Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2016-12
На страницу 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17190
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Дек 01, 2016 12:32 am    Заголовок сообщения: 2016-12 Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016120101
Тема| Балет, фестиваль "Дягилев P.S." (СПб)
Автор| Елизавета Митина
Заголовок| Любовь без правил и границ
В Санкт-Петербурге завершился фестиваль "Дягилев P.S."

Где опубликовано| © Независимая газета
Дата публикации| 2016-12-01
Ссылка| http://www.ng.ru/culture/2016-12-01/8_6873_diagilev_ps.html
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ


Балет «Бхакти III» – дань увлечению Бежара Востоком. Фото предоставлено пресс-службой фестиваля

Ноябрь в Северной столице получился богатым на фестивали: петербуржцы впервые принимали у себя «Context» Дианы Вишневой, а сразу вслед за ним наслаждались программой уже традиционного «Дягилев P.S.». Программа была составлена со вкусом – от экстравагантного Мориса Бежара и демонического Теодора Курентзиса до лиричного Вячеслава Самодурова.

В фестивальном меню гастроли театра Мориса Бежара проходили в качестве закуски, хотя смело могли бы претендовать на статус основного блюда. Из Лозанны в Петербург привезли три балета самого маэстро а также сочинение Жиля Романа, нынешнего худрука балета и творческого наследника Бежара – «Anima Blues».

«Anima Blues» – это коллаж из журнальных глянцевых картинок, восьмибитных компьютерных джинглов, культовых персонажей массовой культуры (Одри Хепберн) и собственно танца. Это же и диалог между сознанием и подсознанием, происходящий во сне, в который погружен главный герой (Коннор Барлоу). Жиль Роман ссылается на работы психиатра Карла Юнга, правда, хореографа больше волнует феномен женского начала в мужчине, того самого Anima. Anima для главного героя воплощается в образе Одри Хепберн. Балерина Катерина Шалкина очень доступно транслирует популярный образ, внятно артикулирует движения, пружинисто подскакивает в минуты напряжения, раздумчиво кружит по сцене, наблюдая за вялой оргией, в которую лениво вовлекаются другие персонажи, и время от времени пытается пробудить своего визави. В финале Аnima сливается со своим мужчиной в романтическом танго.

«Этюд для дамы с камелиями» (солистка – Элизабет Рос) – вариации на тему известного сюжета. Бежар сокращает все любовные связи дамы буквально до одного касания – каждый кавалер все больше и больше обнажает героиню, оставляя ее в итоге в имитирующем обнаженное тело (и душу!) телесного цвета трико.

«Бхакти III» – знаменитое сочинение Бежара, дань его увлечению всем восточным. Светлана Сиплатова (Шахти) и Фабрис Галлараг (Шива) призваны были олицетворять высшую страсть, но олицетворили лишь ее бледное отражение: дуэт получился довольно постным. Впрочем геометрия поддержек и змееподобные руки богини Шахти завораживали зрителей.

Завершился вечер не самой простой для восприятия интерпретацией балета «Чудесный мандарин» Белы Бартока. Замешав в одном балете французских клошаров, золотой век джаза, китайских коммунистов, мифического Зигфрида и проститутку в мужском обличье, Бежар создает идеальную конструкцию, на углах и ребрах которой он так ловко размещает своих персонажей, что за повествованием следишь затаив дыхание. Бродяги во главе со своим предводителем используют Девушку (Лоуренс Ригг), чтобы обворовывать прохожих. Череду преступлений прерывает Мандарин (Масайоши Онуки) в костюме китайского красногвардейца, растопивший сердце Девушки и умерший – в оригинале у нее на руках, у Бежара – прикрыв своим телом ее парик как символ фальши и обмана.

И если Бежар о любви говорит в свойственной ему парадоксально-экстравагантной манере, то приверженцы более традиционных (но не тривиальных!) историй и интерпретаций могли в рамках фестиваля дважды насладиться балетом «Ромео и Джульетта». Сперва в исполнении пермского оркестра musicAeterna под управлением Теодора Курентзиса, а затем – в переложении на язык танца хореографом Вячеславом Самодуровым.

Эта постановка вечного сюжета о юных влюбленных – новая версия балета, поставленного Самодуровым во Фландрии несколькими годами ранее. По словам самого автора, хореографический текст был существенно переработан с учетом сильных сторон конкретных танцовщиков.

Забегая вперед, скажу, что «костюмчик» сел на труппу и солистов как влитой. Элегантность исполнения, артистическая точность, бесшовный и плавный ход мизансцен подтверждают: и «материал», и «портной» неординарно хороши.

Концепция «театра в театре», когда в ходе репетиции разворачиваются события, задает обычно не свойственный этому балету менее насыщенный эмоциональный тон. Элемент игры, ненастоящести позволяет постановщику вынести балет за рамки эпох и континентов, еще раз подчеркнуть универсальность вечного сюжета. Хореограф вводит зрителя в мир живых и очень разнообразных характеров, без резких контрастов и свойственной высокой трагедии дуальности формата «белое-черное».

Например, в паре вечных антагонистов Меркуцио (Игорь Булыцын) и Тибальд (Сергей Кращенко) оба способны вызвать как симпатию, так и отторжение. Меркуцио живет в мире, где дурное воспитание не является недостатком, где наглость – второе счастье и где незыблем авторитет мужской дружбы. Достоинство Меркуцио, его осознание себя властелином именно такого мира очень хорошо демонстрирует Игорь Булыцын. Его Меркуцио порывист, непримирим и безжалостен – не только к другим, но и к себе. Маскулинность Тибальда – другого рода. Это спокойное превосходство мальчика из хорошей семьи, впрочем, ровно настолько же безжалостного, как и Меркуцио, но более вкрадчивого и менее темпераментного. Бравада в данном случае сменяется высокомерием, а порыв – расчетом.

Расчетлива и холодна также синьора Капулетти (Анастасия Багаева) – снежная королева, Примадонна. Ее холодная сдержанность, некая хореографическая скупость – как блик на острых гранях фантазийных вариаций и разнообразных по структуре и изобилию движений массовых сцен. Этот балет еще раз доказывает, что Самодуров – хореограф с очень богатым вокабуляром, которым он распоряжается поистине виртуозно.

Джульетта (Екатерина Сапогова) и Ромео (Александр Меркушев) создали гармоничный, акварельный и нежный дуэт. Екатерина – очень подвижная, раскованная балерина с полным, живым и аккуратным движением – и когда она точь-в-точь по Пушкину «быстрой ножкой ножку бьет» в танце с Парисом, и когда нежно обнимает Ромео. Александр вытачивает своего Ромео скрупулезно и бережно. Мягкость, пластичность и динамичность танца Меркушева комплиментарна танцу партнерши и создает гармонию дуэта.

«Ромео и Джульетта» Вячеслава Самодурова – балет не только о юных влюбленных, но и о месте этой истории в жизни общества, если хотите. Герои встречаются, живут и умирают «на миру». Даже наедине со своими мыслями – в сцене принятия яда – Джульетта потревожена гостями извне: искаженные, словно вышедшие из зазеркалья, духи и воспоминания врываются в ее размышления. В финале же мимо соединившихся в вечности влюбленных равнодушно проходят все жители театральной Вероны. Удивительно, как именно эта сцена вторит недавним событиям в российском обществе!

Санкт-Петербург
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17190
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Дек 01, 2016 5:31 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016120102
Тема| Балет, Башкирский государственный театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Ю. Григорович
Автор| Светлана ЯНОВА
Заголовок| Мечта воплотилась в «Легенду»
Где опубликовано| © журнал УФА №12 (181)
Дата публикации| 2016 декабрь
Ссылка| http://www.journal-ufa.ru/index.php?id=4496&num=181
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Театр оперы и балета добавил в свой репертуар еще один шедевр выдающегося хореографа современности Юрия Григоровича - «Легенду о любви». Спектакль получился впечатляющим, и его, несомненно, ожидает долгая творческая жизнь.



Надо заметить, этот балет могут позволить себе далеко не все театры. И дело не в том, что это стало возможным благодаря гранту главы республики Рустэма Хамитова. Постановка диктует высокий уровень балетной труппы. Стоит напомнить, что сегодня в России спектакль идет только в трех театрах: Большом, Мариинском и Краснодарском. С Уфой Юрия Григоровича связывают годы тесного сотрудничества.

«Легенда» снискала славу одного из самых сложных и удачных: критика позволяла в его адрес только самые лестные слова. Поставить такой спектакль – редкая удача и огромная ответственность.

- Были сомнения, сможет ли наша довольно молодая труппа справиться со столь трудоемким балетом, - говорит художественный руководитель театра народная артистка России и Башкортостана Леонора Куватова. – Для главных ролей нужны сильнейшие исполнители. Но когда танцовщики выдержали испытание «Спартаком», стало понятно: они смогут справиться и с «Легендой».

Репетиции начались в мае, а работа над балетом еще раньше. Необходимо было освоить литературный материал - положенную в либретто пьесу турецкого писателя Назыма Хикмета, написанную по мотивам восточных сказок. В основе сюжета – любовь царицы Мехменэ и ее юной сестры Ширин к художнику Ферхаду. Есть и еще одна линия - страсть Визиря к повелительнице. Но в этой легенде нет счастливого конца, свойственного сказке. Все ее герои несчастны. Думается, что столь сложный клубок страстей был интересен Григоровичу возможностью показать разные грани характеров персонажей. Мехменэ, принесшая себя в жертву ради спасения сестры, и не подозревает, перед каким выбором ставит ее судьба. Потерявшая красоту, она влюбляется, но ее чувство безответно: Ферхад покорен Ширин. Царица не может совладать с собой, тут уже не до великодушия. Перед нами - страдающая женщина, обладающая властью над всем, кроме любви, которой нельзя приказать и которую нельзя купить. Отчаяние делает ее жестокой: Мехменэ Бану ставит художнику невыполнимое условие – он получит Ширин, если пробьет железную гору, закрывающую путь воды к людям. Она борется сама с собой. Но в этой схватке безнадежно проигрывает.

Надо сказать, что современные танцовщики имеют большое преимущество перед своими предшественниками. Благодаря Интернету они могут посмотреть постановки разных театров. Увидеть разные трактовки образа, подметить детали, определиться с собственным видением. Что одновременно упрощает и усложняет работу над ролью. Ведь в конечном итоге ее диктует постановщик. В нашем случае - постоянные ассистенты Григоровича - Олег Рачковский и Ольга Васюченко. Другое дело, что по прошествии времени в процессе обкатки спектакля партия обрастает новыми нюансами, исходя из индивидуальности исполнителя.

«Легенду о любви» часто называют постановкой на пределе человеческих возможностей: высокие прыжки и невероятный накал страстей.

- Тем не менее об этом балете мечтала вся труппа, - продолжает Леонора Сафыевна. – Артисты прекрасно понимали, что «Легенда» позволит вырасти как в техническом, так и в актерском плане. Особая роль в спектакле отводится «восточным» рукам. С их помощью выражаются мельчайшие оттенки чувств: они передают трепет ресниц и трепет души, угрозу и любовь.

- Смысл несут именно руки, каждое их движение осмысленно, - дополняет педагог-репетитор заслуженная артистка РБ и Таджикистана Галина Сабирова, - причем у всех героев они разные. Дополнительную сложность представляла и музыка Арифа Меликова, скоординировать ее с пластикой тела и рук было не просто. В то же время партии главных героев очень интересны в драматическом плане, потенциал для актерской игры – огромен.

- Башкирская труппа впечатлила общей высокой культурой исполнения, - высказала свое мнение известный балетный историк и критик, профессор Академии русского балета имени Вагановой Ольга Розанова. – Все сделано так, как хотел автор. Великолепно исполнение кордебалета по образности и стилю. Что касается составов солистов: не могу отдать предпочтение ни одному. Визири Ильдара Маняпова и Олега Шайбакова хороши по-своему.

Прима-балерина башкирской труппы Гульсина Мавлюкасова (Мехменэ Бану) всегда мечтала об этой роли. В техническом плане для нее не было особых трудностей:
- Образ царицы очень противоречивый и этим интересен. Он сложен именно с точки зрения выражения чувств.

Для другой исполнительницы царицы Беллы Оздоевой работа над ролью стала колоссальным опытом (она только второй сезон в театре). К образу юная балерина впервые обратилась еще во время учебы – выбрав монолог Мехменэ Бану на экзамен по актерскому мастерству.

- Представить себя в роли зрелой женщины сложно, - говорит она, - и я пошла по другому пути – следовала за музыкой. Что оказалось не менее трудным: ее тяжесть как будто передается всему телу. Есть и другие моменты. Например, чадра, в которой приходится танцевать почти весь спектакль. В ней трудно дышать, но одновременно она помогает – меняет твою психологию, а вместе с ней определяет и пластику.

Лауреат международных конкурсов Лилия Зайнигабдинова словно создана для партии Ширин: легкая, с высокими зависающими в воздухе прыжками. Она уже исполнила на сцене театра несколько главных партий: в «Щелкунчике», «Двенадцатой ночи», «Бахчисарайском фонтане». Ее героиня нежная и юная:

- Как показать первую любовь, которая поглощает тебя целиком? Разве Ширин виновата, что полюбила? Она не умеет притворяться и прекрасна в своей искренности.

Не похож и Ферхад Рустама Исхакова и Сергея Бикбулатова. Первый – герой, во втором больше лирического начала. И распознать нюансы под силу не только критикам и знатокам балета, но и простому зрителю. Причина – в необыкновенном диапазоне интерпретации образов.

Есть мнение

«Башкирский театр заслужил свою «Легенду» по праву: он был первым, кто пригласил в середине 90-х отлученного от Большого театра хореографа к сотрудничеству. На протяжении двадцати лет Григорович перенес в Уфу шесть своих балетов, начав с «Щелкунчика» - прекрасной классической школой для артистов, а несколько лет назад - даже «Спартака». За это время труппа выросла и численно, и профессионально. Благодаря появлению собственного хореографического училища она обладает и единством экстерьера и выучки. Уфимские артисты понимают и международные тенденции - повышенное внимание к чистоте танца. Поэтому в их исполнении лучшими становятся ключевые массовые сцены - «Шествие», «Погоня» и «Страсти Мехменэ», «Видение Ферхада». И это не случайно: спектакль переносили Олег Рачковский и Ольга Васюченко, известные тщательной работой с кордебалетом.
Труппе удалось представить яркий состав исполнителей главных партий, во главе которого оказался не Ферхад, а Мехменэ Бану. Для Гульсины Мавлюкасовой даже на первом спектакле, казалось, не существовало технических проблем - лишь вопросы, как точнее расставить акценты в роли, распределить силы на трехактный спектакль, показать красоту хореографии, во всем богатстве сконцентрированные в тексте Мехменэ. Но «Легенда о любви», как лучшие классические балеты, ценна своей неодномерностью - артистам она позволяет вести диалог со своими ролями всю жизнь».

Из статьи Анны Галайды
(«Российская газета»).
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17190
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Дек 03, 2016 10:30 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016120102
Тема| Балет, Московский театр «Новый балет», Премьера, Персоналии,
Автор| Лада СНОПОВА
Заголовок| ТАНЦЫ С ПИСЬМАМИ
Где опубликовано| © Московская Правда
Дата публикации| 2016-12-03
Ссылка| http://mospravda.ru/2016/12/03/19559/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



На сцене Новой оперы в исполнении труппы Московского театра «Новый балет» состоялась премьера балета «Опасные связи» по роману Шодерло де Лакло. В постановке сошлись три стихии: музыка Эцио Боссо, новое прочтение сюжета хореографом Соной Овсепян и накал страстей, демонстрируемый танцорами.

«Опасные связи» де Лакло – роман в письмах, поэтому тема письма звучит на протяжении всей постановки: герои читают, пишут письма, даже танцуют с письмами во рту и умудряются при этом держать дыхание! Спектакль – словно безудержный порыв энергии и страстей: как только в зале выключается свет, а танцоры делают первые па, зрителей захватывает сюжет и стремительные ритмы происходящего. События на сцене разворачиваются бурно, что даже те, кто знаком с романом, остаются в неведении, каким будет финал.

Танцевальный диалог между маркизой де Мертей (Анастасия Николаева) и виконтом де Вальмоном (Виталий Тереховский) в первом акте – одна из сильнейших сцен в балете. В своём чёрном одеянии героиня сидит в глубине сцены на высоком троне и наблюдает за танцорами, которые, словно марионетки, подчиняются малейшему движению её руки, любой прихоти. Здесь все ей подвластно: поступки, судьбы, души…

Круговорот людских страстей и любовный четырехугольник между маркизой, виконтом, Сесиль де Воланж (Диана Гаршина) и шевалье Денсени (Андрей Остапенко) продемонстрирован эффектной сценографией (Полина Бузанова). Посередине сцены вращается круг, разделенный на секции, в каждой из которых разворачивается действие, и герои переходят из одной ситуации в другую, попадая в сети, расставленные маркизой.

Вот де Мертей флиртует с де Вальмоном, а на следующем витке он уже лежит в постели с де Воланж, затем она вдруг целуется с Денсени. В финале виконт, разрывая опасные связи, погибает, а маркиза осознаёт, что разрушила всё своими руками, её империя лжи терпит крах, и, сорвав с себя чёрный плащ, де Мертей, взбегает на трон, с которого она так умело манипулировала людскими судьбами, и проваливается в пустоту.

В московском репертуаре появился еще один талантливый спектакль, достойный просмотра. Поздравим же себя с этим.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17190
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Дек 04, 2016 12:25 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016120401
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Ольга СМИРНОВА, Денис РОДЬКИН
Автор| Вера ЧИСТЯКОВА
Заголовок| Большой балет. Заметки балетного критика.
Где опубликовано| © Проект "Танцевальный Клондайк"
Дата публикации| 2016-12-02
Ссылка| http://dancerussia.ru/publication/735.html
Аннотация|

14 февраля 2016-го года состоялся дебют Ольги СМИРНОВОЙ в партии Раймонды. Раймонда – одна из тяжелейших партий классического репертуара, которая под силу только балерине в самом высоком значении этого слова (к сожалению, сейчас понятие "балерина" стирается, неспециализированные печатные издания вводят в заблуждение массы, называя каждую артистку кордебалета этим почётным именем, подразумевающим абсолютную профессиональную состоятельность, наличие у танцовщицы исключительных профессиональных и личностных качеств). Для Ольги СМИРНОВОЙ партия стала подарком сразу после действительного получения балеринского статуса в Большом театре.



Исполняя партию Раймонды нужно быть не только технически подкованной, но невероятно музыкальной, обладать особым образно-ассоциативным музыкальным мышлением, чувствовать не только темп, ритм, паузы, акценты, но душу каждой вариации главной героини. Иначе скучно. Иначе невкусно. Иначе не создаётся нужная атмосфера – и нет спектакля о Прекрасной Даме.

Образ Раймонды объединяет в себе мягкое и волевое начало. Она величественна, горделива, как истинная аристократка, и, вместе с тем, игрива, невинно мечтательна – в ней присутствуют и зрелый шарм, и обаяние юности. Насколько Раймонда нежна со своим милым рыцарем, настолько холодна и неприступна с чуждым ей, диким Абдерахманом.

Непременное требование к исполнительнице партии Раймонды – тонкий, изысканный вкус. Героиня должна любить себя, наслаждаться каждым моментом своей жизни, но эту любовь и свободу ни в коем случае нельзя заменять пустым самолюбованием, уверенность путать с самоуверенностью. Любая демонстрация личного совершенства должна смотреться дорого, не нарочито. Вроде бы, всё напоказ… однако, нет… внутри мерцает таинственный огонь – у открытого обаяния дамы всегда есть обратная сторона. Переливается драгоценный камень – миллионы граней… ночью цвет один, при свете солнца другой.

Партия Раймонды – это образ той истинной женственности, над которой не властно ни время, ни мода. Раймондой можно стать, но лучше родиться. Если говорить об Ольге СМИРНОВОЙ, то она прирождённая Раймонда, не современная девушка-однодневка, а девушка вне времени, классически прекрасная. Партия идеально ложится на её нутро. Код вечной женственности, который заложен в балете, она считывает интуитивно, на уровне подсознания, и… завораживает. Одно её появление меняет воздух вокруг. Самое тихое её присутствие рядом с мужчиной значимо. И конечно, образ именно такой "белой дамы" способен озарить вдохновением мужественное сердце рыцаря.

Партнёром дебютантки-Раймонды стал Денис РОДЬКИН – танцовщик благородно-романтического облика, для роли Рыцаря созданный. Для него это был второй спектакль. Дебют состоялся 20-го апреля 2014 года – в ответственный и тяжёлый год стремительного взлёта Дениса РОДЬКИНА на балетный Олимп – идя к премьерскому статусу, он осваивал одну главную партию за другой. Жан де Бриен стоял в очереди бесчисленных дебютов. Тогда, пожалуй, не было возможности сфокусироваться на этой творческой работе абсолютно. Тонко и искренне прозвучали дуэты с Анной НИКУЛИНОЙ. Неподражаемо красиво смотрелся на от природы широкоплечем Денисе костюм Жана де Бриена – с особенными рукавами, имитирующими доспехи, а в любовных адажио прекращающиеся в крылья, уносящие влюблённых на небеса. Однако, в полном формате, "от ноты до ноты" роль была сделана именно ко второму спектаклю – с Ольгой СМИРНОВОЙ. Ситуация "дебюта заново", сопереживание и поддержка молодой балерины в её работе пошли впрок. Ольга со своим педагогом Мариной Викторовной КОНДРАТЬЕВОЙ и Денис со своим педагогом Александром Николаевичем ВЕТРОВЫМ начали встречаться в репетиционных залах задолго до назначенного дня спектакля. Работали неторопливо, кропотливо. В результате Денис "дозрел", смог в полной мере прочувствовать и продемонстрировать на сцене контрастность образа Жан де Бриена, в котором лирика и героика равнозначны.

В первом выходе он покоряет величием и мощью: сильная, горделивая, истинно рыцарская поступь, мужская рука, привыкшая к оружию, поднимается в приветственном жесте.

Далее адажио с Раймондой, в котором тот же Жан де Бриен уже восторженный любовник. И здесь уже "едва слышные" касания, прерывистый трепет вздохов, взгляд тихий, отчаянно обожающий, в котором боязнь времени, приближающего разлуку, вера, и одновременно, неверие в волшебные моменты счастья.

В сцене прощания с Раймондой Жан не Бриен не стесняется самых пылких любовных излияний и самой искренней горести. Чувствуется, как его сердце буквально разрывается на части, когда он перед разлукой прижимает руки возлюбленной к своей груди. И как прекрасно, как искренне была сыграна сцена любовной клятвы между рыцарем и Раймондой! Он протягивает ей в подарок лёгкий шарф. Клятва верности произносится одними глазами, но нет сомнений – она нерушима.

Просьба рыцаря не настойчива из благоговения. Это не жёсткий приказ, однако, и не рабская мольба, именно доверительная просьба о верности. И ответ ему Раймонды прост, благороден, отнюдь не патетичен, но ему веришь много больше, чем громким восклицаниям. После этой клятвы хранить друг друга в сердце вечно, юные влюблённые умиротворяются. Чувствуется, что любовь этих двоих людей настолько чиста и абсолютна, что нет для неё преград, кроме смерти.

Простившись с дамой, де Бриен вновь преображается – иное лицо, иная манера движения. "Навстречу славе и подвигам! Вперёд!" – говорит вся его фигура и взгляд. Он уже предводитель, бесстрашный воин, несущий другим свободу и жизнь и не боящийся смерти для себя.

Затаив дыхание, наблюдаешь сцену спасения Раймонды де Бриенном: сможет ли он вырвать потерявшую сознание Раймонду из рук опьяненного страстью Абдерахмана? К счастью зрителей – да! И сколько же нежности и покоя в их соскучившихся прильнувших друг к другу телах… Раймонда успевает сказать своему любимому рыцарю женское тихое трогательное спасибо и подбодрить взглядом, говорящим о нерушимой преданности. Жан де Бриен отвечает ей утешительной мягкой лаской.

В сцене поединка Жана де Бриена, по контрасту с Абдерахманом, отличает благородная сдержанность при самой большой внутренней ярости. В нём, конечно же, не вскипает нездоровая ревность к своей даме, нет ни грамма недоверия к ней, есть лишь искренняя сердечная тревога за возлюбленную, которая, бедняжка, без него оказалась такой беззащитной, и лишь справедливое негодование в сторону мужчины, смутившего её чистый покой, нарушившего святость ожидания.



Бой выдался нешуточным, без театральщины, игры в поддавки и какой-либо снисходительности. Михаил ЛОБУХИН (Абдерахман) прекрасно справляется с миссией, возложенной на его персонажа хореографом Юрием ГРИГОРОВИЧЕМ. У де Бриена достойный соперник.

В третьем акте Денис РОДЬКИН блистателен. В своих вариациях он демонстрирует высший пилотаж мужской техники классического танца – ловкую силу, скульптурную мощь. Это танец доблести и торжества, владычества и превосходства, танец непобедимого триумфатора.

Необыкновенная собранность, отличная координация танцовщика, его лёгкое тело со стальным стержнем внутри восхищают. Он соединяет в себе дух земли и неба. Мощные орлиные полёты и точнейшие приземления; вращения, будто прочерченные циркулем; горделивые графичные положения корпуса и рук в венгерском стиле. В статике чувствуется внутренняя динамика. Каждая коленопреклонная поза звучит, как торжественная клятва рыцарскому кодексу чести и верной любви к даме. Истинный рыцарь не имеет права на промахи, он должен быть символом нерушимого мужества, любая помарка в танце, шаткая поза, небольшая техническая нестабильность способна сразу же разрушить идеальный образ. Денис справляется с ответственностью. Его герой олицетворение недосягаемого мужского совершенства.

P.S. 15, 17, 18 декабря 2016-го балет "Раймонда" в афише Большого театра России. С Новой сцены спектакль возвращается на родную для него – Историческую. Не пропустите событие.

Автор: Вера ЧИСТЯКОВА (Фрагмент авторской рукописи "Школа Григоровича"), фото автора
------------------------------------------------
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17190
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Дек 04, 2016 11:44 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016120402
Тема| Балет, V Международный конкурс хореографических учебных заведений “Өрлеу” (Казахстан)
Автор| Нэля Садыкова, Иллюстрации: Тахир САСЫКОВ
Заголовок| Феномен казахского танца
Где опубликовано| © КАРАВАН
Дата публикации| 2016-12-04
Ссылка| http://www.caravan.kz/gazeta/fenomen-kazakhskogo-tanca-386851/
Аннотация| КОНКУРС

V Международный конкурс хореографических учебных заведений “Өрлеу” (“Восхождение”), посвященный 25-летию независимости Республики Казахстана, 1000-летию города Алматы и 110-летию со дня рождения основоположника казахской балетной школы, народного артиста Казахской ССР Александра Селезнева, состоялся в Алматы.



Конкурс прошел при поддержке Фонда Первого Президента РК – Лидера нации, Евразийского фонда культуры, Фонда развития и поддержки балета и национального танца, Казахстанской национальной федерации клубов ЮНЕСКО, Казахского государственного академического театра оперы и балета имени Абая.

С именем Селезнева у его бывших воспитанников, а ныне признанных мэтров хореографии Булата Аюханова, Вакиля Усманова и многих других связаны самые теплые воспоминания. Дядя Саша, как они его называли, был непререкаемым авторитетом и их главным защитником от всех бед. Сегодня дело Селезнева продолжает целая армия талантливых новых педагогов-хореографов. Во время проведения конкурса в алматинском училище открылся музей его истории, был установлен бюст Александру Владимировичу.

Международный конкурс в честь основателя казахстанской школы балета – главная ему благодарность. В состязании участвовало больше 120 конкурсантов из 9 стран мира: Казахстана, России, Киргизии, Узбекистана, Азербайджана, Белоруссии, Турции, Кореи и ЮАР. В составе жюри – выдающиеся деятели мировой хореографии, среди которых председатель – народный артист СССР, лауреат Ленинской и Государственной премий СССР, художественный руководитель Московской академии хореографии Михаил ЛАВРОВСКИЙ, народный артист Украины, художественный руководитель Донецкого национального академического театра оперы и балета имени А. Соловьяненко Вадим ПИСАРЕВ, народная артистка Республики Казахстан, художественный руководитель балетной труппы ГАТОБ имени Абая, профессор Гульжан ТУТКИБАЕВА, заслуженный артист России, лауреат премии Ленинского комсомола Юрий ВАСЮЧЕНКО, генеральный директор “Евразийского фестиваля танца” Отан АСЫЛКОЖАЕВ, профессор австрийской европейской академии балета “Санкт-Пёльтен” Вакиль УСМАНОВ, президент Международного конкурса артистов балета в Корее, профессор университета Санмен Пак Дже ГЫН.

– Конкуренция на нынешнем конкурсе была очень жесткая. Впечатления и эмоции переполняют, – рассказывает директор училища Ая КАЛИЕВА, – потому что впервые в Казахстан в Алматы на детский конкурс приехало такое именитое жюри. Потрясает то, что нам провели мастер-классы выдающиеся артисты балета. И в нашей школе отмечены дети, которые могут в будущем претендовать на самые большие сцены мира. Жананур Жанабеков, Бейбарыс Аккорыс, Малика Ильчинбаева, Бахыткуль Испанова очень понравились членам жюри своей выучкой, манерами, артистическими способностями, физиологическими данными. Это ребята из старшей группы. Они в этом году оканчивают учебу, уже готовые артисты балета. И наш Театр оперы и балета имени Абая уже ждет их. Но и в Москве Академия хореографии тоже зовет их. Там говорят, что это дети для мировой сцены. Конечно, они не покинут Казахстан, но сейчас им нужно посмотреть мир, поучиться у разных хореографов, познакомиться с лучшими мастерами мировой сцены, ведь они получили самые восторженные отзывы членов жюри. И для нас это самое главное достижение!

– А как насчет утверждения, что балет – не казахское искусство? – интересуюсь у директора училища.

– Нет, по мнению жюри, наоборот, казахи настолько музыкальные, ритмичные, настолько у них хорошая выучка. А казахстанская хореографическая школа мальчиков вообще всегда славилась. И сегодня не случайно ставки сделаны именно на Жананура и Бейбарыса. И председатель жюри лично благодарил наших педагогов за их отличную подготовку. Признанные мэтры хореографии, когда увидели наших детей, были в восторге и говорили, что сейчас в мире детей с такой утонченной правильной хореографической фигурой, выучкой и манерами не найдешь. Но у нас еще и уникальная методика. Это сочетание московской, питерской школы, преломленное через казахские традиции, феномен казахской балетной школы, которого нет нигде. Наши педагоги творят чудеса, превращают маленьких утят, беспомощных птенцов в прекрасных лебедей, которые показывают высочайший уровень мастерства. Мы ими гордимся!

– А каким чудом на конкурсе оказались представители Южно-Африканской Республики?

– Дело в том, что в ЮАР нет как такового хореографического училища классического направления. Там есть русская балетная школа “Камажай”, которую организовала бывшая наша ученица Сулу Акимгереева. В прошлом году наши дети выезжали в ЮАР с гастролями и потрясли тамошнее культурное сообщество. И ученицы школы Акимгереевой изъявили желание поучаствовать в нашем конкурсе. Но главное, что после этого знакомства заместитель министра культуры и внешних связей ЮАР предложила подписать с нами договор о сотрудничестве. Они хотят, чтобы их дети обучались классическому балету в Казахстане в Алматинском хореографическом училище имени Селезнева.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17190
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Дек 05, 2016 10:26 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016120501
Тема| Балет, «Астана Опера» (Казахстан), Премьера
Автор| Влада ГУК /Фото: Карлы Нур
Заголовок| Рыцарь печального образа повеселел
Где опубликовано| © "Газета "Инфо-Цес"
Дата публикации| 2016-12-05
Ссылка| http://www.info-tses.kz/news/rytsar-pechalnogo-obraza-poveselel/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА




В театре «Астана Опера» — премьера балета «Дон Кихот».
Это веселый и солнечный спектакль, полный сюрпризов. Действие переносится с многолюдной барселонской площади, где пляшут тореадоры и цветочницы, в цыганский табор, а оттуда — в страну снов, населенную амурами и дриадами.

Балетмейстер-постановщик — народная артистка России Алтынай Асылмуратова. Дирижер-постановщик — Арман Уразгалиев. Декорациями и костюмами занимались знаменитые Эцио Фриджерио и Франка Скуарчапино. Художник по проекциям — Серджио Метали, художник по свету — Якопо Пантани.
Итальянско-казахстанская постановочная труппа создала на сцене романтическую сказку со множеством сценических эффектов, роскошными декорациями, костюмами, видеопроекциями. Вместе со знаменитыми танцовщиками в балете танцуют дети — ученики и ученицы Академии хореографии.
Кроме того, к окончательному восторгу публики на сцене появляются настоящий Росинант и ослик Санчо Пансы.
Балет, 147 лет назад созданный Мариусом Петипа на музыку Людвига Минкуса, наверное, самая жизнерадостная интерпретация приключений Рыцаря печального образа. В основе сюжета — две главы из второго тома романа Мигеля Сервантеса, рассказывающие о любви красавицы Киттерии (Китри) и молодого цирюльника Базилио (Базиля). Они хотят пожениться, но отец Китри, трактирщик Лоренцо, хочет отдать дочь за богача Камачо (Гамаша). Дон Кихот, как неисправимый романтик, помогает влюбленным.
«Такие спектакли, казалось бы, простые, легкие, там нет ни драм, ни трагедий. Поэтому сложность работы была в том, чтобы все сцены жили, — рассказывает балетмейстер-постановщик Алтынай Асылмуратова. — В каждом уголочке сцены должна идти своя жизнь. В этой постановке очень много пантомим, много персонажей, от которых зависит качество спектакля. Это не только Китри и Базиль, это и Дон Кихот, и Лоренцо, и Санчо Панса, и, конечно, Гамаш, на котором держится весь первый акт. И должна отметить, что в театре есть прекрасные актеры».
Партию Китри танцуют в двух составах Мадина Басбаева и Гаухар Усина. В роли Базиля — Бахтияр Адамжан и Арман Уразов. Дон Кихот —Жанибек Иманкулов, Санчо Панса — Бостан Кожабеков, Гамаш — Рахметулла Науанов.
По словам Алтынай Асылмуратовой, постановщики спектакля отталкивались от последней редакции «Дон Кихота», поставленной в Мариинском театре в годы войны.
«Но наш спектакль совершенно не похож на тот, который идет сейчас в Мариинском театре: у него другое оформление, номера скомпонованы немного по-другому, и у нас совсем новые цыганский танец и танец фанданго. Спектакль рассчитан на большую труппу и на такие театры, как «Астана Опера», которые могут себе это позволить: здесь очень много насыщенных картин, перемен, быстрых переодеваний. Хотелось сделать все органично, чтобы действие не было затянутым. Паузы мы насытили потрясающими видеопроекциями и анимацией. Каждый раз, когда поднимается занавес, вы видите совершенно другую картинку».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17190
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Дек 08, 2016 10:19 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016120801
Тема| Балет, Парижская опера, Премьера, Персоналии, Иржи Килиан
Автор| МАРИЯ СИДЕЛЬНИКОВА
Заголовок| Легкость небытия
Балеты Иржи Килиана в Парижской опере

Где опубликовано| © Газета "Коммерсантъ" №228, стр. 11
Дата публикации| 2016-12-08
Ссылка| http://kommersant.ru/doc/3163860
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Фото: Ann Ray/Opera National de Paris

В Парижской опере состоялась премьера вечера одноактных балетов живого классика Иржи Килиана. Новыми для парижской труппы стали абсурдистский балет "Tar and Feathers" (2006) и патетическая "Симфония псалмов" (1978), а открывала программу "Bella Figura" (1995) — одна из самых красивых постановок Килиана, которую французы не возобновляли лет десять. Рассказывает МАРИЯ СИДЕЛЬНИКОВА.


Вечер Иржи Килиана появился в текущем балетном сезоне Парижской оперы в последний момент как спасательный круг. Программу вечера одноактных балетов составлял еще экс-худрук Бенжамен Мильпье, решив объединить балет "Увядающие листья" Энтони Тюдора и свою премьеру на песни французской певицы Барбары. Когда же стало понятно, что его песенка спета, Мильпье, протянув до лета, взял да и отменил все запланированное. Новой руководительнице Орели Дюпон пришлось срочно искать замену. Задача не из простых, учитывая, что сезоны в мировых театрах расписаны на несколько лет вперед. Сработал личный авторитет этуали, которую Килиан хорошо знал, в том числе и по парижской премьере "Bella Figura" в 2001 году. А также то, что хореограф, покинув в 2009 году NDT (Нидерландский театр танца) — компанию, в которой он отслужил без малого 40 лет и поставил более 70 балетов,— записался в свободные художники и фотографы, так что график у него свободнее, чем у штатных хореографов.

В первом составе "Bella Figura" тон задавали ветераны труппы — этуали Элеонора Аббаньято, Летиция Пюжоль и первый танцовщик Алессио Карбоне, которые и спустя 15 лет вспоминают работу с Иржи Килианом как сладкую пытку. Они мастерски выдерживали тон, не впадая в патетику, к которой хореография чеха, выстроенная на поэтических крайностях вроде борьбы света и тьмы, слабости и силы, мечты и реальности, очень располагает. Отличилась и этуаль Доротея Жильбер. Смена языка пошла на пользу этой рафинированной классической балерине. Ее кукольная хрупкость, выигрышная в классике, у Килиана становится недостатком, а ему только этого и нужно. Из таких трансформаций, по мысли хореографа, и собирается красивое тело, та самая bella figura. А вот Алис Ренаван, у которой в труппе репутация одной из лучших исполнительниц неоклассики и современной хореографии, приняла нервные излияния Килиана слишком буквально. И в ее соло, где она бьется с голой грудью, пытаясь вырваться из метафорических тисков-кулис, и в эротическом женском дуэте-схватке с Летицией Пюжоль, и в кульминационном групповом танце-ритуале полуголых андрогинов в красных юбках Алис Ренован двигается крайне самоотверженно, но за телесной обнаженностью сквозит пустота.

После этой дозы чистой поэзии и упоительной красоты "Tar and Feathers" выглядит горькой пилюлей, к которой французы оказались не совсем готовы. Отправной точкой для Килиана стало средневековое наказание — вымазывание в дегте и перьях. Жертву раздевали, обмазывали горячей смолой, сбрасывали на нее перья и в таком виде отправляли в город на всеобщее посмешище. От буквального прочтения хореограф вскоре отказался, оставив для спектакля лишь метафоры и общую тему жестокости, а лейтмотивом сделал последнюю поэму Сэмюэла Беккета "Как сказать". Сцена поделена надвое: черная часть и белая — как деготь и перья. В Концерт для фортепиано N9 Моцарта врезается отвратительный звук лопающихся пузырей на пластиковой упаковке, а тишину прорезает раздражающее звериное рычание. Хотя и Моцарт в авторском исполнении Томоко Мукаиямы не слишком узнаваем: по словам японской пианистки, партитуру фортепианного концерта она "расплавляет" как Сальвадор Дали расплавлял свои знаменитые часы. Ее черное фортепиано на многометровых ножках — опять же вспоминается Дали со своими слонами на паучьих лапах — словно парит над сценой. В "Дегте и перьях" Килиан ищет движенческие аналоги гравитации и левитации. Весь его спектакль, в котором заняты три пары артистов, по сути, про одного человека — человека, у которого на ногах кандалы, а в руках воздушный шар. Хореограф утрированно сбивает вертикали тела, нагромождает неудобные поддержки-скульптуры и направляет движение в пол, даже если по всем законам жанра оно так и просится в воздух. Залпы мужских сильных прыжков и чувственные адажио становятся глотком надежды в этом приземленном действии.

"Симфония псалмов", названная по одноименной симфонии Стравинского 1930 года,— хрестоматийный балет Иржи Килиана, первый поставленный им на посту худрука NDT. По признанию хореографа, религиозная тема для него отошла на второй план. Создавая этот балет, он обращался к артистам Нидерландского театра танца, говорил как о важности сплоченности в труппе, так и о необходимости индивидуальностей. Французские артисты приняли его слова буквально и продемонстрировали почти религиозное служение своей профессии, упиваясь и хореографией чешского классика, и друг другом.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17190
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Дек 08, 2016 5:30 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016120802
Тема| Балет, МТ, Премьера, Персоналии, Ю. Григорович
Автор| Людмила Безрукова, Санкт-Петербург
Заголовок| «Каменный цветок» распустился в девятый раз
Где опубликовано| © Газета "Труд"
Дата публикации| 2016-12-08
Ссылка| http://www.trud.ru/article/08-12-2016/1344762_kamennyj_tsvetok_raspustilsja_v_devjatyj_raz.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Новый старый балет вернулся на сцену Мариинки

Легендарный балетмейстер Юрий Григорович представил в Мариинском театре Петербурга премьеру «Каменного цветка» на музыку Сергея Прокофьева. Она приурочена к 125-летию композитора и грядущему 90-летию самого хореографа, которое будет отмечаться в начале января.

Cпросите, почему премьера, если балет много лет шел в Мариинке и на многих других сценах? Действительно, «Каменный цветок» был впервые поставлен Григоровичем в 1957 году, после чего Юрий Николаевич проснулся знаменитым. Для своего времени постановка оказалась революционной. В классический танец молодой солист балета (а Григорович начинал как талантливый танцовщик) сумел «вплести» элементы других стилей, в том числе, народного. В итоге спектакль получился очень эмоциональным, динамичным. Последний раз балет значился в репертуаре Мариинского театра (тогда ещё Ленинградского театра оперы и балета им. Кирова) в 1991 году. И вот только теперь - спустя четверть века – состоялось возвращение.

Прошла на исторической, а не на новой сцене Мариинки. Так решил сам хореограф.

– Очень люблю её, – признался Юрий Николаевич корреспонденту «Труда». - Потому что выступал на ней еще солистом балета. Чувствую себя здесь как дома. Сегодняшний спектакль стал большим подароком от маэстро Гергиева в канун моего юбилея.

Перед спектаклем Юрий Николаевич спустился в центральное фойе, где открыта посвященная его творчеству выставка: фотографии, документы, афиши. Вместе с Юрием Фатеевым, и.о. заведующий балетной труппы Мариинки, прошел вдоль стендов и витрин, а в итоге оказался в плотном кольце зрителей. Пришедшие в театр пораньше узнали, что «здесь сам Григорович», и буквально хлынули в фойе – только бы успеть увидеть живую легенду отечественного балета, сказать слова благодарности, взять автограф и сделать фото на память. Маэстро никому не отказывал.

Нынешняя, 9-я по счету редакция «Каменного цветка», по сути – совершенно новый спектакль, более современный, красочный и оптимистичный. Как призналась исполнительница партии Катерины Екатерина Осмолкина, репетируя, она не один раз просмотрела запись балета конца 1950-х годов, где её героиню танцует знаменитая Ирина Колпакова. При этом у Колпаковой сцена прощания с подругами перед свадьбой была, например, печальной. Сейчас Григорович предложил молодой балерине исполнять эту сцену веселее, с неким даже озорством.

Несколько сцен Григорович из балета вообще убрал, как объяснил, используя для краткости новомодное слово - «оптимизировал». Все-таки ХХ1-й век на дворе. «Другая эпоха, надо соответствовать, - сказал Юрий Николаевич. – Не хочу оценивать, уже она или лучше предыдущей – просто другая. Ощущение жизни совсем иное. У людей изменились приоритеты. Но балет им по-прежнему интересен, как показал заполненный зал Мариинского театра. Значит, не зря мы старались и что-то оставим будущим поколениям».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17190
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Дек 08, 2016 5:52 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016120803
Тема| Балет, Труппа Бориса Эйфмана, Персоналии, Любовь Андреева
Автор| Алиса Асланова
Заголовок| Любовь Андреева
Где опубликовано| © Ballet Insider
Дата публикации| 2016-12-06
Ссылка| http://www.balletinsider.com/archive/solo/5672
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Прима-балерина театра Бориса Эйфмана рассказывает, почему не любит танцевать классику, о любимых ролях и об особом стиле в хореографии Эйфмана.



Bi: Как вы стали артисткой в труппе Бориса Эйфмана?

ЛА: Когда я танцевала в Большом театре Беларуси в Минске, к нам приехала заведующая труппой Бориса Эйфмана Майя Янсон. После спектакля она подошла ко мне и передала диск. На нем была запись балета «Я — Дон Кихот». Спектакль меня поразил, все в нем казалось необычным. Я позвонила по оставленному телефону, и выяснилось, что театр Эйфмана хочет пригласить меня на гастроли в Америку танцевать в этом балете Дульсинею.

Я приехала в Санкт-Петербург на просмотр, и Борис Яковлевич одобрил мою кандидатуру. Однако, когда я должна была приехать во второй раз – чтобы начать учить партию – минский театр меня не отпустил. Тогда я получила предложение работать в труппе Эйфмана на постоянной основе, и приняла его (тем более что у меня на тот момент уже заканчивался контракт с Большим).

Bi: Насколько труппа специфична для классического танцовщика, пришлось ли переучиваться или привыкать к другой пластике?

ЛА: Если честно, даже сейчас в чем-то приходится переучиваться, поскольку классика и хореография Бориса Эйфмана – абсолютно разные направления. Конечно, элементы классического танца в пластике Бориса Яковлевича присутствуют, однако в целом это особое, уникальное искусство. Например, в хореографическом колледже нас девять лет учили держать ось и квадрат. У Эйфмана же совершенно иные акценты – на работу корпусом и невероятные изобретательные поддержки, когда балерины взлетают высоко вверх или как бы оплетают собой партнера.

Bi: Cегодня вы солистка труппы. Насколько долог был ваш путь к сольным партиям?

ЛА: Я одна из немногих балерин, у которой не было долгого и трудного пути к сольным партиям. Начав работать у Эйфмана, я уже через три-четыре дня уехала в Ливан на гастроли со спектаклем «Я Дон Кихот». Потом станцевала Катерину Ивановну – еще в старой версии балета «Братья Карамазовы». Когда ставился «Роден», я поначалу готовила партию Камиллы в пятом составе, но довольно быстро перешла во второй и в итоге станцевала премьеру. Сегодня я не только ведущая солистка труппы, но и ассистент Бориса Яковлевича. Это большая честь для меня и важный знак доверия со стороны хореографа.

Bi: Из труппы Эйфмана возможно перейти в чисто классическую труппу или нет?

ЛА: Юрий Смекалов перешел в Мариинский театр. Вера Арбузова, Иван Зайцев, Светлана Бедненко — в Михайловский. Они танцуют и классику, и модерн. Так что все возможно, главное захотеть.

Bi: Вам иногда хочется танцевать классические спектакли?

ЛА: Скажу откровенно: я никогда не горела желанием исполнять классические партии. Сейчас такого стремления тем более нет. Помню, в детстве мой педагог Ольга Александровна Лаппо говорила: «Люба, у тебя есть все данные, почему ты не стараешься? Из тебя получится такой лебедь!». На это я отвечала, что мне скучно и я не хочу танцевать классику. Лебедей и так много, а мне было интересно попробовать нечто принципиально иное.

Bi: Какими качествами должна обладать балерина в труппе Эйфмана?

ЛА: Любой артист должен обладать трудолюбием. Мало хотеть добиться результата, необходимо уметь работать. Каждый день нужно начинать с борьбы с самим собой – преодолевать физическое недомогание или эмоциональный спад. Как бы тяжело ни было, каждый день ты должен вставать к станку.

Но главное искренне любить свою профессию и четко понимать, что ты делаешь и зачем. Без интеллектуальной составляющей не может быть хорошего танцовщика. Работая в труппе Эйфмана, особенно важно уметь думать. А еще, конечно, необходимо развивать в себе выносливость и силу духа. Мы репетируем по семь, а иногда и по девять часов в день. Сложно выдержать такие нагрузки, если в тебе нет внутреннего стержня.

Bi: Вы работаете с мастером, каков в работе Борис Эйфман?

ЛА: Борис Яковлевич крайне требователен. Многое зависит от того, насколько быстро ты схватываешь то, что он объясняет. Иногда кажется: Эйфман требует невозможного. Мы минут по 40 можем репетировать одну поддержку, а в итоге — когда уже все готово — Борис Яковлевич говорит, что она не эффектная и убирает ее. Такое тоже случается. И хотя при этом тебе может быть обидно, я прекрасно понимаю его – и как артистка, и как начинающий хореограф (я окончила балетмейстерский факультет). Ведь в итоге Борис Яковлевич всегда приходит к тому результату, который требовалось достичь.

Bi: В чем на ваш взгляд исключительность хореографии Эйфмана?

ЛА: Она невероятно драматична. В спектаклях Эйфмана мы видим не просто танцовщиков, а настоящих актеров. В нашей труппе нет бездумно работающих, пустых – я бы назвала это так– исполнителей, потому что у Бориса Яковлевича нет «пустой» хореографии. Каждый жест, каждое движение в ней наполнено смыслом. Сегодня существует огромное количество абстрактных бессюжетных постановок. Искусство Эйфмана противоположно такой хореографии. В его спектаклях всегда присутствуют философская насыщенность и тщательно выстроенная драматургия.

Bi: Любимый спектакль?

ЛА: Сложно выделить что-то одно – настолько непохожи все спектакли… В моем репертуаре немало партий, в которых я схожу с ума или же с самого начала предстаю перед зрителями умалишенной. Это и Камилла в «Родене», и Николь Уоррен в «Up & Down», и Антонина Милюкова в балете «Чайковский. PRO et CONTRA». Названные роли – несмотря на объединяющую их особенность – очень разные. Но все требует полной самоотдачи. Танцевать их столь же сложно, сколь и интересно: ты должен вслед за своим персонажем погрузиться безумие, а затем суметь найти силы вернуться назад.

Bi: Многие артисты балета Эйфмана хорошо импровизируют и ставят постановки. Вы что-то уже ставите или хотите?

ЛА: Я начала ставить еще до прихода в труппу Бориса Яковлевича. В прошлом году окончила Белорусскую государственную академию музыки. Моей дипломной работой были миниатюры на музыку Чайковского и Пярта. Кроме того, я подготовила в Минске хореографическое оформление спектакля «Двенадцатая ночь» Национального академического драматического театра имени Горького. Для меня это был серьезный профессиональный опыт. Но сейчас я пока не хочу ставить. Работая рядом с Борисом Эйфманом – в том числе, в качестве его ассистента – я вижу, какой это адский труд. Очень непросто сделать всю труппу одним творческим целым и правильно донести до нее свои идеи. Пока мне позволяет здоровье, я буду танцевать.

Bi: За что вы любите свою профессию?

ЛА: Это даже не любовь. Моя профессия – это моя жизнь. На сегодняшний день я не вижу себя вне балета. Сцена дает колоссальный заряд энергии, получаемой от зрителей, от развития действия спектакля, от самого соприкосновения с тем искусством, которому ты служишь.

Фотограф
Валерий Шеченко
--------------------------------------
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17190
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Дек 09, 2016 12:52 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016120901
Тема| Балет, Пермский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Алексей Мирошниченко
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| «У меня под бой курантов гэбисты растаскивают героев в разные стороны»
Алексей Мирошниченко о своей «Золушке»

Где опубликовано| © Журнал "Коммерсантъ Weekend" №42, стр. 32
Дата публикации| 2016-12-09
Ссылка| http://kommersant.ru/doc/3157490
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Фото: Илья Питалев/РИА НОВОСТИ

20 декабря в Пермском театре оперы и балета состоится премьера прокофьевской "Золушки". За пульт встанет Теодор Курентзис, хореограф — Алексей Мирошниченко. Сказочный сюжет заменен реалистическим: действие спектакля происходит в Москве 1950-х годов. Татьяна Кузнецова поговорила с Алексеем Мирошниченко об исторических прототипах, сказочных героях и несказочном быте

"Золушка" времен хрущевской оттепели — это чья идея?

Теодора. Он ее сформулировал в одном предложении: "В Большом театре ставят "Золушку"". Я знал, конечно, что в "Золушке" Хайнца Шперли действие происходит в балетной студии начала XX века, да и Малахов перенес действие сказки в балетную компанию. Но Большой театр — все-таки дело другое: конкретный исторический и политический контекст. Клевая идея, мне сразу понравилась. Однако надо было еще придумать историю, а не просто оттанцовывать музыку. Ведь у Прокофьева очень четко прописана музыкальная драматургия: и учитель танцев, и времена года, и бал, и путешествие по странам. И дуэты — огромные, потрясающие, сложнейшие по музыке... В общем, через месяц я говорю Теодору: "Ничего не получается, с музыкой не стыкуется, давай про карету-тыкву". Он говорит: "Нет, эта музыка современная, никаких сказок". И я написал огромное либретто, от которого сейчас осталось три больших абзаца. Это будет 1957 год, Всемирный фестиваль молодежи и студентов, к этому событию Главный театр СССР ставит "Золушку", на главную роль приглашен Франсуа Ренар, этуаль Парижской оперы.

Он и есть сказочный принц?

Не совсем. Happy end не будет: Золушку — молоденькую балерину Веру — с ним разлучат. Франсуа вышлют из страны, заподозрив в шпионаже, а ее за предосудительную связь с иностранцем сошлют в город Молотов — то есть в Пермь (историческое название ему вернули как раз в 1957 году). Настоящим принцем окажется талантливый балетмейстер Юрий Звездочкин — его прототипом был Юрий Григорович. "Золушку" министр культуры поручает ставить именно ему, а постановку маститого балетмейстера признает эстетически устаревшей. И вот после такого карьерного успеха Юра уедет за Верой в Пермь.

В кого превратились остальные сказочные персонажи?

Мачеха у нас — прима-балерина Ольга Свистокрылова, сестры — солистки труппы, ее прихлебательницы. А фея — фей: Яков Аронович Фейман, старейший мастер по изготовлению обуви. Он дарит Вере сказочные пуанты — ведь обувь для артиста балета жизненно важное дело. Кстати, тут опять пермские коннотации: в театре работал пуантный волшебник Яков Иосифович. Вдвоем с женой они обували всю труппу.

Сейчас пуанты тоже шьют в театре?

Да, но в основном для школы. Балерины перешли на Grishko, Гейнера. Хотя наша Золушка, Саша Суродеева, не может танцевать в этих гелиевых гондонах, она привыкла к театральным, по старинке подкладывает в пуанты ватку, клеенку — это долго, а надевать их она должна прямо на сцене. Мы по секундомеру рассчитывали, сколько музыки это займет.

А зловещая тема времени — ключевая для Прокофьева,— как вы ее интерпретируете?

Тема часов звучит в "Золушке" дважды. В первый раз у нас это вариация министра культуры — женщины в деловом костюме: подразумевается, разумеется, Фурцева. Она утверждает постановку Звездочкина — то есть пробил его час. Второй раз часы бьют на кремлевском банкете. Это же не только тема рока или власти. Это тема чего-то такого, что не зависит от нас, что нами управляет. У меня под бой курантов гэбисты растаскивают Веру и Франсуа в разные стороны — француза высылают из страны. Там в партитуре 12 ударов, я попрошу Теодора затянуть резонанс от последнего — дыыыын! Чтобы эхо повисло...

Ой. Физически растаскивают? Это не выглядит смешно?

Нет. Я проверял: у меня на репетициях целый консилиум сидит. Когда я впервые эту сцену показал, некоторые плакали.

Если принца высылают, как же третий акт — его бег по странам в поисках Золушки? Музыка же останется нетронутой?

Не тронуто ничего: как сказал бы Черномырдин — от "а" до "б". Третий акт — гастроли Главного театра. Советские артисты выезжают в Испанию и на Восток с такими скромными чемоданчиками коричневыми, а возвращаются с цветными сумками, обвешанные люстрами, коврами — тогда же из поездок тащили буквально все.

Курентзис уже видел поставленный материал?

Пока нет, совместные репетиции у нас начнутся недели за две до премьеры, когда балет будет уже готов.

А если ваши темпы не совпадут с его трактовкой?

Я ставил по его записи — он же делал этот балет в Новосибирске лет десять назад с Кириллом Симоновым. Кое-что ему все-таки придется изменить, но Теодор умный человек и понимает, что если мы ставим другой спектакль, полностью сохранить темпы невозможно. Например, у Симонова на балу руками махали и заноски фигачили в бешеном темпе. А моя "Золушка" — то есть постановка Юрия Звездочкина — золотое рококо, настоящий менуэт, с мелкими batteries "утюжком", с фигурами и сложными переходами. К счастью, у нас в вагановском училище был потрясающий педагог по историко-бытовому танцу, Наталья Станиславовна Янанис.

У вас получается натуральный драмбалет. Как раз на смену этому "устаревшему" жанру и пришел ваш Юрий Звездочкин, то бишь Юрий Григорович со своим "хореографическим симфонизмом". Это было 60 лет назад, с тех пор хореографы разучились режиссировать балеты, а артисты — играть в них драматические роли. Сейчас, как в 30-е годы, опять модно ставить вдвоем: режиссер и балетмейстер работают вместе.

Хореограф и есть режиссер, это мое убеждение. Просто он мыслит хореографическими образами, извиняюсь за штамп: это закон жанра. Если у балетмейстера нет таких навыков, тогда ему нужен режиссер. Может, проблема старого драмбалета и была в том, что режиссер придумывал либретто, структуру балета, мизансцены, а дальше хореограф пытался оттанцовывать то, что сделал режиссер. Получались танцы отдельно, режиссура отдельно. Я еще ни над одним спектаклем не работал так тщательно, как над "Золушкой" именно в драматургическом плане. Это даже не драмбалет — это кино. Мизансцены строятся так, что возникает полное ощущение крупного плана.

Помогла ли вам в этом работа с Алексеем Учителем над фильмом "Матильда"?

Конечно, и не только. Я был хореографом у Валерия Владимировича Фокина, когда он ставил "Женитьбу" в Александринском театре, работал с Павлом Санаевым на "Нулевом километре" — Светлана Ходченкова там танцевала так, что Паша на просмотре ее номера прослезился. Просто в балете законы драматического театра надо трансформировать, потому что визуально это по-другому смотрится. А монтаж эпизодов — точно как в кино. К тому же балетные артисты обучаемые, они обожают играть роли. Причем актерского качества достигают эмпирическим путем: работают обычно на интуиции, а не на знаниях. Начитанный, эрудированный человек иногда на сцене выглядит дурак дураком. А харизматичный танцовщик может быть серым, как штаны пожарного, может путать "анонс" с "нонсенсом", но в спектакле творит чудеса — публика рыдает.

Судя по всему, многолюдное у вас "кино" получается.

Народу не хватает катастрофически, люди переодеваются как сумасшедшие — иногда за 40 секунд. Мы пока не знаем, как это будет на спектакле. Размахнулся я действительно как Большой театр — у нас много перемен декораций, сложная сценография, дизайн, костюмов сотни, а техническое оснащение театра слабое, сцена крошечная, закулисье тесное. У нас же КПД труппы — 10%: репетиционных залов всего два, люди большую часть рабочего дня тупо в очереди стоят, чтобы порепетировать. В раздевалках — как в питерских "Крестах": вместо четырех человек — пятнадцать. Матрасы какие-то на полу валяются, на них артисты спят в ожидании, когда их работать позовут. Душ один на 45 мужчин и один на 60 женщин, запах борща стоит — костюмерши за стенкой суп варят, им некогда по столовкам бегать, да и деньги экономят. И хотя моя "Золушка" не столько про власть, время и государство, сколько про то, что счастье нематериально, что оно внутри нас — и Вера с Юрой будут счастливы в Перми,— в реальности я хочу своей труппе материальных благ: новой сцены, нового театра и новых зарплат.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пн Янв 02, 2017 5:51 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17190
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Дек 09, 2016 1:09 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016120902
Тема| Балет, МТ, Премьера, Персоналии,
Автор| Ольга Комок, журналист
Заголовок| Это еще цветочки
"Каменный цветок" в Мариинском театре

Где опубликовано| © газета "Деловой Петербург"
Дата публикации| 2016-12-08
Ссылка| https://www.dp.ru/a/2016/12/08/JEto_eshhe_cvetochki/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Журналист Ольга Комок сходила в Мариинский на премьеру балета "Каменный цветок", который на самом деле Юрий Григорович поставил на местной сцене еще в 1957 году.


Фото: Наташа Разина
Другие фото - по ссылке

На старой сцене Мариинского театра — первая балетная премьера сезона. В канун собственного 90–летия Юрий Григорович лично следил за возобновлением своего первого балета, поставленного на этой самой сцене: в 1957 году "Каменный цветок" на музыку Прокофьева сделал славу не только начинающему (в 30 лет) хореографу, но и целому отряду великих танцовщиков во главе с Аллой Осипенко и Ириной Колпаковой. То, что новым в Мариинке 2016 года оказалось хорошо забытое старое, наводит, конечно, на некоторые размышления, мол, вот она, тяжелая поступь традиционализма на самых — в недавнем прошлом — модерновых подмостках страны.

Вместо того чтобы предаваться бесполезному алармизму, имеет смысл задаться вопросом — достаточно ли хорошо забыто это старое? Все–таки в Мариинском театре "Каменный цветок" практически бесперебойно шел до эпохального 1991 года, параллельно его переносили на самые разные отечественные сцены (с Большого театра начиная), вывозили за рубеж как визитную карточку "советского драмбалета". Уже в XXI веке Григорович дважды возобновлял классику жанра, в собственном Краснодарском театре танца и в Музыкальном театре им. Станиславского и Немировича–Данченко. Надо сказать, большого восторга балетоманов–профессионалов не вызывал: в 2008 году, например, московский "Каменный цветок" признавали недостаточно выдержанным для старинной экзотики.

Прошло всего–то 8 лет — для хода истории вроде бы не срок. Но мариинский "Каменный цветок" вдруг заиграл очищенными от пыли и паутины гранями и кажется теперь аутентичным опусом в исторически информированном исполнении. Маленький совет: смотреть балет стоит с заботливо и подробно составленным буклетом наперевес. Тут зрителю мягко намекнут, с каким чувством следует слушать мрачноватую, изобилующую "народными мелодиями" и квадратными ритмами партитуру Прокофьева: создавалась она в жутком 1948 году, на волне официальных обвинений композитора в формализме, запретов его музыки к исполнению, после ареста его первой жены.

Тут по полочкам разложат и приметы модернизма в постановке оттепельного 1957 года: неожиданную условность легких, размашистых, графичных декораций Симона Вирсаладзе, вызывающее трико Хозяйки Медной горы и ее же ящерицеподобные угловатые позы, стремление к чистому танцу в пику традиционной балетной пантомиме. Если в русско–народных сценах венчания и ярмарки полифонический бессюжетный танец прячется за харaктерной гротесковостью (привет "Петрушке" Стравинского–Фокина, которого Юрий Григорович в Кировском театре отнюдь не видал), то танцы самоцветов Медной горы — чуть ли не "Драгоценности" (хотя с Баланчиным Григорович жил в разных вселенных).

Все эти радости балетного историка подаются как новенькие. 296 изумительно тактично расцвеченных костюмов — с иголочки, пошиты заново. Кордебалет кристально тверд. Цыгане блистательны.

Екатерина Осмолкина в роли "хорошей" Катерины плывет по сцене, как поет. Юрий Смекалов — "плохой" Северьян — куражится на разрыв (вот только любопытно, в 1957 году он тоже истошно крестился, проваливаясь под землю? И как это воспринимали тогдашние граждане с тонкими чувствами?) Неожиданно "не слишком плохой" выглядит в танце Виктория Терешкина — ее Хозяйка Медной горы больше похожа на колючую, но сентиментальную одинокую женщину, чем на всемогущую потустороннюю царицу. Ну а "хорошему" Даниле–мастеру в исполнении Андрея Ермакова придется простить сусальные жесты и легкую неряшливость — что взять с хорошего до невозможности человека?

В преддверии премьеры Юрий Григорович говорил, что поменял кое–что в каноническом балетном тексте: "Изменилось время, сегодня другие артисты, другой зритель. В новой редакции "Каменного цветка" мне хотелось ярче представить тему любви и творчества". И если оставить рассуждения о новых нюансах хореографии профессионалам, придется признать — тема любви Мариинского балета к творчеству в заданных ретрорамках в этом "Каменном цветке" раскрыта.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пн Дек 12, 2016 9:20 am), всего редактировалось 2 раз(а)
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17190
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Дек 09, 2016 1:37 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016120902
Тема| Балет, МТ, Премьера, Персоналии,
Автор| Игорь Ступников
Заголовок| «Каменный цветок» снова засверкал
Где опубликовано| © "С.-Петербургские ведомости"
Дата публикации| 2016-12-09
Ссылка| http://spbvedomosti.ru/news/culture/kamennyy_tsvetok_snova_nbsp_zasverkal/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


ФОТО предоставлено пресс-службой театра

Мариинский театр представил первую балетную премьеру нынешнего сезона - «Каменный цветок» Сергея Прокофьева в хореографии Юрия Григоровича. Премьерные спектакли посвящены сразу двум юбилеям - 90-летию Юрия Григоровича и 125-летию со дня рождения Сергея Прокофьева.

Созданный в 1957 году тридцатилетним Григоровичем балет стал событием в культурной жизни Ленинграда. Все здесь было новым - музыка, хореография, оформление. Тогда, в далеком 1957-м, спектакль принес заслуженную славу первым исполнителям - Алле Осипенко, Ирине Колпаковой, Александру Грибову, Анатолию Гридину. Более тридцати лет «Каменный цветок» оставался одним из самых популярных спектаклей Кировского/Мариинского театра. Его последний показ состоялся в 1991 году.

За восстановление спектакля взялся, несмотря на возраст, сам Юрий Григорович. В его постановке главный герой, мастер Данила, бежит от прозы жизни в царство искусства, ради которого может пожертвовать многим. Однако его скитания заканчиваются возвращением к родному очагу, к невесте Катерине, несущей ему любовь, тепло и веру в жизнь.

Андрею Ермакову, танцовщику-виртуозу, не всегда удавалось передать внутренний конфликт образа, порой казалось, он больше занят технической стороной партии, нежели ее философским осмыслением. Екатерина Осмолкина наделила свою Катерину мягкой, воздушной пластикой движений. Танцовщица мастерски соединила хрупкость и незащищенность героини с ее внутренним мужеством, ощущением женского достоинства.

Роль Хозяйки Медной горы словно создана для Виктории Терешкиной, танцовщица блистала в этой партии: каждая поза, жест отличались скульптурной законченностью, бушующие страсти были словно закованы в строгие формы академического танца.

Приказчик Северьян в исполнении Юрия Смекалова появляется на сцене как олицетворение грубой силы, безжалостной агрессии, готовой уничтожить все человеческое и доброе. Танцовщик создал образ крупными мазками - широкие жесты рук, лицо, исполненное ярости.

Юрий Григорович - мастер многофигурных хореографических полотен, где каждый персонаж наделен своим характером и своеобразием. В сцене на ярмарке хореограф наполнил танец фольклорными мотивами, среди эпизодов - изысканно поставленная цыганская сюита. К сожалению, исполнительница партии Молодой цыганки Ольга Белик не передала смятенность души своей героини, оставаясь холодно-декоративной на протяжении всего хореографического действа.

Сцены подземного царства пленили зрителей изобретательностью, разнообразием пластических форм, словно передающих прихотливое сверкание драгоценных камней,

В спектакле раскрылся редкий талант художника Симона Вирсаладзе, постоянного единомышленника и соавтора Юрия Григоровича.

Замечательно звучал оркестр театра под управлением Владислава Карклина.

Зрители премьеры наградили исполнителей долгими овациями. На поклоны вышел и Юрий Григорович, как всегда подтянутый и элегантный - мэтр, воскресивший один из своих шедевров на сцене театра, где когда-то начинал свой путь танцовщика и хореографа.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пн Янв 02, 2017 5:56 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17190
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Дек 09, 2016 1:58 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016120903
Тема| Балет, Екатеринбургский оперный театр, Премьера, Персоналии,
Автор| Ирина Клепикова
Заголовок| Балерина из Японии расплакалась, танцуя Герду в "Снежной королеве"
Где опубликовано| © Областная газета
Дата публикации| 2016-12-09
Ссылка| http://www.oblgazeta.ru/news/20966/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Екатеринбургский оперный театр представил сегодня (пока - только прессе) свой новый балет "Снежная королева", которой театр завершает 2016 год. Оригинальная хореографическая версия известной сказки Андерсена - очередная работа известного хореографа Вячеслава Самодурова, очередная интерпретация литературной классики (предыдущая его постановка в этом же театре - "Ромео и Джульетта"). Спектакль создавался для новогодних праздников и зимних каникул, но, не исключено, может войти в репертуар, поскольку работа, объединившая многих интересных авторов, на выходе получилась вовсе не только "сказкой для маленьких".

В частности, музыку к балету по заказу Екатеринбургского оперного театра написал композитор Артём Васильев, призёр Лондонской королевской академии музыки, автор саундтреков к известным кино- и телефильмам "Экипаж", "Конец прекрасной эпохи", "София". В жанре балета это его четвёртая работа.

- Чаще всего хореограф ставит балет, следуя готовой партитуре. Но в данном случае я следовал за хореографом, я был ведомым, - говорит Артём Васильев. - И музыка рождалась в непростых совместных поисках. Например, Ирландский танец, который зритель увидит в балете, - это уже восьмая(!) версия музыки. У Вячеслава Самодурова было чёткое представление этой сцены, надо было совпасть с ним, поэтому мучился, подбирал варианты...

"Снежная королева" - история, не нуждающаяся, казалось бы, в комментариях, поскольку известна всем с детства. Но вот исполнительница партии Герды балерина из Японии Кюнсун Пак, танцующая сейчас в Екатеринбургском театре, столкнулась с этой сказкой впервые.

- Я не знала прежде этой истории, - рассказывает Кюнсун, - чем вызвала улыбки у всех своих коллег-балерин. Но я нашла эту сказку в Интернете, прочитала её. Была очень тронута. А дальше... начались переживания (ведь Герда теряет очень дорогого для себя человека, брата), и эти переживания продолжаются до сих пор. Вы, может быть, не поверите, но вот сейчас танцевала сцену прощания с Каем (интервью было во время антракта - И.К.), и чувствую: у меня по лицу текут настоящие слезы...

Премьера "Снежной королевы" - в эти выходные. Рецензия на спектакль в "ОГ" - во вторник, 13 декабря.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17190
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Дек 10, 2016 12:29 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016121001
Тема| Балет, , Премьера, Персоналии, Антон Пимонов
Автор| Софья Дымова
Заголовок| «Россия — не балетная страна»
Хореограф Антон Пимонов — о своей профессии, князе Мышкине и Борхесе

Где опубликовано| © Colta.ru
Дата публикации| 2016-12-09
Ссылка| http://www.colta.ru/articles/theatre/13354
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


© Наталья Думко

«Балет Москва» представил первую премьеру сезона — спектакль «Луна напротив» в постановке петербургского хореографа Антона Пимонова. Неделей раньше другая работа Пимонова, «Скрипичный концерт № 2» в Мариинском театре, была номинирована на «Золотую маску» как лучшая балетная постановка сезона-2015/2016. Накануне очередного показа «Луны напротив» COLTA.RU поговорила с хореографом о том, что сегодня происходит в отечественном балете.

— Ты восемь лет учился в Академии Вагановой, потом шестнадцать лет танцевал в Мариинском театре и там же начал работать как хореограф. Ты еще жив и тебе не надоело?

— Честно? За день до премьеры в Москве я понял, что меня раздражает балет. Кстати, это ощущение посетило впервые. Думаю, это временно. Я жив и собираюсь работать дальше.

— Недавно в Екатеринбурге на мастерской молодых хореографов «Dance-платформа» обсуждали, что время классического балета заканчивается. Ты, начинающий академический хореограф, только что вошел в эту комнату, а тебе говорят: убирайся отсюда, все умерли. Как работать дальше?

— Да, есть ощущение, что уже все придумано. Классический балет завял, он закончился спектаклями Форсайта в 1980-х. На него стало неинтересно смотреть. Что у нас есть? Классическая база, «пять позиций ног плюс еще одна», и она никуда не денется. Это стержень — и нужно искать, в какую форму его каждый раз заключать.

— Ты и твой «Скрипичный концерт № 2» только что получили номинации на «Золотую маску»…

— Да, совсем неожиданно.

— …а в прошлом сезоне ты работал в жюри премии и кроме балета мог изучить соседнюю территорию — оперную. Какие остались впечатления?

— Из оперных спектаклей самое большое впечатление произвела «Медея» Александра Тителя. В обеих номинациях, оперной и балетной, было много интересных работ — не осталось ощущения, что балет, грубо говоря, отстал от оперы, что в нем царит застой и кризис. Спустя полгода я стал думать, что балет ничего не видит, кроме себя. Может быть, я просто устал после постановки. Или ситуация ухудшается?

— Cудя по афише, на нас строем надвигаются хореографические поэмы, романы и повести, как 70 лет назад.

— Ничего с этим не сделать — театрам нужна касса.

— И если бы тебе сейчас поручили поставить большой балет на три акта — какого-нибудь «Идиота» или «Большую советскую энциклопедию»…

— …я бы сбежал в деревню, чтобы меня не нашли. Года два назад я бы уцепился за это, но сейчас не хочу делать то, что мне неинтересно. На самом деле «Большая советская энциклопедия» — не очень удачный пример. Здесь даже название предполагает игру с большой формой, ее раздробление. Нужно сломать и заново собрать эту трехактную форму: условно «Большую советскую энциклопедию» нужно станцевать спиной к зрителю, потом как-то еще и еще, а в конце всеми способами одновременно.

— Поставить нечто вроде «Impressing the Czar» Форсайта?

— Да, это привлекательно — сделать сюжет в сюжете, балет-конструктор. Слава Самодуров в «Ундине» пытался поработать с большой трехактной формой, отменить сюжет и перевинтить форму, думаю, он поступил правильно. Однажды это выстрелит, балет — именно как театральное зрелище — выйдет на новый виток. Пока что он варится в своем прошлом.

Вопрос простой: спектакль либо интересно смотреть, либо нет. Когда мы говорим про «Большую советскую энциклопедию» или «Идиота», проблема в том, как они относятся к современности. Балет, в котором князь Мышкин будет стоять в арабеске, вряд ли привлечет мыслящую публику, не заинтересует людей из смежных сфер, например, современных поэтов и писателей, на него не пойдут те, кто посмотрел «Князя» Богомолова. Вот и выходит, что классический балет нужен только самому себе. Это такой художественный онанизм. Мы тоже сейчас им занимаемся, какие-то высокие балетные проблемы обсуждаем. Интересно, сколько человек прочитает это интервью (смеется)?

Балет не может быть всенародным и всем понятным, это советский миф.

— Может быть, умирающий классический балет спасет кто-то со стороны? На эту заколдованную землю уже ступил драматический режиссер, на ней поработал оперный режиссер, приходят хореографы из contemporary dance…

— (пауза) У меня пока нет ответа. В классическом балете самая опасная штука — это синтез. Когда приходят и говорят: я хочу привнести в классический танец новые смыслы, новые хитросплетения тел — начинается самодеятельность. Балету не нужен режиссер. Вся режиссура заключена в пяти позициях ног, смене комбинаций и ансамблей. И зрителю не нужно искать сюжет, записанный в программке. Это самое сложное, к этому нужно приучать, но зритель не приучен, он привык к «Идиотам».

Может быть так, что зритель опаздывает за нами? Вот Самодуров поставил «Ундину», восторгов было не слишком много, а через сто лет будут говорить, что так и нужно было сделать. У нас ведь и на Баланчина, который все самое принципиальное в балете придумал 70 лет назад, зритель до сих пор неохотно ходит.

— Как привлечь и приучить зрителя — читать лекции, проводить инструктаж перед спектаклем?

— Никак. Балет не может быть всенародным и всем понятным, это советский миф. Непопулярное искусство, и страна у нас не балетная. Всегда будут сложности.

— Ты сейчас рискуешь навлечь на себя многочисленные проклятия. Что ты имеешь в виду, говоря, что Россия — не балетная страна?

— Давай сравним Лондон или Нью-Йорк с Петербургом и Москвой. Там совсем другая среда, современное искусство сконцентрировано в другом количестве — на балет это прямо влияет. Качество молока, которое дает корова, зависит от качества воздуха на ферме и качества травы, которую она жует. К нам привозили Баланчина, Форсайта, МакГрегора, NDT — но это происходило точечно, в отрыве от контекста. В России должно возникнуть и что-то свое. Плюс нужна интеллектуальная среда: мы все время думаем, что критик должен только похвалить или поругать, но это глупо. Думаю, его задача — разбираться, из каких ингредиентов пирог испечен, почему именно такой рецепт, как с ним можно работать дальше, какие вообще бывают пироги.

— О критике: сегодня у тебя премьера, завтра утром ты просыпаешься, и критик Дымова на портале COLTA.RU поливает тебя с головы до ног. Как с этим жить?

— Работать дальше. Понятно, что это задевает, все мы — живые люди, но на резкие отзывы я стараюсь не обижаться. Кое-что помогает: в рецензиях ведь не все сплошь неправильно и вредно.

— Как хореограф ты опираешься на собственный багаж танцовщика. Но приходит зритель со стажем и говорит: он копирует хореографов X и Y, он подражатель и эпигон — и на этом разговор заканчивается.

— Я бы не называл работу начинающих хореографов подражанием. Это даже не поиск, а постепенное созревание в некоем питательном слое, черноземе. Знаешь, как у Толстого: «Трудись не переставая и не назначай себе срока. Плод будет в свое время». Через то, что называют эпигонством, нужно пройти. Я не верю в гениев, которые падают с неба готовыми.

Я пропустил через свое тело всю новую хореографию ХХ века, и это очень помогло — всегда от чего-то нужно отталкиваться. Лично мне необходимо сознательно процитировать Баланчина или Форсайта — один раз, два, три, — чтобы пойти дальше. В «Скрипичном концерте» я специально цитировал Баланчина. Почему-то в других сферах, в академической музыке, разговор об использовании чужого материала и цитировании идет в другой тональности, абсолютно спокойно. Понятно, что в классическом балете все немного иначе устроено. Повторю: у нас на всех — пять позиций ног и четыре арабеска. Но каждый раз одно и то же: подражание, плагиат, ничего не может придумать сам, инфантильный хореограф. Какой-то смертный грех. Особенно если ты «молодой».

— Тебе сейчас 35 лет. Что такое нужно поставить, чтобы ты перестал считаться молодым и начинающим? Или — сколько лет тебе должно исполниться?

— Семьдесят. И нужно поставить масштабный патриотический балет. Должно четко считываться либретто, и декорации должны на что-нибудь походить. Мне кажется, это никогда не пройдет, здесь не нужны хореографы. Да, можно так и написать: в России сегодня нет хореографов, и они здесь не нужны.

— Не нужны кому — профессиональному сообществу, театрам, зрителям?

— Никому.

— Но, например, Вячеслав Самодуров, придя в Екатеринбургский балет, первым делом создал воркшоп для молодых постановщиков. Через полгода Мариинский открыл «Мастерскую», в которой ты и дебютировал.

— Это необходимо, но этого недостаточно. Не всем театрам позволяют финансовые возможности, но в больших институциях должна быть отдельная структура, кто-то должен этим заниматься целенаправленно. Образец для меня — Choreographic Institute при New York City Ballet, проводящий две большие сессии в год, осенью и весной. Там хореографов отбирают по присланным заявкам, в сотрудники им привлекают композиторов из Джульярда и лучших студентов Американской школы балета.

— Когда Большой театр создал свою мастерскую новой хореографии, прозвучала мысль о том, что мастерская не может работать без мастера. Кто им должен быть?

— В России нет таких мастеров. Сегодня невозможно быть мастером Х или гением Y: время мастеров, которых можно развешивать в рамочках на стене, прошло. В Парижской опере с молодыми работает Уильям Форсайт, но он себя не называет мастером. Там вообще все проходит как-то неторопливо и незаметно, и это правильно. С молодыми хореографами во всем мире проблема, но только у нас она приводит к каким-то чудовищным страданиям. Наверное, это часть русского менталитета: нам очень нравится страдать, ничего при этом не предпринимая.

Наверное, одним мастером тут не обойтись. Нужна целая фабрика: хореографы, теоретики, грамотные исполнители, художники — но такая фабрика должна работать круглогодично, а не в режиме аврала, когда световая партитура пишется накануне ночью, спектакль выпускается раз в год и благополучно забывается. Я бы, например, отдал Концертный зал Мариинского театра молодым авторам, хотя понимаю, что это коммерчески невыгодно. Не знаю, даст ли все это плоды.

— Ты не ощущаешь себя плодом мариинской «Мастерской»?

— Не могу оценить. Когда я сделал концерт Равеля (балет «Inside the Lines» на музыку Фортепианного концерта G-dur. — Ред.), я выпал из ситуации мастерской и почувствовал свободу маневра. Минус в том, что подобные мастерские закрепощают и не пускают тебя дальше. Ты становишься вечным подмастерьем, коллеги тебя уже не оценивают по-другому. Потом — недоверие руководителей театров и многие другие обстоятельства. Я очень благодарен Лене Тупысевой (директор театра «Балет Москва». — Ред.), которая доверила мне постановку. Она посмотрела записи моих работ на видео, позвонила и сказала: делай что хочешь.

— Расскажи о новом спектакле. Как пришла идея «Луны напротив»?

— Мне показалось, что музыка Адамса и мотивы стихотворного сборника Борхеса имеют точки соприкосновения. Конечно, зрители могут спрашивать: при чем здесь Борхес, о чем рассказывают классические pas de bourrée, где луна? Не будет луны, она не опустится на ниточках, из сборника взяты только отдельные мотивы и настроения.

Например, у Борхеса есть строчка «Пересек океан». Для меня пересечь океан — пробежать из правой кулисы в левую. Этого достаточно, дальше запускаются чисто хореографические механизмы. Главный элемент спектакля — именно бег. Ансамбль из десяти человек распадается на группы, каждая исполняет свою комбинацию, в момент кульминации остается одна пара и танцует адажио — вот и все либретто. Мне не хочется буквально формулировать содержание: любое либретто навязывает зрителю одно конкретное прочтение, делает его невнимательным к происходящему на сцене, отучает думать самому.

— В Мариинском театре ты ставил, в Москве только что дебютировал. О чем еще мечтать хореографу в России? Может, пора сваливать?

— Поехать поучиться и набраться опыта — почему бы и нет.

— То есть потом вернуться обратно в Россию?

— Если я со своими pas de bourrée буду здесь нужен.
----------------------------
Все фото - по ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пн Янв 02, 2017 6:02 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17190
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Дек 10, 2016 10:12 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016121002
Тема| Балет, Персоналии, НАТАЛЬЯ ОСИПОВА
Автор| МАРИЯ СИДЕЛЬНИКОВА
Заголовок| "Есть партии, без которых я не могу"
Наталья Осипова станцует в Перми

Где опубликовано| © Газета "Коммерсантъ" №230, стр. 4
Дата публикации| 2016-12-10
Ссылка| http://kommersant.ru/doc/3164805
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Сегодня и завтра в Пермском театре оперы и балета впервые выступит прима-балерина лондонского "Ковент-Гардена" Наталья Осипова. Вместе с солистом Пермского балета Никитой Четвериковым она станцует один из своих любимых спектаклей "Ромео и Джульетта" в хореографии Кеннета Макмиллана. За дирижерским пультом — Теодор Курентзис. Накануне гастролей в Перми НАТАЛЬЯ ОСИПОВА ответила на вопросы МАРИИ СИДЕЛЬНИКОВОЙ.


— Как появилась идея танцевать "Ромео и Джульетту" в Перми?

— Это была моя идея. Дэвид Холберг вернулся на сцену, а у нас в "Ромео и Джульетте" с ним сложился замечательный дуэт, и мы искали возможность вместе станцевать. Я все просмотрела, нашла этот спектакль только в Перми и напрямую обратилась к Алексею Мирошниченко. У Дэвида в итоге не сложилось, но я все равно буду танцевать, потому что Джульетта моя любимая роль. Если за сезон ее не станцую, прямо не по себе становится.

— Что это — зависимость от роли?

— Да! Есть партии, без которых я не могу. Но с Жизелью, например, перегорела. Столько танцевала ее и так по-разному — каждый же раз что-то выдумывала и, по-моему, уже перемудрила. То сходила с ума слишком заранее, а последние спектакли вообще получались легкомысленными. Последний раз танцевали ее в Мюнхене с Сергеем. Давно с ним не виделись, и я настолько была довольная, что, когда очнулась, уже конец первого акта и вроде бы пора умирать, а тут такое счастье и веселье. Поэтому с Жизелью надо сделать перерыв.

— А своего партнера Никиту Четверикова вы знали раньше?

— Как партнера — нет. Но видела его в телепроекте "Большой балет", когда была там в жюри — он мне очень понравился.

— Какие у вас еще планы на этот сезон?

— Мысленно настраиваюсь на "Спящую красавицу" в "Ковент-Гардене", это февраль-март. Буду над ней работать около двух месяцев и хочу ее очень хорошо повторить. Следом "Майерлинг" Кеннета Макмиллана, буду танцевать Марию Вечеру и под финал — "Маргарита и Арман" Фредерика Эштона. Это главное. В декабре в Мюнхене с Сергеем Полуниным будем танцевать "Спартака". У меня партия куртизанки Эгины. Никогда не хотела ее танцевать. Но когда предложили, подумала: почему бы и нет? Что же меня все время тянет либо пострадать, либо поскакать?! Таких ролей властных, породистых, сексуальных женщин в моем репертуаре еще не было. Интересно, что из этого получится.

— Здоровья на все хватит?

— Со здоровьем сейчас лучше. В прошлом сезоне была очень серьезная травма бедра. Думала, что придется прекратить танцевать. Но, слава богу, нашелся прекрасный врач. Сейчас я стала гораздо осторожнее. Каждую партию продумываю до мельчайших деталей, чтобы не навредить.

— А как руководство относится к вашим разъездам? Какие у вас условия контракта в "Ковент-Гардене"? Вы на особом положении?

— Контракт бессрочный. Ничего особенного в нем не прописано. Это личные отношения с худруком. В театре ко мне очень хорошо относятся и, если могут, всегда отпускают. Еще никогда не отказывали. Даже моя программа с Sadler`s Wells была крайне неудобна для "Ковент-Гардена", для графика репетиций, но я сказала Кевину (Кевин О`Хара, художественный руководитель The Royal Ballet, Covent Garden.— "Ъ"), что мне это важно, и он дал добро. Наверное, можно сказать, что я на особом положении.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7  След.
Страница 1 из 7

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика