Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2017-03
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18363
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Апр 01, 2017 9:36 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017033201
Тема| Балет, IX Международный фестиваль балета «Стерх» (Якутия), Персоналии, Наталья Балахничева (Кремлевский балет), Сарыал Афанасьев (МАМТ), Персоналии, Михаил Лобухин (БТ)
Автор| Текст: Иван БАРКОВ Фото: автора
Заголовок| Олег Рачковский: мастерство якутских артистов растет с каждым годом
Где опубликовано| © YAKUTIA.INFO
Дата публикации| 2017-03-30
Ссылка| http://yakutia.info/article/179566
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ



На международном фестивале классического балета "Стерх" показали еще один шедевр Юрия Григоровича "Ромео и Джульетту".

Ведущих партии танцевали звезды Российской балетной сцены - солистка Кремлевского балета Наталья Балахничева в роли Джульетты, солист Театра Станиславского и Немировича-Данченко Сарыал Афанасьев в роли Ромео и солист Большого Театра России Михаил Лобухин в роли Тибальда. Вот что отметил гость фестиваля, балетмейстер Олег Рачковский, который вместе с Юрием Григоровичем в качестве главного ассистента занимался постановкой "Ромео и Джульетты", как впрочем и других спектаклей мэтра, осуществленных на сцене ГТОИБ.

"Спектакль с момента, когда мы его поставили, с течением времени стал еще лучше. Он исполняется просто замечательно - все точно, музыкально и по мизансценам, и по по танцу и эмоциональному настрою - я получил огромное удовольствие, - прокомментировал корреспонденту "Якутия.Инфо" Олег Рачковский.

- Великолепен Сарыал Афанасьев в роли Ромео - он сделал этот образ с такой отдачей! Да и другие ваши артисты - Необутов, Федотов - все они по-настоящему растут. И кордебалет танцует просто замечательно! И это правда, без всяких скидок - он на очень высоком профессиональном уровне. А что касается фестиваля "Стерх" - это замечательное событие, благодаря которому растет уровень исполнительского мастерства, он развивает искусство. И я вижу, как за все эти годы это мастерство растет".



-----------------------------------------------------------------------------
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18363
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Апр 01, 2017 10:11 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017033202
Тема| Балет, Национальный академический театр оперы и балета им. Спендиарова, Премьера, Персоналии, Вилен Галстян
Автор| Елена ГАЛОЯН
Заголовок| "МАСКАРАД" НА НАШЕЙ СЦЕНЕ
Второй спектакль на музыку Арама Хачатуряна появился в репертуаре Национального академического театра оперы и балета

Где опубликовано| © "Голос Армении"
Дата публикации| 2017-03-08
Ссылка| http://www.golosarmenii.am/article/50757/scena-iz-maskarada
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



В Национальном академическом театре оперы и балета им. Спендиарова состоялась премьера балета Арама Хачатуряна "Маскарад" в постановке балетмейстера, народного артиста Армении Вилена Галстяна. Собственно говоря, у Хачатуряна не было такого балета. Музыка была написана им для драматического спектакля с таким же названием по драме Лермонтова, премьера которого прошла на сцене Московского театра им.Вахтангова накануне Великой Отечественной войны 21 июня 1941 года. А знаменитый, полный лирического волнения вальс из этой драмы стал настоящим классическим хитом и с тех пор отдельным номером часто звучит на многих сценах мира.

В 1941 ГОДУ, К СТОЛЕТИЮ СО ДНЯ СМЕРТИ ЛЕРМОНТОВА, Вахтанговский театр решил поставить драму поэта. Музыку к спектаклю театр заказал Араму Хачатуряну, который к тому времени уже имел опыт работы с театральными постановками. По воспоминаниям композитора, при сочинении музыки к "Маскараду" больше всего хлопот доставил ему именно вальс: "Я буквально потерял покой, едва ли не бредил вальсом". Интересно, что тема этого произведения пришла ему в голову очень неожиданно. В тот момент он позировал художнице Евгении Пастернак, которая рисовала портрет композитора. И вдруг "услышал" тему, которая и легла в основу будущего вальса.

Спектакль имел большой успех, но, к сожалению, из-за войны быстро сошел со сцены, а музыка Хачатуряна продолжала свое шествие в виде сюиты, позже скомпонованной композитором из пяти номеров: вальса, ноктюрна, мазурки, романса и галопа. Спустя много лет, в 1982 году, уже после смерти композитора, его ученик Эдгар Оганесян создал партитуру к балету "Маскарад", добавив в сюиту другие произведения любимого учителя.

Артисты нашего балета (а выступили заслуженные артисты РА Рубен Мурадян и Мария Диванян, Мери Ованесян, Милитон Киракосян, Грикор Григорян) чувственно и выразительно показали зрителям все перипетии драмы "Маскарад". Самые трогательные партии исполнялись с душой, демонстрируя хорошую технику. Интересной оказалась и режиссерская находка в конце спектакля, когда на экране, установленном над сценой, как бы в воображении Арбенина появляется главная героиня драмы Нина - так постановщик передал эмоции героя, которые сложно было передать только одними элементами балетного искусства.

К СОЖАЛЕНИЮ, И ЭТО ЗАМЕТИЛИ МНОГИЕ ЗРИТЕЛИ, САМ СПЕКТАКЛЬ был не слишком красочным и ярким в смысле костюмов и декораций, хотя название спектакля "Маскарад" говорит само за себя. Оно предполагает броскость, великолепие, блеск... Взамен этого женские костюмы бледные, серые. Фон декораций такого же цвета. И лишь благодаря сценическому освещению происходящее на сцене выгодно подчеркивалось. В этом признается и сам балетмейстер Вилен Галстян.

- По костюмам и декорациям имею претензии, потому что расходы на спектакль были очень маленькие, для среднего уровня балета. А "Маскарад" должен быть дорогим спектаклем. Когда наши официальные лица пригласили в Ереван Григоровича для постановки балета "Спартак", в него вложили большие финансы. Костюмы сшили в самых престижных краснодарских мастерских, оформление потрясающее - выдающийся художник современного и мирового балетного театра Вирсаладзе, атрибуты, парики. Последнее, конечно, мелочи, но они тоже имеют значение. Первые лица республики тогда не жалели денег. Но не думайте, что я имею претензии к Григоровичу, нет, ни в коем случае. Я его обожаю, это человек, который взял меня в Большой театр, и вместе с ним и труппой Большого театра я объездил почти весь мир. И то, что этот балет появился в репертуаре нашего Национального театра оперы и балета, конечно, отрадно.

- Это долгожданное представление, - сказал исполнитель роли Арбенина Рубен Мурадян. - В нем очень красивая драматическая музыка. Она подталкивала нас к созданию образов и, облегчая задачу, помогала выражать эмоции наших героев. Уверен, что представление понравится зрителю и произведет соответствующее впечатление.

А Вилен Галстян отметил, что недавно он был в Петербурге, где встретился с Борисом Эйфманом и Владимиром Васильевым. Узнав о готовящейся постановке "Маскарада", оба хореографа, удивившись, спросили: "Вилен, вы ставите "Маскарад"? На какую музыку, ведь вроде такого балета нет?". Вилен Шмавонович ответил: "А у армян он есть". И те ответили: "Мы с удовольствием пригласим вас в Питер".
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18363
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Апр 02, 2017 11:10 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017033203
Тема| Балет, IX Международный фестиваль балета «Стерх» (Якутия), Премьера, Персоналии, Дмитрий Антипов
Автор| Текст: Иван БАРКОВ Фото: автора
Заголовок| Хореограф-постановщик Дмитрий Антипов: артисты должны стать частью музыки
Где опубликовано| © YAKUTIA.INFO
Дата публикации| 2017-03-27
Ссылка| http://yakutia.info/article/179520
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ



В рамках фестиваля классического балета “Стерх” 1 апреля на сцене Театра Оперы и Балета состоится премьера вечера одноактных балетов, над которыми сейчас работает хореограф-постановщик Дмитрий Антипов. О том, каким получается проект и о своем видении хореографии он рассказал нам в своем интервью.

Истории со сцены

“Нынешний фестиваль "Стерх" посвящен выдающемуся балетмейстеру Юрию Григоровичу, именно поэтому у меня появилась мысль сочетать в своей постановке такие направления, как неоклассика, свободная пластика. а также элементы модерна. Такое сочетание я сделал еще и чтобы показать, что наша хореография не стоит на месте, мы развиваемся, но вместе с тем чтим и традиции. Музыка тоже выбрана не случайно: это очень интересные и разноплановые произведения Рахманинова и Равеля - у них есть собственная образность и это позволяет чувствовать движение и воспринимать их совершенно по разному, а значит и танцевать можно также по-разному.

И вот именно с этим столкнулись артисты на первых репетициях - они поняли, что многие вещи, которые они знают с детства, можно делать совершенно в другом настроении, в другой пластике. Одни и те же движения могут говорить о разных эмоциях и разных чувствах, а если не другие, то просто по другому.

Ведь даже слово "люблю" можно сказать по разному, здесь именно так. Каждый вздох можно сделать по-разному и первые зрители из числа работников театра, когда мы уже начали смотреть сценические репетиции, поймали себя на том, что артисты начали рассказывать истории со сцены - и вот это очень важно”.

Работа с труппой

“У нас был очень плотный репетиционный процесс на протяжении полутора месяцев. У меня была прекрасная возможность понять, как артисты себя позиционируют, чем мотивируют себя и постепенно за счет этого начать настраивать нити взаимодействия. Я с удовольствием понимаю, что это взаимодействие начало выстраиваться, продуктивность несомненно есть и мне приятно с ними работать. Это не просто мои слова - я чувствую, что есть обратная связь - мы все понимаем, что делаем одно общее дело. И я могу совершенно точно сказать, что мне очень приятно работать с труппой, как, впрочем, и с технической и административной службами театра. Они все создают правильную атмосферу для творчества”.

Все начинается с музыки

“В какой-то момент я понял, что хочу поделиться своими эмоциями, образами и размышлениями, которые накопились во мне. Их не нужно держать в себе - нужно ими поделиться. И вот это поставило для меня задачу. Но прежде всего это музыка, именно она является одним из главных источников вдохновения. Я всегда слушаю много музыки, а ее выбор, конечно, зависит от ощущения и от состояния души. А бывает и так, что пианист может сказать мне - как было бы интересно увидеть музыку, которую я играю через танец, а ты задумываешься и говоришь себе - а почему бы и нет.

Эта постановка как раз родилась после долгих разговоров о музыке, о том, чтобы увидеть музыку - не так, чтобы музыка была фоном, а чтобы артисты стали частью музыки, ее визуальным показателем.

И может быть среди многих зрителей найдется и такой, который скажет, смотря на танец - "Да это Равель".

Классическая основа

“Я классик в плане канонов - всегда должна быть твердая, крепкая основа, на которой можно создать что-то, отказавшись от части правил или, наоборот, сделать совсем "каноническую постановку". И я, скажем так, "хороший консерватор" в плане того, что традиции нужно сохранять, так же как и этику театральной сцены. Основа всегда простая - кабинет сцены, балетный пол, музыка, оркестр, свет и артисты - чем не классика. С этого все начинается. Но еще раз повторюсь - в постановке должна быть классическая основа, хотя бы потому, что ее знает зритель. За последние 300 лет она сложилась достаточно хорошо. И для артистов она, разумеется, также известна - мне достаточно говорить им привычные кодовые слова и из этого уже рождается скелет спектакля, а дальше дело творчества”.
---------------------------------------------------------------------------------------

Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3563

СообщениеДобавлено: Ср Апр 05, 2017 1:48 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017033204
Тема| Балет, III Международный юношеский конкурс-фестиваль классического танца «Гран - При Киев 2017», Персоналии, Владимир Малахов, Нобухиро Терада
Автор| Евгения Власенко
Заголовок| Объявлены победители III Международного юношеского конкурса-фестиваля классического танца "Гран - При Киев 2017"
Где опубликовано| © «Обозреватель»
Дата публикации| 2017-03-29
Ссылка| https://www.obozrevatel.com/my/life/13960-obyavlenyi-pobediteli-iii-mezhdunarodnogo-yunosheskogo-konkursa-festivalya-klassicheskogo-tantsa-gran-pri-kiev-2017.htm
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

В воскресение, 26 марта на сцене Национальной оперы Украины им. Т.Г. Шевченко состоялось награждение победителей III Международного юношеского конкурса-фестиваля классического танца "Гран - При Киев 2017" а также Гала-концерт с выступлением победителей и презентацией фрагмента мировой премьеры балета "La Peri" в постановке знаменитого балетмейстера-репетитора Владимира Малахова.

Международный юношеский конкурс-фестиваль "Гран-При Киев" - инициатива народного артиста Украины, художественного руководителя Киевского государственного хореографического училища Нобухиро Терада, главной целью которого, является привлечение внимания к современному положению хореографического образования в Украине, поддержка талантливых студентов украинских балетных школ и их педагогов, а также налаживание коммуникации между хореографическими школами разных стран мира и выявление истинных талантов.

Как отмечает господин Терада, "Гран-При Киев" - это уникальный шанс для молодых танцовщиков сделать заявку на успешную профессиональную карьеру, а также площадка для экспериментов и демонстрации достижений современной хореографии.

"Для меня очень важно проводить международный конкурс именно в Киеве, приглашая со всего мира лучших студентов в балете, потому что мне хочется, чтобы украинские талантливые дети не уезжали из Украины, а наоборот – из Европы приезжали к нам и вместе учились, получали новые знания и обменивались опытом", - говорит Терада.

Как и в прошлом году, фестиваль состоялся при поддержке Благотворительного фонда "Объединение мировых культур" (United World Cultures Foundation, UWCF). Со слов исполнительного директора Благотворительного фонда Олеси Тарасенко, фестиваль является очень серьезным образовательным проектом, призванным содействовать воспитанию нравственности молодого поколения.

" В основу мероприятия положено благотворительность, это то, о чем мы должны говорить. Ведь благотворительность - это сложная сфера деятельности, серьезное общественное служение. Так и происходит в деятельности нашего фонда. И когда дети приходят на наш фестиваль, они получают огромный заряд энергии, колоссальный опыт, у них появляется надежда, пробуждается интерес к жизни! Поэтому, наш фестиваль - это правильный посыл, который задает сильный импульс будущим поколениям ", - отмечает Тарасенко.

В этом году в конкурсе приняли участие более чем 300 молодых дарований в возрасте от 15 до 18 лет из Украины, Японии, Норвегии, Германии, Молдовы, США, ОАЭ и Казахстана. А компетентное жюри, в лице вмемирноизвестного украинца, обладателя титула лучшего исполнителя классического академического танца Всемирного совета танца UNESCO Владимира Малахова, примы Венгерского государственного оперного театра Алии Таникпаевой, художественного руководителя балетной школы Норвегии Серые Аарсет Йохансен, директора балетной школы "Терада", г. Киото, Япония Мичико Терада, японского мецената и соорганизатора конкурса Тошихико Такахаши и других уважаемых специалистов, выбрали самых сильных и перспективных.

Победителями "Гран-При Киев 2017" стали:

Приз зрительских симпатий - Линус Пол Мерлин Шмидт - Государственная Берлинская балетная школа, Германия.
- 3 место Алдона Будни, Государственная Берлинская балетная школа, Германия
- 3 место Лобкин Роман (Украина, Киевское государственное хореографическое училище)
- 3 место Фабиен Хотт (Германия) - Балетная школа, город Майнц, Германия
- 2 место Наканишы Ерина Japan High School of Music (Япония)
- 2 место Кулиш Татьяна (Украина, Киевское государственное хореографическое училище)
- 1 место Харут Гото, Государственная Берлинская балетная школа, Германия
- 1 место Маевский Всеволод (Украина, Киевское государственное хореографическое училище)
- 1 место Ильницкая Анастасия (Украина, Киевское государственное хореографическое училище).

Гран-При фестиваля, а это Хрустальный приз от Владимира Малахова получила ученица Киевского государственного хореографического училища Панченко Александра.

Приятно отметить тот факт, что Украина снова оказалась в числе победителей, что еще раз подтверждает высокий уровень мастерства украинских преподавателей.

"Украинская балетная школа являет одной из самых лучших, и мы должны гордиться ею. Сейчас то время, когда украинские артисты покоряют мировые сцены Парижа, Лондона, Нью-Йорка, и я очень рад, что в нашем балете растет такое талантливое продолжение", комментирует Нобухиро Терада.

Жемчужиной гала-концерта стала презентация фрагмента балета "La Peri" в постановке Владимира Малахова, воздушные партии и па которой исполнили учащиеся Киевского государственного хореографического училища.

Владимир Малахов рассказывает, что эту балетную постановку он буквально возродил из прошлого и поставил в 2010 году для одной из своих взрослых трупп Берлинского государственного балета, руководителем которого он являлся с 2002 по 2013 год. До этого ее не показывали на сцене еще с начала прошлого века.

"Я восстанавливал этот балет по литографиям, по сюжету, по либретто, по своим каким-то понятиям, ощущениям, фантазии. Я же не знал как это было в оригинале, конечно были какие-то фрагменты, но я старался сделать "свой" оригинал, приблизиться к тому стилю, к той эпохе того балета который был. Сегодня на сцене Национальной оперы Украины мы показываем лишь кусочек этой постановки, но я был очень рад работать над ней с такими невероятно трудолюбивыми и талантливыми ребятами.Я уверен, их ждет большое будущее", - говорит Малахов.

Действительно, завораживающая старинная музыка, изысканные декорации, грация и пластика этого удивительно красивого искусства под названием балет никого не оставили равнодушным в этот день. Можно с уверенностью сказать, что глобальная цель, заданная организаторами конкурса, со временем обязательно даст свои плоды, и лучшие мировые сцены и оперные залы будут аплодировать стоя пока что юным, но таким одаренным и поистине увлеченным своим делом танцорам, поддержка которых на данный момент является важной ступенькой к их будущему успеху. Ведь, как заметила гостья фестиваля, основатель Всеукраинского журнала "Ukrainian People" Татьяна Петракова: "Дети - это наше будущее! И не просто будущее, но и вечное продолжение на нашей земле. Именно поэтому от тех ценностей, которые мы будем закладывать в наших детей, зависят те реалии, в которых мы будем находиться завтра".
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3563

СообщениеДобавлено: Ср Апр 12, 2017 1:33 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017033205
Тема| Балет, театр, Персоналии, Лев Иванов, Вера Лядова-Иванова
Автор|
Заголовок| Мемория. Вера Лядова
Где опубликовано| © Полит.ру
Дата публикации| 2017-03-27
Ссылка| http://polit.ru/news/2017/03/27/lyadova/
Аннотация|

27 марта 1839 года родилась Вера Лядова, первая примадонна русской оперетты



Личное дело
Вера Александровна Лядова (1839—1870)
родилась в Санкт-Петербурге в артистической семье. Ее отец Александр Николаевич Лядов был балетным дирижером императорских театров; дядя Константин Лядов — главным капельмейстером русской оперы в Петербурге.
C 10 лет Вера обучалась в Императорском Санкт-Петербургском театральном училище, где числилась среди самых способных учениц. С середины 1850-х годов она уже выступала в балетных дивертисментах и антрактах на императорской Александринской сцене, сразу завоевав признание публики и внимание прессы. После выпуска из Театрального училища Лядова в марте 1858 года была принята в балетную труппу Петербургских Императорских театров. К этому моменту она уже успела покорить взыскательную петербургскую балетную публику. Театральные критики того времени отводили Лядовой место «первой характерной танцовщицы петербургского балета».
В 1865 году Вера Лядова дебютировала на драматической сцене в роли крестьянки Анюты в водевиле «Барская спесь и Анютины глазки» на сцене Александринского театра. В 1868 году играла в Каменноостровском театре в водевиле «Мельничиха в Марли» и в нескольких пьесах Красносельского театра, но роли в устаревших водевилях не принесли ей значительного успеха.
Успех и признание к Лядовой пришли после исполнения роли Елены в оперетте «Прекрасная Елена» Жака Оффенбаха, поставленной в Александринском театре в 1868 году.
После «Прекрасной Елены» Лядова играла в более слабых опереттах, специально для нее переведенных или возобновленных: «Царство женщин», «Слабая струна», «Все мы жаждем любви», «Маленький Фауст», «Птички певчие» и др. По свидетельству современников, даже в этих ничтожных пьесах она была неподражаема.
Вера Лядова прожила короткую жизнь. Она умерла 5 апреля 1870 года в Петербурге в возрасте 31 года. Изначально была похоронена на Смоленском православном кладбище, но в 1930-х годах захоронение было перенесено в Некрополь мастеров искусств Александро-Невской лавры в Санкт-Петербурге.

Чем знаменита
Вера Лядова была первой примадонной русской оперетты, и именно она стала причиной беспрецедентного успеха этого музыкального жанра на Александринской сцене в конце 1860-х годов. Как отмечается в источниках, помимо великолепной сценической внешности, врожденной музыкальности, красивого голоса и прекрасной хореографии, она обладала юмором и «особым шиком каскадной опереточной актрисы». Она одинаково успешно выступала и в оперетте, и в балете, и в драме.
Зритель шел в Александринский театр «на Лядову». Ее имя в афише обеспечивало не просто полный сбор, но всякий раз — торжество, триумф «царицы канкана». Билеты на спектакль добывались чудом — лишь по предварительной записи, при этом за них были готовы заплатить в два, три, пять раз больше их настоящей цены. По словам М. О. Янковского, после постановки «Прекрасной Елены», петербургская императорская драма превратилась на 5-6 лет в настоящий театр оперетты с точки зрения репертуарного насыщения.

О чем надо знать
Неожиданный всплеск популярности оперетты в конце 1860-х годов вызвал шквал критики. В ней вообще и в «Прекрасной Елене» с Лядовой в частности моралисты усматривали виновников падения современных нравов, считая, что чем сильнее засилье «легкого» жанра и чем выше и развязнее задираются ноги в канкане, тем ниже опускаются нравы общества. Критик И.Игнатов, в частности, писал: «Оперетка прилепляется в эти годы к психике русского зрителя, опустошает его душу от последних остатков веры в человеческое совершенствование, населяет ее призраками, танцующими канкан над какими бы то ни было устоями».
Если в предреформенных 1850-х годах общество было полно надежд и энтузиазма, а театральный репертуар того времени пестрел названиями таких пьес, как «Общее благо», «Прогрессист-самозванец», «Демократический подвиг», то к концу 60-х - пореформенной эпохи – пришло время скепсиса и разочарованности, пишет в своем исследовании феномена Веры Лядовой Марина Корнакова. Публике надоели тенденциозные спектакли, купцы-самодуры, прогрессивные студенты и эмансипированные барышни, что, видимо, и определило бешеный успех нового жанра, бесцеремонно обходившегося со «святынями», игнорировавшего гражданскую озабоченность и высмеивавшего все и вся – от олимпийских богов до нравственных устоев.
Оперетта, символом которой была «царица канкана» Вера Лядова, нажила многочисленных недоброжелателей как в стане ревнителей старины, так и среди «прогрессистов».
А.Н.Островский писал в 1869 году: «Нам, русским драматическим писателям, нечего и думать о соперничестве с Оффенбахом: мы и не захотим прибегать к тем эффектам, к каким прибегает он. Мы должны будем или замолкнуть, или заранее обрекать свои пьесы на падение».
Однако недолгий триумф оперетты в Александринском театре и вызванный им накал страстей оборвались после внезапной смерти Веры Лядовой в 1870 году. Но и после смерти она продолжала оставаться мишенью для нападок: портрет артистки в роли Елены, украшавший ее надгробие, каждую ночь неизвестные расписывали грязными бранными словами. Днем их оттирали, но следующей ночью вандализм повторялся.

Прямая речь
«Она была лучшая из виденных когда-либо мной исполнительниц «благородных» мазурок и других польских танцев. Красавица с замечательной фигурой, она в мазурке с Ф.И.Кшесинским представляла незабываемое по красоте зрелище» - Е.О.Вазем о Вере Лядовой.
«Елена, какой сыграла ее Лядова, намечала вполне новый для русской сцены женский тип - не это ли причина такого отклика в публике и такой настороженности в прессе? Театр отразил новый женский тип, женский нрав из русской действительности: героиня, порывающая с традиционным «долгом», готовая идти на поводу у своих чувств, живущая в согласии с собственными прихотями, обольстительная, своевольная, своенравная... Такую героиню могла тогда вывести лишь оперетта, с ее «походом против устоев», развенчиванием идей, традиций, святынь. В Александринке оперетта не только опустошала душу зрителя скепсисом, насмешкой. Она еще и утверждала - в игре Лядовой - личность в ее самоценности вне «программ», «идей», «тенденций», женскую раскрепощенность, право жить прихотливыми чувствами, вне всякого рода заданности - моральной, идейной», - Марина Корнакова. «Дзынь-Ля-Ля»

5 фактов о Вере Лядовой
• Жалование Веры Лядовой в балетной труппе Петербургских Императорских театров составляло 600 рублей серебром в год.
• Пьеса Жака Оффенбаха «Прекрасная Елена» с Верой Лядовой в первый же сезон выдержала в Александринском театре сорок два представления.
• Выйдя замуж за балетмейстера Льва Иванова, Вера Лядова добавила к своей фамилии и фамилию мужа, став Лядовой-Ивановой. Эта фамилия высечена и на надгробии актрисы.
• Лядова, не покидавшая балетной сцены более десятка лет, трижды за это время становилась матерью. Из трех родившихся у нее сыновей первый умер во младенчестве, а двое выжили, однако младший из них был глухонемым.
• Похороны Веры Лядовой стали ее последним триумфом. Толпа запрудила все улицы, по которым проходила траурная процессия. Гроб несли на руках артисты императорских театров до самого Смоленского кладбища, на котором собралось столько народу, что многие залезали на деревья, перегородки и даже навесы на могилах.

Материалы о Вере Лядовой
Марина Корнакова. «Дзынь-ля-ля»
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18363
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Апр 24, 2017 1:56 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017033206
Тема| Балет, БТ, "Ундина", Персоналии, В. Самодуров
Автор| Екатерина Нечитайло
Заголовок| Ундина: реквием по мечте (Москва, Большой театр)
Где опубликовано| © портал Субкультура
Дата публикации| 2017-03-06
Ссылка| http://sub-cult.ru/teatr/reports/7768-undina-rekviem-po-mechte
Аннотация|

Вячеслав Самодуров выпустил на сцену Большого театра «Ундину», что под музыку Ханса Вернера Хенце вела потерянного Беглеца по миру сновидений. О недостижимых идеалах и о том, куда приводят мечты, рассказывает наш корреспондент Екатерина Нечитайло.


Ундина, она же Русалка, она же Наяда, она же Волна, она же Дева, вышедшая из пены морской, - человекоподобное существо женского пола, что живет в воде, расчесывает волосы, пением завлекает мужчин в дебри и глубины. «Ундина» - повесть, автором которой является Фридрих де ла Мотт Фуке, о трагической любви «хвостатой» девушки к рыцарю Халдебранду, что закончилась парой смертей; опера Гофмана, Хармана, Гиршнера, Чайковского; сюита Равеля и соната Рейнеке. В балете Жюля Перро «Наяда и рыбак» (1843г.), музыку к которому написал Цезарь Пуни, Русалка влюблялась в молодого парня, упрашивала Королеву Моря помочь ей в создании союза, утаскивала фату у невесты молодого мужчины. В работе сэра Фредерика Аштона, премьера которой состоялась в 1958-м, матросы выделывали кренделя, современная музыка Ханса Вернера Хенце спорила со сказочностью, рыцарь погибал от поцелуя. Вячеслав Самодуров, что когда-то и сам танцевал в опусе Аштона, вызывая свою «Ундину» на Новую сцену Большого театра, количество водных процедур сводит до минимума, хвосты упраздняет, сюжет льет дозировано и по собственному рецепту. Мечтам суждено разбиться о камни, сны обречены споткнуться о суровую действительность, грезы уже давно не в моде, но романтизм - наше все.

На авансцене лежит человек в футболке с принтом. За его спиной расположены прозрачные пластмассовые листы. Сцену рассекают вспышки молнии. Юные девушки в коротеньких пачках, будто сделанных из мятой фольги (художник по костюмам - Елена Зайцева), волнообразно выпадают корпусами вперед, держась за руки, рисуя собой кардиограмму, находясь за этими самыми пластинами из пластмассы. Пространство, созданное сценографом Энтони Макилуэйном и художником по свету Саймоном Беннисоном, напоминает современный лофт: потолок высоко, кругом столбы и перекладины, свет прибран, лампы спускаются сверху, в глубине темно и страшно. Постепенно Беглец (Вячеслав Лопатин) очухивается, вместе с ним пробуждается банда его двойников, что готова маячить в зеркалах, вскидывать распластанные ладони, носиться за «хозяином»; девы во главе с Ундиной - атаманшей (Диана Косырева) ерничают и дразнятся, маня плавными руками, изгибами тел и заносками; постепенно все перерастает в своеобразную игру в прятки, догоняшки, салки. Собственно, так и проходят два часа, составленные из прикосновений, верениц, движений в рапиде, попыток поймать друг друга, повторов прыжков и пробежек. И желания наконец - то разобраться в том, кто же «та самая Ундина». Все равны, как на подбор, фабулу пересказать практически невозможно, ассоциации летят стайками, идентификация с героем, который потерял себя в этом огромном мире, происходит почти мгновенно. А еще мгновенно становится понятно, что этот спектакль Вячеслава Самодурова, триумфатора 'Золотых масок', бывшего премьера Мариинского театра, Национального балета Нидерландов, Королевского балета Ковент-Гарден, поставившего свой первый полноценный балетный опус в 2010-м для труппы Михайловского театра, а с 2011-го года возглавившего балетную труппу в Екатеринбурге, визуально очень похож на екатеринбургскую «Цветоделику»: игрой со светом люминесцентных ламп, передающих переживания, работой с отражениями, отправлением зрителей в мир, что находится где - то над действительностью. Но вот мистичности, мрачности и романтизма здесь куда больше. Надо сказать, что подготовка к тотальному погружению в обитель грез начинается еще с либретто хореографа, которому позавидовал бы сам Борис Виан: «Пройти по грани невозможно, проводника – нет, Беглец пробуждается в собственном сне»/ «В ожидании Ундины усилием воли он обращает сон вспять: вернуться туда, где существовал порядок, а душа томилась, еще возможно»/ «Берег мешает небу опрокинуться в океан». Вперед - вперед, дорогой Читатель, широкие и плавные жесты девушек, усиленные грациозными поворотами голов, ловко затянут в водоворот сновидений, во втором акте, отсылающем к «Русалочке» Джона Ноймайера, тебя ждет качка в трюме корабля под звездным небом, организованная группой ундин, недружелюбно семенящих ножками; в третьей части, проходящей под люстрой из лески, уже заряжен парад парных этюдов, состоящих из четких поддержек, прогнутых спин, конечностей, которые нарочито некрасиво вывернуты, полетности, воздушности, двойственности романической утопии. То вспомнишь «Жизель», то «Сильфиду», то «Лебединое озеро». Здесь все балансирует на грани между сном и реальностью, морок не отличить от действительности, житейское море волнуется за каждого и не раз.

Ни для кого не секрет, что во время работы над «Ундиной» немецкий композитор Ханц Вернер Хенце находился под мощным влиянием творчества Игоря Стравинского. Дирижер Павел Клиничев эту идею подхватывает и развивает: в какой - то момент начинает казаться, что в зале звучит новая, доселе неизвестная партитура автора «Весны священной». Наполненная знакомыми яркими контрастами, рациональностью, соединенной с эмоциональными волнами, сказочностью, помноженной на реализм, масштабностью звучания, умело сопряженной с интимностью и доверительностью. Теплый звук арф укутывает, трубы слаженно гудят, внезапные фортепианные фрагменты нагнетают тревогу, держат в тонусе, подкидывают в общий котёл откровенную сумасшедшинку, жесткие звуковые всполохи существуют в контрапункте со сказочно-воздушными грезами. Не то оркестр является советником в борьбе и думах, не то он безучастно исполняет заупокойную мессу, не то служит верным проводником чьей-то воли, по которой морским радостям уже не суждено смыть ни одной земной печали.

Ундина здесь - химера, недосягаемый образ, сгусток женской энергии. Многоликий, сотни лет танцующий множеством тел, способный уничтожать и возрождать. Беглец - мечтатель, призрак самого себя, концентрат романтизма. Пока ищешь - существуешь, пока сражаешься - горишь, поймаешь - конец. Уж сколько их упало в эту бездну. Важно отметить, что танцовщики в этой работе, помня заветы Аштона, подлинно рефлексируют, думают на площадке, рождают движение из мысли, рассуждают пальцами и спинами. Если уж крутят фуэте, то от беспомощности и непонимания, если уж кидают батманы, то с целью выпутаться, если уж случается дуэт, то он становится практически битвой Мцыри с барсом. Самодуров, умело жонглирующий цитатами, тоскующий по бунтарским страстям, делающий ставку на подключение персонального опыта и личных воспоминаний, опутывает своим спектаклем, который сперва может показаться чересчур наивным (и даже девчачьим), с ловкостью паука: проносится балет быстро, ладно, как по маслу, затягивает легко и непринужденно, вопросы, возникающие во время просмотра, тонут в потоках красоты, заканчивается он почти внезапно, любой пересказ обречен стартовать со сказочной фразы «Once Upon a Time...». А после просмотра велика вероятность вполне реальной затяжной рефлексии на тему собственных желаний, ложных и настоящих поисков, «сбычи мечт». Никогда не знаешь того, куда они приведут. Еще ведь Виан сказал, что «из всего сказанного можно сделать какой угодно вывод».

Фотограф Дамир Юсупов

------------------------------------------

Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18363
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Май 13, 2017 7:49 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017033207
Тема| Балет, МАМТ, проект «Точка пересечения»
Автор| Екатерина БЕЛЯЕВА
Заголовок| В комнате наверху
«Точка пересечения»: на Малой сцене МАМТ показали новые работы молодых хореографов

Где опубликовано| © газета «Музыкальное обозрение» — МО № 2 (409)
Дата публикации| 2017-03-22
Ссылка| http://muzobozrenie.ru/v-komnate-naverhu/
Аннотация|


Х 2 . Хореограф Дастин Кляйн. Фото Олег Черноус

Точка № 1

Идея «Точки пересечения» возникла в Музыкальном театре (руководитель проекта заведующий балетной труппой Андрей Уваров; исполнительные продюсеры Дарья Фомина и Ксения Никольская; технический директор и художник по свету Семен Швидкий) в прошлом году.

Показы проходят на Новой сцене в формате 2×2, то есть по два двадцатиминутных условно сюжетных спектакля в каждом отделении, участвовать могут не более семи солистов. Билеты на мероприятие поступают в продажу за 2 месяца до премьеры, которая играется всего два раза. Театр оставляет за собой право взять понравившийся спектакль в репертуар или заказать хореографу новый спектакль для основной сцены. В прошлом сезоне была установка на российские имена, включая и россиян, работающих в зарубежных компаниях. Такой же мудрый шаг в свое время сделал Ратманский в Большом, пригласив на воркшоп Славу Самодурова из Лондона и Ивана Урбана из Гамбурга. В результате прошлая

«Точка пересечения» открыла нам русского австрийца Андрея Кайдановского, достойного продолжателя знаменитой в СССР театральной династии. Его работа в жанре танц-театра (направление, которое развивале в Вуппертале Пина Бауш) «Чай или кофе?» на музыку Р. Брауна -П. Альмейды (на тему Баха), В.Т. Санса, Stimmhorn & Kold Electronics, Д. Чеглакова, П. Альмейды – С. Терри-М. Рудермана (на тему Э. Вила-Лобоса) была отмечена критиками и номинирована на соискание премии «Золотая маска».

Еще один принцип устроителей «Точки» — наличие в проекте одного «своего человека», действующего или некогда работавшего в МАМТе артиста, который бы знал потенциал артистов труппы. В прошлом году любопытную работу на тему барочной архитектуры «Вариации и квартет» на музыку И. С. Баха, И.Г. Пизенделя и П. Чайковского представил артист компании Константин Семенов, впрочем, к этому времени имеющий приличный послужной список балетных миниатюр (победитель конкурса молодых хореографов фестиваля «Context. Диана Вишнева» в 2015). Семенов сочиняет в классической манере, развивает язык Петипа и Ван Манена. Более конвенциональные работы поставили дипломированные хореографы Марианна Рыжкина (Москва, МГАХ) и Эмиль Фаски (Санкт-Петербург, АРБ).

Точка № 2

Для участия во втором «забеге» в 2017 были приглашены четыре малоизвестных в Европе и совсем неизвестных в России хореографа. Их среда обитания — хореографические показы и конкурсы в Германии (ежегодный хореографический смотр в Ганновере) и Франции, лаборатории и мастерские при театрах, небольшие независимые коллективы и проекты. «Человеком из театра» стал Дмитрий Хамзин, с 2004 по 2011 служивший в МАМТе (Треплев в «Чайке», Морской колдун в «Русалочке» Ноймайера, Дженнаро в «Неаполе» Бурнонвиля, солист в балетах Дуато и Килиана), в данный момент проживающий в Швейцарии и танцующий в Цюрихском балете. Немецкий танцовщик Дастин Кляйн представлял Баварский балет, албанец Эно Печи — Венский балет и израильтянин Эяль Дадон — компанию Киббуц.

Как и в прошлом году, каждый спектакль предварялся коротким черно-белым фильмом, в котором хореографы представлялись публике и зачитывали некий текст, каким-то образом характеризующий их работу.


Дежа вю. Хореография Эно Печи. Фото Светлана Постоенко

Уикэнд интеллектуалов

После двух показов в 2016 и 2017 стало понятно, что «Точка пересечения» не является продолжательницей «мастерских новой хореографии» формата середины и конца 2000-х.

Начинающие хореографы, приходящие сегодня работать в подобные проекты, уже не те ищущие свой язык адепты альтернативной пластики, понятия не имеющие о видео-арте и световой композиции. Наоборот, приходят люди с режиссерскими идеями, которые хотят поставить свой оригинальный мини-спектакль, соединяя в нем привычные компоненты в непривычных для зрителя пропорциях.

Или танцовщики, умеющие прочитать телесные послания своих коллег и использовать их оригинальный язык в своей постановке, для которой у них до начала репетиций не было заготовлено ничего, кроме саунд-дизайна или какого-нибудь значимого артефакта, присмотрено на одном из многочисленных биеннале современного искусства.

За эту непредсказуемость результата «Точку» полюбили артисты, явно чувствующие себя ферзями новых постановок. В качестве соавторов они всегда будут готовы улучшить продукцию, приложив к тому все усилия. Зрителям в экспериментальных постановках Новой сцены нравится достраивать сюжеты, являющиеся самой зыбкой составляющей в проектах хореографов-неофитов. История на самом деле ни разу не рассказывается, но иллюзия ее присутствия создается. В итоге зрители не культурно дремлют-отдыхают на «Точке пересечения», а проводят интеллектуальный уикенд, включаясь в процесс осмысления увиденного и услышанного в реальном времени.

=========================================

На сайте опубликован фрагмент статьи. Полностью материал читайте в бумажной версии газеты «Музыкальное обозрение» — МО № 2 (409) 2017.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18363
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Май 22, 2017 7:22 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017033208
Тема| Балет, Екатеринбургский театр оперы и балета, Персоналии, Игорь Булыцын
Автор| Олег ПЕТРОВ
Заголовок| Повседневность трагического:
Меркуцио, станцованный и сыгранный Игорем Булыцыным

Где опубликовано| © Журнал "Культура Урала" № 3(49) с. 36-37
Дата публикации| 2017 март
Ссылка| http://www.muzkom.net/_download/kultural1703.pdf#page=39
Аннотация|

Путешествие в мир балета Прокофьева «Ромео и Джульетта» для зрителя Екатеринбургского оперного театра начинается с элегантного буклета. Он сделан безупречно: подобные буклеты автор этих строк видел в Большом театре или, к примеру, в парижской Опера. Вначале сообщается история знаменитого балета. Затем слово берут хореограф Вячеслав Самодуров, дирижер Павел Клиничев, художник-сценограф Энтони Макилуэйн, художник по костюмам Ирэна Белоусова и художник по свету Саймон Беннисон. Здесь же фотопортреты исполнителей главных партий. Фотохудожник Елена Лехова увидела их такими, какими не видит зритель: в балетном классе в репетиционных костюмах.



В небольшом синопсисе хореограф говорит о своем желании избежать пафоса, часто присутствующего в балетных интерпретациях шекспировской трагедии. Он также хотел бы воплотить на сцене известную мысль Петрония «весь мир лицедействует», что некогда украшала здание театра «Глобус» и была развернута Шекспиром в комедии «Как вам это понравится». И его (хореографа) слова, что называется, с делом не разошлись.

Екатеринбургский спектакль — незадолго до него у Самодурова была еще версия, назовем ее фламандской — начинается как репетиция «Ромео и Джульетты», переходящая в собственно театральное представление. Театр увлек Самодурова-хореографа, который предпочел перевоплотиться в режиссера и сыграть Шекспира, а не станцевать Прокофьева. (Предположу: хореограф не хотел повторять самого себя. Боялся оказаться в ловушке уже созданного).

В отличие от прежних виденных мною спектаклей Самодурова, где все было отдано виртуозному танцевальному тексту, здесь хореограф показал серию мизансцен, ясных настолько, что у зрителя отпала необходимость заглядывать в либретто. Самодуров сосредоточен на детальной проработке актерской, игровой партитуры своего нового сочинения. Перед нами — балетный люд, который по воле автора спектакля должен не только (а возможно, не столько) станцевать известную музыку, сколько разыграть, не забывая, конечно, и о танце, шекспировскую повесть о веронских любовниках. Спектакль Самодурова прост. Вместе со своими артистами постановщик возвращается как будто к хорошо известному, но сегодня утраченному. Для того чтобы вернуть на сцену конфликт добра и зла, любви и ненависти, Самодурову оказалась нужна не телесная виртуозность танцовщика, а его артистическая душа. На мой взгляд, одним из тех, кто это понял лучше других, стал Игорь Булыцын, исполнитель партии-роли Меркуцио.

Я никогда не мог подумать, что увижу балетный спектакль, где Меркуцио станет вровень с Ромео и Джульеттой. А, может, в иные моменты даже выше их. Конечно, и у других хореографов фигура Меркуцио не была проходной. Но впервые в моей зрительской практике после сцены, где гибнет этот весельчак-задира, все дальнейшее показалось менее интересным. Как утверждают знатоки Шекспира, для новеллистов, пересказавших по-своему «фабулу» Ромео и Джульетты до Шекспира, весь мир вращается вокруг этих двух персон. И балетмейстеры чаще всего поступали так же. У Шекспира же, по замечанию Н.Я. Берковского, «каждое лицо живет… с собственной целью и с собственным пафосом». «Юная Верона, — продолжает исследователь, — празднует юность свою с утра и до ночи, без календаря, без дат. Меркуцио, конечно, первый среди этих вольноживущих и вольномыслящих». Разумеется, Меркуцио Шекспира, Меркуцио говорящий, а не танцующий — не одно и то же. Но тот задор, тот «избыток юности», «примерка личин и лиц», та постоянная игра, в которой пребывает шекспировский мальчишка-забияка, делают его близнецом «балетного» Меркуцио.

Художник Ирэна Белоусова одела Меркуцио, как и всех других молодых персонажей спектакля, в сегодняшний костюм, который сделал происходящее повседневным, узнаваемым, одним словом — обычным. (Одень художник так всех исполнителей «Ромео и Джульетты», она наверняка проиграла бы. И чтобы такого не случилось, в массовых сценах, как на подиуме модного дефиле, появляются персонажи, несущие на себе костюм, великолепный в своей роскоши и призванный явить образ Ренессанса).

Допускаю, что Самодуров намеренно упростил танец, чтобы сохранить на сцене это страшное чувство — чувство повседневности трагического, и Булыцын схватил замысел автора, воплотив этот замысел в своем танце-игре. Его Меркуцио — пацан, который взрослеет на наших глазах. Такой же, как и вся ватага молодых людей. Меркуцио Булыцына мало отличим от своих сверстников. Поначалу хореограф-режиссер дает мимолетную мизансцену, в которой, кажется, угадываются будущие главные действующие лица, в том числе Меркуцио… Он и после, когда события наберут силу, будет, как и его ближайшие друзья, часто неразличим, потерявшись в толпе. Он будет принадлежать ей, суматошной, беспечной, веселой, но, как и полагается всякой толпе, равнодушной к тем, кто волей обстоятельств оказался с ней.

Меркуцио Булыцына — как тот человек, что оказавшись в лодке посреди бушующего океана, продолжает эту лодку раскачивать. Рано почувствовавший вкус к рискованной игре, он продолжает ее и тогда, когда она вот-вот обернется катастрофой. Толпа расступится, разбежится, чтобы оставить Меркуцио наедине с судьбой. На смену прыжкам, в которых слышался смех отчаянного парня, на смену стремительным вращениям, которые, казалось, должны были увести его от беды, придет минутная остановка-пауза. Замершее тело обнажило то, что было скрыто беспрерывностью танца: одинокость, ненужность молодого человека, вдруг осознавшего это и надевшего свою последнюю маску — равнодушие. Терять было некого и нечего. А потому поединок с Тибальдом мог стать освобождением. Поняв, что он один, Меркуцио, ничего не боясь, вступил в последнюю схватку. Перемещаясь друг против друга по кругу вместе с Тибальдом, Меркуцио вел бой с противником, то наступая на него, то стремясь вырваться за пределы страшного круга. Поверженный, он отыграл свою финальную сцену. В ней Меркуцио-Булыцын напоминал канатоходца. Правда, канат был натянут не над ареной цирка, где всегда есть страховка, а над бездной. Теряя равновесие, Меркуцио пытается еще раз взмахнуть шпагой, которая теперь врагу не опасна. Она падает из рук. С трудом приподнявшись, он пытается схватиться за нее. Последняя попытка «зацепиться» за жизнь… Упавшее навзничь тело — как роковая черта, отделившая одну часть Трагедии от другой. Предзнаменуя новые жертвы междоусобной вражды. Простая, даже незамысловатая, эта мизансцена, возможно, напомнит кому-то из зрителей сцену из повседневной жизни…

Фото предоставлены Екатеринбургским театром оперы и балета
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18363
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Май 22, 2017 9:36 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017033209
Тема| Балет, Персоналии, Андрис ЛИЕПА
Автор| Вера СУМКИНА
Заголовок| Маэстро балета
Где опубликовано| © Журнал "Культура Урала" № 3(49) с. 52-54
Дата публикации| 2017 март
Ссылка| http://www.muzkom.net/_download/kultural1703.pdf#page=55
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Андрис ЛИЕПА, сын великого танцовщика Мариса Лиепы, — советский и российский солист балета, театральный режиссер и продюсер. Народный артист России. Основатель Благотворительного фонда имени своего отца. Член попечительского совета театрального фестиваля «Черешневый лес». Он не раз бывал с гастролями в Екатеринбурге. Андрис Лиепа — имя знаковое для тех, кто любит балет. Он танцевал ведущие партии классического и современного репертуара в Большом и Мариинке. Михаил Барышников в Американском балетном театре, где Андрис был премьером, специально на него ставил свою версию «Лебединого озера». Звездный танцовщик работал с труппами Баланчина и Бежара, по личному приглашению Рудольфа Нуриева танцевал в Парижской опере, а еще — в Ла Скала, Шведском Королевском балете… В общем, по всему миру. Он — художественный руководитель и главный балетмейстер театра «Кремлевский балет». И именно на кремлевской сцене он отметил нынче свое 55-летие. Для своего юбилейного вечера Андрис выбрал ту самую сцену, где когда-то, будучи учеником хореографического училища, начинал освоение профессии, а затем исполнял главные партии в балетах Владимира Васильева «Золушка» и «Макбет». Организовав антрепризу «Русские сезоны XXI века», на этой же сцене Андрис показывал возрожденные им балеты «Жар-птица», «Шахерезада», «Петрушка»… С этого и начался наш разговор.



— Вас называют реставратором балета, и вы действительно возобновляете великие балеты, например, «дягилевские». Понятно, делаете это, чтобы сохранялось балетное наследие, великое наследие. Но можно ли сохранить навсегда? Балет ведь не книга… Вы думаете, что надо бесконечно возобновлять?

— Начну, наверное, с истоков. Не случайно здесь прозвучало имя моего отца: он в свое время занялся реставрацией первого балета, это было «Видение Розы», маленькая миниатюра, созданная Михаилом Фокиным. Работал в течение семи лет, собирал материалы, затем восстановил, сделал премьеру, и они повезли ее в Нью-Йорк. В Метрополитен-опера, еще в старом театре, на спектакль пришел сын Фокина — Виталий, благодарил отца, и они очень подружились. Я, уже будучи артистом Большого театра, сумел станцевать этот спектакль, отец мне его показал. Потом мы сняли его на телевидении вместе с Илзе и пригласили уже внучку Михаила Михайловича Фокина — Изабелл Фокин, она взяла костюм своей бабушки Веры Фокиной, прочитала поэму Теофиля Готье, по которой было сделано либретто этого балета.

Мне повезло, я, работая в Нью-Йорке, видел очень много замечательных реставраций. Ими в США занимался Роберт Джоффри, он в 1987 году возобновил «Весну священную», «Петрушку». И, честно скажу, ко мне эта идея пришла после просмотра одного из таких спектаклей — подумал, на- сколько же скрупулезно восстановлены балеты, но все равно нет русского духа, потому что танцовщики американские. Не то что они не умеют делать присядку, но все равно дух какой-то не наш.

Приехав после Америки в Санкт-Петербург, я попал в библиотеку Луначарского, нашел там материалы Михаила Фокина про его постановки. В 1957 году Виталий Фокин переслал туда два огромных сундука с оригиналами, принадлежавшими его отцу. И вот в 1992 году впервые я залез в эти сундуки. Социалистическое общество не приветствовало хорошее отношение к людям, которые остались за границей. Михаил Михайлович умер в 1942 году, и вплоть до 1992-го никто, кроме служителей библиотеки, не имел возможности работать с этим материалом. Он попал мне в руки, и, конечно, я зажегся. С художниками Анатолием и Анной Нежными решили восстановить три спектакля — «Петрушку», «Жар-птицу» и «Шахерезаду». Это, можно сказать, жемчужины «Русских сезонов».

А Сергей Павлович Дягилев потратил практически всю свою жизнь на то, чтоб показать Западу, что русское искусство никогда не находилось на задворках творчества и даже опережало во многом европейские аналоги. В 1906-м Сергей Дягилев впервые вывез в Париж выставку русского портрета, и вот эту дату можно назвать началом «Русских сезонов». Следующий сезон был связан уже с музыкой, через год Сергей Павлович вывез оперу вместе с Шаляпиным, и еще через год пошли балетные сезоны. Будучи потрясающим антрепренером и совершенно уникальным человеком, Дягилев понял, что балет объединяет в себе и театр, и изобразительное искусство, и музыку. И, конечно, — мастерство потрясающих танцовщиков, которыми изобиловал тогда балет Мариинского и Большого театров.

— И это искусство не требует перевода.

— Да, совершенно верно, и не требует перевода.

— Вы были первым танцовщиком, артистом балета, которому советские власти разрешили легально работать в западной труппе…

— И не просто в западной, я работал в труппе у Михаила Барышникова. Здесь еще надо помнить, что в то время Барышников был лишен статуса советского гражданина, за то что оставил родную социалистическую страну и уехал работать на Запад. Тогда это было самым архистрашным действом, которое мог совершить творческий человек.

— А вам как удалось «вырваться»?

— Началась перестройка, я попал на стык двух эпох — социалистической и демократизации, которая продолжается до сих пор в нашем обществе. Я воспользовался какой-то паузой, когда наши чиновники не знали, как решать. Раньше можно было просто все запрещать, если помните, был такой момент, когда люди начали бояться вообще делать что-то новое. Чиновник мог лишиться поста, сделав одну ошибку — дав чему-то новому прорасти. А в тот момент они боялись потерять место, не дав новому ход. Я воспользовался вот таким замешательством властей. К тому времени я достаточно много ездил и танцевал в Америке, работал с Ниной Ананиашвили в театре, который называется «Нью-Йорк Сити балет», в труппе Баланчина, так что опыт работы на Западе у меня был.



— Знаю, что вы до сих пор, как говорят в балете, «делаете станок», а, собственно, зачем? Я также знаю, что многие балетные, перестав танцевать, вздыхают с облегчением…

— Трудно узнать этих артистов после того, как они вздыхают облегченно. И мне до сих пор тяжело без сцены. Я очень люблю скейтбординг, мне отец привез скейт когда-то в середине 1970-х, и я был одним из немногих в Москве, кто катался на скейте. До сих пор это люблю, мне вот уже 55, Ксюше, дочке моей, 19 лет, мы ездим на Ленинские горы, где я когда-то катался с отцом, она катается на роликах, на велосипеде, а я на скейте…

— Это все для поддержания формы?

— Просто физические упражнения необходимы любому человеку, а артисту балета — как никому. И если в день у меня есть 45 минут для занятия у «станка», я очень рад и счастлив. В принципе, если хочу себя взбодрить, я делаю это иногда два раза в день — утром и вечером.

— Вопрос необычный, он может показаться вам не совсем корректным, и все-таки. Вы работали и работаете по всему миру, вы звезда, вы известны. Имеют для вас значение награды, премии или (как раньше имело огромное значение в СССР) — звание?

— Для отца было это очень важно, он был народным артистом СССР, лауреатом Ленинской премии, премии имени Вацлава Нижинского… Тогда это очень ценилось. Сейчас, надеюсь, это тоже всем приятно, вот Илзе получила Государственную премию с Николаем Цискаридзе за спектакль «Пиковая дама», который поставил для них Ролан Пети, и это просто замечательно. Это действительно хорошая, заслуженная награда. Я — народный артист России. Но для работы моей на самом деле это имеет мало значения…

— Я спросила, потому что нигде в мире званий нет. Есть Имя — и все.

— Знаете, вот так скажу. Я ставил спектакль на музыку рапсодии Паганини, назвал его «Маэстро», и такая философия у меня там отслеживалась, вышла на поверхность — существуют величины, личности в искусстве, которых называют «маэстро». Вне зависимости от того, какие у них регалии, есть ли у них награды от правительств, их просто называют «маэстро», потому что это суперпрофессионал. Валерий Гергиев очень хорошего пианиста и хорошего танцовщика может называть «маэстро». Спектакль, о котором я говорю, был поставлен специально для Илзе и Николая Цискаридзе. Евгений Колобов дирижировал, за фортепиано был Николай Петров, а Илзе с Колей танцевали. И все они были — маэстро. Я очень рад и счастлив, что такой проект состоялся в моей жизни. Вот я, наверное, и ответил на ваш вопрос, что в мире существуют такие звания, как «маэстро». И ни за какие коврижки профессионалы не назовут тебя так, если ты этого не достоин. Обращение «маэстро» означает наивысшее достижение творческого профессионализма, которое указом не назначается.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18363
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Май 27, 2017 10:39 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017033210
Тема| Балет, Марийский театр оперы и балета, Персоналии, Екатерина Байбаева
Автор| Беседу вела: Катерина Вендилло
Заголовок| Интервью с балериной Екатериной Байбаевой
Где опубликовано| © ContraltoPeople — электронный журнал
Дата публикации| 2017 март
Ссылка| http://contraltopeople.ru/ekaterina_baibaeva
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Как прийти от мечты стать крутой блондинкой-копом в авиаторах ray ban в классический балет, как защитить диплом на отлично, постоянно пропуская занятия из-за репетиций, как танцевать Аврору, если любишь властных и сексуальных героинь и что будет, если много ржать перед выходом на сцену?

Отвечает на эти и другие вопросы Екатерина Байбаева — прима-балерина Марийского театра оперы и балета, обладательница множества медалей, дипломов и почетных грамот «За вклад в развитие искусства» от Министерства культуры Республики Марий-Эл, лауреат национальной театральной премии им. Ивана Кырли и молодёжной национальной премии Олыка Ипая за создание образов в балетах «Сон в летнюю ночь», «Щелкунчик», «Лебединое озеро».




"Сейчас, когда я уже имею кучу наград, званий и даже стала примой нашего театра, я все ещё Катя Байбаева, которую ругают за лишний вес, плохие оценки и отсутствие "чистоты" в ногах."

— Давай начнём с детства. Каким Катюша Байбаева была ребёнком? Озорным, вдумчивым, спокойным, нервным? Какое у тебя самое раннее воспоминание?

У меня очень мало воспоминаний из детства. Но я хорошо помню, как мне не разрешали есть сладкое, и я воровала сахар кусками из мешка в кладовке, потом покрывалась какой-то дикой красной сыпью, и тогда, естественно, всё вскрывалось. Я могла часами играть одна в своей комнате или тусоваться сама с собой в своём манеже. Могу сказать, что, как и сейчас, в детстве я была разной: могла сидеть одна, через полчаса сходить на кухню что-нибудь вытворить, потом поплакать, потом посмеяться. В общем, нестабильный, с резкими скачками эмоций маленький человек.

— Как появился балет? Родители повели или ты сама загорелась желанием, увидев картинку с балериной? Балет был первым желанием профессии? Не хотелось в детстве стать, к примеру, водителем трамвая?

Я в детстве хотела стать полицейским, таким типичным американским копом. В фильме «Полицейская академия» была блондинка-коп, она ходила всё время в авиаторах ray ban. Мне казалось, что это безумно круто! Позже я, к моему сожалению, узнала, что в России полицейских нет и наши милиционеры выглядят гораздо грустнее, чем в этом фильме. Я тогда очень расстроилась и поняла, что милиционером быть не хочу. Когда я пошла во второй класс, мама отдала меня в танцевальный кружок при школе искусств. Первый год был, наверное, кошмаром для моих родителей, потому что я много прогуливала. Но примерно на второй год занятий танцами у меня действительно стало получаться. Когда мы начали участвовать и выигрывать в городских и региональных конкурсах и меня ставили уже в сольные номера, я поняла,что мне действительно нравится находиться на сцене, получать аплодисменты, танцевать. И мне безумно повезло, что в нашем училище был отбор именно в тот год, в который я подходила по возрасту.

— Что для тебя было самым сложным во всех твоих учёбах?

Дисциплина и организованность. В начальной школе я прогуливала, в хореографическом училище я не делала уроки и списывала, в институте вообще месяцами не появлялась. А всё потому, что мне там было не интересно. Я всегда на первое место ставила балет. Особенно это чётко можно было понять в период моего обучения в университете: я не ходила на пары, потому что репетиции, я пропускала сессии, потому что гастроли. Но что интересно, на защите диплома, который, кстати, я написала за неделю, я всех убедила в том, что я не совсем потерянный человек. На мне поставили крест где-то на третьем курсе, мол, она ведущая, пусть как-нибудь доучится, что с неё взять, ногами машет и хорошо. А я своим дипломом всех удивила и до сих пор горжусь своей защитой!

— А на какую тему был диплом?

Интеграция современной хореографии в классическом балете. Но т.к это Марийский университет, назвали просто «современный танец в классическом балете».

— Ты много лет в театре (сколько, кстати?). Изменилось ли каким-то образом твоё отношение к профессии, к театру, к себе за это время?

Следующий сезон будет десятым — юбилейным! Я меняюсь каждый день! Надеюсь, в лучшую сторону. Очень интересно, что коллектив, в котором я работаю, растёт и взрослеет вместе со мной. Какой был состав 7-8 лет назад, такой он и сейчас с небольшими изменениями. И когда я смотрю на ребят, которые заканчивали училище раньше меня, я все ещё вижу в них тех двадцатилетних студентов, и иногда не укладывается в голове, что им скоро 30! Да и мне уже не 18:) Могу сказать, что изменилось всё и в то же время ничего.

С каким придыханием я раньше выходила на сцену, с таким же выхожу и сейчас, только с большей ответственностью.

Сейчас, когда я уже имею кучу наград, званий и даже стала примой нашего театра, я все ещё Катя Байбаева, которую ругают за лишний вес, за плохие оценки, за отсутствие «чистоты» в ногах.

— Как ты относишься к другим видам танца, к модерну, к современным, контемпу и так далее? Пробовала себя в них? Есть ли желание их тоже практиковать?

Я классичка до мозга костей! Пробовала, работала с разными современными хореографами, которые ставили мне номера для конкурсов. Могу сказать одно: я не умею танцевать контемп, я слишком зажата в рамках классики. Не могу сказать, что я разбираюсь в современной хореографии, тем более что в наше время её очень много. Ориентируюсь на восприятие «понравилось или нет». Хотя многие большие полотна можно рассмотреть только с третьего или пятого раза. Например, у нас есть балет «Мастер и Маргарита» в постановке потрясающей Май-Эстер Мурдма. Я его очень долго не понимала, с учётом книги, естественно (которую я, кстати, не люблю), но спустя пару лет я могу смело сказать: «Это шедевр»! Гениальная постановка и гениальный спектакль.

Мне гораздо легче скрутить 64 фуэте, чем выполнить какую-нибудь модерновую комбинацию на полу.

Я люблю Эйфмана, большая мечта станцевать его балет, как бы избито это ни звучало. Я работала с очень интересными хореографами, мы с ними в хороших отношениях, все номера современной хореографии, которые у меня есть, поставлены для меня. Но сколько сил мне пришлось приложить, чтобы станцевать их!

— Какие твои любимые классические партии? В каком образе ты получаешь на сцене максимальное удовольствие? Какая эстетика в спектакле тебе ближе: сказочная, современная, 19, 18 века?

Я люблю каждую свою героиню. С каждой меня что-то связывает. Могу выделить те партии, которые действительно в кайф танцевать. Это Уличная танцовщица в Дон Кихоте, Эгина в Спартаке, Кармен. Очень скучаю по Гамзатти в Баядерке, давно не танцевала Мирту в Жизели. Видно, что я люблю красивых, властных, сексуальных героинь. Я себя совершенно не вижу принцессой а-ля Аврора в Спящей Красавице, Машу в Щелкунчике воспринимаю только благодаря количеству мизансцен, ну и по сути Маша принцессой танцует только па-де-де в конце второго акта. Не люблю страдать на сцене, как, например, Никия в конце первого акта Баядерки, хотя именно с этим монологом я объездила все конкурсы в этом сезоне. Но все-таки я мечтаю станцевать Жизель и Джульетту, хотя умирать на сцене, задеть за живое чувства зрителей очень трудно. Я сама очень давно не впечатлялась чьей-то игрой. Но для себя я поняла, я могу танцевать всё, что угодно, лишь бы дали поиграть на сцене. Колоссальное удовольствие мне принесла Лиза в Тщетной Предосторожности. Это я! Взбалмошная, вредная, но при этом чуткая и любящая девочка. Могу сказать, что мне повезло, я танцую на внутренних ощущениях, все мои спектакли разные. Например, Кармен, которую я в Мексике в том году станцевала больше 20-ти раз, каждый день была разная, но разная правильно, не отходя от канонов и стиля. Вообще у меня очень много партий, которые я бы хотела исполнить, и не все они ведущие.

С Кармен у меня было больше всего внутренних проблем, я никак не могла разобраться с образом, сочиняла, меняла, пробовала, думала. А ответ лежал на поверхности, мне просто надо было поддаться воле эмоций, музыке и хореографии!

— Есть ли у тебя особенное отношение к сцене или это просто рабочее пространство? Соблюдаются какие-нибудь ритуалы, связанные с профессией? Положить пуанты под подушку, обнять кота перед спектаклем?

Ритуалов нет. Кот всегда со мной, когда я делаю диадемы для спектаклей. Постучать по полу три раза перед выходом — это ерунда. Я проверяла, стучи — не стучи, от этого ты танцевать лучше не станешь, да и уверенности больше не становится. Что я действительно всегда делаю перед спектаклями, так это молча собираюсь, но это не ритуал, а скорее внутреннее напряжение.

Тысячу раз проверенно: если много ржать и говорить перед выходом на сцену, то где-нибудь обязательно накосячишь.

— Кто был твоим учителем, в прямом и переносном смысле? Преподаватели, звёзды балета, писатели...? Кто повлиял на твоё становление, мировоззрение?

У меня много учителей, можно сказать, все, с кем я общаюсь. Мой балетный педагог Иванов Константин Анатольевич, моя мама, мои друзья, все прочитанные мной книги, все сериалы и фильмы, коллеги по работе, все балерины, кого я когда-либо встречала или смотрела. Всё меня может чему-то научить, главное — не проворонить такую возможность. Даже мой кот учит меня спокойствию.

— Какая у тебя самая любимая публика, важна ли она для тебя? Ваш театр много гастролирует, в каких странах публика приятнее?

Любимой публики нет, я уверена, что качество аплодисментов зависит только от нас, потому что и дома могут помидорами забросать. Я везде люблю танцевать, не могу сказать, что в Мексике зрители лучше, чем в Китае.

— А где тебе приятней по ощущениям, по климату, есть любимая страна?

У меня очень мало действительно любимых вещей. У меня слишком сильно всё зависит от настроения.

Вот сейчас я совершенно не прочь оказаться на берегу Тихого океана где-нибудь в Акапулько, желательно с огромной Маргаритой в руках. Но когда я нахожусь там, я мечтаю о серости и промозглости Питера. А в Питере хочется поскорее на пикник где-нибудь в марийском лесу. Хорошо там, где нас нет.

— Чем ты себя занимаешь в дороге, во время длинных переездов? На что тратишь свободное время?

В дороге я обычно читаю или сплю. Дома хожу в спортзал, встречаюсь с друзьями, мы постоянно посещаем разные квесты, квизы и всегда играем во что-нибудь настольное. Я люблю поесть, если очень много работы и большой загруз в театре, то в свободное время я сплю дома. Опять же всё зависит от настроения. Вот сейчас я на больничном из-за травмы. Так сложилось, что приехав с гастролей, я затеяла огромный ремонт в своей квартире, поменяла всё, от пола до потолков. Поэтому в первую неделю травмы я спала по 5-6 часов в сутки, днём носилась по строительным магазинам, вечером тусовалась с друзьями, которые недавно приехали из двухмесячного пребывания в Таиланде. И вот сейчас ремонт закончен, я не выхожу из квартиры, ем, сплю, читаю и стараюсь силой мысли побыстрее вылечить свою икру, потому что безумно скучаю по работе.

— Всегда ли у тебя была нацеленность на движение вперёд? Это обычно не свойственно молодёжи. В чём секрет? Как вдохновить людей на развитие, на действия? Большинство ищет какую-то мотивацию...

У меня тоже бывает амёбное состояние или, как я говорю, энергосберегающий режим. Видимо да, я всегда стремилась вперёд, я и по сей день стараюсь быть не лучше кого-то, а лучше себя. И никак иначе. А проблема современного мира — это утопичная тема. В мире цинизма и эгоизма тянуть свой зад из болота надо самостоятельно. Никто ничего не сделает за тебя. Поиск мотивации — это пустые ленивые отговорки. Ты либо делаешь, либо не ноешь и довольствуешься тем, что у тебя есть.

Я почти не знаю знаменитых людей, которые добились чего-то нытьём. Все молчат и впахивают. Вот и весь секрет.

— Как ты избегаешь конфликтов, находясь постоянно в коллективе? Бывали ли минуты, когда хотелось по-настоящему всё бросить?

Я постоянно хочу бросить балет, серьёзно! Особенно на длительных гастролях, когда утром твоё тело будто всю ночь были палками, в такие моменты я думаю: «Всё, ухожу»! А потом понимаю, что даже рыбой на рынок меня не возьмут торговать, потому что там нужна какая-то санитарная книжка:) Бывает, но это всего лишь порыв эмоций. Я человек неконфликтный, я миротворец, пытаюсь всё всегда уравновесить с болезненным чувством справедливости. Я не люблю спорить и кричать, это слишком меня выбивает из состояния равновесия. В театре не обходится без конфликтов, будет нечестно сказать обратное. Но, как и во всех коллективах, это лишь сплетни в кулуарах и шушуканье за дверями. Поэтому всерьёз я это не воспринимаю, к тому же у меня есть чёткая грань между сценой, зрителем, спектаклем и ежедневной работой в балетных залах, которые все пропитаны болью, потом, слезами, кровью, ненавистью, завистью и сплетнями. Почти Стивен Кинг, ужастик:)

— Что тебе не нравится, раздражает, в современном мире? Что бы ты исправила, если бы могла?

Человеческая глупость! Я очень часто задаюсь вопросом, зачем многие люди творят какой-то бред. Хотя я прекрасно понимаю, что я для этих людей тоже несусветная тупица:) Но менять в мире я ничего бы не стала, сейчас происходит всё то, что мы, видимо, заслуживаем, к сожалению. Всякие естественные отборы никто не отменял. Хотя я бы пожелала людям быть добрее. И себе тоже. Мы стали слишком злые в погоне за своим куском мяса, это грустно. Самое главное — иметь внутри состояние счастья, у меня оно есть, и я изо всех сил стараюсь поделиться им с окружающими. Всё остальное тщетно, всё равно будет так, как будет. Но я не говорю о том, что надо сложить руки и ждать, когда счастье придёт, нет. Это такая же работа, как и строить поезда, трудная и непонятная.

— В чем особенности культуры Йошкар-Олы? Есть ли традиции, которые вы соблюдаете?

Конечно. Йошкар-Ола — столица республики Марий Эл, здесь все своё: много праздников, национальная кухня, обряды, традиции, опера и балет, свой язык. Есть праздник Пеледыш Пайрем (праздник цветов), есть очень интересные театральные фестивали, например «Йошкар-Ола Театральная». В нашем городе очень много театров на такое маленькое количество населения: два драматических, один русский, один марийский, оперы и балета, кукольный, ТЮЗ . И раз в год проводится этакий Оскар среди театров: приезжают критики и целую неделю смотрят и обсуждают премьерные работы всех театров. Не могу не похвастаться, но последние лет 6-7 гран-при достаётся балету! Мы действительно выставляем такие мощные спектакли, что даже поспорить не с чем. В этом году представляем Чиполлино, надеюсь, нам повезёт. А ещё есть фестиваль балетного искусства имени Галины Сергеевны Улановой, недельный марафон из лучших балетных спектаклей с участием приглашённых звёзд.

— Напоследок философский вопрос: что такое русский балет?

Это душа.

=======================================================

Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18363
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Май 27, 2017 11:44 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017033211
Тема| Балет, Большой театр Республики Беларусь, Персоналии, Екатерина Олейник
Автор| Жанна КОТЛЯРОВА, фото Оксаны МАНЧУК
Заголовок| РЕПОРТАЖ: Балет - это жизнь, или История примы белорусского балета
Где опубликовано| © БЕЛТА
Дата публикации| 2017-03-08
Ссылка| http://www.belta.by/culture/view/reportazh-balet-eto-zhizn-ili-istorija-primy-belorusskogo-baleta-236608-2017/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

История примы белорусского балета Екатерины Олейник вписывается в стандарты представления, как зажигаются звезды. В хореографическое училище десятилетнюю девочку привела мама - пример, когда родители реализуют свою детскую мечту. Годы спустя талантливую студентку рассмотрел на конкурсе в Варне в Болгарии гуру белорусского балета Валентин Елизарьев. И пригласил юное дарование в 2007 году сразу в солистки балетной труппы Большого театра. Сегодня Екатерина Олейник выступает на подмостках Национального академического Большого театра оперы и балета Беларуси, а также как приглашенная артистка на эстонской балетной сцене. По просьбе корреспондентов БЕЛТА красавица балерина рассказала о слагаемых будней.

Будильник у Екатерины звонит в 7.40. После легкого завтрака артистка спешит в театр - в 10.00 обычно классы. Каждый день складывается по-разному, но традиционно после вечернего спектакля дома удается оказаться к 23.00. День балерины ненормированный и строить планы, к сожалению, не получается, сетует Екатерина.



При этом артистка сумела получить два высших образования, множество наград международных конкурсов балетного искусства, проходивших в различных странах, поработать в Америке и Эстонии. Вопрос "Как?" возникает сам собой.

Екатерина признается, что очень дисциплинированна и чувствует себя комфортно, когда может планировать свою жизнь хотя бы на неделю вперед. Кроме того, обожая балет и театр, артистка считает, что нельзя зацикливаться только на этом. Век танцовщика балета столь короток, что нужно искать возможности для реализации в иных областях, поясняет она. Девушка закончила Белорусский государственный университет культуры и искусств, кафедру "компаративное искусствоведение", а позже Институт менеджмента и технологий БГУ по специальности "бизнес-администрирование, менеджер-экономист". Мало того, Екатерина изучает иностранные языки, считая, что современному молодому человеку без таких знаний нельзя.

"Балет формирует характер, закаляет его. Балет - это строгая дисциплина, контроль над собой, над своими желаниями, усталостью, преодоление себя. Я совершенно не представляю, какой могла быть моя жизнь без балета, но знаю наверняка, что стремилась бы как можно больше узнать, сделать. Мне все время мало, как бы занята я ни была, и отсюда желание делать что-то еще. Вот и сейчас я в поиске нового увлечения", - улыбнулась танцовщица.

О своих партиях Екатерина отзывается деликатно. Они все хороши и интересны, но есть еще несколько, которые бы хотела танцевать. Например, Татьяну в "Евгении Онегине", Манон, Кармен. Это интересные драматические роли. Быть же танцовщицей одной роли, а в унисон сегодня все твердят об исполнительской вершине Екатерины Олейник-Китри в "Дон Кихоте", балерина не согласна. "Хочу реализоваться как многоплановая артистка", - говорит Екатерина.

Жажда максимальной реализации толкает Екатерину пробовать себя на сценах иных театров. Приглашение работать в Вашингтонском балете она приняла колеблясь лишь потому, что одновременно было два предложения от разных театров. Сезон 2014-2015 девушка провела в Америке, где танцевала иной репертуар, нежели на родной сцене.

"В Америке предпочтение отдают стилю "контемпорари". Мы танцевали классику - "Жизель" и "Щелкунчик", но все же джаз-балет, балет на музыку "Битлз" или "Роллинг Стоунз", а также танец на современную музыку там превалирует в репертуаре. Считается, что классический артист готов к любой хореографии, но поскольку у меня не было достаточного опыта в стиле "контемпорари", немного больше трудилась, чем мои коллеги. Я все же скучала по нашей сцене, нашему репертуару, меня тянуло на родину. Потому решила вернуться работать домой и сотрудничать с европейскими театрами. Сейчас выступаю как приглашенная артистка в Национальном театре "Эстония", где много классики и репертуар близок к репертуару белорусского театра. Начала сотрудничать со старейшим оперным театром Европы "Сан-Карло" в Неаполе. Наш первый проект состоялся в конце прошлого года, а следующий планируется в апреле. Но время все меняет, возможно, будь я сегодня в Вашингтоне, сделала бы другой выбор", - поделилась Екатерина.

За рассказом незаметно подошло время репетиции, и Екатерина осталась в гримерке готовиться. Здесь приходится проводить немало времени, поэтому в ней по-домашнему. Уюта добавляют многочисленные мягкие игрушки. Их артистке дарят, все они оседают в гримерке: от большого голубого кота до маленького розового зайчонка в балетной пачке.

А пока в репетиционном зале собираются коллеги примы белорусского балета, расспрашиваем ее об интересах вне сцены. Выясняем, что девушка следит за новинками кино и предпочитает просмотр позитивных фильмов в кинотеатрах, а что касается книг, то выбор падает на художественную литературу, современную прозу и издания по психологии. "Считается, что знание психологии - очень важно для развития личности артиста, для его становления. И чтобы создать образ и донести его зрителям, нужно быть хорошим психологом", - пояснила Екатерина. Отдельное удовольствие - встречи с друзьями. Как правило, это недолгие, но дорогие сердцу посиделки с разговорами отнюдь не на околотеатральные темы за чашечкой кофе. "Будучи в последние три года часто в отъезде, такие встречи особенно ценю, потому что получаю огромное удовольствие от человеческого общения", - рассказала Екатерина.

Кстати, о кофе. Екатерина ни в чем себе не отказывает, но… Если хочется сладкого или мучного, позволяет съесть немного в первой половине дня. В результате и удовольствие получено и не нужно беспокоиться о том, как бороться с последствиями своей слабости. А обычно балерина старается питаться сбалансированно, кушать фрукты, овощи, мясо и творог, хотя порой в напряженные дни обходится шоколадкой.

Интересуемся, насколько удобна такая обувь, как пуанты. Вместо ответа Екатерина встает на носочки - для балерины удобна. Любопытно, что в зарубежных театрах пуанты с автографами танцовщиков можно купить. Иногда Екатерину просят о таком подарке. Минувшей зимой, например, в Неаполе после спектакля мастер, который превращает пуанты в произведение искусства, расшивая их различным образом, с согласия белорусской примы унес пару для художественных целей.

Когда в репетиционном зале собираются артисты балета, так и хочется воскликнуть: "Ба, знакомые все лица!" Вот Такатоши Мачияма из Японии, который быстро расположил к себе белорусского зрителя.

И Константин Кузнецов. Народный артист Беларуси, между прочим

Екатерина Олейник за свой особенный почерк и невыразимую грацию не единожды была вознаграждена, побеждая в международных конкурсах. Дух соревнования девушке столь привычен, что, выходя на сцену в обычном спектакле, она не испытывает волнения: "На конкурсе ты имеешь лишь один шанс показать все, на что способен, и поэтому важно быть спокойным. Именно конкурсам я обязана своей собранностью. Но даже танцуя партию в 101 раз, ты должен сделать это как в первый - столь же ярко и красиво". Жанна КОТЛЯРОВА, фото Оксаны МАНЧУК,


=============================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18363
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Июн 04, 2017 10:34 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017033212
Тема| Балет, Музыкальный театр Карелии, Премьера, Персоналии, Кирилл Симонов
Автор| Наталия Гродницкая
Заголовок| Лучший балет всех времён
О премьере балета «Лебединое озеро» в постановке Кирилла Симонова в Музыкальном театре Карелии

Где опубликовано| © «Лицей»
Дата публикации| 2017-03-15
Ссылка| https://gazeta-licey.ru/culture/55654-luchshiy-balet-vseh-vremyon
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



«Я ставлю «Лебединое озеро» как истинно классический спектакль, стараясь показать его зрителям в максимально достоверной с исторической точки зрения редакции, используя всю сохранившуюся хореографию Мариуса Петипа и Льва Иванова. Но мы поместили ее в другой визуальный контекст: в современные декорации с отсылом к старинному театру, с почти прозрачной, монохромной архитектурной живописью и при этом – с историческими костюмами. Такое сочетание классики в рисунке партий, в образах персонажей со свежим сценографическим решением позволяет по-новому взглянуть на всем известный балет и раскрыть его внутреннее содержание, подсказываемое прежде всего великой музыкой Чайковского».


Так предельно ясно сформулировал свою творческую задачу художник-постановщик, заслуженный деятель искусств Карелии Кирилл Симонов и блестяще воплотил ее в жизнь. Многолетняя работа балетмейстера в нашем, и не только в нашем, театре раскрыла его многогранный талант, способный удивлять зрителей в самых разных направлениях современной хореографии – от традиционных постановок до новейших веяний. Балетный вечер, созданный Симоновым в рамках юбилейных торжеств театра в 2016 году, и новая (уже не первая) постановка «Лебединого озера», лучшего балета всех времен, показали, что Симонов находится в расцвете своих профессиональных возможностей и позволяет надеяться, что движение к высотам будет иметь продолжение в будущем.

Как всякий пытливый художник, возвращаясь к уже созданным в минувшие годы решениям, он продолжает искать и находить то, что заложено в великой музыке Чайковского. Она открывает перед балетмейстером все новые и новые грани, стоит только внимательно вслушаться в нее, ведь в ней заложены композитором все посылы для исполнителей. Но мы знаем, как вольно, мягко говоря, режиссеры творят самый настоящий произвол, особенно в наше время, искажая порой до неузнаваемости первоисточник. Более того, как справедливо констатирует Симонов, «популярность в данном случае сослужила балету недобрую службу: утрачена часть хореографии, смешались разные редакции, даже музыка исполняется с множеством купюр…». И потому он выбрал другой путь, проделав большую предварительную работу по восстановлению утраченного как в музыке, так и в хореографии, стараясь сохранить подлинность авторского замысла, не став однако рабом замысла собственного.

Спектакль получился гармоничным, чувствуется, что все его создатели единомышленники. Предельно скупое, но при этом чрезвычайно выразительное оформление сцены, решенное художником-постановщиком, лауреатом национальной премии «Золотая маска» Эмилем Капелюшем, в соединении со световым оформлением – лауреат-«золотомасочник» Александр Мустонен – рождает необходимое, порой резко контрастное в зависимости от происходящих на сцене событий, настроение. Очень хороша работа художника по костюмам Ирины Коровиной. Стильные, созданные с определенной долей изысканности, красочные, они радуют глаз и вносят свой очень важный для балета штрих, где все должно олицетворять красоту.

Особой благодарности заслуживает оркестр во главе с Анатолием Рыбалко. Музыка «Лебединого озера» – ярчайшая симфоническая партитура и по сравнению с двумя более поздними балетами – «Щелкунчиком» и «Спящей красавицей», – пожалуй, отличается наибольшим богатством и мелодическими красотами. Возможно, такое суждение субъективно, но здесь почти нет проходных эпизодов, и именно музыка подсказывает соответствующее образное и хореографическое решение. При том, что без полнокровности оркестрового звучания не может обойтись, с одной стороны, трагедийный смысл произведения, с другой – яркая, темпераментная стихия массовых танцев, партитура изобилует солирующими тембрами. И артисты оркестра во главе с концертмейстером Людмилой Ельковой не подводят маэстро.

Нельзя не порадоваться тому, как выглядит кордебалет. Он кардинально изменился за годы работы в театре Кирилла Симонова. И, конечно, этому поспособствовали и педагоги-репетиторы, вложившие в работу над спектаклем свою энергию, бесконечное терпение и мастерство: Екатерина Ковалева, заслуженная артистка Карелии Алевтина Мухортикова, Елена Сагындыкова, заслуженный работник Карелии Алексей Зарицкий и Вадим Харитонов. Честь им и хвала. Хоть не всегда ножки у девушек-лебедей поднимаются в одну линеечку, но это такие мелочи, которые вполне исправимы, к тому же они могут быть объяснены премьерным напряжением и волнением.

Классический балет немыслим без ярких солистов, и в «Лебедином озере» это прежде всего исполнительницы двух партий – Одетты и Одиллии. В легенде, по мотивам которой создавался балет, главная героиня Одетта, прекрасная принцесса, заколдована чародеем Ротбартом и превращена в белого лебедя, которого освободит от заклятия только верная любовь. Встреча с принцем Зигфридом, дающим клятву верности, обещает победу над чарами злодея. Но Ротбарт не может допустить собственного фиаско и на бал, где Зигфрид должен выбрать себе невесту, приводит собственную дочь, которая поражает принца своей красотой и сходством с Одеттой. Его выбор сделан. Ротбарт соединяет руки молодых. И только появление видения Одетты напоминает принцу о данной ей клятве.

В многочисленных метаморфозах балета постановщики превращали Одиллию в черного лебедя, поскольку на балу она появилась в черном платье и под властью Ротбарта была олицетворением зла. По сути, в образах двух лебедей воплощалась типично сказочная дилемма добра и зла, любви и коварства. Но она не обязательно является атрибутом только сказок и романтических легенд. Как часто в реальной жизни идеальная любовь оборачивается впоследствии своей противоположностью…

Симонов напоминает, что изначально в балете не было черного лебедя, что Одиллия – просто дочь Ротбарта. Понятно, что именно психология реальности волновала балетмейстера в реализации замысла. Он совершенно замечательно показал эту психологическую амбивалентность в сцене, когда Одиллию подменяет Одетта – истинная возлюбленная принца. Сходство девушек в сценической истории балета породило редкую практику исполнения партий обеих героинь одной танцовщицей. Это трудно, не каждая может справиться с двойной нагрузкой. Да и полярная разность темпераментов героинь не всегда может это позволить. Но Симонов использовал эту возможность, и в спектакле, прошедшем 4 марта, Юки Окоти блестяще справилась с этой двойственностью. Одетта и Одиллия в ее исполнении трактованы такими, какими они и должны быть в музыкальной драме Чайковского. Исполнение Юки – ее несомненный заслуженный успех.


Одетта — Юки Окоти, Зигфрид — Мотоя Араки. Фото Юлии Утышевой

Все три сольные мужские партии – Зигфрида, его друга и Ротбарта – исполнили соответственно Мотоя Араки, Такахиро Цубо и Иван Азанов. Каждый по-своему хорош в своей роли, но, конечно, приоритет следует отдать Мотоя Араки. Его стать и редкостная прыжковость демонстрируют большие возможности и надежды на дальнейший рост к вершинам мастерства.

Успешного вам плавания в «Лебедином озере», создатели и участники этого замечательного спектакля!

===================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18363
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Июн 05, 2017 12:02 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017033213
Тема| Балет, , Персоналии, ИВАН ПУТРОВ
Автор| Записал: Юрий Амосов. / Фото: Ольга Дегтяренко
Заголовок| MЕN IN MOTION. ИВАН ПУТРОВ
Где опубликовано| © L’OFFICIEL HOMMES
Дата публикации| 2017-03-29
Ссылка| http://officiel-online.com/hommes/hero/man-in-motion-ivan-putrov/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Что такое балетный театр? Правда ли, что наши танцоры самые лучшие в мире? Как мужчина в балете превратился из «подставки» в главного героя сцены. Обо всем этом мы поговорили с известным нам и всему миру балетным артистом Иваном Путровым, чей обновленный хореографический проект Men in Motion пройдет в Национальной опере Украины 22 и 23 апреля.



«Когда ребенок растет в определённой среде, для него этот мир кажется единственным из возможных. Я рос в театре. Родители танцевали, все вокруг танцевали, играли на музыкальных инструментах, пели. И для меня это был единственный мир».

«Думал ли я о другой профессии для себя? Конечно, думал, но это были скорее детские мечты. Танцевать я начал в десять лет. Насколько осознанным был выбор моей профессии — это спорный вопрос. В тот момент мама уговорила меня, что стоит пойти в хореографическое училище. Я согласился при условии, что не буду выходить на сцену. Но когда я первый раз вышел к зрителю, мне это очень понравилось. Кураж. Ощущение. Танец. Живое представление. Адреналин. Собственно, так все и осталось до сегодняшнего дня. Каждый раз я, как маленький ребенок, радуюсь выходу на сцену».

«Я думаю, искусство танца – достаточно трагическое искусство. В танце мы не воспринимаем как явь правила природы. Танцуя, каждый раз мы боремся с гравитацией, как будто ее не существует. Мы пытаемся бороться с тем, что победить невозможно, и делаем это с полной верой в победу. Все хореографы и танцовщики пытаются достичь какой-то божественной силы, чтобы у нас была возможность не обращать внимание на законы природы. Так как это невозможно, мы каждый раз проигрываем, и каждый раз происходит одна и та же трагедия. Это наш секрет, который, не находясь внутри процесса, никто не узнает».

«Когда я первый раз приехал в Лондон, практически не знал английский язык. Но это относительно быстро закончилось. Я больше общался с англичанами и американцами, ребят из стран бывшего Советского Союза практически не было. В какой- то степени мне повезло. Язык я выучил быстро».

«Придет кто-то на спектакль или нет — я все равно буду танцевать. Премьер я или не премьер — мне нравится танцевать. Когда ты становишься премьером, это влияет лишь на возможность выбирать тот репертуар, который тебе нравится. Я очень рад, что практически весь репертуар в Лондонском Королевском балете я станцевал».

«Что дальше? Могу рассказать только на собственном примере. У меня есть друзья Нил и Крис, поп-дуэт Pet Shop Boys. В 2005 году прошла премьера отреставрированного фильма Эйзенштейна «Броненосец «Потемкин», они написали музыку к нему. Я всегда был их фанатом. Но меня настолько поразило, что они написали партитуру на пятьдесят инструментов и каждый персонаж картины был наполнен развитием. Для меня это была фантастика. В том же году я предложил Нику и Крису сделать совместную работу. Создать новый балет. На тот момент в Королевском балете не ставился полнометражный новый балет на протяжении более двадцати лет. Ставились одноактные балеты, не более. И вот, с 2005 года я начал работу над новой постановкой, которая в 2011 году воплотилась в трехактный балет под названием The Most Incredible Thing по мотивам одноименной сказки Андерсена».

«Танец – это постоянное развитие».

«Взять, например, одного из танцоров относительно нового времени, Вацлава Нижинского. Проект Men in Motion рассказывает именно об этом времени. Времени, когда роль мужчины в танце изменилась. Вацлаву тоже было мало только танца, он хотел сделать что-то новое, вовлечь новых авангардных художников и музыкантов. Ему не хватало тех рамок балета, в которых он пребывал на тот момент. Нижинский, скорее всего, научился этому у Дягилева. И он начал для себя эти рамки расширять. Точно так же, я думаю, и Рудольф Нуриев, и Михаил Барышников, и Александр Годунов, они не ушли из балета, танец для них остался главным, они начали расширять свой мир, и это совершенно естественно. Мне, например, интересны и драматические спектакли, и опера, и музыкальные произведения. Меня поражает, когда люди перестают развиваться, когда они нашли себя и на том же месте застыли».

«Есть и другая сторона. Это ежедневные тренировки, ведь тело – наш инструмент, и мы должны его поддерживать в тонусе. Это очень тяжелый, кропотливый труд, для которого нужна дисциплина. Он надоедает, и хочется как-то отвлечься. Хочется себя обмануть, как будто ты занимаешься чем-то другим. Точно так же, как и спортсмены. Вы думаете, очень интересно заниматься восемь часов в зале? Это очень скучно. Но осознавая, что без этого ты не сможешь воплотить свою мечту: выйти на сцену и станцевать свой максимум, — ты делаешь это».

«Любимая партия номер один — это то, что я в данный момент танцую. Я всегда люблю то, над чем работаю».

Men in Motion – это концепция, и, можно сказать, я курирую этот вечер. В нем я пытаюсь показать ретроспективу развития мужского танца в постромантический период балетного театра. Романтический период охарактеризован строгой иерархией, где самой главной драгоценностью являлась балерина-женщина. Все остальные составляющие были дополнительными. Включая танцора-мужчину, который помогает представить эту жемчужину. Весь мир в начале ХХ столетия очень быстро и непредсказуемо менялся. Женщина получила право на голос, и это абсолютно правильно. Изменилось понятие социума. А в балете мужчина получил право быть центром внимания. Это не значит, что он стал лучше женщины. Мы просто стали равными. Именно об этом я пытаюсь рассказать в проекте Men in Motion: сто лет истории балета за сто минут. Конечно, все рассказать невозможно, тем не менее я выбираю какие-то знаковые вещи. Например, будет показана работа начала ХХ века «Видение розы». Это очень знаковый балет. В нем киевлянин Вацлав Нижинский изменил весь мир. Всегда по традиции балерина выходит на поклон первой, но его партнёрша Тамара Карсавина, увидев реакцию публики, выпустила первым Нижинского».

«Вещи, которые сейчас считаются естественными, когда-то были шокирующими. Их я и показываю в своей программе».

«Так как Men in Motion – это концепция, то программа каждый год изменяется. Каждый раз я могу выбрать разные, важные для меня балеты и показать их публике. Через программу проекта Men in Motion я делюсь тем, что я люблю, что меня захватило. И тем, что важно в развитии мужского танца».

«Я не считаю верным утверждение, что лучшие балетные артисты – это выходцы из стран бывшего Советского Союза. Мне кажется, нам очень долго рассказывали, что все лучшее было придумано именно советским человеком и все лучшее находится здесь. А ведь балет существовал намного раньше. Порыв к танцу присутствует во всех культурах и у всех народов. Сказать, что наши ребята лучше всех? Конечно, об этом можно везде говорить и писать, но от этого никто не станет лучше танцевать. Очень много прекрасных танцоров из Европы, из Латинской Америки — вообще отовсюду. Но также верно и то, что в Киеве очень сильная школа классического танца. Многие европейские театры полны выходцев из нашей страны. Этим можно гордиться. У украинцев эмоциональность в крови, и танец нам даётся проще, чем многим другим».

«Помню, когда в Королевской опере я танцевал в день сто первого дня рождения королевы-матери. Это было потрясающе: с раннего утра у дворца уже собирались люди и она их приветствовала. В честь нее организовали вечер в Королевской опере, королева-мать очень любила балет. После окончания спектакля, где-то в одиннадцать часов вечера, пригласили десять артистов подняться к ней в ложу. Она всех поприветствовала и с каждым поговорила. Меня представили ей как Ивана, солиста родом из Киева. Мы поговорили про Киев. Она рассказала, что у нее есть пару друзей из нашего города. Я был совершенно потрясён».

«Когда-то перед спектаклем в Мексике у меня случилась травма и я не смог выйти на сцену. Но пришел на выступление и сидел в зрительном зале. В момент, когда объявили, что Иван Путров сегодня танцевать не будет, раздался крик женщины. Никто не понял, что произошло. Ее увезла скорая. Позже оказалось, что она была беременна и от шока у нее отошли воды. Она родила сына, которого назвали Иваном».

«Классическое искусство, классический балет нужно заново воссоздавать, оживлять, нужно проживать это. И когда на сцене видят артистов, которые не просто исполняют движения, а создают что-то новое – спектакли начинают оживать».

=====================================

Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18363
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Июн 12, 2017 12:27 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017033214
Тема| Балет, Новосибирский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Эдвард Клюг
Автор| Марина ШАБАНОВА
Заголовок| Прощение Гюнта
Где опубликовано| © "Ведомости (Новосибирск) НОМЕР 14(1542)
Дата публикации| 2017-03-22
Ссылка| http://xn--b1aecnthebc1acj.xn--p1ai/%D0%9F%D1%80%D0%BE%D1%89%D0%B5%D0%BD%D0%B8%D0%B5-%D0%93%D1%8E%D0%BD%D1%82%D0%B0
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

В минувшие выходные на сцене оперного состоялась новаторская премьера балета «Пер Гюнт».



Хореограф из Словении Эдвард Клюг поставил «новую пластическую драму» на музыку Эдварда Грига. По его признанию, акцент сделан на том, чтобы достоверно показать историю во всех её красках. К слову сказать, предыдущая постановка балета «Пер Гюнт» на сцене НГАТОиБ была в 1983 году.

Год назад Клюг поставил этот балет на сцене Словенского национального театра Марибора, труппу которого возглавляет с 2003 года, заглавную роль исполнил Денис Матвиенко, нынешний худрук балетной труппы НОВАТа.

Драматическая поэма Генрика Ибсена «Пер Гюнт» была написана в 1866 году, через девять лет композитор Эдвард Григ написал к ней музыку, которая сделала его по-настоящему знаменитым. Главный герой — авантюрный, амбициозный персонаж с пороками и слабостями обычного человека, но при этом наделённый воображением поэта, живёт в мире фантастических существ — то ли норвежского фольклора, то ли собственного подсознания. К примеру, Олень (Михаил Лифенцев), о котором он рассказывает матери в самом начале пьесы Ибсена, у Эдварда Клюга появляется на протяжении всего действа, становясь своего рода ангелом-хранителем Пер Гюнта, а то и вовсе его альтер эго. В балете нет Пуговичника, которого Гюнт встречает у Ибсена, зато есть персонаж Смерть, то спасающий героя, то толкающий его на новые авантюры.

Самое сложное в этой постановке, по признанию Дениса Матвиенко, было вести себя на сцене естественно. Для него самого эта роль значит многое. Он признался, что накануне несколько дней спал не больше двух часов — «всё время звучала музыка» и не отпускали мысли о работе.
— Этот спектакль сложен тем, что он выматывает, все эмоции наружу. Мы не играем — мы живём. На двадцать первом сезоне у меня есть возможность прожить эту историю. Она перекликается с моей жизнью — постоянные путешествия, поиски, иногда не замечаешь чего-то важного, что есть рядом, — поясняет Денис Матвиенко, единственный в мире обладатель четырёх Гран-при международных конкурсов артис­тов балета. — Балет поставлен в тренде мировой современной хореографии. Его не нужно сравнивать с классическим танцем — это то, как мы, танцовщики, чувствуем, как сегодня двигаются люди, как воспринимает современный зритель. В классическом балете мы привыкли к рамкам, здесь нет ни рамок, ни границ. Позволяется всё — главное, чтобы это выглядело естественно.

Роль Пер Гюнта исполняют также Роман Полковников и Николай Мальцев. Из всей партии можно выделить сцены с матерью Осе — эмоционально насыщенные, проникновенные и драматически выстроенные. Одна из самых сильных и сложных сцен — в сумасшедшем доме, где происходит «коронование» героя. Она поставлена на музыку не менее известного Концерта для фортепиано с оркестром ля минор и другими фрагментами произведений Эдварда Грига. Надо сказать, музыкальная часть спектакля звучит на очень высоком уровне. Спасибо музыкальному руководителю и дирижёру спектакля — Карену Дургаряну! И этот контраст между высокой музыкой и аскетичной, принципиально «приземлённой» постановкой также спланирован словенским хореографом.

Сценография в поддержку сюжета построена по кругу: Пер Гюнт хочет бежать из деревни, но снова и снова возвращается, совершая один проступок за другим до тех пор, пока назад уже просто нет дороги. Жаждущий богатства и славы герой попадает в царство Короля троллей, чуть было не становится его зятем, примиряя на себя жизненный принцип троллей «будь доволен собой». И только самоирония помогает ему справиться с абсурдностью существования.
— Пер Гюнт покидает деревню, чтобы увидеть мир и стать королём, но становится жертвой своих амбиций, и сегодня в нашем мире есть такие персонажи, — говорит Эдвард Клюг.

Герой возвращается в родную деревню глубоким стариком, и даже там он не сразу видит ту, которая ждала его всю жизнь. Возвращаясь к Сольвейг, он возвращается к самому себе, обретая наконец способность «быть собой», и в её любви получает прощение.

================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18363
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Июл 22, 2017 11:57 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2017033215
Тема| Балет, Тбилисский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Нино Самадашвили, Мариам Эло
Автор| Александра Князян
Заголовок| Жизнь на пуантах…
Где опубликовано| © Sova.News
Дата публикации| 2017-03-24
Ссылка| https://sova.news/2017/03/24/zhizn-na-puantah/
Аннотация|

09:45 на часах. Лучи весеннего солнца, пробиваясь через окна в балетный зал, ослепляют глаза балеринам. Мешают готовиться к предстоящему каждодневному хореографическому классу. Эти девушки – словно фарфоровые куклы, грациозные и женственные. Но их синхронные движения скрывают разные истории. И исполнение балеринами «Адажио» демонстрирует индивидуальность каждой из них.

Александра Князян заглянула в суровый мир самого хрупкого вида искусства.

И Нино Самадашвили, и Мариам Эло сначала занимались грузинскими национальными танцами и только потом оказались в балете. Поступив в хореографическое училище имени Чабукиани, они попали в один класс. Нино пришла туда по совету мамы. Та предлагала ей выбрать между балетом и фигурным катанием. И она сделала свой выбор, став в итоге солисткой Тбилисского театра оперы и балета. Для Мариам вопрос выбора не стоял. Она точно знала, чего хочет. Сегодня девушка – исполнительница ведущих партий.

Мариам Эло — балерина и драмер

В восемь лет она впервые ступила на сцену. Тогда Мариам училась в школе искусств имени Анастасии Вирсаладзе. Будучи ребенком, она не думала, что именно балет станет главным делом ее жизни. На сцене театра имени Грибоедова Мариам исполняла матросский танец «Яблочко» и небольшой отрывок вариации из балета Бизе «Дон-Кихот». Костюм последнего она сохранила; сегодня он кажется ей кукольным.

«То, что я в балете – это заслуга бабушки», — признается Мариам. В детстве она часто водила внучку на спектакли, исполняла ей либретто. И эти чудесные сказки манили девочку. В итоге в десять лет Мариам поступила в хореографическое училище. На вступительные экзамены опоздала; но второй, дополнительный, экзамен прошла с успехом. Сегодня она – исполнительница ведущих партий в главном театре оперы и балета страны.


Мариам Эло с партнером

Иногда репетиции длятся допоздна. А в преддверии премьерных спектаклей часто приходится работать без перерывов по 7-8 часов и забывать о друзьях, отдыхе и развлечениях.

«После репетиций у меня бывает одно желание – прийти домой и принять горизонтальное положение. А как только я лягу, так уже и встать не могу. Такое чувство, что я – в глубокой старости», — говорит Мариам. И, тем не менее, по признанию девушки, ей нравится эта жизнь. Но такая жизнь иногда наносит болезненные удары.

Исполнительнице ведущих партий как-то пришлось отказаться от гастролей в Европу. Грузинский классический балет отправлялся в Испанию с «Щелкунчиком». Но незадолго до отъезда во время репетиции, ранее травмированная и оперированная нога, заставила Мариам испытать адскую боль.

Поездка в Испанию сорвалась, но следующий шанс девушка не упустила. Фестиваль в Риге, куда танцевальную группу отправила художественный руководитель грузинского классического балета Нино Ананиашвили, стал одним из самых важных этапов жизни Мариам. Выступая с партнером, она заняла первое место за современный танец. Потом была еще одна поездка – в Данию. В городе Биарриц Датская школа балета проводила мастер-классы и практики для повышения квалификации танцоров.

Знаковым периодом в профессиональной жизни Мариам стал ноябрь 2016 года, когда она впервые исполнила сольную партию на сцене Тбилисского театра оперы и балета. В 2017-м Мариам уже выступала с мировой примой Нино Ананиашвили.

«Благодаря большой любви к искусству, думаю, я бы никогда не обошла его стороной, даже выбирая другую профессию», – говорит Мариам.

Творчеством она занимается не только на большой сцене. К примеру, увлекаясь с детства вязанием, она сумела превратить его в нечто больше, чем просто хобби. Мариам создала дизайнерскую линию – в основном это оригинальные сумки, топы и шарфы, и даже продала несколько своих работ.

Уже будучи профессиональной балериной, хрупкая девушка выбрала еще один вид искусства – решила стать драмером. В кратчайшие сроки она научилась игре на барабанах и даже демонстрировала свое умение в тбилисских барах.

Нино Самадашвили: а что я вообще потеряла в балете?

В школьные годы Нино ходила в кружок грузинских танцев. Изначально идея стать балериной девочку не очень привлекала. Но маме удалось завлечь дочь красивыми лентами, пуантами и балетной «пачкой». В балетной студии она попала к строгому педагогу, которого, как говорят, родители боялись не меньшей детей.

Одним из главных воспоминаний далекого детства для Нино стал первый выход на большую сцену. Маленькая девочка на большой сцене – так ей запомнились те минуты. И даже тогда ни о какой балетной карьере даже речи не шло. Но слова строгого педагога все изменили: «Если не ты, то кто другой?!».

Личная формула успеха для Нино – сказать себе: «Ты это можешь!». И доказывать это приходится не только себе, но и педагогу и зрителю. Сегодня, уже известной балерине и солистке театра, все равно не позволено расслабляться. Напротив, это другой уровень ответственности, признается девушка. Сейчас ее главная проблема – нехватка времени. «Моя бабушка говорила: пропуск двух дней тренировок равен трем большим шагам назад», – вспоминает Нино.

Но нескончаемые попытки «сделать лучше, чем на предыдущем спектакле» иногда дают сбой, и простить себе это профессиональной и успешной балерине – вдвойне сложней. Так, к примеру, когда Нино должна была впервые исполнить партию «Черного лебедя» из балета Чайковского «Лебединое озеро», ей показалось, что ничего не получится. Тогда она задалась вопросом: «а что я вообще потеряла в балете?!».


Нино Самадашвили

Страх потерять уверенность в себе – это часть психологической войны, подогреваемой физическими трудностями.

Нино вспоминает момент, когда она вывихнула палец ноги перед важным просмотром. После травмы она долгое время не могла работать на пуантах. Как-то ей приходилось с мозолями на пальцах и со слезами на глазах танцевать целые спектакли. «Это была «Жизель». У меня также еще и температура, я не чувствовала ног, но мне пришлось справиться с этим, выйти на сцену и танцевать так, чтобы никто этого не заметил», – вспоминает Нино.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
Страница 7 из 8

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика