Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2015-10
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16673
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Окт 29, 2015 10:19 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015102903
Тема| Балет, МАМТ, Премьера, Персоналии, Нина Ананиашвили, Сергей Полунин
Автор| Корр. ТАСС Ольга Свистунова
Заголовок| Нина Ананиашвили и Сергей Полунин представят балеты Аштона в Москве
Где опубликовано| © ТАСС
Дата публикации| 2015-10-29
Ссылка| http://tass.ru/kultura/2387633
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Балетная труппа МАМТ последовательно продолжает освоение западноевропейской балетной классики

Московский академический музыкальный театр имени Станиславского и Немировича-Данченко (МАМТ) готовится представить зрителям "Вечер балетов Фредерика Аштона". В четверг состоится генеральная репетиция нового проекта, премьерные показы пройдут 30, 31 октября и 1 ноября. Об этом ТАСС сообщили в пресс-службе МАМТ, особо подчеркнув, что среди исполнителей партий значатся звезды мирового балета - народная артистка РФ Нина Ананиашвили и Сергей Полунин.

"Привлекать звезд мирового балета в спектакли МАМТ - инициатива худрука нашей балетной труппы народного артиста РФ Игоря Зеленского", - рассказали в пресс-службе. Здесь отметили, что, если знаменитый танцовщик Сергей Полунин уже активно задействован в репертуаре МАМТ, то бывшая прима Большого театра, а ныне - художественный руководитель Грузинского театра оперы и балета имени Палиашвили Нина Ананиашвили впервые примет участие в спектакле Московского музыкального театра.

Балетная труппа МАМТ последовательно продолжает освоение западноевропейской балетной классики. На сей раз "героями премьеры" станут балеты Фредерика Аштона (1904-1988) - выдающегося английского хореографа, основоположника английского национального балета и "английского балетного стиля".

Сам Аштон признавался, что ключевое влияние на него оказал русский балет: выступление Анны Павловой стало для хореографа отправной точкой интереса к этому виду искусства. Многие сочинения Аштона созданы не без влияния хореографических открытий дягилевского балета и его последователей.

В программу предстоящего "Вечера балетов Фредерика Аштона" включены три названия. Это - "Рапсодия" (музыка Сергея Рахманинова), "Вальс" (музыка Мориса Равеля) и "Маргарита и Арман" (музыка Ференца Листа). Два из трех балетов были поставлены Аштоном в расчете на русских звезд: в первом исполнении "Рапсодии" солировал Михаил Барышников, что определило технически сложную мужскую сольную партию этого балета, а легендарные Марго Фонтейн и Рудольф Нуреев вдохновили Аштона на создание балета "Маргарита и Арман".

Мировые премьеры "Рапсодии" (1980) и "Маргариты и Армана" (1963) состоялись на сцене Лондонского Королевского театра Ковент-Гарден. "Вальс" - самый ранний по времени создания из трех балетов - впервые был исполнен на сцене La Scala в 1958 году.

Что касается МАМТ, то на его сцене уже шел балет "Маргарита и Арман". А вот "Рапсодия" и "Вальс" будут исполнены впервые. К тому же, последний балет станет еще и российской премьерой.

Перенос балетов Аштона на московскую сцену осуществляет постановщик Грант Койл. Музыкальный руководитель и дирижер - Тимур Зангиев. Кроме приглашенных исполнителей Нины Ананиашвили и Сергея Полунина, в программе заняты солисты МАМТ Наталья Сомова, Эрика Микиртичева, Оксана Кардаш, Ксения Рыжкова, Иван Михалев, Денис Дмитриев, Георги Смилевски, Дмитрий Соболевский и другие артисты балетной труппы театра.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3011

СообщениеДобавлено: Чт Окт 29, 2015 11:55 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015102904
Тема| Балет, Челябинский балет
Автор| Антонина Артемьева
Заголовок| Челябинский балет увидят зрители в Европе
Где опубликовано| © «Телефакт»
Дата публикации| 2015-10-20
Ссылка| http://www.telefakt.ru/news/lenta-novostejj/cheljabinskijj-balet-uvidjat-zriteli-v-evrope/
Аннотация| ГАСТРОЛИ

Балетная труппа челябинского театра оперы и балета отправляется на большие гастроли по странам Европы. В турне входят четыре страны: Франция, Швейцария, Бельгия и Люксембург. Гастроли пройдут в два этапа, сообщили в пресс-службе министерства культуры Челябинской области.

Первый этап гастролей балетной труппы челябинского оперного театра пройдет с 29 октября по 24 декабря. Второй запланировал уже на начало 2016 года, с 7 января. Интересно, что артисты несут искусство в европейские массы за счет французской стороны.

Зрители 67 городов старого света увидят челябинский балет «Щелкунчик». Это будет, в том числе, и взыскательная публика Орлеана, Лилля, Марселя, Ниццы и Женевы. В Париже спектакль будет представлен на сцене Palais des Sports, причем, трижды. Начнется европейское турне во французском Реймсе на сцене OPERA DE REIMS. Завершится турне в бельгийском городе Хасселт. За время гастролей челябинская труппа выйдет на различные сцены 73 раза. Выступления пройдут на крупных площадках, оборудованных современным сценическим оборудованием.

Пока артисты балетной труппы оперного театра будут путешествовать, челябинский зритель без балета не останется. 11 ноября и 11 декабря в театре состоится гала-концерт «Татьяна Предеина приглашает…». В нем примут участие солисты челябинского театра, а также учащиеся хореографического колледжа ЮУрГИИ имени Чайковского и Театра современного танца под руководством Ольги Пона. А в перерыве между гастролями, 29 декабря и 5 января артисты балетной труппы покажут челябинской публике балет А. Адана «Жизель».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3011

СообщениеДобавлено: Пт Окт 30, 2015 12:07 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015103001
Тема| Балет, Персоналии, Вера Арбузова
Автор| Юлия Львова
Заголовок| Хореограф Вера Арбузова представит в Воронеже модерн-балет «Времена»
Где опубликовано| © РИА «Воронеж»
Дата публикации| 2015-10-28
Ссылка| http://riavrn.ru/news/khoreograf-vera-arbuzova-predstavit-v-voronezhe-modern-balet-vremena/
Аннотация| ГАСТРОЛИ

Вечер большого балета с участием звезд Михайловского и Мариинского театров (Санкт-Петербург) пройдет в воронежском Театре оперы и балета в субботу, 31 октября. В первом отделении будет показан одноактный модерн-балет «Времена» на музыку Чайковского в постановке молодого балетмейстера Веры Арбузовой. Второе отделение построено в виде гала-концерта шедевров мировой балетной классики («Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик»).

Хореограф Вера Арбузова хорошо знакома воронежцам. В 2013 году она участвовала в проекте «Мастерская Владимира Васильева», ставшем одной из жемчужин Платоновского фестиваля искусств.

В 2014 году в рамках гала-концерта «Звезды Петербургского балета» Вера Арбузова показала в Воронеже балетный отрывок «Мы разбегаемся» на музыку Земфиры, в котором выступила и в качестве хореографа, и в качестве исполнительницы.

Вера Арбузова – выпускница Красноярского балетного училища, солистка Михайловского театра. Дважды удостоена Высшей театральной премии Петербурга «Золотой софит» как лучшая балерина: в 1997 году – за партию Балерины в балете Бориса Эйфмана «Красная Жизель», в 2003 году – за партию Линн в балете «Кто есть кто». Обладательница премии «Душа танца» – одной из самых авторитетных наград в российском балетном мире, а также дипломант первого Дягилевского конкурса в Москве.

В 2010 году Вера Арбузова впервые выступила в качестве хореографа. Она участвовала в шоу «Болеро» на Первом канале, где ее партнером был фигурист Алексей Тихонов, создала хореографию для поэмы «Времена» на музыку Чайковского, а также осуществила постановку одноактных модерн-балетов «INSIDE/Позади сна» в Красноярском государственном театре оперы и балета.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3011

СообщениеДобавлено: Пт Окт 30, 2015 12:09 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015103002
Тема| Балет, Персоналии, Артур Гаспар
Автор| Лилия МУЗЫКА
Заголовок| Артур Гаспар: "Мадонна оказалась очень простой и комфортной в общении"
Где опубликовано| © «ФАКТЫ»
Дата публикации| 2015-10-29
Ссылка| http://fakty.ua/207851-artur-gaspar-madonna-okazalas-ochen-prostoj-i-komfortnoj-v-obcshenii
Аннотация|

Участник группы Kazaky стал солистом балета «Великий Гэтсби», музыку к которому написал Константин Меладзе

Артур Гаспар известен украинскому зрителю прежде всего благодаря участию в шоу-группе Kazaky, в которой парни танцуют на высоченных шпильках. Фишка, придуманная пять лет назад, стала визитной карточкой группы и принесла ей огромную популярность не только в Украине.

Сама Мадонна пригласила эпатажных танцовщиков сняться в ее клипе. И вот через пять лет работы в коллективе один из его солистов 31-летний Артур Гаспар решил вернуться к балету. Ведь танцор, родившийся в Ереване, с шести лет занимался классическим балетом, закончил Академию русского балета в Санкт-Петербурге, танцевал на сцене Национальной оперы Украины.

— Почему из шоу-бизнеса вы снова вернулись к балету?

— Из Национальной оперы я ушел в группу Kazaky. Это было нечто новое, интересное, такой творческий порыв. Но я продолжал заниматься балетом, держал себя в необходимой форме, чтобы в любой момент вернуться на классическую сцену.

— И этот момент настал?

— Я давно общался с создателями балета «Великий Гэтсби». Но у меня были гастроли, выступления с Kazaky. А в этот раз решился. «Великий Гэтсби» — очень интересный, современный проект. В нем мне досталась роль Тома, мужа Дейзи. Сейчас активно репетируем.

— Легко сменили шпильки на чешки?

— Переходного момента как такового у меня не было. Я был готов к новому амплуа. Наоборот, ощутил огромный душевный порыв: наконец-то настал момент, когда можно применить классический опыт в современном балете. С нетерпением жду премьеры, волнуюсь, как воспримут меня зрители. Надеюсь, в будущем посвятить себя исключительно балету. До 45-ти у меня еще осталось время — лет 15.

— А как же группа Kazaky?

— Мы продолжаем работать, на днях состоится премьера очередного клипа. Хотя спустя пять лет работы в группе немного зациклились, захотелось чего-то нового. Стремительно набрали популярность, сами того не ожидая. Признаюсь, каблуки — очень тонкая тема для мужчин, важно удержаться на грани, не опустившись до вульгарности, а это большое мастерство и дело вкуса. Считаю, нам это удалось. Но сложно держаться за то, что уходит в прошлое. Нужно двигаться дальше, придумывать что-то новое. Но фанаты пока не отпускают группу.

— Почему вы стали на каблуки?

— Идея родилась спонтанно. Когда создавалась группа, мы и не думали ни о чем подобном. Репетировали в грубых ботинках, а в этом же зале танцевали девочки. Иногда они оставляли свою обувь, и однажды во время перерыва кто-то из ребят, дурачась, надел туфли на шпильках и начал пародировать танец. Мы хохотали. Шутки с каблуками повторялись не раз, и мы решили сделать номер на каблуках, уже без всяких шуток. Когда поставили танец и сняли его на видео, поняли, что это круто, никто до нас такого не делал. Вечером было выступление, мы отправили заказчику видео наших номеров, среди которых был и новый ролик. Нам тут же перезвонили и сказали: «Ничего не нужно, только номер с каблуками». В тот же вечер состоялся дебют, а уже на следующее утро нас буквально завалили предложениями.

Это нас вдохновило, мы ставили новые номера, сами писали к ним музыку, сняли клип. На это ушло пять месяцев ежедневных шестичасовых тренировок. Конечно, танцевать на каблуках было непросто. Особенно тем, кто не имел специальной подготовки. Но я же артист классического балета, привык к нагрузкам.

— Сколько каблуков переломали?

— Все остались целы, как ни странно. Мы нашли профессионалов-обувщиков, которые на заказ шили нам крепкие туфли с устойчивой шпилькой. Отечественная обувь выдерживала сложные по нагрузкам акробатические трюки, вращения. Мы меняли их только потому, что обувь теряла товарный вид. Сейчас накопилось около тридцати пар.

— Как вы оказались на показе Недели моды в Милане?

— После выхода клипа нас пригласили принять участие в показе торговой марки Dsquared — всего одна проходка по подиуму. Когда мы ушли за кулисы, зрители в зале встали и долго аплодировали. Мы были в шоке.

На этом же показе в зале был один из менеджеров Мадонны. Он нас заметил и показал певице видео. Мадонна одобрила и тут же пригласила вместе поработать. Когда приехали в Америку, журналист газеты «Нью-Йорк таймс» спросил: «Как вы относитесь к тому, что Мадонна украла вашу идею?» Но мы только рады такому «воровству», которое вдохновляет творческих людей. Для нашего начинающего тогда коллектива это был неимоверный пиар. Даже сама мысль о том, что работаем с Мадонной, вместе репетируем, обедаем, проводим время, казалась невероятной.

— Какой вы увидели Мадонну?

— К моему большому удивлению, она оказалась очень простой и комфортной в общении, без всякой звездности и пафоса, открытая, дружелюбная. Постоянно шутила, поддерживала нас. Было такое ощущение, что знаем друг друга сто лет. Потрясло то, как она выглядит — спортивная, подтянутая.

— Она заказывала на площадку что-то особенное, диетическое?

— Ела то же, что и мы: свежие салаты, пиццу. Деликатесы из мишленовских ресторанов не заказывала.

— Кто вас привел в балет?

— Даже не знаю, судьба это или случайность. Мама очень любит балет, она мечтала, чтобы ее дочь стала балериной. И вот однажды, когда сестре было девять лет, а мне шесть, мама повезла ее на пробы. Меня взяли с собой, потому что девать некуда было. Мы приехали в школу. На первом этаже было очень много детей, все готовились к просмотру, разминались, что-то репетировали, и я смешался с ними. Тоже стал прыгать, копируя остальных. Не понимал, что на самом деле происходит, но все это мне безумно нравилось, было весело. И вдруг кто-то из педагогов обратил на меня внимание, спросил: «Как тебя зовут?» Помню, осмотрели мои ноги, спину, записали данные и дали в руки какую-то бумажку. Пока все это происходило, меня разыскивала мама. Когда нашла, сначала принялась ругать, а потом посмотрела на листик в моих руках — оказалось, меня приняли в школу. А сестра, к сожалению, так и не прошла. Ни в тот раз, ни в следующий, хотя и долго готовилась.

С шести лет три раза в неделю мама возила меня на другой конец Еревана на занятия. И так пять лет, хотя родственники были не в восторге от моего занятия. Ну что это за увлечение для мальчика, пусть идет в нормальный институт, учится на врача. Но мама не сдавалась и дала мне возможность творчески развиваться, за что я ей очень благодарен.

— Вы ведь вполне могли стать спортсменом с вашими-то родителями?

— Да, они у меня тренеры сборной команды Армении по бобслею.

— Странно, что из вас не сделали чемпиона.

— В Армении этот вид спорта накрылся еще до того, как я получил бы возможность в нем реализоваться. В конце 1980-х родители оказались практически без работы. Они понимали, что перспективы в этом направлении дома нет. Балет восприняли сначала как увлечение, я также не питал больших иллюзий по поводу своей будущей карьеры. Мне это нравилось, потому что красиво, но тогда и представить не мог, какой это труд — и моральный, и физический.

— Не пытались бросить занятия?

— Иногда срывался. Так уставал, что переставал понимать, ради чего я это делаю. Казалось, что попусту трачу время. В Армении балет не очень развит и совсем не востребован. Если хочешь развиваться, нужно куда-то уезжать. В Швейцарии даже есть «армянская мафия» танцоров, которые пользуются огромной популярностью. Наша страна маленькая, еле концы с концами сводит, поэтому не может себе позволить финансировать балет.

Я мечтал учиться в Санкт-Петербургской академии балета, но это оказалось для меня нереальным. В 1999 году обучение там стоило около 20 тысяч долларов в год. Для нашей семьи это неподъемная сумма. У меня денег даже на билет не было, не то что на учебу. Моя мечта стала реальностью благодаря директору ереванского балетного училища Терезе Григорян, которая очень любила меня и верила в мой талант. Она повезла меня в Санкт-Петербург. Уж не знаю, какие аргументы нашла, но меня взяли на учебу бесплатно. В академии я научился настоящему мастерству. Хотел работать в Мариинском театре, прошел конкурс, и меня приняли. Но мест в общежитии не хватало, а зарплата артиста балета не позволяла снимать квартиру, поэтому я поехал в Москву, где у меня были родственники. В их квартире я поселился на пять лет. Все это время работал солистом в Московском государственном театре классического балета, с которым объездил множество стран мира, получил заманчивое предложение остаться в Америке.

— Что же помешало осуществиться этим планам?

— Я приехал на гастроли в Киев с балетом «Спартак», встретился с украинскими друзьями. Они предложили остаться на несколько дней, посмотреть город, и я влюбился в Киев. Мне так было в нем комфортно, будто у себя дома, в Ереване. Стал на выходные мотаться в Киев и в какой-то момент спросил себя: «А зачем уезжать?» Здесь так хорошо — прекрасный город, добрые, отзывчивые люди, великолепный театр, множество творческих возможностей, вкусная еда… В один из приездов решил попробоваться в Национальную оперу Украины, и меня взяли артистом балета. Работал с 2007 года.

— Зарплата позволяла снимать жилье?

— Сначала меня приютили друзья, а потом появились коммерческие проекты, хорошие гонорары, и я вполне мог снимать приличную квартиру.

— Почему же оставили балет и ушли в шоу-бизнес?

— На тот момент я профессионально танцевал уже около восьми лет, исполнил много партий, и у меня наступил момент внутреннего кризиса. Захотелось выйти за рамки классического балета, даже думал о вокальной карьере, писал песни, видел себя на сцене исполнителем. На месяц я уехал в Нью-Йорк, набрался опыта, а вернувшись, решил рискнуть и уволился из театра. Вот тогда и началась история с шоу-балетом Kazaky. У меня есть много музыкальных заготовок. Возможно, когда-нибудь, после окончания танцевальной карьеры, представлю свой музыкальный альбом.

— На что вы потратили свой первый гонорар?

— Первые приличные деньги я заработал в Америке. За месяц получил почти 15 тысяч долларов. Для начала раздал долги, накупил подарков своим близким, которые живут в Ереване. И сейчас стараюсь бывать там хотя бы пару раз в год, особенно в сезон абрикосов, когда они еще не совсем спелые. Абрикосы — вкус моего детства. Мама готовит свою фирменную долму, форель. Дома всегда пахнет едой. Вот рассказываю, а у самого уже слюнки текут (смеется).

— Не соблюдаете диету?

— Придерживаюсь здорового питания, соответствующего нагрузкам. Но иногда балую себя чем-то вкусным, лишние калории легко сжигаются на репетициях.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16673
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Окт 30, 2015 12:18 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015103003
Тема| Балет, Национальная опера Украины, Возобновление
Автор|
Заголовок| В Национальной опере возобновили "Вечера на хуторе близ Диканьки"
Где опубликовано| © "Вести" (Украина)
Дата публикации| 2015-10-29
Ссылка| http://vesti-ukr.com/kultura/121306-v-nacionalnoj-opere-vozobnovili-vechera-na-hutore-bliz-dikanki
Аннотация|

Для обновленной постановки авторы разработали новые костюмы и декорации



После более четырехлетнего перерыва на сцене Национальной оперы Украины появится обновленный балет "Вечера на хуторе близ Диканьки".

Премьера постановки состоится 30 октября. Балет, либретто которого основано на повести Николая Гоголя, раньше в афише значился как "Ночь перед Рождеством". Музыку к нему создал известный украинский композитор Евгений Станкович, а танцевальную постановку осуществил балетмейстер Виктор Литвинов.

Для обновленной редакции авторы разработали новые костюмы и декорации, отшлифовали хореографию.

"Нами переосмыслены и переработаны многие сцены, несколько видоизменен хореографический язык и трактовки образов, - рассказал Виктор Литвинов. - Евгений Станкович дописал новый финал. Уверен, новыми будут и зрители, и критики, и гриф "обновления", под которым спектакль снова будет жить в репертуаре, вполне справедлив ".

"Изменилось не только название. Мы фактически полностью переосмысливаем сценографию . Более сотни украинских костюмов тщательно реставрированы. К тому же в спектакле будет много массовых сцен, для которых мы готовим более 50-ти новых костюмов. Появилось много и "сольных" образов, поэтому ищем другие формы, материалы. Традиционно используем огромное количество ручной работы - аппликации, вышивки. Также будут дополнительные декорации, необходимость которых возникла в новой редакции балета", - говорит художник-постановщик балета Мария Левитская.

По словам дирижера-постановщика балета Аллина Власенко, работать над возобновлением было очень интересно, тем более, что автором музыки является живой классик Евгений Станкович: "Автор нашел адекватные и вместе с тем нестандартные музыкальные формы. Каждый герой имеет свой лейтмотив и свой характер. Например, чтобы подчеркнуть характерные черты Солохи, композитор ввел саксофон, "басы гудят" для неуклюжего Чуба. Полонез во дворце царицы с саркастическим подтекстом - как будто подчеркивает все коварство и неискренность придворных. И вдруг контраст - замечательный лирический украинский мелос в образах Оксаны и Вакулы. Драматургия этого спектакля требует нестандартного мышления и в музыке, и в хореографии, и в сценографии. Под такую ​​музыку поставить традиционный балет невозможно. Это должна быть фантасмагория ".

Главные партии исполняют Александр Шаповал и Наталья Лазебникова.

Начало балета в 19:00.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3011

СообщениеДобавлено: Пт Окт 30, 2015 12:23 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015103004
Тема| Балет, Израильский балет, Персоналии, Берта Ямпольская, Нина Гершман, Матэ Морайи
Автор|
Заголовок| Новый сезон Израильского балета откроет балет "Щелкунчик"
Где опубликовано| © NEWSru.co.il: новости Израиля
Дата публикации| 2015-10-29
Ссылка| http://newsru.co.il/rest/29oct2015/balet.html
Аннотация|

Израильский балет – единственная репертуарная труппа классического балета в Израиле - открывает свой 49-й сезон и предлагает зрителям четыре премьеры, работы всемирно известных хореографов, новую программу балетной школы и многое другое.

Классический балет – это особая техника и не каждый хореограф может приноровить свои идеи к ней. В Израиле на сегодняшний день – 12 профессиональных ансамблей балета, у двух из них - "Бат-Шевы" и Кибуцного ансамбля - есть свои молодежные труппы, но только Израильский балет постоянно следует принципам классического танца, принципам его техники, виртуозности, приглашая для создания новых спектаклей хореографов классического направления.

Сезон 2015-2016 начнется с премьеры в Израиле классического балета "Раймонда" на музыку Александра Глазунова – одного из гениальных произведений хореографа Мариуса Петипа в редакции художественного руководителя Израильского балета Матэ Морайи. Первое представление пройдет 31 октября в Центре сценических искусств в Герцлии. Это первая полная сценическая постановка "Раймонды" в Израиле. Стоит отметить, что в этой постановке заняты 40 танцовщиков и два равноценных состава солистов. Матэ Морайи – новый художественный руководитель Израильского балета с марта 2015 года. 20 лет назад по личному приглашению создательницы Израильского балета Берты Ямпольской он приехал в Израиль из Венгрии. 10 лет он был ведущим танцовщиком труппы, станцевав главные партии во всех основных постановках, затем преподавал в Иерусалимской академии танца и в тель-авивском центра балета "Бикурей Итим", был занят во множестве образовательных балетных проектов в Израиле. На должность художественного руководителя Израильского балета, сохраняющего классическую направленность труппы, он пришел с должности декана факультета балета в Иерусалимской академии. Одна из областей его интересов – философия классического танца в 21 веке.

Со-руководителем Израильского балета является Нина Гершман – прима этой труппы на протяжении многих лет и прекрасный бескомпромиссный педагог, заведующая учебной частью школы при Израильском балете, воспитывающая новых учеников , многие из которых уже участвуют в спектаклях Израильского балета. В 2008 году Нина Гершман была приглашена среди 20 лучших танцовщиков мира в Торонто для участия в вечере "Гала 21 века". В планах Израильского балета – открытие профессиональной школы высокого уровня для всех возрастов.

"Золушка". В дни праздника Ханука Израильский балет предложит зрителям новую оригинальную постановку "Золушка" ("Синдерелла") в хореографии Рональда Савковича из Национальной Берлинской Оперы на музыку Сергея Прокофьева. До недавнего времени Савкович был художественным руководителем Национального балета города Реэки в Хорватии. Он успешно работает с коллективами в разных странах, в том числе с Staatsballet Berlin. Художник по костюмам – Авиад Герман, израильский танцовщик и модельер, работающий в Гетеборге. Кроме балетных постановок, Герман придумывает дизайн вечерних платьев для конкурсов красоты в разных странах, в том числе и для конкурса "Мисс Вселенная".

В июне 2016 Израильский балет представит новый спектакль по мотивам "Лебединого озера" - две контрастные стороны знаменитого балета. В первой части зрители увидят классический вариант второго акта балета в постановке Льва Иванова на музыку Чайковского. Во второй части будет показан "свободный" современный вариант этого произведения. Хореография – известного греческого балетмейстера Андониса Фониадакиса, музыка – современные композиции.

Фониадакис – бывший танцор в труппе Мориса Бежара и в Лионском балете. Он танцевал также в Cedar Lake Contemporary Ballet, в труппе Марты Грэхем и других. Произведения Фониадакиса сочетают классическую технику танца с современными тенденциями хореографии, минимализмом, динамикой и ритмом.

"Балетология". В конце сезона 2015/16 будет представлена оригинальная постановка Израильского балета "Балетология" - рассказ об истории балета, начавшегося во времена итальянского ренессанса. Позднее балет развивался при дворе Людовика XIV во Франции, затем в Российской империи. "Балетология" познакомит зрителей и с неоклассическим балетом США, с современным балетом Европы. Балетный спектакль "Балетология" - кратная энциклопедия жанра - состоит из наиболее известных произведений разных жанров балета. В спектакле также вставлены интермедии, в которых участвуют актеры, играющие персонажей, оставивших свой след в развитии этого искусства - Петипа, Дягилева, Баланчина и других.

Израильский балет привлекает также детскую аудиторию и предлагает маленьким зрителям новую постановку "Билби", сюжет которой основан на детской сказке шведской писательницы Астрид Линдгрен "Пеппи - Длинный чулок". Хореография – Лена Розенберг. В постановке спектакля участвуют молодые танцоры Израильского балета. Как говорит Лена Розенберг, ее "Билби" - это театральная постановка на языке классического балета для тех, кто все еще чувствует себя ребенком. Необычный балетный спектакль, главная героиня которого – не принцесса и не фея, а сильная независимая девочка, которая может многому научить своих ровесников. И, кстати, научить и музыке: подбор музыкального сопровождения в спектакле "Билби" - также своего рода урок…

В ходе сезона 2015-2016 Израильский балет поставит также два коротких и любопытных произведения: "Гипнофобия" хореографа Айвана Полинкале из "Балета Атланты". "Гипнофобия" анализирует человеческое сознание через призму балетного искусства. Еще одно короткое произведение – это "Three Loves" хореографа Марии Бариос из Венесуэлы. Это неоклассический спектакль на музыку Рахманинова о трех парах и их любви.

В этом году Израильский балет продолжает общественную деятельность. Среди проектов: выступления в периферийных городах Израиля, дополнительные занятия для учеников балетных школ в разных городах, организованные посещения Израильского балета, открытые репетиции, лекции, личные встречи с танцорами в рамках проекта "В балетных тапочках".

Школа Израильского балета открывает в этом году новую программу "Па де де" (Partnering). Способные ученики балетных школ по всему Израилю будут приглашены для изучения техники "Классического дуэта". Этот курс станет частью программы профессиональной подготовки, действующей при Израильском балете. В планах Израильского балета также вечер молодых хореографов – танцоров труппы, и показ спектаклей "Мадам Баттерфляй" и "Щелкунчик",
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16673
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Окт 30, 2015 12:48 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015103005
Тема| Балет, БТ, "Русские сезоны", Возобновление
Автор| Ирина Ширинян
Заголовок| «Русские сезоны» из Нового Света
Где опубликовано| © Ballet Insider
Дата публикации| 2015-10-29
Ссылка| http://www.balletinsider.com/archive/review/2394
Аннотация|

В Большом театре восстановили «Русские сезоны» Алексея Ратманского. О самом интересном на премьере в рецензии Ballet Insider.



Легко писать о том, что тебе нравится: так и хочется поделиться увиденным. Спасибо композитору Леониду Десятникову, чей юбилей Большой театр решил отметить возобновлением одноактного балета Алексея Ратманского «Русские сезоны». Но, так как 39-ти минут недостаточно для полноценного представления, было решено включить в программу еще два одноактных балета: «Аполлона Мусагета» Игоря Стравинского в постановке Джорджа Баланчина и «Классическую симфонию» Сергея Прокофьева в постановке Юрия Посохова. Если два вышеупомянутых произведения периодически появляются в репертуаре театра («Аполлон Мусагет» в 2013 году, а «Классическая симфония» совсем недавно – в феврале 2015), то балет Ратманского не показывали уже несколько лет. В итоге получился вечер красочных, не похожих друг на друга спектаклей, которые доставили удовольствие не только исполнителям, но и зрителям.

«Русские сезоны» были созданы для New York City Ballet в июне 2006 года, а через два года, в 2008, их без изменений перенесли на сцену Большого театра как раз тогда, когда Ратманский покидал пост художественного руководителя балета. Последний раз спектакль показали 5 лет назад – в июле 2010 года, поэтому его возобновление вызвало понятный интерес у труппы: ведь в театре появилось поколение артистов, которые не знакомы с этим балетом, в частности с хореографией Ратманского в целом.

«Русские сезоны» состоят из 12-ти наполненных фольклорным духом музыкальных новелл, определивших стиль одноактного спектакля. Современная по манере движений хореография с незначительными элементами классики и народного танца, пронизана лукавым, озорным юмором, игрой и проникновенной лирикой. Настроение дополняют костюмы, созданные Галиной Соловьевой: легко, шелковисто струящиеся платья до колен, отдаленно напоминающие русские сарафаны у девушек, и свободного покроя рубашки и штаны с в тон подобранными мягкими сапожками – у мужчин. Да еще удивительно стильно выбраны цвета: с одной стороны, выдержана многоцветность в духе русского костюма – дизайнер использует шесть цветов. С другой стороны, отсутствует цветастость: все костюмы однотонны. Все это вместе придает балету изысканности и преобразует сцену в живую, движущуюся красочную картину, где танцовщики, как легкие мазки кисти художника, «рисуют» свой танец.

В спектакле шесть пар исполнителей. И, хотя партии у всех равно значимы, Ратманский все же выделяет несколько основных. «Пара в желтом» – Владислав Лантратов и Екатерина Шипулина, – несомненно, задумана как центральная. Екатерина Шипулина, одна из ведущих балерин труппы, бесспорно, чувствует себя комфортно в хореографии Ратманского и демонстрирует широкий диапазон возможностей исполнительского мастерства. Ее героиня, глубоко печалясь о не вернувшемся с войны суженом, передает всю глубину скорби постигшего ее горя в «Духовской». А в «Последней», появляясь в белом платье то ли невесты, то ли ее отлетевшей души, балерина проникновенно проживает заключительную сцену-откровение о конечности жизни и смерти как избавлении от страданий. Владислав Лантратов в своем коротком соло, как всегда, четок и музыкален.

Еще одна яркая исполнительница, прима Екатерина Крысанова, блестяще справилась с партией молодой невесты, насильно выдаваемой замуж за старика. В отчаянном танце-рассказе в «Качальной» она сумела найти не только свой оригинальный язык, но и степень накала, безоговорочно убеждающего в трагизме происходящего. Танцуя в небольшом радиусе сцены, перемещаясь то вперед, то назад, резко сгибая ногу, а потом, также резко вытягивая ее, словно натянутую струну, балерина движениями имитирует крик, вырывающейся от безысходности и отчаяния.

Весь состав танцовщиков выступил достойно, показав не только хорошую подготовку, но и неподдельный интерес к возобновлённому балету, несмотря на то, что для двух третей исполнителей участие в спектакле стало дебютным.



«Аполлон Мусагет» – изысканный одноактный камерный балет, созданный Джоржем Баланчиным в 1928 году для «Русских сезонов» Сергея Дягилева. Музыка Игоря Стравинского, написанная в духе старинных сюит, определила характер танцевального замысла хореографа: сочинение принято считать образцом раннего неоклассицизма. Лаконичный, технически незамысловатый в зрительском восприятии, но отнюдь не простой для исполнителей, «Аполлон» был любимым детищем Баланчина и с завидным постоянством возобновлялся в репертуаре труппы New York City Ballet.

Вновь показанный на Новой сцене Большого театра, балет отлично вписался в программу вечера утонченным изяществом: использование только струнных инструментов привнесло в музыку рафинированность и хрупкость, а баланчинская хореография придала программе неповторимость и своеобразие.

Несмотря на то, что состав исполнителей был тот же, что и на премьерном спектакле несколько лет назад, самым удачным оказалось выступление Ольги Смирновой в партии Терпсихоры. Чистота линий ведущей солистки труппы, в прошлом выпускницы Академии русского балета им. А.Я. Вагановой, доставляла эстетическое удовольствие. При всей сложности музыки Стравинского, танец Смирновой оставил впечатление легкости, четкости и продуманности.



Последней в программе была «Классическая симфония» Юрия Посохова, которую хореограф посвятил своему педагогу, легендарному Петру Пестову. Музыка Прокофьева по-моцартовски солнечная, классически ясная и грациозная, то комичная, то элегантная, словно была написана для танца. Бессюжетный по сути, абсолютно танцевальный, остроумный, неожиданный балет превращается в виртуозное представление. Хотя все исполнители этого музыкального спектакля продемонстрировали любовь к балету Посохова, все же нельзя не сказать о мастерстве ведущей пары – Анастасии Сташкевич и Вячеславе Лопатине, которые показали непринужденный, но высокопрофессиональный танец с четко «проговоренными» деталями. Игорь Цвирко без труда летал по сцене, демонстрируя не только виртуозность исполнения, но и свою музыкальность.

Программа, приуроченная к юбилею Леонида Десятникова, продуманная и интересная по подбору произведений, могла бы удачно вписаться в постоянный репертуар театра. Очень хочется надеяться, что ее показ не ограничится четырьмя вечерами.

Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16673
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Окт 30, 2015 8:55 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015103006
Тема| Балет, МАМТ, Премьера, Персоналии, Фредерик Аштон
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| Джентльменская хореография
Татьяна Кузнецова об одноактных балетах Фредерика Аштона в Москве

Где опубликовано| © Журнал "Коммерсантъ Weekend" №37, стр. 25
Дата публикации| 2015-10-30
Ссылка| http://www.kommersant.ru/doc/2837293
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Фото: Дмитрий Лекай / Коммерсантъ

В Музтеатре Станиславского — балеты Фредерика Аштона, первого хореографа в истории, которого удостоили рыцарского титула за заслуги перед отечеством. Заслуги действительно немалые: 55 лет (с 1930-го по 1985-й) он сочинял для Великобритании балеты, ставшие английским золотым запасом

Классиком он стал еще при жизни. Балеты Аштона действительно очаровательны и глубоко национальны, хотя трудно сформулировать — в чем, собственно, их "английскость". Казалось бы, классика и классика, ан нет. Благородное изящество комбинаций, соразмерность частей и целого, сдержанная чувствительность партнеров, щепетильная дотошность в подборе и исполнении па — словом, английская сдержанность, смягченная английскими же романтичной сентиментальностью и юмором породили особый — аштоновский — тип балета (хоть сюжетного, хоть бессюжетного), который лучше всего исполняют на родине хореографа.

Игоря Зеленского, балетного худрука Музтеатра Станиславского, в свое время прослужившего несколько лет премьером лондонского Королевского балета, это ничуть не смутило. Он твердо ведет московскую труппу в сокровищницу мировой классики, отмахиваясь от соблазнов современности: после трехчастного вечера американца Джерома Роббинса — вечер трех одноактных балетов британца Фредерика Аштона. Собственно премьер ожидается две: знаменитый балет "Маргарита и Арман", поставленный сэром Фредериком на музыку Листа в 1963 году для 44-летней Марго Фонтейн и 25-летнего Рудольфа Нуреева, живет в репертуаре театра уже шесть лет. Сюрпризом будет разве что состав исполнителей: главный любовник Музтеатра 25-летний Сергей Полунин разобьет сердце Нино Ананиашвили, в прошлом веке — приме Большого, ныне — худруку Государственного балета Грузии. Она — третья в истории (после Марго Фонтейн и Сильви Гиллем) исполнительница роли Маргариты, и уже этот факт заставляет отнестись к явлению балерины со всем вниманием.

Английская сдержанность, смягченная английскими же романтичной сентиментальностью и юмором породили особый — аштоновский — тип балета

Бессюжетную "Рапсодию" на музыку Сергея Рахманинова Фредерик Аштон поставил в 1980-м для "Миши" Барышникова, и это заметно сразу: прыжково-вращательные виртуозности партии завершает серия стремительных револьтадов, явно позаимствованных из советского мужского танца. Свой "Барышников" в Стасике имеется — это все тот же Сергей Полунин, который, надо полагать, легко справится и с техникой, и с музой.

Третьим балетом программы будет "Вальс" Мориса Равеля, заказанный композитору Сергеем Дягилевым, да так и не поставленный. Впервые эту музыку использовала Бронислава Нижинская в 1929 году, поставив балет для труппы Иды Рубинштейн. В нем танцевал юный Аштон, испытывая смутное недовольство радикальностью хореографии. В 1947 году он сочинил свою версию "Вальса". У Аштона мужчины одеты во фраки, дамы — в перчатки и пышные платья, с колосников свисают люстры, на ступенях у задника застыли ливрейные лакеи. И все же это — послевоенный пир победителей с ликующим вихрем финала, в котором упоенные прыжки и бурные взмахи рук вальсирующих окончательно теряют сходство с чинностью императорских дворов.

Музыкальный театр имени Станиславского и Немировича-Данченко, 30 и 31 октября, 1 ноября, 19.00


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пт Ноя 06, 2015 9:45 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16673
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Окт 30, 2015 9:27 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015103007
Тема| Балет, Большой театр Беларуси , Премьера, Персоналии, Александра Тихомирова
Автор| Андрей Козлов
Заголовок| Александра Тихомирова: «Если любишь – смотри на поступки»
Где опубликовано| © танцевальный портал bomba.by
Дата публикации| 2015-10-30
Ссылка| http://bomba.by/aleksandra-tihomirova-esli-ljubish-smotri-na-postupki
Аннотация| ПРЕМЬЕРА, ИНТЕРВЬЮ

1 и 3 ноября – громкая премьера на сцене Большого театра Беларуси. Еще в начале 1980-ых белорусский композитор Евгений Александрович Глебов создал бессмертную музыку к балету «Маленький принц». Но только в 2015 году спектакль мы увидим на белорусской сцене. Хореограф-постановщик «Маленького принца» Александра Тихомирова рассказала bomba.by об истории создания спектакля, о совместной работе с Ларисой Васильевной Глебовой, и о том, что в книге Антуана де Сент-Экзюпери нашла именно она, и что найдут другие.

- Когда готовился к интервью, то делал это под великолепную музыку Евгения Глебова. Вас она тоже трогает?

- Я должна сказать, что невозможно поставить спектакль, если музыка тебе не нравится. То есть это одно из основных условий. Если не нравится музыкальный материал – ничего толкового не получится.

- С таким музыкальным материалом вы в последнее время много работаете. И все равно, музыка вдохновляет?

- А как она может надоесть? Я нахожусь в процессе: она звучит для меня 24 часа в сутки. Нравится ли мне именно «Адажио Розы»? Знаете, я не могу выделить какие-то куски. Музыка мне нравится целиком – каждый фрагмент разный по настроению.

- Поговорим о книге «Маленький принц» Антуана де Сент-Экзюпери. На ваш взгляд, в чем ее особенность и популярность?

- Там подняты все человеческие вопросы, на которые каждый в течение своей жизни пытается найти ответы. Но, так как там все закамуфлировано, смысл скрыт, – интересно разгадывать эту книжку.

- Музыка Евгения Глебова – безусловный шедевр, произведение «Маленький принц» Экзюпери – шедевр. Волнения в таком ракурсе нет?

- Как-то я об этом не задумывалась. Ты делаешь то, что ты чувствуешь. И делаешь это на предел своих сил, возможности, фантазии. Что получится? Я никогда не мучилась такими вопросами. Это честь работать с таким материалом. Помимо того, что ты работаешь вместе с такими авторами, несмотря на то, что нет сейчас ни Глебова, ни Экзюпери, они все равно живы, живы в своих творениях. И эти люди становятся для тебя коллегами. А это накладывает на тебя большую ответственность. Я бы так сказала. Ощущение чести, что ты прикоснулся к таким интересным личностям.

- Я читал, что вы общались с Ларисой Васильевной Глебовой…

- И общаемся, и дружим.

- Насколько она помогает в постановке спектакля?

- Во-первых, она тот человек, который всю жизнь прожил с Евгением Александровичем. И кто, как не она, знает, каким он был автором, композитором, человеком. Во-вторых, мы писали вместе либретто, а это очень плотная работа. В результат мы, можно сказать, сроднились. И она стала для меня близким человеком.

- Может быть, Лариса Васильевна рассказывала что-то интересное об истории создания музыки к балету?

- Естественно, она рассказывала о постановках и в Хельсинки, и в Москве, и в Нижнем Новгороде, и в Самаре. И даже показала на старой пленке фрагмент московской постановки «Маленького принца».

- Балет ставили в Финляндии, в России… Почему же в Беларуси только сейчас?

- Да, в Беларуси, к сожалению не ставили. Так вот сложились обстоятельства. На самом деле, это трагическая история, о которой не хочется упоминать в данном контексте. Она существует, но я рада, что по истечении 30 лет «Маленький принц» вернулся к себе на родину.

- Будете удивлять декорациями?

- Вы знаете, я же не фокусник. Я не думаю, чем удивить публику. А думаю о том, как максимально подробно рассказать эту историю. И как сделать музыку зримой. Поймите, я не думаю о том, что сделать такого! Я не в цирке. И не думаю, какой мне трюк учудить, чтобы зритель встал на уши. Мы придумываем вместе с художником историю, которая была бы интересна, которая с художественной точки зрения отражает те задачи, которые есть в этой книге, в этой музыке. Историю, которая была бы интересна стилистически, современна. Все подчинено художественной задаче, раскрытию музыкальных и танцевальных образов. Мы не стремимся сделать какой-то трюк, который понравится зрителю. Заигрывать с публикой, мне кажется, это самое последнее дело.

- Премьера «Маленького принца» анонсировалась еще в прошлом сезоне…

- Дело в том, что изначально спектакль собирались поставить в 2015 году, но поменялись планы театра. Работа, если говорить о том, сколько она идет, приблизительно два года, с момента, когда эта идея появилась, когда все стало обсуждаться, создаваться либретто. А если говорить о постановочных репетициях уже в балетных залах, мы начали работать с конца прошлого сезона, а продолжили, когда вышли из отпуска.

- У вас сейчас полное погружение только в эту работу?

- Обычно я веду уроки классического танца, работаю над репертуаром, к которому имею отношение. Но сейчас от этого отказываюсь. В данный момент отвлеклась только на собственный «Щелкунчик, или Еще одна рождественская история», который был 2 и 4 октября. А ребята, конечно, заняты в репертуаре театра.

- Я читал ваше высказывание о том, что «Маленький принц» - сказка для взрослых. Что же в ней найдут дети?

- Мне трудно предположить, что ребенок увидит в этой сказке, и что в ней поймет. Но то, что для себя он поймет что-то, я в этом не сомневаюсь. Как я могу залезть в голову малышам? То, что им будет понятно на своем уровне, - однозначно. То, что для взрослых будет понятно на своем уровне, это тоже однозначно.

- В книге Экзюпери говорит: «Все взрослые сначала были детьми, только мало кто из них об этом помнит». Ребенка надо в себе хранить? И в чем это может выражаться?

- Мне кажется, чтоб сохранить в себе человека, надо сохранить в себе ребенка. Если ребенок в тебе умирает, то ты похоронишь в себе человека. А каким образом выражается? Мне кажется, смысл жизни в этом и заключается, что человек проходит через испытания, через трудности, через трагедии, радости, отчаяния. Все в жизни есть. Но как через это пройти и сохранить себя? У каждого свой путь, у каждого свой секрет. Я думаю, что таких людей, которые в себе хранят ребенка, выдают их глаза. Я имела счастье в жизни встречаться с такими людьми. Глаза, сколько бы лет не было человеку, абсолютно молодые – блестящие, звонкие, любопытные. Человек, который хранит в себе ребенка, не перестает удивляться, радоваться мелочам, открывать что-то новое. Он не тухлый, не тусклый, не озлобленный. Если в тебе появляются эти качества, то твой внутренний ребенок погибает.

- У Александры Тихомировой внутренний ребенок жив?

- Абсолютно! А без этого невозможно заниматься тем, что я делаю. Ребенок изначально творец. Все люди, которые занимаются творчеством, так или иначе, дети.

- Вы в детском возрасте познакомились с книгой «Маленький принц»?

- Я вообще в детстве очень любила сказки, да и сейчас люблю. Очень рано начала их читать. Но как-то Экзюпери пришел ко мне позже. В детстве это больше Ханс Кристиан Андерсен, русские сказки, «Золотой ключик», «Старик Хоттабыч». Вообще большое количество сказок. Но один из моих любимых сказочников был Андерсен. А с «Маленьким принцем» я познакомилась в более сознательном возрасте.

- Впечатлило?

- Тронуло! Очень сильно.

- Советуете прочитать зрителям балета «Маленький принц» одноименную книжку Антуана де Сент-Экзюпери накануне премьеры?

- Мне кажется, что чем больше человек пытается узнать о том, что увидит, это правильно. При этом наш спектакль – не чистый пересказ произведения. История сложнее. И там есть отголоски жизни самого Экзюпери. Конечно, когда мы писали либретто, перелопатили много книг. Например, есть книга воспоминаний жены Экзюпери Консуэлы. Она так и называется – «Воспоминания Розы». Ведь кто такой Маленький принц? Это маленький Экзюпери. А Роза… Вообще, эту книжку он хотел посвятить ей. Но она отказалась от этого. И он посвятил ее своему другу Леону Верту.

История Маленького принца и Розы – это история Экзюпери и Консуэлы. Там есть отголоски их историй. Я это говорю к тому, что наш спектакль – это не банальный пересказ сюжетной линии. Наша история – попытка разобраться и вскрыть эти зашифрованные смыслы. И немножко поразмышлять о самом Экзюпери, о его собственной истории. Лариса Васильевна всегда повторяла – как жаль, что Евгений Александрович не дожил до этих дней, а так, прочитав либретто, он бы, возможно, с удовольствием переработал свою музыку, и, может быть, что-то дописал, взглянув на материал по-другому. Мы работаем с тем, что есть. Например, возникли сцены, когда мы взяли его музыку из других произведений, компилировали их, исходя из необходимости либретто. Поэтому история непростая, и кто-то помимо сказки «Маленький принц» прочитает еще одну книгу, относящуюся к самому Экзюпери, сделает правильно. Но, я думаю, и те, кто ничего не читал, они придут – и все поймут.

- «Никогда не надо слушать, что говорят цветы. Надо просто смотреть на них и дышать ароматом», - одна из цитат «Маленького принца». Эти слова о девушках и женщинах?

- Не только о девушках и женщинах. А вообще о близких тебе людях. Если ты любишь, то зачастую не надо слушать то, что говорит тебе человек, а смотри на его поступки. Потому что все мы бываем в разных настроениях, в разных ситуациях. Иногда слова, сказанные тобой, не всегда есть суть и правда. А мы, как правило, обижаемся на своих близких больше, чем на чужих. Поэтому не надо иногда предавать большое значение тому, что человек говорит, а посмотреть на его поступки, и любить за то, что он есть. Кстати, очень сложно любить именно за это. Вот как полюбить Розу с шипами? Она же колется. Мы же все хотим идеала, но, как правило, жизнь мужчины и женщины начинается с того, что кто-то кого-то хочет переделать. А жить так, чтобы дать друг другу личное пространство, свободу, и право на ошибку, право на свои шипы, это очень трудно. Иногда на это уходит вся жизнь – вот так мудро позволить своему близкому и любимому быть таким, какой он есть.

- Мы можем в этой книге так развивать каждую цитату.

- Во всех его книжках каждая фраза – это повод для размышлений. Удивительный писатель.

- Но процитирую еще одну фразу из «Маленького принца». «Хотел бы я знать, зачем звезды светятся. Наверное, затем, чтобы рано или поздно каждый вновь мог отыскать свою». Александра Тихомирова свою звезду отыскала?

- Если мы говорим о звезде, как о мечте… Вы знаете, путь в мою профессию был не совсем однозначным. Но я никогда в жизни не делала то, что мне не нравится. Я всегда занималась тем, что мне приносит удовольствие. А это и есть моя звезда. Если ты имеешь возможность делать то, что тебе приносит удовольствие, считай, что ты дотронулся до своей звезды.

--------------------
фото по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16673
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Окт 30, 2015 9:34 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015103007
Тема| Балет, МАМТ, Премьера, Персоналии, Фредерик Аштон, Нина Ананиашвили, Сергей Полунин
Автор|
Заголовок| Столичный Музыкальный театр представляет премьеру балетов Аштона
Где опубликовано| © РИА Новости
Дата публикации| 2015-10-30
Ссылка| http://ria.ru/culture/20151030/1310487796.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

На суд зрителей будут представлены "Рапсодия" на музыку Рахманинова, "Вальс" Равеля и "Маргарита и Арман" на музыку Листа. Хореографию Аштона перенес на сцену Музыкального театра Грант Койл — педагог-репетитор Ковен Гардена.

Музыкальный театр имени Станиславского и Немировича-Данченко в пятницу представит вечер балетов выдающегося английского хореографа Фредерика Аштона, в рамках вечера будут исполнены балеты "Рапсодия" на музыку Рахманинова, "Вальс" Равеля и "Маргарита и Арман" на музыку Листа, сообщили РИА Новости в пресс-службе театра.

Балетная труппа Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко давно и успешно занимается освоением западноевропейской классики. На этот раз артисты покажут творения сэра Фредерика Аштона — выдающегося хореографа, основоположника английского национального балета.

В классике не бывает легко

Хореографию Аштона перенес на сцену Музыкального театра Грант Койл — педагог-репетитор Ковен Гардена и главный специалист по балетам Аштона.

"В балетах Аштона все сложно — в классике вообще не бывает легко, — сказал накануне премьеры Грант Койл. — Но работать с российскими танцовщиками было интересно. Такие мастера, как Нина Ананиашвили и Сергей Полунин уже танцевали в балетах Аштона. Но есть и новички, которые впервые осваивают этот хореографический язык. Все полны энтузиазма и желания. Я очень в них верю".

Павлова, Барышников и Нуриев

Сам Аштон считал, что ключевое влияние на него оказал русский балет, а выступление великой Анны Павловой стало отправной точкой интереса к этому виду искусства.

Два хореографических произведения Аштона, вошедшие в программу вечера, были поставлены хореографом в расчете на русских звезд. В первом исполнении балета "Рапсодия" солировал Михаил Барышников. А легендарные Рудольф Нуриев и Марго Фонтейн вдохновили Аштона на создание балета "Маргарита и Арман". Мировые премьеры этих творений хореографа состоялись в Ковент Гардене.

На сцену Музыкального театра в Москве в ролях Маргариты и Арман выйдут звезды балета Нина Ананиашвили и Сергей Полунин, которого Койл назвал "чудом света".

Любимый балет

"Маргарита и Арман" — мой самый любимый балет, — сказал перед премьерой Полунин. — Я уже танцевал его на сцене Ковент Гардена. В нем все соединено — и чувства, и эмоции, и красивые па- де- де. Не только зрители, но и самим артисты получают огромное удовольствие. Я в этом вечере занят еще и в "Рапсодии". Эти два балета отображают двух великих танцовщиков: Барышникова и Нуриева. В "Рапсодии", которая ставилась на Барышникова, чувствуешь, что это его движения, то, что он любит. А в Армане узнаешь Нуриева, его стиль".

В Москве спустя годы

Нина Ананиашвили — в прошлом прима-балерина Большого театра, которую американская критика называла "бесспорной суперзвездой классического балета", выступает в Москве после большого перерыва. Она живет в Тбилиси, где возглавляет театр оперы и балета.

"Действительно, я давно не выступала в Москве и для меня нынешняя премьера особенно волнительна, — сказала Ананиашвили. — Я давно мечтала станцевать Маргариту, сразу, как только увидела видеозапись выступления Нуриева и Фонтейн. Но в Ковент Гардене, с которым меня связывала жизнь, тогда не было в репертуаре этого балета. Много позже я получила разрешение поставить "Маргариту и Арман" у себя в Тбилисском театре.

Целая жизнь

"Балет идет всего полчаса, но за это время я проживаю целую жизнь Маргариты. Это трудно, но зато у тебя есть возможность показать все, — сказала Ананиашвили. — В зрелом возрасте, когда за плечами уже свои горести и переживания, ты способна более глубоко передать трагедию героини. Последний монолог с Арманом умирающей Маргариты для меня — воспоминание о маме и моем педагоге Раисе Степановне Стручковой, которые уходили из жизни на моих руках".

"Маргарита и Арман" уже исполнялся в Музыкальном театре, а два других балета впервые будут представлены на этой сцене. Более того, балет "Вальс" станет российской премьерой.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16673
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Окт 30, 2015 3:24 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015103008
Тема| Балет, МТ, Фестиваль-мастерская Context, Персоналии, Диана Вишнёва
Автор| Текст: Юлия Таратута; Фото: Андрей Байда
Заголовок| Слово приме
Где опубликовано| © Forbes
Дата публикации| 2015-10-30
Ссылка| http://www.forbes.ru/sp_data/2015/vishneva/index.html#st
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Диана Вишнева смело меняет классику на современность. Ее ежедневный график — из тысяч мелких букв, а двадцатилетняя карьера — уникальное для балета долголетие



Диана, вы русская прима с уникальной международной карьерой, но теперь устраиваете еще и фестиваль-мастерскую Context. Как вы к нему пришли?

Диана Вишнева: Фестиваль очень молодой, хотя он достаточно долго зрел. В уме, в моем желании и целенаправленности. Я классическая балерина с академической выучкой Академии Вагановой, выросла в Мариинском театре, обрела имя и стала прима-балериной, но уже с юных лет понимала, что классическое наследие нужно как-то обогащать и пробовать новые направления танца, а не ждать, когда твоя карьера классической балерины закончится. К этому я подходила довольно серьезно, и в определенный момент у меня появились возможности и для самостоятельной работы вне театра. Я много работаю с зарубежными танцевальными труппами, привлекаю продюсерские компании. Чувствовать себя человеком мира — это не только перемещаться по зарубежным странам и танцевать в компании, а действительно погружаться в работу хореографов, оттачивать мастерство, приобретать опыт, который ты можешь в какой-то момент карьеры, когда почувствуешь, уже передавать. Этот посыл вылился прежде всего в благотворительный фонд, который поддерживает и пропагандирует любое направление танца, помогает детям. Из работы фонда возникла идея фестиваля. Очень важная миссия фестиваля — просвещение, в программу входят лекции, круглые столы, кинопоказы и мастер-классы. И это созидательная история. Мы помогаем нашим молодым быть рядом с мастерами, чьи имена гремят по всему миру, но в России не всегда известны, помогаем увидеть тенденции, разные стили и интегрироваться в мировой контекст.

Русский балет, уверены обыватели, и так безусловная отечественная победа — как космос.

Д. В.:
Понимаете, мы лучше других, потому что у нас традиции и история классического балета. Но нельзя забывать, что классический балет не может совершенствоваться, если рядом что-то не способствует этому развитию. Раньше со мной никто не хотел разговаривать, когда я говорила: «Давайте поедем в Россию. Давайте я вас привезу в свою компанию. Дайте я возьму своих танцоров». Мне говорили: «Нет, вы, русские, не готовы, вы совершенно другие, современное вас не интересует, мы будем не поняты».

Они имели в виду, что русский балет высокомерен?

Д. В.:
Нет-нет. Они имели в виду, что мы очень слабые в современном понимании.

Ваш фестиваль в этом году посвящен Майе Плисецкой.

Д. В.:
Она была главой попечительского совета. Майя Михайловна меня очень поддерживала, ей всегда хотелось развития современного танца еще при ее деятельной карьере балерины. Конечно, будет посвящение ей, и я очень рада, что она у меня в судьбе, что мы не только знали друг друга, а общались и дружили.

Как вы познакомились, как общались?

Д. В.:
В последнее время я много танцевала ее репертуар. «Анна Каренина», «Кармен». Майя Михайловна часто приезжала на гастроли, так как было очень плотное сотрудничество Родиона Константиновича Щедрина с театром и с Валерием Абисаловичем Гергиевым. Я станцевала «Болеро», балет, который после Майи Михайловны 40 лет русская балерина не исполняла. Когда она узнала, что я буду танцевать «Болеро», она сказала: «Я очень хочу приехать. Это для меня так важно видеть». И когда Майя Михайловна присутствовала на этом спектакле, когда зрители поворачивались лицом то к сцене, то к ней — это было так волнительно и этот момент ощущения связи поколений навсегда останется в моей памяти.

Мы постоянно встречались где-то, общались, она готовила свой юбилейный вечер буквально за два года, и теперь он станет спектаклем памяти великой балерины. Она так ждала этот вечер в Большом театре. Очень хотела, чтобы это осуществилось, и ничто не предвещало, конечно, потому что она никогда не жаловалась на здоровье. Майя Михайловна была полна сил и энергии. Последний раз я с ней виделась в прошлом сентябре, когда танцевала «Болеро» с труппой Бежара в Грузии. Я пригласила Майю Михайловну и Родиона Константиновича, и они с удовольствием согласились приехать. Это был теплый и гостеприимный визит — она очень давно не была в Грузии, со времен Шеварднадзе. Как это было важно — видеть грузинский народ и его преклонение перед ней, и присутствовать, и иметь к этому отношение. А познакомились мы очень, очень давно. Это было в Париже, я еще была совсем юной, и это был гала-вечер, посвященный Майе Михайловне в театре Кардена.

Мы помним трагическую историю с Сергеем Филиным. Вашему фонду пришлось включаться?

Д. В.:
Сергей с самого начала был окружен огромным вниманием, ему помогали, слава богу, силами театра и попечительского совета. Это невероятная трагедия, вообще, по-моему, очень трудно было представить, что это может произойти в таком хрустальном, на первый взгляд, виде искусства как балет, несущем красоту и благородные эмоции.

Изменилась ли, на ваш взгляд, ситуация, атмосфера в Большом после смены руководителя?

Д. В.:
Я связана театральной этикой и не могу говорить о внутреннем распорядке Большого. Другое дело, что я работаю с этим театром и мне очень приятно, что я имею возможность танцевать на сцене Большого театра. Каждый театр живет достаточно непростой внутренней жизнью, и это совсем не новость, что устройство и система различаются и атмосфера везде разная. К тому же Москва — это центр, здесь многое связано с политикой. Многие факторы влияют и иногда, мне кажется, немножко мешают творческой атмосфере, тут все должны концентрироваться и быть коллективно сплоченными людьми. Но то, что касается администрации, как раз-таки из-за того, что это в Москве и это центр, работает очень хорошо, быстро, отлаженно.

Из ваших старых интервью я помню, что у вас долгие отношения с Большим и они были разными. Было даже что-то вроде бунта балерин, которые, очевидно, опасались конкуренции.

Д. В.:
Еще совершенно юной, студенткой Академии Вагановой, я уже была зачислена в театр как стажер, но чтобы называться прима-балериной, нужно хотя бы несколько сезонов. Но когда уже во второй сезон тебе дают премию «Божественная» и ты едешь танцевать в Большой театр, вряд ли можно сказать, что отношения не сложились. Спектакль имел сильный резонанс, его все отметили, и после этого у меня как раз-таки сложилось сотрудничество. А дальнейшие трения — внутреннее стечение обстоятельств. То есть такой эпизод есть в моей карьере, но у меня не изменились отношения с театром, ведь я заключаю контракт с художественным руководителем и директором. Алексей Ратманский извинился за тех людей. Это ведь ситуация конкуренции, ревности, которая всегда присутствует.

А почему в хрустальном мире балетного искусства люди относятся друг к другу так воинственно?

Д. В.:
Это связано с лимитированностью карьеры. Времени очень мало, и каждый хочет как можно быстрее себя проявить, заявить о себе, какие-то роли сделать. Раньше у людей не было выхода. Если ты не обладаешь определенными пропорциями или определенной индивидуальностью, у тебя просто не будет места. Сейчас можно уехать, границы открыты. И есть выбор. Мне говорят, 20 лет — это огромная карьера. Но вы даже не представляете себе, какая это огромная карьера, как сжато и сконцентрированно время.
-------------------------
еще одно фото по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16673
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Окт 31, 2015 12:19 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015103101
Тема| Балет, Татарский академический театр Оперы и Балета имени Мусы Джалиля, Персоналии, Айсылу Мирхафизхан
Автор| Диана Слабко
Заголовок| Айсылу Мирхафизхан: У каждого есть свой шанс
Где опубликовано| © "Казанские Ведомости"
Дата публикации| 2015-10-31
Ссылка| http://kazved.ru/article/66176.aspx
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Айсылу Мирхафизхан – вторая солистка татарского академического театра Оперы и Балета имени Мусы Джалиля. В 2011 году она с отличием окончила Казанское Хореографическое училище, по классу народной артистки республики Татарстан Ирины Хакимовой.



Для Айсылу это уже пятый сезон работы в театре, и за это время у неё сформировался очень яркий характерный репертуар. В 2014 году она стала лауреатом II премии Всероссийского конкурса артистов балета и хореографов, в номинации «характерный танец». Достигнув определённого успеха, всегда нужно идти вперёд. У талантливой молодой танцовщицы для достижений еще больших высот есть немалый потенциал.

- Айсылу, расскажите о своей семье.
- Я выросла в театральной семье. Моя мама Фарида Сафина – народная артистка республики Татарстан, актриса театра Г. Камала. Поэтому уже с самого раннего возраста я имела представление и понимала, что такое искусство. Возможно это и помогло мне определиться тогда с выбором моей дальнейшей профессии. Я никогда не была городским ребенком так как большую часть своего детства проводила в деревне у бабушки, в окружении своих родных и друзей. Народные традиции и теплые семейные отношения способствовали формированию моей личности, я благодарна за это своей семье.

- У Вас красивое сочетание имени и фамилии, как раз для театральных афиш. Мирхафизхан – это настоящая фамилия?
- Это очень интересная история. Моего дедушку со стороны мамы, звали Мирхафизан. Он был неординарной личностью, человеком универсалом: занимался историей, педагогической деятельностью, играл на музыкальных инструментах. Маме было девять лет, когда он ушел из жизни, но она запомнила и сохранила в своем сердце дедушкин завет, передать его имя своим потомкам. Чтобы фамилия была созвучна с именем, мы прибавили частичку «хан», что тоже непросто так. При исследовании семейной родословной дедушка выяснил, что наш род соединяется с родом Бикчура, который является одним из последних повелителей Булгарского государства. В память о дедушке и его заслугах, мы решили передать нашу семейную историю, память о нем и причастность к нему через меня. Так получилась фамилия Мирхафизхан.

- А почему Вы не пошли по стопам своей матери, и не стали драматической актрисой?
- Кухню и систему драматического театра я уже знаю изнутри. На мой взгляд, профессия драматического актера больше подчиняется счастливому случаю и зависит во многом от режиссера. Талантливых артистов очень много, и все претендуют на главные роли. В балете все зависит от самого артиста, только благодаря своему труду можно добиться серьезных результатов. Чтобы быть сильной и самостоятельной в профессии, мама решила отдать меня в Казанское хореографическое училище. К тому же с детства я очень любила танцевать.

- Что для Вас оказалось самым сложным на протяжении восьми лет учебы в училище? Вам легко все давалось?
- Нет, мне всегда дается возможность реализовать себя только через огромный труд. На экзамене по классическому танцу в первом классе училища мне поставили одну из самых низких оценок. Меня это очень сильно задело, потому что по своей натуре я привыкла быть лидером. Поэтому, чтобы стать лучшей, мне пришлось много поработать над собой самостоятельно. Самое трудное – это не отходить от своего намеченного пути, не сомневаться в себе и идти только вперед.

- От учителя в жизни зависит очень многое. Расскажите о своих учителях?
- Мне и моим однокурсникам невероятно повезло с педагогами! Нас учили мастера, прославленные артисты нашего балетного театра. Именно педагоги формируют балетную личность. Ирина Хакимова и Виталий Бортяков привили нам любовь к своей профессии. Нам никогда не давали только сухой хореографический материал, с нами беседовали, делились своим жизненным опытом. Луиза Мухаметгалеева - профессионал своего дела, педагог по актерскому мастерству. Это был один из самых любимых предметов, где было творчество, у нас была возможность ставить свою хореографию и придумывать самые разные образы. Сания Хантимирова для меня вторая «балетная» мама. У неё великолепная Вагановская школа и её советы просто бесценны. Выпускались мы уже осознанными и самостоятельными в профессии, взрослыми людьми, во многом благодаря своим педагогам.

- Как выдался Ваш первый сезон работы в театре? Ваша первая сольная партия?
- Театр - это большой и достаточно сложный механизм. Первоначально нужно было освоить репертуар театра, войти в его ритм. Первые спектакли и трёхмесячные гастроли в Европу, оказались для меня испытанием. После чего мне пришлось долго восстанавливать свои силы. Моя первая сольная партия в театре – это цыганский танец из балета «Дон Кихот». Для меня это было большой удачей, именно после этой роли моя карьера в театре пошла вверх. В конце сезона я станцевала Олимпию в балете «Дама с камелиями».

- Репертуар театра давно не пополняли спектакли из классического наследия. В этом сезоне театр готовит премьеру балета «Эсмеральда». Вам не кажется, что труппе не хватает классических постановок?
- Основа классического репертуара, в нашем театре, безусловно, есть. Классика держит труппу в отличной форме, не дает ей расслабится. Мы в основном привыкли, что в театре ведутся постановочные работы авторских балетов, когда спектакль ставится с нуля. Если долгое время танцевать только авторские спектакли, то постепенно теряешь определенные навыки классического танца. Поэтому постановка балета «Эсмеральда» является хорошим решением для нашей труппы, это здорово, что у нас появится еще один красочный и торжественный классический балет.

- Кто для Вас является ориентиром в балетном искусстве?
- Ориентиры для меня — это те артисты, которые меня вдохновляют. Из советской эпохи – это Галина Уланова, Екатерина Максимова, Майя Плисецкая. В те времена балет был совершенно другим. Техника танца отличалась, и советские артисты обладали каким-то другим изяществом и особым пониманием танца. В наше время большое внимание уделяется технической части танца, но утеряна какая-то неуловимая разница осознанности исполнения. Поэтому я очень люблю пересматривать старые записи, и для себя отмечать определенные нюансы в исполнении той или иной партии. Из современных я очень люблю Диану Вишнёву. Для меня это основной ориентир человека в искусстве, который постоянно находится в творческом поиске и не останавливается на достигнутом. Она живет тем, что делает в искусстве. Такие люди являются стимулом работать над собой и совершенствоваться.

- Вас тоже тянет к современной хореографии, как и Диану Вишнёву? Как Вы думаете, наш театр придет в дальнейшем к современному танцу?
- Современный танец – это совершенно другой мир. Здесь нет четких рамок, как в классическом балете. Хорошая модерновая хореография на высоком уровне у меня вызывает дикий восторг! Мне бы хотелось поработать с интересными хореографами. Русский балетный театр в современном направлении развивается очень медленно, он больше сохраняет классическое наследие танца и его традиции. На западе же наоборот преобладают современные постановки, но классика уже теряет свой смысл. Я думаю, что не стоит мешать стили современного и классического танца в академическом театре. Нужна хорошая альтернативная площадка, где можно было бы экспериментировать с разными направлениями.

- В вашем репертуаре в основном преобладают характерные партии? Есть ли у Вас роль мечты, может она будет из классического репертуара?
- Мне очень нравятся характерные партии. Я их близко чувствую, и мне есть что сказать зрителю в этой пластике в исполняемых мной образах. Классическая хореография требует точности линий и форм. В будущем мне хочется выйти в заветных для балерины партиях, но для этого мне еще нужно много работать над собой. Я объективно оцениваю свои возможности, но и не отрицаю, что в творческой жизни возможно все, нет границ совершенству.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16673
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Окт 31, 2015 2:12 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015103102
Тема| Балет, МАМТ, Персоналии, Наталья Сомова
Автор| Алиса Асланова, Фотограф Octavia Kolt
Заголовок| Наталья Сомова
Где опубликовано| © Ballet Insider
Дата публикации| 2015-10-29
Ссылка| http://www.balletinsider.com/archive/ballet_and_design/2387
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Прима-балерина театра им. Станиславского и Немировича-Данченко Наталья Сомова в платьях Valentin Yudashkin, в большом интервью для Ballet Insider рассказала о своем отношении к балету, любви к моде и жизни вне театра.



Bi: В жизни каждой балерины появляется роль, которая переворачивает все. Какая это роль для Вас?

НС:
Из последних моих работ – это спектакль «Манон». Это мое: полноценный балет, серьезная роль, но при этом не чистая классика, в которой нужно следовать канонам.

Bi: Как Вы готовите новую роль, что первично в построении образа?

НС:
Изначально даже не мы строим роль, а хореографы или ассистенты, которые переносят спектакли. Все разные: кто-то оставляет хореографию на усмотрение артиста, кто-то дотошно добивается правильного жеста, взгляда и поворота головы.

Bi: Какой вариант ближе Вам: быть пластилином в руках хореографа или отталкиваться от своей индивидуальности?

НС:
Лучше быть пластилином, чтобы тебя направили в нужном направлении. Потом все равно волей-неволей танец приобретает индивидуальность.

Bi: Какие роли Вы хотели бы станцевать еще?

НС:
У нас в театре поставили балеты Роббинса – интересная работа. Например, балет «В ночи», в котором танцуют три пары с абсолютно разным настроением и подачей. Их можно даже разделить по возрастной категории: первый дуэт отражает юность, зарождение чувства, второй – об отношениях и зрелой любви, третий дуэт – страсть.

«Самое главное – реакция зрителя. Если залу понравилось, я всегда ощущаю, что спектакль удался».

Bi: Вы требовательны к партнеру?

НС:
Иногда даже слишком, не все выдерживают (смеется). Это рабочий процесс.

Bi: Как проходит Ваш день перед спектаклем, он особенный или не отличается от будней?

НС:
Все зависит от того, какой спектакль. Если не очень тяжелый, то день может проходить как угодно. В ином случае я стараюсь себя поберечь: утором класс, перекусить что-то, днем поспать и вечером уже готовиться к спектаклю.

Bi: Вы волнуетесь перед выступлением, или с опытом это чувство ушло?

НС:
В общем-то, да, бывает.

Bi: Что для Вас удачный спектакль?

НС:
Исполнить все технически и физически выдержать нагрузку. Но самое главное – реакция зрителя. Если залу понравилось, я всегда ощущаю, что спектакль удался.

«В балете больше свободы, творчества и настроения».

Bi: Как Вы относитесь к критике?

НС:
Не слежу. Я далека от социальных сетей, поэтому я не вижу обсуждений спектаклей. Тем более невозможно всем угодить. К критике я отношусь положительно, если она конструктивна. Самый главный критик – мой педагог и зритель.

Bi: Вы давали очень мало интервью. Вы осознанно не стремитесь к популярности?

НС:
Не стремлюсь. Мой муж совсем не любит интервью и соглашается очень редко. Многие журналы предлагают провести съемки у нас дома о нашей семье, но мы отказываемся. Мы никого не пускаем домой, это личное пространство.

Bi: В театре Вы такая же закрытая?

НС:
В театральной жизни я не участвую: прихожу в театр, выполняю свою работу и ухожу домой. Вне стен театра у меня есть другая жизнь, не менее интересная. Я не вникаю в закулисные интриги. Может быть, я просто по характеру такой человек. Меня абсолютно не интересует, что происходит у кого-то другого, и пытаться выяснять эти новости мне даже не приходит в голову. И, кроме того, по натуре я не очень разговорчивый человек…

Bi: Сложно было принимать участие в шоу «Болеро», где Вы были в паре со своим мужем Максимом Марининым (прим. ред. российский фигурист, чемпион Олимпийских Игр)?

НС:
Было интересно, хотя все прошло крайне стремительно, и мне даже не верится, что это случилось. Часто кажется, что если в паре стоят муж и жена, то обязательно будут ссоры и выяснения отношений, но у нас не было страстей на репетициях. Были какие-то обсуждения из-за того, что мы из разных профессий, приходилось привыкать и приспосабливаться к друг другу, но это ни в коем случае не переходило в ссоры и, тем более, не переносилось в нашу личную жизнь.

Bi: Вы знакомы с обоими мирами и можете сравнить: что сложнее – балет или спорт?

НС:
Спорт, конечно, сложнее. Здесь главная цель – соревнование. Для этого нужен определенного склада характер, железная дисциплина и терпение. Мне все это не близко. В балете больше свободы, творчества и настроения.

«Не нужно думать, прима ты или нет. Нужно делать свое дело, оно скажет все за тебя!»

Bi: То есть Вы не любите соревноваться? Но Вы часто принимали участие в балетных конкурсах, что подразумевает конкуренцию.

НС:
Да, участвовала. И как раз на двух из этих конкурсов у меня случались травмы. Видимо, психологически не каждый может выдержать конкурсный накал. Даже сейчас, приезжая по приглашению танцевать в других театрах, я чувствую сильное волнение. Ведь атмосфера не всегда доброжелательная, а нужно сконцентрироваться на своей работе.

Bi: Наталья, у Вас двое детей. Балерины говорят, что после рождения ребенка мировоззрение и отношение к профессии полностью меняются. Вы столкнулись с этим?

НС:
В отношении балета, конечно. Дети стали частью моего становления.

Bi: Сложно было сделать перерыв в успешной карьере?

НС:
Если честно, не сложно. Когда живешь с человеком, которого любишь, то это естественное продолжение. Муж мне говорил, чтобы я не боялась, что будет только лучше после рождения ребенка, ведь балет никуда не уйдет. Безусловно, чем-то приходится жертвовать, что-то выбирать. Например, в тот период в театре шла большая постановка, но я абсолютно не жалею о том, что пропустила ее, в итоге я все равно в этом балете успела станцевать, хоть и в другой партии.

Bi: Долго пришлось возвращать форму?

НС:
Нет, не особенно. После второй беременности мне было еще легче, потому что я уже знала, как нужно восстанавливаться. Я достаточно быстро выходила на работу: балетный век недолог, поэтому нужно продолжать работать, чтобы идти дальше.

Bi: Дети интересуются Вашей профессией, ходят на спектакли?

НС:
Они знают, что папа катается, а мама танцует. Конкретно балет они пока не распознают. Артемий сразу сказал, что мальчики не танцуют – мальчики катаются. Поэтому мы отдали его в фигурное катание. Но сейчас он пошел в первый класс, и там есть кружок по брейк-дансу, так что теперь все мысли только о брейке. Он ходит на мои спектакли, осознанно смотрит, а Ульяна еще маленькая, я ее вожу только для общего развития.

Bi: Наталья, возвращаясь к вопросу о взрослении в балете, Вы фанат своей профессии или перфекционист, который делает свою работу на 100%, но не зависит от нее?

НС:
Скорее второе. Конечно, я люблю свою профессию, мне нравится танцевать, но все в пределах разумного. Нельзя объять все и нужно думать о семье.

Bi: Статус балерины помогает или наоборот?

НС:
Мне кажется, не нужно думать, прима ты или нет. Нужно делать свое дело, оно скажет все за тебя!

Наталью Сомову вы можете увидеть в спектакле «Маргарита и Арман» 31 октября, а также в балете «Коппелия» 2 ноября, в Музыкальном театре Станиславского и Немировича-Данченко.
---------------------------------
ДРУГИЕ ФОТОГРАФИИ ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16673
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Ноя 04, 2015 10:20 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015103201
Тема| Балет, фестиваль «Дяги­лев. P.S.», Персоналии, Наталья Метелица
Автор|
Заголовок| Наталья Метелица — о том, как готовится фестиваль «Дяги­лев. P.S.»
Где опубликовано| © Журнал "Собака.ру" (СПб)
Дата публикации| 2015 октябрь
Ссылка| http://www.sobaka.ru/city/art/41073
Аннотация|

Автор идеи и художественный руководитель международного фестиваля рассказала нам о технологии про­екта, позволяющей привозить в Петербург театральных звезд первой величины, от Джона Ноймайера до Уэйна Макгрегора.


Организаторы фестиваля (слева направо): Екатерина Сираканян, Наталья Мателица и Наталия Плеханова

Название «Дягилев. P.S.» абсолютно оправданно, ведь мы пользуемся теми критериями, которыми руководствовался Сергей Павлович. Он открывал что-то новое, просвещая русскую и одновременно европейскую публику, делал это максимально качественно и с интеллектуальной составляющей. Этим же отличается и наш фестиваль, который сопровождается научными конференциями, серьезными публикациями и выставками.

Казалось бы, со стороны все выглядит довольно понятно: в мире ограниченное количество выдающихся хореографов, они периодически ставят новые балеты, которые и нужно показать в Петербурге. Однако дело обстоит не так просто: то, что удобно для петербургского зрителя, совсем неудобно для наших зарубежных партнеров. Как раз в конце года в любом театре обязательно случается премьера, над которой работает весь коллектив, и поэтому вывезти в Петербург на несколько дней половину труппы ради одного спектакля бывает крайне сложно. Если бы мы проводили свой фестиваль в начале театрального сезона, в сентябре, или на его излете, в апреле-мае, нам было бы намного легче вести переговоры. Но мы изначально поставили перед собой задачу сделать более светлым и радостным самое темное и депрессивное время года — конец ноября — и не хотим от этой установки отказываться.

За годы проведения «Дягилев. P.S.» сложился круг любимых нами и любящих нас хореографов, это Джон Ноймайер, Анжелен Прельжокаж и теперь еще Уэйн Макгрегор. Бывали случаи, когда им предлагали приехать с гастролями в Россию другие компании, но они отказывались в нашу пользу, и это очень приятно. Обычный зритель зачастую не догадывается, что сегодня значительная часть постановок делается как копродукция нескольких компаний: после показа спектакля в одном театре он обязан переехать в другой город, а затем в третий. Так, я недавно специально летала в Манчестер, чтобы посмотреть новый балет Макгрегора, Tree of Codes, который мы хотели бы привезти сюда будущей осенью, — но нет, до 2017 года это невозможно. Именно поэтому у нас есть желание софинансировать следующую постановку хореографа, чтобы иметь приоритетное право на ее показ в России. Это не такие уж сумасшедшие деньги: труппа Уэйна Random Dance Company небольшая, костюмы и декорации минималистские, хотя техническое оснащение и свет стоят дорого.

Главная же сложность заключается в том, что каждый следующий фестиваль мы готовим, не зная до конца о той финансовой поддержке, которую нам смогут оказать город и меценаты. Мы очень благодарны городской администрации, которая признала наш проект нужным Петербургу и относится к нему весьма лояльно: если первые три фестиваля организовывались в основном на спонсорские деньги, то сейчас уже в большей степени на бюджетные. Кстати, выделенные городом средства здесь же и остаются, поскольку большая их часть идет на аренду. У западных трупп сложный технический райдер, и нам повезло, что в Петербурге теперь есть такие технически оснащенные площадки, как реконструированные сцены Александринского театра и БДТ.

Мы составляем программу и направляем ее в Комитет по культуре, а для того чтобы получить финансирование, должны представить уже подписанный договор — например, с театром Прельжокажа. Поэтому заранее оговариваем: «Анжелен, может так случиться, что мы возьмем меньше номеров и пригласим другое количество артистов». Поскольку у него уже есть кредит доверия к нам, он входит в наше положение. Но пока нам всегда удавалось выполнять максимум обязательств. В этом году исполняется тридцать лет труппе Прельжокажа, которая базируется в Экс-ан-Провансе. Изначально мы не планировали снова привозить ее в Петербург, но год назад сам хореограф и его директор, которых я встретила в Москве, буквально настояли на том, чтобы их юбилей отметить в России именно в рамках «Дягилев. P.S.». Тогда мы стали работать над программой гала-балета совместно. Прельжокаж сегодня один из ведущих балетных постановщиков мира, и я предложила показать результаты его работы на ведущих сценах планеты. Он согласился и задействовал собственные связи, чтобы пригласить ведущих танцовщиков из Парижа, Берлина, Загреба, исполняющих его хореографию.

Часто для западных артистов важно выступить одновременно и в Петербурге, и в Москве, и нам нужно найти партнеров по организации гастролей. Так, с этого года мы сотрудничаем с фестивалем Дианы Вишневой Context: совместно привозим в Россию труппу Марты Грэм, создавшей совершенно отдельную галактику в танцевальной вселенной. Удивительно, что эта известнейшая компания до сих пор никогда не была в нашей стране. А британский хореограф и танцовщик Акрам Хан и его испанский коллега Исраэль Гальван до «Дягилев. P.S.» выступят в Москве на фестивале в Музыкальном театре имени Станиславского и Немировича-Данченко.

Открывать новое — это не всегда привозить труппы из-за границы. На нынешнем фестивале оперу Моцарта «Дон Жуан» представит дирижер Теодор Курентзис, имя которого уже крепко связано в сознании петербургского слушателя с нашим фестивалем: два года назад мы первыми пригласили его в город после десятилетнего перерыва. Курентзис со своим оркестром и хором Musica Aeterna Пермского театра оперы и балета — это единый организм. На сцене двести человек, а слышна каждая нота, божественное пианиссимо, просто тающий звук — я не знаю, кто еще сегодня способен на это.

Крайне важно все делать заранее. Так, за месяц до открытия шестого «Дягилев. P.S.» я вернулась из Германии,где вела переговоры с Начо Дуато о том, чтобы представить на фестивале уже следующего года одну из его премьер в Берлинской опере: «Статическое время» либо «Кастратов». Петербуржцам должно быть интересно посмотреть, куда движется уже известный им мастер. Думаем о том, чтобы привезти «Пиковую даму» в версии Пермского театра. Очень хотелось бы показать у нас потрясающий, изобретательный спектакль Жана-Кристофа Майо «Ромео и Джульетта», однако в возглавляемом им балете Монте-Карло шестьдесят пять танцовщиков, и гастроли такой труппы — дорогое удовольствие. Кстати, мы хотели бы устроить в рамках «Дягилев. P.S.» мини-фестиваль из нескольких версий «Ромео и Джульетты»: например, в хореографии Майо, Прельжокажа и Матса Эка. Ведутся переговоры и с нью-йоркским American Ballet Theatre, но расходы на приглашение труппы из-за океана правильно было бы с кем-то разделить, и мы ищем компаньона в Хельсинки, Риге или Москве. А в 2017 году исполнится семьдесят лет Иржи Килиану, и в наших планах — показать его работы, поставленные в разных труппах. Конечно, крайне важно то, что у нас полное согласие в команде. Исполнительный директор Екатерина Сираканян и PR-директор Наталья Плеханова — полноправные соавторы любой идеи фестиваля. «Дягилев. P.S.» — это наше коллективное эго.

Фестиваль «Дягилев. P.S.». На разных площадках города, с 15 по 24 ноября
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16673
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Ноя 18, 2015 11:18 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015103202
Тема| Опера, Балет, Музыка, Детский музыкальный театр имени Сац, Персоналии, Георгий ИСААКЯН
Автор| Евгения КРИВИЦКАЯ
Заголовок| Георгий ИСААКЯН: Нам нужно «Новое Просвещение»
Где опубликовано| © Музыкальная жизнь №10, 2015
Дата публикации| 2015 октябрь
Ссылка| http://mus-mag.ru/mz-txt/2015-10/i-Isaakyan.htm
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

50 лет назад в Москве открылся уникальный музыкальный театр для детей. Его основательница, легендарная Наталия Сац, с самого начала сформулировала кредо, которому театр не изменяет уже полвека: не заигрывать со своей публикой. Другое дело – магия сцены, помогающая юному зрителю полюбить непривычные жанры – оперу, балет, ощутить богатство эмоций, даруемых музыкой. В последние годы театр активно ищет новые формы взаимодействия со своей публикой, используя самые современные технологии – свет, мультимедиа. Рассказывая о новинках юбилейного сезона, художественный руководитель театра, режиссер Георгий Исаакян затронул важнейшие темы – о философии искусства для детей, о запросах времени и позиции художника

– Георгий Георгиевич, а нужен ли специальный музыкальный театр для детей?
– Этот вопрос периодически ставится, мы вроде бы находим ответ, но, как и всё в сфере культуры и искусства, ответ этот временный. Мне кажется, что сейчас такой оперно-балетный театр для детей даже актуальнее, чем это было 50 лет назад, в момент его появления. При советской власти, как бы ни относиться к этому режиму, в сфере гуманитарного образования и воспитания детей существовала четкая система, вовлекающая их в классическую культуру. Сегодня, когда информационное пространство в большей мере попсовое, «сниженное», такой театр важен и нужен как территория, где с ребенком не заигрывают как с потребителем, где пытаются строить достаточно сложные этические и эстетические взаимоотношения.
Конечно, взрослые театры выпускают детские программы, спектакли, но, как мне кажется, эта деятельность все-таки не носит регулярный характер. Более того, многие проекты в какой-то мере возникали благодаря нам. Долгое время не было очевидно, что ребенку в детстве надо знакомиться с оперой или балетом. Лишь 15-20 лет назад возникло осознание проблемы, и теперь в театрах создаются специальные департаменты образования, где изучаются способы взаимодействия с детьми разных возрастных групп.
Имея Детский музыкальный театр имени Сац, мы обладаем эксклюзивным инструментом работы с детьми: в мире нет такой практики, таких зданий, как у нас, такой труппы. Можно, разумеется, перепрофилировать его, сделав еще один центр неизвестно какого предназначения. Но уверен, что театр в нынешнем виде, с его репертуаром, отвечает самым современным теориям об эстетическом воспитании.
Например, «Петрушка» Стравинского – по традиционным представлениям, серьезный, даже эстетский спектакль. Но у нас он нашел «свою нишу», дети смотрят его с восторгом, не осознавая, что тут сложная музыка Стравинского, модернистская хореография Фокина...

– С вашим приходом репертуарная политика театра кардинально поменялась.
– Я работаю в разных театрах, осмысливаю чужой опыт и рефлексирую на тему того, насколько оправдано наше такое эксклюзивное существование. Мне кажется, что территория детского музыкального театра – территория пока не «вытоптанная»; мало того, мы себе время от времени позволяем экстремальные вещи, которые крупные театры себе позволить не могут – назову, к примеру, «Маленького Арлекина» на музыку немецкого авангардиста Штокхаузена. Если посмотреть на афиши, то детям обычно предлагается «Петя и волк» Прокофьева либо «Путешествие по оркестру» Бриттена. Мы же, благодаря нашему особому положению, видим какие-то вещи шире, чем коллеги.

– В выборе стратегии вы опираетесь на рациональный расчет или вас «ведет» интуиция?
– Думаю, разумный менеджмент наполовину состоит из стратегического планирования, а еще – из чуткого реагирования на то, как всё меняется вокруг. Генеральная установка – что такой театр наделен особой миссией, я на ней настаиваю и считаю базой, на которой дальше можно строить разные здания. Что касается каждого отдельного решения, то что-то может возникнуть спонтанно, из случайного разговора, а что-то — как продолжение уже имеющихся проектов.

– А включение в афишу старинных опер – вы с этой идей изначально пришли в театр?
– Скорее нет, хотя я много занимался этой музыкой и считаю ее для себя одним из главных направлений. Но во время реконструкции Малой сцены, когда возникло понимание необходимости «нового» репертуара, появления альтернативной художественной программы именно для такого, особого, современного пространства, стало ясно, что там должны происходить экстраординарные вещи, которых нет ни в одном столичном музыкальном театре. Тогда внутри этих размышлений возникла «Игра о душе и теле» Кавальери. Следом появилась серия камерных балетов – их рождение тоже «стимулировали» возможности Малой сцены. У нас идут «Шерлок Холмс», «Стойкий оловянный солдатик» – спектакли разные по эстетике, по целевой аудитории, но в равной степени, на мой взгляд, успешные в реализации.

– В чем секрет, что детей в вашем театре не отпугивают столь сложные вещи?
– Искусство – вещь контекстуальная, от того, в какое окружение вписан спектакль, он может по-разному выглядеть. Мы выпустили «Золотого петушка» – реконструкцию дягилевского спектакля 1915 года. Когда век назад его показывали в Париже, никто и не думал о детской аудитории. Он задумывался как суперэстетская вещь с декорациями Натальи Гончаровой – русская экзотика, огромные цветы, орнамент, буйство красок – золото с красным, – всё это тогда ошеломило парижан. Теперь, спустя 100 лет, когда постановка идет в детском театре, сюда не попасть, аншлаги, публика сидит в проходах: привлекают, с одной стороны, имена Дягилева и Гончаровой, с другой – Пушкина, Римского-Корсакова, жанр сказки, опера и балет «в одном флаконе». Ребенок очень многое получает, увидев подобный спектакль.
Если пытаться начинать новую эпоху – понятно, что постмодерн заканчивается и на его месте должно появиться что-то другое, – это могло бы быть Новое Просвещение. Все мировые усилия последних тридцати-сорока лет были направлены на такую тотальную умственную деградацию, что Новое Просвещение – это то, что очень нужно. Наш театр в данном контексте окажется «на острие времени».

– Поздравляю, вы только что сформулировали новую идеологическую платформу!
– Благодарю (смеется).

– За 50 лет состоялось множество премьер, вам пришлось произвести селекцию. Наверное, наряду с удачами, бывали и слабые или конъюнктурные спектакли?
– Внутри театра мы постоянно размышляем, вместе с Роксаной Николаевной Сац многое перебираем из прежних названий, оценивая, что можно считать завоеванием, а что поражением, я спрашиваю ее, какие названия она считает состоявшимися, о каких сожалеет, что считает незаслуженно забытым...

– У вас такие откровенные дискуссии?
– Да. У нас открытая и честная атмосфера. Придя в театр, я сразу же обозначил главный принцип: мы не можем лгать, потому что наши самые честные на Земле зрители нам в лицо высказывают свое мнение. Дети ведь не понимают табели о рангах, для них иерархия мира выглядит иначе: хорошо – плохо, честно или нечестно.

– К юбилею объявлена новая версия «Синей птицы». Как ваши коллеги восприняли это «покушение» на святыню?
– Повторюсь: мы абсолютно откровенны друг с другом внутри театра. Конечно, решение предпринять обновление балета «Синяя птица» потребовало определенных усилий. Это не только символ театра, но и символ семьи Сац.
Но есть понимание, что эстетика очень изменилась, возможности труппы сильно возросли. И наш юбилейный сезон увенчается «Синей птицей», «рассказанной» на новом хореографическом языке. Если мы воспитываем вкус, воспитываем зрителя завтрашнего дня, то он должен понимать современный язык искусства.

– Музыка позволяет сделать такой апгрейд?
– Окончательный результат мы увидим через полгода, но знаю, что балетмейстер-постановщик Кирилл Симонов обладает тонким художественным чутьем и не станет калечить музыку. Есть ряд любопытных идей насчет восстановления эпизодов, выпавших при первой постановке, по введению новых кусков музыки. Их нашла Роксана Николаевна Сац в архивах МХТ, и они, как и многие другие эпизоды, прозвучат в новой оркестровке Ефрема Подгайца.
Аналогичный путь был у «Золотого петушка», когда Вячеслав Окунев полгода собирал версии гончаровских эскизов в разных коллекциях. Поскольку некоторые картины существовали в трех-четырех вариантах, надо было понять, как они выстраиваются в едином пространстве спектакля. Конечно, маленькому зрителю необязательно знать всю «кухню», но когда за каждым спектаклем стоит такая тщательная подготовительная работа, то невольно ощущаются эти двойные-тройные смыслы.

– Задавая предыдущий вопрос, я имела в виду прежде всего «Морозко» – такую наивную сказочку…
– Да, «Морозко» – дитя своего времени: начинает звучать музыка, и мы вспоминаем советскую мультипликацию 1960-х годов. В чем-то ностальгическая для нас, абсолютно наивная, без «подтекста» и «двойного смысла», и у нас были серьезные дискуссии, надо ли этот второй-третий план насильно создавать? Не разрушится ли ткань произведения? И что это такое – «новая наивность»?
Все эти мысли – рефлексия по поводу интонации, с которой мы обращаемся к нашим зрителям.

– Сегодняшняя афиша демонстрирует очевидное стремление к серьезному разговору. Скажите, вы искренне верите, что наши дети способны понять такой сложный материал, как, скажем, «Игра о душе и теле» – первая в музыкальной истории духовная опера?
– Мне приходилось уже давать ответ на подобный вопрос. Мы только думаем, что знаем, как формируется человек. Предполагаем, что надо ему давать всё лучшее и тогда из него что-то получится. Но даже в самых прекрасных семьях периодически вырастают странные персонажи. Или, наоборот, в неблагополучных семьях появляются небесные создания. Но уверен, что прикосновение к высокому – это все-таки шанс. Не знаю, кем бы я вырос, если бы две мои тетушки не готовились к экзаменам в консерваторию, когда я младенцем лежал в кроватке. Рядом стояло фортепиано, и они играли инвенции, фуги, этюды – весь консерваторский репертуар «протек» через мою детскую колыбель. Думается, что моя завороженность музыкой проистекает из этого. Сейчас вокруг детей редко складывается подобная культурная среда: везде звучит эстрада, чаще всего – ужасающе низкого уровня. Что может в этом случае вырасти в душе ребенка?
Пусть будет хотя бы полтора часа Эмилио Кавальери и сложного разговора о том, что есть Небо и что есть – Человек. Тут важно было найти правильную подачу материала, чтобы «не взгромоздиться на кафедру» и не читать проповедь, думая, что ты знаешь больше, чем твой зритель. Не впасть в дидактику. Мы со сцены говорим, что надо отвлечься от всего материального и отдаться Небу, а ребенок потом выходит на улицу и видит ровно противоположное. Стоит поразмышлять, как поставить эти вечные вопросы, чтобы он захотел поискать на них ответы.

– С самого начала театр Наталии Сац строился на тесном общении с современными композиторами. Сейчас дверь по-прежнему открыта?
– Нам тоннами присылают детские мюзиклы, и я вынужден с извинениями отвечать, что мы не занимаемся всерьез этим коммерческим по сути жанром. Это не наша территория, я честно говорю об этом и с коллегами, и с властью: мы не будем зарабатывать на снижении художественных принципов. Приходится исполнять «сложное танго», чтобы не сказать впрямую «нет».

– Прекрасная и остроумная метафора!
– Ну да, менеджмент – это такое танго, где ты делаешь шаг навстречу и отступаешь обратно, отклоняешься в сторону, совершаешь резкий пируэт... Конечно, есть счастливые фанатики, несгибаемо идущие по прямой, но я не из их числа: жизнь настолько многообразна, что хочется успеть познать ее разные стороны.
Да, мы говорим, что мюзиклы – не наш профиль, но при этом заказываем одному из лучших композиторов современности Александру Чайковскому мюзикл «Оливер Твист» в качестве разового опыта хождения на эту территорию. Кроме того, эта работа вышла далеко за рамки жанра: серьезная работа, почти опера – я бы определил «Оливера» как драматический мюзикл. В любом контакте с современным композитором – а у нас в афише более половины названий связано с ними – мы размышляем, зачем мы это делаем, что мы хотим заронить в сердца наших зрителей. Благодаря государственному финансированию мы можем позволить себе роскошь – думать не только о зарабатывании денег, но и о душе.
Зрительский успех важен. Но какой? Не столько в виде купюр, принесенных в кассу, а как отклик, резонанс, в виде дискуссии между детьми и родителями, в виде бесценного опыта совместного эмоционального переживания. На днях к нам приводила дочку Илзе Лиепа. И потом мне призналась, что после спектакля они долго его обсуждали. Вот это дорого. Мы не тешим себя иллюзиями, что искусство многое может изменить в этом мире: просто стараемся внести посильный вклад в его «очеловечивание».

– Премьера октября – «Лисичка-плутовка» Яначека, и, кажется, в Москве она никогда не шла?..
– Мы ведем глобальное расследование, и вроде бы в Москве опера не ставилась. Тогда это событие вдвойне, поскольку «Лисичка» будет поставлена не только в нашем театре, но и в Камерном театре имени Покровского – буквально через три недели после нас.

– Удивительное совпадение? Или недальновидность менеджмента?
– Мы свои планы объявили гораздо раньше. Когда услышали о второй «Лисичке», то пытались обсудить с коллегами ситуацию. У Яначека, композитора нами незаслуженно забытого, есть и другие великолепные оперы – «Катя Кабанова», «Записки из мертвого дома». Но в итоге мы получим двух «Лисичек» – думаю, это будет любопытно.

– Яначек – один из сложнейших композиторов и для исполнения, и для зрительского восприятия. Что подтолкнуло вас к выбору его в афишу детского театра?
– «Лисичка» – одно из самых необычных сочинений в мировой оперной культуре. Сюжет возник из комикса, но в опере он подчас глубже философского трактата. Партитура состоит наполовину из симфонических картин. Для нас это «прыжок в неизведанное». Но вся труппа очарована этим произведением – его музыкой, бесконечной мудрой печалью, особым взглядом на нашу жизнь.
Дело ли детского театра заниматься интерпретацией таких сюжетов? Думаю, да. Этот вопрос задается по поводу каждого второго нашего спектакля. И «Игра о душе», и «Любовь к трем апельсинам», и Стравинский подвергались сомнениям. Приходится рисковать, но зато организм вырабатывает много адреналина.

– У вас опера Яначека пойдет не под оригинальным названием. Почему?
– При названии «Похождения лисички-плутовки» мы были бы обречены на дошкольную аудиторию, несмотря на указание 12+. Надеемся, что слова «Лисичка. Любовь» наведут родителей на определенные мысли – стоит ли вести маленьких детей, и в то же время вызовут интерес у тинейджеров, которым прежде всего адресована постановка.

– В нынешнем сезоне театр имени Сац будет «гастролировать» по Москве. Это очень необычный ход, прокомментируйте его!
– Поскольку юбилей – не только подведение итогов, но и поиск новой идентификации, то одним из самых ярких трендов сейчас является театр, выходящий за свои рамки. Европейское оперное пространство имеет целый набор инструментов: open air, историческая реконструкция. Помещая произведения в необычную обстановку, ты вдруг получаешь неожиданный взгляд на него.
Нам показалось, что наши спектакли, сыгранные вне родных стен, тоже позволят и нам, и публике взглянуть на них с новой стороны. Это будут сцены других московских театров, каждая из которых обладает своей магией.
Мы только что показывали «Репетицию оркестра» в Таллинне, в развалинах монастыря XV века, и получилась совсем другая история. Она стала более феллиниевской: если помните, в фильме действие разворачивается внутри храма во время реставрационных работ. А когда в момент звучания вступления к «Травиате» в окно ударил луч заходящего солнца, осветив дирижера, то возникло ощущение сакральности происходящего.

– В таллиннской версии сохранилась видеопроекция?
– Конечно! Проекция и позволила совсем другому типу зрителя понять происходящее. Она стала «мостиком» в жанр оперы-кино. Так что уверен – наши путешествия к коллегам в Большой театр, Музыкальный театр имени Станиславского и Немировича-Данченко, Московскую филармонию, РАМТ принесут нам новые художественные ощущения.

– Уже есть график показов?
– В Камерном театре имени Покровского планируем показать «Съедобные сказки» Броннера – спектакль, при всей своей детскости, затрагивающий очень серьезные темы. В Молодежном театре – «Репетицию оркестра». «Игру о душе и теле» мы будем представлять в Музее имени Пушкина и в ММДМ, в театре Станиславского – «Лисичку», в Новой Опере – «Золотого петушка», а в обновленном «Геликоне» мечтаем показать «Иоланту» Бертмана. В свою очередь столичные музыкальные театры покажут свои спектакли у нас. Я, например, с нетерпением жду «Холстомера» на нашей сцене, где совсем иная геометрия и аура, чем в Камерном театре.

– Вы упомянули Музей имени Пушкина на Волхонке. Где пройдут представления?
– «Альцина» состоится в рамках «Декабрьских вечеров» в Белом зале, «Игра о душе и теле» планируется в Итальянском дворике, где установлена копия портала «Златые врата»: мне кажется, она там прозвучит фантастически.
Такие рефрены, рифмы в творчестве мне представляются важными. Сейчас, говоря о театре, чиновники всё больше оперируют далекими от нашего дела терминами: не спектакли, а мероприятия; не творчество и социальная миссия, а «услуги», которые мы оказываем населению. А вот такие «выпадения» из регулярной деятельности позволяют нам вновь ощущать себя творцами, а не работниками сферы услуг.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6  След.
Страница 5 из 6

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика