещё удалось побывать во Владивостоке?

- В театре имени Горького я смотрела спектакль «Заповедные дали» по мотивам повести Сергея Довлатова. Это весьма интересно, особенно понравился приём введения в действие пьесы Пушкина. Когда актёр Константин Суворин в образе поэта вышел на сцену, я даже испугалась - настолько это было неожиданно. Потом увидела, что Пушкин спектаклю к лицу - он смягчает тон постановки, придаёт верную интонацию. Отмечу и роль Татьяны, актриса Наталья Овчинникова сыграла искренне и радостно, при этом она внешне похожа на молодую Лену, жену Довлатова.

- Что вы можете сказать о других постановках по произведениям Довлатова?

- На моей памяти ещё два спектакля: один поставили в театре Маяковского, объединив многие сочинения писателя в пьесе «Новый американец». Смотрела «Заповедник» и в театре Ленсовета, где также на сцене появляется Пушкин, правда там это получилось, на мой взгляд, не совсем уместно.

Дар свыше

- Нина Николаевна, как вам удаётся фотографировать во время спектаклей, не мешая актерам и публике?


- У меня бесшумный фотоаппарат! (Улыбается) Сам корпус - обычная «мыльница», но оптика - японская, превосходная, хороший объектив. К примеру, в театре оперы и балета я сидела в ложе главного балетмейстера, снимала, никому не мешала. С другой стороны, я не работаю по секрету от персонажей своих фоторабот. Я же не папарацци, выскакивающий из-за угла, а человек, который всегда на виду.

- Фотографировать - ваше призвание?

- Я люблю не фотографию, как таковую, а театр. Начала снимать в начале 50-х годов прошлого века, первая решилась фотографировать во время действия. Этого никто не делал: актёров, танцовщиков собирали в специальных студиях на отдельных фотосессиях, нужных артистов снимали в нужных позах. Мне хотелось иметь работы, отличные от тех, которые продавались в киосках.

- Насколько сложно фотографировать в динамике, во время балета?

- Большинство балетных постановок я изучила досконально, зная последовательность движений, па, прыжков, пируэтов. Опыт приходит с годам. Считается, если из 36 снимков балетных фотографов шесть удачные - прекрасно, это уже показатель профессионализма.

- Во многих интервью вы говорите, как вам важно проникнуть в личность артиста?

- Стараюсь изо всех сил, мне необходимо установить контакт. Я снимаю не сам спектакль, а больше образ человека - актёра, танцовщика. Настраиваюсь на определённую волну. Если любишь и понимаешь артиста, всё получается. Мало того, потом целый монолог могу написать о том, что он танцевал.

- Это даётся свыше?

- Всякое искусство - мистика, которая не имеет объяснения. Допустим, откуда в человеке дар? Почему совершенно нормальный человек, вдруг выходит на сцену и перевоплощается в Гамлета? Откуда он берёт силы? Но в человеке заложены неограниченные способности, и существует эмоциональный посыл актёра в зрительный зал, его нужно поймать. В этот момент я становлюсь приемником.

Родство судеб и душ

- Не так давно вы участвовали в ток-шоу на российском телевидении «Петля одиночества», программа шла от негативного посыла. Почему согласились?


- Признаюсь, я понятия не имела, куда ввязываюсь. В одно прекрасное утро мне позвонила милейшая дама с телевидения, и попросила срочно приехать на передачу, посвящённую трём великим невозвращенцам из мира балета: Александру Годунову, Рудольфу Нурееву, Михаилу Барышникову. Войдя в зал я увидела эту жуткую вывеску: «Глоток свободы или Петля одиночества» и чуть обморок не упала. В зале сидели статисты, были люди из КГБ, никакого отношения к балету не имеющие. Сначала много рассказывали о Годунове, у которого не сложилась судьба. Но мне и друзьям Нуреева удалось перебить негатив. Ведь Нуреев, Барышников - личности состоявшиеся.

- Ваш проект «Соединяя берега», представленный в Приморском музее, носит созидательный смысл?

- Соединяя берега, я объединяю культуры разных стран. Все мы, приехавшее из России, выросли на русской культуре, она близка, дорога, мы ее любим. Так, Михаил Барышников - танцевал и руководил американским театром, но все это было основано на русской школе. Америка ему предоставила возможность свободного развития творчества. Знаете, я часто вспоминаю, как начала снимать людей в эмиграции, надеясь, что когда-нибудь не будет железного занавеса, и я смогу открыто рассказать и показать нашу жизнь. Не верилось, что это случится.

- А судьба Юлия Бриннера, предпринимателя, внук которого стал звездой Голливуда, вам знакома?

- Да, и этого человека знает весь мир. Для меня стала удивительной история эмигрантки Элеоноры Прей, которая записывала свою жизнь во Владивостоке изо дня в день. Её письма стали доступны и интересны многим людям. Это ли не чудо?

- Политическая обстановка на вас влияет?

- Это не имеет отношения к театру. В США по-прежнему много гастролируют русские театры - Вахтанговский, театр Дудина, студия Фоменко. Приезжает Сергей Юрский со своими концертами и спектаклями, для меня он неповторимая личность, живущий по своим внутренним законам. Знаю, что были с гастролями в Америке и приморские коллективы: театр им. Горького, молодежи. У нас тесная связь с Россией. Надеюсь, железного занавеса больше не будет.


ДОСЬЕ

Нина Аловерт родилась в Ленинграде, окончила исторический факультет Ленинградского университета. С 1977 г. живет в США. Широко известна во всем мире как авторитетный эксперт в области балетного искусства и фотограф. Автор многочисленных книг, принимала участие в составлении Международного балетного словаря. Статьи и снимки Нины Аловерт публикуются в ведущих изданиях мира, ее персональные выставки проходили в таких крупнейших выставочных комплексах мира. Фотографии Нины Аловерт находятся в коллекциях театральных музеев и библиотеках Петербурга, Москвы и Нью-Йорка, в частных коллекциях России и Америки.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20408
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Май 11, 2017 1:38 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017051101
Тема| Балет, , Персоналии, Мария Александрова
Автор|
Заголовок| Балерина Мария Александрова: «Друзей в балете у меня очень мало»
Где опубликовано| © журнал ELLE
Дата публикации| 2017-05-10
Ссылка| http://www.elle.ru/celebrities/interview/balerina-mariya-aleksandrova-druzey-v-balete-u-menya-ochen-malo/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В майском номере ELLE мы публикуем искренний и пронзительный ­монолог этой сильной женщины. ­Аплодируем стоя!


Для многих людей я и Большой театр — практически синонимы. Но мой уход — абсолютно осмысленный шаг. Да, он был быстрым, неожиданным и несвоевременным. Но это было решение взрослого человека, который прошел через определенные этапы в жизни, и понимает, что все происходящее — закономерность. Внутри меня будто сложился карточный домик.


ФОТОALEXEY KOLPAKOVСТИЛЬVADIM GALAGANOV


Никакого внутреннего отторжения в тот момент я не чувствовала. Я часто повторяю фразу: «Театр делают люди». Место артиста — на сцене, и по-другому быть не может. Большой театр был и остается для меня самым любимым местом на ­Земле. Обожаю все годы, которые я провела в его стенах, на сцене. И я хочу двигаться вперед, хочу расти. Мне интересно жить.

Так получилось, что эта история, вызвавшая огромный резонанс, стала для меня ценным и неожиданным опытом. Те, кто знает меня давно, привыкли к тому, что я никогда не поддерживала связь с околобалетным сообществом, в том числе и со зрителями. Я выбрала свое призвание в восемь лет, и моя профессия, балет — это в первую очередь то, что нравилось и нравится лично мне. Так получилось, что в какой-то момент зритель оказался для меня полностью закрытым — и с этим ощущением я проработала много лет. Как вдруг, в момент ухода из Большого и благодаря поднявшейся шумихе, у меня будто открылись глаза: оказалось то, что я делаю, невероятно важно большому количеству людей. И речь идет не только о Москве, Питере и других городах России, а обо всем мире. Не прощание с театром, а переживания зрителей стали для меня колоссальным шоком! Приняв важное и личное решение, я совершенно не подумала о реакции и чувствах публики. Для моих зрителей это было не только неожиданно, но и очень больно.

Миссия любого талантливого профессионала — быть счастливым. Мы забыли о том, что на нас смотрят люди. А если ты являешься для кого-то вдохновителем, нужно находить силы, чтобы двигаться дальше и поддерживать своего зрителя. Для меня, признаюсь, это стало большим откровением. Я даже иначе взглянула на социальные сети. Десять секунд с репетиции, кусочек спектакля в инстаграме для поклонников могут стать важной эмоциональной мотивацией в собственной, порой очень сложной жизни. Мы в ответе за тех, кого приручили? Да, теперь я понимаю это как никогда. Именно моя публика помогла мне осознать, что такое театр.

Зная прекрасно, что я человек слова и если уйду, то уже не вернусь, генеральный директор Большого театра ­Владимир Георгиевич Урин попросил меня лишь об одном: «Будь открыта для предложений, не сжигай мосты». Я согласилась. Мы пришли к тому, что до конца сезона у меня будут спектакли в статусе приглашенной звезды, как бы абсурд­но это ни звучало в данной ситуации. Таким образом, я еще не закрыла свою страницу в Большом и могу выразить ему свою благодарность за любовь, поддержку, переживания и эмоции. Я не могу вспоминать об этом месте без слез! Могу твердо сказать: мы расстались друзьями — во мне нет ни тени обиды.

Были ли у меня подобные мысли раньше? Три года ­назад случилась серьезная травма, которая не оставила мне выбора, — пришлось заново учиться ходить, не то, что танцевать! Когда происходит некий сильный момент — счастье или горе — ты познаешь себя и то, кто ты есть на самом деле. Я поняла, что у меня есть сильный характер и воля. Тех людей, которые мне помогали выкарабкаться, на которых я опиралась, могу сосчитать по ­пальцам одной руки.

Профессия балерины — сложная и жестокая. Но на сцене я никогда ни с кем не конкурировала. Я большой профессионал, знающий свои достоинства и недостатки и постоянно работающий над собой. У меня всегда было свое место, и его значимость зависела только от меня. Козни и соперничество — это не про меня, но и друзей в этой профессии у меня крайне мало.

Никогда не подозревала, что любимый человек из балетного мира станет для меня подарком судьбы. Сейчас он очень за меня переживает, хотя сразу сказал: «Я не понимаю и не принимаю твоего ухода, но поддерживаю, так как вижу, что ты делаешь это осознанно. Я хочу, чтобы ты осталась человеком».

Во мне нет смирения, чтобы быть рабом при мужчине. Я сильная и могу быть настолько закрытой, что со стороны это будет казаться жесткостью. Несмотря на то, что я оптимист, окружающим я не доверяю. И еще я авантюристка в хорошем смысле слова. Помимо балета у меня есть роли на драматической сцене — спектакль «Калигула» в Губернском театре Сергея Безрукова.

В конце марта я станцевала в Нью-Йорке несколько спектаклей Déesses & Démones вместе с Бланкой Ли. В этой постановке просто потрясающие костюмы Жан-Поля Готье, Аззедина Алайя и Стеллы Маккартни, созданные специально для проекта, в котором раскрываются разные грани женской личности. Ты то богиня, то демон — и такая двуликость, думаю, свойственна каждой из нас. Для меня очень символично, что спектакли прошли в США — это не только другая часть света, но и другая, новая часть моей профессии. Большой театр — махина, рядом с которой все теряется. Мало что в современной культуре может соответствовать этому неимоверному масштабу. Совершая этот непростой и судьбоносный шаг, я написала на своей странице в инстаграме, что отныне открываю для себя весь мир. Наше время дает женщине колоссальные возможности для развития, от которых нельзя отказываться.

=============================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20408
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Май 11, 2017 2:57 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017051102
Тема| Балет, Приморская сцена Мариинского театра, Персоналии, Ирина Сапожникова
Автор| корр.
Заголовок| Прима-балерина Приморской сцены Мариинского театра Ирина Сапожникова рассказала о том, каково на самом деле быть балериной
Где опубликовано| © Новости Владивостока
Дата публикации| 2017-05-11
Ссылка| http://www.newsvl.ru/vlad/2017/05/11/159119/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Чтобы танцевать в балете, учиться надо начинать с юных лет, это общеизвестно. Меж тем мир балета, как считают обыватели, изнутри далеко не так же прекрасен, как внешне. Мифов о жизни танцоров существует немало – и на диете они вечно сидят, воздухом питаются, и интриги внутри театров ужасные, и так далее… Ведущая балерина Приморской сцены Мариинского театра, заслуженная артистка Башкирии Ирина Сапожникова рассказала корреспонденту Vl.ru о том, как оно – быть балериной – на самом деле.

- Ирина, вы поступили в Уфимское хореографическое училище имени Рудольфа Нуреева в 11 лет, это довольно поздно.

- Да, в определенном смысле я успела вскочить в последний вагон, но до 11 лет в своем родном городе – а мы жили в Оренбургской области – я посещала танцевальный коллектив «Вдохновение» и очень любила хореографию, репетиции, выступления, даже школу ради них прогуливала. То, что сцена – наркотик и счастье, я поняла сразу. В училище меня привезли показаться в 11 лет, скажу честно – фурора я там не произвела. Директор училища, глядя на меня, сказал, что танцевать можно научить и медведя, главное – музыкальность и координация. По физическим данным я с большим скрипом проходила – не было растяжки, гибкости, выворотности, я два года училась вставать в пятую позицию, сколько слез выплакала, пока ломала свое тело… Но меня взяли именно за музыкальность.

- Об учебе в хореографических училищах ходят жуткие разговоры, мол, человека там ломают – тело в буквальном смысле, а душу – в переносном, заставляя привыкать к жесткой дисциплине, к постоянным репетициям, к «не ной!»...

- Да, это правда, но не ломают, а перестраивают, ведь балет требует от человека всех сил. Не скрою, мне было очень трудно, про физическую боль я уже сказала – растяжки, все прочее давалось ой как нелегко. Но, оглядываясь назад, понимаю, что в училище самым сложным оказывается то, что ты сразу попадаешь в атмосферу конкуренции. Ты должен выживать и проявлять характер с первых же дней. Если тебя устраивает провести всю жизнь в кордебалете, пятым лебедем в третьем ряду, то можно и не меняться. Но если ты хочешь большего, если тебе нравится балет – тебе придется измениться внешне и внутренне, найти в себе стержень.

Кроме того, первый год обучения я жила в интернате. Моя семья переехала в Уфу только через год. Вот и представьте: домашняя девочка – всегда завтрак готов утром тогда, когда ты проснешься, всегда вещи выстираны, всегда мамина рука рядом, чтобы пожалеть. А тут – резко и сразу – ты все должна делать сама и думать о себе сама. О том, что надо выстирать, убрать, что жаловаться некому, что завтрак в столовой строго по расписанию, опоздаешь – твои проблемы. Нет, у нас были хорошие воспитатели, душевные. Но все равно – из ребенка я стала сразу взрослой. Не подумайте, что я жалуюсь, наоборот – все эти трудности готовили нас ко вступлению в довольно жестокий театральный мир.

- Вот и второй миф – о том, что в балетных труппах царит жестокость.

- Ну, это не совсем так. Просто в театре – в отличие от училища – с тобой, даже если ты перспективная и с красным дипломом – носиться никто не будет. Меня поставили в кордебалет, и я провела там два года. Станцевала корбдебалет всего классического репертуара – от «Жизель» до «Спящей красавицы». Изредка мне давали небольшие сольные партии. Когда тебе 17 лет, ты привыкла, что с тобой возятся, о тебе говорят как о подающей надежды, а тут на тебя никто не обращает особого внимания. Сделать рывок вперед мне помогло то, что я сразу начала ездить на конкурсы и побеждать. Конкурсы – это спасение для молодого артиста, это необходимость. но когда про меня стали писать в уфимской прессе, балерины, которые много старше и уже стоят на пороге пенсии, начали покрикивать, вести себя достаточно конфликтно. Пришлось столкнуться с недоброжелательством, моральным давлением, и это сложно, очень сложно.

Еще дело в том, что я настолько всегда была недовольна собой, что сама себя успешнее кого бы то ни было грызла… Я та еще самоедка, мне редко когда нравится смотреть на свои выступления в записи, например, а смотрю записи других балерин – восхищаюсь. Какой совет можно дать начинающим балетным? Во-первых – участвовать в конкурсах, во-вторых – просто идти вперед! Вопреки всему! Мне было так важно не стоять на месте, постоянно развиваться, что я ни на что не обращала внимания. На это просто не надо тратить энергию, вот и все, на чужую зависть. Я стараюсь всегда радоваться чужому прогрессу и видеть в этом стимул для саморазвития. Если ты самодостаточен и живешь в гармонии с собой, ты никому не будешь завидовать.

- Говорят также, что балерины живут на воде, яблоках и святом духе, а нормально не питаются.

- Лукавить не буду, балерины следят за своим весом и формой. Есть счастливицы с таким метаболизмом, которым не приходится себя ограничивать – у них сгорают все калории, любое пирожное рассасывается. Я не из таких, и поэтому после отпуска, дней рождения, например, если набираю лишнее – а я это чувствую сразу, кости мои сразу чувствуют – приходится заниматься собой всерьез.

Но не есть совсем – нет, это не про балетных! Если не есть - где взять энергию для танца? Я поесть люблю! Просто придерживаюсь правил – есть можно все, но в меру, лучше – в первой половине дня, после 18 – ничего калорийного, однако овощные салаты, яблоки никто не отменял.
И готовить люблю, научилась у мамы делать это вкусно и полезно. У меня хорошо получаются холодные закуски, как я люблю интересные бутерброды и канапе! Я не ем тяжелого мяса, свинины, например, ну разве что на шашлыках. Люблю, обожаю морепродукты, особенно краба! В этом смысле мы с Владивостоком нашли друг друга! На зарплату, на премию я всегда покупаю уже очищенные фаланги краба и могу одна съесть примерно полкилограмма… Пища богов!

- А еще говорят, что артист балета танцует с температурой, с порванными сухожилиями.

- Да… Если у тебя нет замены – выходишь на сцену и танцуешь. Тьфу-тьфу-тьфу, с травмами не приходилось танцевать, но с температурой было, с безумными мозолями – тоже. Принял таблетку, пшикнул заморозкой – и вперед. Хорошо, что сейчас у нас, на Приморской сцене, отличный врач, два прекрасных массажиста, за нашим здоровьем действительно следят, очень заботятся. Знаете, вся наша работа – в балете – через боль. Иногда станцевать с температурой легче, чем целый день, к примеру, репетировать, когда ты уже в пуанты не можешь залезть, потому что на ногах живого места нет, а надо…

- И еще один стереотип: у балерин нет времени на личную жизнь.

- Это правда. Балерины, если они хотят чего-то добиться, жертвуют личной жизнью. Мы ведь не можем сбежать с репетиции на свидание или вечером готовить ужин. У меня вечером спектакль – с 19 до 23. А за день до спектакля мне нужно выспаться, не могу пойти гулять до ночи, мне нужно настраиваться. В общем, вы понимаете. Такая работа. Если бы я была менее фанатично предана балету, у меня по-другому просто сложилась бы жизнь, сейчас бы у меня были уже муж и дети, но я не стала бы тем, кто есть сейчас. Да, я хочу семью, детей, и не одного – просто пока не пришло время и тот самый человек. Как только появится - научусь все грамотно и гармонично совмещать. Я в этом уверена.
Пока же я живу от спектакля к спектаклю, зная, что вот завтра у меня «Корсар», через пять дней – «Лебединое озеро», и так время просто пролетает.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20408
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Май 11, 2017 3:18 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017051103
Тема| Балет, Одесский театр оперы и балета, Премьера
Автор| Ирэн Адлер, фото Кирилла Стоянова и Виктора Собко
Заголовок| «Спящая красавица» в одесской Опере: дорогие декорации, живые борзые на сцене и конфликт за кулисами
Где опубликовано| © «Думская»
Дата публикации| 2017-05-11
Ссылка| http://dumskaya.net/news/obnovlennaya-spyashchaya-krasavitca-v-odesskoy-o-072088/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

В гостях у сказки побывала «Думская», посетив премьеру легендарного балета Петра Ильича Чайковского. 177-лет исполнилось бы в мае нынешнего года великому композитору, и готовясь к этой дате, Одесский национальный академический театр оперы и балета поставил красивый, качественный и дорогой балетный спектакль – «Спящую красавицу». Мы ждали этой премьеры с нетерпением, описывая этапы ее подготовки.
Красота оформления спектакля оказалась достойной хореографии Мариуса Петипа, сочиненной для премьеры, состоявшейся в Петербурге в январе 1890 года. Также в спектакле использованы фрагменты хореографии Константина Сергеева и Федора Лопухова, а автором режиссерской версии стала балерина, заслуженная артистка Республики Молдова Мария Полюдова.




На премьере партию принцессы Авроры исполнила солистка Одесского оперного Елена Добрянская. (К слову, обе балерины – героини рейтинга «Думской»).
Либретто балета написано по сюжету одноименной сказки Шарля Перро, и «спящей» красавицу Аврору, стоит напомнить, сделала злобная фея Карабос, чью партию, по традиции, исполняют не балерины, а танцовщики (кстати, на премьере эффектную ведьму блестяще станцевал заслуженный артист Республики Молдова Владимир Статный).

Фурию забыли (а скорее всего, не захотели) пригласить на крестины крохотной наследницы короля Флорестана XIV, так она сама прикатила на колеснице, запряженной летучими мышами, поскандалила, сорвала рыжий парик с церемониймейстера, повыдирала ему с лысины последние космы, уселась на королевский трон и вдобавок наложила на принцессу заклятие.

«В ярости Карабос предрекает юной Авроре, что та заснет навеки, уколовшись веретеном. Фея Сирени успокаивает родителей и обещает, что силы добра разрушат злые чары. Она заставляет Карабос покинуть дворец. Чтобы избежать несчастья, предсказанного злой волшебницей, король издает указ, запрещающий под страхом смертной казни пользоваться спицами и веретенами в его королевстве», — гласит балетное либретто.
В день шестнадцатилетия к Авроре все же подберется зловредная Карабос, подстроит так, чтобы она укололась веретеном, но благодаря вмешательству феи Сирени результатом будет не смерть, а сон. Правда, столетний, от которого принцессу пробудит поцелуй принца. Антипод Карабос, фея Сирени (Алина Шарай), принимает самое деятельное участие в судьбе принцессы, она по мере сил нейтрализует заклятие, отвозит принца на своей ладье к спящей красавице, и, разумеется, танцует, танцует, танцует…
Предполагалось, что в финале на свадьбу принцессы Авроры и принца Дезире сойдутся едва ли не все сказочные герои, вплоть до Мальчика-с-пальчик и Людоеда. Мария Полюдова выбрала для финального «парада» героев Перро Кота в сапогах (Руслан Талипов) и Белую Кошечку (Ольга Пилипейко), Волка и Красную Шапочку (Павел Гриц и Анна Тютюнник), Синюю птицу и принцессу Флорину (Станислав Варанкин и Наталья Ивасенко). Зрителю представили добротную постановку с великолепными декорациями Евгения Гуренко — тут тебе и расписные задники, и плывущая по сцене ладья феи Сирени, и позолота дворцовых залов, и таинственный сумрак волшебного леса, и замерший во сне замок заколдованной принцессы — и тщательно выполненными, яркими и воздушными костюмами героев (художник по костюмам – Сергей Васильев). В сцене охоты перед публикой предстали живые борзые собаки, красивые и холеные. И хотя среди старых театралов бытует строгое мнение, будто животных и детей невозможно переиграть, о собаках публика забывает, как только те уходят за кулисы. Есть на что смотреть и без них!

Аврора в исполнении Елены Добрянской, принц Дезире (в миру – Станислав Скрынник) – поистине сказочные образы. Благородство, красота пропорций, изысканность чувств, естественность существования в рамках классического канона, отточенность каждого движения, и этот прекрасный миг, когда одновременно с мановением дирижерской палочки завершается прыжок, эффектно выбрасывается вверх рука — даже сложно заподозрить, что дирижер-постановщик, народный артист Республики Молдова Александру Самоилэ редко работает над балетами. Он сам признается, что только необычайная любовь к музыке Чайковского заставила его приняться за «Спящую».
Премьера прошла с блеском, публика искупала артистов в овациях, но не все, увы, так просто в сказочном королевстве. Начать с того, что режиссер Полюдова достаточно жестко общалась и с журналистами, приглашенными на брифинг в театр, досадуя, что телеоператоры стоят перед сценой и снимают фрагменты репетиции, а ведь люди просто делали свою работу, рекламируя постановку по приглашению дирекции ОНАТОБ. Артисты на условиях анонимности рассказывают, что Мария очень резка со своими коллегами без посторонних ушей.

Кажется, стоит творческому работнику на момент возвыситься над коллегами, и тут же он начинает вымещать какие-то давние, а то и откровенно надуманные обиды. Но в Одесской опере такого не надо, ладно? По части скандалов план уже выполнен и перевыполнен на десятилетия вперед! И пусть нервная энергия наших артистов тратится только на творчество. Когда за кулисами как в сказке, и на сцене будет ладно. Стоит напомнить Марии Полюдовой, что образ феи Карабос прима-балерине совсем не приличествует, он – мужской!

Рассказывает Елена Добрянская: «По театральным правилам один состав танцует на сдаче спектакля, другой – на премьере, а нас со Стасом накануне спектакля заставили танцевать еще и сдачу, мы, конечно, собрались и сделали все возможное. Хочется, чтобы прекратилась вся эта череда недоразумений, это не на пользу работе и невероятно выматывает психологически. Тем более, что, несмотря на все эти сложности, труппа поддержала дирижера, и результат превзошел самые смелые ожидания».
Грустно, девицы! Публика любит каждого артиста за его неповторимые качества, Елену Добрянскую – не меньше, а то и побольше других. Будем надеяться, злые чары над принцессой Авророй развеются. И без всякого вмешательства волшебных сил.

================================================

ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20408
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Май 11, 2017 5:12 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017051104
Тема| Балет, Проект "Мечтатели"
Автор| Майя Крылова
Заголовок| Из ванны – к звёздам
Где опубликовано| © портал "Музыкальные сезоны"
Дата публикации| 2017-05-10
Ссылка| http://musicseasons.org/iz-vanny-k-zvyozdam/
Аннотация|

На сцене Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко прошёл вечер одноактных балетов под общим названием «Мечтатели».


Программа, привезённая из Петербурга, была частично показана на фестивале балета «Мариинский» в апреле этого года. Тогда, в рамках «Мастерской молодых хореографов», прошла премьера балета «Мечтатели». Балет создан тремя творцами под руководством режиссёра Сергея Даниляна. Одним из соавторов, помимо Максима Петрова и Ильи Живого, был Владимир Варнава. Показ в Москве соединил «Мечтателей» с двумя другими постановками Варнавы – «Глиной» и «Видением розы». Общим для всех балетов оказалось не только имя хореографа, но и сквозная идея, отчего и вечер в целом был назван «Мечтатели».


фото Наташи Разиной © Мариинский театр

«Глина» – слово, которое в контексте одноимённого балета на музыку Мийо следует понимать двояко: как мнущийся природный материал, готовый принять любую форму, и как тело танцовщика, которое есть глина в руках хореографа. Балет начинается и заканчивается цепочкой сплетённых тел, медленно движущихся на полусогнутых ногах, – что-то вроде огромной гусеницы. Цепочка вспучивается буграми и выпуклостями, затем и вовсе распадается на сегменты и детали (то есть на соло и дуэты), которые начинают жить собственной жизнью. Ведь глина запросто делится на фрагменты любой конфигурации. Но потом, когда то ли вдохновение у подразумеваемого демиурга иссякнет, то ли артисты устанут, детали снова сплетутся в «гусеницу», сольются в целое – и замрут. В конце концов, и глине иногда требуется, чтобы её не мяли и не трогали. Глине тоже нужно отдыхать.

В промежутке между стопорами танцовщики гнутся в асимметрии, растекаются в протяжённых линиях, сжимаются в комок и растопыривают ладони, чтобы податливая изменчивость проявилась как можно ярче. Ни одна поза не закреплена в чёткости, всё выглядит тягучим и пластичным. Исполнители поправляют тела партнёров руками. Бедра уходят в одну сторону, головы – в другую, медитация сменяется «механической» правильностью. Прекрасная труппа Мариинского театра демонстрирует небрежное изящество: как будто никто не знает, куда он через мгновение прыгнет или в какую точку пола поставит ногу. Мечта об идеальной форме сбывается наяву. Но всю дорогу не оставляет мысль: каким мог бы быть балет «Глина», если б наши танцовщики владели, например, техникой «изоляции» и (или) ещё каким-нибудь способом танцевать, помимо классики и неоклассики?

«Видение розы» – тоже балет о мечтах, но иного рода. Он воспроизводит коллизии одноимённой миниатюры Михаила Фокина, поставленной некогда в парижских «Русских сезонах» Сергея Дягилева. В оригинале девушка времён романтизма, прибежавшая с бала, дремлет в кресле, а дух розы, которую она носила на балу, красиво витает вокруг неё. У Варнавы всё исходит из грёз современной странноватой девицы спортивного типа, которая не только предпочитает жить с розовыми очками на глазах, но делает это напористо и демонстративно. Роль очков играют лепестки роз, прилепливаемые на веки. Дух же розы смахивает то на экзотического полуголого принца в длинной юбке, с «восточными» пассами, то на эффективного менеджера в модном прикиде, но с нервным характером. На сцене в ряд стоят силуэты розовых фламинго, что моментально придаёт балету привкус пародии. Если вспомнить песню Алёны Свиридовой про розового фламинго, то создаётся впечатление, что её текст лёг в основу либретто:

Ты узнаешь, что возможно

Здесь не думать о разлуке,

И не вздрагивать тревожно,

И не маяться от скуки,

И не помнить о расплате,

Не играть и сбросить маску…

Мы найдем любовь и ласку.

Розовый фламинго –

Дитя заката.

Розовый фламинго

Здесь танцевал когда-то,

Может, в жизни прошлой –

Мне трудно вспомнить.

Думай о хорошем,

Я могу исполнить.


В соответствии с песней «очарованный скиталец» танцует «прошлой жизни танец» в царстве привидений – с той самой девицей в лепестках, которая скитальца слепила из того, что было. А была не только музыка Вебера, которой вдохновился Фокин, но и разнообразный художественный скрежет Александра Карпова. Впрочем, кардинальная разница в звуках никак не отразилась на пластике: настойчиво улыбчивая девица (Полина Митряшина), с помощью современного танца, выворачивая суставы наизнанку и судорожно смакуя эротическое приключение, всё так же таяла в объятиях принца (Александр Челидзе) без белого коня. Дурман и эйфория не прекращаются, даже когда он срывает с её глаз розовые лепестки. И улетает прочь, копируя знаменитый финальный прыжок Нижинского в «Видении розы».

Самым слабым звеном программы оказались «Мечтатели». Что-то совсем уж бесформенное путешествие по мечтам и к мечте, от прошлого к будущему, хотя последняя часть сделана на ритмически бодрую музыку диско группы Daft Punk. Балетная труппа Мариинки бодрится с видимым удовольствием, хотя использовать её в такой хореографии – всё равно что топить ветхую печку новенькими долларами. Если поставить шаблонные балетные па, пусть и с угловыми ракурсами, отклонением от вертикали и в бодром темпе, как на дискотеке, и при этом одеть исполнителей в рваные джинсы вместо пачек и колетов, шаблонность никуда не денется. Этот факт не отменят ни отвязные позы «руки в брюки», ни группы «стенка на стенку» – «девочки – мальчики», равно как и пылающая галактика на заднике, и кожаные лифчики на балеринах. И даже жёлтая ванна, из которой поднимается безымянная героиня в красном (блистательная Екатерина Кандаурова), чтобы исследовать себя в сольном танце, а потом улететь – в буквальном смысле, на лонже – к звёздам.

======================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20408
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Май 11, 2017 6:47 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017051105
Тема| Балет, Башкирский хореографический колледж имени Рудольфа Нуреева, Персоналии, Олия Вильданова
Автор| Нина ЖИЛЕНКО
Заголовок| Хозяйка балетного дома
Где опубликовано| © газета «Вечерняя Уфа»
Дата публикации| 2017-05-11
Ссылка| http://vechufa.ru/culture/10188-hozyayka-baletnogo-doma.html
Аннотация|



Как хорошо что есть люди, передающие публике в танце не просто своё мастерство, но и огонь темперамента, душу, сердце. А существуют люди, которые умеют передать эти качества своим ученикам. Они, образно говоря, наполняют сосуд пылающим огнём. Вот почему учредители единственного в России профессионального балетного приза (а это журнал “Балет” и Министерство культуры Российской Федерации) предусмотрели такие номинации, как “Мэтр танца”, “Учитель”. И совсем недавно лауреатом приза “Душа танца” в номинации “Учитель” стала заслуженный деятель искусств Республики Башкортостан Олия Вильданова, директор Башкирского хореографического колледжа имени Рудольфа Нуреева.

...Уникальность этого притаившегося вдали от центра уфимского уголка ощущается сразу. Может быть, начинается с внешнего - ухоженный, чуть ли не в английском стиле двор, литая узорчатая ограда, само старинное здание красного кирпича, где когда-то располагалось мусульманское медресе, позже - обычная школа, в которой учился Рудик Нуреев, с детства уверенный, что станет великим. А когда видишь на стене здания барельеф с изображением уже всем миром признанного гения танца, окончательно проникаешься чувством необычности и значимости этого места.

Здесь расположен Башкирский хореографический колледж имени Рудольфа Нуреева. В декабре исполнилось тридцать лет, как работает славная кузница творческих кадров. Коллектив педагогов, в основном воспитанники ленинградской и пермской школ, в недалёком прошлом - ведущие мастера Башкирского балета. Труппа Башкирского государственного театра оперы и балета полностью состоит из выпускников колледжа. А сколько их разлетелось по стране и миру, уже и не перечислишь...
Но не терпится отворить красивую массивную дверь и заглянуть внутрь здания. Уже в холле охватывает тепло почти домашнего уюта, что, согласитесь, не совсем привычно для казенного дома. Но это так! Чем дальше углубляемся в открывшееся взору пространство - учебные классы, офисные кабинеты, интернатские комнаты, столовую, - тем больше понимаем: удобная мебель, картины, ковры, дорожки, шторы и занавески, обилие цветов - не случайное совпадение. Все продумано, пронизано стремлением создать именно домашнюю атмосферу.

Безусловно, основы заложены первым директором и основателем уфимского хореографического училища Али Салиховичем Бикчуриным. Но теперь здесь явно чувствуется женская рука нынешней главной хозяйки дома - директора колледжа Олии Галеевны Вильдановой. И душа. Да не просто женская, а балетная. Нужно самой всё прожить, пережить, перечувствовать, дабы понять, как порой не просто не хочется, а физически трудно проснуться и встать в определенный час, начать и провести длинный-длинный день в столь напряженном режиме, что возможен только у балетных людей.
А здесь вообще еще ДЕТИ! На первый взгляд, они такие же мальчики и девочки, что и в других школах. Но если познакомишься поближе с их жизнью, поймёшь: они гораздо взрослее и требовательнее к себе. С десяти лет привыкают к железной дисциплине и жёсткому распорядку дня, умеют преодолевать боль после травм и отказываться от столь заманчивых пирожных. А главное, чётко осознают, что только труд, труд, труд до ста потов приведёт их к заветной цели - стать артистом балета. И если у взрослых есть хоть малейшая возможность помочь, смягчить, облегчить трудности преодоления, это необходимо делать.

За плечами Олии Вильдановой годы учёбы, годы работы в различных театрах, но главный для неё с 1978-го - Башкирский государственный театр оперы и балета, где прошла все танцевальные ступени, стала ведущим мастером сцены, исполнила главные и сольные партии в балетах русской и зарубежной классики. Жажда знаний привела Олию в Башкирский государственный университет, умудрилась окончить исторический факультет, как говорится, без отрыва от сцены. Позже - педагогический факультет и аспирантура Санкт-Петербургской академии русского балета, защита диссертации. Преподавала классический танец и мастерство актера в колледже. В Уфимском государственном институте искусств участвовала в создании специальности “Педагогика балета”, заведовала кафедрой “Народное художественное творчество и хореографическое искусство”. Олия Вильданова - заслуженный деятель искусств Башкортостана, автор научных работ, публикаций по истории балета, автор книги “Башкирский балет”. При всем этом богатстве - скромная, обаятельная, общительная, жизнерадостная женщина, воспитала двух дочерей, уже бабушка, хотя это ну никак не вяжется с её обликом.

Казалось бы, после всего разве вспомнишь, как сама девочкой бегала в балетную студию, занималась художественной и спортивной гимнастикой, как уставала... Нет, ничто никуда не ушло, ничего не забыла. Особенно запомнилось то, что внутри постоянно жило твёрдое убеждение - судьбою ей предназначено очень важное дело. И она должна сделать всё, чтобы свершить предназначение.

А судьба умело вела нить Олии. Не случайно отец, военный врач, был направлен на учебу в Ленинград, в Военно-морскую медицинскую академию. Мама, учительница, начинала обучение в знаменитой “Герценовке”. И не случайно здесь у них родилась девочка, чтобы она могла поступить в лучшую в мире балетную школу - Ленинградское хореографическое училище имени Агриппины Яковлевны Вагановой. Олия понимала, чего хочет, старалась вовсю, с первого класса была на хорошем счету. С педагогами повезло. Её вела сама Елена Васильевна Ширипина, которая (ну разве не перст судьбы?!) учила ещё Зайтуну Агзамовну Насретдинову, первую башкирскую приму. Тогда Елена Васильевна танцевала на Кировской сцене и одновременно преподавала. В 1970-е годы полностью отдалась педагогике. ...Между прочим, вторым преподавателем у Олии Вильдановой была Наталья Донатовна Александрова, тоже воспитанница Ширипиной. Встреча с такими педагогами - большая удача, счастливый случай для будущего артиста. Обе наставницы были чрезвычайно требовательными, обладали “потрясающим глазом”, учили всему: от азбуки танца до понимания его красоты и смысла. Как пригодились Олии Вильдановой эти уроки! И когда танцевала, и когда сама стала учить. Танцевать любила до самозабвения, в этом был смысл жизни и, как она твёрдо знала, предназначение.

...Предложение принять пост директора колледжа было неожиданным. Она никогда не думала о подобном. Не потому, что боялась ответственности, а потому, что считала себя человеком из балетного зала. Олия Галеевна умеет учить детей, любит это ремесло. Видела, возможно, себя в роли, скажем, методиста, могла что-то подсказать художественному руководителю... Но когда настал момент истины - предложили пост директора, она поняла, что должна согласиться. Нужен был человек изнутри коллектива, который всё хорошо знает, видит недостатки, потребности, направления творческого развития. И она согласилась. Хотя поначалу даже не поняла, какой груз ответственности взвалила на себя. Снова стала учиться, осваивать экономические, юридические, административные, хозяйственные знания и тонкости...

А учиться Олия Вильданова умеет. Прошла свои университеты и на практике, и на курсах управленческих кадров. Почувствовала твёрдую почву под ногами, стала увереннее. Первой победой было проведение на базе БХК в декабре 2013 года Первого всероссийского фестиваля хореографических училищ, посвящённого семидесятипятилетию со дня рождения Рудольфа Нуреева. В Уфу приехали представители крупнейших школ России, и все отмечали высокий организационный уровень.

Олия Галеевна поняла: она теперь не тот учитель, у которого один-два класса, десяток или два учеников. Теперь её ученики - вся школа, а это уже сотни жизней, и она в ответе за них. Широким и всеобъемлющим стало для неё само понятие УЧИТЕЛЬ.
Новый директор поставила перед педагогическим коллективом задачу: дети должны участвовать во всех конкурсах. И результаты не замедлили сказаться. Принимали участие в таких престижных творческих состязаниях, как “Арабеск” в Перми, “Балет. XXI век” в Красноярске, причем воспитанники колледжа становились дипломантами и лауреатами. Учащиеся народного отделения удостоились звания лауреатов Первого всероссийского конкурса народно-сценического танца. То есть они показали, на каком хорошем уровне народное отделение.

Большим событием стала поездка в Германию и участие в фестивале “Молодой балет Европы”, носящем имя Рудольфа Нуреева... Это было особо ответственно, потому что уфимцев встречают именно как нуреевцев. И дети понимают меру ответственности. С первых лет обучения используется любая возможность на уроках, классных часах, во внеклассное время, чтобы рассказать о жизни, творчестве, судьбе гениального танцовщика, великого земляка. Воспитывается чувство гордости, сопричастности, подчёркивается, что некогда Нуреев учился в стенах этой школы.

Следующая важная задача была также успешно выполнена: поставлен первый детский национальный балет “Водная красавица” по сюжету народной башкирской сказки. Музыку написал молодой композитор, выходец из Стерлитамака, выпускник Московской государственной консерватории Николай Попов. Автор хореографии - танцовщик и балетмейстер, воспитанник колледжа Ринат Абушахманов.

Опасно перечислять все достижения, победы БХК за последнее время, ибо живой рассказ о лауреате приза “Душа танца” неизбежно превратится в обычный отчет. Но невозможно умолчать о событии, увенчавшем минувший год. В ноябре с большим успехом прошел Второй фестиваль хореографических училищ, приобретший статус Международного. По-прежнему его называют Малым Нуреевским, но заметно, что по творческой насыщенности, широкой географии он пытается соответствовать старшему брату - Международному фестивалю балетного искусства имени Рудольфа Нуреева, что проходит в Башкирском государственном театре оперы и балета с 1993 года.
На сей раз в БХК приехали представители школ Москвы, Перми, Санкт-Петербурга, Новосибирска, Воронежа, Саратова, Казани, Красноярска, Якутии, Бурятии, Казахстана, Грузии, Латвии.

Действо разворачивалось непосредственно в колледже, а также в Греческом и Большом залах Башкирского государственного театра оперы и балета. Всюду царил дух творчества, сотрудничества, дружбы, вдохновения. Разнообразная программа включила в себя мастер-классы лучших балетных педагогов, просмотр первого детского национального балета “Водная красавица”, прогулки по музею истории колледжа, дискуссионный “круглый стол”, вручение дипломов участникам фестиваля. Завершился праздник Гала-концертом в двух отделениях, где ярко продемонстрировали свои достижения и хозяева, и гости.
Участников извне потрясла, другого слова не подберешь, четкость, слаженность на всех этапах такого непростого события, а также радушие, гостеприимство, компетентность устроителей Малого Нуреевского. С одной стороны, в этом явно чувствуются знания и опыт, которыми Олия Галеевна Вильданова обогатилась за несколько лет руководства школой. Но всё-таки главная составляющая успеха - это душа организатора, великая любовь к детям и понимание своего предназначения в жизни.

Фото Лилии ЗАГИРОВОЙ и из архива героини.
=======================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20408
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Май 11, 2017 10:31 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017051106
Тема| Балет, Проект "Мечтатели"
Автор| Елизавета Митина
Заголовок| Мечтатели
Где опубликовано| © Ballet Insider
Дата публикации| 2017-05-11
Ссылка| http://www.balletinsider.com/archive/review/7035
Аннотация|

5 мая состоялась московская премьера нового проекта Сергея Даниляна «Мечтатели».



Три молодых российских хореографа (в числе которых и чрезвычайно модный Владимир Варнава), три номера, объединенных общей темой, музыка Daft Punk, костюмы от Игоря Чапурина, артисты Мариинского театра, – казалось бы, готов состав коктейля Молотова, чтобы в который раз Ardani Artists поразил Москву. Учитывая поддержку CМИ и «обкатку» программы в Санкт-Петербурге в начале апреля, «Мечтатели» должны были прогреметь, как «Короли Танца» – популярный на разных континентах бенефис солистов балета – визитная карточка продюсера Сергея Даниляна. Но в реальности впечатление от премьерного вечера остались весьма неоднозначные.

Несмотря на заявленное участие трех хореографов, в смысловом и качественном плане вечер скорее стал бенефисом Владимира Варнавы: 2/3 программы составляли номера его авторства. Открывался вечер космологическим балетом «Глина» на музыку Дариюса Мийо (в 2015 году Владимир представлял его первоначальную версию в рамках Мастерской молодых хореографов в Мариинском театре). Эстетически выверенное размышление на тему сотворения всего сущего, хореографическое переложение библейского «из праха восстали, в прах и обратимся». Роль демиурга исполнила солистка Мариинского театра Злата Ялинич – сама словно вылепленная из глины, пластически совершенная исполнительница именно для этого балета, его большая удача. Этот балет любопытен, как минимум, своей скульптурностью в части работы хореографа с телом, как с материалом, и, конечно, выразительной текстурой движения – вплоть до кончиков пальцев.

Балет «Видение розы» на музыку Карла фон Вебера (и частично Александра Карлова) за авторством Варнавы – пожалуй, самое сильное впечатление вечера, в частности, за счет нелинейной трактовки известного сюжета и прекрасного исполнения.
В понимании Владимира Варнавы «Видение» – это история о том, как болезненно прекрасна жизнь, полная иллюзий, в данном случае – об отношениях мужчины и женщины. Хореограф оперирует очень выпуклыми, яркими, узнаваемыми образами, с большим вкусом подбирая выразительные средства для своего сочинения. В кинообзорах в таких случаях пишут: «Осторожно, спойлеры!». Если вы хотите открыть для себя балет самостоятельно, просто пропустите следующий абзац – не терпится рассказать эту историю в деталях.

Историю взаимоотношений персонажей считать очень легко. Лепестки роз, с которыми играет героиня (аллюзия к оригинальному балету) трансформируются в розовые очки, которые не позволяют ей распознать иллюзорность своих отношений с партнером. Он – ее фантазия, придуманный ею образ. Но рано или поздно он сорвет с нее эти очки – расставаться с иллюзией окажется больно. Однако героиня предпочитает и дальше жить в мире собственных фантазий – она лелеет, укачивает, оберегает свою иллюзию. В финале кажется, что ей удалось понять свою ошибку, вернуться из морока в реальность, но… Не часть ли это сна?

Овации публики и крики «браво» заслужили исполнители: петербургские танцовщики Полина Митряшина и Александр Челидзе. Оба яркие, фактурные, харизматичные, они при этом сильно контрастируют на сцене. Полина эксцентрична, гипертрофированно эмоциональна, часто балансирует на грани клоунады. Каждое ее движение осознанно и прожито здесь и сейчас. Вступительное соло героини запоминается выразительным, но внешне простым монологом: лежа на полу, не отрывая от него шею и плечи, героиня передвигается по кругу – часто в невообразимых конфигурациях. Александр же – суть невозмутимость, буддийский монах от современного танца, возведший силу и плавность в абсолют.

Последняя часть программы, которая, собственно, и носит название «Мечтатели», оставляет в недоумении. Если говорить совсем откровенно, это невнятная мешанина из беспомощной хореографии, которую не спасают даже артисты Мариинского театра. Ни Максим Петров, ни Илья Живой, ни Владимир Варнава, который отметился и в этой части программы, не представили ничего стоящего в пластическом плане – все затмила визуальная составляющая. Полет сквозь космос, спроецированный на задник (помните заставку Windows «Путешествие в звездолете»?), флуоресцентные полосы на костюмах, подвешенные под колосниками артисты, исполненная хором песня Daft Punk “Lose yourself to dance” – все это, конечно, популистски здорово, но формально больше подходит для ансамбля эстрадного танца, чем для вечера современного балета. Перескоки на пальцах, скучные обводки, перебежки с поднятыми коленями и вытянутыми подъемами, при этом выполненные формально и в пол-ноги не впечатлили и публику. Аплодисменты были довольно сдержанными, хотя солировали Екатерина Кондаурова и Андрей Ермаков –высший эшелон Мариинки.

Как сообщает программка, последняя часть состояла из миниатюр Beyond, Within, Motherboard, The Game of Love, Lose Yourself to Dance – но что из вышеперечисленного происходило в данный момент на сцене понять было решительно невозможно – настолько однообразны были миниатюры.

Новый проект Сергея Даниляна сложно назвать успешным в творческом плане, однако это редкая по нынешним временам попытка сделать независимый продюсерский проект с новыми именами и неизвестными публике названиями.

------------------------------------------------------------------------------------------------------------
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20408
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Май 11, 2017 10:38 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017051107
Тема| Балет, ТГАТ оперы и балета им. М. Джалиля, фестиваль классического балета им. Р. Нуриева
Автор| Татьяна Мамаева
Заголовок| Нуриевский фестиваль: история цыганки, печальная повесть и поиски Дульсинеи
Где опубликовано| © Реальное время
Дата публикации| 2017-05-11
Ссылка| https://realnoevremya.ru/articles/64887-anons-xxx-festivalya-klassicheskogo-baleta-im-r-nurieva
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

В Казани соберутся «звезды» мирового балета

Завтра в Казани, на сцене ТГАТ оперы и балета им. М. Джалиля, откроется в тридцатый раз фестиваль классического балета им. Р. Нуриева. О том, что смогут увидеть балетоманы, в обзоре «Реального времени».

«Мы хотим познакомить город с новыми исполнителями»

Напомним, что Нуриевский фестиваль изначально был безымянным и назывался просто «Фестиваль классического балета». Имя Нуриева он носит с 1993 года, разрешение на это дал сам Рудольф Нуриев в мае 1992 года, когда дирижировал на фестивале «Щелкунчика» и, убедившись в высоком художественном уровне феста, дал ему свое имя.

«Мы проводим фестиваль в тридцатый раз, и не собираемся уходить от нашей концепции – фестиваля классического балета. Наша задача – познакомить город с как можно большим количеством «звезд» мировой балетной сцены. Это же интересно – смотреть в одних и тех же спектаклях разных исполнителей, каждый из них привносит в постановку нечто свое», — прокомментировал будущий фестиваль изданию шеф балетной труппы ТГАТ оперы и балета им. М. Джалиля Владимир Яковлев.

Открывается фестиваль премьерой – это будет «Ромео и Джульетта» Сергея Прокофьева. Спектакль уже несколько сезонов был в репертуаре казанской балетной труппы, и вот – новая постановка. Кстати, во время своего пребывания в Казани Нуриев планировал сотрудничать с театром и даже собирался ставить с казанской труппой спектакль. Тогда речь шла о двух названиях – «Баядерка» и «Ромео и Джульетта».

«Ромео и Джульетта» — это тот балет, который должен быть в репертуаре каждого уважающего себя театра. У нас балет Прокофьева шел несколько сезонов, но спектакли устаревают, они ветшают, и в этом случае требуется новая постановка, отвечающая художественным запросам. Со времени предыдущей постановки изменилась наша труппа, изменились технические возможности театра, это все надо учитывать», — говорит Владимир Яковлев.

Завтра в партиях веронских возлюбленных можно будет увидеть украшение казанской труппы Кристину Андрееву и Михаила Тимаева, на второй фестивальный вечер в этих партиях выйдут гости – Таис Диоженес и Вагнер Карвалье из Бразилии. Стоит обратить внимание на исполнителя партии Меркуцио – Олега Ивенко. Буквально через несколько месяцев он начнет сниматься в фильме в роли Рудольфа Нуриева.


Фото kazan-opera.ru

Анна на шее

Два фестивальных спектакля пойдут в постановке выдающегося танцовщика, режиссера и хореографа Владимира Васильева. Это «Анюта» Валерия Гаврилина и Dona Nobis Pacem – месса си минор Баха, в переводе «Даруй нам мир».

Гаврилинская «Анюта» давно держится в репертуаре казанского театра. В свое время в одном из премьерных спектаклей партию «Анны на шее» — Анюты – танцевала великая Екатерина Максимова, а в партии Петра Леонтьевича в этом же спектакле выходил сам Владимир Васильев. Позже спектакль подвергался рестайлингу.

Месса «Даруй нам мир» — абсолютно уникальное действо, где сплетены вокал и хореография. Васильев, а он является и автором либретто, создал философское полотно, поднимающее сложнейшие нравственные проблемы современности. В спектакле заняты солисты балета Михаил Тимаев, Аманда Гомес, Кристина Андреева, Антон Полодюк, а та же выдающиеся вокалисты Алексей Татаринцев и Агунда Кулаева.

Естественно, всегда ожидаемо на фестивале «Лебединое озеро» — квинтэссенция русской балетной классики. В фестивальном спектакле титульные партии исполнят Мария Яковлева и Масаю Кимото, оба они – солисты Венской национальной оперы, что говорит об определенной высокой исполнительской планке.

И немножко Парижа

Один из интереснейших балетов в фестивальной афише – это «Эсмеральда» на музыку Пуни и Дриго, хореограф спектакля – Андрей Петров. Литературная первооснова либретто – «Собор Парижской Богоматери» Виктора Гюго. Напряженная фабула, яркие, порой противоречивые характеры, любопытная хореография – вот почему спектакль пользуется такой любовью у публики.

В фестивальном спектакли в главной партии Эсмеральды можно будет видеть блистательную Кристину Андрееву, в исполнении которой безупречная техника сочетается с точной драматической трактовкой образа. Ее партнерами станут Максим Афанасьев и Михаил Евгенов, оба они солисты «Кремлевского балета».

Творчество татарстанских авторов представлено балетом «Золотая орда», где пересекаются судьбы народов и отдельных людей. Авторы этого драматического, с элементами мистики, балета – композитор Резеда Ахиярова и поэт Ренат Харис. В заглавных партиях Кристина Андреева, Олег Ивенко, Нурлан Канетов, Михаил Тимаев.


Один из интереснейших балетов в фестивальной афише – это «Эсмеральда» на музыку Пуни и Дриго. Фото Максима Платонова

Как всегда, много поклонников у, пожалуй, самого искрометного русского балета «Дон Кихот» Минкуса. И хотя к роману Сервантеса он имеет весьма опосредованное отношение, дух Испании передан в нем в полной мере. Редкие серьезные концерты обходятся без знаменитого па-де-де из «Дон Кихота». На этот раз в титульных партиях можно будет видеть Иоланду Корреа из Национального балета Норвегии и Осиэля Гунео из мюнхенского театра.

Финал каждого фестиваля – два гала-концерта с повторяющейся программой. На этот раз они обещают быть особенно интересными, ведь их постановщиком доверено быть знаменитому танцовщику и хореографу Андрису Лиепе.

У нынешнего фестиваля только один минус – на него нет билетов, они закончились, по сути, в первый же день продажи. Так что тот, кто не успел их купить, может надеяться только на удачу – купить с рук лишний билетик.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20408
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Май 12, 2017 4:34 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017051201
Тема| Балет, ТГАТ оперы и балета им. М. Джалиля, фестиваль классического балета им. Р. Нуриева Персоналии, Владимир Яковлев
Автор| Оксана Романова
Заголовок| ХХХ Нуриевский фестиваль: Бразды правления гала-концертом переданы Андрису Лиепе
Где опубликовано| © Sntat.ru
Дата публикации| 2017-05-12
Ссылка| http://sntat.ru/kultura/49410-khkhkh-nurievskij-festival-brazdy-pravleniya-gala-kontsertom-peredany-andrisu-liepe
Аннотация| Фестиваль, ИНТЕРВЬЮ

В серии юбилейных спектаклей примут участие около 35 артистов из 14 стран мира, в том числе кубинский танцовщик Осиэль Гунео и победитель шоу «Танцуй» Александр Могилев.



ХХХ Международный ежегодный фестиваль классического балета имени Рудольфа Нуриева стартует в Казани в эту субботу, 13 мая, и продлится до 30 числа. О том, что ждет зрителей во время серии юбилейных спектаклей в интервью «Татар-информ» рассказал художественный руководитель театра оперы и балета им. М. Джалиля Владимир Яковлев.

– Чем запомнится ХХХ Нуриевский фестиваль зрителям в этом году?

– Мы не пытаемся оригинальничать на нашем фестивале, выпрыгнуть из штанов и удивлять каждый раз. Есть определенное направление, и мы его четко придерживаемся – это Международный фестиваль классического билета. Ни модерна, ни постмодерна, ни еще какого-либо циркового или эстрадного искусства, а именно классического балета. Русский балет, вообще, в мире котируется и по сей день как самое лучшее достижение русской истории. Это наше золотое достояние, которое нужно сохранить. И вот наш театр как раз, может быть, в какой-то степени чересчур традиционен, как некоторые считают, но именно мы сохраняем русский классический балет в полном его понимании.

Хотя будет представлена, конечно, и современная хореография. Эту нагрузку на себя берет гала-концерт, где современная хореография разных авторов и разных направлений (наряду с классическим репертуаром) будет представлена в большом объеме.
Главная особенность фестиваля в том, что мы имеем возможность показать нашей публике танцовщиков из разных театров, из разных стран. В нынешнем фестивале участвуют около 35 актеров 14 театров. Это, конечно, все наши российские театры – Мариинский, Большой, театр Станиславского, Михайловский театр из Санкт-Петербурга, Кремлевский балет, а также Национальный балет Испании, национальный театр Мюнхена, Норвежский национальный балет, Дрезденский театр, Гранд Опера (Париж), это и Венская опера, и Московский театр «Новая опера имени Колобова» (солисты оперы – прим. Т-и). И первый раз к нам приезжает Софийский театр. Болгарского балета у нас до сих пор еще не было. На одном фестивале невозможно показать всех, но каждый фестиваль открывает для наших зрителей новые имена.

– Кто из известных персон приглашен на фестиваль впервые?

– Мы в первый раз пригласили Андриса Лиепу и причем пригласили его в качестве режиссера гала-концерта – дали ему бразды правления. Он также формирует и творческий коллектив постановки. Я думаю, это достаточно любопытно. Мариса Лиепы (прославленный артист балета и киноактер, отец Андриса Лиепы – прим. Т-и), к сожалению, у нас в театре не было, но была несколько раз в нашем фестивале Илза Лиепа. И она оставила очень приятное впечатление у нашей публики.

Впервые в «Дон Кихоте» мы увидим в партии Китри приму-балерину Норвежского национального балета Иолланду Корреа и Осиэля Гунео из Национального театра Мюнхена в партии Базиля. Это очень смуглокожий актер, но техничный и очень интересный танцовщик. Он очень востребован во всем мире, и нам удалось его пригласить. Это не первый случай, когда в нашем фестивале принимают участие смуглые танцовщики – когда-то также в «Дон Кихоте» танцевали кубинцы. Все это актеры очень высокого класса, очень индивидуальные. Сейчас во всем мире воспринимается нормально, даже если Одетту-Одилию танцуют актеры не европейской внешности.

Также в гала-концерте по приглашению Андриса Лиепы примет участие победитель телепроекта «Танцуй!» на Первом канале Александр Могилев. В его номере на музыку Равеля «Болеро» примут участие 7 наших танцоров. Сейчас мы готовим для них костюмы.

– Казанская труппа будет преимущественно задействована в каких спектаклях?

– В премьере «Ромео и Джульетта» в новой редакции. Это наш авторский спектакль, естественно, мы на этот спектакль никого не приглашаем. Месса си минор Dona nobis pacem («Даруй нам мир») – это тоже наша авторская работа Владимира Васильева, в которой принимает участие, естественно, наша балетная труппа, наши хор и оркестр, а также задействованы вокалисты из национальной оперы Украины, из Большого театра, из Московского театра «Новая опера имени Колобова». А также «Эсмеральда» – спектакль, который идет в двух театрах в России, в той редакции, как он будет представлен у нас – Кремлевский балет и наш балет – поэтому этот спектакль сформирован из артистов этих двух театров. «Золотая Орда» – это наше родное детище, здесь полностью наши актеры.

– Что стало темой гала-концертов в этом году?

– Точно не могу сказать. Знаю, что Андрис Лиепа готовит определенный видеоряд уникальных документальных кадров, связанных с Рудольфом Нуриевым. У нас, в общем-то, в практике давно существует, что на гала-концерт мы показываем публике какие-то киносъемки, связанные с разными этапами жизни Нуриева. Но очевидно, есть то, что мы сами еще не видели – как раз то, что пытается найти сейчас Андрис в архивах. Когда он приедет сюда, мы начнем его монтировать – это тоже достаточно сложная работа, потому что он приедет буквально за два дня до гала-концерта. Это будут самые напряженные дни, когда надо будет продумать и всю сценографию.

– Подготовка гала-концерта, судя по всему, самая сложная часть всего фестиваля?

– В этом отношении – да. Гала-концерт требует максимальной сосредоточенности и собранности, когда каждая минута дорога, поэтому бывает, что и до самой поздней ночи работаем. Все дело в том, что на этих спектаклях много различных номеров, к тому же есть особенности современной хореографии, где очень большую играет световая партитура. Ее нужно отдельно выставлять на каждый номер – это очень сложная и кропотливая работа. Здесь свет, там световая дорожка, там одного цвета фон, здесь другого. Если брать классический репертуар, скажем, па-де-де, то обычно выставляется концертный свет и это гораздо проще. А в современной хореографии всегда возникают большие сложности, когда нужно очень быстро и организованно все это собрать, провести световые репетиции, сделать световую партитуру, записать на компьютер.

– Вы упомянули, что в работе костюмы для номера Александра Могилева. А остальной реквизит, декорации и костюмы все уже готовы?

– Мы спектакли делаем очень красивыми, декорации у нас дорогостоящие, потому что художники, которые стоят на первом эшелоне своей значимости, потому что публика должна увидеть художественное произведение. Как занавес открылся – не должно быть никаких мелочей. Декорации, костюмы, свет, техника, исполнительский состав – все должно соответствовать уровню академического театра. И мы стараемся этому уровню соответствовать.

Сейчас есть тенденция: висят на сцене две черные тряпки и это называется современное прочтение спектакля. Да чушь!

Поэтому если мы создаем спектакль «Ромео и Джульетта» (который открывает наш фестиваль), то он решен в традиционно классических критериях, сценография приближена к той эпохе – мы не одеваем Ромео и Джульетту в джинсы, мы не переносим события в трущобы Нью-Йорка или еще куда-нибудь. Главное – художественная ценность спектакля. Если есть смысл вложить деньги вот именно в эти декорации, чтобы они, во-первых, произвели хорошее впечатление и прослужили к тому же достаточно долгий срок. Так, для «Ромео и Джульетты» жесткие декорации изготавливались в лучших мастерских Москвы, мягкие декорации делаем здесь. Костюмы не всегда приглашенные солисты могут привезти с собой – некоторые театры этого не допускают, поэтому достаточно часто здесь, за пару дней до спектакля приходится срочно шить костюм на этого артиста.

– Все ли из ранее заявленных актеров к настоящему времени подтвердили свое участие?

– Действительно наша профессия очень травмоопасна, травма может произойти в любой момент. И таких случаев у нас громадное количество, когда актеры даже сюда приезжали и здесь получали травму, и приходилось их срочно заменять, прямо во время спектакля искать другого актера.

Как-то Айдар Ахметов у нас был просто зрителем на фестивале, и другой актер танцевал «Лебединое озеро» – и во время первого акта получил травму плеча. Идет Айдар Ахметов, который не занят в спектакле, пришлось мне ловить его в коридоре со словами: «Переодевайся, танцуешь третий акт». В общем, он танцевал за него «Лебединое озеро». Конечно, не очень приятны такие форс-мажоры, но к этому надо быть готовыми. И пока что за все эти 29 лет это не было причиной для отмены спектакля. На сегодня все приглашенные артисты подтвердили свое участие.

– Помимо работы с колоссальной нагрузкой и ответственностью чем является Нуриевский фестиваль для самих его участников, танцоров?

– Когда собирается такое большое количество интересных актеров, то в театре возникает особая атмосфера здоровой творческой конкуренции. Актеры пребывают накануне выступления и стараются посмотреть предшествующих танцовщиков и на следующий день станцевать не хуже, чем тот, кто был до него. Балетный мир – это очень замкнутый и очень узкий круг людей. Когда я был в Австрии, приходит танцовщик просто посмотреть спектакль, мы с ним разговариваем и вдруг выясняется, что его педагог Ласаро Кореньо. А это кубинец, с которым я учился в Петербурге, мы жили в одной комнате. Так что часто выясняется, что ли артисты в одной школе работали, то ли у одного и того же педагога учились, или работали вместе в театре, или принимали участие вместе в конкурсе. Так что сообщество, которое собирается на определенные моменты в театре, создает уникальную атмосферу, и для наших актеров тоже очень интересно смотреть на других исполнителей и учиться у них, брать у них в собственную копилку что-то новое для себя.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9  След.
Страница 2 из 9

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика