Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2015-09
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17005
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Сен 29, 2015 9:08 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015092901
Тема| Балет, Kremlin Gala "Звезды балета XXI века"
Автор| ТАТЬЯНА КУЗНЕЦОВА
Заголовок| Прошедший XXI век
В Москве выступили "Звезды балета XXI века"

Где опубликовано| © Газета "Коммерсантъ" №178 , стр. 12
Дата публикации| 2015-09-29
Ссылка| http://www.kommersant.ru/doc/2820161
Аннотация|

На сцене Кремлевского дворца состоялся шестой Kremlin Gala "Звезды балета XXI века", отличавшийся от предшествующих полным отказом от концептуальности и державным патриотизмом. С подробностями — ТАТЬЯНА КУЗНЕЦОВА.


Фото: Юрий Мартьянов / Коммерсантъ

ФОТОГАЛЕРЕЯ

Роскошно изданный буклет открывается приветствиями пяти государственных мужей (от министра иностранных дел Сергея Лаврова до гендиректора "Ростеха" Сергея Чемезова), поддержавших мероприятие морально и материально. Все они рассказывают, чем ценен этот международный гала. Общее мнение сформулировал управделами президента Александр Колпаков. "С особым чувством гордости за нашу державу" он акцентирует внимание на номерах, "посвященных празднованию 70-летия Победы" и "отдающих дань памяти великой Майи Плисецкой", а также гарантирует "великолепные впечатления от встречи с любимыми артистами, от просмотра классических постановок и премьер". Таким образом, концепцию "Звезд XXI века", некогда решивших ознакомить (и действительно знакомивших) Москву со свежими мировыми достижениями и новыми именами, высокие покровители развернули на 180 градусов — чтобы все было как во времена их счастливой советской молодости.

Так и случилось: тем, кому за шестьдесят, ничто не мешало получать "истинное наслаждение". Показали фрагмент из давнего (впрочем, переработанного) "Реквиема" Моцарта в постановке Бориса Эйфмана — хореографа, в любви к которому народ и власть имущие едины. В концертном варианте кордебалетные массы сначала демонстрировали сплоченность и веру (смыкались в тесный круг и воздевали руки к небесам), а под конец — волевой порыв к счастливому будущему (кружились, водили хороводы и подпрыгивали на фоне голубого неба в легких облачках). Середина балета повествовала о частном, но общезначимом. Человека в светлой одежде (возможно, творца) грубо разлучал со светлой женщиной (возможно, музой) зловещий человек в черном пальто. Творец, возможно, умер (по крайней мере вытянулся и лег на спину), но был достойно оплакан и даже возрожден к вечной жизни женщиной в черном (то ли матерью, то ли Родиной).

"К 70-летию Великой Победы" показали номер "Баллада" на музыку Юсупова, Рахманинова и песни из кинофильма "Офицеры", поставленный Аллой Сигаловой со свойственной ей кокетливой угловатостью. Используя приемы 1980-х годов (стопы утюжками, коленки уголками и плечики вешалкой), хореографиня сочинила три симультанных и надрывных дуэта-прощания на фоне кинокадров пикирующих бомбардировщиков и анимации в виде черного листопада. Задействованные в "Балладе" ведущие солисты Большого театра танцевали с большой актерской самоотдачей, почти со слезами, однако (помимо государственной важности) единственной ценностью этого произведения можно считать идеально выворотный, поразительно красивый a la seconde (нога, поднятая в сторону) Ольги Смирновой. Этой хрустальной балерине Алла Сигалова оставила классические па, в отличие от ее менее везучих коллег Нины Капцовой и Анастасии Меськовой, которым пришлось принимать позы препарированных лягушек, воздетых к небесам уходящими на войну партнерами.

"Номером в честь Майи Плисецкой" оказался вечный "Умирающий лебедь"; главная народная артистка России Ульяна Лопаткина исполнила его с большим чувством собственного достоинства, очистив 100-летнюю фокинскую миниатюру как от декадентских излишеств Анны Павловой, так и от экспрессионизма Майи Плисецкой и выведя минималистскую формулу бестрепетной гибели.

Другой всенародно любимый артист Иван Васильев вместе с женой Марией Виноградовой станцевали дуэт из "Шехеразады", который и раньше трудно было назвать фокинским, а теперь уж совсем невозможно, поскольку погрузневший кумир балетоманов ввернул туда собственные трюки, за которые его и обожают фанаты. Что ж, тройной содебаск был высок и бесшумен, круг jete en tournant — напорист и стремителен, пируэт вышел аж в десять оборотов, и все это слегка взбодрило унылую любовную сцену, которую красивая партнерша Ивана избавила от всяких признаков эротизма, сосредоточившись на задирании ног во всех направлениях.

В качестве главного иностранного дара фигурировало "Болеро" Мориса Бежара, ради которого организаторы гала привезли в Москву 19 артистов Bejart Ballet Lausanne. По чести, "Болеро"-то и надо было посвятить Майе Плисецкой — с бежаровским шедевром москвичи ознакомились в 1978 году именно благодаря этой великой женщине, пробившей разрешение в самых верхах и гениально станцевавшей крамольный балет в Большом на 35-летие своей творческой деятельности. Нынешний кремлевский гала обошелся без пассионариев: исполнявший партию Мелодии Жюльен Фавро далеко не юноша, открытым темпераментом похвастаться не может, однако танцевал с собранной истовостью и великим пиететом к танцевальному тексту. К последней четверти балета его физические силы стали иссякать, и явное изнурение солиста придало "Болеро" нежданно политический оттенок: в Кремле прозвучала притча про человека, взвалившего на себя непосильный груз лидерства, разбудившего дремавший народ, надорвавшегося под прессом власти и затоптанного неуправляемой толпой.

Среди иностранных артистов доминировал обожаемый итальянцами и привечаемый остальным миром премьер "Ла Скала" и Американского балетного театра Роберто Болле — атлет, красавец и прирожденный "классик", в свои 40 лет сохранивший отличную форму и юношеское обаяние, но так и не наработавший актерских навыков. Фрагмент из "Арлезианки", психодрамы Ролана Пети 43-летней давности, он со своей партнершей Мидзукой Уэно станцевал как классическое па-де-де — без намека на телесные и душевные безумства. Номер "Прототип", поставленный для него хореографом Массимилиано Вольпини, и не предполагал перевоплощения — это был оммаж самому Болле, подчеркивающий его вневременное совершенство. Полуобнаженный артист представал и леонардовским человеком Возрождения, и прекрасным инструментом, идеально выполняющим основные движения экзерсиса, и академическим принцем, и романтическим героем, и драмбалетным Ромео, и даже форсайтовским сверхчеловеком — и все это с одинаковой приятностью. Видео на заднике дробило и множило образ очаровательного Болле, как бы намекая, что только виртуальные двойники артиста могут составить ему конкуренцию.

Единственным диссонансом, допущенным на этом старорежимном гала, оказался уже знакомый Москве номер "Диван" израильско-голландского хореографа Ицика Галили, исполненный солистами Берлинской государственной оперы. В этом полуакробатическом анекдоте артисты практически не слезают с дивана, а хореографический текст произносится дважды: в первый раз к неуступчивой девице пристает настырный кавалер, во второй раз уже он сам подвергается домогательствам весьма решительного гея. Аншлаговый зал Кремля, переполненный "незабываемыми эмоциями" от встречи с прекрасным, поначалу не знал, как реагировать, но все же расслабился и принял номер благосклонно — как детскую шалость. Не исключено, однако, что кому-то из высоких покровителей "Звезд XXI века" диванные радости показались слишком легкомысленными. Так что не стоит удивляться, если на следующий год вместо гала нам покажут "Лебединое озеро" с "любимыми артистами".


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пн Окт 05, 2015 10:23 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17005
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Сен 29, 2015 3:16 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015092902
Тема| Балет, Международный фестиваль современного танца DanceInversion, Персоналии, Каролин Карлсон.
Автор| Елена ФЕДОРЕНКО
Заголовок| Карлсон, которая живет в Париже
Где опубликовано| © Газета «Культура»
Дата публикации| 2015-09-25
Ссылка| http://portal-kultura.ru/articles/balet/121811-karlson-kotoraya-zhivet-v-parizhe/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В Москве дан старт Международному фестивалю современного танца DanceInversion. Программа рассчитана до конца ноября. Со своим спектаклем «Сейчас» к нам приехала живая легенда — Каролин Карлсон.


Фото: Михаил Логвинов

Американка финского происхождения давно живет во Франции, но сама называет себя путешественницей и даже кочевницей. Ставит и преподает в разных странах, активно влияет на развитие танца. Четыре десятилетия назад Карлсон буквально взорвала Парижскую оперу и возглавила там Группу театральных исследований. Так на территорию балетного академизма потянулся нескончаемый поток бесприютных артистов и уличных музыкантов. Потом гранд-дама современного танца с легкостью переезжала с места на место, работала с балетными профессионалами и начинающими любителями, и только в прошлом году создала собственную труппу, прописавшись в парижском театре «Шайо». Корреспондент «Культуры» встретилась с Каролин, но первый вопрос задать не успела, собеседница начала разговор сама.

Карлсон: Да-да, в Москве я уже бывала. Последний раз приезжала со спектаклем, который сочинила для Дианы Вишнёвой. Нынешний визит замечателен тем, что свой опус я показываю на сцене Большого театра. Он для всех великий, своего рода оплот надежности. И вот теперь этот классический колосс впустил под свою крышу современные эксперименты. 30–40 лет назад подобное случилось в Парижской опере, где я работала. Тогда пересечение современного танца и балета многим виделось странным. Мне трудно было представить, что Большой отважится на нечто подобное. Да и сейчас это кажется невероятным.

культура: Мы-то уже привыкли: за последние годы в репертуаре Большого появилось немало спектаклей современных хореографов. Можете дать определение контемпорари дансу?
Карлсон: Мне часто задают этот вопрос, но на него невозможно ответить. Современный танец зависит от видения конкретного хореографа. И если артист балета из любой страны, попав в Мариинский, «Ковент-Гарден», Парижскую оперу, вряд ли растеряется, потому что классический язык, коим он владеет, — единый и бесспорный, то в современном танце у каждого художника свои пластические слова. Чтобы постичь их, нужно заниматься с хореографом, говорящим на твоем языке.

культура: На фестиваль Вы привезли спектакль «Сейчас», весьма зашифрованное послание. Не подскажете код к разгадке?
Карлсон: Не люблю объяснять свои произведения. Недавно на биеннале современного искусства в Венеции поняла, что либо все сошли с ума, либо я — «белая ворона». Каждое полотно кто-то комментировал, каждый арт-объект сопровождался многословными текстами, разъясняющими, что хотел сказать автор. Читаешь, слушаешь, а потом видишь саму работу и думаешь: зачем растолковывали? Только хуже сделали, запрограммировали фантазию. Вот я и не объясняю — пусть у каждого будет свое восприятие.

Что касается спектакля «Сейчас», то в нынешнем мире, когда мы столь зависимы от внешних обстоятельств, нужно призвать и себя, и артистов, и зрителей к тому, как важно лелеять свое внутреннее пространство. Только там мы имеем возможность тянуться ввысь, как деревья к солнцу. Ведь мы часть природы, а природа — составляющая космоса.

культура: Чехов, которого Вы так уважаете, говорил: «Познай самого себя» — прекрасный и полезный совет, жаль только, что древние не догадались указать способ, как пользоваться этим советом».
Карлсон: Танец как раз один из способов познания. Люди потеряли ощущение внутренней концентрации, да и их внутренний стержень сильно покосился. Так что прекрасно, когда зритель ничего не знает о постановке. Только тогда он свободен в восприятии, способен пережить определенный эмоциональный опыт. И история, рассказанная со сцены, становится уже не моей, а зрителя. Человек считывает поэтические образы, а они не навязывают конкретных фабул, но дарят богатые ощущения. Моя главная надежда — на воображение. В «Сейчас», правда, звучат какие-то фразы (наверное, будет и перевод, что абсурдно), но они не очень-то и важны. Я видела спектакли на русском языке, не понимала ни слова, но большинство мне понравились. Благодаря визуальному образу можно многое прочувствовать.

культура: Объясните название...
Карлсон: Сегодня, в данный миг происходит действие, и его сейчас видит публика. Мне нравится восточная аксиома — мы не можем изменить вчера и не знаем, что будет завтра: любить, верить, действовать, жить надо сегодня. И танец существует только в настоящем времени.

культура: То есть Восток Вам по-прежнему близок?
Карлсон: Уже сорок лет я исповедую буддизм и дзен-буддизм, строю мостики между восточной и западной культурами. Мне дорога восточная идея жизненного пути как потока времени и энергии. Потому в наших спектаклях медитативность чрезвычайно важна.

культура: Во Франции пользуются популярностью Ваши поэтические сборники. Стихи писать продолжаете?
Карлсон: Я сочиняю стихи с двенадцати лет. Тогда умерла моя собака, которая жила с нами все годы, что я себя помнила.

Свои спектакли я давно называю визуальной поэзией. Кроме того, я занимаюсь каллиграфией — это просто волшебство, когда слово становится символом, знаком — емким и прекрасным. Движения танцовщиков — и на сцене, и в жизни — тоже похожи на иероглифы.

культура: После постановок в Парижской опере к Вам просто приклеилось определение «революционерка».
Карлсон: Да, я изменила Парижскую оперу в 1970-е, и сделала это благодаря выдающемуся директору театра Рольфу Либерману, рискнувшему меня пригласить, чтобы «разбавить» классику модерном. Тогда я не знала, что занимаюсь революционной деятельностью, просто ставила спектакли и старалась увлечь танцовщиков. Рольф предложил создать Центр исследований. Разбирать пластику мы начали в… подвале театрального здания. Парижская опера не сразу, но восприняла наши эксперименты, и артисты спустились к нам в подполье.

культура: На короткое время Вы пересеклись с Рудольфом Нуреевым. Каким он запомнился?
Карлсон: Он был словно контрастный душ, внезапно меняющий потоки. Меня он чаще обдавал холодом. Но против вольного хореографического воздуха не возражал.

культура: Многие балетмейстеры и артисты называют Вас учителем.
Карлсон: По всему миру так много моих учеников, что порой я чувствую себя древней бабушкой, которая не в силах запомнить имена всех внуков.

культура: То, что труппу составляют танцовщики разных национальностей, для Вас важно?
Карлсон: Я работаю с человеческой душой и телом, и мне все равно, какой национальности артисты. Выбираю по способностям и по тому, как они воспринимают мой метод импровизации. Мы ведь сочиняем сообща, я только даю идею и подсказываю направления. Есть, конечно, национальные особенности, но я все чаще думаю о том, насколько мы все похожи. Нам всем нужны вода и еда, мы все радуемся и страдаем, и живем на одной большой планете.

культура: В Вас течет финская кровь, Вы родились и воспитывались в Америке, живете в Европе. Кем себя ощущаете?
Карлсон: Точно не француженкой. Скорее, американкой — энергичной и непосредственной. Правда, финская кровь все время напоминает о себе — меня преследует ностальгия, я эдакая вещь в себе, немного закрытая.

культура: Когда Вы привозили в Москву спектакль «Тигры в чайном домике», то сказали, что это Ваш 97-й спектакль. А сейчас сколько?
Карлсон: Считать свои опусы перестала. Тогда было минутное желание подвести какой-то предварительный итог. Результат поразил: «Неужели почти сто?» Полагаю, если сегодня учесть все миниатюры, то лист сочинений выйдет гораздо длиннее. Может, и за тысячу перевалило.

культура: Какие у Вас впечатления от современной Москвы?
Карлсон: Грандиозные. Город изумительно красив: древние здания, рядом — новейшие, необъятные площади, широкие улицы. Вижу, что Москва становится суперстолицей и, увы, как суперстолица подвержена модным тенденциям. Как в любом большом городе, здесь слишком много штампов, модных вывесок и модных марок. Когда я приезжала сюда раньше, то видела, как на скамеечках беседовали старушки, медленно брели влюбленные, играли дети — все было такое настоящее, аутентичное. Сейчас мне хочется найти тот «старый» город, но пока не удается. Слишком прагматичным стал наш мир, достаток оказался важнее индивидуальности. Мы не храним того, что у нас внутри, не дорожим воспоминаниями, не копим эмоции, зато активно движемся в сторону роботов, уткнулись в интернет и даже коллегам в соседних комнатах отправляем смс.
-----------
другие фото по ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пн Окт 05, 2015 10:27 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17005
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Сен 29, 2015 4:01 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015092903
Тема| Балет, САНКТ-ПЕТЕРБУРГСКИЙ ТЕАТР БАЛЕТА ИМ. Л. ЯКОБСОНА, Персоналии, АНАСТАСИЯ ДЕМЬЯНОВА
Автор| Беседовала Ирина СУВОРОВА
Заголовок| Такой тесный балетный мир
Где опубликовано| © Газета «ЙОШКАР-ОЛА»
Дата публикации| 2015-09-27
Ссылка| http://gg12.ru/node/21694
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В ЙОШКАР-ОЛУ НА ПАРУ ДНЕЙ ПРИЕЗЖАЛА СОЛИСТКА САНКТ-ПЕТЕРБУРГСКОГО АКАДЕМИЧЕСКОГО ТЕАТРА БАЛЕТА ИМ. Л. ЯКОБСОНА АНАСТАСИЯ ДЕМЬЯНОВА

Мало кто знает, что Настя - уроженка Марий Эл, и именно здесь она получила первые впечатления от балета. Ее путь в солистки был труден и тернист. Так сложилась жизнь, что ей пришлось много учиться, причем в разных городах.

В ее репертуаре пока нет главных партий в балетах, но есть другие серьезные партии - па-де-труа в «Лебедином озере», вставное классическое па-де-де в «Жизели», па-де-де из «Пламени Парижа», «Арлекинада» и другие. Молодая, яркая и многообещающая балерина Анастасия Демьянова - в гостях у «Й».



- Настя, расскажи о своем детстве в Йошкар-Оле.

- Все детство я провела здесь, у бабушки. Моя мама здесь училась в музыкальном училище и работала в оркестре Театра им. Э. Сапаева. Можно сказать, я выросла в театре. В яме мне было не очень интересно, больше хотелось на сцену, за кулисы, где я и проводила все время. Видела все балеты, оперы, но больше всего меня привлек балет. Мне было всего три года, когда я была в йошкар-олинском театре, но я до сих пор помню каждый закоулок прежнего здания. Потом, когда мы уже переехали, я все равно каждый год приезжала к бабушке, и мы с ней ходили в йошкар-олинский театр на балет.

- Вы переехали в Самару, когда тебе было 5 лет, и здесь ты попала в хореографическую школу-десятилетку при театре.

- Это был смешной случай. Мама училась в институте и работала на полной ставке в театре. Там мы вместе с другими театральными детьми играли в прятки, догонялки. Во время спектаклей я была за кулисами и постоянно кривлялась, пыталась повторять за балеринами. И вот меня заметила директор балетной школы, сказала, что хватить кривляться за кулисами, пусть приходит в нашу школу. Меня проверили, сказали, что у меня хорошие данные, но когда узнали, что мне всего 5 лет и я даже в обычную школу не хожу, взялись за голову, потому они брали только школьников. Я сразу в слезы, почему меня не берут в балет, в итоге у мамы не было выбора и мы пошли в 1 класс общеобразовательной школы (осенью мне исполнялось 6 лет). Потом мама подала документы уже в хореографическую школу.

У меня врожденная координация, абсолютный слух, мне не надо ничего повторять по два раза, я легко запоминала все комбинации, и меня спокойно могли поставить в спектакль за один день. Помню, на экзаменах я единственная получила пятерку. Меня все поздравляли, а я не понимала, почему, ведь все вроде было легко.

- То есть тебе не приходилось себя ломать, как это бывает у некоторых балерин и танцовщиков?

- В детстве - нет, все получалось само собой. Но когда становишься взрослой балериной, то понимаешь, что время идет и надо над собой работать. Нужно не только психологически осознавать, что ты делаешь, но и чтобы данные позволяли выполнять все технично, чтобы потом можно было думать только об образе. Как говорят, в классах ты себя ломаешь, работаешь над собой, над своей техникой, над шагом, над стопами, чтобы все было выворотно, в классах учат делать один пируэт или просто стоять, а на курсах ты должна делать три-четыре пируэта, не меньше. Чем больше техники, тем больше тебя замечают. Я отношусь к техническим балеринам, хотя с актерским мастерством у меня тоже все в порядке, и мне в принципе спокойно даются любые партии и роли.



- После Самары ты училась в Питере и Новосибирске. Почему тебя так разбросала судьба и к какой школе ты себя относишь?

- Наверное, я себя хочу относить больше к питерской школе. Потому что и в Самаре все педагоги были из ленинградского училища. Когда я была в обычном пятом классе, там открыли хореографическое училище, раньше существовала только школа-десятилетка при театре. Нам сказали, что мы будем в первом наборе, но потом все поменялось, и мы оказались не у дел. В 14 лет я уехала в Питер. Здесь я пошла учиться в школу Юрия Петухова при Театре им. Якобсона. С утра в залах занимались артисты, а вечером, когда они уходили на спектакль, начиналась наша школа. При этом мы еще ходили в свои общеобразовательные школы. А потом меня и еще двух девочек позвали в этот театр в спектакли, и мы как бы отрабатывали практику. Так мы отработали где-то полтора сезона, танцевали практически все спектакли. Также я еще ходила на дополнительные занятия - в столице без них солистом не вырастешь. Я и сейчас, уже работая в театре, продолжаю ходить на дополнительную растяжку и классику.

После выпуска меня брали в этот театр, но я понимала, что так остаюсь без диплома о получении среднего специального образования: там давали диплом об окончании школы, но в нашем балетном мире это ничего не значит, поэтому я решила поступать в училище. Ко мне подошла педагог из вагановской академии, которая у нас преподавала, и посоветовала ехать в Новосибирск к педагогу Галине Николаевне Ведениной (тоже выпускница вагановского училища - Прим. ред.). Меня сразу взяли в училище. Первые три месяца учебы я зарабатывала доверие к своему педагогу, потому что всех девочек она уже знала, они учились здесь пять лет. Я была единственная новенькая, в классе стояла где-то с краю, на боковой палке. И я старалась делать все, чтобы меня заметили. А потом мне сказали выучить па-де-де из «Пламени Парижа», а это одно из самых тяжелых па-де-де. Я его танцевала на отчетном концерте 1 курса, и первый раз в жизни тогда вертела на сцене 32 фуэте.

После выпуска меня в числе лучших выпускников училища пригласили на концерт к 275-летию Академии им. А. Вагановой, и мы там снова танцевали «Пламя Парижа». Руководитель Театра им. Л. Якобсона Андриан Фадеев меня там заметил и пригласил в труппу. В театре я работаю два года, и в этом году меня официально перевели в статус солистки.

- В Петербурге, наверное, трудно пробиться в солистки?

- Да, это очень тяжело. К тому же у выпускников вагановской академии, скажем так, много звездности и пафоса. А на самом деле неважно, откуда ты выпустился, главное, как ты танцуешь. Когда я пришла в театр, я оттанцевала весь кордебалет. Я была просто счастлива, что не сижу «под палкой», то есть под станком. Есть артисты балета, которых выписывают на репетиции, они участвуют в спектакле, а есть запасные, которые должны приходить на все репетиции и наблюдать, в том числе новенькие. И многие просто сидят под станком. Я понимала, что, если я хочу, чтобы меня в этом сезоне поставили в спектакль и чтобы педагог меня заметил, я должна работать, поэтому я вставала рядом с репетировавшими артистами и все повторяла. Педагог должна была увидеть, что я знаю порядок. В результате я была первой из новичков, кого поставили даже в кордебалет. Как в любом театре, каждый сам за себя, и если хочешь танцевать на сцене, нужно себя показывать и при этом много заниматься самостоятельно.

- Но тебе хочется начать танцевать главные партии? Хотя бы Машу в «Щелкунчике», ведь обычно с нее все начинают. Или еще рано?

- Уже пора. Я разговаривала на эту тему и даже репетировала вариацию Маши. И когда у нас в театре будут «Щелкунчики», я надеюсь, что у меня будет возможность станцевать эту партию, потому что на третий год работы я должна сделать еще один большой шаг в своей карьере.

- Ты часто приезжаешь в Йошкар-Олу?

- В последнее время бабушка ко мне приезжает, потому что у меня много работы, но я стараюсь здесь бывать. Последний раз здесь была три года назад. Я люблю приезжать в Йошкар-Олу. Здесь все какое-то свое, родное, домашнее. Красивые парки, улицы, дома, здесь приятно гулять, и ощущение, что здесь добро, будто витает в воздухе. Может, это я так воспринимаю. Питер - красивый город, и я его очень люблю, но там холоднее, и люди всегда торопятся, а здесь тепло и уютно.

- А в новый театр тебе удалось попасть?

- К сожалению, нет. Но здание очень красивое, конечно, похоже на императорские театры, которые строили в былое время. Кстати, здесь сейчас работает одна моя знакомая - Кристина Михайлова. Когда было 275 лет питерской академии, она представляла Пермское училище, а я Новосибирское, и мы жили в одной комнате. Так что балетный мир тесен. А вообще, я слежу, как продвигается работа в йошкар-олинском театре. Можно сказать, что он для меня родной, хотя я в нем никогда не танцевала, но мне бы хотелось.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Чт Июн 08, 2017 10:28 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17005
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Сен 29, 2015 4:39 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015092904
Тема| Балет, Музыкальный театр им. Станиславского и Немировича-Данченко, Персоналии, Анастасия Туркова
Автор| Фотограф Александр Яковлев
Заголовок| Анастасия Туркова
Где опубликовано| © Ballet Insider
Дата публикации| 2015-09-25
Ссылка| http://www.balletinsider.com/archive/young_talent/2071
Аннотация|

Закончив балетную академию им. А. Я. Вагановой, Анастасия Туркова приехала в Москву. Ballet Insider рассказывает о новой артистке в Музыкальном театре им. Станиславского и Немировича-Данченко.



Сначала я занималась бальными танцами, но быстро поняла, что это не то, что мне нравится. Однажды я решительно сказала маме, что хочу стать балериной. Мама отдала меня в балетную студию, а потом и в хореографическое училище в г. Красногорске, где мы жили.

Как ученица училища, я принимала участие в балетном конкурсе, который проводился в Санкт-Петербурге. Танцевала «Кармен». Занималась я тогда с прима-балериной Большого театра Марией Александровой. После выступления ко мне подошла Елена Георгиевна Забалканская с предложением попробовать приехать вне конкурса в Академию им. Вагановой на просмотр. Это был шанс, который нельзя было упустить! Учиться в одной из старейших балетных школ мира – мечта любой девочки и одновременно – огромная честь!

Здесь каждому ученику педагог на уроке уделяет огромное внимание. Для меня Академия была вторым домом: все ребята очень общительные, педагоги доброжелательные.

Я безумно рада, что училась в Академии. Да и по-прежнему учусь, но только теперь получаю высшее образование.

Главный совет: никогда, никому и ничего не рассказывать. Ни хорошего, ни плохого. Даже самым близким друзьям. Как говорится, «и у стен есть уши».

После выпуска мне хотелось работать или в театре им. Станиславского и Немировича-Данченко, или в Михайловском. Первый просмотр состоялся в Михайловском, и меня взяли. Мечта сбылась! Но я захотела на всякий случай попробоваться еще и в «Стасик», а вдруг получится… И мне повезло, меня взяли и здесь. Сразу две мечты были осуществлены! И я решила работать в своем родном городе – в одном из лучших театров Москвы.

Главное стремиться к совершенству – труд, терпение, труд, терпение…

Сцену я не боюсь совсем! Перед выступлением волнение всегда приятное. Мне нравится танцевать для зрителя, передавать свои эмоции, я получаю от этого массу удовольствия!

Конкуренция в балете есть всегда, даже с друзьями, но это касается только профессии. Хотя всегда есть люди, которые только одевают маску друга.

Санкт-Петербург меня ничем не впечатляет, поэтому никак и не повлиял на меня. Мой город – Москва. И каждый раз я восхищаюсь им заново!

Кумиры? Великие Майя Плисецкая и Екатерина Максимова. Из современных балерин – Наталья Осипова, Ульяна Лопаткина, Кристина Шапран и Смирнова Ольга!

Театр им. Станиславского и Немировича-Данченко потрясающий театр! Разнообразный и интересный репертуар. Приятная обстановка. С нового сезона узнаю театр изнутри.

В основном я предпочитаю темпераментные балеты. «Дон Кихот», пожалуй, мой самый любимый спектакль.

Я хочу стать успешным человеком: поработать в театре, а затем преподавать в Академии хореографии или стать театральным педагогом-репетитором.

--------------------------------
Другие фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17005
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Сен 29, 2015 6:45 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015092905
Тема| Балет, Kremlin Gala "Звезды балета XXI века"
Автор| Павел Ященков
Заголовок| В Кремлевском Дворце состоялся шестой «Кремлин Гала»
C эротической перчинкой

Где опубликовано| © Газета "Московский Комсомолец"
Дата публикации| 2015-09-29
Ссылка| http://www.mk.ru/culture/2015/09/29/v-kremlevskom-dvorce-sostoyalsya-shestoy-kremlin-gala.html
Аннотация|

Проект Kremlin Gala «Звезды балета XXI века», проходящий на сцене Кремлевского дворца уже в шестой раз, из разряда самых ожидаемых балетных событий года. Это ответвление от «Звезд XXI века», существующих на Западе уже более 20 лет. Концерты в Париже и Нью-Йорке под этой маркой относятся к числу самых престижных и казалось, что превзойти тот высочайший уровень, который показали зрителям устроители Kremlin Gala в прошлые годы, уже невозможно. Однако на этот раз Фонд Владимира Винокура «В поддержку культуры и искусства» превзошел сам себя и буквально поверг в шок видавших виды пресыщенных московских балетоманов…



Заканчивался концерт так… Потрясенный шеститысячный зал Кремлевского дворца на последних гипнотических тактах завораживающего «Болеро» Равеля, когда груды разгоряченных мужских тел наваливаются в эротическом экстазе на кроваво-красный стол, погребая под собой возбудившего их альфа-самца, оказался в глубоком нокауте и после секундной мертвой тишины взревел от восторга, разразившись оглушительной овацией…

Но такова волшебная сила искусства! Балет, которому в этом году стукнуло 55, по-прежнему поражает воображение все новых и новых зрителей. Казалось бы, кого Москва только не видела в этой постановке… Майю Плисецкую, Хорхе Донна, Николя Ле Риша… Но чувственные акценты, расставленные в этом вводящем в транс танце Жюльеном Фавро, солистом труппы Мориса Бежара (первоначально солировать должна была наша соотечественница, выпускница московской школы, а сейчас звезда Американского Балетного театра (ABT) Полина Семионова, но она так и не восстановилась после травмы), придали балету иной, не религиозно-экстатический, а скорее откровенно гомоэротический (незапланированный организаторами, но подспудно присутствующий там всегда) оттенок. Некоторых наших озабоченных депутатов, грудью легших чтобы не допустить «гомопропоганду» до девственно-чистых душ россиян, окажись они в зале, наверняка, хватил бы удар. Шутка ли? Пропало дело вей жизни! Заседали, принимали… И что в итоге? В самом «сердце» России, в Кремле, творится такое!..

Надо думать ещё более «возбудил» бы их шуточный номер «Диван» одного из самых модных на сегодня в мире хореографов Ицика Галили. Итак… На сцене установлен диван. под музыку Тома Уэйтса некий мачо тискает и пытается «завалить» прямо на него отбивающуюся девицу… Но вот диван переворачивается, чтобы через несколько секунд представить нам другую, диаметрально противоположную ситуацию. Хореография точно такая же, но теперь в роли жертвы оказывается сам соблазнитель, пытающийся отбрыкаться от приставаний «лица нетрадиционной сексуальной ориентации». Причем номер этот, тоже не впервые показанный в Москве, судя по реакции зрительного зала, оказался одним из «хитов» вечера. Хотя опять же солисты Берлинской оперы Михаил Канискин, Сорая Бруно, Михаэль Банцхаф внесли сюда собственную трактовку, и «Диван» смотрелся совсем по-другому нежели на фестивале Дианы Вишневой в прошлом году.



Демонстративно «подрывал устои» и проводил «эротическую диверсию» на «Кремлин-гала» и появившийся на сцене в одних плотно облегающих плавках и откровенно демонстрирующий свое роскошное тело Роберто Болле – культовая в Италии фигура, законодатель мод, всемирно знаменитая балетная звезда, которую принимают и Папа Римский, и Королева Английская. Ко всему прочему он еще и самый высокооплачиваемый танцовщик на сегодня в мире. В Москве, несмотря на то, что тут он редкий гость, его обожают, выступлений ждут с нетерпением, а в номере «Прототип» хореографа Массимильяно Вольпини он в соответствии с этими ожиданиями представил целую антологию созданных им образов: сделанная по последнему слову науки и техники крутая компьютерная видеопроекция то размножала атлетически мощную фигуру артиста, то высвечивала культового танцовщика в его незабываемых ролях из «Жизели» или «Лебединого озера»… Со сцены он сражался со своим двойником на экране в «Ромео и Джульетте», выделывал трудновообразимые па из балета Форсайта In the middle, а то и просто показывал совершенные движения балетного урока…

Высокий класс не только технического мастерства, но и актерской игры предъявила итальянская мега-звезда и в дуэте из «Арлезианки», известном балете Ролана Пети на экстравагантный сюжет Альфонса Доде о юноше Фредери, который отказывается от своего супружеского долга и выбрасывается из окна из-за несчастной любви к другой прямо во время первой брачной ночи.

За духовность в «Звездах XXI века» отвечали Ульяна Лопаткина, божественно исполнившая своего неумирающего «Умирающего Лебедя», и Борис Эйфман с потрясшим зал моцартовским «Реквиемом» и своими уникальными артистами (Олегом Габышевым, Дмитрием Фишером, Любовью Андреевой и Анжелой Прохоровой), солировавшими в нем.

На фоне всего перечисленного великолепия, совершенно померкли звезды Большого театра, которым «удружил» режиссер программы Сергей Филин. По совместительству действующий худрук Большого театра отрядил своих подопечных солистов в завершающий первое отделение хоть и патриотический, но совершенно беспомощный по хореографической мысли балет Аллы Сигаловой «Баллада», дежурно и пафосно посвященный 70-летию Великой победы и смотревшийся экзотическим довеском на фоне пропитанной эротизмом хореографии западных мастеров. Реабилитироваться из них сумели лишь Семен Чудин и Ольга Смирнова, на должном уровне исполнившие па-де-де из балета «Баядерка».

Другая звезда Большого и Михайловского театров Иван Васильев, в балете Сигаловой, слава богу, не участвовавший, демонстрировал потрясающую пластичность своего тела и мужественное великолепие прославивших его во всем мире зависающих прыжков в фокинской «Шехеразаде». Не так дурна, как это можно было ожидать, оказалась и несколько подражательная миниатюра Васильева Underwood. Хореографический дар у Ивана безусловно присутствует, но для его развития посоветуем танцовщику действовать согласно заветам Ильича: «Учиться, учиться, и ещё раз учиться».


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пн Окт 05, 2015 10:29 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17005
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Сен 30, 2015 7:25 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015093001
Тема| Балет, Академический театр балета Бориса Эйфмана, Премьера
Автор| Валерий Модестов
Заголовок| Взлет и падение в ритмах джаза
Где опубликовано| © Газета "Вечерняя Москва"
Дата публикации| 2015-09-30
Ссылка| http://vm.ru/news/2015/09/30/vzlet-i-padenie-v-ritmah-dzhaza-298835.html
Аннотация|



Премьера балета Бориса Эйфмана "Up & Down" состоялась в Москве.

В Большом театре в рамках Открытого фестиваля искусств «Черешневый лес» состоялась московская премьера балета Бориса Эйфмана «Up & Down / Взлёт и падение», поставленного по мотивам романа Фрэнсиса Фицджеральда «Ночь нежна».

Новый балет Эйфмана – дерзкая попытка художника познать глубины человеческой души через пластику тела. «Через движение я стремлюсь открыть особый внутренний мир, который практически не познаваем, ведь словами очень трудно выразить то, что ты чувствуешь», – утверждает хореограф.

«Up & Down» – история о том, как молодой талантливый психиатр Дик Дайвер променял свои мечты о научной карьере на мир «золотого тельца». Женившись на своей пациентке, дочке миллионера, он попал в царство праздной роскоши. Всепожирающий огонь искушений и страстей стал для него серьезным испытанием, которое он не выдержал. В итоге герой вернулся в клинику, которую покинул в надежде на счастливую жизнь, но теперь уже не врачом, а ее пациентом. «Личность, забывающая о собственной миссии, уничтожающая свой талант, обречена на катастрофу», – уверен Борис Эйфман.

Перед зрителями «смолкает дух – воображенья гений окрыленный», – и возникает трагедия одиночества на фоне свингующего джазового карнавала «золотой молодежи».

Хореограф создал яркий, образный, наполненный глубоким философским смыслом спектакль, дающий обширный материал для пластического осмысления темы ухода в ирреальный мир безумия, когда трудно уловить грань между душевным смятением и сумасшествием.

Мастер смело соединяет пластические метафоры душевной неволи с обыденными состояниями и переживаниями персонажей под дурманящий звуковой коктейль из классики (Гершвин, Шуберт, Берг), психоделики и современного джаза. Так что пластический язык спектакля – это синтез различных хореографических направлений, замешанный на чувственной страсти и экспрессии.

Изломанные линии и острые углы рук, скрюченные недугом тела, искаженные душевными страданиями лица, извивающиеся в джазовых танцах фигуры массовых сцен, которые образуют то мюзик-холл, то хаотичную толпу, то пляж, то кинопавильон, передают неутихающую боль, что пульсирует в строках Джона Китса («От боли сердце замереть готово, и разум – на пороге забытья»), вдохновивших когда-то Фицджеральда на роман «Ночь нежна», а Бориса Эйфмана на его пластическую интерпретацию.

Балет «Up & Down» – это современное красочное попурри из танца, музыки, видео-инсталляций и световых эффектов.

Солисты Олег Габышев (Дик Дайвер), Любовь Андреева (Николь Уоррен), Дмитрий Фишер (Отец Николь), Мария Абашева (Кино-дива) работают в спектакле виртуозно и актерски, и пластически, так, словно выходят на сцену в последний раз.

Каждая встреча с творчеством Бориса Эйфмана – праздник. Он единственный на сегодня хореограф, умеющий философски осмысливать и пластически интерпретировать самое существо крупных литературных форм, превращая их в современные балетные симфонии. С его работами можно спорить, не соглашаться, но в содержательности, оригинальности хореографических решений и театральной зрелищности им не откажешь.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17005
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Сен 30, 2015 9:23 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015093002
Тема| Балет, Международный фестиваль современного танца DanceInversion
Автор| Елена ФЕДОРЕНКО
Заголовок| Встреча большой семерки
Где опубликовано| © Газета «Культура»
Дата публикации| 2015-09-30
Ссылка| http://portal-kultura.ru/articles/balet/122131-vstrecha-bolshoy-semerki/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Международный фестиваль современного танца DanceInversion представил сентябрьскую программу.

Смотру без малого два десятилетия — он менял названия и даты проведения, но неизменно представлял Москве новинки contemporary dance. Во многом именно благодаря DanceInversion молодая и неопытная хореография, альтернативная классическому балету, смогла почувствовать себя в мейнстриме столичных театральных течений. Нынешний фестиваль начался 20 сентября и продлится до 24 ноября. В афише — постановки последних лет, созданные как мировыми лидерами, так и теми, кто на лидерство пока не претендует, но не мыслит жизни без танца.


Фото: Михаил Логвинов

Первой выступила неизвестная в России французская компания S’Poart со спектаклем «Красный». Собственно, ничего красного на сцене не оказалось, зрелище балансирует в поле света и тьмы, белого и черного. Подобно контрастам музыки Жюльена Камарена: от буйных пассажей до тишайших, словно залитых туманом мелодий. Название отражает характер самого действа, поставленного в стиле хип-хоп. «Если хип-хоп можно представить цветом, — поясняет молодой хореограф Микаэль Ле Мер, — то он красный, как цвет жизни». Люди в черных костюмах неспешно встают из середины партера и направляются к первым рядам. Поначалу кажется, что зрители подыскивают себе места поближе. Но, подойдя к рампе, актеры поднимаются на сцену. Нечто подобное мы наблюдали и с самим хип-хопом, ворвавшемся на подмостки с улицы. С тех пор он получил право не только поражать трюками, но и прописался в профессиональном искусстве. Словно в доказательство два года назад DanceInversion уже привозил в Москву спектакль «Yo Gee Ti», где соединились французские «би-бои» и мастера восточной акробатики. В «Красном» беспечный танец-вызов, танец-провокация вдруг оказался нервным, хрупким и лирическим.

У S’Poart хип-хоп попадает в жесткие режиссерские руки, меняющие направления и смыслы. Поначалу актеры, чьи тела кажутся прорисованными мгновенным росчерком туши, осматривают и «пробуют» сцену, нагнетая ощущение беспокойства и ожидания. Потом они выстраиваются в треугольник, и семь мужских воль сливаются в непобедимую силу. В следующем фрагменте неистовая внутренняя энергия озорно прорывается мальчишеской пирушкой: тела взвиваются в воздух и падают плашмя, трюкачи перемахивают сцену бросками-кувырками, вращаются на головах, прыгают на спине, не ведая удержу. Герои взрослеют, неизбежно проживают горькие уроки жизни: отчаяние, вспышки гнева, томление страсти. «Меня учили, что хип-хоп — искусство акробатическое. Мне же всегда хотелось, чтобы оно будило человеческие эмоции, вызывало желание улыбнуться или расплакаться», — признается Ле Мер.

Труппа Каролин Карлсон подхватила эстафету соотечественников спектаклем «Сейчас». Поэтический подтекст опирается на эссе философа и искусствоведа Гастона Башляра. В его «Поэтике пространства» заложена идея «прекрасного дома», где переплетаются метафоры и ведутся мировоззренческие споры. Для Карлсон важно, что дом — основа жизни, он же — отражение мира. «Территория счастья» выглядит как маленькая загородная дачка, покосившаяся халупа: стена со старыми обоями, стол, стулья, деревья у ограды, одинокий фонарь. Белые полотнища на ветру «сминают» проекции старинных фотографий. Актеры — четверка мужчин и трио женщин — капризничают, любят, страдают, тоскуют и мечтают, всматриваясь в высокое небо. Спектакль собран из сменяющих друг друга миниатюр. Герои сидят за столом, разговаривают, когда в их мир неожиданно врывается страстное пластическое соло. Или — скользят по сцене, пересекают подмостки быстрыми шагами на высоких полупальцах, склоняются, бросаются на руки друг другу и вновь вглядываются в невидимые звезды, как будто там, в космосе, и живет настоящее счастье.

Картинки от Карлсон лучше созерцать неспешно, без помех русских титров, подготовленных к фестивальной премьере (актеры на разных языках произносят фразы Рильке, Бодлера). Спектакль не навязывает смыслов, гранд-дама современного танца словно говорит присутствующим в зале: «Вот то, что мне дорого. А вам?» И происходит волшебное превращение: в мыслях всплывают воспоминания, словно отматывается пленка с записью собственной жизни.

Чешский танцевальный коллектив VerTeDance — самая титулованная труппа страны — в Москву приехал впервые. Свеженькая «Коррекция» 2014 года рождения уже отмечена наградами.

Зрителей приглашают в зал только после третьего звонка. На подмостках рядком, лицом к публике, стоят танцовщики в джинсах и рубашках, их руки опущены, ноги поставлены в позицию на ширине плеч. Звучат живой вокал и живая музыка — в глубине сцены играют два кларнетиста. «Коррекция» от VerTeDance — это способ адаптации человека к жизненным условиям через взаимодействия и взаимовлияния людей, не похожих друг на друга. Здесь дотрагиваются до плеча соседа указательным пальцем, и сосед начинает раскачиваться как маятник. Потом разворачивают амплитуду движений, и тело отыскивает себе неведомую точку опоры под самым острым к полу углом. Через минут десять после начала становится понятно, что ботинки артистов намертво прибиты к полу, а еще через пять — каждое лицо обретает характер: упрямец, бунтарь, юноша, подверженный яростным вспышкам, настырная девица, ее отрешенная товарка. «Мы знаем, что такое отсутствие свободы. Но знаем ли мы, что такое свобода? Как обрести покой, когда нет никаких ограничений? Отчего возможность выбора парализует нашу способность принимать решения, верить без колебаний, увлекаться со всей силой?» — говорит Иржи Гавелка — популярный в Чехии режиссер, писатель, актер.

Спектакль он создавал вместе с артистами, он же придумал условие — танцевать, не отрывая ног от пола. Запрет на перемещения по сцене не сделал зрелище аскетичным. Занимательное действо поставлено широко и с юмором. Тонкие, подвижные, как хлыст, тела всплескивают конечностями, сгибаются пополам, падают навзничь и ничком, пикируют с головы на поясницу, пытаясь подняться, помогают соседу, теряющему равновесие, разворачиваются, наблюдая за товарищами. Движения то бьются в бешеном ритме, то расплываются в рапиде. Подчас кто-то выходит из-под контроля, и тогда все устремляют на него усмиряющие взгляды. В какой-то момент двое наклоняются к шнуркам, пытаясь вырваться из ботинок, их тоже останавливают. Когда перед финалом гаснет свет — нет сомнений, что актеры освободятся от своих оков и… оторвутся по полной, разминая отекшие ноги. И они отрываются, скинув рубашки и футболки — в лихом танце, весело доказывая, что выход есть всегда и в любых обстоятельствах унывать не стоит, даже если ноги так и остались в «башмачном» рабстве.

Фестиваль набирает обороты. Впереди — «Кармен» в интерпретации артистов из ЮАР и новелла «Безумная чашка чая» (Чехия, Финляндия), в которой перемешаны танец и цирк, проект «Торобака» — терпкий сплав английской и испанской культур и спектакль лондонского театра «Сэдлерс Уэллс» «Милонга» — пылкое признание в любви к танго, сочиненное бельгийцем Сиди Ларби Шеркауи в союзе с аргентинскими танцовщиками и музыкантами. Художественный руководитель смотра Ирина Черномурова обозначила главную тему фестиваля как «перекресток жанров, стран и культур». На перекрестке DanceInversion-2015 встречаются семь компаний и представляют семь танцевальных новинок. Забавно, но в каждом из трех уже увиденных спектаклей заняты по семь танцовщиков.
-------------------------------
фото по ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пн Окт 05, 2015 10:31 am), всего редактировалось 2 раз(а)
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17005
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Сен 30, 2015 9:40 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015093003
Тема| Балет, фестиваль «Территория», Персоналии, Рашид Урамдан
Автор| Ирина Урнова
Заголовок| Рашид Урамдан (хореограф):
«Иногда вымысел рассказывает нам о реальности даже больше, чем сама реальность»

Где опубликовано| © РБК.Стиль
Дата публикации| 2015-09-30
Ссылка| http://style.rbc.ru/person/2015/09/30/22003/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ, ИНТЕРВЬЮ




В рамках ежегодного фестиваля «Территория» в Москву приезжает знаменитый французский хореограф Рашид Урамдан, который покажет сразу две постановки – технически сложную «Сфумато» и лиричную «Удерживая время», в которой участвует труппа «Балета Москва».

Для фестиваля “Территория” в этом году вы подготовили не одну, а целых две постановки, одна из которых – долгожданная “Сфумато”. Расскажите о ней поподробнее, пожалуйста.

Для начала хотелось бы знать сколько у меня есть времени? Потому что я могу говорить всю ночь...

Времени предостаточно

Хорошо. Уже много лет я работаю с темой беженцев, с их разными видами: политическими беженцами, людьми, подвергшимися опасности или физическим пыткам... В своей работе я пытаюсь затронуть опыт людей, переживших изгнание, опыт тех, кто пришел из мест, о которых мы часто ничего не знаем. В процессе своей работы я услышал о так называемых «экологических мигрантах». Так называемых потому что это не официальный статус, это не, например, политический беженец, у которого есть определенные права, если он приезжает в Европу. Климатических беженцев часто очень трудно распознать, для них нет четкого определения – некоторые люди, к примеру, не признают даже сам факт глобального потепления.

Вообще, когда мы говорим о глобальном потеплении, мы, как правило, говорим о таянии льдов, говорим о науке, об озоне, в то время как оно уже оказывает вредное влияние на конкретных людей. Я хотел исследовать этот аспект глобального потепления, его влияние не на окружающую среду, но на человека.



Я стал исследовать эту проблему, поехал в Китай – у меня были контакты в Сычуани и Юньнани – разговаривал с пострадавшими людьми и многие из них это простые деревенские жители, они вообще не понимали, что происходит. Они видели, что погода изменилась, некоторые даже радовались: «Так даже лучше, теперь мы можем собирать урожай риса дважды в году!». Но потом они начали замечать, что положение вещей изменилось в худшую сторону, вынуждены были съехать с родных земель.

Причем, это же не новое явление. На протяжении многих веков люди уживались с природой, но это было полностью интегрировано в культуру. Сейчас же процессы настолько масштабны и скорость их так велика, что люди не успевают справляться. При этом на государственном уровне далеко не везде эту проблему признают – в том же Китае за жалобы на плохую жизнь «из-за дождя» могут побить и даже убить. Миграция же, которая нарастает в связи с этими проблемами, создает массу напряжения на всех уровнях – социальном, культурном, политическом, общественном и личном. «Сфумато» об этом.

Есть ли у в основе этой постановки какие-то истории из личного опыта или это скорей общая идея?

В основе лежат реальные интервью и документальные фильмы, снятые мной с моим оператором Айдо Ли. Я показал их Соне Кьямберто, которая свела их в единое драматургическое полотно, которое звучит словно за кадром во время спектакля.

А как вы подбирали музыку к «Сфумато»? Она была написана специально?

Композитор Жан-Батист Жюльен вообще будет на сцене, он приедет – все хотят увидеть Москву! На самом деле музыка очень важна и история ее такова. Когда я осуществлял свое исследование о глобальном потеплении, я отсматривал огромное количество изображений, статей и фильмов. Среди них была фотография, сделанная после цунами в Японии (кажется, в газете Liberation) – это было сильно поврежденное пианино, небольшой фрагмент клавиатуры. Вы не видите людей, только этот объект... и это фото было настолько сильным! И в моей голове сложилась композиция.

Я сказал своему сценографу «Думаю, у нас должно быть фортепиано, которое мы в процессе испортим – у нас должно быть пианино под дождем». Люди, конечно, смотрели на меня как на немного ненормального, но все же мы начали работать в этом направлении, я предложил Жану-Батисту не просто написать музыку, а сделать ее отдельным персонажем на сцене.



Могли бы Вы рассказать о своей второй постановке «Удерживая время» которую вы поставили с театром «Балет Москва»? Какая идея лежит в ее основе?

Я всегда использую искусство чтобы отреагировать на социальный и политический контекст. Мне кажется, произведения искусства могут предложить новый угол зрения. Иногда вымысел рассказывает нам о реальности даже больше, чем сама реальность.

Для «Удерживая время» я не делал никаких интервью, эта работа не основана на каких-то автобиографических фактах, как другие мои проекты. Я хотел поговорить о людях, которые все время куда-то бегут, от чего-то бегут, не всегда разбирают что и зачем делают, принимают какие-то решения, потому что их приняли другие. Это работа о напряжении.

В России сильна классическая школа, но традиция современного танца у нас молодая. Сталкиваетесь ли вы в связи с этим с какими-нибудь трудностями или особенностями в работе с российскими танцовщиками?

Я не знаю, какие могут быть сложности... Безусловно в России существует великая традиция балета и академической хореографии. Однако молодые танцоры очень хорошо осведомлены о тех тенденциях, которые имеют место по всему миру, они знакомы с техниками современного танца.



Вы знаете, я занимался очень разнообразными проектами – с профессиональными артистами, с подростками, со спортсменами, с пожилыми людьми. Меня удивляет выразительность любого типа тела. Такеши Китано – японский кинорежиссер – говорит:

"Если сцена, которую я пытаюсь снять, не получается, я не прошу актеров играть в каком-то другом ключе, я просто двигаю камеру двигаю и стараюсь найти правильный угол зрения".

Я бы сказал также... Это моя ответственность – найти правильный подход, правильный угол, правильное движение.

С чего вы начинаете проект? Идея, музыка, движения, танец...

У меня нет метода... Я бы хотел его иметь, чтобы меньше переживать и стрессовать, но глобально я бы сказал, что наибольший толчок - это всегда реакция на что-то из моей повседневной жизни. На самом деле я не начинаю с какого-то исторического факта, я начинаю с обычной повседневной жизни... я не думаю, что вот я возьму это произведение... Я вообще пришел к выводу, что часто меня интересует способ соединения пространства в танце: я говорю танцору «не фокусируйся на себе, фокусируйся на пространстве, на том, что ты рисуешь вокруг».

Ваша семья алжирского происхождения, но вы сами родились и выросли во Франции. Насколько это отражается в вашем творчестве? Влияет ли это вообще на вас?


Рашид Урамдан

Очень интересный вопрос даже для меня самого... Вы знаете, как я сказал, многие мои работы основаны на мигрантах, на беженцах. Я не беженец, но я вырос в этом контексте, мои родители - мигранты и я думаю, что не могло хоть в какой-то мере на меня не повлиять. Но я также часто я говорю что мои алжирские корни во французских Альпах. Я, конечно, француз, но я рос в этническом и культурном сообществе родителей, так что, думаю, да – во мне есть зерно алжирского наследия и я стараюсь дать ему прорасти через свою творческую практику, стараюсь поделиться опытом, родовой памятью о том, что значит быть мигрантом, быть беженцем.

Вы когда-нибудь думали о создании новых трактовок классических произведений?

На самом деле однажды я уже попробовал – это было первое представление, с которым я приехал в Россию в 2007 году. Но это оказался довольно мудреный опыт. Это было произведение, основанное на балете под названием "Юноша и смерть", созданном Роланом Пети в 1946 году, сразу после Второй мировой войны. Оно было знаменитым, это был успех – романтика, самоубийство и все под «Пассакалию» Баха. Это произведение о смерти, когда ты молодой. Я хотел сделать произведение основанное о том, как мы принимаем смерть после того как мир пережил вторую мировую войну, в которой ведь каждый кого-то потерял, но как мне кажется, у меня получилась современная трактовка смерти…

Есть ли танцовщики, с которыми вы действительно хотели бы поработать? Или музыканты? Может быть, уже ушедшие. Знаете, бывает, например, вам нравится какая-то группа, но она уже распалась, солист погиб. Вы бы хотели попасть на их концерт, но этого уже не никогда сделать не удастся. Есть ли у вас какие-то такие мечты: «О, я бы хотел это сделать, но это уже невозможно»?

Пожалуй не с танцорами... Знаете что, у меня есть одно расстраивающее меня обстоятельство - мне кажется мне бы понравилось быть музыкантом, еще я бы хотел быть в кино, работать как актер с друзьями, которых я знаю, мне нравится работать с текстом... Иногда мне кажется, что я просто отношусь к тем людям, которых привлекает то, чего у них нет. Мне нравится иногда писать, и я даже в свое время написал несколько текстов. Я бы хотел встретить всех американских писателей великого поколения, потому что мне нравится, как они объединяют поэзию, как они исследуют язык... да, я хотел бы быть частью этого.

В России, как мне кажется, хорошая аудитория для танца, но она гораздо лучше знакома с классической хореографии и гораздо меньше с танцем современным, некоторые побаиваются его, так как не уверены, что понимают. Могли бы вы дать совет человеку, который не очень-то знаком с современным танцем? Как и с чего зрителю начать ценить, понимать его?

Обычно, соприкасаясь с искусством, мы пытаемся воспринять его рационально. Мы пытаемся понять историю, которая стоит за произведением искусства, мы стараемся следовать этой истории, как в классическом театре – так нас учили с детства, когда читали нам книги перед сном. Я думаю, первая вещь, которой надо научиться - это стараться не искать никаких историй. Не стараться понять, кто есть кто, и для чего они здесь, и куда пойдут потом, а просто довериться своим чувствам, увидеть танец таким же образом как вы слушаете музыку.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17005
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Окт 01, 2015 11:13 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015093101
Тема| Балет, Национальная опера Украины
Автор| Лариса ТАРАСЕНКО
Заголовок| Такие разные истории о любви
4 октября в Национальной опере Украины состоится «Вечер балетов Мориса Равеля»

Где опубликовано| © "День" №177, (2015)
Дата публикации| 2015-09-29
Ссылка| http://www.day.kiev.ua/ru/article/kultura/takie-raznye-istorii-o-lyubvi
Аннотация|

Концерт посвящен 140-летию со дня рождения выдающегося композитора-импрессиониста. Напомним, среди музыкального наследия классика балеты занимают небольшую, но значительную часть хотя бы потому, что стали яркими вехами «серебряного века хореографического искусства», потому что создавались для Дягилевских сезонов и их правопреемников. Так, одноактный балет «Дафнис и Хлоя» (по мотивам одноименного античного романа Лонга о влюбленных пастухе и пастушке) по сценарию Михаила Фокина впервые был показан в парижском театре «Шатле» в 1912 г. Балетмейстер-новатор воплотил в пластике чистые линии древнегреческих барельефов и передал безумную страсть вакханалии. В главных партиях выступили прославленные танцовщики Вацлав Нижинский и Тамара Карсавина. На киевской сцене балет «Дафнис и Хлоя» был поставлен в 1969-м выдающимися мастерами — дирижером Стефаном Турчаком, хореографом Анатолием Шекерой и художником Даниилом Лидером.


В ОБРАЗЕ ГОРДОЙ ДЕВУШКИ В БЕЛОМ (СИМВОЛ ЧИСТОЙ ЛЮБВИ) ВЫСТУПИТ АННА ВАСИЛЬЕВА / ФОТО АЛЕКСАНДРА ПУТРОВА

Либретто и хореография новейшей версии балета Национальной оперы Украины принадлежат Анико Рехвиашвили, художественное оформление по мотивам амфорных фресок создала Мария Левитская. В юбилейном спектакле главные партии исполнят ведущие солисты театра: Елена Филипьева, Анастасия Шевченко, Андрей Гура, Виталий Нетруненко и Александр Шаповал.

Вторая часть балетного вечера пройдет под, возможно, самую известную музыку Равеля — «Болеро» (премьера которого состоялась 20 ноября 1928 г. в Париже в постановке Брониславы Нижинской). Композитор написал это произведение для примы-балерины Иды Рубинштейн, танцовщицы, сломавшей представления зрителя о хореографических формах и пропорциях, манере исполнения и пластике, каждым своим появлением на сцене создавая эффект взрыва. Как часто бывает, представления композитора и постановщиков разошлись: маэстро видел в своей музыке сцену из завода и танцующих на его фоне рабочих, а Нижинская героиню Иды сделала центром страстей испанской таверны, где царят любовь и ревность. Каждый из следующих интерпретаторов (В. Бурмейстер, Л. Лавровский, М. Бежар, А. Шекера, В. Литвинов) сквозь грохот металла в музыке слышал необычайную телесную чувственность, которую и использовал каждый в своем сюжете.

Например, шекеровская постановка «Болеро» не сходит с киевских афиш почти четыре десятилетия (!) и не теряет градуса страстей внутри любовного треугольника, который в воскресенье воспроизведут танцовщики Анна Васильева, Дмитрий Чеботарь и Оксана Гуляева, а Симфоническим оркестром будет управлять маэстро Николай Дядюра.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3044

СообщениеДобавлено: Пт Окт 02, 2015 10:21 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015093102
Тема| Танец, Персоналии, Анна Абалихина
Автор| Илья Кухаренко
Заголовок| «Мы бегали по сцене в пачках, но босые — педагоги считали нас предателями искусства»
Как Анна Абалихина вывела современный танец на большие площадки — на шоу «Большой балет» телеканала «Культура» и на фестиваль «Территория», который стартует сегодня
Где опубликовано| VOGUE Россия, © ЗАО «Конде Наст»
Дата публикации| 2015-09-28
Ссылка| http://www.vogue.ru/magazine/articles/my_begali_po_stsene_v_pachkakh_no_bosye_pedagogi_schitali_nas_predatelyami_iskusstva/
Аннотация|



На подсвеченном синим софитом помосте в крошеве льда из кокона рождается тело. Оно скользит по плоскости синхронно со сложной световой и музыкальной партитурой Вангелино Курентзиса, брата знаменитого дирижера, и только в финале приобретает человеческие черты и присущую прямоходящим вертикаль. Это сцена из спектакля тридцатилетней Анны Абалихиной «Экспонат/Пробуждение», поставленного для Александринского театра и получившего этой весной «Золотую маску» в номинации «Современный танец».

«Мы искали свежее решение и придумали налить на покрытый пленкой пол оливковое масло, — вспоминает Анна. — Танцор лишился точки опоры, и это открыло для него новые возможности. Мы сначала шутили, что у нас театр с элементами SPA, но выяснилось, что кожа впитывает масло со страшной силой, и на третьей репетиции у танцора началась интоксикация. Тогда возникла идея с гидрогелем — прозрачным субстратом, который используют как заменитель почвы в горшках. Но оказалось, что он ледяной, и перед спектаклем техникам приходится опускать ближе к помосту осветительные приборы, чтобы он хоть немного нагрелся. Так что мои танцоры прошли и огонь, и холод, и вот теперь, кажется, медные трубы».

О балете Анна мечтала с детства, но в хореографическое училище ее не взяли по медицинским показаниям. «Я рыдала три дня, а потом поступила в Московский хореографический лицей, где педагоги были в общем-то те же, зато на последних курсах нам давали задания ставить что-то свое. Под аккомпанемент струнного квартета мы бегали по сцене в пачках, но босые — педагоги считали нас предателями искусства. Ты смеешься, а это правда была настоящая война!»

Как раз тогда, в середине 1990-х, в Москву привезли первые спектакли знаменитого перформансиста Яна Фабра, и мечты о классическом балете были забыты окончательно. «У меня cорвало крышу, — смеется Анна. — Я поступила в Академию танца в Роттердаме, и все изменилось. В русском балете тебя затачивают прежде всего на то, чтобы быть исполнителем, великолепным, но все же шурупчиком. А в современном танце совершенно другая природа творчества танцора на сцене, другой тип обмена информацией со зрителем. И я постоянно ходила на выставки, не вылезала из кинотеатров во время Роттердамского фестиваля, читала огромное количество культурологических книг, связанных с телесностью, — Зонтаг, Деррида, Лакан, о которых я могла бы и не узнать никогда, оставшись внутри классической школы».

В октябре в Московском музее современного искусства в рамках фестиваля «Территория» откроется выставка «Фрагмент бесконечности», которая станет совместным проектом Абалихиной и французского видеохудожника Лорана Перно, делающего видео для показов Жан-Поля Готье. В одном из залов музея Перно создаст инсталляцию, а Абалихина покажет в ней танцевальный перформанс о памяти и забвении, вечном и преходящем. Танец снимут на видео и будут показывать на протяжении всей выставки.


О «Территории»
Ход времени, смена эпох — вот главные темы десятого фестиваля «Территория», который пройдет в Москве в октябре. Совместный проект французского хореографа Рашида Урамдана с «Балетом Москва» так и называется — «Удерживая время». Кроме того, Урамдан привозит балет «Сфумато», где героями выступают настоящий туман и дождь. Из других важных танцевальных названий: «Превращаемые» финского хореографа Теро Сааринена, построенный на танцевальных техниках Японии и Непала, и «Потерянный рай» — премьера «Диалог Данс», одной из самых успешных трупп современного танца в России. Сегодняшний день осмысляет спектакль Серебренникова «Кому на Руси жить хорошо», а «Элементарные частицы» Семена Александровского рассказывают зрителю про «последнюю советскую утопию» — знаменитый Академгородок в Новосибирске. Оттуда же в Москву едут «Три сестры» Тимофея Кулябина, автора запрещенного «Тангейзера». Скандала не ждите, а вот потрясения — пожалуй. Герои на сцене глухонемые, текст произносится на языке жестов. И этот прием рождает новую чеховскую магию.

Тогда же на канале «Культура» стартует новый сезон шоу «Большой балет» — продолжение суперуспешного проекта 2012 года, благодаря которому Сергей Полунин прославился на всю страну. В этом сезоне значительная часть программы будет отведена современной хореографии, и куратором выступит Абалихина.

Рейтинговое шоу на одном из главных телеканалов страны — не просто признание личного успеха Абалихиной, но доказательство того, что в России современный танец переживает бурный рост. «Мы наконец включились в общемировой процесс, — говорит историк танца Ольга Гердт. — В 1950–1970-е годы в Европе, Америке, Японии шло глобальное освободительное движение, и его частью стал современный танец. Борясь с любой авторитарностью, он отрицал не только классический балет, но и модернистов, включая Айседору Дункан и Марту Грэм. С нуля начинали все — будь то американские постмодернисты Триша Браун и Стив Пакстон или Пина Бауш в Германии. Они разрушили вертикаль власти хореографа над танцовщиками и спровоцировали последних на соавторство. Наше общество сейчас переживает нечто подобное и в напряженном режиме выясняет свои отношения с вертикалью и горизонталью, с идеологией и ее отсутствием, властью вообще и властью хореографа в частности. Так что успех Абалихиной — часть этого процесса».

Сейчас цель Анны — с помощью «Большого балета» привести современный танец, пока обитающий на экспериментальных площадках вроде «Платформы», на большую сцену. «До недавнего времени классические труппы боялись рисковать и избегали современного танца, — говорит она. — Но сейчас встреча произойдет на нейтральной, но статусной территории канала «Культура», и я уверена, что после эфира широкий зритель узнает, что такое современный танец, кто-то из хореографов получит заказы из театра, а какие-то классические танцовщики захотят продолжать сотрудничество в новой области. И этот новый мир сулит много интересного».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3044

СообщениеДобавлено: Пн Окт 05, 2015 10:29 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015093103
Тема| Балет, "Иерусалимский балет", Персоналии, Нина Тимофеева, Надя Тимофеева
Автор| Инна Шейхатович
Заголовок| Балет: Надежда нашей неоклассики
Где опубликовано| © «Правда.Ру»
Дата публикации| 2015-09-10
Ссылка| http://www.pravda.ru/culture/theatre/ballet/10-09-2015/1274149-balet-0/
Аннотация|



Вечер современного балета, представленный на фестивале "Тель-Авив-данс" в зале Сюзан Далаль в Тель-Авиве, оказался сплошным удивлением и открытием. Свои хореографические работы показали Асаф Бен-Шитрит (США) и Ясмин Ависар (Австрия). В концерте также приняли участие танцовщики "Иерусалимского балета", худруком которого является Надя Тимофеева.

Стихия балета — космическая пыль, принесенная на кончиках атласных пуант. Цветы жасмина и бабочки над лугом. Звезды и полет кометы. Легчайшее дуновение, свечение, парение, которое производится телом, утомленным и вылепленным долгими годами труда и самоограничения. Пачка балерины — как туманность Андромеды. Как белая страна легких, свободных, но эфемерных облаков.
Балет — искусство cдержанное и тонкое. Здесь не "губами", а "устами". Так же и Пушкин чувствовал, хотя и посмеивался, когда писал не про ногу в балете — про "ножку".
Балет в своей классической форме, уже ускользающей, возвышенной, вознесенной до музея, до идеала, к которому бесполезно, бессмысленно стремиться, ушел. Ему можно подражать — развивать его не получится. И тут выявилась легкая сестричка великого, беспримерного балета. Девочка — неоклассика.

Считается, что первое явление неоклассики — балет великого собирателя драгоценностей танца Баланчина "Аполлон Мусагет". А за Баланчиным пришли другие уникальные мэтры. И цепочка юного сияния продолжилась. Словно отражаясь в спокойном гармоничном зеркале великой балетной классики, создатели неоклассического стиля смело экспериментируют, вырабатывают свой виртуозный почерк, как будто незримой нитью соединяют прошлое и будущее.
Балерина, хореограф и педагог Надя Тимофеева самой судьбой, историей семьи была предназначена для служения искусству. Дочь одной из наиболее блистательных, титулованных и любимых зрителями балерин московской плеяды, королевы русского балета Нины Тимофеевой, — она родилась как принцесса Аврора в балетном королевстве. Самые знаменитые, самые легендарные балетные феи склонялись к ее колыбели. Галина Уланова благословила первые балетные шаги Нади.

Решение переехать из одной из главных балетных столиц мира — Москвы в жаркий и нетанцующий Израиль изменило жизнь, климат, архитектурный фон, но сохранило главное: без балета ни Нина Владимировна, ни Надя своей жизни не мыслили.
Взаимоотношения с Академией музыки и танца имени Рубина в Иерусалиме сложились довольно драматично, и коллектив, состоявший из двух балерин — мамы и дочери — открыл на карте Израиля новую балетную точку: древний и упрямый город Иерусалим получил новый балетный коллектив и балетную студию. По каким только шипам не приходилось идти к высотам танца этим двум стойким и героическим женщинам.

Долгие часы преподавания, работы в классе мягко перетекали в ночные часы создания костюмов и декораций. Напряжение труда не ослабевало ни на день, ни на час. Концертные программы и балетные спектакли. Десятки юных танцовщиков, которые приобщились к требовательному совершенству классического балета.
Странно, но я даже представить себе не могу Надю Тимофееву на пляже или примеряющей новое пальто в модном магазине. Она всегда занята балетом. Нетто. Танцевать и учить танцу — вот ее жизненное кредо. Ее ученики, выпорхнувшие из учебной студии в Иерусалиме, уже сами идут по шипам и розам, получают аплодисменты, работают в разных странах мира.
Ни один реалист не верил в то, что балет в Иерусалиме возможен. Так сложилось, что этот город трех религий, священный для любого живущего на земле город, упорно не желает признать религию искусства. И все-таки "Иерусалимский балет" Нади Тимофеевой существует, развивается, идет вперед.

Вечер современного балета, представленный на фестивале "Тель-Авив-данс" в зале Сюзан Далаль в Тель-Авиве оказался сплошным удивлением и открытием. Свои хореографические работы показали Асаф Бен-Шитрит (США) и Ясмин Ависар (Австрия). Оба эти танцовщика — воспитанники Нины Тимофеевой. Они начинали свой творческий путь в студии, в успех которой тогда мало кто верил.
В новом спектакле также были показаны новые творческие опыты художественного руководителя ансамбля "Иерусалимский балет" Нади Тимофеевой и молодого израильского хореографа Одеда Ронена. В концерте приняли участие танцовщики "Иерусалимского балета" и приглашенные солисты.
Археоптерикс — это древняя птица. Никто на самом деле достоверно не знает, как она выглядела и как жила. Была ли она наделена сказочными умениями, что создавала, к чему стремилась. Все, что мы о ней знаем, это догадки и мифы.
Живущая сегодня в Вене израильтянка Ясмин Ависар показала маленькую хореографическую повесть, посвященную птице археоптериксу. Она так и называется — "Археоптерикс". Танцовщица и хореограф в одном лице, Ясмин демонстрирует очень качественную классическую базу танца, вышивая по ней письмена остросовременного языка. Ее тело то существует в очень красивых кантиленных позах, то словно взрывается драматичными конструкциями. Она ищет равновесие, и сама же ускользает от него в неведомую сторону. Интересно слушается музыка композитора Оливера Петера Грабера.

Композиция "Дом", поставленная хореографом Асафом Бен-Шитритом, была вызвана к жизни музыкой Генри Перселла и компьютерными экспериментами самого Асафа Бен-Шитрита. В этой композиции участвуют четыре солиста: Ади Ханан, Фани Любин, Анаэль Затейкин, Ави Лернер. Три женщины и мужчина.
История, которую рассказывают нам на сцене — это история взаимоотношений мужчины и женщины; и роль этой женщины исполняют сразу три танцовщицы. Они сплетены, соединены между собой; они живут в доме, в котором скрипят двери. Этот дом — их собственная душа, их внутренний мир. Мужчина наблюдает. Поддерживает. Возносит. Он непроницаем. Она рвется к нему. И падает. Какое-то неодолимое препятствие все время существует между женщиной и мужчиной. Они тянутся друг к другу — и никак не могут соединиться.
Противостояние — вот суть "дома". Хореограф нашел очень интересные выразительные средства, чтобы показать этот вечный поединок. Эту борьбу противоположных начал, высокий накал чувств и драму неразрешимого конфликта.

Композиция "Радуга гравитации" ("Rainbow Gravity") придумана хореографом Одедом Роненом на музыку Феликса Мендельсона, Лучано Берио и Арво Пярта. В этой миниатюре заняты Лола Ирго, Таль Бенари, Лигаль Меламед и Джоэль Брей. Это красиво сконструированная, соединенная с забавным видеорядом танцевальная притча про рассвет и уход. Про удивительную жизнь, в которой движутся и действуют не люди, а неведомые существа, то ли бабочки, то ли рептилии, то ли какие-то организмы, о которых мы пока ничего не знаем.
Все участники этой пластической истории проходят долгую дорогу — от появления из плотных коконов до интересных и запутанных взаимоотношений. А потом снова возвращаются в никуда. В небытие.
Публике было интересно следить за тем, как балетмейстер изобретает парадигмы своего собственного языка, как старые движения классического балета светло и демократично преображаются в совершенно новый, свежий изобразительный ряд. Несмотря на некоторую повторяемость высказываний, на длинноты, которые мешают яркости восприятия, мы увидели нечто необыкновенное и интересное.

Симфония Петра Чайковского "Манфред", написанная композитором под впечатлением одноименной поэмы Джорджа Гордона Байрона, вдохновила Надю Тимофееву на создание одноактного балета. И это творческое высказывание стало самым большим открытием фестивального вечера.
Надя Тимофеева вместе с Инной Полонской придумали очень стильные и выразительные костюмы. Великая музыка Чайковского, способная всколыхнуть даже самую черствую душу, пролилась в зал живительной волной. Постановщику удалось раскрыть эмоциональные движения этой музыки, воплотить на сцене живую и горячую историю любви, которая не боится смерти. Она словно бы говорит нам: "Пока жив хотя бы один из любящих — ничего не окончено!"
Язык неоклассического балета не требует приземленной конкретизации всех образов и состояний. Мы воспринимаем эмоциональную силу, увлеченно следим за тем, как движение рождает живое чувство. Наде Тимофеевой удалось найти такие краски и такие танцевальные приемы, что лирическая сцена Манфреда и Астарты заворожила и потрясла.
Для Нади Тимофеевой это не первая работа, связанная со знаменитым литературным источником. Она уже ставила балет по мотивам "Божественной комедии" Данте на музыку Чайковского.

Иерусалимцы уже станцевали "Макбета" — и это было трагично и просветленно…

"Манфред" Нади Тимофеевой воспринимается как гимн любви, как яркое свежее высказывание интересного думающего художника, как еще один серьезный шаг "Иерусалимского балета" на пути к художественной зрелости. В спектакле прекрасно выступили Михаэль Шнайдер (Манфред), Лола Ирого (Астарта), Ави Лернер, Ади Ханан, Алон Штойер и солистка балета Нес-Ционы Мария Селектор. Зал аплодировал долго и благодарно. Мне показалось, что светлая тень великой Нины Тимофеевой витала где-то над залом и, улыбаясь, кивала всем участникам вечера.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17005
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Окт 06, 2015 10:32 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015093104
Тема| Балет, Американский театр балета (ABT), Премьера, Персоналии, Алексей Ратманский
Автор| Ирина ШИРИНЯН
Заголовок| Старая-новая красавица
Где опубликовано| © Музыкальная жизнь №9, 2015
Дата публикации| 2015-сентябрь
Ссылка| http://mus-mag.ru/mz-txt/2015-09/r-abt.htm
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

В этом сезоне Американский театр балета (ABT) представил премьеру "Спящей красавицы", реконструированной Алексеем Ратманским. Премьера была приурочена к 75-летию АВТ



Премьера балета «Спящая красавица» состоялась в Мариинском театре в начале 1890 года. Поставленный Мариусом Петипа по инициативе директора Императорских театров Ивана Всеволожского на специально сочиненную музыку Петра Чайковского, спектакль с первого показа привлек своей необычностью. Всеволожский представил не просто феерию – в балете-сказке была исторически точно воссоздана эпоха Людовика XIV с ее дворцово-парковыми ансамблями. Костюмы, разработанные самим Всеволожским, четко отражали моды эпох, показанных в балете. Академик М. Шишков, работавший со своими учениками К. Ивановым и И. Андреевым, создал архитектурные декорации. Декорации пейзажей – академик пейзажной живописи, театральный художник М. Бочаров. В работе также принимал участие приглашенный из Франции в 1887 году художник Г. Левот.

С тех пор творение Петипа–Чайковского прожило долгую и достаточно счастливую жизнь. Начнем с того, что первым русским балетом, показанным за рубежом, стала именно «Спящая красавица». В 1896 году Дж. Соракко поставил сочинение Чайковского в Ла Скала, а в 1921 году Сергей Дягилев выбрал «Спящую» для гастролей в Лондоне. Это была уже другая «Спящая красавица», в которой художник Леон Бакст полностью изменил стилистику костюмов и декораций. Стравинский сделал переоркестровку некоторых номеров. Бронислава Нижинская поставила несколько новых эпизодов, среди которых – известный танец «Трех Иванов». Постановкой руководил Николай Сергеев, бывший режиссер Императорского балета. Хоть и не с первого раза, но спектакль имел потрясающий успех у публики.

В марте 2015 года в Центре искусств Segerstrom (Коста-Меса, Калифорния) состоялась премьера «Спящей красавицы», реставрацию которой осуществил Алексей Ратманский. За основу постановки он взял спектакль антрепризы Сергея Дягилева, а эскизы костюмов и декораций – Леона Бакста. Ричард Хадсон выполнил для реставрации Ратманского работы по дизайну костюмов и декораций. С первых па действие захватывает неожиданностью увиденного и желанием узнать, что же будет дальше.

Несмотря на ряд удачных находок в постановке, некоторые решения, предложенные Ратманским, кажутся спорными. Прежде всего это дизайн костюмов. Непонятно, почему стиль одежды не изменился на протяжении всего спектакля, хотя по сюжету прошло 100 лет. Да и внешний вид некоторых из них тоже не вписался в общий ансамбль. Так, в первом действии чалма на голове индийского принца, одетого в национальный костюм, больше походила на гнездо, чем на головной набор. Треуголки, мушкетерские шляпы с перьями на головах гостей и женихов скорее напоминали сборище случайно встретившихся незнакомцев, нежели придворных вельмож, собравшихся на праздновании дня рождения принцессы.



Цветовая гамма, выбранная Хадсоном, не оставила впечатления целостности из-за отсутствия логически выстроенной цветовой концепции, привязанной к действию. Разброс используемых цветов так широк, что не получился единый цветовой стиль. Вместо дворцовой изысканности эпохи Людовика XIV на сцене порой царил ярмарочный балаган. А в III акте, наоборот, художник предпочел пастельный тон как основной, и наряды принцессы Авроры и принца Дезире потеряли индивидуальность. В выбранном стиле Хадсон оказался слишком рассудочен и не захотел выпадать из контекста сегодняшнего дня.

Декорации фактически повторили Бакста не только в дизайне, но и в темной цветовой гамме. На фоне красочности костюмов и светового оформления спектакля (художник по свету Джеймс Ингалс) они не запомнились и особого впечатления не произвели. Во втором акте странное ощущение оставил спроецированный на пол рисунок, напоминающий белые облака на темно-синем небе. К Баксту этот световой эффект никакого отношения не имеет. Трудно назвать подобную находку удачной, так как рисунок на полу отвлекает внимание от ног танцовщиков и мешает четко видеть узор танца.

Трудно однозначно судить, насколько приблизился Ратманский к стилю хореографического языка конца ХIХ – начала ХХ столетия, но факт, что новая версия «Спящей» не похожа на классический балет в привычном понимании, отрицать невозможно.

У Ратманского отсутствуют сложные гимнастически-акробатические поддержки, растяжки более чем на 180 градусов, головокружительные прыжки в высоту и длину, – всё то, что придает танцу нарочито спортивный характер. Подъемы, наоборот, ограничены высотой плеча, а в пируэтах рабочая нога не поднимается выше щиколотки. Эти ограничения придают танцу особую пластику. Мелкая техника позволила отказаться от замедления темпа, используемого балеринами для выполнения высоких прыжков и больших па. Сами танцевальные фразы изящны и сплетены, как кружево, из мелких, ритмичных шагов, чаще исполняемых на полупальцах. Быстрый темп и танцевальность создают впечатление невероятной целостности не только стиля танца, но и всего спектакля.

Партия принцессы Авроры сложна сама по себе. А если учесть, что в отреставрированном балете от балерины требуется особая, непривычная манера исполнения, то сложность удваивается. У Дианы Вишнёвой получились и мелкие па, и невысокие прыжки, и быстрый темп, – всё было выполнено с блеском.

Апофеозом мастерства танцовщиков стало па де де принцессы Авроры и принца Дезире в III акте. Герои выходят с противоположных сторон сцены. Принцесса Аврора – в удлиненной пачке-тюнике ниже колен, что придает мягкость линиям и женственность ее образу. Принц Дезире берет невесту за руку, они проходят к середине сцены и обращаются друг к другу взаимными поклонами, затем следуют небольшие па, переходящие в короткую мимическую сцену, в которой принцесса Аврора приглашает Принца танцевать, а тот в ответ указывает на свой безымянный палец, как бы еще раз делая ей предложение руки и сердца. Подобного антре нет ни в реставрации Вихарева, ни в одном из первых спектаклей (редакция М. Петипа–Н. Сергеева–Ф. Аштона) английской труппы с участием Марго Фонтейн (1955 год): именно эта редакция считается наиболее близкой к версии Дягилевской антрепризы.

Кроме некоторых, ранее не исполняемых поддержек, в адажио включена диагональ с тремя «рыбками», автором которой был русский танцовщик, участник Дягилевской антрепризы, Петр Владимиров. Как заметил сам Ратманский, в нотациях Сергеева упомянуты только два пируэта, повторяющиеся трижды. Солисты ABT могли сами выбрать, какую комбинацию исполнить в адажио. Вишнёва и Гомес выбрали более эффектную.

Марcело Гомес, как и всегда, составил великолепный дуэт с Дианой Вишнёвой. Во всем чувствовались станцованность и полное понимание партнерами друг друга. Несмотря на «немногословность» партии принца Дезире, Гомес исполнил ее выразительно. Он сумел без высоких, эффектных прыжков, сумасшедших туров, придать ювелирный блеск исполнению, выполнив привычные элементы с гораздо меньшей амплитудой.

Партию Голубой птицы танцевал виртуозный Даниил Симкин. Небольшого роста, легкий, необыкновенно техничный, он буквально парил на сцене.

В III акте к традиционным сказочным героям добавились Шехеразада, Шах и его брат, китайский Мандарин и две Фарфоровые принцессы, которые впервые появились в антрепризе Дягилева. Дивертисмент сказок выдержан в общем танцевальном стиле – наряду с мелкими движениями ног, танец на полупальцах преобладает над пальцевой техникой. Всё исполняется в быстром темпе и проносится на одном дыхании, как калейдоскоп блестящих па де де.

Конечно, реставрация балета, в том числе «Спящей красавицы», подразумевающая попытки хореографа приблизиться к оригиналу, восстановить хореографию столетней давности, дело непростое, особенно когда модифицировался не только стиль танца, но и внешней вид балерин изменился до неузнаваемости, а оставшийся «единственный свидетель» истории – записи Н. Сергеева, вывезенные из России после революции, содержат больше вопросов, чем ответов. Тем не менее попытка восстановить аутентичность – это творческий процесс, и он дает возможность предположить, что сто лет назад это выглядело именно так.

Фото Gene Schiavone предоставлены пресс-службой ABT
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3044

СообщениеДобавлено: Вт Окт 13, 2015 12:57 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015093105
Тема| Балет, Персоналии, Юрий Григорович
Автор| Ольга Шаблинская
Заголовок| Хореограф Юрий Григорович: в погоне за деньгами рамки морали часто сносят
Где опубликовано| © Еженедельник "Аргументы и Факты" № 40
Дата публикации| 2015-09-30
Ссылка| http://www.aif.ru/culture/person/horeo_graf_yuriy_grigorovich_v_pogone_za_dengami_ramki_morali_chasto_snosyat
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Всемирно знаменитый хореограф, более 30 лет руководивший балетом Большого театра, ответил на вопросы «АиФ».


Хореограф Юрий Григорович. © / Михаил Мокрушин / РИА Новости

У нас есть миссия

Ольга Шаблинская, «АиФ»: Юрий Николаевич, сегодня многие ностальгируют: в советское время была общая идея — страна дружно шла «к светлому коммунистическому будущему», и это сплачивало нацию...


Юрий Григорович: У меня никакой ностальгии по советским годам нет. Я знаю, что надо просто трудиться в том времени, в котором ты живёшь. И понимать — независимо от строя, политической и экономической ситуации: если каждый из нас будет хорошо делать своё дело, улучшится и жизнь. Любовь к стране должна быть деятельной. А если говорить о национальной идее... «От нас ничего не зависит» — это неправда.
Я ставлю спектакли в России, недавно вот был в Якутске. Вижу разные театры. Даже при одинаковом бюджете труппы находятся на разном уровне профессионализма. Одни явно слабые, другие, наоборот, делают успехи. Если у руля настоящие патриоты своего дела — театр (завод, фабрика — что угодно возьмите) будет развиваться. От людей зависит. Делом доказывать преданность своей стране надо, а не словами.


— А с воспитанием молодого поколения что делать? Мэтры культуры с горечью говорят: нынешнюю молодёжь только деньги и интересуют.

— Новейшая история государства учит нас всех новому отношению к деньгам, они формируют образ жизни. Понятно, люди должны наконец жить хорошо в настоящем времени. Но ставить это во главу угла, делать жизненной целью, сносить рамки морали в погоне за рейтингом, денежным довольствием?.. Нет и нет! Как привить молодому поколению духовность, нравственные идеалы? Думаю, сегодня — как, впрочем, и раньше — только серьёзное искусство способно кого-то воспитать. В советское время культуре уделялось большое внимание. И сегодня уделяется. Но как-то по-другому... Пропагандировать нужно именно серьёзное искусство, а попса и сама себе дорогу пробьёт.

— Кстати, насчёт серьёзного искусства... Сейчас нам объявлены санкции, обструкция многими странами. Обстановка очень напоминает холодную войну. Политически сложнейшая ситуация ударила по культуре?

— В культуре никаких санкций по отношению к России вроде бы быть не может. Большое искусство нельзя запретить, это то, что уже связывает нас всех — людей, даже живущих по разные стороны границы. По крайней мере, так было всегда. Посмотрите, из каких стран приезжают в Большой театр на наши балетные конкурсы — московский и сочинский «Молодой балет мира»: Италия, Франция, Германия, Великобритания, Норвегия... Долго перечислять. (Юрий Григорович много лет является председателем жюри международных конкурсов в разных странах, в том числе престижного «Benois de la dance». — Ред.) И мы своих воспитанников отправляем по всему миру. Большой театр имел успех на Западе, на Востоке, за океаном везде и всегда — и в разгар холодной войны, и сейчас. Так было, есть и, хочется думать, будет. Наши артисты — большие профессионалы, приезжающие не просто по запросу публики повеселить её, — у нас всегда была Миссия. В России очень сильная школа балета. Тот класс исполнения, который мы показываем в спектаклях классического репертуара, мало кто в мире может повторить. Во многих других странах школа утеряна.

— А как вы относитесь к тому, что министр культуры предлагает снова ввести худсоветы?

— Он действительно так считает? Скажу одно: я против.

— Благодаря вам у труппы Большого более 30 лет было звёздное время, ваши спектакли гремели во всём мире — «Спартак», «Щелкунчик», «Жизель»... А что вы считаете основной проблемой сегодняшнего театра?

— Очень важно, чтобы в искусстве не было мешанины. Классический балет и современный балет не надо показывать в одном театре! Это разные пути в искусстве и вообще культура разная. Симфонический оркестр не должен играть блюзы, а джазовый — симфоническую музыку. Я за определённость. Был МХАТ Станиславского и Немировича-Данченко, а рядом театры Вахтангова, Таирова, Мейерхольда, потом Товстоногова. Они стояли на разных эстетических платформах, но у каждого было своё лицо. Сейчас не у каждого театра лицо разглядишь...


Иностранцы едут на... Кубань


— Много лет назад вы ушли из Большого и были приглашены в Краснодар, в никому не известный театр. А теперь «Григорович-балет», как называют вашу труппу во всём мире, штурмуют иностранцы...


— Да, постоянно получаем приглашения, в том числе туда, где уже были, и не один раз. Недавно открывали знаменитый Афинский фестиваль в античном театре у подножия Акрополя, место, где выступали и Мария Каллас, и Паваротти... Неоднократно были в Японии, Турции, Испании, Великобритании. Сегодня, по прошествии 20 лет, я могу сказать, что нас знают, труппа приобрела самостоятельное имя и значение. Мы собрали довольно большой репертуар. Я восстановил некоторые балеты Михаила Фокина из дягилевской антрепризы: «Петрушку», «Жар-птицу», «Половецкие пляски», «Карнавал» и др. В общем, нам есть чем встретить собственное 20-летие.

— Юрий Николаевич, вы прожили долгую жизнь... Каким принципам верны с молодости?

— У меня вправду была очень бурная, насыщенная событиями жизнь. Мне через полтора года 90! Шутка ли? И столько разного было... О каких-то периодах вспоминаешь светло, о других меняешь своё мнение. Самые яркие впечатления, конечно, от великих людей, с которыми встречался или работал. С композитором Игорем Стравинским в Лос-Анджелесе мы два дня провели в очень интересных и весёлых разговорах. Ну гений! Поговорили о его знаменитой «Весне священной». Я спросил: она идёт в разных версиях во всём мире, после Нижинского кто, с его точки зрения, ближе всех подошёл к сущности произведения? Он подумал, потом сказал: «Нижинский всё-таки». Я ему: «Но вы сами писали, я читал, вы ругали его». Он говорит: «Да, но знаете, в чём дело, я меняю с годами мнение о многом. Что-то в 20 лет мне нравилось. А в 76 уже не нравится». Меня тогда, в 40 лет, это поразило. А сейчас могу сказать то же самое. Так что — никогда не говори «никогда». Живой человек на то и живой, чтобы меняться. Что осталось с молодости неизменным — верность профессии, её власть надо мной....
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17005
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Окт 16, 2015 11:09 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015093106
Тема| Балет, Проект "Соло для двоих", Персоналии, Сергй Данилян, Наталья Осипова, Иван Васильев, Владимир Варнава
Автор| Виталий Орлов
Заголовок| От Дягилева к Даниляну
Где опубликовано| © Elegant New York
Дата публикации| 2015-09-04
Ссылка| http://elegantnewyork.com/dyagilev-danilyan/
Аннотация|

После того как Михаил Барышников в 2002 году создал группу «White Oak Dance», которая исполняла танцы в стиле супермодерн (Барышников и сам в ней танцевал), на мой незамысловатый вопрос, почему он оставил классику, великий танцовщик так же простодушно ответил: «А просто надоело исполнять роли принцев и графов. Захотелось быть поближе к людям». Ему тогда было 54 года!

Нынешним звездам Наталье Осиповой и Ивану Васильеву столько же лет, но в сумме, и потому они, достигнув мировой славы в очень молодом возрасте, исполняя классический репертуар, еще долго могли бы поражать публику в «Баядерке» или «Жизели» без всякого риска. Тем не менее они рискуют и находят современных балетмейстеров, которые помогают им заглянуть в хореографию будущего. В этом поиске и в достижении творческого союза важнейшая роль принадлежит человеку по имени Сергей Данилян.


Наталья Осипова и Эдуард Уотсон. Сцена из балета Zeitgeist.

В тесном нью-йоркском балетном пространстве, где одновременно работают мирового ранга балетные труппы Американского Балетного Театра и Нью-Йорк Сити Балета, где на сценах Линкольн-центра и Бруклинской Академии Музыки в течение почти целого года можно увидеть танцевальное искусство Парижа, Санкт-Петербурга и Токио; где продолжают творить гении хореографии Михаил Барышников, Марк Моррис, Твайла Тарп, Уильям Форсайт, занять собственное и значительное место совсем нелегко.

Сергею Даниляну, продюсеру и директору компании «Ардани Артистс» и его верной помощнице и единомышленнику Гаянэ Данилян это удалось. Свое 25-летие компания встречает при абсолютном внимании балетной общественности, начисто лишенном как снобизма, так и влияния конъюктуры, потому что ее танцевальные проекты – это авангард современной хореографической мысли. Творчество Сергея Даниляна иногда сравнивают с искусством быть балетным импрессарио Сергея Дягилева, открывшего в свое время публике на Западе поэзию русского балета. При всей лестности подобного сравнения нужно сказать, что Данилян сделал нечто большее: он показал миру, что искусство балета вообще может не менее серьезно воздействовать на эмоции, вкусы, мироощущение и даже философию зрителя, чем, например, музыка и живопись. Знатоки искуства пишут, что Сергей Данилян «вот уже 25 лет уверенно ведет свое дело – лавируя среди больших театров-пароходов; [преодолевая] штормовые припадки актерских самолюбий, он сводит в один проект людей, говорящих на разных языках, воспитанных в разных школах».

В какой-то момент Сергей Данилян придумал своих «Королей танцев», и после этого воспитанная на классическом танце публика вот уже который год жадно поглощает современную хореографию.

Решимость и решительность понадобились ему и тогда, когда он поддержал решение суперзвезд Натальи Осиповой и Ивана Васильева покинуть московский Большой ради петебургского Малого (Михайловского) и начать строить карьеру вне служебной иерархии какого бы то ни было театра.


Наталья Осипова. Сцена из балета Zeitgeist

Время показало, что он оказался прав – это подтвердили и прошлогодние осенние гастроли Михайловского театра в Нью-Йорке, и это подтверждается новым проектом Даниляна с участием Осиповой и Васильева «Соло для двоих», премьера которого в Нью-Йорке состоялась в августе 2015 года, хотя по жизни эти талантливые артисты теперь расстались. Сенсационный проект всколыхнул балетный мир. К участию в нем были привлечены ведущие специалисты – хореографы в области современного танца: Охад Наарин (Израиль), работы которого знает и высоко ценит Наталья; одаренный молодой португалец Артур Пита из Лондона, где Осипова теперь прима-балерина в Королевском балете; бельгиец марокканского происхождения Сиди Лярби Шеркауи и некоторые другие. Другие – это потому, что проект «Соло для двоих» состоит из трех балетов, состав которых варьируется. Премьера состоялась 25 июля 2014 года в Сегерстрем-центре (Калифорния), который стал компаньоном «Ардани Артистс» в этом проекте. В нью-йоркской программе зрители увидели американские премьеры балетов «Zeitgeist» («Дух времени», нем.) и «Моцарт и Сальери», а также ньюйоркскую премьеру балета «Facada» («Удар ножом», португ.)


Наталья Осипова и Иван Васильев. Сцена из балета Facada

Балет «Zeitgeist» поставлен хореографом и танцовщиком лондонского Королеского балета Аластаром Марриоттом на музыку Скрипичного концерта №1 американского композитора Филипа Гласса. Его исполнили Наталья Осипова и Эдуард Уотсон и группа танцовщиков лондонского балета; мировая премьера состоялась в Лондоне 17 июля этого года.

Напряженная и динамическая музыка Концерта идеально воплощена в пластических образах, и это чрезвычайно эмоциональное произведение, блистательно исполненное, являет собой образец современного балета, который легко обходится без либретто, но прекрасно дополняется графическим абстрактным видеорядом (Люк Холлс).

В противоположность ему балет «Моцарт и Сальери» поставлен на известные сюжет и музыку Моцарта. Хореограф и исполнитель роли Сальери, ныне петербуржец Владимир Варнава, сочинил свой опус как соединение пантомимы и элементов классического балета, в котором все свое огромное мастерство в обоих жанрах продемонстрировал Иван Васильев. Мировая премьера состоялась в Михайловском театре 30 июля текущего года.

Балет-трагикомедия «Удар ножа» входит в состав разных вариантов программы «Соло для двоих» в исполнении Осиповой и Васильева, хореограф Артур Пита. В балете участвует в качестве действующего лица – музыканта, играющего на гитаре и других инструментах, композитор Френк Мун. Сюжет в жанре «магического реализма» наполнен символами, сюрреалистическими видениями, элементами португальского фольклора и атмосферой фадо. Невеста мстит жениху, с криками сбежавшему от нее прямо из-под венца, представив себе ужасную картину предстоящей ему несвободной жизни.

Для обоих танцовщиков оказался заманчивым риск эксперимента, естественное для молодых стремление к новизне. Это побудили их к поиску, и они одержали победу.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Чт Июн 08, 2017 10:32 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 17005
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Окт 17, 2015 11:28 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015093107
Тема| Балет, Театр оперы и балета Армении, Премьера
Автор| Назеник САРГСЯН
Заголовок| В ПРЕКРАСНОМ И ЖЕСТОКОМ ЦАРСТВЕ ВИЛЛИС
Академический театр - это в первую очередь классический балет

Где опубликовано| © "Голос Армении"
Дата публикации| 2015-09-10
Ссылка| http://golosarmenii.am/article/32388/v-prekrasnom-i-zhestokom-carstve-villis
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



"Лебединое озеро", "Спящая красавица", "Щелкунчик", "Баядерка", "Эсмеральда", "Корсар", "Дон Кихот", "Жизель"... Как хотелось бы, чтобы все эти жемчужины классического наследия значились в репертуаре нашего театра! Впрочем, некоторые из них значились.

"КОППЕЛИЯ" БЫЛА ПЕРВЫМ БАЛЕТОМ, ПОСТАВЛЕННЫМ В СТУДИИ ВАГРАМА АРИСТАКЕСЯНА В 1926 ГОДУ, на основе этой студии впоследствии сформировалось наше хореографическое училище. "Лебединое озеро" с середины прошлого века неоднократно возобновлялось на сцене Театра оперы и балета им. Спендиарова, так же, как и "Дон Кихот", в 80-е годы у нас шел "Щелкунчик". В 1960 году молодой балетмейстер (впоследствии известный хореограф, заслуженный деятель искусств Армении) Марк Мнацаканян в качестве своей дипломной работы в ГИТИСе перенес на нашу сцену один из шедевров классического балета - "Жизель". С тех пор этот балет практически не сходил с подмостков.

Сколько наших ведущих балерин и танцовщиков исполнили в нем заглавные роли, шлифуя свое актерское и танцевальное мастерство! Сколько выдающихся исполнителей с мировым именем выступили с гастролями именно в этом балете!.. И вдруг он исчез из нашего репертуара. Говорят, декорации и костюмы истрепались... И несколько лет не только зрители, но и танцовщики нашего театра ждали возвращения этого балета. Наконец в конце июля двумя спектаклями возобновленной "Жизели" закончился наш очередной сезон.

В первую очередь следует поблагодарить главного балетмейстера театра, народного артиста Армении Вилена Галстяна, восстановившего спектакль. Трудно переоценить вклад наших репетиторов: народной артистки Армении Эльвиры Мнацаканян - одной из лучших исполнительниц партии Жизели на нашей сцене, подготовившей целую плеяду исполнителей заглавных партий. Елену Павлиди, в свое время покорившую зрителей величественным и холодным, но в то же время виртуозным исполнением роли Мирты, и, безусловно, Эмму Нагапетян, на долю которой выпала труднейшая задача - подготовка кордебалета, особенно во втором акте, где от танцовщиц требуется особая синхронность, ровность линий, пластичность. Да и хореографический текст кордебалета достаточно сложный. В целом массовые композиции, особенно сцены виллис во втором акте, были исполнены на достаточно хорошем уровне.



НА РОЛИ ЖИЗЕЛИ И АЛЬБЕРТА БЫЛИ НАЗНАЧЕНЫ НЕСКОЛЬКО СОСТАВОВ. Однако на первые два спектакля были подготовлены только две пары. Заслуженная артистка Армении Сона Арустамян и Рубен Мурадян должны были выступать в первый день. Во второй день - Сюзи Пирумян и Севак Аветисян. Однако на последней репетиции случилось непредвиденное. Сона Арустамян повредила колено, так что первый спектакль стоял под угрозой. Мы неоднократно видели нашу ведущую балерину С. Арустамян в роли Жизели, и, конечно, очень обидно, что в этот раз зрителям не довелось увидеть эту талантливую, одухотворенную, лиричную, обладающую большим сценическим обаянием балерину. Будем надеяться, что она все же покажет зрителям свое мастерство.

В первый день в роли Жизели зрители увидели другую нашу приму - заслуженную артистку Армении Жакелин Сархошян. Для Жакелин это был непростой экзамен. Безусловно, она неоднократно выступала в этой роли, но с тех пор прошло несколько лет, и с одной неполной репетиции (поскольку она не готовилась выступать в этом спектакле в конце сезона) ей удалось, конечно, ценой большого напряжения собраться, исполнить заглавную роль достойно. Партию Альберта в первом составе исполнил любимый зрителями Рубен Мурадян. Здесь нужно отметить, что роль Альберта оставляет возможность каждому танцовщику интерпретировать ее по-своему.

В первом акте представленный Мурадяном высокомерный аристократ пускается в любовную авантюру. Он всего лишь изображает пылкого влюбленного и относится к встрече с жизнью иронично. Безумие и внезапная смерть девушки впечатляют его скорее неожиданностью и кажутся досадным недоразумением. Лишь во втором акте угрызения вдруг проснувшейся совести приводят его на могилу Жизели, и постепенно он, пораженный ее самоотверженным стремлением спасти его, на протяжении действия проникается любовью - уже не к девушке, а к тени. С точки зрения техники Рубен Мурадян был, как всегда, на высоте. Следует добавить, что Ж. Сархошян и Р. Мурадян, многие годы являющиеся партнерами во многих спектаклях (особенно следует выделить их дуэт Спартак - Фригия), в настоящем спектакле продемонстрировали прекрасную технику малых и больших поддержек.

СОВСЕМ ДРУГУЮ ИНТЕРПРЕТАЦИЮ ДРАМЫ ПРЕДСТАВИЛА во второй день пара Сюзи Пирумян и Севак Аветисян. Неразлучная сценическая пара практически во всех представляемых у нас балетах, они также не впервые выступали в ролях Жизели и Альберта. Вся линия их взаимоотношений и здесь досконально проработана. Даже после репетиций они детально просматривали видеозаписи, отмечая все нюансы, на которые следует обратить внимание.

Пирумян и Аветисян находятся в самом расцвете своей исполнительской деятельности. И чем дальше, тем совершеннее их мастерство техники классического танца и все глубже впечатляют созданные ими образы. Сюзи Пирумян - красивая, прекрасно сложенная балерина, беспрестанно оттачивающая свое искусство, она глубоко проживает каждый жест, каждое движение. Севак Аветисян показал свое видение роли Альберта - он действительно уже с первого акта влюблен, горе его - виновника трагедии - неподдельно, и весь второй акт - это дуэт любви искренной, нежной и обреченной.

Заслуженная артистка Армении Мария Диванян - величественная, холодная, беспощадная Мирта. В партии, насыщенной прыжками, она как будто непрестанно парит над землей. Во второй день в партии Мирты дебютировала Сона Вартанян. Молодая балерина уже исполнила несколько ведущих ролей: Фригия ("Спартак"), Повелительница дриад ("Дон Кихот") и вот - Повелительница виллис. Тоненькая, с удлиненными пропорциями, Вартанян создала образ Мирты более лиричным - в силу особенностей ее исполнительского стиля.

Наконец, отметим заслуженного артиста Армении Завена Арутюняна. В прошлом наш ведущий классический танцовщик с хорошей сценической внешностью, прекрасно сложенный и артистичный, сейчас перешел на характерные роли. Но и здесь подкупает и техникой, и, главное, выразительностью.

И, наконец, несколько слов о декорациях. В общем-то традиционные для "Жизели" декорации своеобразно интерпретированы главным художником театра, заслуженным художником Армении Арсеном Барсегяном и казались в обоих актах легкими, отличаясь воздушностью, даже "ажурностью", не загромождали сцену.

Оркестр во главе с дирижером - заслуженным артистом Армении Кареном Дургаряном был на должном уровне и создал в совокупности с действием хороший тандем.

Классический балет в репертуаре театра, называющегося "академическим", а именно такое определение имеет наш Театр оперы и балета - это безусловная необходимость. Двух классических балетов - "Жизели" и "Дон Кихота" мало. Классический балет требует от исполнителей - и солистов, и кордебалета - слаженности, достойного уровня исполнения. Постепенное увеличение классического балета в репертуаре будет способствовать повышению исполнительского мастерства нашей труппы.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6  След.
Страница 5 из 6

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика