Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2013-01
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18526
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Янв 25, 2013 8:51 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013012504
Тема| Балет, Юбилей, Персоналии, Михаил Барышников
Авторы| Нина Аловерт
Заголовок| Михаилу Барышникову, великому танцовщику русского и мирового балета, исполняется 65 лет
Где опубликовано| РУССКИЙ БАЗАР №4 (875)
Дата публикации| 2013-01-24 - 2013-01-30
Ссылка| http://russian-bazaar.com/ru/content/111457.htm
Аннотация|



Михаилу Барышникову, великому танцовщику русского и мирового балета, исполняется 65 лет. Имя его и сегодня известно далеко за пределами балетного мира, а его творческий дар проявился в различных направлениях, каждое из которых могло бы стать содержанием целой жизни.
Жизнь первая. Танцовщик.
К этой профессии Барышников готовился всю молодость, как балетный артист он стал известен всему миру, легендой ХХ века. Сначала напомню краткую биографию Барышникова на этом пути.
Барышников начал балетное образование в Рижском училище, затем в 1967 году закончил Ленинградское хореографическое училище им. А.Я. Вагановой у замечательного русского педагога Александра Пушкина и был принят в труппу Кировского балета. Блистательный виртуоз классического танца, профессионал высокого класса, необыкновенно одаренный и разноплановый артист, он в течение первых же лет работы в театре занял высоту, недостижимую для других. Избранник судьбы, он был тогда «голосом времени», его полет в воздухе – именно полет, а не прыжок – воспринимался зрителем как полет к свободе. И Барышников совершил его в жизни. Оставшись в 1974 ом году на Западе, он стал звездой Американского балетного театра, затем театра, созданного Баланчиным, затем вновь вернулся в труппу АБТ, чтобы стать не только ее премьером, но и художественным руководителем. И во многом преобразил творческую жизнь этого театра. Барышников танцевал во многих театрах мира, он расширил свой репертуар, он станцевал все, что могла предоставить ему мировая сцена в рамках классического и современного балета. Специально для него ставили балеты известнейшие хореографы того времени. Артист исчерпал темы романтических, сатирических, поэтических образов спектаклей. Расширил рамки мужского танца, привлек в балетный театр зрителей, а в балетные классы – учеников, которые хотели танцевать, «как Барышников».

В 1989 году Барышников совершил уникальный поступок: лучший классический танцовщик, он навсегда оставил классический балет и руководство труппой АБТ и стал танцовщиком совсем иного жанра: танца-модерн. И на этом новом пути стал уникальным и не имеющим соперников исполнителем произведений хореографов-модернистов. И в этом жанре он повлиял на развитие американского танцевального искусства, далекого от классического танца. Барышников не только еще в АБТ предоставил хореографам-модернистам возможность работать с профессионалами высокого класса, чем раскрыл перед модернистами иные горизонты творчества. Своими выступлениями в постановках модернистов Барышников обнаружил преимущества классического образования и для исполнителей танца-модерн. При этом – преимущества русской классической школы. Потому что умение владеть своим телом, создавать органичную форму и красоту формы, красоту и выразительность движения рук, корпуса отличают русскую школу. Словом, печать вагановской системы обучения лежит на танце Барышникова, танцовщика-модерниста, как прежде – классического танцовщика, помогая ему в исполнении любого жанра и выделяя его среди других танцовщиков любого направления. И – главное – как и раньше в самых абстрактных и бессюжетных классических балетах и танцах-модерн – Барышников никогда не выходит на сцену формальным исполнителем хореографии. На сцену выходит Личность, значительная и притягательная для зрителя своей глубиной и непостижимостью. Постепенно переходя от участия в постановках хореографов-модернистов к сольным номерам, поставленным специально для него одного, Барышников создал особый жанр танцевального монолога, в котором артист в своем публичном одиночестве раскрывает себя, как поэт, пишущий стихи, раскрывает себя публике, как, возможно, он не раскрывает себя самыми близким людям. Чаще всего – это трагические монологи, это публичные размышления о прошлом, о жизни и смерти (иногда – с ноткой иронии, которая является также одним из природных даров его таланта).
Начинал Барышников свой путь в области танца-модерн с совместной работы с Марком Моррисом, одним их наиболее известных хореографов этого направления. Вместе они создали «Танцевальный проект Белый дуб», затем Моррис вернулся в свою труппу. Сейчас Барышников решил вновь выступить с театром Морриса в его постановке в балете Wooden Tree, в основе которого лежат музыка и стихи известного шотландского актера, поэта и музыканта Айвора Катлера.

Своебразным «ответвлением» танцевального пути Барышникова явилось его увлечение фотографией. Барышников снимает танец, за последние десять лет у него было несколько выставок в разных странах мира, вышло два альбома его фотографий. Барышников сказал в одном из интервью, что, снимая балет, он вновь полюбил танец.

Но Барышников выступает и в другом театральном жанре, он играет в драматических спектаклях и снимается в кино и телевизионных спектаклях.
Первой драматической ролью еще в России в 1971 году стал матадор Педро Ромеро в телеспектакле Сергея Юрского «Фиеста» по роману Хемингуэя. Уже на западе Барышников играл во многих спектаклях, американских и поставленных русскими режиссерами. Сейчас он репетирует роль Беликова в американском танцевальном драма-спектакле «Человек в футляре» (А. Чехов). Премьера состоится в марте в Хартфорде на сцене Hartford Stage.

Есть еще и Барышников – пропагандист современного искусства. Создав в Нью-Йорке Центр искусств, Барышников предоставляет сцену современным начинающим или малоизвестным танцевальным труппам всего мира и театральным студиям из России. И во все свои начинания вкладывает свой великий дар, неутомимую творческую энергию, «всеобъемлющую душу».

Так и вошел Барышников, легенда балета ХХ века, в наше время – легендой века ХХI-го.

Фото Нины Аловерт
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18526
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Янв 25, 2013 8:54 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013012505
Тема| Балет, Юбилей, Персоналии, Михаил Барышников
Авторы| Майя КРЫЛОВА
Заголовок| «Самый совершенный танцор»
Где опубликовано| Новые Известия
Дата публикации| 2013-01-25
Ссылка| http://www.newizv.ru/culture/2013-01-25/176530-samyj-sovershennyj-tancor.html
Аннотация|

Вечно занятый Михаил Барышников, кажется, не собирается замечать свой 65-летний юбилей



27 января Михаил Барышников отпразднует свой 65-й день рождения. Возраст для артиста балета более чем солидный. Но речь о пенсии или хотя бы длительном отдыхе не идет. Да и отмечать свои дни рождения артист терпеть не может. Юбилеи он встречает в трудах и заботах.

Начать с того, что Миша (так его зовут поклонники во всем мире) продолжает танцевать, хотя и любит время от времени интриговать общественность разговорами об «окончательном» уходе со сцены. Конечно, он давно оставил классические партии, да и современный танец – увлечение последних лет – исполняет выборочно. «Они что-то делают для старика», – отважно кокетничает Барышников, рассуждая о поставщиках своего нынешнего репертуара.

Его фамилия на афише по-прежнему производит магическое впечатление на публику, тем более что этот на редкость умный артист действительно выбирает репертуар с умом. В последние годы он показывал к примеру, номер, который знаменитый европейский хореограф Матс Эк специально поставил для Барышникова и своей жены – блистательной в прошлом танцовщицы Анны Лагуны. Показал «Годы спустя» хореографа Бенжамена Мильпье. Станцевал «Вальс-фантазию» на музыку Глинки, сделанную по просьбе артиста Алексеем Ратманским, которого Барышников ценит очень высоко. И сегодня многие зрители могли бы подписаться под давнишними словами американского критика Клайва Барнса: «Самый совершенный танцор, которого я когда-либо видел».

Барышников к тому же не кичится ни всемирной известностью, ни творческим долголетием. Окружающие его люди говорят о полном отсутствии у него звездной болезни. Вот впечатления Ратманского: «Он был очень открытым, дружелюбным и простым. Ничего подобного по сравнению с «дивами», к которым я привык в России, работая с известными танцорами».

Совсем недавно Барышников станцевал в новом спектакле своего любимого хореографа Марка Морриса. Балет называется A Wooden Tree («Деревянное дерево»), в его основе лежат музыка и стихи актера, поэта и музыканта Айвора Катлера. Этот эксцентричный шотландец с сильным налетом сюрреалистического юмора спровоцировал Морриса на опус для восьми танцовщиков, среди которых скромно работает Барышников, перевоплощающийся по ходу действия в безумного телеграфного оператора. На 2013 год намечена еще одна премьера – в новом балете «Человек в футляре». Танцы на чеховский текст делают авангардные хореографы Пол Лазар и Энни-Би Парсон, создатели нью-йоркского Big Dance Theater.

Тем не менее интерес Барышникова к танцу сегодня, очевидно, слабее, чем страсть к драме. А вот с кино у него не очень сложились отношения, хотя роль русского художника Петровского в сериале «Секс в большом городе» довела и без того необъятную популярность Миши до заоблачных высот.

Драматический театр не так давно дал возможность Барышникову впервые за много лет обильно поговорить по-русски – в спектакле «В Париже» по рассказу Бунина, поставленном специально для артиста московским режиссером Дмитрием Крымовым. Барышников сыграл белого генерала в эмиграции, встретившего свою позднюю любовь – официантку в столовой. Танца тут немного, но, посмотрев спектакль, рецензент журнала «Нью-Йоркер» написал: «У меня было ощущение, что я видел нечто прекрасное, что произошло только там и нигде больше». Давая согласие Крымову, Барышников, всегда открытый новому, исходил из своего острого интереса к нетрадиционному театру. Настолько острого, что, как писали западные газеты, он «вложил 250 тысяч долларов собственных денег и еще 250 тысяч одолженных, зная, по его признанию, что эти деньги никогда не окупятся».

Главное увлечение Барышникова в последние годы – его Центр искусств в Нью-Йорке. Признанному творцу очень нравится опекать начинающих авторов инсталляций, продвинутых режиссеров и хореографов, авангардных фотохудожников. «Молодые люди часто бывают в своих суждениях экстремистами, потому что им трудно доказать свою точку зрения, свои взгляды… Поэтому мы решили, что самое время создать частные программы и в частном порядке помочь молодым артистам занять достойное положение, – говорит Барышников. – У них всегда должно быть место, где можно надеяться на свой шанс, на осуществление мечты; место, куда они могут прийти, чтобы оценили их творческий потенциал».

Помещения для проектов сдаются по минимальной цене, а несколько раз в год кто-то получает залы бесплатно. Центр, в котором ежегодно бывает до 20 тыс. зрителей и до 30 постановок, имеет шесть этажей и три театральных зала. В них регулярно выступают приглашенные артисты из России. В январе 2013 года здесь гостит театр Петра Фоменко со спектаклем по Льву Толстому.

Именно для финансирования Центра его основатель недавно продал за 740 тыс. долларов картину Петра Верещагина «Вид на Санкт-Петербург» из своего художественного собрания. Прочие ценности, скопленные за много лет собирательства (в их числе картины и рисунки Бакста, Бенуа, Судейкина, Гончаровой, Ларионова и Жана Кокто) коллекционер в прошлом году экспонировал в Нью-Йорке под девизом «Искусство, с которым я живу». В этом году выставку обещают показать в России. Кроме того, Барышников успешно занимается бизнесом, увлекается фотоискусством (и устраивает фотовыставки), обожает играть в гольф (особенно на отдыхе в Доминикане, где у него есть дом). Артист много времени уделяет жене, бывшей танцовщице Лизе Рейнхардт, своим четверым, уже взрослым, детям и маленьким внукам. А когда «Мише» рассказывают о его артистическом гении, он прячется за самоиронию: «Слава – это лишний кусок сахара в стакане чая».


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Авг 14, 2016 12:37 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18526
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Янв 25, 2013 9:01 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013012506
Тема| Балет, Камерный балет «Москва», Персоналии, Елена Тупысева
Авторы| Татьяна Кузнецова
Заголовок| Елена Тупысева: будем искать свой репертуар
Где опубликовано| Журнал "Коммерсантъ Weekend", №2 (296)
Дата публикации| 2013-01-25
Ссылка| http://kommersant.ru/doc/2106237
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



С художественным руководителем камерного балета "Москва" побеседовала Татьяна Кузнецова

— Как на вас, занимавшуюся исключительно современным танцем, одну из основателей и руководителей ЦЕХа (Центра экспериментальной хореографии.— Weekend), вдруг свалился камерный балет "Москва" с его классической половинкой?

— В департаменте культуры Москвы есть список театров, которые они хотели бы реорганизовать. Примерно год назад мы с Сергеем Александровичем Капковым и его замом Евгенией Борисовной Шерменевой обсуждали развитие современного танца в Москве. Получалось, что единственная штатная современная труппа — в составе "Балета Москва". А летом — я как раз собиралась ехать в Вашингтон на третий курс семинара для театральных менеджеров в "Кеннеди-центр" — меня вдруг вызвали в департамент и сказали: "Берите "Москву"". Причем сразу — буквально на следующий день после того, как сняли худрука и основателя труппы Николая Басина. Срочность была продиктована какими-то юридическими обстоятельствами. Ну и никуда я не поехала, а пошла на новую работу.

— И все разнесли в прах?

— Ну почему все? Менеджмент — да: в офисе сидели люди, вообще не имеющие отношения к театральному делу. Мы на 95% обновили администрацию — брали из ЦЕХа молодых, активных, любящих театр. В современной труппе было 20 человек — слишком много. Мы провели открытый конкурс, пригласили в жюри независимых иностранных специалистов, в результате 11 человек оставили, троих взяли со стороны.

— А не было бы проще оставить только менеджмент? Культурный центр ЗИЛ, который стал у вас основной площадкой, использовать в качестве прокатной, а артистов нанимать на конкретные проекты? В драме теперь это модно.

— Я считаю, что в обеих труппах должен быть постоянный состав артистов. Во-первых, профессия танцовщика требует ежедневного тренинга для тела, а это возможно только в труппе с постоянным штатом. Во-вторых, у каждого нового спектакля два периода существования: подготовка и выпуск на публику, затем прокат. А прокат невозможен без постоянной труппы: каждый спектакль требует большого количества репетиций, чтобы держать его на качественном уровне. Поэтому артисты заняты практически каждый день в театре, у них нет возможности участвовать в проектах на стороне. Другое дело, что хотя бы раз в два года нужно в труппу вливать свежие силы, для этого как раз и существует система срочных трудовых договоров.

— И сколько же спектаклей сейчас в современном репертуаре "Балета Москва"?

— Из старого у нас сохранилась только "Весна священная", получившая "Золотую маску". Ее автор, Режис Обадья, уже поставил нам "Свадебку", будет делать еще один спектакль — "Тристан и Изольда". Мы пригласили на постановку Ивана Переса; он испанец, танцевал у Иржи Килиана — в Москву, в Музыкальный театр Станиславского, перенес его "Бессонницу". Гай Вайцман и его жена Рони Хавер из Нидерландов поставят у нас свой спектакль на библейскую тему. Хореограф Саша Андрияшкин, он работает с подростками, знает эту аудиторию — сделает экспериментальную работу для тинейджеров на малой сцене в концертном зале ЗИЛа. Думаю, названий восьми для репертуарной современной труппы хватит.

— Ну, с "современниками"-то вы знаете, что и как делать. А классиков, говорят, расформировать хотели?

— Слухи, конечно, ходили — ведь я же не специалист в классическом балете. Но "Балет Москва" изначально состоял из двух трупп — у них даже репетиционные базы были в разных местах. И я подумала, раз уж исторически так сложилось, почему не попробовать что-то новое и с классиками?

— Николай Басин, ваш предшественник, говорил, что камерный балет кормят именно классики, хотя на их "Спящие" и "Дон Кихоты" ходила только случайная публика — ведь понятно, что в третьеразрядной труппе классика не может идти в достойном виде.

— Он преувеличивал, труппу я застала... Ну да ладно. Словом, в ней было 45 человек, сейчас осталось 25. А из репертуара мы оставили только два детских спектакля — "Белоснежку" и "Чиполлино" Генриха Майорова. Со "Спящими" и "Пахитами" покончено: нельзя же всерьез конкурировать на этом поле с Большим театром и другими крупными труппами. Будем искать свой оригинальный репертуар — балетов 10 нам хватит.

— Как же вам удалось уволить половину артистов? Большой театр, например, никак не может избавиться от своего балласта.

— У нас все на срочном трудовом договоре. Срок кончился в августе, я всем продлила его на четыре месяца, чтобы посмотреть, кто что может. Сейчас женский состав у нас очень даже хороший, нужны ребята. Но с мужчинами и в больших театрах проблемы.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Сб Сен 20, 2014 11:17 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Михаил Александрович
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 06.05.2003
Сообщения: 25149
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Янв 26, 2013 11:28 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013012601
Тема| Современных танец, фестиваль ЦЕХ, Персоналии,
Авторы| Александр Фирер
Заголовок| Алиби цехового сознания
Где опубликовано| Музыкальная жизнь №1 2013г. стр. 62-63
Дата публикации| январь 2013
Ссылка| http://mus-mag.ru/mz-jrn-arhiv/j-2013-01.htm
Аннотация|

В Москве прошел 12-й международный фестиваль театров танца ЦЕХ при содействии Минкульта РФ, немецкого культурного центра им. Гёте и департамента культуры Москвы.

Тринадцатый год существует ЦЕХ – негосударственная и полностью независимая организация, которая с 2011 года именуется Центром современного танца и перформанса. Одним из направлений ЦЕХа является создание и поддержка проектов в области современного танца и актуального искусства. До недавнего времени, кроме балетов Петипа и Григоровича, в России ни одно из направлений танца не развивалось и не поддерживалось. В то время как, например, во Франции Министерство культуры активно создавало в регионах национальные хореографические центры современного танца, в России это направление узаконено не было. Сегодня Москва далеко не лидер в области contemporary dance, как, впрочем, и Питер. Многие компании современного танца существуют до сих пор фактически без всякой поддержки и выживают вопреки всему. Только недавно включили в состав муниципального театра коллектив Татьяны Багановой из Екатеринбурга, что позволяет артистам хотя бы числиться на работе. Проводимый ЦЕХом ежегодный фестиваль современного танца – главный профессиональный форум российского танц-театра. Не все создаваемые спектакли хороши, но если им не давать изначально ходу, то никогда никакого современного танца в России и не будет вообще. Ради российского contemporary dance и трудятся ЦЕХовики, помогая ему набирать обороты, пробиваться сквозь магистральный путь балетного искусства. С 2010 года фестиваль ЦЕХ включен в программу культурного обмена между Россией и европейскими странами. Западная кровь, проникая в русло российского современного танца, способствует его жизнеспособности.

Проведение года Германии в России стало мотивированным поводом участия в фестивале немецких танцевальных компаний. Также на сцене Культурного центра ЗИЛ выступили российские труппы, среди которых – и имеющие заслуженное реноме «Провинциальные танцы» из Екатеринбурга. Бессменный руководитель этой компании Татьяна Баганова плодотворно и систематически расширяет репертуар своими опусами и сама как танцовщица участвует в постановках. В этом году она привезла на фестиваль ЦЕХ продукцию приглашенных авторов: «Опыт №4. Intersection» москвички Анны Абалихиной и «Алиби» костромчан Ивана Евстигнеева и Евгения Кулагина.

Некий медитационный формат «Опыта №4. Intersection» на музыку группы «Вуаеры» погружает бессюжетное действо в лирическую драматургию чувств, а танц-пересечения рождают новые витки пластических взаимоотношений. Каждый из участников в белых костюмах имеет свою траекторию движения в соответствии с динамическими глиссадами звукового сопровождения. В адажио, которое истинно эпицентр нирваны, пятеро мужчин телом Алёны Лежавы, комфортно чувствующей себя на вытянутых руках, выписывают в воздухе залигованные кренделя, кульбиты, словно почерпнутые из «Кодекса о полете птиц» Леонардо да Винчи. Длинные волосы и платье танцовщицы, протяженность линий сочетаются с ее «аэродинамическими» пертурбациями. Чужеродными и менее уместными показались эпизоды, когда невысокий артист, как пиявка, присасывается губами к доступно-открытым фрагментам плоти коллег. Однако цикличность формы перформанса возвратила к финалу изначальную лирическую отрешенность и особую атмосферность.

Спектакль «Алиби» не что иное как «хождение по мукам», в котором были энциклопедически представлены доступные воображению формы насилия над чил-аутными огромными мешками-пуфами. В бесконечности перемещений и прыжков неутомимые артисты с одержимым трюкачеством выбивали «дух» из этих красных пуфиков, параллельно демонстрируя варианты бытового травматизма с вывихами конечностей. Казалось, они хотели «вылезти из кожи». К сожалению, в суете с претензией на юмор не оказалось места хотя бы для лейтмотивного намека на некую историю. Кажется, что сочинители не ставили перед собой не только художественной, но и никаких технологических задач.

Компания «Total Brutal» из Германии привезла тотально-брутальную работу Нира де Вульфа «Пикники, свадьбы и похороны». Со свойственным немецкому танцтеатру экспрессионизмом на развеселую музыку буйно развертывается картина, некий апогей «октоберфеста», апокалипсический разгул «культурного отдыха» в стадии, когда передозировка выпитого напрочь стирает из памяти информационный повод сбора гостей – будь то поминки, свадьбы или пикники в парке под тентом. На авансцене жарится курица, и запах паленой кожи обонятельно усиливает эмоциональное воздействие от герники происходящего. Падения, валяния по полу, таскания друг друга за волосы, ходьба босиком по лицам «поверженных», лапания женских бедер кавалерами венчаются дружным сиртаки на поле брани из растерзанных желтых хризантем с последующим уползанием на карачках. Неизбежный итог ритуалов с тотальной аффектацией – перегар внутренней опустошенности.

Танцтеатр из Брауншвейга привез блестящий спектакль «Ahead» (хореограф Ян Пуш, сценограф Гелке Гайкен). Этот опус смело можно поставить в один ряд с вошедшими в историю образцами современного немецкого танцтеатра. Игра слов, кроящаяся в названии «Ahead» (вперед и голова), диктует концептуальный девиз – неуклонное движение вперед, не ослабляя «головной тонус», когда надо оперативно взвешивать каждый шаг и принимать важные решения. Абсурдистски автономные лего-эпизоды представляют, с одной стороны, несклеивающиеся конструкции, с другой – гармоничный единый спектакль, воздействующий на чувства и разум. Перегруженный метафорами массив сцен – четко выстроенный цикл картинок хореографического сознания и подсознания автора. Группа очарованных странников-идеалистов оказывается в плену демонов подсознания, облаченных в черные вуали. Эти видения диктуют персонажам с парализованной волей регламентируемый способ пластического существования.

Под систолические удары музыкального сопровождения в стерильности подсвечиваемых белых прямоугольных настенных плит появляются пары в черных париках-каре, выдающие коллективный экспрессивный танец: бескостные извивания и точные взаимодействия партнеров запоминаются абсолютной независимостью движений рук, ног, головы. А вот и гигантский шлейф-пуповина, удерживающий, словно на поводке, женщину в зеленом платье, себя не контролирующую. Параллельно скорбная процессия пилигримов с блекло мерцающими фонариками, словно символизирующих хоровод блуждающих огней зарождающейся мысли. Появляются люди в огромных пуховиках, будто спеленутые в кокон пены дней, а группа женщин на каблуках ползет через годы через расстоянья в поисках утраченного времени. Мастерство и отточенная техника артистов обеспечивают концептуальному синтетическому действу особую огранку.

В спектакле много прелюбопытных персонажей: трое в галстуках, выясняющие отношения, септет мужчин в экстатическом танце, сонные Адам и Ева, даже вождь краснокожих, изъятый из недр памяти детства. Но самой яркой фигурой предстает трансвестит на высоких каблуках, в белом огромном парике и одетый в желтое платье со шлейфом. Манипулируя тростью и дефилируя от бедра, он дает публике пять секунд для принятия решения: вы стрелочник, перед вами два пути, на обоих – люди, и мчится поезд. Вы можете перекрыть только один из путей. Как поступить, выбирая между лауреатом Нобелевской премии, рабочими, воркующими влюбленными или между тремя детьми и Меркель-Обамой-Путиным. Финальная комбинация у публики шла на ура…

Что же движет человеком в момент принятия сиюминутного решения? Этот вопрос в спектакле ёмко и полифонично рассматривается во всех аспектах человеческого осмысления. И ответы – самые парадоксальные.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение Отправить e-mail
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18526
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Янв 26, 2013 3:36 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013012602
Тема| Балет, Ковент-Гарден, Персоналии, Алина Кожакару, Ясон Рейлли, Акане Такада, Стивен Мак-Рей
Авторы| Людмила Яблокова
Заголовок| Онегин в Лондоне... танцует
Где опубликовано| Belcanto.ru
Дата публикации| 2013-01-26
Ссылка| http://belcanto.ru/13012601.html
Аннотация|


Алина Кожакару — Tатьяна и Ясон Рейлли — Онегин

Опера? Нет, балет! Известного в 60-х годах хореографа нежности и лиризма Джона Кранко из Южной Африки по мотивам пушкинского романа в стихах. Сам Чайковский никогда не писал музыку к балету «Онегин», это — компиляция различных пьес и фрагментов из его музыки, выполненная немецким пианистом и композитором Куртом-Хайнцем Штольце.

В балете заняты румынская балерина Алина Кожакару в роли Tатьяны и канадец Ясон Рейлли — Онегин. Рейлли заменил объявленного ранее датчанина Йоханa Кобборга, вынужденного отказаться от премьеры из-за травмы спины. Японка Акане Такада исполнила роль Ольги, а англичанин Стивен Мак-Рей — Ленского. Лучший интернационал в мире — искусство!

Но как это в принципе возможно без пушкинского стиха рассказать «Евгения Онегина»? Оказывается, возможно!

Конечно, балет «Онегин» — это не «энциклопедия русской жизни», это история любви, разочарования, холодного эгоизма, безрассудного флирта, непростительной гибели. Но покорило то, как трепетно отнеслись все участники этого действа к исходному материалу: эпоха, время, природа, бытовые зарисовки, художественные декорации, костюмы и даже провинциальное русское общество со старомодными кумушками и страдающими артритом дядюшками — все такое узнаваемое, родное...



В голове, в лад с разворачивающими событиями на сцене, как по «бегущей строке», поначалу проносились строки из поэмы, заученные еще в школьные времена, но скоро я забыла о них.

Столько было элегантности и изящества, какой-то даже ажурности, утонченной красоты и искренности в танце, в движении.

Без сомнения, они поведали — без слов — красивейшую новеллу о любви, ревности, интригах, смерти.

Английский «Онегин» — все-таки несколько иной, не совсем русский балет, хотя в нем много традиционных элементов, но в глаза бросаются, запоминаются именно эти, нетипичные, необычные движения, привнесённые самим Кранко, человеком, без сомнения, талантливым. В его хореографии есть какая-то изящная надломленность, настолько визуально отчетливая, но так трудно поддающаяся описанию.


Стивен Мак-Рей — Ленский

Сцена открывается идеалистической картиной, где перед барским домом в имении Лариных резвится неугомонная Ольга, а ее мать и няня пытаются ее образумить. В сторонке, уткнувшись в книжку, лежит на траве Татьяна. Когда появляется группа молодых парней и девушек, водящих хороводы, Татьяна перебирается на отдаленную лавочку. И только когда их сосед Владимир Ленский, поэт и жених ее младшей сестры, приходит в гости и приводит с собой своего товарища, молодого столичного щеголя, очень напоминающего холодного байроновского денди, Татьяна начинает проявлять интерес к происходящему.

Онегин заинтригован вначале, но как только понимает, какое чувство движет ею, становится холоден и недоступен.

Вот она взлетает в высоком прыжке, в торжестве нового чувства, новой любви, но в следующую секунду, словно, сломанная веточка, падает к его ногам. Почти также в третьем акте упадет к ее ногам Онегин.

Татьяна без памяти влюбляется в столичного красавца и пишет ему признательное письмо. Она — мечтательная, хрупкая, уязвимая в первом акте — превращается в последнем в гламурную светскую львицу.

Это невероятно, но вы можете видеть, как борются в ней чувства любви к Онегину и верности долгу,

чести, благодарности к не такому уж и старому мужу, князю Гремину.


Ясон Рейлли — Онегин

Во втором акте, на дне рождения Татьяны, Онегин — холодный, эгоистичный и своенравный как холодная речка Онега (видимо, по той же ассоциации появился чуть позднее в русской литературе другой «лишний» герой, или антигерой — с фамилией Печорин — Печора...) — в конце балета неузнаваемо преображается в смятенного чувствами «юнца». Его флирт с Ольгой — вызов скуке и обществу, дерзкий, разрушающий. Но глупенькой юной девушке это невдомек: она просто танцует, и так ли уж важно, с кем?!

Очень продумана сцена дуэли. Темный лес отделен прозрачным занавесом, с заветным вензелем «Е. О.». Оригинальная подсветка (Стэн Бьярк) выделяет иногда только буквы, иногда фигуры двух мужчин, с разных концов сцены сходящихся к месту дуэли, или хрупкие фигурки двух юных девушек в черных похоронных платках.

Они в истовом танце пытаются остановить безумцев, но всё напрасно!

Легкая, легковесная, легкомысленная Ольга-Акане! Идеалист, восторженный романтик, понапрасну обиженный Ленский-Стивен. Высокий класс! Безупречная техника, незабываемая хореография, особенно какие-то ее мгновения, останутся в памяти навсегда!



Декорации (сценограф Юрген Розе) просто великолепны! Действительно русские березки, с покосившимся забором помещичья усадьба, слегка, правда, напоминающая (без забора) английский Manor House, но это простительно! Кружевная спальня Татьяны...Тревожный, волнующий пейзаж перед дуэлью. Пышный дворец князя и будуар Татьяны в третьем акте, где разочарование уже предстоит пережить Онегину…

Мне кажется удачей, что в каждом акте часть действия в несколько минут шла между... прозрачным занавесом с вензелями «Е.О.» и тяжелым бархатным, за которым в это время менялись декорации. Как «мостик» между одной главкой и следующей, и это давало зрителю ощущение законченности одной сценки, необходимости перевернуть страницу перед началом новой...

Впервые балет «Онегин» был задуман Кранко в 1962 году для театра «Сэдлерс-Уэллс»,

но понадобилось время, чтобы сама идея выкристаллизовалась в законченное, утонченное, мастерски исполненное представление, мировая премьера которого состоялась только в 1965 году в исполнении артистов Штутгартского балета.



Последние несколько лет «Онегина» в Лондоне не танцевали, но сезон 2010/11 в Королевской опере открылся именно им, возобновленным новым поколением танцоров и снова вернувшимся на сцену «Ковент-Гардена» в этом январе. Появление его так скоро более чем оправданно.

Театр полон! Ложи блещут! Билеты проданы!

При том, что всегда отдаю предпочтение опере перед балетом, при том, что изначально тяжело ворочалась мысль «ну, что это будет за "Онегин"?», не могу не признать — это Пушкин! Это Чайковский — не важно в чьей интерпретации! Это — действительно «Онегин»!

По духу, по настроению, по накалу страстей — наш русский «Онегин»!

Балет, поставленный не на русской сцене, не русскими хореографами, исполненный не русскими танцорами, великолепен! Это классика! Это шедевр!



В оркестровой яме властвовал молодой английский дирижер Доминик Грайр. Я не помню столь пронзительно-проникновенной игры оркестра. Я принимала в себя звуки оркестра, пропускала их себя через свое тело, покрывшись гусиной кожей до озноба, и чувствовала, как уходила эта энергия, по моим ногам, в пол, и я сидела, не слишком понимая, что же со мной происходит: смеюсь я или плачу. Я была не одна такая в этом зале, в этот вечер!

Когда окончательно упал занавес, мои соседки — типичные английские ladies в почтенном возрасте — продолжали кричать «браво!», и в воздух... чепчики не бросали, но охотно делились впечатлениями, слишком даже громко, возбужденно, не по-английски, обсуждая увиденное.

Не знаю, читали ли они Пушкина, но, без сомнения, русский дух они «почуяли».

Впрочем, в Королевской опере случайных людей не бывает. Аудитория здесь эрудированная. И потому я уходила из оперы с глубоким, и приятным ощущением, что «загадочная» русская душа хотя бы немножко разгадана!

Фото: ROH / Bill Cooper
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18526
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Янв 26, 2013 9:53 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013012603
Тема| Балет, Юбилей, Персоналии, Михаил Барышников
Авторы| Елена ФЕДОРЕНКО
Заголовок| Misha в футляре
Где опубликовано| газета "Культура"
Дата публикации| 2013-01-26
Ссылка| http://portal-kultura.ru/articles/world/2664-misha-v-futlyare/
Аннотация| ЮБИЛЕЙ

27 января Михаилу Барышникову исполняется 65 лет. Имя его знакомо даже тем, кто далек от балета. Летом 1974 года во время гастролей в Канаде танцовщик решил не возвращаться на родину. В тот момент ему, уже заслуженному артисту РСФСР и золотому медалисту международных балетных конкурсов, было 26 лет.



Высказываться о Барышникове все труднее — виденное и невиданное давно описано. В трюизм превратили цитату из Сергея Довлатова: «Я зашел в хозяйственную лавку… в Нью-Йорке. И увидел на стене громадный портрет Михаила Барышникова. Одно изображение, без подписи… Я думаю, слава — это когда твое изображение можно повесить в хозяйственной лавке».

Ренессансное искусство Барышникова не ограничивалось классическим танцем, он становился своим в Голливуде и на Бродвее, соперничал с профессионалами в живописи и фотографии. Книги, музыка и, конечно, танец определяли и раздвигали пространство его жизненных и творческих интересов. Он с легкостью миновал нежный возраст балетных принцев, но и тогда его слава не померкла, а, напротив, набрала силу. Сегодня Барышников репетирует Беликова в «Человеке в футляре» по Чехову в труппе Big Dance Theater. Премьера на сцене The Hartford Stage — через месяц. Не усомнимся в том, что герой его не станет врагом живого прогресса (как учили в школе), не окажется нелепым чудиком — из тех, кто даже в теплую погоду кутается в пальто, надевает галоши и раскрывает зонтик. Барышников наверняка отворит створки футляра и покажет то, что бередит душу отвергнутого, мнительного, осторожного и запуганного героя, итожащего жизнь под смешки наивной Вареньки...

Лютый итог «накрыл» его и в предыдущем спектакле — «В Париже», когда новеллу Бунина поставил Дмитрий Крымов. Герой Барышникова — белогвардейский генерал, вынужденный покинуть родину, встретил позднюю любовь под «мглистым небом» Парижа 30-х годов. Рассказ Александры Дашевской, очевидца премьеры: «Зрители входят в зал, видят пустую сцену и надстроенный над нею круг, по центру стоит Барышников. В этой первой ноте спектакля сразу чувствуется мощь личности. Потом он заговорит по-русски и завершит роль страстным танцевальным монологом, и каждому зрителю достанутся боль одиночества и горечь эмиграции. Может, и есть смысл в том, что этот спектакль в России ни разу не показывался, он бы получил какой-то налет искусственности. Очень русская история всегда играется не в России, но о России».

Оба спектакля — и чеховский, и бунинский — связаны с Россией: темой, авторством, исполнителем. Добавим безысходную боль танца «Кони привередливые» под надрыв Высоцкого; отчаяние безумца в спектакле «Запрещенное Рождество» Резо Габриадзе; русского художника из сериала «Секс в большом городе», что размешивает в чае вишневое варенье, печет для любимой Кэрри блины и читает ей стихи...

Тоска по прошлому становится все более обнаженной в диалоге с Россией, куда он больше не заглянет, похоже, никогда. Говорят, много лет назад заключил пари с Иосифом Бродским и помнит самую страшную для артиста балета угрозу: КГБ обещал переломать ноги...

На сцену Мариинского (тогда, конечно, Театра имени Кирова) выпускник Ленинградского хореографического училища вышел в 1967 году. Его партнершей в «Щелкунчике» и в па-де-де из «Дон Кихота» стала сокурсница Леонора Куватова, ныне — народная артистка России и Башкирии. «В характере Миши, а всем были очевидны его уникальные способности, — говорит она, — жили упорство и желание стать лучшим. После урока его невозможно было выгнать из зала — он продолжал вращаться, прыгать, тянуть ноги». От солнечного «Дон Кихота» и восторженного Принца до раненых героев Бунина и Чехова — 45 лет и тысячи километров.

Роман с прошлым — главное в его творчестве последних лет. Барышников пишет его не только на сцене. Он общается со старыми друзьями (их немного, и все хранят тайны его жизни) и с театральной молодежью России (тут — не сосчитать). В своем Центре искусств (Baryshnikov Arts Center) пропагандирует современное русское искусство, приглашает на гастроли молодые труппы и студентов театральных школ. Среди них и сценограф Александра Дашевская: «В Нью-Йорке он вышел сказать несколько слов — предисловие к спектаклю. И не выглядел, как мировая звезда, наоборот, смущался. Его сольный танец оказался эмоциональной зарисовкой, по настроению — светлым и грустным. Подумалось, что это автопортрет. Меня поразило, каким высоким он выглядит со сцены и насколько необъяснима природа его пластики: смотришь и не понимаешь, сделал он движение или нет. Никаких усилий мышц, удивительная легкость и естественность — как дыхание.

Второй раз видела Михаила Барышникова в Таллине, куда на Рождественский фестиваль приезжала Лаборатория Крымова. Там проходили первые репетиции «В Париже». Общался он просто и легко, в его поведении нет превосходства. Только по каким-то фразам понимаешь грандиозность личности, его глубину — интеллектуальную и эмоциональную.

На память о нашей американской встрече у меня осталась куртка Бродского. Накануне отъезда зашла попрощаться с Барышниковым к нему в кабинет, что в Центре искусств — такая смесь гримерки и приемной. Подарила игрушку, которую сшила для него. Барышников взял со стола и протянул мне фотографию Бродского с Дереком Уолкоттом. Сказал, что у него есть для меня подарок, который он обязательно переправит. Вскоре я получила куртку Бродского: бежево-зеленоватого цвета, без одной пуговицы, с еле заметным пятнышком на правом плече…»

Барышников любит делать подарки. Например, в русские музеи. Происходит это безо всякой пиар-шумихи и, конечно, сам даритель не приезжает, хотя приглашения получает постоянно. Заезжал с частным визитом в Ригу: вместе со старшими детьми поклонился могиле матери и подарил городу детства благотворительные концерты.

В Москву и Петербург, который, к слову, отмечает 65-летие Барышникова фотовыставками, легендарный Misha пока ни ногой. Альма матер Барышникова — Академия русского балета имени Вагановой — в честь юбилея своего великого выпускника временно откроет классы для самых талантливых учеников Рижского хореографического училища. Но — можно зуб дать — сам он не приедет.

А вдруг рискнет и когда-то да покажет в России свой новый спектакль, над которым только начинает работать с известным хореографом Марком Моррисом? В основе — сочинения шотландца Айвора Катлера, но, можно не сомневаться, они близки Барышникову все тем же — разговором с прошлым и о прошлом…
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18526
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Янв 27, 2013 9:37 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013012701
Тема| Балет, Юбилей, Выставка, Персоналии, Михаил Барышников
Авторы| Полина ВИНОГРАДОВА
Заголовок| Misha с советским прошлым
Где опубликовано| газета "С.-Петербургские ведомости"
Дата публикации| 2013-01-24
Ссылка| http://old.spbvedomosti.ru/article.htm?id=10295731@SV_Articles
Аннотация| ЮБИЛЕЙ

В музее «Эрарта» до 9 февраля открыта выставка «Балет есть замок красоты», названная цитатой из стихотворения Иосифа Бродского, посвященного феноменальному танцовщику Михаилу Барышникову. Ему же посвящена петербургская выставка. 27 января Михаил Барышников отметит 65-летие.



Гений танца, который кажется неприступным, но, кроме того, медийное лицо, растиражированное таблоидами, сценарист, продюсер, талантливый актер – номинант премии «Оскар», исполнитель нескольких киноролей, в том числе роли одного из любовников Кэрри Брэдшоу в сериале «Секс в большом городе»... В зрительском сознании образ Михаила Барышникова двоится: с одной стороны, он олицетворяет высокое искусство, с другой – масскульт. В XXI веке эти, казалось бы, противоположные полюса нередко сталкиваются, образуя самобытный феномен.

Михаил Барышников признался французской газете Le Figaro, что в Петербург не вернется ни живым ни мертвым. Эти слова растащили по цитатам европейские таблоиды. Однако здесь его продолжают любить. Любоваться своим кумиром поклонники могут лишь на фотографиях, что и будут делать в выставочных залах «Эрарты» (29-я линия В. О., д. 2) на третьем этаже.

На черно-белых, реже цветных фотографиях Пола Колника и Нины Аловерт он запечатлен в основном в балетах Джорджа Баланчина и Джерома Роббинса и репетирует под их руководством. На этих снимках Барышников танцует с ведущими солистками New-York City Ballet, а также с Натальей Макаровой – Кармен. Самый эффектный снимок, конечно, тот, где Аполлон обнял разом трех нимф в белых юбочках.

Прекрасен как бог – но не везде. Были в карьере Михаила Барышникова два спектакля, в которых он – человек уязвимый, трепетный, с российской тоской в глазах. Один такой спектакль 2004 года представлен на снимках Нины Аловерт. Грузинский художник, писатель и режиссер Резо Габриадзе поставил для русского танцовщика историю «Запрещенное Рождество, или Доктор и пациент» про советского моряка Чито, грубоватого и несчастного. Чито вернулся с войны, а его любимая девушка вышла замуж за другого. Чито хотел покончить с собой, но ангел спас его. От горя Чито тронулся рассудком... Спектакль с успехом был показан во многих американских городах. Нина Аловерт снимала его в Нью-Йорке. Эти снимки очень выделяются из общего ряда – на других снимках Михаил Барышников необыкновенно красив. Но роль человека с советским прошлым, способного сойти с ума от любви, кажется самой искренней его ролью.

Спектакль «В Париже» по одноименному рассказу Ивана Бунина буквально по мизансценам изображен на фотографиях Марии Барановой – кадры развешены вплотную друг к другу на двух стенах. Эту постановку осуществил в 2011 году московский режиссер Дмитрий Крымов. Премьеру показывали в Хельсинки – по замыслу режиссера, поближе к Петербургу; потом последовали аншлаги по всему миру. Представленные на выставке фотографии были сделаны в парижском театре «Шатле». Тогда Михаилу Барышникову было шестьдесят три года, он сыграл русского писателя-эмигранта Николая Платоныча. На фотографиях пожилой господин в элегантном костюме, растерянный и одинокий. Минутный финальный танец, который Мария Баранова успела заснять, поставил хореограф Алексей Ратманский, тоже теперь живущий в Нью-Йорке.

В интервью перед премьерой Михаил Барышников говорил, что эмиграция героя не имеет значения, здесь главное – любовь, отношения между мужчиной и женщиной. Эта любовь вспыхнула в прекрасном, но чужом городе к официантке из русского ресторана. В спектакле повсюду ощущалась тоска по ушедшей юности. По фотографиям Марии Барановой можно проследить, как актер проживал последние мгновения жизни своего героя на сцене.

«Михаилу Барышникову не импонировала идея этой выставки», – сказала на вернисаже балерина Екатерина Щелканова, которая на протяжении восемнадцати лет дружит со знаменитым танцовщиком. В свое время она была примой Американского театра балета, с 2011 года возглавляет благотворительный фонд «Открытый мир», помогающий талантливым детям-сиротам.

Воспитанники детских домов Петербурга занимались с профессиональными танцовщиками в Театре им. Л. Якобсона. После года занятий несколько ребят выступили в Нью-Йорке в Центре искусств Михаила Барышникова. Худенькая девочка Татьяна Кольцова, по словам Барышникова, танцевала как настоящая петербургская балерина. Теперь миниатюрная Таня – воспитанница Академии русского балета им. Вагановой. Педагоги говорят, в классе она преображается из застенчивой сиротки в балетную диву. Но это уже совсем другая история успеха, которому немножко поспособствовал и Михаил Барышников.


ФОТО Нины АЛОВЕРТ


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Авг 14, 2016 12:40 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18526
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Янв 27, 2013 9:44 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013012702
Тема| Балет, История, Персоналии, Анна Павлова
Авторы| Лев БАРОН
Заголовок| Айви-хауз
и его лебединое озеро
возродила Анна Павлова в предместье Лондона

Где опубликовано| газета "С.-Петербургские ведомости" Выпуск № 013
Дата публикации| 2013-01-24
Ссылка| http://old.spbvedomosti.ru/article.htm?id=10295738@SV_Articles
Аннотация|

Если из центра Лондона проехать по черной линии метро до станции Goldens Green, а потом пройти немного в гору по Норд энд роуд, то справа можно увидеть небольшой особняк, отмеченный мемориальной доской. Она выполнена в традиционном для Лондона стиле – в кругу синего цвета белая надпись: «Анна Павлова жила здесь в 1912 – 1931 годах». Это Айви-хауз, дом великой русской балерины.



Рубин вместо жемчуга
Какой дом, и какие гости бывали в нем!

Анна Павлова родилась в Петербурге в феврале 1881 года. После окончания в 1899 году Императорской танцевальной школы (ныне – Академия русского балета имени А. Я. Вагановой) ее зачислили в труппу Мариинского театра, и уже через семь лет она стала прима-балериной. В ее репертуаре – ведущие партии в балетах «Спящая красавица», «Щелкунчик» и «Лебединое озеро» Чайковского, «Жизель» Адана, «Баядерка» и «Дон-Кихот» Минкуса и многих других.

4 января 1908 года Анна Павлова впервые исполнила хореографическую миниатюру «Лебедь» на музыку французского композитора Сен-Санса в постановке Михаила Фокина. Премьера номера прошла блистательно, но балерина и хореограф так и не решили, умирает в финале лебедь или нет. Павлова настаивала на трагической ноте, Фокин же требовал большего оптимизма. Трудно сказать, чем бы закончился этот спор, но однажды камеристка, помогая Павловой надевать балетный костюм-пачку, заколола его не белой жемчужной брошью, а красной рубиновой. Получилась как бы капелька крови на груди у лебедя. С тех пор «Умирающий лебедь» стал коронным номером Павловой, а сам «царь птиц» – ее талисманом. Очевидцы рассказывали, что после триумфального выступления балерины в «Русских сезонах» 1909 года Сергея Павловича Дягилева к ней за кулисы парижского театра Шатле пожаловал седобородый джентльмен и с волнением в голосе произнес: «Я и не подозревал, какую замечательную музыку написал!». Это был сам Камиль Сен-Санс!

Хлебосольный «плющевый дом»

Эмиграция Анны Павловой из России связана не с революционными событиями, а с ее напряженнейшим гастрольным графиком. С 1907-го по 1931 год она посетила 44 страны: выступала в Японии и Китае, Индии и Африке, Австралии и Латинской Америке, много раз приезжала в США. Балерине аплодировали не только в театрах, но и на совершенно не приспособленных для классического танца площадках, например, в сельской местности на фермах, а в 1918 году в Мехико даже на арене для боя быков. Но гастрольные пути-дороги неизменно приводили Павлову в Англию. В 1911 году она принимала участие в празднествах по случаю коронации Георга V, двоюродного брата Николая II, того самого короля, который был похож на русского царя, как близнец. А уже в 1912 году Павлова и ее муж Виктор Эммануилович Дандре (он же ее импресарио) приобрели в поселке Голденс Грин близ города-спутника Лондона Хемпстеда увитый древним плющом старинный Айви-хауз. «Плющевый дом», по некоторым данным, принадлежал когда-то знаменитому английскому художнику-пейзажисту Джозефу Тернеру.

На участке в 6 акров балерина привела в порядок запущенный сад, а пруд превратила в настоящее лебединое озеро, заселив его длинношеими птицами. Особой любовью Павловой пользовался выращенный ею Джек: с этим лебедем балерина изображена на многочисленных фотографиях. В доме хозяйка оборудовала рисовальную комнату, где в часы досуга занималась живописью и лепкой, а в холле устроила студию, в которой обучала хореографии восемь – десять прошедших суровый отбор девочек. Вместе со своим постоянным сценическим партнером Лаврентием Лаврентьевичем Новиковым Павлова организовывала в Айви-хаузе балетные феерии, карнавалы, парадные приемы. Иной раз на 400 персон. Гостями балерины были великий Федор Иванович Шаляпин; выдающийся итальянский танцовщик и балетный педагог Энрико Чекетти, много лет работавший в Петербурге (исполнявший, в частности, партию Феи Карабос в «Спящей красавице») и дававший в свое время Павловой уроки; русские аристократы-беженцы. Среди изысканных яств на столы непременно подавались и блюда русской национальной кухни – пироги, гречневая каша, осетрина, грибы, масляные блины со свежей икрой. В одной из гостиных стоял бильярд.


Музей великой балерины

...Анна Павлова скончалась во время гастролей в Нидерландах 23 января 1931 года. После ее смерти в течение многих лет в Айви-хаузе располагался госпиталь, а с 2002 года – Лондонский Еврейский культурный центр. Большая часть исторических интерьеров давно утрачена, тем не менее холл первого этажа превращен в мемориальный музей великой балерины. На стендах – многочисленные фотографии с развернутыми текстами, в витринах – афиши и программки выступлений, газетные и журнальные рецензии. В одной из витрин – личные вещи Павловой, в том числе ее балетные туфли (непрерывно выступая, балерина заказывала их до двух тысяч пар в год!). В музее с утра до вечера демонстрируются видеозаписи с ее участием. Кстати, сама Павлова принадлежала к числу страстных поклонников «великого немого» и, рассматривая кинематограф как прекрасную возможность увидеть себя со стороны, устроила в «плющевом доме» домашний кинотеатр. На территории Айви-хауза находится два памятника Анне Павловой. Один установлен у лебединого озера. Другой, представляющий балерину в облике стрекозы, – у террасы ее дома...


Блистательна, воздушна...

ФОТО АВТОРА


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Авг 14, 2016 12:42 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18526
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Янв 28, 2013 7:53 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013012801
Тема| Балет, Персоналии, Нина Ананиашвили
Авторы| Ольга Алленова
Заголовок| "Из-за политики страдают простые люди"
Где опубликовано| Журнал "Коммерсантъ Власть", №3 (1008)
Дата публикации| 2013-01-28
Ссылка| http://www.spbvedomosti.ru/article.htm?id=10295738@SV_Articles
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В 2004 году народная артистка России Нина Ананиашвили вернулась из Москвы в Тбилиси, где руководит Государственным театром оперы и балета Грузии. О том, почему она не жалеет о своем решении, знаменитая балерина рассказала спецкорреспонденту ИД "Коммерсантъ" Ольге Алленовой.


Сцена из балета "Дочь фараона". Сергей Филин, Нина Ананиашвили. 2002 год


Фото: Дмитрий Лекай / Коммерсантъ

"Это неправда, что один театр ненавидит другой"

Я видела детей в вашей балетной школе, вы ведь начинали так же — и стали знаменитой балериной. Как это происходит: как и кто должен разглядеть ребенка, какие нужны условия для того, чтобы талантливый ребенок вырвался вперед?

Мы не были избалованы особыми условиями, была отдельная школа, отдельное здание, а вот театральной сцены внутри школы у нас не было. Своя сцена была только в Ленинграде, и Московское училище имело свою сцену. Многие школы не имеют своих сцен до сих пор. А иметь сцену — это очень важно, потому что ты учишь детей привыкать к зрительному залу, учишь детей ориентироваться в пространстве, где ты не видишь зрителя, а есть только черная яма. Сцена помогает преодолеть страх, дети очень хорошо проверяются, когда выходят на сцену. Я помню, мой педагог мне всегда говорил, что с детства это качество замечается — сценичность. Сейчас, когда я уже сама стала преподавать, поняла, насколько это важно. Бывают две категории детей. Те, кто в зале очень хорошо танцует, но у них есть страх сцены, и, выходя на сцену, они всегда хуже танцуют. И те, кто, как только выходит на зрителя, тут же становится лучше, артистичнее, увереннее. Это очень важное качество в актерской среде. В Тбилиси, когда мне было 12-13 лет, я очень много танцевала — знаменитый Вахтанг Михайлович Чабукиани для нас, детей, ставил специально балетные номера. И, когда я переехала в Москву и попала в класс к знаменитому педагогу Наталье Викторовне Золотовой, она отметила мою сценичность. Правда, сразу же сказала: "Хватит танцевать, пора работать". И завернула меня к станку. Мне повезло, что я попала в Москве именно в руки Натальи Викторовны. Я многим ей обязана. Уже в школе у меня было две больших победы — в Варне и в Москве. А потом на смотре хореографических училищ в Ленинграде мы, ее класс, выступили так успешно, что все удивлялись и говорили, что наш класс больше ленинградский, чем московский. Наталья Викторовна была ленинградкой, училась у замечательных педагогов, у Вагановой, Романовой, Кожуховой и других. Представляете, она училась у всех тех великих педагогов, которыми славится питерская школа, но при этом она была педагогом московского училища. А у нас всегда была такая маленькая конкуренция: Москва, Питер.

Рассказывают, что это была не конкуренция, а вражда.

Знаете, у меня московская школа. Я заканчивала московскую школу, и потом — Большой театр. То есть я москвичка в этом смысле. Но мои педагоги учились у великих учителей из питерской школы. Это абсолютно нормально, многие в Большом театре вышли из питерской школы, например Елизавета Павловна Гердт, Марина Семенова, Галина Уланова. Елизавета Павловна Гердт воспитала моего педагога Раису Стручкову, знаменитую балерину Большого театра, которая передала мне все, что она умела. Это невозможно нигде прочитать, это передается из поколения в поколение. Из ног в ноги, как говорят у нас в балете. И питерская школа от московской не отличается по своей методике танца. Просто Москва потом добавляла какую-то свою свободу. У меня очень много друзей из нынешнего Мариинского театра, это мое поколение, мы общаемся, дружим, мы танцевали вместе на разных гала-концертах по всему миру, и мы все приходили к выводу, что, попадая в Москву, выходцы из питерской школы немного менялись — сама Москва видоизменяла характер танца. И это не только наше поколение отмечало, так было всегда. Даже Петипа пишет в мемуарах о разнице между Москвой и Питером, что Москва более свободна почему-то. Москва более открыта. И питерцы нас всегда критиковали, что Москва позволяет себе больше, чем нужно. Но за счет этого Москва сделала какой-то другой репертуар. Это был период замечательный, я считаю. В одной стране два таких великих театра. Имея даже одинаковый спектакль, они все равно отличаются исполнительской манерой. Потом был период Григоровича, конечно, совершенно другой репертуар, который был в Большом и которого не было в Мариинке.

Я всегда возмущаюсь, когда говорят, что один театр ненавидит другой. Это всегда было неправдой. На уровне артистов мы дружили, общались и понимали цену своего театра. И мы всегда говорили, что это замечательно, когда мы должны учиться у кордебалета Мариинского театра, потому что им от нас тоже есть чему учиться. Это была хорошая, здоровая конкуренция двух театров. И я очень рада, что все так и осталось, потому что был период, когда оба театра хотели свалить в одну административную структуру, и была большая опасность, что один из театров погибнет.

"Самые хорошие школы — дисциплинированные"

Есть мнение, что в балете очень жесткая школа выживания. Сейчас тоже так, или что-то изменилось?

Все зависит от педагогов. Да, наверняка система советского образования вообще была жестокая. Но я лично не чувствовала, в чем жестокость. Дисциплина, да. Вот вы скажите, во всем мире какие самые хорошие школы, куда богатые родители своих детей отдают? Это самые дисциплинированные школы, правильно? А что там? Нельзя опаздывать, тебя не допустят в класс, и это наказание, и за это платят колоссальные деньги. Правильно? А когда демократия, демагогия, анархия — это что? Это хорошо для детей? Как дети, которые могут сегодня педагогу сказать, что он нарушает их права, делая им замечания, будут заниматься у станка? Об этом раньше даже подумать нельзя было. Естественно, я сейчас не говорю о случаях жестокого обращения, бить детей нельзя, а такие случаи были, но эти случаи были не потому, что вся система такая, а потому, что сами педагоги, которые так себя вели, были, простите, уродами. Но далеко не все педагоги были такими. Мы Наталью Викторовну Золотову боялись, потому что она была строгой очень, когда преподавала. Когда по коридору ее голос слышали, мы уже в пятой позиции стояли. Но мы ее любили, обожали. Она говорила: "В классе у меня дисциплина, а вот двери откроются, мы выйдем в коридор — я ваша подружка". По-другому в нашей профессии нельзя. Как и в спорте. После школы мы с ней общались. И до сих пор в день ее рождения мы собираемся в доме ее супруга, Бориса Георгиевича Рахманина, знаменитого педагога Московского хореографического училища. Ему как раз в январе исполнилось 85 лет.

Еще, конечно, важно, что школа тогда воспитывала детей, характеры, культуру поведения. А сейчас школа не воспитывает, отчасти из-за боязни неприятностей с родителями. Все мои знакомые, которые сделали карьеру сами и стали звездами большого балета, были из простых рабочих семей. Им нечем было платить, никакого блата. Посохов, Филин, Уваров, Цискаридзе, Горячева и многие талантливые люди — их семьи не могли бы за них платить. Тогда система была так устроена, что эти люди могли сами подняться. А сейчас это очень трудно, почти невозможно. И наоборот, назовите мне фамилию хотя бы одного человека, который был бы ребенком высокопоставленного чиновника и чего-то добился в этой профессии. Их нет. Я помню, у нас были в школе девочки из таких семей, они потом нашли себя в чем-то другом.

Значит, нужны именно бесплатные школы?

Да, поэтому я и не делаю частную школу. Пока, во всяком случае. Я уже вам сказала о своем выводе: у детей, у которых родители богатые, к сожалению, таланта к балету нет. А если у людей нет денег, почему-то их дети талантливые. Ну и как я могу иметь школу и учить там неталантливых детей? Только для денег? Я так не могу. У меня интерес другой — я хочу вырастить поколение, которое будет потом танцевать.

Даже если кто-то хочет танцевать и готов за это платить, вы его не возьмете?

Сейчас наша школа расширилась, мы открыли актерское отделение и характерное отделение, и туда разрешили набирать детей на коммерческих основаниях. К тому же дети, которые по какой-то причине не могут танцевать классический балет (из-за формы или здоровья), получают возможность продолжить обучение в нашей школе на других отделениях. Мы ввели на этих отделениях уроки речи, вокал, мы обучаем там специальности художника-декоратора.

А бесплатное отделение в вашей школе — классическое?

Да, на классическом отделении, с десяти до восемнадцати лет, обучение бесплатное. И плюс они обучаются еще и всем предметам общеобразовательной школы. Но еще я стала брать в школу детей с шести лет. С шести до десяти лет они учатся на подготовительном отделении, оно платное, но это минимальная сумма. А с десяти лет они уже переходят в профессиональное балетное училище. И знаете, я имею такое свойство — мне все равно, чей это ребенок, кто его родители. Я даю ему номер и смотрю, как он танцует. Я не запоминаю фамилии.

Сколько у вас человек в школе?

Всего, с малышами, триста. Это, конечно, для такого маленького города очень много.

"Жить в стране, где нет оппозиции,— это кошмар"

Почему в 2004 году вы все бросили в Москве, ушли из Большого театра и вернулись в Тбилиси?

Потому что президент позвал, попросил. Сказал, что хочет помочь оперному театру Грузии, хочет изменить ситуацию в балетной труппе. И настолько это предложение было сделано быстро, и эмоционально, и с такой уверенностью, что мне было трудно сказать "нет". Хотя в 2004 году, когда я приехала на инаугурацию президента, у нас на проспекте Руставели горела одна лампа. Одна лампа! А это было всего восемь лет назад. Город был абсолютно пустой, машины не ездили, после шести-семи часов вечера люди боялись на улицу выходить. Это я констатирую факт, ничего не придумываю. Просто люди, привыкшие к чему-то хорошему, всегда хотят лучшего. Это нормально, наверное, так и должно быть. Мне тогда было как-то неудобно ему говорить: "Вот постройте все, а потом я приду". Тогда вместе с новым президентом, новой властью, молодыми, энергичными людьми была надежда выйти из той тяжелой ситуации, в которой Грузия находилась. Многие люди тогда сделали так же, как я. Не я одна вернулась. Мы это сделали не для президента, а для страны.

Как в Большом театре отреагировали на ваше решение?

Так: "Нина решила, а почему она это сделала, мы не понимаем". Но потом мои друзья, коллеги приезжали сюда, в Тбилиси, в гости ко мне. Я показывала им все, что здесь происходит, как все меняется. Уже через три года у меня был действительно результат, мы с Государственным театром оперы и балета Грузии начали выезжать на гастроли. И я пригласила друзей. Многие из них были раньше в Тбилиси и помнили, как они жили здесь, как на керосинках варили им супы и так далее. И вдруг они приезжают в город, где чисто, красиво, все сверкает огнями и переливается, как на Елисейских Полях. Тогда они мне и сказали: "Теперь мы понимаем, почему ты это сделала". Они поняли, что я это сделала не для кого-то, я хотела вложить в следующее поколение то, что я знаю и умею благодаря моим русским педагогам. Я сейчас на каждой репетиции вспоминаю своих педагогов — за что ругали или хвалили. Надеюсь, что пройдет какой-то период, и мои ученики будут вспоминать меня. И говорить: "Нина нас ругала за это и за это". Когда-нибудь, наверное, так случится.

В последнее время много говорили о том, что творческая интеллигенция в Грузии, в Тбилиси в частности, настроена очень оппозиционно к власти. Почему?

Я считаю, что творческая интеллигенция всегда должна быть оппозиционной к власти. Кто был оппозицией, сейчас власть, и наоборот. Это нормально. Оппозиция — это не криминал, мы никак не хотим это понять. Жить в стране, где нет оппозиции,— это кошмар. Тогда это будет коммунистический строй, съезды, которые я прекрасно помню. Помню, как руки все разом поднимали, как нас заставляли учить все, что говорилось на этих съездах. Есть оппозиция в стране — слава Богу! Мы к этому стремились. Мы восемь лет строили новую страну для того, чтобы была нормальная оппозиция, чтобы смена власти происходила естественным путем. Меня как простого человека не должно вообще волновать, кто сегодня у власти. Обычного гражданина вообще не должны касаться фамилии министров. Я занимаюсь своим делом, у меня даже нет времени телевизор смотреть. И это нормально. К сожалению, мы до сих пор не избавились от излишней политизированности граждан. Я вот не хочу, чтобы в телевизоре были все время говорящие головы политиков и новости начинались с криминала. Я не хочу, чтобы мой ребенок знал фамилии этих политиков. Пусть она знает фамилии талантливых актеров, режиссеров, известных людей, футболистов, спортсменов, но не политиков. Кто в Швейцарии знает имена министров? Они живут в благополучной системе. Строй в стране должен быть таким, что простого человека это не должно касаться. Если меняется власть — так и должно быть, значит. Проиграли — сами виноваты, кто выиграл — молодцы, но продолжайте строить, а не разрушать, идите вперед. Мы почему-то любим рушить все, что до нас было.

А вы сумели остаться вне политики? Ведь ваш супруг работал в правительстве, был главой МИДа.

А я никогда не была в политике. И семья моя никакой партии не принадлежала. Считали, что творческому человеку это совершенно не нужно. Мне очень жалко, у нас много примеров известных актеров, которые ради этой политики загубили свою жизнь. Они просто умерли, на нервной почве. Я не могу никого судить, но у меня есть моя любимая профессия, и я тут нужнее. Я, переехав сюда, от многих вещей отказалась, потому что я понимала, что, если не буду здесь сидеть и делать свое дело, оно не сделается так, как я хочу. А могла бы два раза в год приезжать сюда, танцуя и в Большом, и в "Метрополитен",— никто меня оттуда не выгонял и никто не выгнал до сих пор. Просто я понимала, что если я взялась за это дело, если решила помочь тбилисской балетной труппе, если это связано с моим именем, то я должна это сделать с максимальной отдачей.

"Сегодня нельзя без современного балета"

Вы не жалеете, что уехали из России?


В целом не жалею, конечно, потому что я увидела результат. В результате труппа Театра оперы и балета Грузии вышла на мировой уровень. Мы гастролируем по всему миру. Нас даже сравнивают с кордебалетом Мариинского театра, и это прекрасно, все другие театры об этом мечтают.

Знаете, я свой отъезд из России перенесла легче, чем могла бы, еще и потому, что закрылась сцена в Большом театре, на которой я танцевала 23 года. И нет уже тех гримерных, где сидели Плисецкая и Стручкова, и все уже по-другому. Скончалась мой педагог Раиса Стручкова. И так вышло, что все мои партнеры закончили танцевать.

Моим последним спектаклем в Большом театре было "Лебединое озеро". Именно с него я начинала свою карьеру на этой сцене, им и заканчивала. И последний спектакль я танцевала с Сергеем Филиным, нынешним худруком Большого театра. Я сейчас смотрю новости и очень за него переживаю. И не только я, многие наши друзья и коллеги. Но я уверена, что, несмотря на этот варварский, страшный случай с ним (нападение на Сергея Филина.— "Власть"), он сумеет осуществить все свои планы.

Вы увлеклись современным балетом — почему? Разве театр, который уходит от классического балета к современному, не подстраивается под общественный запрос? И разве это не упрощение?

Одно другому не должно мешать. Такие балеты, как Большой и Мариинский,— это классические труппы. То же самое могу сказать и про нас — мы классическая труппа. И любая классическая труппа должна иметь классический репертуар — в нем и воспитывается молодежь, и движется форма классическая. Современными балетами, современными хореографиями ты классическую труппу не удержишь. Но сегодня нельзя не иметь современного балета. Современный балет дает возможность раскрыть молодых актеров. Понимаете, что происходит: в классическом балете всего два героя, а все остальные — это антураж и кордебалет. А в современном балете ты можешь вытащить из кордебалета двоих, и вдруг у них оказывается индивидуальность сильная, такая интересная, что они потом могут даже классику станцевать лучше. Так бывает. Иногда бывает, что они совершенно потрясающие в современном балете, а классику не могут на таком уровне исполнить.

Я слышу, что в Большом театре идут одноактные балеты. Не все ими довольны. Публика, конечно, любит смотреть большие балеты. Но большие балеты ставить трудно, потому что нет таких людей, как Петипа. Классические балеты — это старая хореография, которую мы восстанавливаем, делаем редакции, и люди смотрят это с удовольствием. Но новый классический балет создать очень трудно, потому что очень мало хореографов, которые это могут сделать. А современный балет — это легче, мобильнее для труппы, и он развивает труппу. Сегодня нельзя без современного балета. Мы в свое время были обделены работой с хореографом, понимаете? В мой период у нас были только Петипа и балеты Григоровича, то есть у меня не было возможности работать с хореографами в Большом театре. И первый хореограф, которого я пригласила вне Большого театра благодаря премии "Триумф", для своей антрепризы, был Ратманский. Он поставил балет для нас — для меня, Алексея Фадеечева, Татьяны Тереховой и Сергея Филина. Тогда молодого Ратманского никто не знал. А сейчас он стал известным во всем мире хореографом. И Ратманский создал такие шедевры, которые сейчас в репертуаре Тбилисской труппы, они принадлежат мне. Замечательные балеты, я считаю, одни из лучших балетов. Это "Прелести маньеризма", "Сны о Японии", "Леа" и "Вариации Бизе".

Что я могу сказать о репертуаре нашей труппы? Он у нас очень интересный. Мы танцуем все балеты Петипа в редакции Алексея Фадеечева, даже недавно выпустили третий акт "Раймонды". Также у нас балеты Фредерика Аштона, Лавровского, Баланчина, Килиана, Ратманского, Посохова. И скоро у нас будет премьера Йормы Эло.

Репертуар — это лицо твоего театра. Конечно, можно ставить только грузинские танцы, но это будет очень ограниченный репертуар. Но, когда у тебя есть такая классика и балетмейстеры, это говорит о качестве и уровне труппы.

"Не грузины придумали визы"

А в Москву с труппой не ездили?


Нет, к сожалению. Были планы, но потом война случилась, все это стало невозможно. А еще это очень дорого — организовать гастроли. И никто не берет на себя продюсирование. Балет — это ведь не коммерческое искусство. И наконец, с визами много проблем. Когда у нас гастроли в Токио, то, конечно, нам лучше и быстрее лететь через Москву. Но у нас несколько лет назад был такой случай. Артисты молодые приехали впервые в Москву, они должны были переночевать и лететь в Японию. И разумеется, им надо было выйти в город. На таможне меня с ними не было, я выехала на два дня раньше. Ребята вышли из самолета, а на границе им сразу сказали: "Грузины, ну-ка быстро к стенке!" Отняли паспорта. Они все были в шоке. Это, кажется, 2006 год был. Они были предупреждены — в полемику не вступать, молчать, не реагировать. Но они молодые, восемнадцать лет, артисты, они приехали в Россию, в Москву, о культуре и балете которой они столько слышали, они мечтали увидеть Большой театр — а их два часа продержали у стенки, отняв паспорта, без объяснений и извинений. В следующий раз они отказались лететь через Москву. И мы полетели через Турцию.

А что вы думаете про российско-грузинские отношения, про перспективы?

Замечательные у нас отношения, и между людьми они никогда не портились. Если бы у нас не было отношений, никто бы к нам не приезжал, мы бы не дружили. У нас прошел кинофестиваль, и все, кто хотел приехать из России, приехали. У нас в Грузии никаких проблем нет, даже визы не нужны. Это все не от Грузии зависит. К сожалению, не грузины придумали визы, это придумали в России. И из-за политики страдают простые люди. И сколько крови было пролито. А в войне не бывает правых и виноватых: когда погибает человек, обе стороны виноваты. Во время войны много уродства, никуда не денешься.

Но как русский понимает грузина и грузин русского — никто в мире друг друга так не понимает, потому что у нас очень много общего. Вера одна. История. Культура. Я уверена, что наладятся отношения. Даже после больших войн государства мирятся.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18526
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Янв 28, 2013 10:36 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013012802
Тема| Балет, «Кремлевский балет», Премьера, Персоналии, Уэйн Иглинг
Авторы| Павел Ященков
Заголовок| Кремлевское чудовище
Вангелис бесплатно дописал музыку для «Кремлевского балета»

Где опубликовано| Газета Московский Комсомолец № 26149
Дата публикации| 2013-01-29
Ссылка| http://www.mk.ru/culture/theatre/article/2013/01/28/804112-kremlevskoe-chudovische.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

В Кремлевском дворце труппа «Кремлевского балета» показала мировую премьеру спектакля английского хореографа Уэйна Иглинга «Красавица и чудовище», созданного на специально написанную к нему музыку греческого композитора Вангелиса…



Вообще-то мировой премьерой увиденное можно назвать лишь отчасти. Это одноактный балет Иглинга, еще в 1982 году поставленный на звезду английского Королевского балета Энтони Дауэлла, на какое-то время вошел в репертуар всемирно известной компании. Но худруку «Кремлевского» Андрею Петрову хотелось иметь для своего театра полномасштабный двухактный спектакль, и Иглинг доставил к существующему балету предысторию. А выдающийся композитор Вангелис, являющийся не только создателем музыки к этому балету, но и автором либретто по мотивам старинной сказки, для кремлевского спектакля совершенно бесплатно эту музыку дописал.

Прежде всего разочаровало оформление. Понятно, что художник Ян Пьенковски, перенесший сюда созданные им декорации для того, давнишнего английского спектакля, мог придумать что-нибудь и поинтереснее. Создателю оформления для «Спящей красавицы» в парижском Euro Disney просто не дали развернуться. Например, обыкновенные полеты над сценой, придуманные для летучих мышей, в Кремлевском дворце оказались почему-то невозможны (хотя «Цирк дю Солей» устраивал здесь впечатляющие «воздушные» трюки). Поразила и мрачная затененность (за исключением яркого по контрасту финала) оформления спектакля, предназначенного для семейного просмотра, а значит, для детей. Но таковой оказалась концептуальная задумка: Иглинг делал балет под впечатлением одноименного фильма Жана Кокто и часто цитировал киноклассика. Из фильма позаимствована не только нарочитая чернота… Ожившие канделябры в замке Чудовища и многое другое — оттуда же.

История хореографии, как известно, знает немало постановок на этот сюжет. (У нас он переложен Сергеем Аксаковым в «Аленький цветочек».) И экс-руководителя Голландского, а потом и Английского национальных балетов также с самого начала привлекали монстры — еще за год до «Красавицы и чудовища» на музыку того же Вангелиса Инглинг поставил «Франкенштейна». Кстати, Чудовище, выведенное в этом спектакле, кажется убедительным только в исполнении Кирилла Ермоленко. Михаилу Евгенову же, вышедшему в первом составе, удается в этой роли только перевоплощение в Принца. Зато отлично справилась с хитросплетениями английского хореографа Красавица (Александра Тимофеева).

Хореография Иглинга выглядит чересчур допотопной, причем допотопность нарочитая — из балетных 80-х. Но за ней — знаменитый английский стиль, консервативный и отсылающий в своих традициях к классическому балету XIX века. Впрочем, на стиль не спишешь отсутствие хоть какой-то режиссуры, в которой много случайного. Вот манерно любующийся своим отражением в зеркале Принц, и вдруг невесть откуда взявшийся нищий оборванец бросает ему в лицо светящийся порошок, и тот, пытаясь защититься, закрывает лицо. А когда открывает, перед нами — Чудовище… После недавней трагедии с Сергеем Филиным подобный пролог к спектаклю вводит в оторопь…

Но хороши у хореографа ансамблевые танцы в первом, придуманном специально для Кремля, действии. Например, передвигающиеся на пуантах (они не только на ногах, но и на руках) олени, огромная медведица (костюм надет на двух артистов) с кувыркающимися медвежатами (напоминает борьбу нанайских мальчиков из старого номера Игоря Моисеева). Особенно великолепно трио голубей (Сергей Васюченко, Виталий Водолазский, Валерия Побединская) с замысловатыми поддержками, типичными для английского стиля.

Но истинным лакомством для балетомана оказывается и фантастическая аллегория Солнца и Луны, вставленная в дивертисмент танцев второго акта, которыми Чудовище развлекает Красавицу в своем замке. В одной только мужской вариации из этого па-де-де, с блеском исполненной Михаилом Мартынюком (а во втором составе не менее впечатляюще Егором Мотузовым), прыжков в несколько раз больше, чем в любой классической. Женская же вариация Алисы Аслановой (во втором спектакле Саори Коике) насыщена немалым количеством «вкусных» партерных деталей. Составленное по всем законам па-де-де с антре, адажио, вариациями и кодой, это слегка пародийное зрелище искупает все перечисленные недостатки постановки.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Сб Сен 20, 2014 11:19 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18526
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Янв 28, 2013 10:52 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013012803
Тема| Балет, Екатеринбургский театр оперы и балета, Персоналии, Вячеслав Самодуров
Авторы| Дмитрий Ренанский
Заголовок| Вячеслав Самодуров: «Когда говоришь о Екатеринбурге, на Западе первым делом вспоминают о расстреле царской семьи»
Где опубликовано| Colta.ru
Дата публикации| 2013-01-28
Ссылка| http://www.colta.ru/docs/11632
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Сегодня в Москве открывается девятнадцатый по счету фестиваль Национальной театральной премии «Золотая маска». Основная программа форума стартует только в конце марта, но по сложившейся за последние годы традиции музыкальные театры начинают баталии загодя. В нынешнем году балетный конкурс проходит под знаком децентрализации театрального процесса: главными ньюсмейкерами «Золотой маски»-2013 стали не столичные, а региональные труппы. Один из таких ньюсмейкеров — Екатеринбургский театр оперы и балета, чья балетная труппа впервые претендует на высшую театральную премию страны со спектаклем «Amore buffo» своего нового художественного руководителя Вячеслава Самодурова. О том, как ему работается в Екатеринбурге, экс-премьер Национального балета Нидерландов и лондонского Ковент-Гардена рассказал ДМИТРИЮ РЕНАНСКОМУ.



— Вам, в недавнем прошлом солисту Мариинского театра, удалось сделать стремительную международную карьеру танцовщика и хореографа. Какими судьбами вы оказались в Екатеринбурге?

— Все началось с того, что дирекция театра пригласила меня на постановку сюжетного спектакля, созданного специально в расчете на местную труппу. К тому времени в Екатеринбурге я был только однажды — в середине девяностых, на гастролях Мариинского театра, провел в городе один день и ничего, разумеется, про него не понял. Первый сознательный визит — солнце, тающий снег, красивое здание театра — состоялся весной 2011-го. Мне нужно было встретиться с артистами и понять, смогу ли я сделать в Екатеринбурге хоть что-то. После пары уроков стало ясно, что такой шанс есть, а еще яснее — что по-настоящему значительных результатов можно добиться, только глобально пересмотрев репертуарную политику и художественную стратегию работы труппы. Мысль материальна, поэтому, когда я пришел обсуждать с директором театра название будущего спектакля, он неожиданно предложил мне возглавить труппу и стать ее художественным руководителем.

— В российском околотеатральном сообществе бытует устойчивая легенда о том, что тридцатилетние не готовы взвалить на себя бремя административной ответственности: мол, работать по контракту — это пожалуйста, а наниматься в худруки — боже упаси. Миф этот живуч, хотя практика последних лет свидетельствует скорее об обратном...

— Сколько лет было Алексею Мирошниченко, когда он возглавил балетную труппу в Перми, — тридцать пять? Мне в момент назначения в Екатеринбург было тридцать семь, и, кажется, я хорошо знаю, откуда пошла легенда о том, что наше поколение боится ответственности, — с оглядкой на нее очень удобно и дальше не давать нам работать. Хотя причина этой боязни вполне очевидна: встав у руля, мы будем выбирать для своих театров совершенно новые маршруты.

— Как бы вы определили сегодняшний вектор развития Екатеринбургского балета?

— Как и мои предшественники, я стараюсь держаться курса на классику — подразумевая под ней, впрочем, нечто принципиально иное, нежели большинство людей. Говоря о классике, чаще всего имеют в виду что-то очень условное, балеты в пачках родом из XIX века. Для меня классика — это еще и все то, что было сделано в ХХ веке. Тексты, сочиненные двадцать лет назад, нужно научиться танцевать с пониманием того, что они уже успели стать историей.

— Как справляется с новыми правилами игры труппа, подчеркнутый консерватизм которой всегда был особенно очевиден на фоне «Провинциальных танцев» Татьяны Багановой и других коллективов, составивших славу Екатеринбурга как одной из столиц отечественного современного танца?

— Почти весь первый сезон мы провели, работая над профессией — над манерой исполнения, над техническими нюансами и над актерской игрой, боролись с типично русской привычкой танцевать классику грубым помолом. Дальше уже можно было приступать к постановке нового спектакля. И пускай неоклассическая стилистика «Amore buffo» далась труппе не сразу — но, внося накануне выступления на «Золотой маске» кое-какие коррективы, несколько дней назад я не без удовольствия заметил, что артисты схватывают новое гораздо быстрее, чем еще полгода назад. Меняться тяжело, и это не всем дано, но перемены неизбежны. Хотя когда в театре говорят: «Мы хотим чего-нибудь новенького» — обычно имеется в виду: «Мы хотим того же, что было раньше, но в других костюмах — и чтобы эти костюмы были похожи на те, что у нас были прежде».



Нужно понимать, что классический танец — это ведь театр жесткой иерархии, на ней основан весь корпус канонических балетных текстов: возможность как-то проявить себя есть только у центральной пары, в лучшем случае у пары деми-солистов. Новый репертуар открывает перспективу для тех артистов, которые по тем или иным причинам не смогли реализоваться в классике, — если кто-то не умеет вертеть фуэте, это не значит, что ей нечего делать на сцене. Для меня как руководителя труппы важен каждый танцовщик, и весь прошлый год мы старались приложить максимум усилий для того, чтобы развить потенциал труппы — в расчете на это были осуществлены такие проекты, как мастерская молодых хореографов «Dance-платформа» и поставленный мной в рамках Уральской индустриальной биеннале балет «H2O».

— Между тем театрального бюджета подчас с трудом хватает даже на выпуск одного большого спектакля в сезон, а в Екатеринбурге за прошлый год удалось осуществить целый ряд масштабных начинаний — взять хотя бы декабрьский гала-концерт с участием солистов Баварского балета и миланской La Scala. Вам, как и другим молодым худрукам, работающим в регионах, пришлось освоить профессию фандрайзера?

— Театру помогает благотворительный фонд «Евразия-балет», образованный уже в мою бытность в Екатеринбурге группой сравнительно молодых людей, не только любящих искусство, но, что большая редкость, готовых в него инвестировать. Без их доверия и поддержки, конечно, не удалось бы сделать и толики из того, что мы задумывали. Самым рискованным было вложение в «Dance-платформу» — поначалу никто даже в театре толком не мог понять, зачем труппе нужны какие-то хореографические мастерские, зато было ясно, что никакой прибылью тут и не пахнет. Наши партнеры пошли на риск, мы, со своей стороны, тоже сделали вполне великодушный жест, предоставив на две недели девяти хореографам труппу, сцену и репетиционные залы, — и в конце концов этот проект обернулся колоссальной удачей. Результат, как принято говорить в таких случаях, превзошел все наши ожидания: труппа почувствовала, что такое молодость.

Когда в театре говорят: «Мы хотим чего-нибудь новенького» — обычно имеется в виду: «Мы хотим того же, что было раньше, но в других костюмах».

— В минувшем декабре приглашенные звезды танцевали в Екатеринбурге Форсайта и Макгрегора, в марте ваша труппа первой в России включит в репертуар сочинения одного из крупнейших хореографов рубежа веков Ханса ван Манена — что дальше?

— Мне бы хотелось, чтобы репертуарная политика театра развивалась в трех взаимодополняющих направлениях. Первое — сохранение и обновление классического корпуса спектаклей XIX века, второе — работа над балетами ХХ века, третье — создание новых постановок, сочиненных специально для нашего театра. После проекта «XIX — XX — XXI» (в первом отделении — «Консерватория» Бурнонвиля, во втором — «Пять танго» ван Манена, в третьем — премьера моей новой работы) в самом конце сезона мы покажем еще один вечер одноактных балетов — с британским акцентом. Подготовка этого вечера должна стать колоссальным шагом вперед для всей труппы — тут уже все три спектакля созданы нашими современниками. Новую постановку представит Джонатан Уоткинс, молодой и чрезвычайно талантливый британский хореограф, солист Ковент-Гардена — нам будет полезно поработать с человеком, танцующим в не самой последней компании мира. Еще один одноактный балет выпущу я, и предположительно мы покажем премьеру спектакля Уэйна Макгрегора «Eden/Eden».



— Можно понять, почему один из самых востребованных хореографов Европы Уэйн Макгрегор соглашается работать в Москве — все-таки миф о The Bolshoi Ballet на Западе едва ли не живее, чем в самом Большом, — но чем его привлекла столица Урала?

— Когда говоришь о Екатеринбурге, на Западе первым делом вспоминают о расстреле царской семьи — кажется, на мировую карту город поместило именно это событие. Но вообще-то, соглашаясь на сотрудничество, все мы не отправляемся в неизвестность, а едем к конкретному человеку, имя которого выступает для нас определенной гарантией. С Макгрегором, да и не только с ним, все обстоит именно так.

— Не могу напоследок не вернуться к началу нашего разговора и не спросить: вы долгое время жили и работали в Амстердаме и Лондоне, не так давно переехали в Берлин — и при этом работаете не где-нибудь, а в Екатеринбурге. Какова, собственно, ваша мотивация?

— Я люблю балет, и мне интересно заниматься этим искусством не только как хореографу, создавая новые спектакли, но и работая с театральной труппой как с глиной — выстраивая план ее развития, определяя круг приглашенных постановщиков, следя за тем, как артисты занимаются на уроках. Все это очень интересно и одновременно очень трудно. Но труппа в Екатеринбурге стала мне по-настоящему дорога — и мне бы хотелось довести свое дело до конца. Вот и вся мотивация.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Сб Сен 20, 2014 11:22 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18526
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Янв 28, 2013 10:58 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013012804
Тема| Балет, «Балет Москва», Премьера, Персоналии,
Авторы| Лейла Гучмазова
Заголовок| То ли дождь, то ли снег
Где опубликовано| Журнал «Ваш Досуг» № 3
Дата публикации| 30 января - 10 февраля 2013
Ссылка| http://www.vashdosug.ru/msk/theatre/article/69797/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Мировая премьера балета «Времена года» Владимира Мартынова в КЦ ЗИЛ.



Смена времен года у композиторов давно стала любимой. Действительно, где еще бесконечный бег времени воплощен так естественно и не трагично: седины-морщины удручают, а опавшая листва или снег лишь наводят на философские размышления, отмечая, что скоро все начнется сначала. Композитор Владимир Мартынов не чужд общих пристрастий. Но тут нюанс: широкому кругу меломанов он известен как автор трактовки наших дней как времен «конца времени композиторов». Не углубляясь в дебри специфичного мартыновского то ли минимализма, то ли постпостмодернизма, представим его «Времена года».

Спектакль должен был появиться еще в декабре, однако перенос только подчеркивает серьезность намерений: авторы просто не хотели показывать публике полуфабрикат. Самый большой перфекционист в этом проекте, пожалуй, сам Мартынов, не напрасно выбравший лукавое название с длинным культурным шлей-фом. Его цикл «Времена года» отсылает к одноименному и до противного заношенному опусу Вивальди, а также к другим, менее известным «погодным» сочинениям классиков. Цитированы прелюдия Баха, увертюра Мендельсона и канон Пярта, причем так, что не всякий узнает – цитаты упрятаны в вариации, смещены акценты.



Мартынов толкует не о смене природных сезонов, а о смене периодов в истории концертной композиторской музыки. Поэтому что ни сезон, то привязка к имени: Вивальди — это весна, Бах — лето, Мендельсон — почему-то осень, Пярт — зима. В переводах Рембо на русский звук «и» почему-то синий, но это тоже неважно. Музыку исполняет лучший интерпретатор Мартынова ансамбль Opus Posth под руководством Татьяны Гринденко.

Хореографией «Времен…» занимались молодые и интересные авторы. Кирилл Симонов, Артем Игнатьев и Анастасия Кадрулева – люди разной степени известности, но ни разу не новички. Работали они с классической частью труппы «Балета Москва» и, по слухам, преуспели. Воспитанные классической школой балериныблагонравно танцуют на пуантах, но этим сходство с «правильным» балетом исчерпывается. Потому что по воле хореографов они скользят по сцене, деформируют походку, собираются в причудливые группы – словом, делают с классическим балетом примерно то же, что сделал Владимир Мартынов с процитированной им классической музыкой.

Отдельным удовольствием обещает быть работа художника по костюмам, подарившего мужчинам-танцовщикам юбки-солнце. Мировой балет носит их уже больше века, но поскольку в наших широтах к такому афронту все еще не привыкли, ожидайте живой реакции зала. В остальном, по описанию, ждите свежий патентованный contemporary ballet с танцем на табуретках, хохотом со сцены (обожаемом артистами балета) и оркестром, который играет рядом с танцовщиками, периодически вступая с ними в диалог. А теперь о главном. Для балетной труппы театра «Балет Москва» спектакль – первая большая премьера сезона. Не напрасно ее переносили, нервничали, а теперь вот настоятельно зовут смотреть. Это пробный камень новой художественной политики новой дирекции театра. Стоимость билетов гуманная, приходите оценить, чтобы вы сами могли почувствовать разницу меж ду прежним репертуаром «…Москвы» и новинкой.

фото: пресс-служба театра
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18526
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Янв 29, 2013 7:53 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013012901
Тема| Балет, «Кремлевский балет», Премьера, Персоналии, Уэйн Иглинг, Александра Тимофеева и Михаил Евгенов
Авторы| Анна Галайда
Заголовок| Родителям на радость
Где опубликовано| Газета "Ведомости" 12 (3274)
Дата публикации| 2013-01-29
Ссылка| http://www.vedomosti.ru/newspaper/article/383671/roditelyam_na_radost
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Труппа «Кремлевский балет» показала «Красавицу и чудовище», которые соединяют сладкий термин «мировая премьера» с именами иностранных специалистов


Александра Тимофеева и Михаил Евгенов точно попали в амплуа Фото: Архив ГКД

«Кремлевский балет», двенадцать лет тихо и незаметно существовавший в центре Москвы на отшибе культурной жизни, в этом сезоне усердно взялся исправлять репутацию. В то время когда остальные театры еще были в отпуске, он запустил месячный фестиваль с участием европейских танцовщиков. А теперь решил завлечь детским спектаклем, которые в Москве вечно в дефиците, да еще импортного производства.

Хореографию соорудил англичанин канадского происхождения Уэйн Иглинг, музыку написал грек Вангелис, художником выбрали англичанина Яна Пьенковски. Впрочем, именно в балете импорт вовсе не гарантия качества. Уэйн Иглинг, продуктивный хореограф, ставивший и в Королевском балете Великобритании, и в «ЛаСкала», и в Римской опере, все же большое признание получил как танцовщик, а позже — руководитель Национального балета Нидерландов и Английского национального балета.

Тем не менее, всю жизнь проработав с такими хореографами, как Эштон и Макмиллан, Иглинг впитал стиль английской хореодрамы с его безграничной верой в многоактные балеты, литературную основу и большую форму.

«Красавицу и чудовище» в одном акте он уже ставил в родном Королевском балете в 1986 г., но теперь все же расширил спектакль до полнометражного. В первом действии развитие сюжета надолго замирает, когда отец Красавицы попадает в лес: хореограф придумывает дивертисмент животных. Еще один комплект бессюжетных танцев он выдает во втором акте, когда Чудовище развлекает Красавицу. Такие балы в своих спектаклях любили устраивать и учителя Иглинга, но при этом они были виртуозами режиссуры. Английские балеты сложно назвать образцами лаконичности и динамизма, и все же они отличаются гармонией композиции.

Хореографа могли спасти исполнители — танцевальное мастерство может заменить в балете и логику, и режиссуру, и даже здравый смысл. Но в зачет танцовщикам «Кремлевского балета» идут лишь усердие и тщательность, с которыми они пытались воспроизвести подробности текста. Впрочем, исполнители главных партий Александра Тимофеева и Михаил Евгенов точно соответствовали амплуа своих персонажей. Благодаря этому дети без особого труда самостоятельно разобрались в сюжете сказки, что само по себе вызвало энтузиазм у многих родителей.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18526
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Янв 29, 2013 8:20 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013012902
Тема| Балет, Башкирский государственный театр оперы и балета , Персоналии, Шамиль Терегулов
Авторы| Валентина АЙШПОР
Заголовок| Свет далекой звезды
Где опубликовано| Газета «Вечерняя Уфа»
Дата публикации| 2013-01-24
Ссылка| http://vechufa.ru/culture/1133-svet-dalekoy-zvezdy.html
Аннотация|
В пятницу, 1 февраля, в Башкирском государственном театре оперы и балета пройдет концерт, посвященный заслуженному артисту России, народному артисту Башкортостана Шамилю Терегулову.



Терять всегда трудно и больно. Когда уходит человек незаурядный - утрата чувствуется особенно остро...
Выпускник Пермского хореографического училища (класс заслуженного деятеля искусств России Юлия Плахта), Шамиль Терегулов почти четверть века танцевал в Башкирском государственном театре оперы и балета. Поклонники балетного искусства больше запомнили его как яркого характерного танцовщика, хотя он исполнял и лирические партии. Например, принцев в балетах Петра Ильича Чайковского, в “Золушке” Сергея Прокофьева. Но его коварный, сумрачный Дервиш в спектакле “В ночь лунного затмения”, зажигательный Эспада в “Дон Кихоте”, злой Шурале, а также властный Нурали в “Бахчисарайском фонтане” особенно запали в душу.
В 1990 году он стал художественным руководителем балетной труппы БГТОиБ. Это было трудное время. Катастрофически не хватало танцовщиков. Шамиль Ахмедович принял непростое, но судьбоносное решение. Пригласил в театр учеников - пятнадцати,-шестнадцатилетних мальчиков и девочек, воспитанников Уфимского хореографического училища (ныне - Башкирского хореографического колледжа имени Рудольфа Нуреева). Эксперимент удался. Не только увеличилась численность труппы, ребята стали активно ездить на всевозможные конкурсы, завоевывать авторитет в мире балета. Терегулов понимал, что прежде всего нужно обогатить репертуар. С приглашенными специалистами возобновил “Сильфиду” Левенсхольда, сам восстановил “Вальпургиеву ночь”, “Пахиту”, “Кармен-сюиту”, “Шопениану”. И колоссальная, этапная работа - возвращение на подмостки в 1997 году жемчужины башкирской хореографии - балета “Журавлиная песнь”. В этой редакции спектакль идет и по сей день.
Шамиль Терегулов каким-то непостижимым образом всегда угадывал настроение и желания зрителя, чувствовал то, что нужно людям, ежевечерне заполняющим театральный зал. Так получилось с его редакцией “Ромео и Джульетты”. Оказалось, в эпоху, когда время на вес золота, когда все озабочены деньгами, карьерой, человеку катастрофически не хватает настоящих, светлых, чистых чувств. История о всепоглощающей, безоглядной любви вкупе с фантастической по силе музыкой Прокофьева и добротной, точной хореографией произвела настоящий фурор. Уже восемь лет этот спектакль - один из самых любимых уфимцами, билет на него достать не так-то просто.
С не меньшим интересом смотрятся его “Баядерка”, “Спящая красавица”, “Жизель”. Да, Шамиль Терегулов любил профессию, любил то, что делал, много и тщательно работал над материалом. Не было ни одной постановки, созданной... ради постановки. Если он решал ставить классику, то это был продуманный спектакль, в лучшем виде представлявший хореографа. Но Терегулов не замыкался в рамках одной трактовки и обогащал “текст”, аккумулируясь от постановок других мастеров, пропуская все это через себя.
Шамиль Терегулов был внимательным, вдумчивым педагогом-репетитором. Он всегда старался понять причину ошибки, которую совершал подопечный. От его взгляда не мог ускользнуть ни один штрих, ни одна неточность. За это его ценили и уважали коллеги, ученики. Его приглашали работать в другие театры. Спектакли Шамиля Ахмедовича идут в Улан-Удэ и Астане. Он преподавал и ставил балеты в Турции и Японии, давал мастер-классы в США и Испании.
Безусловно, Шамиль Ахмедович был человеком со своими слабостями. Но он был настоящим профессионалом, искренним и обаятельным в общении. Строгий и понимающий, Терегулов никогда не останавливался на достигнутом, чувствовал время и поспевал за ним.
После себя он оставил крепкую, дружную труппу, волшебные, столь любимые публикой балеты, фестиваль имени Рудольфа Нуреева... Да, в далеком 1993 году с легкой руки Юрия Николаевича Григоровича родился в Уфе этот фестиваль, но именно благодаря Шамилю Ахмедовичу Терегулову он не угас в трудные годы становления новой России, развивался и получил подлинно международное признание...
Итак, 1 февраля в концерте выступят ведущие солисты Башкирского государственного театра оперы и балета: Гузель Сулейманова, Гульсина Мавлюкасова, Ильдар Маняпов, Ринат Абушахманов, Елена Фомина, Дмитрий Марасанов, Ильнур Гайфуллин, Валерия Исаева, Ирина Сапожникова, Андрей Брынцев, Рустам Исхаков, Руслан Абулханов, Софья Гаврюшина... Выступят и артисты Государственного академического ансамбля народного танца имени Файзи Гаскарова, и учащиеся Башкирского хореографического колледжа имени Рудольфа Нуреева. В вечере примут участие кордебалет, хор и оперные солисты БГТОиБ. Дирижеры - Герман Ким, Марат Ахмет-Зарипов, Раушан Якупов. Режиссер концерта - Рустэм Галеев.
Программу вечера составят фрагменты из балетов, в которых Шамиль Терегулов некогда блистал, а затем ставил их и сам. Ученики Шамиля Ахмедовича представят также номера современной хореографии.

Валентина АЙШПОР.
НА СНИМКЕ: Шамиль Терегулов на премьере балета “Бахчисарайский фонтан” - финальный поклон.
Фото Сергея ГУТНИКА
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18526
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Янв 29, 2013 8:43 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2013012903
Тема| Балет, Детский музыкальный театр имени Наталии Сац, Персоналии,
Авторы| Елена ФЕДОРЕНКО
Заголовок| Пляшущие человечки
Где опубликовано| Газета «Культура»
Дата публикации| 2013-01-27
Ссылка| http://portal-kultura.ru/articles/theater/2682-plyashushchie-chelovechki/
Аннотация|

Детский музыкальный театр имени Наталии Сац приглашает на балет «Шерлок Холмс».


(фото: Анна Клюшкина)

Считается, что Шерлок Холмс появился на свет в январе 1854 года, так что премьера 31 января, можно сказать, будто специально вышла подарком ко дню рождения самого известного сыщика. Приключения Холмса экранизировали сотни раз, разыгрывали на театре, тиражировали в анекдотах, и последнее более всего свидетельствует о высшей степени народного обожания. Теперь персонажи Конан Дойла затанцевали. Жанр обозначен как детектив-балет, в основе — ранний рассказ «Человек с рассеченной губой», где нет убийств и жестоких преступников, зато есть мистификация: история героя, пережившего смутное время двойной жизни.

Шерлок Холмс и доктор Ватсон расследуют дело об исчезновении мистера Сент-Клера, чей пиджак с карманами, набитыми мелкими монетами, найден в канале. При этом знаменитые сыщики не верят в его смерть... Но что толку пересказывать сюжет? Голос Георгия Тараторкина, блистательно читающего рассказ, звучит со сцены. В текст, заметим, включены фрагменты (знакомые и не очень) из разных сочинений доктора Ватсона. Слово вступает в диалог с музыкой: звучат Шуберт (красочный, почти зримый романтизм), Гендель (воспроизводит старинный английский шарм), ирландский фольклор (выбранный для жизнеутверждающего финала).



Все вместе — слово, музыку и танец — перемешала хореограф Елена Богданович, придумавшая терпкой и нежной смеси определение «драмотанец».

Нет ничего удивительного в том, что эксперимент — как иначе назвать детектив в балете? — затеяла именно Богданович. Ее имя не терялось в команде молодых хореографов начала 90-х, больше того — она лидировала вместе с Евгением Панфиловым и Светланой Воскресенской. И тогда же по ее инициативе возникла труппа современного танца в Русском камерном балете «Москва». Потом Богданович снялась с якоря и уехала из России: ставила для Краковской оперы, фестиваля Пьера Кардена, придумывала японские шоу-программы и даже посотрудничала с Cirque du Soleil. На родине объявилась спустя годы в статусе свободного художника и работала там, куда приглашали: была хореографом-постановщиком мюзикла «Норд-Ост», ставила пластику в опере «Снегурочка» Большого театра, номера для Ансамбля песни и пляски имени Александрова. Побеждала на международных конкурсах современной хореографии и национальных фестивалях, завоевала премию Мориса Бежара. В последние годы все чаще работает в России: в родном Ижевске сочинила эко-балет «Сны бамбука» («с лечебным воздействием на зрителей»), к фестивалю «Московская осень» — балет на музыку Давида Кривицкого «Лаура» по мотивам Владимира Набокова. Каждый опус талантлив, но по фестивальной жизни обречен на несколько показов, не все успевают посмотреть.

Балет «Шерлок Холмс» получился об обретении человеком собственного лица и о том, что жизнь — радостный путь познания, дорога к самому себе. Среди действующих лиц — нищие, воришки, полицейские, и, конечно, Холмс, Ватсон, миссис Хадсон и миссис Сент-Клер, разыскивающая мужа. Но Богданович изменила бы себе, не придумай она нечто необычное: на сцене действуют «мысли Шерлока Холмса», его курительная трубка и кресло-качалка.

Спектакль для детей не имеет права быть тоскливым, и здесь не заскучаешь — юмор и ирония буквально качают зрителей на волнах. Например, миссис Хадсон моет тарелки, вдруг стол раздвигается и из него тянутся руки — в доме сыщика все подчинено поиску скрытого. Танцуют не только люди, но и ширмы в форме углов (четыре угла дома — символ надежности). Не уследить за тем, как сами танцовщики с увлеченностью детей, возводящих башни из кубиков, превращают ширмы в дом, дом — в шкаф, шкаф — в колодец. Игру конструкций, как и костюмы, хореограф тоже придумала сама.

Классический «интеллектуальный» детектив рассказывается радостным и эмоциональным танцем, от чего зримыми становятся даже внутренние рефлексии Шерлока Холмса. У Олега Фомина движения причудливы и экзотичны, когда надо передать вроде бы непередаваемое танцем — знаменитый метод дедукции. Но — получается.

Спектакль, помещенный на Малую сцену Театра имени Сац, открытую после реконструкции, завершают неожиданно — заводным и лукавым ирландским танцем. Ведь всякие нравоучения вкупе с торжествующей справедливостью не отменяют обычных прелестей бытия, так пусть жизнь бьет через край.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6  След.
Страница 4 из 6

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика