Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2016-05
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17087
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Май 27, 2016 10:04 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016052704
Тема| Балет, Михайловский театр, Премьера, Персоналии, Лар Любович
Автор| ОЛЬГА ФЕДОРЧЕНКО
Заголовок| Хореография достигла дна
"Люблю тебя, Петра творенье!" в Михайловском театре

Где опубликовано| © Газета "Коммерсантъ" №92, стр. 15
Дата публикации| 2016-05-27
Ссылка| http://www.kommersant.ru/doc/2996968
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



Накануне 313-й годовщины основания Санкт-Петербурга Михайловский театр показал мировую премьеру балета "Люблю тебя, Петра творенье!" на музыку Третьей симфонии Рейнгольда Глиэра в хореографии Лара Любовича. В Михайловском театре побывала ОЛЬГА ФЕДОРЧЕНКО.


Нынешний год богат на балетные буйства стихии: в начале театрального сезона в Михайловском поставили "Корсара", в котором в финале должна была быть морская буря с эффектной гибелью корабля, но решили обойтись без смертоубийства. В марте в Мариинском театре возобновили/переделали "Медного всадника" Ростислава Захарова и Юрия Смекалова со знаменитой сценой питерского наводнения 1824 года. Но тема воды оказалась неисчерпаемой, и вновь, спустя два месяца, Нева выходит из берегов — теперь уже в Михайловском при помощи сценографа Георгия Цыпина.

Американский хореограф славянских корней (у которого бабушка и дедушка родом с берегов Невы) Лар Любович сочинил весьма петербургский балет, без каких-либо примет обязательной русской духовности в виде крестьян, лаптей, березок и нескончаемых арабесков. Его замысел прост и смел: Пушкин, обросший знаменитыми бакенбардами, с растрепанной кудрявой головой, размахивая гусиным пером, сочиняет поэму "Медный всадник", выводит на подмостки героев, крутит и вертит ими, как ему вздумается, отправляет их на прогулку, заставляет объясняться в любви, отчаянно пытается помочь им во время наводнения и скорбно ищет их среди жертв катастрофы. Подобным приемом господин Любович возвращает нас (как и "Медный всадник" Мариинского театра) в эпоху советского балета, но в данном случае (и в отличие от спектакля Мариинского театра) к одному из его гениальных творцов — Леониду Якобсону и его балету "Клоп". Там тоже действовал поэт (Маяковский), который создавал персонажей, задавал им пластические темы, сводил друг с другом, женил, погружал в отчаяние и уничтожал.

Лар Любович позаимствовал идею Якобсона, только вместо политической балетной сатиры он сочиняет балетное эссе на тему "Медного всадника". Балет короток и летуч, как белая ночь, а герои утопают уже к концу первого действия, через 25 минут после начала. Собственно, сам сюжет (встреча--любовь--гибель во время наводнения) завершается уже в первом акте, а второй представляет жуткую макабрическую фантазию на тему сгинувшего в пучине вод города-призрака. Меньше всего балетмейстера интересуют повороты сюжета, добротное их истолкование, психологическая правдивость персонажей и обусловленность их поступков и действий социальной средой, в которой они существуют. В этом балете нет предыстории в виде основания Санкт-Петербурга и петровской ассамблеи, знакомства Евгения и Параши, нет грузно танцующей маменьки у маленького деревянного домика на Васильевском острове, нет заливисто хохочущих озорных девиц-подружек. Нет даже сарафанов, платочков и длинных кос! Зато есть кошмарный образ Петра I — черного человека, овладевшего городом после его гибели и принявшего жертвоприношение в виде Параши. Его появление во втором акте на сцене кошмарно и фантасмагорично: Медный всадник распадается на куски, и из каждого фрагмента статуи вылетают черные вороны, которые черным ковром застилают небо. Сначала они проецируются на задник, а затем материализуются в виде черных танцовщиков. Не то умноженный Ротбарт, не то батальон двойников есенинского "Черного человека", не то курсирующие по ночному Ленинграду черные воронки... Мертвая Параша является к потрясенному и с помраченным рассудком возлюбленному не в виде очаровательной наяды-русалки-сирены, прелестной романтической утопленницы, а монстром-зомби, тянущим скрюченные руки и спотыкающимся на согнутых ногах.

Хореография Лара Любовича не поражает, ее не назовешь танцевальным откровением. Балетмейстер умеренно балансирует между неоклассикой и свободной пластикой без излишней драматической и эмоциональной экспрессии. В хореографии нет традиционного балетного изящества и красивости, герои не бросаются навстречу друг другу, чтобы взмыть в зафиксированной на вытянутых руках поддержке и сорвать тем самым аплодисменты. Они — питерские фантомы, бродящие по улицам, одни из многочисленных призраков Петербурга, чьи тени наполняют и оживляют этот город. Их пластика летуча и эфемерна, нечаянна и намеренно лапидарна.

Пушкин Марио Лабрадора — питерский разгильдяй и раздолбай, насмешник и фавн Северной столицы в первом акте, во втором преображается в Харона, созывающего души умерших на питерский шабаш. Леонид Сарафанов в партии Евгения был жестко откровенен, представив своего героя одним из многочисленных юродивых города. Сложнее всего было Анне Кулигиной, героиня которой лишена какой бы то ни было самостоятельности и индивидуальности и которая плавно перетекает из рук Пушкина в руки Евгения и Петра Великого, чтобы в финале упокоить возлюбленного в объятиях под копытами бронзового властелина.

А что же наводнение? Было, да еще какое! Трехмерное благодаря графическим иллюзиям и инсталляциям Георгия Цыпина. Он с явным наслаждением утопил в Неве все архитектурные достопримечательности Санкт-Петербурга: величаво кружась, спускались на невское дно ростральные колонны, египетские сфинксы и Исаакиевский собор. Так что отныне в Петербурге есть возможность выбрать наводнение по душе!


Последний раз редактировалось: Елена С. (Чт Июн 02, 2016 4:47 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17087
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Май 27, 2016 11:39 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016052705
Тема| Балет, Московский государственный академический детский музыкальный театр им. Н.И. Сац, Премьера, Персоналии,
Автор| Лейла Гучмазова
Заголовок| В Театре Сац возродили "Синюю птицу"
Где опубликовано| © Российская газета - Федеральный выпуск №6982 (114)
Дата публикации| 2016-05-27
Ссылка| http://rg.ru/2016/05/27/v-teatre-sac-vozrodili-siniuiu-pticu.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


В год 50-летия Детский музыкальный театр решил возродить (и обновить) легендарный спектакль, поставленный еще в 80-х Наталией Сац. Фото: Пресс-служба Театра Сац

"Синяя птица". Московский государственный академический детский музыкальный театр им. Н.И. Сац. 28, 29 мая

Трудно поверить, но впервые "Синяя птица" вспорхнула к зрителю в 1908 году на сцене Московского художественного театра в режиссуре великих Станиславского, Сулержицкого и Москвина. Тогда интерес к непростой пьесе Мориса Метерлинка о поисках детьми упорхнувшего счастья будто витал в воздухе - на сломе эпох хорошо думается о сиюминутности блага. К тому же спектакль с живой музыкой Ильи Саца и Михаила Раухвергера оказался настолько удачным, что Москва ходила на него толпами и поколениями. Девочки и мальчики превращались в мам и пап, потом в бабушек-дедушек, а "Синяя птица" по-прежнему очаровывала новых отправившихся за ней ловцов.

В начале восьмидесятых дочь одного из авторов музыки, основательница Детского музыкального театра Наталия Ильинична Сац поставила версию легендарного спектакля, и спектакль тоже стал знаменит: когда-то и я испугалась вылезшего из обыкновенной большой кастрюли Хлеба. В год 50-летия театра решили обновить спектакль-легенду. Музыку Ильи Саца пересмотрел очень вдумчивый композитор Ефрем Подгайц, чтобы она лучше воспринималась замороченным гаджетами залом. Подгайцу можно доверять: в его композиторском списке идущий на сцене Большого театра балет, больше десяти опер, многие из которых написаны специально для детской аудитории, шесть мюзиклов.

Ставить балет Театр Сац поручил артисту Мариинки Кириллу Симонову. Молодой хореограф умеет довольствоваться поставленными задачами и наверняка постарается сохранить если не букву, то дух легендарной "Синей птицы", оформив ее привычнее для сего дня. А уж за главное волшебство отвечает признанный маг отечественной сцены - притворяющийся театральным художником Эмиль Капелюш. Для похода за Птицей счастья им припасено несколько совершенно удивительных сюрпризов, и надо предупредить самых маленьких зрителей, чтобы они не испугались ожившего Хлеба или Огня. К тому же у главного мага есть тоже отлично знающие свое дело подручные: художник по костюмам Стефания Граурогкайте и художник по свету Евгений Ганзбург. Собирать спектакль за дирижерским пультом будет много лет проработавший в этом дворце, а ныне главный дирижер Московского театра оперетты Константин Хватынец.

Художественный руководитель Детского музыкального театра Георгий Исаакян уже обронил, что "спектакль получается фантастической красоты". Остается добавить, что премьера стала возможной благодаря XVI Открытому фестивалю искусств "Черешневый лес". И напомнить: плох взрослый, не умеющий как дитя увидеть за простыми вещами скрытую суть и ухватить за крыло мифическую Птицу счастья.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17087
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Май 28, 2016 11:25 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016052801
Тема| Балет, XXIX Международный фестиваль классического балета имени Рудольфа Нуриева (Казань), Итоги
Автор| Анна Галайда
Заголовок| Нуриевский фестиваль на пороге своего 30-летия: караул устал
Одному из главных культурных брендов Казани требуется перезагрузка.

Где опубликовано| © «БИЗНЕС Online»
Дата публикации| 2016-05-28
Ссылка| http://www.business-gazeta.ru/article/312148/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Сегодня очередным гастрольным спектаклем от балета Бориса Эйфмана завершается программа Нуриевского фестиваля. Между тем московский критик Анна Галайда помнит работы самого ТАГТОиБ им. Джалиля еще с середины 1990-х и уверена, что постоянная ставка на гостей и предсказуемый репертуар с годами выхолостили потенциал собственной труппы. Она уверена, что руководству театра необходимо проявить волю и творческий подход, а приме-балерине Кристине Андреевой — вооружиться интернетом при подготовке ролей.



АНШЛАГИ И «ХАВА НАГИЛА» В АНТРАКТЕ

Нынешний Нуриевский фестиваль необычно растянулся на значительную часть мая. На этом, пожалуй, и заканчивается его новаторская составляющая: он проходит с аншлагами, кратким курсом молодого бойца перед началом, «Хава Нагилой» в антрактах и стоячими овациями в финале любого спектакля, независимо от художественных результатов.

В этом году казанский фестиваль проводится в 29-й раз, следующий — юбилейный. В его преддверии хочется понять, что такое фестивальное движение, для чего оно существует и какое место в нем отведено Нуриевскому фестивалю в Казани.

Фестивальное движение, разумеется, не прерогатива балета. Более того, балетная специфика в какой-то мере препятствует его широкому развитию. Хотя бы потому, что, в отличие от фестивалей классической музыки, которыми, как весенняя поляна одуванчиками, усеяны американские и европейские просторы, балет требует сцены с дорогостоящим профессиональным полом, еще более дорогостоящим светооборудованием и полной оснасткой для декораций, репетиционных площадок и помещений, где может готовиться к спектаклям труппа.

КАК ЭТО УСТРОЕНО В ЯПОНИИ, ШТАТАХ И ЕВРОПЕ

Тем не менее уже не одно десятилетие на всех континентах решают эту проблему. Вероятно, крупнейший и самый роскошный фестиваль уже почти полвека проводится в Токио. Раз в три года там собираются лучшие танцовщики мира. Попадание в эту сборную круче обладания званиями народных артистов и лауреатов госпремий: постоянная участница фестиваля — Сильви Гиллем, из наших — Лопаткина, Вишнева, Захарова, Малахов, Осипова и Васильев, Александрова, Сарафанов, Кочеткова, Семионова. В программах нет ни одного полузвездного имени, две программы повторяются по три раза, завершаясь третьей, собирающей сливки из сливок. В репертуаре уравновешены классические па-де-де, хореография ХХ века и совершенно новые номера.

Гораздо сложнее устроены американские фестивали. В стране, где социальная ответственность — не пустой звук, спектакли (причем обычно охватывающие многие жанры — от классики до уличного хип-хопа) сочетаются с образовательными и просветительскими программами, мастер-классами, лекциями, встречами зрителей с теоретиками и практиками. Причем приглашенные компании стараются приурочить свои мировые премьеры к датам фестиваля. Самые известные из них — Jacob's Pillow Dance Festival, проходящий с 1942 года в штате Массачусетс, и Vail International Dance Festival в штате Колорадо, возникший в 1989 году из мастер-классов Московского хореографического училища.

В Европе балет обычно вписан в более широкий контекст: он равноправная часть общего театрального процесса и представлен на важнейших фестивалях — в Эдинбурге, Авиньоне, Экс-ан-Провансе. Разумеется, сотую редакцию «Баядерки» там не ждут, зато приглашают, например, Мариинский театр с «Золушкой» Алексея Ратманского. Исключения есть в Германии. Например, Гамбургский балет Джона Ноймайера знаменит своими летними «Балетными днями», во время которых труппа показывает все находящиеся в строю произведения своего шефа, а также его премьеру, вечер начинающих хореографов и гала-концерт, в котором находится место и своим, и выдающимся танцовщикам, сотрудничающим с хореографом.

КАК ЭТО УСТРОЕНО В ПЕТЕРБУРГЕ

Россия, вероятно, является рекордсменкой по числу балетных фестивалей — они, кажется, есть при любом театре. И Казань была одним из первопроходцев в этом процессе, воплотив известную формулу: наши классические спектакли плюс приглашенные звезды со всего света. Это лекало использовал даже Мариинский театр, в 2000 году организовавший свой именной фестиваль. И многие годы, пока петербуржцы держали планку лучшей в мире классической компании, им удавалось приглашать действительно звезд первой величины.

Как только творческий потенциал Мариинского начал угасать, с его афиш испарились и имена, ради которых балетоманы готовы были на антисанитарийные условия РЖД, отсутствие интернет-продаж билетов и прочие издержки. Зато в Петербурге настало время фестиваля Dance Open. Появившись на излете 1990-х как коммерческие мастер-классы для желающих со всего света поучиться у петербургских педагогов, он рос, искал новые формы и смысл своего существования. Очень быстро Dance Open стал событием и для зрителей — благодаря гала-концертам, в которых вместе с Дианой Вишневой и Викторией Терешкиной танцевали Владимир Малахов, Изабель Сьяравола и Марсело Гомес. Несколько лет спустя уже никто не мог сравниться с петербургской командой в таланте собирать «сборные мира» по балету — концентрацией звезд на квадратный сантиметр фестиваль превосходит любые аналоги. Неудивительно, что именно на нем стали вручаться призы, весьма весомые в глазах международного хореографического сообщества. При этом Dance Open постепенно обрастал научными симпозиумами, выставками, лекциями, дискуссиями.

Со временем фестиваль дорос до приглашения целых спектаклей ведущих современных хореографов и балетных компаний со всего мира. И Санкт-Петербург не отверг их в негодовании, а принял с интересом и благодарностью: даже в непреклонной Мекке балетного академизма понимают — чтобы быть с веком наравне и не упустить лидерства, необходимы трансформации.

КАК ЭТО УСТРОЕНО В КАЗАНИ

Этим и отличается сегодняшняя реальность от той, которая выстроена в Казани. Когда-то форма, придуманная руководителями театра им. Джалиля для сохранения высоких стандартов в своем театре, была почти революционной. В то время, когда другие театры едва выживали, им удалось привлечь в свои спектакли профессионалов высокого класса. Благодаря этому труппа приобщилась к современным тенденциям исполнения классики даже раньше, чем многие более заметные театры: еще в середине 1990-х она впечатляла на московских гастролях строгостью позиций, выверенностью положений, дотошностью в исполнении мелких движений.

29 лет спустя превратить фестиваль в событие непросто: если в памяти «Жизель» с Натальей Осиповой, Алиной Кожокару и Йоханом Кобборгом, Светланой Захаровой, «Лебединое озеро» с Ульяной Лопаткиной, «Баядерка» с Терешкиной, из года в год находить танцовщиков, способных поддерживать этот же уровень, — титаническая работа. Премьеры Королевского балета Великобритании Сара Лэмб и Мэтью Голдинг, выступившие на нынешнем Нуриевском в «Жизели», — образец профессионализма. Леонора Бокал, Франсуа Алю и Сэ Ын Пак, которые вели «Баядерку», позволяют надеяться, что их поколение выведет из застоя великую Opera National de Paris. Майя Махатели и Артур Шестериков, танцевавшие «Дон Кихот», достойно представляют Национальный балет Нидерландов. Владимир Шкляров и Мария Ширинкина из Мариинского театра придали свежесть национальному шедевру — «Шурале», а их коллега Евгений Иванченко в «Лебедином озере» показал достойную восхищения стабильность. Но на фестивале была только одна балерина — петербургская прима Оксана Скорик, у которой при сочетании многих обстоятельств есть шанс сказать собственное слово в искусстве.



Вряд ли сохранится в анналах и упоминание об авторской версии «Эсмеральды» Андрея Петрова. Включение в репертуар этого спектакля показательно. Открыв почти 30 лет назад в фестивале секрет успеха, теперь театр стал его заложником: внимание сосредоточено помимо попыток создать национальный репертуар на классических названиях, для которых можно найти приглашенных звезд.

Постоянная ставка на гостей и предсказуемый репертуар с годами выхолостили потенциал собственной труппы. Сегодня к ее достоинствам можно отнести единообразие выучки, отличных актеров для деми-характерных партий, чуть большее, чем во многих театрах, внимание к характерному танцу. Театр по праву гордится своими солистами — и действительно, горящий праведным гневом прямолинейно-простодушный Ганс в «Жизели» и полетный, мощный Ротбарт в «Лебедином озере» Артема Белова; Ильнур Гайфуллин и Алессандро Каггеджи, блеснувшие в «Лебедином озере»; Лоренцо Дениса Мочалова и Амур Мидори Тэрада в «Дон Кихоте»; Коя Окава, успешно появлявшийся в «Эсмеральде» и «Жизели»; Олег Ивенко, чье обаяние сильнее его не слишком академичного танца, украшают труппу.



«КАЖЕТСЯ, В КАЗАНИ ОТКЛЮЧЕН ИНТЕРНЕТ»

В театре есть отличная молодая прима — Кристина Андреева. Но и ее танец на глазах наливается монументальностью, которой можно восхищаться, но вряд ли любить. Балерина умеет создать впечатление виртуозности, она легко справляется с трюками, но, судя по всему, даже не знает, что лучезарная улыбка, бровки домиком и печально скривленные губки — это не предел актерского мастерства в роли Эсмеральды. Я охотно верю, что в глубине души она пережила все муки несчастной цыганочки, но в балете есть актерские приемы, с помощью которых это можно донести до зрителя, только Андрееву им вряд ли учили — у нас принято больше заботиться о ногах, а не о душе. При этом, кажется, в Казани отключен интернет с его бездонными балетными видеоресурсами: там можно найти и то, как интерпретировали роль Эсмеральды Габриэла Комлева и Наталья Осипова, Виолетта Бовт и Мария Александрова, Ульяна Лопаткина и Наталья Ледовская, чей опыт помог бы придумать собственную Эсмеральду.

Впрочем, это проблема не одной Андреевой, чье положение примы-балерины труппы сегодня не вызывает сомнений. Увы, соперниц у нее действительно нет. Приходится только изумляться виртуозности руководства, которое выстраивает большой классический репертуар без «скамейки запасных» (в любом театре с классическим репертуаром обычно есть в наличии как минимум три балерины). Не видно и тех, кто мог бы вырасти в ведущих солисток в дальнейшем: ни в кордебалете, ни среди корифеев нет тех, кто владел бы органикой в соединении движений рук, корпуса, головы, которых требует высокий академизм и которыми славилась отечественная школа.

Эти кадровые проблемы не уникальны, с ними — лишь в разной мере — сталкиваются все труппы, включая самые именитые. Как показывает практика, пути решения существуют. Для этого нужно вновь проявить волю и творческий подход, как это уже сделали в Казани, придумав в самые сложные времена Нуриевский фестиваль.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17087
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Май 28, 2016 11:31 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016052802
Тема| Балет, XXIX Международный фестиваль классического балета имени Рудольфа Нуриева (Казань),
Автор| Валерия Манжелиевская
Заголовок| Закрытие Нуриевского: скульптура чувства в балете Эйфмана
Где опубликовано| © TatCenter.ru
Дата публикации| 2016-05-28
Ссылка| http://info.tatcenter.ru/article/159898/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

В этом году XXIX Нуриевский фестиваль в Казани завершается необычно. Вместо традиционного Гала-концерта зрителю представили спектакли современного Балета Бориса Эйфмана из Санкт-Петербурга. 27 мая, на сцене театра Оперы и Балета в одноименном спектакле зрителю рассказали историю скульптора Родена.

В центре внимания в постановке традиционный любовный треугольник (Роден, его жена – Роза Бере, и возлюбленная – Камилла), который раскрывается совсем не традиционным образом. Муки любви, ревности и страсти в балете сплетаются с творческими терзаниями, ведь муза Родена – Камилла – тоже художница, дарившая своему возлюбленному свою красоту, молодость и гениальность, но вынужденная приносить в жертву свой талант.



Конечно, любовь двух гениев обречена, и каждый из персонажей испытывает непомерные страдания, выраженные динамичными, ломанными, резкими движениями – движениями безумия и отчаяния.

Как резко они контрастируют с пластическим языком любви – труппа Бориса Эйфмана очень точно владеет им, чтобы донести внутреннее состояние персонажа, показать психологизм его души. В моменты творческого экстаза герои словно отрываются от земли, перестают быть "земными" людьми – они порхают, они летят. В любви, наоборот, движения персонажей становятся мягкими, будто выплывающими один из другого.

Интересно, как танцоры – Сергей Волобуев (Роден), Мария Абашова (Камилла) и Лилия Лищук (Роза Бере) – в дуэтах сливаются в единый ком чувств и движений, порой глаз не успевает уследить, чья рука взмыла вверх – его или ее… или их обоих?

Особый антураж постановке предают не искусственные декорации, а живые статуи, которые на протяжении всего спектакля "рождаются" гением Родена. Именно "рождаются", потому что другого описания здесь не подобрать. Люди ли это, изображающие статуи? Или же статуи, притворившиеся людьми? Завороженный зритель выражал свой немой вопрос аплодисментами, которые неоднократно возникали на протяжении всего спектакля.

Необычная пластика, такая, какой не увидишь в классическом балете с его строгими, ограненными формами – первая, вторая, третья позиция – становится главным способом отражения главного любовного и творческого конфликта балета. Герои и ползают, и заламывают руки, и вскидывают ноги в самых неожиданных вариациях. Такая хореография обнажает душу и помогает увидеть самое сокровенное.

Сюжет балета "Роден" автобиографичен, поэтому, не прочитав предварительно программу или биографию скульптора, зритель может оказаться не совсем готовым уловить все грани сюжета этого спектакля. Наверное, не случайно, столь пространным было вступительное слово, которое стало экспозицией, познакомившей зал с творческой судьбой Родена.

Не смотря на спавший к финалу фестиваля ажиотаж прессы, нельзя сказать о такой же закономерности среди зрителя. Наоборот, в коридорах до начала спектакля и в антракте было даже сложно перемещаться, всюду был зритель – нарядный и торжественный.

Как отмечает Владимир Яковлев, балетмейстер театра, казанская публика очень образована в хореографическом смысле, в знании балета.

"В значительной степени этому способствуют предыдущие фестивали, а также наши спектакли, которые проходят на высоком художественном уровне. Наш зритель готов смотреть и новые произведения, и новых авторов, если это сделано на профессиональном уровне и исполняется профессиональными актерами", - отмечает он.

Что интересно – зритель не только уже освоился в классической и современной хореографии, но и за многие годы привык к сложившейся структуре фестиваля, финальным аккордом которого все эти годы становился Гала-концерт.

"Почему бы нам не сделать так, как мы сделали сейчас? - комментирует Владимир Яковлев, - XXVIII лет у нас был заключительный концерт, а в этом году появилась возможность именно в эти сроки пригласить Эйфмана. Может, идея приживется, и мы будем ее как-то чередовать с Гала-концертами…но мы, безусловно, не откажемся от Гала-концертов, как завершающих аккордов фестиваля".

А все-таки в этом году финальным аккордом станет "Роден" Бориса Эйфмана, оживший с музыкой импрессионистов – Жюля Массне, Камиля Сен-Санса и Мориса Равеля, которые создавали свои произведения на рубеже XIX-XX веков. В одно время с великим Роденом, который воплотил жизнь и движение чувства в своих изваяниях.

Валерия Манжелиевская,

Фото автора
----------------------------------------
Другие фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17087
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Май 28, 2016 9:25 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016052803
Тема| Балет, БТ, проект "AMORE", Персоналии, Светлана Захарова
Автор| Елена Ларина
Заголовок| "AMORE" примы СВЕТЛАНЫ ЗАХАРОВОЙ
Где опубликовано| © «Трибуна»
Дата публикации| 2016-05-28
Ссылка| http://riatribuna.ru/news/2016/05/27/77891/
Аннотация|

Любовь всегда рождает что-то новое – жизнь, чувства, личность… То же самое можно сказать и о проекте Светланы Захаровой "AMORE" на Исторической сцене Большого театра. В трех одноактных балетах вечера прима-балерина Большого и этуаль Ла Скала, предстала в совершенно новых для нее амплуа, и открылась в неожиданных качествах. Современная хореография Юрия Посохова, Патрика де Бана и Маргарит Донлон буквально преобразили танцовщицу. Проект уже был показан в Италии. После московской премьеры запланированы гастроли в Монте-Карло и показы на других сценах мира.



Три балета, лично подобранные Светланой Захаровой для своего творческого вечера, очень разные и при этом удивительно ей подходят, как будто созданы специально для нее. Хотя только один из них поставлен специально для этого проекта совместно со Светланой – "Пока не пошел дождь" Патрика де Бана. Вместе три балета создают целостный, наполненный художественной зрелостью, мудростью, юмором и красотой женский образ. И в этой целостности и зрелости Светлана Захарова неожиданна, незнакома и абсолютно завораживает.

Балет "Франческа да Римини", поставленный Юрием Посоховым в Сан-Франциско на музыку Чайковского, рожден из памяти о древнем сюжете из Данте. Над сценой, будто в невесомости, нависают фрагменты античных скульптур. На сцене наоборот, невесомая Франческа (Светлана Захарова) танцует сложнейший дуэт со своим возлюбленным Паоло (Денис Родькин), рассказывая нам о небесной любви. Ощущение перевернутого мира, как будто небо оказалось внизу. Это ощущение невесомости аккуратно поддержано дизайнером Игорем Чапуриным. Платье Франчески скроено особым образом так, что в движении оно дышит и вибрирует. Разрезы в спиральной юбке и ленты, развиваясь в сложнейших поддержках и кручениях, визуально стирают грань между платьем и телом. Танец сама любовь. Две светлые и любящие души Франчески и Паоло разлучены агрессивным и ревнивым Римини (Михаил Лобухин). Влюбленные связаны романом о Ланцелоте, Римини появляется с ножом и в сопровождении женщин в кроваво красных платьях и с красными лентами на шеях. Он убивает жену и брата, и в момент смерти над ними закручивается вихрь темных энергий, которые, собравшись в сгусток, исчезают в глубине пространства. Жертва, от которой мир стал чище.

"Пока не пошел дождь" поставлен Патриком де Бана, хореографом и танцовщиком, с которым Светлана Захарова работала и прежде. "Сам балет воплощает главную для меня тему любви, - сказал хореограф. - В центре балета странный треугольник. Сначала героиня задумывалась мной как писательница. В процессе работы она стала просто женщиной. Для меня крайне важно приносить на сцену жизнь. И мне хотелось раздвинуть границы Светланы Захаровой и пойти с ней рука об руку в какие-то новые дали. Это огромное удовольствие работать с ней". В этом балете хореограф является и главным партнером танцовщицы. В темноте сцены стол и стул. Она появляется из темноты в сиреневом платье, садится за стол и пережидает дождь. Пластику ее рук сложно назвать танцем, это скорее очень красивое и умное существование женской сущности через движения тела. Такое ощущение вспоминается от пластики Сильви Гиллем. Осознанное и прожитое каждое движение ноги, руки, поворота головы, изгиба и сплетения. Светлана Захарова "сошла с пуантов" и танцует в мягкой обуви, что для танцовщицы большая редкость. Умное тело в сочетании с волшебной красоты линиями Светланы Захаровой создают ощущение магического притяжения. С первым партнером (Патрик де Бана) она ведет светский "основательный" танец, где идет на пальцах, словно на пуантах. А где-то на авансцене, свесив ноги, ждет другой партнер (Михаил Лобухин). Он подглядывает одним глазком, что-то мысленно воображает. Потом невзначай встречается с изысканной парой, потом присаживается за ее стол. Вот они уже вместе, и с новым партнером женщина ведет себя иначе. Ее пластика более откровенна, она эмоциональна, страстна. В какой-то момент она раздваивается в общении с обоими партнерами. С одним – изысканная, неотразимая, обожаемая. С другим – страстная, любящая, нежная. Наконец, женщина оказывается запертой в освещенном круге своего личного пространства среди темноты сцены. И наступает преображение. Из круга она выходит обновленной, с новым опытом и пониманием. Двое мужчин присаживаются на один стул, они уже не враги. Они оба остались за бортом ее жизни, перестали быть ей интересны. Или не узнали в новой женщине свое прошлое увлечение. А может быть, это персонажи ее воображения, которые освободили ее память. Хореограф предлагает зрителям самим трактовать сюжет спектакля. Балет, рождающий атмосферу размышления, задумчивости, балет-философия с воплощением очень земного, теплого, женственного образа Светланы Захаровой.

"Штрихи через хвосты" - редкого обаяния опыт воплощения умора в балете. Американский хореограф Маргарит Донлон впервые оказалась в России и в Большом театре. Странное название балета и саму идею она нашла случайно, рассматривая партитуры Моцарта. Редактор писал, что композитор использовал авторское обозначение - штрих через хвосты нот, который означал, что исполнитель мог играть эту ноту в более свободной длительности. Хореограф увидела эти черные ноты движущимися в пространстве, а "штрих через хвосты" как вариант свободы для своих артистов. Балет на музыку 40-ой симфонии Моцарта был поставлен в Чикаго, за пультом стоял маэстро Цукерман. Маргарит призналась, что в восторге от того, как эта музыка звучит в исполнении оркестра Большого театра. "Поскольку я очень люблю бриллианты, - добавила Маргарит, - в моем балете появилась Светлана. В ней удивительная сила, мощь, она создает особую атмосферу вокруг себя. Она действительно одна из лучших в мире. Этот балет, казалось, создан для нее". "Штрихи через хвосты" - это балет игра. Первая часть просто звучит при закрытом занавесе, предлагая зрителям погрузиться в божественную музыку. Вторая часть, полифоническая. Занавес открывается и мы видим на сцене одну женщину (штрих) и пять мужчин (ноты). Они в разных костюмах. Мужчины поражены свободой и независимостью дамы. Но по законам полифонического жанра они стараются скопировать не только ее костюм, но и подражают ее жестам, движениям. Начинается игра полов. Копии женского очарования в мужском исполнении с разрешения творца, это невероятно смешно и возвышенно. В третьей стремительной части симфонии уже не до свобод. Штрих наоборот становится организованной длительностью, надев черный фрак и черные шорты. Это первоначальный костюм мужчин. Растерянные мужчины, обнаружив своего кумира в мужском костюме, срочно удаляются для переодевания и появляются в том же, что и дама. Они собираются в пассажи, сложные украшения, проявляют себя в соотношениях и индивидуально. Словом, прелестная копия нашей жизни, в которой смешалось много прекрасного и смешного. Светлана Захарова прелестна и заразительна и в этом совершенно новом для нее амплуа. "Штрихи через хвосты" - идеальный финал для творческого вечера, в котором танец стал воплощением не только полета духа и палитры чувств, но и божественной игры творчества, которая являются неотъемлемой частью большого артиста.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17087
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Май 28, 2016 9:37 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016052804
Тема| Балет, Санкт-Петербургский государственный академический театр балета, Премьера, Персоналии, Борис Эйфман
Автор| Наталья Васенкова
Заголовок| Чего ждать от нового балета Бориса Эйфман «Чайковский. Pro et Contra»
Где опубликовано| © sobaka.ru
Дата публикации| 2016-05-24
Ссылка| http://www.sobaka.ru/city/theatre/46593
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Накануне 70-летнего юбилея Бориса Эйфмана Санкт-Петербургский государственный академический театр балета представит на сцене Александринского театра спектакль «Чайковский. Pro et Contra». По сути, это новое прочтение постановки, впервые представленной режиссером 23 года назад и успешно показанной по всему миру. Мы первыми проникли за кулисы и узнали, чего ждать зрителю от новой версии спектакля.



Петр Ильич Чайковский — любимый композитор Эйфмана, поэтому возвращение к этой личности, жизни и творчеству которой был посвящен созданный хореографом в 1993 году балет «Чайковский», вполне понятно, в особенности с учетом новых возможностей театра. К ним относятся и новая хореография в духе психологического балета, и костюмы, автором которых стала Ольга Шаишмелашвили, а также декорации и световые решения, за которые отвечают Зиновий Марголин и Александр Сиваев. Музыкальная партитура спектакля, целиком и полностью основанная на произведениях Чайковского, осталась практически той же, за исключением некоторых дополнений. Балет «Чайковский. Pro et Contra» — это и экскурс в творчество композитора, и история личных переживаний, причем обе темы тесно связаны и перетекают одна в другую. По словам Бориса Эйфмана, в результате он стремился еще глубже понять внутренний мир Чайковского и ответить на вопрос, почему такой успешный композитор писал настолько трагическую музыку.

Борис Эйфман: Каждый художник самостоятельно решает, стоит ли возвращаться к своим прошлым произведениям. Я постоянно нахожусь в развитии, и когда встает вопрос о реанимации моих старых балетов, то я подхожу к этому творчески. Я хотел бы, чтобы такие спектакли, как «Чайковский», «Братья Карамазовы», «Красная Жизель», вернулись в репертуар, но при этом соответствовали бы тем возможностям, которыми сегодня обладает наш театр. Иными словами — чтобы спектакли, которые приходят к нам из 20 века, соответствовали 21 веку. Я думаю, не стоит ассоциировать Чайковского с какой-то определенной эпохой, потому что Петр Ильич — личность вне времени. Его музыка, обогатившая мир, будет жить вечно. Это вопрос не актуальности темы, а моего отношения к композитору, которого я очень люблю — на произведения Чайковского я поставил шесть балетов. Мы попытались понять его внутренний мир, отношения с окружающими и то, как все это сублимировалось в творчестве. С момента премьеры первого балета мое отношение к Чайковскому не изменилось, но изменился мир, изменился мой театр и, в конце концов, изменился я сам. Сейчас у меня появилось новое видение этой личности и возможность реализовать такой спектакль в нашем театре».



Главных действующих лиц в новой постановке, как и в версии 1993 года, четверо: это сам Чайковский в исполнении заслуженного артиста России Олега Габышева, его двойник (Сергей Волобуев), сопровождающий композитора в моменты творческих душевных терзаний и олицетворяющий его греховное начало, а также два биографических персонажа — покровительница композитора Полина фон Мекк (Мария Абашова) и его жена Антонина Милюкова (Любовь Андреева). Трагическая судьба последней (неудачный брак, физическое отвращение со стороны Чайковского, осуждение общества и двадцать лет, проведенных в стенах психиатрической лечебницы) развивается в тесном сплетении с историей главного героя.

Сюжетная линия состоит из воспоминаний умирающего композитора, в котором трогательные картины его жизни сменяются аллюзиями на тему его творений, среди которых балеты «Щелкунчик» и «Лебединое озеро», оперы «Евгений Онегин» и «Пиковая дама». Призраки преследуют Чайковского до самой смерти, и главный из них — он сам. Возможно ли примирение и покой? Этот вопрос предстоит решить зрителю.

Олег Габышев, солист Театра балета Бориса Эйфмана, исполнитель партии Чайковского: Для меня это первое исполнение партии Чайковского, в старом балете я танцевал другую роль. Сложность состоит в том, что, создавая образ Петра Ильича, необходимо быть объективным и точным. Ведь композитор известен, любим и почитаем во всем мире, особенно в Роcсии — для нас Чайковский национальный герой. Мне хотелось сделать его более ранимым, в то же время отразив глубину души Петра Ильича. Мне очень понравилось, как композитор изображен в советском фильме «Чайковский», где играл Иннокентий Смоктуновский — он получился скромным, деликатным. Мне показалось, что Чайковский был именно таким. В новом балете сама музыка наводит тебя на плавные и мелодичные линии, поэтому хореография для меня — не самое сложное в данном случае. Труднее было передать те переживания, боль и борьбу, из которых и рождались гениальные творения».

Ближайшие спектакли балета «Чайковский» пройдут 24 мая и 29 июня на сцене Александринского театра.

Текст: Наталья Васенкова Фото: Евгений Матвеев

-----------------------------------------
Другие фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17087
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Май 29, 2016 10:39 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016052901
Тема| Балет, Английский национальный балет, Персоналии, Екатерина Ханюкова
Автор|
Заголовок| Партия Золушки. Екатерина Ханюкова стала в королевой британской балетной сцены
Где опубликовано| © журнал "Новое Время"
Дата публикации| 2016-05-20
Ссылка| http://nv.ua/style/art/partija-zolushki-ekaterina-hanjukova-stala-v-korolevoj-britanskoj-baletnoj-stseny-134108.html
Аннотация|


ПРИНЦЕССА НА ПУАНТАХ: Екатерина Ханюкова исполняет главную партию в балете Спящая красавица на сцене киевской Национальной оперы
Laurent Liotardo Photography

Всего за два года киевлянка Екатерина Ханюкова превратилась в королеву британской балетной сцены и объект профессионального интереса лучших хореографов современности.

Погда весной 2013‑го украинская балерина Екатерина Ханюкова приехала на уикенд в Лондон, в ее планах был лишь отдых от недавних гастролей в Риге и прогулки по городу. Впрочем, педагог не дала танцовщице расслабиться и отправила ее к балетному станку. Жалеть о пропущенном выходном не пришлось. Из балетного зала Ханюкова вышла с предложением работать в Английском национальном балете — одной из ведущих трупп Британии.

Дело в том, что за разминкой киевлянки внимательно наблюдала Тамара Рохо, директор этой престижной балетной компании. Без дополнительных вопросов и кастингов, традиционно неизбежных при приеме на работу, Рохо пригласила Ханюкову в свою команду. А месяц спустя по электронной почте балерина получила контракт, который вскоре подписала.

Теперь за спиной Ханюковой несколько громких премьер в составе труппы лондонского театра и десятки выступлений на ведущих сценах Европы, которые, как правило, сопровождаются аншлагами. Критики отмечают отточенную технику танцовщицы, узнаваемый стиль, артистизм и с уважением перечисляют ее былые победы в авторитетных балетных состязаниях вроде Международного конкурса имени Сержа Лифаря.

“Соло Кати Ханюковой показалось мне выдающимся,— делится впечатлениями от спектакля британский балетный критик Викки Джейн Вайл.— Она была настолько плавной и выразительной на сцене, что я могла бы наблюдать за ней бесконечно”.

Теперь график 26‑летней Ханюковой распланирован на год вперед. С ней работают ведущие современные хореографы, помогая отточить до блеска не только классические партии, но и номера в стиле модерн. К примеру, в будущем сезоне британская публика увидит Ханюкову в спектакле Жизель. Однако классический балет о девушке с разбитым сердцем будет представлен в современной авторской интерпретации британского хореографа Акрама Хана — он знаменит сотрудничеством с ведущими сценами мира, а также постановкой шоу культовой поп-дивы Кайли Миноуг.

Прежде чем погрузиться в работу над новой постановкой, Ханюкова выступит в Киеве. 24 мая вместе с труппой Национальной оперы она представит Золушку Сергея Прокофьева.

Женская сила

"В аду есть специальное место для женщин, которые не помогают другим женщинам”,— эту фразу бывшего госсекретаря США Мадлен Олбрайт Ханюкова услышала лишь недавно. Хотя в ту особую роль, которую играют в ее карьере женщины, верит давно.

Первой такой встречей, определившей ее балетное будущее, артистка называет знакомство со Светланой Ильенко. Так случилось, что супруга украинского режиссера Михаила Ильенко оказалась соседкой семьи Ханюковой, причем в молодости она была балериной. Именно она заинтересовала девочку балетом и подготовила к поступлению в Киевское государственное хореографическое училище.

Затем были пять лет работы в Национальной опере Украины. Тогда Ханюкова станцевала ведущие партии в главных классических балетах украинской сцены — Ромео и Джульетте Прокофьева и Лебедином озере Петра Чайковского. А еще объездила множество стран — от Японии и Китая до США и Колумбии, где принимала участие в авторитетных конкурсах и получала награды.

2013‑й стал переломным для карьеры артистки — после нескольких месяцев раздумий Ханюкова подписала контракт с Английским национальным балетом. Еще несколько месяцев заняло оформление документов — как раз тогда Киев пылал в революционном огне. В результате проволочек украинка присоединилась к своей лондонской труппе посреди сезона и пропустила подготовку к премьере — Жар-птице Игоря Стравинского.

Ханюкова рассказывает, что не ставила перед собой цели уехать из страны и не мечтала о Лондоне. Однако возможности, открывавшиеся в британской столице, перевесили страх покинуть родной театр.

“В Национальной опере я достигла всего, чего могла, а простой в моей профессии равносилен регрессу”,— говорит балерина.

Особенность работы Английского национального балета заключается в том, что классические постановки в его репертуаре соседствуют с современными спектаклями. Прежде Ханюкова танцевала модерн лишь на конкурсах, и в британской столице ей пришлось в ускоренном режиме осваивать новые навыки.

Хотя скромный опыт в современной хореографии не помешал ей уже в прошлом году присоединиться к масштабному проекту, посвященному Первой мировой войне. Триптих Не забудем создавали трое культовых хореографов по заказу директора труппы Тамары Рохо. Тогда украинка исполнила партию в одноактном балете британца Лиама Скарлетта о женщинах, работавших на производстве бомб.

В конце апреля при полных аншлагах Английский национальный балет представил новую трилогию от актуальных хореографов. Проект под названием Она сказала объединил балеты, посвященные сильным женщинам вроде мексиканской художницы Фриды Кало (Сломанные крылья) и мифическим героиням вроде Медеи (Фантастические существа). В обоих постановках участвовала Ханюкова.

При этом украинка продолжает танцевать классику.
Объясняет, что киевская школа по‑прежнему считается одной из лучших в мире, обеспечивая своим ученикам надежную основу для дальнейших экспериментов. Чтобы совершенствовать навыки современной хореографии, Ханюкова часто смотрит видеозаписи актуальных постановок. А в свободное от репетиций время занимается хип-хопом и сальсой.

“Я боготворю танец,— говорит балерина.— Мне важно не только то, насколько хорошо человек танцует, но и то, чувствует ли он себя счастливым в танце”.

Прочные связи

"Когда в декабре 2014‑го авторитетный британский критик Люк Дженнингс впервые увидел Ханюкову на сцене, то был сражен. Специалиста поразили пластика украинки и точность ее движений.

“Следить за Катей Ханюковой,— написал Дженнингс в своем блоге в социальной сети Twitter.— Четкие и ненавязчивые линии, уверенная фразировка, чистые, словно свист, повороты. Потеря для Киева и приобретение для нас”.

Британским экспертам пришлась по душе легкость, с которой украинка будто парит над сценой. Впрочем, специалисты отмечают также, что молодой балерине порой не достает харизмы, чтобы уверенно вести за собой партнеров на сцене.

Впрочем, критика не смущает Ханюкову. Она называет себя азартным в работе человеком, увлеченно принимающим каждый вызов. “Если другие говорят, что не получится, это только подогревает мой интерес”,— говорит балерина.

А еще украинка не любит, когда говорят, будто она разорвала связи с родиной. В прошлом году она приезжала в Киев, чтобы станцевать партию Китри в балете Дон Кихот. А нынешней весной подписала гостевой контракт с Национальной оперой на следующий сезон. Согласно его условиям, она выступит в качестве солистки в двух-трех постановках, причем, возможно, тогда‑то и представит столичной публике современную хореографию.

“Я убеждена, что наш зритель достаточно умен и должен иметь выбор, на какой балет ему ходить,— рассуждает Ханюкова.— Нельзя бесконечно повторять, что зритель не готов к модерну, потому что он готов, дайте ему только возможность”.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17087
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Май 29, 2016 11:41 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016052902
Тема| Балет, МАМТ, Персоналии, Оксана Кардаш
Автор| Алиса Асланова
Заголовок| Оксана Кардаш
Где опубликовано| © Ballet Insider
Дата публикации| 2016-05-28
Ссылка| http://www.balletinsider.com/archive/solo/4425
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Прима-балерина Музыкального театра им. Станиславского и Немировича-Данченко Оксана Кардаш в большом интервью для Ballet Insider.


ДРУГИЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ

Bi: У Вас в театре в прошлом году был юбилейный сезон?

ОК:
Надо начинать отсчет с 2005 года, я даже и не знаю.

Bi: Вы не придаете этому значения?

ОК:
Нет.

Bi: Если оглянуться назад, все ли что Вы задумали, получилось? Вы сильно изменились за это время?

ОК:
Не знаю правильно это или нет, но иногда я думаю, что большое упущение с моей стороны – ничего не планировать. Моя мама рассказывала, что когда я была совсем маленькой, я часто говорила, что моя мечта стать прима-балериной, но я этого не помню. Даже в учебе я не ставила для себя особенных целей. Например, я не хотела учиться в МАХУ (прим. ред. Московская академия хореографии). Одно время у было желание уехать в Кировское училище, но оно быстро пропало. В итоге я закончила хореографическое училище им.Нестеровой. На просмотре в Большом театре мне сказали, чтобы я попробовала прийти на следующий год, так как не было мест, но я не придала этому значения. У меня изначально не было желания быть суперзвездой, я не ставила перед собой недостижимых целей. Все главное и интересное заключено для меня в самом процессе работы. Наверное, если бы я ответственнее, сосредоточеннее подходила к своей работе, я добилась бы большего. Но в силу своего характера, эмоциональности я живу так.

Bi: То есть Вы человек, который не будет из кожи вон лезть, чтобы доказать кому-то что-то?

ОК:
Нет. Я уже достаточно опытная, не буду. Не хотите – не надо. Я буду делать все, что от меня зависит на своем лучшем уровне. Если мне дают возможность, я ее использую, но доказывать? Нет. Что-то не позволяет мне. Наглости, наверное, нет.

Bi: Вы отгораживаете себя от внутренней жизни театра?

ОК:
Я просто не интересуюсь ей. Вроде бы это и интересно, но специально углубляться не хочется. Но мне иногда говорят что-нибудь приятное, ну и слава Богу.

Bi: В театре у артиста всегда возникает переломный момент, связанный с какой-то ролью. Какая роль стала толчком к Вашему изменению?

ОК:
Я думаю, это была партия Гамзатти в «Баядерке». Это был тяжелый период, репетиции с Натальей Макаровой, большая ответственность. У меня всегда были проблемы с техникой, а у нее довольно сложная партия с классическим pas de deux. Мне было тяжело, честно говоря. Одновременно я еще готовила тройку теней. У меня были срывы, но именно эта работа стала серьезным толчком в моей карьере.

Bi: Вы лично работали с Натальей Макаровой? Чему она Вас научила?

ОК:
У нас было несколько совместных репетиций. Она удивляет физическим, техническим аспектом, правильностью. Если просто посмотреть ее старые видеозаписи, уже по ним можно учиться. Ее особенность – руки, корпус, растанцованность; у нее особенная пластика, свойственная только ей. Когда она просто показывает па, ты смотришь, завороженно, и пытаешься это перенять. Кроме того, невозможно пропускать мимо ушей, когда такой человек требует сделать именно так.

Bi: Этот спектакль с западным стилем и, скорее всего, Наталья Макарова требовала манеру исполнения, свойственную на Западе? У нас все по-другому: другая работа корпуса, другие приемы в технике вращения…

ОК:
Да, по-другому. Но классно, когда есть возможность передать новый стиль и манеру исполнения. Здорово, когда есть возможность заниматься западными классами. У нас была такая практика в театре, когда приезжали педагоги из других театров и давали разные классы – это было очень полезно. Чувствуется разница, когда ты танцуешь в абсолютно другом стиле ту же самую классику: тебе тяжело, неудобно, но постепенно ты перебарываешь себя и привыкаешь.

Bi: Как у Вас проходит процесс подготовки к новой роли? Вы смотрите на чье-то исполнение или предпочитаете отталкиваться исключительно от своего взгляда на роль?

ОК:
Мне всегда хочется посмотреть, ведь визуальная оценка – это тоже опыт, и ты потом что-то используешь. Когда ты делаешь что-то сам, ты ограничен своими возможностями и своим восприятием, когда ты смотришь на других, то понимаешь, что можно сделать все по-другому. Полезно расширять свой кругозор и физический, и интеллектуальный.

Bi: Вы больше любите репетиции или спектакли?

ОК:
Конечно, когда ты танцуешь ведущую роль в спектакле, тебе хочется на сцену. Мне нравятся эмоциональные вещи, нравится все переживать по-настоящему. Эмоции, которые отдаешь и получаешь, гораздо важнее, чем усталость. Мне все интересно, надо только уметь наслаждаться моментом.

Bi: Вы артист, который всегда недоволен собой или можете рационально на себя взглянуть?

ОК:
Мне не очень нравится, как я танцую, но, когда зрители подходят и говорят что-то приятное, то невольно задумываешься: не будет же каждый человек врать? Если людям нравится, значит, не все так плохо. Я люблю покопаться в себе, и партнеры меня иногда не любят за это. Я придумываю что-то ненужное, но мне кажется, что так будет лучше, интереснее. Мне всегда хочется что-то добавить в роль.

Bi: Артист, как правило, растет, благодаря этой внутренней работе, постоянно происходят метаморфозы. Если рассматривать балет с этой точки зрения – это искусство для себя или для зрителя?

ОК:
Я думаю, для себя, конечно. Балет – эгоистичное искусство, мы начинаем зависеть от своего духовного роста. Мы должны постоянно читать, думать и смотреть, если, конечно, перед артистом стоит цель не просто отработать. Всегда хочется подняться еще чуть выше. Мы нуждаемся в атмосфере, которая окружает нас после спектакля: аплодисменты, цветы, – все это очень влияет на самолюбие, и мы начинаем играть с этими ощущениями, эмоциями, славой, какой бы она ни была, даже только в кругу друзей. А это все для себя – ведь ты именно себе хочешь сделать хорошо.

Bi: К слову о друзьях, у Вас много знакомых не из мира балета?

ОК:
Нет, и это большая проблема балетных, мы ограничены в общении. У нас иные взгляды на жизнь, чем у других людей. Да, у нас есть возможность видеть мир на гастролях, мы хорошо ориентируемся в искусстве, но в обычном общении мы проигрываем, в чем-то что мы очень закомплексованные, закрытые, многого сторонимся. После школы в самом начале театральной работы у меня был период, когда было все попроще, мы с Лерой Мухановой много гуляли, у нас было много друзей вне театра, но когда начинается более серьезная работа, приходится все больше отстраняться от внешнего мира.

Bi: Мне хотелось бы коснуться Вашей дружбы с Валерией Мухановой: ведь Вы вместе заканчивали училище, вместе пришли в театр. Мне кажется, что Вы пример настоящей дружбы балерин.

ОК:
У нас обеих сложные характеры, она – Скорпион, я – Телец, мы вспыльчивые, но, конечно, нас что-то связывает. Мы вместе учились в школе Нестеровой. У нас не было установок, что мы звезды и должны быть лучшими, в нас не закладывали борьбы, соперничества. Каждый идет своим путем и у каждого будет то, что он должен иметь. У меня своя дорога, у Леры – своя, мы идем параллельно и не забираем ничего друг у друга. Каждый должен делать свою работу на 100%, тогда все будет честно.

Bi: Вы за честный путь?

ОК:
Конечно, хочется, чтобы так было, но, наверное, честного пути не бывает. Что это такое – честный путь? Все равно надо добиваться своего, если сидеть и думать, что все само свалится тебе на голову – ничего не выйдет. Мы живем в таком мире, где я до конца не знаю, что такое честность, иногда мне кажется, что это понятие уже давно потеряно, а идеалы, духовность уже невозвратимы.

Bi: Вы открытый человек?

ОК:
Скорее закрытый. Я общаюсь с людьми, но не считаю, что должна грузить кого-то своими проблемами. Если проблема есть, я сама должна с ней разобраться.

Bi: Какие качества Вы цените в людях?

ОК:
Чувство юмора, наверное, больше всего. Уважение к другим людям, к чужой работе. Не люблю откровенного вранья.

Bi: Вернемся к балету, к «Татьяне». Какой Татьяну видите Вы?

ОК:
Наблюдая за постановочным процессом, я поняла, что мне не хочется повторяться. Когда балет только ставился у нас в театре, я много читала, смотрела фильм, у меня сложилось впечатление об этой героине. Я не знаю, что имел в виду Джон Ноймайер, но у него получилась совсем не русская Татьяна, не та, что у Пушкина.

Bi: Если бы у Вас была возможность встретиться с кем-нибудь из прошлого, кто бы это был?

ОК:
Зинаида Гиппиус, наверное…

Bi: А кто из современников Вас восхищает?

ОК:
Есть люди, дарованные Земле чем-то великим, та же Сильви Гиллем. Но я понимаю, что то, что мы видим, и то, что человек на самом деле из себя представляет, – это совершенно разные вещи, и углубляться глубже, чем тебя пускают, не всегда нужно. Мне больше интересны актеры, они драматичнее, и судьбы у них драматичнее.

Bi: Вы мечтательный человек?

ОК:
А кто не любит мечтать?.. Я, правда, не всегда могу определиться, чего я больше хочу. Иногда я размышляю, что можно заняться чем-то другим. Мне хочется оставить запал и энергию на другое творчество.

Bi: Другое творчество?

ОК:
Я бы хотела попробовать себя в роли хореографа. У меня уже были попытки, но за это нужно взяться серьезнее. Мне интересен и дизайн интерьера и одежды. Мне хотелось бы это делать, не важно, своими руками или через кого-то, но хотелось бы.

Bi: Что Вас вдохновляет?

ОК:
Произведения искусства, живопись и мода. Вдохновение можно найти во всем, это зависит лишь от качества того, что ты видишь.

Bi: Что Вы никогда не делали, но хотели бы сделать?

ОК
: Моя мечта из области фантастики. Наверное, я никогда не осмелюсь на такой образ жизни. Но я очень завидую людям, которые много путешествуют и могут позволить себе экстрим, открывают для себя новые страны. У нас есть только небольшой отпуск летом, времени для души остается совсем мало. Люди, которые не живут в городе, другие. Я бы очень хотела так жить, но уже настолько привыкла к городу, что мне будет тяжело. Иногда, когда я приезжаю на море в какой-нибудь маленький городок, мне хочется остаться там, ходить в одной футболке и выращивать морковку.

Bi: У Вас есть девиз?

ОК:
Стараться жить одним моментом, делать все, что от тебя зависит, и побольше улыбаться.

Фотограф
Дарьян Волкова

--------------------------------------
Другие фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17087
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Май 29, 2016 12:21 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016052903
Тема| Балет, БГТОиБ, Гастроли в Европе, Персоналии, Галина САБИРОВА
Автор| Беседовала Нина ЖИЛЕНКО
Заголовок| "Лебеди" из Башкирии долетели до Парижа
Где опубликовано| © газета «Вечерняя Уфа»
Дата публикации| 2016-05-28
Ссылка| http://vechufa.ru/culture/8406-lebedi-iz-bashkirii-doleteli-do-parizha.html
Аннотация| ГАСТРОЛИ

Успешно закончилось турне балетной труппы БГТОиБ по городам Франции, Бельгии, Люксембурга. Европейской публике был представлен один из лучших спектаклей Башкирского государственного театра оперы и балета - "Лебединое озеро" на музыку Петра Ильича Чайковского, с хореографией Мариуса Петипа и Льва Иванова в редакции Юрия Григоровича, с изысканной сценографией Симона Вирсаладзе. Позади два с лишним месяца напряженной гастрольной жизни. Сотрудничество с опытной и авторитетной компанией FRANCECONCERT и её арт-директором Арменом Карапетяном оказалось плодотворным. Теперь самое время включиться в привычную работу на родной сцене, порадовать истосковавшихся зрителей и, конечно, поразмышлять об итогах поездки.Лучше всего это может сделать человек, отвечавший за коллектив в процессе гастролей, Галина САБИРОВА, заслуженная артистка Таджикистана и Башкортостана.



Судьба Галины Георгиевны сложилась так, что она вписала свои страницы в историю двух театров - Таджикского и Башкирского. В общей сложности - четверть века насыщенной сценической жизни. Ведущие партии в балетах классического наследия и современных авторов... Прекрасное владение техникой классического танца, обаяние, музыкальность, оригинальная интерпретация образов... Общение с интереснейшими личностями - артистами, хореографами, педагогами... И сейчас этот богатейший опыт, мастерство щедро передается подопечным. Галина Георгиевна преподает в Башкирском хореографическом колледже имени Рудольфа Нуреева и работает педагогом-репетитором в БГТОиБ.

- Галина Георгиевна, у прошедших гастролей, как я понимаю, несколько аспектов. Это и коммерческая сторона, и художественно-профессиональная ценность, и, возможно, презентационная, ведь труппа представляла за рубежом нашу республику. Давайте поговорим о том, что дала поездка артистам, театру, нашему региону?

- Основное, мне кажется, в том то, что наша труппа доказала свою мобильность, способность выдержать длительное напряжение и физическую нагрузку, не теряя при том профессиональных качеств и ценностей. Шестьдесят два представления в течение двух месяцев! Образно говоря, мы выполнили четырёхлетнюю норму по "Лебединому озеру".

- Какие трудности пришлось преодолевать?

- Спектакли всегда проходили после длительного переезда. Приезжаем в очередной город - урок, репетиции, вечером - на сцену. Это требовало максимальной собранности, дисциплинированности, каждый делал всё возможное. Вы только представьте: четыре картины в хореографии Григоровича, всё на пальцах - колоссальная физическая нагрузка. В первое время были сложности, потому что многие артисты заболели, температурили. Акклиматизация то была или, может быть, вирус?.. И всё равно ребята работали.
Были огромные площадки, мы освоили новое сценическое пространство, приобрели ценный опыт. Непосвященному кажется: какая разница - больше или меньше сцена! Но нет, это другие размеры, другое ориентирование в пространстве и ещё много тонкостей.

- Чтобы с этим справиться, нужна идеальная организация...

- Она, можно сказать, такой и была. Все держится на жесткой дисциплине. Четко организована перевозка, монтировка декораций. Проблем с полом, что чрезвычайно важно для нас, никогда не возникало. Для перевозки - несколько автобусов. Под балет, оркестр, а для монтировщиков и техников - автобус двухэтажный. Монтировщики, среди которых был наш Роберт Шайхлисламов, работали с большим напряжением, ночами не спали. Собирали, разбирали декорации, причем нисколько не усеченные, полноценные, как на стационаре. Вся команда слаженная, опытная, с Арменом Карапетяном не один год. У него высокие требования и к творческому составу, и к техническому. Эта фирма работает именно с большими помещениями, настоящими дворцами.

- Значит, и зрителей соответственно собиралось немало?

- Не менее трёх-четырех тысяч, практически всегда был аншлаг. Иногда давали, как мы говорим, двойники, то есть спектакли утром и вечером. В итоге посчитали - получилось, что мы собрали за это время сто двадцать пять тысяч зрителей не менее чем в пятидесяти городах. Такого ещё не было! Встречались особо важные площадки, например, Дворец конгрессов в Париже. Зал вместил около четырёх тысяч человек. Атмосфера удивительно теплая и приятная. Приезд генерального директора нашего театра Ильмара Разиновича Альмухаметова на это самое ответственное выступление, естественно, поднял настроение, но и добавил волнения. Труппе было приятно, что ему пришлось услышать только добрые слова о наших гастролях.

- Отдельной строкой, пожалуйста, об исполнителях...

- Главные партии исполняли приглашенные солисты Национальной Оперы Украины имени Тараса Шевченко Наталья Мацак и Денис Недак. Некогда они были гостями нашего Нуреевского фестиваля. Танцевали в "Лебедином озере" и "Дон Кихоте". Прекрасно сложенная, гармоничная пара, они продемонстрировали добротную технику, темперамент, нашли общий язык с уфимцами. Другая пара - Катерина Козаченко, тоже из Киева, а её партнер из Минска - Игорь Оношко. Это кадры Армена, он давно сотрудничает с ними. Теперь Карапетян узнал нашу труппу, пленен Гульсиной Мавлюкасовой, отметил её талант и мастерство. Признался, что не подозревал, какого высокого уровня балерины есть в Башкортостане. Можно предположить, что с этим будут связаны планы опытного импресарио. Женский балет проявил себя на высочайшем уровне. Софья Гаврюшина, Лилия Зайнигабдинова, Софья Доброхвалова, Адель Овчинникова, Софик Хачатрян - все они продемонстрировали и мастерство, и свою индивидуальность. Злого гения мощно танцевали Олег Шайбаков и Сергей Бикбулатов. Вообще, все наши артисты работали по максимуму и достойно. Партию шута исполняли приглашённые солисты - Виктор Томашек из Одессы, Константин Героник из Минска, Андрей Сорокин из Екатеринбурга. Все мастеровитые, технически сильные, лауреаты международных конкурсов, поэтому нашим интересно было посмотреть с точки зрения профессионального мастерства, чему-то поучиться, что-то перенять. Другая школа, другие технические приёмы - это всегда полезно взять в творческую копилку.

- При столь плотном графике была возможность ближе познакомиться хотя бы с одной из стран?

- Если сейчас меня попросят сказать что-нибудь о Франции, я не смогу этого сделать. Мы видели ее из окна автобуса. Общения со зрителями практически не было, потому что после известных терактов там строгие ограничения. Но всюду есть страстные балетоманы! Через монтировщиков, рабочих сцены передавали буклеты, чтобы артисты оставили автографы. Иногда поджидали нас у входа, говорили теплые слова, даже коробочки конфет преподносили. Проходя мимо нашего автобуса, выказывали знаки восхищения. Это поднимало настроение, мы чувствовали, что наши выступления нашли отклик в сердцах зрителей. Приём спектаклей был хороший. Почти всегда три раза, иногда четыре, закрывали и открывали занавес. Можно было и ещё поддаться на аплодисменты, но, честно говоря, просто уже недоставало сил. Турне освещалось в прессе, был даже снят небольшой фильм - его показывали по телевидению. Артисты выставляли фотографии в Инстаграме, Фейсбуке...

- Удавалось почувствовать публику?

- Каждый город по-разному принимал, но в конце спектакля всегда бурно благодарили. Особенно реагировали на массовые кордебалетные сцены, которые в "Лебедином озере" не просто красивы, а обладают некой магической силой, и это никого не оставляет равнодушным. Лев Иванов, Мариус Петипа - выдающиеся мастера, и в оригинальной, динамичной подаче Юрия Григоровича женский кордебалет производит потрясающее впечатление даже на искушённых людей. Особенно тепло принимали в Бордо, где есть свой балетный театр и зрители понимающие, в Марселе и, конечно, в Париже.

- Обычно в таких турне используют фонограмму...

- А мы танцевали под живую музыку! Оркестром дирижировал Вадим Никитин. Начинал он в Мариинском театре, теперь свободный художник. Второй год в команде Армена. Перед нами работал с Челябинским театром, который привозил балет "Щелкунчик". У челябинцев было несколько спектаклей под фонограмму, а у нас ни одного. Это же своего рода нерв и пульсация в спектакле, под живую музыку восприятие совсем другое. В оркестре музыканты европейские, из разных стран, много было из Венгрии.

- Если судить по гамбургскому счёту, то как можно оценить художественную ценность выступлений?

- Все спектакли прошли достойно - на хорошем профессиональном уровне, мы держали марку Башкирского балета, который не раз гастролировал за рубежом, но впервые выступил под собственным брендом. Башкортостан и его столица для всего мира связаны с именем Рудольфа Нуреева. Мы доказали своим искусством, что чтим память о великом земляке. Пусть все знают, какой в Уфе высокопрофессиональный балет! Хочется, пользуясь случаем, поблагодарить труппу. Наши с большим пониманием относились ко всем ситуациям, шли навстречу, если кто-то приболел и требовалась замена, все помогали друг другу, работали с полной отдачей. Костяк нашего балета сплоченный, позитивный, на этих ребят всегда можно положиться.

- Какие-то передышки были?

- Времени для отдыха оставалось мало. Ребята подсчитали, что в автобусе мы провели более семи суток. Должны сосчитать, сколько километров проехали по Франции. Думаю, цифра будет ошеломительной. К тому же нам не повезло с погодой - холодно, весна в Европе затяжная... Но в конце гастролей нам дали выходной, отвезли в Париж, и мы смогли хотя бы бегло познакомиться с достопримечательностями - Эйфелева башня, Мулен Руж, Монмартр, Елисейские поля, Триумфальная арка... Вволю нафотографировались. Особое впечатление произвёл Нотр-Дам. Сразу окунаешься в историю, вспоминается, конечно, "Собор Парижской Богоматери" Виктора Гюго и знаменитый балет по этому роману "Эсмеральда", который шел у нас в театре, где блистали выдающиеся балерины Зайтуна Насретдинова и Гузель Сулейманова. Когда узнали, что на обратном пути сутки придется сидеть в Стамбуле, многие чуть не плакали от расстройства, так хотелось домой. Но этот день оказался счастливым. Стамбул произвёл потрясающее впечатление своей ярко выраженной самобытной мусульманской культурой, архитектурными памятниками, мечетями - Айя-София, Голубая, Сулеймана Великолепного... А еще какой-то спокойной, даже душевной атмосферой, в отличие от шумных, суетливых европейских городов... Турки ничего не уничтожают, сохраняют всё, связанное с историей, культурой.

- Как сейчас чувствуют себя артисты?

- Идет акклиматизация... В мае были запланированы сложные, ответственные спектакли - "Щелкунчик", "Спартак", "Бахчисарайский фонтан", "Анюта". График насыщенный, репетиций много. Непросто входить в репертуар, сейчас легко было бы станцевать "Лебединое озеро"... Но очень соскучились по родной сцене, а дома, как известно, и стены помогают, танцуется по-другому, больше внутренней свободы и раскованности.

Беседовала Нина ЖИЛЕНКО.
Снимки предоставлены участниками гастролей.

Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17087
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Май 29, 2016 2:32 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016052904
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Денис Родькин
Автор| Евгения Иванченко
Заголовок| Премьер Большого признался, что артисты балета —сумасшедшие люди
Где опубликовано| © Русская Служба Новостей
Дата публикации| 2016-05-29
Ссылка| http://rusnovosti.ru/posts/420165
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Так Денис Родькин прокомментировал их готовность танцевать при любом самочувствии


Фото: L!FE

Е. ИВАНЧЕНКО: У микрофона Евгения Иванченко, здравствуйте. Сегодня у нас в гостях Денис Родькин, премьер Большого театра, исполнитель таких партий в спектаклях, как «Спартак» – Спартак, «Лебединое озеро» – Зигфрид, «Иван Грозный» – князь Курбский – всё это малый список того, что исполняет Денис. Денис, здравствуйте.

Д. РОДЬКИН: Здравствуйте.

Е. ИВАНЧЕНКО: Спасибо большое, что Вы к нам пришли. Это большая удача. Я очень рада, потому что традиционно к нам на программу приходят актёры, режиссёры, музыканты, иногда дизайнеры, архитекторы, а артисты балета приходят крайне редко. Я надеюсь, что мы начнём эту практику и продолжим, потому что интерес у людей есть. Балет посещают реже и знают, соответственно, меньше о балете, но в балете столько всего интересного и неизведанного. Я, пока готовилась к программе, изучала и поняла, что непочатый край. Сколько всяких домыслов, предрассудков у обычных людей. Я надеюсь, с Вашей помощью мы сегодня всё развеем. Итак, давайте начнём вот с чего. Я изучала сайт Большого театра, смотрела информацию о Вас, о других артистах, и вот, что меня поразило. На сайте есть градация труппы, и есть вкладка «солисты», «балерины», «премьеры», «ведущие солисты», «ведущие солистки», «первые солистки», «первые солисты», «солистки», «солисты» и «работающие по контракту». Кроме того, «кордебалет», «артистки балета» и «артисты». Денис, как в этом разобраться?

Д. РОДЬКИН: На самом деле это ступеньки балетной иерархии. Самая высокая ступенька у мужчин – это премьеры, самая высокая ступенька у женщин – балерина. Конечно же, когда молодой человек или девушка, которая выпускается из балетного училища, попадает в кордебалет и начинает с самых низких партий. Это в первую очередь зависит от неё, сможет ли она продвинуться до солистки, первой солистки, ведущей солистки, балерины. Это зависит от самого человека.

Е. ИВАНЧЕНКО: Мужчины тоже ведь начинают с кордебалета. А то мы как-то начали со слабого пола.

Д. РОДЬКИН: Да и мужчины, и женщины. Кто-то доходит до высокой ставки премьера, кто-то нет. Это всё зависит от человека. Знаете, бывает, он начинает, а потом что-то у него не пошло. Бывает, что долго-долго не дают что-то станцевать, а потом – раз, и в один прекрасный год всё получается, дают много ролей и поднимается до самой высокой ступеньки.

Е. ИВАНЧЕНКО: Денис, скажите, а правильно называть Вас премьер или правильно называть Вас артистом балета? Или это принижает как-то?

Д. РОДЬКИН: Нет, артист балета и премьер – это, в принципе, одно и тоже. Просто артист балета – это моя профессия, премьер – это ставка моя в театре.

Е. ИВАНЧЕНКО: Переходят из одной категории в другую артисты так: смотрит режиссер, постановщик и затем уже переводят потихоньку?

Д. РОДЬКИН: Художественный руководитель, в первую очередь, и балетмейстер. Например, балетмейстер может назначать на свои спектакли на роль, а художественный руководитель уже смотрит, предлагать балетмейстеру этого танцовщика или нет. Всё зависит от художественного руководителя, потому что он является непосредственным начальником.

Е. ИВАНЧЕНКО: Зашла ещё на сайт Мариинского театра, там похожие градации, они чуть-чуть объединены: балерины и премьеры вместе, приглашённые солисты, первые солисты, вторые солисты. Есть ещё отличные от Большого театра солисты характерного танца и корифеи. Вы знаете, кто это? Я просто не совсем поняла.

Д. РОДЬКИН: У нас тоже есть такая ставка «корифеи», просто она не прописана на сайте.

Е. ИВАНЧЕНКО: А что это за ставка? Я посмотрела обозначение слова: «выдающийся деятель на каком-то поприще». Или это что-то другое?

Д. РОДЬКИН: Корифеи – это танцовщики, которые исполняют не сольные партии в балетах, а исполняют «четвёрки», «двойки». Это уже называется корифеи.

Е. ИВАНЧЕНКО: Давайте для тех, кто не очень разбирается: «четвёрки», «двойки» – это нечто проще.

Д. РОДЬКИН: Есть в балете главный персонаж, его всегда танцует прима или премьер. Есть в спектаклях какие-то вставные номера, это танцуют солисты.

Е. ИВАНЧЕНКО: А злодеи? Это тоже главный персонаж или это больше солистам переходит?

Д. РОДЬКИН: Злодеи?

Е. ИВАНЧЕНКО: Антагонисты.

Д. РОДЬКИН: Это, смотря в каком спектакле. Это тоже может танцевать человек, который занимает ставку премьера. Допустим, в балете «Лебединое озеро» есть такой персонаж – злой гений. Он не очень хороший.

Е. ИВАНЧЕНКО: А Вы?

Д. РОДЬКИН: Я танцую принца и злого гения.

Е. ИВАНЧЕНКО: Это очень, мне кажется, удобно иногда под настроение танцевать.

Д. РОДЬКИН: Честно скажу, что отрицание на сцене всегда играть намного проще, чем положительных героев, потому что быть положительным на сцене, как и в жизни, наверно, сложнее.

Е. ИВАНЧЕНКО: Поняла, а отрицание играть проще. Скажите, Денис, Вам всего 25 лет, Вы уже премьер. Это вообще стандартный возраст для того чтобы занимать такую высокую позицию? Всё-таки крайняя планка получается в иерархии артистов балета. Я посмотрела, кстати говоря, сколько лет всем премьерам в Большом театре. Если исходить из информации на сайте, то премьеров всего 9, все старше Вас.

Д. РОДЬКИН: Мне кажется, 25 лет – это идеальный возраст, когда ты – премьер Большого театра. У нас профессия не очень долгосрочная. В 35 лет уже нет такой формы, какую ты имеешь в 25 лет, поэтому, когда у тебя много сил, много желания, вдвойне приятно занимать такую ставку. Ты понимаешь, что в балетной иерархии уже достиг самой высокой ступеньки, при этом ты ещё к чему-то стремишься, а именно к усовершенствованию тех ролей, в которых работал уже.

Е. ИВАНЧЕНКО: Сейчас у Вас цель – улучшить качество того, что есть и что-то новое.

Д. РОДЬКИН: Конечно, улучшить качество. Что касается классического репертуара, я практически всё станцевал. Да, в первую очередь это совершенствование тех ролей, которые я имею.

Е. ИВАНЧЕНКО: Когда готовилась, себе всё выписала: «Кармен—сюита», «Спартак», «Лебединое озеро», «Эсмеральда», «Онегин», «Щелкунчик», «Иван Грозный». В общем, это всё на слуху. Даже человек, который не увлечён балетом, примерно представляет, что будет на сцене, что это интересно, и скорее всего люди выберут это. Кстати, «Герой нашего времени», но этого мы коснёмся чуть позже. Ещё коротко разъясните. Я посмотрела, среди премьеров всего один народный артист, несколько заслуженных и просто премьеры. Насколько сложно даются эти звания и как они даются? «Заслуженный» по выслуге лет?

Д. РОДЬКИН: Конечно, это в первую очередь зависит от возраста артиста. Кому за 37, тому за заслуги перед балетным искусством дают «народного». Для того чтобы получить «народного» нужно стать вначале «заслуженным».

Е. ИВАНЧЕНКО: Это за 37? Или это примерно?

Д. РОДЬКИН: Знаете, все по-разному получали. Сейчас у нас есть премьер Дмитрий Гуданов, он получил уже после 38 лет «народного артиста».

Е. ИВАНЧЕНКО: Да, как раз тот самый «народный».

Д. РОДЬКИН: Допустим, такой уникальный танцовщик, как Николай Цискаридзе, получил звание Народного артиста в 27 лет. У всех всё по-разному, всё зависит от времени и, конечно же, от театра, как они подадут документы.

Е. ИВАНЧЕНКО: Кстати, о Николае Цискаридзе. Получается, Вы в чём-то идёте по его стопам? Вам 25, Вы пока премьер. Ещё 2 года и, может быть, будете народным.

Д. РОДЬКИН: В 23 года он стал Заслуженным артистом, поэтому, наверно, я уже не смогу повторить его заслуги перед балетным искусством.

Е. ИВАНЧЕНКО: Ну, будет какая-то другая дорога. О роли Николая Цискаридзе в Вашей карьере. Вы пришли в Большой театр, если я не ошибаюсь, в 2009 году, там начали в кордебалете свою работу, потом Вас потихоньку продвигали. В этом 2009 Вы познакомились с Цискаридзе? Какая это была встреча? Он набирал группу или Вы сами пришли и говорите: «Может, Вы меня посмотрите?»

Д. РОДЬКИН: На тот момент он был ещё действующим танцовщиком в прекраснейшей форме. Конечно же, он не набирал себе никогда учеников. Если он видел какой-то потенциал в человеке, то да, действительно, он с ним занимался, репетировал. Как моя встреча с ним произошла? Я занимался на классе совершенно у другого педагога. Класс – это урок классического танца. После урока Николай Цискаридзе пришёл заниматься в зал, на тот момент он уже тоже давал класс. Естественно, для меня этот человек – вершина Большого театра. Я всегда, когда учился в училище, брал пример с него, как надо танцевать. Для меня это был не человек, а бог. Потом, когда я ушёл с урока классического танца, Николай Цискаридзе давал класс. Вы знаете, мне показалось, что он был настолько строгий, что я подумал, что никогда не пойду к нему заниматься на класс. Наверно потому, что я не так что-то сделаю, он будет ругаться, я растеряюсь и убегу из зала. В какой-то момент я понял, что нужно сходить и попробовать, ведь я смотрел на этого человека всегда в училище с пиететом. Пришёл к нему на класс, он так очень долго на меня смотрел. Я тогда не понимал, честно говоря, что он от меня хочет. В конце урока он сказал: «В принципе, у тебя есть неплохие способности, и ты можешь очень прилично танцевать на сцене Большого театра. Просто с этого момента начинай думать головой». Потом я стал ходить к нему на класс, он начал обращать на меня внимание, делать замечания, что в театре достаточно большая редкость, потому что, когда на классе стоит человек в Большом театре, он уже по большому счёту выпустился из училища, и к нему уже нет такого внимания, как в училище. Николай Цискаридзе уделял мне такое внимание, мне это безумно нравилось. Постепенно, постепенно мы с ним начали что-то репетировать, готовить. Так у нас началось сотрудничество ученика и учителя в Большом театре.

Е. ИВАНЧЕНКО: Я смотрела небольшой фрагмент интервью о Вас, о начале Вашей карьеры. Там тоже был Николай Цискаридзе, Вы, наверно, видели. Он говорит, что в 2009 году он Вас встретил, что, может быть не очень приятные, но правдивые слова, что взяли «для мебели», как и всех, наверно, набирают, чтобы ходил с пикой, что рослые мальчики нужны. Это не обидно? Это обычная история?

Д. РОДЬКИН: Конечно, «для мебели» – это его такой юмор, а юмор у него достаточно злой, я бы сказал, специфический. Злой в хорошем смысле этого слова.

Е. ИВАНЧЕНКО: Все приходят, как мне показалось, такими «зелёными» что ли артистами, их ставят в конце. Так иронично высказывался о вас Николай Цискаридзе.

Д. РОДЬКИН: Не все приходят, и их ставят в конец, но, что приходят «зелёными» все – это совершенно точно. В театре предстоит большая работа, чтобы стать артистом. Всё зависит от человека, станет он большим артистом или останется в кордебалете. Что касается меня, то меня брали в Большой театр не на главные роли. Я выпустился из Московского хореографического училища при театре танца «Гжель», в конкурсах замечен не был. Взяли высокого мальчика, чтобы был красивым оформлением спектакля, сзади стоял с пикой. Мне на тот момент было всё равно.

Е. ИВАНЧЕНКО: Главное – попасть в Большой.

Д. РОДЬКИН: Да, я попал в Большой театр и ни о каких принцах, Спартаках я мечтать не мог. Когда Николай Цискаридзе обратил на меня внимание, я поверил, что, если такой человек на меня обратил внимание, наверно во мне что-то есть, что я могу танцевать. После этого моя жизнь изменилась на 360 градусов. Здесь я уже начал усиленно работать, чтобы выйти на те главные роли, которые я сейчас исполняю на сцене Большого театра.

Е. ИВАНЧЕНКО: Это правда, что из училища при Московском государственном академическом театре «Гжель» до Вас никто не попадал в Большой?

Д. РОДЬКИН: Да, не попадали, но это училище существует с 2003 года. Может быть, никто не успел пока.

Е. ИВАНЧЕНКО: Мне кажется, для училища – это большая удача, что Вы попали в Большой.

Д. РОДЬКИН: Я надеюсь, что они так думают.

Е. ИВАНЧЕНКО: Скажите, а образование в различных балетных учреждениях учит тому, что нужно будет в театре или же этого недостаточно? Потому что многие говорят о высших учебных заведениях, что мы учимся одному, а приходим – всё совершенно другое. То же самое говорят и актёры: «Нам казалось, что будет так, а там совершенно не так!» Как было у Вас?

Д. РОДЬКИН: Училище даёт среднее образование и диплом артиста балета. Для того, чтобы работать артистом балета в Большом театре, этого достаточно. Но для того, чтобы стать педагогом в Большом театре или в хореографическом училище, конечно же, нужно получать высшее образование. Когда я в 2009 году закончил училище, я сразу же поступил в Московскую государственную академию хореографии на факультет педагогики балета.

Е. ИВАНЧЕНКО: Это как аспирантура?

Д. РОДЬКИН: Нет, это не аспирантура, это высшее образование. Когда я закончил в 2009, получил средне-специальное образование, а по окончании института – Московской государственной академии хореографии, я уже получил высшее образование. У меня диплом педагога, то есть я могу преподавать по завершении своей карьеры в Большом театре в том же Большом театре или каком-нибудь хореографическом училище.

Е. ИВАНЧЕНКО: Получается, это подстраховка для того времени, когда балетная карьера, а именно выступления, отойдёт, чтобы можно было преподавать.

Д. РОДЬКИН: Высшее образование всегда очень важно в нашей жизни. Действительно, это подстраховка.

Е. ИВАНЧЕНКО: Слушатель Евгений меня упрекает, что так много вопросов, но так и не получила ответ на вопрос, кто такие корифеи. Вроде как мы ответили, что это люди, которые исполняют, скажем, четвёртые партии.

Д. РОДЬКИН: Не четвёртые. Скажем, есть кордебалет – люди, которые танцуют массовые танцы. В этом кордебалете пятёрка людей – солистов кордебалета. Это и называется «корифеи». В спектакле же много всегда людей занято.

Е. ИВАНЧЕНКО: Иерархия сумасшедшая.

Д. РОДЬКИН: Нет, не сумасшедшая, просто надо походить на балет, посмотреть, тогда они всё поймут.

Е. ИВАНЧЕНКО: Сколько всего сейчас человек в труппе?

Д. РОДЬКИН: 250 человек в труппе Большого театра. Это только балета.

Е. ИВАНЧЕНКО: Соответственно, ещё опера.

Д. РОДЬКИН: Ещё опера, обслуживающий персонал, монтировщики сцены, те, кто шьют костюмы, можно бесконечно продолжать. Большой театр безумно большой, я бы сказал.

Е. ИВАНЧЕНКО: Ещё, если коротко, можно мы вернёмся к классам? Получается, что у каких-то известных артистов балета и педагогов есть классы, и они преподают в Большом театре? Или как? Они какие-то часы берут и открывают свои двери, говоря: «Приходите».

Д. РОДЬКИН: Нет, нужно, чтобы руководство Большого театра устроило на работу педагогом. Какие-то педагоги с утра разогревают артистов, то есть дают класс. Допустим, класс у нас с 10 до 11 – это утренний класс, а также с 11 до 12. Педагоги, помимо того, что дают класс, репетируют с артистами. У каждого артиста в Большом театре есть свой педагог, с которым он готовит конкретную роль.

Е. ИВАНЧЕНКО: А это обязательное мероприятие с 10 до 11 и с 11 до 12?

Д. РОДЬКИН: С точки зрения профессионализма это обязательное мероприятие, но есть такие артисты, которые на класс не ходят, которые занимаются сами. Есть такие, которые вообще не занимаются. Это не очень хорошо. После 30 на репетициях могут быть большие проблемы со здоровьем.

Е. ИВАНЧЕНКО: Какие ещё кроме растяжек, танцевальных па? Актёрское мастерство у вас есть в Большом? Или же нет, Вы всё прошли?

Д. РОДЬКИН: Актёрскому мастерству учат в училище. Этому уже нужно было научиться до того, как ты выпустился из хореографического училища. В Большом театре исключительно постановочные репетиции, репетиции по репертуару. Выходишь на сцену и показываешь своё актёрское мастерство.

Е. ИВАНЧЕНКО: Насколько это важно, Вы считаете, помимо техники обладать этим актёрским мастерством, умением что-то показать внутри?

Д. РОДЬКИН: Актёрское мастерство в балетах – это безумно важная вещь. Не может быть такого, что технически человек может быть ущербным, а актёрски он гениален. Должна быть гармония. Если мы танцуем балет «Спартак», мы должны показать Спартака, если мы танцуем принца, нужно показать принца, чтобы человек нам поверил. Нельзя просто увлекаться голой техникой, тем более Большой театр всегда славился тем, что было сочетание техники и актёрского мастерства, чего нет ни в одном другом, мне кажется, театре мира.

Е. ИВАНЧЕНКО: Кто следит за этим? Режиссёр-постановщик?

Д. РОДЬКИН: За этим следит педагог и, конечно же, сам артист. Режиссёр-постановщик, вернее хореограф следит за тем, чтобы в спектакле не меняли его хореографию, было правильное оформление спектакля, правильно настроен свет. У него много других задач. А актёр должен сам следить за актёрским мастерством, техникой. Понимаете, все же взрослые люди в театре.

Е. ИВАНЧЕНКО: На их совести.

Д. РОДЬКИН: Да, это на их совести. А там уже художественный руководитель будет смотреть, справляется он или нет.

Е. ИВАНЧЕНКО: Раз уж мы коснулись работы, классов, которые предваряют Ваши основные занятия и спектакли. Сколько дней в неделю в среднем работает артист балета?

Д. РОДЬКИН: Всегда по-разному, в зависимости от репертуара. Бывает такое, что сидишь с 11 до 23 в театре, бывает, что вообще нет работы в театре, приходишь только на класс и уходишь. Класс – это всегда обязательно, потому что это держит артиста в форме.

Е. ИВАНЧЕНКО: Со скольки начинается рабочий день, если у Вас сегодня, допустим, спектакль, и Вам нужно подготовиться? Сколько времени занимает этот подготовительный период и какой он?

Д. РОДЬКИН: Всё по-разному. Кто-то приходит на класс с утра, разогревается, потом едет домой или ещё куда-то, я не знаю. Я лично делаю так, чтобы выспаться перед спектаклем. Прихожу за 4 часа до спектакля, сам разогреваюсь, немножко отдыхаю, иду гримироваться. Потом уже 3 часа, в зависимости от спектакля, это может быть трёхчасовой или одноактный балет, выхожу на сцену театра.

Е. ИВАНЧЕНКО: Есть ли у Вас секреты свои собственные, наработки, разминки – то, без чего Вы не можете выйти на сцену?

Д. РОДЬКИН: Безусловно. У каждого артиста своё тело, оно индивидуально. Если я разогреваюсь так, и мне хорошо, это не значит, что это же подойдёт и другому артисту. У всех есть своя индивидуальность.

Е. ИВАНЧЕНКО: Давайте немного о работе над ролью. Это безумно интересно. Если говорить о каких-то известных балетах, а это основной массив, Вы просматриваете видеозаписи предшественников, что-то читаете, может быть, куда-то едете? Как происходит эта подготовка?

Д. РОДЬКИН: Когда я начинаю готовить новую роль, то я смотрю, как это исполняли артисты до меня, великие артисты. Допустим, я готовил балет «Баядерка». Я пересмотрел очень много записей с Михаилом Лавровским, Александром Ветровым, Николаем Цискаридзе. Я брал от них то, что они хорошо делали, и пытался повторить. Вот ты смотришь, пытаешься скопировать, но не всегда это хорошо на тебе. Надо иметь тонкую грань и фильтровать: что-то можно взять, а что-то нет. Я считаю, что молодое поколение должно учиться у старших. Надеюсь, лет через 30 будут включать записи современных артистов и также будут учиться, как мы учимся у великих артистов.

Е. ИВАНЧЕНКО: Когда раздают роли, Вы узнаёте, что будете участвовать в том или ином спектакле, сколько уходит времени? Вы уже знаете, какой будет спектакль, сколько людей?

Д. РОДЬКИН: Всегда по-разному. Зависит, как повесит художественный руководитель афиши. У нас есть четвёртый этаж, где список артистов, которые будут участвовать в том или ином спектакле. Если это постановки, то это за более большой срок, уже сам балетмейстер отбирает артистов, которые будут участвовать в его спектакле.

Е. ИВАНЧЕНКО: Вот выбрали артистов, идёт работа над спектаклем. Это по-разному? Зависит от того, какой спектакль?

Д. РОДЬКИН: Да. Если спектакль до этого никогда нигде не шёл, ставится на труппу Большого театра, то чуть ли не за год всё решается: кто будет танцевать, какие-то намётки хореографии. Если, скажем, это возобновление, то уже более короткий срок, и балетмейстер сам выбирает и расставляет все точки.

Е. ИВАНЧЕНКО: Сколько на Ваш взгляд живёт спектакль? Спектакль «Спартак». Его, кстати, ещё играют?

Д. РОДЬКИН: Конечно.

Е. ИВАНЧЕНКО: Сколько ему уже лет?

Д. РОДЬКИН: В 1968 году был первый спектакль этого балета с легендарным составом и до сих пор он идёт. Когда Большой театр приезжает на гастроли, во всём мире все спрашивают, когда же будет балет «Спартак», когда же вы привезёте этот спектакль.

Е. ИВАНЧЕНКО: Легенда.

Д. РОДЬКИН: Да, это некая визитная карточка Большого театра.

Е. ИВАНЧЕНКО: Чтобы спектакль не умирал и не терял своего нерва, эмоций нужно обновление состава или что?

Д. РОДЬКИН: Ну, конечно, от актёров зависит очень многое, но, знаете, иногда бывает не очень хороший спектакль, актёры вроде держат этот спектакль, но он не задерживается в репертуаре Большого театра. Здесь должно сойтись многое: музыка, хореография, сценография и артисты, которые способны рассказать зрителю, что вообще происходит в спектакле.

Е. ИВАНЧЕНКО: Возможна ли импровизация в Вашей работе? От импровизации тоже во многом зависит жизнь спектакля. Вот Вы можете что-то новое внести? Это же всё техника.

Д. РОДЬКИН: В современной хореографии импровизация возможна и даже приветствуется. Что касается классических балетов, если ты начнёшь импровизировать, во-первых, это заметит художественный руководитель.

Е. ИВАНЧЕНКО: И расстроится.

Д. РОДЬКИН: Нет, он не расстроится, он просто сделает соответствующие выводы, и ты можешь в этом спектакле больше не участвовать. Что касается современной хореографии. Когда ставился «Герой нашего времени», мы многое предлагали балетмейстеру, что может быть хорошо, что не очень. Он уже где-то соглашался с артистами, потому что понимал, что этому конкретному исполнителю очень хорошо подходит данный элемент хореографии, и вставлял это в спектакль.

Е. ИВАНЧЕНКО: Сейчас уже не играют «Герой нашего времени»?

Д. РОДЬКИН: «Герой нашего времени» сейчас идёт в Большом театре. Его поставили год назад. В этом сезоне был блок этого спектакля. В Большом театре всё идёт блоками: 5 «Баядерок», 4 «Жизели», 5 «Героев нашего времени» – такая репертуарная политика в Большом театре.

Е. ИВАНЧЕНКО: В «Герое нашего времени» Вы сейчас танцуете или нет?

Д. РОДЬКИН: Я не танцевал в премьерном составе, но потом я станцевал этот спектакль осенью.

Е. ИВАНЧЕНКО: Это давали возможность новым людям? Как это происходит?

Д. РОДЬКИН: Тем, кто не станцевал в премьеру, тому дали станцевать чуть позже.

Е. ИВАНЧЕНКО: Я смотрела одно Ваше интервью как раз насчёт спектакля «Герой нашего времени», Вы говорили, что новое абсолютно всё: новый балет, новая хореография, новая музыка. Там сломали привычную хореографию. Это был хороший опыт, он Вам потом пригодился в чём-то? Или это был единственный спектакль, где пришлось что-то совсем новое сделать?

Д. РОДЬКИН: Балетмейстер-постановщик этого спектакля – это Юрий Посохов. У него достаточно своеобразная хореография, но его движения всё-таки похожи на классические, на мой взгляд, просто они немного нестандартные. Зрителю кажется, что мы делаем элемент «2 тура» – 2 проворота в воздухе, что везде это делается, а на самом деле нет, потому что манера другая, специфика движений, руки другие. Мне это помогло. Недавно я станцевал в его спектакле «Франческа да Римини». Мне было уже намного проще танцевать его хореографию, потому что я уже привык к этому. Это очень здорово, когда танцуешь не только классику, а пытаешься ещё и по-другому направить тело. Потом в той же классике это тебе воздастся, ты будешь более свободный, а зрителю будет интереснее на тебя смотреть.

Е. ИВАНЧЕНКО: Как Вы считаете, балет – это нечто элитарное и статичное, что не должно сильно меняться? Нужно блюсти традиции и оставлять балет в том виде, в каком он есть? Нужно как можно больше таких постановок, как «Герой нашего времени»?

Д. РОДЬКИН: Классические балеты, как «Баядерка», «Лебединое озеро», «Дон Кихот», «Раймонда» должны быть приближены к оригиналу, потому что это классика, это создали великие балетмейстеры, великие композиторы, которые мы должны сохранять и в наши дни. Следующими поколениями тоже должно сохраняться. Современная хореография, я считаю, - это некий эксперимент, который тоже должен быть. Должно рождаться что-то новое, искусство должно дышать, жить, поэтому современная хореография важна в репертуаре любого театра, но не в ущерб классики.

Е. ИВАНЧЕНКО: Ещё одно сообщение: «Русский балет впереди планеты всей до сих пор?»

Д. РОДЬКИН: Точно и на 100% да.

Е. ИВАНЧЕНКО: Короткий ответ, не требующий никаких пояснений, вариантов нет. В театре говорят: «Если ты умер, сообщи об этом: позвони, предупреди». Шутка. Многие актёры больные приходят и играют, потому что, больше некому, нельзя срывать, и вообще, когда выходишь на сцену, то обо всём забываешь. Артисты балета могут ли выходить на сцену с температурой?

Д. РОДЬКИН: Артисты балета вообще сумасшедшие люди. Пока они не смогут встать с кровати, они пойдут работать, танцевать с температурой. Они будут танцевать с больными ногами пока связка не порвётся на ноге, они будут работать, танцевать, добивать его. Это какой-то характер у артистов балета. Знаете, когда я учился в училище, несмотря ни на что, болит ли спина, стопа, колено, я всегда шёл работать и сейчас у меня тоже это всё сохранилось. Вообще, это не очень правильно, потому что, если пережать сейчас, то потом можно дорого за это поплатиться.

Е. ИВАНЧЕНКО: Может быть какая-то травма, несовместимая с работой.

Д. РОДЬКИН: Да. Травма, которая потом вообще не позволит тебе дать работать на сцене Большого театра. Нужно внимательно относиться к своему здоровью, особенно нам – артистам балета, потому что профессия и так недолгая, а если что-то случается, то вдвойне обидно.

Е. ИВАНЧЕНКО: Какие травмы не совместимы с балетом?

Д. РОДЬКИН: Разрыв связки, грыжа в пояснице – там не то что танцевать, там уже ходить сложно. Когда хоть чуть-чуть организм даёт сбой, к этому нужно очень внимательно отнестись.

Е. ИВАНЧЕНКО: Чем артистам балета нельзя заниматься в свободное время? Есть какие-то увлечения, которые прямо табу?

Д. РОДЬКИН: Вообще артисты балета – это люди, которые очень во многом себя ограничивают. Нельзя вести ночной образ жизни, нельзя на дне рождения у друга засиживаться. Алкоголь, конечно, можно, но в небольших количествах. Конечно, пока организм молодой, он всё стерпит, но потом он отомстит после 30 лет. Об этом нужно всегда помнить.

Е. ИВАНЧЕНКО: Вы имеете в виду какие-то лишние килограммы?

Д. РОДЬКИН: Нет. Знаете, есть такой стереотип, что артисты балета ничего не едят, пьют только воду и едят максимум салат. Это на самом деле не так. Нам нужно откуда-то брать энергию, особенно мальчикам. Они постоянно танцуют в дуэте с девочкой, где очень много различных поддержек. Если у нас не будет сил, то мы её не сможем оторвать от земли. Питание, конечно, должно быть правильным, но нельзя ни в коем случае серьёзно себя ограничивать в еде. Я ем, как обычный нормальный человек.

Е. ИВАНЧЕНКО: Кстати, такой вопрос тоже пришёл – чем питаетесь? Мне тоже интересно, до спектакля у вас идёт подготовительный период, нужно растягиваться, репетировать. Там же тоже особо есть нельзя?

Д. РОДЬКИН: Конечно, за час до спектакля есть нельзя, потому это всё элементарно не переваривается, нехорошо будет. Не подпрыгнешь, скажем так. Но за несколько часов до спектакля, мне кажется, опять же мальчику нужно очень хорошо поесть, чтобы энергия была.

Е. ИВАНЧЕНКО: Это белки должны быть, да?

Д. РОДЬКИН: Ну да. Это спорт. Балет – это всё-таки спорт. Выходишь на сцену и тяжелейшие физические нагрузки в зависимости от балета. Если ты выйдешь голодным, то ты элементарно на сцене упадёшь в обморок.

Е. ИВАНЧЕНКО: Хотелось бы немного поговорить о фестивалях в балетном мире. Существуют такие важные фестивали, конкурсы, в которых хочет поучаствовать любой артист балета, какое-то место занять? Были ли в последнее время такие?

Д. РОДЬКИН: Всегда приятно, когда твою работу отмечают и дают тебе за это какую-то награду, потому что ты понимаешь, если люди отметили это, значит, видимо, есть за что. Работы в зале очень много всегда. На сцене кажется, что всё так легко и красиво, на самом деле за этим стоит и пот, и кровь, и боль. Когда тебе дают приз, это очень приятно.

Е. ИВАНЧЕНКО: Вы в прошлом году, насколько я знаю, участвовали в международном фестивале «Бенуа де ля Данс». Там не заняли место, но поучаствовали. А в этом году Вы просто танцевали уже. Где? На открытии?

Д. РОДЬКИН: В том году я был номинантом на приз «Бенуа де ля Данс», а в этом году я уже участвовал во втором гала-концерте, который был посвящён Шекспиру в балете.

Е. ИВАНЧЕНКО: Это международная премия?

Д. РОДЬКИН: Да. Это международный балетный приз, который проходит ежегодно в Большом театре.

Е. ИВАНЧЕНКО: Каждый год в Большом?

Д. РОДЬКИН: Знаете, я точно не могу сказать, но я помню, что когда-то это было не на сцене театра.

Е. ИВАНЧЕНКО: Давайте теперь вернёмся к балету как тяжёлому труду. Есть много различных картинок в интернете о спорте, о балете. Балет отчасти некоторые воспринимают как спорт, потому что связан с очень тяжёлыми физическими нагрузками. Есть фотографии красивых ног балерины, у которой одна ступня в пуантах, а другая полностью разбита. В связи с этим расскажите нам, это после каждого спектакля так ноги разбиты? Может быть, они разбиты только у женщин, а у мужчин нет?

Д. РОДЬКИН: У мужчин с этим попроще, потому что мы не танцуем в пуантах, мы танцуем исключительно в балетках.

Е. ИВАНЧЕНКО: Там ноги не разбиваются?

Д. РОДЬКИН: Разбиваются, но не так, как у женщин. У женщин всё по-страшному, там кровяные мозоли, которые очень сложно лечатся. Я просто смотрю как мои партнёрши иногда мучаются, у них то одна мозоль, то вторая, то третья. Я им в это время очень сочувствую.

Е. ИВАНЧЕНКО: Получается их когда-то давно-давно мама и папа отдали в балет. Это было неосознанное решение. Как это было у Вас? У Вас ведь и мама, и папа не артисты балета.

Д. РОДЬКИН: Нет, не артисты. Мама всегда ходила на балет и смотрела, насколько это красиво всё на сцене, насколько это легко. Наверно, она думала, что мне будет также легко работать, как и на это смотреть.

Е. ИВАНЧЕНКО: Это отчасти была мечта мамы?

Д. РОДЬКИН: Не то, что мечта, просто, наверно, жизнь так сложилась, звёзды на небе сошлись так, что мама отвела меня в балетную школу, но кто ж знал, что в 2003 году из этой балетной школы образуется профессиональное балетное училище, которое будет выпускать артистов балета. Вообще никто не думал про Большой театр. Это всё так получилось случайно, как судьба какая-то.

Е. ИВАНЧЕНКО: Потом в какой-то момент Вы полюбили балет? Когда это было, если помните?

Д. РОДЬКИН: Так как я учился в хореографическом училище при театре танца «Гжель», я любил народные танцы. Не помню точно, что на меня повлияло, но в какой-то момент я понял, что я очень хочу танцевать именно классику на сцене. Не скажу, что на сцене Большого театра, но именно классику. Вы знаете, я сам сейчас удивляюсь, как так сразу из народного меня кинуло в классику. Такая интересная судьба. Я очень благодарен, что судьба у меня именно такая, какая она есть сейчас.

Е. ИВАНЧЕНКО: Во сколько лет Вас отдали?

Д. РОДЬКИН: В 10 лет меня отдали в подготовительную группу.

Е. ИВАНЧЕНКО: Это поздно?

Д. РОДЬКИН: Нет. Это абсолютно нормально.

Е. ИВАНЧЕНКО: Мне почему-то казалось, что лет в 5-6 начинают отводить.

Д. РОДЬКИН: Нет-нет. 10 лет – вообще, мне кажется, идеальный возраст, потому что в 5 лет ребёнку ломать стопы и растягивать его через боль, когда он плачет, мне кажется травмой детской психики.

Е. ИВАНЧЕНКО: Когда начинать уже поздно?

Д. РОДЬКИН: У всех по-разному. Допустим, Нуриев в 14 – очень поздно начал танцевать. Поздно – это 15-16 лет, когда уже нельзя. 12, 13 – поздно, а вот 9-10 – идеальный возраст.

Е. ИВАНЧЕНКО: Тоже читала в одном из Ваших интервью, что в училище Вашей маме говорили, что ничего не выйдет, данные не те. Ну, может, не ничего, но не ждите таких серьёзных успехов. То есть слушать никого не нужно, всё зависит только от человека, от физиологии.

Д. РОДЬКИН: От физиологии много зависит. Я смотрю на фотографии, когда я был маленький, мне странно. Я не понимаю, почему так люди говорили. Педагог, которая мне так говорила, подошла к моей маме и сказала: «Простите, я была не права».

Е. ИВАНЧЕНКО: Это дорогого стоит.

Д. РОДЬКИН: Да, безусловно. Это, конечно, очень приятно, что хоть признала свою ошибку, спасибо.

Е. ИВАНЧЕНКО: Если коротко, какие данные должны быть у десятилетнего мальчика? Уже наверно что-то видно. Он должен быть высокий, статный?

Д. РОДЬКИН: Он должен иметь правильные пропорции, ровные ноги и желательно большой прыжок, подъём. Подъём – это на ноге горочка. Когда вытягиваешь носочек, видно там, есть подъем или нет.

Е. ИВАНЧЕНКО: Еще проверим после эфира.

Д. РОДЬКИН: Подъём можно разработать.

Е. ИВАНЧЕНКО: А-а, то есть это не проблема? Если говорить об успехе в балете, Вы это по себе знаете, как никто другой, какое соотношение данных – того, что природа-матушка дала, труда и везения?

Д. РОДЬКИН: Здесь всё должно сойтись воедино: и везение, и работоспособность, и данные, потому что, если ты ничего не будешь делать, лежать, скажем так, на печи, то какое бы везение ни было, если ты не умеешь двигаться, танцевать, тебя отовсюду будут убирать, тебя никуда не возьмут. Если ты будешь работать, ну вот не везёт, никто на тебя не обращает внимания, хотя такого быть не может. Когда человек много работает, и у него получается, обязательно кто-то обратит внимание. Здесь должно совпасть очень много.

Е. ИВАНЧЕНКО: Ещё такой вопрос. Не видела комментариев на эту тему. Как принимает артистов Большой театр? Есть какое-то время определённое, Вы приходите в театр, и что Вы там делаете?

Д. РОДЬКИН: Мы приходим в театр и делаем урок классического танца.

Е. ИВАНЧЕНКО: Это не показ, а урок?

Д. РОДЬКИН: Да, урок классического танца. Педагоги во главе с художественным руководителем отсматривают материал, который стоит перед палкой.

Е. ИВАНЧЕНКО: То есть говорят, что сейчас вы должны прыгнуть?

Д. РОДЬКИН: Это просто мы делаем урок классического танца. В начале идёт станок, потом середина и прыжки. По окончании урока нам говорят, кто подошёл, а кто нет.

Е. ИВАНЧЕНКО: Этого достаточно?

Д. РОДЬКИН: Да, вообще бы достаточно. Даже если у человека что-то не получается, но виден потенциал, то профессионал это видит сразу.

Е. ИВАНЧЕНКО: Просто драматические актёры готовят какой-то материал, документы, фрагмент из спектакля.

Д. РОДЬКИН: Монолог какой-то.

Е. ИВАНЧЕНКО: Приходят и показывают, и уже поэтому, во-первых, как они это выбрали, как они это сделали – по этому судят.

Д. РОДЬКИН: Руководство театра ещё ходит на выпускные концерты, где ученики танцуют то, что они наработали за год. Это различные па-де-де, номера из спектакля, плюс ещё класс. Мне кажется достаточно, чтобы составить мнение о человеке.

Е. ИВАНЧЕНКО: Есть люди, которых просто выбрали из училищ, и они не проходили этот этап?

Д. РОДЬКИН: Да, есть такое. Вы знаете, опять же у всех всё по-разному.

Е. ИВАНЧЕНКО: Ещё вопросы от слушателей. Некоторые неожиданные, так что готовьтесь. Какую одежду и обувь Вы предпочитаете в обычной жизни?

Д. РОДЬКИН: Удобную и, конечно же, соответствующую моему возрасту.

Е. ИВАНЧЕНКО: Судя по всему, что-то молодёжное.

Сегодня те, кто может открыть нашу трансляцию на сайте rusnovosti.ru, посмотрите. Денис Родькин, премьер Большого театра в белой майке и джинсах, да и какие-то ботинки. Следующий вопрос по смс: «Может ли артист балета помимо своей основной работы сниматься где-то, участвовать в каких-то проектах, не связанных с балетом?»

Д. РОДЬКИН: Конечно, может. Если ему предлагают какую-то роль в фильме, почему бы нет. Актёрское образование есть, может, у него есть дар к драматическому спектаклю? Это очень приятно, когда люди помимо балетных способностей видят что-то ещё.

Е. ИВАНЧЕНКО: В каких спектаклях Вы задействованы сейчас? Вас можно будет увидеть на сцене в ближайшие месяцы?

Д. РОДЬКИН: 3 и 5 июня я буду танцевать князя Курбского в балете «Иван Грозный», 16 июня я буду танцевать партию графа Альберта в балете «Жизель».

Е. ИВАНЧЕНКО: Просто я зашла на сайт, там огромное количество актёров прописано. Не очень понятно, кто будет. Теперь те, кто ещё не был знаком с Вашим творчеством, смогут прийти, если попадут, конечно. Ходят страшные байки о том, как попасть в Большой. До вас доносятся эти слухи, возгласы?

Д. РОДЬКИН: Да, говорят, что очень дорогие билеты, невозможно попасть в Большой театр. Знаете, несмотря на то, что билеты дорогие, зал всегда полный, и в кассах буквально за 2-3 дня билеты просто разлетаются.

Е. ИВАНЧЕНКО: Ещё вот что интересно. У Вас же наверняка есть свободное время? Чем Вы занимаетесь в свободное время? Ваше хобби, увлечения? Может быть, что-то читали, смотрели в последнее время?

Д. РОДЬКИН: Помимо того, что моя профессия артист балета, конечно, я люблю сходить в оперу, потому что очень важно, чтобы на сцене показывать уровень, нужно интересоваться чем-то ещё. Актёрское мастерство зависит от тех факторов, насколько ты смотришь, что происходит вокруг тебя. Прогуляться, чтобы просто отдохнуть, сходить в кино, даже легкомысленное, чтобы иногда отключаться от того, что происходит в театре. По большому счёту жизнь у артиста балетного достаточно напряжённая, поэтому есть чем ещё заняться в жизни помимо балета, поверьте.

Е. ИВАНЧЕНКО: Есть ещё что нам обсудить. Спасибо, Денис Родькин. Премьер Большого театра был у нас в гостях. Приходите к нам ещё.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17087
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Май 30, 2016 9:58 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016053001
Тема| Балет, БТ, Проект молодых хореографов "Лица",
Автор| Корр. ТАСС Ольга Свистунова
Заголовок| Проект молодых хореографов "Лица" показали в Большом театре
Где опубликовано| © ТАСС
Дата публикации| 2016-05-30
Ссылка| http://tass.ru/kultura/3322860
Аннотация|

Концерт стал первым проектом Молодежной программы балета Большого театра, которую возглавил экс-худрук балетной труппы ГАБТ, народный артист РФ Сергей Филин

С аншлагом прошел в воскресенье в Большом театре показ работ молодых хореографов. Концерт под названием "Лица" стал первым проектом Молодежной программы балета Большого театра, которую возглавил экс-худрук балетной труппы ГАБТ, народный артист РФ Сергей Филин. Показ продолжался почти три часа.

"Неужели москвичи продали дачи? Иначе невозможно объяснить полный зал, собравшийся теплым воскресным майским вечером на показ работ начинающих хореографов", - пошутил, обращаясь к публике, открывавший второе отделение концерта ведущий солист Большого театра Андрей Меркурьев, представивший свою балетмейстерскую работу "Плач". В первом отделении были показаны номера в постановке Марианны Рыжкиной, Константина Кейхеля, Ирины Лазаревой, Константина Семенова, Артемия Белякова, Софии Лыткиной.

Во втором отделении зрители также увидели работу Кирилла Радева. Третье отделение целиком было отдано постановке Ивана Васильева "Любовь есть везде". В целом программу концерта "Лица" составили 12 работ девяти молодых хореографов.
Мнение профессионалов

Присутствовавший в зале известный танцовщик и балетмейстер, народный артист СССР Вячеслав Гордеев в интервью ТАСС напомнил, что еще в 1996 году поставил в ГАБТ Вечер современной хореографии.

"В Большом театре не было таких вечеров молодых хореографов - в этой труппе традиционно работали прославленные мастера, - отметил Гордеев. - Затем тему современной хореографии продолжил в Большом Алексей Ратманский. Теперь Сергей Филин поднял этот пласт".

По словам Гордеева, артистам Большого необходимо танцевать современную хореографию. "Это нужно для их развития, - пояснил собеседник агентства. - И для публики, которая идет в ногу со временем, вечера новой хореографии необходимы". "Просто в отношении Большого театра в этом смысле надо верно соблюдать пропорцию", - заявил Гордеев.

Своим мнением с корреспондентом ТАСС поделился и присутствовавший на концерте нынешний руководитель балета Большого театра Махар Вазиев.

"На самом деле идея замечательная, - признал Вазиев. - Прекрасно, что удалось восстановить работу с молодыми хореографами. Ведь успехи в балетмейстерском искусстве достигаются практикой".

В связи с этим он привел в пример Бежара. "Когда-то я был в гостях у Бежара в Лозанне, - рассказал Вазиев. - Бежар посвятил мне целый день, хотя он уже неважно себя чувствовал. Меня поразило то, что он отсутствовал всего два часа. Я думал, что он пошел отдохнуть. Каково же было мое удивление, когда я обнаружил Бежара в репетиционном зале. Он что-то репетировал с балетной парой. Без музыки, в полной тишине. Видимо, понимая, что хореограф при любых обстоятельствах каждый день должен заниматься профессией".

"Будем стараться чаще делать вечера современной хореографии. Тогда, может быть, появятся новые балетмейстеры. Должны появиться", - считает руководитель балета ГАБТ.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17087
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Май 30, 2016 2:40 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016053002
Тема| Балет, Детский музыкальный театр им. Н.И. Сац, Премьера
Автор| Валерий Модестов
Заголовок| Мы снова вереницей идем за "Синей птицей"
Где опубликовано| © "Вечерняя Москва"
Дата публикации| 2016-05-30
Ссылка| http://vm.ru/news/2016/05/30/mi-snova-verenitsej-idem-za-sinej-ptitsej-321821.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Обновленный балет «Синяя птица» восхищает детей и будит серьезные мысли у взрослых.
Фото: Детский музыкальный театр им. Н.И. Сац


В Детском Музыкальном театре состоялась необычная премьера. В рамках Открытого фестиваля искусств «Черешневый лес» на его сцену вернулся обновленный балет «Синяя птица» как дар уважения легендарной Наталии Сац, которая 50 лет назад создала этот первый в мире профессиональный музыкальный театр для детей.

Балетная феерия о поисках Птицы Счастья долгое время была визитной карточкой Театра под руководством Наталии Сац. Возникла она как поклон ее отцу, композитору Илье Сацу, который в начале прошлого века написал музыку для спектакля «Синяя птица», поставленного Станиславским по пьесе Метерлинка в Московском Художественном театре.

«Синяя птица» – это принципиальный знаковый проект для нашего театра в юбилейном сезоне», – заявил худрук Георгий Исаакян.

Либретто нового спектакля написала Роксана Сац, неувядающую музыку Ильи Саца расцветил композитор Ефрем Подгайц, хореографию сочинил Кирилл Симонов, «одушевленную сценографию» создал художник Эмиль Капелюш вместе со Стефанией Граурогкайте (костюмы) и Евгением Ганзбургом (свет), а управлял оркестром давний воспитанник театра, ныне главный дирижер Московского театра оперетты – Константин Хватынец.

Герои «Синей птицы» (мальчик Тильтиль (Максим Павлов) и девочка Митиль (Алевтина Касаткина), путешествуя во сне по свету в поисках счастья, преодолевают невзгоды и трудности, а находят его у себя дома. Оказывается, счастье живет в добрых делах, оно там, где тебя понимают.
Метерлинк умел говорить о сложном просто, используя порой для своих философских размышлений преимущества наивного мировосприятия детей. Тильтиль и Митиль – это не просто дети, пережившие необыкновенные приключения, но и тот ключ, с помощью которого можно открыть перед зрителями врата истины и рая, добра и зла...

Сказочная балетная феерия – удачная форма для этой волшебной философской истории, в которой легко уживаются символические и аллегорические образы. Зрители всех возрастов необыкновенно эмоционально воспринимают всё происходящее на сцене и легко втягиваются в игру поиска счастья вместе с душами Хлеба, Сахара, Воды, Огня, Кошки, Собаки...

Не секрет, что взрослые любят сказки не меньше чем дети, но не все в этом признаются и придумывают себе разные оправдания. Одни с увлечением читает былины, но говорят, что увлечены историей России. Другие перечитывают «Тысячу и одну ночь» только потому, что их якобы интересует культура Востока.

«Оправданий» много, а ответ один: взрослые - это бывшие дети, и, вырастая, они не хотят расставаться с такой замечательной «игрушкой», как сказка. В этом секрет их многолетнего интереса к «Синей птице». Только теперь они приходят в театр вместе со своими детьми и внуками.

Особое внимание в спектакле уделено центральному персонажу балета – Душе Света (Варвара Серова). Душа не просто спутница детей, она их предводительница, разматывающая клубок событий, которые переходят из одного времени в другое, меняют пространство. Роль Души как поводыря, по замыслу постановщиков, прежде всего, в том, чтобы вселять надежду, не дать угаснуть вере и мечте.

Среди других персонажей особенно запомнились преданная Собака (Михаил Галиев) и таинственная Кошка (Марина Окунева), извечные соперники Огонь (Рената Бурцева) и Вода (Иван Титов), обаятельный Дрозд (Олег Фомин), символизирующая мечту Синяя птица (Юлия Белякова) и жуткий Насморк (Вячеслав Пегарев). Всех исполнителей отличают виртуозная техника и дар драматических актеров.

Обновленный балет «Синяя птица» восхищает детей и будит серьезные мысли у взрослых. Зрители восторженно встретили спектакль, нескончаемыми аплодисментами они долго не отпускали со сцены актеров и постановщиков.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Камелия
Старейшина форума
Старейшина форума


Зарегистрирован: 08.10.2013
Сообщения: 1521
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Май 30, 2016 7:26 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016053003
Тема| Балет, Персоналии, Полунин, Фогель, Шкляров, Сарафанов, Мунтагиров
Автор| Александр ФИРЕР
Заголовок|Смотрины принцев на Большой Дмитровке
Где опубликовано| © Журнал «Музыкальная жизнь» №5 (2016)
Дата публикации| 2016 май
Ссылка| http://mus-mag.ru/index.htm
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ «Звезды балета»

В Музыкальном театре имени Станиславского и Немировича-Данченко завершился фестиваль «Звезды балета»

Театр пригласил пятерых премьеров с мировыми именами и органично вписал их в репертуарный контекст труппы, порадовав поклонников Терпсихоры танцевальным разнообразием. К сожалению, зрители не увидели получившего травму блистательного кубинского танцовщика из Норвегии Осиэля Гунео, которого великая Алисия Алонсо монаршим волеизъявлением нарекла Гуно. В фестивале приняли участие Сергей Полунин (приглашенный солист Музыкального театра), Владимир Шкляров (Мариинский театр), Леонид Сарафанов (Михайловский театр), Вадим Мунтагиров (лондонский Королевский балет) и Фридеман Фогель (Штутгартский балет). Отменные красавцы, вскружившие головы не одной главной героине в балетах и покорившие сердца многочисленных зрителей, великолепные танцовщики с индивидуальными сценическими манерами представили галерею интересных образов. Их выступления взбодрили и труппу, и театралов-завсегдатаев, став обсуждаемо-резонансным событием столичного данс-сезона.

Публика штурмовала театр на показанных подряд двух «Баядерках» с Сергеем Полуниным (Солор), выступившим с двумя прима-балеринами в партии Никии: первый спектакль с Натальей Сомовой получился удачнее второго с Ксенией Рыжковой. Станцованному дуэтному альянсу Сомова–Полунин присуще актерское взаимопонимание, зрелое мастерство, позволяющее ожидать сценических откровений и живой непосредственности. Полунин был в ударе, без «разогрева» энергетически сразу включался в действо. А в эмоционально-мятежных и трагически кульминационных фрагментах спектакля был неотразим и органичен. Особенно ему удается макабрическая сцена разрушения храма. Обостреннное состояние, свободная виртуозность, порыв – все это делает танец Полунина драматичным. Нервический драйв и отличительная печать страдания на его лице концентрировали все внимание зала на персоне незаурядного танцовщика.

В «Лебедином озере» Полунин обычно растанцовывается не сразу, и он очень постепенно и не всегда достигает внутреннего состояния необходимой для него кондиции. В рамках «Звезд балета» танцовщик с первых тактов своего появления на сцене приковывал к себе внимание романтическим магнетизмом мающейся от одиночества души. На балу он, правда, как и всегда, использует безотказно действующий прием: Полунин неотрывно смотрит на лебединое перо в своей руке, абсолютно абстрагировавшись от окружающей мишурно-придворной суеты, что поистине кинематографически переносит огромное пространство густонаселенного балета в камерные бездны внутреннего мира Принца Зигфрида. Адажио «белого акта» Наталья Сомова (Одетта) наполнила удивительной сокровенной нежностью, что родило ответную живую реакцию у партнера. В результате зритель увидел прочувствованный дуэт глубокого лирического наполнения. Присутствовавший на спектакле и впечатленный Владимир Шкляров подпал под влияние Сергея Полунина и в своем «Лебедином» невольно сделал Принца Зигфрида полунинской копией. Но психофизика артистов разная, и примеренная интерпретация с чужого плеча выглядела на Шклярове неестественной. Ну а благочинность манер и артикуляционная чистота петербургского танцовщика – его козыри в этой партии.


Сергей Полунин - Принц Зигфрид

С любопытством ожидалось выступление виртуоза Леонида Сарафанова в «Рапсодии» Фредерика Аштона и «Коппелии» Ролана Пети, в которых Полунин – объективно признанный эталон в Москве. Сарафанов, не до конца схвативший стиль, блистал своей первоклассной школой, технически в чем-то превосходил Полунина, но в чем-то и уступал ему. Солнечное сарафановское дарование с подростковым задором всюду доминирует над остальными красками. Актерская же лабильность Полунина эстетически тоньше отождествляется с бушующими катаклизмами вселенной Рахманинова, а также с пикантной ироничностью и фривольностью колористичности француза Делиба.

Увиденные в Вадиме Мунтагирове доблестные качества крепкого танцовщика, надежного партнера, респектабельное стилистическое мастерство традиционно ценимы в английском балете. Но его трактовка партии графа Альберта в «Жизели» не произвела впечатления, попросту не оставив никакого послевкусия. Не помогла и Ксения Рыжкова (Жизель): бойкая солистка, оттанцевавшая в разных фестивальных балетах, везде была предсказуемой и не попадала на одну волну со своими знаменитыми кавалерами.

Фридеман Фогель, больше знакомый петербуржцам, нежели москвичам, предстал в партии де Грие в «Манон». Театр не ошибся, пригласив артиста выступить в своей коронной роли, – Фогеля горячо приняла публика.


Фридеман Фогель - де Грие

Музыкальный театр, растерявший за последние годы своих ведущих артистов, фестивалем звезд частично скомпенсировал убывающий градус исполнительского уровня.

Фото Михаила Логвинова предоставила пресс-служба Музыкального театра
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17087
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Май 31, 2016 12:18 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016053101
Тема| Балет, Детский музыкальный театр им. Н.И. Сац, Премьера
Автор| Зоя Игумнова
Заголовок| «Синяя птица» стала зеркальной и дерзкой
Детский музыкальный театр имени Наталии Сац обновил спектакль-символ

Где опубликовано| © Известия
Дата публикации| 2016-05-30
Ссылка| http://izvestia.ru/news/615963
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Фото: Елена Лапина

На сцене Детского музыкального театра имени Наталии Сац в рамках фестиваля искусств «Черешневый лес» состоялась премьера балета «Синяя птица».

На самом деле балет появился в репертуаре в 1983 году, спустя 17 лет после того, как диковинная птица украсила крышу театра-новостройки. Но встретить 50-летний юбилей со старым спектаклем, который физически и эстетически устарел, было бы неправильно. Возникла идея сделать новую версию.

— «Синяя птица» продолжает оставаться нашим символом, но при этом открывает нам новую дорогу, — рассказал «Известиям» худрук театра Георгий Исаакян. — Дети не должны «питаться» элементарным продуктом, какой-то эстетической манной кашей. Они должны расти на высоком. С обновленной постановкой театр получил свежее дыхание — мы видим его изысканным, тонким.

Зрителю это заметно невооруженным глазом. Занавес открылся, а там еще один — как будто бы созданный из тысячи зеркал. Как говорят старожилы, благодаря ему театр превращается в одно большое чудо. Хореограф-постановщик Кирилл Симонов внес изменения в привычный рисунок балета. Хореография стала более современной, даже дерзкой. Но «Синяя птица» всё та же, волшебная.

На афише значится возрастная категория «12+», но в зале зритель помладше. Дети, затаив дыхание, следят за балетным вариантом сказки Метерлинка.

— Я всё понял, — поделился впечатлениями сын адвоката Михаила Барщевского Максим. — Дети заснули. А потом во сне пришла Фея. Она подарила Тильтилю дудочку — и все ожили: хлеб, сахар, собака, кошка. Все были как люди. Вместе они отправились искать Синюю птицу счастья. По дороге им встречались всякие чудовища.

— Мне понравилось, когда ожили все предметы, — дополняет рассказ брата 11-летняя Даша. — Странно. Так в жизни не бывает. У нас дома четыре собаки. Мне бы хотелось, чтобы они могли разговаривать по-человечески, но Тяпа только лает.

Три поколения семьи Сац имеют отношение к этому произведению. Музыку написал Илья Сац, идея создания балета — Наталии Ильиничны Сац, либретто — ее дочери, нынешнего худрука театра Роксаны Николаевны Сац.

Для Роксаны Сац, выходящей на сцену со вступительным словом, этот спектакль знаковый.

— Мы разговариваем с нашей публикой, и это соединение педагогического с артистическим, — говорит она. — В детском театре нельзя работать не по призванию. Тогда и дети, и театр, скажут вам «до свидания».

Готовясь к 50-летию театра, Роксана Сац обнаружила в архиве Московского художественного театра черновики деда с мелодиями, не вошедшими в знаменитый спектакль МХТ 1908 года. Композитор Ефрем Подгайц собрал их воедино, провел большую исследовательскую работу и создал новую оркестровку «Синей птицы». Дирижер Константин Хватынец оживил ее, введя уникальные, редко используемые музыкальные инструменты: флексатон, виброслэп, свистульку «соловей».

Для тех, кто не успеет посмотреть новую «Синюю птицу» в этом сезоне, театр обещает открыть следующий сезон этой постановкой.

------------------------------------------------------------
другие фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17087
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Май 31, 2016 12:21 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2016053101
Тема| Балет, БТ, Проект молодых хореографов "Лица"
Автор| Валерий Модестов
Заголовок| Сергей Филин презентовал «Молодежную программу балета Большого театра»
Где опубликовано| © Газета Вечерняя Москва
Дата публикации| 2016-05-30
Ссылка| http://vm.ru/news/2016/05/30/sergej-filin-prezentoval-molodezhnuyu-programmu-baleta-bolshogo-teatra-321825.html
Аннотация|

Первый концерт участников «Программы» назван «Лица». Он прошел на Новой сцене и состоял из трех отделений. Были показаны 12 работ девяти хореографов из Москвы и Санкт-Петербурга.

Срок договора Сергея Филина на посту худрука балета Большого театра истек 17 марта, и почти сразу он приступил к исполнению обязанностей на новом поприще, заявив, что цель «Молодежной программы» – открывать новые талантливые номера, новые творческие индивидуальности. («Мы не ищем «второго Петипа» или «второго Григоровича» – нам интересны новые творческие индивидуальности, новые ЛИЦА»).

После столь многообещающего заявления логично предположить, что г-н Филин продолжит новаторский проект Алексея Ратманского «Мастерская новой хореографии», в названии которого ключевым словом является – «новой». Помнится, тогда именно «Мастерская» высветила работы хореографов Кирилла Симонова и Алексея Мирошниченко, а время подтвердило этот выбор.

Однако, судя по нынешнему концерту, дебютантов в «Молодежной программе» пока нет. У большинства участников солидный балетмейстерский опыт, сформировавшийся на основе классической школы танца.

Для экспериментальной ищущей таланты «Программы» всё было слишком чинно – без захватывающих дух хореографических идей и изобретательной импровизационной пластики, без «частицы чёрта» и «здоровой сумасшедшинки». Без новых «открытий чудных». Правда, на основе первоклассной музыки Комитаса, Моцарта, Вивальди, Стравинского... что, конечно, плюс.

Поэтому наиболее интересным мне показался поставленный Константином Кейхелем дуэт Кая и Герды в исполнении Ильи Громова и Марии Поповой – учащихся Академии танца Бориса Эйфмана.

Запомнились также балет Ирины Лазаревой «Mon Dieu» на музыку Шарля Дюмона в исполнении Татьяны Лазаревой и Эрика Сволкина; композиция Софии Лыткиной «Прятки» на музыку Сергея Рахманинова в исполнении Дианы Косыревой, Егора Шаркова и Антона Ярцева; откровение Константина Семёнова «Крунк/Журавль», вдохновенно представленное Дмитрием Соболевским на божественную музыку Комитаса.

Чтобы «Программа» не осталась только на страницах программок, пожелаем руководству театра, г-ну Филину и его команде креатива и терпения: хореографы – товар штучный и «хрупкий». Их надо искать, и совсем необязательно в исполнительской среде («не каждая рыба может быть ихтиологом»), а потом бережно выращивать, причем внутри театра, где есть для этого все возможности, включая постановочные.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
Страница 6 из 8

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика