Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2012-09
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> Газетный киоск
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 12087

СообщениеДобавлено: Пт Сен 21, 2012 12:55 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2012092103
Тема| Музыка, Фестивали, Люцернский фестиваль, Гастроли в Москве, Персоналии, К. Аббадо
Авторы| Сергей Бирюков
Заголовок| Оркестр свободных музыкантов
Где опубликовано| Труд
Дата публикации| 20120921
Ссылка| http://www.trud.ru/article/21-09-2012/1282292_orkestr_svobodnyx_muzykantov.html
Аннотация|

Люцернский фестивальный устроил москвичам пикник с Моцартом и Брукнером
Один из самых славных симфонических оркестров Европы – Люцернский симфонический – впервые приехал в Москву. Теперь и мы знаем, чем неповторима атмосфера концертов этого замечательного коллектива, возглавляемого легендарным дирижером Клаудио Аббадо.
Летний музыкальный фестиваль в швейцарском городе Люцерне – один из самых статусных на континенте. О престиже форума говорит прежде всего уровень его главного героя – симфонического оркестра, с 2000 года возглавляемого маэстро Клаудио Аббадо. Излишне приводить восторженные отзывы мировой прессы об этом музыканте – достаточно напомнить, что до прихода в Люцерн он в течение 15 лет возглавлял театр «Ла Скала» (и в этом качестве приезжал в Советский Союз в 1974 году), столько же – Венскую государственную оперу, 8 лет – Лондонский симфонический и 13 лет – Берлинский филармонический оркестр.
Оркестр Люцерна необычен тем, что не имеет постоянного штатного состава, а собирается из свободных музыкантов, среди которых нередко можно встретить и солистов с международными именами (например, в нем одно время играла, уже будучи международной звездой, наша виолончелистка Наталья Гутман). Отсюда совершенно необычная атмосфера, царящая на выступлениях коллектива. Представьте себе, что вы присутствуете не на чинном концерте, а на дружеском пикнике, где его участники, безумно обрадованные встречей, решили еще и помузицировать вместе – но, конечно, не с кондачка, поскольку все – сильнейшие профессионалы, много играли вместе и прекрасно знают друг друга, ну и разумеется, любят ту музыку, что решили играть.

Вот такой коллектив приехал в минувший четверг в Москву по приглашению столичной филармонии. В первом отделении нам представили 17-й фортепианный концерт Моцарта, в котором солировала прославленная португальская пианистка Мария Жоао Пиреш. И как сама Мария, нисколько не заботясь о внешней броскости, выглядела стильно, просто и уверенно в своем почти этнографическом длиннополом наряде, так и ее Моцарт прозвучал открыто, без уклона в пафос либо галантерейность, с неотразимой проникновенностью. А в финале между ней и оркестром развернулась настоящая веселая перепалка, какая бывает только в заключительных сверкающих ансамблях моцартовских опер. На бис же пианистка оттенила бриллиантовую простоту Моцарта изумительной тихой красотой экспромта ля-бемоль мажор Шуберта.

Ну а во втором отделении оркестр, умножившийся численно до такой степени, что старину Моцарта такое сонмище бы, наверное, привело в трепет, исполнил 1-ю симфонию Брукнера. И тут смог продемонстрировать все свои краски – от тончайшего струнного мелодического плетения и таинственных духовых хоров до грозного, как гром в Альпийских горах, стоголосого тутти.

Не знаю, как бывает на других концертах Люцернского фестивального, но тут во время исполнения и после него над сценой витал дух настоящего обожания музыки и совместной игры. Как только замер заключительный ослепительный до мажор, оркестранты кинулись обнимать друг друга – невиданное зрелище в наших академических залах. А дирижер, обычно сдержанный и непроницаемый, сиял улыбкой и посылал воздушные поцелуи в публику и с еще большим энтузиазмом – в свой оркестр. Публика же (на сей раз истинно элитная – в зале среди прочих были замечены Армен Джигарханян, Владимир Познер и другие знаменитости) отблагодарила гостей редкой по единодушию овацией.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 12087

СообщениеДобавлено: Пт Сен 21, 2012 5:42 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2012092104
Тема| Музыка, Фестивали, Люцернский фестиваль, Гастроли в Москве, Персоналии
Авторы| Виктория Иванова
Заголовок| «Клаудио Аббадо и его оркестранты обходятся без слов»
Михаэль Хефлигер — о том, что изменилось в оркестре Люцернского фестиваля со времен Тосканини
Где опубликовано| Известия
Дата публикации| 201220920
Ссылка| http://izvestia.ru/news/535692#ixzz277ChIalC
Аннотация|

Накануне выступления в Концертном зале имени Чайковского с интендантом Люцернского фестиваля Михаэлем Хефлигером встретилась корреспондент «Известий».

— Господин Хефлигер, как появилась идея создать оркестр Люцернского фестиваля?

— Такой оркестр уже существовал — в 1938 году его собрал Артуро Тосканини. Но в 1990-е он он прекратил свою деятельность. Я несколько лет проработал на Люцернском фестивале, прежде чем к идее воссоздать оркестр пришел Клаудио Аббадо, но ждал его, чтобы возобновить традицию и начать всё заново.

— Идея оркестра изменилась со времен Тосканини?

— Нет. Суть вся та же — это коллектив, который собирается раз в год, и состоит из лучших европейских музыкантов, многие из которых — всемирно известные солисты. Разница лишь в том, что теперь они собираются вместе, чтобы играть с Клаудио Аббадо.

— Трудно ли было организовать московские гастроли?

— Непросто. Трудностей было множество, но сейчас это уже не важно — мы здесь, а значит, все решаемо. В оркестре 120 музыкантов, многие из них здесь первый раз и даже привезли с собой грудных детей.

— А вы уже бывали?

— Да, множество раз. Я даже женился на русской, и у меня растет наполовину русская дочь.

— Какую музыку предпочитает оркестр Люцернского фестиваля?

— Это очень сложно. Сейчас мы тяготеем к немецким романтикам. Последние два года мы занимались Малером, теперь активно взялись за Брукнера. Дальше, надеюсь, удастся сделать цикл Брамса.

— Вы известны и как пропагандист современной музыки.

— Да, классический и романтический репертуар — это предпочтения Клаудио Аббадо, и я уступаю ему. У нас же есть еще и Летняя академия Люцернского фестиваля, которую мы основали вместе с композитором Пьером Булезом, и там звучит только современная музыка.

— Каково это — работать с легендарным Булезом?

— Замечательно. Мы работаем, начиная с 2004 года. На три недели к нам приезжают более 120 студентов, и мы занимаемся музыкой XX и XXI века. Булез сам регулярно проводит мастер-классы — это бесценный опыт.

— Ваш фестиваль — тематический. Почему?

— Это прекрасный способ придать музыкальным событиям особенный аспект. Благодаря обобщающей программе создается чувство единения. Это то, что отличает наш фестиваль. В этом году темой была «Вера», до этого — «Эрос», «Ночь», а в 2013 -м будет «Революция».

— В чем секрет успешного оркестра?

— В отношениях между коллективом и дирижером прежде всего. И в качественном уровне музыкантов. Они должны соответствовать дирижеру. Иначе не будет контакта.

— С Клаудио Аббадо такой контакт есть?

— Он очень мягкий лидер, и при этом много не говорит. Ему это просто не нужно — оркестр с полуслова понимает все, что требуется. А иногда музыканты и дирижер обходятся вовсе без слов.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 12087

СообщениеДобавлено: Пт Сен 21, 2012 5:52 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2012092105
Тема| Опера, Цюрихская опера, «Енуфа», Персоналии, Д. Черняков
Авторы| Дмитрий Ренанский
Заголовок| Проверка на радикальность
Дмитрий Ренанский о «Енуфе» Дмитрия Чернякова в Цюрихской опере
Где опубликовано| Журнал "Коммерсантъ Weekend"
Дата публикации| 20120921
Ссылка| http://www.kommersant.ru/doc/2020918
Аннотация|

По расписанию Дмитрия Чернякова на ближайшие 10 месяцев может показаться, что после крайне напряженного минувшего сезона (с тремя новыми спектаклями один сложносочиненнее другого) русский оперный режиссер номер один решил взять тайм-аут. В ближайших планах Чернякова значатся в основном переносы его прошлых работ — в декабре из Парижской оперы в мадридский Teatro Real переедет "Макбет", в апреле туда же эмигрирует "Дон Жуан" Большого театра, и, наконец, в июне путешествие из Лондона в Мюнхен совершит "Симон Бокканегра". Новых спектаклей запланировано всего два, главный из них — заявленная на март будущего года "Федра" Расина в легендарном парижском театре Comedie-Francaise. В этом проекте много интригующего: начать хотя бы с того, что дебют на европейской драматической сцене станет одновременно и первой постановкой Чернякова в драме со времен легендарного спектакля по "Двойному непостоянству" Мариво, выпущенного 10 лет назад в новосибирском "Глобусе" — при этом Черняков будет лишь третьим после Анатолия Васильева и Петра Фоменко отечественным режиссером, допущенным в святая святых французского театра. На "Федру" поклонники творчества Чернякова возлагают особые надежды: его недавние оперные работы были отмечены очевидным иссяканием фирменной эстетики, возвращение же к драме способно дать режиссеру импульс к самообновлению.

А вот единственную в нынешнем сезоне оперную обновку Черняков выпустит уже на будущей неделе в цюрихском Opernhaus. В появлении на этой почтенной сцене постановщика вполне радикального толка заключен известный парадокс — на протяжении всего времени, пока в оперных домах Западной Европы созидалась эпоха режиссерских "бури и натиска", цюрихская опера оставалась оазисом не то что бы театрального консерватизма, но подчеркнутой буржуазной умеренности и основательности. Пытаясь навскидку вспомнить громкие проекты этого швейцарского театра, в первую очередь думаешь о моцартовских постановках Николауса Арнонкура и архивных штудиях Чечилии Бартоли — и думаешь совершенно неслучайно: Цюрихская опера всегда была театром не про режиссуру, а про качественный вокал и образцово-показательную работу кастинг-директоров — именно такую политику не без упорства проводил экс-интендант Александр Перейра, возглавлявший театр на протяжении 20 последних лет.

Но с нынешнего года Перейра руководит Зальцбургским фестивалем, а его кресло в Цюрихе занял бывший интендант берлинской Komische Oper и адепт жесткого режиссерского театра немецкой традиции Андреас Хомоки. Бог весть, является ли приглашение Дмитрия Чернякова идеей Хомоки, или это дело рук его предшественника, но новому интенданту оно явно пойдет на пользу — наш соотечественник как мало кто умеет учитывать конъюнктуру западного оперного рынка, неизменно оставаясь при этом на территории авторского театра. Вдобавок ко всему в Цюрихе Черняков дебютирует с крайне выгодным для себя названием (интересно, что много лет назад на той же сцене к нему уже обращался русский режиссер — им был не кто иной, как Юрий Петрович Любимов, об успешной западной карьере которого на родине знают до обидного мало). "Енуфа" Леоша Яначека хоть и принадлежит к числу ключевых опер прошлого века, но счастливой сценической судьбы не имеет — притом что ставят ее довольно часто (хронологически последняя премьера состоялась в минувшем марте в берлинской Deutsche Oper), единственная по-настоящему громкая постановка была выпущена пять лет назад в Штутгарте провокатором Каликсто Биейто.

Черняков никогда не принадлежал к числу режиссеров, раскрывающих детали своего замысла до премьеры, но уже сейчас понятно, что в сценической истории "Енуфы" его спектаклю так или иначе суждено будет занять совершенно особое место — об этом красноречиво свидетельствует хотя бы распределение главных ролей. Опера Яначека — изматывающий психологический спарринг двух женщин: юной моравской крестьянки Енуфы и ее мачехи Костельнички. Мачеха убивает незаконнорожденного ребенка Енуфы, чтобы он не помешал благополучному браку падчерицы — роль бабушки-внукоубийцы традиционно становилась бенефисом пожилых оперных див вроде Агнес Бальтса, Астрид Варнай, Леони Ризанек или Ани Сильи. И если назначение на заглавную партию одной из любимых актрис Чернякова Кристины Ополайс как будто наследует привычной трактовке образа Енуфы, то распределение на роль Костельнички молодой цветущей певицы Микаэлы Мартенс означает кардинальный пересмотр всей драматургии оперы Яначека. Впрочем, кто бы ждал от Дмитрия Чернякова чего-то другого.

Цюрих, Opernhaus, 23 сентября и 26 сентября (19.00), 30 сентября (14.00)
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 12087

СообщениеДобавлено: Пт Сен 21, 2012 5:54 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2012092106
Тема| Музыка, оркестр Pratum integrum, Персоналии, М. Деленш
Авторы| Петр Поспелов
Заголовок| В Москве открылся новый концертный зал — в подвале Большого театра
В Москве появился новый концертный зал — Бетховенский. Его открыли концертом певицы Мирей Деленш и оркестра Pratum integrum
Где опубликовано| Ведомости
Дата публикации| 20120920
Ссылка| http://www.vedomosti.ru/lifestyle/news/4140411/podvalnoe_barokko#ixzz275PdBho8
Аннотация|

Совместное выступление французской певицы и московского оркестра стало первым концертом в Бетховенском зале Большого театра, на который публике продали билеты: доселе в нем проходили только мероприятия для узкого круга. Бетховенский зал имелся в Большом и до реставрации, но в зрительской части, где теперь восстановили императорское фойе. Имя же отдали новому залу на минус первом этаже.

Он чудо инженерии, может принимать разные размеры и конфигурацию, в зависимости от количества выступающих и слушающих, становясь то камерным, то симфоническим. Оформлен он в псевдоренессансном стиле, так что концерт должен напоминать выступление в некоем аристократическом палаццо.

Для вечера оркестра Pratum integrum и певицы Мирей Деленш, которую привез Французский институт, Бетховенский зал был сконфигурирован под небольшую сцену и амфитеатр на 400 человек. Звучало очень неплохо — негулко, выпукло. Некоторое нарушение баланса коллеги заметили в самых задних рядах: оркестр слегка поглощал голос певицы.

Мирей Деленш, мастерица на все стили, спела в Большом маленькую программу из музыки французского барокко — аллегорическую кантату Луи-Николя Клерамбо «Солнце, побеждающее облако», посвященную счастливому выздоровлению 11-летнего Людовика Пятнадцатого, и разнохарактерные арии из опер Жана-Филиппа Рамо — изящно-забавные из пасторали «Наис», мрачно-возвышенную из трагедии «Кастор и Поллукс», пародийную из шутовского балета «Платея». Французская вокальная музыка XVIII века теснейшим образом обусловлена поэтическим языком, в чем можно было убедиться, слыша безупречную просодию из уст настоящей француженки. Мирей Деленш — холодная красавица блондинка, ее голос ухожен, как она сама, а мастерство и дыхание незаурядны.

Московский оркестр, игравший, как у него в заводе, на старинных инструментах в аутентичной манере, уровню гостьи всецело соответствовал. Разборчивая публика, которая всегда ходит на концерты Pratum integrum, узнала теперь и новый адрес — Театральная площадь, 1.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 12087

СообщениеДобавлено: Пт Сен 21, 2012 5:57 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2012092107
Тема| Музыка, РФестивали, Фестиваль РНО, Персоналии, А. Дзедда
Авторы| Дмитрий Ренанский
Заголовок| Большой концерт для маленькой мессы
Сергей Ходнев о концерте Россини в исполнении РНО Проверка на радикальность
Где опубликовано| Журнал "Коммерсантъ Weekend"
Дата публикации| 20120921
Ссылка| http://www.kommersant.ru/doc/2020894
Аннотация|

Кажется, что имя Михаила Плетнева-дирижера естественнее всего звучит рядом с именами избранных композиторов-симфонистов позднего романтизма, но, несмотря на это, у Российского национального оркестра довольно солидная история отношений с музыкой Россини. Несерьезного, ленивого, неглубокого, совсем не склонного к музыкальным раздумьям над проклятыми вопросами сибарита, который до конца дней своих признавался, что чувствует себя созданным исключительно для комической оперы. Чей дар мелодиста и чье чувство юмора, однако, остаются одними из самых драгоценных вещей в музыке XIX века, хотя за последние сто лет Россини, в сущности, несколько раз переоткрывали заново.

Среди московских откликов на новейшее увлечение бельканто вообще и россиниевской музыкой в частности недавние опыты, в которых участвовал РНО, вспоминаются с особым удовольствием: под управлением Михаила Плетнева оркестр играл "Золушку", а с Альберто Дзеддой — "Итальянку в Алжире".

Но это оперы, а то произведение, которым РНО закрывает свой IV Большой фестиваль, совершенно другого склада. Это месса, "Petite messe solennelle", как назвал ее сам композитор, в самом заголовке прописав каламбур, не читающийся в обычном русском переводе ("Маленькая торжественная месса"). "Petite messe" — это самый скромный разряд католической мессы, такую на других языках звали "низкая" или "тихая": без пения, без обрядовой пышности, буднично. Напротив, "messe solennelle" — служба самая великолепная, то есть получается оксюморон, и среди первых слушателей россиниевской мессы ходило присловие, приписываемое Наполеону III: мол, не очень-то она маленькая, не слишком торжественная и даже не совсем месса.

К 1864 году, когда мессу впервые исполнили в домовой часовне графини Пилье-Виль, Россини уже больше тридцати лет как перестал писать практически вовсе — парадокс, немало озадачивавший и его современников, и его биографов. Не хотелось, и все. К тому же добавилась неврастения — слово, которым в тот момент могли обозначать абсолютно любое негативное психологическое состояние. Напиши он новую оперу — она незамедлительно с триумфом оказалась бы на главных сценах мира, но он предпочел в конце концов написать мессу. Да еще для нарочито камерного состава: двенадцать певцов (считая восемь хористов), два фортепиано и фисгармония. Впрочем, почувствовав энтузиазм аудитории, восхищавшейся тем, что в "Маленькой торжественной мессе" упоительные оперные мелодии соседствуют с изысканным контрапунктом хоровых номеров, Россини взялся сделать оркестровую версию — чтобы, говорил он, гигантоманы вроде мосье Берлиоза не испортили его деликатную мессу своей оркестровкой.

В Москве "Маленькая торжественная месса" прозвучит не только под управлением, но и в редакции уже упомянутого маэстро Альберто Дзедды, который по отношению к Россини выступает в двух амплуа — и признанного ученого-музыковеда, и исключительного интерпретатора. Тем, кто помнит его "Итальянку в Алжире", сверкающую, легкую, заливистую и полную, вопреки почтенному возрасту дирижера, самого юного драйва, никаких дополнительных аргументов и не понадобится, но все-таки стоит отметить, что солистами с одобрения маэстро приглашены не только западные специалисты по Россини (меццо Сильвия Тро Сантафе, певшая у нас в россиниевской "Деве озера", и бас Мирко Палацци), но и певцы российского происхождения — тенор Алексей Кудря и сопрано Ольга Сендерская.

Концертный зал имени Чайковского, 23 сентября, 19.00
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 12087

СообщениеДобавлено: Пт Сен 21, 2012 6:03 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2012092108
Тема| Опера, МТ, "Кольцо нибелунга", Персоналии, Л. Дядькова
Авторы| Владимир Дудин
Заголовок| Полет валькирии
Валерий Гергиев приступит к празднованию 200-летия Рихарда Вагнера уже в конце сентября
Где опубликовано| "Российская газета"
Дата публикации| 20120921
Ссылка| http://www.rg.ru/2012/09/21/vagner.html
Аннотация| Интервью

В следующем году весь мир отметит 200-летие Рихарда Вагнера. Валерий Гергиев приступит к празднованию уже в конце сентября этого года - с 26 по 30-е в Мариинском театре он исполнит всю тетралогию "Кольцо нибелунга" в постановке международной команды.
Лариса Дядькова, одна из лучших меццо-сопрано нашего времени, выступающая на главных оперных сценах мира, выступит в партии богини Фрики, супруги верховного бога Вотана. В интервью "РГ" она рассказала, почему нельзя не любить Вагнера.

Как складывался ваш роман с Вагнером?

Лариса Дядькова: С Вагнером я познакомилась еще будучи студенткой - на уроках музыкальной литературы, но по-настоящему он открылся мне, когда в Мариинском театре начали ставить "Кольцо нибелунга". Первые шаги у всех нас, певцов, были робкие. Для исполнения Вагнера на немецком языке труппа должна была созреть и морально, и физически. Только Валерий Абисалович был уверен в результате - очень смело взялся за дело. Было принято правильное решение пригласить зарубежных коучей и режиссеров.

Нашим певцам было важно проникнуться другой философией. Вагнер прежде всего философ и великий музыкант.Насколько глубоко удалось вам постичь суть его творчества?

Лариса Дядькова: Вагнер, безусловно, меняет сознание, выводит на другой уровень понимания. Это довольно сложный композитор, но музыкальный материал - и оркестровка, и мелодика, и гармонии его опер настолько богаты, что буквально обволакивают тебя, сидишь ли ты в зале или поешь на сцене. Я получаю порой физиологическое наслаждение от звучания, когда все вокруг настолько красиво - будь то вступление к "Золоту Рейна" с гулом валторн или знаменитый "Полет валькирий" из "Валькирии". Мне кажется, что это способны испытать не только искушенные слушатели, но и те, кто приходит знакомиться с Вагнером впервые.

В чем заключается философия Вагнера?

Лариса Дядькова: Ценность его опер - в размышлениях на вечные темы, о том, что для человека самое важное: обретение власти, получение материальных ценностей, сохранение того, на чем строится мир - продолжение человеческого рода и семейные отношения. Эти ценности композитор представляет в состоянии подчас трудноразрешимых конфликтов. У Вагнера никогда не бывает однозначных персонажей - все они, а вместе с ними и слушатели, раздираемы противоречиями. Его герои ставят цели, может быть, не совсем правильные, но ведут себя как будто положительно. Например, моя героиня - богиня Фрика, супруга Вотана, борется очень правильно, последовательно гнет свою линию, отстаивая по-настоящему важные ценности для женщины и рода человеческого. Она подчиняется женским инстинктам, стремясь оградить семью от неверных шагов. Ее интуиция ей правильно подсказывает, что нужно делать. Но мужское начало хочет освободиться от такого женского давления.

Что русские певцы привносят в интерпретацию Вагнера, чего никогда не смогут ей дать немцы?

Лариса Дядькова: Вы хотите услышать, что мы более эмоциональные и глубокие? Я считаю, что все зависит от индивидуальности исполнителей. У немецкого певца как носителя языка все равно будет больше преимуществ хотя бы потому, что для него слово Вагнера - родное. Но если русский певец будет знать, о чем поет, вы услышите у него и чувственность, и глубину. Известно, что существует масса поклонников тетралогии "Кольцо нибелунга", отслеживающих ее исполнение в разных театрах. Мариинский театр делает все для того, чтобы русским певцам доверяли исполнять Вагнера на престижных оперных сценах, чтобы у них появились свои фанаты, которые бы ездили за ними по миру.

Недавно я наткнулся на удивительную фотографию в фэйсбуке, где вы летите на парашюте. Вагнером навеяло?

Лариса Дядькова: Вагнер не имеет к этому никакого отношения. Просто во время летних каникул мне вдруг захотелось заняться скайдайвингом. Сейчас у меня появилась возможность чуть меньше думать о работе. Много лет я была настолько занята, что не было окошечка для личной жизни. В какой-то момент понимаешь, что жизнь проносится так быстро, а хочется попробовать многое. В том месте, где я отдыхаю на протяжении нескольких лет в Испании - в Эмпурия Брава, есть великолепный аэродром, где устраиваются международные соревнования по скайдайвингу. Больше всего волновался мой инструктор - все время проверял пульс, настраивал, чтобы я не волновалась, но я не волновалась! Были ощущения ожидания, как перед выходом на сцену. 50 секунд свободного падения и четыре минуты неторопливого спуска. И городок, где я жила, и море, и горы воспринимаются с высоты полета совсем иначе. Я получила неописуемое наслаждение. Теперь хочу освоить парусный спорт. Минувшим летом мне удалось трижды выйти на маленькой парусной яхте, правда, я была там балластом, но мечтаю стать моряком.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 12087

СообщениеДобавлено: Пт Сен 21, 2012 6:14 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2012092108
Тема| Музыка, Симфонический форум
Авторы| Ксения Дубичева(Екатеринбург)
Заголовок| Форум собрал ведущие оркестры
Симфонический форум на Урале
Где опубликовано|"Российская газета"
Дата публикации| 20.09.2012
Ссылка| http://www.rg.ru/2012/09/19/reg-urfo/forum.html
Аннотация|

В Екатеринбурге во второй раз по инициативе Свердловской филармонии проходит Симфонический форум, который стал площадкой для региональных оркестров.
Во II Симфоническом форуме участвуют девять маэстро, шесть ведущих региональных оркестров - из Волгограда, Белгорода, Красноярска, Петрозаводска, а также столичная "Новая Россия" под управлением Юрия Башмета. Екатеринбург представляют два коллектива.

Форум дает возможность поставить диагноз и оценить состояние симфонической жизни страны. Проект развивает идею Фестиваля симфонических оркестров, который с 2006 года с огромным успехом проходит в Москве и представляет достижения мирового симфонизма.

- Эта филармония все время ищет какие-то новые и невероятные формы развития филармонического жанра, - считает прославленный дирижер Дмитрий Китаенко. - Трудно представить, чтобы дирижеры могли поговорить о своих проблемах не в частном порядке, а приехать и высказаться о том, что наболело, посоветоваться, пообщаться. Это, по-моему, первый случай не только в России, но и в мире.

Намечены две наболевшие темы для обсуждения. Одна - оркестровый менеджмент как залог успешного существования оркестра. На семинаре поделится опытом с коллегами директорат "Виртуозов Москвы", Немецкого симфонического оркестра (Берлин) и Омской филармонии. Участники обсуждений попытаются ответить на вопрос, нужны ли друг другу оркестр и общество, и если нужны, то каковы технологии их взаимодействия в современных реалиях. В частности, новые технологии помогут IT-зрителям.

- Все концерты Второго симфонического форума будут транслироваться в рамках Виртуального концертного зала филармонии, - заверил директор Свердловской филармонии Александр Колотурский.

А "живые" концерты участников форума пройдут в Асбесте, Каменске-Уральском, Заречном, Ревде и Верхней Пышме. В Екатеринбурге состоятся благотворительные концерты для студентов.

Вторая проблема - новая музыка - вытекает из того неоспоримого факта, что композиторы во все времена считались "штучным товаром". Как правило, музыканты сетуют на дефицит качественной симфонической музыки, композиторы жалуются на невнимание исполнителей, говорят даже, что превращаются в "бумажных" творцов - их свежие опусы можно только прочитать, но не услышать.

В развитие этой темы в рамках форума состоится финал конкурса наиболее дефицитного сегмента современной музыки - для детей. На конкурс "Петя и волк" подали свои работы 18 авторов из России и Болгарии, в финале прозвучат произведения трех композиторов, известных только по псевдонимам. Кто из них заслужит приз зрительских симпатий, определит шумометр: в зале филармонии установили аппаратуру, которая измерит громкость аплодисментов.

Открыла форум "принимающая сторона" - Уральский филармонический оркестр под управлением Андрея Борейко, дирижера Национального оркестра Бельгии. Его карьера началась в Свердловской филармонии, где он провел за пультом три года, с 1989-го. При новой встрече маэстро нашел знакомый оркестр "более дисциплинированным, внимательным, аккуратным и четким". Для исполнения он выбрал "Русалочку" Александра Цемлинского и в пару к ней - Адажио из Десятой, незаконченной симфонии Малера, посвященной его жене Альме - "жить для тебя и умереть за тебя".

- Цемлинский не просто иллюстрировал Андерсена, а писал кровью сердца о своей трагедии. Это очень автобиографическое сочинение композитора, безнадежно влюбленного в свою 16-летнюю ученицу Альму Шиндлер, которая через несколько лет стала женой боготворимого им Густава Малера.

Такая необычная программа, возможно, поможет слушателям составить представление об одной из муз модерна, женщине-легенде Альме Малер-Верфель, которая последовательно связывала свою жизнь с великими, гениальными творцами. Ее версия дон-жуанского списка такова: Климт, Цемлинский, Малер, Вальтер Гропиус, который наряду с Ле Корбюзье создал современную архитектуру, Оскар Кокошка, поэт Франц Верфель.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 12087

СообщениеДобавлено: Пт Сен 21, 2012 6:55 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 20120920109
Тема| Музыка, Персоналии, С. Слонимский
Авторы| Аркадий КЛИМОВИЦКИЙ
Заголовок| «Он вечно тот же, вечно новый…»
Где опубликовано| Информационное агентсво «Северная звезда» Музыкальный вестник
Дата публикации| 20120919
Ссылка| http://www.nstar-spb.ru/articles/article_3992.html
Аннотация|

Сергей Слонимский — один из выдающихся и крупнейших наших композиторов, чье творчество давно осознано как неотъемлемая и существенная часть современной художественной культуры. Он — автор более 200 произведений: их премьеры становились значительным событием музыкальной жизни страны.

Семь его опер — «Виринея» (1967), «Мастер и Маргарита» (1972), «Мария Стюарт» (1980), «Гамлет» (1990), «Видения Иоанна Грозного» (1995), «Король Лир» ( 2000–2001), «Антигона» (2007); три балета — «Икар» (1971), «Принцесса Пирлипат, или Наказанное благородство» (2001), «Волшебный орех» (2005) — при всей их отрадной несхожести вместе являют музыкальный театр Слонимского, монолитный художественный мир. Насильственно отторгнутая советским режимом от слушателя и сценической жизни почти на 20 лет опера «Мастер и Маргарита» лишь в 1991 году с большим успехом была поставлена в Москве. Постановка ее летом 2000 года в Германии была приурочена к Всемирной ярмарке в Ганновере. Нынешнее концертное исполнение первого акта «Мастера и Маргариты» в Михайловском театре, надеюсь, — предвестие ее будущей полноценной сценической жизни.
То же можно сказать и о выдающемся вкладе Слонимского в современное симфоническое творчество. Каждую из 32 его симфоний отличает уникальный внутренний сюжет и соответственно ему уникальные задачи, но при этом каждая симфония, в свою очередь, — это часть большого и обладающего внутренним единством художественного целого. Слонимский — автор монументального Реквиема (2004), исполнение которого всякий раз становится событием…
Связь композитора с традициями мировой музыки глубока и разветвленна: Монтеверди и Малер, Мусоргский и Прокофьев, Стравинский, Мартину, композиторы нововенской школы — вот лишь беглый и очень неполный перечень тех, у кого учился и учится Слонимский.
Примечательна и внушительна — и вглубь, и вширь — культурно-историческая панорама, открывающаяся при одном перечне сюжетов и произведений, вызвавших к жизни многие его сочинения. Это и античный миф, ставший основой сюжетов в балете «Икар», симфонической поэме «Аполлон и Марсий», камерной опере «Царь Иксион»; и трагические эпизоды европейской и русской истории, разыгравшиеся более пятисот лет назад, воплощенные в операх «Мария Стюарт» и «Видения Иоанна Грозного»; это и «Божественная комедия» Данте — под впечатлением первой кантики «Ад» написана Десятая симфония «Круги Ада», и «Гамлет» Шекспира, вдохновивший одноименную оперу; это и русская проза первой половины ХХ века (Л. Сейфуллина и М. Булгаков), на чьи сюжеты созданы оперы «Виринея» и «Мастер и Маргарита». Это и библейские стихи, положенные в основу вокально-хоровых сочинений «Песнь песней» и «Псалмы Давида», и древневосточный эпос о Гильгамеше, по которому написана вокальная сцена «Прощание с другом в пустыне», и древнеиндийская лирика в «Строфах Дхаммапады», японская поэзия, претворенная в вокальной сюите для меццо-сопрано и фортепиано «Весна пришла», стихи узбекской поэтессы конца XVIII века — «Три газели Надиры для сопрано и фортепиано». С поэзией средневекового рыцарства связан цикл «Песни трубадуров» для сопрано, тенора, ансамбля блок-флейт и лютни, с польской поэзией — цикл «Четыре польские строфы» для меццо-сопрано и флейты. Поэзия Александра Блока вдохновила Слонимского на создание одного из самых ярких и этапных сочинений — кантаты «Голос из хора». Вокальные циклы на стихи Осипа Мандельштама, Анны Ахматовой, Сергея Есенина, Даниила Хармса, Иосифа Бродского, Евгения Рейна, Александра Кушнера — яркие страницы в музыкальном прочтении творчества этих поэтов, а блистательные «Веселые песни» оказались первым воплощением в музыке поэзии Даниила Хармса.
Композитор словно одержим стремлением освоить все виды музыкального творчества, все жанровые и композиционные его формы — как те, что были порождены культурой далекого прошлого, так и те, рождение которых свершается на наших глазах. И острый, жгучий интерес и к тем и к другим стимулирует постоянные поиски композитором нового и обеспечивает плодотворность его счастливых находок, обрекает на драгоценное преодоление самого себя, постоянный выход за пределы уже достигнутого.
Что бы ни выходило из-под его пера — опера или симфония, инструментальные концерты или камерно-вокальные произведения, пьесы, песни, — рука автора мгновенно узнается. Разумеется, наивно и даже обидно было бы предполагать, что на заре своего творческого пути и сегодня, когда композитор находится на его вершине, — это один и тот же Слонимский.
И все же решительно все его опусы — а это относится к произведениям, созданным композитором как в далекой молодости, так и сегодня, — легко опознаются слушателем как музыка Слонимского. В подобных случаях обычно вспоминается: «Он вечно тот же, вечно новый…»
Слонимский — композитор счастливой творческой судьбы: он получил свою долю испытаний, но в их огне открывалась жизнестойкость его творений. Отмечу одну существенную особенность его музыки — созданная давно, она звучит, словно написанная только что.
Так обстоит дело и с его оперой «Мастер и Маргарита», после возвращения ее слушателю оказавшейся в русле новых тенденций музыкального искусства, которые были предугаданы оперой. Вот это свойство музыки Слонимского — опередить своего слушателя, который потом непременно догонит ее, — одна из коренных ее особенностей. Потому в сознании современников Слонимский принадлежит к тем композиторам, через которых музыка познает самое себя и являет себя людям.

Он и ощущает, и ведет себя как подданный, смиренный служитель Музыки. Только неистребимой потребности Слонимского вернуть к жизни незаслуженно забытое творение слушатель обязан исполнением в Большом зале филармонии оперы Р. Шумана «Геновева» (дирижер Дж. Далгат), Второй («Блоковской») симфонии В. Щербачева (дирижер В. Катаев).
На прочно занявших заметное место в культурной жизни города Музыкальных собраниях, проходящих в Фонде культуры и в консерватории, Слонимский организовал исполнение музыки М. Балакирева, А. Глазунова, В. Щербачева, М. Гнесина, Н. Мясковского, В. Шебалина, Ю. Тюлина, Б. Арапова, Ю. Кочурова, В. Пушкова, Ю. Балкашина, О. Евлахова, В. Салманова, Л. Пригожина, Б. Клюзнера, В. Веселова…

Мне легко представить себе читателя книг Сергея Михайловича Слонимского потому, что, он, как и я сам, — прежде всего постоянный слушатель его музыки. Именно те, кто хорошо знают его творчество, заинтересованно ждут очередную, к счастью частую, его премьеру, увидев его имя на обложке книги, непременно ее откроют. И погрузятся в интереснейшее и захватывающее повествование Слонимского об эпохе, в которой он формировался, о людях, с которыми встречался и которые внесли свой вклад в его становление как человека, художника, музыканта.

«Бурлески, Элегии, Дифирамбы в презренной прозе» — так назвал одну из своих книг автор, точно определив ее особенности и характер.
Иронический тон и гротесковая заостренность письма («Бурлески») ни в коей мере не препятствуют напряженным размышлениям автора над самыми значительными проблемами современной культуры и музыки (например, футурологическое эссе о музыке третьего тысячелетия, представляющее «самую широкую перспективу для музыки будущих веков… Новое Возрождение античной, вообще всей древней дохристианской цивилизации»). Изобилующая едкими парадоксами главка «Похвала мифу» завершается проницательным суждением о мифе и мифах, которые «подходят, в сущности, к массовой культуре и чуждым настоящему искусству языком учат массы чтить непонятную им Музыку, называя попутно великие имена»). Обращение же к детским годам, неизбежно согретое «воспоминательной» интонацией («Элегии»), при этом никогда не утрачивает аналитической остроты и беспощадной проницательности. Наконец, в книге большое место занимает благодарно и любовно выписанная («Дифирамбы») череда портретов, зарисовок тех, кто окружал композитора, — его родных и друзей дома, по большей части — известных писателей, членов знаменитого «Серапионова братства» (думается, впечатлениям от этих встреч с «петербургскими серапионами» в большой мере обязан замысел симфонической поэмы Слонимского «Петербургские видения»), учителей, всех тех, общение с кем формировало его душевный и духовный мир, пробуждало в нем художника, оттачивало его профессиональное сознание музыканта, композитора.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 12087

СообщениеДобавлено: Пт Сен 21, 2012 6:56 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2012092110
Тема| Музыка, МТ, Фестивали, «Звезды белых ночей»
Авторы| Иосиф РАЙСКИН
Заголовок| К новым берегам! Новые горизонты «Звезд белых ночей»
«Мы не хотим, чтобы на полках нотных библиотек пылились сочинения, достойные сцены лучших театров и концертных залов.» Валерий Гергиев
Где опубликовано| Информационное агентство «Северная звезда» Музыкальный вестник
Дата публикации| 20120919
Ссылка| http://www.nstar-spb.ru/articles/article_3993.html
Аннотация|

Девиз великого Мусоргского, вынесенный в заглавие, и кредо дирижера, решительно выраженное в связи с инициированным им фестивалем «Новые горизонты», вместе определяют нынешнюю творческую стратегию Мариинского театра. А я вспоминаю, как двадцать лет назад отвечал на наши — музыкантов и слушателей, зрителей — нетерпеливые требования осовременить репертуар Валерий Гергиев, едва ставший художественным руководителем театра. «Подождите, — восклицал он, — у нас еще столько долгов перед Моцартом, Вагнером, Глинкой, Римским-Корсаковым… не говоря уже о шедеврах нынешнего столетия — произведениях Стравинского, Прокофьева, Шостаковича, Бартока, Яначека, Бриттена… Подождите, придет час и современников — маститых мастеров и молодых композиторов».

Читатель, следящий за афишей театра на протяжении двух с лишним десятилетий, мог убедиться, что названные долги не-уклонно «погашались», что удельный вес музыки ХХ века в репертуаре коллективов театра постоянно возрастал. Настал момент, когда в интервью перед началом очередного фестиваля «Новые горизонты» Гергиев заявил: «Работа по возвращению в репертуар Мариинского театра колоссального наследия великих русских композиторов ХIX–XX веков почти завершена». За этим почти любой «зловредный» критик при желании найдет и обойденные крупные имена, и пока еще несыгранные шедевры. Но ведь афиша театра никак не может быть исчерпывающей энциклопедией! Главное — обозначить вектор художественных усилий коллектива. Гергиев же продолжал: «Сегодня мы приступаем к воплощению наиболее трудных и ответственных проектов, о которых двадцать лет назад я мог только мечтать. Работа над "Очарованным странником", "Лолитой", "Мертвыми душами" Родиона Щедрина, над "Братьями Карамазовыми" Александра Смелкова — это очень важная часть творческой жизни театра. Уверен, что через два-три года произведения ныне живущих композиторов займут значительное место в нашем репертуаре».

«Новым горизонтам» предшествовали монографические фестивали крупнейших композиторов, каждый из которых заглядывал «за горизонт» своего времени, пролагал новые пути, звал «к новым берегам» — Мусоргского, Римского-Корсакова, Стравинского, Малера, Прокофьева, Шостаковича… Неслыханное прежде дело — осенью 2009 года в дни открытия 227 сезона театра трижды (!) прозвучал шедевр Сергея Прокофьева — опера «Война и мир». Уникальный абонемент Мариинского театра «Сергей Прокофьев. Избранное» включал четыре из восьми его опер — «Игрока», «Огненного ангела», «Семена Котко», «Обручение в монастыре», балеты «Золушка» и «Ромео и Джульетта». Об этом начинании Валерий Гергиев сказал: «Хочется, чтобы музыка Прокофьева, которой восторгаются во всем мире, принесла новые открытия и подлинное эстетическое наслаждение широкой публике, особенно нашей молодежи… Мы горды тем, что сегодня Мариинский театр — единственный в мире театр, который имеет в своем репертуаре все оперное наследие Прокофьева». Остается пожелать, чтобы и все восемь балетов Прокофьева засверкали на мариинской сцене.

В том же сезоне был осуществлен абонемент «Родион Щедрин в Мариинском театре», предлагавший оперы композитора «Мертвые души» и «Очарованный странник», балеты «Конек-Горбунок», «Кармен-сюита» и «Анна Каренина». Держатели абонемента познакомились также с концертной программой из произведений Р. Щедрина.
Отчетливо и планомерно проводится курс на популяризацию шедевров музыки ХХ века, произведений современных авторов. Они звучат рядом с классикой: в одной «компании» с Перголези, Моцартом, Шубертом, Берлиозом, Брамсом, Верди стоят произведения Элгара, Шимановского, Бриттена, премьера одноактной оперы Николая Каретникова «Мистерия апостола Павла». Студентам, привлеченным операми Моцарта, популярным балетом «Корсар», полезно «раскусить» и «Поворот винта» Бриттена, и «Очарованного странника» Щедрина. В этой репертуарной политике театра нет и следа пресловутой «нагрузки», укоренившейся с советских времен: хочешь «Пиковую даму», —
сходи и на «Поднятую целину». Театр с уважением относится к своей публике, разумно дозируя новое, требующее большего зрительского и слушательского опыта, сопровождая спектакли аннотациями-пояснениями и красочными буклетами. Такими абонементами театр мостит дорогу для новой аудитории к новой музыке.

Величайший музыкальный революционер ХХ века Арнольд Шёнберг однажды заметил: «Слушатель… мечтает о новых произведениях искусства, но только о таких, каких ждет, а ждет он, по сути дела, лишь новой аранжировки старых, прежних составных частей. Не совсем новой — ну и не совсем старых… Современно, но не сверхсовременно!» Чуть ранее Шёнберг проницательно говорит о том, что «люди ждут только то, что они могут угадать, предсказать, однако хотят, чтобы их при этом удивляли и поражали» (курсив мой — И. Р.). Что ж, перед нами исключительно точно сформулированный алгоритм слушательских ожиданий. Но, согласитесь, это ведь одновременно и стратегия приобщения широкой публики к музыке современности.

Театр в целом и оркестр стали гораздо больше внимания уделять современной музыке после открытия нового многофункционального Концертного зала Мариинского театра. Блистательное начало было положено российской премьерой оперы Родиона Щедрина «Очарованный странник», которую композитор сам назвал «оперой для концертной сцены». Если и раньше театр приглашал на концерты симфонической и ораториальной музыки, на общедоступные камерные собрания, то теперь для «филармонии внутри театра» созданы идеальные условия.

В последние годы Валерий Гергиев, как никто другой из дирижеров, играет и записывает Шостаковича по всему миру — в Европе, Америке, Азии… Играет отдельные симфонии, инструментальные концерты и, что особенно важно, полные циклы симфоний величайшего симфониста ХХ века. Слушатели благодарно приобщаются к музыке, на наших глазах обретающей статус непререкаемой классики. А симфонический оркестр Мариинского театра — роль коллективного «эксперта» по интерпретации Шостаковича, эксперта, мобильно откликающегося на любые, даже неожиданные предложения.

Миновавший 229-й сезон завершался юбилейным ХХ фестивалем «Звезды белых ночей». В его обширной программе помимо ярких концертов, спектаклей, премьер, именитых гастролеров привлекли внимание своеобразные мини-фестивали внутри фестиваля. Так, под управлением Гергиева прозвучали все симфонии и инструментальные концерты Брамса (солисты Ефим Бронфман, Рудольф Бухбиндер, Пинхас Цукерман, Аманда Форсайт, Алена Баева). В течение трех вечеров Кристиан Блэкшоу исполнил все фортепианные сонаты Моцарта…

Но и не объявляя цикла, Валерий Гергиев продирижировал в концертах фестиваля шесть симфоний Шостаковича — Пятую и Седьмую (каждую дважды!), Восьмую, Девятую, Двенадцатую, Четырнадцатую… И все это на протяжении месяца! Какая из филармоний может похвастаться такой внеплановой «шостаковианой», прошедшей к тому же — это нельзя не отметить — в переполненном Концертном зале Мариинского театра. Растет полная коллекция симфоний Шостаковича, записанных Гергиевым с мариинским оркестром.
Знаменательно, что юбилейный фестиваль открылся «Борисом Годуновым» в первой авторской редакции. Новую постановку осуществил британский режиссер Грэм Вик.
«Сегодня оперу можно приблизить к теленовостям, — сказал Гергиев на пресс-конференции перед фестивалем. — У сильного режиссера это может получиться с должной остротой и убедительностью, в чем, я надеюсь, удастся удостовериться на премьере». А вот суждение самого Грэма Вика: «Великие писатели и композиторы берут за основу былые истории, однако видеть прошлое и провидеть будущее они могут только сквозь призму своего собственного опыта. Сценическая интерпретация оперы Мусоргского подразумевает поиск театрального языка, живого для нашего времени». Как это перекликается с известным афоризмом самого Мусоргского: «Прошедшее в настоящем — вот моя задача!»
Одним из главных событий ХХ «Звезд белых ночей» стало исполнение «Хованщины» Мусоргского (в оркестровой редакции Шостаковича), где в роли Марфы, как и двадцать лет назад, выступила Ольга Бородина. Сегодня композитор мог бы с большим, чем когда-либо, основанием воскликнуть: «Живу ноне в Хованщине, как жил в Борисе, и тот же я Мусорянин». Смутное время на Руси в каждом веке возвращается в новом обличье.
Оперный диптих величайшего русского новатора оказался наилучшим предисловием к «Новым горизонтам» — неделе новой современной музыки. В предыдущих фестивалях звучали произведения Сергея Слонимского, Бориса Тищенко, Галины Уствольской, Валентина Сильвестрова, Владимира Мартынова, Арво Пярта, Дьердя Лигети, Дьердя Куртага и других мастеров, пьесы молодых композиторов, состоялось немало мировых и отечественных премьер. Нынешний V фестиваль (маленький, но тоже юбилей!) проходил в Концертном зале Мариинского театра и в уютном зале «Яани Кирик» эстонской церкви по соседству. Три симфонических и три камерных концерта впечатлили разнообразием композиторских и исполнительских индивидуальностей, множественностью стилевых направлений. Но все программы отличала одна коренная — другого, более точного слова не подобрать — особенность: они группировались вокруг корневой музыки композитора-классика.
На открытии «Новых горизонтов» музыка Александра Раскатова соперничала с Мусоргским («Сон в белую ночь» рядом с «Рассветом на Москве-реке») продолжала Мусоргского (новая версия «Песен и плясок смерти» для тенора с оркестром; между четырьмя вокальными номерами цикла Раскатов поместил интерлюдии, которые он назвал «Застывшее время», с ними «рифмовалась» пьеса Анри Дютийё «Время»); оркестром Мариинского театра дирижировал Валерий Гергиев. Андрес Мустонен сменил маэстро за дирижерским пультом, чтобы возвести «Лестницу в небо». Программа под этим названием вырастала из «Вступления и Смерти Изольды» Вагнера и включала пьесы Александра Раскатова, Александра Кнайфеля и Гии Канчели. Фортепианный вечер Андрея Коробейникова «Утопия. Скрябин плюс…» перемежал музыку великого русского романтика с произведениями современных композиторов в поисках утопии наших дней.

Программу «Americana» привезли из США музыканты фортепианного квинтета. Своему концерту в Петербурге они предпослали девиз: «Мы покажем, что именно в США возник ритм» (в центре программы произведения классиков ХХ века Игоря Стравинского и Джона Кейджа). А программа вечера «Бах плюс… Три виолончели соло» — почтительное и благодарное приношение музыканту, в коем все видят родоначальника новой музыки. Произведения Александра Раскатова, Дьердя Лигети, Валентина Сильвестрова и Петериса Васкса звучали рядом с исполинскими вершинами — сюитами для виолончели соло самого Иоганна Себастьяна Баха. К трем приглашенным виолончелистам — Александру Ивашкину, Ивану Монигетти и Гавриилу Липкинду присоединился петербуржец Сергей Ролдугин, сыгравший с Александром Раскатовым за фортепиано пьесу последнего «Dolce far niente» (ит. «Сладостное безделье»).

Заключительный концерт фестиваля окончательно окрасил его в виолончельные тона, сообщив ему celloвеческое (ит. cello — виолончель) измерение. В первом отделении Александр Бузлов исполнил грандиозный Концерт для солирующей виолончели, 48 виолончелей, 12 контрабасов и ударных Бориса Тищенко (оркестром Мариинского театра дирижировал Павел Смелков).

Во втором отделении за дирижерский пульт встал Валерий Гергиев; Иван Монигетти, Гавриил Липкинд и Александр Ивашкин сыграли совершенно разнохарактерные концерты Эркки-Свен Тююра, Витольда Лютославского и Николая Корндорфа, доказав, что ничто celloвеческое им не чуждо. А завершала фестиваль мировая премьера пьесы Александра Раскатова «Три ангела пели» для трех виолончелей и трех детских голосов с оркестром.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 12087

СообщениеДобавлено: Пт Сен 21, 2012 7:23 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2012092111
Тема| Музыка, проект — Академия молодых композиторов в городе Чайковском
Авторы| Владимир Раннев
Заголовок| Новая музыка Чайковского
Где опубликовано| "Коммерсантъ-Online"
Дата публикации| 21.09.2012
Ссылка| http://www.kommersant.ru/doc/2028500
Аннотация|

В Пермском крае во второй раз прошел уникальный для новой российской музыки проект — Академия молодых композиторов в городе Чайковском, ставший в этом году не последним событием на карте мировой музыкальной жизни: в студенты к приглашенным профессорам Марку Андре (Франция) и Клаусу Лангу (Австрия) попросились 110 человек из 39 стран мира.

В чем-то современное композиторское образование сродни современной науке: эффективность достигается не масштабом и величием институций, а мобильностью, готовностью к конкуренции и вовлеченности в международную среду себе подобных. Конечно, консерваторское образование как базовая ступень этому делу способствует (хотя бывает, что и наоборот), но начиная с 1946 года — первых, а теперь уже легендарных дармштадтских летних курсов — форма компактных интенсивов утвердилась как самая эффективная в обучении композиторов. Суть такова: в город N, подальше от столиц, съезжаются отобранные по конкурсу студенты со всего мира, композиторы-преподаватели из числа мэтров (обязательно разные по технике и стилю) и первоклассный ансамбль, готовый к любым причудам начинающих дарований. Пару недель они пекутся в замкнутом пространстве: работают над партитурами, сравнивают и обсуждают, что у кого, тут же репетируют — и в идеале расстаются другими людьми, осознающими, на что они способны и чего им не хватает. Последнее, кстати, относится не только к студентам. В Чайковском Марк Андре признался: «Я сам тут учусь, ведь в среде молодых попадаются большие оригиналы».
Именно такую схему перенесли на российскую почву худрук академии композитор Дмитрий Курляндский, Московский ансамбль современной музыки (МАСМ) и председатель Пермского союза композиторов Игорь Машуков. Им повезло не только с красотами местных ландшафтов, но и с людьми: в Чайковском начинание получило поддержку главы местной администрации Сергея Пластинина и Галины Новиковой, ответственной здесь за культуру. Дело не только в том, что академия становится местным брендом, а город — известным далеко за пределами страны. («Представляете, за два года у нас побывало больше иностранцев, чем в соседнем Ижевске за всю его историю. Были даже австралиец и костариканец, не говоря уже о европейцах»,— комментировали в городском музучилище.) Важнее то, что в проект вовлекается местная культурная среда. Он не ограничивается территорией пансионата «Изумруд», где живут академисты. Занятия проходят в музыкальных школе и училище, на них волен присутствовать любой — и таковых здесь оказалось немало: учителя краевых музыкальных школ (академия стала частью их факультета повышения квалификации), студенты музучилища, родители с детьми на концертах. Для последних МАСМ придумал особый проект — «Детский альбом Чайковского», где школьники играют номера из него, а музыканты МАСМа — пьесы-парафразы к ним современных композиторов.

Наконец, результат академии: 12 премьерных сочинений студентов, созданных в Чайковском, стали программой концертов на Пермском фестивале современной музыки и в Московской филармонии. Во многом жизнеспособность проекта обязана именно такому фидбэку — академия стала для принимающей стороны не только приятным, но и полезным событием.
Трудно сказать, чего в дальнейшем добьются в профессии 12 студентов и 4 стажера академии. Но, по оценке Клауса Ланга, слабых участников он здесь не встретил. И отнесся с иронией к мнению некоторых наших консерваторских профессоров об этом проекте как «развращении авангардом». Он сам профессорствует в консерватории Граца (Австрия) и лишь приветствует желание своих студентов побольше ездить и слушать — не хорошего или плохого, а именно разного. Марк Андре, преподающий в Высшей школе музыки Дрездена, вообще полагает, что для студентов польза от таких академий не узко профессиональная, а «антропологического свойства» — побольше узнавать и сравнивать, искать свое и научиться ошибаться с пользой для себя. На следующий год в Чайковский приедут другие преподаватели, к ним потянутся другие студенты и музыка будет совсем другая.

Уникальность проекта как раз в сочетании стабильности его формы и постоянной перелицовки содержания. Подобная идеология в музыкальной образовательной среде у нас в новинку. Но, судя по успехам этой академии, может стать полезной традицией.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 12087

СообщениеДобавлено: Пн Окт 01, 2012 5:00 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2012092801
Тема| Опера, "Мария Стюарт" Доницетти, Концертное исполнение, МГАХ
Авторы| Сергей Ходнев
Заголовок| Битва королев
"Мария Стюарт" в концертном исполнении
Где опубликовано| "Коммерсантъ Weekend",
Дата публикации| 28.09.2012
Ссылка| http://www.kommersant.ru/doc-y/2026571
Аннотация|

Поистине никогда не угадаешь, как и почему сложится судьба того или иного оперного произведения. Вот "Мария Стюарт", одна из самых известных опер Доницетти и всего итальянского бельканто в целом. Кто бы мог подумать еще за несколько дней до ее премьеры в 1834 году, что оперу может ждать хоть какое-то неблагополучие. Сюжет благодатный, моральное противостояние Марии Стюарт и Елизаветы I — историческая коллизия из тех, что будут притягательны для публики, кажется, вечно, вдобавок либретто подавалось как переработка еще одного весьма известного литературного произведения — "Марии Стюарт" Шиллера. Переработка, конечно, вольная, либреттист Бардари многое упростил, пригладив те места, где у Шиллера был совсем уж политический триллер, но ощущение психологического триллера сохранил. Да еще для большей душещипательности придумал линию с тайной влюбленностью фаворита Елизаветы, графа Лестера, в Марию, но с исторической убедительностью в оперных либретто тогда вообще было принято обращаться спустя рукава. И конечно, было учтено то обстоятельство, что опера писалась для неаполитанского королевского театра Сан-Карло. Середина 1830-х — не самое либеральное время, тут с королями и королевами на сцене надо было обращаться деликатно, но то, что моральная победа остается в конце концов на стороне католички Марии, а не протестантской государыни, явно должно было понравиться даже самым рьяным реакционерам. Тем более что тогдашняя неаполитанская королева, урожденная принцесса Савойская, приходилась вымершим Стюартам дальней родственницей, то есть при желании могла возводить генеалогию к несчастной королеве Шотландии. Судя по всему, тут и обнаружилось слабое звено: королева, придя на репетицию оперы, была чем-то шокирована и упала в обморок. Оперу немедленно запретили. На будущий год Доницетти смог устроить постановку "Марии Стюарт" в Милане, но там печально знаменитая своей бдительностью австрийская цензура сочла, что пассаж о незаконном происхождении королевы Елизаветы — вещь политически не очень корректная, и экспрессивный возглас Марии Стюарт, обращенный к ее английской коллеге, лучше бы смягчить, убрав общепонятное слово "bastarda". Но примадонна Мария Малибран, славившаяся не только голосом, но и крутым, истинно примадоннским нравом, убрать это словечко не захотела. Оперу опять же немедленно запретили. На сей раз уже прочно обеспечив ей статус забытого малоизвестного шедевра: только в середине ХХ века о ней вспомнили и начали исполнять, и исполняют часто.
И вот здесь опять возникает неожиданная игра обстоятельств. Шекспировская Англия, Генрих VIII, Елизавета, та же Мария Стюарт — образы, которым на невнимание со стороны литературы и искусства пожаловаться сложно, но все-таки когда-то этого внимания больше, когда-то меньше. В последние несколько лет тюдоровская тема, обласканная в массовой литературе, кинематографе и сериальной продукции, определенно переживает очередной бум. И именно поэтому, наверное, и "тюдоровским" операм Доницетти — "Анна Болейн", "Мария Стюарт", "Роберт Девере" — тоже достается много внимания, и, например, когда известная певица собирается петь королев во всех трех этих операх, это выглядит особенно эффектным аттракционом.
Но "Мария Стюарт", концертное исполнение которой готовит Московская филармония, интересна именно тем, что королев там две, и сказать, которой из них досталась более впечатляющая музыка, довольно сложно. В сущности, это опера не одной примадонны, а двух, что заставляет особенно внимательно присматриваться к составу исполнителей. Обещанный нынче состав, как водится, международный: Тальбота будет петь итальянский бас Мирко Палацци, ну а Лестера, героя-любовника — турецкий певец Бешдуц Бюлент, один из очень востребованных сейчас специалистов по теноровым партиям в операх бельканто. На партии королев выбраны две необычайно колоритные дамы, известные, что необычно, в первую очередь своими работами в области ранней музыки. Заглавную партию исполнит Инга Кална, уроженка Латвии, когда-то яростно и темпераментно спевшая генделевскую Армиду под управлением Рене Якобса, а московской публике знакомая по не менее демоничной Электре в концертной версии моцартовского Идоменея. А Елизавету — болгарка Александрина Пендатчанска, прошлой осенью спевшая Гориславу в "Руслане и Людмиле" Большого театра, в послужном списке которой тоже полным-полно роковых женщин неукротимого нрава вроде Вителлии из "Милосердия Тита" Моцарта или генделевской Агриппины. То есть налицо все основания предполагать, что эта "Мария Стюарт" запомнится такими объемными и огненными страстями, каких редко когда от оперы бельканто дождешься.

Концертный зал Чайковского, 29 сентября, 19.00
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 12087

СообщениеДобавлено: Пн Окт 01, 2012 5:12 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2012093101
Тема| Опера, "Мария Стюарт" Доницетти, Концертное исполнение, МГАХ
Авторы| Михаил Фихтенгольц
На сцене Московской филармонии в субботу исполняют одну из красивейших опер бельканто.
Заголовок| Классика: «Мария Стюарт»
Где опубликовано| Time Out Москва №38 / 24 - 30 сентября 2012 г
Дата публикации| 24.09.2012
Ссылка| http://www.timeout.ru/journal/feature/28947/
Аннотация|

Специалисты по истории Великобритании, да и просто образованные люди, фыркают каждый раз, когда вспоминают об этой опере Доницетти — исторические факты в ней перевраны самым вопиющим образом. Впрочем, чего бы только не сделал композитор в романтическую эпоху, склонную к преувеличениям за гранью дозволенного, чтобы лоб в лоб столкнуть двух легендарных королев и заставить их полюбить одного и того же симпатичного юношу. В реальности все было прозаичнее: Мария Шотландская никогда не встречалась с Елизаветой Английской (хотя и жаждала этой встречи), Роберт Дали, граф Лестер, красавец-дворянин и неизменный фаворит Елизаветы, одно время рассматривался в качестве жениха для Марии Стюарт, но дальше разговоров дело не ушло, и ни о каких близких отношениях между ними быть не могло — собственно, единственная встреча, когда Лестер увидел королеву Шотландии, случилась накануне ее казни. И все-таки переиначенная на бульварный лад история соперничества двух королев, не поделивших один остров, стала идеальной основной для оперного либретто — и для одной из лучших опер Гаэтано Доницетти.

В опере две главные героини, и этот факт сулит дополнительную интригу для публики. К концу первого действия, когда происходит встреча Марии и Елизаветы и первая неосторожно называет вторую La bastarda (незаконнорожденной), зрительный зал разделяется на два противоборствующих лагеря — арбитрами в поединке двух коронованных особ служат сладкоголосый тенор в роли Лестера, которому причитается по дуэту с каждой из примадонн и ни одной арии, и два баса — главный советник Елизаветы Сесил и надсмотрщик над Марией граф Талбот. Соответственно, главная задача для любого дирижера или режиссера, берущегося за «Марию Стюарт», — отыскать двух певиц, которые не уступают друг другу ни в сценическом темпераменте, ни в королевской стати, ни в качестве голоса.

Для Москвы две такие певицы, похоже, нашлись. Несчастную жертву интриг и собственной откровенности Марию Стюарт споет латышка Инга Кална — одна из лучших певиц Прибалтики с уверенной международной карьерой и богатым опытом по части бельканто и оперы барокко. Ее соперницей станет Александрина Пенданчанска — болгарское сопрано, специалистка по ролям роковых женщин, королев и колдуний, запомнившаяся прошлогодним дебютом в Большом театре, где ей досталась роль страстной красавицы Гориславы в спектакле Дмитрия Черникова «Руслан и Людмила». А графом Лестером, которого, собственно, не поделили прекрасные дамы, будет турецкоподданный Бюлент Бешдуц — обладатель породистого лирического тенора и положенной человеку из курортной зоны знойной внешности. Так что в туманном Альбионе, опять-таки вопреки всем реалиям, закипят жаркие южные страсти.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 12087

СообщениеДобавлено: Пн Окт 01, 2012 5:13 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2012093102
Тема| Опера, "Мария Стюарт" Доницетти, Концертное исполнение, МГАХ
Авторы| Майя Крылова
Заголовок| Шотландские страсти
Где опубликовано| РБКdaily
Дата публикации| 27.09.2012
Ссылка http://www.rbcdaily.ru/2012/09/27/lifestyle/562949984800836
Аннотация|

Московская филармония проводит очередной вечер в серии «Оперные шедевры». На сцене Зала имени Чайковского 29 сентября состоится концертное исполнение «Марии Стюарт» Доницетти. На московской афише оперы — имена крупных европейских певцов.
Судьба несчастной шотландской королевы XVI века всегда привлекала деятелей разных видов искусств. Ведь подлинная история Марии Стюарт, долгие годы бывшей пленницей в Англии, а затем там же казненной, сама по себе увлекательный роман. Неудивительно, что знаменитый немецкий драматург Фридрих Шиллер увлекся этой историей и написал о Стюарт биографическую пьесу. А композитор Гаэтано Доницетти понял, что описанные Шиллером шотландские страсти, и любовные, и политические, как нельзя лучше подходят для оперного либретто.

Премьера оперы состоялась в 1835 году в миланском театре «Ла Скала» и сразу попала под цензурные ограничения. Ведь на сцене действовали реальные исторические лица, среди которых было много царствующих особ, не очень почтительно выясняющих отношения. Со сцены прозвучало страшное тогда слово «бастард», и это в отношении королевы! Оперу, от греха подальше, спешно сняли с репертуара — и позабыли на сто лет. Но в наши дни один из шедевров бельканто не сходит с афиш крупнейших оперных домов.
Действие происходит в 1587 году, в год казни Марии Стюарт. Оно переносится из Вестминстерского дворца (где живет королева Елизавета — главный враг Марии) в замок Фотерингей (там много лет томилась высокородная узница). По либретто, любовь в судьбе Стюарт значит гораздо больше, чем политика.

И хотя финал оперы печальный, лирики будет много. Потому что, несмотря на годы, проведенные в тюрьме, бывшая королева Шотландии так прекрасна, что даже фаворит Елизаветы граф Лестер тайно любит именно ее, а не свою официальную госпожу. Английская королева, провоцируемая жестоким канцлером Сесилом и собственной ревностью, приказывает казнить дерзкую соперницу. «Конец этой гордячки — это конец опасности для меня. Ее кровь станет залогом прочности моей власти», — поет по-итальянски Елизавета. В то время как Мария (женщина, надо сказать, с большими грехами в прошлом) всходит на плаху с уверенностью: «Моя невинно пролитая кровь успокоит разгневанные небеса».

С вокальной точки зрения опера интересна «столкновением» двух сопрано. Елизавету и Марию поют болгарка Александрина Пендачанска и латышка Инга Кална. Первую наши меломаны слышали на премьере «Руслана и Людмилы» в Большом театре, где Пендачанска спела Гориславу. Среди многочисленных ангажементов певицы — спектакль «Мария Стюарт» в Канадской опере Торонто. Лирическое сопрано Инга Кална, отработав много лет в Гамбургской опере, теперь покоряет оперные подмостки Европы в режиме свободного художника и славится как мастер универсального стиля.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 12087

СообщениеДобавлено: Пн Окт 01, 2012 7:08 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2012093203
Тема| Музыка, Персоналии, Андраш Шифф
Авторы| Георгий КОВАЛЕВСКИЙ
Заголовок| Три последние сонаты
Где опубликовано| Санкт-Петербургские ведомости
Дата публикации| 20120910
Ссылка| http://www.spbvedomosti.ru/article.htm?id=10291925@SV_Articles
Аннотация|

В Большом зале Филармонии при поддержке фонда «Музыкальный Олимп» выступил один из самых интеллектуальных пианистов современности Андраш Шифф. Пианист уже третий раз выступает в Петербурге, и хочется надеяться, что осенние концерты Шиффа в Филармонии станут такой же традицией, как весенние концерты Соколова.

В Европе Шифф помимо обширной концертной деятельности активно занимается музыкальным просветительством, выступая миссионером классической музыки. Так, в лондонском «Вигмор Холле» прошла серия концертов, на которых Шифф исполнил все фортепианные сонаты Бетховена, подробно комментируя каждую из них. Представленная в Петербурге программа тоже отчасти была просветительской, позволившей публике услышать, как развивалась фортепианная музыка на рубеже XVIII – XIX веков. Андраш Шифф сыграл три последние сонаты великих мастеров: Гайдна, Бетховена и Шуберта. Отслеживая тенденции старинного исполнительства, Шифф выступает перед публикой на современном концертном рояле, используя богатый спектр его технических и тембровых возможностей. Туше пианиста отличается безукоризненной мягкостью, отчетливостью и ясностью. Эти качества сполна проявились в Ми-бемоль мажорной сонате Йозефа Гайдна. Строгость исполнительской манеры Шиффа помогала глубже постигать красоту гармонии мира прекрасного искусства, утерянного в шуме нынешней цивилизации.

Сыгранная вслед за Гайдном Тридцать вторая соната Бетховена принадлежит к его самым исповедальным произведениям. В ней композитор оглядывается на прожитую жизнь, подводя итог. Две части этого произведения – два мира: земной, с его драмами и страстями, и небесный, с его светом, радостью и чистотой. Комментируя эту сонату, Шифф рассказывал, что видит в ней отзвук фаустовского сюжета, волновавшего Бетховена в последние годы. В первой части исполнитель рельефно выделил и зловещие мефистофельские образы, и риторический пафос, идущий от эпохи барокко. Вторая часть, вариации, – полет в высшие сферы, то самое «остановись, мгновенье, ты прекрасно». Каждая вариация была сыграна как последующий этап вознесения все дальше от земли, где в небесных далях звучат волшебные хрустальные колокольчики.

Самым продолжительным номером программы стала соната Шуберта№ 21, почти 45 минут музыкальных размышлений о человеческой судьбе. Чарующими звуками Шифф погрузил публику в мир романтических грез, полный загадок, бездн и искренней непосредственной радости. Вот только звонки невыключенных мобильных порою досадно возвращали слушателей в прозаическую реальность.
По окончании концерта после оваций пианист порадовал публику отделением бисов. Свое выступление Шифф завершил Венгерской мелодией Франца Шуберта, которую выросший в Венгрии пианист исполнил особенно трепетно.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 12087

СообщениеДобавлено: Пн Окт 01, 2012 7:11 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2012093204
Тема| Музыка, стартует IV Молодежная музыкальная академия стран СНГ ,Персоналии, Ю. Башмет
Авторы| Виктория Иванова
Заголовок| «После распада советской империи мы создаем империю музыки»
Юрий Башмет — о том, как объединить потерявших друг друга музыкантов
Где опубликовано| Известия
Дата публикации| 20120930
Ссылка| http://izvestia.ru/news/536175#ixzz283w7LofE
Аннотация| Интервью

1 октября во Львове стартует IV Молодежная музыкальная академия стран СНГ под руководством народного артиста России Юрия Башмета. С выдающимся альтистом и художественным руководителем академии встретилась корреспондент «Известий».

— Расскажите о вашем детище.

— Когда-то у меня родилась идея создать Музыкальную академию, которая бы объединяла потерявших друг друга музыкантов. Ведь когда распался Советский Союз, вся советская школа себя потеряла, исчезла какая-то общая линия, прекрасно организованная. Должен сказать, что в советской системе, с точки зрения музыкального образования было очень много плюсов. И это все совершенно растворилось, хотя нужда в общении и сохранении некой общности осталась.

Прошли годы, моя идея реализовалась. В 2009 году впервые на постсоветском пространстве параллельно с моим фестивалем в Минске открылась Молодежная музыкальная академия. В рамках ее были привлечены такие педагоги как Виктор Третьяков, Наталья Гутман, да и я сам дал несколько мастер-классов. Эта Академия получила колоссальное «эхо» в музыкальном мире. Так после распада одной империи мы стали создавать другую — империю музыки.

— В этом году молодежная Академия должна пройти во Львове.

— Да, там, где душа моя живет. В связи с тем, что я вырос во Львове, там мои корни, там похоронены мои дедушка, мама и папа, бываю я там часто. А теперь вот и Академию переношу во Львов. Она будет работать в сотрудничестве с филармонией и консерваторией. Я думаю, для нас там все двери открыты, тем более что нас мощно поддержало Министерством культуры Украины.

Львов — очень гостеприимный, добрый и совсем неагрессивный город, его надо беречь. Когда я приземлился там, то просто не узнал современный аэропорт — это аэропорт европейского уровня. Мне было приятно, когда на таможне меня узнали. Девушка-таможенница, совсем молодая, увидев меня, воскликнула: «Я їх впізнала, це ж вони і є!»

— Ваш родной город славится музыкальными традициями.

— Это так. Немногие, кстати, знают, что во Львове жил и преподавал отец Моцарта, Леопольд. Как знать, может и он заложил там какие-нибудь музыкальные традиции. Там до сих пор действует потрясающий камерный оркестр, из которого вышли Александр Слободяник, Олег Крыса, Богодар Которович, да и я тоже оттуда. В общем, этот город очень талантливый.

— Означает ли это, что Академия пропишется во Львове?

— Я бы не стал так категорично заявлять. Скажем так: в этом году Академия проводится во Львове, а потом будем смотреть. Может быть, останется во Львове, может быть, поедет по другим городам СНГ. Ведь изначально так и задумывалось: Академия проводится ежегодно и не привязана жестко только к одному городу.

— По какому принципу вы отбираете педагогов?

— Педагогов выбираем исходя, прежде всего, из их профессионального уровня. Чтобы они не только были играющими музыкантами — это тоже немаловажно, но и могли дать что-то ученикам за этот не очень большой период. Всего за восемь дней.

— Во Львове вы не только проведете Академию, но и сами выступите. Есть ли отличия в реакции публики на вашу игру в России, Восточной Европе, на Западе и в Азии?

— Публика, конечно, везде разная. Даже когда играешь в одном и том же городе несколько концертов, не бывает одинаковой публики. Поэтому мне трудно говорить о каких-нибудь закономерностях. Скажем так: музыка — всеобъемлющее, духовное, эмоциональное состояние любого человека. Это — международный язык, язык космоса, души. Поэтому я бы, наверное, не разделял публику по национальному признаку. Однако не скрою, я особенно люблю играть дома. В различных городах. Мне очень бывает приятно, когда после длительных перелетов, напряженных гастролей я приезжаю, наконец, домой — туда, где люди говорят на одном с тобой языке, где твое поколение росло на одних и тех же книгах, фильмах. Причем, когда я говорю «дома», я не имею ввиду только Москву. Это может быть и Ярославль, и Хабаровск, и Санкт-Петербург и Львов. Где бы я ни был, всегда помню о доме.
Таланты всех стран, объединяйтесь

Ежегодно в начале октябя, Юрий Башмет разворачивает недельный музыкальный форум. За три предыдущих слета, проходивших в Минске, Академия подтвердила свое право на существование. С 2009 года количество стран, принимающих участие в форуме, увеличилось до девяти, а количество студентов с каждым годом возрастает. Участие в программе могут принять молодые музыканты до тридцати лет, при этом обучение для них будет совершенно бесплатным. Для этого студентам нужно пройти два отборочных тура: первый — в своем городе, второй — в Москве.
С
реди педагогов Академии — лучшие российские и западные музыканты. В прошлые годы индивидуальные уроки и мастер-классы проводили народные артисты СССР Наталья Гутман и Виктор Третьяков, профессор Академии музыки в Токио Сергей Эдельман, худрук Бакинской филармонии Мурад Адыгезал-заде, худрук Молодежной оперной программы Большого театра Дмитрий Вдовин и другие мастера.

Во Львове учебная программа будет включать пять специальностей: фортепиано, скрипка,
альт, виолончель и вокал. Среди преподавателей IV Академии — Сергей Эдельман и Сергей Главатских (фортепиано), Александр Тростнянский (скрипка), Алексей Селезнев (виолончель), Виталий Астахов (альт) и Светлана Нестеренко (вокал). Неизменными пунктами программы будут концерты педагогов и студентов, а также мастер-классы самого маэстро Башмета.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> Газетный киоск Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
Страница 7 из 8

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика