Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2011-06
На страницу Пред.  1, 2, 3 ... 13, 14, 15, 16  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18549
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Июн 30, 2011 10:31 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011063004
Тема| Балет, Чеховский Фестиваль, "Золушка", Персоналии, Мэтью Боурн
Авторы| Наталия Звенигородская
Заголовок| В Москву со своей "Золушкой" //
Балет Прокофьева в постановке Мэтью Боурна на Чеховском фестивале

Где опубликовано| Газета "Независимая газета"
Дата публикации| 20110630
Ссылка| http://www.ng.ru/culture/2011-06-30/8_balet.html
Аннотация| Фестиваль


До двенадцати еще почти четыре часа.
Фото предоставлено МТФ им. А.П. Чехова


Всемирно знаменитый английский хореограф Мэтью Боурн в России прославился благодаря Чеховскому фестивалю. В течение нескольких лет самыми громкими событиями фестиваля становились его изысканная «Пьеса без слов», «Лебединое озеро», где лебеди – мужчины, и «Портрет Дориана Грея», где лорд Генри – женщина. На этот раз Боурн и его труппа New Adventures привезли в Москву трехактную «Золушку».

Приехать в Москву с «Золушкой» – все равно что в Тулу со своим самоваром. Именно здесь, на сцене Большого театра, в победном 1945-м состоялась премьера балета Сергея Прокофьева. Воображение поражало созданное балетмейстером Ростиславом Захаровым и художником Петром Вильямсом пышное зрелище, так созвучное настроениям страны, одержавшей Великую Победу. Мэтью Боурн пошел дальше. Прочитав о том, что Прокофьев писал музыку в начале 40-х, перенес действие в эпоху Второй мировой. Ему тоже было что вспомнить. Дедушка и бабушка много рассказывали будущему хореографу о страшных налетах в лондонском Ист-Энде.

У балетных Золушек разные судьбы. С начала XIX века кто только (включая Шарля Дидло, Мариуса Петипа, Рудольфа Лабана или Михаила Фокина) не заставлял их танцевать. И у версии Прокофьева за 60 с лишним лет каких только интерпретаций не появилось. Попадала Золушка в игрушечный магазин, в Голливуд, на одинокую звезду, в публичный дом. Да и чему удивляться? Бродячий сюжет о превратившейся в принцессу замарашке за столетия обошел Землю во множестве вариантов. В Древнем Китае, пока героиня праздновала свадьбу, ее мачеху и сводных сестер забивали камнями. В Северной Европе сначала беднягам, чтобы втиснуть ногу в туфельку, обрубали то палец, то пятку, а после их ослепляли и пороли. У итальянской Золушки сестер оказывалось целых шесть, а злую мачеху она приканчивала сама. В разные эпохи и в разных странах Золушки выходили замуж за принцев, военачальников и даже за фараона. На этом фоне прославившийся своими эпатажными трактовками классики Мэтью Боурн выглядит вполне традиционно. Если потерявшая сандалию красавица могла быть греческой куртизанкой в египетском плену, то почему бы пару тысячелетий спустя ей не сделаться девушкой английского летчика в разбомбленном нацистами Лондоне?

Под звуки увертюры на прозрачный занавес у авансцены проецируется английский учебный фильм о том, как вести себя во время бомбежки. А следом зритель видит надпись: New Adventures production presents. Кино – иллюзион, способный соединить сказку и войну. Кино 40-х – жанр, избранный Боурном. Безбожный наигрыш, наивное морализаторство, эффектные виды. Чулок со стрелкой, каблук высокий.

Действующие лица: отец Золушки – калека в инвалидном кресле, мачеха – неудовлетворенная стерва, две кривляки-сестры, три брата-недоросля. А также офицеры, пожарные, шлюхи, сутенеры, уличные воришки и другие. Все в стильных костюмах, всё – в стильных декорациях (благодаря сценографу Лезу Бразерстоуну и художнику по свету Нилу Остину). Под роковым № 12 – квартира в цвете остывшей золы. Бедная падчерица терпеливо сносит издевательства, но не прощает родне жестокости к невесть откуда явившемуся раненому летчику. Прихватив туфли в блестках, уходит за ним в дымную ночь и попадает под бомбу. Феи в балете нет, но есть Ангел (в белом костюме и пергидрольном парике, ужасно напоминающий Бориса Моисеева). Он оживляет Золушку, а затем и раскиданных ударной волной жертв разбомбленного кабаре «Кафе де Пари». Золушка в роскошном платье, какие бывают только в мечтах да в кино 40-х. Она находит своего летчика целым и невредимым. За окнами воет сирена, а в волшебной стране танцуют и пьют коктейли. Офицеры-отпускники жуют жвачку и ухлестывают за воскресшими леди. Лишь для того, впрочем, чтобы не так очевиден был их живой интерес к джентльменам. Вертлявые леди кокетливо поджимают ножки и губки. Влюбленных без конца отвлекают, но им все же удается проснуться в одной постели – здесь же, у горящей кабаретными огнями лестницы. Герой смятен, что дама с собачкой. Золушка в кружевном исподнем мечется среди вальсирующих. И тут бьют часы. Мачеха стреляет в конферансье, перебив ему обе ноги, из-за чего тот немедленно обращается ее мужем-калекой (читай – кучер превратился в крысу). От взрыва рушатся стены и балки (самый крутой спецэффект в спектакле), а Золушка по-прежнему замертво лежит на лондонской мостовой. В одной туфельке. Бегая по городу со второй, ее пилот уличных девок на потом не оставляет, но попадает в переделку и, избитый, оказывается в том самом госпитале, куда доставили его единственную. Пока мачеха пытается задушить Золушку подушкой, летчика лечат электрошоком. Но все кончается хорошо. Как положено – поцелуем в диафрагму. Злодейку арестовали, сестры и братья покаялись. Очнувшийся на мгновенье отец благословил молодую чету, отбывшую в светлое будущее со станции Паддингтон от платформы под роковым № 12.

И не беда, что хореография бледна и однообразна, что образы шаблонны, а с музыкой (несмотря на вскрытые купюры и технологию surround sound) Мэтью Боурн так и не совладал. Что вместо так любимой им человеческой истории получился бал бракованных марионеток. Зато добро победило и зло наказано. Ведь и Шарль Перро завершал свои сказки доходчивой моралью. Может, и впрямь пришла пора снова объяснять людям, что хорошо, а что плохо?


Последний раз редактировалось: Елена С. (Ср Авг 24, 2016 7:57 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18549
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Июн 30, 2011 10:35 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011063005
Тема| Балет, Чеховский Фестиваль, "Золушка", Персоналии, Мэтью Боурн
Авторы| Анна Галайда
Заголовок| Любовь под бомбами
Где опубликовано| Газета "Ведомости" № 118 (2884)
Дата публикации| 20110630
Ссылка| http://www.vedomosti.ru/newspaper/article/263053/lyubov_pod_bombami
Аннотация| Фестиваль

Один из самых экстравагантных спектаклей лондонского театра Sadler's Wells благодаря Чеховскому фестивалю доехал до Москвы через полгода после премьеры

Мэтью Боурн, воинствующий борец с театральной рутиной и любимец Москвы, на целых две недели осел в Театре имени Моссовета — там идет его «Золушка». Хореограф обожаем миром за редкий в современной реальности талант рассказывать истории, да еще и сказочные, с подробностями и современными деталями.

«Золушка» тоже сохранила трехактную форму, но ее действие перенесено во времена Второй мировой войны. Организовать знакомство Золушки с ее принцем, в ХХ веке превратившимся в пилота ВВС Гарри, под звуки налета бомбардировщиков оказалось прекрасной идеей — музыка Прокофьева, писавшаяся как раз во время войны, несет след этой катастрофы. Все остальное тоже безболезненно транспонировалось из сказочного пространства в суровую реальность. Золушка оказалась в обычной лондонской многодетной семье, где кроме двух вредных сестриц есть еще целых три невыносимых брата, папаша в инвалидном кресле и мачеха, сохранившая удивительную свежесть, молодость и боевой задор. Несмотря на разрушения (их в подробностях воссоздает сценография Леза Бразерстоуна), в перерывах между бомбежками эти люди спешат в «Кафе де Пари», чтобы до упаду потанцевать с военными. Туда же под присмотром Ангела — и его существование оказывается единственным вопиющим нарушением бытового правдоподобия — отправляется со своим пилотом и Золушка, из синего чулка непонятно как превратившаяся в настоящую голливудскую диву. С партнером ее вполне предсказуемо разлучает даже не окончание его увольнительной, а очередной налет и ранение.

Хореографа Боурна можно было бы поздравить с успехом, если бы так удачно связывающиеся сюжетные линии ему удалось оснастить хореографически. Но музыка Прокофьева ставила подножки интерпретаторам не раз. Она очевидно объемна с точки зрения текста — и с этим многие научились справляться с помощью купюр. Но справиться с ее философичностью, расширяющей сцену до размеров вселенной, ножницами не удается. И трое внеплановых братьев, сколько трюков им ни сочиняй, не отменят катастрофу прокофьевского времени.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18549
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Июн 30, 2011 10:45 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011063006
Тема| Балет, Татарский театр оперы и балета имени М.Джалиля, Премьера, Персоналии,
Авторы| Татьяна МАМАЕВА, Фото: Илья Шалман
Заголовок| История провинциалки. Старый муж счастью не помеха
Где опубликовано| Газета "Время и Деньги" № 116
Дата публикации| 20110630
Ссылка| http://www.e-vid.ru/index-m-192-p-63-article-38104.htm
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



В Татарском академическом театре оперы и балета имени М.Джалиля прошла премьера балета Валерия Гаврилина "Анюта".

Спектакль, поставленный в Казани выдающимся танцовщиком и балетмейстером Владимиром Васильевым двадцать три года назад, имел большой успех и шел долго. В нем в свое время танцевал и сам Владимир Викторович (партию Петра Леонтьевича), и блистательная Екатерина Максимова, для которой "Анюта" и была придумана. В партии Модеста Алексеевича на одном из Нуриевских фестивалей блистал Гали Абайдулов. Впрочем, "звезды" не затмевали и наших исполнителей - незабываемой Анютой была и Ирина Хакимова - нежная, трогательная и шаловливая.

Шло время, спектакль стал утрачивать свежесть, и дирекция театра сняла его с репертуара. Но тут выяснилось, что с этим не хочет мириться казанская публика, принявшаяся осаждать руководство театра устными и письменными просьбами возобновить постановку.

Ставить "Анюту" заново было поручено ученику Васильева Кириллу Шморгонеру, который, по сути, реанимировал постановку 1988 года в новых декорациях и костюмах, выполненных по эскизам и макету Беллы Маневич - автора сценографии "первой" казанской "Анюты".

На пресс-конференции в день премьеры приехавший специально из Москвы по такому случаю Владимир Васильев рассказал, что в свое время придумал этот балет, услышав знаменитый гаврилинский вальс, который затем стал ключевой музыкальной темой в "Анюте". Тогда для Васильева "срослось" все - вальс, любимый Чехов с его полутонами, распахнутые глаза Кати Васильевой. Так родилась "Анюта".

Хореография этого балета лаконична, стильна, но филигранно решены не только лирические, а и характерные, гротесковые сцены, в которых царит Модест Алексеевич (в виденном автором этих строк спектакле его партию танцевал Руслан Савденов, не боящийся ходить по лезвию ножа и доводящий характерность почти что до фарса). Знаменитая сцена во втором акте, когда чиновники падают перед делающим карьеру Модестом ниц, была сделана безупречно и являла собой квинтэссенцию глупости и ограниченности российской бюрократии.

Как всегда порадовал Кахабер Андриадзе в партии Его Сиятельства. Каждый раз поражаюсь, как при определенном лаконизме Андриадзе может находить точные и выразительные штрихи в прорисовке образа своего героя. Немного разочаровал Дмитрий Строителев - Петр Леонтьевич. Впрочем, возможно я не совсем объективна и сравниваю молодого актера с его предшественниками, которых видела в этой партии, - Владимиром Васильевым и нашим Владимиром Яковлевым, нынешним шефом балетной труппы.

Анюта - Александра Суродеева трогательна, мила, беззащитна, в какой-то момент начинает осознавать свою женскую силу и неотразимость, и наблюдать за этим перерождением весьма интересно. Перед нами милый ребенок, придавленный обстоятельствами, который вдруг осознает, что в жизни есть еще что-то, кроме слез и разочарований. Такая Анюта если и скажет мужу чеховскую фразу из рассказа "Анна на шее": "Идите прочь, болван!", то сделает это очень мягко. Она не хищница и не мещанка по натуре. Просто девочка, которая долго страдала, строящая свое счастье, возможно, не самым праведным образом.

Сколько таких милых барышень во все времена впархивали в брак, чтобы затем, забыв об обязанностях жены, устраивать свое маленькое счастье…

Гаврилин, Маневич, Васильев - этот триумвират, обратившись к Чехову как к литературной первооснове, создал действительно пронзительный и очень современный спектакль. Впрочем, Васильев чуть-чуть корректирует Чехова, введя в либретто еще одного персонажа - Студента, в которого влюблена Анюта и который является ей в счастливом сне уже после замужества. Но Анюта - не Татьяна Ларина. "А счастье было так возможно" - это не ее реплика. Быть счастливой сегодня и сейчас - вот что ей нужно. И кто вправе кинуть в нее камень?..

…Тихонько бредут под хлопьями рождественского снега ее братья и отец, лишившиеся крова. А музыка с катка, где веселится Анюта, звучит задорно и весело. Всех жаль, и осуждать никого не хочется. Впрочем, как всегда у Чехова.

** *

Интервью с Владимиром Васильевым читайте в завтрашнем номере "ВиД".
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18549
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Июн 30, 2011 11:00 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011063007
Тема| Балет, Чеховский Фестиваль, "Золушка", Персоналии, Мэтью Боурн
Авторы| Анна Гордеева
Заголовок| Сказка военного времени //
Чеховский фестиваль привез в Москву «Золушку» Мэтью Боурна

Где опубликовано| Газета "Московские новости"
Дата публикации| 20110630
Ссылка| http://mn.ru/newspaper_culture/20110630/302935079.html
Аннотация| Фестиваль


В отличие от целомудренной сказки Золушка и летчик проводят вместе ночь, но Ангел поутру напоминает им о времени// © simon annand

От этого хореографа публика привычно ждет эпатажа и непременных гейских сюжетов— ну как же, ведь это именно Боурн в своем «Лебедином озере» заменил всех балерин-птичек танцовщиками, и бедный ушастый принц влюблялся не в красавицу в белой пачке, а мускулистого героя в мохнатых панталонах (впрочем, не менее белых). Именно в «Car man» Боурна соблазнительницей оказывался автомеханик (оттого и название спектакля слегка изменилось). Но в «Золушке», что Боурн поставил более десяти лет назад, а в прошлом году возобновил в новой редакции, у всех ровно тот пол, какой и полагается по старинному сюжету. А еще— не расставаясь со своим дивным сарказмом, с которым он обычно рисует общественные нравы и портреты героев, Боурн вдруг заговорил о вещах очень важных для него, не скрываясь за великосветской шутливой маской. Надо ли говорить, что спектакль вышел искренним, но слегка неловким— как неуместен бывает чей-то искренний порыв в легкомысленной беседе.

Важная вещь для Боурна— память об отце, которого не стало в прошлом году. (Джиму Боурну и посвящен спектакль). Во Вторую мировую отец был ребенком, жил в Лондоне во время немецких бомбардировок (их англичане называют блицем— частые налеты с осени 1940-го до весны 1941-го). Ио том времени своему сыну часто рассказывал— эти рассказы, услышанные в детстве, превратились в голове хореографа в трогательные и страшные сказки. Боурн— явный визуал, все воспринимает «картинкой», потому так красочны в этой «Золушке» зарево лондонских пожаров, превратившиеся в руины дома и висящие на горизонте аэростаты заграждения.

Да, именно в эпоху блица перенес действие балета Прокофьева Мэтью Боурн. С очень простым обоснованием— музыку русский композитор сочинял в то же самое военное время.

Спектакль начинается с киноролика-инструкции, как вести себя во время бомбежки (пустите прохожих в свое бомбоубежище, если едете на машине, паркуйтесь на обочине, чтобы не помешать проезду пожарных машин). Этот инструктаж (видимо, заменяющий киножурнал) смотрит все золушкино семейство. Оно увеличилось в размерах— к двум злобным сводным сестрицам добавились три чокнутых братца— и ухудшилось качественно: папа теперь не подкаблучник, что теоретически может взбунтоваться против агрессивной супруги, но инвалид в коляске, причем явно с травмой головы, поскольку он периодически вовсе отключается от действительности. Золушка— страшненькая девушка с туго утянутыми к затылку волосами и в уродливых очках, скорее старая дева-училка, чем милый, но несправедливо обижаемый тинейджер. Вся далее происходящая история этой Золушке мерещится, воображается как роман с киногероем. Возникает вторая важная для Боурна тема— тема любви к старому кино. И он объясняется в любви к кинематографу тридцатых-сороковых не менее сентиментально, чем в любви к отцу.

Перебирается множество жанров, но балом правит мелодрама, скроенная по старинным меркам. Герой не принц— он летчик, что гораздо круче. Раненый герой, случайно оказывающийся в доме Золушки во время бомбежки, но, по существу, знакомящийся с ней на вечере в Cafe de Paris. Этот знаменитый (и существующий до сих пор) клуб в Сохо в войну привлекал публику затемненного города яркостью внутреннего освещения, бодрыми шоу и чувством радостной безопасности, что, казалось, была разлита в воздухе. Чувство это было ложным— 8марта 1941 года бомба попала прямо в клуб, было много жертв. Вот ровно в этот вечер и отправляет Боурн в Cafe de Paris Золушкино семейство, а героиню подвозит туда на мотоцикле с коляской белый ангел, заменивший фею-крестную. Разумеется, влюбленная пара теряет друг друга во время бомбежки, на развалинах остается туфелька, с которой мечется по Лондону летчик.

Танцы в этом спектакле не поражают разнообразием— гротескные па мачехи и сестер, довольно обыденные танцы собравшихся в клубе, но «Золушка» Мэтью Боурна— это тот редкий случай, когда ваш обозреватель готов простить постановщику безыскусность танцев за отличное чувство ритма спектакля и толковую режиссуру. Путешествие Золушки по Лондону во время воздушной тревоги, с выскакивающими из-за углов то полисменами, то пожарными, то вовсе какими-то типами в противогазах, отличный образчик совпадения с нервом музыки, с ее фантастическими интонациями. И почти киноработа осветителя— с этими бегающими лучами света. Совершенно киношный флешбэк: в начале второго действия мы видим уже разрушенное кафе, а потом его же в целости, и происходящий там бал. И, конечно, дивная финальная сцена: отъезд счастливой пары, похоже, в свадебное путешествие. Здесь все нереально, все обстоятельства от вообще-то идущей войны до надписи «молодожены» на чемодане, но это такое кино-кино, шесть сладких финалов одновременно, когда на вокзале обнимаются еще шесть пар со своими крохотными историями (и одна мужская парочка— ну да, Боурн не удержался).

Если вы хотите увидеть балет «Золушка», вам не сюда: можно съездить в Мариинку, где идет отличная версия Алексея Ратманского, или понадеяться на то, что Большой вновь поставит в афишу не менее славный спектакль Юрия Посохова. Но если вы любите старое кино и можете оценить, как похожа преобразившаяся на балу героиня на Бетт Дэвис,— Чеховский фестиваль поработал для вас. Два с половиной часа тихого счастья вы получите.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Чт Авг 18, 2011 11:58 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18549
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Июн 30, 2011 2:00 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011063008
Тема| Балет, Екатеринбургский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии,
Авторы| Ирина КЛЕПИКОВА
Заголовок| Чувственное очарование «Баядерки»
Где опубликовано| © «Областная газета»
Дата публикации| 20110630
Ссылка| http://www.oblgazeta.ru/news.htm?top_id=511
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Под занавес 99-го сезона Екатеринбургский оперный три дня подряд представляет зрителям премьеру. «Баядерки» балет Минкуса по праву считается вершиной хореографии, одним из сложнейших в мировом репертуаре, постановку которого могут позволить себе только очень крупные театральные коллективы. Екатеринбургский оперный в преддверии 100-летия возвращает «Баядерку» в свою афишу.

В истории театра это — третья «Баядерка». Постановка 1960 года шла в репертуаре шесть лет, выдержала 36 представлений, постановка 1984 года — 44 представления, а восстановленная в 1996 году была представлена более 100 раз. Есть ожидания, что третья «Баядерка» проживёт в репертуаре ещё дольше, ведь балет Минкуса возвращается к зрителю в исполнении качественно новой хореографической труппы. Впервые в истории театра сложилась уникальная ситуация, когда на партию Солора, одного из главных персонажей, претендовали десять(!) танцовщиков. Было отобрано четверо.

— Прошедшие этот своеобразный кастинг победили скорее всего благодаря опыту, — говорит Денис Зайнтдинов, один из счастливых избранников. — В этой постановке и опыт — не последнее дело. Партия Солора интересна своей сложностью. Обычно в балете главное внимание — героине, партнёр — что-то вроде «раздражающего фактора». А здесь и мужская роль — глубочайшая, выражающая чувство через жест даже в отношениях Солора с персонажами второго плана. Строго говоря, ничего второстепенного в хореографии ЭТОЙ «Баядерки» нет…

«Лакмусовая бумажка» для труппы, берущейся за постановку «Баядерки», — третий акт, в котором удаётся (или нет) создать гипнотически завораживающий танец «теней». Эффект зависит и от масштабов труппы. В лучшем случае выход «теней» происходит обычно с двух пандусов. В нынешней «Баядерке» Екатеринбургского оперного их три. Занято более ста танцовщиков — вся балетная труппа (со времени постановки второй «Баядерки» она вдвое больше!), миманс и воспитанницы хореографического отделения школы искусств им.Дягилева. Участие девочек-учениц, согласно замыслу Петипа, создаёт дополнительный оптический эффект — постепенное увеличение в росте силуэтов танцовщиц-»теней», мерно спускающихся откуда-то с далёких гор и поначалу совсем бестелесных.

Версию Петипа готовил к постановке хореограф Станислав Фечо, основываясь, правда, на редакции балета 1941 года, когда благодаря великому Чабукиани в «Баядерке» был значительно усилен мужской танец.

— Я не позволил себе вносить много изменений, — говорит С. Фечо. — Кроме финала! Существуют разные его версии, вплоть до сценографически очень эффектных, когда на глазах зрителя разрушается храм. У нас — «тихая», но эмоционально не менее сильная драма: погибшая Никия уводит возлюбленного в свой мир…

Вот почему так важна царственная отрешённость кордебалета в «акте теней». Так же, как важна и очевидность того, где происходят события. Не «a la восток», что случается в театрах чаще всего, а — именно Индия, потому что в основе — драма индийского классика Калидасы «Сакунтала». Над «этнической принадлежностью» работала художник по костюмам Елена Зайцева, и у неё были свои профессиональные сложности: «Индийский костюм предполагает исключительную яркость, но вместе с тем хотелось, чтобы это не было «цветовым винегретом»…

«Баядерка» — балет имперский, монументальный. История обманутой любви, рассказанная со всякими чрезмерностями (страстей, пафоса, феерии) — вроде бы одна из многих подобных историй. Но Петипа сдвинул действие в сторону иной и несколько необычной темы. «Баядерка» — история страстной любви, но любви сочинённой. Никия в балете — художественная натура, не только артистка, но — поэт, мечтатель. Она и живёт «миражами» (изначально отсюда — и «акт теней»). Так — по сюжету. Но и пластически «Баядерка» Петипа — необычное творение, соединяющее яркий экзотический балет, какого прежде не знал театр, с «белым балетом», тоже никогда раньше не получавшего столь сложной разработки.

Хореографы-постановщики и исполнители только подчёркивают, каждый по-своему, нюансы необычности и жанрового благородства «Баядерки». История балета знает редакцию «Баядерки» от Вахтанга Чабукиани. Теперь есть возможность оценить редакцию от Станислава Фечо. Так же и с главной героиней. В летописи русского балета остались Никия Екатерины Вазем, Анны Павловой, Марии Семёновой, Аллы Шелест, Ульяны Лопаткиной. У каждой — своя. Какой будет на уральской сцене Никия, например, Маргариты Рудиной, многократно доказывавшей прежде достоинства собственных трактовок известных образов, — посмотрим. «Баядерка» Минкуса начинает новую жизнь на сцене Екатеринбургского оперного.

Финал — «акт теней» — не просто красив, а смыслово важен. Девушка-дикарка Никия защищает свой мир, свои «миражи» в противовес тьме низких истин. В мерном движении «теней», бесконечно повторяющихся, наводняющих сцену арабесках — почти математически точное нарастание темы. Масштаб действительно важен. А потому новая постановка «Баядерки» априори заявка за зрительский интерес.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18549
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Июн 30, 2011 5:12 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011063009
Тема| Балет, Чеховский Фестиваль, "Золушка", Персоналии, Мэтью Боурн
Авторы| Светлана Наборщикова
Заголовок| Мэтью Боурн привез в Москву британскую «Золушку»
Где опубликовано| Газета "Известия"
Дата публикации| 20110630
Ссылка| http://www.izvestia.ru/news/493367
Аннотация| Фестиваль

Эпатажный хореограф услышал в музыке Прокофьева историю времен Второй мировой войны

Последние штрихи в партитуру своего последнего балета Сергей Прокофьев внес под залпы победных салютов 1945-го. Годом позже «Золушку» поставил в Большом театре приверженец имперского стиля Ростислав Захаров. Золушку танцевала Ольга Лепешинская, награжденная медалью «За оборону Москвы» и ворошиловский стрелок, в зале сидели боевые офицеры в орденах. С тех пор прокофьевский балет неизменно пользовался вниманием постановщиков, но с войной никогда не ассоциировался. Разнообразные приключения — вплоть до попадания в бордель в версии авангардиста Раду Поклитару, — настигали героиню в мирных буднях. Лишь однажды в спектакле Юрия Посохова, поставленном в Большом театре, события сказки связали с реальной жизнью: на сцену в муках творчества выходил персонаж в костюме и гриме Сергея Прокофьева. В буклете говорилось о сложных отношениях маэстро с женой Линой, сидевшей в сталинском лагере, но никаких сценических подтверждений этому факту приведено не было.

Мэтью Боурн первым из постановщиков прочел в последнем балете Прокофьева военную историю времен Второй мировой. Для этого ему понадобилось внимательно вслушаться в музыку и переосмыслить ключевые темы. В преувеличенно мощном бое часов хореограф услышал грозные удары, сметающие уютный довоенный мир. В прозрачном пианиссимо лирических адажио — ощущение контуженного, для которого окружающий мир пугающе нем. В стремительном и отнюдь не бальном вальсе — безоглядное стремление к любви и счастью наперекор войне и смерти.

Интерпретационные прозрения отлично легли на «картинку» Леза Бразерстоуна. Этот педант и стилист с тревожащей точностью воспроизвел пострадавший от бомбежек Лондон — затемненные улицы, обрушившиеся вывески, подземку с плакатами, аналогичными нашим «Болтун — находка для шпиона», мундиры пехотинцев и куртки летчиков, мотоциклетки и антикварный вагон, в котором герои уезжают в светлое будущее. Дополнили список кадры кинохроники с пылающими домами, бодрый голос диктора: «Мы им покажем, мы отомстим», вой сирен и гул самолетов. Сыновья Прокофьева, живущие в британской столице, согласились с обогащением отцовской партитуры — вопреки опасениям шумы и голоса безукоризненно вписались в музыку. Как будто Сергей Сергеевич писал свое сочинение в Вест-Энде, где пережили бомбардировки бабушка и дедушка Боурна.

Внук вопреки обыкновению не стал выворачивать сюжет наизнанку. Хотя и обогатил список действующих лиц балета новыми персонажами и свежими акцентами. У Золушки — особы немолодой и закомплексованной — помимо злюк-сестер обнаружились три несовершеннолетних брата-неврастеника, один из которых — явный фетишист. Предмет его сексуальных возбуждений — женские туфельки. Героиня, обувшаяся в туфли мачехи, почти уступает кровосмесительным домоганиям, но честь девушки спасает добрый волшебник с серебряной шевелюрой — существо бесполое и необычайно подвижное. Распахнув дверь, он показывает прекрасного юношу в форме летчика британских ВВС. С этого момента Золушка и ее избранник уже никого не видят и не слышат. Ищут друг друга в полуразрушенном Лондоне, пересекаются в кафе (здесь героиня первый и последний раз появляется в облике голливудской дивы) и завершают ночь в номере дешевой гостиницы. Любовный дуэт (она в гламурном белье, он в брюках с помочами) прерывает бомбардировка. С колосников рушатся фрагменты декораций, зрители вздрагивают, Золушку уносят на носилках, а раненый герой, сжимая в руке туфельку, отправляется в дым пожарищ.

Однако Боурн есть Боурн. Не снабдить высокий сюжет долей ерничания не в его правилах. На новом этапе поисков летчика постоянно опускают — то к нему пристанут гомосексуалисты, то побьют местные гопники («учат» героя под портретом улыбающегося Черчилля), то подвергнут тестированию на новейшем электрическом аппарате для прочистки мозгов. Оказавшись, наконец, в госпитале, где лечится контуженная и слегка неадекватная возлюбленная, юноша падает к ее ногам, и этого оказывается достаточно, чтобы Золушка пришла в себя. Завершается история на вокзале Пэддингтон. Героев провожают друзья-военные в ладно сидящих мундирах. А вот герой уже в цивильной одежде. И похож на преуспевающего клерка. Любить летчиков, считает Боурн, хорошо только в фильмах.

Представляя балет журналистам, хореограф сказал, что рад возвращению «Золушки» домой, и надеется на теплый прием российской публики. Ожидания оправдались лишь отчасти. Артистам долго аплодировали, но восторга, сопутствовавшего четыре года назад мужскому «Лебединому озеру», не случилось. Там было откровение. Здесь — режиссерски крепкий и концептуально ясный спектакль с грамотными танцами, яркими костюмами и замечательной музыкой. Отличная возможность заполнить летний вечер. На сцене Театра им. Моссовета «Золушку» можно увидеть каждый день до 10 июля включительно.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18549
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июл 01, 2011 11:09 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011063101
Тема| Балет, Чеховский Фестиваль, "Золушка", Персоналии, Мэтью Боурн
Авторы| Гордеева Анна
Заголовок| Золушка в Сохо //
Без предрассудков и шор

Где опубликовано| Газета «The New Times» № 22
Дата публикации| 20110627
Ссылка| http://newtimes.ru/articles/detail/40950/
Аннотация| Фестиваль


Отчаянные танцы в Caf de Paris перед гибельной бомбежкой

Знаменитый английский хореограф Мэтью Боурн привез на Чеховский театральный фестиваль свою знаменитую «Золушку» — современное прочтение балета Сергея Прокофьева. Полтора десятка спектаклей выдержит балет Боурна в Москве — это фестивальный рекорд

В темном небе видны аэростаты заграждения, к музыке Прокофьева добавлен вой сирен и звуки стреляющих зениток. Золушка живет в Лондоне, год 1941-й, и немцы бомбят английскую столицу. Мэтью Боурн выбрал такое время действия не случайно — Прокофьев сочинял эту музыку именно в военные годы. Хореограф посвятил балет своим родителям: во время Блица (так называют англичане многодневные бомбардировки с осени 1940-го до весны 41-го) они были детьми — и многое рассказали сыну про бомбоубежища, светомаскировку и уличные патрули.

Принц-летчик

У Боурна в детстве осталось чувство, что война — это прежде всего что-то связанное со светом. С направленными в небо прожекторами, с полыханием пожаров, с сиянием огней внутри ночных клубов, куда люди шли спасаться от тоски и уныния. И когда он взялся за «Золушку», то, во-первых, позвал на работу одного из лучших художников-осветителей Нила Остина (и тот выдал все, как ожидалось, первым классом — и прожекторы, и тени, и зарево), а во-вторых, вожделенный бал, тот самый сказочный бал, куда должна попасть героиня, устроил именно в ночном клубе. В Сохо, Caf de Paris.

8 марта 1941 года в этот клуб в развлекательном квартале Лондона попала бомба, здание превратилось в руины, погибли люди. Надо ли говорить, в какой именно вечер собралось повеселиться в Caf de Paris Золушкино семейство? Оно, кстати, стало еще более монструозным, чем в старой сказке: не только две злобные сестрицы, но и три чокнутых братца, один из них, помешанный на обуви фетишист, все рвется примерить туфли героини, папа совсем беспомощен, он в инвалидной коляске, мачеха же неравнодушна к алкоголю.


В ролях злобных Золушкиных сестер — Зизи Страллен и София Хердли

В этот вечер героиня встречает в кафе своего героя — он вовсе не принц. То есть для нее-то, безусловно, принц и центр мира, но вообще-то он обыкновенный героический летчик. И зовут его Гарри. И разумеется, они теряют друг друга после бомбежки. Путеводная туфелька остается на развалинах.

Градус переживания

Мэтью Боурн, в прошлом году шагнувший в шестой десяток, знаменит не только тем, что в «Лебедином озере» (его привозили к нам на гастроли четыре года назад) заставил героя-принца тосковать по Лебедю мужского пола, а в его Car man (написание именно таково, потому что имеется в виду автомеханик) дьявольски соблазнительным созданием оказался опять-таки мужик. Он известен тем, что никогда не учился классическому танцу (Центр Лабана, где Боурн начал заниматься поздно, в 22 года, — знаменитая, но сугубо модернистская школа), и поэтому может взглянуть на легендарные балетные сюжеты со стороны. Нет предрассудков, нет шор, и оттого он точнее достает из заигранной музыки эмоции и смыслы. Артистов же для своей компании New Adventures, которую создал в 2002 году, он берет отовсюду: из классических школ и студий контемпорари — современного танца, утаскивает из мюзиклов и даже драматических спектаклей. Смотрит прежде всего на выражение лица, а не в ноги (хотя потом в студии обязателен балетный класс). Потому что ему важна способность сопереживать, а не только умение двигаться.

Например, переживать чудовищную эту тоску Чайковского, что была подарена композитором Принцу из «Лебединого озера». У Чайковского она гонит героя пострелять птичек на озеро, у Боурна — утопиться. Переживать неверие в сладость сказки, уверенность, что счастливый сон закончится, опять-таки Чайковским прописанные в «Щелкунчике», и при этом показывать почти истерическое стремление в этот сон: у Боурна дети-герои живут в приюте, а воплощением счастья им мерещится омерзительно анилиновый Диснейленд. Хореографы позапрошлого и прошлого веков считали хорошим тоном недоговаривать, не ставить совсем уж трагедий, даже если в музыке звучит чистое отчаяние. Боурн не бывает так милосерден.

Чужое и свое

А еще он не любит психологической неправдоподобности (что совсем уж странно для хореографа, не так ли?). И, сочиняя спектакль, тщательно продумывает общественную атмосферу, характеры героев, ритм жизни. Потому в этой «Золушке» героиня и ее принц Гарри вместе проводят ночь — Боурну кажется важным воспроизвести вот это чувство, что овладевает во время войны людьми, вовсе не склонными к авантюрам: завтра может уже ничего не быть. Завтра летчику на фронт, и что там будет дальше — неизвестно.

Человек постмодернистского века, Боурн охотно берет в работу чужие мотивы и цитирует других авторов, совершенно не скрывая того, с готовностью перечисляя источники вдохновения. «Утренняя» сцена прощания Золушки и Гарри напомнит прощание Ромео и Джульетты в балете знаменитого британца Кеннета МакМиллана. Киноманы же быстро поймут, что Боурн раз пятьдесят видел «Мост Ватерлоо», легендарный фильм, снятый Морганом Лероем в 1940 году. Но и та и другая отсылка — лишь почтительный поклон хореографа тем людям, что в юности принесли ему столько восторгов в театральных и кинозалах. Да, многие спектакли Боурна появились из-за воспоминания о кино (например, Car man — о картине «Почтальон всегда звонит дважды», «Дориан Грей» — о «Бархатной золотой жиле»), но это именно поклоны и источники вдохновения, текст же совершенно самостоятелен. Все придумано Боурном. Ангел, помогающий Золушке вместо Феи-крестной и разъезжающий на мотоцикле с коляской. Отчаянно веселые танцы в Caf de Paris. Нежная — и смелая одновременно — пластика Золушки, одетой в серый кардиган. Наверное, Прокофьев бы сильно удивился. Но ему бы понравилось.


Мэтью Боурн



родился в 1960 году в Лондоне. Учился танцу в Центре Лабана, по окончании учебы танцевал в труппе центра. Хореографией занялся в 1987 году, когда собрал свою первую труппу, быстро ставшую популярной. В 2002 году создал компанию New Adventures. Кавалер ордена Британской империи, обладатель более трех десятков международных премий, в том числе премии Тони. Наряду с работой над классическими балетами участвовал в постановке знаменитых мюзиклов «Оливер», «Моя прекрасная леди», «Мэри Поппинс».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18549
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июл 01, 2011 1:46 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011063102
Тема| Балет, Красноярский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Юрий Ананян (театр Бориса Эйфмана)
Авторы| Евгения Говоруха
Заголовок| Юрий Ананян: «Артист без новых ролей — как букет, который стоит долгое время в вазе…»
Где опубликовано| "Красноярская версия" № 202
Дата публикации| 20110629
Ссылка| http://www.centrosib.info/2011/06/29/yuriy-ananyan-artist-bez-novyih-roley-kak-buket-kotoryiy-stoit-dolgoe-vremya-v-vaze/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В завершение XXXIII сезона Красноярский театр оперы и балет приготовил своим зрителям подарок — премьеру комического балета Петера Гертеля «Уж замуж невтерпеж, или Тщетная предосторожность», которая состоится 28‑го, 29‑го, 30 июня и 1 июля.

Хореограф-постановщик балета — художественный руководитель балета, заслуженный артист России Марк Перетокин. По его замыслу, в спектакле много остроумных, озорных и смешных сцен. Их появлению способствует и интрига балета: в первых двух спектаклях партию Марцелины исполнит солист театра Бориса Эйфмана заслуженный артист России Юрий Ананян, которого называют прирожденным комедиантом.



— Юрий, Вы работаете в театре, который отличает новаторский хореографический язык постановок. Однако балет «Уж замуж невтерпеж, или Тщетная предосторожность» является классическим. Что Вас привлекало в этом спектакле?

— Это действительно классический балет, но моя роль — матушки Марцелины — интересна тем, что она актерская. Она дает возможность в рамках классического танца фантазировать и экспериментировать так же, как мы это делаем в современных пластических танцах. Так что никаких границ между стилями и эпохами не существует.

К тому же, я никогда не любил танцевать одно и то же. По моему мнению, чтобы безупречно исполнять классику, необходимо попробовать «на себе» и другие стили. Я не раз встречал ребят, прекрасных исполнителей классических балетов, которые, потанцевав модерн, стали более раскрепощенными, уверенными, и, как следствие, их исполнительский уровень стал значительно выше.

— Почему Вы согласились станцевать женскую роль — матушки Марцелины?

— Я всегда танцевал только мужские партии, а когда мне позвонил художественный руководитель балета Марк Перетокин и предложил исполнить матушку Марцелину, то я не стал отказываться. Еще в Ереванском хореографическом училище, где я учился, Марцелину танцевал один из наших педагогов, и я был в восторге от того, как можно мастерски сыграть эту женскую роль. Она позволяет открыть что‑то новое в себе и для себя. Это дополнительные возможности для раскрытия собственного потенциала, и я подумал: «Я почему бы и нет? Я смогу!». К тому же, артист без новых ролей — как букет, который стоит долгое время в вазе… Он просто чахнет.

— Как по‑Вашему, кто сегодня ходит «на балет»?

— Ответить однозначно на этот вопрос просто невозможно. Но могу с уверенностью сказать, что на балет ходили и будут ходить. Главное, не останавливаться на достигнутом — ставить новые интересные спектакли, приглашать новых балетмейстеров… Надо не бояться удивлять зрителей!

— Есть ли в балетном мире свои предрассудки и суеверия? Например, у моряков считается, что женщина на корабле — к беде…

— Безусловно, у балетных есть свои предрассудки. Кто‑то хранит свои тапочки, кто‑то слоников или еще что‑то, кто‑то перед спектаклем молчит. Я, наоборот, перед спектаклем общаюсь с коллегами по сцене, разогреваюсь. Максимум, если чувствую, что тяжело выходить на сцену, то перекрещусь да скажу: «Господи, помоги» — и на сцену. Я уверен, когда человек живет с Богом в душе, то ему легче.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Михаил Александрович
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 06.05.2003
Сообщения: 25156
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июл 01, 2011 2:58 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011063103
Тема| Балет, Михайловский театр, Персоналии, Начо Дуато, Михаил Мессерер, Ирина Перрен, Марат Шемиунов, Екатерина Борченко
Авторы| Дмитрий Циликин
Заголовок| Каталог умений Начо
Балет «Прелюдия» в Михайловском театре
Где опубликовано| "Деловой Петербург"
Дата публикации| 20110624
Ссылка|
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



Программка нового балета Начо Дуато «Прелюдия», мировая премьера которого прошла в Михайловском театре, извещает, со слов самого хореографа, что это его рефлексия по поводу встречи с Россией, Петербургом и труппой, а также насчет «взаимного познания и взаимного проникновения классического балета и современного танца». Предъявленный хореографический текст заставляет понять эти общие слова буквально — тут и правда едва ли не весь классический балет, а также современный танец в полный рост и во всю ширь. Или почти во всю.

Арьерсцена открыта, сценические конструкции обнажены, на полу высится белесый купол собора Святого Петра, фрагмент декорации старой «Тоски», идущей в Михайловском театре, но здесь его вполне можно принять и за купол нашего Казанского собора. Подле него застыли танцовщицы в «шопенках» — длинных белых кисейных юбках. Оживая, они предъявляют стилизацию–попурри из всего белотюникового балета, от «Жизели» до «Шопенианы»: к ним отсылают собственно пластические и композиционные цитаты, а поскольку всяческие загробные вилисы и бесплотные сильфиды романтического «белого» балета порхают в девственных лесах и кладбищенских зарослях, эти заросли — писаные кулисы — и опускаются (сценография самого Дуато, костюмы тоже).

Ирина Перрен в бежевом платье до колен с Маратом Шемиуновым в пиджаке на голое тело танцуют два печально–отчаянных дуэта, где стройные арабески и аттитюды ломаются то стопой утюгом, то ногами враскоряку, заставляя вспомнить Матса Эка. Опускается пышная люстра во вкусе Баланчина, три пары, затянутые в черное, танцуют отменно поставленные дуэты в духе баланчинской неоклассики (особенно точна и красива Екатерина Борченко). Мужской ансамбль на фоне легкой черно–золотой завесы приводит на ум Иржи Килиана (у которого Дуато учился в Нидерландском театре танца), но тут выходит Леонид Сарафанов и начинает гнуть корпус, смещая центр тяжести, как у Форсайта, и заражает этим товарищей. Притом хореограф–протей периодически вспоминает о самом себе — приветы классикам и коллегам–современникам перемежаются номерами в его собственном стиле.

Вся эта сложно устроенная композиция идет под прихотливый коллаж из музыки Генделя, Бетховена и Бриттена. Сочленение и последовательность частей подчинены не линейной логике, но поэтической прихоти, потому вряд ли возможно (да и не нужно) распутать ассоциативные связи, сотканные авторской фантазией. К примеру, Сарафанов после своей вариации укладывается на авансцене, свесив руку в оркестровую яму, вроде как засыпает, и начинается дуэт Шемиунова —Перрен. По балетным законам это означает, что он их видит во сне, но нет — балерина будит его прикосновением.

Чем доискиваться, что все это значит, продуктивнее просто получать радость от самодостаточной красоты танца.

Впрочем, возможно, месседж спектакля прозаичнее и прагматичнее. В свое время главный балетмейстер Михайловского театра Михаил Мессерер предлагал генеральному директору Владимиру Кехману приглашать на постановки разных интересных хореографов, в том числе Дуато. Однако господин Кехман предпочел одного Начо на специально созданном для него посту художественного руководителя балетной труппы. Быть может, господин Дуато вознамерился доказать, что никого, кроме него, и не надобно, поскольку он владеет всеми стилями, умеет все и может ставить один за всех?
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение Отправить e-mail
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18549
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июл 01, 2011 3:11 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011063104
Тема| Балет, Национальный театр оперы и балета имени А. Спендиаряна, Премьера, Персоналии, Рудольф Харатян
Авторы| Назеник САРГСЯН
Заголовок| ПРЕМЬЕРА В ЕРЕВАНЕ: "РОМЕО И ДЖУЛЬЕТТА"
Где опубликовано| «Голос Армении» No 58 (20131)
Дата публикации| 20110602
Ссылка| http://www.golosarmenii.am/ru/20131/culture/11230/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



Эту премьеру ждали давно. Балет С.Прокофьева "Ромео и Джульетта" был впервые представлен на сцене Ереванского академического театра оперы и балета в 1970г. в постановке петербургского балетмейстера Олега Виноградова. Оригинальная и сложная хореография, красочное оформление, вдохновенное исполнение главных партий ведущих балерин и танцовщиков 70-х годов глубоко впечатляли зрителей. Спектакль несколько лет прочно держался в репертуаре. Но все хорошее когда-нибудь кончается. Тем более что с начала 90-х годов состав труппы и репертуар начали стремительно сокращаться.

И вот новая постановка. Балетная труппа Национального театра оперы и балета с ее достаточно скромным составом оказалась в состоянии представить полнометражный и сложный в музыкальном аспекте балет. Несмотря на то что главный балетмейстер театра Рудольф Харатян приступил к постановке примерно год назад, путь ее к премьере бесконечно прерывался, ибо сцена была постоянно занята. Три оперных постановки - "Алмаст" Ал.Спендиарова, "Аида" Дж.Верди, "Саят-Нова" А.Арутюняна (само по себе, конечно, очень похвальное расширение оперного репертуара) отодвинули на задний план не только появление нового балетного спектакля, но и показ имеющихся в репертуаре хореографических постановок, которые прошли с сентября 2010 г. до мая 2011 г. всего несколько раз. А длительный перерыв в сценической практике артистов балета (сколько ни работай в репетиционных залах) ни до чего хорошего не доведет. Процесс постановки "Ромео и Джульетты" активизировался чуть больше месяца назад, сценических репетиций и репетиций с оркестром было и того меньше (может, 2 недели или 7-8 дней) и... премьера состоялась!



До сегодняшнего дня принято было считать, что Рудольф Харатян преимущественно мастер камерного, одноактного балета. Но именно эта направленность немало способствовала тому, что балет Прокофьева, как бы изначально требующий большого состава исполнителей, был осуществлен силами небольшой труппы и, что и говорить, получился.

Краткость, лаконичность хореографического высказывания, достаточно частая, по типу кинематографии, смена эпизодов вполне соответствуют восприятию зрелища современным человеком, воспитанным на специфике кино.

Другая примечательная черта постановки Харатяна проистекает опять-таки из изначальной направленности балетмейстера к созданию балетов-симфоний. В последние годы в мировом балете достаточно четко начинает вырисовываться тенденция, сближающая балет с драмой. Термин "хореодрама" или "драмбалет" утрачивает тот негативный смысл, который вкладывался в него на протяжении II половины XX века. Харатян - хореограф нашего времени и, как всякий балетмейстер, не работает в вакууме. Сочетание двух типов балетов - хореодрамы и балета-симфонии также накладывает свой своеобразный отпечаток на режиссуру и хореографию "Ромео и Джульетты".

Третья особенность постановки - это сплетение двух тенденций современной режиссуры: распространенное в наши дни "осовременивание" пьесы, что выражается в действиях актеров, их жестикуляции, в типе сценографии и костюмов и четкое следование стилю эпохи. Нам довелось в иных постановках увидеть Ромео и Джульетту в джинсах, но говорящих языком Шекспира. На наш взгляд, это неприемлемо. В постановке Харатяна можно отметить синтез двух тенденций. Да, безусловно, здесь действие происходит в контексте эпохи Возрождения, однако целый ряд фрагментов, особенно связанных с экспозицией и развитием облика молодых людей, собирающихся на площади Вероны, их поведенческий стиль ассоциируются с поведением современной молодежи. Сочетание классического танца с элементами танца модерн и пантомимой составляет в целом специфику хореографии нового спектакля.

И наконец, что немаловажно, Рудольф Харатян - первый балетмейстер Армении, который осуществил постановку "Ромео и Джульетты" С.Прокофьева.



Среди исполнителей первого состава следует отметить исполнительницу роли Джульетты - Жаклин Сархошян. Она одна из ведущих балерин нашего театра, исполнившая немало заглавных ролей и в классических, и в современных балетах. Тоненькая, с удлиненными пропорциями тела, хорошо владеющая техникой классического танца, Жаклин создала трогательный образ Джульетты - женственный, нежный, беззащитный. Необычайно выразительные взгляд и мимика, наполненный драматизмом образ, созданный Ж.Сархошян, не могут оставить зрителя равнодушным. В роли Ромео - самый популярный и любимый зрителем танцовщик Рубен Мурадян. Все в нем хорошо - и рост, и сложение, и техника, и сценическое обаяние. Вместе с тем более ответственное отношение к работе над образом Ромео вовсе не помешало бы нашему замечательному премьеру.

Выражением бурных страстей покоряет публику исполнительница роли синьоры Капулетти ведущая танцовщица балетной труппы Сона Арустамян. Ее танец отмечен зрелым мастерством, артистизмом, сценическим обаянием. Отметим, кстати, что партия синьоры Капулетти (отчасти речь идет о ее танце-плаче над телом Тибальда) является во многом постановочным экспериментом самой балерины.

Удачен был выбор балетмейстера танцовщика Нарека Мартиросяна на роль Тибальда. Манера исполнения, жесты, мимика вполне соответствуют образу, обрисованному Шекспиром, и в то же время отмеченном чертами современного "авторитета", главаря банды.

Хорошее впечатление в целом производит Арман Балманукян в роли Меркуцио, однако танцовщику недостает глубокого знания пьесы Шекспира, что дало бы ему, безусловно, очень много материала для создания образа остроумного шутника, задиры и философа в одном лице. Запоминается характерный образ няни Джульетты, созданный Ириной Мкртумян.

Лаконичны сценография и костюмы, созданные Астхик Степанян. Их чуть приглушенные, пастельные тона подчеркивают лиричность произведения.

Оркестр под управлением Карена Дургаряна, насколько нам известно, приступил к освоению сложнейшей партитуры Прокофьева совсем недавно, но тем не менее он достойно справился с поставленной задачей.

Спектакль не мог бы состояться, если бы над ним самоотверженно не работали репетиторы балета: Н.Давтян, Э.Мнацаканян, Э.Наапетян, Б.Овнанян, Е.Павлиди, концертмейстеры А.Карапетян, Р.Аствацатрян, Д.Кокчян.

Постановка "Ромео и Джульетты" в нашем театре - прекрасное пополнение репертуара. Тема драмы Шекспира столь популярна и любима, что будет привлекать зрительскую аудиторию. Постановщик, дирижер, художник и исполнители работали поистине на износ, чтобы за короткий срок подготовить и показать одно из самых сложных произведений мирового балета.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18549
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июл 01, 2011 4:23 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011063105
Тема| Балет, Национальный театр оперы и балета имени А. Спендиаряна, Премьера, Персоналии, Рудольф Харатян
Авторы| Интервью – Диана Габриелян, Фотограф – А. Лавчян
Заголовок| Интервью с главным балетмейстером Рудольфом Харатяном.
Где опубликовано| развлекательный портал CLUBnik
Дата публикации| 20110605
Ссылка| http://clubnik.am/%D0%B8%D0%BD%D1%82%D0%B5%D1%80%D0%B2%D1%8C%D1%8E-%D1%81-%D0%B3%D0%BB%D0%B0%D0%B6%D0%BD%D1%8B%D0%BC-%D0%B1%D0%B0%D0%BB%D0%B5%D1%82%D0%BC%D0%B5%D0%B9%D1%81%D1%82%D0%B5%D1%80%D0%BE%D0%BC-%D1%80%D1%83/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



“Ромео и Джулиетта”-приближенная к ритму молодежи

Интервью с главным балетмейстером Рудольфом Харатяном, кто недавно представил в Ереванском государственном театре оперы и балета свой новый балет – “Ромео и Джулиетта”.

1. Насколько мне известно Ваш балет “Ромео и Джулиетта” отличается от всех остльных представленных ранее балетов “Ромео и Джулиетта”.
1. Оно отличается от остольных “Ромео и Джулиетта” балетных лебертонов, так как оно приблежено к импульсу современной жизни. Видя, как например сегодня в Ереване парни подталкивают друг друга, создают конфликты, я решил использовать эту динамику в своем представлении. Я приблизил его к сегоднешнему темпу, ритму. Здесь есть некая непредсакзуемость, каким будет следующий шаг.
2. Почему именно “Ромео и Джулиетта”?
2.Сегодня армянский балет имеет проблемы, которые нужно решать. Зарубежом балет просветает и я стремлюсь, что-бы та же тенденция продолжалась и в Армении. И так, я решил выбрать такой балет, который бы решил сразу несколько проблем, к прмеру технический, лирический, чувственный. Балет “Ромео и Джулиетта”имеет большую возможность покозать чувственность, судьбы героев.
3.Для вас важны отклики зрителей?
3. Отклики зрителей будут настолько, насколько зритель сам себя увидет и почувствует в этой динамике.
4. Какой внутренний мир, чувственность должен иметь танцор?
4.У всех танцоров есть задача почувствовать переживания конкретной минуты и проявить их. Особенно, если это касается теме вечной любви “Ромео и Джулиетты”.
5.Чем отличается армянский зритель от зарубежного зрителя?
5.Наш зритель раньше был очень требователен. Но пришло время, когда балет в Армении пережил крах и зритель отошел от балетного искусства. Сегодня нашей задачей является вернуть его, восстановить, развивать. Нужно много работать, чт0-бы зритель видел свой облик на сцене.
6.Что скажите о значении национальности?
6.Национальность важна настолько, насколько твоя натура армянина, француза или немца. Несмотря на то, что движения интернациональны, но натура танцора все равбно скажет свое.
7. Вы являетесь автором 100 своеобразных работ. Является ли какая нибудь из них главнее других.
7.Я лишь могу смотреть со стороны и видеть, какие переживания я испытывал, на какаом чувственном уровне я был во время создания конкретной работы
8.Какие у вас прогнозы на счет будущего нашего балета?
8.Для развития будущего балета в Армении нужны огромные работы. Заграницей танцоры балета занимаются по 7-8 часов. В Армении тродно заставить долго работать, так как танец-это наука физических движений.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18549
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июл 01, 2011 4:41 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011063106
Тема| Балет, МТ, Персоналии, Диана Вишнева
Авторы| Беседовал Николай Пешков
Заголовок| Диана Вишнева подводит итоги
Где опубликовано| © Новости Петербурга
Дата публикации| 20110629
Ссылка| http://novostispb.ru/news/culture/1112/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Прима-балерина, настоящая петербургская звезда с мировым именем Диана Вишнева отпраздновала свое 15‑летие на большой сцене. В Мариинском театре состоялся ее бенефис.

Знаменитая балерина родилась в Петербурге и с 11 лет училась в Академии русского балета имени Вагановой. В 1994 году Диана Вишнева выиграла свою первую премию — Золотую медаль и Гран-при Международного конкурса юных артистов балета в Лозанне. В 1995 году получила первые ведущие партии в Мариинском театре.

— А когда началась ваша международная карьера?

— В качестве приглашенной солистки зарубежных театров я стала выступать с 2001 года, когда дебютировала в балете «Манон» с труппой Баварского балета и в «Спящей красавице» с балетной труппой La Scala в Милане. С 2005 года я выступаю с труппой Американского балетного театра в Нью-Йорке. Кстати, в июле этого года вместе с труппой Мариинского театра я представлю в нью-йоркской Metropolitan Opera постановку «Анна Каренина», которая будет посвящена Майе Плисецкой.

— Свой первый юбилей вы отмечаете довольно масштабно. Даже открыта мультимедийная выставка в вашу честь «Движение никогда не лжет». Решили подвести промежуточные итоги в карьере?

— Открытие этой выставки состоялось в Музее музыкального и театрального искусства. И предложение о ее открытии приятно удивило и обрадовало меня. Там собраны мои личные вещи — лучшие балетные платья и пачки, перчатки, заколки. Выставка занимает два зала. Оба они украшены лучшими моими фотографиями. Также воссоздана моя гримерка. Но этой выставкой мы (я имею в виду наш театр) не подводим итоги, лишь хотим показать, как много сделано и чем я живу сейчас. Если честно, я не ожидала увидеть в залах так много людей. Я долго выбирала место для выставки, но не контролировала ее организацию, так как выступления, переезды не позволили мне этим заниматься. Все получилось только благодаря моему папе, взявшему на себя всю подготовительную работу.

— А есть какой-то сценический костюм, который вам особенно дорог? И почему вы выбрали такое название для своей выставки «Движение никогда не лжет»?

— Все, что представлено в двух залах Музея музыкального и театрального искусства, для меня дорого. Не смогу что-то выделить. Там костюмы, в которых я танцевала в Мариинском театре, — из спектаклей «Спящая красавица», «Дон Кихот», «Жизель», «Лебединое озеро». А название «Движение никогда не лжет» — это высказывание Марты Грэм, великого американского хореографа, работу которой — «Лабиринт» — я представила в своем бенефисе. Одноактный балет был создан Грэм в 1947 году, но на российской сцене он поставлен впервые.

— Много слухов ходило вокруг нашумевшего фильма «Черный лебедь». Якобы сниматься в нем должны были вы… Это правда?

— Да, я могу рассказать об этом. «Черный лебедь» Дарена Аранофски обошел меня стороной, так как я сама отказалась сниматься в этом фильме уважаемого мною режиссера. К сожалению, два года назад время съемок совпало с гастролями Мариинского театра по Японии. Поскольку в этой стране билеты скупаются «на фамилию», об участии в съемках я даже не задумывалась — обижать зрителя не принято. Позже, на гастролях в Канаде, я посмотрела фильм. На мой взгляд, он не имеет отношения к балетной истории. Я абстрагировалась и с удовольствием посмотрела его как блокбастер. Но от идеи попробовать себя в качестве актрисы кино я не отказалась. Недавно мне поступило новое предложение. От кого? Я пока сохраню это в секрете. Но уверяю, что это тоже режиссер с мировым именем. Причем роль на сей раз никак не связана с моей профессией.

— Широкая публика в нашей стране благодаря усилиям телевидения, уверена, что главной примой-балериной в России является Анастасия Волочкова. Каково ваше отношение к этому?

— Тут не поспоришь, ее знают. Вся ее деятельность направлена на то, чтобы ее знали. Понимаете, она моя коллега. Мы вместе начинали с ней в Мариинском театре. Она выбрала свой путь. Вот весь мой комментарий.

— А что вы скажете на то, что за границей у вас больше поклонников, чем на родине, и вас туда чаще приглашают?

— Не все так просто. Раньше за границей очень ревниво относились к тому, что у них танцует много русских. Да, русские действительно лучше танцуют, и от этого никуда не денешься, но они не хотели в этом признаваться. И раньше так осторожно тебе давали спектакли. А сейчас больше выбора. Мне предлагают в неделю танцевать два спектакля, да еще с разными названиями. Но мне спектакль нужно носить в себе неделю, чтобы вынести на сцену. Невозможно делать каждый день по качественному спектаклю.

— Интересно, а что вы больше любите — спектакли или репетиции?

— Самое любимое — это репетиции. Куда больше, чем спектакли. Спектакль — это огромный труд. На репетициях иногда света не видишь, не понимаешь, где ты и что ты, но все равно продолжаешь работать, потому что это безумно интересно — как ты себя трансформируешь, как ты эмоционально доводишь ту или иную сцену. И ты знаешь, что в спектакле все будет по-другому, но копишь бесконечное количество вариантов любого жеста. Ты все время в диалоге либо с зеркалом, либо с собой, вот почему у меня новая программа будет называться «Диалоги». С самого детства у меня были правильно расставлены приоритеты. Мне сразу дали понять, что в каждом балетном движении есть смысл, есть тема, есть актерская задача. И ради эмоционального, пластического насыщения роли я и работаю каждый день, «точу» под нее свое тело… Эти задачи я ощутила уже в 11 лет.

— Это легенды или правда, что в театре балерины идут на все ради роли?

— Я, конечно, слышала о таких вещах. Но у нашего поколения это, по-моему, не принято. Скорее подобное случалось в прошлом. Конечно, и в наши дни существует борьба за роль, за первый спектакль. Но в большей степени в Большом театре, чем у нас, в Мариинке. Хотя судьбы танцоров ломаются везде.

— Что для вас стоит на втором месте после балета?

— Не на втором, а на первом месте у меня любовь. А балет — это просто другая жизнь. Он стоит для меня совсем отдельно. Это самоутверждение, наверное, рост в человеческом и в профессиональном плане. Но он не стоит ни на первом, ни на втором месте.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18549
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Июл 06, 2011 11:06 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011063107
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Артем ОВЧАРЕНКО
Авторы| Татьяна БЕЛОНОЖКИНА
Заголовок| Артем ОВЧАРЕНКО:
"Балет - это чувства через движение"

Где опубликовано| © «Московская правда»
Дата публикации| 20110630
Ссылка| http://www.mospravda.ru/issue/2011/06/30/article28046/
Аннотация|

В 2007 году по окончании Московской государственной академии хореографии Артем Овчаренко был принят в балетную труппу Большого театра. Буквально во втором сезоне он стал танцевать все ведущие партии. И это при том, что новички обычно танцуют в кордебалете по 3 - 4 года. За 5 сезонов в Большом театре 24-летний Артем Овчаренко прошел путь от артиста кордебалета до первого солиста. На его счету - больше десяти ведущих партий, среди которых Щелкунчик, Ромео, Петрушка, граф Альберт...

Артем живет в Крылатском и говорит, что крайне доволен этим фактом. С одной стороны - далеко от шумного центра, а с другой - на машине до Большого театра удобно и быстро доезжать.

- А лучше всего, - добавляет Артем, - это то, что в свободное время я могу выйти из дома и покормить белок с руки. У нас в парке их много, и это такое удовольствие!

То, что он станет танцовщиком и когда-нибудь обязательно выйдет на большую сцену, Артем твердо решил еще в 11 лет. Увидев по телевизору балет "Дон Кихот", он сразу понял - это его. Любовь к профессии с первого взгляда, с одной стороны, упростила жизнь, так как отпала проблема выбора, но с другой - невероятно осложнила. Профессия артиста балета - непростая, требующая полной отдачи и самопожертвования.

- В детстве я занимался и единоборствами, и плаванием, пробовал себя во многом, - говорит Артем. - Я такой человек, что не люблю, чтобы было легко, мне всегда нужно трудности преодолевать. А в балете именно так - нельзя все сделать сразу, работать надо каждый день.

Родившись в Днепропетровске и закончив там государственную хореографическую школу, он приехал в Москву и буквально сразу же поступил в Московскую государственную академию хореографии.

- С "мужским полом" в балете проблемы - так что берут всех. А потом уже разбираются: подходит - не подходит, - улыбается Овчаренко. - Мне часто задают вопрос: жалею ли я, что пошел в балет? Нет, никогда не жалел. И по сей день не жалею. Я люблю это искусство. И всегда стремился танцевать качественно и разнопланово. Моей главной задачей было выучиться, хорошо "выпуститься" и в дальнейшем ну не то чтобы плыть по течению, а скорее не ломать те двери, которые для меня не открыты.

- Конечно, я рад этому чрезвычайно, - комментирует Артем. - И к тому же вокруг столько людей, от которых можно многому научиться. Сначала я репетировал под руководством Николая Цискаридзе, а ныне моим педагогом-репетитором является Николай Фадеечев.

- Представитель традиционной российской школы балета Фадеечев в свое время пользовался большим успехом у балерин. Он танцевал и с Галиной Улановой, и с Майей Плисецкой, - рассказывает Овчаренко. - Он требует от меня понять партию, прожить ее на сцене. Хорошо, конечно, когда все в гармонии: и техника, и душа. Технические приемы должны быть отработаны на уровне подсознания, чтобы на этой базе полностью раствориться в образе. На мой взгляд, актерство не выходит за рамки балета. Этим наш вид искусства и отличается, например, от спорта. Мы должны передать свои чувства, сыграть своего героя и в то же время показать пластику тела, передать чувства через движения.

- Мы очень отличаемся от европейских артистов, даже процессом тренировок, - добавляет Артем. - Например, на гастролях мы должны сначала отдохнуть, расслабиться, пойти погулять, подышать воздухом нового города, где волею судеб оказались. А потом потихонечку втягиваемся в репетиционный процесс. А европейский танцовщик сразу встанет к станку: утром репетиция, вечером - прогон. Организм к такому ритму, конечно, привыкает, но действия становятся машинальными.

Ныне в Большой театр ходит разнообразнейшая публика. Есть и ценители, и случайные люди, которые надеются увидеть шоу, а не классический балет. К сожалению, отталкиваясь от общего культурного уровня, отношение к балету, к артистам балета в нашей стране весьма странное.

- По сей день в некоторых регионах России мой ответ на вопрос, чем я занимаюсь по жизни, вызывает недоумение: танцовщик? Это балерун, что ли? - грустно улыбается Артем. - А... все с тобой понятно, и какой ты ориентации. На Западе же отношение к искусству, к артистам балета, театра воспитывается с детства. Оно, как бы сказать, с придыханием, что ли. Люди понимают, насколько это сложно, трудно, но и престижно - выступать на сцене. И если ты достиг определенных успехов в профессии, то ты пользуешься успехом и признанием. У нас же до сих пор считается, что танцовщик - не серьезная и не мужская профессия.

Артем добавляет, что ему еще рано серьезно задумываться о будущем. Артисты обычно на сцене работают лет до 36. Но некоторые планы у него, безусловно, есть. В кино, например, сниматься. Так, перечитав Станиславского, он понял, насколько применима его методика в балете. Ведь любая роль требует проникновения в суть вещей, разработки психологических нюансов, чтобы от этого развивать пластику тела.

- Конечно, есть спектакли, для которых я еще не созрел, - говорит Артем. - И я не стремлюсь перепрыгнуть через голову. Надо дорасти и физически, и нравственно. Но я уже и многого достиг, станцевал в том числе много ключевых ролей. Думаю, что полностью с балетом я все равно никогда не покончу. Буду балетмейстером, хореографом. В балете много направлений.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18549
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Июл 07, 2011 4:07 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011063108
Тема| Балет, АВТ, Персоналии, Наталья Осипова, Даниил Симкин, Роман Журбин
Авторы| Маргарита Шкляревская
Заголовок| Доктору Коппелиусу стать Пигмалионом не удалось
Где опубликовано| Русский Базар №78(793)
Дата публикации| 30 июня - 6 июля, 2011
Ссылка| http://www.russian-bazaar.com/Article.aspx?ArticleId=19487
Аннотация|



То, что подарил нам прославленный АВТ в этом сезоне, превзошло самые дерзкие ожидания. Увидеть хотелось всё! Фавориты? Наверно, у каждого свои. Для меня это неповторимая Диана Вишнёва. Но вот не успев оправиться после невероятного эмоционального потрясения, вызванного воистину гениальной «Дамой с камелиями» (подумайте: редкостный талант балерины, спаянный с даром драматической актрисы на фоне музыки Шопена), я снова в в зале Мет. «Коппелия», не раз виденная – в Большом, потом в Перми, ну, а теперь, много лет спустя, здесь, в Нью-Йорке, в АВТ. Нет-нет, это не статья балетного критика, даже не репортаж из театрального зала, - скорей, успевшие «отстояться» и сконцентрироваться трансформировавшиеся в короткую заметку впечатления.
Напомню: точкой отсчёта сюжета стал мрачный и очень страшный гофмановский «Песочный человек». В либретто балета, по настоянию композитора Лео Делиба, от сказки Гофмана осталась разве что канва. Но главное, осталась центральная гофмановская идея: творец, коль наделён он свыше талантом и буйным воображением, способен дать творениям своим жизнь долгую, а может, и вечную. Мысль не новая, ещё в древности художников обуявшая. Всем знаком миф о Пигмалионе, изваявшем статую прекрасной девушки и силой любви оживившем её. Потом были самые разные, поэтичные, а то и устрашающие легенды, о Гомункулусе, например. А у Гофмана?

Доктор Коппелиус одержим желанием вдохнуть жизнь в изготовленные им самим куклы. Но более всего – в любимую свою Коппелию. И он страдает. Оттого, что замысел его, его мечта реальными стать не могут.

Отчего же в нынешней постановке балета образ учёного окарикатурен и показан смешным, злобным и неумным? Трактовка этого философски усложнённого образа в этом чарующей музыкой вознесённом балете по сравнению с первоначальным вариантом изменена. Как любят сейчас говорить – круто.

В 1870-м, в год создания Делибом его шедевра, постановку в Париже осуществил талантливый балетмейстер Артур Сен-Леон. Именно его хореография с безусловно неизбежными коррективами использована была в Петербурге. Записи сохранились, и, эмигрируя в Америку, петербуржец Николай Сергеев привёз их с собой. Вот на их основе, опять же что-то изменив, что-то добавив и убавив, коренным образом переработав трактовку образа Коппелиуса так, чтобы он не диссонировал с заданным спектаклю тоном оптимистичным, и только оптимистичным, создал свой радостный и радостью зрителя заряжающий балет Фрэдерик Фрэнклин. Чему, конечно же, способствовала яркая и многоплановая сценография талантливого Тони Стрэйгеса. Ну, а всякую там философию и мучения не достигшего поставленной цели художника – к дьяволу. У нас у самих неисполненных желаний и разочарований агромадная куча, гора даже. Мы – за оптимизм!
Потому и принимает спектакль публика восторженно, тем более, что сотворил Фрэнклин балет не просто профессионально, но изобретательно и интересно. Каков танец часов! А мазурка и чардаш! Как пляшут очаровательные пейзанки! Кстати, в перечне танцовщиков множество нашенских имён: Кристина Шевченко, Алексей Агудин, Михаил Ильин… И все главные партии исполняют тоже «наши», выученики великой русской школы балета.

Роман Журбин мастерски станцевал колченогого и потешного своего Коппелиуса в бурлесковом ключе, как и было хореографом задумано. Даниил Симкин блестящ, техничен, грациозен. И – Наталья Осипова, прима подлинная, подчинившая себе темп и мажорное звучание роли, на высоком уровне демонстрирующая гармонию всех выразительных средств хореографии. Бойкую свою капризницу Сванильду танцует весело, задорно, неутомимо. И точно так же, не расплескав эмоций, изображает будто бы ожившую милую задумчивую Коппелию, подарив обманутому учёному пару мгновений сладостной иллюзии и страшную горечь проигранной жизни. При всей условности балет, как и всё театральное искусство, бывает нередко пугающе конкретен. Как сама жизнь.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Владимир
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 06.05.2003
Сообщения: 5930
Откуда: Киев

СообщениеДобавлено: Чт Июл 07, 2011 11:53 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011063109
Тема| Балет, балет Пражской государственной оперы, Персоналии, Ульви Азизов
Авторы| Сабина Алиева
Заголовок| Вверх по "балетной" лестнице //
Звезда балета Ульви Азизов принят в труппу Пражской государственной оперы
Где опубликовано| Зеркало.аз
Дата публикации| 20110618
Ссылка| http://www.zerkalo.az/2011-06-18/culture/20481-balet-ulvi
Аннотация|

Вверх по "балетной" лестнице



Звезда балета Ульви Азизов принят в труппу Пражской государственной оперы

К сожалению, многие наши талантливые соотечественники по тем или иным причинам покидают родные пенаты и отправляются на постоянное место жительства за рубеж. Кто-то делает это из-за более выгодных в финансовом отношении предложений из-за границы, кто-то - ради благополучного будущего для детей, но, как бы то ни было, факт остается фактом, и наша страна подаpила миpу многих талантливейших музыкантов, композиторов, ученых...

Звезда балета Ульви Азизов с начала июня 2011 года принят в труппу Пражской государственной оперы в качестве премьера. Его первым спектаклем в новом театре станет балет "Жизель", в котором он исполнит одну из своих любимых партий - партию Альберта.

Пражская государственная опера является знаменитым и одним из красивейших театров Европы. Театр располагается в очаровательном по своей архитектуре здании бывшего Нового немецкого театра, построенного в 1888 году. Пражская государственная опера славится богатыми художественными традициями.

На ее сцене выступали такие выдающиеся музыканты и исполнители, как Энрико Карузо, Беньямино Джильи, Густав Малер, Лилли Леман, Александр Цемлинский, Георг Селл, Рихард Штраус. Балет Пражской государственной оперы в лучших традициях представлен классическими постановками: "Лебединое озеро", "Жизель" и "Золушка", а также балетами современной хореографии, такими, как "Спящая красавица" (хор. Ю.Вамош), "Фантом оперы" (хор. Л.Вацулик) и др. В январе 2012 года ожидается премьера классического балета "Дон Кихот".

Напомним, что недавно в Уфе на XVI фестивале балетного искусства имени Рудольфа Нуреева азербайджанская звезда балета Ульви Азизов получил международную премию "Тюрксой" за вклад в развитие танцевального искусства и высокий уровень профессионального мастерства. Солист Латвийской национальной оперы, первый и пока единственный лауреат этой премии в области балетного искусства У.Азизов выступил в гала-концерте фестиваля. Отметим, что Ульви Азизов - сын народного артиста Азербайджана Рафика Азизова. Окончив в Баку хореографическое училище, он с семьей переехал в Турцию, где продолжил карьеру. В настоящее время работает в Латвии. У.Азизов - одна из самых ярких звезд балета этой прибалтийской страны. Ульви влился в труппу Латвийской национальной оперы в 2007 году. "Труппа у нас хорошая, и город хороший, очень удобный для артистов, нацеленных на международную карьеру, и Москва с Питером близко, и в любые стpаны Европы попасть легче легкого; ну а главное - в Риге азербайджанский танцор нашел себе замечательную жену", - пишет газета "Бизнес & Балтия". Ульви сейчас 26. Он созрел для рывка. "Тебе могут говорить, что эти спектакли не для тебя, что ты не можешь танцевать принцев, что ты характерный актер, трюкач (я вообще не понимаю, что такое трюкачество: это виртуозность, что ли?), но я ведь еще молодой, мне еще расти и расти, мне есть куда развиваться", - говорит Ульви.

"Выступать на азербайджанской сцене, по моему мнению, очень почетно и волнительно, но в то же самое время очень приятно. Мне кажется, какие бы звания ты ни получал, в каком бы звездном статусе ни находился бы, каждый раз, выходя на сцену, нужно доказывать свое мастерство. Зритель ведь все видит и все понимает. Но, где бы я ни работал, где бы я ни жил, я всегда остаюсь азербайджанцем, всегда буду представлять свою страну", - говорит У.Азизов.
_________________
"Неважно, почему значительное стало незначительным. Стало, и все тут." © Льюис Кэрролл
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3 ... 13, 14, 15, 16  След.
Страница 14 из 16

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика