Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2015-12
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17079
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Дек 11, 2015 7:24 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015121102
Тема| Балет, Академия русского балета им. А. Вагановой, Персоналии, Николай Цискаридзе
Автор| Елена Петрова
Заголовок| Николай Цискаридзе: «Балетная профессия передаётся «из ног в ноги»
Где опубликовано| © АиФ Санкт-Петербург
Дата публикации| 2015-12-10
Ссылка| http://www.spb.aif.ru/culture/person/nikolay_ciskaridze_ya_nikogda_ne_opravdyvayus
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Исполнилось два года с тех пор, как Академию русского балета им. А. Вагановой в Санкт-Петербурге возглавил Николай Цискаридзе. О том, что удалось сделать за это время, артист рассказал SPB.AIF.RU в эксклюзивном интервью.


Из личного архива

«На конфликт не пойду»

SPB.AIF.RU: - Николай Максимович, вокруг вашего назначения кипели страсти, теперь всё улеглось?

- Страсти кипели поначалу, когда меня назначили исполняющим обязанности ректора. Но через год состоялись официальные выборы, и я стал ректором по решению коллектива. За всё это время не подписал ни одного увольнения, никого не «загнобил». Отношусь к тем людям, которые сами на конфликт не пойдут никогда. Это не всем известно, но правильно написал Бомарше: «Я лучше, чем моя репутация». Что же я буду разубеждать недоброжелателей: я такой какой есть, никогда не оправдываюсь.

Кстати, люди в артистическом мире часто путают эмоцию и конфликт. Конфликт – это когда никто ни с кем не разговаривает. Такого у нас нет.


В классическом образовании нам равных нет. Фото: Из личного архива

- Вам удалось преодолеть внутренний синдром «чужака-москвича»?

- Я 18 лет регулярно танцевал в Мариинском театре, и меня не раз попрекали тем, что москвич. Доходило до курьёзов: как-то моя подруга из Москвы сидела в зале, все аплодировали, а её сосед – нет. Она спросила: «Вам не нравится?» - «Нравится, но ведь он - не наш». Так что я всё знал, но принял для себя решение, что я на это иду и – пошёл.

- Благодаря вашим усилиям Академия впервые почти за тридцать лет выехала в Москву: гала-концерты прошли с огромным успехом. На днях в Петербурге воспитанники показали премьеру сюиты из балета «Фея кукол». А что вы считаете свои самым значительным достижением за эти два года?

- Когда я пришёл в Академию, меня поразила одна вещь. Училище ведь связано с именами двух великих людей – Константина Сергеева и Натальи Дудинской. Они отдали жизнь этому учебному заведению, но нигде не было даже их портретов! А в одном из залов зале висит картина, на которой изображена Марина Семёнова, но дети не знают, кто эта тётя. Конечно, у нас есть мемориальный кабинет истории отечественного искусства, но есть же ещё и вся школа. И я решил, что на стенах должна висеть история этого учебного заведения, ведь нас и стены формируют.

Моё назначение совпало с открытием Академии танца Бориса Эйфмана. Я был потрясён тем, как она оснащена – по последнему слову техники! И мне стало очень обидно, потому что у нас даже магнитофонов не было. Пошёл с протянутой рукой, нашёл деньги – теперь в залах стоит современная техника.


Я по своей сути – отличник, всё стремлюсь делать как можно лучше. Фото: Из личного архива

Руководить Академией в миллион раз сложнее, чем любым театральным коллективом, потому что с моей точки зрения это главное учебное заведение в балете в России, одно из главных в мире. Ты отвечаешь за судьбы, за то, как дети будут подготовлены.

- Главным в воспитании артиста русского балета остаётся традиция?

- Такой системы обучения как у нас, нет нигде в мире, к примеру, в Англии балету - 75 лет, а государственному – ещё меньше. Вот французы старше нас – им более трёхсот лет, но там учат всего пять лет и нет многого из того, что даём мы.

В классическом образовании нам равных нет: профессия передаётся «из ног в ноги», а ещё живы некоторые ученицы Вагановой, есть её учебник, фильм, посвящённый системе. Правда, по своему опыту скажу, что не всё из того, чему нас учили, пригождается на сцене. К примеру, ещё полвека назад балерине нельзя было высоко поднять ногу - это считалось неприличным, а теперь если ты не поднимаешь ногу в шпагат, нет шансов выйти на сцену.

Красивых ножек много

- Правда, что балетного артиста невозможно воспитать без строгости, граничащей с жестокостью?


- Нас педагог держал в строгости: влетало и морально и физически. Но в любой книге с воспоминаниями учениц Вагановой читаем, что тогда были телесные наказания, а самое «лёгкое» слово у Агриппины Яковлевны было «дура», хотя говорилось любя. Самое страшное, когда вообще не обращают на ребёнка внимания.

Я был самым способный в классе, и не потому, что ножки красивые – ножек красивых много, а у меня мозги особо устроены. Мне не надо миллион раз объяснять, как делать движение, с первого раза запоминаю, но потом становится скучно. И я смотрел в окно, а там ворона свила гнездо, я не мог оторваться и педагог был вынужден возвращать меня в реальность, порой – жёстко.

И когда возникает гормональный скачок – лет в 12-14, общаться с тинейджерами становится особенно сложно, а в это время и идёт самое интенсивное обучение. И если упустить – до свидания!

С новыми поколениями какая ещё катастрофа – они не читают вообще.


Николай Цискаридзе Фото: Из личного архива/ Я отвечаю за судьбы своих учеников.

Они даже друг с другом общаются при помощи гаджетов, воспринимают информацию через эсэмеску, экран, сокращение. Словарный запас - как у Эллочки Людоедки. Они не знают многих элементарных вещей! Поэтому я сижу на занятиях по истории балета, театра, по литературе. Все двоечники сдают мне лично. И пока они не прочтут произведения, не получают оценки. Теперь они вынуждены шевелиться. Эти вещи делаются насильственным путём. И всё-таки, я человек строгий и жёсткий, прежде всего, к себе.

- Как вам живётся на два города?

- В Москве я теперь бываю редко. В моей большой квартире обитает только кошка Тяпа, а я здесь – в маленькой. Это напоминает шутку Раневской, которая говорила о своей собаке по кличке Мальчик: «Мальчик живёт как Сара Бернар, а я как сенбернар». Кошку приходят кормить, но удивительно, что хоть она редко меня видит, слушается только хозяина.

Можно сказать, что и в Петербурге я бываю редко: если раньше гулял по городу, то теперь целыми днями – в Академии, отдаю ей все силы. Я по своей сути – отличник, всё стремлюсь делать как можно лучше.

Когда заступал на должность, знал, что для меня как для человека, всю сознательную жизнь отдавшую балету, главное – продолжать служить своему искусству. И придти сюда, в это святое место, чтобы оставить о себе плохую память?! Я такого не мыслю. Не хочу посрамить доверие и память людей, которые подарили мне профессию.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17079
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Дек 11, 2015 9:23 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015121103
Тема| Балет, Балет Сан-Франциско, Персоналии, Тань Юаньюань
Автор| Ци Ли, Ли Цзе
Заголовок| Китайская Уланова
Где опубликовано| © "Российская газета" - Спецвыпуск "Дыхание Китая" №6852 (281)
Дата публикации| 2015-12-10
Ссылка| http://www.rg.ru/2015/12/11/ulanova.html
Аннотация|



Тань Юаньюань - одна из самых талантливых китайских балерин, в свое время ее творчество отмечала сама Галина Уланова, а для начинающих китайских танцоров балета она живая легенда и образец для подражания.

Тань Юаньюань родилась в 1977 году в Шанхае. С раннего детства девочка мечтала о балете, однако отец настаивал на том, чтобы Юаньюань выбрала профессию врача. Разрешить спор удалось просто - решили сыграть в орлянку. Выиграла Юаньюань, ее решение поддержала мама, а отец уступил, позволив девушке заниматься хореографией.

Успех пришел на заре карьеры: уже в 1992 году 15-летняя Юаньюань завоевала Гран-при на международном балетном фестивале во Франции. Тогда ее выступление особенно запомнилось жюри, в числе которого была и знаменитая русская балерина Галина Сергеевна Уланова, поставившая Юаньюань наивысший балл.

В 1995 году Тань Юаньюань вместе с Шанхайской балетной труппой отправилась на гастроли в США. Там ее пригласили танцевать с труппой балета Сан-Франциско. Так, Юаньюань стала самой юной солисткой труппы американского балета. В течение двух лет девушка многократно выступала как на сценах американских театров, так и на театральных подмостках других стран. В числе амплуа - главные партии в таких классических балетных постановках, как "Жизель", "Лебединое озеро", "Спящая красавица", "Щелкунчик", "Дон Кихот" и др.

Тань Юаньюань удалось показать миру азиатскую балетную школу. В 2004 году американский еженедельник "Таймс" назвал Юаньюань "лицом Азии", поместив ее фото на обложке издания. В статье "Нью-Йорк таймс" про нее говорили: "Эта китайская балерина идеально сочетает изящество и изысканность с дерзкой пластикой и свободным стилем". Специализированное японское издание "Хореография" признало ее "лучшей Жизелью".

На пике своей карьеры Тань Юаньюань ежегодно принимала участие в более 100 постановках. Кроме классических произведений, она охотно бралась и за современные постановки таких прославленных мастеров, как Джордж Баланчин, Морис Бежар и др.

Сейчас 38-летняя Тань Юаньюань, по ее словам, переживает "золотой период" своей творческой деятельности, ведь, по ее мнению, хореография прежде всего апеллирует к чувствам. Говоря о будущем, Тань Юаньюань уверенно заявила, что не расстанется с балетом до конца жизни.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Чт Янв 07, 2016 7:09 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17079
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Дек 12, 2015 11:04 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015121201
Тема| Балет, Здоровье, Персоналии, Илзе Лиепа
Автор| Юлия Шигарева
Заголовок| Илзе Лиепа: «Тело нужно воспитывать»
Где опубликовано| © АиФ Здоровье №50 10/12/2015
Дата публикации| 2015-12-10
Ссылка| http://www.aif.ru/culture/person/ilze_liepa_telo_nuzhno_vospityvat
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

У Илзе не было выбора, чему посвятить жизнь. Когда твой отец – знаменитейший балетный танцовщик Марис Лиепа, твоя судьба предрешена.


Илзе Лиепа. © / www.globallookpress.com

Как вспоминает сегодня Илзе, ей было 9 лет, когда она поступила в хорео­графическое училище. Папа тогда сказал ей: «Запомни, твоё детство закончилось. Твоя жизнь теперь посвящена балету».

Сегодня Илзе — в свободном плавании. Она по-прежнему выходит на сцену в сольных и концертных балетных программах, а ещё играет в драматических спектаклях, пропагандирует пилатес. И твёрдо уверена: пока вы танцуете, вы молоды.

К станку! Балетному

Юлия Шигарева, «АиФ. Здоровье»: Илзе, вы сейчас реже выходите на сцену. А у станка по-прежнему каждый день занимаетесь? Или уже можно себя пожалеть?

Илзе Лиепа:
Я очень стараюсь, чтобы это было каждый день. У меня есть программа-минимум и программа-максимум. Так что если не одной, так другой я точно придерживаюсь. Тем более что у меня перед глазами пример моего брата (Андрис Лиепа — народный артист России, режиссёр и продюсер, основатель Благотворительно фонда имени своего отца. — Ред.), который каждый день делает балетный экзерсис. Даже если мы приезжаем на гастроли в какие-нибудь Арабские Эмираты или страну, где смена часового пояса ещё более заметна, Андрис скорее не поспит, чем не позанимается.

— Не жалеть себя вообще свойст­венно артистам балета. И самое главное — без всякой гарантии, что все эти муки будут оправданы славой...

— Понимаете, балет — это особый мир. Эту профессию ты, по сути, выбираешь лет в 9. В этом возрасте угадать, что тебя ждёт впереди, хватит ли тебе таланта стать премьером, практически невозможно. Но тут очень важно, какие установки в детей закладывают взрослые. Знаете, как нас с Андрисом воспитывал отец? Он никогда не говорил нам: «Вы непременно должны стать звёздами». Ему было гораздо важнее, чтобы мы любили профессию. Потому что прекрасно понимал: всё сложится успешно только в том случае, если мы полюбим это дело — такое сложное, где каждый день надо себя преодолевать, где ты постоянно вынужден терпеть боль, где тебя преследуют травмы. Все балетные знают: если у тебя вдруг ничего не болит — это редкий случай.

— Не знаю, что в принципе может оправдать ситуацию, когда ты просыпаешься с мыслью: сейчас опять будет больно!

— Знаете, на этом пути наступает момент, когда ты засыпаешь и думаешь: скорее бы завтра! Потому что ты уже почувствовал вкус созидания. Я вижу это по моей маленькой дочке. Когда я ей в первый раз потянула подъёмчик или попыталась посадить её на шпагат, она пищала и отбивалась. Но мы потихоньку занимались... И вот сейчас ей уже 5 лет, я везу её с занятий, а она просит: «Мамочка, а можно, чтобы занятие было не один час, а четыре?» Ну я же её не заставляю говорить это! Она просит сама.

Никаких перекусов!

— На ваш профессиональный взгляд, как лучше поддерживать себя в форме: пару раз в неделю нагружаться по полной или же давать нагрузку по чуть-чуть, но каждый день?


— Тут советовать что-нибудь трудно. Если это будет два-три раза в неделю, но при этом вы проработаете каждую группу мышц, то для женщины, живущей в ритме большого города, или молодой матери, у которой много других забот, этого будет достаточно.

Очень приветствую занятия балетным экзерсисом — там есть упражнения, которые вполне могут делать и те, кто не занимался балетом профессионально. Отрадно, что женщины стали обращать внимание на культуру тела. Именно на воспитание тела, а не просто выматывание себя физической нагрузкой. И я вижу, как благодаря этому меняется их внутренний облик.

Ведь балет — это система тренировок, которая оттачивалась веками. В балете рука движется по определённой траектории, и к ней присоединяется движение головы, а если всё это ещё и сопровождается музыкой... Это приводит в состояние гармонии. И молодые девочки, мои ученицы, которые это прочувствовали, получают от занятий огромное удовольствие, а вместе с ними и я испытываю радость.

Так же и взрослая женщина, сделавшая утром балетный станок, на работу уйдёт совсем в другом настроении. И нужно-то для этого всего минут 15–20! Ну и сила воли, конечно!

— «Диета» — подозреваю, что это слово сопровождает вас всю жизнь. Вы в еде гурман или можете спокойно ограничивать себя?

— Да, вы правы. Я всегда была вынуждена думать о весе, о физической форме. Потому что, как любая нормальная женщина, люблю и сладкое, и булочки. И на гречневой каше сидела, и разгрузочные дни устраивала. Поэтому слово «диета» для меня много значит.

У меня несколько лет назад даже вышла книга «Метод Лиепа» — в ней ответы на множество «женских» вопросов: что есть, как есть, чем заниматься. Мы же сейчас все очень много всего знаем — и про раздель­ное питание, и про всевозможные системы контроля за весом. Но я хочу обратить внимание на самую, на мой взгляд, главную проблему — перекусы. У нас, русских женщин, это, как правило, чай или кофе с печеньем или конфетами. Так вот это самое вредное для фигуры, что только может быть! В маленьком прянике, если вы съедаете его каждый день, кроется большая опасность. Поэтому найдите в себе силы заменить эти сладкие перекусы на простую воду или чай без сахара — и сразу заметите эффект.

— Но это же уныло — пить пустой чай!

— Уныло, согласна. Если уж очень хочется чем-то скрасить себе этот перекус, возьмите крекер и мёд. А шоколад уберите подальше в ящик! И обращайте внимание на то, что вы едите, когда и в каком количестве. Без дисциплины питания никаких положительных эффектов не дождёшься.

Займитесь детьми!

— В одном из интервью вы процитировали очень интересную фразу: «По тому, как ведут себя женщины, можно судить о духовном состоянии нашего общества». Глядя на наших женщин, что можно сказать про наше общество?

— Русские женщины — это прежде всего чувство долга. Это умение совмещать материнство с успехом в профессии, это внутреннее достоинство, это вера в Бога.

— Ну, в русских женщинах я и так не сомневалась — я про общество... И про отношение в нём к женщине.

— Знаете, я бы не про общество рассуждала, а про воспитание. Причём воспитание самых маленьких. Потому что оценивать взрослых поздно — они уже сформировались. Поэтому я бы всё внимание сейчас сосредоточила на детях. С ними — 3-, 6‑летними — надо работать. И прежде всего прививала бы им культуру — в широком смысле этого слова. Мой фонд «Культура — детям» совместно с радио «Орфей» начал программу «Музыка в школе и дома». Если сердце ребёнка с самого нежного возраста открыто классическому искусству, поверьте, он вырастет другим человеком.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17079
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Дек 12, 2015 11:36 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015121202
Тема| Балет, Национальный академический Большой театр оперы и балета Беларуси, Персоналии, Александра Тихомирова
Автор| Юлиана ЛЕОНОВИЧ
Заголовок| «Пробить» зрителя классикой
Где опубликовано| © Газета "Союз. Беларусь-Россия"
Дата публикации| 2015-12-10
Ссылка| http://www.sb.by/soyuz-belarus-rossiya/article/probit-zritelya-klassikoy.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Гость «СОЮЗа» — балетмейстер-постановщик Национального академического Большого театра оперы и балета Беларуси Александра Тихомирова

В ее дневнике когда–то лежала записка: «Хочу жить в Ленинграде и танцевать в Мариинке». Со временем мечта маленькой Саши Тихомировой сбылась: в Мариинский театр она пришла перспективной молодой танцовщицей, имеющей после окончания Саратовского хореографического училища приглашения сразу от восьми ведущих российских театров. Оттанцевав на сцене «Мариинки» четыре года, волею судьбы Александра завершила карьеру балерины. Но из театральной жизни не выпала. Скорее, наоборот, погрузилась в нее еще больше: в 22 года стала одним из лучших и самых молодых петербургских балетмейстеров. Окончила Санкт–Петербургскую государственную консерваторию им. Н.А. Римского–Корсакова (кафедра хореографии). Сегодня Тихомирова живет и работает на два города: в родном Санкт–Петербурге ставит драматические спектакли при Театре–студии «Пушкинская школа» и параллельно как балетмейстер–постановщик сотрудничает с Национальным академическим Большим театром оперы и балета Беларуси. Недавно в Минске представили первую балетную премьеру нынешнего сезона — спектакль «Маленький принц» композитора Евгения Глебова. На сценический язык сказку Антуана де Сент–Экзюпери переложила Александра Тихомирова. Отличный повод познакомиться с ней поближе.



— Александра, позвольте первым делом поздравить вас с прекрасной и очень удачной, на мой взгляд, премьерой...

— Спасибо, я очень рада, что все получилось. Наш спектакль — это новый взгляд и на музыку Евгения Глебова, и на историю, рассказанную де Сент–Экзюпери. «Маленький принц» — это философская притча, здесь нет ярко выраженного конфликта, борьбы, зато много метафор, аллегорий. Мы отказались от пересказа сюжета и постарались найти скрытые смыслы. Не обошлось и без обращения к личности самого писателя. История взаимоотношений Принца и Розы — это история взаимоотношений де Сент–Экзюпери и его супруги Консуэло. Наш спектакль я назвала бы также историей человеческой личности, историей о том, как сохранить в себе человека — Маленького принца, который живет в каждом из нас.

— Вдова композитора, Лариса Васильевна Глебова, рассказывала, что сначала имела большие сомнения, разрешать ли кардинальную переработку произведения. Мол, сам Евгений Александрович очень трепетно относился к этой работе и выполнил ее, по всеобщему мнению, просто блестяще.

— Когда я впервые услышала адажио, сразу влюбилась в эту музыку. Чуть позже познакомилась с Ларисой Васильевной. Мы моментально нашли общий язык, начали тепло общаться. Работа над либретто, поверьте, была обстоятельной и очень щепетильной. Мы решили не разрушать музыкальную драматургию, поэтому делали все очень тонко. Да, вкрапления из других произведений были внесены, но очень деликатно, с пиететом к автору.

— На ваш взгляд, хореограф должен глубоко знать музыку?

— Конечно. Ведь не случайно Федор Васильевич Лопухов кафедру хореографии организовал именно в стенах Санкт–Петербургской консерватории. Да, у нас преподавался анализ клавира, основы партитуры. Изучение хореографии непосредственно сопряжено со знанием музыкальных законов. Когда я училась, основы партитуры у нас вел старейший дирижер Мариинского театра Юрий Гамалей.

— А правда, что в Мариинский театр из училища вы пришли сразу солисткой?

— Нас набирали специально в программу по возрождению творчества Леонида Якобсона в стенах Мариинского театра. Ученики Якобсона, те, на кого он сам когда–то ставил, искали артистов «штучно» — по всему Советскому Союзу. Мне повезло — проектом руководил Олег Виноградов. С нами также работала сама Ирина Давыдовна Якобсон. Это был такой театр в театре. В 19 лет получилось станцевать Pas de catre, «Секстет», «Родена», «Свадебный кортеж» Якобсона на сцене «Мариинского». Естественно, танцевала и классику: «Жизель», «Шопениану», «Арлекиниаду», «Фестиваль цветов».

— Вы ушли из Мариинского театра, проработав всего 4 года, в самом начале танцевальной карьеры...

— Судьбы по–разному складываются. Был целый клубок причин. Я тогда посчитала, что больше не могу. Для близких мне людей и педагогов мой уход из театра был потрясением. На тот момент, когда я принимала решение, в Петербурге не было ни одного театра, кроме Театра Бориса Эйфмана, где мне было бы интересно. Потому что к своим 22 годам я много всего перетанцевала. Был надлом, и консерватория возникла только потому, что надо было что–то делать дальше. О том, что карьера репетитора–балетмейстера начнется в 22 года, я, конечно, до этого даже и не думала. Хотя педагогическую стезю мне предрекали еще в училище, были предпосылки. Но никто, и я в том числе, не предполагали, что это произойдет так рано.

— Что может сказать хореограф в 22 года?

— Мое творчество как балетмейстера началось с работы в драматическом театре, мюзиклах, опереттах. Одновременно училась у Никиты Долгушина в консерватории. Мой первый спектакль–реставрация «Эсмеральда» был сделан в 24 года. С Никитой Александровичем мы поставили этот балет в трех театрах, в белорусском театре оперы и балета в том числе. Спектакль, к слову, значится в репертуаре до сих пор. После окончания консерватории Долгушин взял меня к себе репетитором. Я имела возможность давать классы и работать над большим репертуаром. Параллельно преподавала в Санкт–Петербургской государственной академии театрального искусства, ездила ставить спектакли в других театрах. В общей сложности за 16 лет сделала более пятидесяти постановок в театрах разных стран.

— А чем вас так привлек Минск?

— Когда режиссера Сусанну Цирюк пригласили поставить в Минске «Снегурочку», я приехала с ней как балетмейстер–постановщик — в спектакле очень много сложных балетных сцен. Затем возвращалась еще несколько раз. Здесь, в белорусском Большом театре, уникальная балетная труппа. Привлекла она и возможностью реализоваться как балетмейстер.

— Как вы относитесь к модной нынче актуализации, переносу времени в музыкальных и драматических спектаклях?

— Я не люблю, когда Онегина сажают на унитаз, или Аиду выпускают на танках. У нас сейчас время какое–то странное, вы не заметили? Фильмы старые латают на новый лад, перелопачивают старые сюжеты и вещи, которые были когда–то удачными, а своего, нового, интересного делают почему–то мало. Это не значит, что я не приветствую современный взгляд на старые сюжеты. Но мне кажется, что важнее дотянуть зрителя до уровня Шекспира, чем Шекспира опустить до уровня нынешних тинейджеров. Когда все делается ради эпатажа, становится грустно. Гораздо сложнее поставить классический сюжет так, чтобы он зрителя «пробивал». В этом смысле мне было очень интересно ставить «Евгения Онегина» в Казани с Михаилом Панджавидзе, главным режиссером Национального академического Большого театра оперы и балета Беларуси. Ему удалось сделать спектакль, сохранив историчность в хорошем смысле этого слова, добавить внутренней динамики современного человека. Вообще, мне очень повезло: я никогда не делала того, что бы мне противоречило как человеку и профессионалу.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17079
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Дек 13, 2015 3:55 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015121301
Тема| Балет, Опера, Новосибирский театр оперы и балета, Премьеры
Автор| Екатерина Кретова
Заголовок| От триколора до всех оттенков серого
Первые премьеры в Новосибирском оперном театре

Где опубликовано| © Газета "Московский комсомолец-"
Дата публикации| 2015-12-13
Ссылка| http://www.mk.ru/culture/2015/12/13/ot-trikolora-do-vsekh-ottenkov-serogo.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРЫ

Новосибирский театр оперы и балета - НОВАТ, как он стал называться после ребрендинга, - представил публике новые названия: балет Асафьева "Пламя Парижа" и оперу Мусоргского "Борис Годунов". Обозреватель «МК» провел в НОВАТе два вечера, с удовольствием погрузившись в обновленную атмосферу театра, и по достоинству оценил его художественную продукцию.


Фото: Евгений Иванов

Театр не узнать. Этот огромный дворец, сравнимый по масштабу с самыми гигантскими театральными зданиями эпохи сталинского ампира, стал красивым, уютным, удобным. При том, что "Пламя Парижа" - супераншлаговый спектакль, на который проданы билеты все до единого, нигде не возникает ни столпотворения, ни очередей. Похоже, что на каждого зрителя, а при аншлаге их пока 1200 человек ( пока, потому что ремонта ждут еще 400 мест балкона - новый директор Владимир Кехман планирует открыть их для зрителей в будущем году) приходится по 3-4 сотрудника театра: гардеробщики, официанты, капельдинеры. Да, вот именно капельдинеры - так по давней традиции здесь именуют службу зала. Что и говорить: для театрального критика видеть зал, до отказа забитый зрителями, радость души.



"Пламя Парижа" - перенос на новосибирскую сцену спектакля Михайловского театра, который в свою очередь стал реконструкцией первой постановки этого революционного балета, осуществленной хореографом Василием Вайноненом и режиссером Сергеем Радловым в Ленинграде в 1932 году. Балет воссоздал Михаил Мессерер, вынужденный примерно треть хореографического текста досочинить, стилизуя почерк Вайнонена: многое было забыто и утрачено. Ривайвл такого революционно-идейного балета (Асафьев использовал сюжет из истории Великой французской революции со всей патетикой народного подвига) мог показаться рискованным: революции надоели хуже горькой редьки. Однако зрители рассудили иначе: развевающийся французский триколор, марсельеза и массовый героизм оказались отличным историко-костюмным гарниром к великолепным танцам, насыщенным неустаревающими элементами классической хореографии. Музыка Асафьева отчетливо обнаружила признаки жанровой стилизации (композитор, более прославленный как выдающийся теоретик, со знанием дела работал по моделям классических и народных европейских танцевальных жанров конца XVIII века) и отлично соотнеслась с принципами современного пост-постмодернизма. Одним словом, "Пламя Парижа", запылавшее в Михайловском принесло восторг, аншлаги, номинацию на "Золотую Маску", и вот теперь - не меньший успех в Новосибирске. Танцевали отлично: Анна Жарова (Жанна), Анна Одинцова (Диана), Марина Николаева ( Тереза). Но более всех оваций досталось солисту Михайловского Ивану Васильеву (Филипп), покорившему зал своей энергетикой и великолепными прыжками.

"Борис Годунов" в постановке Дмитрия Белова (режиссер) и Глеба Фильштинского (сценография) заявлен как "опера с комментариями в концертном исполнении" и помещен в рамки программы "образовательный проект". При всей безусловной образовательности и некоторой концертности, спектакль получился художественно убедительным и завершенным. А его "образовательность" и "концертность" стали эстетическим приемом - специфическим и в каком-то смысле провокационным.

Создатели спектакля задали себе простой вопрос: а насколько наш сегодняшний зритель в курсе исторических событий конца XVI начала XVII веков? Какое представление он имеет выдающихся личностях этой эпохи? Не в курсе. А представления - самые смутные, прямо как то самое время. Так гениальная опера Мусоргского стала для театра материалом для исторического расследования, в котором даже те зрители, которые что- то помнят из отечественной истории, смогли расставить для себя важные акценты. Например, вспомнить, что прообраз летописца Пимена - монах Филарет из рода Романовых, который вполне сознательно в своей летописи обвинил Годунова в убийстве маленького царевича Димитрия. И что Григорий Отрепьев вынужденно постригся в монахи, чтобы избежать виселицы, так как тоже был близок семье Романовых - главных конкурентов Годунова после смерти царя Федора Иоанновича. Интересно узнать, что слово "попугай" впервые появилось именно на рубеже XVI-XVII веков: не случайна в опере сценка царевича Феодора, рассказывающего забавную историю про "попиньку" пытающемуся отвлечься от скорбных дум Борису. Да и история царевны Ксении обрастает впечатляющими подробностями, когда становится известна ее страшная судьба: она была изнасилована Самозванцем и заточена в монастыре.

Все это мы узнаем из текста, транслирующегося параллельно оперному действию на превращенный в экран задник. Комментарии подробны: они относятся не только к историческим событиям, но и ключевым реалиям и понятиям далекой от нас эпохи: опричнина, схима, Чудов монастырь, который, между прочим, находился прямо в Московском Кремле. Лишь поначалу такой "ликбез" кажется чем- то странным. Несколько минут - и чтение этих примечаний становится не просто естественным - необходимым. Прежде всего, потому, что он не мешает восприятию собственно оперы, а концентрирует его. Действие - неяркое, принципиально статичное. Минималистична сценография: множество черных табуреток и один крашеный красной краской простой стул – «трон». Здорово придуманы костюмы Анастасии Шенталинской в стиле, который можно было бы назвать "исторический авангардизм": в них - все оттенки серого цвета, силуэты древнерусского костюма и фактура современных стеганых тканей. При этом каким- то удивительным образом эта условная картинка погружает зрителя вглубь времен. Вернее, нашего представления об этой "глуби". То, что Борис Годунов безбород, понимаешь разве что в конце: как-то и без бороды убедителен Николай Лоскуткин в этой роли. И не только он: замечателен в роли Пимена Владимир Огнев, герой которого, благодаря историческим справкам обнаруживает сильнейшую мотивацию на травлю Бориса. Ярчайшая работа у Романа Завадского (Отрепьев). Даже жаль, что постановщики не использовали польский акт - актер мог бы проявить себя в нем очень интересно. Весьма нестандартный образ Шуйского создает Юрий Комов. И очень впечатляет Сергей Кузьмин в роли Юродивого, абсолютно вменяемого, без тени убожества и юродства человека, принявшего на себя рискованную роль - говорить жестокую правду власть предержащим. Все эти актерские удачи говорят о том, что Дмитрий Белов вместо того, чтобы тратить режиссерскую фантазию на сочинение собственного сюжета поверх авторского, занялся прямым режиссерским делом: подробной работой с артистами на основе текста Мусоргского. Самую высокую похвалу можно адресовать оркестру, прекрасно исполнившему под руководством Петра Белякина партитуру в оркестровке Дмитрия Шостаковича.

Публика приняла спектакль восторженно: долгими аплодисментами - стоя. В обеих наших столицах это почему- то не принято. Зато очень принято в Европе. И в российской провинции.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Дек 13, 2015 5:17 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17079
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Дек 13, 2015 5:16 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015121302
Тема| Балет, Персоналии, Николай Цискаридзе
Автор| Ольга Соколова
Заголовок| Николай Цискаридзе: Внимания на скандалы не обращаю
Где опубликовано| © Газета Вечерняя Москва
Дата публикации| 2015-12-13
Ссылка| http://vm.ru/news/2015/12/13/nikolaj-tsiskaridze-vnimaniya-na-skandali-ne-obrashchayu-305976.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Для настоящего артиста совершенно неважно место его выступления. Например, на этом снимке Николай Цискаридзе выступает на брусчатке Красной площади — в рамках концерта ко Дню города. Приглядитесь — пуанты пришлось сменить на кроссовки
Фото: Валерий Шарифулин/ТАСС


13 декабря на канале «Россия 1» завершится конкурс детских талантов «Синяя птица». О проекте и о балетном образовании корреспондент «ВМ» поговорила с народным артистом России Николаем Цискаридзе.

На протяжении всего показа Цискаридзе был самым эмоциональным судьей. Искренне переживал за каждого участника и старался его поддержать.

— Николай, когда смотришь конкурс, поражает уровень мастерства участников, хотя они еще совсем дети.

— А ничего удивительного, ведь это дети, которые учатся в серьезнейших учебных заведениях. Их с детства готовят к сложнейшей профессии. Мы с ними общаемся исключительно, как с профессионалами. Что они творили на сцене! Особенно порадовали дети из Центральной музыкальной школы при Московской государственной консерватории имени Петра Чайковского.

— Ну, по-моему, тут само имя школы обязывает… В том-то и дело!

— Ведь ни для кого не секрет, что эта школа одна из главных и лучших в мире. Ну, и, конечно же, то, что дети из академии русского балета будут лучшими у меня тоже не вызывало сомнений. Нелегко вам пришлось! Вы даже не представляете себе как! И дело не в том, что приходилось выбирать лучших из лучших. Сложно было сравнивать цирк с музыкой, музыку — с балетом, балет — с вокалом.

— Несколько лет назад в интервью Владимиру Познеру выразили сомнение в том, что Россия сохранит лидерство в области театрального искусства. Что-то изменилось с тех пор?

— А я и сейчас продолжаю высказывать подобные опасения. Понимаете, российское образование — уникальное. Ему нет аналогов в мире. Ни одна страна не тратила такое количество денег на бесплатное образование уникально одаренных детей. Подчеркиваю, бесплатное! Поэтому нашу систему образования обязательно нужно сохранить. Модернизировать ее не нужно. Ни в коем случае не трогать систему образования. Сохранение традиций русской школы зависит от тех, кто руководит. Я видел очень много людей, которые находились на руководящих должностях, но при этом не понимали специфики профессии.

— Вы сегодня тоже стали руководителем…

И мне за свою работу не стыдно. Результатами, которые есть сегодня, я горжусь. Не так давно в Эрмитажном театре состоялся премьерный показ «Феи кукол». Исполнители — воспитанники нашей академии. Были затрачены неимоверные усилия на подготовку этого спектакля. Притом, что мы показывали не полную версию спектакля, а лишь сюиту продолжительностью в 50 минут. Полную версию зрители увидят в июне на сцене Мариинского театра.

— Ваше назначение на пост ректора Академии балета наделало очень много шума. Мол, пришел Цискаридзе, сменил уважаемых людей.

— Меня долго уговаривали занять эту должность... Знаете, когда Владимир Васильев уходил из Большого театра, собралась его команда и била себя в грудь, уверяя, дескать, и мы уйдем вместе с ним. И что? Поверьте, все по сей день работают!

— Подобные лицемеры вас не раздражают?

— Нет. Это жизнь. Так было всегда. Помню, когда был маленьким вместе с няней выучил стихотворение Расула Гамзатова «Правду высказать недолго. А соврешь, придется долго, долго-долго, очень долго, без конца придется врать. Лучше времени не трать!» Очень правильные строки.

— И что, вы никогда не врете?

— Стараюсь. Другое дело, что правда-то не всем нравится. Бывает, что лучше и промолчать.

— Получается?

— Иногда. Но если говорю, то говорю конкретно. После вашего «конкретно» иногда разгораются скандалы.

— Как вы на это отвечаете?

— Никак. Просто иду дальше. Когда поступил в хореографическое училище, мне пришлось учиться бороться за место под солнцем. Научили меня этому две великих женщины: балерины Марина Семенова и Галина Уланова, которые знали, что если они не будут меня «оберегать», то этот наивный ребенок будет растерт в порошок. Как видите, у них все получилось. Сегодня я возглавляю Академию русского балета имени Вагановой.

— Сейчас вы учитесь в Московской государственной юридической академии. Почему решили стать юристом?

— Да, у меня интересный статус: я пенсионер, студент, точнее магистрант и ректор в одном лице. Мне кажется, что желания наших родителей рано или поздно все-таки реализуются. Моя мама была против того, чтобы я связывал свою жизнь с искусством. Все члены нашей семьи учились в Московском государственном университете. Мужчины становились юристами, я думаю, это и определило мой выбор.

— Легко экзамены сдали?

— Нужно было сдать два письменных экзамена. Сдавали сразу несколько потоков. В том потоке, в котором сдавал я, были в основном девочки, и я по глупости пропустил всех женщин вперед. Когда зашел в аудиторию, все задние ряды были уже заняты и мне пришлось занять место прямо перед преподавателем. Славу богу, я сдавал все честно, без шпаргалок.

— В работе честность помогает?

— Когда как. Во власти вообще все очень сложно…

— А вы стремились к ней?

— Во власти есть очень страшный момент — уязвимость. А падать всегда больно.

КСТАТИ

«Синяя птица» — Всероссийский конкурс юных талантов. Главная задача конкурса — открыть новые имена юных артистов. Впервые в истории российского телевидения в исполнении детей в одном конкурсе представлены все главные виды современного исполнительского искусства: сольное пение, игра на музыкальных инструментах, хореография и цирковое искусство.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17079
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Дек 14, 2015 9:58 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015121401
Тема| Балет, Современный танец, VI Международного фестиваля «Дягилев P. S.», Персоналии, Исраэль Гальван, Акрам Хан, Анжелен Прельжокаж, Марта Грэм
Автор| Вита Чушкина
Заголовок| ЛУЧШЕЕ С ХОРОШИМ
Где опубликовано| © «Петербургский театральный журнал»
Дата публикации| 2015-12-11
Ссылка| http://ptj.spb.ru/blog/luchshee-sxoroshim/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Опубликованная еще в августе балетная программа VI Международного фестиваля «Дягилев P. S.». была соблазнительно хороша — от работ Марты Грэм до Акрама Хана, так что ожидание фестиваля обострилось к ноябрю до нервного нетерпения. Петербургская балетная публика, не избалованная не в пример московской неординарными танцевальными событиями, пробуждается теперь всего два раза в год: весной ради фестиваля «Dance Open» и осенью ради «Дягилев P. S.».

«Торобака»

Казалось, они были в забытьи, в сумасшедшем танцевальном экстазе. Два танцовщика, Исраэль Гальван и Акрам Хан, решившие сойтись на сцене, как на арене, чтобы потягаться силами и уничтожить зрительный зал энергией бешеной пляски. Оба — повелители ритма, ощущающие его постоянную пульсацию вокруг и внутри себя. Гальван словно выбивал ритм из собственного тела, яростно стуча каблуками туфель, Хан — укрощал, гася всполохи волнами рук.

Уникальность «Торобаки» — в ее исполнителях и одновременно создателях, которым нет равных в танцевальном пространстве. Исраэль Гальван — художник фламенко, который вытащил этот танец из священной скорлупы национального достояния, выпотрошил содержимое и, дойдя до неделимой единицы — ритма, выстроил заново, получив нечто необыкновенное. Акрам Хан проделал подобное с индийским катхаком, заново открыв его для современной сцены. Встретившись вместе, они создали новый язык, назвав его «Торобакой».


«Торобака».
Фото — архив фестиваля.

Toro — «бык», bаcа — «корова», особые животные для Испании и Индии. Сложение двух слов равняется сложению двух танцев. Ни Хан, ни Гальван не подстраиваются один под другого и не перенимают танцевальную манеру. Каждый на своей территории создатель и великий художник, для обоих в спектакле предусмотрено по два сольных выхода, чтобы творить свой танец. Но подходя друг к другу слишком близко, сходясь в пространстве одной сцены, они гипнотически притягиваются — тела выдают одни и те же движения, только звучат они у каждого по-своему.

Полуторачасовой спектакль имеет форму, близкую к гран-па: антре, по две вариации солистов, кода, за корифеев можно принять музыкантов, все полтора часа находящихся на сцене. Их партии — вокальные (двое мужчин и женщина) и инструментальные (перкуссионист с таблой) — быстро перестают восприниматься как обслуга танца, музыкальные голоса обретают самостоятельность, ведут диалог с танцовщиками, друг с другом и получают право на собственные соло.

Действие держат гэги — Хану и Гальвану хотелось, чтобы зрители не воспринимали «Торобаку» слишком серьезно. Танцовщики в дуэтах вдруг встают в непохожие позы, и один вынужден поправить другого; перкуссионист соревнуется в скорости игры с танцем Хана и, не в силах продолжать, кричит ему «остановись!»; вокалисты начинают перепевать друг друга.

В «Торобаке» густое содержание смыслов, рожденных танцем, доступных только чувствам, — их не облечь в слова и не описать на бумаге. Смешение культур и их единство, наглядный поиск общего зерна фламенко и катхака, разошедшихся родственников. Самое впечатляющее в «Торобаке» — это сам танец, будто не отрепетированный, рожденный из сиюминутной потребности тел говорить, звучать. Жить этому спектаклю столько, сколько Акрам Хан и Исраэль Гальван захотят его танцевать — он был сшит по индивидуальным лекалам, и других исполнителей для «Торобаки» не найдется.

«Прельжокаж-гала»

Прошлогоднего героя — Уэйна Макгрэгора — на пьедестале фестиваля сменил Анжелен Прельжокаж. На площадках Александринского устроили пышное гала в его честь, организовали встречу с хореографом и показ фильма о работе над балетом «Эльдорадо — Воскресное прощание». В отличие от Макгрэгора, который на прошлом фестивале был предъявлен, главным образом, для знакомства (о том, какие научно-балетные опыты он проводит с танцовщиками у себя на родине в Великобритании, было известно мало, но узнать хотелось), Прельжокажа пригласили, чтобы хвалить и обожать. В Петербурге видели его «Белоснежку» и «Ночи», четыре года в Мариинском театре танцуют балет «Парк» (с Москвой у Прельжокажа тоже гастрольный роман, а его «Спектральный анализ» был в репертуаре Большого). Разговор с балетмейстером шел расслабленно: на расстоянии вытянутой руки был добрый знакомый. Признанный во всем мире и титулованный, он показал себя скромным и думающим, кажется, полон интереса к жизни и творческих желаний.

Программу двухчасового концерта Прельжокаж составлял сам и, по просьбе устроителей «Дягилева», должен был собрать лучшее из сочиненного им за 30 лет работы в качестве балетмейстера. Подойдя к задаче ответственно, он облек дивертисментное содержание в форму спектакля — номера плавно перетекали один в другой и были скреплены генеральной идеей. Творческий вечер Прельжокаж посвятил недавним терактам в Париже и памяти его жертв, назвав первый акт «Ностальгией», второй — «Трагедией».


«Прельжокаж — гала».
Фото — архив фестиваля.


«Ностальгия» составлена разнообразно: соло, ансамбли, дуэты мужские и женские. Вопреки ожиданию, ностальгия не уносила Прельжокажа по волнам прошлого, все номера первой части, кроме знаменитого адажио из «Парка» с летящим поцелуем (придуманного в 1994-м, но урезанного для гала), оказались выдержками из сочинений последних лет: «Возвращение в Берратам» (2015), «Ночи», «Спектральный анализ» (2013), «А дальше тысячелетие покоя» (2010). Балетные вкусности «от шефа» были представлены здесь в изобилии: динамичные мужские и женские танцы, отлаженные и бойкие, будто работа механизмов; загадочные и чувственные дуэты; соло разных мастей — игровое мужское из «Спектрального анализа» и упоительное женское из балета «Ночи», где танцовщица (Сесилия Торрес Морилло) извивалась, будто змея, соблазняя каждым движением обнаженной спины.

Градус трагедии второму акту задавал дуэт из «Белоснежки», где Принц, не желающий мириться со смертью девушки, танцевал с ее безответным телом, истерично и страстно, надрываясь от любви и воспоминаний. Последний дуэт из «Ромео и Джульетты», синонимично закрывавший концерт, был о том же самом. Только Белоснежка просыпалась, а Ромео в руках Джульетты — нет.

Пробуждение Белоснежки, однако, было ключом, открывавшим вовсе не акт Трагедии, а акт Любви. Нежная, игривая, безумная, необузданная, извращенная, она изливалась в дуэтах, из которых состояло все второе действие. Это и был истинный портрет Прельжокажа, умеющего извлекать сексуальную энергию из тел танцовщиков и переводить ее в танец. Благодаря ему чувственность обретала самые разные пластические формы, представала во множестве вариаций: от невинного желания поцеловать до фанатичного плотского влечения.

Нарезка best of the best получилась разнообразной и полной пластических красот. Прельжокажа осыпали аплодисментами и цветами, вручили премию фестиваля «Удиви меня» и публично назвали великим и мэтром. Во Франции он уже много лет живой классик, в России до сих пор считался новатором. Теперь повышен в классики и у нас.

Труппа Марты Грэм
«Хроники», «Развлечения ангелов», «Оплакивание. Вариации», «Эхо».

Почти за 90 лет существования Компания Марты Грэм впервые приехала в Россию. Встреча чистокровного American modern dance и Russian ballet в поздние советские годы могла бы стать для последнего судьбоносной, но не случилась. После смерти Грэм в 1991-м, аккурат когда русские хореографы увлеклись contemporary, Компании и вовсе грозило исчезновение — было не до далеких поездок. Знакомство с хореографией Грэм в те годы все же состоялось, но заочно, благодаря видеозаписям. В итоге дебютные гастроли запоздали в актуальности на много лет и затерялись в программах московского фестиваля «Context. Диана Вишнева» и петербургского «Дягилев P. S.».

Если объяснять на понятных примерах, труппа Грэм — почти как Театр балета имени Якобсона. В основе репертуара обеих трупп — балеты их создателей, в качестве дополнения — работы современных, в том числе малоизвестных, хореографов. Чем дальше идут годы, тем хранить старое труднее — балеты ветшают, сохраняя ценность иллюстрации к книгам по истории танца.


«Хроники».
Фото — архив фестиваль.


С «Хрониками» (1936) и «Развлечениями ангелов» (1948), которые привезла американская труппа, это уже произошло. Воспринимать их иначе как с оговоркой о былой пластической новизне не получится. На творческое наследие Грэм прессом давит весь двадцатый век, питавшийся плодами ее вдохновения. Марта Грэм была одной из тех, кто придумал модерн, и первой, кто решил, что у свободного танца должны быть техника и правила исполнения, фактически предложив азбуку, из которой впоследствии сложили свои имена многие хореографы.

Реально ощущая угрозу имиджевому репертуару, Компания Грэм разными способами стремится продлить его жизнь. В 2007 году трем молодым хореографам (Буларейяну Пагарлаве, Кайлу Абрахаму и Ларри Кигвину) предложили, вдохновившись соло Марты Грэм «Оплакивание», за 10 часов сочинить по одной танцевальной вариации. Проект, посвященный памяти жертв 11 сентября и задуманный как разовая акция, закрепился в репертуаре, превратившись в спектакль о танцевальной преемственности.

Композиция «Оплакивание. Вариации» открывается записью номера в исполнении Грэм, вслед за ним на сцене разворачиваются три танцевальных подношения. Хореографически самостоятельные, они имеют отношение к принципам танца и стилистике Грэм. У Пагарлавы в основе номера на четверых артистов была работа на балансе — поддержки на ощущении веса друг друга. Абрахам строил дуэт на строгих линиях танца (углы коленей, устремленные к небу руки), застывших позах. Кигвин предложил символичный номер, хотя и хореографически незамысловатый: мужчина, только что бывший частью толпы, вдруг обнаруживает себя среди бездыханных тел.

Желая уделить в программе вечера равное внимание работам Грэм и приглашенных авторов, ее труппа презентовала еще один современный балет — «Эхо» Андрониса Фониадакиса. Еще будучи танцовщиком «Бежар Балле Лозанна» и балета Лионской оперы, он в 1990-х начал карьеру хореографа, создав несколько работ для этих трупп. В начале 2000-х собрал собственную — «Apotosoma», и параллельно продолжает ставить для разных коллективов, в числе которых оказалась и Компания Грэм.

В «Эхе» (2014) Фониадакис разрабатывает миф о Нарциссе и влюбленной в него Эхо. Нарцисса всюду сопровождает его двойник в темных одеждах, пластически связанный с ним в единое целое. Движения проходят через их тела непрерывным потоком: начатое одним, оно продолжается в теле другого и вновь возвращается к первому. Их танец любовно струится по земле, динамичными прыжками осваивает вертикаль.

Эхо появляется со свитой в черном: любой ее жест мгновеньем позже повторяет каждый из спутников, но уже чуть измененным. Она взывает то к Нарциссу, то к двойнику, но оказывается выброшена из танца — мужской дуэт, отторгая ее, восстанавливает гармонию.

Благодаря широким юбкам-брюкам исполнителей даже импульсивные движения словно растворялись в пространстве и замедлялись. Проявлялись и рассеивались паттерны, запутывая координаты времени и заманивая зрителей в ловушку вечного повторения одного и того же сюжета.

Неожиданно доминантой программы стали не шедевры Грэм, а работы современных хореографов. Труппа, по всей видимости, непререкаемо верно избрала репертуарную тактику, привлекая к сотрудничеству только авторов, мыслящих contemporary. Модерн Грэм продолжает жизнь в работах других — новых поколений балетмейстеров.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17079
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Дек 14, 2015 2:22 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015121402
Тема| Балет, гала-концерт звезд мирового балета «Christmas Балет-гала», Персоналии, Андрис Лиепа
Автор| Оксана Полякова
Заголовок| Андрис Лиепа: Даже в самые сложные времена зрителю необходимо искусство
Где опубликовано| © Газета Вечерняя Москва
Дата публикации| 2015-12-14
Ссылка| http://vm.ru/news/2015/12/14/andris-liepa-dazhe-v-samie-slozhnie-vremena-zritelyu-neobhodimo-iskusstvo-306041.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

15 декабря на сцене Государственного Кремлевского дворца состоится Рождественский гала-концерт звезд мирового балета «Christmas Балет-гала». «ВМ» поговорила с режиссером-постановщиком и художественным руководителем этого проекта Андрисом Лиепа.

- Андрис, расскажите: что ждать зрителям на концерте? Какие балетные открытия вы готовите?

- Рождественский гала - это подарок зрителям перед новогодними праздниками. На одной сцене соберутся исполнители мирового масштаба - Владимир Малахов, Илзе Лиепа и Фарух Рузиматов. Раньше была замечательная традиция проводить фестиваль "Русская зима". К сожалению, он исчез вместе с советским временем. Поэтому сегодня Балет-гала – как глоток свежего воздуха для всех любителей истинного искусства. В программу праздничного концерта войдут как лучшие образцы шедевров классической хореографии Мариуса Петипа, Мориса Бежара, так и оригинальные современные постановки Ханса ван Манена, Уве Шольца, Марко Гёкке.

- Вы решили соединить классический и современный балет. А как вы сами относитесь к новому прочтению классики? К примеру, в Приморском театре оперы и балета Айдар Ахметов ввел сразу троих Ротбаров в балете "Лебединое озеро"? Что это: поиск новых форм или халтура?

- Айдар попытался сделать новую историю, которая в итоге не нашла союзников в массах. Зритель не готов к таким экспериментам, особенно в балете. В опере еще куда ни шло. Я смотрел "Лебединое" Мэтью Борна, где все лебеди - мужчины. Как вариант - интересно. Но зритель хочет увидеть классику. Если вы ведете ребенка впервые на "Евгения Онегина", вам хочется дать ему постановку, близкую к оригиналу, а не вольное прочтение. Первое восприятие очень важно, особенно у детей.

- Тогда стоит ли сегодня избегать помпезных декораций и костюмов в балетных постановках (а это, ни много ни мало, средство передачи исторического материала в балете и видеоряд для зрителя)?

- Наоборот. Народ устал от минимализма. Традиционный театр больше привлекает зрителей. Все хотят видеть декорации, которые делал Дзеффирелли. Элементы авангарда уже отжили свое. Я люблю красивые дорогие декорации и костюмы. Сейчас мы восстанавливаем "Баядерку" в Кремлевском балете, 22 января будет премьера. Это постановка для тех, кто ценит классическую трактовку Мариуса Петипа.

- А приемлема ли фонограмма в балете?

- Лучше хорошая фонограмма, чем плохой оркестр. Сейчас собрать хороших музыкантов невозможно. Это очень дорого. "Жар-птица", "Петрушка" и "Шехерезада" были записаны еще в прошлом веке с оркестром Большого театра. Эта запись уникальна, потому что сейчас даже таких исполнителей нет. Оркестр - это живое существо, с которым нужно много работать, ждать, пока он сыграется.

- Существует расхожая фраза "Ведь в области балета мы впереди планеты всей". Актуальна ли она сегодня?

- Ничего не изменилось. Мы - законодатели в этом виде искусства. Конечно, балет возник не в России, а пришел к нам из Франции, зародившись при этом в Италии. Но весь мир считает, что балет - это исконно русское, такое же, как матрешки или пельмени. До сих пор российские исполнители держат планку первенства. Я это оцениваю по конкурсам, на которых председательскую в жюри.

- А как же китайцы и корейцы?

- Они догоняют нас. Артисты из этих стран берут численностью и техникой, качеством трюков. Но эмоциональное исполнение и мастерство танца по-прежнему за русскими танцовщиками, как и в спорте. Китайцы приглашают наших педагогов, целые труппы к себе в театры и учатся у них, активно перенимая наш опыт.

- Если российский балет на подъеме, почему наши артисты уезжают за границу и остаются работать там?

- Не позволить этого невозможно. Артисту хочется постоянно развиваться, осваивать новый репертуар. Я сам поступил так же: работал два года в американском балете у Барышникова, потом у Бежара. Но я вернулся, потому что понял, что в России - самая благодатная почва.

У меня есть латышское гражданство, я свободно выезжаю и работаю по всему миру. Но база у меня здесь, потому что в России лучшие живописцы и художники по костюмам. С артистами Большого и Мариинки можно творить чудеса. За рубежом профессионалов меньше.

- Должен ли балет сохраняться как элитарное искусство и быть таковым? Ведь оно никогда не принадлежало народу. И сегодня людей больше волнует где гречка дешевле: в "Копеечке" или в "Пятерочке"?

- К сожалению, сейчас в театр начали ходить не те, кто хочет, а те, кто может - все это из-за цены. Хорошо, когда есть большой зал, в котором мы можем сделать разную ценовую политику. На небольших же площадках стоимость билетов - заоблачная. Не все могут себе это позволить, даже если хотят.

Но зрителю, даже в самые сложные времена, искусство было необходимо. Исполнение "Седьмой симфонии" Шостаковича во время блокады стало событием не только для Ленинграда, но и для всего мира. Город воспарял духом. Во время войны театры продолжали работать. В Америке всплеск киноиндустрии был во времена Великой депрессии. Народ пошел в кино, чтобы увидеть нормальную жизнь.

- Для вас Новый год, Рождество - тройной праздник, ведь 6 января - ваш день рождения. И все же, как вы обычно встречаете эти праздники?

- Десять лет я делал балы-маскарады в Гостином дворе. Это были путешествия в разные страны мира: Венецию, Париж, Лондон, Пекин. Каждый год москвичи встречали Новый год в новом месте. Это были семейные торжества. Но времена таких праздников ушли. В этом году я буду встречать Новый год дома. Но уже 1 января буду в Гостином дворе, к нам приезжает Китайский цирк, выступление которого я организовываю.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17079
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Дек 14, 2015 9:56 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015121403
Тема| Балет, Новосибирский театр оперы и балета, Премьера
Автор| Юлия ЩЕТКОВА, «Новая Сибирь», Фото Алексея ЦИЛЕРА
Заголовок| Балет, выросший из мультфильма
Где опубликовано| © Газета "Новая Сибирь"
Дата публикации| 2015-12-14
Ссылка| http://newsib.net/index.php?newsid=813207454&paper_id=491
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

В НОВАТе поставили детский балет с недетским антрактом, после которого некоторым зрителям уже не до фуэте



НОВАТ, точно из пулемета застрочивший премьерными названиями после шести месяцев простоя, впервые пополнил детский репертуар. На большой сцене появился балет Карэна Хачатуряна «Чиполлино» в хореографии Генриха Майорова и художественном оформлении Валерия Левенталя. По новой традиции, спектакль перенесен с площадки петербургского Михайловского театра и дополнен новосибирскими исполнителями, занятыми как в главных партиях, так и в массовых сценах. На подмостках резвятся фрукты и овощи. Редиска вертит фуэте, лук выписывает воздушные туры, лимон сливается с вишней в танго. В ложе артистам рукоплещет эксцентричный директор. Однако, если отбросить прочь все соображения идеологического и этического характера, закономерно исковеркавшие восприятие бывшего НГАТОиБ, этой веселой вакханалии стоит порадоваться.

Театральный Новосибирск несовершеннолетней аудитории не слишком благоволит. Детские спектакли в репертуарах драматических и музыкальных театров города появляются скорее из необходимости, чем по любви, и зачастую творческое долженствование сказывается на качестве постановок. Говорят, в манкировании интересов подрастающего поколения нет ничего личного, чисто тактические соображения — по трудозатратам хлопотно, финансово невыгодно, имиджево неэффективно. Хотя все это кажется несколько надуманным, когда своими глазами видишь, как в считанные часы сметаются билеты на детские постановки. Попробуйте как-нибудь в ноябре купить билеты на январь? На спектакли привычной ценовой категории вряд ли получится.

Появление «Чиполлино» на сцене НОВАТа — ход идеологически выверенный и заранее в рамках директорской программы спланированный. Став главой Новосибирского театра оперы и балета, Владимир Кехман делает все то же, что делал несколько лет назад, взяв на себя руководство Михайловским театром: меняет название, устраивает спешную реконструкцию, отмывает люстру, перекрашивает стены, реновирует буфеты-туалеты, поднимает цены на билеты, приглашает звезд и реформирует афишу.

ОТДЕЛЬНОЙ строкой обещает вывести детский репертуар. В случае Михайловского обещание формально сдержанно. Если верить официальному сайту, на данный момент в питерской вотчине господина Кехмана дают одну условно детскую оперу и три условно детских балета; два условно детских проекта на подходе. Много это или мало для периода длиною в восемь лет? Ответ очевиден.

НОВАТ пока оперирует детским наследием НГАТОиБ. В количественном соотношении оно не уступает репертуару Михайловского. Это пять названий — «Теремок», «Стойкий оловянный солдатик», «Три поросенка», «История Кая и Герды» и нашумевший «Щелкунчик». Правда, из них только истории Снежной королевы и ожившего инструмента для колки орехов не нуждаются в обновлении. Спектакли, прежде долгое время шедшие в концертном зале, пребывают в не лучшей визуальной форме. Под занавес сезона ждали «Спящую красавицу» в блистательном художественном оформлении Эцио Фриджерио и Франки Скуарчапино, на которую возлагались большие профессиональные и зрительские надежды, — не дождались. Хачатуряновский «Чиполлино», невольно извергнувший из планов балет Чайковского, — замена «Спящей» не равнозначная, но и он театру необходим, кто бы ни управлял главной сценой Сибири.

Зритель от нуля до четырнадцати лет остро нуждается в ярких и понятных балетных постановках. В спектаклях, которые могли бы максимально приблизить к его визуальным и энергетическим потребностям серьезное высокое (читай взрослое и неинтересное) искусство. Развлечь и воспитать слушателя/зрителя, не говоря уже о формировании морально-нравственных представлений. И в этом смысле «Чиполлино» — едва ли не идеальный ликбез. Знакомый сюжет легко считывается. Яркие образы оживляют, очеловечивают фруктово-овощную драму. Задорная музыка Хачатуряна захватывает, возбуждает, веселит. Множество юмористических сценок и клоунских кунштюков обеспечивают положительный эмоциональный настрой. Стремительный темп превращает устаревшую борьбу с тиранией в настоящий экшн. Стилистически разнообразные и технически сложные роли, на которых танцовщики выкладываются по полной, учат понимать и воспринимать пластическое искусство. И даже социальный подтекст, который несколько лет назад набивал оскомину, в свете нынешнего тотального back in the USSR кажется вполне уместным и логично дополняющим устаревшую хореографическую лексику. Можно предположить, что несколько ушедшая в XXI веке в тень сказочная повесть вскоре вновь окажется на передовой. Что говорить, Кехман ловит тенденции прямо из воздуха.

Джанни Родари был типичным итальянским левым с образцовой биографией — сын скромного булочника из глубокой средиземноморской провинции, паренек из бедной многодетной семьи, сделавший себя сам. Хотел быть художником и скрипачом, а стал учителем. В знак протеста режиму Муссолини вступил в движение Сопротивления, затем — в итальянскую компартию. Работал журналистом в небезызвестной газете «Унита», где вел рубрику «Детский уголок». Позже возглавил редакцию детского журнала «Пионьере» и молодежный «Авангард». На страницах «Пионьере» в 1951 году и были впервые напечатаны «Приключения Чиполлино» — захватывающая хроника классовой борьбы между овощами и фруктами, которую в капиталистической Италии никогда не примут и не поймут. Конечно, в 1967 году Родари будет признан лучшим писателем страны, а в 1970-м даже получит престижную премию Андерсена, но такой славы и успеха, как на одной шестой части суши, сказочник не будет иметь нигде и никогда. Именно Советский Союз откроет для своих юных читателей его произведения еще в начале 1950-х, то есть за полтора десятилетия до официального признания на родине (русский перевод в исполнении Златы Потаповой под редакцией Самуила Маршака выйдет в свет в 1953 году и станет первым переводом сказки на иностранный язык; писатель несколько раз посетит Союз, проведет читательские встречи в библиотеках и школах и пообещает написать продолжение книги о приключениях Чиполлино, но уже в счастливой стране, прообразом которой выступит СССР, однако в свой последний визит в 1979 году разочаруется в двоедушном советском понимании коммунизма и по возвращении скончается на операционном столе, так и не воплотив замысел в жизнь). Именно здесь приключения мальчика-луковки будут издаваться миллионными тиражами и оформляться лучшими из лучших —Владимирский, Галей, Мигунов, Сутеев, Чижиков. Чиполлино сделают постоянным членом «Клуба веселых человечков» и примутся тиражировать на открытках и переводных картинках, выдувать из стекла, продавать в виде куклы, рифмовать в куплетах и загадках: «Он в Италии родился, он своей семьей гордился, он не просто мальчик-лук, он — надежный, верный друг». Мальчики будут мастерить карнавальный костюм под Чиполлино. Девочки — заваливать осенние школьные базары тематическими поделками, благо нет ничего проще, чем пририсовать мордашку луковице. И все вместе смотреть мультфильм Бориса Дежкина (1961), диафильм в рисунках Евгения Мигунова (1964), музыкальный фильм Тамары Лисициан с участием самого Джанни Родари и его дочки Паолы (1972), многочисленные спектакли в драматических и кукольных театрах и даже балет.

Балет «Чиполлино» вырастет точно из мультфильма Дежкина, в котором зрителям пришлось по вкусу все — ясность сюжета, «вкусные» образы, точные пластические характеристики персонажей и темпераментная гротесковая музыка Карена Хачатуряна. Композитор был настолько очарован «веселым Чиполлино, нежной Редиской, благородным Вишенкой, злобным, крикливым Лимоном», что решил взять за основу музыкальные образы из мультфильма и написать трехактный балет. Это по одной версии. По другой, преобразовать мультфильм «Чиполлино» в полномасштабный балет Хачатуряну посоветовал один из ведущих солистов Новосибирского театра оперы и балета Геннадий Рыхлов, написавший по мотивам знаменитого сюжета оригинальный сценарий. Так или иначе, но вскоре к работе над фруктово-овощным произведением был привлечен балетмейстер Генрих Майоров. Недавнего выпускника консерватории рекомендовали композитору Плисецкая и Щедрин, и, по признанию Генриха Александровича, осознавая огромную ответственность, он «вбухал» в «Чиполлино» все свои знания. В 1974 году на сцене Киевского академического театра оперы и балета им. Т. Г. Шевченко состоялась премьера хореографических приключений смелого лука, увенчавшаяся вручением Государственной премии создателям балета и шествием постановки по ведущим академическим подмосткам большой страны — более 20 спектаклей, хореография которых передана артистам из первых рук.

Новосибирск вступал в ряды поклонников «Чиполлино» дважды. В 1975 году постановку балета в трех действиях осуществили заслуженные артисты РСФСР Г. Рыхлов и А. Сапогов, художником выступил В. Гранкин. На исходе 2015-го состоялась премьера двухактной версии. Хореографию труппа разучивала под руководством самого Генриха Майорова, а концепцию спектакля «под ключ» переняла у сводного брата — Михайловского театра, где «Чиполлино» в якобы обновленной редакции идет с 2007 года. Сомнение здесь не для красного словца. Балетмейстер утверждает, что специально для труппы Владимира Кехмана внес некоторые изменения в хореографию, но столичные балетные критики этой разницы не обнаружили, единогласно решив, что «Чиполлино» образца нулевых повторяет вариант Большого театра 1977 года.

Но для Новосибирска эти нюансы не значимы. Новосибирск соскучился по театральному празднику, и толпы родителей с детьми атакуют пылающее терракотом фойе НОВАТа. Несмотря на изменение ценовой политики (у меня на руках самый дешевый билет на предпоследний ряд последнего яруса стоимостью 700 рублей, купленный в день открытия касс без какого-либо ажиотажа и скидок, не положенных тем, кто может позаботиться о себе самостоятельно), в зале мало пустующих мест. Да и те исключительно в партере. Ярусы битком. Дети галдят, прыгают по лестницам, заглядывают под новые занавески, тащат родителей к буфетным станциям, а на диванчиках, которыми заставлен променуар, нет свободных мест. Красивые барышни с красивыми спутниками устраивают долгоиграющие фотосессии, и маленькие зрители, которым в силу роста не дано дотянуться до высоких центральных столиков, начинают капризничать, не желая трапезничать на ходу.

Начало спектакля примеряет публику: на сцене самая настоящая сказка. Солнечный город, в котором живут герои «Чиполлино», художник Валерий Левенталь рисует, не жалея красок. Самые сочные цвета и оттенки вкупе с занимательными подробностями, вырубками, занавесами и причудами сценической геометрии образуют на сцене подобие книжки-панорамы, где созданные автором миры раскрываются поэтапно, образуя глубокую перспективу. Таким образом, царство Принца Лимона становится на глаз очень даже внушительным, и масштаб его тиранический злодеяний трудно недооценить, как невозможно не заметить мастерство и харАктерную силу исполнителя главной отрицательной партии. В моем спектакле за образ самого кислого правителя отвечал Михаил Лифенцев, танцовщик артистически одаренный и в хорошем смысле техничный. Умение схватывать зерно роли и чуткое музыкальное ухо превращают выходы Принца Лимона в уморительный аттракцион. Этот капризный и вздорный негодяйчик совершает мильон ужимок и прыжков, меняет ракурсы, вращает бедрами, играет мускулами и, попадая в бесконечные переделки, так остроумно выделывает коленца — хочешь не хочешь хватаешься за живот. И только потом задней мыслью осознаешь, что «ноги» Лифенцева-Лимона растут из Лифенцева-Красса, зеркалят, утрируют, окарикатуривают сложнейшую партию героического репертуара и наверняка стоят исполнителю немалых усилий.

Следует признать, новосибирский «Чиполлино» богат на удачные образы. Заглавный герой в исполнении Николая Мальцева отлично сочетается с Редисочкой Анны Жаровой. У этой сценической пары выходит очень легкий, жизнерадостный, но при этом чуть лукавый, озорной, хулиганский дуэт: воистину уличные сорвиголовы, которым и море по колено, и любое горе по плечу. Обаятелен тандем Магнолии (Ольга Гришенкова) и юного Графа Вишенки (Михаил Недельский), дополняющий приключения фруктово-овощной компании романтическими мотивами, плавностью линий, чистотой и выверенностью поз. И совсем негаданное удовольствие — комическое трио Стражников (Никита Ксенофонтов, Максим Гришенков, Евгений Басалюк). Согласно сценарию у молодых танцовщиков короткое, но очень мощное выступление, в котором эпизодические персонажи перепрыгали и перехохмили всех.

«Чиполлино» — густо населенный спектакль, массовых и выразительных пантомимных сцен в нем великое множество. В балетном ракурсе фрукты и овощи удивляют своей подтянутостью и стройностью. У Синьора Помидора (Илья Головченко) вразрез с хрестоматийным образом обнаруживаются тонкая талия и невероятно стройные голени, а Профессор Груша скачет со скрипкой столь проворно, что дети в один голос кричат: «Кузнечик, Кузнечик!» Еще сложнее с возрастными персонажами, которые в «Чиполлино» чрезвычайно бодры и молоды, — и не очень ясно, отчего они не в силах противостоять злым правителям. Тем не менее балет смотрится на одном дыхании. Вернее, мог бы смотреться. Частая смена картин, непрерывное и динамичное действо укладывается в полтора часа, но между двумя актами стоит такой гигантский антракт, что пережить его без потерь нереально. Дети успевают сделать все, что можно сделать в театре, обследовать кулуары и уголки, почистить буфетные запасы и устроить на устланных коврами лестницах веселье, но главное — они успевают устать и потерять интерес к балетному действу. Второй акт, который во всех отношениях любопытнее и увлекательнее первого, приходится смотреть под страдания, стенания, топот и канючанье: «Конец-то скоро?» Обидно. Берясь за детский репертуар, нужно думать не только о сцене, но и учитывать возрастные особенности аудитории.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17079
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Дек 15, 2015 9:50 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015121501
Тема| Балет, Музыкальный театр Карелии, Персоналии, Вадим Харитонов
Автор| Лариса Борисова
Заголовок| "В балете тяжелее девчонкам!" Артист балета о жесткости, диетах, шоу-бизнесе и японках
Где опубликовано| © Губерния Daily (Карелия)
Дата публикации| 2015-12-15
Ссылка| http://gubdaily.ru/blog/sociology/lichnyj-opyt/v-balete-tyazhelee-devchonkam-artist-baleta-o-zhestkosti-dietax-shou-biznese-i-yaponkax/
Аннотация|



При слове "балет" почти каждый из нас представляет шелковые пуанты и изящную балерину в нарядной пачке. Но ведь балет - это не только для мужчин, но и для женщин. Как чувствует себя мужчина в этом виде танца, нужно ли ему сидеть на диете и тяжело ли подчиняться жестким наставникам, а также о шоу-бизнесе и работе в шоу-балете мы поговорили с Вадимом Харитоновым, артистом балета и педагогом-репетитором Музыкального театра Карелии.

Я родился и вырос в Перми, и среди моей родни не было артистов. Дядя, правда, играл на скрипке, но по профессии он был авиаконструктором. А я, учась в первом классе, сам записался в хореографическую студию при Дворце культуры, где начал постигать искусство танца. Я жил в непростом районе, где случались драки, обитало много хулиганов, потому занимался еще и боксом. Когда пришла пора выбирать свой путь, родители мне сказали: «Или сломанный нос, или балет!» И я выбрал балет.

В первый раз, в 1978 году, меня не приняли в Пермское хореографическое училище из-за формы: не дорос, да и комплекция была не та. Зато через два года я выдержал конкурс порядка ста человек на место и попал в экспериментальный класс, в котором учащиеся проходили восьмилетнюю учебную программу за шесть лет. Нагрузки, конечно, были большие, и отсев тоже.

С педагогами повезло, они вкладывали в нас все, что могли, хотя методы обучения иногда были довольно жесткими. Так, многие ходили «с отпечатком пятерни на ноге», а знаменитый педагог Л.П. Сахарова, создавшая методику преподавания классического танца, вообще редко сдерживала себя. Кто не выдержал, тот ушел, а среди закончивших учебу многие стали известными и успешными. Я благодарен всем педагогам, а также тогдашнему директору училища П.Б. Коловарскому.

В балете тяжелее девчонкам. Они, как правило, пока учатся, сидят на диетах, а мальчишки - нет. Одному моему однокурснику с недостатком мышечной массы, наоборот, прописали прием довольно известной смеси «мед, грецкий орех, сливочное масло» два раза в день по столовой ложке. Родители присылали ему это «лекарство», и он принимал; правда, соседи по общежитию помогали ему прикончить содержимое банки гораздо быстрее, чем следовало. Жизнь в училище была интересной. Я, в отличие от многих, мог и подраться, из-за чего меня даже хотели несколько раз отчислить.

По своим данным я больше характерный танцовщик, еще на третьем курсе исполнял Испанский танец из балета «Лебединое озеро». И заявки от «покупателей» на меня пришли из многих уголков страны, даже из так называемых секретных городов с объектами военно-промышленного комплекса. В 80-е годы зарплата солиста балета первой категории составляла 150 руб., а в этих городах артисты получали вдвое-втрое больше. Но при этом были лишены возможности гастролировать, кроме как по таким же «секретным городам», потому на эти предложения я не откликнулся.

Я очутился в Петрозаводске в 1986 году, до сих пор здесь живу и работаю в Музыкальном театре. Исполнял сольные партии в балетах «Жизель» (Ганс), «Сильфида» (Гунр), «Все о любви» («Кукольный домик» - Солист) и других. Педагогом-репетитором начал работать с 2011 г., но до этого в моей жизни произошло много интересного.

Начнем с того, что вскоре меня прямо с гастролей призвали в армию, и я два года прослужил в действующих войсках, при том что артистов балета в театрах катастрофически не хватало! А после грянули пресловутые девяностые с инфляцией и разрухой, и мне пришлось заняться шоу-бизнесом. Был создан шоу-балет «Атлантида», в котором я и сам танцевал. И выживали мы только благодаря своему профессионализму. Сами придумывали и шили костюмы, украшая их стразами Сваровски: парадокс, но в те годы эти «камушки» можно было покупать в Питере «на развес», причем недорого.

В 1995 году я вернулся в театр, но тяга к шоу-бизнесу осталась, я не оставлял его никогда, и не только оттого, что это приносило доход, а потому, что мне было интересно. Как и во многих делах, здесь главное попасть «в струю».

Балет остается балетом, но, как и во всяком виде искусства, в нем надо двигаться вперед, искать что-то новое, пытаться удивить зрителя. В нашем театре и городе есть такой хореограф — это Константин Симонов. В поисках нового он не боится интерпретировать классический балет в своем современном видении. Его спектакль «Ромео и Джульетта» с элементами модерна стал лауреатом премии «Золотая маска». А все потому, что постановка очень искренняя, в хорошем смысле натуральная: если льется вода, то это вода, если кому-то дают пощечину, то это пощечина.

Балет - это не только отточенные движения, это вживание в образ. В свое время я танцевал в спектакле «Все о любви»: это была первая постановка Симонова в нашем театре. Герои спектакля - пара геев, пара лесбиянок, пара традиционной ориентации. Играя одного из героев спектакля, я настолько вживался в роль, что полностью осознавал, «убивая» на сцене своего партнера, что происходит с человеком, когда сперва ему кажется, будто он ненавидит, а потом он понимает, что это все же не ненависть, а любовь. И я по-настоящему рыдал над телом погибшего друга. То же самое было и с Гансом в «Жизели». Я буквально ползал по полу и почти что сходил с ума, понимая, что Жизель умерла.

В балете мало что бывает легко, но любовь к своему делу помогает преодолевать трудности. Настоящий артист балета воспринимает окружающий мир через призму своей профессии, не боится перемен, желает двигаться вперед. Мне всегда нравилось работать с разными балетмейстерами, потому что в постановках каждого есть своя изюминка. А еще у меня всегда была установка — не показывать в театре своего настроения: ни коллег на репетициях, ни зрителей на спектакле не интересует, какие у тебя переживания и проблемы. Этому я учу и молодежь, хотя не у всех получается следовать такому совету.

Почему в балетах Симонова многие сольные партии исполняют японки? Я не хочу сказать, что они лучше наших, однако японки очень трудолюбивы и всегда работают с полной отдачей. В хореографических учебных заведениях России хорошая подготовка, а что касается работы именно в Музыкальном театре Карелии, то наша труппа - это труппа европейского уровня.

Я много ездил по балетным училищам, смотрел выпускников: нагрузки на репетициях и спектаклях в нашем театре способен выдержать не каждый. При этом нам, к сожалению, сложно заинтересовать артистов с материальной точки зрения: жилье предоставляется, а вот зарплаты невелики и мало возможностей выезжать на гастроли. Тем не менее сейчас состав труппы стабильный; правда, как обычно, не хватает артистов-мужчин, без которых не поставить многие балеты, например, «Спартак».

Долго ли длится балетный век? Существует такое выражение: «Когда есть чем танцевать, голова не соображает, как, а когда начинает соображать, танцевать уже нечем». Это шутка, в которой есть доля правды. Артисты балета выходят на пенсию после двадцати лет стажа. При этом я до сих пор выхожу на сцену: сейчас в моем репертуаре балеты «Ромео и Джульетта» (патер Лоренцо), «Конек-Горбунок» (охрана царя), «Анна Каренина» (Стива Облонский»).

Педагогическое образование я получил в Академии русского балета имени А.Я. Вагановой. Помимо хореографии в балетной труппе я преподаю сценическое движение оперным вокалистам. Случается, кто-то из них обладает великолепным голосом, но при этому человека полная дискоординация движений. Что называется, «встал, ручки сложил, и все». Искусство жеста на сцене - это самое сложное. Надо уметь петь в зал, обращаться к залу, передавать свои эмоции и, соответственно, получать отдачу, ради чего мы, собственно, и служим искусству. В моей творческой жизни были случаи, когда на концертах люди аплодировали стоя — это невозможно сравнить ни с чем.

Артисты балета, получившие образование в России, ценятся во всем мире и нередко добиваются большого признания. Так, мой однокурсник Андрей Березин имеет пожизненный контракт в театре легендарной танцовщицы и хореографа Пины Бауш; он приезжал в Москву с постановкой «Семь смертных грехов». В этом театре артисты учат роли (в спектаклях театра Пины Бауш танцовщики разговаривают на сцене) на языке той страны, куда отправляются на гастроли.

Главное для артиста - заниматься любимым делом. Мне очень нравится работать с детьми; я был участником постановки нескольких сказок, например, «По щучьему велению», «Принцесса без горошины», «Морозко». Я рад, что петрозаводчане посещают серьезные постановки, хотя город больше приучен к комедиям. Приятно, когда тебя узнают на улицах, подходят, здороваются, говорят хорошие слова. Я могу сказать, что в свое время выбрал правильный путь и что моя жизнь удалась!
-------------------------------------------------------------------
все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17079
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Дек 15, 2015 5:03 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015121502
Тема| Балет, Современный танец, Фестиваль,
Автор| Алла МИХАЛЕВА
Заголовок| Не только танец
Где опубликовано| © Газета «Экран и сцена» № 23
Дата публикации| 2015-12-12
Ссылка| http://screenstage.ru/?p=3762
Аннотация| ФЕСТИВАЛИ

Поздняя осень в Москве – время театральных фестивалей, и нынешняя предзимняя пора не стала исключением. Особенно насыщенной оказалась последняя ноябрьская декада, включившая в себя завершение “DanceInversion”, фестиваль современной хореографии “Context” Дианы Вишневой и NEТ.


Сцена из спектакля “Земля”. Фото Andreas Pohlmann/ Residenztheater

“DanceInversion”-2015 (о его начале “ЭС” уже писала) просвещает российского зрителя в области contemporary dance вот уже на протяжении восемнадцати лет. Сначала – в формате фестиваля американского, затем европейского модерн данс, с углубленным изучением французской и немецкой хореографии, а с 2003 года – в своем нынешнем статусе Международного фестиваля современного танца. Меняя названия, он долгое время оставался если не единственным, то самым широко распахнутым окном в мир танцевального искусства, годами формирующим вкусы российского зрителя.

Его полифонический посыл программно отразился в завершающей фестиваль тройке спектаклей – “Безумная чашка чая”, “Торобака” и “Милонга”. “Безумную чашку чая” чешской труппы “Krepsko”, созданную на стыке танца, цирка и приемов театра кукол, трудно отнести к безоговорочно ярким впечатлениям. Ее автор Линнеа Хаппонен – одна из основательниц компании, финка по происхождению, участвует в своей постановке и как актриса, вводя зрителя в абсурдно-мистическую атмосферу зазеркалья. Правда, не того остроумно-парадоксального, в какое попала героиня Льюиса Кэрролла, а в угрюмое пространство вывернутого наизнанку мира, более подходящего героям другого парадоксалиста – Франца Кафки. В этой тягучей темной атмосфере и оказывается героиня Хаппонен, долгое время крутящая колеса подвешенного над сценой велосипеда. Ее встреча со странным мужчиной, то ли имеющим намерение напоить гостью чаем, то ли одержимого самой идеей чайной церемонии, разложена на ряд отдельных номеров, где есть место и клоунаде, и гимнастике на трапеции, и эквилибристике. Блюдцами и чашками здесь жонглируют и даже встают на них, как на котурны, пытаясь станцевать танго. Сопровождает действие трио музыкантов, расположившееся на крыше барной стойки или массивного буфета, где любитель чайных церемоний хранит посуду. При явной эксцентричности зрелища все эпизоды ощутимо затянуты по ритму, хотя каждый в отдельности и обладает неким мрачным обаянием. В финале героиня, раскачиваясь на трапеции, затягивает вокруг шеи петлю. Партнер укладывает тело девушки на пол, обложив со всех сторон чашками, и, оседлав задом наперед велосипед, отправляется в путь. Гаснет свет, раздается звук падения. Когда свет снова зажжется, велосипед окажется пуст, а тело исчезнет.

Зато в спектакле “Торобака”, к созданию которого Исраэля Гальвана и Акрама Хана подтолкнуло стихотворение франко-румынского поэта-дадаиста Тристана Тцары “Тото-вака”, в свою очередь вдохновленное языком народа маори, взаимодействие культур и стилей дало ошеломительный результат. Два великолепных артиста свели в танце сакральных для своих народов животных, быка (торо) и корову (бака), и сошлись в фантастически заразительном сценическом поединке. У потомственного танцовщика Исраэля Гальвана фламенко в крови, его мать продолжала выступать, даже будучи беременной сыном. Акрам Хан – известный британский танцовщик и хореограф, чья семья происходит из Бангладеш, с семи лет занимался традиционным индийским танцем катхак, а в тринадцать начал свою профессиональную карьеру в легендарном спектакле Питера Брука “Махабхарата”. Объединив таланты, Исраэль Гальван и Акрам Хан, носители столь разных культурных традиций, создали в “Торобаке” поистине неповторимый мир. Акрам Хан однажды сказал Гальвану, что для него танец “как бы подарок зрителю”, а по признанию последнего, он как танцовщик унаследовал идею, что должен “убить зал”, “дабы тот не убил его”. Все эти посылы вибрируют в их зашкаливающем темпераментом танце, где оба танцовщика выступают на равных – босиком, притом, что фламенко подразумевает каблуки. Дробные притопывания катхака, выстукивания фламенко, пальцы рук, выбивающие ритм на спине партнера, и выкрики артистов сливаются в победительный звук, единый с голосами испанских певцов и барабанным боем индийского ударника. Хан и Гальван вступают в дансантный диалог, фрондируют танцевальными монологами, задавая друг другу сумасшедший темп движения, им охвачена буквально каждая клетка их тел. И уже совершенно неважно, что тут от фламенко, а что от катхака. Есть только потрясающий виртуозностью, абсолютно современный танец, щедро выбрасывающий в зал потоки неукротимой, почти животной энергии.

Финальной точкой фестиваля стал спектакль “Милонга” лондонского театра “Сэдлерс Уэллс”. Его постановщик Сиди Ларби Шеркауи, известный новаторскими постановками, объединил здесь десять тангерос из Буэнос-Айреса, двух танцовщиков современного танца и маленький танго-оркестр. Милонга – интимный танцевальный вечер в Буэнос-Айресе, где встречаются и расходятся, флиртуют, ревнуют и любят, выражая свои эмоции на языке танго, лексикой которого артисты владеют в совершенстве. Они рассказывают комичные и грустные, серьезные и страстные истории, фоном же служит стремительный видеоряд – проносящиеся на экране виды столицы Аргентины.



Танго все более интенсивно вписывается в контекст современного танца. На фестивале, так и называющемся “Context”, этот танец исполняли в воздухе. Руководитель труппы из Аргентины Бренда Анхель изобрела новый стиль, который назвала Arial Dance. Ее артисты пристегнуты лонжами и обладают способностью летать над сценой, выпархивать из рук партнеров и выделывать движения, на кои способны только воздушные акробаты. В этой манере они и исполняют танго – вдвоем, втроем, вчетвером, в невесомости, на стене, что выглядит достаточно экзотично, но к танцу имеет скорее касательное отношение, оставаясь ближе воздушной гимнастике.

Фестиваль Дианы Вишневой нацелен на поиск талантов, для чего в его рамках проводится конкурс молодых хореографов. Но все-таки его главная изюминка – в выступлении приглашенных компаний и собственном участии Дианы. Помимо воздушных гимнастов смотр представил мощную программу и саму Вишневу в балете Ханса Ван Манена “Live”.

Компания Марты Грэм – прародительницы не только американского, но и мирового модерн данс, в России выступила впервые, и уже поэтому “Context”-2015 можно отнести к событиям экстраординарным. Труппа легендарной Грэм и по сей день – одна из лучших. Здесь исповедуют веру своей создательницы и соответствуют времени, а аутентичность и актуальность составляют единое целое. Невероятно, но пронизанная антифашистским пафосом постановка Марты Грэм “Chronicle”, созданная в 1936 году, захватывает и сегодня. Все три ее части абсолютно современны, начиная с соло, в котором скульптурные позы исполнительницы и игра тканью черной юбки с красным подбоем не выглядят устарело-патетичными. Как современна и ее “Весна священная” на музыку Стравинского, поставленная Грэм накануне своего девяностолетия. В этой хорошо знакомой истории о жертвоприношении Марта Грэм вскрыла тему людского эгоизма, подробно проследив эволюцию поведения толпы от попыток заступиться за Избранницу до полного равнодушия к чужому страданию.

Органично вписались в фестивальный контекст и выступление уже знакомой, приверженной неоклассике нидерландской труппы “Introdans”, и мировая премьера “Man of the hour” Ицика Галили. Последний – израильский хореограф, живущий в Голландии, известен в России по европейским постановкам. Но это – первая работа, сделанная им за последние 20 лет на родине. Соединив восемь танцовщиков и двух оперных певиц, Галили создал неопределимое по жанру произведение, противопоставив красоте звучания арий Перселла и Генделя неистовую брутальность мужского танца.



Приверженность новому и произведениям, существующим на стыке жанров или вне их, закреплена в самом названии фестиваля NET – “Новый Европейский театр”. Спектаклей данс-компаний, в которых нет танцев, – предостаточно. Их отсутствие может компенсировать пластическая выразительность тела, что, увы, получается не у многих. Бельгийской компании “Peeping Tom” в спектакле “Земля” (совместно с мюнхенским Резиденцтеатром) – удалось. Ее основатели и авторы постановки, бывшие артисты труппы Алана Плателя, – Габриэла Карризо и Франк Шартье, играя пропорциями и масштабами, вводят зрителя в мир своего спектакля, приближая к нам уютное селение, махонькую церковь, домики в окружении густой травы и деревьев. Появляются люди, выглядящие великанами, копошатся на крохотных огородах и нарушают гармонию этого патриархального пространства. Идиллическая атмосфера окончательно рушится с появлением пришлой семьи, очевидно, прибывшей на пикник. Их детишки носятся по полям и весям, и вдруг – девочка тонет. Родители безутешны, ее хоронят, правят тризну, а потом она вдруг появляется уже выросшей, в компании мальчика, тоже подросшего. Собственно говоря, сюжет в этой чисто “зазеркальной” истории, визуализирующей наши страхи и кошмары, не особо интересен. Куда любопытней хулиганские отсылки авторов к “Гамлету”. Мама здесь рифмуется с Гертрудой, подросший мальчик рефлексирует на лад заглавного шекспировского героя, и могильщики забрели сюда явно не по ошибке. Вот этот ассоциативный ряд, как и выразительное существование исполнителей (актеров Резиденцтеатра), чье молчание красноречивее слов, делают эту мрачную новеллу легкой и изящной.

И уж совсем отказался от танцев перформанс “Manger” (Musee de La dance / Национальный хореографический центр Ренна и Бретани) одного из ведущих современных хореографов, участника ряда Авиньонских фестивалей Бориса Шармаца. Действие, выстроенное на поедании бумаги, было представлено в выставочном зале Центра дизайна “Artplay”. Начатое без предупреждения, оно так же и закончилось. Из толпы людей, слоняющихся по бывшему цеху завода “Манометр”, постепенно выделились участники спектакля, с разной степенью увлеченности пережевывавшие белые листы, стоя, сидя, лежа, методично или судорожно. Движения периодически сопровождались хоровым пением, кстати, очень красивым и мощным, особенно, когда его музыкальной основой становилась 7-я симфония Бетховена. Это несколько затянутое, но отнюдь не бессмысленное действо оказалось внятным высказыванием на тему всеядности современного человека, одинаково бездумно поглощающего гамбургеры и любую информацию, грубо говоря, – жующего свою жизнь, как жвачку. Наиболее сильное впечатление от этого перформанса оставили, однако, не его участники, а зрители – такого количества умных и интеллигентных молодых лиц, какое собралось в зале “Artplay”, давно не приходилось видеть. Словом, новому европейскому театру повезло.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17079
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Дек 16, 2015 8:13 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015121601
Тема| Балет, "Золотая маска", Екатеринбургский театр оперы и балета, Гастроли
Автор| Игорь Ступников
Заголовок| Уверенной поступью
Где опубликовано| © Газета "С.-Петербургские ведомости"
Дата публикации| 2015-12-16
Ссылка| http://spbvedomosti.ru/news/culture/uverennoy_postupyu/
Аннотация| ГАСТРОЛИ


Сцена из спектакля «Осторожной поступью».
ФОТО Elena Lekhova предоставлено пресс-службой театра


На сцене Александринского театра состоялись гастроли балетной труппы Екатеринбургского театра оперы и балета в рамках фестиваля «Золотая маска».

Возглавляет труппу Вячеслав Самодуров, для которого Петербург навсегда останется альма-матер: выпускник Академии русского балета им. А. Я. Вагановой, ученик прославленного педагога Геннадия Селюцкого, он стал одним из ведущих солистов Мариинского театра, исполнив десятки ролей в классическом репертуаре. В 2000 году началась его зарубежная «одиссея»: несколько лет он был ведущим танцовщиком Нидерландского театра танца, затем – Королевского балета Великобритании. Накопленный опыт позволил Самодурову стать не только замечательным танцовщиком, но и интересным, самобытным хореографом.

Балетную труппу Екатеринбурга Самодуров возглавил в 2011 году, представив труппе свою четкую и продуманную творческую программу. За короткое время он поставил добрый десяток одноактных балетов, некоторые из них были удостоены премии «Золотая маска». Труппа стала мобильной, по-своему универсальной, способной не только исполнять привычный классический репертуар, но и осваивать и воплощать хореографические тексты разных стилей и направлений.

В Петербург труппа привезла три одноактных балета. Вечер открыл ранний опус художественных руководителей Нидерландского театра танца Соль Леон и Пола Лайтфута «Осторожной поступью». Нидерландских хореографов связывает с Самодуровым давняя дружба: в этом коллективе он проработал три года, восхищаясь смелым пластическим почерком этой супружеской пары. Музыкальной основой балета стали болгарские народные хоры с их внутренней силой и чистотой. Фрагменты партитуры различны по мелодике – от горестного женского плача до жизнерадостного плясового напева. Художник спектакля Йок Виссер создал безрадостный фон – голые деревья с острыми торчащими ветвями, тускло мерцающая луна. Из кулис, свернувшись в калачики, медленно, словно перекати-поле, двигаются тела танцовщиков, сольная вариация героини (Анастасия Багаева) исполнена печали. Но меняется мелодия и ее ритмы, и вспыхивает энергия танца, оживают, наливаясь силой, тела, в хороводе кружатся юноши и девушки. Хореограф тактично вводит фольклорные, бытовые движения в контекст классического танца, умело создавая ансамблевые сцены, в которых исчезает мрачность и «осторожная поступь» зачина, согбенность тел, придавленность к земле сменяются порывом вверх, раскрепощенной динамикой вращений и воздушных прыжков.

Балет Вячеслава Самодурова «Цветоделика» поставлен на музыку Франсиса Пуленка, петербургские зрители увидели лишь часть этого масштабного триптиха. У каждой эпохи свой цвет, у каждой царственной особы – свои цветовые пристрастия. Художник по костюмам Ирэна Белоусова и художник по свету Евгений Виноградов придали спектаклю ощущение имперской парадности и торжественности. Хореограф создал атмосферу придворного театра времен барокко, где дамы изящны и капризны, а кавалеры – галантны и мужественны. Самодуров любит ясный и открытый хореографический рисунок – диагонали, разомкнутые круги, он выстраивает танцовщиков в вереницы, чередует ансамблевые фрагменты с вариациями солистов. Умение хореографа воплотить в танце эмоциональный отклик на музыку – вот что в первую очередь отличает искусство Самодурова. От этого рождается ощущение импровизационности его творчества, непринужденности, легкости, естественности.

Придворный этикет диктует свои строгие правила, но ведь можно порой укрыться от всевидящего ока светских сплетниц и предаться любовным излияниям, что и доказывают великолепные танцовщики Елена Воробьева и Александр Меркушев в изысканном по красоте дуэте влюбленных. Здесь царит классический танец с его певучестью кантилены, пространственной широтой и разнообразием фразировок.

Название балета Вячеслава Самодурова «Занавес» несет в себе несколько оттенков: оно может означать театральную ремарку, несостоятельность поисков или конец творческого пути. В данном случае – это история балерины, под занавес карьеры теряющей себя и мучительно ищущей силы, чтобы с достоинством преодолеть трудный момент жизни. Не случайно артистов балета называют спринтерами, спортсменами на короткие дистанции: всего двадцать лет отпущено танцовщику, чтобы реализовать свой талант. Хореограф сочинил балет специально для замечательной балерины Большого театра Марии Александровой. Танцовщица создает многогранный характер, где воля сплетена с иронией, жесткая самооценка с неодолимой любовью к балету. Пластика Александровой исполнена нюансов, ее руки еще помнят изгиб лебединого крыла, а роль уже ушла к другой исполнительнице, и она, молодая и полная сил, раскланивается теперь перед публикой. Трагическим звучанием наполняет танцовщица сцену в опустевшем театре: опущен занавес, погасли софиты, тьмой окутан просцениум, и только одинокая фигура героини, высвеченная карманным фонариком, бродит по подмосткам, где некогда ей сопутствовал успех. Балет Самодурова раскрыл в талантливой танцовщице новые пластические и актерские возможности.

На премию «Золотая маска»-2016 номинированы балеты «Осторожной поступью» и «Занавес».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17079
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Дек 16, 2015 10:21 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015121602
Тема| Балет, Современный танец, фестиваль «Context. Диана Вишнева»
Автор| Марина Зимогляд
Заголовок| Гаджет, рыба и рояль. Финал конкурса молодых хореографов фестиваля «Context»
Где опубликовано| © Ballet Insider
Дата публикации| 2015-12-11
Ссылка| http://www.balletinsider.com/archive/review/3154
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Завершился третий фестиваль «Context. Диана Вишнева». Пять дней работы фестиваля были предельно насыщены событиями, и финал конкурса молодых хореографов – одно из ключевых. Шесть финалистов представили свои работы на суд зрителей и авторитетного жюри в Электротеатре «Станиславский».

Куратор конкурса, экс-танцовщица, а ныне педагог-репетитор Большого, Анастасия Яценко, сообщила, что на конкурс поступило более пятидесяти заявок, из которых изначально были отобраны 17. Но до зрителя и жюри дошли лишь шесть финалистов. Наряду с самой Дианой Вишневой работы молодых хореографов судили голландский «патриарх» современной хореографии Ханс Ван Манен и хореограф и худрук Екатеринбургского балета Вячеслав Самодуров.

Работа Михаила Колегова (выпускник Пермского Государственного Хореографического училища, хореограф в школе олимпийского резерва) «Забери меня» исследует актуальную тему места в современной реальности гаджетов и одиночества в сети.



Пять человек: три солистки и два танцовщика, – двигаются, не выпуская из рук телефонов, которые удерживают между щекой и плечом, светят ими в лицо, передают и выкладывают из них кружок-западню для одной из танцовщиц. Попадая на сцену, телефон не становится ни символом, ни метафорой, а так и остается обыкновенным и реальным телефоном, который сковывает движения танцовщиков и светится холодным ярким прямоугольником в темноту зрительного зала, не давая сосредоточится на порывистых движениях и акробатических поддержках.

Танцуя страдание и одиночество под искаженную музыку второго концерта Рахманинова, в конце концов, главная героиня оказывается внутри круга, очерченного выложенными телефонами, словно она бурсак Хома из гоголевского «Вия». Под патетические электронные заклинания из правого нагрудного кармана интернет–зависимой героини выползают красные светодиодные трубки и тянутся к зрителям. Связь с миром, таким образом, найдена, одиночество побеждено. Вот, собственно, и конец истории.

«Танец пены морской» Елизаветы Некрасовой предваряется действием-увертюрой. За двумя черными столами – два героя, он и она: он открывает шампанское, она разделывает свежую рыбу большим ножом.

Крики чаек и шум прибоя, наряду с пеной шампанского и блеском чешуи, не оставляют сомнений в том, что перед нами сюжет сказки Андерсена. Дотошно и линейно пересказаны обстоятельства любовного треугольника: вот почти физиологично задыхающийся молодой человек в серых джинсах, его «ставит на ноги» девушка-русалка в бирюзовом (время от времени она ползет по сцене, изогнувшись на полу, и не забывая смыкать носки ног). Дуэт нарушается появлением девушки в сером. Понятно, что она той же породы, что и молодой человек, и с ней танец будет более органичным. Щедрое, возможно, избыточное, использование видеопроекции насыщает этот спектакль дополнительными метафорами: тут и замерзающая на глазах гладь воды-пола, и разбивающийся с громким звоном лед, который рассыпается на сотни графических элементов, – но остается открытым вопрос: все ли возможности движения были использованы? В финале счастливый серый дуэт облекает Русалочку в белое подвенечное платье, на которое проецируется видео морского прибоя.
Хореография разбивающихся о берег волн, безусловно, безупречна, жаль, что пульсирующие движения самой героини уходят при этом в тень.

Арина Троястенецкая, выпускница Вагановки, школы-студии «Рудра» Мориса Бежара и танцовщица NDT 2, представила работу «MH-17», посвященную авиакатастрофе малазийского боинга.

Танцовщик словно прибит, пришпилен к этому зеленому квадрату. Партитура его отчаянных и энергичных движений выразительна, но однообразна, лишена развития. Электронные звуки множатся эхом. Скрипы и скрежет, радиопомехи перерастают в «Тихую ночь», но не каноническую рождественскую мелодию, а расстроенную и замирающую версию Шнитке. Появляется героиня, ее характерное движение – вибрирующие с огромной скоростью кисти рук. Красные кроссовки становятся ярким пятном на зеленом газоне, заставляя фиксировать взгляд на движении ее ног. Возможно, этот спектакль с отчетливым европейским акцентом – самый сдержанный из представленных на фестивале и по исполнению, и по идее, но при этом очень ровный и монотонный.

Екатерина Лещенко, педагог современного танца в Театре-студии современной хореографии, представила спектакль «Станционный смотритель» по повести Пушкина.

Действо: маленькая девочка, девочка-подросток и девушка в пышном кружевном белье по очереди бегут по кругу, с разбегу бросаются на руки мужчине в пижаме в накинутом на плечи пальто, поджимают ноги, прячут голову у него на груди.

На всякий случай, чтобы зритель не сомневался, что перед нами – отношения отца и дочери и, испорченный современным кинематографом, не подумал ничего лишнего, в очередной запрыгивательный забег девушки–олицетворения-жизненных-этапов кричат: «Папа, папа!» И опять прыгают на руки, соскакивают и убегают за кулисы. Наконец, руки папы-станционного смотрителя остаются без любимой ноши, но они по привычке складываются на груди. И флеш-бек: папа в круге света качает кулек с младенцем, покойная жена сидит на скамейке в накинутом на плечи пальто. Эта литературная история, с продуманными костюмами, реквизитом и светом – самая театральная, но, пожалуй, самая бедная по хореографии.

Сона Овсепян представила работу, само название которой свидетельствует о претензии автора на многозначительность. «Внутриутробная музыка гения» посвящена творчеству Гленна Гульда.

Три огромные белые бутафорские ножки обозначают рояль. Под музыку Бетховена и Баха главный герой находится в окружении кривляющихся девушек в юбках-мочалках с растрепанными прическами. Они катаются по полу, оттопыривают пятки, в общем, всячески не хотят следовать воле творца. Но вот появляется героиня в струящихся складками одеяниях , наподобие античной музы, и герой обретает гармонию в страстном дуэте. Мало-помалу мочалистые девушки стихают и подчиняются общему ритму и мелодии.

Константин Семенов, артист музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко, представил работу «Забытые приношения» на музыку Оливье Мессиана.

Хореограф не стал прибегать к особым средствам сценографии или видео-проекциям, сделав ставку на самих танцовщиков – профессиональных артистов Большого. Лексика неоклассического балета, прилежное и внимательное следование музыкальной партитуре делают этот номер наиболее благополучным, не рискованным, но несколько сглаженным и ровным по композиции.

Именно работа Константина Семенова и получила одобрение жюри, а сам хореограф был награжден стажировкой у Каролин Карлсон в Центре хореографического искусства Atelier de Paris.

Если посмотреть на работы финалистов в целом, то хочется отметить чрезвычайную литературность современной российской хореографической мысли. Зрителю предлагают идею, которая изначально придумана и рассказана, а потом переведена на язык движения и танца и дополнена реквизитом, костюмами и видео-проекцией. В результате, мы видим не пластическую метафору, которая порождает новые смыслы, а, большей частью, лишь прямое «в лоб» иллюстрирование литературного текста средствами танца. Возможно, дело в литературоцентричности русской культуры? И любой носитель русского языка обречен подчиниться этому давлению, когда он пытается сказать зрителю что-то важное и актуальное.
А, может быть, это вполне закономерный этап в развитии отечественной хореографии, и конкурс – это точка, дойдя до которой, надо, следую словам члена жюри, Вячеслава Самодурова, найти в себе силы повернуться на сто восемьдесят градусов и пойти в совсем другую сторону.

Фото пресс-служба фестиваля Context. Diana Vishneva
-------------------------------------------------------------
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17079
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Дек 17, 2015 10:24 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015121701
Тема| Балет, Пермский театр оперы и балета, Персоналии, Алексей Мирошниченко
Автор| Вера Шуваева
Заголовок| «Каждая женщина - Одетта». Алексей Мирошниченко - о балете и монархии
Где опубликовано| © «АиФ-Прикамье»
Дата публикации| 2015-12-15
Ссылка| http://www.perm.aif.ru/culture/person/kazhdaya_zhenshchina_-_odetta_aleksey_miroshnichenko_-_o_balete_i_monarhii
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ
«Романтиков в наши дни становится всё меньше», - с грустью констатирует хореограф.


Фото: Антон Завьялов / Пермский театр оперы и балета

16 декабря в Пермском оперном была премьера: новое «Лебединое озеро» в редакции Алексея МИРОШНИЧЕНКО, главного балетмейстера театра. А за несколько дней до этого, выкроив время между репетициями, он дал интервью «АиФ-Прикамье».

Театр как психотерапия

– Алексей Григорьевич, почему именно «Лебединое» и зачем потребовалась очередная его редакция?

– Мне нравится этот балет у нас в постановке Натальи Макаровой. Но уже давно назрела необходимость в двух «Лебединых», чтобы пермяки не оставались без «самого главного балета всех времён и народов», пока театр гастролирует. Ведь за два месяца до начала гастролей мы уже отправляем фуру с декорациями, а потом два месяца по окончании тура ждём её. Поэтому в репертуаре теперь будут оба спектакля.

Насчёт новой редакции: можно, конечно, штамповать Константина Сергеева или кого-то ещё. Ну а где же тогда так называемый пермский контекст, сформированный нами? Хочется, чтобы в Перми было то, чего нет в других театрах.

– Нынешние гастроли пермского балета в Дублине практически совпали по времени с серией парижских терактов. Страшно было лететь в Европу?

– Во-первых, в тот день мы уже находились там. Во-вторых, 7,5 тыс. билетов уже было продано на наши спектакли. Так что теракт ли произошёл, гуманоиды ли прилетят, мы как профессионалы всё равно будем выполнять свою миссию. Которая в том и состоит, чтобы люди хотя бы на какое-то время отвлеклись от переживаний. Театр - это психотерапия. И для самих артистов, и для зрителей.

– Реакция на ваши выступления в Ирландии и в странах Ближнего Востока, где вы гастролировали позже, чем-то отличалась?

– В Омане нас предупредили, что выражать свои чувства тут не принято и реакция зрителей будет очень сдержанной. Но хлопали ещё как! Единственное: в «Бахчисарайском фонтане», который мы там показывали, артистам пришлось закрыть все открытые части тела. И даже статуи были в тогах.

В России надо жить долго

– А если говорить об отношении к русским в принципе, нас не любят в мире, боятся или?..

– Что в Дублине, что в Маскате, что в Бахрейне, узнав, что мы из России, люди тут же восклицали: «Россия! Путин! Супер!» Все, с кем бы я ни общался, даже в магазине парфюмерии, - поклонники Путина. Говорят: «Вы, русские, счастливые, что у вас такой президент. Мы на вас только и надеемся». Вот Америку - да, ненавидят. Непонятно лишь, как при всём этом она продолжает демонстрировать беспардонное своеволие.

– Успехи «в области балета» по-прежнему рифмуются у многих россиян с ракетами. «Зато мы делаем ракеты», помните? Неужели кроме них нам нечем больше гордиться?

– При чём тут советские стишки периода холодной войны?! Ну вспомните ещё Черчилля, утверждавшего, что русские лучше всего делают три вещи: танки, балет и детей. Это не более чем крылатые фразы. А гордиться нам, безусловно, есть чем. Особенно после того, как в 90-х почти всё в стране было распродано, и сама она чуть не стала американской колонией. Только удержать бы нынешние достижения…

По-моему, прав Жириновский, говоря о полувосточном менталитете русских, о том, что в России должен быть монархический строй. Это я к тому, что для нашей ментальности очень важна роль личности в истории. Неслучайно ведь, хотя сегодня у нас президентская республика, вопрос «Что будет, когда уйдёт Путин?» волнует очень многих.

– Когда не стало Сталина, многим тоже казалось, что жизнь закончится.

– Не закончилась, но сильно изменилась. Хотя государственную идеологию тогда никто не менял. А сейчас - партии разной направленности, и какая придёт к власти - неизвестно. Поэтому в России, как сказал кто-то мудрый, надо жить долго.

Сила романтики

– Да, долго и желательно счастливо. Но вернёмся к балету. В разных редакциях «Лебединого озера» разный финал. У вас Одетта и Зигфрид погибают?

– Конечно. У этого балета не может быть счастливого конца. Таковы законы романтизма. Но зло здесь всё равно в проигрыше. Душу Принца, за которой охотится злой гений Ротбарт, он так и не получает: души умерших Принца и Одетты возносятся храмом вечной любви.

– К сожалению, в реальной жизни романтики и романтиков становится всё меньше. Вы согласны?

- Абсолютно. Порой кажется, что романтиков уже практически не осталось. И это ненормально. Как душа наша «по природе христианка», так и каждый человек по природе романтик. Почему при определённых обстоятельствах в каком-нибудь чуть ли не убийце просыпаются вдруг ростки светлого и доброго? Да вот поэтому! Если в душе не пусто, то под ворохом всего, в том числе потребительского, живёт романтизм. И быть романтиком - вовсе не признак слабости, как считают некоторые. В наше чересчур прагматичное время это, наоборот, признак силы.

– А насколько часто, на ваш взгляд, среди реальных, земных женщин встречаются нынче Одетты?

– Любая женщина, опять же по природе своей, хочет раствориться в своём мужчине, стать его половинкой. Не потому что надо, не потому что должна. А именно хочет. Но не у каждой и не всегда это получается.

Досье

Алексей МИРОШНИЧЕНКО. Родился в 1974 г. в Донецке. Окончил Академию русского балета им. Вагановой (1992 г.) и балетмейстерское отделение Академии (2002 г.). С 2009 г. возглавляет балетную труппу Пермского театра оперы и балета. Один из ведущих российских хореографов, работающий в неоклассическом стиле.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17079
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Дек 18, 2015 11:09 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015121801
Тема| Балет, Пермский театр оперы и балета, Персоналии, Алексей Мирошниченко
Автор| Георгий Жигулёвский
Заголовок| «Лебединое озеро» в двух экземплярах
Где опубликовано| © Звезда (г. Пермь)
Дата публикации| 2015-12-18
Ссылка| http://zvzda.ru/articles/89b24f2d4000
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

На сцене Пермского театра оперы и балета поставлена новая версия балета.

Премьера «Лебединого озера» в Пермском театре оперы и балета, которая состоялась вчера, состоится сегодня, в субботу и в воскресенье, готовилась долго, даже откладывалась по сроку. «Но в репертуаре театра есть и всегда был этот балет», — скажет иной меломан. И будет прав. Хотя и слово «премьера» по отношению к этому спектаклю — тоже справедливо. Потому что премьерное «Лебединое озеро» — это не обновление или восстановление спектакля, а новая редакция, выполненная главным балетмейстером театра Алексеем Мирошниченко.


Балетмейстер называет «Лебединое озеро», наряду со «Щелкунчиком», главным балетом мировой сцены, балетом всех времён и народов. Естественно, что при таком масштабном существовании, у балета возникло множество вариантов. Только на пермской сцене — больше десятка. И сейчас здесь идёт постановка, созданная знаменитой балериной Натальей Макаровой. «Теперь у нас в запасе будет два „Лебединых озера“, — поясняет Алексей Мирошниченко. — И мы сможем выбирать, какое танцевать дома, а какое — на гастролях». Действительно, подчас при отъезде балетной труппы с этим спектаклем на гастроли за границу пермские зрители не имели возможности видеть «Лебединое озеро» месяцами.

Создать действо в духе императорских театров последней трети XIX века — такая задача стояла перед хореографом, художниками, артистами и музыкантами в «пермской» редакции. А поскольку в основу сюжета этой истории легла немецкая легенда, то и в постановке можно найти немало черт немецкого романтизма: например, королевский дворец в стиле готики, обилие красного цвета в костюмах, даже юбки «лебедей» — не привычные сегодняшнему зрителю пачки- «блины», а удлинённые до колен, тяготеющие к целомудренности театра той поры. Всё масштабно, надёжно, красиво. Вот и озеро с плавающими по нему лебедями выглядит внушительно и красочно, как на открытке.

Зритель, хорошо знакомый с «Лебединым озером», найдёт в пермской постановке некоторые изменения в расстановке героев. В центре внимания новой версии балета оказываются не столько отношения Зигфрида с Одиллией-Одеттой, сколько борьба принца со злым гением Ротбартом: борьба за душу Зигфрида, в которой используются и лебеди, и жертва-Одиллия. В соответствии со своим замыслом хореограф сочинил для Ротбарта сложную танцевальную партию. Кто побеждает? У Мирошниченко, в отличие от некоторых современных редакций балета, погибают и Зигфрид, и его возлюбленная.

Вместе с тем балетмейстер постарался бережно отнестись к наиболее удачным фрагментам постановок «Лебединого озера», сделанных такими мастерами-предшественниками, как Мариус Петипа, Лев Иванов, Константин Сергеев, Александр Горский. Остались прежними, к примеру, весь «Белый акт», сюита характерных танцев на балу, ряд классических сцен. Всё остальное — авторская хореография Алексея Мирошниченко, стилизованная под классику.

В эти дни в премьерных спектаклях задействованы все четыре состава, исполняющие сольные партии.
------------------------
Все фото - по ссылке
Фото: Владимир Бикмаев


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пт Дек 18, 2015 2:39 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5  След.
Страница 3 из 5

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика