Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2011-06
На страницу Пред.  1, 2, 3 ... 14, 15, 16
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Михаил Александрович
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 06.05.2003
Сообщения: 25087
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Сен 04, 2011 10:36 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011063201
Тема| Балет, Бенуа де ля данс
Авторы| Александр Фирер
Заголовок| Праздник «Бенуа»
Где опубликовано| Музыкальная жизнь № 6, с. 7-8
Дата публикации| июнь 2011
Ссылка|
Аннотация|

На Новой сцене Большого театра успешно прошёл фестиваль мирового балета «Бенуа де ля данс» и XIX церемония вручения приза (бессменные директора-организаторы – Регина Никифорова и Нина Кудрявцева-Лури). Жюри под председательством Юрия Григоровича определило лауреатов-2011: среди танцовщиков и танцовщиц – Бернис Коппьетер (Балет Монте-Карло), Чжу Янь (Национальный балет Китая), Семён Чудин (Музыкальный театр им. Станиславского и Немировича-Данченко), Роландо Сарабиа (Кубинский классический балет, Майами); среди хореографов – Йорма Эло, Сиди Ларби Шеркауи и Дамьен Жале.

Фестиваль остаётся интересной презентацией креативных работ современных хореографов, гармонично чередующихся с классическими шедеврами мэтров хореографии прошлого века в великолепном исполнении. На фестивале было дано два концерта – нынешних номинантов и лауреатов разных лет, которые подарили немало ярких моментов.

Солисты ансамбля «Человек с Востока» Навала Чодари и Дамьен Фурнье отрывком из опуса Сиди Ларби Шеркауи и Дамьена Жале «Вавилон» открыли фестивальное гала. Страстная дуэль полуобнажённых влюблённых напоминала брачный поединок-игру «хищных» рептилий с вскарабкиваниями по телам друг друга и перекидыванием их между ног. Физиологическое пожирание чувств заканчивалось монологом опустошённой женщины.

В «Тарантелле» Готтшалка-Баланчина Эшли Баудер и Хоакин де Лус (Нью-Йорк сити балет) с шиком и искрящимся темпераментом предъявили стилистический эталон исполнения с полной внятностью смысла каждого па. Столь неистового скоростного и виртуозного исполнения, зажигательной бравурности и театральной зрелищности, пожалуй, никто ранее и не видел! Эти артисты стали также украшением балета Йорма Эло «Затачивая до остроты», фонтанирующую женственность Баудер демонстрировала в «Рубинах» Баланчина, а лирическую миниатюру Роббинса «Другие танцы» Эшли и Хоакин наполнили точностью и взвешенной актуальностью каждого жеста, взгляда, эмоционального лейтмотива. Техника их совершенна.

Танцующий директор Берлинского государственного балета Владимир Малахов выступил с Надей Сайдаковой в адажио с поцелуем из «Парка» Прельжокажа и с Леонардом Яковиной в любовном дуэте из «Караваджо» Бигонцетти. В обоих по сути эротических дуэтах не было и намёка ни на пластическое, ни на энергетическое дуновение страсти. В танце, казалось, измождённого Малахова чувствовалась зрелость «опадающих листьев».

«Болеро» Охада Нахарина стало самым оригинальным номером гала. «Подвывающая» аранжировка равелевского шедевра и диминуэндо вместо крещендо по мере приближения финала в сочетании с хватающей воздух пластикой «хоровых дирижёров» солистки компании «420PEOPLE» Реи Ватанабе и Наташа Новотна рапидно изгибались от «электрошоковых» импульсов музыки, отсчитывая время и хронометрируя пространство руками, словно взмахами ветряных мельниц. В этом дискретном расчленении сущего – синусоидный спад некоего жизненного цикла, предтеча перпетуум-мобильного возрождения и вселенской динамики.

Первую часть «Altro canto» (хореография Жана-Кристофа Майо) великолепные Бернис Коппьетер и Оскар Соломонсон (Королевский балет Швеции) показали как завораживающую интеллектуальную медитацию, гипнотический слепок замедленного хроноса, ритуальный танец инстинктов. Неподражаемая андрогинная Бернис и светловолосый Оскар, будто с животными повадками, пластически сканировали флюиды и пассы друг друга, маревно растворяясь парящими благородными птицами в танце. Зачарованное течение души, отточенность жеста, потрясающее равновесие и медлительность манеры покорили публику.

«Серенаду» Мауро Бигонцетти исполнили звёзды Большого Наталья Осипова и Иван Васильев: как никогда они выстреливали электрическими разрядами чувств.

Блистательная Евгения Образцова (Мариинский театр) с позитивным Дину Тамазлакару из Берлина исполнили «Венецианский карнавал». Чистописание Образцовой достойно всяческих похвал: оно сродни изыскам французской школы.

Фестиваль завершился «Классическим па де де» Обера в исполнении Екатерины Крысановой (Большой театр) и лауреата «Бенуа» Семёна Чудина, который был элегантен и корректен в этом парадном номере.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение Отправить e-mail
Михаил Александрович
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 06.05.2003
Сообщения: 25087
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Сен 04, 2011 10:41 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011063202
Тема| Балет, БТ, Персоналии,
Авторы| Александр Фирер
Заголовок| Актуальные «иллюзии»
Где опубликовано| Музыкальная жизнь № 6, с. 54
Дата публикации| июнь 2011
Ссылка|
Аннотация|

Большой театр показал «Утраченные иллюзии» - истинную мировую премьеру трёхактного балета, специально созданного по заказу Большого и для Большого. Бывший музыкальный руководитель Большого Леонид Десятников написал музыку, а бывший худрук балета Большого и ныне востребованный по всему миру Алексей Ратманский выступил хореоавтором. С большим вкусом одел спектакль Жером Каплан ( и костюмы, и декорации дают абсолютное ощущение парижской атмосферы XIX века). Спектакль смотрится с интересом, изобретательные сцены полёта Сильфиды, балетмейстерское обуздывание полных жизни сильфид, сокрытие возлюбленного Корали от банкира, балет «В горах Богемии» с отрядом разбойников, словно переодетых фанаток Джонни Деппа.

Блистательная партитура Десятникова, выходящая за прикладные дансантные рамки, – прежде всего сага для фортепиано с оркестром – композиторски ёмкий портрет Люсьена. Десятников мастерски и виртуозно жонглирует композиторскими стилями: это тонкий стилизаторский парафраз музыки романтиков и прежде всего – Шопена. Сочная выразительность образных красок, красноречивость лейтмотивного письма, затейливая оркестровка и располагающая эмоциональность композиторского языка – вот достоинства этого произведения. Музыка как захватывающий роман без пустот и дежурно-проходных мест. Меланхолические песни для голоса и оркестра, рисующие бездны душевных диссонансов героев – украшение партитуры. Танец не всегда в дуэте с музыкой, а иногда лишь подголосок многослойной композиторской мысли. Но Ратманский интересен той пластической свободой, которую он привносит в предлагаемую классическую лексику с характерной каллиграфией пародийно-комического начала. Режиссёрски дивертисментная эклектичность с иллюзией незавершённости, тем не менее, - абсолютно дагерротипный оммаж драмбалету.

Владимир Дмитриев когда-то создал либретто по мотивам одноимённого бальзаковского шлягера. По сюжету начинающий провинциальный композитор-самородок Люсьен честолюбиво грезит о триумфах в музыкальной Мекке: это, безусловно, Национальная академия музыки и танца в священных стенах Пале Гарнье. Люсьен ставит в Опере «Сильфиду», теряет голову от славы, денег и любви балерины Корали. Его соблазняет соперница Корали Флорина своим женским напором и деньгами своего патрона. Продавшись, он ставит банальный балетик. В итоге Люсьен остаётся наедине с одиночеством и утраченными иллюзиями, в надежде получить прощение и вернуть Корали он застаёт лишь пустой дом…

Оказывается, не изменилось ничего с тех пор: меценаты и банкиры, опекающие балерин, ведущие и завидущие, интриги, клака, разрушители театра и судеб, и власть денег, и продажность…

В балете Люсьен канонический рефлексирующий романтик, и тем неожиданнее Иван Васильев в этой роли. Он, переполненный жизнью, штурмует парижскую Оперу как Бастилию, берёт непокорную судьбу словно быка за рога. Никаких сомнений – он выдаёт алчно-экспрессивную жажду новых ощущений и двужильную человеческую волю. Его непосредственность, искреннее «переваривание» душевно-сюжетных иллюзий, корпулентность пластического жеста – вполне убедительные краски.

Попаданием в десятку стала для Екатерины Крысановой роль коварной обольстительницы Флорины. Истинная пожирательница бриллиантов, мужчин и удовольствий не ведает никаких табу. Ее эффектные фуэте на карточном столе со «свитой» по его периметру – экстатический вихрь женского царствования на сцене и в жизни. Виртуозно манипулируя мужчинами, Флорина Крысановой легко вальсирует в ослепительном калейдоскопе дней. Её лирико-драматический антипод Корали в исполнении Наталии Осиповой – трепетно-кантиленный оммаж расцветающему балеринству. Это уникальные «кадры» осиповской карьеры, когда «сорвиголова» Большого превращается в даму. Ей к лицу изысканный гардероб, а в надёжных руках партнёра она словно примеряет танцевальный шик крэнковской Татьяны. Осипова прекрасно танцует и играет.

В других составах: Анастасия Меськова и Екатерина Шипулина (Флорины) самобытны и виртуозны; Нина Капцова (Корали), выглядевшая типичным продуктом балетного закулисья, запомнилась легкокрылой сильфидой, а рефлексирующий Андрей Меркурьев (Люсьен) представил бенефисный монолог, словно препарируя свой внутренний мир и обнажая глубинные чувства; миловидная Светлана Лунькина (Корали) и юношески-порывистый Владислав Лантратов(Люсьен) по поэтическому облику будто влитые в сюжетную атмосферу. Александр Волчков и Артём Овчаренко (Первые танцовщики) – абсолютное попадание в роль.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение Отправить e-mail
Михаил Александрович
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 06.05.2003
Сообщения: 25087
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Сен 04, 2011 10:44 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011063203
Тема| Балет, БТ, Персоналии,
Авторы| Александр Фирер
Заголовок| Создано кистью Дуато
Где опубликовано| Музыкальная жизнь № 6, с. 55
Дата публикации| июнь 2011
Ссылка|
Аннотация|

Имя Начо Дуато, знаменитого испанца, много лет проработавшего в Мадриде и создавшего в Национальном театре танца Испании фактически свой авторский театр, теперь у всех на устах. Ныне Дуато ( первый иностранец в истории послереволюционной России) возглавляет балетную труппу Михайловского театра в Санкт-Петербурге.

Мэтр не впервые работает и с Музыкальным театром им. Станиславского и Немировича-Данченко: ранее он там поставил балет «В лесу». От спектакля к спектаклю артисты этой труппы исполняют этот шедевр всё с большим мастерством и вдохновением. Одно из магистральных направлений репертуарной политики театра – освоение опусов хореографов-«гигантов», являющихся камертоном в сегодняшнем данс-театре. По-видимому, поэтому театр продолжает сотрудничество с Дуато: состоялась премьера одноактного балета «За вас приемлю смерть» («"Por Vos Muero"), сочиненного в 1996 году на каталонскую музыку XV и XVI веков в «барочной» обработке Жорди Саваля и на стихи Гарсиласо де ля Вега (читает Мишель Босэ).

Шесть стихотворений, идентифицирующих любовь как страдание, создают атмосферную фабулу балета. Унифицирующие индивидуальность маски на палочках в руках женщин, чадящие кадила у брутальных мужчин в «инквизиторских» развевающихся плащах создают табуированный матричный фон тотального подавления чувств. Ритуально-элегические женские соло отсылают к лакримозно-католическому минору мировосприятия эпохи испанских грандов. Но тут и церемонная куртуазность любовных отношений. И возрожденческий и барочно-витальный драйв темпераментной чувственности пробивает любые жёстко-социумные препоны. Динамичные дуэты, радостные желания и задорные мужские ансамбли превращают сцену в зажигательный танцпол. Фирменная кантиленная лексика Дуато алхимически слита с переливами настроений, музыкой, изобретательным и бесконечным пластическим рисунком. Танцевальный поток льётся свободно как река. Запоминаются поддержки, когда танцовщики посылают импульсы через пятку партнёрши, словно запуская её на новую танцевальную орбиту. Эта прекрасная инсталляция иррациональной энергетической самоотдачи в любви: отдача, принятие и ускользание. Растворённый в музыке танец – истинный любовный напиток для зрителя, особенно в прекрасном исполнении солистов Музыкального театра, проявляющих редкое единение в ансамбле, где никто «не тянет одеяло» на себя.

Две другие премьеры балетов Начо Дуато прошли в Михайловском театре, которые благодаря «Золотой маске» были показаны и в Москве: «Без слов» (1998) на музыку Шуберта и «Дуэнде» (1991) на музыку Дебюсси.

«Дуэнде» – оммаж «Послеполуденному отдыху фавна» Нижинского, рождённый Дуато. Хореограф исходит из музыки, именно она рождает в нём чувственный поток движения, развитие сексуального импульса. В движении Дуато инстинктивная первозданность. Это же услышал и Нижинский в музыке Дебюсси. Тут один источник происхождения, подобный ход мысли, широкое дыхание. В построениях ювелира Дуато движения перетекают, и одно исходит из другого, рождая непредсказуемую гармонию построения. В его танце гармонический лаконизм, и эта естественная логика не деконструктивирует естественную природу мышечного движения. Части балета (с лейтмотивным дуэтом) можно было бы назвать так: фавны и нимфы; три фавна, или мальчишник; секстет, или игры нимф и фавнов; общий танец пар. Движения профильные, с поджатыми руками и стоя на высоких пальцах-копытцах подчёркивают животное происхождение и человека, и страсти, и всего сущего. А раскрывшиеся в финале ноги, словно цветок, - кульминационная точка, метафора любовного наслаждения.

В балете «Без слов» Дуато передаёт элегический фатализм, свойственный музыке Шуберта. Все вторят, но никто не может быть вместе. Рисунок хореографа таков, будто кисть художника не отрывается от холста ни на секунду. Красивые дуэты (несколько пар вместе) лейтмотивно переплетены в хореографической вязи, а поэтическое трио в танце – любимая форма рефренного творчества Дуато. Поддержка за внутреннюю верхнюю часть бёдер – конвульсии наслаждений. Поднятые руки танцовщиц у Дуато словно молоточный механизм внутренней субстанции рояля. А поддержки ногой вверх будто удары молоточков по струне.

Дуато полон планов, впереди две мировые премьеры и новая редакция «Спящей красавицы».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение Отправить e-mail
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18218
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Сен 14, 2011 6:50 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011063204
Тема| Балет, , Персоналии, Андрис Лиепа
Авторы| Елена Рагожина
Заголовок| Андрис Лиепа: Дягилевские балеты в Лондоне
Где опубликовано| журнал "Новый Стиль" 2011/06 N 96
Дата публикации| июнь 2011
Ссылка| http://newstyle-mag.com/featured/andris-liepa-dyagilevskie-balety-v-londone.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Имя «Лиепа» звучало в мировом балете задолго до рождения в 1962 году Андриса Лиепы. Его отца, Мариса, знаменитого танцовщика, солиста Большого театра, английские критики называли «Лоуренсом Оливье в балете». Планка, которую задавал в семье легендарный Марис, была высокой, но Андрис взял ее не только как звезда балета, но и как культурный деятель, режиссер и продюсер, продолжатель традиций другой личности мирового масштаба – Сергея Дягилева.

После окончания в 1980 году Московского академического хореографического училища по классу Александра Прокофьева Андрис Лиепа был принят в балетную труппу Большого театра, где станцевал ведущие партии в «Щелкунчике», «Спящей красавице», «Жизели», «Иване Грозном», «Золотом веке», «Раймонде», «Лебедином озере» и др. Лиепа стал первым советским танцовщиком, которому советское правительство дало официальное разрешение на работу в иностранной труппе. Андрис выступал на многих прославленных сценах мира: Ла Скалы, Парижской и Римской опер, Королевской шведской оперы, работал с Морисом Бежаром в Лозанне, Михаилом Барышниковым в Американском театре балета, с театром «Кремлевский балет».

С восстановления Лиепой в 1993 году балетов из репертуара Русских сезонов в Париже («Петрушки», «Шехерезады» и «Жар-птицы») началась его работа над грандиозным проектом по восстановлению классического дягилевского наследия на современной сцене.

Невозможно перечислить все сферы и жанры, в которых творит и работает сегодня народный артист России Андрис Лиепа: режиссер-постановщик хореографических и драматических спектаклей, цирковых программ, гала-концертов, балов, показов мод, презентаций и шоу-программ; он также снимает фильмы и сам снимается в кино, занимается благотворительной деятельностью, возглавляет созданный им Благотворительный фонд имени Мариса Лиепы.


» Андрис, вы многие годы работаете над восстановлением классического дягилевского наследия на современной сцене. Расскажите, пожалуйста, об этом проекте.

Я работаю над проектом уже двадцать лет, а до этого мой отец Марис Лиепа восстанавливал балет «Видение розы». Он передал этот уникальный балет нам с Илзе. Я танцевал «Видение розы» и в Москве, и в Мариинском театре, и за границей. А в 1992 году был снят фильм по балету «Видение розы» специально для английского телевидения «Темз­ТВ». Тогда только начинали работать с high definition, и компания EMI осуществила пилотный проект по съемке балетных спектаклей HD­камерами. Фильм получился очень красивым: костюмы – Бакста, хореография – Фокина. Кстати, дочь Фокина, с которой мы были очень дружны, приехала тогда в Англию, выступала, прочла стихотворение Теофиля Готье, привезла костюм бабушки – Веры Фокиной. Англичане были очень довольны результатом и предложили снять что­нибудь еще. Я согласился и мне были даны для прослушивания записи «Шехерезады» дирижера Саймона Рэттла. Должен признаться, что исполнение русской симфонической музыки отечественными дирижерами является для меня эталонным – ту же «Шехерезаду» я слушал ранее в исполнении оркестра под управлением Евгения Светланова. К сожалению, когда я ознакомился с записями Саймона, мне показалось, что танцевать балет под такую музыку невозможно. И ноты все правильные, и качество записи великолепное, но музыка лишена той драматической наполненности, которая есть в тех же самых нотах, в той же музыкальной транскрипции, но с иным эмоциональным посылом. И я сказал англичанам, что мне будет очень сложно работать под такую запись; артисты просто не смогут танцевать так, как это необходимо. К тому же исполнять три запланированных нами балета – «Петрушку», «Жар­птицу» и «Шехерезаду» – должна была английская компания. Ну не смогут английские артисты станцевать «Петрушку»! Начались проблемы: те предложения, которые мне делала британская сторона, творчески не проходили. Может, с финансовой точки зрения это и было заманчиво – получить деньги и сделать спектакли так, как того хотели англичане. Но я не пошел на компромисс: оставил идею себе и начал пробовать поднимать ее в Москве.

» Как удалось раскрутить проект в России?

В 1992 году я нашел продюсерский центр под названием «Дягилев­центр». Он занимался балетными конкурсами, модой, а я предложил им осуществить проект «Возвращение Жар­птицы». За три месяца мы сделали три спектакля, («Петрушку», «Жар­птицу» и «Шехерезаду»), более 200 костюмов. Когда решили создать фильм по этим балетам, я предложил делать не телевизионную версию, как в Лондоне, а кинофильм. Снимали «Возвращение Жар­птицы» на «Мосфильме», с нашими артистами, в сопровождении оркестра Большого театра. Дирижировал Андрей Чистяков. Его кандидатуру мне предложил тогдашний дирижер Большого театра Андрей Лазарев, за что я ему очень благодарен. Я думаю, наш проект тогда состоялся благодаря настоящему творческому сотрудничеству пяти крупных деятелей культуры.


» Сколько спектаклей из дягилевского наследия уже удалось восстановить?

Десять. В общей сложности, дягилевский репертуар насчитывает около 200 различных постановок, среди которых балеты, оперы. Мне кажется, то, что мы сейчас делаем, – это в хорошем смысле ремейк. Моя основная задача – миссионерская: вернуть в Россию то, что ей принадлежит по праву. Все эти спектакли, созданные во времена Дягилева, не показывались в России.


» Очевидно, что при возрождении балетов вы опираетесь на архивные материалы. А если никаких записей не сохранилось?


Почти вся художественная часть существует: рисунки, эскизы. Например, эскиз Головина к «Жар­птице» висит в Третьяковской галерее – мне этого достаточно. У Никиты Лобанова­Ростовского – потрясающая коллекция театрально­декорационного искусства: эскизы к «Синему Богу», «Петрушке», «Павильону Армиды» – к отдельным спектаклям у него сохранилось до 40 рисунков! Некоторые вещи уцелели только благодаря собирательской скрупулезности Никиты. Это просто чудо, что есть такой увлеченный коллекционер. Мой отец с ним дружил, и я тоже, так что из коллекции Лобанова­Ростовского удалось почерпнуть очень многое.

Кроме того, сейчас стали доступны и опубликованы многие материалы, связанные с Русскими сезонами. Можно сказать, что начиная с 1992 года эпоха Дягилева раскрылась, как прекрасный розовый бутон.

К примеру, для наших первых возобновленных спектаклей – балетов Стравинского «Петрушка» и «Жар­птица» – я нашел оригинальные записи самого Игоря Федоровича, которые он сделал в 1962 году. Эти два диска и стали нашими лоцманами по музыкальному материалу. Хореография «Жар­птицы», «Петрушки» и «Шехерезады» также сохранилась, причем в Британии: балерина дягилевской труппы Тамара Карсавина, жившая в Лондоне, показывала движения английской приме Марго Фонтейн. Правда, Дягилев, будучи гениальным антрепренером, избавился от тяжелых декораций, которые использовались для премьеры в парижской Гранд­опера, а вместо них попросил художницу Наталью Гончарову придумать новые. Спектакль от этого очень многое потерял, и хореограф Фокин в своей книге «Против течения» на пяти страницах расписывает, чего в новой версии постановки не хватало – как будто специально для того, чтобы мы в 1992 году это прочли и взяли на вооружение! Михаил Фокин был человеком увлеченным и до самой своей смерти в 1942 году все мечтал вернуться в Россию. Однако его мечте не суждено было осуществиться. В 1957 году сын Фокина, Виталий, отправил два огромных сундука с работами и записями отца в Ленинград. В России содержимое сундуков заточили в библиотеке им. Луначарского на улице Росси, и вплоть до 1992 года никто не имел к ним доступа. Зато все оказалось в целости и сохранности, и вот уже на протяжении 18 лет при восстановлении спектаклей мы работаем с этими ценнейшими материалами.


» А те спектакли, к которым не сохранилась хореография?

Хореография не сохранилась к нескольким спектаклям, которые я давно мечтал восстановить из­за потрясающей художественной ценности декораций и костюмов Бакста и Бенуа. Это балеты «Тамар», «Синий Бог», «Павильон Армиды». Зато повезло с «Болеро»: однажды мне в руки попали материалы первой постановки этого спектакля Брониславой Нижинской с декорациями и костюмами Александра Бенуа.


» Все эти балеты вы привезли сейчас в Лондон. Значит, мечту удалось реализовать?!

Можно сказать, что мои мечты родом из детства.
Я смотрел все эти прекрасные книжки о балете в нашей семейной библиотеке, и так хотелось увидеть Шехерезаду живьем! А вот для «Синего Бога» хореография не сохранилась. Мы пригласили главного балетмейстера English National Ballet Уэйна Иглинга, и он создал свою очень интересную версию балета. Конечно, при этом использовали оригинальные фотографии, воспоминания. Кстати, после Дягилева никто еще не пытался восстановить «Синего Бога». А балеты «Тамар» и «Павильон Армиды» мы восстановили как ремейки.


» Андрис, меня удивила ваша фраза о том, что нерусские артисты не смогли бы станцевать «Петрушку». Вы выступали во многих странах мира. Откуда родилось такое ощущение?

Когда я работал у Барышникова, я посмотрел «Петрушку» у Роберта Джофри. Это был фантастически восстановленный спектакль, но когда танцовщики исполняли присядку, это было просто смешно...


» Но ведь присядке можно научить!

У меня есть очень конкретный опыт в этом плане. Когда я ставил спектакли в Италии, Германии, Франции, то приглашал ассистентов – танцоров ансамбля Моисеева, знавших, как обучить танцевать русские танцы. Ну не может Джон просто посмотреть кассету с записью русского танца и научиться по ней танцевать!


» У вас не появлялось желания стать хореографом? Вы были звездой балета, за плечами – огромный опыт, балетная династия – кажется, для этого были все предпосылки…

Знаете, говорят, что писать надо не тогда, когда ты хочешь, а когда уже не можешь этого не делать. Надо ставить балеты, если это твое предназначение, судьба и ты не можешь иначе. Я же совершенно спокойно обхожусь без этого. Конечно, я бы мог поставить балет, и, наверное, получилось бы не хуже, чем у других. Но когда я вижу талантливого человека, мне кажется более важным дать ему этот шанс войти в наш проект, стать его составляющей – лучшей, чем я. Я здесь выступаю в роли Дягилева, который понимал, что есть люди, которые лучше него ставят, пишут и играют, и взял на себя обязанности связующего и финансирующего звена.


» У вас была очень успешная карьера танцовщика, но после травмы вы ушли из балета. Оглядываясь назад, по прошествии стольких лет, как вам кажется, был ли тогда шанс вернуться на сцену, продолжать танцевать?

Все произошло вовремя. Если бы я протянул еще лет пять на сцене, не хватило бы сил заниматься другим. Кстати, я танцую в «Жар­птице»: в 2005 году выступал в этом спектакле на гастролях в Риме. Это вопрос нескольких недель репетиций.


» А вы продолжаете заниматься?

Да.

» Возвращаясь к вашему проекту: вы каждый балет ставите под определенного артиста?

Да, ведь именно так и было у Дягилева: это идеология частной антрепризы – нельзя ставить балет, не имея исполнителя главной партии. Только Большой театр может себе позволить поставить «Спящую красавицу», не имея на тот момент ни одной балерины, способной станцевать эту роль. Меня всегда поражает, как в таких крупномасштабных театрах ставят спектакль, не имея подходящего исполнителя для главной роли!


» Расскажите, пожалуйста, какие проекты сейчас осуществляются Благотворительным фондом Мариса Лиепы?

В этом году Марису Лиепе исполнилось бы 75 лет. Мы подготовили очень обширную программу: 27 июля в Риге пройдут юбилейные торжества, сделана выставка, переиздана книга Лиепы «Я хочу танцевать 100 лет», снят фильм, два DVD.


» Ваши новогодние проекты продолжаются?

Да, мы делаем Новогодние балы вот уже десять лет. В этом году в Манеже прошел бал «Москва – Берлин», посвященный двадцатилетию объединения Германии; в прошлом году провели «Москва – Лондон», до этого – «Москва – Мадрид».


» Ваша дочь Ксения пошла по вашим стопам?

Нет. Но занимается в балетной школе – для общего развития.


» То есть, похоже, балетная династия прервется?

Ну почему же? Может, мы еще кого­-нибудь соорудим! (Смеется.) Что касается Ксюши, то она танцевала бы –
есть характер, данные, – но мама была против того, чтобы дочь стала балериной. Престиж этой профессии в России очень упал – тот, кто торгует в ларьке, получает гораздо больше денег, чем танцовщик, который пашет в театре, как папа Карло.


интервью: Елена РАГОЖИНА,
текст: Вика Нова
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18218
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Сен 27, 2011 6:58 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011063205
Тема| Балет, XI Международный фестиваль балета "Мариинский", Персоналии,
Авторы| Вязовкина Варвара
Заголовок| Неутолимая печаль //
XI Международный фестиваль балета "Мариинский"

Где опубликовано| журнал "Страстной бульвар, 10" Выпуск № 10-140/2011
Дата публикации| июнь 2011
Ссылка| http://www.strast10.ru/node/1802
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ



Нынешний XI фестиваль «Мариинский», прошедший весной, точно отражают эти два коротких слова. Казалось бы, слова эти кровно связаны с русским фольклором и русской душой, но никак не с балетной жизнью Мариинского театра последних десяти лет, когда был задуман международный фестиваль балета и когда, сегодня это очевидно, Мариинка переживала свой «серебряный век» рубежа веков XX-XXI. Печаль по уходящему поколению звезд 1990-х, по спектаклям-реконструкциям Петипа и Фокина и появлению в репертуаре имен Баланчина и Форсайта, в итоге - по художественной энергии, аккумулируемой в весенние десять петербургских дней. Когда премьеры или артистические удачи становились беспрецедентными событиями сезона, которые вызывали, естественно, и споры. А в сегодняшнем зрительном зале попросту не встретить было петербургских коллег, а на вопрос: «Почему никого не видно?» я услышала: «Скучно».

Скучная история

В последние два года фестиваль дал две премьеры нашего лидера Алексея Ратманского - оригинальный «Конек-Горбунок» и перенос «Анны Карениной», то есть две партитуры Щедрина. Раз в Мариинском театре начали ставить оперного Щедрина, понятно, пришла очередь Щедрина балетного. Тогда же перенесли «Кармен-сюиту» Алонсо, тот самый символ легендарной Майи, и это при том, что чудный балет «Кармен» в постановке Ролана Пети был в репертуаре Мариинки и нигде в России более не шел. Два года назад фестивальную афишу украсила «Красота в движении», персональный проект прима-балерины Дианы Вишневой и продюсера Сергея Даниляна.
Первые же восемь фестивалей рождала стройная концептуальность, их идеологами была бывшая команда Мариинки - Махар Вазиев и Павел Гершензон. Сравните названия программ: «Русский проект» (две премьеры молодого хореографа Алексея Мирошниченко «Как старый шарманщик», «Ринг» и реконструкция «Пробуждения флоры» Петипа), «Американцы» (гости из Нью-Йорк Сити Балле в балетах американского Баланчина), «Форсайт в Мариинском» (три опуса знаменитого Боба), «Большой в Мариинском» («Игра в карты» Ратманского, «Misericordes» Кристофера Уилдона, «В комнате наверху» Твайлы Тарп - самая радикальная программа Большого на гастролях в Питере), бенефисы балерин и премьеров (Ульяны Лопаткиной - Дианы Вишневой - Дарьи Павленко и Игоря Зеленского - Фаруха Рузиматова - Николая Цискаридзе, бомба 2005-2006 годов), «Новые имена» (открытие имен Кирилла Симонова, Алексея Мирошниченко, Ноа Гелбера, которые сегодня возглавляют Петрозаводский музыкальный театр - первый, Пермский театр оперы и балета - второй, а у третьего, ассистента Форсайта, в России был дебют) и на худой конец «лебединый» марафон, состоящий из шести показов «Лебединого озера» с разными парами. Это далеко не все, но достаточно.
Со сменой руководства в 2008 году сменились вкусовые ориентиры. За три года новый руководитель Юрий Фатеев сменил первачей и молодежь, на которых делает ставку. Стержень фестиваля вроде бы тот же: по-прежнему его открывает премьера («Парк»), представляют новых хореографов (Бенжамин Миллепье из Нью-Йорка), а в мариинские спектакли приглашают западных звезд (Дэвид Холберг из Американского Балетного Театра, Алина Кожокару, Йохан Кобборг и Роберта Маркез из Ковент-Гарден, Эшли Боудер из Нью-Йорк Сити Балле, Вингсэй Вальдес из Кубы). Но как-то все не то.

Петербургская история

Оригинальным был заявлен шопеновский вечер. В трех стилях три балета на музыку Шопена, поставленные хореографами в разное время: в начале XX века Фокиным - романтическая греза «Шопениана», в середине века Роббинсом - истории любви «В ночи», в начале XXI века Миллепье - краски на мольберте «Without». Вторая премьера фестиваля «Without» («Без») в прямом смысле слова оказалась и без названия, и без формы, и без чувства композиции. Сорокаминутные танцы для десяти солистов перенесены из Нью-Йорк Сити Балле, где в 2008 году Миллепье поставил балет и где поработал танцовщиком. В Америке он человек с именем. Баловень судьбы, отмеченный как молодое дарование самим Роббинсом, взятый под опеку Барышниковым в нью-йоркском Центре искусств, выпустивший неплохую премьеру в Парижской Опере (благо француз по рождению), вырвавшийся за пределы узкого балетного мира благодаря нашумевшему балетному триллеру «Черный лебедь», в котором снялся и поставил балетные сцены, - но все это шаги в биографии. Недавнюю премьеру «Тройка», которую москвичи видели на гастролях Американского Балетного Театра, спасали возможности американских танцовщиков: трое ребят висели в воздухе, без устали вертелись, неслись куда-то, словно русская тройка, а зачем - раз уже оказались в России? Тот же вопрос хотелось задать после набора комбинаций «Without». Если хореографу предоставили пять пар, то каждую прямолинейно он наделил одной характеристикой и той же краской костюма, как маркируют детали в развивающих ребенка играх: так акробатичные Оксана и Денис Матвиенко стали красным цветом, лирические Алина Сомова и Андрей Ермаков - голубым, остро-экспрессивные Ирина Голуб и Владимир Шкляров - фиолетовым и т.д. Точно ребенку выдали в руки краски и сказали: нарисуй, он и набросал, как получилось - учится ведь только. В итоге из трехактного шопеновского вечера верх взяла старинная «Шопениана» в исполнении Екатерины Осмолкиной, Александра Париша, Ксении Острейковской и Яны Селиной, чудесным образом передающая Петербург Нижинского-Павловой-Карсавиной, и самый драматичный дуэт из «В ночи», в котором Ульяна Лопаткина моментально вернула на место поплывшую до нее, в других дуэтах, драматургию.
Главная премьера сезона «Парк» Анжелена Прельжокажа - одновременно и вызов Большому театру, в котором Прельжокаж в начале сезона сочинил новую работу «А дальше - тысячелетие покоя» (Creation-2010), и взвешенный ход - что же, если не «Парк», переносить в город классицистских перспектив и дворцовых ансамблей. Но пересадка версальского шедевра 1994 года стала местной петербургской радостью. Это спектакль о пробуждении женского чувства, уходящий корнями к французским мифам любовных романов и всему французскому кинематографу, и его необыкновенно исполняют французы, артисты Парижской оперы, на которых хореограф сочинял «Парк» семнадцать лет назад. В чем мы могли убедиться совсем недавно на гастролях Парижской оперы в Москве в феврале 2011 года. Паузы в хореографии они наполняют истомой, петербуржцы же провисают в них. Томная длительность эпизодов у французов оправдана, у мариинцев она превращается в томительное ожидание следующей сцены. Французский шарм заменил российский говор.
Я не видела первых двух составов, открывавших фестиваль, но говорят, что Диана Вишнева и Константин Зверев наиболее соответствовали задумке хореографа и духу накаленной эротикой и пропитанной чувственностью хореографии. В это легко поверить, вспоминая, как в концерте несколько лет назад знаменитый финальный дуэт Вишнева исполняла с Владимиром Малаховым - и это был эталонный российский дуэт «Парка». В третьем составе на первом плане оказалась не женская история, а мужская в исполнении Юрия Смекалова. Его роль не ограничивалась функцией партнера, которому Садовники (они же Амуры) буквально вручают версальскую возлюбленную, он же - герой-любовник, мужчина-строитель, воин-защитник. Он страстно накидывался на холодную красавицу Екатерину Кондаурову, брал ее приступом, а она в его дальновидных планах оказывалась необходимой ступенью, преградой, той самой высотой, которую надо взять и идти дальше. Мощь Смекалова уподоблялась мощи Петра I, отмеривающего широкими шагами невские просторы, когда тот задумал возвести памятник самому себе, северный град. В таком исполнении «Парк» читается не садом страстей, а градом a la russe.

Другая история

Фестиваль сделали гости: хорошо знакомые Алина Кожокару и Йохан Кобборг в «Жизели» и безупречный Дэвид Холберг в «Лебедином озере».
Кожокару за время существования фестиваля «Мариинский», кажется, перетанцевала всю мариинскую классику. И везде оставляла по себе незабываемую память. Хрупкая, миниатюрная танцовщица, одаренная драматически и чуткая стилистически, ей подвластны и хрустальная принцесса Аврора («Спящая красавица»), и темпераментная Китри («Дон Кихот»), и драматическая Джульетта, и романтическая Жизель. В «Жизели» с Кобборгом она уже выступала на фестивале восемь лет назад, сейчас приехала вновь - и это была другая Жизель и другой спектакль. Понятно, что она повзрослела (Алине 30 с небольшим, и ее карьера из-за травм клонится к закату, говорят, будто бы с ней хотят расстаться в Ковент-Гардене) и ее Жизель изменилась, но она и впрямь явилась проститься. Проститься со своим бессменным партнером, который старше ее, и по возрасту скоро закончит выступать, и уже активно занимается собственной хореографией. Проститься со своими иллюзиями относительно себя. Проститься, в конечном счете, с танцем - в той самой партии, где девушка больше всего на свете любит танцевать и где стихия танца уносит ее в ирреальный мир. Тем ценнее было видеть их вновь в мистической «Жизели».
Выступать вместе с апполоническим Холбергом в «Лебедином» на сей раз удостоилась Екатерина Кондаурова, в прошлом году партнершей американца была Сомова в «Спящей». В «Спящей красавице» этого года соединили Викторию Терешкину и Дмитрия Гуданова из Москвы, которые как ни старались, не смогли поднять ни общий усредненный уровень советского эрзаца, спектакля Константина Сергеева, ни усредненного в целом уровня исполнения труппой. Ярко промелькнула в «Ромео и Джульетте» в середине фестиваля Олеся Новикова, из поколения балерин во цвете сил, не попавшая в обойму нынешних звезд и находящая себе место в андеграунде петербургского балета.



Фото Натальи Разиной
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18218
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Окт 14, 2011 9:29 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011063205
Тема| Балет, Чеховский фестиваль, “Эоннагата”, Персоналии, Сильви Гиллем, Рассел Малифант, Робер Лепаж
Авторы| Татьяна ЛЬВОВА
Заголовок| Увидеть Лепажа и…
Где опубликовано| © Газета «Музыкальная Правда» №12
Дата публикации| 20110630
Ссылка| http://www.newlookmedia.ru/?p=15048#more-15048
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Увидеть Лепажа и умереть или, что еще вернее, умереть от зависти к счастливым обладателям билетов, если не увидеть! Захватывающий сюжет, основанный на реальных событиях, искусство владения мечом, балет, самое высокое актерское исполнение – не игра – а проживание на сцене, а также Магия, Волшебство и просто физическое Ощущение Чуда, свершающегося на твоих глазах, – все это можно было увидеть на сцене театра им. Моссовета – показывали «Эоннагату» Робера Лепажа!

Передать это словами невозможно: слова – ничто! Лепаж – всё!!!
Если только вспомнить строки Николая Гумилева из посвящения японской актрисе Сада Якко в одноименном стихотворении «И мы верили, что солнце только вымысел японца» – и мы верим, как и не сомневаемся, что поверил бы и Станиславский. Как Чехов Станиславскому на его вопросы – как правильно трактовать тот или иной момент его пьес, какой именно смысл он вложил в те или иные слова, – всегда говорил: «Там все написано», так и у Лепажа – все сыграно, точнее прожито, и больше нечего сказать – только посоветовать посмотреть, это надо видеть! Только у Чехова не всегда всем все было понятно, а у Лепажа понятно всё!

Название «Эоннагата» произошло от слияния имени персонажа (точнее, одного из его имен) и японского «оннагата» (мужчина-актер в театре кабуки, играющий женщин). Жанр спектакля можно описать как высокоинтеллектуальный балет или пластический театр, на экран проецируется перевод с французского – вкратце озвучивается сюжет, спектакль состоит из отдельных сцен, выраженных преимущественно пластикой – но настолько точно все передающей – когда не надо слов, реже прибегают к словам в виде голоса за кадром и очень редких диалогов.

На сцене только три исполнителя – Робер Лепаж, Сильви Гиллем и Рассел Малифант. Гиллем и Малифант играют молодого Д’Эона и сопутствующих персонажей, Лепаж играет пожилого Д’Эона и Бомарше. В помощь режиссеру и актерам брошены лучшие силы – великолепная работа художника по свету Майкла Халлса, художника по костюмам – самого Александра МакКуина, идеально подобран звукоряд, очень точно передающий эмоции каждой сцены и аромат эпохи – Бах, Сарасота, Солер – соната для клавесина etc.

В основу спектакля легла биография Кавалера Д’Эона (1728 – 1810) – французского шпиона времен Людовика XV и Елизаветы Петровны, родившегося мужчиной (в спектакле момент рождения эффектно передан в виде рождения человека с палкой-орудием для восточных единоборств из куклы в солнцеподобном костюме гейши, что относит нас ко второй части названия спектакля и символизирует немаловажную роль, которую сыграет владение орудием/мечом/шпагой в дальнейшей судьбе Д’Эона – он, несмотря на слабую конституцию, будет признан одним из самых лучших фехтовальщиков своего времени), но очень похожего на женщину настолько (что дало ему возможность принимать попеременно то мужской, то женский облик, от его имени впоследствии возник термин «эонизм», который долгое время использовался для обозначения трансгендерного поведения), что не знающие, кто он на самом деле, почти всегда заблуждаются на его счет, что и является решающим фактором, когда Людовик XV отправляет его с тайной миссией шпиона в Россию для секретной переписки с Елизаветой фрейлиной к ее двору (приключения Д’Эона в России описаны в романе Валентина Пикуля «Пером и шпагой», также по их мотивам снят показанный в 2006 г. в Японии 24-серийный мультфильм «Шевалье д’Эон», существуют также и мемуары самого Д’Эона «Военная, общественная и частная жизнь мадемуазель д’Эон», опубликованные им под чужим именем в 1779 г.), с чем Д’Эон успешно справляется (например, он утверждал, что выкрал завещание Петра I, есть историки, которые ему верят), здесь следует одна из самых сильных сцен спектакля, если не самая сильная – Лепаж в образе Императрицы Елизаветы в напудренном парике и пышном платье с корсетом заводит адюльтер с Д’Эоном – Малифантом, сцена насквозь пропитана эротикой и сексуальностью – хотя там почти нет соприкосновений напрямую, но пластика Лепажа, его чувства к Д’Эону, которые он умело передает с помощью взгляда, поворота головы, движения рук, держащих веер и самим веером, как третьим участником этой сцены, говорят красноречивее слов – сами за себя – эмоции бьют через край – воздух как-будто наэлектризован!!! Взгляда нельзя оторвать!!!

Не только в этой сцене, но и на протяжении всего спектакля поражает то, как двигается Лепаж, – он вовсе не пушинка и не Аполлон, но то, с какой грацией и пластикой он движется, не позволяет задуматься об этом даже на секунду, он смотрится не хуже, если не лучше своих партнеров по спектаклю – звезд балета Сильви Гиллем и Рассела Малифанта.
Затем его направляют ко двору короля Англии Георга III в Лондон – в образе мужчины в составе дипломатической миссии, где Д’Эон заводит интрижку с королевой Софией-Шарлоттой, о чем становится известно ее мужу, Георгу III. Церемонимейстер королевы Кокрель, в надежде защитить ее объявляет Д’Эона женщиной, Георг III не верит, но для защиты своей чести требует от Людовика XV официально признать тот факт, что Д’Эон – женщина – так, прожив 49 лет мужчиной, на оставшиеся 32 Д’Эон становится женщиной, и вынужден носить женское платье. Д’Эона вызывают во Францию, но он отказывается ехать, чем спасает себе жизнь, т.к. Людовик XV обезглавлен и множество дворян постигла та же участь, в качестве посла, на которого возложена миссия вернуть Д’Эона на родину, выступает тот самый драматург Бомарше (автор «Севильского цирюльника», «Женитьбы Фигаро» etc.), Д’Эон требует повышенного содержания, жалуется на свою трудную жизнь, завязываются переговоры, в результате которых (факт из жизни) Бомарше-Лепаж влюбляется в очаровательную, хотя уже и немолодую Д’Эона – мадемуазель Де Бомон, как он теперь называется (одно из первых в мире обществ трансвеститов носит имя Бомона) – Сильви Гиллем настолько, что даже делает ей предложение руки и сердца, которого Д’Эон конечно же не может принять. Переговоры вроде бы разрешаются, но в связи с нестабильностью политической ситуации во Франции, денег Д’Эону не платят, также не получает он и доходов со своих имений – тоже одна из самых лучших/сильных сцен спектакля.

Д’Эон – Де Бомон пишет письмо королю Георгу IV, жалуясь на свое бедственное положение, и просит обеспечить ему хоть какую-то пенсию – в 68 лет у него нет пристанища над головой и он вынужден работать, чтобы прокормить себя – театрализованные представления с трюками фехтования – единственный источник его доходов. В возрасте 81 года Д’Эон умирает в крайней нужде, в крошечной квартирке в Лондоне – в сцене перед смертью он как бы встречает себя молодого в двух ипостасях – женщины и мужчины, причем разделение прекрасно обыгрывается с помощью зеркальной мебели – затем обе половинки его сущности – мужская и женская, на которые он был разделен при рождении, и при жизни метался от одной к другой добровольно и по принуждению, как бы входят – возвращаются в него обратно, и он умирает, надо понимать, в гармонии с самим собой. Мы видим врачей, которые делают вскрытие с циничной целью – установить доподлинно – кем же был умерший – мужчиной или женщиной не понимая главного – он был прежде всего человеком, пусть со всеми его страстями и слабостями.
Занавес! Браво! Бис! Зал неистовствует, Лепаж скромно загадочной улыбкой мага и чародея улыбается!

Будем надеяться, что мы увидим великого классика нашего времени – «самого великого человека театра на сегодняшний день» по мнению «Фигаро» скорее, чем через два года, которые прошли со времени его не менее гениального «Липсинка», потому что Мастер уже подсадил московского/российского зрителя на иглу своего волшебства! Признаем, мы – лепажезависимы!
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18218
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Окт 16, 2011 5:36 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011063206
Тема| Балет, НГАТОиБ, IV Сибирский фестиваль балета, Персоналии,
Авторы| Андрей ЖУРАВЛЕВ, специально для «ЧС»
Заголовок| «И скучно, и грустно…»
Где опубликовано| «Честное слово»
Дата публикации| 20110629
Ссылка| http://www.chslovo.com/index.php?idst=15908
Аннотация|



В Новосибирском государственном театре оперы и балета в конце апреля прошел IV Сибирский фестиваль балета

В фестивале под общим названием «Пять вечеров балета» были показаны три одноактных балета «Шопениана», «Аполлон Мусагет» на музыку И. Стравинского, «Кармен» Ж. Бизе, «Лебединое озеро» П. Чайковского, «Баядерка» Л. Минкуса, «Спартак» А. Хачатуряна и балет-гала (концерт). Все перечисленные произведения за исключением гала-концерта, «Аполлона Мусагета» и «Шопенианы» роднит фабула. Каждый раз это история адюльтера, заканчивающаяся в одном случае убийством Кармен, в другом — гибелью лебедя и принца, в третьем — гибелью баядерки Никии, ну а в «Спартаке» — счастливым единением римского легата Красса и его наложницы Эгины.
Такова вот общая экспозиция всех обстоятельств показанного. После чего можно уже переходить к хроникам разбора каждого спектакля.

Хроника классическая

Спору нет, новосибирская «Шопениана» доказала, что наши танцовщики знают законы выразительного танца и умеют распорядиться ими. Гирлянды переплетающихся руками танцовщиц в одинаково белых тюниках, неслышный бег этих танцовщиц, согласные переплеты и оседающие, подобно туману, группы идеально передают задумчивость, хрустальную прозрачность мазурок и вальсов Шопена.
Танец объединяет здесь отдельные камерные номера музыки в подобие цельной картины, подчиняя звуковые образы зримым. Музыка, написанная в разное время и по разным поводам, воспринимается как романтическая сюита, благодаря чередованию танцовщиц и одного танцовщика, выступающих то вместе, то порознь на подвижном фоне женского кордебалета. В спектакле прекрасный герой — Юноша (Семен Величко), обладающий мягким прыжком и романтической внешностью. Словом, то, что нужно для музыки Шопена. А вот то, что не нужно для нее, так это танцевальные па за дирижерским пультом дирижера Андрея Данилова, которому лучше бы не показывать публике то, как он «красиво» дирижирует, а перед спектаклем повторять темпы «Шопенианы». А то получилось так, что в мазурке, которую он затянул настолько, что публика уже начала засыпать под тягучий ре-мажор, он вдруг так «рванул» вперед темы Прелюда, что бедная исполнительница этого номера Наталья Фатеева, стоя все время на пальцах, чуть не завалилась во время исполнения набок. Но это, подчеркиваю, не ее вина.



Хроника спорная

«Аполлона Мусагета» нам показали вроде бы в постановке 1928 года, которую Баланчин осуществил в Дягилевской балетной труппе.
Нам ее уже десятилетиями преподносят как первую постановку этого балета Игоря Стравинского. Но ведь это не так! Первым постановщиком этого балета в том же 1928 году, на несколько месяцев раньше знаменитого Баланчина, был А. Болма, который поставил «Аполлона…» и сам станцевал главную партию на сцене Библиотеки Конгресса США в Вашингтоне. И если открыть теперь уже древние издания 30—50-х годов прошлого века, то по описаниям классиков балетной критики, то, что идет в НГАТОиБ, больше похоже не на Баланчина, а на Болма. Оформление — синий задник, на сцене скамейка, на которой сидит Аполлон (ах, как красиво сидит у нас на ней Роман Полковников — прекрасный обнаженный торс, повелевающий наклон головы) и вручает трем музам эмблемы: свиток, поющую маску и лиру. Суровая пластика этого балета все же больше подходит Болма, а не Баланчину, тем более что Баланчин наверняка с той постановкой был знаком, да ведь и ставил он «Аполлона» после Дягилевского балета и в Дании, и в Бельгии, практически по всей Европе. И я не уверен, что все эти постановки были абсолютно одинаковы. Но это вопрос спорный.



Хроника страсти

«Лебединое озеро», возобновленное год назад Игорем Зеленским, поначалу вызвало недоумение. Хореографами названы Петипа и Иванов, а дальше идет приписка: редакция — К. Сергеева и И. Зеленского. Не много ли хореографов для спектакля, который идет два часа с небольшим и где четыре действия превращены в два? Как говорил наш замечательный сатирик Аркадий Райкин: «столько образования на один бифштекс!». Где в спектакле Иванов, где Петипа, где Сергеев, где Зеленский, непонятно совершенно. А вот что понятно и что очевидно совершенно, это то что Зеленский сократил мужской танец принца Зигфрида до минимума. Это при том, что Зигфрида танцевал в фестивальном спектакле выпускник Московской академии хореографии Иван Кузнецов, танцовщик, недавнее приобретение театра, потанцевавший уже и за границей и поработавший, правда, недолго, в Московском музыкальном театре им. К. С. Станиславского и В. И. Немировича-Данченко, где ему дорогу «перешел» выпускник новосибирского училища Семен Чудин, который приехал из Штутгарта уже с опытом и репертуаром. И Кузнецов сделал правильное для себя решение — поехать в Новосибирск, потанцевать здесь, поднабрать мастерства, ну и — уже это от себя говорю — порадовать новосибирскую публику.
У парня чудесное верчение, никаких проблем со стопой, что, к сожалению, присутствует у большинства танцовщиков — мужчин НГАТОиБ. И нельзя было не восхищаться точностью его пируэтов в «Лебедином», осмысленностью образа, блистательностью в танцевальных движениях и невероятной энергией его страсти к Одетте (Наталье Ершовой).
Вот к Наталье Ершовой претензий много. Ершова, с ее удлиненным изогнутым торсом и гибкими ногами, создает лишь каллиграфию линий в пространстве, не имея никакого желания достичь кульминации в каждом движении, они у нее перетекают из одного красивого состояния в другое. То же и у злого гения Ротбардта (Михаила Лифенцева). Это не злость и не гений — это карикатура и на то, и на другое.
Финал для балета о страстной любви принца к Одетте в общем-то понятен, когда она прыгает в кипучее море и погибает, принц тут же бросается за ней. И на этом бы занавес закрыть. Но не тут-то было. Через минуту Одетта и принц, взявшись за руки, вытянув их вперед и устремившись взглядами вверх, куда-то в высоту, оказываются на огромном пьедестале. Эту картинку в театре уже по-тихому и прозвали так — «Рабочий и колхозница».

Хроника пропущенного

Писать о «Баядерке» нет никакого желания. Она в репертуаре уже несколько лет, о ней исписана бочка чернил. О «Спартаке» я писал не более месяца назад, обещанный Спартак — солист Большого театра России Иван Васильев — не приехал, Зеленский Красса не танцевал, отдав его Михаилу Лифенцеву, а что можно писать о том, какой Красс был Лифенцев, если он Ротбардта не смог актерски осуществить?
Вообще фестиваль был какой-то скучный. Подумать только, что же это за фестиваль, на спектаклях которого не выступило ни одного приглашенного артиста. Было, прав-да, несколько малоизвестных мне имен в заключительном концерте. Ну так это же совсем другое дело.



Хроника грустная

Игорь Зеленский, теперешний руководитель новосибирского балета, динамичный и самоуверенный, олицетворяет сейчас для театра некий разрыв с прошлым. В отличие от своих недавних предшественников он не был хореографом, но был звездой балета, доброкачественно танцуя главные партии. В отличие от руководителей балета прошлых лет он пытается модернизировать классику (советскую) ХХ века, являющуюся на протяжении десяти лет фирменным знаком советского танцевального искусства. Так, его последней попыткой на этом поприще стало не возобновление «Кармен-сюиты» Бизе-Щедрина, а восстановление спектакля Ролана Пети, осуществленного французским хореографом в 1949 году с музыкой «чистого» Жорже Бизе и с либретто собственного сочинения Ролана Пети по мотивам оперного либретто Мельяка и Галеви на основе первоисточника Мериме. Но Пети и от Мельяка, и от Галеви оставил лишь «рожки да ножки». В свое время, в 1949 году, этот спектакль считался антифашистским, но теперь эта тема уходит все дальше и дальше, и получился у нас балет сентиментально-эротический, в котором до понимания истинной структуры и подлинного контекста простому зрителю еще очень и очень далеко. Стоит ли говорить, что и в самом НГАТОиБ мнения о новой «Кармен» разделились.
Ergo: унылый Хозе, развратная Кармен и жиголо-тореадор Эскамильо. И прекрасная грустная музыка Бизе, почти как месса…
В общем, похоронили спектакль отлично.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Сб Апр 25, 2015 10:33 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18218
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Янв 01, 2012 2:45 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011063207
Тема| Балет, Персоналии, ЮРИЙ БУРЛАКА
Авторы| Вера ЧИСТЯКОВА, фото автора
Заголовок| ЮРИЙ БУРЛАКА: Для меня театр - это, в первую очередь, люди
Где опубликовано| Газета про все танцы "Танцевальный Клондайк" № 5-6
Дата публикации| май - июнь 2011
Ссылка| http://dancerussia.ru/publication/211.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

На вопросы представителя проекта «Танцевальный Клондайк» отвечает ЮРИЙ БУРЛАКА (художественный руководитель балетной труппы Большого театра с 1 января 2009-го года по 15 марта 2011-го года)



- Юрий Петрович, Вы пришли в театр, когда психологическая обстановка внутри балетной труппы была не самой спокойной, но Вам эти «бури» удалось усмирить, момент «нездорового противостояния между творческими единицами» постепенно отпал сам собою, никто никого громко не ненавидел. Вы держались во всём золотой середины: не загубили ни один из уже существующих творческих авторитетов, а кому-то, кто был незаслуженно в тени, дали побольше света. Образно говоря, при Вас «никто не попал в процент»: не было изгоев, не произошло деления на чёрное и белое. Вы не боялись давать шанс молодёжи (и выяснилось, что у вас безошибочное чутьё на скрытый в артистах творческий потенциал), в то же время, не менее интенсивной была творческая жизнь среднего и старшего поколения труппы. Быть демократом в театре нелегко. Как Вам это удавалось?

- Да, в таком густонаселенном театре как Большой, решать кадровые проблемы (занятости артистов разных поколений в спектаклях) нелегко. Здесь в балетной труппе собираются люди не без амбиций. Мне было проще в силу того, что я никогда не работал в Большом артистом, не был крепко связан с людьми предыдущими отношениями. Конечно, всегда появляются люди, с которыми чувствуешь более близкую связь, но считаю, руководитель не имеет права на пристрастия. Я пытался найти общий язык со всеми, избегал ситуаций недоговорённости и никогда не жалел времени на то, чтобы поговорить с педагогом труппы или артистом по-человечески – то есть, не тоном директора с подчинённым или мэтра с учеником, а очень спокойно и достаточно доверительно. Старался быть честным человечески и профессионально. Стремился к тому, чтобы люди, которые по своим возможностям имели право занимать более высокие ступени на иерархической лестнице труппы, эти ступени заняли и почувствовали, что «всё не зря», и наоборот, те, которые перестали смотреться в зеркало, потеряли способность адекватно оценивать себя или забыли о том, что существует такое понятие, как пенсионный возраст, взглянули на свою жизнь в балете Большого театра иначе. Именно поэтому настаивал на обязательной для всех Аттестации артистов (своеобразный экзамен в присутствии Аттестационной комиссии, который устраивается внутри труппы) – это единственный действенный способ установления некой справедливости в большом коллективе. В отношении молодёжи: я очень хорошо понимаю, что в балете слово «ждать» смерти подобно, поэтому давал возможность молодым артистам проявить себя, давал им шанс. Молодёжь в Большом – ответственная и работоспособная, любит, когда ей доверяешь, и доверие оправдывает. Жалеть о том, что пошёл на некий риск, не приходилось ни разу.

- Есть какие-то конкретные планы дальнейшего творческого сотрудничества с артистами балета Большого театра?

- Я люблю и уважаю каждого человека в балетной труппе Большого театра, и конечно, готов к дальнейшим творческим контактам, если завтра кому-то будет необходима моя профессиональная помощь и содействие в чём-либо, откликнусь с радостью. Из конкретных планов: в ноябре месяце на юбилее Кремлёвского Дворца Съездов Мария Александрова будет танцевать мою реконструкцию па де де из балета М.И. Петипа «Волшебное зеркало» на музыку А.Н. Корещенко.

- Вы являетесь одним из хореографов-лидеров в направлении «реставрация и адаптация к требованиям современной театральной сцены хореографических произведений XIX-го века». Какими Вы видите перспективы дальнейшего развития и существования этого направления в хореографии?

- Считаю необходимым создание на базе Московской государственной академии хореографии «Кафедры классического наследия». Классика – это та основа, на которой наши русские танцовщики долгие годы воспитывались и будут воспитываться, у них должен быть с детства «расширенный взгляд» на историческое балетное наследие, должны появляться молодые балетмейстеры, умеющие грамотно работать со старинной хореографией, сегодняшнему миру балета нужны и теоретики танца, готовые посвящать себя архивной работе. Пока это только мечты…

- Какие были самые приятные моменты в жизни художественного руководителя балетной труппы Большого театра Юрия Бурлака?

- Самое приятное: видеть успех артистов труппы – когда приходишь после спектакля за кулисы, должность обязывает что-то «сказать по поводу», а сказать не можешь – комок в горле, слишком всё было хорошо... Безумно приятно было работать с артистами труппы в репетиционных залах – но это уже касается моей балетмейстерской деятельности в Большом.

- По поводу балетмейстерской деятельности: в то время, когда Вы руководили театром, утвердилась система постоянного контроля над спектаклями хореографами-постановщиками. Регулярно навещал театр для заботы о «Коппелии» Сергей Геннадьевич Вихарев (проводил репетиции, готовил солистов для дебютов); следил за «Класс-концертом» Михаил Григорьевич Мессерер; спектакли Юрия Николаевича Григоровича были под непосредственным контролем мэтра. Почти всегда постановщики спектаклей присутствовали в зрительном зале во время своих спектаклей – это не давало труппе расслабиться, уровень исполнения от спектакля к спектаклю становился выше. Репертуарные спектакли Большого театра, к которым Вы имеете непосредственное отношение, как хореограф («Корсар», «Большое классическое па из балета ,,Пахита’’», «Эсмеральда»), не останутся без Вашего внимания? Вы будете следить за ними, проводить необходимые репетиционные работы, иметь право голоса при назначении новых исполнителей на партии в этих спектаклях?

- На каждый спектакль, который я делал в Большом в качестве хореографа, у меня подписан контракт с театром на пять лет (далее он будет продлеваться по мере необходимости). Я надеюсь, что для работы над спектаклями меня будут приглашать, потому что все поставленные мною спектакли очень непростые, и за ними нужен контроль человека, который знает их досконально. Кроме того, спектакли будут переноситься на открывающуюся в октябре 2011-го года Основную сцену Большого театра – это изменит вид спектаклей, возможным станет воплощение некоторых идей, которые раньше воплотить было невозможно, некоторые доработки и изменения будут неизбежны. По поводу подбора составов и ввода новых исполнителей: я бы, конечно, хотел, чтобы со мною советовались. Если сегодняшнему художественному руководителю труппы (Сергею Юрьевичу Филину) моё мнение, как постановщика спектаклей, будет небезынтересно, я его обязательно выскажу.

- Изменилось ли Ваше отношение к Большому театру, после того как Вы узнали его изнутри, работая художественным руководителем балета, в буквальном смысле слова жили в театре с утра до 23.30 ночи?

- По большому счёту не изменилось. Оно самое хорошее и доброе. И чувство некого священного трепета по отношению к этому театру также присутствует во мне, как присутствовало два с половиной года назад. Наверное, только теперь я люблю этот театр ещё больше, потому что лучше знаю. В первую очередь, хорошо знаю людей, которые в нём работают: талантливых артистов балетной труппы, и всех, кто причастен к театральному процессу: гримёров, костюмеров, работников сцены – высочайших профессионалов своего дела.

- Какие у Вас пожелания труппе?

- Желаю всем артистам душевного спокойствия, чтобы обыденность, помимо желания, не мешала творчеству, желаю максимальной профессиональной реализации, а главное: не быть циниками в своей профессии, искренне любить своё дело.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18218
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Янв 03, 2012 9:29 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011063208
Тема| Балет, Выпускной концерт МГАХ, Персоналии,
Авторы| Вера ЧИСТЯКОВА, фото автора
Заголовок| ALMA MATER
Где опубликовано| Газета про все танцы "Танцевальный Клондайк" № 5-6
Дата публикации| май - июнь 2011
Ссылка| http://dancerussia.ru/publication/205.html
Аннотация|

28 мая и 1 июня на сцене Большого театра прошёл выпускной концерт Московской государственной академии хореографии (МГАХ). Традиционно московская школа балета продемонстрировала всестороннюю развитость и стилистическую чуткость своих питомцев: парадная классика, хореография эпохи романтизма, современная хореография, народный танец – ничто не составляет проблемы для сегодняшних выпускников МГАХ, и это даёт чувство уверенности за их будущее: завтра они будут чувствовать себя комфортно в любой балетной труппе, в любой точке земного шара. Концерт был посвящён не только выпускникам этого года: он объединял творческие силы учеников МГАХ разных поколений, преданных своей Alma Mater, доказывал, что МГАХ – кузница кадров артистических, педагогических, балетмейстерских.



Ректор МГАХ Марина Константиновна Леонова выстроила программу вечера с артистическим вкусом. Первое отделение было отдано классике: в исполнении студентов предвыпускных и выпускных курсов МГАХ в равной степени торжественно и изящно прозвучала «Классическая симфония» С. Прокофьева (хореография Л. Лавровского, возобновление – народная артистка России, профессор, ректор МГАХ М.К. Леонова). Второе отделение вечера начиналось динамичной современной хореографией Д. Бомбана («Концерт для клавесина с оркестром №1» Й.С. Баха). Среди исполнителей особенно выделялись лёгкий и острый в движениях Трофим Маланов и хрупкая, но смелая и энергичная Маргарита Шрайнер (оба – выпускники этого года). Эффектным продолжением программы стало па де де Одиллии и Зигфрида из III акта балета «Лебединое озеро» (хореография М. Петипа, Ю. Григоровича) в исполнении очаровательно женственной Анжелины Воронцовой (артистки балета ГАБТ, выпускницы МГАХ 2009-го года (педагог Н.В. Архипова) и харизматичного блондина Дениса Родькина (артиста балета ГАБТ, студента исполнительского факультета МГАХ). Учащиеся младших классов задорно исполнили хореографический номер выпускника балетмейстерского факультета МГАХ В. Яруллина «Гарни хлопцы», и конечно, покорили сердце зрителей. Студенты старших курсов на одном дыхании, с чисто московским настроением упоения движением станцевали стильную и кокетливую «Арагонскую Хоту» (хореография профессора МГАХ А. Богуславской), а уже упоминаемая Маргарита Шрайнер предстала в образе бесплотного духа возлюблённой в одухотворённо-печальном па де де из II акта балета «Жизель» в паре с Артёмием Беляковым (артистом балета ГАБТ, выпускником МГАХ 2010-го года, студентом исполнительского факультета МГАХ). Взорвался фейерверком «Гопак» Ростислава Захарова (вариация Остапа из балета «Тарас Бульба» в исполнении студента выпускного курса Окава Коя). И в заключении вечера зрители получили подарок в виде премьеры – сюиты из балета «Миллионы Арлекина» (хореография М. Петипа, постановка и новая хореографическая редакция заслуженного артиста России Ю. Бурлака). Для экс худрука балетной труппы ГАБТ Юрия Бурлака, несколько лет преподававшего в стенах родной академии дисциплину «Классическое наследие», постановка сюиты – первый опыт серьёзного сотрудничества с московской школой балета в качестве хореографа. Результатом он доволен: «Спасибо ректору МГАХ за доверие, за представленную мне возможность испытать свои силы в качестве балетмейстера, работающего для школы. Марина Константиновна подобрала исполнителей, органично чувствующих себя в предложенной мною хореографии (студенты выпускных курсов Ксения Рыжкова и Шайер Гейб Стоун). Я постарался, чтобы лексика сюиты была доступна учащимся, чтобы моя работа соответствовала тем учебным целям и задачам, которые ставит перед собой МГАХ».



Старания не оказались напрасными. Знакомство в юном возрасте со стилем работ Юрия Бурлака – этого мага, владеющего балетной вечностью, не пройдёт для учеников МГАХ бесследно. Сюита длится двадцать минут – ни много ни мало, отличается цельностью формы, изящностью и «нескучностью» композиций. Световая палитра мини-спектакля точно продумана, калейдоскопическая смена ансамблевых фигур вполне заменила почти полное отсутствие декораций, костюмы просты и элегантны. Сюита лишена сложной драматической интриги, однако не допускает бесхарактерности при исполнении движений. Как каждое хореографическое произведение, к которому прикасается рука Юрия Бурлака – постановщика и реставратора, сюита предоставляет артистам возможность утончённо играть полутонами настроений и эмоций. Хореограф, следуя заветам Петипа, воспевает женщину, женскую красоту и полузабытый сейчас этикет во взаимоотношениях дам и кавалеров. Целомудренность и наивность любовной истории не надуманна и высокопарна, а весьма пикантна. Идиллические картины с расстиланием плаща под ноги дамы, романтическими серенадами, головокружением от поцелуев, замираниями от страстного сердцебиения и коленопреклонными вздохами оживляются нотками мягкого кокетства прелестницы и лукавством ловкого ухажёра. Безусловно, участие в сюите должно развить музыкальный вкус учащихся. Юрия Бурлака отличает тонкое чувство музыки, понимание характера каждого инструмента оркестра, и именно музыка становится основой выразительности танца. Нельзя не добавить, что эта хореографическая сюита служит примером красивого слияния балета и оперы. Особый шарм постановке придал голос влюблённого Арлекина (волнующе-чувственный, с нотками возвышенной романтической тоски тенор артиста Молодёжной оперной программы ГАБТ Бориса Рудака).
Несмотря на миниатюрность, сюита производит впечатление полноценного спектакля. Становясь нашим проводником в историю танца, Юрий Бурлака не назидает, а увлекает. Композициям XIX-го века, он дарит лёгкое дыхание века XXI-го, и мы понимаем, что произведения Петипа – не прошлое, а пленительно прекрасное настоящее.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18218
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Янв 03, 2012 9:43 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011063209
Тема| Балет, БТ, Итоги трех сезонов, Персоналии,
Авторы| Вера ЧИСТЯКОВА, фото автора
Заголовок| 233, 234, 235 СЕЗОНЫ: ПОДВОДИМ ИТОГИ
Где опубликовано| Газета про все танцы "Танцевальный Клондайк" № 5-6
Дата публикации| май - июнь 2011
Ссылка| http://dancerussia.ru/publication/214.html
Аннотация|

С 1 января 2009-го года по 15 марта 2011-го года пост художественного руководителя балетной труппы Большого театра занимал Юрий Бурлака. Это время стало временем художественного самоопределения труппы на несколько лет вперёд. Обозначились новые принципы существования балетной труппы, подготавливающие её к активной работе на двух сценах: Новой и открывающейся в конце октября 2011-го года исторической (Основной). Сложный период глобальной перестройки театрального организма под вдумчивым и спокойным руководством Юрия Бурлака Большой балет пережил безболезненно.



Был заложен крепкий фундамент для дальнейшего творческого развития молодого поколения артистов: произошло обновление исполнительского состава репертуарных спектаклей, была дана новая жизнь спектаклям Григоровича, являющихся основой репертуара, неотъемлемой частью истории и традиций Большого театра – именно авторские спектакли Юрия Григоровича и его редакции классических балетов среди спектаклей репертуара стали лидерами по количеству молодёжных дебютов. Обновился педагогический состав труппы: официально педагогом труппы стала балерина Н.А. Грачёва, сделали свои первые шаги в качестве репетиторов современного репертуара А.С. Яценко и Я.В. Годовский.
Юрий Бурлака считал, что успех спектаклей балетной труппы Большого зависит от каждого человека, участвующего в нём, поэтому помимо обязательной тщательной работы с премьерами и балеринами труппы, был сделан акцент на работе с кордебалетом, а также с исполнителями корифейских и небольших сольных партий – благодаря многочасовой репетиционной работе педагогов театра (В.С. Лагунова, Е.Ю. Букановой, Т.Б. Красиной, В.С. Ворохобко, А.В. Петухова) «старенькие» спектакли репертуара вновь приобрели премьерный вид.
Обдуманный выбор репертуара и исполнителей способствовал тому, что ответственные гастроли балетной труппы Большого на крупнейших театральных площадках мира проходили с неизменным успехом.



То, что Большой балет не собирается забывать свою историю, прожив десятилетие в новом веке, и желает, чтобы молодёжь труппы чувствовала себя наследниками традиций, подтверждал тот факт, что начиная с 233-го сезона в афише театра регулярно появлялись спектакли-посвящения и спектакли «В память…» Юрий Бурлака уделял внимание составлению оригинальной ретро-программы гала-концертов балетной труппы ГАБТ. Была грамотно решена проблема реализации и полноценного «проката» огромного репертуара театра (балетные вечера, объединяющие одноактные балеты, стали постоянным гостем афиши, давая зрителям естественное для сегодняшнего времени разнообразие впечатлений). Был разработан русский аналог западного репертуарного планирования, способствующий более продуктивной работе балетной труппы: Большой не отказался от традиционного русского разнообразия афиши, но перешёл на мини-блоковую систему показа спектаклей (на западе один спектакль может идти две недели подряд, двадцать дней и даже месяц, в Большом сегодня один балетный спектакль показывается 3 – 6 дней подряд (исключение составляет «Щелкунчик» – этот спектакль традиционно не покидает сцену Большого в среднем в течение месяца в период новогодних праздников). В декабре 2010-го года на старт вышел эксклюзивный проект ГАБТ и компании Ciel Ecran: была осуществлена серия прямых трансляций балетов более, чем в трёхстах кинотеатрах в двадцати двух странах. Этот проект подтверждает кредо сегодняшнего Большого: «Сохранять историческое наследие. Жить в ногу со временем». С одной стороны, трансляция спектаклей Большого популяризирует элитарное искусство, делает его более доступным; с другой стороны, качественная видеозапись балетов – это создание документальной памяти для будущего.
Вспоминая о премьерах, пополнивших в 2009 – 2011 гг. балетную афишу Большого, в первую очередь хочется сделать акцент не на количестве, а на качестве.
В 233-ем – 234-ом сезоне в балетный репертуар театра были включены пять спектаклей, наиболее полно и ярко раскрывающие не только физические, но и актёрские данные танцовщиков труппы: это полномасштабные спектакли «Коппелия», «Эсмеральда», «Ромео и Джульетта», а также одноактные балеты «Петрушка», «Юноша и смерть». Огромное значение для будущего театра имела работа Юрия Григоровича с молодёжью труппы в период подготовки спектакля «Ромео и Джульетта». Непосредственная близость мастера, его зоркий, вездесущий глаз, требовательность, творческая энергия требовали от молодых артистов предельной физической и внутренней концентрации. Участие в этой премьере заставило их ощутить сложность пути к истинной гармонии и жизнеподобному существованию на сцене, дало мощный толчок к творческому и личностному саморазвитию.
То, что «Эсмеральда» войдёт в золотой фонд балетного репертуара Большого, стало ясно сразу после её появления на свет (25 декабря 2010). Этот эксклюзивный спектакль (создан Юрием Бурлака в соавторстве с Василием Медведевым специально для Большого и не имеет в мире аналогов) заслуживает право называться «парадным портретом балетной труппы Большого» – как ни один спектакль репертуара, он показывает в работе артистов всех рангов и амплуа, а также подрастающего поколения Большого балета – учеников МГАХ (Московской государственной академии хореографии). Включив в репертуар «Эсмеральду», Большой утвердил авторитет классического танца, негласно заявил, что сегодня в России есть хореографы, способные успешно (на уровне соответствующем Большому театру) работать в жанре крупной формы. В «Эсмеральде» соотношение традиций и новаторства идеально (скрытый внутри спектакля багаж истории, не мешает ему быть произведением по своей эстетике современным, по своему внутреннему содержанию вневременным). Также как в век интернета интеллектуальная элита общества продолжает баловать себя покупкой раритетных изданий книг, так и Большой не отказал себе в праве с гордостью поставить на репертуарную полку классический балетный роман в благородном оформлении. «Эсмеральда» – спектакль с полноценной драматургией и изысканным хореографическим текстом, требующим от исполнителей мастерства самого высокого класса. Общий возвышенно-романтический характер «Эсмеральды» не отменяет традиционной для московского Большого балета многослойности действия и обилия искусно выписанных характеров. Спектакль подчёркивает элитарность балетного искусства, его роскошь и изящество.
Профессиональные отношения между ГАБТ и МГАХ поднялись на более высокий творческий уровень благодаря успешной реализации в начале 234-го сезона совместного проекта (премьера балета «Тщетная предосторожность», хореограф-постановщик Юрий Григорович).
Большой театр, оставаясь верным традициям, смог «открыть тела и разум» танцовщиков для восприятия современной европейской хореографии, пришёл к новому принципу творческого существования труппы в рамках системы экспериментальных проектов, предполагающих участие отдельной группы артистов. Старт этой программе дала Светлана Захарова, смело выйдя в образе девушки-робота в балете «Захарова. Суперигра», специально поставленного на балерину и солистов балетной труппы Большого итальянским хореографом Франческо Вентрилья (премьера прошла 10-12 апреля 2009-го года (233-й сезон). В начале 235-го сезона на Новой сцене Большого был представлен совместный проект Большого театра и Балета Прельжокажа «А дальше – тысячелетие покоя /Creation-2010/». Позже был успешно реализован совместный проект Большого театра, артистического агентства АРДАНИ и Segerstrom Center for the Arts «Отражения» (инициатором вечера выступил продюсер Сергей Данилян).
В 235-ом сезоне в репертуар Большого были включены стильные «Рубины» неоклассика Джорджа Баланчина и изощрённо виртуозные «Herman Schmerman» нашего современника Уильяма Форсайта – балеты двух хореографов, без которых жизнь классического танцовщика сегодня немыслима.
Сезоны были отмечены особенно активным творческим общением двух балетных держав – Большого театра и Парижской Оперы. Сближение произошло неслучайно. Прошедший год «России – Франции 2010» стал лишь поводом для этого сближения, а причина кроится глубже – художественная политика Большого театра и Парижской Оперы на сегодняшний день одинакова: и Парижская Опера, и Большой театр патриоты своей истории; Парижскую Оперу населяют танцовщики-универсалы (они блистательно танцуют классику и свободно разговаривают на языках ведущих современных хореографов мира); Большой балет не без некоторых усилий и неизбежной борьбы сегодня уверенно встал на тот же путь – очевидно, что «поколение next» Большого балета парижанам в универсальности уступать не будет.
15 марта 2011-го года Юрий Бурлака покинул пост художественного руководителя балетной труппы, желая посвятить себя балетмейстерской и педагогической деятельности. 18 марта 2011-го года художественным руководителем балетной труппы Большого театра был назначен Сергей Филин. Это имя не заставляет волноваться о будущем Большого. Как говорит сам о себе Сергей Юрьевич: «Проигрывать я не люблю». Это высказывание подтверждают реальные факты: Сергей Филин не знал проигрышей в блестящей карьере премьера балетной труппы Большого театра, отлично зарекомендовал себя в качестве художественного руководителя балетной труппы Московского академического музыкального театра им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко. Энергичный харизматик, он обладает всеми необходимыми лидеру качествами, и нет сомнений в том, что под его началом молодая талантливая труппа Большого почувствует вкус выигрыша ещё не раз.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18218
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Янв 03, 2012 10:11 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011063210
Тема| Балет, БТ, Итоги трех сезонов, Персоналии,
Авторы| Вера ЧИСТЯКОВА, фото: Ирина ЛЕПНЕВА, Дамир ЮСУПОВ
Заголовок| 233, 234, 235 СЕЗОНЫ: ТОЛЬКО ФАКТЫ
Где опубликовано| Газета про все танцы "Танцевальный Клондайк" № 5-6
Дата публикации| май - июнь 2011
Ссылка| http://dancerussia.ru/publication/219.html
Аннотация|

КАРЬЕРНЫЙ РОСТ

Во время работы Юрия Бурлака художественным руководителем балетной труппы Большого театра в ранг премьеров были возведены Руслан Скворцов и Иван Васильев, статус балерины получила Наталья Осипова, ведущей солистки – Екатерина Крысанова, первых солистов - Анна Антропова, Анна Никулина, Вячеслав Лопатин. Ряды солистов пополнили Анастасия Сташкевич, Юрий Баранов, Павел Дмитриченко, Артем Овчаренко, Владислав Лантратов. Солистками балетной труппы стали Анастасия Меськова и Виктория Осипова.



Звания «Народная артистка Российской Федерации» была удостоена прима-балерина Мария Александрова. Звания «Заслуженная артистка Российской Федерации» была удостоена ведущая солистка балетной труппы Нина Капцова. Звания «Заслуженный артист Российской Федерации» удостоен премьер Александр Волчков.

ДЕБЮТЫ



С января 2009-го года по март 2011-го года состоялось 329 дебютов: 113 (233 сезон (январь – июль 2009); 131 (234 сезон); 95 (235 сезон, январь – март 2011). Из них: молодёжных дебютов – 259; в авторских спектаклях и в редакциях классического наследия Юрия Григоровича – 153; дебютов в главных партиях в репертуарных балетах – 83 (из них: молодёжных – 51 (19 – в спектаклях Юрия Григоровича), расширение репертуара мастеров сцены – 32).

В ЧЕСТЬ…



233 сезон

17.01.2009 «Лебединое озеро». Памяти бывшего премьера Большого балета Александра Богатырева.

22.02.2009 «Жизель». В честь выдающейся балерины XX столетия Екатерины Максимовой.

21.06.2009 «Жизель» К 80-летию замечательной танцовщицы и педагога, заслуженной артистки России Майи Самохваловой.

18.07.2009 «Пламя Парижа» К 100-летию со дня рождения яркой танцовщицы, музы Касьяна Голейзовского, заслуженной артистки России Веры Васильевой. (см. также Чистякова В. Подводим итоги… – Танцевальный Клондайк. 2009. №10)

234 сезон

10.11.2010 Бенефис балерины ГАБТ Надежды Грачёвой «Для Вас – Впервые»

14–16 января 2010. Фестиваль, посвящённый 100-летию со дня рождения Галины Улановой. В рамках фестиваля был показан балет «Лебединое озеро» (14.01.2010), балет «Жизель» (15.01.2010), прошёл гала-концерт «Мона Лиза русского балета» (17.01.2010)



17.01.2010 «Лебединое озеро» К 100-летию со дня рождения выдающейся арфистки Веры Дуловой (1910-2000)

10.01.2010 «Щелкунчик». В честь 120-летия со дня рождения выдающегося балетного дирижера Большого театра Юрия Файера

20.01.2010 Гала-концерт артистов балета «Посвящение мастеру». К 80-летию П.А. Пестова.

28.02.2010 «Жизель». К 100-летию со дня рождения великого танцовщика и педагога Алексея Ермолаева.

20.04.2010 «Жизель» В честь юбилея легендарного танцовщика Большого театра Владимира Васильева.

04.04.2010 «Лебединое озеро». В честь 40-летия творческой деятельности балерины (1970-90 гг.), а ныне педагога Большого театра народной артистки СССР Людмилы Семеняки.

16.06.2010 «Спящая красавица». В честь легендарной балерины и педагога Большого балета Марины Семёновой.



235 СЕЗОН

«Баядерка» (30.09.2010) К 95-летию со дня рождения народной артистки СССР Софьи Головкиной – балерины Большого театра в 30-50-е гг. XX-го века, более сорока лет руководившей Московской школой балета

«Лебединое озеро» (23.09.2010) К 170-летию П. И. Чайковского

«Баядерка» (01.10.2010) К 90-летию Евгении Фарманянц, замечательной характерной танцовщицы Большого театра (1938-59 гг.) и прославленного педагога.

«Баядерка» (03.10.2010) В честь 85-летия со дня рождения замечательной балерины и педагога, народной артистки СССР Раисы Стручковой.

«Чиполлино» (09.10.2010) К 90-летию народного артиста России Карэна Хачатуряна
«Лебединое озеро» (19.11.2010). В честь великой Майи Плисецкой.

«Эсмеральда» (17.11.2010) К 100-летию со дня рождения Елены Чикваидзе, замечательной балерины и педагога.

«Щелкунчик» (12.12.2010) В честь 85-летия со дня рождения премьера Большого балета Юрия Жданова (50-е-60-е гг. прошлого столетия), долгое время бывшего постоянным партнером Галины Улановой, замечательного танцовщика и живописца.

«Пламя Парижа» (26.03.2011) К 110-летию со дня рождения выдающегося хореографа советской эпохи, первого постановщика балета «Пламя Парижа» Василия Вайнонена.

БОЛЬШОЙ БАЛЕТ НА ШИРОКОМ ЭКРАНЕ



26.09.2010 Прямая трансляция балета «Лебединое озеро». Главные партии исполнили: Руслан Скворцов (Принц Зигфрид), Мария Александрова (Одетта-Одиллия), Николай Цискаридзе (Злой Гений).

19.12.2010 Прямая трансляция балета «Щелкунчик». В главных партиях выступили Нина Капцова (Мари) и Артем Овчаренко (Принц-Щелкунчик), Денис Савин (Дроссельмейер), Павел Дмитриченко (Мышиный король).

23.01.2011 Прямая трансляция балетов «Жизель» и «Класс-концерт». В главных партиях балета «Жизель» были заняты Светлана Лунькина (Жизель), Дмитрий Гуданов (Альберт), Мария Аллаш (Повелительница виллис), Виталий Биктимиров (Ганс).Участниками представления балета «Класс-концерт» были Мария Александрова, Мария Аллаш, Анна Антоничева, Елена Андриенко, Нина Капцова, Андрей Болотин, Павел Дмитриченко, Владислав Лантратов, Артем Овчаренко, Егор Хромушин.

06.03.2011 Прямая трансляция балета «Дон Кихот». В главных партиях выступили Наталья Осипова (Китри), Иван Васильев (Базиль), Андрей Меркурьев (Тореадор), Анна Леонова (Уличная танцовщица), Екатерина Шипулина (Повелительница дриад), Анастасия Сташкевич (Амур), Алексей Лопаревич (Дон Кихот), Александр Петухов (Санчо Панса), Ольга Кишнёва и Виктория Осипова (Подруги Китри).

НАГРАДЫ. ЗВАНИЯ

233 сезон

Лауреатами премии Попечительского совета Большого театра «За выдающиеся творческие заслуги» стали: прима-балерина Надежда Грачева, ведущая солистка балета Екатерина Шипулина. Лучшими артистами балета были признаны: солистка балета Наталья Маландина, артист балета Максим Валукин, артистка балета Елена Сереброва, артистка балета Екатерина Нагурская. (подробнее о наградах 233-го сезона см. Чистякова В. Подводим итоги… – «Танцевальный Клондайк». 2009. №10).



234 сезон

Лауреатами премии Попечительского совета Большого театра «За выдающиеся творческие заслуги» стали: прима-балерина Марианна Рыжкина, премьер балета Иван Васильев; первый солист балета Руслан Пронин. Лауреатом премии «За выдающиеся творческие заслуги в 234-ом театральном сезоне» стала народная артистка СССР, педагог балетной труппы Марина Викторовна Кондратьева.

Наталья Осипова и Иван Васильев удостоены Премии Леонида Мясина, ежегодно вручаемой в Позитано (Италия) в категории «Лучшая танцовщица года» и «Лучший танцовщик года» соответственно.

На Открытом конкурсе артистов балета России «Арабеск» (г. Пермь) третьей премии среди мужчин был удостоен артист Большого балета Михаил Крючков, дипломом и Призом Нины Новак (художественного руководителя-директора Академии классического балета Венесуэлы) награждена артистка Большого балета Нина Гольская.

Лауреатом Премии «Золотая маска»-2010 (номинация «Лучший спектакль в балете») стали «Русские сезоны» Большого театра (балетмейстер А. Ратманский).

Международный фестиваль Dance Open, в девятый раз прошедший в Санкт-Петербурге, впервые вручил Международную балетную премию Dance Open: лауреатами стали солисты Большого балета Наталья Осипова и Иван Васильев, удостоенные титулов Мисс - и Мистер Виртуозность.

Артём Овчаренко награждён призом журнала «Балет» «Душа танца» (номинация «Восходящая звезда»).



235 сезон

Артист Большого балета Дмитрий Загребин получил I премию VII Международного конкурса танца в Сеуле (Республика Корея).

Артист балета ГАБТ Клим Ефимов стал лауреатом I премии (в младшей группе) III Международного конкурса «Молодой балет мира» (г. Сочи). Педагог-репетитор ГАБТ, народный артист СССР Михаил Лавровский получил специальный приз, предназначенный педагогам, за подготовку Клима Ефимова к этому конкурсу.

Артемий Беляков удостоен II премии смотра-конкурса молодых артистов балета в рамках I Всероссийского форума «Балет XXI век» (г. Красноярск).

Молодежного гранта премии «Триумф» удостоен солист балета Владислав Лантратов.

В своё 85-летие Майя Плисецкая стала полным кавалером ордена «За заслуги перед Отечеством» (президент РФ Дмитрий Медведев наградил её орденом IV степени – «За выдающийся вклад в развитие отечественной культуры и хореографического искусства, многолетнюю творческую деятельность»).

Руслан Скворцов награжден призом журнала «Балет» «Душа танца» (номинация «Звезда»).

ГАСТРОЛИ

233 сезон

10-11 мая 2009 Спектакли Большого балета «В комнате наверху» и «Русские сезоны» открыли Сибирский международный фестиваль балета (г. Нобосибирск) и 15 мая Четвертый Международный фестиваль «Дягилевские сезоны: Пермь-Петербург-Париж» (г. Пермь).



4–21 июня 2009 Гастроли балетной труппы в США. Было дано 15 представлений, показано 4 спектакля: «Баядерка» (5 представлений), «Дон Кихот» (2 представления) «Лебединое озеро» (2 представления), «Корсар» (6 представлений). Площадки: Мемориальный зал университетского центра исполнительских искусств Северной Каролины, Оперный зал Кеннеди-центра, Зеллербах-холл (г.Беркли).

5–10 сентября 2009. Спустя 10 лет Большой балет вновь гастролировал в Испании. 6 дней на сцене Королевского театра в Мадриде шёл легендарный «Спартак» Юрия Григоровича. 19 и 20 сентября 2009 2 представления балета «Корсар» показала балетная труппа Большого театра в Вильнюсе на сцене Литовской национальной оперы.

234 сезон

16–28 февраля 2010. Гастроли в Америке. Было дано 13 представлений, показано 2 спектакля репертуара: «Спартак» (7 представлений), «Дон Кихот» (6 представлений). Площадки: Кеннеди-центра (г. Вашингтон), Центр исполнительских искусств Оранж Каунти.

24 апреля – 5 мая 2010. Большой театр выступил в Китае. Площадка: Оперный зал Национального центра исполнительских искусств (г. Пекин). Было дано 5 представлений, показано 2 спектакля репертуара: «Дочь фараона» (3 представления), «Дон Кихот» (3 представления).



14–26 мая 2010. Большой балет выступил в трех городах Италии, дал 10 представлений, показал 2 спектакля репертуара: «Лебединое озеро» (6 представлений), «Жизель» (4 представления). Площадки: Королевский оперный театр (г.Парма), Театр комунале им. Лучано Паваротти (г.Модена).

19 июля – 8 августа 2010. Гастроли балетной труппы Большого театра в Лондоне. Труппа дала 22 представления на сцене Королевского театра «Ковент-Гарден», показала 9 спектаклей репертуара: «Спартак» (5 представлений), «Коппелия» (4 представления), «Серенада» и «Жизель» (были показаны в один вечер, дано 3 представления), «Петрушка», «Русские сезоны», «Большое классическое па из балета 'Пахита'» (были показаны в один вечер, дано 2 представления), «Корсар» (4 представления), «Дон Кихот» (4 представления).

Лондонские Гастроли принесли труппе Большого победу в трёх номинациях Национальной танц-премии Круга критиков (National Dance Awards Critics' Circle). Награды были вручены: балерине Наталье Осиповой (лучшая танцовщица), премьеру Ивану Васильеву (лучший танцовщик) и Юрию Бурлака, как художественному руководителю лучшей зарубежной труппы из гастролировавших в прошлом сезоне в Британии.

235 сезон

10-12 февраля 2011. Впервые после четвертьвекового перерыва Большой балет показал свой спектакль в Швейцарии. Гастроли Большого театра открыли Фестиваль российской культуры в Швейцарии, приуроченный к 65-летию восстановления дипломатических отношений между двумя странами. В программу гастролей Большого театра вошли 3 представления балета «Жизель». Площадка: Theatre de Beaulieu (г. Лозанна).

Гастроли. Большой балет – балет Парижской национальной оперы.

30 мая 2009. «Дягилев-гала». В один вечер на Новой сцене Большого театра выступили артисты балета Большого балета, Парижской национальной оперы, Пермского академического театра оперы и балета.

16 декабря 2009 Совместный концерт звезд Большого балета и балетной труппы Парижской национальной оперы на сцене Пале Гарнье (был посвящён дягилевских «Русских сезонов»).

Декабрь 2009 - январь 2010
Парижская Опера пригласила выступить в своих спектаклях солистов Большого балета.

19-го и 21-го декабря главную мужскую партию (Дроссельмейера) в спектакле Парижской Оперы «Щелкунчик» исполнил Николай Цискаридзе, 8-го и 9-го января 2010-го года в том же балете партию Клары станцевала Наталья Осипова.

8 декабря 2010. Совместный концерт звезд Большого балета и балетной труппы Парижской национальной оперы на Новой сцене ГАБТ.

10-17 февраля 2011. Гастроли балета Парижской национальной оперы на сцене ГАБТ. Балетной труппой Парижской Оперы было показано на сцене ГАБТ 15 спектаклей. В программе гастролей были: одноактные балеты «Сюита в белом» (хореография С. Лифаря), «Арлезианка» (хореография Р. Пети), «Болеро» (хореография М. Бежара) и балет «Парк» (хореография А. Прельжокажа) Большого балета, Парижской национальной оперы, Пермского академического театра оперы и балета.

Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18218
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Авг 19, 2012 1:07 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011063211
Тема| Балет, Театр оперы и балета им. П. И. Чайковского (Пермь), Премьера, Персоналии, Алексей Мирошниченко
Авторы| Ольга Макарова
Заголовок| «НУЖНЫ НОВЫЕ ФОРМЫ…»
Где опубликовано| Петербургский театральный журнал № 2 [64] 2011
Дата публикации| 2-й квартал 2011
Ссылка| http://ptj.spb.ru/archive/64/music-theatre-64/nuzhny-novye-formy/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

М. Равель. «Дафнис и Хлоя».
Театр оперы и балета им. П. И. Чайковского (Пермь).
Хореограф Алексей Мирошниченко, сценограф Эрнст Гейдебрехт (Германия)


В период неутихающих разговоров о кризисе балетмейстеров, когда в репертуарных балетных труппах крайне редко появляются новые спектакли (не возобновления и не переносы постановок), интригующим событием становится каждая балетная премьера, особенно когда новинка — многоактный спектакль вместо привычных экспериментов в области малых форм. В Пермском театре оперы и балета им. П. И. Чайковского Алексей Мирошниченко, второй сезон занимающий пост главного балетмейстера, выпустил двухактный спектакль «Дафнис и Хлоя» на музыку М. Равеля.

В постановках для разных трупп (Мариинского, Боль шого, Новосибирского театров, New York City Вallet) Мирошниченко зарекомендовал себя любителем лексически насыщенного танца. Его балет «В сторону „Лебедя“» на музыку Л. Десятникова — это любование красотой линий, рождающихся в дуэтах. В «Ринге» на хип-хоповую музыку группы «2Н Company» для каждого героя хореограф придумал индивидуальный пластический рисунок из красивейших комбинаций, поставленных музыкально, с ритмическими акцентами в неожиданных движениях кистей или стоп. Лишь с появлением кордебалета все участники объединялись в оригинальных построениях массового танца, подчиненного захватывающей стихии общего ритма. Если «Ринг» был поставлен не без влияния Форсайта (репетитором его балетов Мирошниченко работал в Мариинском театре), то в «Венгерских танцах» хореограф с юмором сумел обыграть знакомые с детства характерные танцы и национально окрашенную классику. Однако до «Дафниса и Хлои» хореографу не приходилось помещать свои пластические экзерсисы в пространство двух актов, требующее решения иных задач, нежели в одноактовках и миниатюрах.


Сцена из спектакля. Фото А. Завьялова

Мирошниченко не заинтересовала истории о первых чувствах юных пастушков, которая была в центре внимания М. Фокина и М. Равеля, создававших спектакль для дягилевской труппы (сюжет был ими заимствован из романа древнегреческого поэта Лонга). Хореограф написал собственное либретто. Он перенес время действия в 1912 год (дата создания партитуры), а место действия — в Северную Африку, где французский легион завоевывал новые колониальные территории. Если в фокинском либретто логика взаимоотношений персонажей прозрачна (во встречах с соперниками юные невинные Дафнис и Хлоя познают свою любовь, их соединению помогает бог Пан), то у Мирошниченко античная простота уступила место почти сериальной замысловатости интриги.

Согласно новому либретто французский легионер Дафнис (Герман Стариков) и русская балерина Хлоя (Наталья Моисеева), бежавшая от прошлой любви в далекую страну, влюбляются друг в друга с первого взгляда. По вине ревнивого супруга одной из своих прежних любовниц Дафнис попадает в тюрьму, а вызволяет его по просьбе Хлои великодушный богач, имеющий виды на красавицу-героиню. Не надеясь на ответную любовь Хлои, Дафнис развлекается с маркитантками, а Хлоя разрывается между любовью к нему — простому солдату и чувством благодарности к богачу, просящему ее руки, а значит, предлагающему обеспеченное будущее.

Мирошниченко рассказывает мелодраматическую историю в духе драмбалета: с жизнеподобными жестами и соответствующей бутафорией. Так, в финале, когда Хлоя решает предпочесть любовь к Дафнису всем богатствам мира, героиня по-бытовому снимает туфли, чтобы отправиться за возлюбленным в пустыню.

Можно поспорить, стоит ли музыке Равеля навязывать такие «мыльнооперные» страсти. Однако, создавая стремительное действие «без швов» и пауз, балетмейстер ничуть не противоречит композитору: Фокин просил у Равеля партитуру без деления на вариации, па-де-де и т. п., ему было важно выстроить сквозное действие, и у Мирошниченко картины сменяют друг друга, не замедляя темпа происходящего на сцене.

Разработка надуманного и громоздкого сюжета получилась многообразно танцевальной, хотя индивидуальную пластическую характеристику получил только бог Эрот («нечеловеческие» затейливые кувырки через голову, ползучая крадущаяся пластика позволяют узнать персонаж не столько по костюму, сколько по движениям).


Сцена из спектакля. Фото А. Завьялова

По ходу «драмбалетных» банальных встреч и прощаний, передач денег и дорогих даров не прекращаются танцы. Мирошниченко использует богатый арсенал приемов. Открывается действие красивейшей массовой сценой сна о любви, где полифония многочисленных дуэтов составляет поэтичную картину идеального мира. Следующие за ней ансамблевые танцы на городской площади варьируют традиционный балетный ход — противопоставление миров: мусульманского и европейского. На богатую ориентальными мотивами музыку Равеля хореограф поставил стилизованные молитвы мусульман, а европейцам отдал пальцевую технику танца. Оригинальным рисунком переплетений отмечен квинтет в сцене одного из снов. Мирошниченко сумел фантазийно разнообразить дуэты: один из них мужской, жестокий — дуэт попавшего в тюрьму Дафниса с его ревнивым соперником, другие — любовные. Причем, когда Хлоя танцует с предлагающим ей руку и сердце благодетелем, партнер лишен собственного «голоса», выполняя лишь функции опоры и поддержки, а «равноправие» возникает в дуэте с Дафнисом во сне. Именно этот дуэт со сложными поддержками и перетекающей из позы в позу вязью тел стал хореографической кульминацией спектакля.

Надо сказать, что эпизоды снов, раскрывающие чувственный мир героев, хореографически получились гораздо более насыщенными, чем картины реальной жизни. Очевидно помня о гениальных достижениях своего великого предшественника М. Петипа по части сцен балетных грез, Мирошниченко сочинил активную «сонную жизнь» своих персонажей.

В развернутых танцевальных фрагментах возникает особая атмосфера, но хореограф то и дело возвращает зрителя в систему координат жизнеподобия (бумажные деньги, парчовые халаты, блестящие драгоценности). Оформление в отличие от бутафории не располагает к таким подробностям: лаконичное убранство сцены составляет воздушное полотнище ткани, меняющее подсветку и очертания.

Спектакль существует в двух плоскостях — танцевальной, с изобретательной хореографией, и повествовательной, в которой простоватыми жестами поясняется, что происходит по сюжету (это подробно описано еще и в программке).

Вряд ли из нашего балета уйдет десятилетиями воспитанная склонность рассказывать истории: у артистов — танцевать игровые партии, у театров — заполучать в репертуар любимые публикой сюжетные балеты… Однако хочется, чтобы незатейливые, подражающие обыденности жесты не нарушали послевкусия, которое оставляют эмоциональные и образные танцы. Хочется новых форм…
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18218
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Авг 19, 2012 1:27 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011063212
Тема| Балет, Михайловский театр, Премьера, Персоналии, Начо Дуато
Авторы| Лариса Барыкина
Заголовок| «ТРОЙЧАТКА» ДУАТО. ПОСВЯЩЕНИЕ
Где опубликовано| Петербургский театральный журнал № 2 [64] 2011
Дата публикации| 2-й квартал 2011
Ссылка| http://ptj.spb.ru/archive/64/music-theatre-64/trojchatka-duato-posvyashhenie-2/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

«Nunc Dimittis». Музыка А. Пярта, Д. Азагры.
Михайловский театр. Хореография, костюмы, декорации Начо Дуато

«Без слов / Without Words». Музыка Ф. Шуберта.
Михайловский театр. Хореография, костюмы, декорации Начо Дуато

«Дуэнде / Duende». Музыка К. Дебюсси.
Михайловский театр. Хореография Начо Дуато, художник-постановщик Вальтер Ноббе


«Тройчатка» — таким словечком в балетном мире называют вечер одноактных балетов. Только в советские времена скуден был их набор, все ограничивалось «Шопенианой», «Пахитой», «Кармен-сюитой». Одноактная форма, тем более бессюжетная, много лет в отечественном репертуаре не приживалась. Иное дело — балеты многоактные, многонаселенные и, естественно, с фабулой. «Полнометражный» в мозгу культурных функционеров было равнозначно слову «полноценный». И хотя реабилитация малой формы еще не наступила, процесс идет. Этой весной в разных театрах пришлось посмотреть сразу три варианта «тройчаток». Прекрасен набор в Московском музыкальном театре им. Станиславского и Немировича-Данченко: два балета, теперь уже золотомасочные, Иржи Килиана — «Маленькая смерть» и «Шесть танцев» — плюс премьера финна Иормы Эло «Затачивая до остроты». В Перми тройчатка под концептуальным названием «Видеть музыку» включает постановки современных хореографов Дагласа Ли, Луки Веджетти и Гаэтано Сото. И о них, вероятно, речь впереди. Балеты Начо Дуато в Михайловском театре в этом контексте выглядят, пожалуй, самым гармоничным вечером: три спектакля объединены авторским стилем.


Сцена из спектакля «Дуэнде / Duende».Фото из архива театра

Сенсационный переезд Начо Дуато в Cеверную столицу привлек внимание к этому имени, и теперь даже далекие от балета люди знают, что знаменитый испанец входит в топ-пятерку известнейших хореографов мира. Питомец бежаровской школы «Мудра», солист Кульберг-балета и килиановской труппы NDT-1 ставить начал в конце 1980-х, а через десяток лет числился уже не подающим надежды неофитом, а пребывал в статусе одного из главных действующих лиц современной хореографии. С 1990 по 2010 год он руководил Национальным театром танца Испании: возглавив труппу после Майи Плисецкой, Дуато сумел сделать ее одной из самых востребованных. Но после двадцати лет работы на родине предпочел скандальную отставку и ответил на предложение Владимира Кехмана — возглавить балет Михайловского театра, кажется, не без посредничества известного продюсера Сергея Даниляна.

Первая премьера для него стала своего рода инаугурацией на новом месте, а в таких случаях принято делать громкие программные заявления. Хотя времени было не так много, в прейскуранте вечера балета, кроме переноса двух прежних постановок, оказалась и одна новая, «Nunc Dimittis» на музыку Арво Пярта. Одарив петербуржцев мировой премьерой, хореограф вряд ли предполагал, чем обернется для него желание быстро освоиться и заговорить на языке наших родных осин.

Две прежние работы Дуато, представленные труппой Михайловского балета с тщательностью, но пока без восхитительной свободы (время и труд сделают свое дело), вообще-то пребывают в статусе шедевров. В полной мере они характеризуют его пластический стиль, метод работы, художественные предпочтения. Название балета «Without Words» — «Без слов» — своего рода девиз знаменитого испанца. Он явно не верит рассказанным в балете простецким историям. Диалог музыки (обязательно живой, никакой записи!) и разнообразного танца, по Дуато, и есть собственно балет. Тонкая связь, переплетение и взаимодополнение звука и движения могут давать импульс каким угодно зрительским ассоциациям, дело хореографа лишь предоставить для этого богатую пищу. Можно вспомнить и классификацию незабвенного Федора Лопухова: танец бывает «под музыку», «на музыку» и «в музыку», так вот последний вариант — точно про Дуато. В общем, баланчинские заветы вкупе с крепким влиянием Иржи Килиана, которого тоже можно назвать его учителем.


Сцена из спектакля «Без слов / Without Words». Фото из архива театра


Сцена из спектакля «Nunc Dimittis». Фото из архива театра

Балет «Без слов», сочиненный для Американского балетного театра в 1998 году, инспирирован музыкой Франца Шуберта, а более ранний голландский «Дуэнде» — анакреонтической стилистикой камерных сочинений Клода Дебюсси, где главенствуют «античные» флейта и арфа. И в том и в другом поистине завораживает умение Дуато длить танец бесконечной кантиленой, лепить из тел изысканные позировки, строить полифонические композиции, придумывать замысловатые, но чарующе естественные движения, поддержки, переходы и комбинации. Смотреть на это можно бесконечно, как на воду, огонь и природу, анализировать — неимоверно сложно. При этом заявленные в буклете программные мотивы необязательны, вернее, не единственно возможны. В «Дуэнде», например, на генетическом уровне ощущается преемственность с «Послеполуденным отдыхом фавна» Нижинского (мотив лесных существ, волшебных эльфов), а в остальном — фантазия стремительно уносит нас в иные дали, где царствует не нарратив, а архитектоника почти скульптурной пластики. Шубертовский балет, возможно, назван так еще и потому, что в его основе — переложенные для виолончели и фортепиано песни австрийского романтика. Сыгранные «без слов», они утрачивают конкретность поэтических рассказов о разочарованном мельнике, но оставляют щемящее чувство меланхолии и прообраз путешествия как «универсального жизненного цикла».


Сцена из спектакля «Дуэнде / Duende». Фото из архива театра


Н. Дуато. Фото из архива театра.

Последняя часть этого вечера привела в замешательство, буквально озадачила многих из коллег и потому заставила пристальнее вглядеться в то, что сочинил Начо Дуато в свою первую петербургскую зиму. Балет «Nunc Dimittis» («Ныне отпущаеши») — назван по первым словам знаменитой молитвы Симеона Богоприимца. Музыку на принятый как в православии, так и у католиков текст написал Арво Пярт, один из любимых авторов Дуато, причем для хора а capella. Ее очень достойно исполняет находящийся в оркестровой яме хор театра. К музыкальной основе приложили свою руку еще два испанца: Давид Азагра, сочинивший колокольную вставку, и дирижер Педро Алькальде. А теперь представим девушек в бархатных, бордовых с серебром сарафанах, танцовщиков в черно-облегающем, приму Екатерину Борченко в условном балетном трико с глухим воротом. И тридцать минут изощренной, очень красивой хореографической композиции с фантастической световой партитурой и финальным «вознесением» солистки. Тут есть от чего впасть в ступор. Хореограф, никогда не страдавший прямолинейностью, ставит балет о том, что уже не первый век разгадывают иностранцы. Да, о той самой «загадочной русской душе», ни больше, ни меньше. Только поводов для иронии тут, честно говоря, не видно.

Человек попал в город, который любого приезжего заставляет чувствовать себя маленьким актером в величественных и масштабных декорациях. Дополнительный стресс для солнцелюбивого южанина — постоянная темень, мрак, лежащее на голове серое мглистое небо. И последней каплей — экстрим нынешней и прошлой зимы, как помним, абсолютная невозможность безопасного передвижения по улицам. В этом выморочном пространстве он видит людей, ежедневно и несмотря ни на что совершающих ритуал — сотворение красоты классического балета, с его жертвенностью, аскетичностью и смирением. Автор рецензии впадает в пафос? Без сомнения. Но только для того, чтобы показать возможный ход мыслей хореографа, создавшего оммаж всему русскому, что так его поразило. Разве он виноват, что сарафаны-хороводы (хотя как тонко это сделано, а по пластике перекликается с Баланчиным!) и страстистрадания вызывают у нас оскомину? Что слово «духовность», затасканное до дыр еще в перестройку, звучит почти ругательно? Наше нынешнее восприятие людей, перекормленных дурным ложным пафосом, искаженное в отношении многих когда-то простых и ясных вещей, — отнюдь не вина Дуато.

Свое посвящение принявшему его городу он сделал с огромным тактом и большим вкусом. Ну, может, чуточку перестарался.

Пожалуй, самое любопытное после премьеры в Михайловском для автора заключается в другом: куда поведет буйная фантазия Дуато в следующий раз? И не разлюбит ли он (вдруг?) свою главную форму высказывания — полный аллюзий и метафор бессюжетный балет?

Апрель—май 2011 г
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18218
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Янв 03, 2018 11:28 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011063213
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Николай Цискаридзе
Автор| Наталья Кожевникова / Фото: Елена Игнатьева
Заголовок| Диалектика танца
Где опубликовано| журнал "Светский Петербург" №10 стр. 12-16
Дата публикации| • май–июнь • 2011
Ссылка| http://www.svetskyspb.ru/files/issues/magazine11.pdf#page=14
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Народный артист России, лауреат Государственных премий РФ, лауреат международных конкурсов артистов балета Николай Цискаридзе уверен: русский классический балет еще некоторое время будет оставаться «впереди планеты всей». Причина в том, что русские 300 лет занимаются балетом, как англичане 300 лет культивируют английский газон.


Фото: Валерий Плотников

НИКОЛАЙ Цискаридзе активно участвует в возрождении балетов легендарной дягилевской антрепризы. Широкомасштабный проект «Русские сезоны XXI века» инициирован в 2005 году Благотворительным фондом имени Мариса Лиепы. В рамках этого проекта в 2011 году Николай Цискаридзе представил петербургским зрителям «Послеполуденный отдых фавна» Клода Дебюсси. Позже гастроли «Русских сезонов» прошли в Париже и – впервые – в Лондоне.

СП: «Русские сезоны XXI века» – это возрождение того, что было 100 лет назад, музейный проект или создание чего-то нового?

– Это возрождение и открытие для нашей страны. На Западе это не умирало никогда, там это почитаемо и любимо все 100 лет. В нашей стране никак не могут найти этому место, определиться – надо нам это или не надо. В Мариинский театр некоторые спектакли дягилевской антрепризы вернулись благодаря Андрису Лиепе в 1990-х годах: он подарил театру восстановленные «Шехерезаду», «Жар- птицу», декорации и костюмы этих спектаклей были восстановлены к съёмкам фильма, в котором он участвовал. А в Большом театре еще в 1970-е годы шла «Жар-птица», позже – «Петрушка». На самом деле впервые русские балеты Дягилева вернулись в 1960-е годы: Марис Лиепа и Наталья Бессмертнова были в Лондоне у Тамары Карсавиной, балерины той самой дягилевской труппы, и танцевали в Большом «Видение розы». С моей точки зрения, эти спектакли имеют особое право идти во всех российских театрах: они созданы гражданами России, по разным причинам оказавшимися за её пределами, но очень любившими эту страну, очень тосковавшими по ней всю жизнь.

СП: У Вас самого не возникает потребности что-то поставить?

– Нет. Дар постановщика, хореографа – он даётся, как любой дар. Я могу хорошо делать версии классических балетов, но это не называется своей хореографией. Если надо поставить вариацию в стиле Петипа, я сделаю это легко – просто потому, что я человек грамотный и у меня есть в голове штук 60 разных его вариаций. Я поставлю в его стилистике, но это не будет стиль Николая Цискаридзе. Я поставил сам для себя и для своих учеников несколько вариаций в классических балетах. Но мне не хватит наглости сказать, что это моя хореография.

СП: Не каждому артисту удается найти своего хореографа, который бы «ставил» специально на него. Вам повезло?

– Да. Я счастливое исключение из многих поколений танцовщиков русского балета. Ролан Пети ставил на меня роль Германа в постановке «Пиковой дамы». Он заранее сказал, что если не найдет Германа, ставить не будет. И эта роль навсегда будет ассоциироваться со мной: как Спартак – с Васильевым, так Герман – с Цискаридзе. Это для меня важно.

СП: Сейчас говорят о больших проблемах с балетной школой...

– Главная проблема в том, что последние годы балет перестал быть престижной профессией. Это очень сложная профессия – количество затрат энергии и окупаемость непропорциональны. Последнее время все главные театры страны обезличены. Такое впечатление, что мы все существуем только для того, чтобы работать на Запад, чтобы вывозить туда спектакли. Количество коллективов и школ огромно. А их качество? В моём детстве было две школы – в Москве и в Ленинграде. Прелесть ленинградского училища была в том, что оно было при Мариинском театре, а московского – что при Большом театре. Все педагоги были «top of the top», как говорят англичане. Их имена не вызывали вопроса. Дудинской хватало времени преподавать и столько учеников выпустить! Этот вид искусства требует поддержки. И это государственное дело.

СП: Вы работаете как педагог?

– Уже 7 лет я работаю как педагог-репетитор в Большом театре. Каждый день я веду класс с утра, занимаюсь сам. И уже 5 лет веду учеников. Первый мой ученик выиграл три награды на конкурсах, получил премию «Триумф», премию «Душа танца» – Артём Овчаренко, ведущий солист Большого театра, другие мои ученики регулярно танцуют ведущие партии. Меня приглашают что-нибудь восстановить или порепетировать. Правда, педагоги очень ревниво относятся к тому, что с их учениками кто-то репетирует.

СП: Есть ли у Вас своё амплуа, выделяете ли каких-то из своих героев?

– Я артист не концертный. Я очень тяжело переношу концертные исполнения и, как правило, от концертов отказываюсь. Мне нужно создать образ – так легче, приятнее, удобнее.

Мне нравится всё костюмное. Я люблю сказки, мне нравится в них находиться. Есть две краски, которые я никогда не использую: не могу играть людей ущербных (поэтому «мой» Квазимодо не ущербный) и чисто героические роли типа Спартака или комсомольца, бросающегося на амбразуру. Они одноплановы и прямолинейны для меня.

СП: Есть ли предпочтения или ограничения в хореографических стилях?

– Я танцую любую хореографию – и классическую, и современную, все направления. 11 лет я ездил работать в Мариинский театр, где тогда при Махаре Вазиеве стали появляться самые разные имена хореографов. Был голод театральный, хотелось проявлять себя. Я единственный человек за 300 лет русского балета, кто регулярно ездил из Москвы в Питер, и кому Мариинский театр сделал бенефис. Не потому что богатые спонсоры арендовали для меня театр, нет, это была инициатива Мариинского театра. Я очень этим горжусь. В этой стране я сделал то, что хотел, я попробовал всё, что мог, больше, чем предполагал.

СП: Можете ли Вы определить свою характерную черту?

– Я человек, который не любит одеваться, выходить из дома. Чем тише, спокойнее, незаметнее, тем лучше. Это очень не вяжется с тем, что видят люди. Другое дело, что в отличие от многих, я умею и одеться и выйти так, что меня будет видно за 10 километров, но если есть возможность этого не делать, этого избегаю. Я не затворник, но очень домашний человек.

------------------------------------------------------------------------------------------------------
Ожившая легенда

В 1912 году «Русский балет» Дягилева показал в Париже премьеру балета «Послеполуденный отдых фавна» в хореографии 23-летнего Вацлава Нижинского на музыку Дебюсси. Танцовщик, которого называли не иначе как «богом танца», «восьмым чудом света», «человеком-птицей» за способность к высоким прыжкам и длительной элевации, построил хореографию своего балета на профильных позах, заимствованных из древнегреческой вазописи, приземлённых, далеких от канонических представлений о сольном мужском танце, движениях.

Постановка вызвала бурю негодования и восторга. Одни упрекали «Фавна» в непристойности, мнение других выразил Огюст Роден: «Нет больше никаких танцев, никаких прыжков, ничего, кроме положений и жестов полусознательной животности: он распростирается, облокачивается, идёт скорченный, выпрямляется, подвигается вперёд, отступает движениями то медленными, то резкими, нервными, угловатыми; его взгляд следит, его руки напрягаются, кисть широко раскрывается, пальцы сжимаются один против другого, голова поворачивается, с вожделением измеренной неуклюжести, которую можно считать единственной. Согласование между мимикой и пластикой совершенное, всё тело выражает то, чего требует разум: у него красота фрески и античной статуи; он идеальная модель, с которой хочется рисовать и лепить».

В 2007 году, почти 100 лет спустя после премьеры, Николай Цискаридзе вернул «Фавна» на сцены русских театров.


=======================================================

Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18218
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Янв 03, 2018 1:09 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011063214
Тема| Балет, МТ, Персоналии, ЕКАТЕРИНА КОНДАУРОВА
Автор| Наталья Северин / Фото: Н. Разина
Заголовок| Балерина должна уметь всё
Где опубликовано| журнал "Светский Петербург" №10 стр. 26-28
Дата публикации| • май–июнь • 2011
Ссылка| http://www.svetskyspb.ru/files/issues/magazine11.pdf#page=28
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

ЕКАТЕРИНА КОНДАУРОВА – ОДНА ИЗ САМЫХ ЯРКИХ МОЛОДЫХ БАЛЕРИН МАРИИНСКОГО ТЕАТРА. ЗА ПОСЛЕДНИЕ ДВА СЕЗОНА ЕЙ ДОСТАЛИСЬ ГЛАВНЫЕ ПАРТИИ В ПОСЛЕДНИХ БАЛЕТНЫХ ПРЕМЬЕРАХ МАРИИНСКОГО ТЕАТРА – «ПАРКЕ» АНЖЕЛЕНА ПРЕЛЬЖОКАЖА, «АННЕ КАРЕНИНОЙ» АЛЕКСЕЯ РАТМАНСКОГО, «КАРМЕН-СЮИТЕ» В ХОРЕОГРАФИИ АЛЬБЕРТО АЛОНСО, «СПАРТАКЕ» ЛЕОНИДА ЯКОБСОНА. В ПРОШЛОМ СЕЗОНЕ БАЛЕРИНА ДЕБЮТИРОВАЛА В «БАЯДЕРКЕ» В КЛАССИЧЕСКОЙ ХОРЕОГРАФИИ МАРИУСА ПЕТИПА. ВОСХОЖДЕНИЕ НОВОЙ ЗВЕЗДЫ СОПРОВОЖДАЮТ ЗНАКИ ВНИМАНИЯ И ПРИЗНАНИЯ В ВИДЕ ПРЕМИЙ: НЕСКОЛЬКО «ЗОЛОТЫХ СОФИТОВ», «БЕНУА ДЕ ЛА ДАНС», «ЗОЛОТАЯ МАСКА».



СП: Вы только что стали обладательницей премии «Золотая Маска». Это что-то особенное для Вас?

– Каждая премия важна, это знак признания. Премии дают силы и энергию что-то делать, доставляют радость, что тебя заметили.

СП: «Маску» Вам присудили за роль Анны Карениной…

– Это была сложная работа – и в хореографию Ратманского пришлось вживаться, и персонаж очень непростой. Конечно, перечитывала роман, чтобы понять Анну. Признаюсь, мне она не близка с того момента, как она забывает всё и всех ради своей любви к Вронскому. Не понимаю её эгоцентризма.

СП: Насколько трудно представить персонажа, который не близок?

– Трудно и интересно, потому что я понимаю, как это чувствовать, как должен человек ощущать себя, если его раздирают такие клокочущие страсти, как у Анны Карениной. Наверное, даже лучше не разделять этого – когда персонаж не совпадает с тобой, и игра выглядит более душераздирающей, яснее выражается это противоречие.

СП: Есть ли у Вас предпочтения, склонность к современной хореографии или к классической? Вы ярко проявились как солистка именно в современной хореографии – в балетах Форсайта.

– Не могу сказать, что выбрала бы только современные балеты и отказалась от классики. Я бы заскучала, если бы пришлось ограничиться современной хореографией. Обязательно должен быть баланс. В наше время балерина должна уметь всё. Причём намного больше ценится, если ты танцуешь классику и в то же время можешь хорошо исполнить модерновые танцы и спектакли. Попросите труппу современной хореографии станцевать «Лебединое озеро» – у них ничего не получится. У наших танцовщиков такая школа, такая выучка, они владеют таким сложным хореографическим языком, что могут выучить любой современный балет.

СП: А есть ли для Вас сложности в таком случае?

– Конечно. Нужно, чтобы тебя направляли, чтобы был педагог, который может тебе объяснить, особенно в классике. Мы этому учились и совершенствуемся всю жизнь. И артист кордебалета, и солист ежедневно приходят в класс к станку.

Сложность современного танца в том, что ты должен постоянно брать энергией, не можешь быть опустошённым. Если у тебя нет сил, творческих желаний, то выйти и показать движения будет очень скучно, это будет просто физкультура. Сюжетов в современной хореографии часто нет, спрятаться не за что. В этом отношении классика проще – если даже ты усталый, эмоции снижены, то зрителям издалека по графике будет казаться, что всё чистенько, что классический танец может быть немного холодноватым. Но, с другой стороны, в современном танце ты можешь импровизировать – если что-то не получилось, даже технически ты можешь как-то выгнуться, повернуться. А если ты это сделаешь в классическом танце – сразу будет резать глаз. Классический танец сложен именно своей формой, «вековой» отточенностью движений и рисунком поз.

СП: И всё-таки Вы на сцене ведёте себя не только как балерина, но и как актриса.

– Чтобы это не выглядело как гимнастика, как спорт. В китайском цирке люди творят неимоверные чудеса и на пуантах, и на голове, делают десятки пируэтов – это можно наработать. Но, наверное, наработать свой внутренний мир и какой-то драматизм сложнее. Это приходит с опытом. В театре бывает, что педагоги тебе подсказывают, как и что ты должен делать по роли, но я не могу сказать, что мы с моим педагогом Эльвирой Тарасовой часто обсуждаем настроение, эмоции. И я не могу в зале каждый раз показывать найденное однажды настроение. Это будет скучно и пресно. Каждый раз на сцене всё идёт от ежеминутного состояния и часто бывает сюрпризом и для меня.

СП: После исполненных ролей Заремы, Альмы, Эгины, Кармен критики готовы были признать Вашим ведущим амплуа стервозных роковых женщин. Но Ваши Одетта, Анна, девушка из «Парка» – совсем другие. Вы – актриса, Вы лицедействуете, можете быть разной. А какая основная черта Вашего характера в жизни?

– Не знаю. Могу точно сказать, что я энергична. Есть цепкость, иногда жёсткость в работе, требовательность к себе, к окружающим, когда ты с ними связан делом. Без этого не получится работать в театре, добиваться результатов.

Характерность проявить легче, чем благородную мягкость, например в Одетте. Я помню первый спектакль, когда я выходила в «Лебедином озере» – мне говорили, что Одетта была слишком суровая.

СП: Были ли балеты, поставленные специально для Вас?

– У нас в театре несколько раз был проект «Молодые хореографы», и они ставили что-то новое на молодых исполнителей. Я попадала в такие постановки. Хореограф Эмиль Фаски поставил на меня балет «Простые вещи». Кирилл Симонов – «Стеклянное сердце». Это всегда очень интересно – получается, что участвуешь в создании спектакля, а не просто исполняешь роль.

СП: С кем из современных хореографов Вам хотелось бы поработать?

– Мне сложно выбрать одно имя. Вот только что работали с Прельжокажем. Мне именно «Парк» давно хотелось станцевать – это было одно из заветных желаний. С удовольствием станцевала бы что-нибудь Нормайера – никогда не танцевала его хореографию. Может быть, ван Манена. Встретилась бы с Форсайтом ещё много-много раз. Я не отказалась бы ни от какой работы. Мне всё интересно. Можно найти что-то для себя у каждого.

СП: Вы из Москвы. Как случилось, что попали в Петербург, с вечным противостоянием этих городов?

– Сегодня я с трудом могу представить себя в другом городе или в другом театре. Я много раз возвращалась назад, в детство, думала, что было бы, если бы всё сложилось иначе. Меня не приняли в московскую школу, куда я поступала два раза. Поехали в Петербург, куда москвичи не приезжают. Но меня неожиданно приняли. Первые впечатления были очень тёмными: несмотря на то что был август, всё было угрюмо, пасмурно, я с трудом могла представить, как смогу остаться одна. Первые годы жила с мамой, а потом я втянулась в этот ритм, и какая-то самостоятельность проснулась. И вот так потихоньку меня этот город заянул в свои сети. Я его очень люблю. И я настолько душой и телом с Мариинским театром, что даже не представляю себя в стенах другого.

В театре для меня всё сложилось по обычному сценарию: я прошла всю школу кордебалета, как все девочки, от последней линии лебедей двигалась чуть ближе к рампе, затем – большие лебеди и невесты. В «Лебедином озере» знаю каждую партию. Одетту-Одиллию я только на 7 или на 8 году станцевала. Поэтому мне легче существовать вместе с кордебалетом на сцене – я знаю, что они делают в каждый момент. Это одно, общее дыхание.

СП: Говорят, балерина за спектакль снашивает несколько пар туфель.

– Смотря какие туфли и смотря какой спектакль. У меня было максимум три пары – на каждый акт по паре. Сейчас туфли другие, сделанные по новой технологии, более удобные. На сцене бывают не только разбитые ноги. Но там вообще ничего не чувствуется. Сколько раз бывало, что и колени разбиты, и пальцы порезаны, саблей например, а ощущаешь это только после спектакля.

СП: В чём Вы черпаете вдохновение?

– Если есть время – стремлюсь уединиться на природе, подальше от города, от шума, от театра и от людей. Люблю гулять по городу, по разным улочкам. Может восстановить один день, проведённый дома с мужем. Мы любим заняться иногда кулинарным творчеством. Когда мама приезжает или друзья приходят – они говорят, что это изыски. А для нас это просто, мы любим сочетания разных вкусов. Всё время пробуем и придумываем новое.

========================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3 ... 14, 15, 16
Страница 16 из 16

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика