Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2014-04
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9, 10  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16354
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Апр 29, 2014 7:14 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2014042910
Тема| Балет, XXIV Международный фестиваль оперного и балетного искусства «Сыктывкарса тулыс», Персоналии, Фарух Рузиматов
Авторы| Полина Романова, фото Ивана Федосеева
Заголовок| Фарух Рузиматов художественно задушил Дездемону на сыктывкарской сцене
Где опубликовано| © Портал "Куда идти" (Сыктывкар)
Дата публикации| 2014-04-29
Ссылка| http://www.kudaidti.com/journal/393/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ



28 апреля на сцене Государственного театра оперы и балета прошел одноактный балет на музыку Генри Перселла «Павана мавра». Главную роль – Отелло – исполнил мэтр балетной школы, доцент Академии русского балета, Народный артист России, долгие годы бывший премьером Мариинского театра, Фарух Рузиматов. С собой в Сыктывкар он привез мини-труппу – солистов Михайловского театра Веру Арбузову, Эльвиру Хабибуллину, Андрея Касьяненко и Ивана Зайцева.

Спектакль был показан вне программы 24-го международного фестиваля оперного и балетного искусства «Сыктывкарса тулыс», но все же в его рамках. На пресс-конференции, которую руководство театра дало в начале апреля, его директор Валентина Судакова обратила внимание журналистов на «пропущенную» в афише фестиваля дату 28 апреля. «Это сделано намерено. До последнего момента мы не раскрывали секрета и теперь можем объявить о приезде в Сыктывкар звезды мирового балетного искусства», - пояснила В.Судакова.

О «магнетизме» и притягательности образа Фаруха Рузиматова, о которых ходят легенды в балетном мире и среди публики, гласила и программка, которую публика раскупала до начала спектакля. Как горячие пирожки расходились и календари за полтысячи рублей. В сравнении со стоимостью билета - до полутора тысяч - это казалось мелочью. Да и сам билет, по московским меркам, как признавались зрители, стоил «сущие копейки». В числе последних в фойе фланировали известные предприниматели. В ожидании вожделенного зрелища публика неспешно потягивала в буфете коньяк, подогревая себя для восприятия танца магнетического артиста.

Вопреки афише маэстро изменил последовательность действия. Первым актом он представил мастерство своей труппы в отрывках из классических балетов и современных номеров. Хореографом одного из них – об уставших влюбленных, поглядывающих на часы, - выступила солистка Вера Арбузова. После сцены свидания в потустороннем мире графа Альберта и погибшей по его вине Жизели занавес неожиданно закрылся. Однако публика успела недоуменно пороптать лишь несколько мгновений. Когда занавес снова распахнулся, на сцене в клубах красного дыма стоял сам Фарух Рузиматов. Настала пора «Болеро» Равеля, поставленного специально для звезды. Первобытные страсти, сначала сдержанные, а потом - в такт музыке - становящиеся все более яростными, завершились вырванным сердцем, предложенным героем «Болеро» публике. До этого он «вырвал» и «бросил» на сцену ненужный при виртуозном танце язык. Пластика маэстро была столь выразительна, что, казалось, напряжение артиста передалось залу. Маэстро пришлось несколько раз выходить на поклон рукоплескавшему залу. В момент его окончательного ухода перед антрактом за кулисы его нагнала пожилая поклонница с цветами и, к зависти женской половины зала, облобызала растроганного татуированного артиста в щеку.

Занавес…



Председатель Союза композиторов Михаил Герцман вышел в фойе расстроенный. На вопрос о впечатлениях выразительно махнул рукой. Идущие следом артисты балета нашего театра (прикоснуться к мастерству прославленного артиста пришла вся балетная труппа) пояснили жест мэтра: от первого отделения они ожидали большего.

Компания медиков на диване оживленно обсуждала фактурные данные солистов: продольные и поперечные мышцы, признаки плоскостопия и великолепный подъем Эльвиры Хабибуллиной. Спор зашел и о тату, контурирующей мышцы спины маэстро: мнения, татуировка это или роспись, разделились. Зрители интересовались друг у друга, что такое «павана», о которой ей предстояло узнать во втором отделении. О том, что это средневековый танец, равно как и о шедевральной постановке Хосе Лимона, в «лирической» программке не было сказано ни слова. Суровый продавец программок откровенно обиделся, когда вопрос адресовали ему.

Зрительницы вели подсчет возраста Фаруха Рузиматова, известного своей закрытостью для прессы.

- Если в 1981 году он стал солистом Мариинки, тогда ему было, ну, предположим, двадцать, вот и считай: сейчас ему как минимум пятьдесят три, - прикидывали восхищенные поклонницы.

Декорациями к эпизоду из шекспировской трагедии, по замыслу хореографа, гремевшего в 50-х годах прошлого века, стали сами актеры, костюмы и их жесты. Сценический минимализм призван сосредоточить публику на драматизме и психологизме самого действия. Четверо героев – Отелло, Дездемона, друг Отелло и его спутница – были одеты в контрастные по цвету стилизованные костюмы средневековья. Темно-красный Отелло, охрово-рыжий Яго, его спутница в огненно-оранжевом бархате оттеняли воздушную юную Дездемону в непорочно-белом.



В программке ожидаемо не был указан пятый, «пассивный», персонаж трагедии – белый воздушный платок, из-за которого, по Шекспиру, и разгорелся весь сыр-бор. Мавр преподносит его молодой жене как символ верности. Лицемерный Яго уже при первых же па «намекает» Отелло о потенциальной неверности возлюбленной. Подруга Отелло – спутница Яго – подогревает подозрения. Платок становится вожделенным объектом для обоих. На фоне застывших в целомудренной позе молодоженов танец Яго и подруги выглядит коварным и исполненным порочного любопытства. Поединок Отелло и Яго происходит в полной тишине: музыка остановилась, на ее место пришли яростные движения и мимика.

Но вот лицемерной подруге удается завладеть платком Дездемоны. Разгорающаяся ревность Отелло пробуждает в нем африканские страсти. На этом фоне Дездемона все больше похожа на жертву, не понимающую причину ярости возлюбленного. Но вот искусительница передает платок Яго. Доказательство в его руках, и оно делает друга циничным. Потрясая платком, испачканным гнусной придуманной историей, перед обезумевшим мавром, Яго подписывает приговор Дездемоне.

Вторая «немая», без музыки, сцена накаляет обстановку практически до электрических разрядов в воздухе. Неумолимый, как возмездие, мавр в последний раз целует супругу. Убийство девушки в белом происходит под прикрытием фантастически широкого оранжевого подола торжествующей злодейки. Над телом Дездемоны злодеи обвиняют друг друга в клевете, то ли осознав весь ужас своего преступления, то ли продолжая играть новую, не менее гнусную игру, а цвета их костюмов уже напоминают шутовские. Не в силах перенести ужас содеянного, Отелло замирает над телом жены.

С последними аккордами ренессансной музыки зал буквально взорвался аплодисментами. Зрители хлопали вразнобой и в такт, кричали «браво», усиливая град при выходе на поклон Фаруха Рузиматова.

Общее мнение о втором отделении выразила, выходя из зала, одна молодая зрительница.

- Вот это да! – выдохнула она, и поток публики поддержал ее согласными кивками.
- - - - - - - - - - - - --
Остальные фото по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16354
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Апр 29, 2014 7:28 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2014042911
Тема| Балет, XXIV Международный фестиваль оперного и балетного искусства «Сыктывкарса тулыс», Персоналии, Фарух Рузиматов
Авторы| Мария Манакова
Заголовок| Фарух Рузиматов: «Я не ожидал, что выйду в полном молчании» (ФОТО, ВИДЕО)
Где опубликовано| © Портал progorod11.ru (Сыктывкар)
Дата публикации| 2014-04-29
Ссылка| http://progorod11.ru/news/view/187430
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ, Интервью



29 апреля 2014 - Новости Сыктывкара.

Вчера, 28 апреля, на сцене Сыктывкарского Театра Оперы и Балета выступил вместе с солистами петербургских театров народный артист России Фарух Рузиматов.

Артисты представили сыктывкарскому зрителю концертную программу и одноактный балет «Павана Мавра» на известный сюжет трагедии Уильяма Шекспира «Отелло».

Во время концертной программы зрители ждали появления звезды мирового балета. После четырех концертных номеров занавес закрылся. По залу прошлась волна разочарованного шепота:

- Как, это все?
- Уже антракт? Так быстро?


Занавес снова открылся и, сквозь дым, зрители увидели поджарого танцора с обнаженным торсом. Зал замер. Фарух Рузиматов виртуозно исполнил знаменитое «Боллеро». Зрители были заворожены танцем. Артиста отблагодарили овациями и криками «браво».

Позже, в разговоре с корреспондентом, Фарух Рузиматов признался:

- Я не ожидал, что выйду в полном молчании.

Было похоже, что тишина в зале несколько озадачила артиста. Фарух Рузиматов сделал вывод по этому поводу:

- Может быть, я передержал публику в ожидании.

Нехватку аплодисментов в начале номера сыктывкарский зритель с лихвой компенсировал в финале. Но, все-таки, знаменитый артист балета оценил нашу публику:

- Зрители всегда хорошие. Как говорится, нет плохого зрителя, есть плохие артисты. В вашем городе заметно, что зрители не в первый раз пришли на балет и разбираются в этом искусстве.

До выступления был запланирован мастер-класс для нашей балетной труппы с Фарухом Рузиматовым, но он не состоялся в связи с тем, что артисты прибыли в четыре часа утра и требовалось время для восстановления сил перед выступлением. Наши артисты были огорчены, потому что ждали этого события. Фарух Рузиматов, в свою очередь, считает, что если бы у артистов было желание научится чему-то новому, то они бы сами нашли возможность с ним встретится:

- Я не видел ни одного артиста. Мы, в свое время, прорывались всеми мыслимыми и немыслимыми способами к звездам балета, чтобы пообщаться, спросить совета. Сейчас этого нет ни в одном театре. Возможно, это связано с неким переизбытком информации.

На вопрос о том, чему можно было бы научить балерин в провинциальных театрах, если бы мастер-класс все-таки состоялся, Фарух Рузиматов ответил:

- Я не видел ваших балерин, но, думаю, нужно показать, какими должны быть балетные руки, это проблема многих школ.

Не секрет, что Фарух Рузиматов - артист с огромным опытом. По поводу возраста артистов балета у артиста следующее мнение:

- Да, век балетного артиста недолгий, но это касается больше исполнения классических партий в таких балетах, как «Лебединое озеро», «Жизель». Мне нужно, как минимум, месяц усиленно поработать, чтобы станцевать классический балет.

В разговоре не обошли и тему о нашумевшей постановке Мэтью Борна гей-версии балета «Лебединое озеро». Мнение Фаруха Рузиматова отличается от мнения большинства противников этой интерпретации балета:

- Я видел эту постановку в Великобритании. Я не увидел в этом балете ничего, что режет глаз тем, кто предпочитает традиционные постановки. Это балет с потрясающей хореографией, режиссурой и драматургией. Я даже хотел лично пообщаться с балетмейстером, чтобы сделать партию Ротбарта.

После выступления, Фарух Рузиматов, выглядел достаточно бодро, да и по его словам, для того, чтобы полностью выложиться не хватает еще одного номера. В гримерке он позволил себе «маленькое удовольствие» - выкурить сигарету.

Мировая звезда балета спокойно, неспешно собирается в обратный путь после выступления, общается с журналистами, курит и считает, что комфорт можно создать в любом месте, потому что комфорт внутри человека. Фарух Рузиматов создает впечатление человека, умудренного как профессиональным, так и жизненным опытом, здраво оценивающего себя в искусстве. Высокий уровень артиста ощущался и во время выступления, и в беседе.

Сыктывкарским балетоманам посчастливилось увидеть мировую звезду. Зрители были под впечатлением от концерта и балета, но осталось ощущение некоторой «недосказанности», как будто чего-то не хватило, может быть, действительно, еще одного номера, как сказал сам Фарух Рузиматов.

Номер, которого ждал зритель


Посмотреть в отдельном окне
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16354
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Апр 29, 2014 7:42 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2014042912
Тема| Балет, БТ, "Раймонда", Персоналии, Владислав Лантратов, Денис Родькин, Денис Савин, Михаил Лобухин
Авторы| Людмила Гусева
Заголовок| «Раймонда» с мужским акцентом
Где опубликовано| © Belcanto.ru
Дата публикации| 2014-04-29
Ссылка| http://belcanto.ru/14042902.html
Аннотация|


Денис Родькин и Анна Никулина в «Раймонде»

Последний шедевр Петипа на чудесную музыку Глазунова, одна из жемчужин классического репертуара балет «Раймонда» появляется в Москве реже, чем красно солнышко. В лучшем случае — раз в сезон, а в этом сезоне — даже после двухлетнего перерыва. За этот срок в Большом театре много воды утекло, и к очередному показу «Раймонда» вышла обновленной, с вводом новых исполнителей как на ключевые, так и на маленькие роли.

Правда, главной героини балета это не коснулось. Анонсировался дебют и в заглавной партии Екатерины Крысановой. Это интриговало, так как Крысанова сейчас на пике формы и обладает редкостным даром исполнения любого по сложности текста с легкостью и изяществом, что весьма кстати в «Раймонде», но травма помешала ей дебютировать. В результате все спектакли оттанцевали уже опытные Раймонды.

Зато было много вводов на сольные партии и самое лакомое — два новых состава на главные мужские партии, а их в «Раймонде» две: жених Раймонды, рыцарь-крестоносец граф Жан де Бриен и Абдерахман, сарацинский (мавританский) рыцарь, антипод и соперник де Бриена за руку и сердце Раймонды.

Графа станцевали Владислав Лантратов и Денис Родькин, а Абдерахмана — Денис Савин и Михаил Лобухин.

Вся эта великолепная четверка во многом формирует сегодняшний танцевальный «пейзаж» в Большом, и старинной «Раймонде» они придали новое дыхание.

«Раймонда» — балет Петипа, а значит, это заповедник женского танца, но в Большом он идет в редакции Юрия Григоровича, и его «Раймонда» с явным мужским акцентом. Григоровичем расширена партия де Бриена, а Абдерахман из пантомимного (на балетном жаргоне «пешеходного») персонажа превратился в танцующего.

Ввод Владислава Лантратова в партию Жана де Бриена был вполне ожидаем

— Лантратов за последние два сезона из многообещающего молодого и только набирающего репертуар танцовщика превратился в ведущего премьера театра, несущего на своих плечах основной классический репертуар. Де Бриена в нем не хватало.



Лантратову всего 25. Это прекрасный возраст — еще много сил, но вместе с тем за плечами многолетний опыт на первых ролях: первую премьерскую партию — Филиппа в «Пламени Парижа» Влад станцевал еще при Ратманском, в 2008 году, потом потихонечку набирал ведущий репертуар. А сейчас без Лантратова не проходит ни одна премьера театра, но показатель его высокого класса — не только премьеры, а и текущий репертуар, любой спектакль которого он проводит так, что ни у кого не возникает сомнения, что он — ведущий премьер великого Большого.

Дебютное исполнение Лантратова партии де Бриена было очень гармонично:

его белый рыцарь блистал красотой и статью, стремительно менял романтическую мягкость в дуэтах с Раймондой на суровый стиль воина, отправляющегося в Крестовый поход. Его танцу была свойственна фирменная элегантность и чистота исполнения, хороший прыжок и виртуозные вращения, а также надежное партнерство при том, что он еще очень молод и по физике вовсе не атлант.

Видимо, именно поэтому его выбрала в партнеры опытная прима Мария Александрова, танцевавшая Раймонду после долгого отсутствия в театре, вызванного травмой. Александровой всегда шла эта партия, ее — единственную из русских балерин этого поколения — пригласили танцевать Раймонду в Парижской национальной опере. Видимо, в память об этом она оставила звучный финальный хлопок в ладоши в фортепианной вариации Гран па 3 акта, не принятый в России.

В этой знаменитой вариации Марией Александровой был явлен и чеканный графический стиль, введенный в мировую балетную традицию бесподобной Сильви Гиллем и принятый за эталон в Париже. В русской традиции вариация исполняется более женственно, но

Марии Александровой, балерине с царственными манерами, пошла аффектированная графика традиции французской.

И в целом в заключительной, парадной, части спектакля — Венгерском гран па — Мария смотрелась органично, но начало и сердцевина балета, где Раймонда должна выглядеть юной девушкой, проходящей путь от юности к взрослению через искушение страстью иноземца и иноверца, не убедили.

Есть балерины, которые и за 35 сохраняет на сцене иллюзию юности, но это не случай Александровой. Она выглядела слишком взрослой рядом с сияющим молодостью и энергией партнером, и, не смотря на старания обоих партнеров, в дуэте не было взаимного «электричества», а ее сольный танец был тяжеловатым, лишенным изящества. Не вызвало в Раймонде Александровой чувств и страстное горение сарацина. Впрочем, зрительный зал, не разделил ее холодности к Абдерахману.

В этом спектакле Абдерахманом вышел ведущий характерный танцовщик Большого Денис Савин.

Специалист по острому гротескному рисунку и пантомиме, в этом сезоне он начал получать роли с танцевальной составляющей. Первой стала роль капитана Пеппинели в «Марко Спаде» Пьера Лакотта, но театр больших страстей и героический танцевальный текст Григоровича Савину оказался более впору, чем суетливый комизм и мелкая лексика Лакотта.

Экзотический грим сделал из Савина настоящего красавца, кстати к этой роли пришлась привычная избыточность его актерского инструмента, открытое проявление любовной страсти, мужской напор и властность, контрастирующие с предписанной западным этикетом сдержанностью, благородным поклонением Прекрасной даме и антиэротизмом его соперника де Бриена. Изрядно соскучившись на пантомимной диете по виртуозному танцу, Савин проявил отличные прыжковые, даже акробатические способности.

Диковатая пылкость героя Савина, его открытый темперамент и виртуозные прыжки пришлись по вкусу зрительному залу.

Мужская убедительность и победительность двух соперников за сердце Раймонды вытеснили главную героиню балета на периферию.

Следующий спектакль с Раймондой-Никулиной и де Бриеном-Родькиным и Абдерахманом-Лобухиным гендерные акценты не поменял, опять самыми яркими были мужчины. Один — дебютант (Родькин), второй — почти дебютант (Лобухин впервые станцевал Абдерахмана в первом спектакле блока).

С Родькиным в театре совсем другая история, чем с Лантратовым,

последний прекрасно выучен молодым, но уже очень известным педагогом Ильей Кузнецовым, довольно долго вызревал как ведущий танцовщик театра. Денис моложе Влада на два года, ему только 23, он — выпускник не Академии, а балетной школы «Гжели», зато в театре прошел жесткую школу переобучения у Николая Цискаридзе.


Денис Родькин и Анна Никулина в «Раймонде»

Первую премьерскую партию Таора в «Дочери фараона» Лакотта, одну из «коронок» его педагога, Родькин станцевал два года назад. Для танцовщика с фактурой Андрея Уварова (высокий, статный красавец, с длинными ногами) иезуитская лакоттовская хореография, рассчитанная на более компактных и юрких танцовщиков, не «по ногам», но на удивление он справился достойно. Денис оказался юношей с характером, пережил вместе с учителем всё неблагоприятное для Цискаридзе и его учеников время в Большом, и в прошлом сезоне «выстрелил» в премьере «Ивана Грозного» в роли Курбского. В том же сезоне он дебютировал в «Спартаке» в заглавной роли.

Этот сезон у Дениса — сезон крутого карьерного роста

— вводы в классический и неоклассический репертуар, премьеры в театре, выступление со Светланой Захаровой в «Кармен-сюите», дебют на фестивале «Мариинский». Между дебютным Зигфридом (в марте) и долгожданным Онегиным в версии Кранко (обещают в мае) и прошел дебют Родькина в «Раймонде».

Фактура Родькина идеально ложится на образ де Бриена, отсылая к иконографии средневековых рыцарских эпосов — красота, высокий рост, мужская стать. Идеальная для этой партии фактура.

Но в танцевальном плане Родькин (пока?) проиграл заочный рыцарский турнир с де Бриеном Лантратова.

У Лантратова граф из Раймонды — эталон балетного исполнения особы голубых кровей, технически и стилистически партия де Бриена вышла более сбалансированной, чем у его более молодого коллеги. У Родькина пока не идеальны вращения и слишком акцентированы препарасьоны, которые в идеале должны быть почти незаметными и сливаться с танцем, некоторое напряжение чувствовалось и в дуэтной части роли.

Тем не менее, это был многообещающий дебют. У артиста выдающийся прыжок, в Большом ведущих артистов без хорошего прыжка не бывает, но у Родькин не просто хороший, а поразительный по высоте и баллону прыжок, причем, благородной, уваровской, формы. В этот вечер белый рыцарь был летающим рыцарем, которому откровенно тесной казалась малая сцена Большого, а впору только сцена историческая.


Денис Родькин и Анна Никулина в «Раймонде»

Но не прыжками едиными...

Родькин — редкий пример очень живого и неожиданного артиста — балетной идеальности, благородной стерильности от него не стоит ждать.

При уваровской фактуре у него нет уваровской уравновешенности и отрешенности, наоборот, на сцене он тяготеет к эмоциональному поведению (влияние его учителя Цискаридзе?). Дуэты де Бриена с Раймондой (Анна Никулина) были не традиционной балетной лирикой, не ритуальным поклонением кавалера даме, рыцаря — Прекрасной даме, а откровенно чувственными, и эта любовная волна, тот самый ток, которого зритель не дождался в дуэте Александрова-Лантратов — тёк в зал от романтического героя Родькина. Оставаясь в рамках балетного канона, он эмоционально окрасил дуэты с Раймондой, повинуясь проникновенной музыке Глазунова.

Этому де Бриену больше повезло с партнершей, чем де Бриену Лантратова —

хорошенькая, хрупкая, нежная Раймонда Никулиной была и более легкой партнершей, и придавала достоверность любовному сюжету.

Не очень интересная и не всегда умелая в сольном танце Никулина (простим ей — эта партия сложнейший экзамен для балерины) и в партнерстве с женихом, и в дуэте взаимного притяжения-отталкивания с сарацинским рыцарем, была на высоте. Но так же, как и Александрова, в сольной части уступила в яркости и посыле обоим своим партнерам.

Михаил Лобухин станцевал и сыграл Абдерахмана по-премьерски,

не просто с блеском и отсутствием швов межу танцем и пантомимой, но и с редким пониманием пластического стиля и драматургии Григоровича. Абдерахман отличается от жениха Раймонды, европейца и аристократа, не только открытой эмоциональностью и явным мужским посылом (европеец — закрыт, подчиняется этикету, сдержан, чувства загнаны внутрь), но и стилем поведения и движения — Григорович поставил Абдерахману витиеватую, как восточный орнамент, откровенно декоративную пластику, Лобухин это почувствовал и воплотил.


Михаил Лобухин в «Раймонде»

Антитеза рыцарской прямолинейности, острым пластически углам танцевального текста де Бриена, строгой геометрии «западного» ансамбля (трубадуры, подруги Раймонды, сама Раймонда в готическом по окраске па д’аксьоне 2 акта) — выгнутая подобно восточному холодному оружию и стремительная пластика сарацина Абдерахмана.

Абдерахман у Лобухина получился не дикарем, а человеком глубокой, всепожирающей страсти,

попавшим в ловушку «любовь до смерти» и погибший с достоинством.

Удивительно, что артист, воспитанный Вагановской академией и перешедший в Москву из Мариинского театра, где балетный театр строится на более строгих принципах, на сегодня — один из главных адептов театра Григоровича, московских традиций «жизни» на сцене.

Вот такими, с явным мужским акцентом, получились апрельские «Раймонды» в Большом театре. Но «Раймонда», одна из вершин балетного академизма — все-таки балет женский. Срочно требуется главная героиня, не уступающая мужчинам! Может, к следующему блоку «Раймонд» в театре, где танцуют Захарова, Крысанова, Смирнова, она все-таки найдется?

Фото с сайта dolchev.livejournal.com
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16354
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Апр 29, 2014 8:02 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2014042913
Тема| Балет, "Киев Модерн-Балет", Персоналии, Раду Поклитару
Авторы| журналист Vogue.ua
Заголовок| Эксклюзив: интервью с Раду Поклитару
Где опубликовано| © Vogue Украина
Дата публикации| 2014-04-29
Ссылка| http://www.vogue.ua/culture/ehksklyuziv-intervyu-s-radu-poklitaru2892.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Раду Поклитару, самый успешный украинский балетмейстер, создатель единственного в Украине театра современного балета "Киев Модерн-Балет", в июне представит в Киеве первую за последний год премьеру - одноактный балет "Женщины в ре-миноре" на музыку Баха. Напомним, в прошлом году Поклитару планировал закрывать театр из-за отсутствия финансирования. Сегодня, несмотря на сложности, "Киев Модерн-Балет" живет и танцует. В этом на репетиции нового спектакля убедился журналист Vogue.ua



Харизматичный и общительный Поклитару - космополит. Он родился и вырос в Молдавии, прописан в Белоруссии, а работает в Украине, России и Европе. В феврале Раду был одним их хореографов церемонии открытия олимпиады в Сочи, сейчас в Большом театре ставит "Гамлета", масштабный международный проект, а параллельно придумывает хореографию для нового фильма с Евгением Мироновым и Чулпан Хаматовой - "Синдром Петрушки" по роману Дины Рубиной.



На вопрос о том, что заставляет Поклитару возвращаться в Киев, Поклитару отвечает коротко: "Мой дом". Дом - это "Киев Модерн-Балет", который он основал восемь лет назад, который все эти годы собирал всевозможные украинские и европейские премии и удивлял зрителя смелой современной формой своих "Кармен.TV" и "Щелкунчика", и который в 2013 году чуть не закрылся из-за проблем с финансированием. Сегодня эти проблемы не решены, но оптимист Поклитару готовит новый спектакль. "Женщин в ре-миноре" Раду представит 18 и 19 июня, а во втором действии в эти дни в театре будет еще одна премьера - одноактный балет "Видение розы" Алексея Бусько, ученика Раду, ведущего танцора театра. "Женщины в ре-миноре" - отдаленное эхо работы, которую в 2000 году Раду сделал в одесском Оперном театре. Вдохновлением для либретто послужила популярная во всем мире пьеса Фредерико Гарсиа Лорки «Дом Бернарды Альбы» - эмоциональная история про темпераментную испанскую семью. Любопытно то, что в пьесе Лорки все герои – женщины, это настоящая женская драма, тогда как в спектакле Раду на сцене будут находиться и женщины, и мужчины…

Пьеса Лорки очень популярна именно в драматическом театре, хотя, побывав на репетиции, становится понятно, что эта история очень хореографична. Раду верен себе: на сцене много страсти и драматизма.

Что изменилось с тех пор, как вы планировали закрыть театр? В финансовом смысле стало легче или, наоборот, сложнее?

Стало куда печальнее, потому в связи с инфляцией зарплаты артистов падают. Но зайти в зал и сказать ребятам: «Всем спасибо, все свободны» я могу в любое время. Закрыть театр – проще всего, сейчас я все же пытаюсь идти другим путем. Частично сам финансирую спектакли: зарабатываю на "стороне" и вкладываю тут.

Раньше вы тратили много времени на то, чтобы добиться для театра статуса «национального». У вас есть надежда, что новый министр культуры пойдет вам навстречу?

Нет, ничего такого я не жду. С новым министром культуры я познакомился, сходил на его моноспектакль в театр "Сузирья". После спектакля мы пообщались с ним немного, но я отдаю себе отчет в том, что какой бы министр культуры не пришел к власти, пока "Киев Модерн-Балету" ничего не светит. Сейчас мы все находимся в состоянии жесткой экономии средств.

Насколько Поклитару-режиссер мешает Поклитару-директору?

Мне очень нравится одновременно заниматься и менеджментом, и творчеством, но проблема в том, что творчеством я занимаюсь в кайф, а менеджментом – в горе. Денег нет и пока не будет.

Почему? Восемь лет назад ваш театр возник по инициативе и на средства совершенно конкретного мецената Владимира Филлипова.

Да, но за восемь лет я больше не встретил ни одного мецената. Финансово "Киев Модерн-Балету" сейчас помогает бизнесмен из Перми. Украинские меценаты, вы где? Ну да, наш театр такой громадный, его очень сложно потянуть финансово (иронично) – у меня аж 21 артист!

Вы работаете над большим проектом в Москве - российско-британским спектаклем "Гамлет" в Большом театре. Как происходит ваше сотрудничество в разгар обострения отношений между Россией и Украиной?

Для меня эта работа - мостик, который может восстановить диалог между нормальными людьми по обе стороны границы; одна из маленьких точек соприкосновения. Причем сначала этим "мостиком", как ни парадоксально, стала работа на Олимпиаде в январе, где мы с Александром Лещенко ставили отрывок из церемонии открытия - "Первый бал Наташи Ростовой".

Долго работали над такой масштабной постановкой?

Полтора месяца, но сейчас понимаю, что вполне хватило бы и меньше времени. Технически самый сложный момент в этой работе - добиться синхронности 400 танцовщиков, находящихся на сцене. В этом, как ни странно, много математики - именно расчеты помогают добиться в итоге идеальной картинки. На репетициях, да и во время шоу у танцоров в ушах всегда были рации, при помощи которых я "общался" с ними и координировал их передвижения, у каждого же на "поле" был свой номер и своя траектория передвижения. Но все эти детали, конечно, остаются за кадром, зритель видит самое-самое - красивую историю, которую рассказывают четыре сотни талантливых танцовщиков.

Что же касается "Гамлета", то это одна из самых "небалетных" историй, какую себе можно вообще представить. Парадокс в том, что обычно любая пьеса – это рассказ о действии, о том, что случилось, а "Гамлет" – иcтория о бездействии. Это в принципе нетанцевально, потому что балет – это во-первых, всегда экшн, а, во-вторых, love story. Тут нет ни первого, ни второго, но, наверное, именно поэтому это очень интересно.

В прошлом году вы рассказывали о большом проекте – фолк-опере «Когда цветет папоротник» на музыку украинского композитора Евгения Станковича, премьера которого должна была пройти в мае. Я так понимаю, пока он заморожен?

Я говорил о нем потому, что у нас уже были спонсоры, и проект был запущен. После изменения политической картины в Украине и после того, как финансовая карта в стране была полностью перекроена, нашим спонсорам теперь не до нас. А поскольку спектакль этот очень дорогой – помимо нашей труппы, в нем должен быть задействован хор, большой симфонический оркестр, оперные исполнители, то есть огромное количество народу на сцене – то говорить о нем пока глупо.

Кстати, по поводу Станковича. Почему в Украине так мало ставят современной украинской музыки? Ведь наши композиторы – Сильвестров, Станкович, Скорик – востребованы в Европе.

А у нас вообще много ставят чего-то современного? Современная украинская музыка – небольшой процент от всего мирового репертуара. Куда проще «большому» академическому театру взять и поставить что-то из Баха или Моцарта – из разряда «это мы проходили, справимся как-нибудь». В 2012 году на сцене Национальной оперы мы поставили «Перекресток» на музыку Мирослава Скорика, который получил «Киевскую пектораль». Большой симфонический оркестр, солисты-скрипачи - звезды украинской и европейской музыки, лучшие украинские танцовщики - спектакль поднял волну общественных разговоров про современный украинский балет, да и разговоров о современном искусстве вообще, что для Украины большая редкость. Так вот, в продолжение истории: де-юре его еще не сняли из репертуара Национальной оперы, де-факто его уже давно там не показывают. Какие причины называет Нацопера, я не знаю. Все театры мира сегодня умудряются сохранить классику и при этом делают современные постановки, которые расширяют аудиторию, у нас пока с этим туго.

Вы ставите много современной музыки. Современных композиторов, которые могут лично прийти на репетицию и покритиковать вас за что-нибудь, ставить сложнее?

Ничуть. Вообще, они редко приходят на репетиции – все, с кем я знаком лично, а это и Мирослав Скорик, и Петерис Васкс, приходят редко, потому что они очень занятые. Петерис Васкс, знаменитый латышский композитор, которого исполняют все ведущие музыканты Европы, приезжал в 2008 году в Киев на премьеру нашего балета «Underground", который я поставил на его музыку. Когда мы прогуливалась по городу, он спросил: «Раду, как называется ваш спектакль?» Я ответил: «Underground». «Как это?» - удивился он. «Мое произведение называется «Дальний свет», а у вас про подземелье…Странно. Впрочем, ну ладно». На этом все его «замечания» и закончились.

Недавно в интервью для vogue.ua Влад Троицкий говорил о том, что в Украине очень не хватает театра-праздника, театра-аттракциона и ближе всего, по его мнению, к этому формату находитесь именно вы. Почему у нас нет зрелищного театра - потому что дорого или потому, что пока не умеют это делать?

Дорого очень. Сейчас, ставя «Женщин в ре-миноре», я не устаю удивляться, как растет мой бюджет на костюмы. Художник по костюмам Дмитрий Курята рассказывает, что цены на ткани все выше и выше каждый день. Так что вы правы – делать зрелищный театр очень дорого. Но искусство вообще дорогая вещь. Поэтому те, кто сидит "наверху", должны быть честными. Или вы говорите, как в Туркменистане: «Нам искусство не нужно, мы его не очень понимаем» и закрываете театры, или вы все же финансируете его. На самом деле, я верю, что в нашем мире все решает талант. Но если у таланта нет денег, ничего не получится. Если бы во время подготовки Олимпиады мне сказали: «Сделай крутое шоу, но только помни, что у нас нет денег», я бы мог ужом вывернуться, но у меня бы не получилось ровным счетом ничего. А когда я понимаю, что у меня нет слова «нет», то дело уже за мной – хватит ли мне таланта сделать это красиво.

Остальные фото по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16354
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Апр 30, 2014 7:50 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2014043001
Тема| Балет, XIII Международный фестиваль балета Dance Open (Санкт-Петербург)
Авторы| ТАТЬЯНА Ъ-КУЗНЕЦОВА.
Заголовок| Классика против акробатики
В Санкт-Петербурге завершился Dance Open

Где опубликовано| © Газета "Коммерсантъ" №75, стр. 10
Дата публикации| 2014-04-30
Ссылка| http://www.kommersant.ru/doc/2463751
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ


Фото: Владимир Черенков

В Александринском театре прошел гала мировых звезд, традиционно венчающий фестиваль Dance Open. После него в Мраморном зале Этнографического музея международное жюри одарило полюбившихся артистов хрустальными ножками Анны Павловой. За событиями наблюдала ТАТЬЯНА Ъ-КУЗНЕЦОВА.


Гала-концерт Dance Open проходил с аншлагом и большим воодушевлением. Заявленная звездность была оправданна: танцевали действительно лидеры и ведущие солисты мировых трупп. Провинциальностью сверкало разве что оформление: кулисы, замаскированные под пухлые золотые рамы, и меняющиеся картинки на заднике, наотмашь бьющие в глаз золотыми люстрами, греческими руинами, пухлыми колоннадами неведомых дворцов, дикими красками пейзажей и прочими красотами, среди которых терялись артисты. Похоже, в Петербурге до сих пор считают, что сам по себе танец не может развлечь зрителей. Программа же была составлена на все вкусы — от записной классики с непременными фуэте и прочими балетными фиоритурами до новейших опусов лидеров современной моды Уэйна Макгрегора и Дэвида Доусона.

В необъявленном сражении классики и современности победило старое доброе позапрошловековое, а из классических школ — русская, что и отразил вердикт мужского жюри, составленного из именитых худруков мировых трупп, разбавленных одной женщиной — завтруппой Большого театра Галиной Степаненко. Grand Prix достался Анне Цыганковой, экс-солистке Большого и действующей приме Национального балета Нидерландов: при поддержке Мэтью Голдинга она с безукоризненной чистотой исполнила бестолково поставленное классическое па-де-де из "Delibes Suite" Хосе Мартинеса. Этой наградой балерина явно обязана председателю жюри, голландцу Хансу ван Манену, поскольку примы других театров, среди которых была боготворимая петербуржцами Виктория Терешкина, танцевали ничуть не хуже, причем более вменяемую хореографию.

Впрочем, патриотизм хозяев судьи все же потешили, присудив приз "Мистер Выразительность" жизнерадостному премьеру Мариинки Владимиру Шклярову: в па-де-де Баланчина на музыку Чайковского тот безоблачно улыбался и задорно потряхивал головой, невзирая на то что партнерша Терешкина одаряла вниманием только публику, а его непреклонно игнорировала. "Мисс Выразительностью" оказалась Мисти Копланд из Американского балетного театра. Сексапильная мулатка исполнила номер своего коллеги Марсело Гомеса: на музыку Паганини она то принимала роскошные классические позы, то мельтешила в подобии чечетки, делая вид, что не контролирует свои вкусно вылепленные воспитанные ноги.

Призы под названием "Мистер и мисс Виртуозность" получили ведущие солисты Большого Кристина Кретова и Семен Чудин, а также отчасти худрук фестиваля Василий Медведев, хореографию которого (под грифом "Гран па-де-де "Электрик" из балета "Синяя борода" по Мариусу Петипа") они и танцевали. Надо признать, весьма впечатляюще: мало кто из российских балерин смог бы отделать семь итальянских фуэте в таком быстром темпе, и уж точно никто не обладает таким апломбом (в смысле умением стоять на пятачке пуанта без поддержки партнера), как Кристина Кретова, продержавшаяся в незыблемом равновесии секунд двадцать.

Однако кубинская (а ныне норвежская) прима Йоланда Кореа, завершившая свои фуэте невиданными девятью (!) пируэтами, уж точно побила все мыслимые рекорды (если, конечно, под "виртуозностью" понимать именно трюковые эффекты). Партнер и соотечественник рекордсменки Йоэль Кареньо, танцевавший с ней па-де-де Дианы и Актеона, тоже вертелся как бог, меняя во вращениях темп, позы, и количество поворотов, взятых с одного форса, зашкаливало за пределы разумного — хрустальную ножку ему присудили потрясенные зрители. Второй приз зрительских симпатий достался милейшему голландцу Реми Вортмейеру: он поставил себе шуточно-эстрадный номерок, в котором серии незатрепанных прыжковых комбинаций перемежались заигрыванием с публикой.

Без наград остались все исполнители современной хореографии, но даже корреспондент "Ъ" при всей любви ко всяческим новшествам не может упрекнуть жюри в предвзятости, поскольку авангардные хореографы на этом концерте выглядели бледновато. Дуэт из балета "Raven Girl" самого Уэйна Макгрегора исполнили бесподобно сложенный афроамериканец Эрик Андервуд из Ковент-Гардена с длинноногой, гибкой, запредельно растянутой Мелиссой Хэмилтон. Партнерша, изображая девушку-птицу, почему-то постоянно свивалась в кольцо, как женщина-змея; доставала ногами до головы в самых рискованных поддержках то на вытянутых руках партнера, то опершись собственными руками на его плечи — цирк отдыхает. Второй оплот современной хореографии англичанин Дэвид Доусон превратил выступление эффектной Игон де Йонг и ее партнера-носильщика Рафаэля Кум-Марке в подобие "Ледникового периода": вращение над полом прихваченной под мышками балерины с распростертыми в стороны ногами оказалось доминирующим средством выразительности. Если западные "современники" собираются и дальше развиваться в подобном акробатическом ключе, то им стоило бы пройти мастер-класс у классика советской хореографии Юрия Григоровича — уж он-то отсоветовал бы класть балерину на бедро в позе лягушки в качестве объяснения в любви.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Сб Май 10, 2014 10:12 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16354
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Апр 30, 2014 9:05 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2014040407
Тема| Балет, XIV Международный фестиваль балета «Мариинский», Премьера, "Сильвия"
Авторы| Дмитрий Циликин
Заголовок| Ценности
Где опубликовано| © Газета "Деловой Петербург"
Дата публикации| 2014-04-18
Ссылка| http://www.dp.ru/a/2014/04/18/Cennosti/
http://ptj.spb.ru/pressa/cennosti/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ, ПРЕМЬЕРА

Давненько Мариинский театр не баловал крупноформатными балетными новинками, и вот XIV одноименный фестиваль открылся премьерой трехактной «Сильвии» Фредерика Аштона.

Парижская премьера этого сочинения Лео Делиба прошла в 1876 году, с тех пор партитура пережила немало интерпретаций, в том числе в Петербурге к ней приложил руку Лев Иванов. Аштон же поставил свой спектакль в 1952—м в труппе Ниннет де Валуа (ставшей впоследствии Королевским балетом.

Как определить грань, где кончаются преданные адепты, восторженные последователи — и начинаются эпигоны? Стать танцовщиком Аштон решил, увидев Анну Павлову, он учился у русских артистов, танцевал русскую хореографию, от Петипа находился в одном рукопожатии — хотя бы через Тамару Карсавину. Буклет нынешней «Сильвии» репрезентирует Аштона как «ослепительно талантливого». Щедро. У него есть симпатичные камерные сочинения, у него была способность выразительно комбинировать движения. Однако, когда он вступает на поле полнометражного сюжетного балета, очевидно, что таланта выстраивать из этих комбинаций мир, как у Петипа и того же Иванова, у него нет. Конечно, сюжет «Сильвии» — обычная балетная ерунда: нимфа—мужененавистница, отвергающая любовь пылкого пастуха и наказанная стрелой Эроса (представленного ожившей статуей из его собственного храма), да еще норовят подгадить воздыхатель нимфы с полубандитской повадкой и самоё богиня Диана. Но, скажем, сюжет такого же квазиантичного «Пробуждения Флоры» Петипа (в котором, кстати, Карсавина и дебютировала в 1904 году) — ерунда не меньшая, однако мало что с такой полнотой передает атмосферу и стиль жизни высших слоев российского общества того времени. А «Сильвия» Аштона, даром что сделана в UK, выглядит подделкой made in China.

Кроме, конечно, Виктории Терешкиной в заглавной партии — она—то настоящая! Она, главная виртуозка мариинской труппы, проговаривает сложнейший хореографический текст с легкостью и свободой необычайными. А, главное, кроме ее выдающейся техники — умение придавать каждому па чеканную ювелирно точную форму и притом сплавлять их в непрерывный музыкальный поток упоительного танцевания делают любой ее выход на сцену — в чем угодно! — самодостаточной художественной ценностью.

Такая же ценность — поразительный пластический дар Дианы Вишневой. Без малого 20 лет мы восхищаемся им, а последние годы — еще и тем, какие смелые, иногда даже экстравагантные способы реализации этого дара она выбирает. Восхищаемся самоотверженным, почти отчаянным поиском нового в себе и себя в искусстве. Очередной ее проект — «Грани»: одноактные «Переключение» Жана—Кристофа Майо и «Женщина в комнате» Каролин Карлсон. В первом Диана танцует вместе с партнером и партнершей из Балета Монте—Карло (который Майо возглавляет), второй опус — моноспектакль. Темы заявлены самые общие: вроде как жизнь и судьба, одиночество, исчерпанность профессии и т. д. В хореографии это выражено скудно, да и сама хореография скудна настолько, что иногда почти не просматривается. Тем дороже, когда вдруг вспыхнет острый нервный арабеск, или эта прекрасная женщина бытовым обреченным жестом снимет пуанты и привяжет их за ленточки к палке балетного станка, или когда она, опершись руками на край стола, склонившись, долго отчаянно бежит на месте…

От бывших прежде ярких идей, оригинальных концепций фестиваля мало что осталось. В нынешнем его состоянии главным интересом становятся встречи с артистами такого уровня.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16354
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Апр 30, 2014 12:28 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2014043002
Тема| Балет, XIII Международный фестиваль балета Dance Open (Санкт-Петербург)
Авторы| Павел Ященков
Заголовок| На сцене Александринского театра в Санкт-Петербурге завершился XIII Международный фестиваль балета Dance Open
Ножки Павловой нашли победителей
Где опубликовано| © Газета "Московский комсомолец"
Дата публикации| 2014-04-30
Ссылка| http://www.mk.ru/culture/2014/04/30/na-stsene-aleksandrinskogo-teatra-v-sanktpeterburge-zavershilsya-xiii-mezhdunarodnyiy-festival-baleta-dance-open.html
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Уже в тринадцатый раз, прошел в Санкт-Петербурге ежегодный балетный фестиваль Dance Open. Не став комлексовать по поводу числа 13, организаторы ещё раз подтвердили выработанную в прошлом году концепцию – на гастроли пригласили востребованные и креативные балетные компании, показав зрителю полноценные программы, составленные из работ балетмейстеров, определяющих сегодня мировые тренды.


Фото: Владимир Черенков (предоставлено пресс-службой фестиваля)

На фестиваль привезли несколько коллективов: американскую труппу Complexions, Ballet Biarritz со спектаклем его руководителя Тьерри Маландена "Magifique" и Национальный балет Нидерландов с программой хореографа Ханса ван Манена. Все три компании довольно хорошо известны балетной Москве, но в мекку классического балета - Санкт-Петербург, пожаловали впервые.


Эрик Андервуд (фото - Рик Гест). Предоставлено пресс-службой фестиваля.

Название своего балета - "Magifique" Маланден произвел от двух французских слов: magnifique (великолепный) и magique (волшебный). «Ребенком, встречая что-нибудь красивое, я восклицал «мажифик», потому что не мог выговорить «маньифик» - объясняет хореограф. Таким образом "Magifique" – это воспоминание о детстве, а главное - о первой встрече с музыкой Чайковского. Он действительно полон магии, великолепия и неистощимой хореографической выдумки. "Magifique" длится 80 минут и все три балета Чайковского, представлены тут как сюиты. Зеркальный куб возникающий на сцене в самом начале, трансформируется в спектакле в зеркальные ширмы, делая сценическое пространство похожим на балетный класс. Все 19 танцовщиков занятые в балете - в купальниках (обычная униформа для артистов этой труппы) телесного цвета. А отражение в зеркалах, дает ощущение пластического пиршества обнаженного тела.

Купаясь в танце и музыке артисты балуются словно дети: опираясь на балетную палку раскачиваются на ней подражая гимнастам на брусьях, делают перевороты, сальто-мортале, кувыркаются, ходят по палке, как по канату или как обезьянки карабкаются на верх. А в «Танце маленьких лебедей» вообще стоя вверх тормашками дрыгают под музыку ногами и сверкают попками, оставляя ощущение детской радости.

Программа балетов одного из самых авторитетных деятелей современной хореографии, основателя голландского балета Ханса ван Манена тоже дарит долгое послевкусие. И совсем свежие, и ставшие уже классическими работы мастера - то, что невозможно передать словами. Это чистая поэзия в танце. Мировая премьера первого из пяти балетов, представленных на фестивале, «Танцы с арфой», состоялась всего 2 недели назад.

- В этом балете все началось с музыки – рассказывает мне ван Манен. - Когда я познакомился с Рэми ван Кестереном, который потрясающе играет на арфе, я понял, что это что-то совершенно невообразимое. Мы захотели поработать вместе и остановились на музыке Фредерика Момпу. И я решил, что будет здорово, если Рэми будет присутствовать на сцене, потому что никогда не было такого, чтобы в балетном спектакле присутствовал на сцене арфист.


Complexions (фото - Джея Ман Джу). Предоставлено пресс-службой фестиваля.

Действительно, глядя на то как сидящий на сцене музыкант перебирает струны, уже видишь танец, материализованный затем в балете тремя парами танцовщиков.

Музыкант, как преображающий действие волшебник и одновременно участник балета использован и в его, ставшим уже классическим, балете «Три гносианы». Три танцовщика наблюдающие за тем как танцует пара (Лариса Лежнина, Кейси Херд) передвигают стоящий на специальной движущейся подставке рояль с пианистом, и это предает композиции ван Манена какую-то оригинальность, завершенность (до этого в России исполнялся лишь концертный вариант дуэта, где рояля не было) и поэтичность. Впрочем, поэзию, красоту тела и чувства пластически передают практически все такие казалось бы абстрактные и математически выстроенные, но вместе с тем невероятно чувственные и напряженные балеты этого хореографа.


Голландский национальный балет (фото - Ангела Стерлинг). Предоставлено пресс-службой фестиваля.

В последний день фестиваля, на завершающем его гала-концерте, по традиции выступили сильнейшие танцовщики мира, лучшим из которых на торжественной, уже 5 по счету церемонии награждения, вручили специальный приз – хрустальные слепки с ножки Анны Павловой. Всего таких слепков было семь. Мистером и Мисс Виртуозность провозглашены в этом году Кристина Кретова и Семен Чудин – солисты Большого театра за несколько дней разучившие и превосходно исполнившие в сопровождении артистов Театра балета им. Якобсона «Гран па-де-де электрик» из утраченного, довольно известного балета Мариуса Петипа «Синяя борода». Па-де-де естественно не сохранилось – его, опираясь на оставшиеся документы и пытаясь передать дух старины, удачно сочинил худрук фестиваля и прекрасный стилизатор Василий Медведев.

Тем не менее настоящим виртуозом на этом фестивале следовало бы признать премьера Мариинского театра Владимира Шклярова, получившего, однако, приз «Mr. Выразительность». Шкляров вместе со своей превосходной партнершей Викторией Терешкиной (призом по недоразумению не награжденной) танцевал на гала «Классическое па-де-де» Баланчина на музыку Чайковского. И в этом исполнении у него в отличии от партнерши чувства стиля как раз не было и в помине, зато чисто технически он провел свою партию великолепно. Другими виртуозами на гала-концерте являлись норвежский танцовщик представляющий знаменитую кубинскую династию Йоэль Кареньо и голландец Реми Вортмейер, по справедливости разделившие за показанную на концерте виртуозность «Приз зрительских симпатий».


Мисти Коупленд (фото - Nisian Hughes). Предоставлено пресс-службой фестиваля.

Среди других лауреатов - Яна Саленко (Берлинский балет) и американец Джозеф Гатти получившие приз как «Лучший дуэт», действительно очень выразительная Мисти Копланд из Американского балетного театра (Mrs Выразительность). Гран-при Dance Open этого года досталось выпускнице Московской Академии, ныне приме Национального балета Нидерландов Анне Цыганковой. Вместе со своим партнером по сцене и в жизни Мэтью Голдингом (лондонский Королевский балет) Цыганкова станцевала стилизованную Хосе Мартинесом под старину «Delibes suite».


Фото: Владимир Черенков (предоставлено пресс-службой фестиваля).


Последний раз редактировалось: Елена С. (Чт Июл 03, 2014 10:45 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16354
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Апр 30, 2014 11:36 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2014043101
Тема| Балет, МТ, Персоналии, Ульяна Лопаткина
Авторы| Записала Марина Бойцова
Заголовок| "Разговор на языке души"
Где опубликовано| © Росбалт
Дата публикации| 2014-04-30
Ссылка| http://www.rosbalt.ru/piter/2014/04/30/1263513.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Применительно к Ульяне Лопаткиной прозвучали, кажется, уже все существующие эпитеты. Вообще от "национального достояния" (еще один из эпитетов применительно к Лопаткиной) исходит какое-то состояние уверенного спокойствия и неяркого, но очень мощного света. Ее танец, ее манеру общаться, держать себя, отвечать на вопросы — с почти физически ощутимой вежливой прохладой — часто называют "петербургскими". И при этом прима Мариинки признается, что ее собственные отношения с Петербургом, куда она приехала в начале 1980-х маленькой девочкой, складывались сложно. По словам Лопаткиной, Петербург поражает ее какой-то вечной грустью и кажется отстраненным, но уверенным и мудрым. Глядя на нее, понимаешь смысл этих слов.

Перед праздничным концертом в рамках Международного дня танца "великая и неподражаемая" пообщалась с прессой.

В начале беседы Лопаткина остановилась на непростых взаимоотношениях классического и современного балета.

— Современное искусство интересно, потому что человек меняется, мир меняется, и этот мир диктует свои нововведения. Классический балет занимает по праву свое место, а современный танец вызывает свой неизменный интерес, как все новое.

— Правда ли, что раньше к балету относились более внимательно, трепетно?

— Я не занималась анализом внимания по отношению к балетному искусству, а всегда занималась своим делом. И, наверное, об этом надо спросить у критиков, искусствоведов.

— Возможна ли конкуренция между классическим и современным балетом?

— Конкуренция как раз если есть, то в основном в созидательном ключе. Если мы оставим только классический балет без современного танца, то это будет неполная картина искусства танца вообще. В сочетании "здоровая конкуренция и качество исполнения" — это нормально.

— Существуют ли какие-то особенности подготовки перед исполнением классических и современных танцев?

— Современный танец и классический танец — это разные стили, поэтому они влекут свои особенности, разный рисунок движения. Тело танцовщика по-иному реагирует. Подготовка нужна, конечно, тоже разная.

— Надо ли менять в себе что-то при исполнении неклассических партий? Менять не с точки зрения пластики, а именно творческого подхода?

— Не думаю, что менять. Нет, скорее — искать, раскрывать. Скорее, это познание себя в творчестве, в искусстве.

— Говорят, что нынешний танец потерял в эмоциональности и больше напоминает спорт больших достижений, теряется артистизм, эмоции. Это так?

— На такой сложный вопрос я не могу так же объемно ответить. Я, когда занимаю место в зрительном зале, то моя душа, конечно, отвечает на танец, в котором есть человеческая личность. Когда танцовщик разговаривает на языке души, а не просто языком техники. Все откликается сразу! Безупречная техника и совершенство исполнения поражают, но не удерживают надолго. Я восхищаюсь, отдаю должное высокому уровню, но душа отключается минуты через 3-4. Мне ближе, когда душа трепещет, когда в зале ощущаешь что-то крайне эмоциональное. Какое-то чувство, которое тебе передается от танцовщика. Но это очень сложно. Я бы не стала обвинять всех танцовщиков, я понимаю, как это трудно — сочетать высочайшую технику и душу танца. И под этим контролем надо уметь это все делать. Это наша профессиональная задача.

—Если бы можно было вернуться назад, что изменили бы в себе?

— Вернуться назад нельзя, поэтому ничего не могу сказать.

— Если не балет, то что?

— Воспитательница детского сада.

— Ходили слухи, что вы хотели быть парикмахером?..

— Это просто хобби.

— Руководители крупнейших балетных школ сейчас говорят, что трудно набирать детей в балетные классы. Это означает, что меньше стало талантливых детей, или страна стала меньше бывшего СССР и выбирать буквально не из кого? Что с этим надо делать?

— Не знаю. Я этим вопросом не занималась. Надо у педагогов спросить, они ближе к этой теме. У меня нет знаний. Эта тема хорошая, серьезная, надо ею надо заниматься, чтобы отвечать.

— Ваша дочь Маша подрастает. Какие у нее планы на будущее?

— Планы на будущее не все раскрывают. Они зависят от развития, от сегодняшнего дня. Она — человек творческий. Но, скорее, это не балет, а музыка, живопись.

— Вы родом из Керчи, где остались ваши родственники. Как они реагируют на смену геополитической ситуации в стране?

— Не знаю, это у родственников надо спросить. Они ждут улучшения, рады, что я смогу чаще приезжать. Рады скорее по-человечески, без жесткой политики. Просто мы рады видеть друг друга в более спокойной хорошей обстановке. Да и меньше сложностей на таможне будет.

— После прихода Николая Цискаридзе в Академию русского балета им. А.Я.Вагановой заметны ли какие-то изменения? Ваши коллеги их видят?

— У театра достаточно сложный регламент, сложная жизнь. Школа живет по своим законам и расписанию. Мы пересекаемся, сотрудничаем. Я очень люблю, когда дети рядом. Я много вижу ребят из Вагановского, которые со мной работают в "Анне Карениной". Это мои сыновья. И это крайне интересно. Вот об этом могу рассказать. А о том, какие изменения — к лучшему или худшему… Надо знать жизнь школы от и до — до смены руководства, при смене руководства, тенденции, особенности. Я не педагог, я выпускница этой школы. Я просто вижу, как ребята работают, какие выпускники приходят.

— Какие процессы, какие результаты?..

Вообще о результатах пока рано говорить, этот процесс непростой. По-моему, в школе все хорошо, выпускники танцуют. Мальчики, которые со мной, например, Сережа в "Анне Карениной" — замечательный, талантливый в актерском смысле, я его обожаю просто. Вообще у меня самые положительные ощущения от контакта со школой.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 2951

СообщениеДобавлено: Чт Май 01, 2014 12:32 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2014043102
Тема| Балет, XIII Международный фестиваль балета Dance Open (Санкт-Петербург), Персоналии, Тьерри Маландэн
Авторы| Ольга Федорченко
Заголовок| "Балетмейстер во мне победил художника"
// Тьерри Маландэн
Где опубликовано| Interview
Дата публикации| 2014-04-30
Ссылка| http://www.interviewrussia.ru/art/terri-malanden-baletmeyster-vo-mne-pobedil-hudozhnika
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Французский хореограф Тьерри Маландэн привез на XIII Международный фестиваль балета Dance Open в Петербурге спектакль Magifique — удивительную танцевальную фантазию на музыку Чайковского. Перед спектаклем с хореографом побеседовала балетный критик Ольга Федорченко.



Господин Маландэн, приветствуем вас в Санкт-Петербурге! Расскажите, пожалуйста, о себе. Ваша танцевальная судьба необычна: вы попали в Гранд-Опера, минуя учебу в знаменитой школе.

Я всегда хотел быть танцовщиком и начал учиться в девять лет. Однако мои родители не совсем были рады этому. Потом я принял участие в балетном конкурсе в Лозанне и неожиданно для самого себя там победил. Одним из членов жюри была балерина Виолетт Верди, в то время она руководила балетом Гранд-Опера. И после победы она пригласила меня и еще четырех ребят в театр. Но в Гранд-Опера я пробыл лишь четыре месяца. Так как у мадам Верди заканчивался контракт с театром и на должность руководителя приходил другой человек, нас отпустили на несколько месяцев с наказом вернуться в сентябре на новый просмотр. Между тем из Гранд-Опера уходил и Жан Сорели — его пригласили на должность директора Реннской оперы, и он предложил мне поехать в Ренн. Мои родители подтолкнули к принятию решения: «Ты будешь ждать до сентября, а если не пройдешь просмотр? То потеряешь возможность принять предложение Сорели». Я решился и поехал в Ренн — и так и не узнал, стал бы я артистом Парижской оперы. Но я туда вернулся спустя 30 лет: меня пригласили в Гранд-Опера поставить балет… В Ренне я танцевал пять лет и в основном в кордебалете. Были и сольные партии, удалось сотрудничать со многими хореографами. Именно в Реннской опере я начал заниматься сочинением хореографии. Сначала, для удовольствия, ставил танцы для моих друзей-танцовщиков, которые принимали участие в конкурсах. И они побеждали с моей хореографией. Потом друзья мне сказали: «Раз ты выигрываешь конкурсы как балетмейстер, то почему бы тебе не заняться сочинением хореографии?»
Я много размышлял, чем буду заниматься, когда закончу карьеру танцовщика. И на самом деле я хотел бы быть сценографом. В какой-то момент даже начал брать заочные уроки рисунка. Но балетмейстер во мне победил художника. Когда мне исполнилось 26 лет, я создал свою труппу в Нанси. В нее пришли мои восемь друзей, для которых я сочинял хореографию на конкурсы, и мы до сих пор работаем вместе, вот уже 28 лет.

Сложно ли создать новую театральную труппу во Франции?

Мы создали труппу в 1986 году, в это время был бум современного танца, я же предпочитал классический балет. Поэтому нам было нелегко найти свое место в театральном мире. Для меня классический танец — это сложнейшая система, это такой же язык, как русский или французский, который развивается и изменяется со временем и зависит от эпохи, в которой существует. Балет — это языковая система, способная говорить о сложных вещах.

Расскажите, пожалуйста, о вашей труппе.

Во Франции довольно сложная система государственной поддержки театров и компаний, она выглядит примерно так. Есть крупнейшие государственные театры — Парижская опера, оперные театры Бордо, Тулузы и Лиона. Есть несколько крупных муниципальных балетных коллективов театров — среди них Марсель, Нанси, Ренн. У них очень большой бюджет и государственные субсидии, которые они будут получать, даже если не будут показывать новые постановки. И есть 19 национальных центров хореографии, главная миссия которых — развитие современного искусства. Среди них — балет Анжелена Прельжокажа и наш Malandain Ballet Biarritz. Наш Национальный центр хореографии — один из самых молодых, был создан в 1998 году. Мы финансируемся на самых разных уровнях: на муниципальном (коммуна Биаррица выделяет нам средства), региональном и государственном. Бюджет моей труппы — три миллиона евро, из них полтора миллиона — государственные субсидии и полтора — то, что мы зарабатываем своими выступлениями. Мы очень много работаем: ведь если я не буду сочинять, не буду показывать новые спектакли, если мы не будем ездить с гастролями, то выделяемых средств хватит лишь на содержание шести артистов. За год мы даем порядка 100 спектаклей, в этом апреле уже станцевали 18 раз! Мы много ездим — ведь в Биаррице всего 25 тысяч жителей. Так, например, в апреле мы показывали «Золушку» на сцене парижского театра Шайо, потом выступали в Мадриде, потом совершили тур по французской провинции, вот сейчас здесь, в Санкт-Петербурге. В нашей компании 20 танцовщиков, в сентябре будет 22, в Петербург приехали 19 — одна девушка получила травму и не смогла участвовать в фестивале. Это артисты из самых разных школ и стран: половина — французы, также танцуют артисты из Японии, Мексики, Испании, Португалии. У меня нет иерархического деления на премьеров, солистов, корифеев, кордебалет — каждый танцовщик может в один вечер исполнять главную партию, а в другом спектакле танцевать в кордебалете.

Оказал ли на вас влияние русский балет?

Да, «Русские сезоны» начала ХХ века! Это был потрясающий переворот в танце, музыке, сценографии, переворот в понимании балета как вида искусства, а не просто как приятного времяпрепровождения. Я очень увлекся историей этого периода и позднее сочинил несколько балетов по мотивам дягилевских «Русских сезонов».

В вашем балете «Творение» вы предложили зрителям своеобразный краткий курс истории балета в виде путешествия по танцевальным эпохам. А вы сами в какой эпохе захотели бы оказаться, с кем из великих балетмейстеров прошлого познакомиться?

Хотелось бы оказаться в конце XVIII — начале XIX века — это было очень богатое время для творчества в Европе. Очень бы хотел встретиться с Сальваторе Вигано — ведь мое «Творение» поставлено на музыку «Творения Прометея» Бетховена, который написал эту партитуру для спектакля Вигано. Еще я восхищаюсь женщиной-хореографом Марикитой, она из Алжира и на протяжении 20-ти лет, с 1899-го по 1920-й руководила балетом Комической оперы Парижа. Она сочинила порядка 250 балетов, но ни в одном исследовании по истории балета нет ее имени. Марикита много экспериментировала с новыми для того времени технологиями: использовала в своих спектаклях, например, киноряд, необычные световые проекции. Я с ней «столкнулся», когда работал в Сент-Этьене — там я ставил балеты на музыку Массне, которые были написаны для Марикиты. Я обязательно постараюсь написать про нее книгу!

Расскажите, пожалуйста, про балет, который вы привезли в Санкт-Петербург — Magifique.

Название Magifique — это игра слов, производное от «manifique» (великолепный) и «magique» (магия). В 2009 году мне предложили поставить балет для Сан-Себастьяна. Они хотели «Золушку», но эта тема у меня, что называется, не пошла. У меня не хватало ни идей, ни танцовщиков. Тогда я позвонил руководителю театра и сказал, что поставлю им балет на музыку трех балетных сюит Чайковского. Премьера намечалась на 31 декабря, нужно было что-то волшебное, сказочное. А у меня — кризис. Я пришел в студию, где происходили наши репетиции, осмотрелся вокруг, увидел станки, за которые держатся танцовщики во время ежедневного класса. Там же стояли движущиеся панели из «Кармен». И я решил их использовать в своей постановке. Magifique — это словно коробка с игрушками, из которой я достаю свои воспоминания. Балет очень личностный, это моя танцевальная автобиография. В нем два героя — я в детстве и я сейчас, и есть эпизоды, которые понятны только мне. Например, в сюите из «Спящей красавицы» выходит девушка, руки которой спрятаны под платьем, а солист делает с ней пор де бра — такие красивые движения рук. У меня есть младшая сестра, она с детства парализована, и когда я стал заниматься танцем, я бесконечно делал с ней эти движения руками. И это единственное движение, которое она научилась делать за всю свою жизнь! Или другой образ — двигающиеся панели — тоже рожден воспоминаниями из детства. Я рос в большой семье, у меня шесть братьев и сестер, а я был весьма беспокойным и активным ребенком. И мама частенько меня запирала в шкафу, чтобы я не мешал ей заниматься с новорожденным братом или сестрой. Но я не хотел бы прописывать эти истории в либретто, пусть у каждого зрителя возникнут свои образы.

Какой должна быть ваша труппа, чтобы вы смогли назвать ее идеальной?

Я парень странный, у меня нет представления об идеале. Когда тебе 30, можно мечтать об идеале. А мне 55, это, конечно, не самый пожилой возраст, но я чувствую приближение к концу. Я уже не мечтаю об идеальной труппе, хочу работать с этими артистами, они мне интересны! Для меня танец — это язык, который включает душу. Мои балеты отражают меня, тем, кем я являюсь на самом деле. Но порой я и сам не знаю, каким будет следующий балет. Я продолжаю жить с ощущением, что могу завтра поставить очень классического «Дон Кихота» или, наоборот, очень современного.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16354
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Май 10, 2014 10:08 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2014043103
Тема| Балет, БТ, Премьера; Проект “Грани”, Персоналии, Джон Ноймайер, Диана Вишнёва
Автор| Алла МИХАЛЕВА
Заголовок| У победы женское лицо
Где опубликовано|© Газета «Экран и сцена» № 8
Дата публикации| 2014-04-19
Ссылка| http://www.screenstage.ru/index.php?option=com_content&view=article&id=1074:2014-04-19-12-52-45&catid=12:2009-08-15-06-13-50
Аннотация|


• Сцена из спектакля “Дама с камелиями”. Фото Е.ФЕТИСОВОЙ

В Большом театре России состоялись два ярких события кряду. На Исторической сцене прошла премьера балета Джона Ноймайера “Дама с камелиями”, а на Новой сцене представила свою новую программу Диана Вишнева. Март месяц на главной балетной площадке страны прошел под эгидой женского танца.

Балет Джона Ноймайера – приношение балерине. Заглавная женская партия в этом признанном шедевре дает возможность исполнительнице показать себя не только блестящей танцовщицей, но и продемонстрировать талант драматической актрисы, если таковой имеется. Партия и сам балет были созданы хореографом для легендарной Марсии Хайде, музы и главной балерины безвременно ушедшего из жизни Джона Кранко, одного из лучших хореографов современности. Именно трагическая кончина руководителя Штутгартского балета, где в шестидесятые годы танцевал и делал свои первые шаги как хореограф Джон Ноймайер, привела к тому, что хореография ХХ века получила один из самых красивых и знаменитых балетов. На похоронах Кранко Ноймайер пообещал осиротевшим коллегам оказать творческую поддержку. И когда Марсия Хайде возглавила Штутгартскую труппу, она пригласила Ноймайера на постановку. Поначалу предполагалась, что это будет интерпретация “Антония и Клеопатры” Шекспира. Но однажды во время совместного обеда усталая Марсия как-то по-особенному взглянула на Джона, и тот увидел в ней Маргариту Готье. Так родилась идея балета, в основу которого Ноймайер положил не пьесу Дюма-сына, а его же одноименный роман. И в выборе музыки хореограф не пошел проторенными путями: не воспользовался “Травиатой” Верди. Не последовал он и за Фредериком Аштоном, создавшим свой балет “Маргарита и Арман” для великих Марго Фонтейн и Рудольфа Нуреева на музыку Ференца Листа, что тоже было бы вполне логично. Лист был последним возлюбленным Мари Дюплесси, ставшей прототипом самой знаменитой литературной куртизанки. Ноймайер взял, казалось бы, не очень подходящую музыку Фредерика Шопена, используемую по преимуществу для бессюжетных балетов. Хореограф не просто воспроизвел фабулу, он прописал все ее побочные линии с тщательностью режиссера-педанта. Здесь царит конкретность, начиная с первой встречи Маргариты и Армана в театре на спектакле “Манон Леско”, чью историю почти зеркально повторят герои Дюма. При этом нет и намека на бытописание, все символично и акварельно-прозрачно.

Спектакль начинается со сцены распродажи имущества умершей Маргариты – в полной тишине, нарушаемой лишь гулким звуком шагов и шарканьем ног аукционистов и зевак, пришедших поглазеть на вещи, принадлежавшие одной из самых знаменитых дам парижского полусвета. Эта звенящая пустота дома, из которого ушла душа, так трагична и тревожна, что ее отзвук резонирует на протяжении всего действия, даже в редкие минуты счастья и любовного блаженства. Ноймайеровская “Дама с камелиями” – олицетворенная печаль. Окрашенный общей меланхолической интонацией, спектакль Ноймайера отнюдь не монотонен. Все три акта разнятся эмоционально. И в первую очередь, благодаря определяющим характер всего действия дуэтам главных героев, эмоциональную доминанту которым задает Маргарита. Можно без преувеличения утверждать, что ролей, наделенных таким богатым спектром внутренних переживаний, в балете практически нет. В героине Ноймайера – и женская манкость, и лукавство, и искренность, и коварство, и целомудрие. Градус противоречивых чувств героини колеблется от безоблачного блаженства до смертельного отчаяния, от тихой нежности до сокрушительной страсти, от детского простодушия до глубокой искушенности, от покорности судьбе до бунтарского противостояния ей. В общем, ноймайеровская Маргарита – “партия партий”. В Большом театре эту роль исполняют Светлана Захарова, Ольга Смирнова и Евгения Образцова. Первый спектакль был доверен Захаровой, чьего выхода на сцену ожидали с особым интересом. Случившаяся прошлой весной история с “Онегиным” Кранко еще не забыта. Тогда в первый состав “поставили” Смирнову, а Захарова вообще отказалась танцевать спектакль. Теперь Захаровой партией Маргариты предстояло подтвердить свой негласный статус – первой балерины Большого. Пожалуй, ни одной роли Захарова не отдавалась с таким жаром. Никаких помарок, никаких ошибок в ее исполнении нет. Перфекционистка Захарова доводит свой танец до совершенства. В этом ей по-настоящему партнерски помогает исполнитель партии Армана, специально приглашенный солист Гамбурского балета Эдвин Резанов. Но вот чего нет в Маргарите-Захаровой, так это женской слабости и хрупкости. Маргарита у Ноймайера – смятенная душа, ранимая, рефлексирующая, порой беззащитная, как ребенок. Героиня же Захаровой умеет постоять за себя, в случае чего и крепкую пощечину залепит, и врага отпихнет. Иногда даже кажется, что ее беспомощно опущенные вдоль тела руки (очень характерная поза для ноймайеровской Маргариты) вот-вот сожмутся в кулаки… Но, отрешившись от сложившегося восприятия этого образа, какой мы могли видеть, например, в исполнении Аньес Летестю, для которой Ноймайер поставил “Даму” на сцене Парижской Оперы, надо признать, что на своей территории Светлана Захарова одержала победу. Как-то в одном интервью Джон Ноймайер сказал: “Я должен чувствовать, что действие, которое происходит на сцене, действительно возможно, балерина должна убедить меня в этом”. Захарова – убеждает!

В спектакле существует еще одна пара легендарных влюбленных – Манон Леско и кавалер Де Грие. Герои аббата Прево, увиденные в театре, становятся наваждением Маргариты. Их губительная страсть бросает фатальную тень и на взаимоотношения героев Дюма, сопутствуя сценам моральных терзаний Маргариты. Дуэты Манон и Де Грие в исполнении Анны Тихомировой и Семена Чудина красиво-чувственны. Чувство главных героев оттеняет и легкомысленное отношение к любви и к жизни светского приятеля Армана Гастона Рье (Михаил Лобухин) и полусветских приятельниц Маргариты – Прюданс Дювернуа (Кристина Кретова) и Олимпии (Дарья Хохлова). Их танец вносит шутливую и изящную интонацию в драматические события балета. Поклонник Станиславского Ноймайер вообще умеет раскрыть исполнителя не только как танцовщика, но и как драматического артиста. Не в последнюю очередь это касается Андрея Меркурьева в роли месье Дюваля, отца Армана. Его строгая, “застегнутая на все пуговицы” фигура в высоком черном цилиндре появляется как мрачный предвестник грядущей беды. Артистичному Андрею Меркурьеву удается привнести в действие интонацию тревоги, хотя, надо признать, танцевать в этой партии особенно нечего.

Второе знаменательное событие марта – премьера Дианы Вишневой “Грани”. Другой российской балерины, так решительно и самостоятельно творящей свой репертуар, а по сути – профессиональную судьбу, сегодня в России, наверное, нет. Правда, Вишнева нашла верного союзника – продюсера Сергея Даниляна, который помогает ей претворять в жизнь зачастую рискованные проекты. В отличие от многих своих коллег Диана не строит программы на беспроигрышном материале. Иногда она берется за категорически противопоказанный классической балерине материал, как случилось с “Лабиринтом” Марты Грэм. Но, подвергнув себя профессиональной экзекуции, Вишнева вышла из поединка с минотавром своих балеринских страхов с честью и блеском...

“Грани” Вишневой состоят из двух одноактных балетов: “Switch” в постановке художественного руководителя балета Монте-Карло Жана-Кристофа Майо и “Женщина в комнате” Каролин Карлсон. “Switch” в переводе с английского означает “переключение”. На сцене помимо Вишневой – премьеры труппы Монте-Карло Бернис Коппьетерс и Гаэтан Морлотти. Взаимоотношения трех героев можно воспринимать по-разному. Но, думается, было бы ошибкой истолковывать их с обиходной точки зрения. Внутри этого трио есть и взаимное притяжение, и взаимное неприятие, слияния и противостояние. Как бы ни менялись соотношения сил между тремя людьми, герои изумительной Бернис Коппьетерс и Гаэтана Морлотти – пара, а героиня Вишневой – одиночка. Ее первое появление в роскошном платье от Лагерфельда позиционирует превосходство над окружающими и презрение к ним. Она играет партнерами, то приближая одного из них, то отстраняя. Теребит, подначивает героя Морлотти, который отвечает ей столь же острым и провокативным соло. Но речь идет не о любовном треугольнике. Здесь нет места ревности или бытовым реакциям. Ведь невозможно ревновать к фатуму! Речь – о провокативности судьбы и фатальном одиночестве художника, при видимости благополучия. В спектакле есть еще один “герой” – перекладина балетного станка. В самом начале спектакля Бернис делает у станка несколько движений. А в финале его, как бремя судьбы, волоком тащит за собой Вишнева. Она бросает перекладину на пол, потом поднимает, ползет по ней и выполняет ломаный экзерсис. Несколько лебединых взмахов рук, и она становится похожей на подстреленную птицу. Эти кричащие движения обнажают такую душевную боль героини, что ее высокомерие и цинизм отступают на второй план.

Известный американский хореограф и танцовщица Каролин Карлсон, ныне живущая в Париже, по ее собственному признанию не любит иметь дело с классическими балеринами. Но для Дианы Вишневой она сделала исключение, создав для нее спектакль на музыку итальянского композитора-минималиста Джованни Салимы и француза Рене Обри. Помимо Дианы, на эту постановку хореографа вдохновили фильмы Андрея Тарковского и поэзия его отца. В спектакле фоном звучит стихотворение Арсения Тарковского “Эвридика”: “У человека тело / Одно, как одиночка, / Душе осточертела / Сплошная оболочка…”. Именно это и испытывает героиня Вишневой, стремясь освободиться от земной суеты и маяты. В начале спектакля она молча всматривается в изображение дерева на заднике, напоминающее кадр из фильма Тарковского. Что это? Вид за окном, галлюцинация или выход в иные миры? “Загадка без разгадки”, – шепчет голос Вишневой строки поэта, а ее героиня стремительно летит куда-то, оставаясь на месте. Актриса полулежит на большом, как из итальянских неореалистических фильмов, столе, а ее ноги мелькают в воздухе, создавая иллюзию бега-полета. Карлсон сочинила для Вишневой партитуру, которую может исполнить только балерина с “поющим” телом. Ее движения то рапидно замедлены, то стремительно скоры. Диана то словно плывет в почти космическом пространстве, то выполняет сложные акробатические и гимнастические трюки. То легко, по-девчоночьи, припрыгивает, то что-то ее придавливает к земле. То бегает босиком, то встает на высоченные каблуки. Здесь есть место и драматизму, и тишине, и актерскому хулиганству.

“Грани”, и в особенности “Женщина в комнате”, поворачивают балерину совершенно новыми и восхитительно разнообразными гранями. Вишнева в очередной раз победила себя и зрителей, которым она в конце спектакля, бегая по залу, раздавала лимоны. Некоторым, сидящим не у прохода, весело их кидала…
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16354
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Май 14, 2014 6:48 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2014043104
Тема| Балет, Челябинский театр оперы и балета им. М.И.Глинки, Премьеры
Автор| Бабаскина Светлана
Заголовок| Балетные эксперименты /
Премьеры в Челябинском театре оперы и балета им.М.Глинки

Где опубликовано|© Журнал «Страстной бульвар,10» Выпуск №8-168/2014
Дата публикации| 2014 апрель
Ссылка| http://www.strast10.ru/node/3179
Аннотация| ПРЕМЬЕРЫ

Балетная труппа Челябинского театра оперы и балета им. М.И.Глинки в сезоне представила две совершенно разные работы: современную постановку «Болеро» и «Веронский миф: Шекспирименты» Раду Поклитару и классическое «Лебединое озеро» в сценической редакции главного балетмейстера театра Юрия Клевцова.



Народный артист РФ, солист Большого театра Юрий Викторович Клевцов возглавил балетную труппу в Челябинске осенью 2011 года, на тот момент практически обескровленную и с репертуаром, съежившимся как шагреневая кожа. А к балету и балетной труппе своего театра у челябинского зрителя отношение очень трепетное: своих исполнителей любят, на них ходят, внимательно следят за появлением новых танцовщиков. Что уж говорить об ожидании новых премьер! И премьеры не замедлили появиться: вначале был упорядочен репертуар, затем последовало возобновление не шедших, по непонятным причинам, «Спящей красавицы» в постановке Г. Прибылова и «Слуги двух господ» балетмейстера М. Большаковой, балета для детей «Белоснежка и семь гномов» Г. Майорова. Одновременно ставились новые - «Эсмеральда» в редакции Ю. Бурлака, «Щелкунчик» и «Лебединое озеро» в постановке и редакции Ю. Клевцова, «Болеро» и «Шекспирименты» Р. Поклитару. Состоялся большой фестиваль балета примы театра «Татьяна Предеина приглашает...». В конце нынешнего сезона театр готовится к проведению шестого фестиваля балета «В честь Екатерины Максимовой». Труппа постоянно пополняется новыми танцовщиками, педагоги балета готовят своих солистов: приглашенные звезды теперь «сияют» только на фестивалях.



5 октября 2013 года балетная труппа открыла сезон премьерой одноактных балетов в хореографии и постановке Раду Поклитару: «Болеро» на музыку М. Равеля и «Веронский миф: Шекспирименты» на музыку П. Чайковского, Г.-Ф. Генделя и композиторов эпохи Ренессанса.

Для классических танцовщиков труппы хореографическая мысль Поклитару была непривычна. В театре обращались к современной хореографии единожды: это была «Свадебка» И. Стравинского в постановке Р. Обадиа в 2011 году. Поэтому работа над спектаклями протекала очень напряженно. Р. Поклитару признавался, что ему близок танец свободный, ничего не отрицающий и воспринимающий любые стили: «Если мне кажется целесообразным использовать движение классического танца в моем спектакле, я его использую, точно так, как и движения танца-модерн. Когда у тебя отсутствует табу, твоя палитра становится богаче». Словно подтверждая свои слова, он просил артистов внутренне расслабиться, стать свободными, получать удовольствие от танца. Даже в крошечном экзерсисе обращал внимание на детали: «Ваша стопа без кисти не работает. Вначале прошу сделать дыхание. Делайте все ярче, не экономьте эмоции», - призывал он танцовщиков на репетициях». Придавал значение даже громкости звучания музыки, считая, что это стимулирует творческий процесс. Хореограф Поклитару известен неповторимым своеобразием пластического языка, музыкальностью и драматургической выстроенностью своих постановок. И «Болеро», и «Шекспирименты» это подтверждают в полной мере: спектакли отлично срежиссированы и драматургически выстроены.



Толпа, закутанная в темный балахон и стоящая в глубине сцены, фигура барабанщика, одетая в светлый комбинезон и появляющаяся из кулис под сухую барабанную дробь: так начинается «Болеро». На противопоставлении толпы и индивидуальности, света и тьмы автор строит спектакль. Сделано это Поклитару без пафоса: хореограф наделен тонким и ироничным юмором. «Связанные одной цепью» выходят из кулис, исторгая бессловесный гул изумления при виде светлой фигуры барабанщика. И из недр этой невыразительной толпы на каждую вариацию равелевского «Болеро» вырывается новая фигура в светлом комбинезоне, для того, чтобы исполнить свое соло под ярким светом ламп. На это решаются не все и не сразу. Вот персонаж, кого не принимают в свою команду уже попавшие в этот светлый и яркий мир. А этот представитель массы, оставшийся в одиночестве, собирает и увязывает рубища с нежностью и любовью. Ведь так безопасно и уютно в них чувствовала себя безликая немая толпа. Заканчивается «Болеро» мощным аккордом светлых фигур, выходящих на авансцену под оркестровое тутти.

В основу либретто спектакля «Веронский миф: Шекспирименты», написанного Р. Поклитару, положены сонеты В. Шекспира и его же «Ромео и Джульетта». По замыслу автора, молодые актеры, решившие поставить спектакль о веронских влюбленных, сами, не замечая того, перестают быть простыми исполнителями своих ролей.



Спектакль распадается на две части: в первой - непосредственно театральное действо. Вторая часть «Шекспириментов» - это жизнь с ее острыми моментами морали, которые Поклитару не боится вынести на сцену: мужская любовь, наркотики. Но хореограф на этом не зацикливает действие. Оно развивается дальше, захватывая и не отпуская зрителя, подводя к очень сильному трагическому финалу, где безмолвный страшный крик Джульетты сменяет возвышенное послесловие музыки Чайковского, передающее печаль о погибших. Хороши оба артистических состава: Ольга Дырда, Олеся Карпенко (Джульетта), Евгений Атаманенко, Александр Тихонюк (Ромео) потрясают зрителей своим исполнением и актерской игрой: они прожили судьбу своих героев. Отлично исполнили роли Меркуцио и Тибальда Михаил Макаркин и Арсений Смыков, Зураб Микеладзе и Ясуоми Акимото.

Чтение танцовщиками сонетов Шекспира хорошо легло в канву спектакля: они поясняют действие. Оригинально звучит стихотворный канон на фоне мужского адажио Меркуцио и Тибальда. Использование голосовых фрагментов (выкрики, выдохи) трактуется постановщиком как реакция исполнителей на происходящее. Это реакция молодости - непосредственная, искренняя, реакция тех, кто впервые пришел в театр, попал за кулисы. Вот исполнители выбирают роли, назначая самих себя. Вот рассматривают маски, веселятся и дурачатся, примеряя костюмы, перебрасываясь ими за ширмами. И Поклитару вновь подпускает юмора: из ширмы в ширму у него летает балерина.



Музыкальное оформление в «Шекспириментах» (спектакль идет под фонограмму) выполнено с большим вкусом: соединены увертюра П. Чайковского «Ромео и Джульетта», фрагменты концертов Генделя и музыка Возрождения. Музыка П.И. Чайковского гениально вписалась в адажио и дуэты, поединки и драки - эмоциональная, нервная, напряженная, чувственная. Мелодии Генделя между тактами Чайковского словно охлаждали страсть. Дурачество молодости, оргия - это уже бурдонная музыка Возрождения с флейтой, виолой, бубном.

Выразительна сценография Андрея Злобина: задник с расписанным плафоном, скользящие шпалеры перед ним, улетающие вверх в конце спектакля и словно освобождающие для душ небесное пространство. Кулисы - это свернутые в рулоны шекспировские фолианты. И только две ширмы с исписанными страницами стоят на сцене, в финале выстраиваясь в линейку, словно подводя черту, по которой Ромео, балансируя, выбирает: жизнь или смерть. На фоне пастельных цветов и золотых позументов декораций костюмы исполнителей (художник по костюмам - Анна Ипатьева) смотрятся яркими красочными пятнами.

Премьера «Лебединого озера» П. Чайковского в постановке Ю. Клевцова (художник Дмитрий Чербаджи) состоялась в марте 2014 года. Вся история Челябинского театра связана с этим спектаклем. В 1956 году труппа открывала свой первый театральный сезон «Лебединым озером», где Одетту-Одиллию танцевала Светлана Адырхаева, приехавшая в Челябинск после окончания Вагановского училища. В 1957 году спектакль, поставленный главным балетмейстером театра А.Бердовским в соавторстве с Н. Трегубовым (в основу спектакля была положена редакция В. Бурмейстера) участвовал на фестивале в Москве, а челябинская Одетта-Одиллия - Светлана Адырхаева получила приглашение в Большой театр России. Впоследствии спектакль ставился еще четыре раза, неоднократно возобновлялся.



Символ русского балета, классика, шедевр - эти клише будут преследовать «Лебединое озеро» бесконечно: даже если на сцену выйдут только четыре лебедя. Но в премьерном спектакле их было 24! Это важно, потому что челябинское «Лебединое» знало и другие времена, но, несмотря на все трудности, труппе удавалось сохранить спектакль в репертуаре на протяжении всей жизни театра, а челябинский зритель не мог себе представить родной театр без русского шедевра.

Балет открывается прологом, из которого явствует, за что злой волшебник Ротбарт превратил девушку Одетту в лебедя. Пока видим пластический спектакль. Но... какова картинка! Качающиеся купы деревьев и журчащий фонтан, закованные в черный бархат - словно список со средневековой рукописи.

Первое действие происходит в парке перед дворцом принца Зигфрида. Декорация в лазорево-золотистых тонах, объемные кулисы, имитирующие колонны, в перспективе - зубчатые башни замка и мостик, тоже каменно-резной. Выпорхнул балет - друзья и подруги Зигфрида станцевали превосходный вальс. Хотя некоторые знатоки и ворчали: «Глазу не за что зацепиться из-за обилия движений». Но, насыщенный движениями, вальс был отлично отрепетирован. Нежную пасторальную тему антре в па де труа возвратил Юрий Клевцов. Этот ансамбль сложен, но как красив! Превосходный Шут - Евгений Атаманенко с мягким, словно кошачьим прыжком и очень игровой. Партия Шута драматургически выстроена балетмейстером: он всегда рядом с принцем в его покоях.



Зигфрида на премьерных спектаклях танцевали Алексей Сафронов и Валерий Целищев. Сафронов - танцовщик опытный, эту партию исполнял не раз, а Валерий - молодой Зигфрид: теплый и обаятельный, виртуозный, легкий и актер замечательный. И монолог, завершающий первую картину под трогательное соло гобоя, и радостная вариация во второй картине после щемящего дуэта с Одеттой, добавленные балетмейстером, ему так шли. Превосходный танцовщик, надежда челябинского балета!

В лебединых актах - сказочная красота во всем: в декорациях, в изящных и прихотливых рисунках кордебалета, в певучих движениях танца Одетты. Мерцающие волны озера, сквозь дымку виднеющаяся лебединая стая, злой волшебник Ротбарт, возвышающийся над ней, покорная Одетта, упорхнувшая от Зигфрида по первому призыву Ротбарта. Ротбарта на втором премьерном спектакле танцевал Зураб Микеладзе. В нем же Одетту-Одиллию исполнила Екатерина Тихонова. Молодая балерина уверенна, технична, стабильна и по-своему амбициозна.

Без бьющей в глаза роскоши и блеска красок предстала третья, бальная, картина: нежность и поэтическая сказочность разлита в белых платьях солисток-невест, оттененных то розовым, то золотом, то красным. И танцы хороши: неаполитанский, в исполнении Анны Шабалиной, радует крепким и техничным исполнением, испанский (Дарья Демченко) - яркостью и страстью. Нежная и трогательная русская невеста - Алена Филатова, обаятельная венгерская - Наталья Большина.

Но когда на сцену выходят Татьяна Предеина (Одетта-Одиллия) и Александр Цвариани (Ротбарт), тогда в полной мере осознаешь титул - прима и премьер. Их исполнение не просто виртуозно и артистично: обладая тем, что называют индивидуальностью, шармом, обаянием, Предеина и Цвариани способны «захватить» зал своим исполнением и подчинить его себе. Александр Цвариани - поистине талантливый исполнитель с прекрасной техникой и яркими актерскими способностями. Даже грим исполнителем был сделан мастерски.

Если подвести своеобразный итог, то Юрий Клевцов в соавторстве с художником Дмитрием Чербаджи сложили чудесную сказочную поэму, очень внятно изложенную, а балет Челябинска выполнил большую и сложную работу, сделанную со вкусом, культурой, пониманием вечных жизненных и человеческих ценностей.

Фото Андрея Голубева
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16354
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Май 16, 2014 11:03 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2014043105
Тема| Балет, Театр «Эстония», Премьера, Персоналии, Джанлуки Скьявони
Автор| Тамара Унанова
Заголовок| Медея: Души ее темное пламя
Где опубликовано|© Еженедельник "День за днем" (Эстония)
Дата публикации| 2014-04-06
Ссылка| http://rus.postimees.ee/2750942/medeja-dushi-ee-temnoe-plamja
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Полный чувственной неги танец Медеи и Ясона – один из самых сильных моментов балетной драмы. фото: Тоомас Хуйк

13 марта в Таллинне, на сцене театра «Эстония», состоялась мировая премьера балета Джанлуки Скьявони «Медея»

Трагическая история женщины, не знавшей меры ни в любви, ни в ненависти, несмотря на кровавый финал (а может, отчасти и благодаря этому) оказалась весьма актуальной и привлекла внимание зрителей.

Публика с энтузиазмом приняла новую интерпретацию старого, как мир, мифа о колхидской царевне и волшебнице Медее, полюбившей вождя аргонавтов Ясона, а затем жестоко отомстившей ему за предательство и измену, убив не только соперницу, но и собственных детей, рожденных от Ясона. И первый, и второй спектакль, с другим составом исполнителей, прошли с аншлагом. Между тем у меня постановка оставила двойственное впечатление. Но обо всем по порядку.

Не преступница, но жертва

Идея взять в репертуар этот балет, пригласив для постановки итальянского танцовщика и хореографа Джанлуку Скьявони, принадлежит художественному руководителю Национального балета Тоомасу Эдуру, который давно знаком с Джанлукой по своим гастролям в Италии. «Джанлука танцует в „Ла Скала“ уже более двадцати лет, там мы и познакомились, – рассказывает Тоомас. – Сейчас его карьера танцовщика близится к завершению, а как хореограф он ищет свой стиль. Когда я посмотрел его работы, мне понравилось, и я решил предложить ему поставить балет для нашей труппы».

В списке работ хореографа «короткометражки» «Шок», «Сталь» и «Андромеда». «Медея» – второй полномасштабный балет Джанлуки Скьявони, первым был «Другой Казанова», который он поставил в 2011 году в «Ла Скала» для звезды мирового балета Полины Семионовой.

Судя даже по названиям, Скьявони привлекают яркие исторические и мифологические персонажи, а свой выбор сюжета мифа о Медее он объясняет так: «Жестокое убийство – не основное, что меня интересует в этой истории. Это не очень отличается от того, что сегодня можно прочитать или услышать в новостях. Поступок Медеи не был импульсивным, а стал следствием мучительных размышлений, это жестокий эпилог жизни женщины, которая из-за любви оставила родину, предала отца и убила брата. Медея – как и ее соперница, дочь короля Коринфа Главка, – одна из жертв патриархального общества… Месть Медеи – это поступок отчаявшейся женщины, не желающей оставить детей на произвол чужого государства, которое их не защитит. И это возможность причинить боль мужчине, который ее предал».

Сочувственное отношение к героине как жертве обстоятельств прочитывается практически во всех сценах, вплоть до эффектного финала: Медея предстает перед Ясоном, оплакивающим убитых ею детей, и, касаясь его лица, смешивает слезы с кровью (в трагедии Еврипида, послужившей основой либретто балета, Медея скрывается на крылатой колеснице, запряженной драконами). Ясон, предавший ту, которая помогла ему овладеть золотым руном и ради него пожертвовала всем, разделяет с ней вину за содеянное.

О плюсах и минусах

Балет – один из красивейших и самых условных видов искусства, и даже наиболее отвратительные человеческие качества и пороки, выраженные языком танца, не выглядят столь прямолинейно и отталкивающе, как, скажем, на киноэкране или в драматическом спектакле. Хотя добиться катарсиса, тронуть сердца зрителей, рассказывая хореографическим языком античную трагедию, – задача не из легких. Насколько это удалось – другой вопрос. На мой взгляд, не вполне.

Спектакль неровен: первый акт лишен драматургии, по сути это череда сменяющих друг друга картин, идущих под музыку Стравинского, но при этом лишенных смысла. Хореографическая лексика танцев амазонок, аргонавтов и служанок при дворе Медеи не отличается богатством и разнообразием. Тем ярче контраст – красивое, полное чувственной неги адажио Медеи и Ясона, венчающее первый акт драмы.

Второе действие более динамичное и драматургически выстроенное. Сильное впечатление производит сцена, которую можно назвать «Медея и демоны»: это внутренний монолог героини, чья душа охвачена темным пламенем мести. Экспрессивная музыка Шнитке, звучащая во втором акте, усиливает эмоциональное воздействие разворачивающегося на сцене действа, неуклонно приближающегося к трагическому финалу. Хороши и костюмы (художник Симона Моррези).

Но главное, на чем держится весь спектакль и что делает его интересным для зрителя, – это образ Медеи, такой опасный и до конца непостижимый. Психологически и эмоционально сложная, требующая максимальной отдачи роль Медеи под силу немногим – история знает лишь несколько примеров идеального попадания в образ, как, например, Мария Каллас в фильме Паоло Пазолини. Такая роль требует зрелости и богатого жизненного опыта.

Алена Шкатула, на мой взгляд, постаралась предельно честно и искренне выразить сложную гамму чувств своей героини, хотя индивидуальность этой очень красивой, длинноногой, с идеальными линиями и растяжкой балерины иная, лирическая. Рядом со своим партнером Джонатаном Хэнксом (Ясоном) Алена выглядела истинной принцессой и волшебницей, но поверить в ее страстную любовь к самовлюбленному и тщеславному Ясону было трудно. Шкатула царила на сцене – и в дуэтах, и в ансамблях, и в массовых сценах, но диалога, рассказа было явно мало.

Танцевавшие второй премьерный спектакль Луана Георг (Медея) и Сергей Упкин (Ясон) более убедили и заставили поверить в историю безумной любви, обернувшейся ненавистью и местью. Медея Луаны Георг, внешне хрупкая и женственная, внутренне сильная и способная на отчаянные поступки, без оглядки полюбила храброго воина-мореплавателя. Стремящийся к богатству и власти Ясон в трактовке Сергея Упкина по сути использовал Медею, которая помогла ему завладеть золотым руном. Но это не принесло ему счастья. В финале Ясон чувствует себя вконец раздавленным, и, скорее всего, ему не останется иного выхода, кроме смерти.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16354
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Июн 14, 2014 7:33 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2014043106
Тема| Балет, Пермский театр оперы и балета, Премьера
Автор| Галина Ребель
Заголовок| «Голубая птица и принцесса Флорина»:
Премьера Пермского театра оперы и балета

Где опубликовано|© журнал «Филолог» № 27
Дата публикации| 2014-04-07
Ссылка| http://philolog.pspu.ru/module/magazine/do/mpub_27_558
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Балет-сказка «Голубая птица и принцесса Флорина» – явление по-своему не менее уникальное, чем «Королева индейцев».

Это оригинальный спектакль, придуманный, нарисованный и поставленный хореографом Алексеем Мирошниченко, художником-постановщиком Эрнстом Гейдебрехтом, художником по костюмам Татьяной Ногиновой.

Мирошниченко сочинил либретто по мотивам сказки французской писательницы Мари-Катрин Д’Онуа «Голубая птица» и в сотрудничестве с дирижером Валерием Платоновым создал музыкальный текст на основе не исполнявшихся ранее произведений Адольфа Адана (балетов «Питомица фей» и «Гентская красавица»).

Спектакль XXI века по сказке XVII века, отсылающей к атмосфере условного XIV века, на музыку XIX века, – собранный из разновременных и разностильных «кусков», он грозил обернуться нарочитой, экспериментальной постмодернистской эклектикой,
а оказался цельным, гармоничным, выразительным и очень красивым сценическим действом, равно притягательным для взрослых и детей, замечательно подходящим для семейного просмотра и семейного обсуждения-смакования.



Дополнительное обаяние, надежную укорененность в репертуаре и, одновременно, гарантированную свежесть и новизну спектаклю обеспечивает то, что он сделан для школы: ученики хореографического колледжа получили отличную возможность полноценного сценического тренинга и самореализации.

«Голубая птица» – это настоящий имперский балет: масштабный, яркий, богатый, многосоставный, отрешенный от обыденности, насыщенный образами-символами, утверждающий в сознании зрителя неизбежность поражения зла в лице коварных самозванцев и победительность добра и красоты, лежащих в основе существующего миропорядка.

Волшебная сказка, вобравшая в себя множество бродячих мотивов и образов, роскошно оформлена, щедро расцвечена, оригинально костюмирована и замечательно исполнена солистами театра (на первом представлении, 28 марта, это были: принцесса Флорина – Наталья Домрачева, принц Шарман – Никита Четвериков, Голубая птица – Руслан Савденов, король Гвенаэль – Герман Стариков) и учащимися хореографического колледжа, из числа которых следует отметить Ларису Москаленко (ведьма Мадельгарда), Екатерину Полищук (фея Утренней росы), Дарью Тихонову (фею Ночных грез).

На первый взгляд, Мирошниченко просто добросовестно воспроизвел балетную стилистику времен Чайковского-Петипа. Однако, при всем внешнем сходстве с классическим балетом и глубинном соответствии его духу и пафосу, «Голубая птица» выполнена с помощью иного, модерного пластического рисунка: здесь нет характерного для классики обнаженного предъявления технического задания – оно уведено в подтекст, сглажено, смягчено, скруглено. Пластика танца, неожиданно наивно и трогательно дополненная пластикой пантомимы, всецело подчинена сюжету, логике рассказываемой истории, характеру персонажей.
Исполнители главных партий очень органично и естественно существуют в рамках предложенного рисунка танца-роли.



Многочисленный, слаженный, трогательный хрупкостью своих самых юных участников кордебалет придает действию масштаб, энергию, лиризм и драматизм.

Традиционного каскада вставных номеров, которые призваны продемонстрировать профессиональные возможности отдельных солистов-исполнителей и при этом неизбежно тормозят разворачивание истории, переводят ее в формат балетного дивертисмента, здесь практически нет.
Все танцевальные высказывания прочно нанизаны на очень внятный, занимательный событийный ряд. Действие нигде не провисает, не тормозит – балет ни на минуту не забывает о том, что он – сказка, и сюжетно развивается, разворачивается от начала до конца спектакля.

Отдельных дифирамбов заслуживает музыкальная составляющая представления. Знакомо-незнакомая, классически внятная, говорящая, романтически приподнятая, драматически напряженная, лирически взволнованная музыка Адана безупречно состыкована с сюжетом и составляет единое драматургическое и эмоциональное целое с каждым его эпизодом на каждом его новом повороте. И с этой частью непростого творческого задания Мирошниченко и Платонов справились безупречно.

Балет-сказка «Голубая птица и принцесса Флорина» достоин стать весенне-летней альтернативой классического осенне-зимнего хита – балета П.И.Чайковского «Щелкунчик».

Такое качественное пополнение репертуара, к тому же ориентированное на юных исполнителей и разновозрастную публику, – очень важное, эстетически успешное и стратегически обнадеживающее событие в жизни Пермского театра оперы и балета.

Фото Алексея Гущина с сайта театра:
http://theatre.perm.ru/media/photos/album/1212


Последний раз редактировалось: Елена С. (Сб Окт 15, 2016 11:50 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16354
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Июл 09, 2014 12:09 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2014043107
Тема| Балет, «Киев Модерн Балет», Персоналии, Алексей Бусько
Автор| Беседу вела: МАРИНА ХОДАКОВСКАЯ
Заголовок| Алексей Бусько – молодой, перспективный танцовщик и хореограф!
Где опубликовано|© Портал журналистов (Украина)
Дата публикации| 2014-04-30
Ссылка| http://unuj.org/ru/intervyu/item/4248-aleksey-busko-%E2%80%93-molodoy-perspektivnyiy-tantsovschik-i-horeograf-kiev-modern-baleta.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

После «КМАТОБ FEST» я решила пообщаться с танцором и хореографом «Киев Модерн Балета» Алексеем Бусько. С ним я встретилась перед репетицией спектакля, хореографом которого он является, а его премьера ожидается уже в июне этого года.



– Здравствуйте, Алексей! Скажите пожалуйста, а любовь к танцам у вас родом из детства?

– Скорее с юношества. У меня папа спортсмен, я борьбой все детство занимался, затем был задействован в молодежном аматорском коллективе и танцы пошли сами по себе. И когда встал вопрос о том, какую выбирать специальность, я не задумываясь выбрал танцы.

– В каком возрасте вы начали танцевать?

– Интересный вопрос Smile Начал года в четыре, а профессионально наверное лет восемь назад. Мне кажется, что по настоящему этим делом я начал заниматься два года тому назад и каждый год у меня такое ощущение. Артистом балета театра я работаю уже 8 лет, до этого были подтанцовки в различных шоу-балетах.

– Какому танцевальному стилю вы обучались в детстве?

– Хип-хоп, брейк-данс – это было все! Самодеятельность, зал с утра до ночи, стойки на голове, трюки, сальто. Хип-хоп живет внутри меня.

– А вы обучались классическому танцу?

– Я поступил в университет культуры в 2001-ом году и первый раз в жизни к станку стал в семнадцать лет. Я уверен, что сколько я танцую и сколько еще буду танцевать, недостаток образования классического танца и гнетет меня и в то же время подталкивает. Потому что объем информации для того, чтобы стать профессионалом в этом деле огромный. Так что, совершенства достичь невозможно в этом плане.



– Ваши родители имеют отношение к миру танца?

– Уже да Smile Потому что я имею, а до этого нет, конечно. Папа — мастер спорта по борьбе, а мама – домохозяйка с двумя высшими образованиями.

– Какому танцору/хореографу вы симпатизируете?

– Ой, вы знаете, многим симпатизирую. Помимо Раду, с которым я каждый день работаю в зале, из иностранных могу выделить – Иржи Килиан, Матс Эк, Кристал Питт.

– Ваш младший брат Георгий, хочет пойти по вашим?

– Нет, наверное нет. Он поступил в педагогический университет на филологию — немецкий и английский. Ходит в спортзал, качается.



– У вас две дочери, они занимаются танцами?

– Да, активно причем. Старшую хотим отдать в хореографическое училище с сентября, а младшую наверное тоже туда отдадим, когда подрастет. Ну а что им еще остается делать, когда мама и папа постоянно в зале на репетициях пропадают.

– Им нравиться то, чем вы занимаетесь?

– Да, наверное.

– Они ходят на ваши выступления?

– Да, на парочке были.

– Вы танцуете в стилях Flying low и Contemporary dance. Почему вы выбрали именно эти стили и планируете ли в дальнейшем перейти на другие?

– Говорить в каких стилях ты танцуешь, можно лишь в начале карьеры танцовщика или хореографа. А когда уже довольно большой багаж сказать, что я работаю в одном каком-то стиле точно не могу. Все что я использую для постановок – это все что я знаю, элементы flying low и других техник, но предпочтение, чтобы в одном стиле что-то делать, мне не интересно будет. Есть определенный уровень танцовщика, когда не нужно стоять и обучаться чему-то, проходить курс, не вылазить из зала. Можно просто увидеть, позаниматься на мастер-классе, где хореограф расскажет какие ощущения должны быть, откуда что берется и развиваться, пробовать, здесь нет конкретики.

– Как вы попали в труппу «Киев Модерн Балета»?

– Пришел на кастинг и попал Smile Раду ставил спектакль «Le Forza De Testino» с Аленой Гребенюк и это был большой проект, который поддерживал наш меценат Владимир Филиппов. Был кастинг на этот спектакль и я пришел на него один и прошел. Потом создался театр и с тех пор я здесь работаю.

– Что-то изменилось в вашей жизни, после того, как вы вместе с Анастасией Харченко с номером «Альбом», взяли гран-при на ХХV Международном конкурсе современной хореографии в Витебске в 2012 году?

– Вы знаете, наверное уверенности прибавило, что нужно идти дальше и что-то делать. Это была как точка отсчета с которой все хорошо началось, я имею в виду мою деятельность, как хореографа.



– Что вас сподвигло принять в нем участие?

– Изначально, когда я этот номер ставил, то не планировал его под выступление, просто этот номер долго рождался и я его не спеша ставил. Есть конкурсы, в которых артисты «Киев Модерн Балета» участвуют как приглашенные гости, потому что там Раду в жюри или просто приглашают, потому что именитый театр. И вот как-то Раду предложил всем желающим выставиться на конкурс молодых хореографов, как раз номер был готов и я подумал, почему бы и нет.

– В начале этого года, вы также с Анастасией Харченко участвовали в шоу-талантов «Минута славы». Ваше выступление там было основано тем, что в случае победы, у вас появиться возможность выступить на открытии зимней олимпиады в Сочи 2014?

– Меня в попыхах поймали там в закулисье и всучили двадцати-страничный контракт, я его начал бегло читать, потом меня прервали, но из того что успел прочитать – это то, что около двух лет я не имею права ничего рассказывать, писать мемуары, делать посты в интернете о моем участии в данном проекте. Так что, наверное я лучше не буду ничего рассказывать. Не знаю, насколько это может вылиться в что-то хорошее или плохое.

– Как вы думаете, почему жюри не вам присвоили победу?

– Ой, я не знаю. Во первых формат шоу такой, что это должен был быть человек с народа, который сделал сверх усилия, превозмог себя. А мы профессионалы искусства — это немножко другое. У них целая корпорация, продюсеры, которые решают кому давать победу.

– Планируете ли в дальнейшем принимать участие в подобного рода талант-шоу?

– Ой, точно нет! Как участник, так точно нет. Я скрепя зубами туда пошел. В СТБ я еще с первого сезона пытался быть привлеченным, но как-то не срасталось, а тут еще попал в Москву, где гораздо выше уровень. Нет, это явно не мое, мне это не интересно!

– Недавно прошел фестиваль танца «КМАТОБ-FEST». Кому принадлежит идея его создания?

– Идея моя, предложение поступило от дирекции театр сделать фестиваль. Я пошел, подумал, пришел, озвучил и они согласились.

– Сколько времени заняла подготовка к фестивалю?

– Все время! С момента предложения и до последнего дня. Месяца полтора-два. Но этого мало, как оказалось. Я никогда не делал фестиваль – это было без денег, на энтузиазме и с рекламой опоздали на месяца так добрый точно. Логотип сделали поздно, а без него реклама не может быть. Так что, на следующий год будем исправлять ошибки. Нужно чтобы фестиваль состоялся на 100%, во всех своих сферах и еще прибыль принес. Единственный вариант разрешения событий, если он будет третьим или пятым.

– С какой периодичностью вы планируете его проводить?

– Он раз в год должен быть. В принципе такая периодика – это нормально для фестиваля, для того чтобы найти контакты, сделать рекламу, подготовить участников — год, то что нужно. Если чаще, то нужно иметь большие ресурсы: денежные и человеческие.

После интервью Алексей отправился на репетицию. В июне ожидается премьера двух спектаклей Алексея Бусько и Раду Поклитару.

Беседу вела: МАРИНА ХОДАКОВСКАЯ

Фото: предоставлено pr-службой «Киев Модерн Балета»
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 16354
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Авг 30, 2014 10:42 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2014043107
Тема| Балет, Красноярский театр оперы и балета, Персоналии, Иван Карнаухов
Автор| Елена Коновалова
Заголовок| Иван Карнаухов: «Танцовщик должен попробовать все»
Где опубликовано|© Красноярск Дейли
Дата публикации| 2014-04-30
Ссылка| http://krskdaily.ru/2014/04/theatre/karnauhov
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

30 апреля у ведущего солиста Красноярского театра оперы и балета Ивана Карнаухова творческий вечер. «Игра героя» – под этим названием, как говорит сам танцовщик, он собрал квинтэссенцию того, что наработал за 13 лет работы в театре. Свои самые любимые партии и номера, которые Иван исполнит вместе с друзьями. Компанию ему в этот вечер, кстати, с удовольствием согласилась составить и его прежняя партнерша Анна Оль, которая сейчас танцует в Московском музыкальном театре им. К. Станиславского и В. Немировича-Данченко.



– Иван, логически возникает вопрос: какие любимые партии у артиста, станцевавшего практически весь классический балетный репертуар? Рискну предположить, что Спартак.

– Это была моя заветная мечта времен студенчества. Меня тогда очень впечатлил Спартак в исполнении Владимира Васильева и Михаила Лавровского, и я надеялся, что когда-нибудь и сам его станцую. Мечта сбылась, очень люблю этот балет. Но с не меньшим удовольствием исполняю разные партии в «Ромео и Джульетте», «Гусарской балладе», «Анюте», «Кармен»…

– Какие персонажи вам ближе – лирические или характерные?

– Предпочитаю делить репертуар немножко по-другому – на классический и современный. Так получилось, что танцевал я преимущественно классику. Первую сольную партию, Шута в «Лебедином озере» в постановке Александра Полубенцева, мне дали буквально через две недели после прихода в театр. В том же году у меня были партии в «Сильфиде», «Приключениях Чиполлино», «Дочери Эдипа»… Позже пошли главные персонажи. Я вообще считаю, что танцовщик должен попробовать все. Только с опытом становится понятно, какие партии тебе подходят, а какие нет. Например, несмотря на то, что я станцевал принцев в «Спящей красавице» и «Лебедином озере», это не мое – просто по физическому складу, здесь нужна другая фактура. Но все-таки я очень рад, что у меня была возможность попробовать себя и в таких ролях.

– В «Лебедином озере» вас чаще можно увидеть в партии Бенно…

– Да, принца я танцевал только на гастролях в Англии, дебютировал в этом сезоне. А Бенно месяц назад исполнил уже в 197 и 198 раз.


Ли Шань-Фу в балете «Красный мак»

– Какая партия для вас оказалась самой неожиданной?

– Мне было интересно поработать в «Красном маке», где я впервые исполнил отрицательного персонажа. Впрочем, для себя я его во многом оправдываю: все дурные поступки Ли Шань-Фу – от большой любви. В «Тщетной предосторожности» мне на гастролях достался Мишо – первая в моей практике возрастная роль. Непривычная пластика: мне – 30, а зритель должен поверить, что моему герою 60! (Смеется.) В репертуаре нашего театра, пожалуй, не отказался бы еще станцевать Солора в «Баядерке» и Резанова в «Юноне и Авось». А так – прошел практически через все, за исключением современных балетов «Римские каникулы» и «451 градус по Фаренгейту».

– Но к ним вас и не тянет?..

– Знаете, я вообще не слишком люблю современные постановки с бездумным использованием свободной пластики. Есть бессюжетная хореография, и она сама по себе замечательна. Это очень сложно – не проиллюстрировать музыку, а показать мысль в танце телом танцовщика. Есть современная сюжетная хореография – но ее еще меньше. А чаще показывают просто набор движений или музыкальные иллюстрации, словно живой эквалайзер по сцене бегает. Мне это неинтересно – я могу закрыть глаза и сам что-то представить, под ту музыку, которая мне нравится.

Возможно, я и не отказался бы попробовать себя в какой-то иной пластике. Но пока мне гораздо интереснее танцевать Альберта в «Жизели». Об этой партии я мечтал последние три-четыре года. И вот, дебютировал на недавних гастролях в Англии.


Меркуцио в балете «Ромео и Джульетта»

– Чем она вас так увлекла?

– Это очень сложный спектакль. Альберт не просто разнообразен в своих порывах и мотивах действий. Он граф, у него роман с простой девушкой. Сначала для него это простое увлечение, легкомысленное. Но когда Жизель узнает, что не может быть вместе с ним и погибает, он мучается раскаянием. Не думаю, что молодой артист в состоянии понять и передать чувства, которые испытывает Альберт. Станцевать хореографию несложно, это может любой. Гораздо труднее создать образ, в который поверили бы зрители. Нужно самому что-то успеть пережить, глубже погрузиться в материал, перечитать Гейне. Обращение к литературным первоисточникам вообще очень полезно, в работе над любыми спектаклями.

– Для вас это обязательное правило?

– Теперь да, но вошло в привычку оно только со временем. На старте артиста нередко захлестывают амбиции, юношеский максимализм. Хочется самому доказать, на что способен, нет потребности от чего-то отталкиваться. Сейчас появилась – «Ромео и Джульетту» читал в оригинале. И впечатление довольно мрачное – оказалось, что у Шекспира много такого, на фоне чего эта история кажется сказкой. Представить, чтобы девушка в средневековой Италии ослушалась отца? Да никогда! Чисто с исторической точки зрения, по нравам и обычаям того времени просто невозможно. Это красивая легенда. Знание первоосновы дает какие-то иные краски, когда работаешь над ролью. Говорят, что в классике ничего нового станцевать нельзя. Ерунда – мне даже мои студенты каждое утро доказывают, что возможно. Хотя у них это еще идет от юношеского порыва. А с опытом, с новыми впечатлениями в работе могут вообще появляться какие-то неожиданные оттенки. Я и «Спартака» Джованьоли читал, и чеховскую «Анну на шее», и даже «Щелкунчика» Гофмана – полезно! (Улыбается.)


Спартак в балете «Спартак»

– Не удивительно, что чуть ли не каждая вторая девочка в детстве мечтает стать балериной. А что влечет в балет мальчиков?

– Я не сразу попал в профессиональную школу. Шесть лет танцевал в детском ансамбле «Орленок» у Веры Николаевны Гудовской, потом полтора года – в танцевальной студии Театра музкомедии у Виталия Белобородова. И оттуда уже педагог отвел меня в училище. Мне там понравилось – нагрузки меньше, чем в моей прежней школе, все предметы знакомые, еще и стипендию платят! (Смеется.) Студентом в 1997 году танцевал в нашем театре Франца в «Щелкунчике», в постановке Вайнонена. И потом пришел сюда работать.

– Но на какое-то время уезжали в Москву?

– На год – хотел получить педагогическое образование. Но меня отговорили – на тот момент мысль была несвоевременная, в 19 лет надо танцевать. Я поработал в Камерном балете «Москва» с Натальей Михайловной Чеховской и Василием Серафимовичем Полушиным, танцевал в «Имперском русском балете» под руководством Гедиминаса Таранды, объездил с ним весь мир. Мне вообще очень везло с педагогами – и в самом начале, и в училище, и все время, что я работаю на профессиональной сцене. Всегда с благодарностью вспоминаю уроки своих учителей и сам теперь стараюсь передать это своим студентам.

– Чем вас в 19 лет заинтересовала педагогика?

– Не знаю, какая-то внутренняя тяга. К постановке балетов, например, никогда не тянуло. Когда я вернулся домой – честно говоря, утомила московская суета, к тому же, здесь стали активно выпускать новые спектакли, появилось много работы, – почти одновременно меня начали приглашать в училище. Сначала я по необходимости подменял педагогов на занятиях, был партнером у выпускниц на экзаменах. Потом взял собственный курс, среди моих первых выпускников – Гаджмурад Дааев, который недавно пришел работать в наш театр. В мае у меня уже будет третий выпуск… Параллельно окончил Академию русского балета им. Вагановой по специальности «Педагогика балета». Мне это не менее интересно, чем танцевать самому.


Данила в балете «Каменный цветок»

– Когда артисту пора уйти со сцены?

– Чтобы зритель мог запомнить его в расцвете сил. Если не в состоянии танцевать на прежнем уровне, нужно либо уйти совсем, либо попробовать себя в возрастных партиях, они в балетах есть – отец Китри в «Дон Кихоте», Наставник в «Лебедином озере», Капулетти в «Ромео и Джульетте». Можно быть педагогом-репетитором, если есть такая склонность. Мне кажется, неловко показывать публике стареющего танцовщика – здесь не дотягивает, здесь устал, делает лишнюю паузу. Поэтому лучше пересилить себя и принять непростое решение и вовремя уйти, чем разочаровать зрителя.

Фото Александра Мищенко
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9, 10  След.
Страница 9 из 10

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика