Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2016-10
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18967
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Окт 20, 2016 9:21 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016102001
Тема| Балет, Kremlin Gala «Звезды балета XXI века»
Автор| Роман Володченков
Заголовок| Звёздный гала в Кремле
Где опубликовано| © Портал "Музыкальные сезоны"
Дата публикации| 2016-10-19
Ссылка| http://musicseasons.org/kremlin-gala-v-kremle/
Аннотация|

15 октября на сцене Государственного Кремлёвского дворца прошёл традиционный осенний Kremlin Gala. К этому балетному концерту организаторы готовятся загодя: практически сразу после окончания каждого такого мероприятия начинается подготовка следующего. По всей Москве можно увидеть зазывающие на гала-концерт афиши. К анонсам события подключаются и различные СМИ. И как итог – шеститысячный зал Кремлёвского дворца всегда полон.

Программа нынешнего Kremlin Gala привлекла именами подлинных звёзд мирового балета, а также оригинальными номерами из классического и современного репертуара.

Открывали концерт ведущие солисты Королевского балета Ковент-Гарден Марианела Нуньес и Вадим Мунтагиров, исполнившие вместе с артистами «Кремлёвского балета» grand pas d`action из балета «Баядерка» Л. Минкуса. Нуньес, одна из лучших балерин мира, не частый гость в Москве. Наверное, в последний раз в столице её могли видеть лишь на гастролях Ковент-Гардена в Большом театре (в июне 2014), где она блестяще станцевала Манон. И на этот раз артистка, с присущей ей уверенностью, смогла показать себя подлинной королевой сцены. Создалось ощущение, что Нуньес привезла с собой и сцену, и кулисы знаменитого Ковент-Гардена – настолько её манера отличалась царственным апломбом, настолько свободно, легко и независимо она ощущала себя в официальной атмосфере кремлёвского зала. С технической стороны – это было одно из лучших и самых совершенных выступлений Нуньес. Что касается Мунтагирова, то он, при своей непосредственной манере и внешности юноши, показал себя истинным премьером, чисто и красиво выполнив все элементы классической партии.

Интересный пластический дуэт показали солисты труппы «Театрхаус Готье Дэнс» Гараци Перес Олорис и Маурус Готье. Их номер «Цветы на воде» З. Китинга (хореография – По Ченг Цай) привлек оригинальной концепцией и музыкальным материалом. Оба танцовщика были одеты в длинные белые куполообразные пачки, похожие на кринолины, что позволило в самом начале дуэта реализовать интересную идею (возможно, цветущего растения): артистка стояла на плечах партнёра, скрытого под её костюмом, – таким образом, был виден верх танцовщицы и ноги двигающегося артиста. Прерванный блэкаутом номер продолжился уже при свете софитов в привычном ключе, когда солисты танцевали раздельно.

Па-де-де из балета «Корсар» А. Адана в исполнении Марии Кочетковой (Американский театр балета и Балет Сан-Франциско) и Игоря Цвирко (Большой театр) прозвучало амбициозно, но не принесло открытий. Показалось, что стилистика номера не совсем близка артистам. Возможно, это был тот самый случай, показывающий, что в балете существуют амплуа и что даже признанные звёзды должны грамотно выбирать репертуар. В этом плане Игорь гораздо более органично выглядел в современном номере «Парашютисты» на музыку Дж. Россини, поставленном Иваном Васильевым для себя и Цвирко.

Божественная Люсия Лакарра и её высокий, фактурный партнёр Марлон Дино (Дортмунд-балет и Компания Рассела Малифанта) станцевали два дуэта (адажио из балета «Дама с камелиями» Ф. Шопена в хореографии Вала Канипароли и «Поворот по спирали» М. Рихтера в хореографии Рассела Малифанта). Явление Лакарры на любой сцене всегда событие для ценителей балета. Можно бесконечно восхищаться красивейшими линиями ног балерины. А её вдохновенное состояние в танце дарит какое-то особое приподнятое настроение зрителям.

Не хочется показаться снобом, но всё же «Щелкунчик» П. И. Чайковского – это опасная территория для эксперимента. Тем более такого, какой представили солисты Большого театра Ольга Смирнова и Артём Овчаренко в адажио из второго акта этого балета. Его постановку осуществил Ж.-К. Майо (у хореографа название балета звучит как «Щелкунчик-труппа»). Артисты показались скорее в бальном, нежели балетном страстном любовном дуэте. Такое возможно в век тесного взаимодействия жанров, но, к сожалению, тайну музыки ни хореограф, ни исполнители, в чьём танце не было драматизма и явно звучащей трагедии, не постигли. Скорее всего, чтобы понять замысел постановщика, данный дуэт нужно смотреть в контексте целого спектакля, а не концертной программы.

Если Дезмонд Ричардсон из труппы современного балета Complexions (показавшийся в хореографическом номере Дуайта Родена «Сожаление») и через десять лет примет участие в Kremlin Gala, я уверен, он и тогда покажет высочайший класс владения телом. Подобной пластики и координации, пожалуй, сейчас нет ни у кого из современных танцовщиков. Такой Дезмонд один, и пока он в форме – пусть радует всех, кто ещё способен любить настоящее искусство и мастерство.


Яна Саленко и Иван Васильев. Фото Alex Pankov

Достойно на кремлёвской сцене был представлен «Талисман» (grand pas d`ensemble из балета), прошедший не отдельным дуэтным номером, как это часто бывает, а в сопровождении женского кордебалета (артистки театра «Кремлёвский балет»). Солировали Яна Саленко из Государственного балета Берлина и Иван Васильев из Михайловского театра. Балерина станцевала аккуратно и выразительно, с пониманием стиля. Танцовщик же, уже давно являющийся любимцем московской публики, явно небрежно отнёсся к позициям и подходам к прыжкам. Хотя, надо отдать должное Васильеву, так масштабно и энергетически наполнено мало кто сегодня танцует.

По общему впечатлению, без подробного рецензирования всех номеров, стоит сказать, что концерт удался! Однако в нём современные номера по качеству не всегда соответствовали классическим образцам. Что касается составления программы, то здесь, возможно, стоит подумать над тематикой будущего концерта и посвятить его определённому событию или выдающемуся деятелю хореографии. Главное же в другом: подобные гала всегда демонстрируют тенденцию в мире хореографии. Сегодня она такова, что в балете мало настоящих событий, а мастерство или форма превалируют над содержанием и вкусом. Ярких же индивидуальностей вообще по пальцам пересчитать.
----------------------------------
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18967
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Окт 20, 2016 10:42 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016102002
Тема| Балет, БТ, Возобновление"Золотой век", Персоналии, Юрий Григорович
Автор| Светлана Наборщикова
Заголовок| «Золотой век» вернулся в Большой театр
В честь 90-летия Юрия Григоровича ГАБТ включил в репертуар самый гламурный балет мастера

Где опубликовано| © Известия
Дата публикации| 2016-10-20
Ссылка| http://izvestia.ru/news/639374
Аннотация| Возобновление


Фото: Дамир Юсупов/Большой театр

Большой балет возобновил «Золотой век» Юрия Григоровича и теперь может рапортовать о готовности к юбилейному фестивалю в честь маэстро. Десять его постановок уже в афише. «Золотой век» стал 11-м и заключительным в списке спектаклей, показ которых стартует в ГАБТе 2 января 2017 года, в 90-й день рождения хореографа.

«Золотой век» Григорович поставил в 1982-м. Он стал его последним оригинальным балетом, далее последовали возобновления старых спектаклей. Можно сказать, что маэстро, исполнив свою давнюю мечту — создать балет на музыку Дмитрия Шостаковича, охладел к балетмейстерской деятельности. А можно рассудить иначе: в это сочинение было вложено практически всё, что Григорович и его соавтор, художник Симон Вирсаладзе, наработали за долгие годы сотрудничества. Больше сказать было нечего, да и незачем. Эпоха большого балета — не труппы, а мировоззрения — клонилась к закату.

Покинув Большой, Григорович возобновил «Золотой век» в Краснодарском театре балета, а в 2006-м вернул его в Большой — там вновь появились подходящие для этой неоднозначной драмы исполнители. Николай Цискаридзе потряс публику в гламурной роли конферансье. Павел Дмитриченко хлестко, на грани фола представил брутального бандита мсье Жака. Равноценной замены сегодня им нет, но возвращение спектакля можно только приветствовать. В конце концов «Золотой век» исключительно хорош как текст, и зритель с воображением (Григорович имел в виду именно такую аудиторию) может самостоятельно населить его адекватными персонажами.

Формально балет повествует о столкновении хороших рыбаков и плохих нэпманов. С той же формальностью футбольный «Золотой век» Шостаковича рассказывал о хороших советских футболистах и плохих западных капиталистах. На практике же оба художника сталкивают не сюжеты, а популярнейшие художественные эстетики.

С одной стороны — плакатное воспевание трудовых подвигов и обличение тех, кто им препятствует (в России этой тематикой успешно занимался Театр рабочей молодежи — ТРАМ). С другой — любование роскошью. Тем, что трамовцы презрительно именовали «красивой жизнью», а искусствоведы — стилем ар-деко. Это противостояние, завершающееся победой труда (а как иначе, если любители со вкусом отдохнуть оказываются бандитами?) Григорович прослаивает дуэтами главных героев и тем самым «корректирует» композитора, оставившего балет без лирической линии.

Но главная цель хореографа — не труд и не дуэты, а любимый ребенок ар-деко — кабаре, чью утонченную чувственность оттеняет плакатность трудовых сцен и демонстраций. Григорович и Вирсаладзе, пронесшие через все совместные спектакли аскетизм 1960-х, в последнем своем творении углубились в иные ценности.

Скатерти, люстры, абажуры, зеркала, соблазнительные герлс, дамы «на миллион» и вереница галантных кавалеров — вот основной антураж «Золотого века», балета и кабаре с тем же названием. Ну и, конечно же, танцы, танцы и еще раз танцы, увенчанные надрывно-томительным танго.

Нынешние артисты безошибочно распознают пристрастия авторов. Рыбацкие бдения и пролетарские праздники проговаривают мимоходом, зато кабаре подают, смакуя мельчайшие детали, — благо их разнообразие не дает зрителю скучать. Можно лишь жалеть о том, что «Золотой век» возобновлен на Новой, а не на Исторической сцене — подобный музыкально-сценический масштаб требует соответствующего пространства.

Хотелось бы также, чтобы в главном театре страны были представлены все балеты Дмитрия Шостаковича. Такое уже было в 2006-м, когда к «Светлому ручью» и «Болту» в хореографии Алексея Ратманского Григорович добавил двухактную версию «Золотого века». Но эта мечта — из области несбыточных. Кабаре и водевиль (в этом легком жанре Ратманский решил «Ручей») публика обожает, а производственный балет с танцами машин числит по разряду одноразового эксперимента.

В честь хореографа

В программу фестиваля Большого театра, посвященного Юрию Григоровичу, вошли спектакли «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик», «Золотой век», «Легенда о любви», «Иван Грозный», «Тщетная предосторожность», «Ромео и Джульетта», «Раймонда», «Баядерка» и «Спартак». По словам художественного руководителя балета Махара Вазиева, «все силы балетной труппы будут брошены на это событие».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3708

СообщениеДобавлено: Пт Окт 21, 2016 3:17 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016102101
Тема| Балет, Пермский балет, премьера,"Золушка", Персоналии, Алексей Мирошниченко
Автор| Елена ТРЕТЬЯКОВА
Заголовок| Три цигейки для Золушки
Театр оперы и балета просит пермяков поделиться старинной одеждой для новой постановки

Где опубликовано| © Комсомольская правда. Пермь
Дата публикации| 2016-10-18
Ссылка| http://www.perm.kp.ru/daily/26595/3611513/
Аннотация| премьера

Накануне Нового года в Пермском театре оперы и балета состоится премьера «Золушки» (12+). Зрители увидят совершенно новую версию балета Сергея Прокофьева. Согласно идее худрука театра Теодора Курентзиса, действие перенесено в Россию, вернее в Советский Союз, 50-х годов прошлого века.
Конечно, в те годы в СССР с прекрасными принцами была напряженка, в отличие от Золушек. Поэтому главный балетмейстер Алексей Мирошниченко написал оригинальное либретто, а также создал абсолютно новую хореографию, соответствующую времени.
- Интерес к «Советскому проекту» не ослабевает, - считает Алексей Мирошниченко. - Недавно мы в балете на музыкуШостаковича «примирялись» с тридцатыми годами ХХ века, сейчас будем «мириться» с пятидесятыми.
По задумке художников по костюмам, массовка спектакля будет одета в аутентичную одежду 50-60 годов. Поэтому театр обращается к пермякам с просьбой поискать дома старые зимние пальто, ботинки, бурки, валенки, пуховые платки, цигейковые шапки-ушанки для мужчин и женщин – все то, что когда-то носили наши бабушки и дедушки, а сейчас наверняка лежит ненужным хламом.
- Пошивочный цех с благодарностью примет в дар все, что вы сочтете возможным отдать, говорят в театре.
Кстати, премьерные спектакли «Золушки» пройдут с 20 по 24 декабря.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18967
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Окт 21, 2016 10:10 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016102102
Тема| Балет, ТАГТОиБ им.М.Джалиля, Персоналии, Владимир Яковлев
Автор| Анна Залялетдинова
Заголовок| Владимир Яковлев: Не надо «за уши» брать Пуччини и тянуть его в 21 век
Где опубликовано| © sntat.ru
Дата публикации| 2016-10-21
Ссылка| http://sntat.ru/kultura/48417-vladimir-yakovlev-ne-nado-za-ushi-brat-puchchini-i-tyanut-ego-v-21-vek
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ





Художественный руководитель балета ТАГТОиБ им.М.Джалиля в интервью sntat.ru рассказал, почему классический балет бессмертен, какую программу труппа готовит к юбилейному фестивалю Нуриева и почему свобода художника приводит к вульгарщине.

- Владимир Алексеевич, с 1989 года вы руководите балетной труппой, расскажите, почему классика вечна?

- Балет всегда был визитной карточкой России. В те времена, когда балет обосновался на российских просторах, была создана русская балетная школа, она завоевала признание во всем мире. Классический балет - это как симфоническая музыка, когда произведение проверяется годами или столетиями, как картины Леонардо и Рафаэля. Если говорить о нашем репертуаре «Дон Кихот», «Жизель», «Коппелия», «Лебединое озеро», «Спящая красавица» и другие, эти балеты существуют более 100 лет, и каждый академический театр считает обязательным включение в репертуар классических постановок. Эти спектакли выдержали испытание временем благодаря своему художественному уровню: музыка, хореография, либретто, сценография. Конечно, время диктует свои условия, происходит смена оформления, изменилась и техника классического танца, в эпоху Петипа (Мариус Петипа - балетмейстер, законодатель балета, - Ред.) была ниже, исполнительная техника выросла в разы. Ведется много разговоров, что классические балеты не нужны и они устарели, ничего подобного, эти спектакли несут позитивный заряд, публика получает эстетическое удовлетворение от музыки и хореографии. Академические театры поддерживается государством - иначе театр не сможет выжить, ведь декорации и костюмы дорогие, также нужно содержать балетную труппу и приглашать артистов.

- А в чем отличительна черта казанского театра?

- Мы показываем как российской, так и зарубежной публике спектакли с полным составом артистов балета. В искусстве, как и в других сферах, работает сарафанное радио, директора театров общаются друг с другом и дают свою оценку. На протяжении 25 лет мы каждый год гастролируем по Европе, местные недруги говорят, что мы выступаем по закаулкам и шикуем на деньги налогоплательщиков, но это полный бред. Крупнейшие города, такие как Париж, Марсель, Страсбург, Амстердам, Роттердам рады нам. В 2005 году наш спектакль «Щелкунчик» занял 1 место в рейтинге центрального телевидения Голландии «AVRO-2». Эта программа составляет рейтинг за год, просматривая не только балетные и оперные спектакли, но и мюзиклы, представления, в общем, все жанры сценического искусства. Западная публика ждет от русских трупп балетную классику, а не современные спектакли.

- На удивление многие ходят на авангардные постановки…

- Последнее время стало модным переосмысливать классические произведение, иногда это переходит в пошлости и доходит до того, что люди во время классических опер совершают действие, которые человек с нормальной психикой не будет делать у всех на виду. Говорят новый взгляд... Если что-то хотите создать новое, тогда лучше найти новую тему, но не надо «за уши» брать Пуччини и тянуть его в 21 век. Демократия и свобода художника иногда, в зависимости от художественного уровня постановщика, превращается в нечто вульгарное.

- Как на ваш взгляд, балетная школа сегодняшнего дня уступает школе времен СССР?

- Практически ничего не изменилось, наоборот идет более динамичная программа обучения, чем во времена моей учебы. Есть понятие преемственности, это сейчас появилось видео, раньше ведь такого не было, поэтому и традиции, и методику передавали из рук в руки, из ног в ноги. Я еще застал старшее поколение педагогов, которые учились у Агриппины Вагановой. При мне всегда фотография моего педагога Н.А. Зубковского, он сформировал меня как танцовщика и как личность. Он учил меня, его учил предшественник, я учу других и передаю эту традицию дальше, также как и многие другие артисты балета, поэтому ухудшений нет. Слава богу, в этом отношении искусство балета живет.

- Поговаривают, что казанский театр ставит редко национальные балеты…

- Мы не должны просто ставить национальные спектакли, зрители ждут от нас высокохудожественные произведения. В репертуаре театра есть спектакль «Шурале», который уже стал классикой, «Золотая Орда», оперы «Джалиль», «Любовь поэта». К тому же театр не сидит на одних дотациях, а сам зарабатывает деньги. При создании нового произведения мы должны просчитывать не только художественный уровень постановки, но и коммерческую составляющую. А как по-другому, нужно оплачивать труд артистов. Мера ответственности при выборе произведения высокая. Если мы работаем в сфере искусства, то мы не должны показывать публике произведение низкого художественного уровня, звание академического театра нужно оправдывать.

- В преддверии юбилейного 30-го фестиваля классического балета имени Нуриева, какую программу театр готовит для зрителей?

- Сейчас рано говорить о программе, она находится в процессе формирования. Ожидается премьера спектакля «Ромео и Джульетта», на ее подготовку ушел год, также мы ведем переговоры с труппой Мориса Бежара. Однажды у нас уже были попытки показать его спектакль казанской публике, но директор их балетной труппы сослался на экономические санкции.

- А сколько по времени занимает постановка спектакля с нуля?

- От года до трех лет. На первом этапе - это совместная работа либреттиста, композитора, художника и балетмейстера. На втором этапе театр должен принять этот проект. И на третьем этапе уже начинается постановочная работа в балетном зале, на сцене, оркестре. Например, работа над балетом «Сказание о Йусуфе» шла три года, и затраченные усилия увенчались успехом - спектакль получил государственную премию России.

- Задам нескромный вопрос, у нас сильная балетная труппа?

- Не очень прилично себя хвалить, но дважды по телеканалу «Культура» в программе «Большой балет» принимали участие наши солисты - Кристина Андреева и Олег Ивенко, Мидори Тэрада и Коя Окава, и произвели хорошее впечатление. Наша труппа входит в пятерку лучших театров России, а некоторые критики даже говорят, что мы третий театр в стране. В нашей труппе 80 человек от 19 до 38 лет, и труппа является интернациональной - у нас танцуют русские, татары, украинцы, казахи, англичане, японцы и бразильцы.

- Позвольте спросить про ноги балерин. Я видела фотографии рентгена деформированной стопы, выглядит очень ужасающе.

- Страдают не только ноги, но и позвоночник. У меня у самого искусственное колено. Травматичность в балетном искусстве высокая. Благодаря новым технологиям у нас в балетном зале и на сцене специальный смягчающий пол «Арлекин» - двойной, он смягчает приземление актеров. Но все же при плие - удар опорно-двигательному аппарату наносится довольно сильный. Не случайно стаж у артиста балета 20 лет, а у ведущего актера 15 лет.У каждого из них при себе всегда аптечка, как в скорой помощи, чего там только нет и болеутоляющее и мази, уколы. Но к врачам им порой приходится обращаться во время серьезных травм и растяжений.

- А до скольки максимум можно работать в балете?

- Все очень индивидуально. С выходом на пенсию перед артистом стоит вопрос - кем он будет дальше. Хорошо, что открылось хореографическое училище, часть актеров занимается педагогической деятельностью. Сейчас многие актеры, будучи артистами балета, учатся в других учебных заведениях, чтобы после ухода на пенсию могли найти новое применение, иногда ничего общего не имеющего с балетом.
---------------------------------------------------------------------------

Наша справка

Яковлев Владимир Алексеевич

Заслуженный артист России (1996) и Республики Татарстан (1980)

Лауреат приза «Душа танца» в номинации «Рыцарь танца» (2006)

Медаль «За трудовое отличие» (1986 г.)

Медаль «В память 1000-летия Казани» (2001)

Медаль «За доблестный труд» (2011)

Член Союза театральных деятелей РФ с 1982 года.

Родился в 1951 году. В 1969 г. окончил Ленинградское хореографическое училище им. А.Я.Вагановой и был принят солистом в балетную труппу Татарского академического государственного театра оперы и балета имени Мусы Джалиля.

За время работы в театре в качестве солиста балета Владимир Яковлев создал на сцене яркие образы Шута («Лебединое озеро»), Исаака Ланкедема («Корсар»), Нурали («Бахчисарайский фонтан»), Бенволио («Ромео и Джульетта»), Журдена («Мещанин во дворянстве»), Царя («Конек-Горбунок»), Пана («Вальпургиева ночь»), Петра Леонтьевича («Анюта»), Бога («Сотворение мира»), Шурале в одноименном балете Ф.Яруллина и др.

В 1988 г. В.А.Яковлев был назначен исполняющим обязанности главного балетмейстера.

В 1993 г. В.Яковлев стал инициатором открытия Казанского хореографического училища, где в течение нескольких лет занимал пост художественного руководителя и педагога.

С 1989 г. по настоящее время - художественный руководитель балета театра.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18967
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Окт 21, 2016 10:27 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016102103
Тема| Балет, Третий международный фестиваль “Шелковый путь”, Персоналии, Борис Эйфман
Автор| Ольга Шишанова
Заголовок| Квартет расстроенных влюбленных
Где опубликовано| © Новое поколение
Дата публикации| 2016-10-18
Ссылка| http://www.np.kz/cultura/20510-kvartet-rasstroennyh-vlyublennyh.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Третий международный фестиваль “Шелковый путь”, очень насыщенный в этом году, ознаменовался гастрольной постановкой известного хореографа из Санкт-Петербурга Бориса Эйфмана - автора балетного спектакля “Евгений Онегин”, о котором накануне премьеры в Астане маэстро любезно рассказал нашему изданию



- Борис Яковлевич, вы не впервые в Казахстане - в театре “Астана Опера” четвертый сезон не сходит со сцены ваша постановка “Роден”...

- Мы гастролируем по всему миру. Но когда я получил приглашение приехать на фестиваль “Шелковый путь” в Астану, чтобы показать свой новый спектакль “Евгений Онегин” на подмостках, которые являются одними из самых технически совершенных в мире, я очень обрадовался. Меня греют теплые и дружеские воспоминания, связанные с моей предыдущей работой в столице Казахстана, так что сегодняшний мой визит - это возвращение к друзьям. И я очень надеюсь, что привезенный балет будет так же принят, как был принят казахстанской публикой спектакль “Роден”.

- Несколько слов о спектакле “Евгений Онегин”...

- Конечно, мы все знаем прекрасный роман в стихах Александра Пушкина “Евгений Онегин”. Мы все знаем одноименную оперу, но я решил поставить балет, для которого выбрал несколько необычную музыкальную трактовку - в спектакле звучат мелодии Петра Чайковского и одновременно очень известная в свое время рок-музыка ансамбля “Автограф”, точнее, Александра Ситковецкого. Казалось бы, несовместимые вещи, но именно это показало ту сложную атмосферу времени, которое я выбрал для своего балета. То есть я хочу сказать, что перенес действие балета из первой четверти XIX века в конец века XX-го. Причем перенес я это действо в 90-е годы, во времена путча, во времена перестройки - в ту политическую и экономическую систему. Следующее движение идет, как у Пушкина, я погружаю зрителя уже в наши дни, в сегодняшнюю Россию.

- Для чего вы это сделали?

- Уж во всяком случае не для того, чтобы просто взять и проиллюстрировать поэму Пушкина, а для того, чтобы проникнуть во внутреннюю драматургию этого романа и посмотреть, что изменилось за прошедшие почти двести лет. Что изменилось в душе русского человека, а что сохранилось и осталось неизменным. Поэтому я постарался почти абсолютно не менять саму драматургию романа, но изменить время действия. Не случайно даже у меня и сценарий не написан литературным языком, а просто я взял цитаты поэмы Пушкина. Этим я хотел рассказать, что тот конфликт, та проблема, которая волновала великого поэта в его время, актуальна и сегодня, востребована современностью, как и много-много лет назад. Мы показывали этот спектакль во многих странах мира, и везде он имел огромный успех, потому что в нем мы поднимаем те вечные темы, которые всегда волновали человека и те эмоции, которые ему необходимы.

Мы не случайно выбрали этот спектакль для показа и в Астане, он представляет собой квинтэссенцию тех поисков, которые ведет мой театр вот уже почти 40 лет на всем протяжении своего существования. Это еще и поиск возможностей через язык танца, через язык тела выразить эмоцию души человека.

- Каким образом?

- Я пытаюсь создать новый жанр - русский психологический театр балета, в то время как мир уже знает русский психологический театр драмы. И как раз в этом спектакле, я считаю, видны какие-то наши новые поиски, новые идеи - то, что отличает наш театр от многих других балетных театров мира, и то, почему на протяжении многих десятилетий он пользуется большим успехом и востребован. Хочу сказать, что я привез в Астану наш лучший актерский состав, в спектакле заняты ведущие солисты труппы Мария Абашова, Олег Габышев, Дмитрий Фишер, Наталья Поворознюк. Они танцуют этот спектакль со дня премьеры.



- В чем особенность вашей творческой составляющей?

- Когда я думаю о своей жизни, о своем творческом пути, то для меня это всегда было постоянным поиском истины нашего искусства, той новой формы, которая сегодня востребована и необходима в мире. Мы - гастрольный театр, дающий около 80 спектаклей в год, и наша задача - создать такую атмосферу спектакля, которую бы чувствовали, понимали и принимали люди не только разных национальностей, разных культур и религий, но и разных политических убеждений. И чтобы для них наши спектакли явились тем эмоциональным допингом, который, я считаю, людям сегодня нужен. Ведь сегодня в большинстве все зациклены на электронике, на интернете, и с этим спорить бесполезно. Но мы в отличие от электроники можем дать людям живую человеческую эмоцию, которую не получишь путем просматривания телевизора или страниц в интернете. Согласен, что там можно получить информацию, которая стала поистине опиумом, поглотившим мир, но если мы не проникнем в этот поток со своим ручейком чистых, живых человеческих эмоций с помощью движений человеческого тела как выразителя эмоций души, то кто же тогда сможет конкурировать с ними? А ведь мы передаем не просто информацию, а то, что находится в глубине души человека, что объединяет, что интегрирует совершенно разных людей. Но главное - у нас нет языкового барьера, нас понимают везде. В этом уникальность нашего искусства.

- Вы родились на границе с Казахстаном...

- Действительно, я родился в Рубцовске на Алтае, где прожил первые пять или шесть лет своей жизни. Самые яркие воспоминания того времени - степь, снег и кумыс, которым меня поили в те трудные, голодные послевоенные годы. Я думаю, что именно та закалка, которую я получил тогда там - физическая, моральная, наверное, и есть та сила духа, которая помогла преодолеть все сопротивления, проблемы и препятствия, которые встречались на моем жизненном пути. Заложенное с детства здоровье от того сурового климата также помогло мне во многом пройти тот сложный жизненный путь, где из 70 я почти 40 лет руковожу театром, первый спектакль в котором был поставлен в 1977 году на музыку группы “Пинк Флойд”. И это в самый разгар застойного времени! С одной стороны, происходящее тогда вызвало волну негатива со стороны властей, с другой - притянуло к нашему театру сотни людей, которые увидели и поняли, что балет - это не застывшее искусство, а то, что волнует и притягивает, и дает то, чего нет в других видах и жанрах творчества. Вот так на протяжении всего этого мы и идем, ища свой язык, свой репертуар и свой путь к зрителю.



Астана
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18967
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Окт 21, 2016 11:08 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016102104
Тема| Балет, Опера, БТ, Персоналии, Елена Зайцева
Автор| Беседу вела — Ирина Ширинян
Заголовок| Елена Зайцева: «Когда вы видите, во что одет человек, вы сразу можете многое о нем сказать»
Где опубликовано| © Портал "Музыальные сезоны"
Дата публикации| 2016-10-21
Ссылка| http://musicseasons.org/elena-zajceva-kogda-vy-vidite-vo-chto-odet-chelovek-vy-srazu-mozhete-mnogoe-o-nem-skazat/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В середине ноября пройдет встреча с ЕЛЕНОЙ ЗАЙЦЕВОЙ. Тема — «Костюмная феерия императорского балета: мода на старину возвращается». Инфо о встрече далее…



Наш собеседник:

Елена Зайцева — художник по костюмам. Окончила театрально-постановочный факультет ЛГИТМиКа. Работала на киностудии «Ленфильм», в Мариинском театре, Новой Опере. Автор костюмов к оперным, балетным и драматическим спектаклям. С 2003 года заведует мастерскими Большого театра.

МС: Меня всегда занимал вопрос: художнику по костюмам надо придумать костюмы, которые должны соответствовать представлениям отнюдь не самого художника, а скорее режиссёра. Как творческий человек может воплотить идеи другого творческого человека? Наверное, надо быть соавтором?

ЕЗ: Я так скажу: моя внутренняя доктрина сложилась в кино, а в кино режиссёр является головой, автором всего гораздо более, чем это принято в театре. Очень часто в театре возникают какие-то разногласия между художником и режиссёром: например, художник-сценограф создает какое-то пространство, а режиссёру неудобно в нём. В кино так не бывает, потому что всё подчинено воле режиссёра, и это правильно, так как основная идея генерируется режиссёром — это его разговор со зрителем. Моя работа — не разрушить это ни в коей мере, а как бы дополнить, подложить кирпичик с моей стороны; художник по свету — с его стороны, сценограф — со своей. И в этом нет какой-то подневольности, просто ты должен погрузиться в идею режиссёра, раствориться в ней совершенно, отдавая свои творческие способности для получения конечного результата.

Я много работаю с Черняковым, и нельзя сказать, что мы постоянно в какой-то плотной связке обсуждаем костюмы. Нет! Мы начинаем разговаривать задолго до костюмов и совсем не о костюмах, а о самом спектакле: разговариваем-разговариваем, что-то придумывается, он что-то рассказывает, начинают появляться какие-то образы в голове. Потом в какой-то момент я, например, чувствую — всё, поняла, что нужно. Я «отпочковываюсь» и практически отдельно существую. Я не спрашиваю его каждую секунду, что и как. И когда уже есть какой-то готовый результат, тогда он может что-то корректировать… Вот так это бывает.

МС: Важен контакт с режиссёром?

ЕЗ: Я думаю, художник по костюмам не может работать с любым режиссёром, и именно поэтому складываются альянсы, когда людям комфортно друг с другом. Необходимо разговаривать на одном языке, нужен близкий культурный бэкграунд и мировосприятие. Я не скажу, что мы с Черняковым так уж похожи. Он вообще совершенно уникальный человек, и при всём моём опыте (я только с ним больше двадцати спектаклей сделала) с ним я чувствую себя просто школьницей пятого класса. Я так волнуюсь при каждой встрече — как на экзамене.

МС: Почему?

ЕЗ: Он ужасно умный! Чудовищно умный. Какие-то у него такие повороты, я бы даже фантазиями это не назвала. Он читает произведение и из него что-то понимает такое, что когда об этом рассказывает, то думаешь: «Боже мой, как же я не видела этого!». Я сама себя начинаю проверять, действительно ли я этого не видела. Я, когда читаю произведение, скорее воспринимаю его эмоционально, а не логически: например, какой-то персонаж вроде положительный герой, а мне не очень сильно нравится… А когда Черняков раскручивает это всё, то оказывается, что этот герой не просто не положительный, но он гад последний или ещё что-нибудь такое…

Он меня как-то спросил, что для меня главное в отношениях леди Макбет и Макбета. Я подумала и ответила: «То, что она его безумно любит». И слышу в ответ: «Боже мой, сознание пятиклассницы».

МС: И что же главным оказалось?

ЕЗ: В результате? Что она любит его безумно, я думаю. (Смеется.)

МС: Продолжая про Чернякова… Можно сказать, что вы его хорошо чувствуете, работая с ним продолжительное время?

ЕЗ: Наверно, да. Но с ним рядом, мне кажется, все пребывают в состоянии глубокой неуверенности в себе, я и про себя не могу сказать, что всегда уверена, что его удовлетворит результат на сто процентов. Он сам, его перфекционизм, просто удивляет. С одной стороны, он будет докапываться до последней секунды, до последнего стежка. С другой стороны, он очень чёткий человек: он очень точно понимает, чего он хочет, точно к этой цели стремится и добивается её всеми силами. Другое дело, что часто он не хочет, не считает нужным высказаться вслух, вербализовать то, чего именно он хочет. То есть нужно каким-то способом подстроиться и почти догадаться об этом.

МС: А вы полностью принимаете его творчество?

ЕЗ: Да.

МС: То есть для вас нет его удачных и неудачных спектаклей?

ЕЗ: Безусловно, некоторые спектакли мне больше нравятся, некоторые меньше, некоторые ранят мое сердце и меня не отпускают. Иногда я даже пересматриваю собственный спектакль и начинаю рыдать. А какие-то спектакли оставляют меня не то чтобы более равнодушной, но не так берут за сердце. Но это связано с темами, которые он поднимает в разных спектаклях. Я считаю, что спектакли, которые посвящены в какой-то степени поиску себя, Бога в себе и вовне, такие как «Диалоги кармелиток», «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии», — они какие-то совершенно удивительные, пронзительные… Ну, может быть, это та тема, которая для меня очень важна.

А что касается приятия его творчества — безусловно! Я ведь вижу, как он работает. Вполне возможно, он задумывал одно, а зритель считывает другое… Может быть, ему нужно немного объяснить людям, про что он хочет говорить. А он не всегда это делает, поэтому кто-то не всё понимает, не всё чувствует… В его спектаклях есть много нюансов, мелочей, хотя их так и не назовёшь. Этот его взгляд — как крупный план в кино, который зрители в зале иногда не видят просто потому, что надо смотреть в бинокль для того, чтобы увидеть этот крупный план. И всё это настолько им продумано — каждое движение души сопряжено, спаяно с музыкой. Ему абсолютно ясно: вот идёт музыка такая, такая тема, а потом вдруг вот этот аккорд — и на этот аккорд с этим героем произошло вот это… То есть он как режиссёр совершенно точно это знает. Понимаете? И когда наблюдаешь за этим способом работы, невозможно это не принимать. Мне это всё тысячу раз очень подробно и очень логично объяснено. Он может позвонить и спросить: «Скажи мне в стиле блиц, почему то, что мы обсуждаем в спектакле, правильно». Я вот так не умею. А для него в какой-то момент становится всё чётко и ясно. И никаких других вариантов нет. То есть это абсолютная, безусловная логическая цепь, какая-то правда, в которой найдены ответы на все вопросы.

МС: Он для вас убедителен?

ЕЗ: Очень. И его спектакли. Однозначно.

МС: Вам легко делать костюмы для его постановок?

ЕЗ: Нет, конечно. Но мне кажется, если ты создаёшь что-то новое, это всегда тяжело.

МС: А вы чувствуете ответственность, которая лежит на вас за то, в какой костюм одеты герои?

ЕЗ: Честно говоря, я не могу сказать, что чувствую какую-то отдельную ответственность. Я по природе своей ужасно ответственный человек: мне не спится спокойно, когда что-то не доделано. Просто я как-то об этом не думаю, я не могу сказать (охает): «Какая же на мне лежит ответственность!» Нет. Понимаете, это моя жизнь! Я не могу отделить эту работу от своей жизни, поэтому для меня не может быть такого, что вот здесь — жизнь, а где-то там — ответственность…

Безусловно, это трудно, но безумно интересно. Я, наверно, в профессии очень удачливый человек, потому что меня жизнь свела с ТАКИМИ людьми… Я работала с Алексеем Германом в кино, с Дмитрием Черняковым с театре — с великими режиссёрами.

МС: Давайте поговорим про кино.

ЕЗ: Да, я начинала в кино, и произошло это случайно. Я училась в ЛГИТМиКе, и у меня должна была быть преддипломная практика. Всё вело меня в Мариинский театр (я когда-то училась в хореографическом училище и бывала в этом театре). Но тут — поворот судьбы в виде нашей приятельницы, которая искала ассистента художника по костюмам для одной картины. И этим художником была Екатерина Шапкайц. Катя Шапкайц — это просто недосягаемый авторитет, величина, прекраснейший художник и человек, просто бриллиант в моей жизни, которой я многим обязана и благодарна в профессиональном плане. Отработали мы эту картину, которая называлась «Дом на песке», и пошли вместе на другую — «Сны о России» (1990). У нас снимались такие звезды, как Марина Влади, Евгений Евстигнеев, оба Соломиных, Олег Янковский. На основе этой картины я сделала диплом «Исторические костюмы в кино». А потом Герман запустил «Хрусталев, машину!» — это уже было лето 1991 года.

МС: И как там, в кино?

ЕЗ: В кино? Там, в кино, по-другому! Но очень интересно тоже. Герман был такой же невероятный перфекционист, как и Черняков. У него так: «Пока нет результата, я ничего дальше не делаю; пока я не нашёл главного героя, я не снимаю». Поэтому, например, на генерала Кленского, которого в результате сыграл Юрий Цурило, пробовались Александр Абдулов, Михаил Ширвиндт, Александр Кайдановский — кто только не пробовался! У нас были пробы, пробы, пробы… Очень всё серьёзно было: огромный коридор, завешанный тысячами фотографий людей того времени, сцен, и мы вживались в этот образ. И это так было здорово, так интересно, потрясающе.

МС: Костюм для меня всё же определяется временем, в котором происходят события. Можно сказать, что этим временем задаются и рамки вашего творчества?

ЕЗ: Почему? Разное кино бывает. Бывает кино, в котором нет времени…

МС: И правда…

ЕЗ: Там ещё сложнее! Костюм, вы правы, — это такая вещь, которая всё равно вас куда-то ведёт. Когда вы видите, во что одет человек, ваш ассоциативный ряд считывает: тепло или холодно в той стране, где он живёт, бедно или богато, хорошо ли он живёт или тяжело — всё это вы понимаете в один миг, в одну секунду, как только человек перед вами появился. А дальше уже начинаются какие-то мелкие (если режиссёру это нужно) приметы времени. Герман, безусловно, вскрывает этот исторический пласт, пытается показать время так объёмно, чтобы мы его почувствовали. И часто бывает, что его правда — это не совсем правда, а художественная достоверность. То есть я, как зритель, абсолютно верю в это… Приведу один очень яркий пример: у Германа в картине «Проверка на дорогах» есть такой кадр, когда Заманский стреляет из автомата, расстреливает-расстреливает, и потом он бросает этот автомат, который падает в снег и от него идёт пар, и снег начинает шипеть, как на раскалённой сковородке. Это совершенно удивительный, запоминающийся образ, который впечатывается в мозг. Не знаю, шипит ли на самом деле снег таким образом или просто начинает таять вокруг горячего автомата, но образ получился настолько яркий и достоверный, что веришь этому абсолютно. Или в фильме «Мой друг Иван Лапшин» в финале, когда едет трамвай с оркестром, — думаю, не ездили такие трамваи. Но опять же образ этого проезжающего трамвая, которого ты стоишь ждёшь и мёрзнешь на остановке, а он мимо тебя пилит с оркестром, очень яркий, объёмный, он много-много тебе даёт, притом что, может быть, это неправда.

То же самое и в костюме: какая-то деталь может быть выдуманной (не одевались так люди в этом конкретном историческом периоде), но для яркости и глубины восприятия это оказывается необходимо. В «Хрусталёве» одну из ролей играла Генриетта Яновская. У нас были антикварные платья — полжизни было потрачено, чтобы набрать этот исторический гардероб, очень точный и подробный. У неё было шелковое платье, сверху кружевная накидка (такие носили в начале 50-х годов), а сверху ещё меховая накидка. В общем и целом вряд ли какая-то женщина так бы оделась, но Герману это было надо…

МС: Штрихи, чтобы подчеркнуть характер?

ЕЗ: Да. Нужно было, как говорится, добавить туда перца. То есть костюм — всё равно не просто историческое платье, там должно быть что-то ещё… В кино существует подготовительный период: ты должен набрать какой-то определённый гардероб, особенно для массовых сцен. Потому что в кино никогда не знаешь, кто будет. У нас в театре мы знаем: массовые сцены — это хор или кордебалет, мы их знаем всех по фамилиям, мы понимаем, кто выйдет на сцену. А у Германа, например, когда съёмки были в Москве, у нас была база — огромное, как спортивный зал, помещение, заставленное вешалами с костюмами. Ежевечерне мы приезжали на эту базу, и к нам приходили артисты, массовка. Каждый день новые люди. Иногда их было пятьдесят, а иногда до двухсот человек, и мы должны были их одевать. Потом приезжал Герман, и он принимал эти костюмы: выстраивались десять человек и он на них смотрел. Мог даже спросить, почему на актёре именно этот пиджак, например. И нужно было объяснить: это «пиджак отца, погибшего под Берлином», поэтому он его носит. То есть должен был быть какой-то смысл в том, во что одет этот человек, кроме того, что он должен быть одет в вещи, которые соответствуют историческому периоду.

МС: Получается, что у вас тоже своя история для костюмов и для людей?

ЕЗ: Какая-то маленькая — да.

МС: То есть вам приходится отвечать на вопрос «почему», и это уже начало истории.

ЕЗ: Конечно. Но, честно скажу, что не все режиссёры даже задают себе этот вопрос. У каждого свой способ работы. И, может быть, такой способ работы — «вопрос — ответ, ответ — вопрос» — не для всяких произведений подходит. Но я так работаю. Даже когда делаю балет, я тоже себе пытаюсь задать этот вопрос: «А почему? А что?» Вот «Дон Кихот». Если помните, у нас в старом «Дон Кихоте» Китри была вся в золотых кружевах, такая вся прекрасная. Но почему эта девчонка, непослушная дочка трактирщика, должна быть в золотых кружевах? Она не может быть так одета: она должна быть простой девчонкой, такой же, как все на этой площади.

МС: Вот мы и перешли к балету. Почему балет? Потому что сами занимались танцами?

ЕЗ: Свой первый балет я сделала в Мариинском театре. Моя работа художника-технолога началась с костюмов для оперы Вагнера «Парсифаль», и после этого проекта меня пригласили уже на постоянную работу в Мариинский. Потом вдруг, случайно мне предложили сделать оперу «Летучий голландец», опять же Вагнера. Страшно было! Я думала, умру от страха. Но получилось — сделали «Летучий голландец». А затем был очень интересный проект — реконструкция «Спящей красавицы» с Серёжей Вихаревым (мы знакомы ещё с хореографического училища). Это, собственно говоря, был мой первый балетный опыт. В общем, я оказалась в этом проекте, и мы стали восстанавливать костюмы, опираясь на эскизы Всеволожского. Работа была очень интересная, но в то же время очень сложная: с одной стороны, Серёжа хотел аутентичности, а с другой, я думаю, она вообще невозможна.

МС: Это очень интересная тема! Я в прошлом году была в Нью-Йорке на премьере «Спящей красавицы» Ратманского. Перед премьерой было заявлено, что костюмы для спектакля сделаны по эскизам Бакста. Но на самом деле ничего даже близкого не получилось. Мне по душе то, какой получилось «Спящая» у Вихарева, хотя вопрос остаётся — возможно ли игнорировать сегодняшний день, реконструируя балет, созданный более 100 лет назад.

ЕЗ: Мне тоже многое в этом спектакле нравится, хотя я очень критична. Работа по адаптации «Спящей красавицы» получилась интересной. Но я до сих пор считаю, что не существует этой реконструкции как таковой. Всё равно это некое преломление. То, чего мы пытались достичь, — это произвести на зрителей впечатление, аналогичное тому, которое было произведено тогда. Сейчас поясню. У нас там было дефиле сказок: вот идёт Фея Сирени, у неё совершенно не балетный костюм — она в туфлях на каблуках, и у неё есть жезл, который у Всеволожского сделан из ботанических, выглядящих как настоящие, цветов. Мы стали делать такие же, и я вижу, что сегодня такими цветами мы не произведём впечатления на зрителя. Мы придумывали-придумывали и сделали цветы на жезле более ювелирными, такими, чтобы у зрителей было ощущение какого-то чуда. Тогда я поняла, что нам нужно знак равенства ставить не предмет к предмету, а стремиться к наиболее важным вещам — форме, силуэту, но так, чтобы произвести подобное по силе впечатление на зрителя. В костюме для Спящей красавицы важна была длина пачки, мягкость формы, которая позволяла двигаться балерине.

МС: Вы любите заниматься балетными костюмами?

ЕЗ: Ну, не знаю. Не могу сказать. Я вообще люблю свою работу.

МС: А в Большом?

ЕЗ: Вскоре после моего прихода в Большой театр Алексей Ратманский и Юрий Бурлака начали работу над «Корсаром». Алексей интересный, мыслящий человек, очень любопытный и постоянно ставит вопросы. Для него, например, был вопрос, который мы на полном серьёзе решали: а что такое «Оживлённый сад», кто такие эти девушки. И мы долго эту тему обсуждали, потом нашли очень конкретное, простое, для меня кристально чистое решение: вот сидит себе Сеид-паша, у него есть гарем, в котором так много наложниц, которых он даже в лицо не знает. Девушкам скучно, вот они и устраивают домашний театр, а заодно и ублажают своего Сеида-пашу. Вечерами они шьют себе костюмчики, украшают их розами, которые сорвали с розового куста в своём саду. А когда к Сеиду-паше приходят гости, то первое, что он делает, он угощает их шербетом и показывает наложниц. Это просто домашний театр. И как-то оно всё так встало на свои места от этого, сразу стало понятно, кто они, что они, зачем они, почему они…

Костюмы для балета создавались на основе костюмов Евгения Пономарёва. И если Всеволожский очень карикатурный, очень персонажно ёмкий, то Пономарёв, наоборот, пошел с другой стороны — этнографической, то есть у него эти девицы на базаре (сцена, с которой начинается «Корсар») — представительницы всех греческих островов. Он собирает из них как из мозаики определённую картинку, по цвету всё гармонично. Костюмы корсаров тоже греческие, а в греческом костюме мужчины в юбках, штанах, гетрах, рубашках, жилетках, парике, головном уборе. Когда артисты это увидели, они меня чуть не побили! «Так невозможно танцевать — и в штанах, и в юбке, как это может быть! Ты не понимаешь, в этом же невозможно вращаться». Прямо целый сыр-бор разгорелся. Но теперь они уже привыкли — сколько лет спектаклю. Сейчас были в Лондоне: я на них смотрю и вижу, с каким удовольствием они в это играют, в этом есть своя жизнь. Они облачаются в эти костюмы и становятся другими людьми, у них глаза горят: кто-то косичку себе заплетёт, кто-то кинжалы за пояс засунет — они превращаются в корсаров. И я считаю, что в большой степени это зависит от костюма: если бы это был обычный балетный костюм (без юбки, без штанов), то этой красочности, сочности, этого средиземноморского солнца не было бы…

МС: Возвращаясь к «Дон Кихоту»…

ЕЗ: Да, был в прошлом сезоне …

МС: Вы, наверно, слышали, что не всем понравились костюмы. Вам это важно, интересно?

ЕЗ: Знаете, с «Дон Кихотом» история сложная получилась. Не должна была я делать эти костюмы, просто Валерий Яковлевич Левенталь не успел их сделать. Он умер, и мы остались без костюмов, а они были срочно нужны. Я даже не знаю, почему я стала их делать, — решили, что больше некому. Это раз (как говорит Черняков). Два — жизнь и традиции этого спектакля, которые в Большом театре существуют: каждый же знает, в чём он танцевал тридцать лет назад, и тот костюм, понятно, был гораздо лучше. И три — безусловно, очень сложно вписываться в то, что уже было сделано Левенталем. Мне кажется, что Валерий Яковлевич был уже очень болен, когда делал эти декорации. И, безусловно, внутреннее состояние художника не может не проецироваться на его работу, поэтому получилась какая-то местами философическая, но достаточно грустная и тёмная история, которая не очень, мне кажется, этому спектаклю подходит. И Алексей Фадеечев как раз хотел сделать очень московский светлый спектакль, и его просьба заключалась в том, чтобы высветлить сцену: «Я не могу на это чёрное смотреть. Пожалуйста, самое светлое, что ты можешь».

МС: По настроению и музыке он должен быть таким.

ЕЗ: Это да, мы даже не будем об этом спорить: у кого-то таким, у кого-то сяким. К сожалению, так получилось, что Алексей не имел возможности поработать с Валерием Яковлевичем. Это просто факт, который имеет место быть. Поэтому какие-то костюмы, может быть, я в других декорациях и не делала бы (например, фанданго таким белым). Может быть! А может быть, был бы другой какой-то цвет. Но здесь у меня стояла задача костюмами добавить жизнерадостности, настроения. Поэтому пришлось не вписывать костюмы, а наоборот — оторвать и оттянуть. И если говорят: «Вот, костюмы оторваны от декораций», я говорю: «Слава тебе господи, это то, чего я добивалась, это то, о чём просил балетмейстер». Тем не менее, я думаю, спектакль получился, и работа шла с большим энтузиазмом. Сам Алексей Фадеечев располагает к этому: наисветлейшая личность — как он ведёт репетиции, как он делает замечания. От него исходит удивительный поток светлой энергии, он заражает своим юмором. Замечательный человек, который, я считаю, труппу очень взбодрил на этой постановке — они просто все взвелись, и было интересно.

МС: А ещё к каким спектаклям вы делали костюмы?

ЕЗ: Были «Эсмеральда», «Пахита». Когда мы делали «Эсмеральду», на какие-то эскизы мы могли опираться, а каких-то уже не было. А хотелось, чтобы спектакль заиграл, стал живым, чтобы это всё не было картонным: это грустная, трагическая история, и хочется, чтобы люди, которые окружают Эсмеральду, воспринимались бы нами как живые. Да, в том времени, но живые люди. И у меня это получилось сделать, я считаю.

МС: Выходит так — в кино всё подчинено воле режиссёра, а в музыкальном театре, о котором мы сейчас говорим, всё подчинено жанру. То есть балет определяет костюмы — удобно или неудобно танцевать?

ЕЗ: Нет!

МС: Нет?

ЕЗ: Нет, этим не определяет. Конечно же, нужно про это думать, это такая техническая составляющая: нужно сделать так, чтобы было удобно танцевать. Но «удобно» — это неправильное слово, потому что танцевать неудобно. Удобно лежать дома на диване. Неудобно всё — это всегда преодоление. Но просто надо сделать так, чтобы костюм делал возможным это преодоление и не мешал бы ещё больше. В опере — тоже бешеное преодоление: петь, следить за дирижёром, держать в мозгу музыкальный текст, словесный текст, эмоциональный подтекст, задачи режиссёра, контакт с артистами вокруг тебя, с твоими партнёрами — это просто такое количество задач на одного артиста, что просто бросай гранату! Поэтому тоже, конечно, думаешь об этом. В общем, палка о двух концах.

С одной стороны, можно облегчить донельзя костюм, можно визуализировать его таким образом, чтобы он казался тяжёлым, а на самом деле был лёгким. Ну, к примеру, шуба Бориса Годунова на коронации. Технически сейчас существуют способы, чтобы сделать эту шубу гораздо более лёгкой, чем она есть. Но есть два «но». Первое «но»: эта визуализация работает только в статике; то есть если человек начинает двигаться, вы сразу видите, что костюм лёгкий как халатик… А, во-вторых (это уже моё личное мнение, может, меня ненавидят за это артисты), я действительно считаю, что когда Годунов выходит после коронации на площадь, то невероятно тяжёлым грузом лежит у него на плечах вся страна. Он её взвалил на себя. И я считаю, что любому артисту в этой роли по-хорошему гораздо правильнее ощутить эту тяжесть, эту весомость и через костюм тоже, чем быть в каком-то халатике и изображать тяжесть костюма и тяжесть ноши, которую он на себя возложил только что. Я правда так думаю: тяжёлый костюм тянет его к земле.

МС: Когда видишь, какие нагрузки у артистов балета во время спектаклей, то непонятно, как они всё это умудряются делать ещё и в костюмах. Да и певцам тоже непросто на сцене!

ЕЗ: Я хочу так сказать: в балете, даже если артисты голыми будут танцевать, всё равно они будут истекать потом. Что касается певцов, то та же история. Например, с Черняковым у нас была премьера «Иоланты» в Париже, в Опере Гарнье. В «Иоланте», если вы помните, у нас вообще все в зимних пальто ходят, на натуральном меху. У нас была там прекрасная команда, короля Рене пел Александр Цымбалюк. Я говорю: «Саша, тебе повезло больше всех! У тебя огромная мохнатая шапка!» Ещё огромный воротник, с натуральным волчьим мехом, внутри тоже мех. Хоть и не целиком, но всё же. Шапка — вот такая! Он отвечает: «Ну что ж…» А потом, уже после спектакля, он мне говорит: «Знаешь, как я себя чувствую в этой шапке и в этой шубе? Я просто себя чувствую королем, мне это так помогает!»

МС: Всё неоднозначно. Вы мысленно на себя костюмы примериваете?

ЕЗ: Я — нет.

МС: Нет? Ну, а балетные? Вы же танцевали, вы же понимаете, как это.

ЕЗ: Я понимаю, но мысленно не надеваю. Я как-то по-другому это ощущаю. Но, конечно, я об этом думаю и чувствую. Например, тот же «Герой нашего времени» — очень любопытной была работа. В самом начале, если помните, Бэлу вносят в восточных нарядах, в чадре, у неё двести пятьдесят тысяч одёжек и все без застёжек; очень было сложно это сделать. Потому что эта её чадра — достаточно тяжёлая вещь, на Востоке в этих чадрах какой-то микрокосмос внутри — даже температура другая. Жара с улицы внутрь не проникает: там 36,6° остаётся, а на улице может быть 54°. И когда начали делать костюм, то, с одной стороны, это должно было быть подробно, «музейно», с другой — это балет и с третьей — определенная визуальная картинка. И самое главное было найти тот баланс, который позволяет показать, что она из другого мира. Бэла — цветок, облаченный в золото, другое экзотическое существо, которое встречается Печорину. И когда с неё спадают одежды, открывается лицо (вначале чуть-чуть, потом больше), и она, наконец, остаётся в черкесском платьице — мы понимали, что дуэт она будет танцевать именно в нём. Как объяснил Юра Посохов, в её вариации много вращений, и поэтому в платье юбка разрезная и при вращении раскрывается, как лепестки цветка. А когда она и это платьишко снимает, тогда уже всё легко — шаровары и лифчик; это уже балет. Да, я считаю, что какие-то моменты очень даже красиво получились.

А ещё была очень сложная работа с костюмом Алевтины. Мы её назвали Алевтиной — жирная женщина в «Тамани», силиконовая туша. Но ребята такие молодцы: со Славой Лопатиным у нас был миллион примерок, и те, кто силиконовую тушу делал, тоже очень старались. В конечном итоге впечатление на зрителя она произвела…

МС: Интересная у вас работа! Жаль, что надо заканчивать беседу, а то так бы и слушала… Спасибо вам!
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18967
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Окт 22, 2016 12:42 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016102201
Тема| Балет, "Киев модерн-балет", Персоналии, Раду Поклитару
Автор| Екатерина Константинова
Заголовок| Раду Поклитару: "Десять лет? Не верю!"
Где опубликовано| © Зеркало недели
Дата публикации| 2016-10-22
Ссылка| http://gazeta.zn.ua/CULTURE/radu-poklitaru-desyat-let-ne-veryu-_.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



В октябре отмечает свое 10-летие "Киев модерн-балет" — один из самых успешных творческих коллективов Украины, которым руководит Раду Поклитару. К юбилею "модернбалетовцы" вспомнят и покажут один из своих первых спектаклей, "Кармен. ТВ" (балет в двух действиях на музыку Ж.Бизе), а вскоре отправятся на фестиваль IFMС в Витебск. Разные источники называют 25 октября 2006 официальной датой рождения этого коллектива. В тот вечер в 2006-м и состоялась премьера "Кармен TV", впоследствии отмеченный целой охапкой театральных премий. Свой театр Раду Поклитару создал при действенной финансовой поддержке мецената Владимира Филиппова. И, как оказалось, меценатские вложения в искусство были не напрасны: "Киев Модерн-балет" стал опознавательной визитной карточкой современной украинской хореографии во всем мире. Свидетельством тому — и приглашения на разные фестивали, и международные награды. Не имея своего помещения, этот театр с 2009-го соседствует в одном здании на Подоле вместе с Киевским Муниципальным академическим театром оперы и балета для детей и юношества. За десять лет Раду Поклитару и его команде удалось создать оригинальный и для многих завидный репертуар: "Палата № 6", "Щелкунчик", "Болеро", "Дождь", "Жизель". За недавние проекты ("Женщины в ре-миноре" и "Долгий рождественский обед") Раду Поклитару получил Национальную премию имени Тараса Шевченко.

— Как будете отмечать 10-летие театра — в чем особенности юбилейной программы? Будет ли тур по городам Украины?

— Когда думали, как отметить 10-летие, все сошлись во мнении, что смысл существования театра — показ спектаклей. И ничего лучше и символичнее, чем показ нашего первенца, балета "Кармен.TV", придумать невозможно. Также издали большой фотоальбом, в котором отражена история театра. До сих пор не верю, что прошло 10 лет. Кажется, что это было буквально вчера. И глядя вперед, я думаю, что у нашего театра-юбиляра впереди захватывающее творческое будущее.

— Существует ли статистика у "Киев Модерн-балет" — сколько за десять лет вы сыграли спектаклей и в скольких странах побывали с гастролями, фестивалями?

— Сухая статистика не очень свойственна творческим людям. Поэтому, несмотря на то, что это возможно, мы пересчитывали все спектакли, города, страны... Навскидку могу перечислить: Румыния, Испания, Южная Корея, Китай, Польша, Португалия, Эстония, Белоруссия, Молдова, Франция... Наверняка что-то не упомянул...

— Каковы ваши ближайшие фестивальные и гастрольные маршруты и какие названия из вашего репертуара сегодня наиболее интересуют зарубежных импресарио?

— Ближайший фестиваль, на который едет наш театр, — IFMC (Витебский фестиваль современной хореографии). Это старейший на постсоветском пространстве форум современного танца. Все сегодняшние мэтры прошли через витебский фест. На сцене Большого театра оперы и балета Белоруссии, где я протанцевал 10 лет, а затем в Витебске "Киев модерн-балет" покажет нашу "Жизель". Приятно, что многие артисты театра примут участие в фестивальной конкурсной программе как хореографы.

— Каков главный — лично для вас — итог творческой деятельности театра "Киев Модерн-балет"? То есть — удалось ли сделать то, что планировали?

— Дело в том, что когда организовывался театр, ни о какой 10-летней программе речь не шла. Поэтому нечего сверять! На мой взгляд, то, что театр до сих пор существует, и не просто существует, а превратился в мощный профессиональный творческий коллектив — это и есть главное достижение 10 лет. Мы романтизируем первые годы работы театра, это же первый состав труппы! Нет сомнений, что этот период пропитан романтикой первых свершений и невероятным энтузиазмом исполнителей. Но... сейчас уровень на порядок выше.

— Если смотреть в перспективу — могут ли появиться в вашем театре на постановки звезды мировой хореографии, даже с учетом того, что это ваш авторский театр?

— Я уже давно снял мораторий на абсолютную "авторскость" "Киев модерн-балета". Многие артисты дебютировали как хореографы со своими миниатюрами и спектаклями, многие собираются это сделать в будущем. Что касается звезд мировой хореографии... К сожалению, все упирается в финансы.

— Можно ли говорить, что в Киеве, где вы работаете уже десять лет, образовался некий фан-клуб вокруг вашего театра? Если да, то кто эти люди?

— Не берусь назвать нашу аудиторию фан-клубом. Без всякого сомнения — своя публика у театра есть. Мне трудно создать "обобщеный портрет". К счастью, наши зрители — невероятно разные.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18967
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Окт 22, 2016 9:46 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016102202
Тема| Балет, Ростовский государственный музыкальный театр, Премьера
Автор| Николай Грищенко (Ростов-на-Дону); Фото: Тагир Раджавов
Заголовок| В Ростове состоялась премьера балета "Снегурочка"
Где опубликовано| © Российская Газета-
Дата публикации| 2016-10-22
Ссылка| https://rg.ru/2016/10/22/reg-ufo/v-rostove-sostoialas-premera-baleta-snegurochka-s-3d-dekoraciiami.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



В Ростовском государственном музыкальном театре состоялась премьера двухактного балета "Снегурочка".

ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Балет поставлен на музыку Петра Чайковского, который никогда не писал специальной музыки для хореографического спектакля "Снегурочка". В партитуру "Снегурочки" вошли сочинения Чайковского - отрывки из музыки к "Весенней сказке" Островского, фрагменты из "Времен года", Меланхолической серенады и симфоний. Однако балетмейстер-постановщик спектакля - заслуженный артист РСФСР Марк Перетокин уверен, что специально подобранные партитуры композитора составят с хореографическим решением спектакля одно целое.

Все сценические образы придумала художник по костюмам Наталья Земалетдинова. Это не только облик солистов и артистов кордебалета, но и внешний вид хора, который в спектакле так же выходит на сцену.

Художественное оформление ростовской постановки совершенно новое. Автору декораций - художнице Ирине Агуф удалось создать на сцене волшебное пространство. Лубочные картинки сочетаются здесь с 3D-декорациями, рисующими "дышащие" пейзажи. Образы природы, воплощенные сценическими средствами, становятся полноправными действующими лицами в спектакле, они живут вместе с персонажами и играют важную роль в развитии сюжета.

"Снегурочка" стала уже пятым балетом, поставленным на музыку Петра Чайковского в Ростовском музтеатре. Зрители уже видели "Лебединое озеро", "Спящую красавицу", "Щелкунчика" и "Драму на охоте".


Последний раз редактировалось: Елена С. (Сб Авг 25, 2018 8:46 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18967
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Окт 22, 2016 12:39 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016102203
Тема| Балет, Персоналии, Иветт Шовире
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| Этуаль на век
Умерла Иветт Шовире

Где опубликовано| © "Коммерсантъ" от 20.10.2016, 21:25
Дата публикации| 2016-10-20
Ссылка| http://www.kommersant.ru/doc/3121160
Аннотация| НЕКРОЛОГ


Фото: Eustache Cardenas / AP

На сотом году жизни умерла Иветт Шовире — главная этуаль ХХ века, балерина, заново утвердившая французский балетный академизм.

С ее именем принято связывать возрождение французской классической школы. Собственно, Иветт Шовире и являлась ее идеальным воплощением. Ее совершенный танец не знал случайностей: самые пылкие страсти были облачены в изысканную форму безупречных поз, романтическая патетика жестов никогда выходила за установленные рамки, чистоту позиций не смазывала даже сценическая смерть ее героинь. В балете ХХ века она воплощала принципы главных стилей французского театрального искусства: классицизма XVII столетия и романтизма XIX века. Впрочем, сама она об этом не подозревала, поскольку была поглощена тем, что делала ежедневно с утра до поздней ночи — уроками, репетициями и выступлениями. Недаром Жан Кокто называл ее «трудолюбивой и воздушной», поставив трудолюбие на первое место.

В своих мемуарах Иветт Шовире утверждала, что главное условие профессии балерины — железное здоровье. И тут же с рациональным оптимизмом радовалась своей больной печени, не позволявшей есть то, чего не следует артистке балета. Свою профессию она считала «священным служением, полным самоотречения и несовместимым с нормальной семейной жизнью». Однако рассуждала о ней без доли патетики, с трезвостью средневекового ремесленника. Тоненькая книжица «Я — балерина», написанная Шовире в 1961 году на пике славы и всемирного признания, на три четверти состоит из детального разбора балетного труда. О преимуществах дубового планшета сцены над еловым написано едва ли не больше, чем о роли Жизели, о смеси пыли с канифолью, которой всю жизнь дышит балерина,— куда подробнее, чем о цветах и овациях. Немецкая оккупация Парижа, во время которой мастерство Шовире достигло расцвета, а сама она — звания «этуаль», высшего в балетной иерархии, не замечена ею вовсе. Возможно, потому что как раз в это время она нащупала суть балетной карьеры: «Сначала ты борешься за получение ролей, потом за их сохранение — молодые соперники ловят твои малейшие промахи». Промахов Шовире не делала, хотя поступки совершала решительные: дважды уходила из Парижской оперы, пока не добилась исключительного контракта, обеспечившего ей полную свободу танцевать, где хотелось и что хотелось. Такого больше не удалось никому и никогда — звезда другой эпохи Сильви Гиллем, пытавшаяся выбить такие же привилегии, была вынуждена уйти из Парижской оперы.

Впрочем, в отличие от Гиллем, не жажда экспериментов гнала Иветт Шовире из alma mater: где бы она ни танцевала впоследствии — хоть в пыльной американской глубинке, хоть в солнечном Монте-Карло — она всегда оставалась воплощением французского академизма. Академизма ХХ века — той новой его ипостаси, возникшей из смеси итальянской и русской школы и облагороженной французским академизмом старинной выделки, в создании которой Иветт Шовире приняла самое непосредственное участие.

Дочь чертежника и модистки, большая любительница поплясать, но в глаза не видевшая балета, способная десятилетняя девчушка без проблем поступила в школу Парижской оперы. И тут же испытала на себе тяготы будущей профессии: мадемуазель Куа, учительница младших классов, щедро охаживала учениц гибкой тростью, прививая навыки итальянской виртуозности. Иветт принимала педагогические побои с благодарностью: с мадемуазель Куа она не расставалась девять лет, беря у нее частные уроки и после того, как вышла из подросткового возраста. В кордебалет пятнадцатилетнюю труженицу приняли в 1932 году — в самую удачную пору. Как раз в то время 27-летний Серж Лифарь, хореограф, танцовщик и главный балетмейстер, радикально реформировал одряхлевшую Парижскую оперу, безостановочно ставя собственные балеты, реанимируя почившую классику XIX века, давая уроки дуэтного танца в духе «русской школы» и практически заново формируя труппу. Юная виртуозка отправилась на выучку к русскому педагогу Борису Князеву — постигать иные основы координации, вырабатывать гибкость, лиризм и эмоциональность.

Лифарь, пестуя новое звездное поколение, быстро продвигал по карьерной лестнице свою трудолюбивую протеже – уже в 20 лет она стала «первой танцовщицей». 31 января 1941 года, исполнив роль ассирийской богини в балете Лифаря «Истар» и превратив эротику танца семи покрывал в ритуал классицистской трагедии, Иветт Шовире завоевала звание этуали.

Сергею Лифарю, своему Пигмалиону, она отвечала бесстрашной благодарностью: в 1944-м, когда того обвинили в сотрудничестве с нацистским режимом, балерина явилась в прокуратуру прямо с репетиции в «шопеновской» пачке — вечером у нее была премьера в «Жизели», но она торопилась заявить, что Парижская опера была спасена именно благодаря Лифарю. А два года спустя вслед за удравшим из Франции Лифарем переехала в Монте-Карло. В Парижскую оперу она вернулась уже в 1947-м, вместе с наставником и хореографом.

За свою долгую сценическую жизнь она перетанцевала сотни ролей, начиная с 1929 года, когда ученицей школы впервые вышла на сцену Парижской оперы в балетике «Веер Жаннин», сумев, однако, оценить прелесть костюмов Мари Лорансен, и заканчивая партией Графини (Comtesse) в «Раймонде», которую ей предложил Рудольф Нуреев с 1983-м. Сама Шовире предпочитала балеты, поставленные специально для нее,— в них ни одна преемница не могла с ней сравниться. «Классическое па-де-де», сочиненное Виктором Гзовским на музыку Обера, сохранило нам хореографический портрет Шовире: аристократическая элегантность и победительная виртуозность. Смешать эти качества в должных дозах и подать па-де-де с таким королевским щегольством, как его первая исполнительница, до сих пор не удалось никому.

Не желая сравнений с другими балеринами, Шовире не слишком жаловала классику, где ее исполнение оказывалось лишь звеном в длинной исторической цепи интерпретаций других артисток. Нежно — и ревниво — она любила лишь партию Жизели: в начале карьеры настойчиво добивалась дебюта в одноименном балете. Им же 55-летняя балерина прощалась со сценой Парижской оперы в 1972-м, его же исполнила и в Большом театре с московской труппой. Обычно скупая на комплименты Галина Уланова, лучшая советская Жизель того времени, честно похвалила французскую перфекционистку, отметив «высокую культуру танца, строгий вкус и особое, только ей присущее поэтическое своеобразие». Собственно, для всего мира эти качества и являются синонимом французского балета.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Чт Ноя 03, 2016 4:20 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18967
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Окт 22, 2016 2:15 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016102204
Тема| Балет, Эстонская национальная опера, Гастроли в Москве
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| В "Геликон-опере" показали "Гоблина"
Где опубликовано| © Газета "Коммерсантъ" №194, стр. 11
Дата публикации| 2016-10-19
Ссылка| http://www.kommersant.ru/doc/3118899
Аннотация| ГАСТРОЛИ


Фото: Анатолий Жданов / Коммерсантъ

В Москве в рамках обменных гастролей "Геликон-оперы" и Эстонской национальной оперы показали спектакль "Гоблин" ("Домовой") — новую версию первого эстонского балета, сочиненного композитором Эдуардом Тубиным в 1943 году и тогда же поставленного в Тарту, в театре "Ванемуйне". В основе и сюжета, и музыки — фольклорные мотивы, трактовать которые можно, конечно, по-разному. Мы можем только догадываться, о чем танцевали этот балет во время фашистской оккупации, но сейчас его мораль коммунистически прямолинейна: "Гоблин", поставленный в прошлом году хореографом Мариной Кеслер,— балет о том, насколько опасна жажда наживы.

По сюжету алчный Мастер (Денис Климук), владелец небольшого предприятия, продает душу дьяволу в обмен на гарантированное и непрестанное обогащение, обеспечить которое должен Гоблин (Энеко Аморос) — мифическое существо, отданное в услужение новому хозяину. Падающие с небес (с колосников) бумажные деньги и мелькающие на заднике цифры растущего банковского счета хозяина производят сильное, но неприятное впечатление на честных тружеников во главе с Батраком, влюбленным в хозяйскую дочку: деньги они топчут и рвут, а Гоблина бьют ногами. Мастер, занятый проматыванием состояния в обществе дьявольских пособников обоего пола, не проявляет должного сочувствия к побитому добытчику (на фото), и обиженный Гоблин, устроив вселенский поджог, убивает толстосума и погибает сам. Освобожденные от стяжателя и провокационных мыслей о наживе народные массы, сняв одежды, голыми силуэтами на фоне занимающейся зари движутся к светлому будущему — к рампе. Балет поставлен в хрестоматийных традициях советского театра времен расцвета застоя и лет сорок назад наверняка получил бы если не Государственную премию, то уж точно премию Ленинского комсомола.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Чт Ноя 03, 2016 4:22 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18967
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Окт 22, 2016 11:27 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016102205
Тема| Балет, Эстонская национальная опера, Гастроли в Москве
Автор| Роман Володченков
Заголовок| Эстонский «Гоблин» на российской земле
Где опубликовано| © Портал "Музыкальные сезоны"
Дата публикации| 2016-10-22
Ссылка| http://musicseasons.org/estonskij-goblin-na-rossijskoj-zemle/
Аннотация| ГАСТРОЛИ



Заметным событием в культурной жизни Москвы стали гастроли Эстонской национальной оперы, прошедшие 14-16 октября на сцене театра «Геликон-опера» под руководством Дмитрия Бертмана (одновременно в Таллине проходили и гастроли бертмановской труппы). Представители этой соседней прибалтийской страны не частые у нас гости. Если мне не изменяет память, то подобных полномасштабных гастролей эстонского театра в столице не было со времён СССР. Хотя самобытная культура Эстонии нам всегда была интересна и своей привлекательности никогда не теряла. Из Эстонии мы всегда приезжали и будем приезжать с особым видением жизни, словно побывали в сказке – такой, какая она предстаёт в историческом центре Таллина или в других местах небольшой, но уютной страны голубых озёр, каменных крепостей и замков.

Нынешний приезд эстонского театра состоялся во многом благодаря Дмитрию Бертману, давно поддерживающему культурные связи между двумя странами и неоднократно выпускавшему свои спектакли в эстонской столице. Бертмановский же «Фауст» в исполнении артистов национальной оперы и приехал в Москву. Помимо этого знаменитого оперного произведения Ш. Гуно в программе московских гастролей, где явно доминировала демоническая тема, был представлен и балет «Гоблин» (на эстонском – Kratt). Если первое название – из классического европейского репертуара, то второе имеет прямое отношение к национальной культуре Эстонии и известно благодаря первой постановке («Кратт», или «Домовой», хореограф Ида Урбель), состоявшейся ещё в 1943 году в тартусском театре «Ванеймуйне».

Что же побудило авторов к созданию новой версии «Кратта» (или, более близкого современному пониманию, «Гоблина») в наше время (премьера в Эстонской национальной опере в 2015 году, хореограф Марина Кеслер)? Думается, что здесь на стороне постановщиков оказалось немало преимуществ. Во-первых, музыка Эдуарда Тубина, которая содержит запоминающиеся танцевальные темы и яркие характерные краски. Во-вторых, весьма притягательный для хореографа с богатой фантазией сюжет о полумифическом существе, явившемся благодаря злой силе. И в-третьих, философский подтекст: актуальность истории о счастье, которое невозможно купить ни за какие деньги.

Таким образом, постановщики получили в свои руки самый что ни на есть благодатный материал, сюжет которого, для ясности коллизий, стоит пересказать… Некий Хозяин (Денис Климук) встречает Дьявола (Анатолий Архангельский), который мастерит ему ловкого и прыткого Гоблина (Энеко Амороз), приносящего деньги. У Хозяина есть красивая дочь (Марика Муисте), влюблённая в бедного, но доброго и симпатичного Батрака (Евгений Гриб). Хозяин, как это обычно и бывает в подобных историях, против встреч Батрака со своей дочерью. Для счастливых же молодых людей это не помеха, вместе со своими сверстниками они веселятся и наслаждаются жизнью. Именно Батрак раскрывает тайну внезапного обогащения Хозяина и выводит на чистую воду Гоблина. В отместку Гоблин поджигает хозяйское предприятие. Сам же Хозяин, проиграв все свои деньги в казино, оказывается в дьявольской западне и погибает.

Палитра хореографических средств Кеслер в этом балете широка и многоцветна: в ней и классический танец, и танец-модерн, и акробатические элементы, и стилизованные движения из эстонского национального танца. Используя данный набор, Кеслер стремилась уйти от штампов и найти собственный пластический язык. Иногда это удавалось, особенно в эмоциональных и заводных массовых танцах. Другая, не менее важная сторона её работы – довольно чёткая драматургическая линия, связавшая все эпизоды балета. В совокупности, первое и второе (по сути, хореография и режиссура) позволили Кеслер сделать серьёзную заявку на сюжетный танцевальный спектакль.

Большую работу над художественным оформлением спектакля провела команда разных специалистов: Мадис Нурмс (декорации), Андреа Хаммер (идея костюмов), Герли Тини (художник по костюмам), Кармен Телисаар (художник по свету), Арго Вальдмаа (художник видеоконтента), Янита Янсон (графика). Каждый из них сыграл свою решающую роль в драматургии спектакля, воспринятого как современное действо с элементами шоу. Удивительно, но художникам удалось найти такой подход, который позволил им не заглушить выразительности танца, а выгодно и интересно преподнести его зрителям.

Звучание оркестра Эстонской оперы под руководством маэстро Велло Пяхна позволило восхититься мастерством и высокой культурой его музыкантов.

Спектакль «Гоблин» дал возможность понять, что современный эстонский балет продолжает сохранять лучшие традиции классической хореографии и осуществлять активные поиски в области современных пластических средств. Радует, что репертуарная политика театра направлена на сохранение особенностей национального искусства своей страны, благодаря чему Эстония может вести свободный и полезный культурный диалог с другими государствами.

Фото предоставлены пресс-службами театров «Геликон-опера» и Эстонская национальная опера
----------------------------------------
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18967
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Окт 23, 2016 12:22 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016102301
Тема| Балет, Эстонская национальная опера, Гастроли в Москве
Автор| Лейла Гучмазова
Заголовок| В Москву - со своим домовым
Где опубликовано| © Российская газета - Федеральный выпуск №7105 (237)
Дата публикации| 2016-10-20
Ссылка| https://rg.ru/2016/10/20/v-gelikon-opere-pokazali-balet-estonskoj-nacionalnoj-opery.html
Аннотация| ГАСТРОЛИ

На открытии обновленной Геликон-оперы ее худрук Дмитрий Бертман обещал, что в этих стенах поселится не только опера. Год назад Зал Стравинского опробовала итальянская труппа No Gravity Dance Company. Теперь на обстоятельных гастролях Эстонской национальной оперы здесь показали балет "Гоблин".

Вопреки современно звучащему названию "Гоблин" - балет с историей. Написал его эстонский композитор-симфонист Эдуард Тубин, в 1944 уехавший в Швецию, автор основанного на эстонском фольклоре либретто его жена, балерина Эльфриде Саарик. Премьера этого балета в двух действиях прошла в Эстонской национальной опере год назад в постановке Марины Кеслер, и она постаралась сделать старую сказку чем-то вроде притчи для современного зрителя. Удалось не во всем, но обаяние у спектакля есть.

Сюжет народная смесь "Фауста" и рассказов о продавших душу скупых богачах. Гоблин в этом случае - не кошмарный герой блокбастера, а бодрый домовой в кудрявом парике из елочной мишуры (Энеко Аморос). Он служит своему статному хозяину-фермеру (Евгений Гриб), а тот всеми способами желает разбогатеть. Он даже готов разрушить счастье дочери, выбравшей в женихи простого парня (Марика Муисте-Денис Климук): трогательное объяснение парочки и их общая с друзьями пляска выглядят как милая эстонская полька с народного гулянья.

Конечно, добро победит, бедолага Гоблин погибнет. До обещанных в анонсе острых вопросов об обществе потребления балет не допрыгнет, но поучительная притча получится. Ведь в ней сюжет с налетом фольклора мирно уживается с маппингом и видео, модернистский арт-объект (декорации Мадис Нурмс) оборачивается фермерским домом и дьявольским чертогом. А самое главное - "Гоблина" очень поддержит оркестр Эстонской национальной оперы под водительством Велло Пяхна, внятный, слаженный, очень достойно звучащий, что для балетных гастролей не только большая редкость, даже исключение из правил. В партитуре почудятся и Сибелиус, и Нильсен, и просто неизбежный в этом случае Эдвард Григ.

Текст публикуется в авторской редакции и может отличаться от вышедшего в номере "РГ"


Последний раз редактировалось: Елена С. (Чт Ноя 03, 2016 4:23 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18967
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Окт 23, 2016 11:08 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016102302
Тема| Балет, Новосибирский Государственный Академический Театр Оперы и Балета, Премьера, Персоналии, Начо Дуато
Автор| корр.
Заголовок| Начо Дуато: «Во всем мире любят сюжетные балеты»
Где опубликовано| © сайт театра
Дата публикации| 2016-10-22
Ссылка| http://novat.nsk.ru/news/interview/nacho-duato-vo-vsem-mire-lyubyat-syuzhetnye-balety/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Премьера балета «Спящая красавица» готовилась при личном участии хореографа Начо Дуато. О таинстве рождения спектакля и ближайших творческих планах мэтр рассказал НОВАТу.

Ваш балет «Спящая красавица» только что заново родился на нашей сцене. Что вы испытываете в момент премьеры? Тревогу или радость?

В общем-то, эта премьера похожа на все остальные. Конечно, были некоторые проблемы, которые приходилось решать до последней минуты. Но, в принципе, всегда так бывает, процесс выпуска нового спектакля, как правило, идентичен. К сожалению, мне не удалось приехать на самый первый этап кастинга, этим занималась Жанна Аюпова. Но артистов, которые танцуют премьеру, выбирал я.

Влияет ли масштаб сцены на постановку?

Конечно. Мне очень нравятся большие пространства. Большая сцена дает некий импульс, подразумевает нечто новое. По-другому выглядят декорации, артисты балета по-другому двигаются на сцене, ведь им нужно задействовать все ее пространство.

Ваш балет «Спящая красавица» относят к неоклассицизму, Вам нравится этот термин?

Сам термин «неоклассицизм» - что здесь можно добавить - состоит из двух частей: «нео» и «классицизм». Я к этому так и отношусь. «Спящую красавицу», а вслед за ней и «Щелкунчик» я поставил, потому что господин Кехман попросил меня их поставить. Зрители в Петербурге очень любят классические балеты, а я в то время работал руководителем балета в Михайловском театре. Не думаю, что я бы поставил такие балеты, если бы не было такой просьбы, скажем, если бы работал в Мадриде или в какой-то другой стране.

Верно ли утверждение, что в России любят сюжетные балеты, а на Западе бессюжетные?

Во всем мире любят сюжетные балеты. Такие большие спектакли с историями, с сюжетом хорошо продаются – не только в России, абсолютно везде. Истории принцев, принцесс, фей очень интересны для детей и для взрослых людей, которые порой обременены важными делами, заботами. Зрители приходят, смотрят спектакль и отвлекаются. Однако, если людям нравятся только подобные вещи, - например, есть некоторые критики, которые готовы воспринимать и смотреть только спектакли такого направления, - это, на мой взгляд, печально. В таком случае они будто бы отрезают себя от того, что есть еще на сцене помимо классических балетов.

Не секрет, что вы предпочитаете именно бессюжетные балеты…

Я сейчас активно ставлю, и как раз множество именно сюжетных работ: «Ромео и Джульетта», «Щелкунчик», а в октябре 2018 года у меня будет новый «Дон Кихот». Но лично мне больше нравятся бессюжетные, абстрактные сочинения. Но даже мои бессюжетные работы все-таки несут в себе определенное послание, их нельзя считать чем-то абсолютно абстрагированным от современной жизни. Например, в Берлине у меня будет следующая постановка, темой которой стал терроризм и события, которые актуальны сейчас. Я абстрагируюсь от принцев и принцесс и концентрируюсь на каких-то более социально значимых вещах. Когда вы видите на сцене вещи, касающиеся наркозависимости, расизма или иных проблем, важных для социума, тогда вы можете соотнести себя с тем, что происходит в спектакле. Конечно, можно мечтать и воображать, что вы принц или принцесса – и это, с одной стороны, хорошо. Однако я все-таки пытаюсь концентрироваться на том, чтобы мои современные работы были заряжены той проблематикой, которая актуальна сейчас в мире.

О чем будет ваша следующая оригинальная постановка?

Следующая моя постановка, которая будет сделана в Берлине, называется «Земля». Она о том, как человечество изменяет нашу планету, среду обитания, как оно влияет на нее в негативном плане. Это происходит уже сейчас, поскольку мы перешли в совершенно новую эру. Закончилась старая и началась новая, антропогенная эра, это признано и зафиксирована официально; человечество уже меняет землю как таковую, в самом прямом понимании: существует слой химических веществ, который уже находится в земле и угрожает ей. Такая проблематика, мне кажется, ближе людям. Конечно, повторюсь, можно воображать и мечтать о принцессах и принцах, но наша земля, на которой мы живем, по которой мы ходим – это реальность, а не выдуманные вещи, это актуально, это то, что мы проживаем сейчас.

Вы часто говорили, что источником вдохновения для вас является музыка. Скажите, пожалуйста, если у вас есть новые замыслы, с какой музыкой они будут связаны?

Да, музыка всегда первостепенна. Сначала должна приходить любовь или расположенность к музыке. Так, например, сейчас я работаю с пятью разными композиторами одновременно – это три ди-джея и два композитора. Музыкальная композиция почти готова, но еще кое-что в работе. То же самое относится и к Чайковскому: до тех пор, пока у меня не были сделаны нужные купюры в партитуре, пока я не смог собрать воедино ту музыкальную структуру, которая мне нравится, не появился балет. Я ставил «Ромео и Джульетту» на музыку Прокофьева не потому, что мне нравится история о двух детях, фактически, эгоистах, которые убивают себя из-за любви. Этот балет родился, потому что на первом месте была очень красивая музыка. А вот балет «Дон Кихот» Минкуса мне не нравится, предрасположенности к этой музыке у меня нет, восприятие музыки у меня не такое. В моем понимании рождение балета – это сначала настраивание на одну волну с музыкой. Если контакт есть, то рождается балет, а если нет, то балет не может родиться.

Вы ставили спектакли на разных континентах, а сейчас приехали в Сибирь. Что в вашем понимании сибиряк?

В Сибири я нахожусь не так давно, хотя мне, конечно, приходилось жить в северных странах, в Стокгольме, например, а недавно я вернулся из Финляндии; три года прожил в Санкт-Петербурге. Я могу сказать только одно: артисты балета во всем мире похожи друг на друга, это совершенно особенный тип людей, их объединяет преданность танцу.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18967
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Окт 23, 2016 11:15 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016102303
Тема| Балет, Новосибирский Государственный Академический Театр Оперы и Балета, Премьера, Персоналии, Жанна Аюпова
Автор| корр.
Заголовок| Дань уважения Мариусу Петипа
Где опубликовано| © сайт театра
Дата публикации| 2016-10-18
Ссылка| http://novat.nsk.ru/news/interview/dan-uvazheniya-mariusu-petipa/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Балетная труппа НОВАТа готовится представить премьеру балета «Спящая красавица» в постановке известного современного хореографа Начо Дуато. О том, как в спектакле перекликаются классика и современность, рассказывает балетмейстер-репетитор, народная артистка России Жанна Аюпова.

Жанна Исмаиловна, насколько оправдано, на ваш взгляд, стремление к современному прочтению классики?

— Сегодня во всем мире выпускается множество таких балетов, где за основу взят классический сюжет, но он переделывается и изменяется до неузнаваемости. «Спящая красавица» Начо Дуато – не из этого ряда. Я бы сказала, что это классический спектакль с традиционным сюжетом, в котором есть место элементам современной хореографии. В этой постановке очевидна дань уважения Мариусу Петипа; ряд моментов впрямую перекликаются с его хореографическим текстом. Даже знатоки задавались вопросом: «Что это? Заимствование? Или знак уважения?». Да, именно так. Я могу сказать, что Дуато не метался в поисках, а изначально задумывал сохранить отдельные танцевальные фразы и фрагменты великого предшественника, например, в большом адажио Авроры и принцев в первом акте.

Что принято понимать под «фирменным стилем» Дуато? Как он проявляется в «Спящей красавице»?

— Дуато остается верен себе и привносит в полноформатную классическую постановку те черты, которые свойственны его оригинальным сочинениям: внутреннюю напряженность, камерность, интимность. «Спящая красавица» лишена пафоса и многословности, в ней нет вычурности, нет фонтанов и гирлянд. Дуато уходит от больших пантомимных сцен, пантомима у него гармонично сплетается с хореографией, герои все время находятся в движении. В спектакле нет миманса, все артисты, присутствующие на сцене, заняты в танцах. На камерность работает приглушенный свет в некоторых сценах. Конечно, есть и контрастные сцены, где хореограф динамично наращивает напряжение, но вообще-то Начо ценит сдержанность во всем. У Дуато прекрасный вкус и всегда очень красивые спектакли.

Как осваивают хореографию Начо Дуато артисты НОВАТа?

Поначалу новосибирским артистам было очень трудно ориентироваться в новом пространстве. Хореография Дуато выстроена по непривычной нам балетной логике. Например, танцовщику хотелось бы сделать поворот в одну сторону, но в этом хореографическом тексте наоборот - надо повернуться в другую. Но танцовщики схватывают все на лету. Мне с новосибирской труппой работается хорошо, танцовщики все профессиональные и мы находим общий язык.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18967
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Окт 23, 2016 7:41 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016102304
Тема| Балет, МТ, Персоналии, Ульяна Лопаткина
Автор| Елена ДАНИЛЕВИЧ
Заголовок| «Главный русский лебедь». Как Лопаткина стала балериной вопреки природе
Где опубликовано| © АиФ Санкт-Петербург
Дата публикации| 2016-10-23
Ссылка| http://www.spb.aif.ru/culture/person/glavnyy_russkiy_lebed_kak_lopatkina_stala_balerinoy_vopreki_prirode
Аннотация|

23 октября – день рождения Ульяны Лопаткиной, прославленной примы Мариинского театра, народной артистки России.


Известная балерина остаётся самой «закрытой» танцовщицей нашего времени. © / www.globallookpress.com

Лопаткина – одна из самых известных балерин современности. Её называют национальным достоянием. Однако любимица миллионов остаётся, пожалуй, самой «закрытой» танцовщицей нашего времени.

Как же складывался её путь в искусстве, и через что прошлось пройти, чтобы подняться на вершину творческого Олимпа? Об этом – в материале SPB.AIF.RU.

Одна в большом городе

Лопаткина родилась в 1973-м году в Керчи в семье учителей. Любила спортивную гимнастику, занималась и в балетной студии, которую вела Лидия Яковлевна Пешкова, в прошлом танцевавшая в Мариинском театре. Это во многом повлияло на всю дальнейшую судьбу Ульяны.

Когда на семейном совете стали решать, где учиться балету, речь первым делом зашла о Ленинграде, Мариинском театре и намоленной Вагановке. В знаменитое училище она поступила и осталась одна, без родителей, в чужом незнакомом городе. Жила в интернате, что для 10-летнего подростка оказалось нелёгким испытанием. Полной отдачи требовала и учёба. То, что у девочки звёздное будущее, было видно сразу. Не случайно знаменитый хореограф Джон Ноймайер подарил ей, семикласснице, номер «Чекетти и Павлова». Миниатюра, показанная на гастролях школы в Москве, вызвала восторг, уже тогда сделав Лопаткину любимицей зрителей и прессы.

Выделяла талантливую ученицу и легендарная Наталья Дудинская, в классе которой она занималась. «В балете невозможного не существует - нужно только работать», - навсегда запомнила Ульяна слова великого педагога. Это правило в очередной раз подтвердилось, когда её приняли в труппу Мариинского театра. Первое время она набиралась мастерства в кордебалете, но вскоре стала выходить и в ведущих партиях. Кстати, станцевать в 1992-м первую в её жизни «Жизель» тоже помог случай.

Основная труппа уехала на гастроли и срочно понадобилась солистка. Сначала в театре сомневались, стоит ли давать эту сложную роль начинающей артистке. Но педагогам удалось убедить руководство, и они оказались правы. Вчерашняя выпускница не подвела, а в 1995-м получила премию «Золотой софит» в номинации «Лучший дебют на петербургской сцене».

Для балета не подходит?

С тех пор она удостоилась многих наград и званий. В 1996-м, например, ей присвоили титул «божественная». При этом по академическим меркам Ульяна для балета не подходит. Слишком высокая – рост 175 см. Слишком крупные стопы и кисти, «неудобная» длина рук и ног. Однако балерина настолько органично выглядит на сцене, что все эти «слишком» стали её достоинствами, а со временем - неповторимой особенностью танца.

Но ошибётся тот, кто подумает, что жизнь Лопаткиной - сплошные цветы и аплодисменты. В 2000-м она сильно повредила голеностоп, причём это произошло прямо во время балета «Баядерка». Боль была адской, но, несмотря на это, артистка закончила спектакль, ничем не омрачив праздник зрителям. Травма оказалась настолько серьёзной, что сцену пришлось на два года оставить. Понадобилась и операция, которую помог организовать в Нью-Йорке Михаил Барышников.

Началось непростое восстановление. Старые проблемы не отпускают и сейчас. Вот и в эти дни на официальном сайте балерины появилось объявление, что «в связи с профессиональными травмами и необходимостью лечения, Ульяна Лопаткина делает перерыв в выступлениях на этот сезон».

Ну а если вернуться на 15 лет назад, то тогда в её жизни произошло и другое, приятное событие. В 2001-м Ульяна вышла замуж за Владимира Корнева. Они познакомились в 1999 году в Петербурге, во время вручения премий в области культуры. Тогда она была признана «Балериной года», а он - «Писателем года».


В её репертуаре - сложнейшие партии. Фото: РИА Новости/ Илья Питалев

Владимир оказался личностью многогранной. Прозаик, архитектор, художник, бизнесмен… Кстати, был замысел снять по его роману «Модерн» фильм, где главную роль предлагали Лопаткиной, но она отказалась. Их венчание прошло в Софийской церкви Веры, Надежды, Любови посёлка Вартемяги под Петербургом, без помпы, в узком кругу гостей. Событие скромно отметили в ресторане Дома архитектора и отправились в свадебное путешествие. В те дни Ульяна откровенно признавалась, что ей нравится чувствовать себя «просто женой и хозяйкой, учиться рисовать, а также то, что Володя ничего не понимает в балете и терпеть не может разговоров о театре».


По академическим канонам Ульяна - слишком высокая для балета. Фото: www.globallookpress.com

А на следующий год Лопаткина в одной из австрийских клиник родила дочь Машу. Вопрос - балет или ребёнок - перед ней не стоял. Она осознанно стала мамой, а затем успешно вернулась на профессиональную сцену, тем самым разбив ещё один стереотип, что танец и счастье материнства несовместимы. К сожалению, семейный союз оказалось недолгим, в 2010 году супруги развелись.

Преемница Плисецкой

Сегодня Лопаткина - признанная мировая звезда, прима Мариинского театра. Её также называют преемницей Майи Плесецкой, а на Западе считают «главным русским лебедем». В арсенале балерины сложнейшие партии классического репертуара, однако она не отказывается и от концертов.

Особое место в её душе занимает вера. В 16 лет, ещё в училище, она с подругой приняла крещение, и с тех пор, как сама признаётся «старается не расплёскивать себя по мелочам». Также Лопаткина рисует, берёт уроки, но работы не выставляет, тщательно оберегая своё личное пространство. Важной частью жизни балерины стала и благотворительность. Она несколько лет принимала участие в проекте «Рождественская ярмарка», где звёзды искусства, политики, шоу-бизнеса под присмотром профессиональных художников создавали картины на сказочные зимние сюжеты. Затем эти полотна реализовывались с аукциона в пользу больных детей. Лот Ульяны, как правило, продавался за большие деньги одним из первых. Она входит и в попечительский совет Фонда профилактики рака, а летом этого года на сцене Александринского театра её «Русский танец» стал украшением концерта мировых звёзд оперы и балета, где все средства перечислялись на лечение и уход за детками с ментальной инвалидностью.

«С моей точки зрения то, что ты делаешь для кого-то другого, и есть смысл человеческой жизни, - рассуждает балерина. - Часто мы бежим, торопимся, стараемся достичь высот, но истинная цель в том, чтобы уметь отдавать другим. Потому что награда – внутри самого дела. Не потому, что скажут, какой ты молодец, что участвуешь и поддерживаешь людей, которым сто крат тяжелее, чем тебе. Самое главное – состояние души, когда знаешь, что помогаешь максимально бескорыстно и получаешь от этого удовлетворение. Значит, живёшь не зря. И чем больше делаешь и меньше об этом известно, тем глубже ощущение самой полноты жизни».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
Страница 4 из 8

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика