Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2015-12
На страницу 1, 2, 3, 4, 5  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16351
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Дек 01, 2015 9:52 am    Заголовок сообщения: 2015-12 Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015120101
Тема| Балет, Всероссийский конкурс артистов балета и хореографов
Автор| корр. ТАСС
Заголовок| Всероссийский конкурс артистов балета и хореографов открывается в Москве
Где опубликовано| © ТАСС
Дата публикации| 2015-12-01
Ссылка| http://tass.ru/kultura/2486745
Аннотация| КОНКУРС

Соревнование пройдет в двух категориях: солисты и дуэты; а также ансамбли (трио, квартеты)

Всероссийский конкурс артистов балета и хореографов открывается во вторник в Москве. Предстоящее творческое состязание пройдет в единственной номинации: "современный танец в музыкальном театре".

"Думаю, эта номинация вызовет больше всего дебатов, так как современный танец - это категория, которая не определена так точно, как классический балет", - такое мнение высказал на состоявшейся в ТАСС пресс-конференции выдающийся хореограф, народный артист СССР Юрий Григорович, который возглавит жюри конкурса.

В "судейскую бригаду" также вошли, в частности, художественный руководитель Московского областного государственного театра "Русский балет", народный артист СССР Вячеслав Гордеев, ректор Московской государственной академии хореографии, народная артистка России Марина Леонова, ректор Академии русского балета имени Вагановой, народный артист РФ Николай Цискаридзе, президент театра "Кремлевский балет", народный артист РФ Андрей Петров.

Этому авторитетному жюри предстоит оценить более 90 конкурсантов, прибывших из разных городов России, в числе которых Казань, Краснодар, Красноярск, Москва, Новосибирск, Пермь, Санкт-Петербург, Тольятти, Уфа, Челябинск, Якутск.

Соревнование пройдет в двух категориях: 1) солисты и дуэты; 2) ансамбли (трио, квартеты). По условиям конкурса участники подразделяются на две возрастные категории: младшая (возраст исполнителей - от 16 до 19 лет) и старшая (возраст исполнителей - от 19 до 30 лет).

Местом творческого состязания станет Московский академический Детский музыкальный театр имени Н.И. Сац. Во вторник там начнутся просмотры первого тура, которые продолжатся 2 декабря. Наблюдать их смогут все желающие - вход для зрителей свободный. На таких же условиях пройдет второй тур, назначенный на 4 декабря. Билеты потребуются только на церемонию закрытия конкурса, которая состоится 5 декабря. Тогда победителям будут вручены награды, имеющие денежный эквивалент от 50 до 270 тыс. руб.

Всероссийский конкурс артистов балета и хореографов был учрежден распоряжением правительства и Министерством культуры РФ в 2013 году. Он представляет собой четырехлетний цикл с чередованием по специальностям. Первый был сосредоточен на единственной номинации "Хореографы". На следующий год внимание было уделено исключительно народно- сценическому танцу. Завершит цикл состязание артистов балета. Четвертый год цикла станет также своеобразным отборочным туром к знаменитому Московскому Международному конкурсу артистов балета и хореографов, который проводится раз в четыре года.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16351
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Дек 01, 2015 2:27 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015120101
Тема| Балет, Фестиваль Дианы Вишневой "Context"
Автор| Анна Гордеева
Заголовок| Вишнева в трех измерениях
Фестиваль Дианы Вишневой "Context" подвел итоги

Где опубликовано| © ТеатрALL
Дата публикации| 2015-12-01
Ссылка| https://www.teatrall.ru/post/2800-vishneva-v-treh-izmereniyah/
Аннотация|

​Фестиваль Дианы Вишневой «Context» прокатился по трем площадкам Москвы —Электротеатр, Гоголь-центр, театр им. Моссовета — и поговорил о прошлом, настоящем и будущем танца.

Будущее: молодые хореографы

В жюри – голландский классик Ханс ван Манен, самый яркий из сегодняшних российских хореографов Вячеслав Самодуров и сама Диана Вишнева. На сцене – шесть работ, поставленных молодыми авторами специально для этого конкурса. Заявок, говорят, было полсотни – отбирала финалистов Анастасия Яценко, ныне репетитор Большого, в прошлом – одна из очень немногих его танцовщиц, с увлечением занимавшихся неклассической хореографией. Хореографы представляют маленькие спектакли; жюри выбирает лучшего – он получит приз, стажировку во Франции у хореографа Каролин Карлсон. На дистанции всем примерно лет по тридцать. И никто не зафиксирует ничьей.



Самая архаическая работа — у москвички Екатерины Лещенко. Она пересказывает в танце «Станционного смотрителя»: спящий на лавке мужик, рыдающая натуральными слезами девушка, и бегающие по сцене еще три девчонки – помладше, еще помладше и совсем кроха. Наш народ догадывается, что это воспоминания станционного смотрителя о счастливых годах, когда дочь была ребенком; не знакомые с сюжетом иностранцы начинают нервно оглядываться, когда мужик обнимает самую мелкую из девиц. Никаких поисков лексики; такую работу можно было бы увидеть на выпускных в ГИТИСе где-нибудь в году 65-м; ну, за исключением музыки Владимира Мартынова.

Работа победителя – «Забытые приношения» Константина Семенова. Понятно, почему жюри выбрало именно его: из всех представленных сочинений оно наиболее «балетное» и наиболее музыкальное – без кавычек. Танцовщик московского Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко взял раннюю работу Оливье Мессиана, которую сам композитор определял как «медитацию для оркестра», и сочинил композицию для пяти танцовщиков, в которой пластика напоминала об усвоенных уроках Иржи Килиана и Мориса Бежара. Коллеги Семенова из Большого театра, привлеченные им к работе, вполне убедительно изображали религиозный экстаз и духовные поиски; Мессиан использовался с пониманием того, что это за музыка. Грамотно, но не слишком увлекательно. Удачи на стажировке.

Самая запоминающаяся же работа – «Танец пены морской» петербурженки Елизаветы Некрасовой, выпускницы магистерской программы Академии русского балета (первое образование – высшая математика, Университет информационных технологий, механики и оптики). Пена морская – то, во что, как известно, превратилась андерсеновская Русалочка; это спектакль о ней. О ней – уже ушедшей; все уже произошло, у пены – смутные воспоминания с краткими «болевыми точками».

Первая же сцена бьет зрителя под дых: никаких балетных сентиментальностей, ничего «изящного». Ухоженная девушка стоит в двух шагах от зрителей и разделывает рыбу — настоящую, не бутафорскую. И не мороженую, а кажущуюся еще живой. Резиновые перчатки, деловито работающий нож. Очевидно, что девушка — та, кому достался Принц после всей этой истории с Русалочкой. (Герой, меж тем, на заднем плане наливает себе бокал – опохмеляется, что ли, после свадьбы шампанским?) И вот эта деловитость – очевидный знак того, как Принцесса обошлась с Русалочкой и со сказкой: глупости все это, надо готовить жизнь и готовить ужин.

СССР начал строить новую империю — и для империи был нужен классический балет, а некоторые последовательницы Дункан оказались в лагерях.

А дальше спектакль рассыпается на краткие рваные куски, где отсутствие ног у Русалочки проговорено слишком прямолинейно (танцовщица мучительно ползет на животе, ноги подняты вверх), где в движениях смута, где не слишком четко просматривается сюжет – но раздражать это может только того зрителя, который забыл название спектакля. У пены уже не осталось связной памяти; какие-то моменты понятны ей самой, какие-то совсем рассыпались; зато ощущение мучительности движения еще осталось (память о сильной физической боли) – и пластика, придуманная для выражения этой боли, работает на все сто процентов. Одноактовка Елизаветы Некрасовой, безусловно, не идеальна, но имя этого хореографа стоит запомнить и следить, где она появится в будущем. (Может быть, в той же танцкомпании «Например», чьи артисты – Полина Тябут, Андрей Кенцис, Дарья Васина – танцевали эту историю?)

Прошлое: Марта Грэм

Фестиваль «Context» устроил первую московскую гастроль труппы Марты Грэм; их дебют в России состоялся всего несколькими днями раньше – в Петербурге на фестивале «Дягилев. P.S.». Первая эта гастроль – отметим – произошла через девяносто лет после того, как Марта Грэм начала сочинять танцы. Американским модернисткам и модернистам вообще не везло в нашей стране: вся история танца модерн прошла мимо СССР. Россия жила классикой; на сломе эпох двери чуть приоткрылись, в них впрыгнула Айседора Дункан – и они тут же захлопнулись. СССР начал строить новую империю — и для империи был нужен классический балет, а некоторые последовательницы Дункан оказались в лагерях. Дальше в Америке модерн расцветал, совершенствовался, закаменевал, после войны превратился почти в музей, возникло новое бунтующее поколение contemporary, - а у нас даже на гастроли никто не приезжал, не то чтобы театры брали что-то в репертуар. Поэтому во многих хореографических училищах до сих пор официально называют «модерном» все, что не укладывается в стереотип классического балета – все в диапазоне от Баланчина до контактной импровизации. Меж тем модерн – вот он, чистейшая его представительница наконец в Москве. Не сама, конечно же – ей был бы 121 год, она умерла в 96, но труппа, что хранит ее наследие.

И все можно рассмотреть как на ладони: фантастическую экспрессию фиксированных поз (замереть – дать публике разглядеть человека как скульптуру – двинуться дальше), обращение к Древней Греции как к идеалу танца — на деле, понятно, никто не знает точно, как там танцевали в Элладе, но американским модернисткам представлялось, что так; они простраивали историю свободного танца от тех же древних греков, что и отцы-основатели США – историю и правовые основы государства. И те же представления о правильном строении труппы (и общества): в Martha Graham dance company танцовщики так разнятся меж собой, что из них никак не создашь унифицированную толпу. Народ со всех концов света – киевлянка и уроженка Тайпея, гречанка, бельгийка и француженка; парни из Великобритании и Кот д’Ивуара. Разная подготовка – от парижской консерватории и бежаровской «Рудры» до упражнений в хип-хопе. Это «разбивает взгляд», что было бы страшным недостатком для классического кордебалета, но работает на концепцию свободного танца. Который есть часть общей истории, утверждает эта гастроль. И «Хроники» 1936 года, которые Грэм создала как спектакль-предчувствие большой войны, и «Весна священная» 1984 года, которой она будто передавала привет началу ХХ века и началу своей карьеры, впервые привезенные в Москву – именно жест восстановления целостности истории искусства.

Сегодня: Диана Вишнева



Основательница и идеолог фестиваля за пять дней появилась лишь в одном маленьком балете (зато повторив его дважды, на открытии и на закрытии феста). Одноактовка Ханса ван Манена «Live», сотворенная им тридцать с лишним лет назад, стала одним из первых в Европе опытов скрещивания танца с видео. В этой одноактовке три действующих лица: балерина, танцовщик (Артур Шестериков, премьер Национального балета Нидерландов) и безымянный видеооператор. На заднике – то, что этот оператор снимает в данную секунду. Балерина медленно движется на сцене; вокруг нее описывает круги человек с камерой, обращая наше внимание то на изгиб кисти, то на выточенную стопу Вишневой.

В финале балерина в фойе выходит на улицу и удаляется от театра; и самые дотошные зрители после спектакля начинают искать на заснеженной тротуарной плитке характерные следы пуантов.

Из кулисы выходит, спускается в зал и уходит в фойе танцовщик; балерина следует за ним, оператор ее сопровождает. Вся дальнейшая напряженная история – дуэт, в котором есть очевидная провокация, очевидное сопротивление, очевидный конфликт (доходящий до пощечины, что героиня собирается залепить партнеру – но рука перехвачена) мы видим лишь «в кино». Правда или неправда? Вот что они там сейчас в фойе делают, пока мы тут сидим – он правда швыряет ее к стенке, жестко прижимая руки, или все это давно снято на видео, а они сидят где-нибудь в креслах и мирно болтают? Игра с достоверностью театра, легкая насмешка над зрителем, что непременно хочет знать подробности закулисья, - вот что такое «Live». В финале балерина в фойе выходит на улицу и удаляется от театра; и самые дотошные зрители после спектакля начинают искать на заснеженной тротуарной плитке характерные следы пуантов.

След «Контекста» безусловно останется – в биографии молодых хореографов, в истории искусства, в биографии Дианы Вишневой и в биографии зрителей, что больше узнают о танце. Следующий «Context» - через год.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Чт Янв 07, 2016 6:53 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16351
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Дек 01, 2015 4:04 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015120102
Тема| Балет, Театр "Кремлевский балет", Юбилей
Автор| Евгений Маликов
Заголовок| О балетном зодчестве
"Кремлёвскому балету" - 25

Где опубликовано| © газета "Завтра"
Дата публикации| 2015-12-01
Ссылка| http://zavtra.ru/content/view/o-baletnom-zodchestve/
Аннотация|




Двадцать пять лет – возраст не юный, но для балетных вполне себе зрелый. Заметки с полу-юбилея «Кремлевского балета»: театру – 25, и что это – время разбрасывать камни или время собирать их?

Казалось, совсем недавно я поздравлял на страницах «ЛГ» кремлевских танцовщиков с двадцатилетием театра. Оглянуться толком не успел – еще пятилетка долой. Я снова в зале, на сцене почти те же лица. Расширился репертуар, появились многообещающие исполнители, укрепились в ремесле и иерархии вчерашние «просто хорошие парни и девушки». Не обошлось без потерь, но не будем о грустном: если театру и нужны сегодня камни, то это не «Драгоценности», а строительный материал на собственную площадку, которую, однако, не потянуть без совсем уж фантастической для нынешнего дня финансовой поддержки. Поэтому строительство труппы и репертуара выступает заменой «архитектуре культовых зданий» и «дизайну интерьеров учреждений культуры». А Баланчина станцевать и без помощи эта труппа сумеет – исполнители есть. Они – камни, на которых возводится один из моих самых любимых балетных коллективов Москвы.

Если кто не знает, я ненавижу балет, но люблю балетных. Вовсе не потому, что они как-то по-особенному одухотворены, нет: они обычные, среди них попадаются всякие, но их молодость, красота и сила суть то, что не может не привлекать. Молодой мир – мир близкий к «начальным временам», поэтому близкий богам, создавшим его. Молодость хороша сама по себе, она протекает в среде богов и героев, в этом возрасте иерархии только складываются, ибо до неба – рукой подать, так зачем выстраивать длинные лестницы на земле? Только прыгни – и ты уже в компании олимпийцев.

Вот балетные и прыгают. А когда перестают прыгать – ползают. Просто ходить им нельзя – тут или выше быта, или ниже его. Разве не видели модных постановок с «половым» вопросом?

Однако воздухоплавание не только в телесной левитации заключается…

Я отдаю себе отчет, что произношу злые слова, но поделать с собой ничего не могу: будучи стихийным демократом, я за каждой личностью, за каждой корпорацией признаю право на собственное достоинство. Более того – я обязываю к данному чувству. Каждого.

Мне чужда, к примеру, бездумная отзывчивость Большого театра на модные течения и требования разного рода условных «попечителей» соответствовать «европейскому уровню» и «общеевропейским тенденциям». Я вряд ли когда признаю эстетическим прорывом работу в его стенах Поклитару и Серебренникова; мне вряд ли захочется посмотреть еще когда-нибудь «Русские сезоны» Ратманского…

Балет обязан быть консервативным – только это, как сие ни парадоксально, позволяет ему оставаться молодым. Он лишь по близости к богам и музам может сверять свой возраст – и напротив: удерживая юность, сохранять эту близость, это священное измерение своего бытия. И все – больше нет ничего. Никакое мастерство не заменит живое чувство сопричастности высшему творчеству – хотя, не стану отрицать, помешать хорошая школа такому творчеству тоже не может. Но первое важнее. Короче, быть архаичным сегодня – не только «застойно», но и в высшей степени достойно для любого балетного театра. А то оглянуться не успеем, как появятся виртуозы, забывшие о том, как были побиты поклонники золотого тельца. И что прикажете делать тогда? Жалеть их вместо того, чтобы наслаждаться их мастерством? Трудно это, почти невыносимо. Как спасаться?

Предлагаю сходить в «Кремлевский балет», что я делаю достаточно регулярно, поскольку его подчеркнутая «старомодность» трогает меня скорее и глубже, чем «сложносочиненная духовность» даже признанных мастеров мировой балетной сцены.

Поэтому приглашение на юбилейный концерт я принял не только с благодарностью, но и с огромной радостью. Слишком тепло отзываются в моем сердце воспоминания обо всех премьерах театра последних лет. Это и «Снегурочка», и «Тысяча и одна ночь», и «двухоперная» эпопея о Фигаро, и «Красавица и чудовище», и «Волшебная флейта». Т.е. те спектакли, которым нужно радоваться без всякого стыда за свою «эмоциональную отсталость». Ибо не о лености чувств речь. Напротив, только чувственная подвижность может быть удовлетворена в «Кремлевском балете», тогда как душевное онемение и оскудение – ничуть, поскольку стершееся восприятие непременно потребует сильных воздействий. «Чутья, дикому зверю хватит и чутья!» – воскликнул Маринетти в своем знаменитом манифесте, и с тех пор здоровый инстинкт как будто должен быть узаконен в современном искусстве, выросшем из авангарда начала ХХ века, но нет! Почему-то приверженцы именно актуальности и поиска забыли футуристов. Да уж, чутье, обоняние притупляется с годами; организм изнашивается и стареет. Ничего зазорного в этом нет – только не нужно мертвить окружающее!

Теперь я прервусь. И поясню, что все вот это, читатель, что ты уже успел мельком просмотреть, роится у меня в голове примерно всегда, но обостряется изредка: например, аккурат как после означенного концерта.

Концерт, кстати, был необычен и непривычен с точки зрения норм «повышенной духовности». Он был, в первую очередь, лёгким, а уже потом – что-то-кому-то-отвечающим. Начать описание зрелища следует с того, что оно было, как любят выражаться теоретики, синтетическим. При этом каждая из составляющих данного «синтеза» стремилась захватить власть, была яркой и почти самодостаточной. Борьба рождала внутреннюю динамику. Посаженный на сцену оркестр – не бог весть какая находка, но речь не идет о новизне – только об уместности. С этой точки зрения место оркестра как одного из виновников торжества – как раз на сцене. Сама сцена была довольно пластично украшена яркими и пестрыми картинками, способными убить кого угодно своей «вырвиглазностью», если относиться к ним с позиций условной «вирсаладзы». Подмостки при этом занимали не только танцовщики, но и, например, иллюзионисты – пусть в исполнении артистов театра, но с настоящими фокусами! Цирк уступал место мюзиклу – и под хорошую минусовку нам пели из Эндрю Ллойда Уэббера. Что было в высшей степени уместно: «Призрак оперы», конечно, не высокая драма о творческих муках художника, но довольно низкого свойства готический триллер, прославивший, впрочем, классика детективного жанра Гастона Леру больше, чем все тайны его желтой комнаты. Здесь важна узнаваемость. И место действия – театр, поскольку сам сценарий концерта, поставленного Андреем Петровым, имел в виду непрерывный рассказ, в центре которого был актер. Рассказ забавный и занимательный, а отнюдь не загадочный и мрачный.

Номера концерта выстраивались без особой логической связи, но в высшей степени оправданно друг за другом. Один танец гармонично перетекал в другой не только пластически, но и музыкально, а когда нужно было сделать паузу, на сцене появлялись певцы. Одна актриса превращалась в другую в «волшебном ящике» прямо на наших обманутых глазах, а мы превращались в детей, веря всему: мы сами возвращались в счастливое «время начал».

Только не нужно снисходительности!

Прошу иметь в виду: когда мы имеем дело с Андреем Борисовичем Петровым, мы должны говорить о незаурядном театральном режиссере. Пусть этот театр балетный – законы на театре прописаны одной рукой.

Так вот, Петров прекрасно знает законы своего искусства и чувствует время, о котором говорит. Он замечает важнейшую деталь и реализует ее театральными средствами так, что не возникает вопросов о правомерности подхода. Так было со «Снегурочкой», и я специально писал об этом в свое время; это же можно сказать и о его «Волшебной флейте», которой я посвятил достаточно большой текст; короче, Петров – режиссер, за которого не бывает стыдно, а это почти исключение.

За Григоровича бывает неловко иногда, за Ноймайера – часто, за Макмиллана – почти всегда, а вот за Петрова – никогда. Показателен здесь его «Наполеон Бонапарт». Если его сравнить с «Майерлингом» Кеннета Макмиллана, то англичанин не выдержит конкуренции. Тогда как Макмиллан стремится сделать психологическую мелодраму с реализмом, Петров остается в условном пространстве балетного театра в своем «Бонапарте». Макмиллан, выбирая форму высказывания, лишает себя пространства для маневра: когда, например, его кронпринцу Рудольфу выкручивают руки венгерские офицеры, это лишь интеллектуальным усилием относится к метафоре, которая противопоказана всему строю «Майерлинга», то же касается и возникающих зачастую «вдруг» танцев: не балет и не драма. Не то у Петрова – его Бонапарт танцует легко, непринужденно, уместно как раз по той причине, что ничего «натурального» в нем нет. Он – «историческая» более, чем «личность». Другими словами, у Петрова Бонапарт – не человек, но легенда о нем, а легенде танцевать пристало вполне, она не имеет реализм своей сильной стороной. Но легенда как раз из-за этого оказывается реалистичной в большей степени, нежели роман натуралистического жанра.

Театральность мышления Петрова тотальна настолько, что появлявшийся иногда на сцене в юбилейном концерте ТВ-оператор воспринимался как часть зрелища, не ломал структуру повествования, даже поддерживал ее: там, где есть артист, обязательно должен быть зритель, а ныне – еще и оператор с камерой. Настоящая театральность целостна, она не разрушается от проникновения на сцену инородных предметов, а интегрирует их в свой состав. Не знаю, как удается это Петрову, но его спектакли таковы, что убить их не сможет, наверное, и прямое попадание термоядерной бомбы. Этот хореграф-режиссер знает: балет – разновидность условности, а не реальности. Петрову хватает порой одного штриха, чтобы обозначить место показываемого отрывка на репертуарной карте театра. Возьмем ситуацию: мы видим пирамиды, но только когда замечаем глаз на вершине одной из них, понимаем, что это не остатки декораций от «Дочери фараона», например, а именно и только – часть антуража «Волшебной флейты» Андрея Петрова.

И так если не во всем, то во многом.

Или вот «Танец часов» Понкьелли. Казалось бы, «обязательная программа» для старшеклассников хореографической школы, но и для данного школярского упражнения Петров находит свое место в строе концерта. Хореограф не забывает о том, что балет от своего рождения был сферой применения высоких технологий. Механицизм Понкьелли, машинерию ранней придворной сцены Андрей Борисович дополняет их нынешним аналогом – мультимедийными средствами коммуникации, но использует эти средства так, как использовал бы, наверное, Король-Солнце: для увеселения и без всякой серьезности. Балет Петрова и балет для Петрова – всегда праздник, касается ли он «мiра», или «войны». На это ловятся «умники», это оказывается для них неподъемной ношей: как же можно художнику оставаться наивным среди умудренных творцов, словно вопрошают они.

И здесь самое место пояснить то, с чего я начал: мою ненависть к балету.

Институционально сложившаяся среда в наше время, к сожалению, не может удовлетворить эстетически значимому критерию. Балет, к несчастью, оброс теориями, отрывающими его от жизни, от истории, от культуры. Теоретики присвоили балет себе – и это еще полбеды. Беда в том, что с этим соглашаются балетные, если хотят быть на слуху. У балета отнимают качества изначально присущего ему народного зрелища, его загоняют в гетто, известность в нем превращается в «славу у избранного меньшинства», короче говоря, из изящной священной забавы, опирающейся сразу и на Диониса, и на Аполлона, балет превращается в тяжеловесную конструкцию – визуализацию темных мыслей Эроса и душных желаний Танатоса, медленно сползающих с кушетки психоаналитика.

Вот почему я люблю тех балетных, которые верны молодому балету. Не постаревшему, не потерявшему очарования юности. Балету, в котором наивность выступает аналогом мудрости. Балету, который собирает камни и отстраивает свое здание вовсе не на материальном уровне, а в мистическом измерении. Я люблю балет, магия которого пряма, а потому действенна.

Поэтому я с Петровым, который даже в историческом времени умеет отделять случайное от главного, который понимает, на какие константы опирается балет, и – главное – как эти константы проявляют себя сегодня.

Но разве нет в «Кремлевском балете» проблем, спросит читатель.

Как не быть? Но об этом как-нибудь в следующий раз. Мы сейчас об архитектуре. О сопротивлении материала будет, если понадобится, своя лекция.

Балет, как видите, связан с зодчеством не только улицей Росси…

А концерт… концерт был премилым.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16351
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Дек 02, 2015 12:13 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015120201
Тема| Балет, Фестиваль Дианы Вишневой "Context"
Автор| Анна Галайда
Заголовок| На фестивале «Диана Вишнева. Context» прошел конкурс молодых хореографов
Где опубликовано| © газета "Ведомости"
Дата публикации| 2015-12-01
Ссылка| http://www.vedomosti.ru/lifestyle/articles/2015/12/02/619196-diana-vishneva-context
Аннотация|

Это один из способов, которыми балерина стремится побудить к развитию в России искусство современного танца


Жюри отдало победу работе Константина Семенова
dianavishneva.com


Московскому фестивалю «Диана Вишнева. Context» всего три года, но буквально с первого же раза он стал важным событием московской культурной жизни. С той же энергией, с какой 20 лет назад юная прима выстраивала свой классический репертуар в Мариинском театре, она несколько лет спустя вырывалась из его цепких объятий ради международной карьеры в Нью-Йорк, Париж и Токио, затем искала новые идеи и новых хореографов для своих сольных проектов, а потом взялась внедрять на родине то искусство, которое открыла для себя на Западе.

Проводить гастроли зарубежных компаний и мастер-классы их педагогов легче, чем прививать современное искусство в домашних условиях. Поэтому важнейшей частью фестиваля из года в год становится платформа для молодых хореографов, на которой они могут показать свои работы, а лучшие – получить стажировку в Париже у Каролин Карлсон.

На этот раз почти все участники, выбранные из 50 претендентов, оказались уже засвеченными ранее – большинству из них в районе тридцати, и за спиной не одна постановка, в том числе для профессиональных коллективов.

Михаил Колегов, сам танцующий в современной труппе Балета «Москва», работал со многими современными российскими и западными хореографами – и в его номере «Забери меня» явно прослеживается близкое знакомство с тенденциями сегодняшнего contemporary dance, начиная с актуальной темы – зависимости человека от гаджетов. Воспроизводится она буквально, без затей: несколько танцовщиков двигаются, уткнувшись в мобильники со светящимися экранами, и, когда пара из них остается один на один, они не могут слиться в любовном дуэте. Так же как хореограф не может предоставить им свой запоминающийся голос.

Выпускница Вагановской академии Елизавета Некрасова иллюстрирует «Русалочку» в «Танце пены морской», у которой самым ярким оказывается не пластика Русалочки (она тоже предсказуема, героиня ползает ногами вверх), а очистка рыбы перед зрителями, которой предается вторая героиня (жена Принца?).

Екатерина Лещенко, преподаватель Театра-студии современной хореографии, попыталась на музыку Владимира Мартынова поставить спектакль по мотивам «Станционного смотрителя». Ей удалось создать атмосферу пушкинской повести без дотошного следования сюжету, но хореограф не обеспечила исполнителей запоминающимися пластическими характеристиками.

Обратила на себя внимание публики и москвичка Сона Овсепян. И в названии – «Внутриутробная музыка гения», и в посвящении культовому музыканту Глену Гульду, и в театральности (сцену занимают причудливые арт-объекты, оказывающиеся ножками рояля) сказывается рука руководителя собственной компании, умеющего продвигать постановки. Однако хореографический язык постановки оказывается ближе эстрадному танцу, нежели театральному.

Театральным гораздо более виртуозно владеет Арина Тростянецкая, в хореографической культуре которой сказывается опыт работы с европейскими мастерами – в номере «МН-17» явно прочитывается идея реквиема по погибшим, который естественно связывается с последними новостями. Но ей, как и ее коллегам, отчаянно нечего поведать такого, о чем бы мир еще не слышал.

Номер «Забытые приношения» победившего в конкурсе Константина Семенова, танцовщика Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко, на этом фоне не выглядел исключением. В гладкой картинке, которую он выстроил безупречными телами мужчин из балетной труппы Большого театра, сказывается его десятилетний опыт исполнения Ноймайера и Килиана. Возможно, оказавшись в Париже, в ателье Каролин Карлсон, Семенов откроет для себя новую жизнь и новые ресурсы танца, как это когда-то произошло с Дианой Вишневой.


Судьи кто?

В жюри конкурса молодых хореографов в этом году вместе с Дианой Вишневой работали голландский классик Ханс ван Манен и худрук балета Екатеринбургского оперного театра Вячеслав Самодуров. Предварительный отбор конкурсантов проводили Диана Вишнева и Анастасия Яценко, ассистент многих ведущих хореографов во время их работы в России.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Чт Янв 07, 2016 6:55 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16351
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Дек 02, 2015 1:24 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015120202
Тема| Балет, Персоналии, Николай Цискаридзе
Автор| Беседовала Айгуль Хабибуллина
Заголовок| «Смотреть на подражателей Плисецкой смешно и обидно»
Николай Цискаридзе о молодых танцорах и будущем балета

Где опубликовано| © Lenta.ru
Дата публикации| 2015-12-02
Ссылка| http://lenta.ru/articles/2015/12/02/tsiskaridze/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Николай Цискаридзе
Фото: предоставлено IV Санкт-Петербургским международным культурным форумом


14 декабря в Санкт-Петербурге откроется четвертый Международный культурный форум, в котором примут участие деятели искусств, политики и предприниматели из разных стран. Среди них будет и российский танцовщик, ректор Академии русского балета имени Вагановой Николай Цискаридзе. «Лента.ру» побеседовала с артистом о предстоящей работе на форуме, а также о его учениках и культурном образовании в России.

«Лента.ру»: Недавно в России отмечали 90-летие Майи Плисецкой. В ком-то из нынешних учеников вы видите возможность такой судьбы?

Николай Цискаридзе:
Такие явления слишком уникальны. Майя Михайловна — великая танцовщица, перевернувшая вектор мирового балета. Наверное, с ней по значимости в мире может сравниться только Сильви Гиллем (французская балерина — «прим. «Ленты.ру»»).

Сейчас очень много внимания уделяется технической стороне балетной постановки. Гений Плисецкой заключался в индивидуальности и смелости. Она не боялась экспериментировать. Я не могу сказать, что она обладала классической красотой, но Майя Михайловна была шикарной и достойнейшей женщиной. Очень многие стараются идти по ее пути: так же, как она, участвовать в показах, фотосессиях для глянцевых журналов и прочее. Ничего, кроме смеха, это не вызывает. Плисецкая все уже сделала и сделала лучше. Чего я действительно не вижу, так это породы. Смотреть на ее подражателей и смешно, и обидно, потому что они никак не могут понять, что солнцу подражать нельзя — к нему можно только тянуться.

Плисецкая и в собственной семье существовала обособленно, хотя ее родные — тоже наиталантливейшие личности: художники, артисты, танцоры. Родился гений, и ничего не сделаешь.

Чему вы учите?

Профессии прежде всего. Мы пытаемся обучить мастерству, выпустить из стен учебного заведения абсолютно подготовленных для службы в театре артистов. Но индивидуальность искусственно привить нельзя — это природа.

Вы были в жюри конкурса юных талантов «Синяя птица» на телеканале «Россия 1». Какие впечатления?

С одной стороны, приятно видеть столько одаренных детей и профессиональнейших педагогов, много делающих для развития российской культуры. С другой стороны, это сложно, так как столь различные жанры искусства сопоставлять нельзя. Но у телевидения свои законы, не имеющие отношения к законам театра, и приходится им подчиняться. На мой взгляд, проект удался, и главное доказательство тому — высокие рейтинги, то есть интерес зрителей. Прекрасно, что крупный федеральный канал повернулся в сторону серьезного искусства, а главное — творческого образования, в котором Россия лидировала на протяжении многих веков. Российскому образованию, созданной и закрепленной за последние сто лет системе, нет равных нигде в мире — ни в балете, ни в музыке, ни в пении. К сожалению, во многих регионах после развала СССР все провисло. Тем не менее интерес сегодняшнего телевидения к искусству меня очень радует — не только как руководителя одного из крупных учебных заведений страны, но и просто как зрителя.

Как насчет собственных детских проектов?

У нас много всего проходит, но главная задача — обучение. К сожалению, обучение должно быть консервативным, требующим режима и дисциплины. Это главное. Мы постоянно участвуем в конкурсах, фестивалях, других мероприятиях. С одной стороны, это хорошо, а с другой — отвлекает от учебы.

Как смотрите на будущее балета? Оптимистично?

Тут все зависит от тех, кто руководит главными творческими коллективами страны. Мы просто учим. Когда дети уходят в театры, их история начинается заново. Опять же, стоит напомнить о советской системе. Во главе должен быть творческий человек с серьезным музыкальным, хореографическим или театральным образованием. Ни в коем случае нельзя ограничиваться исключительно менеджерами и искусствоведами. Последние двадцать лет показали всю трагичность ситуации.

Есть сейчас хорошие руководители?

Практически нет. Можно назвать только Валерия Гергиева. Великий музыкант возглавляет великий театр. Так и должно быть. Потому у Мариинки такие успехи. Гергиев сочетает в себе качества и менеджера, и худрука. Уникальная личность.

Что будете делать на IV Санкт-Петербургском международном культурном форуме?

Одна из главных идей академии — подготовиться к празднованию 200-летия со дня рождения великого балетмейстера Мариуса Петипа (в 2018 году — прим. «Ленты.ру»). Наша школа была его домом — он не только служил здесь как педагог и балетмейстер, но и вообще проводил тут большую часть времени и ставил практически все спектакли. Поэтому академия должна быть центром юбилейных торжеств. Мы скрупулезно храним все, что связано с именем Петипа и его творчеством.

Один из дней на форуме — 15 декабря — будет посвящен ему. Мы, в частности, рассмотрим проблемы, возникшие из-за того, что в свое время советское правительство не создало фонд Петипа. А фонды других балетмейстеров, к примеру, получают большие деньги за предоставление права поставить тот или иной спектакль. Все это привело к тому, что наследие Петипа сейчас сильно разбазарено. Нас это очень беспокоит, мы поднимем много вопросов на круглом столе. Также мы дадим небольшой концерт, основываясь на творчестве мэтра.

На какие конкретные результаты вы рассчитываете? Договоренности, может быть?

Общественность обеспокоена тем, что в Петербурге нет ни памятника Петипа, ни улицы, названной в честь него. Активисты хотели бы выдвинуть такое предложение, потому что это действительно значимая фигура. Во многих французских городах, к примеру, есть памятники Сергею Дягилеву, хотя он не француз, а представитель русской культуры. А у нас ничего нет, и очень жаль, ведь были люди, которые действительно сыграли в истории большую роль. Та же Майя Плисецкая. Это ведь крайне сложно — в таком архаичном искусстве сделать что-то, важное сразу для многих поколений. Поэтому я надеюсь, что мы справимся со своими задачами.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16351
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Дек 02, 2015 2:37 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015120203
Тема| Балет, Пермский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Алексей Мирошниченко
Автор|
Заголовок| Новое платье «лебедей»
Первая премьера 144-го сезона в Пермском театре оперы и балета будет танцевальной

Где опубликовано| © «Новый компаньон»
Дата публикации| 2015-12-02
Ссылка| http://www.newsko.ru/news/nk-2873800.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

«Главный» русский балет — «Лебединое озеро» — предстанет перед пермской публикой обновлённым. Новую хореографическую редакцию создал главный балетмейстер театра Алексей Мирошниченко, оформлением балета занимаются Альона Пикалова и Татьяна Ногинова.

Сразу после возвращения с гастролей из Ирландии (куда артисты балета повезут «Лебединое озеро» в предыдущей редакции Наталии Макаровой), Омана и Бахрейна танцевальная труппа театра приступит к сценическим репетициям «Лебединого озера» в редакции Алексея Мирошниченко.

Самые большие изменения коснулись драматургии спектакля: теперь в центре действия — принц Зигфрид, за душой которого охотится злой гений Ротбарт, приобретающий тем самым более сложную танцевальную партию. Действо обещает быть роскошным — в лучших традициях императорского театра XIX века.

Алексей Мирошниченко, главный балетмейстер Пермского театра оперы и балета:

— Моей рабочей задачей было придумать отдельные сцены балета и соединить их с дошедшими до нас фрагментами постановки Мариуса Петипа и Льва Иванова так, чтобы не было видно «швов». Остались прежними Pas d’action из II акта, который я привёл к варианту Мариинского театра, Pas de trois со дня рождения принца в хореографии Петипа, полонез, он же «Танец с кубками» в хореографии Константина Сергеева, абсолютно дансантная версия, «белый акт» целиком, потому что это неприкосновенный шедевр Иванова, невозможно придумать что-то лучше, и сюита характерных танцев на балу из II акта: испанский танец — Горского, мазурка — Петипа, венгерский и неаполитанский — Иванова. Всё остальное моё. В сюиту характерных танцев мы ещё добавили русский танец в моей хореографии. Ну, а сверхзадача — создать ощущение, что мы танцуем спектакль из 90-х годов XIX века.

В художественном отношении спектакль тоже стилизован под «большой балет» образца последней декады XIX века. Масштабные декорации замка созданы на жёстких конструкциях, как в балете «Ромео и Джульетта» в хореографии сэра Кеннета Макмиллана, и представляют белокаменные стены и деревянные балконы, а озеро, залитое лунным светом, дополнят камыши и ивы. Пачки «лебедей» изготовлены по старинным образцам позапрошлого века и обшиты настоящими перьями. Оформлением балета занимаются художник-постановщик Альона Пикалова, возглавляющая службу художников Большого театра с 2000 года, и художник по костюмам Татьяна Ногинова, работы которой уже известны пермякам по спектаклям «Оранго», «Условно убитый», «Голубая птица и принцесса Флорина», «Шут» и «Бахчисарайский фонтан».

Премьера «Лебединого озера» в хореографии Алексея Мирошниченко состоится 16, 17, 19 и 20 декабря. В репертуаре Пермского театра после премьеры останутся обе версии «Лебединого озера»: и в редакции Наталии Макаровой, и в редакции Алексея Мирошниченко. Это позволит пермякам смотреть одну из версий балета в то время, пока часть труппы будет на гастролях с другой версией.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16351
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Дек 02, 2015 5:03 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015120204
Тема| Балет, Екатеринбургский театр оперы и балета, Персоналии, Сара Лэмб ( Ковент-Гарден)
Автор| Людмила Яицкая
Заголовок| Сара Лэмб, прима-балерина Королевского балета Ковент-Гарден: «Моя первая встреча с Майей Плисецкой произошла благодаря Славе Самодурову»
Где опубликовано| © Malina.am
Дата публикации| 2015-12-02
Ссылка| http://malina.am/Series/sarah_lamb995919
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

ВИДЕОИНТЕРВЬЮ - по ссылке

О наследии великой балерины Майи Плисецкой и постановках для «Зимнего гала» в Екатеринбургском театре оперы и балета.



Людмила Яицкая: Вы приехали в Екатеринбург на «Зимний гала», концерт, посвящённый великой балерине Майе Плисецкой. В вашей профессиональной судьбе госпожа Плисецкая сыграла какую-то роль?

Сара Лэмб: Я очень люблю Майю Плисецкую. Я станцевала много из тех ролей, которые считались у неё величайшими: в «Лебедином озере», «Баядерке», «Жизели». Вместе со Славой Самодуровым мы танцевали «Тарантеллу» на юбилейном концерте Майи Плисецкой в 2005 году, когда ей исполнялось 80 лет. Это была моя первая встреча с Майей. Поистине великая честь для меня. Славу на тот момент она уже знала хорошо. Позже мне удалось встретиться с ней ещё несколько раз, прежде чем она ушла.

Для меня Майя Плисецкая — кто-то вроде идола, примера. Я прочла её автобиографию, меня восхищает её динамика, харизма, чувство музыки, её анималистические качества — все эти прыжки, просто великолепно. Она держала публику как никто, и, конечно, публика её любила.

ЛЯ: Ваш педагог Татьяна Легат в своё время работала с Плисецкой. Это сотрудничество сказалось на вашей карьере? Есть ли какие-то профессиональные секреты, которые достались вам по наследству?

СЛ: Татьяна Николаевна всегда говорила: обязательная подготовка — это ключ к успеху. И теперь я понимаю, что так оно и есть. Даже Майя на сцене всегда выглядела так, будто всё делает спонтанно, по воле души, но её техника была настолько отработана, что, казалось, это её вторая натура, так всё было органично. Ни в коем случае не должно быть заметно, что ты думаешь о танце, о том, как куда прыгнуть или ступить — только эмоции. Прыжки, повороты Плисецкой — всё это она делала с точностью до миллиметра, зная, в какой момент и где нужно остановиться или оказаться. В этом вся магия.

Татьяна Николаевна Легат столькому меня научила, без чего я бы никогда не стала тем, кем я стала. Как педагог она уникальна тем, что помогла и показала мне, как выразить эмоции с максимальной страстью. Она показала, как правильно работать с корпусом, с руками, как кончиками пальцев заканчивать предложения на нашем танцевальном языке тела и движения. Балет — это не шпагаты и ноги, это и корпус, ведь большая часть зрителей смотрит наверх. Мы всегда фокусируемся на лице. Когда я говорю с вами, я не смотрю на ваши ноги — я смотрю на лицо, в глаза, считываю ваши эмоции. В этом наша сила.

Лучшая импровизация — это подготовленная импровизация, ваш личный опыт, багаж, накопленный годами.

ЛЯ: Вас с Вячеславом Самодуровым связывает давняя дружба. Осенью 2004 года вы перешли в Лондонский Королевский балет, дебютом стало «Лебединое озеро», которое вы танцевали в дуэте с ним. Вас называли «русской парой» из-за русских педагогов. Для вас это комплимент?

СЛ: Да, это комплимент. В Лондоне мы работали с русскими педагогами, например, Александром Агаджановым. Он до сих пор преподает мне. И он передавал огромный-огромный привет Славе.

Для меня переход на новое место и переезд в Лондон стали большими серьёзными переменами. И то, что мне посчастливилось работать со Славой, сыграло важную роль. Мы были очень похожи в своем видении, наши школы, подготовка, тоже были похожи, потому что Татьяна Николаевна — это балетная система Вагановой. Я оказалась в новой обстановке, среди новых людей, но при этом была в абсолютной гармонии и ощущала себя на своём месте. Когда мы работали со Славой, я чувствовала себя в полной безопасности, чувствовала, что мы можем вместе изучать наши роли, искать, находить. Это было прекрасное время. Мне повезло танцевать со Славой.

ЛЯ: Можно ли сказать, что ваш очередной приезд к нам в Екатеринбург, на заснеженный Урал — это заслуга Славы Самодурова?

СЛ: О да! Именно! Но за все свои визиты я ни разу не посмотрела город — гостиница-театр и обратно. Такая вот жизнь танцора. В следующий раз приеду как турист.

ЛЯ: Мария Александровна, прима-балерина Большого театра, весной и осенью специально приезжала в наш театр, чтобы Вячеслав Самодуров поставил для неё «Занавес». Тогда Мария говорила, что мы «украли Славу, вот и пришлось ехать за ним на Урал». Видели ли вы «Занавес«?

СЛ: Я знаю Марию Александрову, мы с ней пересекались в августе на фестивале в Японии. Знаю, что Славе очень понравилось работать с Машей. А сам спектакль я, к сожалению, пока ещё не видела, но посмотрю обязательно.

ЛЯ: Вы с Вячеславом обсуждали подобное сотрудничество? Было бы вам интересно поработать с ним как с постановщиком?

СЛ: Его самая первая постановка была для меня (улыбается). Можно сказать, работу хореографом он начал с работы со мной. Он тогда ещё сам танцевал. Это было па-де-де, небольшая постановка, потому что, насколько я знаю, это был первый Славин опыт, эксперимент. Так что у меня в копилке уже есть работа со Славой. Но я никогда не танцевала в полной вечерней постановке под его руководством, так что очень хотела бы. Я сильно загружена работой в Лондоне, у меня совершенно нет времени, но кто знает, в будущем — я бы с удовольствием.

ЛЯ: В вашем исполнении (совместно с Эдвардом Уотсоном) на «Зимнем гала» уральский зритель увидит дуэт из «Майерлинга». Это уже готовая постановка, привезённая вами в Екатеринбург, или она была поставленная здесь, с помощью Вячеслава Самодурова?

СЛ: Мы с Эдвардом Уотсоном будем танцевать па-де-де из балета Infra МакГрегора и па-де-де Connectome Мариотта, премьера которого состоялась буквально полтора года назад. А Infra мы танцевали в 2008 году и в июне этого года в Нью-Йорке. Я танцую соло в первом па-де-де, а вторую часть мы танцуем вместе. Эти постановки мы сделали целиком в Англии, у нас, увы, не было возможности подумать и поработать над постановками здесь.

Одноактный балет Infra на музыку Макса Рихтера и в хореографии МакГрегора впервые представили на сцене Ковент-Гардена в Лондоне в 2008 году. Этот спектакль был создан специально для Королевского балета Великобритании. Это очень человечная, душевная, трепетная история. МакГрегор придумал этот спектакль после терактов в лондонском метро. Там вверху люди, идущие по земле, а внизу — обречённые в подземке. Это история не только о жизнях, оборванных слепым взрывом, но и о несостоявшихся судьбах, утраченных иллюзиях, напрасных расставаниях и упущенном счастье, об одиночестве, о людях, которых мы видим каждый день на улице.

Connectome — это ещё одна грустная история. Она появилась после смерти отца хореографа. И, я думаю, основной мотив этой постановки — желание, чтобы тот, кого уже нет здесь, оказался снова рядом. Это танец с воспоминаниями, с желаниями, это тихая грусть.

ЛЯ: Есть в России поговорка: плох тот солдат, который не мечтает стать генералом. Вероятно, к балетным этот тоже можно применить — плох тот танцор, который не мечтает стать великим, таким, как Плисецкая. В честь Майи Плисецкой, например, назван сорт пионов, выведенный в 1963 году, и даже астероид, открытый в 1984 году. Когда ваше имя встанет в один ряд с Плисецкой, что бы вы хотели, чтобы назвали вашем именем?

СЛ: Это всё, конечно, здорово, но как вы будете управлять армией, в которой каждый — генерал? Никто не захочет выполнять приказы, потому что все хором будут эти приказы отдавать. И в балете так же. Я никогда не смогла бы быть счастливой, если бы была просто лебедем — одним из многих. Сами судите: или один лебедь на сцене, или 32 лебедя и королева-лебедь… что может быть прекрасней?

Так же, как война невозможна с одними генералами, так и балет не был бы балетом с примами и без кордебалета. Я должна сказать огромное спасибо кордебалет за то, что он делает. И я понимаю, что могла никогда не сыграть тех ролей, если бы в своё время на мне не сфокусировали внимание.

Что касается перспективы стать как Майя Плисецкая — я не претендую. Мы все понимаем, что это очень сложно. Но если говорить о названии в честь меня, то планета. Планета Лэмб — хорошо звучит. Или вновь открытое море, самая глубокая его точка. Ну или хотя бы рыбка — Lamb fish. Смешно (улыбается).


ДОСЬЕ Malina.am

Сара Лэмб, прима-балерина Королевского балета «Ковент Гарден» (Великобритания)

Родилась в Бостоне. Училась в балетной школе у Татьяны Николаевны Легат. Лауреат президентской стипендии США в сфере искусств. В 1998 поступила в Бостонский балет, где стала прима-балериной и танцевала ведущие партии в балетах современных хореографов — Уильяма Форсайта, Дэвида Доусона, Йормо Эло и других.
С 2004 года танцует в Королевском балете Ковент Гарден. В её репертуаре — партии Авроры, Жизели, Никии, Китри, Феи Драже, Джульетты, Манон, а также партии в балетах Баланчина. Специально для мисс Лэмб Уэйн МакГрегор создал свой первый полноформатный балет Raven Girl («Ворона»).
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16351
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Дек 02, 2015 9:02 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015120205
Тема| Балет, Международный фестиваль современного танца DanceInversion
Автор| Павел Ященков
Заголовок| В Москве завершился Международный фестиваль современного танца DanceInversion
Торобака, тото-вака и безумная чашка чая

Где опубликовано| © Московский Комсомолец
Дата публикации| 2015-12-02
Ссылка| http://www.mk.ru/culture/2015/12/02/v-moskve-zavershilsya-mezhdunarodnyy-festival-sovremennogo-tanca-danceinversion.html
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Спектаклем «Милонга» известнейшего бельгийского хореографа и режиссера Сиди Ларби Шеркауи на Новой сцене Большого театра завершился Международный фестиваль современного танца DanceInversion. DanceInversion в этом году — это семь танцевальных компаний и артисты высочайшего уровня из Франции, Чехии, ЮАР, Финляндии, Испании и Великобритании, 14 спектаклей, поставленных мастерами международного класса и показанных на четырех столичных сценах за два месяца работы.


Фото: Tristram Kenton

Собственно, эти цифры будут не столь удивительными, если учесть, что основатели и руководители этого уже многолетнего (с 1997 года) и авторитетного фестиваля Владимир Урин и Ирина Черномурова теперь руководители Большого театра: Урин — гендиректор, Черномурова — начальник отдела перспективного планирования и спецпроектов. В соответствии с такой рокировкой и возможности феста резко возросли, и теперь он проходит не только на своих традиционных площадках — в Музыкальном театре Станиславского и Немировича-Данченко или в РАМТе, — но и в Центре Мейерхольда и даже на Новой сцене Большого.

Уже в открывшем фестиваль спектакле Rouge («Красный») французской компании S’Poart хореограф Микаэль Ле Мёр представил хип-хоп в совершенно новой ипостаси. Он с большим успехом не только соединил этот уличный танец с танцем современным, но и театрализовал его. А вдохновленная книгой Гастона Башляра «Поэтика пространства» Каролин Карлсон, американка шведского происхождения, стоявшая у истоков французского современного танца, наоборот, в своем философском спектакле Now («Сейчас») решала вопросы куда более глобальные. И хотя не показала ничего нового в области собственно танца, зато экспериментировала с пространством и временем, поворачивая это самое время вспять и заставляя артистов возвращаться в прошлое с помощью хореографической импровизации. Для Карлсон это был принципиальный художественный акт: иной взгляд не только на собственную судьбу, но и человечества.

Иной взгляд на судьбу Кармен в своем одноименном спектакле показала и все более набирающая очки танцовщица (она, собственно, и исполнила роль Кармен) и хореограф из Южной Африки Дада Масило: в пронизанном современной лексикой и чувственной сексуальностью балете погибает не Кармен, а Хозе, которого, как быка на корриде, закалывает Тореадор. Интересно задуман и спектакль чешского режиссера Иржи Гавелки «Коррекция» — танцовщики на протяжении всего действия не сходят со своего места, ведь их обувь оказалась буквально прибитой к сцене. Это спектакль-протест, который повествует о поиске внутренней и внешней свободы в непростом современном мире.

Небольшим лирическим отступлением на фестивале стал и другой очень личный и трогательный спектакль из Чехии — «Безумная чашка чая», театральной группы Krepsko, — прошедший в небольшом пространстве малой сцены «Стасика». Он об одиночестве и о том, как трудно найти в этом мире друг друга. Цирк, танец, драма здесь смешаны с пантомимой и клоунадой, а в финале артисты потчуют зрителей ароматным чаем.

Наиболее интересными на фестивале оказались два недавних проекта, в которых так или иначе участвовал лондонский театр «Сэдлерс-Уэллс». В многозначном названии спектакля «Торобака» обыгрывается стихотворение дадаиста Тристана Тцары «Тото-вака», вдохновленного языком народа маори. Гуру современного танца — выходец из Индии Акрам Хан, представляющий сегодня британский танец, и звезда фламенко Гальван в «Торобаке» устроили соревнование испанского фламенко и индийского катхака, и в названии балета есть священные для их народов животные: бык («торо») и корова («бака»). Исраэль Гальван выбивал дробь-сапатеадо, а Акрам Хан позвякивал колокольчиками на ногах и бился в приступе священного экстаза о сцену головой, создавая на наших глазах из древних танцев какой-то новый, абсолютно актуальный текст. Собственно, точно так же поступил его друг и коллега марокканец Сиди Ларби Шеркауи, нынешний руководитель балета Фландрии, в своем спектакле «Милонга», который по сути является блистательным признанием в любви Буэнос-Айресу.

Что такое милонга? Это вечеринка в полуночном баре, где люди проводят время, танцуя танго. Кроме того, милонга — это тип танца, который также исполняется на этих вечеринках. Сиди Ларби Шеркауи и сам когда-то занимался танго и, по сути, представляет нам спектакль-вечеринку, где на фоне улочек и кварталов Буэнос-Айреса, показанных в плывущей видеопроекции, мужчины и женщины выражают свои отношения в танце. Сиди Ларби Шеркауи придумал спектакль с очень продуманной драматургией… Но главное в «Милонге» — это то, что танго, которое воспроизводят тут десять тангерос из Буэнос-Айреса, сочетается с современной хореографией, исполняемой современной парой танцовщиков, и, выводя танец за пределы национальной лексики, переосмысливает его.

— Мне кажется, что мы выполнили свою задачу, потому что программа фестиваля была сосредоточена на перекрестках танца, на перекрестках разных культур, — подвела итоги фестиваля худрук и продюсер DanceInversion Ирина Черномурова. — Тем было много, как и стилей, и, нам кажется, на фестивале удалось через разнообразный язык танца и движения отобразить некоторую картинку мира, актуальную на сегодняшний день.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Чт Янв 07, 2016 6:57 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16351
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Дек 03, 2015 12:04 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015120301
Тема| Балет, Фестиваль Дианы Вишневой "Context"
Автор| Елена ФЕДОРЕНКО
Заголовок| Как Грэм среди ясного феста
Где опубликовано| © Газета «Культура»
Дата публикации| 2015-12-03
Ссылка| http://portal-kultura.ru/articles/balet/125425-kak-grem-sredi-yasnogo-festa/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Фестивалю Дианы Вишнёвой всего три года. Раз от раза он показывает, что быстро взрослеет.


«Live»

Стремительно пролетел «Context. Диана Вишнёва», упаковав в пять дней 30 «единиц» программы. Гастроли зарубежных компаний и конкурс молодых хореографов, насыщенный киноблок и мастер-классы, круглые столы и, конечно, новая работа самой хозяйки феста. События пересекались, подгоняли друг друга, и выбор — что предпочесть — получался непростым.

Самое важное направление «Context» — смотр молодых хореографов. Умная балерина Вишнёва когда-то совершила личный прорыв, выскользнув из цепких классических сетей на просторы современного танца. Теперь она предоставляет шансы молодым соотечественникам. Организаторы получили 50 заявок, что, конечно, ничтожно мало для такой огромной страны, как наша. Шесть хореографов вышли в финал, сочинив для него отдельные номера. Из этой шестерки международное жюри в составе самой Вишнёвой, голландского мэтра Ханса ван Манена и худрука Екатеринбургского балета Вячеслава Самодурова выбрало победителя. Соискатели комментировали свои опусы, но слова их шли вразрез с воплощением. Самой обещающей показалась «Внутриутробная музыка гения» москвички Соны Овсепян, вдохновленной творческими муками канадского пианиста Гленна Гульда. Забавные истеричные дамочки в черных неряшливых пачках, с всклокоченными волосами, изображали то ли ноты, то ли поклонниц, терзающих творца, и искали «равновесия» рядом с дамой в белом, проповедовавшей, судя по всему, гармонию. Поиск продвигался хореографом с фантазией и юмором.

Привлек внимание и номер «МН-17» Арины Тростянецкой. Сбитый «боинг» сподвиг хореографа задуматься о смерти, реквием по погибшим срифмовался с тем, что происходит в мире. Законченными сочинениями работы назвать трудно, но эскизы собственного, пусть пока робкого, пластического языка, несомненно, намечены. Были две иллюстрации: Елизавета Некрасова «додумала» андерсеновскую «Русалочку», Екатерина Лещенко, увязнув в мелочах, пересказала сюжет пушкинского «Станционного смотрителя». Михаил Колегов визуализировал дерганую психику молодых людей, попавших в плен технического прогресса и способных «жить» только в режиме постоянно работающих айфонов. Победителем, получившим в качестве приза стажировку в парижском Центре танца Каролин Карлсон, стал москвич Константин Семенов. Мужской квинтет на музыку Оливье Мессиана, исполненный грамотно обученными солистами Большого театра, принес победу этой патетической хореографии — гладкой и правильной, сотканной из формул Бежара, Килиана и Дуато. Хореограф, конечно, профессия «штучная», дефицит их по-прежнему на виду, но тут Вишнёва не виновата. Наоборот — пытается положение исправить.


«Весна священная»

Ключевым событием фестиваля стал приезд труппы Марты Грэм — великой родоначальницы модерн-танца. Старейшая компания США за 90 лет своего существования впервые выступила в России. Собственно, из двух сотен балетов Грэм Москва видела только «Лабиринт», показанный Вишнёвой в одном из своих авторских проектов. Художественное впечатление от встречи оказалось завораживающим и неожиданным. Техника модерн-танца оказалась настолько безукоризненной, что воспринимается сегодня крепко слаженной системой, и не менее основательной, чем база классического танца. Бьющие через край эмоции, фронтальные позы, экспрессивная пластика, вспышки согнутых рук, вихри прыжков без разбега и полетов как вскриков отчаяния, синкопы пробежек, пируэты, устремленные не ввысь, в поднебесье, а вниз, в преисподнюю, — вот что такое легендарный модерн от Марты Грэм. Американцы показали две работы своей богини: ранний спектакль «Chronicle» на музыку Ригера и «Весну священную» Стравинского, сочиненную Грэм на 90‑м году жизни. «Хроники» созданы в 1936‑м как предвестие страшной войны, в них — оторопь перед судьбой человечества, мрак, о котором нельзя забывать, призыв к объединению. В тот год принципиальная и гордая Грэм наотрез отказалась от участия в Олимпийских играх (приглашение исходило от Гитлера) в стране, где крепнет фашизм. «Весна священная» тоже пронизана болью, но к древнему ритуалу жертвоприношения никакого отношения не имеет. Некая каста с бездушным палачом во главе выбирает тоненькую девушку-изгоя и планомерно, преднамеренно ее уничтожает. Спектакли разделены полувеком, но звучат как воззвания к человечеству — оставить искушения, высокомерие, смирить гордыню. Иначе — тьма и хаос накроют мир.

Великолепный вечер «Голландские мастера» подарил новую встречу с обаятельной, темпераментной и жизнеутверждающей труппой «Интроданс» из города Арнем (более десяти лет назад компанию приглашал Театр Наций). Дуэт, сочиненный классиком Хансом ван Маненом на музыку Моцарта, — веселый парафраз на тему эротических порывов юности. «Дневной свет» Бена Холдера — незамысловатое высказывание о радости жизни. Пять пар танцуют игривую, немного пасторальную хореографию. Балет «Cantus» Нильса Кристи на музыку Арво Пярта проводит тему войны, ломающей человеческие судьбы, и пронзительно, без вычурности и ложного пафоса собирает «образ» потерь: траурное убранство сцены в отблесках кровавого зарева, распростертые тела юношей, страстные воспоминания-дуэты.

Израильтянин Ицик Галили московским балетоманам тоже известен, хотя прежние его опусы не оставляли безоблачных впечатлений. Нынешняя мировая премьера «Man Of The Hour» для певиц и танцовщиков Израильской оперы — бессюжетное наваждение, концентрат молодой энергии, бьющей через край и не знающей компромиссов.

По недоразумению попала в фестивальную афишу аргентинская компания Бренды Анхиел с опытами над танго. Танец, где один из партнеров обязательно взлетал в воздух на лонжах, а две пары оказывались на потолке, смахивал на пошлое шоу.

Дважды за время феста Вишнёва исполнила мини-спектакль «Live» Ханса ван Манена. Созданная три с половиной десятилетия назад эта композиция ничуть не устарела, и Диана наполнила ее глубоким смыслом. На сцене — пианистка (звучит музыка Листа), балерина в коротком красном платьице, словно взятом напрокат у фигуристки, и оператор с камерой на плече. Все, что он снимает, транслируется на большом экране. Вот Диана спиной к зрителям выполняет упругие движения, а на экране — ее лицо, огромные печальные глаза, уставшая стопа, острое плечо или сжатый в отчаянии кулак. Зритель чувствует себя на территории, пограничной между кино и танцем. Героиня явно переживает сильные и не радужные чувства. Появление танцовщика, небрежно пересекающего сцену и идущего по проходу зрительного зала к выходу, многое объясняет. Она — теряет любимого, устремляется за ним, нервно бежит между рядами публики, оператор — за ней. Что происходит за пределами сцены и зала, зритель видит на экране. Герой равнодушно оставляет любимую, а ее накрывают воспоминания: в кинозаписи — репетиционные будни, струйки пота, учащенное дыхание, громкая поступь шагов — вся изнанка балетного мира. И вновь трансляция в режиме онлайн: Диана проходит по фойе Театра имени Моссовета, где танцует фестивальный спектакль, спускается по лестнице, надевает пальто и шарф, оказывается в саду «Аквариум» среди уснувших фонтанов и сверкающих иллюминацией деревьев. Конечно, преданная театру героиня преодолеет личную боль и начнет все заново: искусство всегда побеждает.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Чт Янв 07, 2016 7:00 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16351
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Дек 04, 2015 9:32 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015120401
Тема| Балет, Киргизия, концерт "Белый лебедь России", Персоналии, Наталья Ледовская, Наталья Крапивина, Георги Смилевски, Анастасия Леменько, Сергей Мануйлов
Автор| Любовь Борисенко (Бишкек)
Заголовок| Душа в танце
Звезды российского балета поддержали киргизстанских сирот

Где опубликовано| © "Российская газета - Неделя" - Киргизия №6845 (274)
Дата публикации| 2015-12-04
Ссылка| http://www.rg.ru/2015/12/04/balet.html
Аннотация|


Фото: Сагида Джумабекова

В Бишкек по приглашению выпускницы Академии русского балета имени Агриппины Вагановой Сагиды Джумабековой приехала группа ведущих российских балетных мастеров сцены. Они привезли с собой уникальный концертный сборник "Белый лебедь России".

Такое количество звезд классического танца в Киргизии можно увидеть разве только во время международных фестивалей. Своим выступлением бишкекчан и гостей столицы порадовали народные артисты России - примы-балерины Московского музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко Наталья Ледовская и Наталья Крапивина. А Георги Смилевски впервые привез на гастроли в Бишкек своего сына, который, несмотря на молодость, уже лауреат международных конкурсов. Свое искусство показали и восходящие звезды российского балета Анастасия Леменько и Сергей Мануйлов.

Программа вечера была разнообразной. Любителям балета представили отрывки из произведений мировой классики и порадовали яркой хореографической картиной "Вальпургиева ночь" из оперы Шарля Гуно "Фауст".

Прекрасную компанию российским гостям составили солисты Киргизского национального театра оперы и балета Айзада Тумакова и Марат Сыдыков.

- Киргизская балетная школа не может существовать отдельно от русской, - убеждена Айзада Тумакова. - Наши ведущие мастера сцены, начиная со знаменитой Бюбюсары Бейшеналиевой, получали образование в хореографических училищах России у самых именитых педагогов, а потом передавали опыт подрастающему поколению. Мы очень надеемся, что "Белый лебедь России" будет прилетать в Бишкек чаще.

Публика встречала каждый номер аплодисментами. Артистов несколько раз вызывали на "бис", а сцена Государственной филармонии, где проходил концерт, в буквальном смысле утопала в цветах.

- Я очень люблю классический балет, стараюсь выбираться почаще в театр, - поделилась впечатлениями от концерта бишкекчанка Толгонай Арабаева, - Сегодня вот решила привести сюда двух внуков. Младший Артур смотрел весь спектакль стоя. Увидел, как на сцену вышла живая принцесса, и замер. Уверена, детям это пойдет только на пользу, ведь сейчас по телевизору мало хорошего показывают. Здесь же живая музыка, столько эмоций, переживаний, и все это передается в танце. Пусть видят, что есть и другая жизнь.

P.S.

По словам организатора празднества Сагиды Джумабековой, все вырученные от концерта средства артисты решили направить в детские дома, и зрители активно поддержали танцоров. Здесь же, в зале, был организован сбор пожертвований, и люди в антракте выстраивались в очередь, чтобы внести свою лепту и помочь ребятам, лишенным родительской заботы.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16351
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Дек 06, 2015 3:23 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015120601
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Анастасия Меськова
Автор| Алиса Асланова
Заголовок| Анастасия Меськова
Где опубликовано| © Ballet Insider
Дата публикации| 2015-12-06
Ссылка| http://www.balletinsider.com/archive/ballet_and_design/3100
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Первая солистка Большого театра, звезда телесериала «Сладкая жизнь» примерила образы из коллекции русского дизайнера Igor Gulyaev и рассказала о своей любви к кино и театру.



Bi: Вы часто говорите, что у Вас не было детства. Но все-таки Вы были счастливы в детстве?

АМ:
Тогда мне казалось, что, да, я счастлива. Но, если быть откровенной, сейчас, уже будучи матерью, я думаю, что, нет, я не была тогда счастлива. Конечно, у меня были большие возможности, я была знакома и работала с огромным количеством замечательных и талантливейших людей – все это воспитало меня! Но такая серьезная работа забрала мое детство: с 4-х лет я никогда не гуляла с друзьями во дворе, у меня не было обычных детских радостей. В хореографическом училище все время было отдано балету: перед занятиями у меня была гимнастика, затем с утра и до шести вечера я была в училище, приходя домой, я дополнительно занималась балетом. Мне сейчас часто говорят, какое у меня вращение от природы, но ведь это абсолютно наработанный прием, который я отрабатывала по часу дома каждый день! Только 32 фуэте я крутила в три подхода.

«Иногда мой педагог в театре укоряет меня, что я не всю себя посвятила театру. Но я и не хочу посвящения».

Bi: Вы были амбициозной в детстве?

АМ:
Да и впоследствии мне было сложно смирить свои амбиции. Ведь, когда вложено такое количество сил, то кажется, что результат должен быть сравнимым по масштабу. Со временем, конечно, многое начинаешь понимать. Сейчас я считаю, что я на своем месте. Быть может, мне и хотелось бы добиться звания ведущей балерины, но я трезво себя оцениваю, и сейчас у меня нет цели станцевать «Лебединое озеро».

Bi: С точки зрения классического академического образования при такой загруженности в детстве неизбежны пробелы, которые часто становятся причиной сожалений для артистов балета. А у Вас особенное положение: Ваши родители профессора МГУ, как они смотрели на столь узкопрофильное обучение?

АМ:
Сейчас мне приходится заполнять эти пробелы. Многое из того, что я прочла в училище, я сейчас перечитываю, потому что тогда все это отходило на второй план. Я всегда говорю, что балетные не глупы, просто мы слишком «узконаправленные». Зато мы очень глубоко понимаем и оцениваем творчество, как таковое.

Сейчас балет стал менее крепостным, и есть возможность ставить свои личные интересы превыше балета. Иногда мой педагог в театре укоряет меня, что я не всю себя посвятила театру. Но я и не хочу этого посвящения. Я обожаю театр и сцену, но мне намного больше эмоций дарит осознание того, что моему сыну уже почти 10 лет, что у меня есть любимый человек, и я счастлива.

Bi: До поступления в хореографическое училище Вы уже были известны, за плечами была заметная роль в кино и победа на «Утренней звезде». Даже был случай, что Софья Николаевна Головкина (прим.ред. ректор Московской академии хореографии в то время) взяла с Вас обещание больше не сниматься в кино….

АМ:
Да, этот момент даже на видео записан (смеется). Такое условие было поставлено потому, что Софья Николаевна увидела во мне то, что раньше было определяющим: артистичность, харизму, музыкальность, – те качества, которым сложно научить. Я была артистичным ребенком, и именно это для нее было важно. Она меня очень полюбила.

Bi: Но это стоило Вам одиночества в училище?

АМ:
Да, ведь никто не любит особенных. Я была самой маленькой. Мне было всего 8 лет, когда я поступила в училище. То есть я была на два года младше своих одноклассников, а это огромная пропасть. И, конечно, свою роль сыграло особенное отношение ко мне Софьи Николаевны, которая души во мне не чаяла и совершенно этого не скрывала. Хоть она и не была моим педагогом, но она с самого принимала участие в моей жизни. Она мой учитель и наставник с первого дня! Недавно был концерт в Большом театре в ее честь, и для меня это был очень особенный день, ведь наш класс – это ее последний выпуск.

«В нашем искусстве у каждого свой путь, нужно быть готовым к несправедливости. Это мир, полный взлетов и падений!»

Bi: В итоге обещание не сниматься в кино Вы нарушили?

АМ:
И очень быстро! Я поехала сниматься в «Маленькой принцессе». Такой шанс нельзя было упустить. Этот фильм дал мне очень много, и я абсолютно не жалею о своем выборе. Эта работа наделила меня опытом, дала возможность поработать с великими артистами, и принесла мне много кинонаград.

Bi: Какими были Ваши планы после выпуска?

АМ:
Удивительно даже, но, мне кажется, у меня в 17 лет не было ни мыслей, ни планов (смеется). Многое в моей жизни случалось как-то само собой, и мне казалось это нормальным. Попасть в Большой театр мне казалось естественным развитием событий. И, когда меня поставили 33-м лебедем у воды, я понимала, что я должна пройти эту школу.

Bi: А как же амбиции?!

АМ:
Я никогда не стояла в кордебалете до этого, танцевала только соло. Но кордебалет меня многому научил, например, чувствовать артистов рядом, даже будучи солисткой. Для меня самый сложный кордебалет – это лебеди и виллисы. Но скажу так – каждый раз, когда я стояла в виллисах, я мечтала станцевать Мирту. И недавно моя мечта сбылась. Наконец-то! На десятый год работы в театре.

Bi: Сейчас все чаще девочки, только что закончившие училище минуют кордебалет, и сразу становятся солистками…

АМ:
Сейчас балет – дорогой вид искусства. Зачастую ребенок становится неким продуктом, в который нужно вложиться, развивать, и, чтобы талантливого ребенка не портить в массовке, его лучше сразу огранить, словно алмаз. И, кроме того, многие из великих прим обошли суровую школу кордебалета. В нашем искусстве у каждого свой путь, нужно быть готовым к несправедливости. Это мир, полный взлетов и падений!

Bi: Хочется поговорить о Вашем недавнем новом успехе в мире кино. Когда Вы дали согласие на участие в сериале «Сладкая жизнь», Вы знали, что сериал будет настолько успешным?

АМ:
Совсем нет! Я даже ни с кем не консультировалась по этому поводу.

На бумаге сериал выглядел устрашающе, но режиссер совершенно гениальный! Андрей Джунковский потрясающе работает с актерами, это стало решающим. Работа с ним стала для меня хорошей школой. Он работает очень искренне, чувствует сущность человека. Я сама люблю проявление настоящего характера во всем, я за отражение трусости и слабости героев.

«Мне хочется идти вперед, а не возвращаться к началу».

Bi: Как Вам удалось совместить съемочный процесс с работой в театре?

АМ:
Пилотный выпуск мы сняли, когда у меня была сломана рука, а первый сезон – во время моего отпуска. Рабочий день на съемках длится 12 часов, но бывало и по 14, в этот день снимались все самые драматичные сцены. В целом, кино – очень нелегкий труд.

Bi: Какую роль Вам, как актрисе, интересно было бы сыграть в балете?

АМ:
Я была каким-то шестым составом Маргариты при постановке балета «Дама с камелиями». Понимаю, что, скорее всего, я никогда не станцую эту роль, я все же ею заболела. Мне есть что сказать в этой истории. В итоге я все равно имею счастье участвовать в этом спектакле и танцевать Прюданс Дювернуа.

Bi: Вы не заканчивали театральный институт. Вам не мешает отсутствие актерского образования?

АМ:
Да простят меня великие мастера, но сейчас я не готова прийти и начать все с нуля. Я отношусь к себе критично, постоянно развиваю себя. Скоро, к примеру, буду брать уроки сценической речи и слушать лекции, но прийти и сказать: «Научите меня, я никто,» – я уже не смогу, ведь я уже прошла очень долгий путь взросления, сумела накопить большой опыт. Я всегда получаю хорошие отзывы о своей работе. Мне хочется идти вперед, а не возвращаться к началу.

Bi: Что в планах?

АМ:
Я хочу все: телевидение, театр, кино!.. И я стараюсь не упускать шансы, которые дарит мне судьба.

Bi: Что в Вашей жизни сыграло ключевую роль: удача, талант или трудолюбие?

АМ:
Не боюсь обидеть свою фортуну – удачи в моей жизни мало. Зато много труда! За любой удачей и талантом стоит огромный труд.

Фотограф
Октавия Кольт


------------------------------------------
Другие фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16351
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Дек 07, 2015 12:28 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015120701
Тема| Балет, , Персоналии, Борис Эйфман
Автор| Беседовал Игорь Игрицкий
Заголовок| «Результаты культурной дипломатии не могут быть сиюминутными»
Хореограф Борис Эйфман о перспективах развития балетного искусства
Где опубликовано| © «Лента.Ру»
Дата публикации| 2015-12-07
Ссылка| http://lenta.ru/articles/2015/12/07/balleteifman/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В северной столице 14 декабря откроется четвертый Международный культурный форум, в котором примут участие деятели искусств, политики и предприниматели из разных стран. Среди них будет и хореограф Борис Эйфман, народный артист России, художественный руководитель Санкт-Петербургского государственного академического театра балета. «Лента.ру» побеседовала с прославленным балетмейстером о предстоящей работе на форуме, о его последних проектах, а также о перспективах развития балетного искусства в нашей стране.

«Лента.ру»: Какие вопросы будут обсуждаться на возглавляемой вами секции «Балет и танец» IV Санкт-Петербургского международного культурного форума?

Борис Эйфман: Наша балетная секция будет работать третий год. Если в прошлый раз ее программа включала три мероприятия, то в этом году их количество возросло до девяти. Центральным событием секции станет круглый стол «Классическое наследие — музей или театр?», который пройдет 14 декабря в историческом здании Мариинского театра. Как известно, основной темой нынешнего форума является 70-летие ЮНЕСКО — организации, занимающейся сохранением важнейших культурных ценностей. В этой связи мы решили обсудить тему реставрации и переосмысления великих шедевров балетного искусства и основные творческие подходы, применяемые для решения подобных художественных задач. Участники круглого стола постараются определить ту грань, которая отделяет авторскую интерпретацию классики и эстетическое новаторство от пересмешничества. Свою программу предложат коллеги из Академии Вагановой. Они, среди прочего, обсудят значение сохранения основ классического балетного образования. Наша же Академия танца проведет презентацию своей инновационной педагогической системы и расскажет о том, как бережное и уважительное отношение к традициям может сочетаться с воспитанием универсальных танцовщиков XXI века. Кроме того, упомяну панельную дискуссию, посвященную объединительному потенциалу балета. Сегодня, когда мир охвачен тревогой и бесконечными конфликтами, жизненно необходимо говорить о том, что существуют явления, сближающие и духовно преображающие людей.

Кого вы пригласили в качестве спикеров и гостей круглого стола?

У нас будет 12 участников. Это всемирно известные деятели балетного искусства — руководители трупп, хореографы, артисты, педагоги, исследователи. Среди них: шведская танцовщица Анна Лагуна, художественный руководитель Корейского национального балета Кан Су Чжин, прима Мариинского театра Диана Вишнёва, руководитель Норвежского национального балета Ингрид Лоренцен, президент Международного танцевального совета ЮНЕСКО Алкис Рафтис. Искренне рад, что нам удалось собрать такой представительный круг экспертов.

В рамках форума состоятся экскурсии «Балетный Петербург». Расскажите поподробней, что это за маршрут и каковы его туристические перспективы?

Мы подготовим уникальный маршрут, который охватит трехсотлетнюю историю балетного искусства в нашем городе и расскажет о жизни и творчестве многих великих хореографов и танцовщиков — от Дидло и Петипа до Дудинской и Барышникова. В настоящее время завершается написание экскурсионного сценария. Думаю, мы сможем открыть немало нового даже для тех, кто активно увлекается балетом. Поклонникам нашего театра, в частности, будет интересно узнать, где находился рабочий кабинет Бориса Каплуна, гражданского мужа Ольги Спесивцевой, и по какому адресу проживала в Петербурге сама балерина перед отъездом за границу. Мы хотим, чтобы эта экскурсия стала новым туристическим брендом города, привлекающим тысячи туристов со всего света.

На форуме вы покажете балет «По ту сторону греха». Почему вы выбрали именно этот спектакль?

«По ту сторону греха» — балет по роману Достоевского «Братья Карамазовы». Показ спектакля будет посвящен завершающемуся Году литературы. Мы напомним зрителю, что язык танца может открывать в великих книгах новые философские уровни, проникать в смысловую глубь текста. Иными словами — находить неизвестное в известном. Балетное искусство и литература питают и взаимно обогащают друг друга. Их симбиоз рождает кардинально новые художественные явления, обладающие особым интеллектуальным содержанием и уникальной поэтикой.


Балет «По ту сторону греха»
Фото: Дмитрий Лекай / «Коммерсантъ»


Чем принципиально новый балет «По ту сторону греха» отличается от предыдущей постановки 1995 года «Карамазовы»?

Каждый наш спектакль, с одной стороны, является точной фиксацией творческих возможностей труппы, а с другой — стремится отразить наиболее острые проблемы современности. Я ставил «Карамазовых» в середине 1990-х, и тогда особое звучание имела тема опасности неограниченной свободы, внезапно обрушивающейся на общество, которое еще не до конца изжило в себе память о своем несвободном прошлом. В нашем спектакле эта проблематика была отражена в споре Ивана и Алексея, перетекавшем в пластическую материализацию легенды о Великом Инквизиторе. Балет имел огромный успех у зрителей. Когда спустя почти два десятилетия я вновь обратился к «Братьям Карамазовым», то решил по-другому взглянуть на основные идеи романа и еще глубже проникнуть в его философское содержание. Причем сделать это при помощи того арсенала пластических и технических средств, которыми сегодня обладает наш театр. Спектаклю 1995 года все-таки была свойственна повествовательность, текст Достоевского в какой-то степени подавлял меня. В балете «По ту сторону греха» ничего подобного нет. Здесь мы сосредоточены на психоаналитическом исследовании внутреннего мира героев и размышляем о том, как зло и добро, переплетаясь, борются друг с другом внутри человека. Новый спектакль по «Братьям Карамазовым» — попытка определить ту точку невозврата, за которой начинается нравственная гибель личности.

Когда выйдет DVD-версия балета «По ту сторону греха»? Какие еще спектакли в ближайшее время мы увидим на цифровых носителях?

Буквально на днях завершился монтаж. Это была изнурительная работа: я сидел перед мониторами по 12 часов в день. Так что уже в четвертый раз (ранее мы сняли спектакли «Анна Каренина», «Евгений Онегин» и «Роден») мне приходится выступать не только в качестве режиссера-постановщика фильма, но и в роли режиссера монтажа. Переложить этот каторжный труд на кого-то другого я не имею права, ведь ни один кинематографист не может знать пластическую партитуру балета лучше хореографа. Еще предстоит завершить постпродакшен. Затем спектакль «По ту сторону греха» выйдет на диске. А уже в январе следующего года состоятся съемки экранной версии балета Up & Down, поставленного по роману Ф. С. Фицджеральда «Ночь нежна». Проект очень ответственный: мы должны перенести на экран один из самых ярких и зрелищных своих спектаклей. Наша программа-максимум — выпустить на DVD весь текущий репертуар театра. Хочется, чтобы у каждого зрителя была возможность приобщиться к балетному искусству современной России.

В ноябре ваш театр с большим успехом гастролировал по Китаю, а в декабре предстоят выступления в Италии, весной-летом вы в очередной раз посетили США, а осенью — Германию, Ближний Восток. Каковы, на ваш взгляд, результаты культурной дипломатии на примере балетного искусства? Мы по-прежнему «в области балета впереди планеты всей»?

Мои собеседники часто вспоминают эту цитату, однако нужно помнить о том, что балет — не Олимпийские игры. Здесь нельзя посчитать количество медалей и составить турнирную таблицу. Сегодня следует не рассуждать о том, кто первый, кто второй, а сосредоточиться на решении наиболее злободневных проблем отечественной балетной действительности. Сюда относятся острая нехватка квалифицированных артистов, отсутствие новых ярких хореографов, дефицит оригинальных идей, падение престижа профессии. Обо всем подобном я твержу начиная где-то с конца 1980-х. Долгие годы это был глас вопиющего в пустыне. И только сейчас государство и мои коллеги в полной мере осознали, что балет, всегда являвшийся предметом нашей национальной гордости, вновь должен занять утраченные приоритетные позиции. Я очень надеюсь на нашу Академию танца, призванную подготовить новых лидеров балетного искусства. Если нам удастся в полной мере реализовать свою программу, то в недалеком будущем в стране появятся не просто исполнители топ-уровня, а универсальные артисты, для которых нет невыполнимых задач. Что касается культурной дипломатии, то ее результаты не могут быть сиюминутными и осязаемыми. Когда политики договариваются о прекращении боевых действий, подписывают международные соглашения — это одно. Искусство же воздействует на внутренний мир человека, и такого рода метаморфозы невозможно оценить с помощью стандартных критериев. Каким именно образом поселившиеся в душе настороженность и враждебность уступают место возвышенному волнению и восторгу — большая тайна. Хотя, конечно, когда на гастролях в Нью-Йорке или Лондоне мы видим людей, встающих и устраивающих труппе овацию, то точно понимаем: театру удалось разрушить стену недоверия и растопить лед в зрительских сердцах.

Вы работаете над новой хореографической версией легендарного спектакля «Чайковский», премьера которой планируется в следующем году. Можно узнать подробности?

Этот балет занимает особое место в творческой биографии нашего театра. Именно с «Чайковского», по большому счету, начинается его новейшая история, тот путь создания масштабных балетных психодрам, который по-прежнему остается для меня единственно приемлемым. Как и в случае с «Реквиемом», «Карамазовыми», «Красной Жизелью» и другими легендарными постановками, спектакль о гениальном композиторе в определенный момент сошел со сцены. Однако и зрители, и артисты, и я сам не хотели расставаться с ним навечно. Возрождая и переосмысливая «Чайковского», я стремился привести этот балет в полное соответствие с сегодняшней творческой философией нашего театра, а также теми художественными возможностями и сценическими технологиями, которые стали доступны за минувшие десятилетия. Либретто спектакля и музыкальная партитура останутся прежними, а вот хореография мною значительно переработана. Декорации, костюмы и световое оформление будут абсолютно новыми.

Вы возглавляете Академию танца Бориса Эйфмана. Какова перспектива появления при Академии Музея балета и Санкт-Петербургского детского театра танца и развитие этой инновационной учебной школы?

Городской детский театр танца должен появиться к 2018 году. Проект поддержан правительством Санкт-Петербурга и лично губернатором Георгием Полтавченко. Мы создадим новую прекрасно оборудованную площадку, способную открыть мир танца для тысяч юных петербуржцев. Будем проводить на ней фестивали, конкурсы, спектакли. Новый театр примет не только тех, кто готовится стать профессиональным артистом, но и детей, занимающихся танцами исключительно для души. С музеем все чуть сложнее. У него уже есть превосходная база — недавно отреставрированный исторический деревянный особняк, расположенный рядом с Академией. А вот над созданием экспозиции еще предстоит потрудиться. Будем налаживать взаимодействие как с профессиональным музейным сообществом, так и с наследниками выдающихся балетных деятелей, хранящими вещи своих знаменитых предков. Хочется верить, что кто-то из них захочет внести лепту в формирование коллекции. Первый экспонат будущего музея у нас уже есть — это памятник Джорджу Баланчину, торжественно открытый в Академии танца в августе.

Какова судьба проекта Дворца танца? Когда он появится?

К сожалению, пока этот вопрос для меня — из разряда вечных. Уже много раз оглашались различные сроки, но строительство еще даже не началось. Свое 70-летие в следующем году я встречу в статусе руководителя всемирно признанного и при этом бездомного балетного коллектива. То же самое и с 40-летием нашего театра, которое мы отметим в 2017-м. Так что сейчас все надежды связаны уже с 2018 годом, когда балетный мир будет праздновать 200-летие Мариуса Петипа. Появление к этому сроку в Петербурге, где жил и творил свои шедевры Мариус Иванович, нового международного центра хореографического искусства станет лучшим подарком — не только для нашей труппы, но, прежде всего, для миллионов ценителей танца.

Как вы, приверженец психологического балета, относитесь к современному пластическому театру?

К сожалению, у меня нет возможности внимательно следить за тем, что делают коллеги, работающие в других направлениях. Но я приветствую все стили и течения, занимающиеся последовательным развитием выразительных возможностей человеческого тела. В искусстве должен соблюдаться принцип эстетического многообразия, в этом залог его эволюционирования. Кстати, воспитанникам нашей Академии танца в обязательном порядке преподаются ритмопластика и пластическая выразительность.

Кто, по-вашему, современный зритель балета?

Возьмем наш театр. На спектаклях мы видим разную публику: людей среднего возраста, зрителей почтенных лет и — что меня особенно радует — молодежь. Театр не творит для какой-то одной избранной категории. Мы открыты для всех, кто способен понять и принять наше искусство.

Считается, что зрители ждут от театра в первую очередь развлечения. Хотелось бы услышать ваше мнение применительно к балету. Что сегодняшний зритель ждет от балетного спектакля?

Я бы поставил вопрос по-другому: что сегодняшнее балетное искусство способно дать зрителю? Какими средствами оно может побудить его оторваться от интернета, телевизора, купить билет и прийти в театр? Для меня ответ однозначен: искусство танца несет аудитории тот заряд духовной энергии, который современный человек никогда не получит от телесериалов или блокбастеров. Люди, хотя бы однажды посетившие наш спектакль и испытавшие катарсис, приходят к нам снова и снова, потому что пережитый ими эмоциональный опыт незабываем.

Будете ли вы выступать в Петербурге в этом году после 16 декабря?

28 и 29 декабря мы покажем в Александринском театре балет Up & Down. Интересно, что 2015 год начался для нас с премьеры именно этой постановки. Завершается он тем же спектаклем. Знаю, что многие зрители до сих пор не видели Up & Down. Так что предстоящие спектакли станут для них хорошим новогодним сюрпризом.

Куда, на ваш взгляд, движется балет и хореограф Эйфман?

Хочется верить, что балет движется к обретению самого себя, тех фундаментальных основ, которые были забыты за долгий период господства модерна. Речь, в первую очередь, о восстановлении глубинных связей, веками существовавших между танцем и театром, о возвращении в хореографию утраченного философского начала, содержательности. Я следую этому пути на протяжении десятилетий и не могу не радоваться тому, что сегодня мои коллеги во всем мире медленно, но верно приближаются к такому же видению подлинной сущности балетного искусства.
-----------------------------------------
Все фото по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16351
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Дек 07, 2015 12:08 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015120702
Тема| Балет, Бурятский государственный академический театр оперы и балета, Персоналии, Морихиро Ивата
Автор| Ирина Нимацыренова
Заголовок| Морихиро Ивата: «Бурятия для меня центр земли!»
Где опубликовано| © Информ Полис
Дата публикации| 2015-12-07
Ссылка| http://www.infpol.ru/chelovek-goda/item/17368-morikhiro-ivata-buryatiya-dlya-menya-tsentr-zemli.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ




Художественный руководитель Бурятского государственного академического театра оперы и балета – наш новый номинант на премию «Человек года»

Мы представляем уже прославленного в культурной сфере республики человека, который даже и не думал, что Бурятия когда-то станет для него родным домом. Наш номинант на премию «Человек года» - Морихиро Ивата.

Его называют японской звездой русского балета. Морихиро-сан блистал на сцене Большого театра и крупнейших площадках мира. А теперь он отдает всего себя бурятскому балету. Художественным руководителем труппы Бурятского государственного академического театра оперы и балета им. Г.Ц. Цыдынжапова он стал в сентябре 2012 года.

Как говорит он сам, его миссия - «создавать совершенное искусство». Морихиро Ивата учит артистов не только технике танца, но и артистизму. Под его руководством театр обрел классические и колоритные спектакли «Дон Кихот», «Баядерка», «Бахчисарайский фонтан», «Тамаши» и др. Морихиро Ивата всегда находится в поиске новых идей. В 2014 году им был создан Культурный фонд. По его приглашению в Улан-Удэ приехали артисты из Японии, жители Бурятии познакомились с культурой Страны восходящего солнца. Он умеет создавать гармоничное сотрудничество культуры и бизнеса. Благодаря Культурному фонду Морихиро Ивата для театра и хореографического колледжа, где он еще и успевает преподавать, приобретены новые балетные пачки и пуанты.

- Морихиро-сан, вы уже три года живете в Бурятии, работаете в театре. Как вы считаете, удается ли выводить культуру на новый уровень?

- Для меня радостно, что я могу работать в этом театре. Мне нравится труппа, я получаю творческое удовольствие. Могу сказать, что для себя я нашел здесь многое: новый взгляд на жизнь, обрел другие ценности. В большом городе, в котором крутятся большие деньги, мне кажется, все важное теряется. А здесь я чувствую, что живу. Конечно, деньги сегодня очень важно. Без финансов трудно существовать, любое дело нуждается в них. Но здесь есть хорошие люди, которые меня поддерживают. Сейчас для меня центр земли – это Бурятия, Улан-Удэ. Я не могу сказать, что приехал сюда поднимать культуру. На самом деле тут и так очень высокая культура. Есть уважение к традициям. Я хотел бы помочь немного расширить рамки.

- Какие достижения вы считаете своими главными победами?

- Если подумать, то что-то полезное я уже сделал. Но я считаю, что это длинный путь и не окончательные результаты. Идеал еще далеко. Главное, что мы, я, труппа, зрители, растем. И я не делаю это через скандал. Скандалом можно быстро заинтересовать, но также быстро люди про тебя забудут. Лучше идти по долгому пути, зато это и останется надолго. Думаю, мы идем по правильному пути.

- Чего сейчас не хватает нашему театру оперы и балета?

- На самом деле тут есть все. Не все возможности до конца раскрыты. Театр может еще больше расцветать. Недавно разговаривал с другом из Японии. И он мне сказал, что о таком театре, как в Бурятии, в Японии можно только мечтать. Чтобы содержать труппу из 60 человек, нужны большие деньги! То же самое и оркестр, зал, пошивочные. А у нас все это есть, республика нас поддерживает! Нам очень повезло! Но многие люди не ценят то, что имеют. Как и нетленное тело Хамбо ламы Итигэлова. Он единственный в мире, и пришел именно в наше время. А мы вот так живем, будто это обычно, и не ценим.

- Что нужно сделать, чтобы наш театр стал самым лучшим, гремел на весь мир?

- ...(думает) К такому результату, конечно, надо стремиться. Но надо помнить, что искусство – это не бизнес. Больших денег этим не заработать, главное, что оно дарит людям счастье. Поэтому без финансовой поддержки ничего не состоится. Хотелось бы, чтобы не только правительство поддерживало. У меня есть друзья, руководители театров в разных регионах, они рассказывают, что у них очень мощная финансовая поддержка от правительства. Власти через театр поднимают город. Они понимают, что театр - это не просто здание, а лицо и культура города.

- То есть все, как обычно, упирается в деньги?

- Задач много. Это только один из важных моментов. Пока у меня не на все сил хватает, надо всем работать.

- Активно ли зритель сейчас ходит в театр?

- Здесь очень высококультурный народ. Тут очень любят классику, хотя многие говорят, что надо делать что-то современное. Есть одна проблема. Зрители, бывает, один раз посмотрят спектакль и больше на него не ходят. Говорят: «Я уже видел». Но ведь классическое искусство можно много раз смотреть и каждый раз открывать для себя что-то новое. «Лебединое озеро» я смотрел множество раз, и каждый раз наслаждаюсь по-новому. Это духовное питание. Пока в этом плане слабовато. У людей нет такой привычки.

- Как быть с тем, что многие жители Бурятии, в том числе артисты, хотят уехать из республики?

- Конечно, в Москве, Петербурге, Лондоне возможностей больше. Масштабы там другие, что говорить. Стремиться к этому хорошо. Но главное понять, какие цели ты ставишь в своей жизни. Если это нужно, чтобы расширить свой взгляд на жизнь, повысить свой уровень, то это прекрасно. Но чего они хотят? За два последних года ни один выпускник хореографического училища не пришел к нам в театр. Ни один человек! В детях воспитывают стремление заработать, а значит, куда-то уехать. И что странно, те люди, которые уехали, как будто считаются лучше. Знаете, я считаю, это результат неправильного воспитания, дети ведь сами ничего подобного не думают.

- Но ведь и вы сами однажды уехали из своего города, чтобы танцевать на лучших площадках, в том же Большом театре.

- Да, я хотел, стремился. Конечно, там здорово. Там все работает, система отлажена. Но все-таки я считаю, лучше вообще не уезжать. Нужно самим делать такое искусство, чтобы нам было чем гордиться, чтобы к нам хотели приехать. Вот как надо делать! А то знаете, это духовность слабая, когда люди уезжают.

- Каков ваш ежедневный распорядок дня?

- Всегда очень разный. Как и в работе, так и вообще в жизни у меня нет долгосрочного плана: в этом году я делаю это, в следующем то. Нет, я живу сегодняшними задачами. Все вопросы стараюсь сразу же быстро решать. Режим... выходных у меня нет, нет и никаких рамок, со сколько и до скольки я должен работать. Я просто живу в этом театре. Утром прихожу, работаю, общаюсь, когда дела заканчиваются, еду домой.

- Морихиро-сан, как вы относитесь к тому, что стали номинантом премии «Человек года»? Насколько это важно для вас?

- Я очень благодарен, что про меня вспомнили, это для меня большая честь. Мне очень приятно. Остается только работать. Хамбо лама Дамба Аюшеев однажды сказал мне: «Ты молодец, но ты еще не великий. Если ты будешь в Улан-Удэ двадцать лет, то тогда великим будешь!». Сейчас четвертый сезон. Еще 16, получается (улыбается).

Справка

Морихиро Ивата родился 6 октября 1970 года в г. Йокогама (Япония) в балетной семье. Начальное хореографическое образование получил в школе своего отца «Ивата-балет». В 1990 - 1991 гг. стажировался в Московском хореографическом училище. В 1991 году стал солистом труппы «Русский балет» под руководством Вячеслава Гордеева. В труппу Большого театра был принят в 1995 году. В 2009 году Морихиро был удостоен высокой правительственной награды - президент Российской Федерации вручил ему орден Дружбы. В 2012 году завершил карьеру танцовщика и вскоре был назначен художественным руководителем балетной труппы Бурятского государственного академического театра оперы и балета.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16351
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Дек 07, 2015 12:28 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015120703
Тема| Балет, Азербайджанский театр оперы и балета, Персоналии, Ольга Гайко (Беларусь)
Автор| Улькяр Алиева
Заголовок| Черно-белое великолепие «Лебединого озера» на бакинской сцене - РЕПОРТАЖ - ФОТО
Где опубликовано| © Day.Az
Дата публикации| 2015-12-07
Ссылка| http://news.day.az/culture/725231.html
Аннотация|



ФОТОГАЛЕРЕЯ

Если посчитать проданные за всю историю балета билеты, то спектакль "Лебединое озеро" П.И.Чайковского наверняка станет лидером по их количеству. Люди, не знающие точно, на какой спектакль хотят пойти, балет "Лебединое озеро" выберут почти наверняка, если он есть в афише. Потому что само название балета, который стал, с позволения сказать, классическим "брендом", уже сам по себе служит гарантией удовольствия от вечера в театре.

Балет Чайковского еще и лидер по числу редакций, которые даже специалисты, умеющие плавать в этом балетно-священном озере, не берутся подсчитать. Что касается непосредственно бакинской, то на радость любителям классической интерпретации - никаких эксцентричных "игр разума". Постановка максимально приближена к эстетике эпохи невинности и наивности балета жанра - известной версии Петипа-Иванова: чередование "белых" актов и бала, ивановские лебеди и "черное" Pas dchr("39")action Петипа.

Удивительнейший спектакль во всех отношениях!

Во-первых, сюжет, балансирующий между реальностью и фантасмагорией, повествующий о любви принца Зигфрида к заколдованной королеве лебедей - Одетте. Покоренный ее красотой и потрясенный ее рассказом о заклятии, Зигфрид клянется Одетте в вечной любви. Но уже на балу в замке Зигфрида, он избирает своей невестой Одиллию - дочь злого волшебника Ротбарта, принявшую облик Одетты. Только истинная любовь в финале помогает влюбленным разрушить злые чары и обрести свое счастье.

Во-вторых, гениальная дансантная музыка Чайковского, легко ложащаяся "на слух". Что ни номер - классический шлягер, не говоря уже о "Танце маленьких лебедей", который входит в топ-десятку самых узнаваемых классических мелодий. Недаром на следующий день после премьеры балета в Большом театре 4 марта 1877 года, московские меломаны приветствовали друг друга словами: "Вы слышали (а не видели!) новый балет Чайковского?".

В-третьих, "Лебединое озеро" - настоящий балетный праздник, в котором есть все: па-де-де с вариациями, большие прыжки по кругу, 32 фуэте, яркие декорации, стилизованные под старину костюмы, классические пачки. Словом, все то, что составляет суть классического балета.

В-четвертых, "Лебединое озеро" - это еще и проверка на артистизм исполнительского мастерства балерины в создании двух таких противоречивых, психологически наполненных образов - королевы лебедей Одетты и коварной соблазнительницы Одиллии. А если добавить выступление истинной звезды белорусского балета - очаровательной Ольги Гайко, силуэт которой выгравирован на золотых памятных медалях белорусского театра, в ее "коронной" двойной партии балета Чайковского - то удовольствие от спектакля становится непередаваемым.

Ее исполнение было таким, после которого говорят парадоксальную, но удивительно емкую фразу: "Сама танцует, а тело думает".

Два женских образа в исполнении О.Гайко по-разному "опутывали" ветреного и недалекого принца Зигфрида своими невидимыми, но крепкими путами (автор этих строк всегда удивлялась странной логике сюжета: и как принц не заподозрил подлог, когда его любимая появилась на балу под руку со своим заклятым врагом?).

Белый Лебедь - Одетта в исполнении украинской примы была потрясающе хороша, сплошные "ахи". Ах! - как скульптурно отточено поднялась рука (о работе запястий если и писать, то только в стихах), Ах! - как забилась в нервной трепетной пульсации нога, ах! - как волшебно заколыхалась "невесомая" пачка, а с нею трепетно забились и мужские сердца. Нельзя не упомянуть об удивительной "гнучести" и "шпагучести" балерины и запредельном шаге белорусской этуали.

Пластика великолепная - тонкая, но мятежная, лопатки (вопреки канону классики) сдвигались друг к другу для активной подачи корпуса и рук. С другой - пульсирующая утонченность, доходящая до декадентства. Ощущение от танца такое, как если бы вы подбросили лебединое перышко и следили, как оно, трепеща в воздухе, плавно опускается на землю.

И Черный Лебедь в исполнении О.Гайко (образ коварной, решительной и изворотливой Одиллии) оказался весьма интересным как в плане актерского воплощения, так и в техническом (белорусская прима не стала купировать сложнейшие вариации Одиллии, а исполнила их целиком). Пусть традиционно ожидаемое фуэте не было "докручено" до конца, но сразу последовавшие великолепные туры еще раз показали, что это было лишь милое недоразумение, которое всегда свойственно "живому" спектаклю.

Ее партнер - Игорь Оношко в партии принца Зигфрида - идеальная золотая оправа для такого сценического балетного бриллианта, как Ольга Гайко: импозантный, элегантный артистичный. Замечательное актерское исполнение, техническая чистота без видимых шероховатостей, высокие прыжки в "черном акте", неслабые поддержки в "белом" акте (словно пушинку понимал) помогли И.Оношко стать даже не вторым, а равным белорусской приме-балерине в данном спектакле.

Среди отечественных исполнителей на вершине зрительских симпатий - Шут в исполнении Камрана Гурбанова. Глаза отдыхали во время выступления великолепного квартета наших солистов в составе: А.Гимадиева, С.Мирзоева, Ю.Лобачев и Г.Мирзоев в "Испанском танце". В Pas de trois Аян Эйвазова и Эльмира Сулейманова на сей раз выглядели предпочтительнее своего партнера Анара Микаилова.

Наш кордебалет - это отдельная тема. В труппе театра умудряются выстроить его так, что не бросается в глаза неодинаковый рост или комплекция артистов. Что-то лучше получается, что-то похуже. Но "плывущие арабески" женского кордебалета и "Танец маленьких лебедей" из "белого акта" были исполнены настолько аккуратно, что грешно было бы придраться.

И оркестр под руководством обаятельного маэстро Джаваншира Джафарова слушать было одно удовольствие. Увертюра была исполнена настолько ярко в плане динамических градаций, что впервые автор этих строк услышала заслуженные (а не дежурные!) аплодисменты публики. Было и великолепная "рябь" зачарованного озера - соло арфы в исполнении Шахлы Ализаде во вступлении к Adagio - и далее замечательная "перекличка" солирующих скрипки Надира Меликова и виолончели Сабины Ибрагимовой. Мягкое и чистое соло трубы в "Неаполитанском танце" в исполнении Сируза Мамедова.

В целом, весь спектакль создал воистину волшебное ощущение - атмосферу чувственности, трепетности, страстности, "аромата" старого балета и покорил всех - и тех, кто ищет в театре развлечения, и тех, кто ходит туда за высоким искусством. И самый яркий показатель - это аншлаг в зале (была занята даже "этажная" галерка) и овации зрителей. А это в наше время, когда виртуальная реальность и современное искусство вытесняют традиционное искусство - дорогого стоит.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 2951

СообщениеДобавлено: Пн Дек 07, 2015 11:02 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015120704
Тема| Танец, фестиваль «На грани», Персоналии, Лариса Барыкина, Евгений Панфилов, Константин Кейхель, Лариса Александрова, Фабрис Ламбер, Рашид Урамдан, Тома Лебрен, Тийна Оллеск, Рене Ныммик, Ольга Пона, Сергей Смирнов
Автор| Юлия Баталина
Заголовок| Танец на границе жанров, на границе Европы и Азии
В Екатеринбурге прошел VII международный фестиваль современной хореографии

Где опубликовано| © Независимая газета
Дата публикации| 2015-12-07
Ссылка| http://www.ng.ru/culture/2015-12-07/10_dance.html
Аннотация|

Название фестиваля «На грани» как нельзя лучше подходит к театральному событию, посвященному авангардным сценическим техникам и направлениям, к искусству «на грани будущего», однако слово «грань» в этом названии получает дополнительные смыслы: это не только искусство «пограничных» жанров, но и буквально искусство на границе – на границе Европы и Азии; кроме того, российские труппы contemporary dance вечно находятся на грани выживания – это для них привычное состояние.

Шесть дней, 24 работы 32 хореографов, из них 15 премьер и 5 первых показов – такова статистика события, в котором приняли участие танцевальные компании и хореографы из Франции, США, Финляндии и Эстонии, а также российские участники из Москвы, Самары, Казани, Костромы, Сарапула и «уральского треугольника» – Екатеринбурга, Челябинска, Перми.

Именно в этих городах сформировались и до сих пор успешно работают первые профессиональные contemporary dance компании в России, поэтому нет ничего удивительного в том, что самый представительный фестиваль современного танца появился на Урале, – задумала его музыкальный и театральный критик Лариса Барыкина. Зритель, который дал себе труд побывать хотя бы на нескольких событиях фестиваля, получил представление о всей полноте современных танцевальных направлений, пластических театральных техник и сфер их бытования на сцене – от детских, условно говоря, тюзовских представлений с активным использованием современного танца до полноразмерных данс-спектаклей со сложным внутренним сюжетом и своей философией.

В обзоре мира contemporary dance на фестивале этого года было дополнительное измерение – историческое, поскольку событие было посвящено юбилею одного из первопроходцев жанра, хореографа из Перми Евгения Панфилова, трагически погибшего 13 лет назад. Обращение к его творчеству позволило вспомнить эпоху 1990 – нулевых годов и показать, насколько быстро развивается танцевальная эстетика.

Были показаны и новые работы театра «Балет Евгения Панфилова». В балете петербуржца Константина Кейхеля «Тревожное небо» мотивы, навеянные поэзией Шарля Бодлера, сталкиваются с музыкой Франца Шуберта, и возникает волнующий контрапункт романтики и декаданса, а «Саломея» москвички Ларисы Александровой, поставленная на музыку Арво Пярта, изобилует неожиданными режиссерскими решениями, хореограф активно и удачно использует видеопроекции и другие современные технологии.

Между открытием и закрытием фестиваля уместилась вся полнота того явления, которое принято называть современной хореографией и которое, как оказалось, далеко не однородно: танцевальное представление Speak Easy американской труппы Company E, полное простодушного веселья, не имеет практически ничего общего с мирообъемлющей философией эстонского театра Fine5, а тот, в свою очередь, – с полным телесности physical theatre екатеринбургского дуэта Zonk; импровизационное начало доминирует в спектакле «После нас» екатеринбургских «Провинциальных танцев», поставленном французским хореографом Фабрисом Ламбером, а в работе другого француза – Рашида Урамдана, сделанной в театре «Балет Москва», импровизации вовсе нет места, все движения просчитаны до миллиметра, как в машине Руба Голдберга.

В Екатеринбурге состоялись четыре премьеры российско-французского проекта FranceDance, в числе прочих – один из самых глубоких спектаклей в программе «На грани» – балет Тома Лебрена «Унесенные 2», поставленный для камерного балета «Пантера» (Казань). Музыка Арво Пярта, как и в случае с «Саломеей», стала основой для танцевального опуса о напряженных духовных исканиях, доказавшего, что современная хореография вовсе не чужда сакрального, не противопоказана ему.

Если уж говорить о глубине и духовности, то здесь вне конкуренции коллектив из Эстонии Fine5. Каждый раз, когда театр, основанный Тийной Оллеск и Рене Ныммиком, приезжает в Екатеринбург, он удивляет зрителей сложной тематикой и глубоко эмоциональным танцем.

На фоне приезжих мастеров не затерялись «хозяева поля» – танцевальные театры из Екатеринбурга и Челябинска. Челябинский театр современного танца показал новую работу своего бессменного лидера Ольги Пона «Встречи» – чрезвычайно эстетский опус, полный возвышенного любования красотой человека, возможностями его тела.

На открытии фестиваля выступал коллектив из Екатеринбурга – «Эксцентрик-балет Сергея Смирнова». Его новая работа «Девятая песня» не случайно стояла в программе рядом с миниатюрами Евгения Панфилова: стилистика балета и его творческое обращение к русской народной песне является парафразом знаменитого творения Панфилова «Восемь русских песен».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу 1, 2, 3, 4, 5  След.
Страница 1 из 5

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика