Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2015-03
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Мар 17, 2015 5:04 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015031702
Тема| Балет, XV международный фестиваль балета «Мариинский», МТ, Премьера,
Автор| Елизавета Митина
Заголовок| В джунглях Шотландии
Мариинский театр представил премьеру детской балетной дилогии в рамках XV Международного фестиваля балета "Мариинский"

Где опубликовано| © Независимая газета
Дата публикации| 2015-03-17
Ссылка| http://www.ng.ru/culture/2015-03-17/100_scotland.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Фото Валентина Барановского

В этом году фестиваль как никогда соответствует своему названию – в фокусе проверенная репертуарная классика, разнообразие в которую вносят несколько приглашенных солистов, а за фестивальную премьеру отвечает не иностранный хореограф, а птенец собственного, Мариинского, гнезда - солист труппы Антон Пимонов, который уже несколько лет выступает в качестве не только исполнителя, но и созидателя танцтворений. Творческий багаж Антона, в основном, состоит из бессюжетных миниатюр и одноактных балетов (за исключением балета "Ромео и Джульетта", поставленного им для труппы театра имени Леонида Якобсона в декабре прошлого года), однако сейчас ему выпала возможность поработать не в самом распространённом жанре - сюжетном балете для детей, успешные эксперименты в котором можно посчитать по пальцам. Итогом его стараний стали два одноактных балета - "Бемби" и "В джунглях".

За основу дилогии были взяты романы Феликса Зальтена "Бемби", действие которой положили на одноименную сюиту Андрея Головина, и "Дети Бемби", музыкальным материалом для которой стала сюита "В джунглях" Андрея Локшина. Оба произведения при создании не предназначались для танцев, что создавало определенные сложности для постановщика. Дирижировал премьерой маэстро Гергиев. В паре с хореографом работала режиссер Анна Матисон, ставшая художником и либреттистом обеих частей дилогии.

Занавес открывается, и зритель, следуя художественному решению сценического пространства и дальнейшему повествованию, оказывается в джунглях. Джунглях, где с огромными тропическими цветами соседствуют дубы. Джунглях, населенных одновременно экзотическими птицами, оленями, ежиками и белочками. Джунглях, где сменяются времена года, и идет снег - о чем свидетельствует проекция на заднике. Джунглях, в которых ведут охоту браконьеры в килтах. Видимо, где-то в горах Шотландии затерялся этот островок тропического леса. Бытие персонажей в пусть даже сказочной, а более того - условной до крайности балетной реальности - все же не должно противоречить здравому смыслу. Ему же, казалось бы, должны следовать и мизансцены. Однако мать Бемби, спасаясь от преследования охотников, в силу неясных причин вдруг замирает и ждет, когда ее настигнет пуля. Думается, этот прием сработал бы в кино. Если бы в этот момент была возможность взять крупный план, а камера совершила облет - эффект "слоу-мо", пожалуй, "выстрелил" бы.

В два получасовых отрезка хореографического и музыкального текста авторы вмещают жизнь двух поколений – но из-за невнятного обособления разноудаленных друг от друга по времени эпизодов сага о семье Бемби превращается в комикс, линейную последовательность эпизодов, без оглядки на временную дискретность исходного литературного материала.

Костюмы персонажей не подчинены единому стилю, а порой и вовсе вызывают недоумение. Бемби, Фалина и Ронно одеты в традиционные трико и пачки благородного вишневого цвета, а вот Зайцу от художника досталась огромная карикатурная голова с болтающимися ушами, Жуку (видимо, жуку-носорогу) - клешни, неловко маневрируя которыми, он вынужден делать поддержки, а Старому вожаку и вовсе - огромные рога, растущие из области поясницы. Когда приходит пора снимать с себя корону и передавать ее Бемби, он будничным движением расстегивает пояс и, таким образом, лишает себя королевской власти над лесом.

Что оказало большее влияние на Анну Матисон во время создания костюмов для второй части дилогии - "ревущие двадцатые", античность или стиль сафари, сказать трудно, но скромные рожки Гурри, дочери Бемби, среди кордебалета смотрятся, словно элемент карнавального костюма на вечере в кабаре.

В пластических характеристиках героев нет прямого уподобления прототипам из животного мира, однако высокие балонные гран жете Бемби - Алексея Попова вызывают неизбежные ассоциации с взмывающим в воздух оленем. Аккуратные, будто мерцающие переступания на пуантах Фалины - Надежды Батоевой - заставляют слышать стук оленьих копытцев. Штрихуя сцену прыжками, летают Сороки - Владислав Шумаков и Денис Зайнетдинов. Один из самых ярких персонажей - это Главный охотник. Его широкий шаг подчиняет себе пространство сцены, манифестируя его желание захватить власть над лесом. Эту партию очень украсил своей кошачьей пластикой Александр Сергеев, создав образ не только злобного, но хитрого и кровожадного антигероя. В то же время, многих персонажей можно идентифицировать только по костюмам, не все хореографические образы не достаточно выпуклы и узнаваемы.

Во второй части дилогии Антон Пимонов создает удачный и запоминающийся ансамблевый эпизод - танец крадущихся охотников. Выброшенный в воздух предводитель охотников бесшумно переступает по рукам остальных участников группы, подкрадываясь к обитателям леса. Наверняка, запоминается зрителям и танец Светлячков в подсвеченных диодами костюмах, но совсем по другой причине. Светлячки своей волшебной силой должны исцелить раненного Егеря (Сослан Кулаев), покровителя дочери Бемби по имени Гурри (Софья Иванова-Скобликова), и по задумке авторов эта сцена происходит в полной тишине. Этот прием не оправдан художественно - сотворение волшебства не есть эмоциональный пик, извинивший бы отсутствие музыки. В целом же, вторая часть дилогии отличается густонаселенностью второстепенными персонажами, создающими помехи на главной сюжетной линии - Гурри и Егеря.

Кажется, что за недолгое время совместной работы художник и хореограф не нашли общего языка, чтобы вдохнуть гармонию в свое детище. А мир природы, так ярко и буйно представленный в балетах, покоряет именно гармонией.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Мар 18, 2015 9:13 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015031801
Тема| Балет, XV международный фестиваль балета «Мариинский», МТ, Премьера,
Автор| Анна Галайда
Заголовок| Фестиваль балета «Мариинский» открылся детскими балетами
Где опубликовано| © газета "Ведомости"
Дата публикации| 2015-03-18
Ссылка| http://www.vedomosti.ru/lifestyle/articles/2015/03/18/festival-baleta-mariinskii-otkrilsya-detskimi-baletami
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Одноактовки «Бемби» и «В джунглях» постановил молодой хореограф Антон Пимонов


Детский балет «В джунглях» стал открытием фестиваля
Наталья Разина


Открывать международный балетный фестиваль премьерой – традиция, сложившаяся с первых дней существования «Мариинского» и насчитывающая теперь 15 лет. Ради этого события всегда приберегались самые амбициозные и неожиданные проекты, притягивавшие не только местных балетоманов, но провоцировавшие нашествие зрителей со всего света. Доверить главную премьеру балетного сезона начинающему хореографу – жест экстравагантный и дерзкий для Мариинского театра, предпочитающего именитых постановщиков. Антон Пимонов, первоклассный в современном репертуаре танцовщик, всего два года назад засветился в Творческой мастерской молодых хореографов, но сегодня у него в активе не только скромные номера, танцы в операх и одноактовки, но даже блокбастер «Ромео и Джульетта» – молодой человек стремительно выдвигается в ряд востребованных отечественных хореографов.

Вряд ли «Бемби» и «В джунглях», основанные на романах Феликса Зальтена об олененке Бемби, были выбором Пимонова: в основу одноактных балетов положена музыка Андрея Головина и Александра Локшина, увлекающая сейчас Валерия Гергиева, который лично провел не только премьеру, но даже второй, дневной, показ. Обе партитуры для балета не предназначались: Головин писал музыку для радиопостановки, Локшин собрал в сюиту музыку к кинофильму. Но именно они, а не либреттист и режиссер Анна Матисон, стали главными вдохновителями хореографа. В музыке Головина Пимонов услышал классическую балетную наивность, идеально сочетающуюся с гран жете и па-де-бурре, в ритмах Локшина – отголоски «века джаза» с его роковыми красавицами, вторгающимися в идиллический мир джунглей. На противопоставлении традиционных пачек с длинными струящимися платьями в пол и соответствующим стилем движений и играет Пимонов в своих новых балетиках. Тем более что подробности сюжета, да и само царство животных в этом спектакле уходят на второй план. Либретто Анны Матисон читается дольше, чем продолжаются сами спектакли – каждый идет около получаса, а рождений, дружб, надежд и убийств на эти крохотные отрезки времени столько же, как в полноценном многоактном балете. Матисон, по совместительству выступившая и художником обоих спектаклей, завесила историческую сцену Мариинского театра веревками лиан, обвила тряпками, символизирующими буйную растительность, перебросила традиционный навесной мостик, замаскировав его под жилище Белочки, – так, словно сама выросла в те времена, когда Петипа ставил что-то типа «Капризов бабочки», в которых главная героиня порхала в гигантских марлевых крыльях и пуантах, раскрашенных под цвет корсажа балерины. Поэтому дети после первых минут, проведенных в распознавании олененка, бабочки, белочки, ежа, быстро теряют интерес к этому картонному миру; взрослым же не хватает па-де-де, монологов или каких-то других форм, позволяющих увлечься собственно балетом (исключение составляет ансамблевая сцена охоты в «Бемби»). Тем же, кто не теряет надежды увидеть интересную новую хореографию на фестивале, придется ждать ту самую Творческую мастерскую молодых хореографов, ставшую в последние годы на фестивале традиционной. Она назначена на 21 марта.
------------------------------------

Местный ресурс

«Мариинский» фестиваль, еще недавно поражавший воображение разнообразием школ и подходов к классическому наследию, которое демонстрировали приглашенные мировые звезды, в этом году выглядит скромно. В «Баядерку» удалось привлечь Никию из Парижа – кореянку Сэ Ын Пак, в «Дон Кихот» – мексиканца из Национального балета Нидерландов Исаака Эрнандеса, в «Лебединое озеро» – премьера Большого Руслана Скворцова, в финальный гала – нескольких французов. А за суперзвезд ответит сам: в последний день покажет Ульяну Лопаткину в «Маргарите и Армане», а перед этим – Викторию Терешкину, которой «Мариинский» устраивает бенефис.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Сб Апр 04, 2015 8:58 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 5382

СообщениеДобавлено: Ср Мар 18, 2015 2:54 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015031802
Тема| Балет, XIV фестиваль балета DANCE OPEN
Автор|
Заголовок| XIV фестиваль балета DANCE OPEN пройдет в Петербурге с 2l по 27 апреля
Где опубликовано| «Аргументы и Факты»
Дата публикации| 2015-03-17
Ссылка| http://www.spb.aif.ru/culture/event/1468968
Аннотация|


Официальную программу откроет вечер балетных мини-шедевров Back to Bach в исполнении голландской труппы Dutch National Ballet.

Санкт-Петербург, 17 марта - АиФ-Петербург.

Каждую весну Петербург и его гостей ждет одно из самых значимых и зрелищных событий международного балетного календаря – фестиваль DANCE OPEN.

В этом году он пройдет с 2l по 27 апреля.

Масштаб, авторитет и имя фестивалю вот уже более десятилетия создают и поддерживают самые яркие солисты мировой балетной сцены, крупнейшие хореографические бренды и знаменитые хореографы – как легендарные хранители классики, так и эпатажные апологеты авангарда. Этот год не станет исключением.

21 апреля официальную программу «искусства в чистом виде» откроет вечер балетных мини-шедевров Back to Bach в исполнении знаменитой голландской труппы Dutch National Ballet. Пять зарисовок, созданных очень разными современными хореографами – ван Маненом, Уилдоном, Пастором… – это размышление о возвращении к истокам. О том, как в драматических ситуациях высокое искусство помогает найти общий знаменатель человечности и доброты.

24 и 25 апреля в Александринском театре будет представлена самая громкая из недавних премьер Большого театра – «Укрощение строптивой». Жан-Кристоф Майо сам «соткал» партитуру из лоскутков музыки Шостаковича и создал шедевр, которому зрители внимают «на одном дыхании». DANCE OPEN первым вывозит этот спектакль с родной сцены.

Буквально открытием для петербургского зрителя станет Венский государственный балет: Манюэль Легри, приняв руководство этой труппой, превратил ее из поборника классического академизма в законодателя хореографической моды. 25 апреля на Основной сцене БДТ имени Г.А. Товстоногова пройдут первые в истории австрийского балета гастроли в России – программа «Обратный отсчет» составлена из трех работ актуальных молодых хореографов.

Состав Гала DANCE OPEN вновь изобилует новыми для Петербурга именами: обаятельная Сара Лэмб и виртуозный Вадим Мунтагиров, искрометная Изабелла Бойлстон и названный «кубинской сенсацией» Осиэль Гунео, изящная Жэм Кренделл и галантный Албан Лендорф из Датского королевского балета. Впервые на DANCE OPEN выступят солисты San Francisco Ballet, исторически первой балетной труппы США. Другие же – как обладатель Приза зрительских симпатий Йоэль Кареньо, виртуозный Даниил Симкин или элегантные Мелисса Хэмилтон и Эрик Андервуд – на DANCE OPEN уже приезжали и возвращаются вновь к «своему» зрителю.

Кульминационное событие Фестиваля Гала DANCE OPEN пройдет 27 апреля на сцене Александринского театра.

Проект состоится при поддержке Комитета по культуре Санкт-Петербурга и Министерства культуры Российской Федерации.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Мар 18, 2015 8:03 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015031803
Тема| Балет, Воронежский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Александр Литягин
Автор| Татьяна Щербакова
Заголовок| В оперном театре состоялась премьера модерн-балета
Семь историй из жизни

Где опубликовано| © газета "Московский Комсомолец" (Воронеж)
Дата публикации| 2015-03-18
Ссылка| http://vrn.mk.ru/articles/2015/03/18/v-opernom-teatre-sostoyalas-premera-modernbaleta.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Точнее двух одноактных балетов, объединенных общей идеей. «Семь историй из жизни», «Семь смертных грехов» поставил Александр Литягин, главный балетмейстер и премьер воронежского театра – автор либретто и хореографии.



Платоновский фестиваль уже приучил зрителя к тому, что искусство Терпсихоры – это не только пуанты и белоснежные пачки танцовщиц. Раду Поклитару, Начо Дуато, Владимир Васильев, Инбаль Пинто и Авшалом Поллак за годы существования фестиваля познакомили нас с современной хореографией. Что-то нравилось безоговорочно, что-то нет. И вот воронежские артисты представили на зрительский суд свое детище. На мой взгляд, Александру Литягину виртуозно удалось соблюсти баланс и не перейти грань, когда танец превращается в гимнастику, а актерская игра в попытку изобрести велосипед. Классическая школа органично соединилась с современной хореографией. Молодежь не скучала, люди старшего поколения не осуждали.

Конечно, недочеты можно найти везде, да и невозможно угодить каждому. Мы с коллегой в антракте даже поспорили о том, стоило ли выбирать для постановки столь теологически сложную тему. Он утверждал, что сейчас нужно говорить о чем-то более светлом. Мне же наоборот показалось, что игра на контрасте музыкальной легкости и глубины взятой темы как нельзя лучше воздействует на зрителя. Если хотите – воспитательный момент в самом лучшем проявлении.

Безусловно, модерн-балет рассчитан прежде всего на молодежную аудиторию, которая в основном и собралась в день премьеры в огромном зале. И пожалуй, артистам удалось донести до своих потенциальных зрителей все, что было задумано. Ведь говорить о том, чего делать нельзя, можно до хрипоты. Только услышат ли тебя? А вот рассказать о том же самом языком танца – задача не из легких. Молодым зрителям такой формат оказался ближе, и в долгу они не остались. По окончании танцовщиков не отпускали со сцены - зал аплодировал стоя.



Разговор на сцене шел о вечных истинах - о грехе, об искуплении, прощении и раскаянии. Смертный грех в христианстве влечет за собою потерю спасения души в случае отсутствия покаяния. С помощью языка тела, на кончиках пальцев, в полете рук и тел артисты балета рассказывали о том, чему не должно быть места в жизни.

Спектакль заявлен как два одноактных балета, но по субъективным впечатлениям, одна часть органично дополняет другую.

Семь фигур сидят полукругом – не то люди, не то темные ангелы. Каждый рассказывает свою историю. Гаснет свет. И вот перед нами горький пьяница. Снова семеро мечутся и чего-то ждут. Опять гаснет свет – на сцене уже любовный треугольник, зрители становятся свидетелями крушения чьей-то жизни. А вот картина насилия – чувственная и страшная одновременно. Или танец смерти – эвтаназия, - полный безысходной тоски.

Вторая часть – собственно явление греха. Весь мир – большой банкетный зал, где за столиками сидят живые воплощения человеческих пороков. Официант подобен Вергилию из поэмы Данте. Он наш проводник, и поводырь, и рассказчик, и судья. Гордыня, зависть, чревоугодие, блуд, гнев, алчность и уныние – смертные грехи в живом исполнении Андрея Литягина, Юлии Непомнящей, Ольги и Иван Негробовых, Яны Черкашиной, Николая Большунова, Павла Коренюгина. Всех артистов того вечера перечислять не буду. Великолепно танцевал каждый. Да простит меня читатель за не слишком литературные выражения, но на сцене танцоры испытывали кайф от происходящего. Одним словом, эмоции зашкаливали. Более демократичные гости верхних ярусов в конце даже пустили слезу.

Особо стоит отметь музыкальное оформление. Зрителя в нем, если вспомнить слова классика, ничто не мучит и не тревожит. Современные композиции, народные песни, бессмертная классика – прекрасно соединились и вплелись в танцевальную ткань. Финальная сцена – под бессмертную музыку Вивальди. Постановка, на мой взгляд, получилась изумительная. Хочется надеяться, что в театральной афише модерн-балет получит постоянную прописку.

Фотографии Данила Перелыгина
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Мар 18, 2015 9:37 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015031804
Тема| Балет, Балет Монте-Карло, Гастроли в Китае, Персоналии, Жан-Кристоф Майо
Автор| Ольга Гальперович
Заголовок| «Фауст» Балета Монте-Карло: Смерть, соблазняющая и дающая облегчение
Где опубликовано| © «Международное радио Китая»
Дата публикации| 2015-03-18
Ссылка| http://russian.cri.cn/941/2015/03/18/1s542625.htm
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

на сайте можно прослушать Аудиоверсию



Привествую вас, уважаемые слушатели. В студии Ольга Гальперович. Обилие гостей и возможностей что-то интересное увидеть в Пекине порой просто поражает. Не успеет закончится один фестиваль, начинается новый. Вот только недавно можно было увидеть балет «Лебединое озеро» в исполнении российских театров-гастролёров, а уже эту постановку представляет Национальный балет Кубы.



Теперь в Большом театре Пекина проходят гастроли «Балета Монте-Карло». Коллектив – довольно частый гость Китая, с 2003 года они приезжают с гастролями в столицу Поднебесной . На этот раз компания привезла постановку «Фауст» своего бессменного руководителя Жана-Кристофа Майо. Балет, поставленный маэстро в 2007 году является в какой-то мере танцевальной вариацией на тему великого произведения Гёте. В истории его создания сыграла свою роль и опера Гуно с одноименным названием, которую в том же 2007 году Жан-Кристоф Майо ставил в театре Висбадена. Как признаётся хореограф, его желание обратиться к такому богатому материалу было связано и с большим интересом к нему, и с параллелями, с его личными переживаниями. Балет получился удивительный, яркий и трагичный. Обо всём этом мы и говорим сегодня с моим гостем – художественным руководителем Балета Монте-Карло, знаменитым хореографом Жаном-Кристофом Майо.



-- Прежде всего, признаюсь, что Китай – страна, в которую мы приезжаем вот уже шестой раз, и делаем это регулярно каждые полтора-два года. С 2003 мы смогли заметить и эволюцию, которая здесь происходит. Прежде всего, возникновение большего количества театров, которые, к тому же, очень красивые. Потом, нельзя не отметить, что и публика изменилась, стала более восприимчивой. На мой взгляд, она обладает чуткостью к работе, сделанной нами, хотя в культурном отношении наша традиция далека от их. В такой восприимчивости публики я усматриваю также и силу красоты танца, хотя бы потому, что язык движений универсален.

Я лично считаю, что язык танца разнообразен, в нём существует множество эстетик, которые не обязательно совпадают с теми, к которым привыкли китайские зрители, их культурная память. Но мне очень нравятся эти регулярные визиты и обмены с публикой в Китае.



Мы выбрали на этот раз балет «Фауст», потому что я хотел, чтобы публика увидела и эту часть моего творчества. Важно, чтобы зрители видели палитру моей хореографии. Я не должен был начинать знакомство с этого спектакля, но поскольку мы показывали в Китае уже «Красавицу», «Золушку», «Ромео и Джульетту», я думаю, интересно увидеть, где мы находимся сейчас и какие спектакли ставим.

«Фауст» - это не настолько знакомая в Китае история, но для меня это – прекрасная тема, потому что она о страхе каждого человека перед лицом факта, что жизнь в один прекрасный день закончится. Мы пытаемся устоять перед старостью. Мы пробуем любыми способами оставаться молодыми, удержать это состояние настолько долго, насколько возможно. И мне кажется, это очень символичное поведение людей в наши дни — такой страх. Чем больше я погружаюсь в наблюдения, тем больше я замечаю, что люди боятся состариться. Мы отдаляем возраст, меняем тело, меняем наши лица, только бы сохранить эту постоянную связь с молодостью. И особенно в этом случае у танцовщиков интересно наблюдать такое явление, потому что они стареют быстрее, чем многие люди.



С другой стороны я почувствовал, по крайней мере, так было в Тяньцзине, где мы только что показывали наш спектакль, что в его эстетике присутствует немного азиатский дух – а именно есть что-то очень чистое, сценография и костюмы значительно радикальнее моей обычной манеры. Музыка Листа может говорить с каждым, потому что это очень красивое симфоническое произведение. Да, и в конце концов, это опять красивая история любви, история о том, как человек может понять самого себя и строить отношения с другими людьми. Я глубоко убеждён, что это не что-то специфически характерное только для Европы. Я думаю, что это история, в которой каждый сможет найти что-то для себя: это отношение к гуманизму, к страху исчезновения чего-то существенного из жизни. И это борьба человечества такое долгое время. Так что, я довольно уверен в восприятии китайской публикой этого балета.

На мой взгляд, с верой в себя и своих танцовщиков Жан-Кристоф Мойе не ошибся. Публика в зале сначала сидела в напряжённой тишине, сменившейся на сочувствующую и сопереживающую и, наконец, завершилась понимающими и восторженными аплодисментами. Было интересно наблюдать за этой трансформацией зрителей, идущих за хореографом и его артистами до глубин этой такой трагичной и загадочной истории. А маэстро продолжает.



- Первой причиной для постановки явилось для меня, конечно, именно то, что я уже поработал над оперой Шарля Гунно с тем же названием. Впервые в своей карьере в тот же год я приступил к созданию балета в одной тематике с материалом, с которым уже поработал. Но в оперном спектакле всё строго определено временем, действием, музыкой и текстом, не давая такого пространства для фантазии, для игры с собственным воображением по поводу литературного материала. Работая с балетом, я как бы противостоял, отвечал на ту строгость оперы, которая не даёт большой свободы в движении в другое пространство размышлений. Но также я взялся за балет ещё и потому, что все мои произведения тесно связаны с моей жизнью. И в 2007 году я лично переживал не самый простой период. Мне исполнилось 47, я пытался проанализировать, что со мной произошло за эти годы, как сложится моя жизнь позже. И таким образом, эта тема приобрела интерес.

К тому же, я серьёзно заболел в то время и впервые понял, что могу умереть. Я перестал быть бессмертным, потому что когда ты молод, ты не представляешь, что смерть по-настоящему что-то значит. Поэтому в балете у меня появился новый персонаж, очень важный для спетакля – Смерть. Я считаю, что нужно время для того, чтобы познать её. Именно её, потому что в балете это –женщина. Хотя бы потому, что мы гораздо охотнее умираем в объятиях женщины, чем мужчины. Кроме того, я считаю, что каждый должен быть подготовлен к тому, чтобы быть соблазнённым ею, а не испуганным. И понять, что смерть не обязательно означает конец, это может быть также утешением, облегчением. Можно себя подготовить к этому. Лично для меня это был именно тот момент, и те чувства, когда можно было думать об этом.

Вот причина, по которой я решился на постановку балета по Гёте, открывающему в своём произведении так много дверей. Существует разнообразие путей прочитать эту истории, но в то же время ничего не может быть лучше самой книги. Невозможно создать таких глубоких и прекрасных метафор, постоянно встречающихся у Гёте. Но нельзя забывать и о том, что балет – это прежде всего язык тела о человечестве, связанный с очень сильными эмоциями и спровоцированный музыкой, дающий публике возможность получить эти самые эмоции, благодаря телу, выражающему страх, любовь, борьбу, скрытность.

Я уже работаю хореографом больше 35 лет, и для меня танец – это нечто необыкновенное и особенное. Делая спектакли об отношениях между мужчиной и женщиной, между людьми, я пытаюсь рассказывать историю разными выразительными средствами, ища каждый раз другую дорогу. Например, в этом спектакле, «Фауст», второй акт у меня – любимый. Он очень минималистичный. Там есть любовная сцена между Маргаритой и Фаустом, экстремально поэтичная, в ней нет ничего такого, что ясно даёт понять путь, как они что-то делают. Это только в воображении, и это такой сильный контраст с третьим актом, в котором связь с телом, с кровью, с плотью значительно сильнее. Я немного внёс в него изменения, учитывая особенности китайской публики, для которой такая хореография может показаться чрезмерной. Я изменил не так много, потому что предпочитаю оставаться честным с самим собой. С другой стороны я принимаю эту идею, что для разных культур вещи, для нас вполне приемлимые, могут быть экстремально шокирующими. Я не предал своего произведения своими поправками, я по-прежнему чувствую, что сохраняя его дух, показываю людям, кто мы есть. И уважение к пути, который мы выбрали, в том, что мы играем на сцене честно, щедро отдаваясь произведению и не имея никакого желания шокировать кого бы то ни было, но говорить о том, что нас волнует.

Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Мар 18, 2015 10:54 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015031805
Тема| Балет, Чувашский театр оперы и балета, XIX Международный балетный фестиваль, Персоналии, Данил САЛИМБАЕВ
Автор| Рита Кириллова
Заголовок| Данил САЛИМБАЕВ: Главное – уверовать в собственные силы
КОГДА БАЛЕТНАЯ ТРУППА СТАНОВИТСЯ КОМАНДОЙ

Где опубликовано| © Советская Чувашия
Дата публикации| 2015-03-18
Ссылка| http://sovch.chuvashia.com/?p=132328
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ, ИНТЕРВЬЮ

В Чувашском театре оперы и балета составлена программа XIX Международного балетного фестиваля, который откроется 22 апреля, и к нему идет активная подготовка. Хотя готовятся к этому празднику танца здесь с начала сезона. А длительные зимние гастроли в Европе показали, что нынешний фестиваль нам представит коллектив, все заметнее приобретающий очертания настоящей команды профессионалов. Некоторые из секретов подобных метаморфоз и нюансы названной программы «СЧ» открыл художественный руководитель балетной труппы Данил Салимбаев.

– На гастроли в Европу балетная труппа ездит уже давно. Этот напряженный марафон постоянно длится полтора-два месяца, а по приезде солисты и кордебалет почти сразу начинают фестивальные репетиции. И все же гастроли этого года были названы рекордными. Почему?

– В этот раз мы обошлись только своими силами, чего еще не бывало. Раньше импресарио постоянно приглашали еще кого-то со стороны. И в кордебалет в том числе. Гастроли рекордные по количеству спектаклей, их было 57. Гастроли стали беспрецедентными и для наших ведущих молодых балерин Анастасии Абрамовой и Анны Серегиной, они танцевали главные партии. У Анны к тому же были премьеры «Жизели» и «Спящей красавицы» и очень хорошо прошли. Неслабое тоже такое испытание.

– То есть вы поняли вдали от родины, что балетная труппа практически полностью укомплектована?

– Да. Что мы самостоятельны. Мы работали командой, а когда работает команда, тогда и рутины меньше. Все понимают свои задачи, быстро возводятся декорации. То есть перед спектаклем достаточно сказать два-три слова, и все в порядке, и можно быть спокойным за качество. Это отметили и наши импресарио, и импресарио других коллективов.

– И вы для себя уяснили, что вышли на какой-то другой профессиональный уровень.

– Да. И надо его удержать. Я здесь уже несколько лет. И, знаете, нечасто удается увидеть, как что-то сдвинулось в лучшую сторону. Потому что такие перемены обычно происходят медленно. И я понял это не сразу, а ближе к концу гастролей: что мы работаем командой, что у меня стало меньше претензий к солистам и кордебалету, и это хорошо.

– Это потому, что вы так сплотились в этой поездке, или дала о себе знать работа последних лет?

– Конечно, последнее. Большая часть людей поняли, что это все-таки их профессия, а не случайный клуб, в который они периодически ходят потанцевать. Просто, наконец, появилось профессиональное отношение к своей работе. И это сознательный выбор. Если в мой первый год пребывания в театре при просмотре спектакля я видел профессионалов только точечно, то сейчас, наоборот, точечно вижу тех, кто еще не готов.

– Люди выросли или их «вырастили»?

– Это совместная работа. Не бывает такого, что один человек что-то сделал. Что-то они для себя, видимо, поняли. Конечно, не без моих усилий. И не без изменений в составе труппы. Потому что коллектив периодически пополняется. И новые танцовщики приходят из очень хороших школ. И когда они все встречаются в зале, то предыдущие понимают, что надо выглядеть так же.

– Хотя, например, воспитанники хореографических училищ прежних лет видели причину в том, что сейчас не учат так ответственно относиться к профессии.

– Дело и в этом тоже. Но я уверен, что в труппе достаточно двух-трех человек, которые правильно относятся к делу, работают серьезно и профессионально, не пропуская ни одной репетиции, чтобы все остальные подтянулись. Например, очень многое изменило в нашей труппе появление Дмитрия Полякова. Это сразу подняло на другой уровень технику мужского танца. Мы приняли на работу китайского танцовщика Гао Цзичжун, учившегося в Улан-Удэ. Повлияло даже не владение какими-то элементами, а потрясающая работоспособность, ответственность, умение самостоятельно изучить материал, когда говоришь: тебе надо выйти завтра в этой партии, и он приходит на следующий день и танцует. Другие же равняются – почему он это делает, а я нет? То же самое произошло и с женским кордебалетом.

– Планочка поднялась.

– Хотя главное не в поднятии планки, а чтобы немножко уверовать в собственные силы. И это случилось. То же и с результатом гастролей. Они приучают к определенной дисциплине, учат коллектив быть коллективом, всегда быть в форме. Вот и импресарио остались очень довольны. Они приедут на фестиваль заключать с нами контракт на следующий год. Из тех трех трупп, что были там на гастролях, мы оказались для них самой продуктивной.

– Про балетный фестиваль вы уже там начали думать?

– Про него мы начали думать еще в начале сезона. Когда были на фестивале в Йошкар-Оле, уже и там разговаривали на эту тему. Так что балетная труппа Марийского театра оперы и балета привезет нам свой спектакль «Лебединое озеро». А откроемся «Баядеркой», восстанавливаем сейчас этот балет. Затем Марийский театр, затем наш «Дон Кихот». И перед гала-концертом премьерная постановка Нижегородского академического театра оперы и балета «Бахчисарайского фонтана».

– Получается такой восточный уклон.

– Все эти спектакли, кроме «Лебединого озера», входят в один контекст, да. Такая экзотическая нескучная классика, названия, любимые публикой.

– А в чем будет заключаться восстановление «Баядерки»?

– Возобновить этот спектакль – давняя мечта нашего худрука Ольги Нестеровой. Дело в том, что в премьере 1998 года и в проведении каждого последующего спектакля участвовали существовавшая на тот момент балетная школа и хореографическое училище, почти три десятка студентов. Это очень много. «Баядерка» – весьма затратный по количеству занятых в спектакле людей. В хорошем варианте – около 80 на сцене одномоментно. Сейчас у нас нет студентов. Но будем стараться, чтобы это выглядело достойно.

– Выходит, на фестивале не будет ставшей уже привычной премьеры.

– У нас несколько фестивалей прошли с премьерными спектаклями. И с пробами в разных жанрах. И мы решили возвратиться в классику. Для труппы это очень полезно. Именно классический репертуар держит балетную труппу.

– А кого будете приглашать?

– Состав приглашенных практически определен. На «Баядерку» приедут солисты Большого театра Анна Никулина и Михаил Лобухин. В партии Божка скорее всего выступит Григорий Попов. Вечер с «Дон Кихотом» тоже украсят гости. В первую очередь солист Мариинского театра Антон Корсаков. Приглашены и солисты Музыкального театра имени К.С. Станиславского и В.И. Немировича-Данченко. На гала-концерт дал согласие приехать еще один танцор Мариинки – Владислав Шумаков. С партнершей из Большого Марией Мишиной. Из Франции ждем премьера Национальной оперы Бордо Романа Михалева, а вместе с ним итальянку Сару Ренда и англичанина Остина Байрона. С Михалевым мы знакомы давно, он у нас был на одном из фестивалей, а Саре и Остину я готовил номер на один из конкурсов, вот и появилась идея пригласить их сюда. Обязательно приедет Сергей Мершин, приглашенный артист нашего театра. И, конечно, выступят все наши солисты, и все упомянутые, а также Татьяна Альпидовская и Айдар Хисамутдинов. Гала должен получиться интересным.

– Если на фестивале премьеры не будет, то когда-то она все же ожидается?

– Открою еще один секрет. Следующей нашей работой должен стать перевыпуск «Спящей красавицы». Она у нас и шла, и идет, но, к сожалению, декорации и костюмы уже в страшном состоянии. Редакция сильно не поменяется, полностью поменяются декорации и костюмы. Эскизы и макет, над которыми работал Валентин Федоров, уже готовы. И это очень серьезная работа. Ведь «Спящая» – в первую очередь внешний вид, а потом уже отточенный классический танец. Костюмы рискнули предложить молодому художнику Нине Федоровой. Это первый ее балетный спектакль, и она сразу попала на грандиозную классическую постановку. Эскизы очень обнадеживают. Возможно, что неопытность в балете сыграла в плюс: пачки пачками, но выглядят они так свежо и необычно и в то же время академично, что загляденье. Объем работы колоссальный. Поэтому мы решили сделать это в следующем сезоне. И тогда даже по внешнему оформлению этот спектакль можно будет показывать хоть в Мариинском театре.

– Ну что ж, с нетерпением ждем фестиваля!
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Мар 19, 2015 8:48 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015031901
Тема| Балет, XV международный фестиваль балета «Мариинский», МТ
Автор| Дубшан Федор
Заголовок| Французский и русский дух
В XV международном фестивале балета «Мариинский» участвуют звезды Парижской оперы

Где опубликовано| © газета «Вечерний Петербург» 45(25314)
Дата публикации| 2015-03-17
Ссылка| http://www.vppress.ru/stories/Frantcuzskii-i-russkii-dukh-29031
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

— В этом году нам очень хотелось сделать фестиваль, который показал бы сотрудничество между французской и русской школами, — рассказал руководитель балетной труппы Мариинского театра Юрий Фатеев. — Идея была, чтобы звезды балетной труппы Парижской национальной оперы приняли участие почти в каждом нашем спектакле. К сожалению, не все смогли приехать, кто-то заболел. Но в основном все получилось: прибыли и опытные звезды, и молодые яркие танцовщики.

Французским духом пропитаны почти все спектакли фестиваля: шедевры классического русского репертуара созданы великим Мариусом Петипа, французом, работавшим на сцене Мариинки почти 60 лет.

Рядом с классикой соседствуют новинки. Главной, пожалуй, стала премьера двух одноактных балетов для детей по произведениям Феликса Зальтена — «Бемби» и «Дети в джунглях» на музыку Андрея Головина и Александра Локшина. Хореограф — Антон Пимонов, молодой танцовщик Мариинского театра, заявивший о себе как о постановщике на «Творческой мастерской молодых хореографов» при фестивале в 2013 году.

Второе из крупных событий фестиваля — творческий вечер примы-балерины Мариинского Виктории Терёшкиной, который состоится 19 марта. Для программы она выбрала свои любимые спектакли: «Легенда о любви» в постановке Юрия Григоровича, «Шехеразады» Римского-Корсакова в хореографии Михаила Фокина и Гран па из балета «Пахита» Минкуса, хореография Мариуса Петипа.

— Когда нужно было выбрать репертуар для вечера, меня спрашивали, будет ли «Лебединое озеро», — рассказала балерина. — Но я все-таки выбрала то, что идет реже. В «Легенде о любви» зрители видели меня чаще всего. А вот в «Шехеразаде» и «Пахите» — только по одному разу. Я по этим балетам всегда скучаю.

В финальной сцене вечера балерине будет преподнесен «номер-комплимент» от всех мужских солистов театра.

21 марта откроется очередная, третья уже «Творческая мастерская молодых хореографов». Особо отмечают постановку Юрия Смекалова: он создал работу «Who is my shadow?» («Кто моя тень?») с двумя совсем юными артистами из Нью-Йорка.

— Это потрясающие дети, вундеркинды, — говорит сам хореограф. — Им по 14 —15 лет. Они талантливейшие и безумно работоспособные. Только вчера приступили к работе — приехали из Штатов. И за час выучили уже две минуты номера. Танцуют с невероятной физической подготовкой и эмоциональным посылом. Причем девочка не профессиональная балерина — она только второй год в балете.

Завершится фестиваль 22 марта гала-концертом при участии Ульяны Лопаткиной, Екатерины Кондауровой, Владимира Шклярова, Людмилы Пальеро, Жозуа Оффальта и других звезд Мариинского и Парижской оперы.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Мар 19, 2015 9:43 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015031902
Тема| Балет, Башкирский государственный театр оперы и балета, Премьера, "Анюта", Персоналии, Владимир Васильев
Автор| Нина ЖИЛЕНКО
Заголовок| Уфимская "Анюта" готовится к дебюту
Где опубликовано| © газета «Вечерняя Уфа»
Дата публикации| 2015-03-17
Ссылка| http://vechufa.ru/culture/5339-ufimskaya-anyuta-gotovitsya-k-debyutu.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Владимир Васильев в процессе общения с журналистами.
Фото Лилии ЗАГИРОВОЙ


В Башкирский государственный театр оперы и балета приехали постановщики балета "Анюта" - хореограф Владимир Васильев, художник Виктор Вольский, помощник хореографа Марина Панфилович. Итак, 22 и 23 марта премьера этого спектакля откроет XX Международный фестиваль балетного искусства имени Рудольфа Нуреева.

У газеты "Вечерняя Уфа" есть повод для гордости, ведь она тоже сыграла свою роль в том, что легендарный танцовщик и хореограф приехал в наш город. А точкой отсчета стала ее работа над проектом "Детский альбом" Благотворительного образовательного фонда "Мархамат", где "Вечерка" выступает и как один из организаторов, и как информатор-просветитель, и как генератор идей. В марте прошлого года в рамках второй главы "Детского альбома" Владимир Викторович мастерски читал сказки Александра Сергеевича Пушкина на подмостках Государственного академического русского драматического театра Республики Башкортостан. Народный артист Советского Союза и России вышел на сцену ГАРДТ с оркестром, исполнявшим музыку Николая Римского-Корсакова и Дмитрия Шостаковича. Именно тогда произошло первое соприкосновение Васильева с БГТОиБ, поскольку работал с ним симфонический оркестр нашего театра под управлением маэстро Раушана Якупова, художественного руководителя "Детского альбома", коему и принадлежала идея сделать главу с Владимиром Васильевым. И теперь именно Раушан Ахметович - дирижёр-постановщик нового спектакля.

Вот так всё в жизни и складывается - по цепочке событий. Находясь в Уфе, Васильев не мог не побывать в Башкирском хореографическом колледже имени Рудольфа Нуреева. А художественный руководитель там, как и в балетной труппе театра, Леонора Сафыевна Куватова. Еще танцовщицей она не просто встречалась, а дружила с Екатериной Максимовой и Владимиром Васильевым, восхищалась их мастерством и... Ох, как же ей хотелось самой станцевать Анюту! А потом она мечтала о том, чтобы этот спектакль появился в репертуаре труппы нового поколения. Леонора Куватова убеждена: театр должен преподносить зрителям всё лучшее, что есть в хореографическом искусстве. Это и классика, и "Спартак"... Конечно, при встрече с Владимиром Васильевым не мог не родиться разговор о постановке "Анюты" на сцене БГТОиБ.
Одним словом, мечты сбываются. В январе-феврале труппа разучивала балет с ассистентом хореографа Андреем Меланьиным. Он знаком уфимцам с 1993 года, когда помогал Юрию Николаевичу Григоровичу перенести на нашу сцену "Тщетную предосторожность", а в 1998 году поставил свой балет "Ходжа Насреддин" на музыку Лейлы Исмагиловой.

...Владимир Викторович прилетел в Уфу вечером 12 марта и уже на следующий день приступил к репетициям, дал пресс-конференцию для представителей столичных СМИ. Мэтр подробно, интересно, эмоционально ответил на все заданные ему вопросы. Журналисты узнали удивительную историю создания балета. Она уникальна, потому что впервые хореографическое произведение перенесено с экрана на сцену, а не наоборот, как это бывало раньше. Телевизионный фильм-балет "Анюта" на сюжет замечательного произведения Антона Павловича Чехова "Анна на шее" с гениальной музыкой ленинградского композитора Валерия Гаврилина и гениальными исполнителями Екатериной Максимовой и Владимиром Васильевым, придуманный режиссёром (он же - автор сценария) Александром Белинским в 1982-м, триумфально прошёл по экранам кинотеатров не только СССР, но и Европы. Этот успех вдохновил Владимира Викторовича на создание сценической версии. Так родился новый балет. Премьера состоялась в неапольском театре "Сан-Карло" в 1986 году, а вскоре - на сцене Большого театра. С тех пор он поставлен во многих театрах страны и неизменно с восторгом встречается зрителями. А уфимская "Анюта" - будет ли она особенной?

- Каждая постановка отличается одна от другой, - уверяет хореограф. - Спектакль не может повторяться, поскольку мы имеем дело с одушевленным материалом, а он меняется. Каждый актер своей индивидуальностью привносит что-то новое. Я никогда не убавляю красок. Наоборот, только дополняю. Как донести до души зрителя чеховскую интонацию, этот смех сквозь слезы, эту полуулыбку, а не страсти-мордасти... Я всегда думаю: в чем загадка данного спектакля - почему он так долго держится в репертуарах всех театров? Наверное, в том, что есть ясность сюжета и простота. Валерий Александрович Гаврилин - композитор поразительный по эмоциональности и чувствам. Простые мелодии, казалось бы, но палитра богатейшая! Люди устают от непонимания, ребусов, хотят красоты, эмоциональности...

Не скрывает чувства радости Леонора Куватова:
- Трудно переоценить факт, когда такой величины мастер работает с труппой. Я под огромным впечатлением от репетиции в балетном зале! Удовольствие от показа и рассказа, объяснений получила такое же, как в свое время получала, видя Владимира Викторовича в его спектаклях. Многие актеры и педагоги выходили из зала со слезами на глазах... Рада за наших зрителей - им предстоит всё это пережить!

...Воспользовавшись любезным разрешением и Владимира Викторовича, и художественного руководителя балета, на следующий день я побывала на так называемой рояльной репетиции, которая проходила на сцене.
Ещё во время пресс-конференции Владимир Васильев хорошо отозвался о балетной труппе БГТОиБ. Для премьерных показов готовятся три исполнительских состава. Например, в заглавной партии выступят Гузель Сулейманова, Гульсина Мавлюкасова и Валерия Исаева. Сложную, гротесковую роль Модеста Алексеевича репетируют Андрей Брынцев, Руслан Абулханов, Динар Шакиров. Артыновых тоже трое - Рустам Исхаков, Сергей Бикбулатов, Ильдар Маняпов...

Надо сказать, что репетиция - это отдельный спектакль особого, неповторимого жанра. Владимир Викторович давал советы и указания артистам в микрофон, но видно было, как моментами он готов перепрыгнуть оркестровую яму, дабы оказаться рядом с исполнителем и самому показать то или иное движение, жест, ещё раз напомнить, что танцевать надо "с текстом в голове" - тогда будет выразительно. Чувствуется, как артисты - и солисты, и кордебалет - заражены увлечённостью мастера, его хореографией с необычной лексикой, требующей остроты акцентов, гротеска, экспрессии. Во время перерыва ему всё-таки сделали ступеньки к сцене, и он в полной мере воспользовался свободой доступа к исполнителям. Анютой на сцене в этот момент была Гульсина Мавлюкасова, своей танцевальной манерой так напоминающая мне Екатерину Максимову. А в зале за коллегой наблюдала Гузель Сулейманова. Как она сопереживала героине! Выражение глаз, повороты головы, движения рук, стоп... Можно сказать, танцевала, сидя в кресле...

На возвышении в центре оркестровой ямы артистам аккомпанировала концертмейстер Лиана Кашапова. Рядом с ней - Раушан Якупов. Он дирижировал, иногда прищелкивая пальцами - маэстро имитировал звук кастаньет, стремясь тем самым подчеркнуть остроту музыкальных нюансов. После репетиции Раушан Ахметович поделился тем, насколько восхищен творчеством композитора Валерия Гаврилина, сожалеет, что тот не так широко известен, в основном - по блистательным сочинениям к кинофильмам.

Помощница Владимира Викторовича Марина Панфилович напомнила: в апреле у Васильева 75-летний юбилей. До этого он успеет осуществить масштабный проект в Татарском государственном театре оперы и балета - силами хора, симфонического оркестра, оперных и балетных солистов воплотит на сцене знаменитую Мессу Си-минор Иоганна Себастьяна Баха.
- Она меня преследует много десятков лет, - подчеркнул Владимир Викторович на пресс-конференции. - Это произведение о любом из нас и о божественном назначении каждого. Мы все - единое целое. Последняя часть Мессы называется "Даруй нам мир" - в этом заключен весь смысл произведения.

Премьера Мессы будет представлена и в Большом театре во время юбилейных торжеств. Телеканал "Культура" готовит новую серию из цикла "Монолог" с участием Владимира Васильева. Бахрушинский музей откроет выставку его живописных произведений.
А пока работа над "Анютой" в Башкирском государственном театре оперы и балета идет полным ходом. Встреча с уфимской публикой состоится совсем скоро.


..................

НА СНИМКАХ: фрагменты репетиции в балетном зале БГТОиБ - Владимир Васильев; Гульсина Мавлюкасова (Анюта) и Ильдар Маняпов (Студент).
Фото Олега МЕНЬКОВА
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Мар 19, 2015 10:10 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015031903
Тема| Балет, Башкирский государственный театр оперы и балета, Премьера, "Анюта", Персоналии, Владимир Васильев
Автор| Вероника ПОЛЯНСКАЯ.
Заголовок| Владимир Васильев: «Балет нужно воспринимать не головой, а сердцем»
Где опубликовано| © "МедиаКорСеть"
Дата публикации| 2015-03-17
Ссылка| http://www.mkset.ru/news/music/23742/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

В Башкирской опере — премьера. В рамках XХ международного Нуреевского фестиваля уфимцам представят балет «Анюта» на музыку Валерия Гаврилина. В основе сюжета — рассказ Чехова «Анна на шее». Приглашенным хореографом выступил Владимир Васильев, стоявший у истоков создания этого спектакля. В преддверии уфимской премьеры прославленный постановщик рассказал о том, как возникла идея создания «Анюты».

Диалог классиков

Любителям балета постановка знакома по одноименному телефильму, главную партию в котором станцевала выдающаяся балерина Екатерина Васильева. И даже те, кто далек от любви к классическому искусству, наверняка узнают с первых тактов знаменитую тарантеллу из этого балета.

Художественный руководитель башкирского фестиваля Леонора Куватова призналась, что три десятилетия назад мечтала танцевать заглавную партию в балете. И вот теперь спектакль будет воплощен на уфимской сцене, правда, спустя тридцать лет в постановке примут участие ученики Леоноры Сафыевны.
— На сцене нашего театра должно идти все самое лучшее, что есть в мировой хореографии, и прикладываю к этому все силы, — говорит худрук балетной труппы. — Спектакль «Анюта» — лучший среди лучших, это вектор воспитания молодого поколения.

У «Анюты» — удивительная судьба, когда-то она стала первой ласточкой переложения произведений Антона Чехова на язык хореографии. К тому же это единственный в мире балет, который родился на основе телевизионной постановки.

Театральная премьера состоялась в Неаполе, а чуть позже Владимиру Васильеву удалось всего за месяц осуществить постановку на сцене Большого театра в Москве. Спектакль прошел проверку временем и спустя тридцать лет после рождения с успехом идет во многих театрах России и мира. Примечательно, что ни одного номера специально для балета «Анюта» Валерием Гаврилиным написано не было, этот балет — сплав из разных музыкальных произведений композитора.

По словам хореографа, сегодня он наконец-то близок в разгадке секрета неизменной любви зрителя к балету, — все дело в простоте, эмоциональности и искренности спектакля.
— Каждый из рассказов Чехова — это законченное произведение, которое может быть воспроизведено на балетной сцене, — пояснил Владимир Васильев. — Была только одна сложность: для Чехова, его интонации нужно было найти музыку. Поэтому когда появился Гаврилин, для меня это стало подарком судьбы. Он на своем языке говорит теми же самыми интонациями, что и Чехов, они сливаются вместе. А я ему старался не мешать.

По словам Владимира Васильева, как только в 1982 году он услышал вальс Гаврилина, пришло осознание того, какой должна быть постановка.
— Тоска провинциального городка, где ничего не меняется, — мне вдруг стало ясно, как это развивать, — рассказал он. — Валерий Гаврилин — композитор поразительный по эмоциональности, по чувствам. Вроде бы идет одна тема, простая, казалось бы, мелодия, но палитра богатейшая. При этом сам Валерий Александрович, когда мы начали работать, не хотел приходить на репетиции, поскольку не любил балет. Я его понимаю: сам не люблю, когда он только упражнение, и чем больше наворочено, тем лучше. Для меня это ничего не значит. Может быть, как профессионалу, мне и интересны какие-то выкрутасы, но куда важнее создать условия для сердца, когда ты переживаешь и чувствуешь. Очень часто мы воспринимаем спектакль разумом, а потом начинаем рассуждать, что это такое нам показали. Это такая радость для театра, сцены и для зрителей, когда не надо ломать голову и мучиться, что автор хотел сказать. И для артистов это тоже счастье.

На сцене все актеры первые

К премьере театр готовит три состава солистов. В партии Анюты выступят Гузель Сулейманова, Гульсина Мавлюкасова и Валерия Исаева, в роли студента — Сергей Бикбулатов, Ильдар Маняпов и Руслан Абулханов. Как отметил Владимир Васильев, он принципиально не сравнивает солистов, каждый актер для него интересен по-своему, а оценка — дело критиков.
— У меня уже выношено с годами, и мои учителя так говорили: не столь важно, кто из них первый, — поясняет он. — Важно, зачем, почему и как ты будешь делать ту или иную фразу. Именно фразу, а не набор слов, что мы с вами часто видим в балете. Почему он нам и не очень нравится. Слово само по себе ничего не означает, а связь слов в единое целое, разнообразие построения их в фразу — это действительно ценно. А что для этого надо? Когда в спектакле есть сюжет, и ты поймешь, почему здесь возможно только это движение, и другого не может быть. Но за этим должен стоять обязательно словесный текст, я в работе часто придумываю его. Не чеховский, а то, что выражает то или иное соприкосновение людей. Я сравниваю и понимаю, как сразу актер меняется, как у него все сливается с музыкой.

Мэтр рассказал, как работает с совсем юными уфимскими танцорами.
— Я их прошу забыть, что такое классический балет: «Вы же еще маленькие совсем. Я вам не буду верить, если вы будете ходить по первой позиции, если вы будете делать все по-балетному». Здесь все другое: Чехов совершенно иной. Это простота, это органика. Самое интересное, что в «Анюте» танцуют внуки тех ребятишек, которые у меня были в балете. Они всегда с восторгом вспоминают, как им было интересно.

Хореограф вспомнил, что во времена учебы в хореографическом училище он с другими учениками был занят почти во всех операх и балетах.
— Именно благодаря этому создавалась артистическая связь между поколениями, мы воспринимали лучшие образцы искусства оперы и балета. Они перед нашими глазами с детских лет проходили, и мы сами в них участвовали. Более того, звезды видели нас, а мы их. Мы продолжали их дело. Поэтому сейчас, когда я ставлю спектакли, я обязательно туда ввожу детей. В школе Большого театра в Бразилии я поставил полноценный спектакль «Жизель». В нем заняты все с первого до последнего класса. «Дон Кихот», «Щелкунчик» — в нем у меня заняты отделение современного танца и классического. На этом спектакле у меня вся школа подрастает. Я горд тем, что я один из основателей школы. В этом году ей будет уже 15 лет.

Новые краски для танца цыганок

Первая встреча режиссера и уфимской труппы на обновленной сцене театра состоялась 13 марта. До этого уфимские артисты репетировали под руководством друга и соратника Владимира Васильева — московского балетмейстера Андрея Меланьина, который ранее не раз принимал участие в постановках «Анюты» в театрах России. По словам Владимира Васильева, число «13» всегда было для него счастливым.
— Я вытащил свой жребий на первом в мире международном конкурсе балета в 1964 году в Болгарии, — вспоминает он. — По столу были разбросаны билеты, и все боялись подходить. Я вышел первым, совершенно нахально взял билет и сказал: «Номер тринадцать». И все выдохнули: «Слава богу, не мы». А потом я получил там гран-при.

Как уверил Владимир Васильев, уфимская премьера «Анюты» — не бездумный перенос на новую сцену проверенного материала. Каждый раз он привносит в палитру своего детища новые краски и радуется находкам.
— Каждый спектакль отличается, потому что мы имеем дело с одушевленным материалом, а он меняется, — считает мэтр. — Я приведу пример. Прошло почти тридцать лет, постановок было очень много. Но одно местечко, там, где цыганки, меня раздражало каждый раз. Пустота, ничего не мог сделать. Какая-то банальщина все время прет. Бац, сегодня все встало на место. Господи, не хватало одного элемента, одной маленькой части спектакля! И каждый раз мою хореографию дополняют. Я всегда говорю своим ученикам, и не только им: вы можете меня изменить, но никогда не убавляйте краски, добавляйте их. А Антон Павлович Чехов... Как донести эту интонацию, этот смех сквозь слезы? У него всегда полуулыбка, нет каких-то страстей.

Хореограф признался, что не раз пытался раскрыть секрет долголетия постановки.

— В этом спектакле есть какая-то загадка, даже для меня, — рассказал он. — В последнее время во всех видах искусства мы все меняем, мучаем в погоне за утверждением собственного «я». Как правило, это касается молодых режиссеров, композиторов, которые приходят и с наглостью редкостной утверждают: «Все, что было, чепуха, и теперь с нас начинается новая эра. Ну и что, что написано в либретто, что икс приходит к игреку. У меня не будет ни икса, ни игрека, у меня будет зет». Простите! Но ведь есть же произведение, классика, в либретто и в музыке уже все прописано. Начинается бессмыслица. И когда я ее вижу, меня это начинает раздражать, и я отключаю голову. Никаких эмоций. Ну, а в конце, даже если люди спят во время спектакля, они просыпаются и присоединяются к общему хору хлопков. А в «Анюте» я каждый раз вижу, что у кого-то из зрителей увлажненные глаза. Есть радость, теплота и абсолютное понимание того, что происходит. Люди устают от непонимания, от вечных ребусов и загадок. Им хочется красоты, простоты, ясности, чувства. Все это в «Анюте» есть. Поэтому спектакль так долго живет.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Мар 19, 2015 10:26 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015031904
Тема| Балет, Книги, Труппа Бориса Эйфмана, Персоналии, Борис Эйфман
Автор| Юлия Папенина
Заголовок| Балет в поисках нового смысла
Где опубликовано| © «Эксперт Северо-Запад» №12 (699)
Дата публикации| 2015-03-16
Ссылка| http://expert.ru/northwest/2015/12/balet-v-poiskah-novogo-smyisla/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


ФОТО: peoples.ru

Борис Эйфман: «У меня в жизни так складывается, что все мои балеты я создавал в страданиях»

«Театр Эйфмана. Иное пространство слова» – так названа недавно вышедшая книга, рассказывающая о «жизни» балетов художественного руководителя Санкт-Петербургского государственного академического театра Бориса Эйфмана, поставленных по литературным произведениям. В издании подробно рассказывается о таких блестящих хореографических интерпретациях, как «Анна Каренина» по роману Л.Н. Толстого, «Чайка» по пьесе А.П. Чехова, «Онегин» по роману в стихах А.С. Пушкина «Евгений Онегин» и «По ту сторону греха» по роману Ф.М. Достоевского «Братья Карамазовы». Автором текстов книги, филологом и искусствоведом Татьяной Боборыкиной формулируется мысль о том, что в программных романах и пьесах, в знакомых строках поэм Эйфман видит новые детали, находит то, что способно удивить. Он улавливает непонятые прежде смыслы. Открытия, которые мастер совершает в области литературы, по своей значимости достойны серьезных научных исследований, но, выраженные танцем, они становятся открытиями в области балета. Корреспондент журнала «Эксперт С-З» узнала, как создавалась книга.

Слово и тело

– Борис Яковлевич, почему вы так часто подчеркиваете связь хореографии и литературы?


Слово и тело – это сочетание каких-то взаимоисключающих элементов, но все-таки очень близких. Балет обратился к литературе более 300 лет назад. Дело в том, что театр держится на драматургии – характерах, эмоциях, и это все мы черпаем из литературы, из слова. И вот соединение литературы и балетного театра имеет большую и долгую историю. Каждый этап, каждое столетие как-то по-своему открывало эти взаимоотношения. Скажем, во времена Новерра (французский балетный танцор, хореограф и теоретик балета, создатель балетных реформ, считается основоположником современного балета. – «Эксперт С-З») уже ставили балеты по произведениям Шекспира, Гете. Правда, возможности балетного искусства тогда были очень ограничены, и это в основном сводилось к иллюстрации каких-то литературных сюжетов. В большинстве своем это были танцы и пантомимы. А балетные актеры пытались выразить лишь сюжетные ходы пьесы или какого-то романа. Но каждый новый век развивал возможности чувствовать все более хореографически и возможности балетного театра, проникать в глубь не только слова, но и мысли. И вот сейчас тот момент, когда мы начинаем не только рассказывать языком тела сюжет, но и мыслить хореографически на тему каких-то очень известных сюжетов. Открывать в них не только известные характеры, но и новые неизвестные смыслы! Это очень важный момент. И я думаю, что главное достоинство нашего театра, которому скоро уже будет 40 лет, – это то, что мы не изменяли самим себе на протяжении всего этого периода, что мы упорно искали возможность открыть именно уникальное пространство слова, и открыть его через движение. Проникнуть в суть вещей и явлений.

Балет – особая терапия


Фото: tribuna.ru

Вы показали в первой части книги фотографии, где ваши актеры предстают со вздутыми венами, женщины с такими мышечными аппаратами, словно они культуристки, – это вы намеренно выбрали такие кадры? Не пугает ли это читателя? Или, наоборот, приоткрывает завесу тяжелой балетной жизни? Ведь как-то в интервью вы сказали: «У меня тоже все болит. Иногда даже с трудом передвигаюсь, но, когда захожу в зал, все забываю, показываю движения, прыгаю с молодыми, эмоционально их заряжаю. Балет – особая терапия, в танце забываешь о недугах, обретаешь новый энергетический заряд. Неслучайно балетные живут долго…»

- Конечно, это адский труд. Создание балетного спектакля – это настоящие муки. Поверьте. Это физические муки. Это эмоциональные муки. Но в конечном итоге мы предлагаем зрителю спектакль, что очень ценно для нас. Потому что те испытания, которые мы переживаем во время репетиций, – это наш путь к зрителю. Когда мы выходим на поклоны – мы чувствуем сатисфакцию. Но, к сожалению, критики очень по-разному, часто предвзято и субъективно нас оценивают. Поэтому мне кажется, что книга, написанная Татьяной Боборыкиной, очень важна. Она написана не балетоведом и не журналистом. Она написана человеком, который знает, что такое слово и настоящая литература. Книга открывает иное пространство слова, которое мы выражаем через тело и иное пространство познания нашего искусства. И для меня это самое дорогое.

– Книга создавалась не одним человеком, она создавалась «в дуэте». Красивый слог, очень впечатляющие снимки. Как долго она находилась в процессе подготовки? С какими чувствами вы ее делали?

Татьяна Боборыкина, как мне кажется, стремится разгадать «тайну нашего ремесла» и на примерах постановок показать, что мои обращения к художественным текстам, перевод их на язык балета – не чтение с листа, а пластическое погружение в таинство мысли, в ее космическую бесконечность. Книга создавалась непросто. Но процесс был замечательный. Он был растянут на годы. Там речь идет о балетах, которые появлялись не за последнее время, а в течение нескольких лет. И, собственно говоря, те главы, которые посвящены тому или иному балету, – они и писались недалеко во временном промежутке от самих премьер. «Анна Каренина» – это самый ранний спектакль. Самый поздний – по Достоевскому, «По ту сторону греха». Последняя глава писалась довольно быстро, и на нее, может быть, ушло меньше всего времени. Но в целом процесс был довольно длительный. Понимаете, в моей жизни все происходило как-то долго и мучительно. Все, что я делаю, созревает неспешно. Вот такой я человек. Такой у меня склад воображения. Да, вы знаете, действительно, есть разные художники – есть творцы моцартовского типа (Моцарт на своей жилетке и на рукавах записывал музыку, которую постоянно слышал) и бетховенского типа (Бетховен бедный сидел, корпел над каждой нотой и переписывал сто раз). Но сейчас уже трудно определить, кто из них гениальнее. «Кто главный?» – как часто любят спрашивать дети. Оба хороши. А сама их творческая кухня, думаю, сегодня интересует только музыковедов и историков. У меня по жизни так складывается, что все мои балеты я создавал в страданиях. Я, получается, – человек бетховенского типа. И упомянутая книга, как ни странно это звучит, не могла, наверное, появиться малой кровью, потому что это был для меня важный и близкий продукт. Не потому, что я хотел растянуть удовольствие, – удовольствия там было мало. Просто было очень трудное приближение к идеологии типографии. Мне нужно было дать дизайнеру понимание и приблизить его к эстетике нашего театра.

- Да, с дизайнерами было что обсудить, ведь 220- страничное альбомное издание снабжено большим количеством фотоиллюстраций, созданных авторитетными российскими и зарубежными балетными фотографами. Среди авторов снимков – Валентин Барановский, Юрий Белинский, Майкл Кури, Юрген Фрам. Это показательно. Вы довольны столь богатой визуальной составляющей вашего труда?

– Да. Наш театр в первую очередь зрелищный и эмоционально захватывающий. Сначала – красивая картинка, а потом осмысление того, что ты видишь. Мне нужно было, чтобы при создании книги дизайнеры не пошли по минималистскому пути. Перед ними стояла задача создать яркую, красочную книгу, которая бы отвечала эстетике нашего театра. И вот этот путь был очень долгий. Потом нужно было собирать фотографии. Работать с текстом. Работа была кропотливая. Я просто знаю по себе: когда выпускаешь премьеру – это просто адовы муки. А уже на утро после премьеры ты начинаешь чувствовать себя не в своей тарелке. Ты не знаешь, чем заняться, потому что было так интересно жить еще вчера, а сегодня уже нечего делать, жизнь как-то тосклива… Поэтому теперь, когда книга вышла, мне вновь не хватает процесса работы над ней. Сейчас бы снова с удовольствием «бросился» в эти муки. И уже есть новые идеи по этому поводу.

Досье

Борис Эйфман родился 22 июля 1946 года в Рубцовске в Алтайском крае. Российский хореограф, балетмейстер, художественный руководитель Санкт-Петербургского государственного академического театра балета Бориса Эйфмана. Первые постановки осуществил в 1970 году. С 1971 по 1977 годы работал балетмейстером в Ленинградском академическом хореографическом училище имени А.Я. Вагановой. В 1977 году Эйфману удалось создать собственный театр «Новый балет» при Ленконцерте, который уже в 1990-е годы был переименован в Санкт-Петербургский государственный академический театр балета под руководством Бориса Эйфмана и которым он руководит по сей день. Уже в конце 1970-х годов с этой труппой хореографом были поставлены спектакли: «Только любовь» на музыку Родиона Щедрина, «Искушение» по композициям группы Yes, «Под покровом ночи» на музыку Белы Бартока, «Прерванная песня» на музыку И. Калныньша, «Двухголосие» по ранним композициям группы Pink Floyd (Сида Баррета), «Жар-птица» на музыку И. Стравинского и «Вечное движение» на музыку А. Хачатуряна. К концу 1980-х годов театр стал выезжать на гастроли в Нью-Йорк. Репертуар театра отличался чрезвычайным жанровым разнообразием, включал спектакли по классическим произведениям русской литературы, детские спектакли и рок-балеты. Всего Эйфманом на сегодняшний день создано более 40 балетных постановок. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1988), народный артист России (1995), лауреат Государственной премии России (1998
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Мар 20, 2015 2:48 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015032001
Тема| Балет, Труппа Бориса Эйфмана, "Up&Down", Персоналии, Борис Эйфман
Автор| ОЛЬГА ФЕДОРЧЕНКО
Заголовок| Задушевно больные
Любовь, соблазн и сумасшествие в "Up&Down" Бориса Эйфмана

Где опубликовано| © Газета "Коммерсантъ" №48, стр. 11
Дата публикации| 2015-03-20
Ссылка| http://kommersant.ru/doc/2689541
Аннотация|


Фото: Владимир Кузьмин / Коммерсантъ

16 марта в Александринском театре состоялось второе представление балета Бориса Эйфмана "Up&Down" (премьера была показана в январе). Новое обращение хореографа к давно интересующей его теме сумасшествия оценивает ОЛЬГА ФЕДОРЧЕНКО.

Борис Эйфман — великий хореограф, и в истории балета он, конечно, останется. Его пластическо-ритмические находки живут даже на сценах академических театров. Вот, например, "Дон Кихот" в Мариинском театре: в первом акте во время соло Эспады толпа прихлопывает в такт, и это воспринимается как совершенно органическая часть хореографии. А ведь мало кто вспомнит, что эти хлопки в 1994 году ввел Борис Эйфман в своей постановке "Дон Кихот, или Фантазии безумца" и оттуда они перекочевали на сцены больших и малых академических и не очень театров. А уж как Борис Яковлевич исследует тему психической болезни! "Идиот", "Дон Кихот, или Фантазии безумца", "Красная Жизель", "Русский Гамлет", "Роден", "По ту сторону греха". И вот новый вклад в развитие балетной психиатрии: балет "Up&Down" по роману Фицджеральда "Ночь нежна".



Внушительный роман разложен на два акта итоговой продолжительностью около двух часов. Господин Эйфман умело отсекает многочисленные сюжетные линии, концентрируясь на истории главных героев: его дар преобразовывать текст в хореографические темы бесспорен. Талантливый психиатр Дик Дайвер (Сергей Волобуев) нарушает заповедь врача и влюбляется в богатую пациентку Николь Уоррен (помимо богатства она еще и хороша собой). Николь (Мария Абашова) сначала страдает шизофренией на почве инцеста, а потом — по обаятельному доктору. Отец Николь (Олег Марков) только и делает, что задабривает Дайвера деньгами, и тот, попавшись на крючок роскошной жизни, теряет свой лекарский талант, а затем и собственную индивидуальность. Пьяные дебоши и интрижка с кинодивой (Анжела Прохорова) окончательно разрушают Дика как личность и как профессионала, зато излечивают от страсти к зеленым бумажкам. Он оказывается в собственной клинике под надзором санитаров.

Еще одна сильная сторона Эйфмана-хореографа — умение блестяще пересказывать сложные темы языком танца, не прибегая к помощи пантомимы. Его лексика (впору уже создавать "Энциклопедию языка Эйфмана" по аналогии со "Словарем языка Пушкина") легко узнаваема, отменно иллюстративна и отлично комбинируема. Даже неподготовленный зритель, не очень близко знакомый с балетом и побаивающийся его за "непонятность и абстрактность", будет полностью удовлетворен ясностью и конкретностью танцевального изложения Бориса Эйфмана.

Вот доктор Дик Дайвер, он излечивает своих многочисленных пациентов методом наложения рук: достаточно проделать несколько пластических манипуляций на головах пациентов, как они мгновенно просветляются. В вариации, раскрывающей образ талантливого психиатра (исполняется во врачебном халате), лейтмотивом становится вознесенная ввысь рука с указующим перстом. Каждый культурный человек поймет эту пластическую цитату как символ врачебного всемогущества. Вот Николь Уоррен, у нее опущена голова, безвольно повисли руки, стопы завернуты внутрь, а во время танца она еще и кусает доктора за руку: сразу видно — психическая. Вот отец Николь, весь в черном, его крадущаяся пластика выдает змея-искусителя, зеленые банкноты, которые тот сует в руку Дайвера, догадку подтверждают. Психическая деструкция героев подчеркивается и сценографией. Как только на пол проецируются световые пятна, а на заднике поднимаются створки, открывая черные кабинки, сразу понимаешь, что мы волей хореографа словно оказались в черепной коробке персонажа (как в фильме "Быть Джоном Малковичем") и наблюдаем за его страданиями изнутри. Духовность (и бездуховность) сконцентрированы в дуэтах, которые составлены с максимальной вариативностью: мужчина с женщиной, мужчина с мужчиной, женщина с женщиной, две женщины с одним мужчиной и двое мужчин с одной женщиной. Если танцуется глубокое непонимание, то один из участников оттаптывает ногами все части тела партнера. Когда речь идет о счастливом единении душ, телес и сердец, одного из участников композиции высоко подбрасывают или он от счастья широко раскрывает ноги на поперечный шпагат, когда его держат за талию. Кордебалет (каждое появление в новых превосходных костюмах от Ольги Шаишмелашвили, всех выходов не меньше семи) создает атмосферу, в которую помещены главные герои. Танцовщики труппы, в совершенстве владеющие авторской пластикой господина Эйфмана, с азартом отплясывающие фокстрот и джаз, водят безумные хороводы в сумасшедшем доме, свингуют на вечеринках золотой молодежи, преображаются в элегантный высший свет с чопорными манерами или в безумную толпу кинофанатов.

Лицо позднего Эйфмана все чаще озаряется лукавой улыбкой: практически в каждом спектакле последних лет есть комические эпизоды, разряжающие напряженность действия. Не стал исключением и "Up&Down": сцена съемки картины "Клеопатра" представляет прелестный киношарж. Заодно господин Эйфман милостиво дал студентам Санкт-Петербургского университета кино и телевидения (мастерская Сергея Овчарова) счастливую возможность приобщиться к творчеству живого классика хореографии: они совершенно безвозмездно, из любви к искусству, сняли и смонтировали очаровательный и ужасно смешной "фильм в балете" в стилистике михалковской "Рабы любви".


Последний раз редактировалось: Елена С. (Сб Апр 04, 2015 9:01 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Мар 20, 2015 3:04 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015032002
Тема| Балет, Труппа Бориса Эйфмана, "Up&Down", Персоналии, Борис Эйфман
Автор| Елизавета Митина
Заголовок| Сегодня он играет джаз, а завтра и талант продаст
Где опубликовано| © Независимая газета
Дата публикации| 2015-03-20
Ссылка| http://www.ng.ru/culture/2015-03-19/100_updown.html
Аннотация|

На сцене Александринского театра прошли показы нового балета Бориса Эйфмана «Up&Down», премьера которого состоялась в январе этого года.


На фото Мария Абашова (Николь Уоррен) и Сергей Волобуев (Дик Дайвер). Фото Евгения Матвеева

Борис Яковлевич, исповедуя принцип психологизма в балете, довольно часто обращается к психологии безумия. Эта тема проходит через балеты «Красная Жизель», «Роден», «Я - Дон Кихот», «Русский Гамлет», «Чайковский», а теперь о душевном нездоровье хореограф рассказал и с опорой на Фрэнсиса Скотта Фитцджеральда. «Up&Down» («Вверх и вниз») – это вольная фантазия Бориса Эйфмана на тему романа «Ночь нежна» положенная на музыку Дж. Гершвина, Ф. Шуберта и А. Берга.

Из всего многообразия сюжетных линий автор окружает вниманием одну – взаимоотношения перспективного врача-психиатра Дика Дайвера (Сергей Волобуев) и его супруги Николь Уоррен (Мария Абашова), страдающей шизофренией. Страдания – это, вообще, пожалуй, опорный камень в структуре балета. Несмотря на название, хореограф довольно поверхностно описывает все жизненные “up” героев, смакуя при этом все “down”, опустив главного героя – не совсем по первоисточнику – и вовсе на самое дно жизненной реки. В финале балета Дик сходит с ума, возвращаясь в больницу уже не в качестве врача, а в качестве пациента.

Страдают все – Дик, Николь, отец Николь и даже Томми, любовник Николь, нет-нет да загрустит во время любовного дуэта. А зная нелюбовь хореографа к эмоциональным полутонам, можно догадаться, каков градус этого страдания. Не страдают только пациенты психиатрической клиники - бьющийся в падучей висельник, замотанная в бинты женщина-мумия и отвратительный эксгибиционист, да кордебалет, призванный создавать атмосферу века джаза (полюбилась эта эпоха постановщикам в этом сезоне!), и символизировать бездушную толпу, равнодушную к Человеку. Толпа эта нарушает сценическое одиночество героев довольно регулярно , отплясывая бодрый чарльстон на могилах душевного здоровья .

Сюжетная линия Дик – Розмэри тоже ушла далеко от романа и представлена хореографом в карикатуре, если не сказать в жанре буффонады. Розмэри (Анжела Прохорова) - вульгарная, фальшивая, легкомысленная актриска, снимающаяся в безвкусном кино, но при этом ментально абсолютно здоровая, противопоставлена Николь - утонченной, но безумной. Эйфман не дает герою шанса ни оправдаться, ни исправиться - по хореографу даже новое чувство Дика – это акт возмездия за проданный талант. Фитцджеральд, наверное, поспорил бы с такой интерпретацией – в романе встреча Дика и Розмэри становится шансом начать все сначала, глотком свежего воздуха, а не душного запаха киногримерки.

Балет сложно назвать новаторским. Борис Яковлевич верен своему стилю и выжимает из артистов максимум их физических возможностей. Мария Абашова то стремительно взбегает по Сергею Волобуеву, чтобы повиснуть у него на шее причудливым хомутом, то виснет, распятая (в этот раз героиня распята на рукавах смирительной рубашки), Анжела Прохорова топчет его красивыми ножками, Олег Марков (отец Николь) плотоядно изгибается, демонстрируя свою «порченую кровь» и расшвыривая вокруг доллары. Сам главный герой измученно мечется по сцене в сомнениях, временами припадая в поиске опоры то к ней, то к предметам мебели, однако и сцена, и стулья бессердечно игнорируют страдания героя.

Борис Эйфман, по его собственным словам, поставил этим балетом «кляксу в своей многолетней балетно-психиатрической эпопее». Самокритично, иронично и, пожалуй, не противоречит истине.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Мар 20, 2015 4:06 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015032003
Тема| Балет, Труппа Бориса Эйфмана, "Up&Down", Персоналии, Борис Эйфман
Автор| Марина Алексеева
Заголовок| Борис Эйфман: нашей труппе удалось занять позицию балетного театра будущего
Где опубликовано| © Петербургский дневник
Дата публикации| 2015-03-20
Ссылка| http://www.spbdnevnik.ru/news/2015-03-20/boris-eyfman--nashey-truppe-udalos-zanyat-pozitsiyu-baletnogo-teatra-budushchego/#ad-image-0
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Впервые за последние годы Санкт-Петербургский государственный академический театр балета Бориса Эйфмана представит в рамках одной серии выступлений на сцене Александринского театра практически весь свой нынешний репертуар. В основе большинства спектаклей лежат произведения классиков, что в Год литературы особенно символично. Сегодня Борис Эйфман – гость "ПД".

Бориса Эйфмана, создателя своего театра, своего стиля, своей балетной вселенной, называют одним из ведущих хореографов мира, потрясающим театральным волшебником. Сам он говорит: "Балет для меня не только профессия. Это способ существования, мое земное предназначение. Его средствами я должен передать то, что дается мне свыше. Я, наверное, просто захлебнулся бы своими эмоциями, если бы не имел возможности реализовать их в творчестве. Хореография для меня – искусство глубоко религиозное в широком понимании этого слова".

"Петербургский дневник": Борис Яковлевич, недавно состоялась презентация книги "Иное пространство слова". В ней литературовед Татьяна Боборыкина рассказывает о балетах, поставленных вами по мотивам шедевров русской классической литературы. Это "Анна Каренина", "Чайка", "Онегин" и "По ту сторону греха" ("Братья Карамазовы"). В чем, на ваш взгляд, ценность этого труда?



Борис Эйфман: Балет впервые обратился к литературе еще несколько веков назад, поэтому ничего удивительного в союзе слова и тела нет. На протяжении всей своей истории созданный мной театр стремился открывать новые смыслы в известных литературных сюжетах, проникать в суть вещей через искусство хореографии. Я высоко ценю нашу книгу. И не только потому, что в ней представлены артисты труппы, их адский труд и запечатлен процесс сочинения балетного спектакля, всегда эмоционально и физически сложный. Эти муки – наш путь к вам, зрителям. По­этому для танцовщиков и хорео­графа очень важно чувствовать ответную реакцию.

К сожалению, критики оценивают наше творчество подчас дос­таточно предвзято. Книга же написана человеком, не только понимающим балет, но и знающим, что такое настоящая литература. Эта работа действительно открывает иное пространство слова, выражаемое нами через тело, представляет новый уровень познания нашего искусства.

"Петербургский дневник": Могли бы вы немного приоткрыть завесу творческой кухни и рассказать о том, как создавалась эта книга?

Борис Эйфман: Долго и мучительно. Есть разные художники. Одни – моцартовского типа. Моцарт, как известно, творил легко, буквально на манжетах записывал музыку. Но был и Бетховен, который мучился, корпел над каждой нотой, переписывал все по несколько раз.

Я – человек бетховенского типа. Поэтому и книга у меня не мог­ла появиться малой кровью. Надо было собрать огромное количество фотографий, тщательно поработать с текстом, дизайнерами, типографией. Хотелось создать яркое, красочное издание, захватывающее эмоционально, чтобы оно отвечало эстетике нашего театра.

"Петербургский дневник": …который скоро отметит свой 40‑летний юбилей.

Борис Эйфман: Наш театр прошел долгий путь. Моисей 40 лет водил людей по пустыне. Так же и я. Надеюсь, что к юбилею мы все‑таки придем в землю обетованную и обретем свой дом, свой театр.

Мы прошли три эры в истории нашей страны. Десять лет жили в Советском Союзе, затем – в период перестройки. Потом – в реалиях новой России. И в каж­дую из этих эпох я просто занимался своим делом.

Даже когда меня не выпускали за границу, а труппа выезжала без художественного руководителя; когда подталкивали к эмиграции; запрещали показывать спектакли… Самые безобидные балеты вроде "Женитьбы Фигаро" приходилось сдавать худсовету по 3-4 раза, и это, конечно, было унизительно. Но я никогда не изменял себе.

Когда ты честно живешь и творишь, не входишь в конфликтные ситуации, занимаешься не провокациями, а искусством, то судьба тебя бережет.

Сегодня у нас, конечно же, есть проблемы. Однако они связаны уже исключительно с внутренними, а не внешними сложностями. И я благодарен судьбе и своей семье, которая дает мне возможность существовать в очень напряженном ритме, не требуя ничего взамен.

Я думаю, что нашей труппе удалось занять – не только в масштабах страны, но и в мире – важную позицию балетного театра будущего. Надеюсь, если Бог даст, мы еще станем свидетелями новых ярких свершений.

"Петербургский дневник": Ваш последний спектакль Up & Down, сочиненный по мотивам романа Ф. С. Фицджеральда "Ночь нежна", это подтверждает.

Борис Эйфман: В новом балете есть захватывающее время действия – 20-е гг. прошлого века, интересный сюжет. Есть трагедия главного героя – талантливого психиатра, женившегося на своей пациентке, наследнице огромного состояния. Попав в мир богатых людей, доктор предает себя и свой талант и в итоге терпит крах.

Дар Божий дан практически всем. Другое дело, сумеет ли человек распознать его в себе и пронести через всю жизнь, развивая и доводя до совершенства. Не все это могут.

Судьба дала мне многое и была милостива. Но поверьте: я и сам сделал немало. Работал всю сознательную жизнь. В 16 лет у меня была своя небольшая балетная компания. Я начал сочинять хореографию, отдельные сценки – и уже в них присутствовала драматургия. Это моя природа, мой дар. Я никогда не изменял ему. Единственное, что я хотел делать в жизни, – сочинять хореографию.

Петербургский дневник": Мне представляется, что такую миссию, как развитие заложенного в человеке дара, как раз и призвана выполнить открытая вами Академия танца.

Борис Эйфман: Действительно: 1,5 года назад мы открыли Академию танца. Я благодарен Валентине Ивановне Матвиенко, подписавшей распоряжение о создании новой балетной школы, и Георгию Сергеевичу Полтавченко, который на протяжении всей своей деятельности на посту губернатора Санкт-Петербурга лично участвует в становлении и развитии этого уникального учебного заведения, не имеющего аналогов в мире.

Уже через год будет отреставрировано большое четырехэтажное здание школы, где впервые балетные дети будут получать полноценное общее образование. Впоследствии у академии должен появиться свой учебный театр.

Мы ищем талантливых детей по всей России. А главное – стремимся помочь состояться в жизни одаренным ребятам из бедных, многодетных семей, из провинции. Мы намерены привозить их в Санкт-Петербург и на полном государственном и спонсорском обеспечении давать по‑настоящему качественное образование, помогать прожить счастливую творческую жизнь.

Я возлагаю на нашу школу большие надежды. Ведь она призвана подготовить новый тип балетного артиста, способного виртуозно освоить и классический репертуар, и современную хореографию. Такой танцовщик станет не просто бездумным носителем техники, а соавтором создателя балетного спектакля.

"Хореографами не становятся, ими рождаются" – эти слова я однажды услышал от великого Леонида Якобсона. Вот таких рожденных для искусства балета детей мы и ждем в нашей академии.

Фото: Театр балета Бориса Эйфмана
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Мар 20, 2015 4:22 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015032003
Тема| Балет, Балетно-танцевальная часть фестиваля "Золотая маска"
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| Конкурс на контрасте
Татьяна Кузнецова о балете и современном танце на «Золотой маске»

Где опубликовано| © Журнал "Коммерсантъ Weekend" №10, стр. 32
Дата публикации| 2015-03-20
Ссылка| http://www.kommersant.ru/doc/2684439
Аннотация| Золотая маска

Балетно-танцевальная часть фестиваля "Золотая маска" на сей раз не растянулась, по обыкновению, на три месяца, а сконцентрировалась в двух декадах. За пределами обозрения Weekend осталась промелькнувшая в конце февраля мировая премьера Большого театра — балет "Укрощение строптивой" на музыку Шостаковича и в постановке француза Жан-Кристофа Майо, собравший семь номинаций, но рискующий остаться на бобах из-за своего невыгодного расположения в афише. Из остальных конкурсных спектаклей Weekend выбрал шесть самых статусных и самых контрастных

«Дама с камелиями»
Постановка Джона Ноймайера
Большой театр, Москва
Номинация: балет


Фото: Елена Фетисова/Большой театр

Это — признанная мировая классика. Молодой еще Джон Ноймайер поставил "Даму с камелиями" в 1978 году для Штутгартского балета по просьбе балерины Марсии Хайде и в память о своем покойном худруке Джоне Крэнко, большом мастере балетных драм. С тех пор "Дама с камелиями", трехактный монументальный спектакль, не сходит с афиш первоклассных трупп мира: он слишком многолюден и роскошен, чтобы такую постановку могла позволить себе какая-нибудь небогатая компания. Печальная история парижской куртизанки пересказана здесь во всех деталях, с обильным применением флешбэков, приема "театр в театре", прозрачных метафор и весьма достоверного быта Франции эпохи Второй империи. Сейчас эти приемы выглядят слегка устаревшими, но от старомодности балет спасает неувядающая хореография. Три огромных контрастных дуэта главных героев, вокруг которых концентрируется действие,— сущий клад для балерин и танцовщиков. В Большом первым составом Маргариту танцует Светлана Захарова, она и выдвинута на "Золотую маску". Кстати, в частной номинации "Лучшая женская роль" в этом году конкуренция особенно сильна.

Большой театр, Историческая сцена, 21 марта, 19.00
----------------------------------------------

«Инфра»
Концепция и хореография Уэйна Макгрегора
Мариинский театр, Санкт-Петербург
Номинация: балет


Фото: Валентин Барановский, Коммерсантъ

Этот одноактный получасовой балет, впервые поставленный в 2008 году в лондонском Королевском балете и спустя шесть лет перенесенный в Петербург,— самое радикальное, что позволил себе Мариинский театр за одиннадцать последних лет, с тех пор, как впервые показал России хореографию Уильяма Форсайта. Собственно, 45-летнего Уэйна Макгрегора многие и прозвали "Форсайт-лайт", обманываясь ломано-смещенными линиями и жесткой эротичностью его хореографии. На самом деле хореограф помешан на науке и высоких технологиях — пытается с их помощью "как можно более непосредственно связать искусство вообще и балет в частности с человеческой физиологией". Впрочем, "Инфру", задуманную под впечатлением терактов в лондонской подземке, хореограф считает "эмоциональным балетом": пока виртуальные жители мегаполиса отчужденно снуют по экрану, на сцене разыгрываются их потенциальные (а может, и реальные) взаимоотношения. Для любителей традиционного балета в той же программе петербуржцы дают уютную мелодраму англичанина Фредерика Аштона "Маргарита и Арман" на музыку Листа (возможно, с участием Ульяны Лопаткиной) и балет "Inside The Lines" своего молодого автора Антона Пимонова, поставленный на музыку Равеля.

Музыкальный театр имени Станиславского и Немировича-Данченко, 1 апреля, 19.00
----------------------------------------------------------------

«Цветоделика»
Хореография Вячеслава Самодурова
Театр оперы и балета, Екатеринбург
Номинация: балет


Фото: Semen Gutnik

Это не возобновление, а одна из двух мировых премьер в балетном конкурсе "Золотой маски". То есть совершенно новое сочинение, кот в мешке. А смотреть его нужно потому, что екатеринбургский худрук и балетмейстер Вячеслав Самодуров после отъезда Алексея Ратманского слывет чуть ли не главной надеждой отечественной хореографии. Во всяком случае, именно он на прошлогодней "Маске" отхватил все главные награды, что вызвало шквал разноречивых чувств и откликов. В свое время в качестве первого танцовщика Самодуров поработал и в Амстердаме, и в лондонском Ковент-Гардене, но прежде всего он — петербуржец, дитя Мариинского театра с его исконным пристрастием к классике Петипа — Баланчина. "Цветоделика" — два с половиной часа "чистого танца", рефлексия на историю балета, игра со стилями и формами. "Я попытался подчеркнуть сакральный момент перехода одного цвета в другой и передать магию зарождения нового оттенка",— несколько туманно поясняет замысел хореограф. Три части балета ("Антично-белый/Фуксия" на музыку Чайковского, "Ультрафиолет" на музыку Пярта и "Цветоделика" на музыку Пуленка) отсылают к структуре знаменитых "Драгоценностей" Баланчина. Выяснить, насколько ценна сама "Цветоделика", можно только на "Золотой маске".

Театр "Новая опера", 11 апреля, 19.00

----------------------------------------------------------------------

«Женщина в комнате»
Хореография и сценография Каролин Карлсон
Фонд Дианы Вишневой, Санкт-Петербург, и компания «Ardani Artists» (Сергей Данилян), США
Номинация: современный танец


Фото: Jin Skiavone

Это — вторая часть "Граней", последнего (пока что) проекта Дианы Вишневой. Первую, Switch ("Переключение"), поставленную Жан-Кристофом Майо на музыку Денни Эльфмана, в которой Диана Вишнева играет избалованную этуаль, чей нарциссизм препятствует личному счастью, зрители тоже увидят. Но на конкурс эксперты выдвинули именно "Женщину в комнате" — более выигрышную для героини вечера. В этом моноспектакле Каролин Карлсон, номинированной на "Маску" как хореограф, перемешаны и Тарковские (визуальный ряд сына, звучащая поэзия отца), и русский дух, и тема вечной женственности, дарующей смысл и продолжение жизни. И конечно, зрелое мастерство Дианы, великолепно распорядившейся возможностями, предоставленными ей хореографом.

Большой театр, Новая сцена, 26 марта, 19.00

-------------------------------------------------------------

«Экспонат/Пробуждение»
Автор и хореограф Анна Абалихина
Александринский театр, Санкт-Петербург
Номинация: современный танец

http://im7.kommersant.ru/Issues.photo/WEEKEND/2015/010/KSP_013456_00013_1_t208_154624.jpg
Фото: Виктор Васильев, Коммерсантъ

Это 50-минутное зрелище, которое Анна Абалихина, один из двух самых одаренных, умных и продвинутых российских авторов, определяет как "перформанс-инсталляцию", номинировано на пять "Масок" (лучший спектакль, хореограф, художник по костюмам, художник по свету и автор видео). Моноспектакль, который по очереди исполняют мужчина и женщина, разворачивается в квадратном бассейне, наполненном "льдом": зрители завороженно следят, как из полиэтиленового кокона высвобождается некое тело. Очевидцы описывают его как насекомое, акулу, черепаху, бескостную "субстанцию". Перформер опутан датчиками, "преобразующими параметры тела в световую и звуковую композицию": так, конкретно и непосредственно, нащупывается связь между телесностью и виртуальностью, живой и неживой материей, реальностью и галлюцинациями. Такого в России еще не было. И, может, больше не будет.

Центр имени Мейерхольда, 6 апреля,19.00 и 20.00
----------------------------------------------------------------------

«Белая тьма»
Хореография Начо Дуато
Михайловский театр, Санкт-Петербург
Номинация: современный танец


Фото: Stas Levshin

"Белую тьму" Начо Дуато впервые поставил в Национальном балете Испании лет 15 назад: он посвятил эту композицию своей сестре, погибшей от передоза, превратив личное горе в балетный монумент всем жертвам "белой тьмы". Спектакль красив и печален, как католическое кладбище. Белый песок струится с колосников; зачарованная им героиня рвется из рук партнера и сникает сломанной куклой, вывернув бессильные руки: в драматичных дуэтах главной пары пленительная гладкопись слитных поддержек прерывается статикой дисгармоничных поз. "Белая тьма" — один из лучших балетов Дуато и прощальный подарок экс-худрука Михайловского балета оставляемой им труппе. Программу вечера дополнят еще два балета испанского хореографа, поставленные в Петербурге в прежние сезоны,— "Без слов" и "Дуэнде". Они тоже ласкают глаз и радуют гармонией знакомых движений. Но не дает покоя один вопрос: из каких соображений спектакль Начо Дуато, чьи произведения всегда проходили по разделу "балет", сослан экспертами "Маски" в резервацию "современный танец"? Ведь если жюри окажется консервативным, за небрежность отборщиков поплатятся программно некрасивые "современники". А если судьи вдруг окажутся приверженцами авангарда, пострадает прекрасная, но вполне традиционная "Белая тьма".

Большой театр, Новая сцена, 7 апреля, 20.00


Последний раз редактировалось: Елена С. (Сб Апр 04, 2015 9:10 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22656
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Мар 20, 2015 7:45 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2015032004
Тема| Балет, БТ, Премьера, Персоналии, Раду Поклитару, Деклан Доннеллан, Денис Савин, Анастасия Сташкевич
Автор| Александр ФИРЕР
Заголовок| Много шума из ничего
В Большом театре состоялась мировая премьера балета «Гамлет»

Где опубликовано| © Журнал «Музыкальная жизнь» №3 (2015), стр.2-3
Дата публикации| 2015-март
Ссылка| http://mus-mag.ru/6-journal.htm
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Постановку спектакля на музыку Дмитрия Шостаковича осуществили хорошо знакомый россиянам английский режиссер Деклан Доннеллан, возглавляющий театр «Чик бай Джаул», его соратник художник Ник Ормерод (автор сценографии и костюмов) и хореограф Раду Поклитару, директор и художественный руководитель труппы «Киев модерн-балет». Эта же команда в 2003 году создала на Новой сцене Большого отличный балет «Ромео и Джульетта» на музыку Прокофьева, что стало успешным прецедентом для приглашения их творческого альянса на новую продукцию. Замысел «Гамлета» вынашивался более трех лет. История принца датского – лакомый сюжет для танцтеатра, и от тандема Доннеллан-Поклитару ожидали креативного пластического воплощения, «нового слова», опуса, который должен был бы оживить современную репертуарную палитру Большого. Театр не может быть живым без новизны и эксперимента, который заранее никогда не дает гарантий на успех. И в данном случае, увы, радужные ожидания и прогнозы себя не оправдали. Спектакль не получился: в гибриде драмы без слов и балета без танца нет ни интересной режиссуры, ни глубины, ни подтекстов, ни поводов для размышлений. Это банальный дайджест. Поверхностные прочтение и хореография эмоций не вызывают. Балет ни о чем, когда через пятнадцать минут после его начала становится скучно и неинтересно.

- по клику
Поглощенные белой дырой. Денис Савин - Гамлет

Авторы перенесли действие в жесткие рамки XX века, милитаризировав и вооружив до зубов артистов. Однако политические намеки на злобу дня невразумительны и не прочитываются, а конъюнктурно выглядят дешевой спекуляцией на драматичных событиях в современном мире в целях актуализации темы. Вопрос же как выжить в одиночестве разбивается о пустую иллюстративность. В опластиченном шекспировском сюжете среди пестросуетной беготни, упражнений со скамьями, истошных криков, сценических рукоплесканий, утрированных скорбных рыданий и выстрелов в зал фигурируют гроб с Офелией, укрепления из мешков с песком, санитарная бригада, живой Йорик в рыжем парике с химической завивкой и с цветным зонтиком, автоматчики в камуфляже и совсем юные артисты в роли главных героев в детстве. Гильотинный гобелен смерти фатумно опускается за многочисленными жертвами не оптимистической трагедии. Силуэты убиенных пожираются туманом в безжизненном пространстве (оттуда же является призрак отца Гамлета в пижаме). В лихорадочном воображении заглавного персонажа возникают усемеренные гертруды, офелии и клавдии. Сам принц датский с фибергласовым чемоданом то исчезает, а то появляется из боковой двери партера. Перед двором Эльсинора Гамлет изобличительно демонстрирует свое «авторское кино» «Мышеловка», снятое ручной камерой в стиле триеровской догмы.

- по клику
В страстном клубке противоречий

При перенасыщенной аксессуарности действа характеристики героев не сделаны ни режиссерски, ни главным образом танцевально. Оригинальная хореография напрочь отсутствует. Вслед за Джоном Уивером из начала XVIII века, создателем «сценического танца» и балетов-пантомим, Поклитару будто протестует против доминирующей дансантности и вовсе сводит ее к прыжкам. Одни и те же скудные пластические штампы до неприличия повторяются по нескольку раз. А чего только стоят нелепые перебросы ног под музыку через гроб с телом Офелии до того, как ее достанет оттуда Гамлет и ахнет толпа. Или ее игра с револьвером, когда Офелия засовывает его между ног и облизывает дуло…

- по клику
Пляска смерти. Анастасия Сташкевич - Офелия

В «Гамлете» много всего намешано, и ничего не работает. Взято то, что уже давным-давно сделано и лучше: Ален с зонтиком из «Тщетной», сумасшествие из «Жизели», пистолет- череп-похороны-черные зонтики из «Майерлинга», а также растиражированный прием переносить известные истории в близкие нам времена, но что так убедительно и музыкально делает Мэтью Боурн. Активные же манипуляции с трупом напоминали «Последнее танго» лихих 90-х в Большом.

Логически обоснован и понятен выбор Пятой и Пятнадцатой симфоний Шостаковича для гамлетовских рефлексий и похоронных процессий. В музыке советского классика в избытке драматического надрыва, чувства страха и горя, в котором одиночество каждого исключительно, и реминисценции (в виде гениального в своем секундово-хроматическом лаконизме) вагнеровского лейтмотива судьбы из тетралогии «Кольцо нибелунга». Отменная работа дирижера Игоря Дронова слышна в достойном и сбалансированном звучании оркестра, медные духовые – на высоте, что в российских оркестрах большая редкость. Но спектакль это не спасает. Богатый симфонический материал соединить с происходящим на сцене не удалось: музыку режиссер и хореограф механически использовали как «таперный» фон. А визуальный ряд только упрощает восприятие сочинений Шостаковича. Лейтмотив судьбы напрашивался в спектакле на концептуальный рефрен смерти, но он не выстроен. Вообще хореоавторский дар слышать музыку – явление раритетное до нереальности: Бежар, Килиан, Ноймайер, Майо – малочисленная каста избранных. А в случае нового «Гамлета» ничего не изменится, если заменить музыку Шостаковича на другую трагическую партитуру.

- по клику
В театре мимики и жеста. Юрий Клевцов - Клавдий, Игорь Цвирко - Лаэрт, Анастасия Сташкевич - Офелия, Анна Балукова - Гертруда

Балетная труппа пребывает в прекрасной профессиональной форме. В кордебалете много пластически одаренной молодежи. Наделенные завидными данными, красивые, высокие молодые артисты работают с полной отдачей. Жаль только такой роскошный материал растрачивать на спектакли-однодневки. Театр подготовил три премьерных состава: Денис Савин, Владислав Лантратов, Артем Овчаренко (Гамлет), Анастасия Сташкевич, Дарья Хохлова, Диана Косырева (Офелия), Юрий Клевцов, Михаил Лобухин (Клавдий). Денис Савин, чей Ромео 2003 года стал событием московского сезона, интеллигентный и умный артист, и на сей раз выжал максимум возможного в предлагаемых узких рамках этой постановки, где развернуться негде. Менее удачно показался Лантратов, переборщивший с аффектацией, передозировавший открытой эмоции. Некое лжеактерство, когда танцовщик на нерве бесконечно «кричит», впечатления не производит, ибо героя перестаешь слышать. А отчасти он выглядел оторвой Петруччо из недавнего «Укрощения строптивой». Для Офелии и Йорика не придумано никакой индивидуальной лексики. Танцевальные возможности Сташкевич определенно шире и богаче, чем ей было предложено в партии Офелии. Досадно, что на ходульную партию Йорика, которого вообще непонятно зачем оживили, был выбран такой талантливый артист как Денис Медведев. Но еще более парадоксально видеть в подобной роли второго плана и без танца, да еще и во втором составе, записного виртуоза Большого Вячеслава Лопатина. Лобухин с прилизанными волосами в роли Клавдия показался не в лучшем виде – фальшив, примитивен, непластичен, чужероден. На фоне остальных солистов выделялся Игорь Цвирко в партии Лаэрта. Безусловно, его ноги себя чувствуют более естественно вне классических оков, и танцует он в современных партиях с большим энтузиазмом, нежели во вставном па де де из «Жизели».

После блестящей последней премьеры балета «Укрощение строптивой» Жан-Кристофа Майо, который имел огромный успех и раскрыл новые грани актерских возможностей солистов, театр предложил провального «Гамлета», и не за горами – «Герой нашего времени». Результат непредсказуем.

Но в реальности Большой идет гораздо на больший риск, когда безжалостно и бездумно избавляется от эксклюзивов своего балетного репертуара.

Фото Дамира Юсупова (ГАБТ)
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
Страница 4 из 8

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика