Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2017-05
На страницу 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17340
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Май 01, 2017 9:31 pm    Заголовок сообщения: 2017-05 Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017050101
Тема| Балет, БТ, Всероссийский конкурс молодых исполнителей «Русский балет»
Автор| Павел Ященков
Заголовок| Праправнучка Матильды Кшесинской покорила Москву
В Большом театре объявили результаты конкурса «Русский балет»

Где опубликовано| © Московский Комсомолец
Дата публикации| 2017-05-01
Ссылка| http://www.mk.ru/culture/2017/05/02/prapravnuchka-matildy-kshesinskoy-i-ee-partner-zavoevali-v-moskve-zoloto.html
Аннотация| КОНКУРС

На Новой сцене Большого театра уже в третий раз состоялся Всероссийский конкурс молодых исполнителей «Русский балет». Задуманный и проведенный впервые супругой нынешнего премьера российского правительства Светланой Медведевой в 2013 году, он и сегодня представляет лучших учеников российских балетных школ и проходит при поддержке Министерства культуры и Фонда социально-культурных инициатив.


Фото: Михаил Логвинов

Из 44 заявок жюри заочно в закрытом режиме по записям провело первый тур и отобрало для участия 29 школьников из 13 школ. Помимо московской и Санкт-петербургской академий, в их число вошли воспитанники училищ из Перми, Новосибирска, Воронежа, Казани, Краснодара, а также ученики красноярского, бурятского, башкирского, якутского колледжей. В конкурсе приняли участие и ученики двух московских школ. Кроме училища имени Леонида Лавровского, здесь было представлено и Московское хореографическое училище при академическом театре танца «Гжель», которое, помимо всего прочего, может похвастаться и таким своим выпускником, как Денис Родькин, в качестве премьера Большого театра ставшим (вместе с примой Большого Анной Никулиной) и ведущим уже второй церемонии конкурса.

Особые претензии надо высказать к форме многих участников. Жюри, кажется, не обратило на это обстоятельство достаточного внимания. В противном случае не получила бы «золото» несколько «сбитая» (еще в прошлом году этих проблем у девушки не было), но хорошо вращающаяся и, в общем, очень техничная студентка бакалавриата Вагановской академии Элеонора Севенард (на сайте Большого театра почему-то поименованная как Севенардзе). У девушки, которая, как говорят, является праправнучкой балерины Матильды Кшесинской, к тому же есть некоторые проблемы со стопой, с природной мягкостью; отсутствуют у нее и такие востребованные сегодня в балете удлиненные линии (что, видимо, было передано по наследству, поскольку не было их и у прапрабабушки). Так что на данный момент девушка могла бы удовлетвориться «серебром», которое она, кстати, вполне заслужила.

С несколько большим основанием могла бы претендовать на первое место серебряная лауреатка конкурса итальянка Камилла Мацци, представлявшая московскую академию, поскольку находится она в гораздо лучшей форме, чем ее получившая «золото» конкурентка. Но в упрек этой участнице можно поставить излишнюю манерность. А вот «бронза» представительницы пермского училища Анны Григорьевой вообще под вопросом. Тут проблемы не только с формой, но и с чистотой исполнения. Гораздо выигрышней на ее фоне смотрелась длинноногая и длиннорукая, а кроме того, выразительная с актерской точки зрения второкурсница училища «Гжель» Ирина Захарова, которая в число номинантов тем не менее не попала (как не попала туда и другая представительница этого училища Анастасия Шеломенцева, качественно исполнившая вариацию Медоры из балета «Корсар»).

Честно говоря, членам жюри в этом году не особо и позавидуешь, ведь по мальчикам принимать им пришлось по настоящему соломоново решение: выбрать обладателя Гран-при на этом конкурсе было реально трудно — его были достойны абсолютно все юноши, ставшие лауреатами.

Особенно обидно за выпускника московской академии (а теперь и артиста Большого театра) русско-японского танцовщика Марко Чино (или Маруку, как указано в программке; парень получил недавно японское гражданство), удостоенного решением жюри всего лишь третьего места. Неоднократный победитель множества конкурсов, он хотя и танцевал на конкурсе с больной ногой (что, разумеется, сказалось на качестве исполнения), но все же и на «Русском балете» попал в десятку, прекрасно исполнив с Камиллой Мацци па-де-де Мариуса Петипа из балета Чайковского «Спящая красавица».

Чуть лучше остальных призеров, практически безупречно, не допустив ни единой ошибки (хотя выступать приходилось в экстремальных условиях, после падения партнерши во время исполнения па-де-де из балета «Дон Кихот»), показался на конкурсе Арсентий Лазарев из Новосибирска, получивший тем не менее «серебро», но ставший настоящим открытием этого конкурса. Однако и выступление Дениса Захарова, представлявшего московскую академию и получившего в результате Гран-при, также можно признать стилистически точным и безошибочным. Второкурсник МГАХа обладает удлиненными линиями, красивыми стопами, а по манере исполнения чем-то напоминает молодого Николая Цискаридзе.


Автор фото: Михаил Логвинов

Прекрасно выступил на конкурсе и обладатель благородного облика, роскошный по фактуре Егор Геращенко (золотая медаль). Воспитанник московской школы, получивший отличную выучку у своего сегодняшнего педагога Николая Цискаридзе уже в Вагановской академии в Санкт-Петербурге. Помимо романтичной внешности принца Зигфрида (что удачно подчеркивали расшитый серебром колет и прическа) он продемонстрировал красивые стопы, хорошие вращения и прыжки с приземлением в безупречную пятую позицию… а самое главное — эффект сценического присутствия, очаровав своей манерой московского (собственно, родного ему) зрителя. Геращенко смотрелся записным премьером и показал наиболее уверенное и взрослое из всех участников выступление в дуэте, прекрасно станцевав с Элеонорой Севенард черное па-де-де из «Лебединого озера».

Что же до самого жюри, то решение оно демонстративно (конкурс снимали для телевидения) принимало отнюдь не в кабинетах: оценки выставлялись онлайн, то есть прямо во время выступления, и с периодичностью в каждые 5 номеров бюллетени отдавались секретарше для того, чтобы их потом обработал компьютер. Вроде как все прозрачно, что, однако, совершенно не исключает возможности сговориться заранее.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пн Июн 05, 2017 11:36 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17340
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Май 03, 2017 12:00 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017050301
Тема| Балет, XXX Международный фестиваль классического балета имени Рудольфа Нуриева, Персоналии, Кристина Андреева
Автор| Айсылу КАДЫРОВА
Заголовок| Казанская прима Кристина Андреева: «Среди балерин лучших подруг быть не может»
Где опубликовано| © Газета «Вечерняя Казань»
Дата публикации| 2017-05-02
Ссылка| http://www.evening-kazan.ru/articles/kazanskaya-prima-kristina-andreeva-sredi-balerin-luchshih-podrug-byt-ne-mozhet.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



«Ромео и Джульетта» Сергея Прокофьева откроет 13 мая в Казани XXX Международный фестиваль классического балета имени Рудольфа Нуриева. Это будет новая постановка: хореографическую версию московского балетмейстера Бориса Мягкова (1999) дополняет своими фантазиями его казанский коллега Владимир Яковлев. Известно, что главную женскую партию на премьерном спектакле исполнит прима Татарского театра оперы и балета Кристина Андреева. На сегодня 24-летняя Андреева - единственная среди танцовщиц театра им. Джалиля, кто занимает самую высшую в труппе иерархическую ступень - прима-балерины.

- Безумно жду премьеру, - призналась корреспонденту «Вечерней Казани» Кристина. - Мне только раз довелось станцевать в «Ромео и Джульетте» в Казани и несколько раз на гастролях. Я очень долго отказывалась от предложения исполнить партию Джульетты. Чувствовала: не пришло еще время. А когда станцевала, поняла, что это «моя» история. Мне очень комфортно в этой роли, она мне так понятна!

- Кто будет вашим Ромео?

- Миша Тимаев. Мы в последнее время так часто танцевали вместе, что стали намного лучше друг друга чувствовать. Это все замечают. Думаю, очень хороший у нас с ним получится спектакль.

- В этом году вы оба были номинированы на республиканскую театральную премию «Тантана» («Триумф»). Но получили ее вы. И стали единственной артисткой музыкального театра в Татарстане, у кого уже две «Тантаны».

- Вторая «Тантана» стала для меня неожиданностью. Честно скажу: болела за своих партнеров - Артема Белова и Михаила Тимаева, мы вместе в этот раз были номинированы - они за партию Квазимодо, а я - за роль Эсмеральды в одноименном балете. И вдруг мне звонят и говорят, что премия - моя. Знаете, мне было приятно до слез. Для любого артиста важно, чтобы его труды не прошли незамеченными. Эсмеральда - важная для меня партия: помогла раскрыться не только как танцовщице, но и как актрисе.

- Денежная составляющая этой премии - 50 тысяч рублей. Это большие для вас деньги?

- Думаю, для каждого человека важна любая сумма - будь то тысяча, пять или больше. Есть такая поговорка: копейка рубль бережет. Но деньги в этой премии - не главное для меня. Важно, что оценили мой труд.

- Вас называют одной из самых состоятельных женщин Казани. Как вы к этому относитесь?

- Ну а кто не хочет красиво жить? Я живу не на деньги папы с мамой и не на деньги богатых поклонников. Я живу исключительно на свои, заработанные любимой профессией. У меня всегда было желание, чтобы мои родители ни в чем не нуждались. Сейчас я все усилия для этого прикладываю и ни на чьей шее не сижу.

- Кристина, какой вы были в детстве?

- Веселой, задорной, энергичной. А еще очень стеснительной, где-то даже робкой. Меня изменила учеба в Красноярском хореографическом училище: мой педагог Лариса Борисовна Сычева закалила во мне стальной характер, который необходим для работы в театре и для достижения профессиональных высот. Очень ей за это благодарна.

- Вы, наверное, самая знаменитая ученица Сычевой?

- Насколько мне известно, у Ларисы Борисовны две любимые ученицы: Ирина Аблицова - прима московского театра «Кремлевский балет» и я. Она всегда об этом говорит. Гордится нами.

- У вас есть подруги среди балерин?

- Среди балерин лучших подруг быть не может. К сожалению, я убедилась в этом на личном опыте. Так уж сложилось, что балет - это всегда соперничество. И оно не заканчивается в репетиционном зале. Зависть в нашей профессии присутствует.

- Можно узнать, кому завидовали и завидуете вы?

- В театре еще не приходилось испытывать это чувство. А до театра... Когда я приехала на стажировку в Вагановскую академию, попала в класс, где занимались известные сегодня Ольга Смирнова и Кристина Шапран. У девочек потрясающие данные! И рядом с ними я поначалу ощутила себя гадким утенком из провинции. Но я бы не сказала, что это была зависть - скорее, я засомневалась в себе рядом с такими красотками. Но быстро поняла, что у меня тоже есть свои плюсы. Мы могли поучиться друг у друга.

- В мире балета столичные артисты относятся свысока к артистам из провинции?

- Всегда все зависит от человека. Вот Екатерина Крысанова из Большого театра. Мы замечательно с ней общаемся - и при личной встрече, и в социальных сетях. Можем даже комплиментами перекинуться.

- Но лучшими подругами вам не стать, потому что обе — балерины?

- Знаете, а ведь у меня есть лучшая подруга. Это музыковед Лена Остроумова, она работает в пресс-службе нашего театра. Мы уже полтора года дружим, и дай Бог, чтобы это продолжалось. Лена мне как сестра: всегда поддержит и поможет, в любой ситуации за меня. Я всем желаю встретить такого человека в своей жизни, как моя Лена. Нам очень повезло: мы можем видеться и на работе, и за пределами театра, у нас всегда находятся темы для разговора.

- Что для вас лучший отдых?

- Оказаться у моря с интересной книжкой. А иногда просто полежать и ни о чем не думать.

- Когда вы поняли, что отдыхать, давать себе передышку - это очень важно?

- Сравнительно недавно. Первые года четыре в театре прошли под девизом «Хочу успеть». Мне все было интересно, я с радостью соглашалась на три-четыре репетиции в день. А потом начали болеть ноги и я поняла, что нагрузку хорошо бы сбавить. Вот в этом сезоне у меня вдруг разболелся «ахилл» на левой ноге. Периодически приходилось танцевать на обезболивающих, на заморозке. Ну а как иначе? Я очень люблю свою профессию.

- В вашем репертуаре - абсолютно все балеты, которые идут сегодня в Казани. Не скучно танцевать годами одно и то же?

- Уже немного скучно. Но я разговаривала по этому поводу с руководством театра: мне пообещали весьма интересные проекты, о которых я пока не могу говорить. Что бы я сама хотела станцевать? Мне интересна любая современная хореография. Что касается классического репертуара, то мечтаю о работе с таким мэтром, как Юрий Григорович.

- Что, кроме работы, приносит вам удовольствие?

- Хоккей! Уже год как я болею за казанский «Ак Барс» и за питерский СКА. Помню, меня фотографировали для календаря «Ак Барса», а на съемках выяснилось, что я ни разу не была на матчах. Меня пригласили. Я пришла и попала на плей-офф: шло знаменитое противостояние - «зеленое дерби» между Уфой и Казанью. Атмосфера ледового дворца, где бушевали просто нереальные эмоции, мгновенно заразила меня. Я не заметила, как сама стала кричать, переживать... Обожаю хоккей! Это великолепная разрядка.

- Друзья-хоккеисты у вас появились?

- Не хочу отвечать на этот вопрос. Пусть это останется в секрете.

- Кристина, расскажите про свой казанский дом. Какой он, что он для вас?

- Живу я в двухкомнатной квартирке в центре. Но прихожу в эту квартирку только спать. Не могу сказать, что испытываю к ней привязанность - она же не моя личная. Для меня ее арендует театр.

- Три года назад в интервью «Вечерней Казани» наш с вами разговор коснулся танцовщика Олега Ивенко. И вы сказали, что вы с ним пара не только на сцене, но и в жизни. Это по-прежнему так?

- Сегодня мы с Олегом коллеги, нас связывают только рабочие отношения. Но мы по-прежнему вместе танцуем и поддерживаем друг друга.

- Что могло бы вас сейчас очень сильно обрадовать?

- Если бы мои родители и мой 14-летний брат переехали из Красноярска в Казань. Я этого так долго жду. Если бы они наконец решились на такой шаг, я бы очень обрадовалась...

Фото Лилии ГАРИФУЛЛИНОЙ.
--------------------------------------
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17340
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Май 03, 2017 12:14 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017050302
Тема| Балет, , Персоналии, Андрей Кайдановский
Автор| Беседовала Ольга Гердт
Заголовок| «Я не в папу»
Андрей Кайдановский о том, почему живет в Австрии и не играет в кино

Где опубликовано| © «Лента.Ру»
Дата публикации| 2017-05-03
Ссылка| https://lenta.ru/articles/2017/05/03/kaidanovsky/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Андрей Кайдановский
Кадр: Volksoper Wien / YouTube


Перед премьерой его балета «Жар-птица» на музыку Стравинского в венской Volksoper австрийская пресса иначе как международной звездой 30-летнего Андрея Кайдановского не называла. Он тут свой не только потому, что ставит и танцует в Вене, но и потому, что «укоренился»: по-немецки говорит без акцента, а жизнь делит с «национальным достоянием»: подруга Андрея, солистка балета Венской оперы Ребекка Хорнер в прошлом — «ребенок-кинозвезда». Фильм «Мой дедушка — лучший» с ее участием — культ в Австрии не меньший, чем в России фильмы с Кайдановским-старшим. В 2016 Андрей Кайдановский получил в Германии престижную Танцпремию в категории «Будущее». Тогда же самый первый его российский проект — спектакль «Чай или кофе?» в Московском музыкальном театре имени Станиславского и Немировича-Данченко попал в шорт-лист фестиваля «Золотая маска» сразу в двух номинациях: «лучший спектакль современного танца» и «лучший хореограф». О том, как он оказался в Австрии, почему там задержался и на каком языке читает книжки его пятилетняя дочь, Андрей Кайдановский рассказал берлинскому обозревателю «Ленты.ру» Ольге Гердт.

«Он называл меня "Чкалов" за то, что подыхаю, но не сдаюсь»

Не так давно завершилась «Золотая маска» — вы приезжали на финальную церемонию?

Да. Я ведь совсем не знал, что это за премия, было любопытно. Тем более что критика на «Чай или кофе?» была хорошей и мне сказали: «у тебя есть шанс». Приехал, сел в зале, вижу: wow, такое шоу! Почти что «Оскар». Я с удовольствием на все это посмотрел. Сбежал, правда, быстро. Рядом со мной девчонки были из «Стасика» и после танцчасти они сказали: «все, уходим». И правильно сделали, потому что церемония долго еще продолжалась. Но было интересно, правда. Люди выходят на сцену, много говорят. Слава богу, мне не пришлось этого делать. (Смеется.) На себя посмотрел — никогда не видел свое лицо таким крупным планом!

Не расстроились, что ничего не получили?

Абсолютно!

Ну да, вы в Вене, там все хорошо. А тут, между прочим, когда «Маску» раздают, реки крови проливаются. Столько страданий: кому дали, кому не дали, справедливо, не справедливо.

Ну, насчет Вены я бы не сказал, что там все хорошо. Мне кажется, в Москве, в России, интерес к театру и к чему-то новому намного больше. В Европе как-то уже все ко всему привыкли.

Вы родились в Москве, но с 16 лет живете в Австрии. Как так вышло?

Мама (солистка балета Большого театра и специалист по старинной хореографии Наталья Кайдановская — прим. «Ленты.ру») отправила. Надо было уже что-то делать со мной. Из московской Академии балета меня выгоняли дважды, в актерской школе я тоже не задержался… По-настоящему меня интересовали только машинки — постоянно рисовал их в тетрадках, придумывал новые модели и хотел пойти работать в автомастерскую. Надо же было с чего-то начинать карьеру дизайнера? А потом родилась сестра, и мама решила: хватит, пусть сам уроки берет. И отправила в балетную академию в Санкт-Пёльтен.

Где это?

Маленький городок в Австрии, деревушка практически. Я там быстро приуныл: я ведь никогда не хотел быть балетным артистом, меня в училище привели «папину фигуру исправлять». И что я тут делаю? Перспектив я не видел. И тут в Санкт-Пёльтен, в их новый красивый театр на гастроли приехал Нидерландский театр танца — NDT, и всей школой нас туда отправили. Я ничего не запомнил, кроме номера в постановке, — я потом посмотрел имена в программке — Пола Лайтфута и Сол Леон. Короткий, минут на пять, но мне хватило. У меня был шок.

Я как в бездну заглянул и понял, что танцевать можно что угодно, под что угодно, как угодно и чем угодно. Я увидел потенциал, понял, что танец можно расширять во все стороны. Хореография Лайтфута и Леон была даже не на музыку, а на текст, артисты кривлялись, делали что-то с лицом — меня это так завело! Это был второй культурный шок в моей жизни после того, как я еще в Москве попал на выпускной актеров Щукинского училища. Они что-то такое безбашенное, легкое делали — кто-то черепахой полз через сцену, и все прочее в том же духе. Такие маленькие абсурдные вещи, но крышу мне снесло.


Балет «Жар-птица»
Фото: Wiener Staatsballett / Ashley Taylor
1/2


То есть задержаться в балете вас мотивировали Лайтфут и Леон?

Частично. После Санкт-Пёльтена я попал в Штутгартскую балетную школу к педагогу Петру Пестову, который со словами «стопы есть — остальное сделаем», взял меня сразу в выпускной класс. Там были взрослые ребята с конкурсов и я снова оказался самым маленьким, самым слабеньким. Но я был в одной из лучших школ мира, в классе лучшего в мире балетного педагога. И какой был смысл в такой ситуации делать что-то меньше чем на 100 процентов? Я понял, что дело только за мной. Поэтому я закрыл рот и начал вкалывать. Да так, что мне плохо после уроков делалось. Пестов прозвал меня Чкалов за то, что я такой самоубийца, подыхаю, но не сдаюсь. Через полгода, правда, я и оттуда вылетел.

И приземлились?..

В школе при Венской опере. После Пестова, наверное, было все неплохо и меня взяли. После школы я получил контракт «артиста кордебалета», и в четвертый мой сезон в Опере на постановку приехали Пол Лайтфут и Сол Леон. Балет только что возглавил Мануэль Легри (экс-премьер и звезда Парижской оперы эпохи Рудольфа Нуриева — прим. «Ленты.ру») и он выставил нам сразу десять премьер. Мы были «в мясо». Легри же «нуриевец», ему — солист ты, не солист — все равно, все должны пахать.

Одной из премьер была постановка Лайтфута и Леон. Я прошел кастинг. Ничего не ждал. Отлично, думаю, посижу на репетициях. И вдруг вижу себя в списке: в постановке заняты четверо и один из них — я! Они сами меня выбрали! Я был так счастлив! Сол приехала позже, а Пол оказался очень веселым парнем, Мы много общались, обедали вместе. Мне понравилось, что они не рассказывают историю, а обозначают какие-то ее «углы»: тут как в сериалах, тут как будто «чужой» в теле. Все очень конкретно по движению. Это мне близко.

Это тогда вы решили тоже что-нибудь поставить?

Это не я, это бабушка. Она узнала, что в Вене есть такой Клуб любителей балета — очень влиятельный, со своей премией, журналом. И они создали программу «Молодые хореографы», в рамках которой артисты венского Staatsballett могут показывать свои первые постановки. Она спросила: «А ты сможешь?» Убедительной отмазки я на тот момент не нашел, поэтому решил: ладно, сделаю, она и отстанет.

Но про что? Поставлю на парней. Я же — парень. Один будет слабенький — я же слабый. А сколько парней? Один — мало, четыре — много, поставлю на троих. Так получился номер Drei Unbekannte («Три незнакомца») про разные недостатки одного человека. Я показал его, критика была очень хорошей. Ко мне подошел главный драматург Оперы и сказал: «Делай дальше». Следующим был номер уже на девочек — Dolce Vita, после которого Легри предложил сделать балет «Петя и волк» Прокофьева для программы сказочных спектаклей. Я спросил: «А "Гадкого утенка" можно?» Он сказал: «Ок, делай».

«Моя необразованность — мой плюс»

С Лайтфутом и Леон вас еще раз свела афиша последней «Золотой маски», и она же разделила. Их постановка оказалась в разделе «балет», а ваша в «современном танце». Сами вы ощущаете себя больше на какой территории — танца или балета?

Когда делал первую вещь, в голове сидели и этюды щепкинцев, которые меня так поразили, и детство, которое я провел за кулисами Большого театра. Я все думал: как можно примирить эти крайности? Театр и танец, перформанс и балет? Я все еще пытаюсь найти этот баланс для себя.

«Гадкий утенок» — это что-то автобиографическое? В том смысле, что это история про кого-то, кто не как все.

(Медлит.) Ну-у, нет, я не могу сказать, что я не как все. Мне кажется, я стандартный. И в отличие от «утенка» в балете, когда я менял школы, города — я всегда находил близких людей и быстро осваивался.

В «Жар-птице» тоже ничего личного? Я спрашиваю, потому что одно дело ставить «из себя», опираясь на личный опыт — так работают хореографы contemporary dance и так, мне кажется, работаете вы. «Три незнакомца», Dolce Vita, «Чай или кофе?» — везде в основе человеческий опыт: отношения, потери, и даже «ломка» после отношений как в «Любовной песне», например. И совсем другое — делать очередную версию старого, как «Жар-птица» Стравинского, балета. Тут ведь шаг влево, шаг вправо — расстрел. Делай не как все, но чтоб в традиции.

Если бы мне не предложили — сам я в жизни ничего такого делать не стал бы! Честно! Но раз пришло — значит пришло. Надо делать. Единственный мой плюс — моя необразованность, я не видел ни одной «Жар-птицы». С музыкой Стравинского было сложно. Я вообще люблю сам выбирать музыку. Слышу и сразу вижу как это можно поставить. А у Стравинского все уже визуализировано. Отклониться от его видения невозможно. Одно па-де-де Жар-птицы и Ивана чего стоит! Она ему: «отпусти»! А он: «не отпущу»! И в таком духе целых восемь минут. А у нас тут фейсбук, смартфоны, мы реагируем на все моментально — кто сегодня выдержит такую тягомотину?

«Гадкого утенка» критики очень хвалили кроме прочего за то, что получилась «глубоко человеческая» история. Что может в «Жар птице» задеть современного человека?

Я думаю, это тема власти, тема любви и того лимита, который каждый себе устанавливает в плане личного развития. Вроде все идет хорошо, а потом — раз и все заканчивается. Думаю, это каждому знакомо. Об этом, я задумывался, когда работал над «Жар-птицей». И еще о переменах. У нас ведь все действие происходит в супермаркете.

Ага, то есть никаких костюмов а-ля Бакст, никакой «дягилевсезонщины».

Не-не, у нас все очень просто. Наш Кащей — директор магазина. А Иван — он такой бедный, несчастный, раздает флаеры на улице и вдруг видит в витрине Кащея с Василисой. В этот момент и появляется Жар-птица, чтобы выполнить желание Ивана: оказаться на месте Кащея. У Фокина (Михаил Фокин — хореограф первой «Жар-птицы», поставленной для «Русских сезонов» Сергея Дягилева в Париже в 1910 году — прим. «Ленты.ру») история заканчивается, когда Кащея убивают. Мы заглянули чуть дальше — у нас Иван становится как бы следующим Кащеем. Круг замыкается.

Это более «взрослый» спектакль в отличие от «Гадкого утенка»? Его можно детям показывать?

Да, наверное, он пожестче. И выглядит помрачнее — не такой разноцветный. Более реальный. Хотя я бы поделил все на «жар» и на «птицу». (Хохочет.)

Как это?

«Жар» — это идеи, мысли, желания, все то, что нас в жизни «жарит». А «птица», наверное, все, что связано с музыкой и танцем.Что-то летучее. Музыка местами очень сказочная — и хореография получилась довольно легкая, в ней ничего тяжеловесного.

Про Кащея, Ивана-Царевича и Жар-птицу понятно, а что с царевной — Василисой в вашем случае?

О, у меня была изначально идея, что это будет крупная и очень громкая женщина. Такая классическая Кассирша. Огромная. Чтобы она как скульптура появлялась в разных местах сцены. Установить ванну и чтобы она стояла в ней — большая, голая, а 12 других невест, сотрудниц магазина, ее бы все вместе мыли. Но драматурги театра как только услышали, что я хочу большую женщину (это же надо драматическую актрису нанимать!), да еще и голую, да еще и под душем (это что? вода на сцене будет?) сказали: «нет, это не в бюджете». В программе ведь три вещи и один бюджет на троих хореографов — не разгуляешься. Так что пришлось мне ограничиться обычной кассиршей. Она у нас теперь слепая, несчастная, но все равно довольно шумная — очень много и быстро разговаривает.

«Дочь долго думала, что по-русски говорю только я»

Вы часто пересматриваете фильмы, в которых играл ваш отец?

Давно не пересматривал. Последний раз это было года два-три назад, я смотрел «Свой среди чужих — чужой среди своих», «Сталкера». Но, честно говоря, много чего я вообще не видел. Надо бы этим заняться, но пока руки не доходят. А кино меня интересует, но скорее как приемы. Моя любимая танцевальная компания Peeping Tom, например, многое берет из кинематографа: саспенс, монтаж.

... начиная с названия. «Подглядывающий Том» — классический хоррор на тему вуайеризма.

Но не скажу, чтобы я так уж за всем следил. Смотрю только если какой-нибудь интересный ширпотреб выходит. Вот «Лобстера» недавно смотрел. Но нет, я не синефил. Не в папу. Мне интереснее пока то, что живьем, — театр.

Если бы я пересматривала что-то из Кайдановского-старшего, я бы выбрала «Сталкера». Мне кажется, это уже не актерская работа, а какая-то психофизическая акция, из области экстремального перформанса.

Абсолютно согласен! Но мне кажется, он мог все. Режиссеры его за это и любили, вот только он их, кажется, не очень.

Когда вы даете интервью, часто думаете про себя: «О, все, вот сейчас про папу спросит»?

Нет, в Австрии особо много про папу не спрашивают — только в России, а я там редко бываю. А вот Ребекке как раз очень хорошо это знакомо. Ей постоянно напоминали о ее бэкграунде. Спрашивали, будет ли она еще сниматься в кино. Она ведь не только играла в кино, она еще делала детскую передачу, выпустила диск с песнями — и все это в возрасте с пяти до десяти лет. А потом сказала: все, идите вы, я хочу танцевать. И ей удалось переломить ситуацию. Сейчас ее танцевальная карьера настолько успешна, что про танец спрашивают даже чаще.

Ребекка занята в «Жар-птице»?

Да. Она танцует Василису.

Австрийская пресса называет вас часто Traumpaаr — романтическая, идеальная пара. Есть что-то, что вас все еще удивляет в Ребекке?

Нам сегодня задали такой же вопрос. Мы давали парное интервью на радио перед премьерой. Я много чего наговорил, но вам скажу коротко: я никак не могу к ней привыкнуть. Она талантливая, чувствительная и очень зрелая женщина. Ей не надо много объяснять, она все понимает, что я иногда не в силах выразить словами.

Это уже не коротко. А Ребекку что в вас удивляет?

Она тоже об этом сказала. Ее удивляет, что я никогда не сдаюсь. Оказывается. Я и не знал. Ладно.

А маленькая Руби, наверное, удивляет вас обоих и в ежедневном режиме.

Да, она так быстро растет. Уже читает по-русски. Долгое время считала, что на этом языке говорю только я и отвечала мне всегда по-немецки. А потом мы приехали в Москву и она увидела, что дети тоже используют этот язык, а не только ее папа, и тогда сразу заговорила по-русски. Теперь она читает уже на двух языках. И что еще меня в ней удивляет — она всегда точно знает, чего хочет. В свои пять. Да и в четыре знала, и в три. Директором будет. (Смеется.) Руби очень сильная. Как Ребекка. Правда, у них немножко разная сила, и поэтому, когда они вдруг сталкиваются, — хорошо, что на этот случай у них есть я. Я их развожу, и все сразу успокаиваются.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пн Июн 05, 2017 11:45 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17340
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Май 03, 2017 12:27 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017050303
Тема| Балет, Воронежский театр оперы и балета, фестиваль «Воронежские звезды мирового балета»
Автор| Ирина Евсюкова
Заголовок| Не хуже Мариинки и Большого. Зачем Воронежу балетный фестиваль
Воронежский театр оперы и балета провел масштабный фестиваль с участием звезд мировой балетной сцены.

Где опубликовано| © АиФ - Черноземье
Дата публикации| 2017-05-03
Ссылка| http://www.chr.aif.ru/voronezh/events/ne_huzhe_mariinki_i_bolshogo_zachem_voronezhu_baletnyy_festival
Аннотация| Фестиваль


Константин Кириакиди / Воронежский театр оперы и балета

«Руслан и Людмила» и «Тысяча и одна ночь», «Жизель» и «Макбет» и даже так редко исполняемые «Анюта», «Кармен-сюита» и «Барышня и хулиган» - самые именитые и талантливые выходцы воронежского балета вернулись на родную сцену, чтобы исполнить главные партии в спектаклях, вошедших в программу фестиваля «Воронежские звезды мирового балета». В апреле Воронежский театр оперы и балета порадовал местных любителей изящного искусства целой россыпью событий.

О том, чем масштабный фестиваль может помочь родному театру и как местные артисты смотрелись на одной сцене с резидентами залов Большого и балета Кремля, корреспондент «АиФ-Черноземье» поговорил с худруком фестиваля Александром Литягиным. А прима-балерина Чувашского театра оперы и балета Марианна Субботина перед своим выходом на сцену рассказала, почему ей нравится выступать в старых стенах больше, чем на отполированных новых площадках.

Чтобы заметили и помогли

«Фестиваль состоялся на более высоком уровне, чем первый, с более именитыми гостями, с более громкими аплодисментами зрителей, с масштабными балетными полотнами, с интересным репертуаром и большой, упорной и продуктивной работой. Я этому безумно рад», - поделился в день закрытия балетного форума Александр Литягин.

Ирина Евсюкова, «АиФ-Черноземье»: В последнем спектакле в рамках фестиваля – постановке «Тысяча и одна ночь» - вы вышли на сцену и исполнили главную партию. Волнительно было танцевать после долгого перерыва, да еще и в паре с примой?

- Конечно, волнительно закрывать фестиваль и выходить в домашних стенах на родную сцену со звездами. Мы часами готовились в балетном зале. У нас было много репетиций, старались выставить каждую позу. Мы пытались сделать так, чтобы это был не просто выход на сцену, а яркое, радостное и качественное событие. Чтобы зритель сказал, что Летягин не зря завершает фестиваль, что он еще может и что в Воронеже есть артисты, соответствующие столичным звездам.

- Ваша труппа две недели работала без сна и отдыха, практически каждый день выходя в новых спектаклях. Как артисты справились с такой нагрузкой?

- Труппа с нетерпением ждала завершения этой большой работы. За этот период у нас есть выбывшие. Есть люди, которые ушли на больничный, есть те, кто работал с травмами. Да, ребята безумно устали. Они провели семь спектаклей, которые шли и каждый день, и через день. Причем вечером они танцевали одно, а уже с утра вспоминали другое. Сейчас они отправляются в отпуск на целых два дня, ведь с 3 мая у нас снова начнутся спектакля. Я думаю, что они уйдут на выходные с чувством выполненного хорошего дела.


Фото: Воронежский театр оперы и балета/ Константин Кириакиди

- Как оценивали уровень фестиваля и воронежского балета звездные гости?

- Мы очень старались соответствовать уровню лучших традиций русского балета. Это не только мои наблюдения. Это замечают критики и профессионалы. Говорят, что такие репертуарные полотна может позволить себе не каждый театр.

Гости замечали, что у нас мобильная, профессиональная, интересная труппа, которая может собираться, которая соответствует уровню лучших театров нашей страны. Это безумно приятно. Хочется показывать этих ребят, чтобы их ценили так, как ценю их я.

- Не боитесь, что после такого успеха ваших артистов разберут другие театры?

- Это уже другая моя задача как руководителя. Я дорожу каждым. Здесь лишних нет. Это показал и наш фестиваль. Я делаю все, чтобы они никуда не уезжали. Для этого нужно создавать условия, давать танцевать.

- И все же за историю воронежского театра оперы и балета было немало талантливых ребят, уехавших работать в другие театры и ставших там настоящими звездами. О чем это говорит?

- Это говорит о многом. В первую очередь, о том, что наше хореографическое училище готовит профессиональные кадры. И о том, что наш театр и условия работы в нем на сегодняшний день не совсем могут конкурировать с другими театрами, особенно федеральными. Я сравниваю нас не только с Большим и Мариинским театрами, но и с другими провинциальными учреждениями. Например, театрами в Перми, Йошкар-Оле или Казани, где артисты находятся в гораздо лучших условиях. У них больше зарплата, больше гастролей, еще больше репертуар. Хотя репертуар и у нас огромный. Когда к нам приехал Юрий Петрович Бурлака, он оценил, как мы стараемся держать нашу планку. Я думаю, что мы все-таки развиваемся. А судя по тому, что наши артисты сейчас не уплывают из театра, а труппа по чуть-чуть прибавляется, мы идем в правильном направлении.

- В театре сейчас происходят позитивные процессы как в балете, так и в опере. Вы думаете, они способны улучшить те самые условия для артистов?

- Я один из тех людей, которые создают эти процессы. Но от меня, к сожалению, не зависит, даст ли это что-то большее театру. Мы пытаемся сделать что-то изнутри, хотелось бы, чтобы и снаружи на нас обратили внимание и помогли. Я провожу здесь по 18 часов в день, надеясь на то, что воронежский балет зазвучит. Я в это верю.

- В новом сезоне мы ждем премьеры масштабного балета «Корсар», который помогает ставить легендарный Юрий Бурлака. Главные партии в нем отдадут приезжим звездам или все-таки своим артистам?

- Работа с Юрием Петровичем поднимает планку для нашего театра. Я все сделаю для того, чтобы в нем танцевали все артисты нашего театра. Для меня это приоритет. Наши артисты соответствуют высокому уровню. Для этого мы и проводим фестиваль – чтобы показать на одной сцене и воронежских звезд, и звезд мирового класса.

«Стекло в пуанты уже никто не сыплет»



Прима-балерина Чувашского театра оперы и балета Марианна Субботина станцевала для воронежских зрителей партию Шехерезады в балете «Тысяча и одна ночь».

«Мне нравится у вас все. Даже погода хорошая. И, конечно, очень нравится театр. У нас в Чебоксарах здание более современное. Но в таких старых театрах приятно работать. Здесь присутствует атмосфера многолетнего творчества, - рассказала балерина перед самым выходом на сцену. – И еще очень понравились исполнительские составы. Ваши ребята – молодцы. Никто не жалуется, все очень милые и доброжелательные. Нет угрюмости, усталости не видно. А Александр Александрович – вообще без комментариев: и сам репетирует, и еще кучу дел делает. Каждый день, беря новую ступеньку, ты чувствуешь себя лучше. Да, устаешь физически и морально, но общее ощущение выполненной работы того стоит».

- То есть приняли вас хорошо, и местные примы стекло в пуанты не подсыпали?

- Ну что вы! (смеется) Я думаю, такого уже нет нигде. Это все легенды досоветских времен. Сейчас конкуренция более здравая, чем раньше.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17340
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Май 03, 2017 8:10 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017050304
Тема| Балет, Балет Монте-Карло, Премьера, Персоналии, Мари Шуинар, Наталия Хоречна
Автор| Татьяна Кузнецова.
Заголовок| Горе без ума
Мари Шуинар и Наталия Хоречна в Балете Монте-Карло

Где опубликовано| © Газета "Коммерсантъ" №77, стр. 11
Дата публикации| 2017-05-03
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/3287924
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Фото: Alice Blangero

На сцене Форума Гримальди Балет Монте-Карло представил мировые премьеры одноактных балетов в постановке гранд-дамы современного танца Мари Шуинар и молодой словачки Наталии Хоречны. Из Монако — Татьяна Кузнецова.


Руководитель и хореограф Балета Монте-Карло Жан-Кристоф Майо два раза в год отдает свою труппу сторонним авторам, молодым и опытным, именитым и малоизвестным — любым, кто вызвал его интерес. За полтора месяца приглашенный творец обязан сочинить оригинальный балет на избранную им самим музыку и тему, рискуя пожать лавры или провалиться — рулеточный азарт Монте-Карло сказывается и здесь. Впрочем, на репертуарную политику труппы успех или неуспех премьеры не влияет. Новые спектакли показывают три--пять раз подряд, после чего они пропадают в анналах, исполнив предназначенную им роль, удивив публику и расширив кругозор артистов, выучивших очередной хореографический язык.

На этот раз бал правили две дамы: 62-летняя титулованная канадка Мари Шуинар, основавшая собственную труппу еще 27 лет назад, и Наталия Хоречна, хореограф с пятилетним стажем и длинным послужным списком танцовщицы (классика в Словацком национальном театре, восемь лет у Джона Ноймайера и шесть — в килиановском Нидерландском театре танца).

Мари Шуинар, вдохновившись творчеством американского абстракциониста Сая Тумбли, посвятила ему 35 сценических минут. Музыку к балету "Cy Twombly Somehow" — чередование жесткого бита с элегичностью, разреженное человеческим бормотанием, стонами и тяжким дыханием,— написал ее любимый и постоянный соавтор Луи Дюфор. Костюмы — трусы телесного цвета с завышенной талией, красные парики и полоски скотча, приклеенные к телам артистов (у женщин целомудренно заклеены соски),— придумала сама хореографиня. А вот постановкой движений она, похоже, не затруднялась: балет выглядит как серия импровизаций четырех женщин и девяти мужчин, поначалу обутых в пуанты, а затем босых. Такие задания — "заплетись узлом" или "перейди из одного угла зала в другой так, будто у тебя иголки под ногтями" (или "колики в животе", или "нет костей"),— часто дают студентам. Мари Шуинар, разбив танцовщиков на группы, заставив динамично перемещаться в пространстве и отобрав лучшие плоды артистического воображения, в очередной раз изложила свои мысли о трансгендерной природе людей, тотальном конфликте хаоса и регламента, лицедействе как форме существования.

Все наглядно, в лоб: вот сбитые в кучку артисты одержимо скребут пол battement tendu, являя собой прискорбный пример общества, опутанного правилами и догмами, а вот из кучки выскакивают свободные индивидуумы — в мучительных корчах, но совершенно независимые. Вот живописная толпа на авансцене корчит рожи, извиваясь в позах и реверансах, которые принято называть "барочными" из-за избыточности изломов и прогибов: набеленные лица — словно маски, и в кривляющейся толпе не найти ни одного живого лица. Про гендерную относительность в балете, где мужики на пуантах, как размноженные Китри, вздергивают releve-passe, и говорить не приходится. Мари Шуинар, в очередной раз применив набор дежурных клише, принесших ей славу четверть века назад, нимало не тревожилась отсутствием вдохновения. Однако на сей раз испытанные приемы не сработали: мертворожденную абстракцию на тему Тумбли не смогли оживить ни гэги, ни телесные подвиги артистов труппы.

Второй балет программы, 50-минутный "But behind the Bridge", появился на свет благодаря облетевшей весь мир фотографии, на которой полицейский несет на руках утонувшего трехлетнего ребенка-беженца. Потрясенная трагедией, хореограф Наталия Хоречна сочинила балет об ужасах войны, собрав партитуру из десятка музыкальных фрагментов от Вивальди до Тома Уэйтса. Его главные герои — мама, папа и ребенок (взрослый танцовщик, одетый в шорты и майку, который ведет себя как дитя). Жизнью людей управляет лысая Судьба в телесного цвета трико с выпирающими на суставах подкладными шишками, три виртуоза в черных пиджачных парах воплощают военное насилие. Танцуют также беженцы и беженки, вылезая из-за решетки резервации; в момент кульминации они садятся рядами и имитируют греблю — напоминая о крушении лодки и погибшем мальчике.

Мальчик в балете погибает неоднократно. Убив его впервые на седьмой минуте действия (Судьба, вырвав его из рук родителей, снимает с "мертвеца" шорты и футболку), хореографиня вновь и вновь прокручивает минуты былого счастья, каждый раз завершая танец семьи этим трагикомическим стриптизом. И хотя лексика Наталии Хоречны изобильна и красноречива, дуэты беженцев и отлетевших душ изобретательны по поддержкам и красивы по позам, а артисты танцуют вдохновенно и темпераментно, ее балет вызывает чувство острой неловкости, как если бы в доме повешенного заговорили о веревке. Вечер премьер обернулся наглядным проявлением непреложного закона искусства, гласящего, что для успеха любого произведения равно губительны как профессиональный цинизм, так и слишком искренний пафос.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пн Июн 05, 2017 11:52 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17340
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Май 03, 2017 8:17 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017050305
Тема| Балет, Американский Балетный Театр, Персоналии, Алексей Ратманский
Автор| Виталий Орлов
Заголовок| Алексей Ратманский: Балет на десерт
Где опубликовано| © Русская Реклама
Дата публикации| 2017-05-02
Ссылка| https://news.rusrek.com/ru/russkaya-obshina/sobytiya-russkaya-obshina/455474-aleksej-ratmanskij-balet-na-desert.html
Аннотация|



В одном из самых элитных театрально-концертных залов мира – Центре искусств «Сегерстрем» в Коста Меза (Калифорния) в марте 2017 года состоялась мировая премьера спектакля Американского Балетного Театра – балета «Whipped Cream» («Взбитые сливки») в постановке Алексея Ратманского.

Гала-представлением 22 мая, в которое включен этот балет, АВТ открывает свой весенне-летний сезон 2017 года на сцене Метрополитен Опера. Если бы не безоговорочная репутация Ратманского – приглашенного первого балетмейстера АВТ, в течение нескольких лет поставившего на сцене этого театра блистательные балеты всемирного уровня – балет с названием «Взбитые сливки» предвещал бы некий китч. Такая опасность у этого балета есть в действительности, но талант, вкус, фантазия, ирония и яркое самобытное хореографическое мышление Ратманского в сочетании с музыкой Рихарда Штрауса сделали из этого балета в высшей степени элегантную сценическую интерпретацию трагикомического либретто.

Мальчик (арт. Даниил Симкин) пришел в кондитерскую и, объевшись там сладостей, заболевает. Его уносят на носилках. А в кондитерской ночью сладости оживают: танцуют Марципаны, Сливы в сахаре, Пряничные мужчины. Первое действие завершает кордебалет из 16 девушек. Второе действие сюрреалистическое: Мальчик находится в больнице; его врач – алкоголик. Бутылки спиртных напитков комично оживают. Но действие переносится из кошмарной ночной больницы на карнавальную площадь княжества Пралине, где обитают 12 мультяшных медсестер со шприцами размером с руку и врач со сказочно громадной головой. Появляются принцесса Цветок Чая (Стелла Абрера), принц Кофе (Дэвид Холберг) и принц Какао (Джозеф Горак).

В праздничном финале Мальчик присоединяется к конфетам, становясь супругом Принцессы Пралине (арт. Сара Лейн). Таким образом, это китч, но не по стилистике художественного решения, а в оригинальном смысле слова – фактура производства, где изготовляются произведения массового кондитерского искусства, предназначенные для продажи. Но у Ратманского это производство – триумф элегантности. Даниил Симкин находит идеальные краски для имиджа своего героя. Его энергия держит в напряжении балетное действо. Благородна покоряющая красота Сары Лейн. Ратманский дает танцовщикам возможность проявить свою виртуозность, в то же время не принуждая их воспроизводить бравурные танцевальные клише.

В этом спектакле зрители впервые после длительного перерыва, начавшегося в июле 2014 года, вызванного серьезными травмами, увидели суперзвезду мирового балета Дэвида Холберга в роли принца Кофе. Он исполняет прыжки и вращения так, как будто и не было этих трудных лет; его роль как партнера пластична и певуча. В нью-йоркских спектаклях будут заняты и другие звезды АВТ, и в их числе Мисти Коупленд и Марсело Гомес.

Рихард Штраус написал музыку к балету «Взбитые сливки» на свое же либретто в 1921-22 гг. С большой вероятностью можно сказать, что эта идея возникла у композитора, после того как он увидел в 1919 году балет антрепризы Дягилева «Фантастический Бутик», поставленный Леонидом Мясиным – об ожившей лавке игрушек. (В сюрреалистической финальной сцене куклы берут верх и присоединяются к лавочнику, выталкивая иностранных туристов, которые купили кукол вначале). Штраус тем самым почтил свою любимую Вену с ее традиционными фантастическими кондитерскими. Из его видения появляются своеобразные слои балета – поэзия сладостей, сюрреализм фантазии, подрывающей реальность. Один критик заметил по поводу постановки АВТ, что Ратманский может превратить в поэзию даже происшествие в кондитерской лавке: «Взбитые сливки» необычайно пластичны и воздушны, а богатая хореографическая лексика изобилует красками и нюансами.

В своей трилогии «Шостакович-2013» и в балете «После симпозиума Платона» в 2016 году Ратманский поднял мировое хореографическое искусство на новый уровень выразительности. И все же «Взбитые сливки» показывают его неутоленный аппетит, помимо прочего, к легкомысленному, не слишком значительному в жизни, но это всегда высокий стиль, который превращает пенистую ерунду во вдохновенное очарование.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17340
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Май 03, 2017 12:54 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017050306
Тема| Балет, Новосибирский театр оперы и балета, Персоналии, Эдвард Клюг
Автор| Яна ДОЛЯ
Заголовок| Большие амбиции, большие мечты…
Где опубликовано| © газета "Честное слово" № 17(1051)
Дата публикации| 2017-05-03
Ссылка| http://www.chslovo.com/articles/8995484/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Балет «Пер Гюнт» в эстетическом плане — то, чем сегодня дышит мировая современная хореография. Один из новаторов современного европейского балета Эдвард Клюг (Словения) осуществил постановку «Пер Гюнта» на сцене Новосибирского театра оперы и балета



Новосибирский «Пер Гюнт» создан на стыке балета и драматического спектакля, в жанре, близком к так называемой «новой пластической драме» или популярному сегодня стилю wordless theatre.
Особенность новой постановки не только в минимуме декораций и большой открытости пространства сцены, но и в том, что балет максимально приближен к человеческому естеству и создан буквально по буквам пьесы Генриха Ибсена. Скажем, сцену распития водки, длящуюся десять секунд и сопровождающуюся отнюдь не сценическими жестами, артисты репетировали полчаса. Зрители становятся свидетелями даже самой настоящей драки на сцене.
Ощутимой становится и печаль Ингрид, не желающей выходить замуж за нелюбимого: она в прямом смысле падает без сил.
Эдвард Клюг сделал ставку на актерскую игру — саму хореографию (за исключением разве что танца Анитры) нельзя назвать сильной. Хотя местами есть опасные сцены — когда девушки, стоя на пеньках, изгибаются спиной назад, а юноши ловят их сзади. Кстати, пеньки на сцене — самые настоящие, весят 20 кг, и артисты… танцуют с ними! Костюмы тоже выполнены из натуральных тканей.
В особо залихватских сценах артисты балета издают междометные восклицания, а тролли даже что-то говорят то ли на своем, то ли на грубом немецком языке.
Конечно, в «Пер Гюнте» в первую очередь раскрывается мужская тема. Тем не менее в балете есть две сольные женские партии и несколько красивых дуэтов. Спектакль, конечно, не обходится без лирических сцен: танец Пера и Сольвейг наводит на размышление о том, что есть любовь. А прекрасная музыка Эдварда Грига только усиливает это ощущение. Кстати, помимо знаменитой сюиты «Пер Гюнт» в спектакле звучат фортепианный концерт и фрагменты из других произведений норвежского композитора, что добавляет глубины и лиричности аскетической, приземленной постановке словенского хореографа.
Именно за счет ярко выраженных эмоций сюжет спектакля становится понятен зрителю даже без предварительного чтения либретто. Правда, может возникнуть вопрос, почему сестра Сольвейг носит заячьи уши (оказывается, она и есть самый настоящий зайчик — добрый охраняющий ее дух). Появляется и такой персонаж, как Олень. Если у Ибсена олень присутствует лишь однажды — когда Пер врет матери, что охотится на оленя, то в новосибирской постановке его решили внести красной нитью во все повествование — Олень появлялся как ангел-хранитель и даже как альтер эго главного героя. Признаться, сам олень выглядит не очень-то эстетично: вместо передних ног у него костыли, на которых и передвигается артист.
Уже традиционно для современного балета «Пер Гюнт» создан на минимуме декораций. И если красивого грота вполне хватает для антуража деревни, то сцену в троллевом лесу не оформили даже за счет зеленого «задника», хотя дым, журчащая вода и пение птиц все-таки создают сказочное ощущение. А уж длиннющие косы невест-троллей метра на четыре — настоящая экзотика! Не говоря уже о страшенных масках!
О путешествии Пера по миру рассказано путем использования маленького самолетика, в котором летит герой. Здесь даже присутствует юмор: герой заводит самолетик ровно так, как делают дети — бросанием в него монетки.
На протяжении всего
спектакля ощущается стремление Пера успеть везде. Его неиссякаемая жажда чего-то нового выражается в стремительности движений и в частой смене сцен. Создатели спектакля убеждены, что история Пера Гюнта универсальна: сколько молодых, жаждущих славы и почестей людей теряют в жизни самое дорогое из-за собственных амбиций. Как признался исполнитель партии Пера Гюнта (по совместительству художественный руководитель балетной труппой театра) Денис Матвиенко, вся его жизнь прошла в отелях, он всю жизнь куда-то ехал, что-то искал. И сегодня он пропускает самое важное — как растет его дочь.
Эдвард Клюг, хоть и не лишен творческих амбиций, при этом, по его словам, имеет одну Сольвейг и два ребенка.
Чего не скажешь о Пере Гюнте. Желание стать королем доводит его до сумасшедшего дома. Кстати, сцена в сумасшедшем доме во втором акте кажется слишком затянутой и излишне массовой. Неприятно выглядит попытка Пера развязать себе руки. Одним словом — шокирующий натурализм!
Есть еще один персонаж, исполняющий примерно ту же функцию, что и Олень, — это Смерть, которая всегда ходит рядом с Гюнтом, что вполне понятно: большой размах всегда находится на грани риска.
Необычно придумано решение показать старость, на склоне которой происходит воссоединение сердец Пера и Сольвейг: она несет на своей спине дверь, под
тяжестью которой становится понятен возраст. А вхождение Пера в эту дверь — символ домашнего очага — говорит о почти счастливом финале. «Почти» — потому что слишком поздно Пер понял, как близко было все это время его счастье, и Смерть совсем скоро совершит свое злое дело.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17340
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Май 03, 2017 1:12 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017050307
Тема| Балет, фестиваль Dance Open (Санкт-Петербург)
Автор| Лариса Абызова
Заголовок| На сцене Александринского театра в шестнадцатый раз прошел фестиваль Dance Open
Dance Open: от классики до чечётки

Где опубликовано| © портал "Музыкальные сезоны)
Дата публикации| 2017-05-03
Ссылка| http://musicseasons.org/dance-open-ot-klassiki-do-chechyotki/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Только завершился балетный фестиваль «Мариинский», как через четыре дня после его закрытия на сцене Александринского театра стартовал в шестнадцатый раз фестиваль Dance Open.


Фото: Станислав Левшин

У Dance Open есть весомый козырь: чёткая концепция. Главное кредо: знакомить Петербург с новинками. Однако каждый год имеет свои нюансы. Особенностью нынешнего фестиваля были спектакли театров отечественной провинции и новомодные зарубежные труппы.

Сегодня Петербург объединил две балетные труппы с Урала – Екатеринбургского и Пермского театров оперы и балета. Стоящие у руководства Вячеслав Самодуров в Екатеринбурге и Алексей Мирошниченко в Перми – оба петербуржцы, выпускники Академии русского балета имени А. Я. Вагановой, оба танцевали на сцене Мариинского театра. Теперь они активно действующие балетмейстеры, и закономерно, что для гастролей в родном городе были выбраны спектакли собственного производства.

Екатеринбуржцы привезли «Снежную королеву». Детский балет был впервые показан на Dance Open. Музыку написал композитор Артём Васильев, либретто по сказке Андерсена и хореография принадлежат Вячеславу Самодурову. Держать внимание детской аудитории на протяжении двух актов непросто. Логически выстроенная история Герды (Мики Нисигути) и Кая (Алексей Семиверстов), лаконичные декорации и костюмы сказочных персонажей (художники Эрик и Ирэна Белоусовы) понятны маленьким зрителям. Переживания детворы вознаграждает радостный массовый финал, где побеждает верность, взаимовыручка, любовь к родному очагу и в переносном, и в прямом смысле – все персонажи собираются в тёплом бабушкином домике, где горит камин.


Сцена из спектакля «Снежная королева». Фото: Катя Кравцова

Пермяки представили свою недавнюю премьеру – «Золушку» Сергея Прокофьева в постановке Алексея Мирошниченко, написавшего новый сценарий. Перенеся действие в 1950–60-е годы, эпоху торжества жанра драмбалета на театральной сцене, Мирошниченко играет аллюзиями. Стилизуя большой трёхактный спектакль под изображаемое время, хореограф пишет целый роман, и на чтение его уходят все антракты. В тексте поясняются детали, которые нельзя донести до зрителей хореографией. Например, что действие происходит в 1957 году, когда для Всемирного фестиваля молодежи и студентов в Москве Главный (понимай: Большой) театр готовит премьеру «Золушки». Или такая милая подробность: мастера по изготовлению балетной обуви Якова Ароновича Феймана вся труппа называет дядей Яшей. Молодые зрители недоумевают: зачем эти мелочи? Мирошниченко иронизирует – именно так выглядели программки канувших в Лету драмбалетов. Ещё одна примета жанра – «театр в театре», когда зрителям по ходу сюжета показывают созданные героями представления, и здесь это – «Золушка».

Музыка Прокофьева содержит и возвышенную лирику, и драматизм, и гротеск, это позволило Мирошниченко сделать многослойный спектакль. Сатирические персонажи – Генеральный секретарь, похожий на Никиту Хрущёва (Дмитрий Дурнев), Министр культуры, имеющий сходство с Екатериной Фурцевой (Дарья Зобнина), Майор Лазейкин (Николай Калабин) органично существуют рядом с лирико-драматическими героями – молодой танцовщицей Верой Надеждиной (Полина Булдакова), её партнером и возлюбленным Франсуа Ренаром (Сергей Мершин), хореографом-новатором Юрием Звёздочкиным (Артём Мишаков).

Главное, что Мирошниченко играет в советскую эпоху, не только разрабатывая подробный и многолюдный сюжет. О достижениях советского балета напоминает его хореография, где особенно выделяются два дуэта Веры: с Франсуа Ренаром и с Юрием Звёздочкиным. Сложнейшие акробатические элементы, которыми в 1950–60-е годы славились наши танцовщики, ныне почти вышли из практики. А пермяки делают их отлично!

Израильская молодежная труппа из Танцевальной компании «Батшева» (Batsheva Dance Company) решила удивить «Вирусом Наарина» на сборную музыку в постановке создателя и руководителя коллектива Охада Наарина. Приспособив для этого пьесу Петера Хандке «Оскорбление публики», цели своей гости не достигли. Звучащие со сцены ругательства типа «придурки», скорее, смешили. Кроме того, петербуржская публика не поняла главной фишки: нужно ругаться в ответ. Вернее, понял только один человек, но его попытки были пресечены воспитанными зрителями, а сам он был послан в Мариинский театр, куда и пошёл, поскольку то был Владимир Лепеев, служащий там не один десяток лет – сначала танцовщиком, а ныне режиссёром.

Два вечера были отданы Нидерландскому театра танца 1 (Nederlands Dans Theater 1), показавшему программу из трёх одноактных работ: «Немое пространство» и «Дотянуться до звёзд» на музыку Филиппа Гласса в постановке Соль Леон и Пола Лайтфута и «Тонкая кожа» на музыку Патти Смит и Кита Джарретта в постановке Марко Гёке.

«Немое пространство» продолжительностью сорок пять минут – долгожитель, увидевший свет рампы в 2005 году. Решающее значение имеет великолепно выполненный видеоряд и оригинальные костюмы, придуманные самими хореографами (особенно эффектна юбка танцовщицы, покрывающая всю немаленькую сцену Александринки). Драматургия закольцована: пара, начиная отсчёт отношений с некой точки на берегу бушующих волн, пройдя сквозь цепь жизненных бурь, туда же возвращается.

Декорация «Дотянуться до звёзд» (и здесь её авторами стали хореографы) сделана по принципу вращающихся дверей в дорогих универмагах, только вместо стеклянных лопастей – стенки, оклеенные чёрно-белыми обоями. Вращаясь, они переносят действие из комнаты в комнату, где в течение двадцати трёх минут корчатся в муках – поодиночке и парами – мужчины и женщины. Их страдания множатся, увеличенные крупными планами, на экранах. Чёрно-белый (с преобладанием чёрного) колорит, беспробудный мрак окружают персонажей, которые терзают друг друга, орут, висят на стенах, прыгают в окна. Какие уж тут звёзды! К ним никто и не тянется.

«Тонкая кожа» продолжительностью двадцать шесть минут – пример инструментальной хореографии. Никакого сюжета, только ритм. Покрытые плотной татуировкой танцовщики (не стоит волноваться, артистов никто не расписывал – это костюмы, имитирующие тату) воплощают концепцию хореографа Марко Гёке: «Сознание – это картинка. И в этом намёке на спираль есть уголок. Вирус? Татуировка духа?» Кто понял, тот увидел на сцене больше.

Ярким событием фестиваля стал балет «Буря» Национального балета Польши (Polski Balet Naradowy). Балет на сюжет Шекспира поставил руководитель труппы Кшиштоф Пастор, собрав воедино музыку Генри Пёрселла, Томаса Таллиса, Роберта Джонсона, Мэтью Локка, Мишеля Ван дер Аа и народные иракские мелодии. Успеху спектакля способствовало наличие у хореографа чёткой художественной концепции. Видно, что артисты хорошо понимают Пастора и увлечены его идеями. Хореограф имеет свой пластический язык, позволяющий легко сочинять монологи и многофигурные ансамбли. История Просперо (Владимир Ярошенко), его дочери Миранды (Юка Ибихара), Фердинанда (Максим Войтуль), Калибана (Павел Концевой), духа воздуха Ариэля (Патрик Вальчак) выходит за рамки взаимоотношений персонажей. Пастор сумел достичь шекспировского масштаба в размышлениях о сути бытия. Свою лепту внесло лаконичное оформление (художник по декорациям Жан Калман) в сочетании с выразительной видеографикой (художники Ширин Нешат и Шоджа Азари). Оригинально придуман кордебалет, объединивший в единое целое мужчин и женщин в одинаковых костюмах и ставший выразителем стихийного начала. Инструментальное соло на старинном иранском барабане даф исполняет по ходу действия присутствующий на сцене вместе с танцовщиками музыкант Аббас Бахтиари. Выбор его же на роль постаревшего Просперо очень удачен – выразительное лицо артиста, увеличенное на видео, передаёт нюансы эмоций героя.

Как всегда, финальным праздником стал прощальный гала-концерт звёзд мирового балета. В шестнадцати номерах программы вышли именитые танцовщики Большого, Мариинского и Пермского театров, Королевского балета Великобритании, Норвежского национального балета, Шведского королевского балета, Национального балета Нидерландов, Балета Сан-Франциско.

Попытка представить почти все направления хореографии имела успех. Номера классического наследия – «Венецианский карнавал» в исполнении солистов Большого театра Евгении Образцовой и Вячеслава Лопатина, па-де-де из «Корсара» в исполнении норвежских артистов Йоланды Корреа и Осиэля Гунео – соседствовали с авангардными Shutters Shut хореографов Соль Леон и Пола Лайтфута в исполнении Сары Рэйнольдс и Чака Джонса.

Всего две минуты длился отрывок из балета «Лолита» на музыку Тома Уэйтса в хореографии Юрия Посохова, но специально прилетевшие из Сан-Франциско Мария Кочеткова и Себастиан Клоборг запомнились лёгким, воздушным танцем, изящной игрой и щемящей нежностью.

В двух номерах был представлен степ. Знаменитый мастер этого жанра Сэвион Гловер из США специально для выступления в Петербурге поставил номер 15 stepz на музыку популярной группы Radiohead, который исполнил вместе с двумя танцовщицами. Но открытием стала аргентинская группа Malevo Malambo. Восемь статных мужчин в чёрных одеждах показали чудеса владения разными видами чечётки, аккомпанируя себе на барабанах. Бешеный ритм стал выражением мужской доблести, а виртуозное владение шарами на верёвочках (они называются болас и могут служить оружием) показали невероятную координацию артистов. Овация, которой наградили аргентинских искусников, была сопоставима с аплодисментами Виктории Терёшкиной и Тимуру Аскерову за «Классическое па-де-де» Виктора Гзовского на музыку Даниэля Обера.

По неизменно традиции Dance Open в финале гала все участники появляются на сцене, демонстрируя свои лучшие достижения. В номерах программы им не всегда приходится исполнять сложные элементы, а в конце под общую музыку можно крутить фуэте, скакать и прыгать, носиться друг за другом, словом, показать всё, на что способен. И золотой дождь с колосников всех уравняет в славе…

------------------------------------------------------------------
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17340
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Май 04, 2017 8:47 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017050401
Тема| Балет, БТ, Юбилейный вечер, Персоналии, Михаил Лавровский
Автор| корр.
Заголовок| Большой театр отмечает юбилей танцовщика и хореографа Михаила Лавровского
Где опубликовано| © РИА Новости
Дата публикации| 2017-05-04
Ссылка| https://ria.ru/culture/20170504/1493627232.html
Аннотация|

Большой театр чествует народного артиста СССР блистательного танцовщика, хореографа и педагога Михаила Лавровского, который отмечает свое 75-летие. Вечер в честь юбиляра состоится на исторической сцене ГАБТа 4 мая. Солисты и ученики Лавровского представят балеты в его хореографии. В одном из них — "Нижинском" партию Дягилева исполнит сам юбиляр. Об этом сообщили в театре.

Супермен

После одного из ранних выступлений Большого театра в Ковент Гардене, где был представлен новый балет театра "Спартак" в главной роли с Лавровским, известный английский балетный критик Клемент Крисп отмечал, что был продемонстрирован самый впечатляющий мужской танец, который он когда-либо видел.

"Только в превосходных степенях можно описать эту поистине героическую интерпретацию: мощь физической силы, благородство переживаний, красота выражения", — писал Крисп. Он называл Лавровского "суперменом".

Лавровский с момента работы в ГАБТе с 1961 года был гордостью и главным украшением Большого балета. Он сочетал в себе аристократизм манер, виртуозную технику и мощный актерский темперамент. Для него не существовало ограничений — он был великолепен в любом амплуа.

Счастливый человек

"Важно оказаться в нужном месте в нужное время. И мне повезло, что моя жизнь в Большом театре совпала с приходом Юрия Григоровича, хореографа, создавшего балеты, в которых на первое место выходил человек, где нужен был не просто хорошо владеющий техникой танцовщик, не марионетка, а артист", — сказал артист РИА Новости.

Лавровский отметил, что по мере возможности он также занимался хореографией, но сейчас своим главным делом считает педагогику.

"Я — счастливый человек — работал в Большом театре, моими партнерами были такие выдающиеся танцовщики, как Марис Лиепа, Владимир Васильев, Юрий Владимиров. Эталоном классического танцовщика для меня всегда был Николай Фадеечев", — отметил Лавровский.

Балеты Михаила Лавровского

В программе юбилейного вечера будут исполнены одноактные балеты: "Фантазия на тему Казановы", "Русская балерина", "Нижинский" в хореографии Михаила Лавровского. А в последнем он сам выйдет на сцену в роли Дягилева.

Впервые будет представлен дуэт из оперы-балета "АМОК", мировая премьера которого состоится в начале 2018 года.

Также будут исполнены — Адажио из балета "Спартак" и Гран па из балета "Дон Кихот", в которых блистал Михаил Лавровский.

За дирижерский пульт в этот вечер встанет Павел Сорокин.

Приношение мастеру

В концерте примут участие известные танцовщики и уже знаменитые ученики Лавровского. В их числе: Иван Васильев, Владислав Лантратов, Михаил Лобухин, Игорь Цвирко, Екатерина Крысанова, Мария Виноградова, Марианна Рыжкина и другие.

"Михаил Леонидович — один из первооткрывателей мужского классического танца в мире, — сказал РИА Новости солист балета ГАБТа Владислав Лантратов. — Лавровский — это ежесекундная жизнь в танце. Его танец всегда с большим чувством, с яркими эмоциями. Иначе, он считает, нет смысла выходить на сцену. Вот это он старался передать мне. Хочется пожелать Учителю здоровья, чтобы он не утрачивал веры в жизнь, чтобы радовал нас своим присутствием. Нам так важны и дороги его советы".
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17340
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Май 04, 2017 8:55 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017050402
Тема| Балет, БТ, Юбилейный вечер, Персоналии, Михаил Лавровский
Автор| Ольга Свистунова
Заголовок| Большой театр отметит 75-летие народного артиста СССР Михаила Лавровского
Программа концерта включила балеты, поставленные в разные годы самим юбиляром, а также фрагменты спектаклей, в которых он в свое время выступал как танцовщик

Где опубликовано| © ТАСС
Дата публикации| 2017-05-04
Ссылка| http://tass.ru/kultura/4230747
Аннотация|

Государственный академический Большой театр России (ГАБТ) на своей Исторической сцене устраивает гала-концерт в честь 75-летия знаменитого танцовщика и балетмейстера, народного артиста СССР Михаила Лавровского, который также примет участие в посвященном ему торжестве. "Под занавес вечера я исполню роль Сергея Дягилева в балете "Нижинский", - сообщил в интервью ТАСС Михаил Лавровский.

Вся жизнь - в Большом театре

Вся жизнь Михаила Лавровского связана с Большим театром, где он служит уже 56 лет. Поступив в прославленную труппу в 1961 году, он сразу стал ярким представителем выдающегося поколения балетных артистов, в числе которых Владимир Васильев, Екатерина Максимова, Наталия Бессмертнова, Марис Лиепа. Это они, прежде всего, были его товарищами, коллегами и партнерами по сцене.

Впрочем, такой путь предначертан Михаилу Лавровскому самой судьбой. Его отец - знаменитый балетмейстер Леонид Лавровский, тот самый, кто поставил хореографический шедевр - балет "Ромео и Джульетта", где главную женскую партию танцевала великая Галина Уланова. Сын не только продолжил семейную традицию, но и сумел доказать, что на детях выдающихся людей природа не всегда отдыхает. Еще будучи учеником в Московском хореографическом училище, он обрел международное признание, поразив зрителей и критиков своим выступлением на Пармском фестивале в Италии.

Вскоре о Михаиле Лавровском заговорили как о танцовщике виртуозной техники, огромного обаяния и необузданного темперамента. В Большом театре, где он прослужил солистом свыше четверти века (1961-1988 годы), Лавровский был звездой первой величины. Он танцевал главные партии в "Дон Кихоте", "Лебедином озере", "Щелкунчике", "Спящей красавице", "Жизели", "Золушке", "Пламени Парижа".

За исполнение роли Спартака в одноименном балете Лавровский был удостоен в 1970 году высшей по тем временам отечественной награды - Ленинской премии. А еще несколько лет спустя его артистический дар был отмечен Государственной премией СССР. За Михаилом Лавровским прочно закрепился титул одного из лучших классических танцовщиков современности.

Завершив артистическую карьеру, он не расстался с балетом - занял пост педагога-репетитора в Большом театре. Он также является художественным руководителем Московской государственной академии хореографии. Кроме того, открыл собственную хореографическую школу, а также проявил себя на балетмейстерском поприще. На счету Михаила Лавровского более десяти созданных им оригинальных балетов, в числе которых "Порги и Бесс", "Нижинский", "Фантазия на тему Казановы", "Ричард III. Эпилог".

Юбилейный концерт

Программа концерта включила балеты, поставленные в разные годы самим юбиляром, а также фрагменты спектаклей, в которых он в свое время блистал как танцовщик. Так, будет представлен фрагмент из балета "Спартак", где главную партию исполнит премьер ГАБТ Михаил Лобухин. Покажут и роскошное Гран па из "Дон Кихота", в котором заняты ведущие солисты Большого Екатерина Крысанова и Владислав Лантратов.

И все же основное содержание вечера составят балеты в хореографии самого юбиляра. В первом отделении это будет "Фантазия на тему Казановы" на музыку Моцарта. Во втором - номер "Русская балерина" из балета "Дерево павлинов". Также состоится презентация оперы-балета "Амок", над которым сейчас работает Михаил Лавровский.

"Этот балет я сейчас сочиняю на музыку молодого композитора Александра Симоненко", - рассказал хореограф. По его словам, в основе сюжета - новелла Стефана Цвейга. "Либретто написал мой сын Леонид Лавровский-Гарсиа, он по профессии театральный режиссер", - пояснил Лавровский, добавив, что художником по костюмам стала его супруга Долорес Гарсиа.

Завершится вечер одноактным балетом "Нижинский" на музыку Сергея Рахманинова в хореографии Михаила Лавровского, который сам выступит в роли Дягилева. Партию Нижинского исполнит танцовщик-виртуоз Иван Васильев.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17340
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Май 04, 2017 9:20 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017050403
Тема| Балет, , Персоналии, Сергей Полунин
Автор| Ксения Гощицкая (?)
Заголовок| Сергей Полунин: «Нам всем в жизни нужно больше танца — он освобождает и снимает телесные зажимы»
Где опубликовано| © Собака.ru
Дата публикации| 2017-05-02
Ссылка| http://www.sobaka.ru/krsk/city/theatre/57451
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

16 мая на «Лендок» с премьерой документального фильма «Танцовщик» по приглашению кинокомпании «Пионер» приедет Сергей Полунин, феномен балета номер один в мире. Напевая «мы промокнем под дождем и сегодня мы только вдвоем», Ксения Гощицкая помчалась в пасмурный Лондон, где уже много лет живет Полунин, успевший побывать самым молодым — и самым скандальным премьером Королевского балета. За пять лет, прошедшие с предыдущей фотосессии Сергея для «Собака.ru», из бэдбоя и анфантеррибля он вырос в серьезного артиста. И теперь Ксения утверждает, что вопрос, почему про 27-летнего Полунина уже снимают байопик, извините за плеоназм, снят. Харизма, ум и талант — обычно это три разных человека, и если эти качества едины в одном лице, это лицо знают на всех континентах.



Вы привозите в Россию документальный фильм о своей жизни, который спродюсировала Габриэль Тана, а снял оскаровский номинант Стивен Кантор. Как вообще случилось это кино под прокатным слоганом «Икона. Гений. Бунтарь»?

Года четыре назад теперь уже мой близкий друг, кинопродюсер Габи Тана, на счету которой «Герцогиня» с Кирой Найтли и «Филомена» с Джуди Денч, задумала байопик про Рудольфа Нуреева. Когда начался кастинг, мой тогдашний наставник, хореограф Игорь Зеленский, порекомендовал мне принять в нем участие. И пока длилась подготовка и мы все друг к другу приглядывались, идея изменилась — Габи захотела сделать актуальную историю про танцовщика, про того, кто живет и работает именно сейчас. И мне это кажется правильным: часто мы не замечаем тех, кто рядом, а когда они уходят, начинаем причитать: «Ах, какой был талант!» Габи просто взяла и поверила в меня. И я очень благодарен ей за терпение — я так ее проверял! Наверное, отчаянным характером я напомнил ей отца, серба, который в свое время сбежал в Америку, — очень интересного человека! (Смеется.) Кстати, фильм про Нуреева тоже состоится, съемки начнутся летом, а я сыграю Юрия Соловьева, тогдашнего премьера Кировского балета.

«Танцовщик» не единственная кинопремьера с вашим участием в этом году: осенью выходит «Убийство в Восточном экспрессе» Кеннета Браны, где вы играете с Джонни Деппом, Мишель Пфайффер и Уильямом Дефо.

Да! Я всегда мечтал сниматься в кино, но осознание того, что я могу сделать что-то важное в балете, понимание своих возможностей и того, что у меня есть дар, заставляли меня продолжать заниматься танцем. Поэтому мне просто приходится работать в два раза больше: я снимаюсь, учу роли и актерское мастерство, а параллельно продолжаю репетиции.

Мечта сбылась в точности?

Все оказалось даже круче, чем я думал! Работники кино — избалованные люди. Для меня съемки стали чистым фаном — я все время ощущал себя ребенком на детской площадке. По сравнению с балетом, это очень легко — никаких тебе одиннадцати часов физического напряга. И даже сложные моменты не имели ничего общего с ежедневным монотонным повторением движений. Меня восхищает, насколько развита киноиндустрия: актер не обязан держать в голове массу процессов — он просто должен хорошо исполнить роль. А продюсеры запускают рекламную кампанию, отправляют по ток-шоу и договариваются с журналами. Точно, как часы! В балете такого нет, никто не помогает артисту.

Похоже, вы задумали балетную реформу.

Обязательно! Я осознаю сложность пути, но верю, что это возможно. Мы должны догнать спорт и кино! Я бы никому не советовал идти в балет, пока он существует в нынешней его форме. Он консервативен, неразвит, несвободен, малобюджетен и, главное, быстротечен: соотношение срока обучения и периода полноценных выступлений катастрофически несправедливо. Творческой жизни дается от силы лет пятнадцать. Лишь единицы могут стать хореографами, а танцовщиков огромное количество. Только в Италии их полтора миллиона на три крупные балетные компании! И вот с восьми лет ты пашешь по девять часов в день, соблюдаешь колоссальную дисциплину — как в армии длиной во много лет, а после тридцати пяти, если у тебя нет имени и театр не хочет больше тобой пользоваться, ты никому не нужен, буквально выкинут на улицу. И примеров долгой балетной жизни или удачной смены амплуа, как это удалось Михаилу Барышникову, единицы. В Голливуде когда-то была похожая ситуация, студии практически владели актерами, пока проф­союзы и агенты не выдвинули новые условия работы: актер сам стал решать, где он появится и за сколько.

То есть и в балете стало важно иметь хорошего агента?

Мне когда-то дали понять, что агенты — плохие люди. И я долго был убежден, что прекрасно смогу справиться сам. Но два года назад, начав общаться с фотографом Дэвидом Лашапелем и известными актерами, я понял, насколько большие команды на них работают. И это абсолютно правильно — ты должен быть сконцентрирован на работе, а не решать вопросы. Агенту легче вести переговоры об ангажементах и гонорарах, нет ощущения, что ты что-то выпрашиваешь. Большинство танцовщиков вообще не думают о деньгах, у них в этом смысле мозги правильно настроены — они делают то, что любят. Это настолько тяжелый труд, что если искренне не любить балет, невозможно им заниматься. Поэтому о таланте должны заботиться, причем я вовсе не говорю про золотые горы. С оперными звездами, например, уже давно работают целые команды.



А почему оперным удалось, а балетным — пока нет?

Потому что музыкальная индустрия хорошо развита: продажи дисков, профессиональная раскрутка артистов, гибкая система контрактов на отдельные выступления в театрах по всему миру, такая же, как в кино, — договор на роль. Это очень важно: нет негативной конкуренции, все работают на общий результат. Танцовщики же обычно связаны с конкретным театром, где кроме премьеров еще человек девяносто борются за одну роль, а решает судьбы один человек — директор. Поэтому в балете полно грязных историй.

Что, действительно подсыпают стекла в пуанты?

Вообще-то, бывают ситуации намного хуже. И я обиделся на балет именно из-за этой грязи. Это очень злой мир. Но искусство балета настоящее волшебство, оно должно жить! Как и музыка, танец открывает другие измерения, делает душу чище, по-настоящему приближает к божественному. Танец существовал всегда — в форме ритуальных или народных плясок, тех же хороводов. Ребенком я все время танцевал — без всякого повода, когда тело требовало движения. Это освобождение, терапия. Нам нужно больше танца в жизни: мы зажимаемся, перестаем слышать себя, а ведь именно контакт с телом отвечает за интуицию. Один мой друг отправился в Тибет к монахам в том числе изучать цигун. Вернувшись, он сказал: «Я больше не буду думать. Жизнь сама ведет нас. Мы, как капля в океане, должны быть в потоке. Если довериться ему, он направит тебя к самому лучшему». И правда, каждый раз, когда я полагался на интуицию, то поступал верно, даже если в тот момент это казалось абсолютным нонсенсом. Доверять миру означает не лениться, а именно чувствовать. Быть на ветру. И танец прогоняет энергию по телу через движение.

Я заметила, что вы обращаете внимание на знаки.

Да, всегда можно получить ответ, если умеешь их читать. Это как бытовая магия. (Смеется.)

Во время выступления вы «включаете голову»?

Знаете, иногда я специально не репетировал спектакли, чтобы было интереснее на сцене, но потом понял, что это неправильно. И я пришел к совершенно новому ощущению. Стараюсь проживать эмоции в момент исполнения, полагаясь на свое чувствование. Раньше у меня все было в голове — и это напрягало. Чуть что, меня несло: одели не так, оркестр играет не то, да и воду не принесли вовремя. И меня иногда так накрывало! Я начинал злиться, выходить из себя. Но транслировать негатив нельзя — за это обязательно прилетит. Если у меня плохое настроение, я это покажу, но это будет просто окраска роли. Я проживаю настоящие чувства — ведь зрителю интересны разные состояния. Никому не хочется смотреть на кукол, для этого есть специальные театры. Я должен энергетически общаться со зрителем. Это обмен, мощнейший поток. И зал не обманешь — артист на сцене всегда голый.

Это предполагает ответственность?

Я никогда не хотел брать ее на себя, но похоже, что да. (Смеется.) В театр ведь идут за лекарством для души. Но блокировать свои эмоции я не буду.

Сейчас происходит настоящий бум различных практик, которые работают с блоками как телесными, так и эмоциональными.

И это правильно! Особенно для России, где до сих пор люди очень зажаты и закомплексованы, такое вот наследие советского воспитания. И я ведь тоже вырос в среде, где эмоции было принято скрывать. Переехав в Лондон тринадцатилетним подростком, я не понимал, почему люди на улицах улыбаются. Меня это раздражало! Но когда после долгого перерыва я оказался в России — мне стало страшно. В магазине на меня смотрели как на врага. Тогда я решил начать с себя — и улыбался первым. Это правило работает на всех уровнях. Сам чисти свой подъезд, будь вежлив, не будь коррумпированным. И тогда все подстроится: как ты позволяешь с собой обращаться, так с тобой себя и ведут. Человека с чувством собственного достоинства невозможно унизить. Россия невероятно красивая страна, люди в ней глубокие и светлые, необязательно жить в сумраке, можно выбрать другой путь. Все зависит только от людей. Каждый должен себя осознать.


А как себя осознали вы?

Я очень много работал. Был настоящей машиной. В детстве я занимался гимнастикой и моей целью была олимпийская медаль, с четырех лет я проводил в зале по шесть часов. Потом пришел в балет и решил стать лучшим танцовщиком мира, ездил после школы на частные занятия — в десять, одиннадцать вечера. В Лондоне у меня не стало общеобразовательных уроков, чему я был страшно рад, ведь мне никогда не нравилось сидеть за партой. Я стал делать акцент на физических нагрузках и до ночи танцевал, сам себя записывал на кассеты, искал ошибки, изучал балеты по видео, смотрел на технику Владимира Васильева, Михаила Барышникова, Игоря Зеленского, Владимира Малахова. Моя база дана мне русскими педагогами, с ними я прошел самые важные установочные годы в профессии. И наша система устроена по-другому: преподаватель ведет тебя и хочешь не хочешь заставит работать. В Лондоне же человек становится кем-то только потому, что сам приложил усилия. И когда я достиг вершины, то понял, что меня обманули.

Говорят, самое страшное в казино — это выигрыш.

Да! Все рассыпалось. У меня началась депрессия. Исчезла цель. Именно поэтому танцовщикам нужен агент, не тот, кто качает деньги, а наставник, с опытом и пониманием системы, который может тебе задать вектор, а если нужно — поддержать. Балетным ничего не объясняют про жизнь. Их парадигма — это станок и спектакль. Моя мама работает в театре и говорит, что в сорок лет почти все балетные остаются детьми. У них просто нет времени и стимула повзрослеть.

Когда вы поняли, что повзрослели?

Не так давно! У мужчины поздно формируется мозг — это факт. Причем многие оттягивают этот момент, принимая алкоголь или наркотики, ведь иллюзии кажутся безопаснее и удобнее, чем реальность. Состояние помутнения комфортное и веселое, но приходит момент, когда нужно воплощать планы, строить будущее, помогать себе и новому поколению, создавать что-то, полететь на Марс. Мы должны развиваться, чтобы мир стал лучше. А те, кто сидят как коалы и жуют эвкалипты, обречены на вымирание. Со мной рядом оказались правильные люди. В хаотичном состоянии ты не слышишь обращенных к тебе самых мудрых слов. Девятнадцатилетнему дикому бесполезно что-то объяснять, только принимать и поддерживать. Сначала мне помогал хореограф Игорь Зеленский, он воплощал силу, которую я уважал. Он не испугался меня, и я буду всегда это ценить, а потом появилась Габриэль.

Какую роль в вашей жизни сыграл фотограф и режиссер Дэвид Лашапель? Ведь именно его видео Take Me to Church на песню, где вы неистово танцуете в гигантском пустом амбаре, посмотрели почти двадцать миллионов человек. А к вашему недавнему театральному дебюту Polunin Project Дэвид придумывал сценографию.

Мы встретились в нужный момент, чтобы вдохновить друг друга. До клипа у Дэвида был период дауншифтинга, он уехал на Гавайи, перестал снимать, хотел перезагрузиться. Он очень глубокий человек, несмотря на его провокационное творчество, поражающий абсолютной невинностью. Поэтому я хочу, чтобы мы больше работали вместе: сняли фильм, поставили балет. Но и с ним у меня не обходится без борьбы: иногда он сражается со мной, а иногда с самим собой — в нем живет столько персонажей! Иногда мы очень спорим, а бывает, сразу находим компромиcс.

По-моему, это очень похоже на вас: говорят, что вы бунтарь и эдакий бэдбой, а в то же время вы кажетесь очень невинным человеком, вернее таким, который принимает оба полюса.

Проще, веселее и комфортнее на темной стороне, но это от душевной лени. Подняться к светлому тяжело: меняться, ломаться, расти.

Кажется, вы на этом пути?

Да! Я даже помню момент, когда сделал этот выбор. Если честно, все время хочется свернуть, чтобы попроще было. Но упасть очень легко, а подняться — нет.

Как вы думаете, почему вы стали олицетворять свободу?

Я с детства такой — как с шести лет ездил один в школу на трамвае, всегда хотел быть самостоятельным, так и продолжаю. Самые лучшие мои воспоминания: я играю во дворе с мальчишками. Полная свобода! Взрослые всегда зависят от чего-то, поэтому важно вспоминать то ощущение игры, возвращаться к нему.

Вы смелый человек?

Смелость — это готовность умереть. В нашем обществе не учат, что такое смерть. Это табуированная тема. Но ведь она — естественная часть круговорота жизни. Я тренировал себя, представлял, что умираю, чтобы победить этот страх. Если ты не боишься смерти, то полностью свободен. Я не боюсь.
----------------------------------
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17340
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Май 05, 2017 8:17 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017050501
Тема| Балет, БТ, Юбилейный вечер, Персоналии, Михаил Лавровский
Автор| Ольга Свистунова
Заголовок| Народный артист СССР Михаил Лавровский отметил 75-летний юбилей
Балетмейстер выступил на Исторической сцене Большого театра в балете "Нижинский" собственного сочинения

Где опубликовано| © ТАСС
Дата публикации| 2017-05-05
Ссылка| http://tass.ru/kultura/4233552
Аннотация|

В четверг на Исторической сцене Большого театра прошел гала-концерт в честь 75-летия знаменитого танцовщика и балетмейстера, народного артиста СССР Михаила Лавровского. Сам юбиляр также принял участие в посвященном ему торжестве. Он выступил в балете "Нижинский" собственного сочинения. Зал аплодировал стоя.

"Чествуя наших выдающихся мастеров, мы предлагаем им занять почетное место в центральной ложе, - сказал руководитель балетной труппы Большого театра Махар Вазиев, - но Михаил Леонидович Лавровский отказался. Он предстанет как танцовщик". После этих слов руководитель балета ГАБТ пригласил на сцену главного героя праздника.

"Самое ценное для артиста - это признание публики", - заявил Лавровский. "Значит, я еще востребован", - добавил он, пообещав, что "вечер не будет утомительным".

Вечер в атмосфере восторга

Двухактный концерт действительно прошел на едином дыхании. Программа включила балеты, поставленные в разные годы самим юбиляром, а также фрагменты спектаклей, в которых он в свое время блистал как танцовщик. Зрители с восторгом приняли фрагмент из балета "Спартак", где главную партию исполнил премьер ГАБТ Михаил Лобухин. Бурной реакцией зрителей сопровождалось и роскошное Гран па из "Дон Кихота", в котором выступили ведущие солисты Большого Екатерина Крысанова и Владислав Лантратов.

Однако основное содержание вечера составили балеты в хореографии самого юбиляра. В первом отделении была показана "Фантазия на тему Казановы" на музыку Моцарта. Во втором - номер "Русская балерина" из балета "Дерево павлинов". С интересом отнеслась публика и к представленному эпизоду из оперы-балета "Амок", над которым сейчас работает Михаил Лавровский.

Завершился вечер одноактным балетом "Нижинский" на музыку Сергея Рахманинова в хореографии Михаила Лавровского, который сам выступил в роли Дягилева. Партию Нижинского исполнил танцовщик-виртуоз Иван Васильев. Успех концерта подтвердила финальная овация, продолжавшаяся более 15 минут.

Из биографии Михаила Лавровского

Вся жизнь Михаила Лавровского связана с Большим театром, где он служит уже 56 лет. Поступив в прославленную труппу в 1961 году, он сразу стал ярким представителем выдающегося поколения балетных артистов, в числе которых Владимир Васильев, Екатерина Максимова, Наталия Бессмертнова, Марис Лиепа. Это они, прежде всего, были его товарищами, коллегами и партнерами по сцене.

Впрочем, такой путь предначертан Михаилу Лавровскому самой судьбой. Его отец - знаменитый балетмейстер Леонид Лавровский, тот самый, кто поставил хореографический шедевр - балет "Ромео и Джульетта", где главную женскую партию танцевала великая Галина Уланова. Сын не только продолжил семейную традицию, но и сумел доказать, что на детях выдающихся людей природа не всегда отдыхает. Еще будучи учеником в Московском хореографическом училище, он обрел международное признание, поразив зрителей и критиков своим выступлением на Пармском фестивале в Италии.

Вскоре о Михаиле Лавровском заговорили как о танцовщике виртуозной техники, огромного обаяния и необузданного темперамента. В Большом театре, где он прослужил солистом свыше четверти века (1961-1988 годы), Лавровский был звездой первой величины. Он танцевал главные партии в "Дон Кихоте", "Лебедином озере", "Щелкунчике", "Спящей красавице", "Жизели", "Пламени Парижа".

За исполнение роли Спартака в одноименном балете Лавровский был удостоен в 1970 году высшей по тем временам отечественной награды - Ленинской премии. А еще несколько лет спустя его артистический дар был отмечен Государственной премией СССР. За Михаилом Лавровским прочно закрепился титул одного из лучших классических танцовщиков современности.

Завершив артистическую карьеру, он не расстался с балетом, занял пост педагога-репетитора в Большом театре. Он также является художественным руководителем Московской государственной академии хореографии. Кроме того, открыл собственную хореографическую школу, а также проявил себя на балетмейстерском поприще. На счету Михаила Лавровского более десяти созданных им оригинальных балетов, в числе которых "Порги и Бесс", "Нижинский", "Фантазия на тему Казановы", "Ричард III. Эпилог".
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17340
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Май 05, 2017 8:21 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017050502
Тема| Балет, МАМТ, Персоналии, Лоран Илер
Автор| Анна Галайда
Заголовок| Лоран Илер: Все лучшие рискуют
Новый худрук балета Московского музыкального театра едва приступил к работе, но уже удивляет смелыми планами

Где опубликовано| © Ведомости
Дата публикации| 2017-05-05
Ссылка| https://www.vedomosti.ru/lifestyle/characters/2017/05/05/688866-loran-iler
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Музыкальный театр имени Станиславского и Немировича-Данченко совместил объявление планов с представлением Лорана Илера – нового худрука балета. Первая сверстанная Илером премьера выйдет уже под занавес этого сезона. Вечер одноактных работ откроет «Сюита в белом», которой впервые вернется на родину великий хореограф Серж Лифарь. Его поддержат «Вторая деталь» Уильяма Форсайта и «Маленькая смерть» Иржи Килиана. В следующем сезоне у труппы три новые программы. Наряду с новым «Дон Кихотом» в версии Нуреева (как хореограф он тоже будет поставлен в России впервые) будут выпущены два вечера одноактных балетов, в которых нашлось место Джорджу Баланчину, классикам ХХ в. Полу Тейлору и Охаду Нахарину, молодым Александру Экману и Марко Гёкке, а также мэтру московского театра Дмитрию Брянцеву.

– Вы были этуалью, репетитором, помощником руководителя Парижской оперы. Что заставило вас после 35 лет жизни в одном из главных балетных театров мира принять предложение второго по статусу московского театра?

– Искренне скажу: я очень счастлив здесь. Заботы танцовщиков мало отличаются во всем мире. Когда Антон Гетман (генеральный директор театра. – «Ведомости») предложил мне возглавить балет, я согласился, увидев, что мы мыслим в одном направлении. Сейчас мы работаем рука об руку, и мне нравится это полное взаимное доверие. Конечно, прежде чем подписать контракт, нужно было посмотреть труппу, и я дважды приезжал для этого в Москву. До этого мне никогда не приходилось бывать в Театре Станиславского. Я увидел красивый зал, большую сцену с большими техническими возможностями. А когда встретился с артистами, то почувствовал в них столько энтузиазма, энергии, что сразу понял: здесь можно сделать что-то хорошее.

– Вы сразу же предложили амбициозный вечер премьер, как выбирали для него балеты?

– Да, мне многие говорили: это так рискованно! А когда нам начинать, через два-три года? Нет, с куражом – вперед! Не нужно переоценивать танцовщиков и себя, но надо уметь рисковать. Я увидел, что у этой труппы есть душа. Когда не так давно на гастролях в Германии у нас прямо во время спектакля получила травму прима-балерина и посреди действия за нее продолжила танцевать другая артистка, это показало, какие здесь сплоченные люди, как они умеют собраться в трудные моменты. Если это было возможно один раз, значит, будет возможно снова. Моя сила в том, что я труппе доверяю. Три балета, которые мы выбрали для вечера, совершенно разные и в то же время хорошо друг друга дополняют. «Сюита в белом» позволит хорошо показать возможности труппы. Это, с одной стороны, классический балет. С другой – он демонстрирует технику, виртуозность, стиль – все то, что представляет труппу в лучшем виде. Постановки Форсайта и Килиана созданы на 50 лет позже, но они уже тоже стали классикой. Когда у нас был кастинг на балеты Форсайта, я позвал всю труппу – солистов, кордебалет. И ассистент Форсайта сказал после этого, что тут спокойно можно сделать три состава. Для меня самого это явилось неожиданностью. Важно, чтобы новые работы давали такие открытия.

– Кто из хореографов, помимо представленных в будущем сезоне, вас интересует?

– Я, как Фома неверующий, не хочу открывать список. Кто для меня большой хореограф? Это тот, кто приносит в балет собственный взгляд. Сегодня много невероятно талантливых хореографов. Но, планируя сезон 2018–19 г., я сталкиваюсь с тем, что некоторые из них расписаны уже до 2020-го.

– Среди постановщиков будущих премьер есть и такие, кто работает в неклассических, небалетных техниках. Это не отпугнет публику?

– Здесь очень важно, что мы будем строить и как строить. Искусство существует не только для того, чтобы быть просто удовольствием, оно для того, чтобы задаваться вопросами. Совершенно не верю в то, что русская публика консервативна: Москва – огромный культурный город, здесь все время что-то происходит, есть масса крупных театральных фестивалей. Чтобы зрители смогли подступиться к новой хореографии, надо дать им разные ключи. Публика – не застывшая статуя, она умеет двигаться вперед. Если предлагать ей нечто непривычное, постепенно ее восприятие будет меняться. Я знаю, что Театр Станиславского благодаря своей истории и традициям всегда был в движении, в прогрессе. Просто нужно время и настойчивость. Я ехал в Москву, конечно, не для того, чтобы ставить классические балеты. Но и не для того, чтобы шокировать. Я приехал разделить с другими тот прекрасный опыт, который обрел сам, и сделать это с помощью прекрасных хореографов, которых намерен приглашать. Все лучшие театры прошли через риск. Помню, в Парижской опере первые постановки Прельжокажа вызывали недоумение. А уже «Парк» принимали на ура.

– И все же балет Театра Станиславского всегда обладал собственным лицом. Приходится ли вам считаться с традициями?

– Что характерно, на мой взгляд, для этой труппы? Это реализм, разнообразие, театральность. Это традиция, заложенная Владимиром Бурмейстером, я ее уважаю и буду стремиться в нее вписываться. Но нужно задавать себе вопросы: почему делаются новые постановки старых спектаклей, как сохранять уважение к традиции и в то же время расширять репертуар? Как продолжать работать с балетами, которым больше 100 лет, и как добиваться того, чтобы они оставались нам близкими, отвечали на запросы сегодняшней публики? Здесь у нас есть пример драматического театра. Давно известный текст он стремится рассказать по-новому.

– Вся балетная терминология построена на французском. Облегчает ли это ваше взаимопонимание с танцовщиками?

– Большая удача, что все знают, что такое battement tendu. Но в основном общению помогает английский. А я хочу научиться говорить по-русски. Перед тем как приехать в Москву, я начал брать уроки. Но здесь за полгода надо было составить программу на этот сезон и следующий, узнать труппу, репертуар – это было в приоритете. Но я не сдамся и выучу! Тем более что у меня контракт на пять лет. И я обожаю музыку этого языка.


Наследник первопроходцев
Российский балет возник в XVIII в. благодаря французским гастролерам. В 1738 г. Жан-Батист Ланде убедил императрицу Анну Иоанновну основать танцевальные классы, из которых возникла современная Академия имени Вагановой. До 1904 г. французские балетмейстеры, за ратью рать, сменяли друг друга на посту руководителя Императорского балета: Шарль Ле Пик, Шарль Дидло, Жюль Перро, Артур Сен-Леон, Мариус Петипа. В 1904 г. традиция прервалась. Лоран Илер – первый за последние сто лет француз, возглавивший российскую труппу.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пн Июн 05, 2017 11:57 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17340
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Май 05, 2017 3:35 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017050503
Тема| Балет, Воронежский театр оперы и балета, фестиваль «Воронежские звезды мирового балета»
Автор| Людмила Романова / Фото: Константин Кириакиди
Заголовок| Послесловие к фестивалю «Воронежские звёзды мирового балета»
Где опубликовано| © Страницы Воронежской культуры
Дата публикации| 2017-05-05
Ссылка| http://culturavrn.ru/theatre/21223
Аннотация| Фестиваль



В Воронежском театре оперы и балета завершился необычный фестиваль «Воронежские звёзды мирового балета». Идея принадлежит главному балетмейстеру, заслуженному артисту Воронежской области Александру Литягину. Мысль собрать на нашей сцене выпускников Воронежского хореографического училища, танцующих сейчас в Большом и Мариинском театрах, в Кремлёвском балете, на мировых подмостках – замечательная.

Её воплощение, безусловно, потребовало много усилий, нервов, всяческих согласований (так как участники весьма востребованы), но игра стоила свеч. Акция привлекла множество зрителей, заставила труппу подтянуться, да наверняка дала артистам многое в плане профессионализма. Причём балеты были заявлены не классические типа «Лебединого озера» или «Дон Кихота», а современные. Не модерн, конечно, но созданные во второй половине XХ века.



Дополнительная трудность состояла в том, что некоторые названия мало ставятся на других сценах, а «Макбет» К. Молчанова, например, в данное время вообще идёт только в нашем театре. Поэтому Диане Косыревой пришлось специально разучить партию Леди Макбет и станцевать её убедительно как технически, так и психологически. Героиня у балерины вышла не кровавой злодейкой, а женщиной, любящей мужа и желающей, чтобы он был первым во всём.

Иван Алексеев, шесть лет проработавший на сцене Воронежского театра, был первым исполнителем партии Макбета в нашем спектакле. По характеру дарования он лирик, поэтому более убедительна его любовь к жене, ради которой он и совершает свои преступления. Получилась не столько трагедия власти, сколько драма любви, преданной ради тщеславия. Очень сильным получилось у солистов заключительное адажио, выражающее именно эту мысль.

Мужской кордебалет нашего театра была на высоте, хороши также были три ведьмы, в свой время отмеченные лауреатством на нашем областном конкурсе.



«Макбета», так же, как и «Анюту» В. Гаврилина, подарил нашему театру величайший танцовщик XX века Владимир Васильев – именно в его хореографии эти балеты идут на нашей сцене. На мой взгляд, «Анюта» замечательно передаёт сам дух чеховской повести, хотя, казалось бы, где Чехов и где балет? Но в этом балете счастливо слились музыка и хореография, а в этот вечер были поистине необыкновенные исполнители.

Анастасия Сташкевич (Анюта) – лирична, грациозна и печальна, технически безупречна. А Вячеслав Лопатин в партии Модеста просто фееричен. Кажется, что он и земли не касается, а порхает над сценой, умудряясь при этом быть сатирически гротесковым в роли чиновника, для которого орден Анны заменяет живую жену! Виртуозная техника помогает танцовщику создать поистине чеховский образ.

На «Кармен-сюите» произошёл некоторый сбой: заявленные солисты Мариинки не смогли приехать, и вместо них на выручку прибыли солисты Чувашского театра оперы и балета. Некоторые зрители сдали билеты, а зря! Такого Тореро, как Айдар Хисамутдинов, вряд ли где они увидят. Хищная тигриная пластика, звериное обаяние и потрясающая техника вызвали взрыв восторга у зрителей. Марианне Субботиной в главной партии немного не хватило темперамента, но техника её великолепна.

Ей же в последний день фестиваля выпало танцевать Шехерезаду в «1001 ночи», причём партию также пришлось учить, поскольку в родном театре танцовщицы балет идёт в другой редакции. Этот образ, на мой взгляд, ближе дарованию балерины, она излучает обаяние и изящество.

Нуриду, жену Шахрияра, уверенно и технично станцевала Елизавета Щедрина – дочь нашей ведущей балерины Екатерины Любых, которая также блеснула в партии Рока в «Кармен-сюите».

Должна сказать, что воронежские солисты выступили достойными партнёрами именитых гостей. Наш балет в хорошей форме, в чём несомненная заслуга главного балетмейстера Александра Литягина, которого благодарим за организацию фестиваля, желаем новых идей и творческих успехов.
---------------------------------------------------------------
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17340
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Май 05, 2017 6:35 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017050504
Тема| Балет, Королевская опера Швеции, Персоналии, Пер Исберг
Автор| Лариса Абызова
Заголовок| «Лебединое» по-шведски
Где опубликовано| © портал "Музыкальные сезоны"
Дата публикации| 2017-05-05
Ссылка| http://musicseasons.org/lebedinoe-po-shvedski/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Королевская опера Швеции 8 апреля показала премьеру балета «Лебединое озеро» Пера Исберга


Чайковский, Петипа и Лев Иванов столько вложили в «Лебединое озеро», что само название, независимо от начинки, манит зрителей в театры по всему свету.


фото operan.se

Вот и Королевская опера Швеции 8 апреля показала премьеру этого балета Пера Исберга (Pär Isberg) под названием «Греза о «Лебедином озере»» («Drömmen om Svansjön»). В прошлом танцовщик, перетанцевавший многие роли классического репертуара, 65-летний Исберг слывёт известным хореографом, имеет в активе постановки балетов «Щелкунчик», «Спящая красавица», «Пеппи Длинный чулок».

В «Лебедином озере» он сочинил не только хореографию, но и новый сценарий. Именно сценарий стал основным стержнем всей концепции спектакля: Исберг решил поведать историю о внутренней жизни балетной труппы, о её закулисной стороне с бесконечными интригами, борьбой, предательством и верностью идеалам.

Действие начинается с первой же ноты увертюры: герой, поименованный на афише как Хореограф Фред, он же Зигфрид (Калум Лоуден), мечтает поставить «Лебединое озеро», созерцая макет декораций с четвёркой традиционного вида лебедей. На музыку первого акта разворачивается дальнейшая история. Фред работает с труппой, есть у него и соратница – Молодая танцовщица на роль Одетты–Одиллии (Десислава Стоева). Однако решение по спектаклю принимает не он, а администрация, коллективный образ которой – бесспорная находка и удача Исберга. Восемь фигур в чёрном во главе с Директрисой вершат судьбы спектакля и людей. Директриса в блестящем воплощении Дженни Нильсон – бизнесвумен в модном костюме и сапогах на высоченных шпильках, и её окружение с телефонами и айфонами последних моделей словно шагнули на сцену из зрительного зала. Пантомима, позы, жесты этих персонажей не пародийны, не утрированны, напротив, они сдержанны, но точны, а потому образ бюрократической бездушной и не думающей об искусстве машины особенно страшен.

Всю первую картину первого акта дирекция театра отсматривает выступления танцовщиков, распределяя роли. Наблюдать за этим становится скучно. У Петипа здесь происходило множество событий, где завязывались отношения разных персонажей: действовали (в пантомиме и танцах) Зигфрид и его матушка, наставник, друзья, придворные, крестьяне, шут. Под выразительную музыку Чайковского долго смотреть на однообразную репетицию очень тоскливо…

Наконец, Директриса раздаёт роли, и Первый танцовщик (Вахе Мартиросян), мечтавший о партии Принца, а получивший Ротбарта, превращается в злодея.

Но не может быть «Лебединого» без белых лебедей. И во второй картине они появляются – это совместный сон Фреда и Молодой танцовщицы, обратившихся в Зигфрида и Одетту, которая отдаёт предпочтение Ротбарту.

Во втором акте – приём по случаю премьеры в ресторанном зале. Вереница официантов несёт на подносах зажаренных белых лебедей, в окнах видна панорама Стокгольма (художник Ларс-Оке Тессман), лихо отплясывают представители дирекции и ВИП-гости в костюмах, прямо сошедших с модного подиума (художник по костюмам Жером Каплан). В обстановку реального мира не вписывается появление Первого танцовщика в обличии Ротбарта и Молодой танцовщицы в образе Одиллии и следующая за тем картина среди кордебалета лебедей. Только программка и может помочь, объясняя, что это «последние остатки сна Хореографа».

Когда в финале герой окончательно проснётся, он вместе с Молодой танцовщицей навсегда покинет театр, труппа которого этого не заметит, продолжая свою повседневную жизнь.

Итак, Пер Исберг предлагает свою историю. Незатейливую, но свою. А реализует её он с помощью многих других людей. В программке указано, что вторая картина и чёрное па-де-де «основаны на хореографии Льва Иванова и Мариуса Петипа». Но не сказано, что, кроме того, используется хореография Агриппины Вагановой, Фёдора Лопухова, Константина Сергеева, Юрия Григоровича и даже Джорджа Баланчина. Такая вот анонимная бригада из петербургской балетной школы, ныне носящей название Академии русского балета имени А. Я. Вагановой, потрудилась во славу шведской новинки.

---------------------------------------------------------------
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9  След.
Страница 1 из 9

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика