Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2017-04
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18670
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Апр 26, 2017 11:59 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017042604
Тема| Балет, Кыргызский театр оперы и балета, Персоналии, Максат Сыдыков
Автор| Светлана Федотова
Заголовок| Танцовщик из Бишкека: кувыркающиеся на сцене голые люди — это не балет
Где опубликовано| © Sputnik Кыргызстан
Дата публикации| 2017-04-26
Ссылка| https://ru.sputnik.kg/culture/20170426/1033095038/intervyu-s-tancovshchikom-maksatom-sydykovym.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Как бишкекский танцовщик Максат Сыдыков попал в одну из самых престижных школ мира English National Ballet School, кто выносливее — футболисты или артисты балета — и почему танцовщикам не стоит раздеваться, чтобы привлечь внимание зрителей, выяснила корреспондент Sputnik Кыргызстан Светлана Федотова.

Знаете ли вы, кто сегодня выступает на подмостках главной балетной сцены республики и какие спектакли здесь ставятся? Меня, к примеру, просветил на этот счет Максат Сыдыков.

— Я слышала, многие артисты балета злятся, когда их называют танцорами. Вы тоже?

— Нет. Но вообще это неправильно, корректнее будет "танцовщики". — Расскажите, почему вы посвятили жизнь танцу? Ведь многие считают балет совсем не мужским занятием. — В 90-х, когда вокруг царили разруха и беспредел, мои родители, очень интеллигентные люди, опасались, что я могу попасть в дурную компанию. Когда мне было 12 лет, мама привела меня в Бишкекское хореографическое училище, чтобы уберечь от проблем, которые наживали себе дворовые пацаны. Естественно, мне, как и другим мальчишкам, все это было чуждо…

Первый год в училище был скучным, я бы даже сказал — пресным. А потом у нас появилась педагог из Петербурга, изменившая мое отношение к учебе. Она была выпускницей престижнейшей Вагановской школы (Академия русского балета имени А. Я. Вагановой, одна из старейших балетных школ мира. — Ред.), хотя дело не только в этом. На ее первом уроке мы не изучали стандартные поддержки и "па", а посмотрели фильм об известных танцовщиках, добившихся больших успехов на сцене. Помню, у меня тогда мурашки по телу побежали: в каждом движении этих людей было столько страсти, энергии и эмоций!

После того урока наш танцевальный класс изменился — у всех как будто второе дыхание открылось. Мы с ребятами стали уделять занятиям гораздо больше времени, относиться к ним ответственнее. Потом начали ездить на конкурсы… Когда добиваешься успеха, хочется работать еще больше.

— А проблем из-за танцев у вас не было? Сами ведь говорите, лихие 90-е и все такое…

— Нет, в хореографическом училище были такие же ребята, как я. Это вообще, на мой взгляд, одно из лучших учебных заведений в Кыргызстане. Педагоги приветливы, но и строги… в меру. Силу духа там укрепляют с детства: постоянно держать себя в форме, соблюдать режим, заниматься — это труд, продолжающийся 24 часа в сутки. Им надо жить. Когда я учился в Англии, у меня был друг, работавший физиотерапевтом в "Челси" (английский профессиональный футбольный клуб. — Ред.). В то время это еще была команда среднего уровня, играющая в премьер-лиге. Однажды мы организовали совместный проект, в ходе которого сравнили физические характеристики артистов балета и футболистов. Так вот, танцовщики "сделали" спортсменов по всем показателям! Балет — это вам не "джига-дрыга", танцовщики проходят серьезную атлетическую подготовку.

— Расскажите, как вы уехали учиться в Англию и как нашим танцовщикам попасть в одну из лучших танцевальных школ мира.

— Когда мне исполнилось 14 лет, мы начали выезжать на соревнования. Первые были в "Артеке" (международный детский центр в Крыму, в советское время — самый знаменитый пионерский лагерь. — Ред.). Это был уникальный опыт. Туда же, кстати, приезжала тогда и Алина Кабаева в составе сборной по гимнастике. Вообще, я там набрался впечатлений на всю жизнь.

После успешно представлял себя и страну на международных конкурсах. В Швейцарии, например, проводится один из самых престижных смотров танцовщиков, победителям которого дают стипендии на обучение. Лауреаты этого конкурса могут выбрать любую из тридцати лучших балетных школ мира: в Нью-Йорке, Санкт-Петербурге, Лондоне… Я стал лауреатом все в те же 14 лет, но чтобы в таком возрасте жить и учиться в чужой стране, надо иметь попечителя. Мой дядя работал в Кембридже, поэтому вариант с Англией был самым оптимальным. Так я попал в лондонскую балетную школу.

— Сколько вы там проучились?

— Три с половиной года. А в 17 лет мне предложили работу в Японии, и я согласился. Там познакомился со знаменитым хореографом Мартином Шлепфером, который пригласил меня поработать с ним в Германии. Я совмещал путешествия и работу, танцевал в потрясающих спектаклях…

— Есть сложившийся стереотип о балетных труппах: мол, сначала ты танцуешь в массовке и только много позже, если очень повезет, тебе позволят исполнить что-то великое.

— Именно поэтому мне было интересно работать с Мартином. В традиционном балете действительно надо несколько лет выступать в кордебалете, и лишь после этого выпадет шанс станцевать что-нибудь стоящее. С Шлепфером все было иначе: он видел, на что способны его артисты, и давал им возможность показать себя. У нас была очень сильная команда, которая творила удивительные вещи. Параллельно мы работали с разными хореографами, оттачивая мастерство. В труппе Шлепфера я провел около 10 лет.

— Отношение к балетному искусству в Европе не идет ни в какое сравнение с тем, как к нему относятся в Кыргызстане. Тем не менее вы вернулись в Бишкек…

— Согласен, европейцы балетное искусство очень ценят. Люди идут на балет за живыми эмоциями, которые невозможно передать даже в IMAX. Я хочу открыть здесь свой театр, создать труппу и делать свои шоу. Как вы думаете, кыргызстанский зритель достоин того, чтобы видеть качественное танцевальное шоу?

— Думаю, да.

— Я тоже так считаю. Хочу продвигать здесь современное искусство, популяризировать балет, возродить интерес к нему. Для этого основал фонд поддержки балета ProArt. Любой руководитель должен уметь создавать для артистов хорошие условия, чтобы они могли полноценно работать. Мы движемся в этом направлении: за один год существования фонда запустили четыре проекта, пригласили больше двух десятков международных специалистов, сделали пять балетных постановок и провели около семи мастер-классов.

— Теперь некорректный вопрос: как вы зрителей в театр-то затащили? Сегодня люди даже фильмы предпочитают смотреть в Интернете…

— К нам приходят за теми самыми живыми эмоциями — вы не представляете, сколько на сцене страсти и огня! В нашей стране во времена СССР тоже были завзятые театралы, не пропускавшие ни одной постановки. Просто в 90-х годах появились дилетанты, которые ставили некачественные спектакли, обманывая зрителей, и те постепенно теряли интерес к театру. Наша задача — вернуть этот интерес. Мы хотим делать качественные, зрелищные шоу: приходя к нам, человек должен зарядиться энергией.

— Это будет что-то очень смелое, обнаженное?

— Я стараюсь не ставить провокационные спектакли, вижу грань между красотой и пошлостью. Родители привили мне хороший вкус. Отец, например, всегда говорил, что искусство заканчивается там, где люди начинают раздеваться. Сейчас часто слышу, что современный балет — это кувыркающиеся на сцене голые люди. Нет! В современном балете есть драматургия, хореография, пластика и страсть. Я не позволю своим артистам обнажаться, чтобы заманить зрителей в зал. Мои танцовщики всегда элегантны и красивы — такова моя позиция.

— Насколько выгоден этот бизнес?

— Первым делом надо заинтересовать зрителя. На футбол наши люди начали ходить? Начали! И на балет ходить будут, если его развивать. Главная задача — сделать так, чтобы человек пришел к вам один раз и захотел прийти снова.

26 апреля мы ставим "Ромео и Джульетту" в Национальном театре оперы и балета. До этого я поставил спектакль "Люди и звери", который заставлял зрителя думать, копаться в себе. Кстати, не все такое любят, кто-то предпочитает классического "Щелкунчика", где можно просто наслаждаться эстетикой, не утруждая себя размышлениями. К осени мы готовим большую постановку, связанную с тематикой времен правления Николая II. В ней будет задействовано около 40 танцовщиков.

------------------------------------------------------------
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18670
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Апр 27, 2017 12:17 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017042701
Тема| Балет, XVI международном фестивалЬ Dance Open, Nederlands Dans Theater
Автор| Анастасия Попова
Заголовок| Голландское танцевальное посольство
Вечер балетов Nederlands Dans Theater в Санкт-Петербурге совместил традиции и новации

Где опубликовано| © Известия
Дата публикации| 2017-04-27
Ссылка| http://izvestia.ru/news/693065
Аннотация| фестиваль

На XVI международном фестивале Dance Open, завершившемся в Петербурге, выступила труппа Нидерландского театра танца (NDT). В программе — балеты топовых европейских хореографов нового поколения: элегантных традиционалистов Пола Лайтфута и Соль Леон («Немое пространство» и «Дотянуться до звезд») и дерзкого новатора Марко Гёке («Тонкая кожа»). Объединяет их регулярное сотрудничество с NDT и склонность к синтетическим действам, в которых соединяются музыка, танец, изобразительное искусство и кинематограф.

Тандем балетмейстеров Леон и Лайтфута базируется на почитании традиций, прежде всего наследия патриарха NDT Иржи Килиана. У своего знаменитого предшественника они заимствовали экспрессивный стиль пластики модерна и повышенное внимание к музыкальному началу. 45-минутное «Немое пространство» — интеллектуальная медитация-рефлексия, направленная на исследование возможностей синтеза. Узорчатая вязь саундтреков из киномузыки Филипа Гласса провоцирует бесконечные дуэты и трио с тесным физическим контактом танцовщиков.

В музыкально-хореографическое полотно органично вплетены видеоролики, стилизованные под немой кинематограф (видимо, отсюда и название балета). Кадры морского прибоя, спящего зимнего леса, плывущих вдаль облаков добавляют пространственный эффект. Непрерывные фигурации в музыке, вращения и поддержки в пластических ансамблях и слайды на экране сливаются в бесшовный поток, который хореографы растягивают до бесконечности, изобретая новые и новые варианты соотношений.

Камерная постановка «Дотянуться до звезд» — размышление авторов о вечном стремлении человека к неизведанному. Три вращающиеся комнаты с ретрообоями становятся тюремными камерами для обитающих в них людей. Весь спектакль герои пытаются вырваться на свободу: открывают двери, вылезают в окна. Об этом же говорит пластический лейтмотив балета — устремленный ввысь арабеск. Действие одновременно транслируется на двух больших экранах, что добавляет ему объема.

Однако сюжет для хореографов — лишь повод порассуждать на излюбленную тему соотношения музыки и танца. Полетная хореография, диктуемая будто бы сценической ситуацией, на деле исходит от невесомой фактуры миниатюр Гласса и складывается с партитурой композитора в неразрывное целое.

Медитативный тон разбавила «Тонкая кожа» Марко Гёке — приношение хореографа иконе панк-рока, певице и поэтессе Патти Смит. В отличие от вневременных и вненациональных спектаклей Лайтфута и Леон, балет Гёке вполне конкретен. Америка рубежа 70-х — 80-х годов прошлого века. Мир тату, рок-н-рола и случайных связей. Рефлексия в этих реалиях приравнивается к слабости духа. Герои «Тонкой кожи» живут одним днем. Единым порывом и сиюминутной эмоцией. Острыми спичками разжигают вокруг себя огонь — от накала страстей сцена в буквальном смысле дымится — и гибнут в нем.

Иная реальность порождает иные художественные средства. На музыку нервных, пронизанных током песен Смит накладывается столь же аффектированный, высоковольтный танец Гёке. Пластический рисунок балета формируется из немыслимых поз, резких изгибов силуэтов, акробатических поддержек, смелых даже для современного балета. Спектакль словно соткан из импульсивных кульминационных вспышек. И наблюдать за этой магией — чистое удовольствие.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18670
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Апр 27, 2017 12:23 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017042702
Тема| Балет, XVI международный фестиваль Dance Open,
Автор| Анна Галайда
Заголовок| С фестиваля Dance Open выходили меж кресел, по ногам
Невинный израильский спектакль возмутил опытную петербургскую публику

Где опубликовано| © Ведомости
Дата публикации| 2017-04-27
Ссылка| https://www.vedomosti.ru/newspaper/articles/2017/04/26/687702-tanets-s-otkritiyami
Аннотация| фестиваль


Virus не новый спектакль, но продолжает поражать
Стас Левшин



Возникший в начале 2000-х гг. фестиваль за годы своего существования прошел много трансформаций. Начинавшийся как мастер-классы для юных танцовщиков с прилагавшимся концертом петербургских балетных солистов Dance Open с годами стал собирать невероятные по плотности международных звезд гала-концерты. В этом году впервые Dance Open превратился в настоящий театральный балетный фестиваль, сохранив особенность – толерантность, открытость всему, что способствует развитию жанра.

Мало кто в наши дни способен в течение недели показать на одной сцене Нидерландский театр танца, израильскую труппу «Батшева» и сборную Большого театра. Для посвященных любая из этих компаний – гарантия счастливого ажиотажа. Но Dance Open на этот раз рискнул соединить мировых грандов с главными отечественными ньюсмейкерами – Пермским и Екатеринбургским балетами, причем показал новорожденные постановки – «Золушку» Алексея Мирошниченко и «Снежную королеву» Вячеслава Самодурова. Современные сказки у родителей вызвали энтузиазм не меньший, чем у детей, – многоактные спектакли, рассказанные языком виртуозного пуантового танца и сегодняшних театральных технологий, в дефиците во всем мире.

Не побоялся фестиваль привезти и балет польского Театра Вельки, без ажиотажа, но интересно работающий в Варшаве и впервые представивший в России популярного в Европе хореографа Кшиштофа Пастора и его спектакль по мотивам шекспировской «Бури».

С тех пор как несколько лет назад NDT-I, основная труппа Нидерландского театра танца, получила крещение на сцене Мариинского театра, Петербург смирился с босоногостью и отсутствием классических линий в их спектаклях. Голландцы, как это умеют только они, превратили программу, дважды повторенную на Dance Open, в настоящий психологический триллер, в котором исповедальный Silent Screen Леон-Лайтфута сменялся ледяным душем Thin Skin Марко Гёкке и вновь заставлял вжиматься в кресло на Shoot the Moon Леон-Лайтфута. Гёкке увлекают формальные поиски пластического языка, эквивалентного музыке Патти Смит. В спектаклях Леон-Лайтфута лапидарность Филиппа Гласса и пластического языка противостоит изощренной тонкости эмоциональных нюансов, драматизму, виртуозной режиссуре и эстетским видеопроекциям. Но во всех спектаклях труппа не работает, а отдает себя хореографии без остатка, и зрители от этого, казалось, забывали дышать.

Гораздо драматичнее вышло выступление других лидеров мирового современного танца – израильской труппы «Батшева». В Петербург она привезла спектакль своего лидера Охада Нахарина (Наарина) Virus, поставленный еще в 2001 г. по пьесе Петера Хандке «Оскорбление публики». С тех пор этот балет с успехом объехал полмира, вошел в репертуар других компаний, был награжден New York Dance and Performance (Bessie) Award и давно перестал кого-то оскорблять. В нем драматург и вместе с ним хореограф разделываются со всеми отношениями между автором и зрителями. Нахарин выстроил на сцене стену, на которой танцовщики что-то пишут и рисуют, над ней поместил оратора в костюме (благодаря этому текст Хандтке, 20 лет назад переведенный Виктором Топоровым, впервые прозвучал по-русски), а внизу расположил танцовщиков в вызывающих костюмах – белых комбинезонах и черных гамашах-галифе, словно лишающих ног. Нахарин с его уникальным ритмическим чувством выстроил сложнейшие композиции для полутора десятков артистов, где танцы орды сменяются соло или небольшими ансамблями, под обращение к зрителям – «сифилитикам, дурилкам картонным, фашистам, антифашистам».

Благодаря акустике Александринского театра слова звонко разнеслись до галерки, почти полный свет в зрительном зале позволил рассмотреть волнение публики в вечерних платьях, дополненное истерическими хлопками одного из зрителей, посреди спектакля отправившегося меж кресел по ногам, как он громко сообщил, в Мариинский театр. Молодежная труппа «Батшева», которая не дает пропасть драйву спектакля-ветерана, танцевала с мощью и неистовством библейских пророков. Но петербуржцы хотя и воспринимают современное искусство с опаской, умеют ценить профессионализм и ответственность. Virus они проводили стоячей овацией. Теперь, вероятно, «Батшева» может рассчитывать на такое же признание, как Нидерландский театр танца.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пт Май 05, 2017 8:25 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18670
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Апр 27, 2017 12:35 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017042703
Тема| Балет, Фестиваль «Воронежские звёзды мирового балета», Персоналии, Иван Алексеев (БТ)
Автор| Алла Ключанцева / Фото: Алла Ключанцева, Константин Кириакиди (балет)
Заголовок| Иван Алексеев: «Наконец, я дорос до Макбета»
Где опубликовано| © Страницы Воронежской культуры
Дата публикации| 2017-04-26
Ссылка| http://culturavrn.ru/person/21156
Аннотация| пресс-конференция, гастроли



Фестиваль «Воронежские звёзды мирового балета» продолжает воплощаться на сцене единственного в Черноземье оперного театра. 25 апреля зрители увидели балет «Макбет» на музыку Кирилла Молчанова. Особенность этой постановки в том, что главную партию в ней исполнил танцовщик Большого театра, в прошлом – выпускник Воронежского хореографического училища и солист Воронежского театра оперы и балета Иван Алексеев.

За несколько часов до выступления на своей первой и хорошо знакомой сцене артист, в прямом смысле, забежал в Дом журналистов Воронежа, чтобы пообщаться с местными журналистами, многие из которых ещё помнят, как несколько лет назад провожали его в столицу.

Что ждало Вас после переезда из Воронежа в Москву?

- В принципе… Я шесть сезонов отыграл на сцене воронежского театра, сложился на ней как артист. А потом пришлось уехать в Москву и начать там всё с нуля. Я очень боялся, что в Большом театре для меня не будет нужных ролей, первое время было сложно. Но, к счастью, нашлись люди, которые помогли мне освоиться там, за что я очень им благодарен.

- Какие Ваш любимые роли на сцене?

- Возраст пока позволяет мне танцевать Студента в «Анюте» (смеётся). И, наверное, это – одна из любимых моих партий (именно её Иван исполнит на сцене Театра оперы и балета 26 апреля). Очень нравится представать в образе Ленского в балете «Евгений Онегин».

- А что скажете о главной роли в «Макбет»?

- Это – отдельный разговор. Сам по себе хореографический текст в этом балете очень сложный, и ещё пару лет назад я бы сказал уверенно, что ничего не могу сказать о роли Макбета. Хочу только правильно исполнить свою партию. Сегодня я понимаю значение этой роли, что я могу передать зрителю во время танца. Я до «Макбета», наконец-то, дорос, вот, что могу сказать.

- Немного банальный вопрос, что или кто вдохновляет Вас?

- Конечно, моя семья – жена и дочка. Так получается, что в реальности у меня очень мало свободного времени, и каждую минуту из него я пытаюсь провести со своими девочками. Потому что именно они, в любой момент, несмотря ни на что, будут рядом со мной и окажут именно ту поддержку, которая необходима любому человеку, выступающему на сцене перед большой толпой.

- А кто для Вас лучший критик? Есть такой человек?

- Да. Это – я сам.

- Иван, Вы сыграли уже много ролей, и, с высоты своего опыта, можете уверенно сказать, что успешно исполните совершенно любую роль?

- Знаете… «И гибель ждет его, как всех, Кто слишком верит в свой успех», – отвечает артист строкой из шекспировской пьесы. Позже выясняем – из «Макбета».



А вечером Иван вдохновенно танцевал в балете Молчанова на сцене своего первого театра. Достойной партнёршей Алексеева выступила солистка Большого театра Диана Косырева, которая выучила партию Леди Макбет специально для фестиваля в Воронеже.

-------------------------------------------------

Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18670
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Апр 27, 2017 12:42 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017042704
Тема| Балет, XVI международный фестиваль Dance Open,
Автор| Полина ВИНОГРАДОВА
Заголовок| Буря и натиск
Завершился XVI Международный фестиваль балета Dance Open

Где опубликовано| © Вечерний Санкт-Петербург
Дата публикации| 2017-04-26
Ссылка| https://vecherka-spb.ru/2017/04/26/burya-i-natisk/
Аннотация| фестиваль



Два лучших региональных театра России привезли в Петербург самые зрелищные сказки из своего репертуара. Екатеринбургский театр оперы и балета показал «Снежную королеву» в постановке худрука балетной труппы Вячеслава Самодурова. Выпускнику Вагановской академии и бывшему солисту Мариинки удалось не только поставить на ноги уральскую труппу, но и превратить Екатеринбург в один из центров танцевального искусства. На базе родного театра он проводит мастерскую для молодых хореографов, приглашает к сотрудничеству модных режиссеров и не боится преподносить местной, все еще консервативной публике весьма неожиданные впечатления. Обрушившийся в тот день на город снегопад балетоманы объясняли тем, что вечером на сцене Александринского театра дают «Снежную королеву» – завораживающе красивый детский балет.

Второй сказкой была «Золушка» Пермского театра оперы и балета. Его руководителя Алексея Мирошниченко в Петербурге любят и ценят как хореографа, верного классическим традициям, но сумевшего вернуть им давно прошедшую молодость и утраченную свежесть. Сюжет сказки перенесен в Москву 1957 года и разворачивается в Большом театре, где в роли Золушки – молодая балерина Вера Надеждина, а злой мачехи – примадонна Ольга Свистокрылова, которая строит козни. В спектакле есть даже Никита Хрущев и Екатерина Фурцева, а также молодой талантливый балетмейстер Юрий Звездочкин, в котором узнается Юрий Григорович. Спектакль наивный и трогательный, как старая песня о главном, относится к так называемому советскому проекту, который развивают в Пермском театре его харизматичный худрук Теодор Ку­рентзис и Алексей Мирошни­ченко.

Успех «Оскорбления публики»

Израильский коллектив «Бат­шева» показал в Петербурге спектакль «Вирус Наарина», поставленный в 2001 году по пьесе австрийского драматурга Петера Хандке «Оскорб­ление публики». Балет танцует молодежная труппа, и юные танцовщики вместе со зрителями испытывают шок, душевную и физическую боль, внезапно вспыхнувшую страсть и какой-то необъяснимый трепет. Танцевальная техника «Гага», которую практикует Охад Наарин в своей мастерской, направлена на взаимодействие тела и сознания.

Текст нужен был хореографу просто как повод к размышлению; его произносил человек в элегантном костюме (на самом деле это манекен, озвученный одним из танцовщиков). Этот некто, предположим, пророк или оратор стоял наверху стены. Возможно, это что-то вроде Стены Плача, на которой танцовщица писала все, что накопилось откровенного, искреннего, пусть и чересчур грубого. Или «четвертая стена» между зрителем и актером, на которой настаивал Бертольт Брехт.

Танцовщики писали на ней мелом фразы, обводили свои силуэты, чертили линии. Было ощущение, что происходит сеанс гипноза. Сначала они двигались медленно, потом по очереди корчились как будто от боли, раздавались крики на идиш. Национальная музыка превращала современный балет в танец богоизбранного народа. Монотонным голосом оракул-пророк твердил вызывающий оторопь текст (русский перевод блестяще сделал Виктор Топоров).

Ближе к концу мы услышали историю девочки, которой нравилось испытывать боль. Реальные истории танцовщиков вплетены в хореографическое полотно Охада Наарина.

Жутко красиво

Громкой премьерой петербургского фестиваля стал балет «Буря» Национального балета Польши, созданного восемь лет назад при Польской национальной опере. Возгла­вил труппу хореограф Кшиш­тоф Пастор, успевший к тому времени поработать в Нидер­ландском театре танца (NDT), а такая запись в трудовой книжке открывает перед балетмейстером все двери. За эти годы он воспитал солистов, которые с одинаковым рвением танцуют классику и модерн.

«Буря» – это жутко красиво (в такие моменты любишь родной язык за возможность поставить рядом два, казалось бы, несовместимых слова). Коллективные танцы – духи, волны, облака – поставлены так виртуозно, будто телами управляла природная стихия. На сцене только сухое дерево.

Все номера – и соло, и дуэты – решены в технике классического танца: никаких ломаных линий, абстрактных понятий и босых ног. «Буря» – это попытка хореографа создать мифологию нашего времени на основе сюжета шекспировской пьесы. Я не буду подчеркивать мастерство танцовщиков. Роль Просперо исполнил Владимир Ярошенко, давно заслуживший славу виртуозного танцовщика, привнесшего в современный польский балет каноны советской школы. А красавица Юка Ибихара (Миранда) – обладательница награды «Лучшая танцовщица Польши». Все другие станцевали на твердую пятерку по меркам старших классов Ва­гановской академии. Силь­ные, красивые, они выполняли сложные поддержки на фоне апокалиптических пейзажей, созданных Ширин Нешат. И в финале старое, засохшее дерево вновь раскинуло ветви и расцвело.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Чт Апр 27, 2017 12:53 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18670
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Апр 27, 2017 12:52 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017042705
Тема| Балет, XVI международный фестиваль Dance Open, Нидерландский театр танца (NDT)
Автор| Анна Гордеева
Заголовок| Не выходи из комнаты
В Петербурге станцевали большие голландцы

Где опубликовано| © Lenta.ru
Дата публикации| 2017-04-27
Ссылка| https://lenta.ru/articles/2017/04/27/dance/
Аннотация| фестиваль


Фото: Станислав Левшин / предоставлено пресс-службой фестиваля Dance Open

Фестиваль Dance Open привез в Петербург Нидерландский театр танца (NDT) — главный европейский театр, специализирующийся только на современной хореографии. Никаких «Щелкунчиков» и «Лебединых озер», никакого зарабатывания на классике. Только работы худруков театра — Пола Лайтфута и Соль Леон — и их единомышленников.

При открытии занавеса мы видим на сцене большой экран. Он состоит из трех частей, и на каждой — море. Прибой, холодноватый и пустынный пейзаж, а посередине — силуэты трех человек. Не сразу понимаешь, что двое — здесь, на сцене, а третий персонаж лишь на экране; настоящее и прошлое, живое и мертвое у Лайтфута и Леон рядом. Так начинается балет Silent Screen, переведенный на афишах как «Немое пространство»; один из их исповедальных балетов.

Эта пара хореографов (была семейной, потом расстались, но продолжили чрезвычайно успешно работать вместе) вываливает на сцену свои беды, переживания, страхи и семейные истории. Но не так, как это сделали бы хореографы, выросшие в традиции драмбалета, где сразу было бы ясно, кто болен, кто здоров, кто изменщица, а кто — злой разлучник. Разговаривая о собственной жизни, они сплетают образную вязь, где действующими лицами становятся пейзажи: их дочь прибегает на экране из леса, а страшная болезнь подруги превращается в красный ковер, что встает стеной перед стремящейся убежать героиней (как было в «Объекте перемен», первом балете Лайтфута и Леон, показанном в России шесть лет назад Дианой Вишневой). Эта парочка — поэты, близкие к экспрессионистам: яркость жеста, любовь к «сломанным» движениям, готовность шокировать публику в комплекте.

Помнят они и о сюрреалистах — так, пара героев балета, родители, начинает танцевать, проваливаясь в зрачок дочери, увеличившийся на экране и трансформировавшийся в вихрь, и о романтиках (а как же — вот он, за окном, неясный балетный призрак). Но за всеми формальными ходами в Silent Screen есть отчетливая история о желании удержать рядом близкого человека — о надежде, которая еще существует.

Этой надежды уже нет во втором балете — Shoot The Moon (название было переведено как «Дотянуться до звезд»). Поставленный через полгода после Silent Screen и также использующий минималистическую музыку Филипа Гласса, которая капает на барабанные перепонки как знак безразличного времени, Shoot The Moon прощается с иллюзиями. На сцене — вращающаяся каруселью конструкция, предъявляющая нам три комнаты: то одну, то другую, то третью, потом снова первую и так много-много раз. Комнаты связаны дверями и (две из них) окнами; в каждой из комнат бьется о стенки, корчится на подоконнике или стоит на высокой полке — так, будто сейчас сиганет с петлей на шее — герой. В трех шагах и недосягаема — героиня.

Очень жестко выстроенному, довольно условному, основанному на непривычной, неклассической лексике спектаклю петербургский зал внимал как самой понятной истории из сериала: вот этот любит ее, а она его нет, а этому кажется, что он сам виноват, что его никто не любит. И в антракте, и после спектакля петербургские зрители кидались объясняться в любви — нет, не обделенным взаимностью героям, конечно же, а хореографам, сидевшим в зале. И Лайтфут с Леон, вообще-то известные своими жесткими характерами и нелюбовью к сантиментам, просто плавились в этом потоке обожания, терялись, растерянно смотрели в лицо потрепанным жизнью бабушкам и модным экзальтированным девицам и, кажется, понимали, что так — после десяти с лишним лет в качестве руководителей театра — начинается новый этап в их жизни: их признали в России.

Потому что раньше всегда в России NDT был только театром Иржи Килиана. Наших балетоманов не слишком интересовала давняя история голландского балета: танцы в XVII и XVIII, XIX веках скрывались во тьме. К ХХ веку Нидерланды подошли без своей легенды о балете — потому что классический балет требует императорского пафоса и императорских денег, а к началу прошлого столетия в Нидерландах не было ни того, ни другого. Неудивительно, что визиты послереволюционных русских кочевых трупп производили сенсацию в этой маленькой стране — она такого прежде не видела. Основателем же Национального балета уже после войны стала Соня Гаскелл — уроженка маленького литовского города, в 1923 году приехавшая в Париж и в свои 19 лет пошедшая в ученицы к великой балерине Любови Егоровой. Она танцевала затем в кабаре и давала балетные уроки; войну встретила в Амстердаме, где одновременно участвовала в Сопротивлении и учила детей делать батманы у станка. Именно она после войны основала балетную академию и труппу, что потом станет Национальным балетом Нидерландов. И именно эту труппу в 1959 году покинули лучшие ее ученики — 18 человек, основав NDT, ушли, решив, что Соня уж слишком ориентируется на старинную классику, а Нидерландам нужен балет современный. Они обосновались в Гааге, чтобы не толкаться локтями с Национальным балетом в Амстердаме — с тех пор и ведется история этого театра.

Но для наших фанатов балета история NDT началась лишь в конце семидесятых, когда театр возглавил Иржи Килиан. Один из четырех великих хореографов ХХ века был еще молодым танцовщиком, вся слава его была впереди, когда наша страна ввела танки в его родную Прагу и он решил не возвращаться с европейской стажировки. За тридцать лет в Гааге он сочинил почти сто балетов — от ранней «Симфонии псалмов» (которая сейчас есть в репертуаре Большого театра), через виртуозную «Маленькую смерть» (которая в июле вновь появится в московском театре имени Станиславского и Немировича-Данченко), к поздним философским сочинениям. В закрытом от тлетворных веяний Советском Союзе Килиан был невозможной мечтой; кассеты с записями его балетов передавались из рук в руки как сокровище. Никто не мог поверить, что СССР когда-нибудь кончится; никто не мог поверить, что Килиан у нас когда-нибудь начнется. И когда это произошло, когда с неохотой, но мэтр согласился продавать лицензии на исполнение его сочинений — балетоманы решили, что рай наступил на земле, ничего лучшего быть не может.

Но владелец этого рая устал и добровольно сложил с себя полномочия худрука, передав власть выросшим в его труппе Лайтфуту и Леон. А уходя, Иржи Килиан забрал права на свои постановки, чтобы у молодых худруков не было соблазна «устраивать музей». Они должны были заполнить пространство своими собственными сочинениями. Для наших фанатов балета это было катастрофой — ну, у нас привыкли, что добровольно с должности никто не уходит, значит, мэтра обидели и выжили. Можно ли любить после этого его преемников?

Теперь доказано — можно. Петербуржцы убедились в том, что театр в надежных руках, и поняли, что в эти руки театр можно было отдать без сожаления. Устроили овацию и принялись отсчитывать дни до следующего Dance Open — фестиваль пообещал на следующий год привезти молодежную труппу театра, известную как NDT2.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пт Май 05, 2017 8:27 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18670
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Апр 27, 2017 10:06 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017042706
Тема| Балет, приз "Душа танца"
Автор| Корр. ТАСС Ольга Свистунова
Заголовок| Единственный в России балетный приз "Душа танца" в 23-й раз вручат в Москве
Где опубликовано| © ТАСС
Дата публикации| 2017-04-27
Ссылка| http://tass.ru/kultura/4215154
Аннотация|

Приз ежегодно присуждается мастерам хореографии, а также дирижерам, композиторам, художникам, педагогам и журналистам, освещающим достижения в искусстве танца

Единственный в России профессиональный балетный приз "Душа танца" в 23-й раз вручат сегодня в Москве. Церемония награждения пройдет в столичном Музыкальном академическом театре имени Станиславского и Немировича-Данченко.

Приз был учрежден журналом "Балет" и Министерством культуры РФ в 1994 году. С тех пор он ежегодно присуждается мастерам хореографии, а также дирижерам, композиторам, художникам, педагогам, журналистам, освещающим достижения в искусстве танца.

За время существования престижной награды ее обладателями были такие выдающиеся личности, как Ольга Лепешинская, Марина Семенова, Юрий Григорович, Майя Плисецкая, Родион Щедрин, Владимир Васильев, Ульяна Лопаткина и многие другие. Имена новых лауреатов (в общей сложности их 16) тоже не являются тайной - согласно установившемуся правилу, их объявляют заранее.

Концерт в честь лауреатов

"По традиции церемония награждения пройдет в формате гала-концерта", - рассказала ТАСС главный редактор журнала "Балет" Валерия Уральская. Она отметила, что отдельные номера будут иметь адресный характер и будут исполнены в честь того или иного лауреата.

По словам Уральской, откроется торжественный вечер хореографической миниатюрой "Лебедь" на музыку Сен-Санса, которую представит прима Мариинского театра, народная артистка РФ Юлия Махалина. "Этот номер будет исполнен в честь балетного критика и фотографа Нины Аловерт (США), которая удостоена специального приза "За пропаганду отечественной хореографии за рубежом", - уточнила собеседница агентства.

Учащиеся Уфимского хореографического колледжа имени Рудольфа Нуреева станцуют в честь своего директора Олии Вильдановой, удостоенной приза "Душа танца" в номинации "Учитель". В этой же категории награду получит Жанна Богородицкая - педагог-репетитор театра "Кремлевский балет".

Титул "Мэтр танца" присвоят профессору Академии русского балета имени А.Я. Вагановой (Санкт-Петербург) Ирине Генслер, для которой монолог Тореадора из балета "Кармен-сюита" исполнит бывший воспитанник "Вагановки", а ныне премьер Большого театра Михаил Лобухин.

Выступление артистов Бурятского театра оперы и балета адресовано их худруку Морихиро Ивата, которому присвоят звание "Рыцарь танца". "Рыцарем народного танца" объявят Петра Надбитова - художественного руководителя калмыцкого театра танца "Ойраты" (Элиста).

В номинации "Пресс-лидер" победителями стали: балетный критик из Санкт-Петербурга Ольга Розанова и руководитель пресс-службы Большого театра Катерина Новикова, в честь которой па-де-де из балета "Корсар" исполнят артисты ГАБТ.

Танец звезд

Особое место в программе гала-концерта отводится выступлениям призеров в номинации "Звезда". В этом году столь высокий статус присвоен Ольге Челпановой - прима-балерине Марийского театра оперы и балета (Йошкар-Ола) и Анне Щербаковой - ведущей солистке Московского государственного театра "Русский балет", которые представят свое мастерство участникам и гостям церемонии награждения.

В мужской категории новых звезд будет трое: ведущий солист балета Большого театра Игорь Цвирко, премьер балета Михайловского театра Виктор Лебедев и ведущий солист балета Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко Алексей Любимов. Они также продемонстрируют свое искусство зрителям.

"Звездой современного танца" объявят московского танцовщика и хореографа Александра Могилева. В ранг "Восходящих звезд" возведут балерину Пермского театра оперы балета Инну Билаш и солиста балета Красноярского театра оперы и балета Юрия Кудрявцева.

"Вести концерт будет заслуженный артист РФ Геннадий Янин, режиссер программы - Андрей Меланьин", - перечислила главный редактор журнала "Балет", а в заключение добавила, что награждение призом "Душа танца" приурочено к Международному дню танца, который во всем мире отмечается 29 апреля.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18670
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Апр 28, 2017 12:14 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017042801
Тема| Балет, Современный танец, Персоналии, Алла Сигалова
Автор| Алла Сигалова
Заголовок| Кровавая и прекрасная профессия
Где опубликовано| © Известия
Дата публикации| 2017-04-28
Ссылка| http://izvestia.ru/news/694115
Аннотация|

Хореограф Алла Сигалова — о развитии балетного искусства в России

29 апреля во всем мире отмечают День танца. И это для нас — повод задуматься, что нужно современному зрителю от балетного искусства и как развивается танец в России.

Для меня очевидно, что на балет зритель идет за сильными эмоциями. Но чтобы их получить, на сцену должны выйти очень талантливые артисты, а это, к сожалению, бывает не так часто. Если зритель, посмотревший хореографическую постановку, говорит, что танец его не покорил, значит он смотрел на неталантливых людей.

Все дело — в людях, в личностях. И, как в любой другой профессии, здесь два ключевых аспекта: призвание и школа. И без первого, и без второго в балете никуда.

Я начала учиться танцу в шесть лет, просто потому, что мне нравилось существовать под музыку, жить в движении. Не думаю, что в шесть лет человек может сознательно проанализировать, почему занятия танцами его так волнуют и возбуждают. Танец — очень эмоциональная и природная вещь. И нельзя идти в балет, желая сделать карьеру, заработать. Это такая кровавая профессия! Она требует огромных затрат — и эмоциональных, и физических, и временных, вынуждает отказываться от многих общечеловеческих радостей... Танцовщику нужна огромная сила воли, чтобы мучить свое тело и преодолевать многочисленные сложности, которые встречаются на пути.

Что же касается школы, то здесь мы, как говорилось в советское время, «впереди планеты всей». Я закончила хореографическое училище им. Вагановой и с уверенностью называю его лучшим в мире. Оно не только исправно поставляет звезд лучшим российским театрам, но и принимает множество учеников, приехавших из-за рубежа учиться у нас искусству балета. Во всем мире считается, что вершина классического балета — это именно ленинградская школа Мариинского театра.

Часто можно услышать такое мнение: в России не умеют исполнять современный балет, к танцу модерн наши артисты не привыкли. Но это верно только отчасти. Да, действительно, в советские годы у нас ставили практически только классический танец, мы остались в стороне от тех тенденций, которые тогда были на Западе. Но сегодня мы пытаемся наверстать упущенное, в нашей стране современный балет активно развивается, ведь искусство не может существовать без движения.

Конечно, нам хочется, чтобы все шло быстрее, но так не бывает. Мы должны пройти полный путь хореографического театра, который уже прошла Европа. И у нас много талантливых людей, поэтому я не сомневаюсь в успехе. Но необходимость развития современного танца в России вовсе не означает, что надо меньше обучать классике. В погоне за европейскими хореографическими достижениями нам нельзя поступаться собственными традициями. Дело в том, что классическому танцовщику с хорошей школой перейти в современную хореографию гораздо проще, чем человеку, не имеющему классического образования. Это прописная истина.

Многие балетные артисты в конце карьеры переходят в современную хореографию. Почему? Этому есть очень простое объяснение: современная хореография технически гораздо проще. Танцовщикам на пороге критического для профессии возраста хочется продлить свою творческую жизнь. В классике настолько выверено каждое движение, настолько строгие правила, что если происходит какое-то нарушение, это уже получается некачественный танец. А в современной хореографии больший простор для отклонения от норм, потому что собственные нормы устанавливает сам хореограф. Хотя и в танце модерн бывают невероятные технические сложности, справиться с которыми могут только очень молодые танцовщики, натренированные в определенных стилистических рамках.

Наконец, не менее важно приучать к современному танцу и публику. Ведь то, что непривычно, отталкивает. И если современные постановки с современным хореографическим языком не будут пользоваться в стране должным вниманием, то ни театры не станут их создавать, ни артисты не научатся работать в этом стиле. И здесь ведущую роль может сыграть телевидение. В этом году я вошла в состав жюри телеконкурса «Танцуют все!» на одном из центральных каналов. Уверена, таких проектов должно быть больше, ведь это возможность для самого широкого зрителя насладиться мастерством талантливых коллективов из разных уголков России и увидеть многообразие этого великого искусства.

А еще работа на этом проекте вселила в меня надежду. Я поняла, что в танец в нашей стране несмотря ни на что активно развивается. У нас по-прежнему высокая профессиональная подготовка и в классическом жанре, и в народно-характерных танцах. А значит, и в будущем балет останется гордостью нашей страны.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18670
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Апр 28, 2017 12:28 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017042802
Тема| Балет, Азербайджанский театр оперы и балета, Персоналии, Нигяр Ибрагимова
Автор| Кямаля Алиева
Заголовок| Нигяр Ибрагимова: я жертвую многим, и моя жизнь - это каторга в цветах
Где опубликовано| © Sputnik Азербайджан
Дата публикации| 2017-04-27
Ссылка| https://ru.sputnik.az/culture/20170427/410036397/azerbaijan-balerina-nigar-imragimova.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Известной балерине приходится отказываться от многого, чтобы достичь успехов в своей любимой профессии.


Sputnik / Murad Orujov

Профессия балерины — одна из самых трудных, она требует невероятной работоспособности и колоссальных усилий. Несмотря на это, есть люди, которые посвящают балету жизнь. Одна из них — заслуженная артистка Азербайджанка, ведущая солистка Азербайджанского государственного театра оперы и балета, прима нашего балета Нигяр Ибрагимова. Мы привыкли ее видеть на сцене, а в этот раз руководство театра дало возможность корреспонденту Sputnik Азербайджан присутствовать на репетиции спектакля Фикрета Амирова "1001 ночь", главную партию в которой исполняет Ибрагимова, и увидеть своими глазами закулисный мир балета.

- Нигяр, почему именно балет?

— Моя мама очень хотела, чтобы я стала балериной, поэтому отвела меня в Бакинскую хореографическую академию. Мне тогда было шесть лет, а туда обычно брали детей с десяти лет, но мне повезло в том, что в год моего поступления они делали исключение и для шестилеток. Я сдала все экзамены и меня зачислили. Тогда я даже не думала, что в будущем стану балериной, но после поняла, что это мое призвание. К сожалению, всего несколько человек остаются в этой профессии до конца и продолжают ею заниматься, многие решают выбрать другую область, потому что не справляются с нагрузками. Я же все выдерживала, ведь занималась любимым делом. После окончания академии меня пригласили в Театр оперы и балета, где я прошла стажировку. Постепенно меня стали замечать и уже давать ведущие партии.

- Выделиться среди коллег всегда трудно, как вам это удалось?

— Для нашего искусства недостаточно иметь только физические данные, нужно еще обладать такими качествами, как трудолюбие, сосредоточенность. В нашем театре ценят талант. Вначале я исполняла второстепенные партии, а потом постепенно перешла на главные. Я исполняла партии Одетты и Одиллии в "Лебедином озере" Петра Чайковского, Машу в его же "Щелкунчике", Китри в "Дон Кихоте" Людвига Минкуса, Жизель в одноименном балете Адольфа Адана, Пахиту в одноименном классическим балете Дельдеве, Шахерезаду в балете "1001 ночь" Фикрета Амирова и другие. Партий у меня очень много.

- Не жалеете о своем выборе?

— Нет. Если не любить свою специальность, то невозможно ей заниматься. Мне интересно пробовать себя в разных партиях, развиваться. Я всю себя вкладываю в эту профессию. Мне приходится отказываться от многого, чтобы достичь успехов в балете. Я бы сказала, жизнь балетного артиста — это каторга в цветах.

- Говорят, что девушкам, выбирающим балет, приходится отказываться от многого, так ли это?

— В нашей профессии, чтобы чего-то достичь, нужно в некоторых вещах себя ограничивать. Мне немного повезло в том плане, что по характеру я спокойный человек. Меня не интересуют клубы, дискотеки. Наша профессия требует определенного режима, сосредоточенности. Перед спектаклем ни с кем не разговариваю, чтобы собраться и полностью прочувствовать свою роль внутри себя. К выходу на сцену нужно подготовиться не только физически, но и мысленно.

- Вы верите в приметы?

— Нет. Я стараюсь переключить свое сознание на то, что мне нужно в данный момент. Для меня важно внутренне и физически хорошо подготовиться.

- Есть ли у вас любимая партия?

— Каждая партия мне близка. Она как бы зависает у меня в голове, и я больше ни о чем не могу думать. Мне трудно выбрать какую-то одну, потому что они все мне дороги. Особо запоминающимся могу назвать свое выступление в Государственном Кремлевском дворце в Москве. Меня пригласили тогда исполнить партию Шахерезады в балете Фикрета Амирова "1001 ночь". В Баку я ее танцевала в постановке Наили Низировой. В Москве же спектакль ставил народный артист Российской Федерации Андрей Петров. Он поставил спектакль, который совершенно отличался от нашего. В связи с этим меня пригласили в Москву за десять дней до открытия фестиваля. Мне очень повезло там с педагогом. Со мной работала Людмила Чарская. От нее я многому научилась. Мне очень нравится танцевать разные редакции одного и того же балета. Мне кажется, это обогащает балерину. Мы с театром были на гастролях в Турции, Франции, в странах СНГ и других.

- Как оцениваете развитие балетного искусства в Азербайджане?

— Трудно ответить на этот вопрос. Наши спектакли в основном посещает интеллигенция. Когда я была в Белоруссии, то была приятно удивлена, когда узнала, что билеты на спектакли у них распродаются за месяц. Их зрители не обращают внимания ни на холод, ни на мороз. Они могут один и тот же спектакль смотреть десятки раз.

— Раньше не все родители мечтали, чтобы их дочери стали балеринами, а сейчас?

— Прежде отмечу, что стать балериной не так-то просто. Звание "балерина" нужно еще заслужить. Отвечая на ваш вопрос, скажу, что времена изменились и многие хотят, чтобы их дочери стали балеринами. Раньше в основном отдавали на балет для того, чтобы у девочек была правильная осанка.

- Конкуренция большая?

— У нас труппа небольшая. Среди нас нет зарубежных исполнителей, каждый из нас окончил хореографическую академию, поэтому между нами нет никакой конкуренции. Мы все с детства вместе и хорошо знаем друг друга. У нас царит дружелюбная атмосфера.

— Ваша профессия еще трудна потому, что вам все время нужно находиться в форме. Есть ли определенная диета для балерин?

— Каждый выбирает то, что ему помогает худеть, поэтому определенной диеты, которой бы все придерживались, нет. Все зависит от нагрузки. Так уже принято, что на сцене балерина обязана быть худой, тонкой. Слово "балерина" всегда ассоциируется с изяществом, легкостью. Когда у меня большая нагрузка, я не придерживаюсь никакой диеты. Я не ограничиваю себя в еде – стараюсь есть все, но понемногу. По вечерам вообще не ем. Во время определенных спектаклей нас взвешивают. В основном перед выступлением стараюсь не есть, потому что на сцене нужно быть легкой.

- К чему сейчас вы стремитесь?

— Всегда есть к чему стремиться. Я бы очень хотела попробовать себя в новых образах, работать с зарубежными педагогами. Хочу работать над собой еще больше, развиваться.

- Творческий путь балерины очень короткий. Этот факт не огорчает вас?

— Да, вы правы. Век артистов балета короток. Пока стараюсь не думать об этом. Я все принимаю, как есть.
-------------------------------------------

Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18670
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Апр 28, 2017 1:01 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017042803
Тема| Балет, проект «Мечтатели», Персоналии, Владимир Варнава
Автор| Анна Галайда
Заголовок| Я выбрал настоящее
Где опубликовано| © Ведомости
Дата публикации| 2017-04-27
Ссылка| https://www.vedomosti.ru/newspaper/characters/2017/04/27/687924-vibral-nastoyaschee
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Владимир Варнава, хореограф
Ирина Яковлева


В Москве готовится премьера балетного проекта «Мечтатели». В его программу войдут постановки молодых хореографов. Один из них и самый опытный – Владимир Варнава. «Мечтатели» – проект продюсера Сергея Даниляна, его премьера пройдет на сцене Музыкального театра им. Станиславского и Немировича-Данченко. Он представляет трех петербургских хореографов поколения 30-летних – Максима Петрова, Владимира Варнаву и Илью Живого. После московских спектаклей им предстоит американское турне. Владимир Варнава рассказал о «Мечтателях» и других грядущих премьерах.

– Имя продюсера Сергея Даниляна ассоциируется с Дианой Вишневой, «Королями танца», Натальей Осиповой, Иваном Васильевым – звездными танцовщиками. И вдруг программа молодых хореографов, которых мало кто знает. Вам самому нравится идея «Мечтателей»?

– Во-первых, не так мало людей нас уже знает. Во-вторых, Сергей, как грамотный и талантливый продюсер, смотрит в будущее. Это в России необычно, где всегда был признан один главный балетмейстер, будь то Григорович или кто-то еще. А вообще это нормальная ситуация, когда продюсер делает ставку на молодых, которые, я надеюсь, будут близки сегодняшнему молодому зрителю.

– Как сложилась идея «Мечтателей» и как вы ощущаете себя среди коллег?

– Сергей нашел музыку французской группы Daft Pank и предложил ее послушать. Нам всем она понравилась. В «Мечтателях» общее не только музыкальное решение, но и оформление, и костюмы, и тема. Спектакль состоит из трех частей, которые условно обозначают прошлое, настоящее и будущее – это как бы жизненный путь человека. Схема очень лаконичная, меня она сначала даже напрягла своей простотой. Я выбрал настоящее – исключительно потому, что музыка этой части мне ближе. Все выглядит как киноальманах, когда режиссеры снимают короткометражки и объединяют их в одну историю. И есть общий финал, в котором мы все вместе, как предполагалось, должны были столкнуться или соединиться. Но из-за моей занятости его поставили Макс и Игорь.

– Вас не пугает идея соавторства?

– Наоборот, я очень люблю коллаборации и часто в них участвую – с театром АХЕ, режиссером Максом Диденко. На следующий сезон у нас с моим другом хореографом Юрием Смекаловым запланирована постановка балета «Солярис».

– Как хореограф вы работаете шесть лет и все это время существуете в статусе фрилансера. Не хотелось расстаться с ним и пойти хореографом в театр?

– Серьезных предложений пока что не поступало. Может быть, проблема в моей специфике. Меня часто спрашивают: как назвать стиль, в котором вы ставите, это неоклассика, или contemporary, или что-то еще? Я, честно говоря, сам не знаю. Это то, что я в себе нахожу. Но так как мой танец связан с физикой, инерцией, падениями, импульсами, он строится на принципах современного танца. Я бы с удовольствием попробовал себя в академических постановках, но приглашать меня на постоянную работу в балетный театр, наверное, не надо – там должно идти классическое «Лебединое озеро». Мне же очень хочется иметь свою труппу. Хочется понимать, что я могу в любое время войти в зал, взять артистов и с ними что-то делать. Для меня очень важно, чтобы были проекты, когда тебя никто не тормошит. Я обязательно забираю какую-то часть в году на такие уходы в творческую резервацию, чтобы спокойно работать, разбираться с тем, что волнует лично меня, и назначать дату премьеры, когда готов.

– Кто помогает вам в осуществлении таких проектов?

– Я сам занимаюсь поиском финансирования, площадки («Эрарта», «Скороход» – все уже освоено), ее «переодеванием», светом, опусканием штанкетов – я специалист широкого профиля. Но это вынужденная мера.

– Отсутствие в России танцевальной инфраструктуры ворует силы хореографов или раздвигает границы возможностей?

– Главное – отсутствие системы образования. У нас нет специальности «артист современного танца». Страна огромная, людей множество, есть самородки, которые где-то чему-то научились. Я тоже в основном на стажировках и на курсах набирал. И почти нет компаний, где бы они могли работать. Поэтому артисты с хорошим потенциалом идут в телек, потому что там пиар, плакаты в метро, деньги – здорово, но это не про театр. Или вообще уезжают – сначала из того же Петербурга в Москву, а оттуда за границу. Есть двое танцовщиков, с которыми мне интересно постоянно работать, которые владеют разным профессиональным инструментарием, множеством танцевальных красок, универсалы. Но чтобы иметь возможность приходить ко мне на репетиции и что-то со мной создавать, они дают по восемь уроков в частных школах в день, зарабатывая на жизнь. Поэтому вариантов существования два: либо ты сам занимаешься поиском репетиционных залов, артистов, уговариваешь их работать за небольшой гонорар, либо идешь в государственный театр и работаешь с артистами, которые современным танцем не занимались и нужной подготовки не имеют.

– Вслед за «Мечтателями» вы как раз будете работать в академическом балетном театре – на закрытии Дягилевского фестиваля в Перми покажете своего «Петрушку». Сложно работать с этой труппой?

– В Перми меня прекрасно встретили, все помогают, чтобы спектакль состоялся, никто из артистов не воротит нос. Есть проблема со временем: «Петрушка» входит в триптих балетов Стравинского [«Жар-птицу» ставит Алексей Мирошниченко, «Поцелуй феи» – Вячеслав Самодуров], каждому хореографу нужно время на постановку, а у труппы текущий репертуар, гастроли в Канаду, фестивали в Петербурге. Не хватает репетиционных залов. Но я же понимал все это, когда соглашался, – мне было интересно поработать в прекрасном театре с прекрасной труппой. В ней чувствуется единение, в наши дни это редкий бриллиант – 98% артистов вышло из одной школы. У ребят прекрасные линии, отличная академическая выучка. Конечно, они почти не имеют опыта в современном танце, им надо пройти со мной до премьеры какой-то путь. У них меньше нутра, они больше танцуют хореографию. Но все они хотят работать и искренни в том, что делают. Это мне и нужно. Может, постановка получится не совсем такая, как я это себе представил, но, если я увижу сдвиг в их сознании, мне будет не так важно все остальное.


Танцующий хореограф

Владимир Варнава, на глазах превращающийся в самого активного российского хореографа, не оставляет и исполнительскую карьеру. Его узнали в столицах благодаря победе на «Золотой маске» в 2010 г., когда он был награжден за роль Меркуцио в «Ромео и Джульетте» Кирилла Симонова, а четыре года спустя был отмечен за роль в собственной постановке «Пассажир».


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пт Май 05, 2017 8:31 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18670
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Апр 28, 2017 10:58 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017042804
Тема| Балет, «Астана Опера», Премьера, Персоналии, Кеннет Макмиллан, Карл Барнетт, Патрисия Руанн
Автор| Малика Сафаргалиева
Заголовок| Деньги или любовь: Как казахстанские артисты воплотили в жизнь шедевр хореографии
Где опубликовано| © BNews.kz
Дата публикации| 2017-04-28
Ссылка| http://bnews.kz/ru/redesign/analysis/reviews/dengi_ili_lubov_kak_kazahstanskie_artisti_voplotili_v_zhizn_shedevr_horeografii
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Главное фото: Малика Сафаргалиева

Впервые в Казахстане, на сцене «Астана Опера» состоится грандиозная премьера балета «Манон». Только два дня – 28 и 29 апреля – жителям и гостям столицы будет представлен уникальный спектакль выдающегося английского хореографа Кеннета Макмиллана. «Манон» - это не просто балет, это воплощение невероятного искусства, созданного талантливыми казахстанскими артистами совместно со всемирно известными балетмейстерами. Звезды балета, эффектные декорации, более 220 уникальных костюмов, невероятная хореография – чем еще удивит казахстанского зрителя премьера спектакля и как зарубежные эксперты оценивают способности столичных танцоров, читайте в материале корреспондента BNews.kz.

За основу сюжета создатель постановки Кеннет Макмиллан взял роман аббата Прево «История кавалера де Грие и Манон Леско». В течение долгого времени этот балет воплощают на сцене знаменитые британские балетмейстеры – Карл Барнетт и Патрисия Руанн. С балетной труппой «Астана Опера» они работали несколько месяцев, объясняя тонкости хореографии. Художественным руководителем труппы является народная артистка России Алтынай Асылмуратова.

Постановщик балета Карл Барнетт оценил работу и навыки казахстанских танцоров в сравнении с иностранными, отметив, что в процессе репетиций в команде все-таки возникали культурные трудности.

«Я работал со многими артистами разных национальностей. У казахстанских танцоров техника очень хорошая и хорошая школа. Единственное, в процессе работы, некоторые артисты менялись, кто-то работал, потом уходил, кто-то стоял в стороне, но это нормальный рабочий процесс. Для артистов «Астаны Опера» были трудности в культурологическом вопросе, потому что этот балет совсем не такой, в каких они привыкли танцевать до этого», - объяснил Карл.

Второй постановщик Патрисия Руанн тоже поделилась своим мнением о работе в Казахстане. Отвечая на вопрос о том, как казахстанская публика отреагирует на подобный сложный, провокационный и смелый балет, балетмейстер заверила, что граждане Казахстана абсолютно спокойно воспримут и поймут постановку, так как по телевидению показывают намного более страшные и вызывающие вещи, чем в балете «Манон».

«Самая сложная часть балета – это его эмоциальная часть, потому что постановка рассказывает о тех обстоятельствах нашей жизни, которые от нас не зависят и нам не подвластны, но могут сформировать нашу судьбу. Артистам балета приходится не просто делать па на сцене, а выражать эмоции, для этого нужно не отвлекаться на технику исполнения хореографии, то есть она должна быть совершенной. Уверена, что казахстанцы поймут постановку, ведь по телевизору показывают вещи намного страшнее, чем в этом балете. Иногда я сама в шоке от того, что показывают по ТВ», - поясняет тонкости сюжета Патрисия Руанн.

Манон – это имя девушки и один из самых загадочных и популярных женских персонажей в истории мирового искусства. Спектакль затрагивает такие, может быть, неприятные, но очень актуальные в наше время темы: предательство, вина, сумасшествие, жестокость. Именно поэтому, сюжет вызвал бурную реакцию критиков.

Главными звездами постановки стали два состава исполнителей. Партию Манон представят заслуженные деятели Казахстана Мадина Басбаева и Айгерим Бекетаева. Именно они во всех красках покажут всю сущность двойственного характера героини. В роли де Грие на сцену выйдет заслуженный деятель РК Рустем Сейтбеков и лауреат международных конкурсов Олжас Тарланов.

Исполнительца главной роли Мадина Басбаева призналась, что об этой роли она мечтала давно, но ничего общего в реальной жизни у нее с героиней нет.

«Эта история не из моей жизни. Для меня этот спектакль очень важен. Моя мечта сбылась. Мы работали с 11 утра и до 9 вечера. Все это время постановщики говорили мне, что им не нужен мой образ, нужны мои эмоции. Мне даже показывали, как я должна играть глазами, и как мне перенести свой образ на сцену. Моей задачей было показать, что героине не нужна бедность, что любви она всегда предпочтет богатство», - описывает образ своей героини Мадина.

«Спектакль ставили суперпрофессионалы - Карл Барнетт и Патрисия Руанн. Я даже на репетициях получаю невероятное удовольствие. Ощущение похожи на те, когда перечитываешь любимую книгу, когда открываешь какие-то новые нюансы. Мы будем стараться сохранить тот опыт, который нам передали эти мастера и стремиться быть лучше», - рассказала о своих ощущениях от репетиций художественный руководитель труппы Алтынай Асылмуратова.

Уникальные костюмы артистов являются одной из особенностей балета «Манон». Координатор по костюмам Наталия Стюарт открыла некоторые секреты создания одежды танцоров.

«Материал для костюмов мы закупали в Дубае, и нужно было обработать каждый кусок материала, затем найти ему место в дизайне. Это настоящие костюмы 18-го века. В них много цвета, аппликаций и разных составляющих. Они необычные по цвету, форме и насыщенности. Интересно и то, что артистам приходится танцевать в комзолах и в больших платьях», - поделилась координатор по костюмам Наталия Стюарт.

Необычно и то, что в состав команды, готовящей премьеру в Астане, входит супруга автора спектакля Кеннета Макмиллана - леди Дебора Макмиллан, которая лично присутствует на всех репетициях балета. Леди Дебора даже привезла свою выставку картин под названием «Исследуя закулисье». Экспозиция состоит из картин, написанных акварелью и гуашью, на которых изображены моменты создания спектакля «Манон» и отражено закулисное настроение. Выставка представлена в фойе театра «Астана Опера».

Леди Дебора подчеркнула, что постановка полностью сохранилась в первозданном виде.

«Манон» впервые был поставлен в 1974 году и, насколько я знаю, Алтынай Абдуахимовна (Асылмуратова, прим.ред.) приехала танцевать его в 80-х годах. Кеннет Макмиллан был поражен ее исполнением, она фантастически танцевала спектакль. Я не могу судить о шагах и движениях в балете, потому что я художница, поэтому доверяю нашим профессионалам. Постановка полностью сохраняется в первозданном виде, как было задумано автором, даже декорации в виде лохмотьев остались, как и было задумано», - объяснила леди Дебора Макмиллан.

--------------------------------------------------
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пт Май 19, 2017 10:03 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18670
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Апр 28, 2017 3:45 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017042805
Тема| Балет, Tanztheater, Вупперталь, Персоналии, Пина Бауш
Автор| Дмитрий ДЕСЯТЕРИК, «День», Вупперталь — Киев
Заголовок| Равновесие. Есть театр. Есть танец. И есть Пина Бауш
Где опубликовано| © «День» №75-76, (2017)
Дата публикации| 2017-04-28
Ссылка| https://day.kyiv.ua/ru/article/kultura/ravnovesie-est-teatr-est-tanec-i-est-pina-baush
Аннотация|



Она родилась в 1940 году в Золингене, в Рейнской провинции Третьего Рейха. Обучалась балету в Эссене и Нью-Йорке. В 1973-м в городке Вупперталь (ФРГ) возглавила труппу, ныне известную как Tanztheater Wuppertal (Танцтеатр Вупперталя). Ушла из жизни в 2009-м.

Она создала даже не стиль, а новый тип зрелища, в котором движение актера является альфой и омегой сценической материи. Танец Пины, освобожденный от академических ограничений, стал языком мощнее слова; это проживание предельных состояний, балансирование над безднами, в которые в театре еще никто не осмеливался заглянуть. «Менее всего я интересуюсь тем, как люди движутся, меня интересует, что ими движет» — эти слова Пины наиболее точно выражают суть ее системы.

Недавно мне удалось попасть в Вупперталь и в течение одного вечера посмотреть два самых знаменитых спектакля Tanztheater: «Кафе Мюллер» и «Весна священная» по одноименному балету Стравинского.

Это — идеально взаимодополняющий контраст. «Кафе Мюллер» — пластическая поэма одиночества под унылую барочную музыку Генри Перселла. «Весна священная» — безудержный коллективный экстаз.

Кафе: много одинаковых стульев и столиков нейтрального темно серого цвета. В глубине — стеклянные двери, слева — еще один вход. Действие начинают две женщины в длинных белых платьях, движутся, словно во сне, беспомощно протягивая руки — но если одна вступает в игры с другими, то вторая, которую танцевала сама Пина, а теперь — похожая на нее актриса — так до самого конца и остается никем не замеченной, привидением в собственном сне.

В действие вступают мужчина в костюме (официант? гость? ангел-хранитель?), который с грохотом разбрасывает стулья на пути перед женщиной в белом, еще один мужчина-лунатик, появляется немного смешная дама с рыжими кудрями, пробегает какой-то господин в плаще и очках, который вызывает у рыжей неподдельный интерес. Кафе — место встреч, однако здесь у каждого своя линия движений, своя траектория контактов и отторжений. Истории, которые происходят между этими, частично словно загипнотизированными, частично слишком суетливыми, людьми — вечны: о стремлении близости и ее невозможности, об упрямстве человеческой воли и желании отдать ее в другие руки, о забытьи и поиске потерянного времени наощупь. В этом странном лимбе все повторяют одни и те же движения, ходят по кругу одних и тех же микрособытий; это не жизнь и не смерть, это тихое скольжение на грани между всеми вещами, и даже касаясь друг друга все персонажи остаются одинокими, но не так ли всегда в конечном итоге?

Перемена декораций от «Кафе» до «Весны священной» выглядит как отдельная интермедия: появляются монтажники сцены, разбирают предыдущую декорацию, выкатывают на сцену металлические баки и высыпают из них горы земли, которую разбрасывают по сцене граблями.

«Весна священная» — это и есть ритуал пробуждения земли, который совершается в столкновении мужского и женского. Вакханалия. Оргия. Языческое восстание.

Земля хочет жертвы, и ее нужно выбрать. Нужно ее принять.

Если в «Кафе Мюллер» время отсутствует, то здесь его пытаются обогнать, разорвав собственными телами.

Неистовство танца, соединенное с математически точным ритмом движения, вызывает ощущение потрясающей достоверности. Это настоящий ритуал, который действительно вызывает весну, это настоящее племя, это настоящее жертвоприношение, это происходит за тысячи лет до нашей эры и через сотни веков после нас, это древняя будущая драма, в которой также пульсирует часть тебя, часть которой звучит в тебе.

«Весна Священная» и «Кафе Мюллер», экстаз и печаль — две стороны высокой меланхолии, присущей лишь великим мастерам. Две оси координат, в которых нет ничего случайного, ничего, кроме невыносимого, огромного знания — которое Пина оставила нам.

Продолжение темы: АЗУСА СЕЯМА: «Спектакли Пины — вне времени»
Дмитрий ДЕСЯТЕРИК, «День», Вупперталь — Киев
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18670
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Апр 28, 2017 3:52 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017042806
Тема| Балет, Танец, Tanztheater, Вупперталь, Персоналии, АЗУСА СЕЯМА
Автор| Дмитрий ДЕСЯТЕРИК, «День», Вупперталь — Киев
Заголовок| АЗУСА СЕЯМА: «Спектакли Пины — вне времени»
Где опубликовано| © «День» №75-76, (2017)
Дата публикации| 2017-04-28
Ссылка| https://day.kyiv.ua/ru/article/kultura/azusa-seyama-spektakli-piny-vne-vremeni
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Начало темы: Равновесие. Есть театр. Есть танец. И есть Пина Бауш

В Вуппертале мы встретились с одной из ведущих актрис театра, которая работала с Пиной Бауш и теперь танцует в «Весне священной» и еще в нескольких спекткалях, — японкой Азусой Сэямой.

— Как началась ваша работа с Пиной?

— Мне было 24, это где-то 1999 или 2000 год. Я училась в Эссене. Как я узнала потом, через моих преподавателей в Университете искусств Фолькванг мои контакты получила Пина Бауш. Она искала гостевых артистов для «Весны священной», потому меня и других студентов пригласили в Париж, на отбор в театр Пины. Я прошла его успешно и все лето работала над спектаклем. Потом начался сезон, мы собрались в Вуппертале, и Пина попросила меня присоединиться к труппе. Я не могла в это поверить.

— Помните ваши первые впечатления о Пине?

— Она была очень высокой, но и хрупкой, поэтому казалось, что когда подует сильный ветер, то она упадет. (Смеется.) Выглядела очень спокойным человеком, а еще была очень трудолюбивой.

Для каждого артиста Пина находила особые слова. Мне она помогала открывать мои собственные таланты. Даже когда я говорила: «Кажется, мне с этим не справиться», она отвечала: «Нет, ты сможешь! Давай, ты прекрасны!» Она помогала мне раскрываться настолько ярко, в такой неожиданной гамме, что я сама себя удивляла. Она была первооткрывателем наших способностей.

— Насколько вы изменились после прихода в этот театр?

— Не думаю, что я изменилась в корне, но существенно раскрылась как актриса и стала значительно более открытой как человек. Я счастлива, что достигла именно таких возможностей — физических, умственных, эмоциональных.

— Что составляло основу метода работы Пины с труппой?

— Она всегда требовала от нас большего. Даже когда мы выкладывались максимально, она выжимала из нас еще больше. Мы никогда не останавливались на достигнутом.

— При таком интенсивном режиме вы могли на нее разозлиться, обидеться?

— Нет, я только делала все от меня зависящее, чтобы не испортить ее работу. Но, повторюсь, даже если я выкладывалась каждый раз больше, Пина продолжала говорить: «Ладно, но ты можешь еще лучше!»

— Как велась работа над новым спектаклем?

— Пина часто начинала с вопросов и ответов. Мы обсуждали произведение, к которому приступали, и должны были размышлять над сотнями разных вопросов, фраз или небольших определений. Ответы искали вместе, но наши предположения часто отличались от ее взглядов и объяснений.

— Это было только на словах?

— Иногда она хотела ответов через движение, иногда — только на словах. Она внимательно за всем наблюдала и все записывала в блокнот. Не знаю, что она писала, возможно, сравнивала наши первые ответы и следующие, когда повторяла нам те же вопросы опять. Возможно, мне тогда не хватало опыта — жизненного и профессионального. Ответов на большинство из таких вопросов я не знала, не представляла и никогда ни над чем подобным не задумывалась. К примеру, Пина могла спросить, как выглядят слезы утраты. Собственно, я сначала воспринимала такие вопросы как абстрактные и они временами казались мне абсолютно бессмысленными. Но когда задумывалась над ними глубже, начинала понимать, что это значит именно для меня. Пина также делилась личными взглядами на вещи, о которых мы говорили. Я до сих пор вспоминаю, какая беспомощность меня тогда временами охватывала. Как же я могла прожить двадцать четыре года и не научиться выразить в танце простых мыслей? Получается, мне мыслей, собственно, и не хватало, я не могла протанцевать чего-то, о чем никогда не думала.

— Так где больше правды — в движении или в слове?

— Мы никогда не проводили такое разделение между танцем и текстом. Наверное, истина где-то между ними. Пина имела целостный творческий подход и тонко чувствовала и весь танец, и каждое отдельное движение во всей его многозначительности. Для нее не существовало ничего, что невозможно было бы выразить на сцене.

— Вспомните ли сейчас какое-то задание, которое стало для вас самым сложным вызовом?

— Для меня работа в этом театре на самом деле и является сплошным вызовом! (Смеется.) Каждое произведение становится для нас испытанием, ведь всякий раз приходится учиться чему-то новому. В одних спектаклях я должна изо всех сил кричать, обнажать перед залом свою боль или злобу, в других — постоянно петь, говорить, иногда бегать по сцене или танцевать настолько долго и изнурительно, что теряется вся радость, которую мне обычно дает танец. Поэтому я каждый раз преодолеваю новые вызовы, сколько бы их ни преодолела раньше.

— На самом деле «Весна священная» и выглядит как невероятный труд, в том числе и физический.

— О да, после этого спектакля артисты иногда обращаются к врачам из-за травм головы и переломов пальцев.

— А у вас не возникает иногда сомнений, сможете ли справиться с ролью?

— Возникают постоянно. На сцене иногда приходится делать определенные вещи впервые в жизни. Открывать определенные чувства перед зрителями, срываться на крик перед моими коллегами. Меня в таких случаях останавливают сомнения, однако я вспоминаю, как Пина повторяла: «Я знаю, ты это сможешь».

— А какой спектакль заставил вас больше всего сомневаться в себе?

— «Палермо Палермо».

— И как бы вы оценили собственное выступление?

— В последнее время мне уже достаточно хорошо удается играть. (Смеется.) Во время репетиций мне помогала мама — я звонила по телефону ей и советовалась, как мне лучше кричать. Тренировалась на японском языке.

— Вашей маме хорошо удается кричать?

— Хорошо и достаточно часто — она очень строгая.

— Каким вы видите будущее Танцтеатра Вупперталя?

— Я бы очень хотела, чтобы нам удалось передать будущим поколениям то невероятное наследие, которое оставила Пина, — и театр, и ее виденье, и особенную атмосферу, которую она умела создавать. Конечно, со временем что-то будет меняться, но мы должны передать нашим преемникам ее пыл, чтобы он не успел охладеть — сохранить огонь танца и душу театра. Это ответственность всего коллектива и каждого актера лично.

— Напоследок: как вы живете вне театра? Имеете ли какие-то увлечения, кроме танца?

— Увлечения вне танца? (Смеется.) Что же вам ответить? Здесь вы меня заставили по-настоящему задуматься.

Дмитрий ДЕСЯТЕРИК, Елена ОПАНАСЕНКО, «День», Бонн — Киев
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18670
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Апр 28, 2017 4:45 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017042807
Тема| Балет, МАМТ, "Дон Кихот", Персоналии, Владимир Шкляров
Автор| Андрей Лебедев
Заголовок| Колоратура классического танца
Где опубликовано| © Ballet Insider
Дата публикации| 2017-04-28
Ссылка| http://www.balletinsider.com/archive/review/6976
Аннотация|

17 апреля в Музыкальном театре им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко состоялся второй и последний спектакль ежегодного весеннего фестиваля. Партию Базиля в «Дон Кихоте» станцевал премьер Баварского государственного балета Владимир Шкляров.

Образ Базиля задуман и воплощен им в своеобразной манере, на сочетании комических и пасторальных красок. Избалованный всеобщим обожанием, миловидный, неторопливый, этот Базиль как будто не слишком заинтересован в устройстве собственных любовных дел. Появившись на площади, он долгое время охорашивается, куражится, зарабатывает себе очки в глазах окружающих. И даже после того, как возлюбленная подталкивает его к активным действиям, впечатление от знакомства с героем длят его движения: эластичные прогибы спины в renversée, упругие, вальяжные выходы на колено после воздушных туров.

Разбирая выступление Шклярова со всей строгостью, можно было бы отметить и некоторые погрешности – например, «пересол» с комикованием в сцене самоубийства, излишнюю фиксацию разножек в вариации третьего акта. Все это имело место, но не особенно бросалось в глаза, поскольку центром спектакля был не премьер, а, как это почти всегда случается в классике – балерина, Оксана Кардаш.

В «Дон Кихоте» Кардаш играет решительную, уверенную в себе девушку. Ее Китри чувствует себя хозяйкой положения и ни секунды не сомневается в благополучной развязке. От этого действие балета приобретает особую праздничную легкость. Все жизненно важные события свершаются сами собой – просто потому, что иначе не может быть, и в фокусе внимания оказываются не перипетии сюжета, а вроде бы второстепенные, но мастерски обыгранные положения. Вот Китри, как опытный режиссер, расставляет по местам сошедшихся на площади персонажей («Ты встань сюда, а ты сюда. Отлично, теперь станцуем менуэт»). Вот в таверне она пьет вино из огромной, едва умещающейся в руках кружки. Вот одергивает не в меру распалившегося Гамаша («Отстань! Я сказала, нельзя! Да отвяжись же!»). Рядом с комедийными эпизодами возникают моменты искреннего, почти наивного переживания. Непосредственность чувств Китри проступает, когда она неожиданно для себя порывается за отвернувшимся от нее Базилем, когда заслушивается рассказов дон Кихота, когда бросается обнимать рыцаря, благодаря его за покровительство и помощь.

Танец Кардаш льется свободно и непринужденно, как блестящая сопрановая колоратура, и захватывает не столько нагромождением трудностей, сколько видимой безусильностью их преодоления. Покоряя пространство в шпагатных pas de chat, отмечая взлеты музыки ударными акцентами больших pas de basque’ов, завершая каждый танцевальный период точеной позой, артистка все время сохраняет классическую воздушность. В самых «наземных» по сути своей комбинациях, даже в менуэте, она не ступает по сцене, а нежно касается ее кончиками стоп. Такой танец легко переключается в лирический регистр в маленьком дуэте на площади. Он отсвечивает бликами романтического порыва в больших прыжках, уносящих Китри из таверны, обретает торжественную парадность в адажио свадебного Pas de deux, откликается на соло арфы чередой переливчатых и чеканных движений вариации. И он же совершенно естественно набирает масштаб в картине «Сон». Архитектоника сменяющихся аттитюдов, движение стопы по сложной траектории в фуэте словно воспроизводит растительную лепнину барочных плафонов. Прыжковая диагональ в коде рассекает хореографический орнамент солнечным лучом, упавшим на сусальное золото. Притом и здесь, в сфере чистой классики, найдены штрихи, сообщающие танцу восхитительную веселость. То в pas de bourrée suivi вдруг проглядывает едва уловимый намек на восточную походку. То, отступая по диагонали, балерина наклоняет корпус вперед и качает головой, совсем как порхающая колибри.

Собранный вместе на одно выступление, дуэт Кардаш и Шклярова получился наименее убедительным именно в дуэтной своей части. Это было заметно и по рассогласованности актерских трактовок (рядом с энергичной, предприимчивой Китри Базиль выглядел несколько пассивно, и по смыслу происходящих событий не ему, а ей следовало бы вести интригу), и еще больше – по проблемам с поддержками, преследовавшим артистов на протяжении всего первого действия. Только в «Таверне» они, наконец, обрели должную техническую слаженность. К счастью, удача не изменила им и в последнем акте. Практически образцово станцованное pas de deux благополучно завершило спектакль.
-------------------------------------------------------------------

Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18670
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Апр 29, 2017 11:03 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017042901
Тема| Балет, Приморская сцена Мариинского театра, Персоналии, Канат Надырбек
Автор| Анастасия МОКРЕНКО
Заголовок| Жизнь в танце Каната Надырбека
Где опубликовано| © ИА «24.kg» Бишкек
Дата публикации| 2017-04-29
Ссылка| https://24.kg/obschestvo/50477_jizn_vtantse_kanata_nadyirbeka/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

29 апреля во всем мире отмечается Международный день танца. Его начали праздновать в 1982 году по решению ЮНЕСКО — в день рождения французского балетмейстера Жан-Жоржа Новерра, реформатора и теоретика хореографического искусства, который вошел в историю как «отец современного балета».

О своей жизни, связанной с танцем, ИА «24.kg» рассказал солист Приморской сцены Мариинского театра Канат Надырбек.

— Помните ли вы, когда впервые встретились с балетом?

— Впервые увидел балет по телевизору. Там танцевал мой дядя — народный артист СССР Чолпонбек Базарбаев. Мне тогда было 7 лет, и я понятия не имел, что происходит на сцене.

Потом родители переехали из Рыбачьего (Балыкчи. — Прим. ИА «24.kg») в Бишкек, и встал вопрос, куда мне идти учиться. Дядя оценил мои способности, и все решили отдать меня в балетную школу.

В 2008 году Канат Надырбек окончил Бишкекское хореографическое училище имени Базарбаева (класс народного артиста Киргизской ССР Урана Сарбагишева).

— Расскажите о ваших учителях…

— Первая моя учительница — любимая Роза Абдулаевна Таирова. Я учился у нее четыре года, получил основу и фундамент балетного искусства. Потом обучался у Берика Каримовича Алибаева. Он мне дал чистоту, академизм и культуру танца. А выпускался у Урана Отунчиевича Сарбагишева. Это человек, который отправил меня в балетный мир и дал понять, что там будет нелегко. Он научил меня танцевать так, как я чувствую, а не просто выполнять балетные элементы.


Фото из архива Каната Надырбека

— Как оказались в Мариинском театре?

— Узнав, что театр открывает филиал во Владивостоке, долго не думал. Здесь отличные педагоги — еще из старого поколения Кировского театра. Пригласили меня станцевать принца Зигфрида в «Лебедином озере». Потом решил остаться здесь работать.

С 1 января 2016 года на базе Государственного Приморского театра оперы и балета образована Приморская сцена Государственного академического Мариинского театра. Это один из самых современных театров в России и в Азиатско-Тихоокеанском регионе.

Отбор у артистов проходит по-разному: кого-то приглашают, кто-то отправляет резюме и видео.

— В скольких странах побывали с гастролями?

— Побывал, наверное, где-то в 20 странах. На гастроли ездил часто, можно сказать, был чемоданный образ жизни. Иногда не понимал, в какой я стране. Только выходя из гостиницы или оплачивая счет, узнавал, где я.

— Какие роли хотели бы сыграть?

— Много чего еще хочу станцевать. Но в первую очередь — Эскамильо в «Кармен», Красса, Спартака в «Спартаке».

В репертуаре Каната такие роли, как принц Зигфрид («Лебединое озеро»), Бирбанто («Корсар»), Абдерахман («Раймонда»), Тибальт («Ромео и Джульетта»), принц Дезире («Спящая красавица»), Альберт («Жизель») и многие другие.

— Почему не остались в Кыргызском национальном академическом театре оперы и балета?

— Я много раз возвращался на родину и очень хочу жить и работать дома. Но когда нет движения вперед, становится очень скучно. Кыргызскому театру необходимо больше постановок, гастролей. Но в первую очередь ему не хватает финансирования. Когда у артиста в голове одна мысль — где достать сомы, о каком творчестве можно говорить?

А балет у нас есть и будет! Мы должны радоваться, что у нас такая прекрасная театральная школа. Это главное!

— Как относитесь к современному балету?

— Я приветствую модерн. Танцую с удовольствием.

Термин «танец модерн» появился в США для обозначения сценической хореографии, отвергающей традиционные балетные формы. Основные ее принципы — отказ от канонов, воплощение новых тем и сюжетов оригинальными танцевально-пластическими средствами.

Что ближе — классический танец или модерн?

— Конечно, классика! Для меня в танце главное — душа и красота движения, а не шоу.

— Что нужно для того, чтобы стать выдающимся?

— Я не знаю ответа на этот вопрос. Наверное, трудиться и трудиться, но я так не люблю этого делать!…

— Какие у вас планы на будущее?

— Хочу в жизни все успеть!
-----------------------------------------------------------------
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9  След.
Страница 7 из 9

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика