Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2011-04
На страницу Пред.  1, 2, 3 ... 13, 14, 15, 16, 17  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20411
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Апр 29, 2011 9:37 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011042901
Тема| Балет, фестиваль оперного и балетного искусства «Сыктывкарса тулыс», Персоналии, Ульви Азизов
Авторы|
Заголовок| Харизма принца //
Европейская звезда — на сыктывкарской сцене

Где опубликовано| газета «Трибуна» (Коми)
Дата публикации| 20110429
Ссылка| http://www.tribuna.nad.ru/modules/news/article.php?storyid=7467
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Подходит к завершению фестиваль оперного и балетного искусства «Сыктывкарса тулыс». Как правило, руководство театра приглашает на главное культурное событие года звезд мировой и российской сцены. На этот раз одним из гостей стал «звездный» танцор — артист Национальной Оперы Украины, Пражской Государственной оперы, Словацкого Национального Театра Ульви Азизов. Мы встретились с артистом в гримерке, где он отдыхал между репетициями.

Ульви всего 26 лет, и он уже успел станцевать во Франции на сцене Гранд Опера. Кстати, там он тоже танцевал «Спящую красавицу». Вообще, этот балет, можно сказать, для Ульви — «коронный». Он танцевал принца Дезире уже 40 раз!

— Не надоело? — спросили мы его.

— Я же Чайковского танцую — как он может надоесть? — удивился Азизов. — Эта роль мне близка. Я люблю играть, показывать все эмоции, которые переживает герой, ведь словами мы ничего не можем выразить, говорю не только танцем, но и мимикой.
Ульви считает, что его европейская балетная школа несколько отличается от российской — танцоры динамичнее и легче. Знатоки искусства это сразу видят на сцене. Правда, острые языки после открытия фестиваля поговаривали, что в «Спящей красавице», на которую зрители раскупили билеты аж за две недели до представления, артисты не «станцевались». Мол, не всегда попадали в такт музыке. Ульви, конечно, не скрывал досады по поводу шероховатостей, тем более что на репетициях все было отработано четко. Но пообещал, что «Лебединое озеро», где он танцует принца Зигфрида, «пройдет шикарно».

— Для меня нет разницы, где я танцую. В каком бы я ни выступал театре, у меня всегда есть напор, желание зацепить зрителя. Я хочу, чтобы люди наслаждались искусством, а для этого нужна харизма.

По словам Ульви Азизова, в Европе, где он работает, классическое искусство очень популярно, а цены на билет составляют 80-90 евро. И даже кризис не заставил людей отказаться от посещения театра, наоборот, они теперь меньше тратятся на развлекательные мероприятия и чаще обращаются к классике. Она вдохновляет и заряжает позитивом.

В Россию Ульви приехал всего во второй раз, а в Сыктывкаре вообще впервые. Город он пока не успел толком увидеть, а по поводу приема отметил, что сейчас уже не модно проявлять звездную болезнь и капризничать перед организаторами, опаздывать на репетиции или встречи.

— Каждый раз я выхожу на сцену, чтобы по-новому доказать, что способен и достоин это танцевать, — поделился Ульви Азизов. — И, конечно, накануне спектакля долго не могу уснуть, переживаю. Зато в такие моменты находит озарение. Например, сейчас, пока я один сидел в отеле и долго не мог уснуть, в голове поставил два новых номера, придумал танец и музыку.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20411
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Апр 29, 2011 9:44 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011042902
Тема| Балет, Екатеринбургский театр оперы и балета, Персоналии, Алексей Насадович
Авторы| Наталья ПОДКОРЫТОВА
Заголовок| Принц, которому хочется станцевать негодяя
Где опубликовано| © «Областная газета» (Свердловская обл.)
Дата публикации| 20110429
Ссылка| http://www.oblgazeta.ru/home.htm?st=13-1.sat&dt=29.04.2011
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


На ведущего солиста Екатеринбургского театра оперы и балета, заслуженного артиста России Алексея Насадовича зрители ходят. В смысле не просто на «Лебединое озеро» или «Щелкунчик», а конкретно на пару Маргарита Рудина-Алексей Насадович. Местные балетоманы только им ведомыми путями узнают, когда они танцуют, и скупают билеты.

Он станцевал практически все ведущие мужские партии классического репертуара, но всегда хотел вырваться из амплуа принца.

— На других сценах стараемся танцевать не то, что в театре. Да и заказывают не «Лебединое…», не «Спящую..». Все хотят что-то новое. За границей, когда работали, танцевали и в современных постановках.

— У вас есть замечательная «Элегия» на музыку Рахманинова.

— Да, и её очень непросто танцевать: надо особо настроиться, выложиться, надо сильно чувствовать. Эффект ошеломляющий. Всегда им наслаждаемся.

— А Зигфридом, Щелкунчиком наслаждаешься, танцуя в сотый раз?

— Я столько перетанцевал постановок «Лебединого» и за границей, и здесь. Со стороны кажется — один и тот же балет, но это не так: разнятся режиссёрские акценты, трактовки либретто. Делать одни и те же движения, выдавать одинаковые эмоции (а кто-то требует так!), по-моему, неправильно. Я ведь каждый день себя чувствую по-другому, мой камертон настроен иначе.

— Насколько ты самостоятелен в создании образа? Ведь сверху давят гений Петипа, очередной балетмейстер-постановщик…

— Раньше безукоризненно исполнял требования режиссёра. Сейчас слушаю, не спорю, а выхожу и делаю по-своему. У меня всегда есть своё отношение к роли. Можно сделать вроде бы так же, но одно движение будет другое, второе — только твоё. Со временем меняешься сам, твоя пластика. Одно и тоже танцевать не интересно.

— А сам балет, не твой личный танец, сильно изменился?

— Я уже в училище танцевал в спектаклях: и в кордебалете, и небольшие сольные партии. Когда произошел пролом — перестройка — в страну хлынуло всё, что было на западе. У них развитие шло по-другому, хотя большой толчок мировому балету дали наши танцовщики — Макарова, Барышников, Нуриев, Годунов. А начиналось всё с Дягилева, Сержа Лифаря, которые взорвали балетную бомбу. Виноградов делал своё в Питере, Григорович — в Москве, но всё равно — как в консервной банке. Потом случился прорыв. То, что мы делали на конкурсах и что казалось классным, сегодня с лёгкостью исполняют все молодые. Техника такая, что нам и не снилось. В этом смысле балет очень вырос. Но актерство, нутро — этого часто нет. Сейчас в учёбе акцент на технику, а раньше на другое упирали.

— Форма для танцовщика, безусловно, важна, но без чувств на сцене будут одни движения, а не танец…

— Душа — самое главное в балете. Передать страдания, переживания, внутренний мир героев, даже принцев — искусство. Ещё до репетиции надо набрать багаж. Иначе будешь только ноги поднимать и прыгать. Надо знать не просто историю персонажей, но и понять их, почувствовать эпоху, вжиться в неё и тогда роль может получиться. Я танцевал «Баядерку» в старинном итальянском замке, в живых декорациях. «Спартака» в Испании в амфитеатре: сзади стояли настоящие колонны, ряды зрителей, натуральная акустика. Как в другой эпохе побывал. И это совсем другой танец, чем на сцене. И перед каждым спектаклем испытываешь мандраж.

— До сих пор?

— Жуткий мандраж! Другое дело — научился его контролировать. Но обязательно должен быть: потом он переходит в космическую энергию, которую выплёскиваешь. Если бы на сцене была штанга, я бы её поднял, такая дикая энергия в тебе. Удивительное состояние, когда замечаешь любой шорох в зале, чувствуешь дирижёра, каждый инструмент… Скрипка или виолончель звучит — танцуешь по-разному. От состояния музыкантов многое зависит, особенно в сольных партиях.

— Так бывает с каждой ролью?

— Да. В «Щелкунчике» столько драматизма, музыка просто страшная. В адажио я чуть не плачу, такие чувства набегают, такие жизненные параллели…В «Жизели» много затрат души, переживаний. Харрисон Форд как-то признался: сложнее всего показать свои слёзы. Когда научишься не скрывать своих чувств на сцене, тогда действительно состоялся как актёр. Выхлестывать эмоции так, чтобы зритель поверил, что всё натурально, что это не показное — самое важное в любом театре.

— Плачешь на сцене?

— Конечно. в «Жизели» в конце слёзы настоящие, я чувствую, что «натворил», раскаиваюсь перед смертью любимой. А иначе зачем вышел на сцену? Только сделать кабриоль или пируэт? Единственное, что зрителю никогда нельзя показывать — усталость. Только в «Жизели» II акт так поставлен, что вилисы Альберта до смерти затанцовывают и он смертельно устаёт. Это самый тяжёлый спектакль, и каждому балетному надо его хотя бы порепетировать. Вынести его — равно получить золотую медаль в спорте. Физически, эмоционально очень сложно.

— С «Дон Кихотом» не сравнить?

— Нет. Там техника на грани фантастики, но всё весело, игрово, гротесково.

— Ты ведь театральный ребёнок, вырос за кулисами?

— Родители занимались пантомимой, их друзья — артисты, художники, музыканты, поэты. Среди них был и Александр Деменьтев (главный балетмейстер Свердловского театра оперы и балета в 80-е годы. — Н.П.). Увидев, как я маленьким танцую, сказал, что я балетный мальчик, чувствую музыку… Он меня всегда оберегал и подталкивал.

— А Маргарита Петровна (Маргарита Окатова — знаменитая балерина, мама Маргариты Рудиной. — Н.П.) причастна к вашему творчеству?

— Когда мы только начинали с Ритой танцевать вместе, она учила видеть свои недостатки, чтобы потом на сцене их прятать, вытаскивать самое хорошее. Она, как и Клавдия Григорьевна Черменская, у которой я учился, оставляет танцовщику право выбора, не навязывает ничего, помогает раскрыть каждому своё.

— В паре вы равноправны с Маргаритой?

— На репетициях я часто слушаю её: она сейчас в блестящей форме. А выходим на сцену, танцуем — ни о чём не думаю. Мы не только чувствуем друг друга, живём друг другом.

— Был период в театре, когда вы держали весь репертуар, танцевали по десять спектаклей в месяц…

— Да. Но мы не ощущали себя спасителями театра. Репертуар был огромный, и мы смогли себе позволить станцевать очень много. Это колоссальный опыт.

— Что, кроме балета, для вас столь же значимо?

— Мы, конечно, повернуты на балете. Дома говорим только о нём, много смотрим записей, на работе только о балете, с друзьями только о балете. Очень любим море. Каждый год стремимся туда и по работе, и отдохнуть. Это единственный отдых для меня — долго на берегу лежать.

— Что из нестанцованного интересно?

— Я бы не от чего не отказался. Интересно всё пробовать, мы же артисты. Нуриев, Барышников, что бы ни танцевали, всегда оставались сами собой. Не хочу себя с ними сравнивать, но точно знаю, что никто не сделает, как я, есть то, что только моё. Я хочу много танцевать. Разного. И никого не копировать.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20411
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Апр 29, 2011 9:53 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011042903
Тема| Балет, История, Персоналии, Серж Лифарь, Сергей Прокофьев
Авторы| Александр Чепалов
Заголовок| Конфликт «На Днепре»
Где опубликовано| «Зеркало недели. Украина» №16
Дата публикации| 20110428
Ссылка| http://www.zn.ua/articles/80322
Аннотация|

В конце апреля весь мир отмечает Международный день танца. К этому событию приурочен выход первого номера журнала «Танец в Украине и в мире». Он издан в Харькове. Презентация издания состоялась в Киеве — в Национальном центре театрального искусства имени Леся Курбаса. А героями первого номера стали яркие и уникальные личности из мира хореографии: Наталья Макарова, Борис Эйфман, Марта Грэхем, Раду Поклитару, Вадим Писарев, Вадим Елизаров, Алексей Литвинов, Анна Дорош и многие другие. Один из сюжетов первого номера, который и предлагается вниманию читателей ZN.UA, посвящен малоизвестной истории сотворчества Сергея Лифаря и Сергея Прокофьева.

Лишь раз, в 1930 году, уже находясь на должности главного балетмейстера Гранд-опера, Лифарь рискнул поставить балет о недавнем прошлом своей родины. Посвятил его памяти Сергея Дягилева. И заказал музыку Сергею Прокофьеву, в балете которого «Стальной скок» принимал участие в 1927 году.

Лифарь не захотел воссоздавать «экзотику» раздора времен гражданской войны и апофеоз индустриального подъема советского государства. Это уже делали до него. Не имея опыта либреттиста, он набросал свой замысел композитору лишь в общих чертах. Неопределенность отразилась и в первоначальном названии балета «В воскресенье вечером». В музыкальном плане Лифарь определил для композитора только чередование разнохарактерных номеров. Конкретных задач по характеристике действующих лиц перед Прокофьевым никто не ставил. Когда музыка уже была создана, Лифарь приспособил к ней довольно наивное либретто по канонам «любовного треугольника» о красноармейце Сергее, возвратившемся в родное село. Парень влюбляется в красавицу Ольгу, оставив бывшую невесту Наталью. Поскольку родители Ольги прочили ей другого жениха, возникает конфликт с последующей потасовкой. Сергей терпит поражение, его жизнь в опасности, но самоотверженная Наталья помогает влюбленным бежать из села.

Подготовку к балету омрачил внезапный уход из спектакля Ольги Спесивцевой, у которой была главная женская роль. Спесивцева успешно выступала с Лифарем в парижской опере и, как он утверждал, пылала к нему безответным чувством. В своей книге «Три грации» танцовщик описал, как их личные отношения сказались на ходе репетиций балета, героини которого были названы Наташей и Ольгой. Поскольку в это время Лифарь, исполнявший роль Сергея, был увлечен балериной Натальей Палей, Ольга Спесивцева восприняла это как издевательство над своим чувством. Всегда склонная к чрезмерному выражению эмоций, Спесивцева поняла либретто так, что в балете Лифарь подсознательно или намеренно указал, с кем герой должен был найти свое счастье. И когда он стал репетировать любовный дуэт с Натальей, попыталась выброситься из окна. Лифарь пишет, что ему с пианистом Леонидом Гончаровым едва удалось втащить Спесивцеву обратно. Она отчаянно сопротивлялась, царапалась, а на следующий день не явилась на репетицию, заявив, что оставляет Оперу навсегда.

Новое балетное произведение получило окончательное название «На Днепре» (Sur Le Borysthиne). В анонсе Лифарь писал, что спектакль «передает атмосферу бескрайних степей, широких живых красок и особого лиризма, присущего только нашему народу». В нем постановщик старался показать несколько «гоголевских» черт Малороссии: «Все здесь— народный пляс, грусть, ссора, любовь — все происходит и меняется с быстротой развертывающегося фильма».

На самом же деле несогласованность между либреттистом-постановщиком и композитором была просто катастрофической. Она внесла коррективы и в эмоциональное содержание спектакля. Не впечатлял тихий, умиротворенный финал балета, отсутствие сюжетной разработки привело к умозрительности, а ритмическая свобода партитуры вызвала упреки постановщика, считавшего что балет будет трудно танцевать. Конфликт привел к судебному разбирательству: Лифарь отказался платить Прокофьеву оговоренную сумму. Тем не менее процесс закончился победой автора музыки.

Премьера «Борисфена» состоялась в 1932 году, то есть через два года после создания партитуры. Балет выдержал лишь шесть представлений, хотя главную роль Сергея исполнял сам Лифарь, танцовщик, к которому зрители относились с особым пиететом. Критики отмечали «не очень органичное объединение классики и модерна, несколько искусственным было и использование украинско-русских мотивов в оформлении художника Ларионова и в отдельных танцах».

Один из известнейших деятелей русского театра князь Сергей Волконский, к тому времени парижский эмигрант, назвал содержание балета постным и невыразительным. «Это был не Днепр, — писал Волконский, — а какой-то схематический «Днепрострой». Критик имел в виду оформление с имитацией кирпичных зданий и стального сооружения, напоминавшего творение Эйфеля и казацкую сторожевую башню. Волконский увидел в балете неубедительный конгломерат образцов классического, характерного и гротескового танца. Не лучше, по его мнению, были и костюмы, вопреки названию, не имевшие определенных национальных черт: «товарищи главного героя одеты как бельгийские военные, женщины в кисейные юбочки, а головные уборы у них наподобие кокошника».

Балет считался безнадежно провальным до 2009 года, когда другой киевлянин Алексей Ратманский, сменивший Большой театр России на АDT, поставил его в Нью-Йорке. Разумеется, он мало что знал об опыте Лифаря и потому придумал свою версию, посвятив ее памяти великого предшественника.

Значение Лифаря-балетмейстера в хореографическом искусстве ХХ столетия и силу влияния его личности трудно переоценить. Период его руководства балетом Гранд-опера в Париже справедливо называют «эпохой Лифаря» (она продолжалась с некоторым перерывом с 1930-го по 1977 год). Франция отметила заслуги артиста орденом Почетного легиона и памятной медалью с его профилем. Кроме того, Лифарь был признанным теоретиком танца, имел незаурядное литературное дарование, которое отразилось на стиле его мемуаров и историко-теоретических работах. Прежде всего это воспоминания о С.Дягилеве и автобиографические произведения «Страдные годы», «Мемуары Икара». Лифарь-Икар (этот образ связан с наиболее характерным в его творчестве балетом) писал о воодушевленных взлетах в жизни и творчестве и минутах горького отчаяния. Он также старался пояснить истинные причины собственных поступков в общественно-политической жизни и характер отношений с коллегами, обосновать свой личный вклад в хореографическое искусство.

«Танец — искусство, которое я чувствую в любое мгновение моей жизни, которое ощущаю в себе как начальный элемент своего существа. Все мое мировосприятие жизни зависит от моей психологии танцовщика», — написал Серж Лифарь в одной из биографических книг.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20411
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Апр 29, 2011 9:57 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011042904
Тема| Балет, История, Персоналии, Александра Федорова
Авторы| Оксана ДЕМЕНТЬЕВА
Заголовок| Александра Федорова: основательница латвийского балета
Где опубликовано| «ЧАС»
Дата публикации| 20110429
Ссылка| http://www.chas-daily.com/win/2011/04/29/g_016.html?r=33
Аннотация|

Сегодня, 29 апреля, в международный День танца (отмечается с 1982 года по решению ЮНЕСКО), стоит вспомнить о судьбе известнейшей танцовщицы дореволюционной России - Александры Федоровой. Тесным образом жизнь этой удивительной женщины оказалась связана с Ригой. Рассказ об этом - в нашей рубрике «Русские портреты».



Рождение танца

Рассказывает председатель Рижского славянского исторического общества Олег Пухляк:

- Нелегким было становление балета в Латвии после Первой мировой войны - все приходилось начинать практически с нуля. Огромный вклад в развитие этого искусства внесла группа единомышленников, в которой Федоровой принадлежал далеко не последний голос.

Что же было после войны? Великолепное здание Латвийской национальной оперы - бывший Первый городской (немецкий) театр. Однако одного только здания для балета мало - нужны танцовщики и постановщики, которых на тот момент не было.

В 1922 году весьма кстати в Риге оказался бывший балетмейстер Мариинского театра Н. Г. Сергеев, которому было предложено возглавить балетную группу Национальной оперы. Работать приходилось в трудных условиях: в труппе насчитывалось лишь 10- 12 танцовщиков, и говорить о регулярных балетных спектаклях было верхом оптимизма. В лучшем случае речь могла идти о танцевальных номерах в рамках оперных постановок.

Тем не менее Сергеев сразу же, в 1922 году, основал частную балетную студию, которая была ориентирована на перспективу - на воспитание местных балетных кадров. А в театр в качестве балетмейстера и прима-балерины была приглашена бывшая солистка Мариинского театра Александра Федорова.

Терпение и труд

- Балерина родилась в Петербурге, в 1902 году окончила хореографическое училище, - продолжает Олег Пухляк. - Она с успехом танцевала не только на отечественной сцене, но и участвовала в знаменитых зарубежных сезонах русского балета, организованных Сергеем Дягилевым.

Муж балерины, А. М. Фокин, был основателем и директором петербургского Троицкого театра, который давал домашние спектакли престолонаследнику цесаревичу Алексею, брат мужа Михаил Фокин - гордость и слава русского балета. Однако почивать на лаврах балерине не довелось: революция, национализация театра, смерть мужа, высылка в Вологду, а затем переезд в Тифлис... Наконец - эмиграция в Латвию, где нужно было заново обустраивать свою жизнь, доказывать свой профессионализм.

Приступив к работе в Латвийской национальной опере, Александра Федорова основала свою балетную студию, пополнила труппу новыми танцовщиками. Великолепно владея традициями классического балета, зная множество постановок не понаслышке, а разучивая их под руководством самих создателей, она охотно передавала свои знания ученикам. Уже в 1926 году Рига рукоплескала блестящим постановкам популярных классических балетов, среди которых были «Лебединое озеро» Чайковского, «Коппелия» Делиба и «Раймонда» Глазунова.

Только классика

- Федорова выступала последовательной сторонницей классического балета, - говорит Олег Пухляк. - С 1928 по 1932 год она поставила на сцене Латвийской национальной оперы «Щелкунчика», «Спящую красавицу», «Дон Кихота» и «Жизель». Сторонники классической школы видели в этом ее заслугу, зато любители современного танца считали приверженность балерины к классике недостатком.

Используя свои старые знакомства, Федорова организует гастроли в Риге известнейших мастеров русского балета Карсавиной, Обухова, Преображенской. В 1927 году в балетную группу пришла бывшая солистка Ленинградского театра оперы и балета (бывшего Мариинского) Елена Тангиева-Бирзниеце. В 1929 году событием стали гастроли выдающегося русского танцовщика и балетмейстера М. Фокина.

В 30-е годы происходят значительные изменения во внутренней политике Латвии, отразившиеся и на развитии культуры. В театральном сезоне 1932- 1933 годов меняется руководство балетной труппы, и Федорова уже не работает в Латвийской национальной опере. Но она не отчаивается и сосредоточивается на своей частной балетной студии. Ее воспитанники регулярно участвуют в показательных выступлениях и часто бывают украшением различных публичных торжеств. В 1936 году пресса констатировала, что в каждом балетном спектакле Латвийской национальной оперы участвуют в среднем 20- 30 учеников студии Федоровой. Приглашенная руководить балетом в Каунасе (Литва), она все же не оставила и своей рижской студии, живя в двух городах попеременно.

Именно Александра Федорова по праву считается основательницей рижской балетной школы. В преддверии Второй мировой войны, в 1938 году, балерина покинула Латвию и некоторое время жила в Европе. Затем она поселилась в США, где ей предстояло прожить долгие, отнюдь не простые годы.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20411
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Апр 29, 2011 10:00 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011042905
Тема| Балет, АВТ, Персоналии, ИТЕН СТИФЕЛ
Авторы| Нина Аловерт
Заголовок| ИТЕН СТИФЕЛ покидает АБТ
Где опубликовано| Русский Базар №69(784)
Дата публикации| 28 апреля - 4 мая, 2011
Ссылка| http://www.russian-bazaar.com/article.aspx?ArticleID=19136
Аннотация|

Начиная с последних десятилетий прошлого века, ведущие танцовщики балетных театров, покидая сцену, все чаще становятся артистическими директорами различных балетных трупп (до этого во главе балетных театров, как правило, стояли хореографы, оставившие сцену ради балетмейстерской деятельности и определявшие направления хореографического искусства ХХ века). Следующим в этом ряду станет Итен Стифел, 38-летний премьер Американского балетного театра. С сентября он становится директором Королевского балета Новой Зеландии.

Стифел собирался заканчивать свою балетную карьеру в этом весенне-летнем сезоне, выступая с труппой АБТ на сцене Метрополитен-опера, но решил отказаться от участия в спектаклях. Будучи руководителем балетной школы при Университете в Северной Каролине, он должен выполнить свои обязательства перед школой прежде, чем уедет в Новую Зеландию.


«Я очень сожалею, - сказал танцовщик, - что не смогу выступать с моими коллегами по АБТ перед нью-йоркскими зрителями».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20411
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Апр 29, 2011 10:03 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011042906
Тема| Балет, театр Бориса Эйфмана, Гастроли, Персоналии,
Авторы| Нина Аловерт
Заголовок| ТРУППА ЭЙФМАНА В АМЕРИКЕ
Где опубликовано| Русский Базар №69(784)
Дата публикации| 28 апреля - 4 мая, 2011
Ссылка| http://www.russian-bazaar.com/article.aspx?ArticleID=19137
Аннотация| ГАСТРОЛИ

Со второй половины апреля до первой половины мая в Америке гастролирует театр Бориса Эйфмана. Эйфман привез на гастроли новый вариант своего балета «Дон Кихот, или Фантазии безумца».

Хореограф впервые создал свой балет в 1994 году, перекроив музыку известного классического балета и создав спектакль по собственному сюжету. Только в «испанских сценах» остались ассоциации со знаменитым балетом М. Горского.
Дон Кихот в балете Эйфмана – главное действующее лицо ( в отличие от классического балета, где этот герой – второстепенный персонаж), а сам балет – одна из самых причудливых фантазий хореографа.

«В балете «Дон Кихот» герой балета - один из обитателей сумасшедшего дома, и не случайно: модель спектакля взята из нашей жизни, - говорит Эйфман о своей постановке. - Больной, представляющий себя Дон Кихотом, хочет одаривать людей добротой, заботой, любовью, но неужели это стремление - признак психического отклонения?.. Если так, то да здравствует фантазия безумца, которая дает возможность хотя бы в мечтах выстроить мир по законам гармонии, которая способна преодолеть косность бытия и пошатнуть укрепившиеся позиции зла, в которое погружено человечество».

Балет идет в Америке с огромным успехом, а газета «Чикаго трибюн» назвала «Дон Кихот» лучшим произведением Эйфмана.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20411
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Апр 29, 2011 10:33 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011042907
Тема| Балет, Национальная опера Украины, Персоналии, Анна Дорош
Авторы| Людмила Ткаченко
Заголовок| Прима-балерина поведала о секретах театральной сцены
Где опубликовано| «Известия в Украине»
Дата публикации| 20110427
Ссылка| http://izvestia.kiev.ua/article/5670
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Прима-балерина Анна Дорош десять лет танцует на сцене Национального театра оперы и балета Украины. О театральных кланах, исчезновении из репертуара лучших спектаклей, и почему киевляне могут остаться без артистов балета, она рассказала «Известиям в Украине».



В Киев через Новосибирск

известия:
Как вы стали балериной Национальной оперы Украины?

анна дорош: Не сразу. После окончания Новосибирского хореографического училища мы с мужем Максимом Чепиком стали солистами Новосибирского театра оперы и балета, одного из самых больших в Европе. Но его закрыли на реставрацию, и мы приняли предложение театра в Днепропетровске. Нам предоставили прекрасные условия: квартиру, ведущих солистов и приличную зарплату. Конкурсы, первые награды и признание были там. А потом сказалась периферийность. В таких случаях творческий человек радикально меняет свою жизнь, и мы с Максимом пришли на просмотр в Киевскую оперу, станцевали «Лебединое озеро». В тот же вечер в кабинете Анатолия Шекеры решали нашу судьбу. Я и муж тогда уже имели звания заслуженных артистов Украины и конкурсные награды: две серебряные, Гран-при и золотые медали. Обойдя все кланы, а в творческих коллективах по сей день процветает клановость, мы легко вошли в репертуар и начали работать на столичной сцене.

и: Какие спектакли стали любимыми?

дорош: «Спящая красавица» и «Лебединое озеро» Чайковского. Раньше я могла сказать, что люблю только это. Теперь, когда балетные спектакли идут крайне редко и появилась очередность, скучаю по «Жизели». Этот балет может у меня быть в октябре, а потом только в мае. А если не танцуешь полгода «Жизель», то безумно любишь эту партию. Точно также с «Кармен»: станцевала ее в октябре, а следующую — в июне. Но «Спящая красавица» все-таки дороже. В юности я готовила ее с великой русской балериной Мариной Семеновой, ездила к ней в Большой Театр целых пять лет. Для меня Семенову приглашали даже в Днепропетровск. Сейчас ей 102 года, и она в добром здравии, продолжает консультировать балерин. Я уважаю ее больше всех на свете. Ведь ее «Спящая красавица» — это сплав хореографической фантазии, танцевальной техники и классического стиля в сочетании с роскошной музыкой Чайковского.

и: Какая постановка «Спящей красавицы» вам ближе: ироническая конца ХХ века или торжественная ХIX?

дорош: Я танцевала и ту и другую. Но все претерпевает изменения во времени. Вариант XIX века скучный для сегодняшнего дня, потому что там преобладает женский балет. За последние 100 лет мужской танец так вырос, что роль партнера стала очень интересной. Версия Григоровича, которая сейчас идет в Киеве, тоже раритет. Она такая тяжелая, что с ней мало кто в театре справляется. Однако главные каноны остаются. На этот спектакль ходят в основном балетоманы. Они называют «Спящую красавицу» балетом эксклюзивной эстетики и индивидуального мастерства. И если артист может осилить этот спектакль, то все остальные будут исполнены достойно.

Балет в консервной банке

и:
Каким видите будущее киевского балета?

дорош: Нужно что-то менять. Мне, например, больно, что из нашего репертуара убирают классические балеты, а ставить новые никого не приглашают. А как развиваются Москва, Петербург, Новосибирск! Они приглашают балетмейстеров, художников, дирижеров. У нас эта возможность есть только у оперы. Приятно вспомнить, как в течение пяти лет на оперные постановки приезжали итальянцы. Я с удовольствием ходила на эти спектакли. А балет оказался в консервной банке. Молодые, способные артисты уезжают. Не сегодня-завтра может случиться так, что театр останется без исполнителей балета. Вы слышали, чтобы у нас проводился фестиваль? Даже от конкурса Сержа Лифаря отказались — Донецк забрал. Какой молодец Вадим Писарев! А ведь и мы не коммерческий частный театр, а Национальный театр Украины. И если президент в государстве меняется через пять лет, то у нас в театре власть сидит уже одиннадцать! За это время «Спящая красавица» идет один-два раза в год, в начале сезона и сейчас. «Баядерка» — тоже редкий гость на сцене. Стабильно только «Лебединое озеро».

Из репертуара сняли великолепный по хореографии балет Олега Виноградова «Тщетная предосторожность», который идет в Большом театре, в Минске, в Европе. Это французская комедия с немудреным сюжетом, и хотя ей больше двух веков, она остается модной и имеет большой успех у публики. Также сняли «Весну священную» Стравинского, «Картинки с выставки» Мусоргского, «Барышню и хулигана» Шостаковича. Могу назвать еще массу спектаклей! Зато мы пролонгируем «нафталиновые» постановки, которые никому не нужны. Среди молодых танцовщиков процветает угодничество, что подавляет личность. Я могу позволить себе эту критику, потому что статусная танцующая балерина. Мне все равно, будет в театре это начальство или придет новое. Я станцевала почти все, что хотела. А что будет дальше с театром, мне страшно подумать! Молодые не хотят здесь оставаться, уезжают из страны.

Руки мужа

и:
Говорят, что ваш муж внешне похож на Сержа Лифаря?

дорош: Не только внешне, но и по технике танца. Мы сидели в училище за одной партой восемь лет, и вот уже 23 года живем и танцуем вместе. Он прекрасный партнер, муж и отец. Правда, есть у нас отдельный друг от друга репертуар. Но такие руки, поддерживающие балерину, как у моего мужа, найти очень трудно. Мы растим двух дочерей: старшей тринадцать, младшей шесть лет. Теперь многие танцовщики балета стали создавать семьи. Дочери Елены Филиппьевой шесть лет, у Вадима Писарева трое детей, хотя его жена тоже балерина, народная артистка Украины.

и: Сын Писаревых Андрей теперь работает с вами?

дорош: Да, я вводила его в балет «Щелкунчик», хотя по этому поводу язвили, мол, я с ним выгляжу, как с сыном, а буду танцевать «Щелкунчик»... Но я не реагировала, целый месяц репетировала, сильно уставала. Он парень способный и трудолюбивый — это то, что нужно для балета.

и: Киевский зритель достаточно подготовлен для восприятия балета?

дорош: Думаю, мало. Я часто просматриваю отклики на наши спектакли в интернете. К сожалению, не нахожу квалифицированной оценки ни зрителей, ни театральных критиков. А ведь сайт — это виртуальное лицо театра. Иметь артистов оперы и балета мирового уровня и не иметь нормального сайта — это нонсенс!

Вот недавно был юбилей Владимира Кожухаря, великого режиссера, но никто не постарался сделать это событие знаковым. Мне было стыдно за наш театр. А несколько дней назад коллектив облетела еще одна ошеломляющая новость: регулируя штатное расписание, упразднили должность главного дирижера и освободили Владимира Кожухаря от работы... А ведь это мировой бренд!

и: Вы хотели бы что-то изменить в своей жизни, если бы вдруг появилась такая возможность?

дорош: В юности я была на конкурсе в Париже. Там впервые увидела великого русского танцовщика Рудольфа Нуриева. Он тогда был уже очень болен, передвигался в коляске. И вдруг меня пригласили на работу в Гранд Опера. Рудольф Хаметович, узнав об этом, посоветовал принять предложение. Но я струсила. Советский Союз тогда трещал по швам, я только-только вышла замуж и боялась потерять мужа. Да и не хотелось уезжать из страны. А вот сейчас могла бы согласиться — и судьба сложилась бы совсем иначе. Но с другой стороны, то, что у меня есть сегодня, ни с чем несравнимо. Я ценю мою замечательную семью, детей, работу, коллег и публику.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пт Июл 15, 2016 5:53 pm), всего редактировалось 3 раз(а)
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20411
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Апр 29, 2011 11:04 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011042908
Тема| Балет, Самарский академический театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Владимир Васильев
Авторы| Армен Арутюнов
Заголовок| Балет по Чехову
Где опубликовано| «Новая газета в Поволжье»
Дата публикации| 20110427
Ссылка| http://www.novayasamara.ru/content/%D0%B1%D0%B0%D0%BB%D0%B5%D1%82-%D0%BF%D0%BE-%D1%87%D0%B5%D1%85%D0%BE%D0%B2%D1%83
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

В минувшие выходные любителей балета ждала очередная яркая премьера в Самарском академическом театре оперы и балета. На сцене театра был поставлен балет «Анюта», ради которого в Самару впервые приехал выдающийся русский артист балета и балетмейстер, народный артист СССР Владимир Васильев.



Балет «Анюта» был создан в 1982 году и задумывался как фильм-балет, сценаристом и режиссером которого стал Александр Белинский. В основу сюжета лег рассказ А.П. Чехова «Анна на шее». Балет поставлен в хореографии Владимира Васильева на музыку Валерия Гаврилина, созданную из его же оркестровых произведений и пьес, переработанных и объединенных в единое целое. Несмотря на это, музыкальные номера в балете очень точно соответствуют чеховской атмосфере и сюжету, не оставляя ощущения разрозненности. Впрочем, в балете присутствуют персонажи и сцены, которых нет в чеховском оригинале. К примеру, нет у Чехова Студента, а значит па-де-де в первом акте и «сон Анюты» во втором добавлены постановщиками, однако эти сцены органично вписаны в повествование, придавая ему романтический оттенок, которого нет в произведении классика.

Через несколько лет Васильев решил поставить «Анюту» на театральной сцене. Чеховский сюжет, замечательная музыка Гаврилина, хореография Васильева и прекрасное исполнение партий Екатериной Максимовой и самим Васильевым гарантировали большой успех постановки. С тех пор прошло 25 лет, и в течение всего этого периода «Анюта» регулярно ставится в различных оперных театрах по всему миру.

Партия Анюты создавалась Васильевым специально для его супруги, легендарной отечественной балерины Екатерины Максимовой. Как рассказал сам Васильев, в каждом городе есть девочки, похожие на Екатерину Сергеевну и отчасти приближающиеся к мастерству исполнения этой партии знаменитой примой. По его словам, во всех театрах, где идет этот балет, также оказывается и хороший исполнитель партии Модеста Алексеевича. Впрочем, перейдем к самой премьере.



Генеральный прогон спектакля, состоявшийся за день до премьеры, был фактически первым и последним перед постановкой. Владимир Васильев несколько раз останавливал действо и просил повторить некоторые эпизоды, настаивал на более артистичном исполнении танцорами своих партий. «Анюта» относится к жанру драматического балета и помимо техники танца в спектакле крайне важно актерское мастерство исполнителей. По части артистизма на репетиции были заметны некоторые недоработки. Оставалось только дождаться премьеры и посмотреть, как будет исполнена «Анюта» перед широкой публикой.

Ожидалось, что в первом премьерном спектакле будет танцевать и сам Васильев, который вышел на сцену в финале генерального прогона в роли отца Анюты Петра Леонтьевича, но мастер, ввиду плохого самочувствия, решил не принимать участия в спектакле.

К сожалению, и на репетиции, и на самой премьере было много технических накладок, к счастью, не связанных с исполнением артистами своих партий. Оркестр под руководством нового дирижера оперного театра Виктора Куликова выглядел значительно лучше, чем во время постановки «Спящей красавицы», но неоднократные огрехи в игре давали понять, что проблемы в оркестре по-прежнему существуют.

Гораздо более отчетливо проявились проблемы с технической стороной спектакля. В одной из сцен во время репетиции из-за зависшего компьютера вовремя не поднялась декорация. К счастью, этого не произошло на следующий день. В принципе, подобное может произойти с техникой в любой момент, независимо от уровня театра. Известен случай, когда в Токийской опере вынуждены были начать спектакль с получасовым опозданием из-за зависшего большого занавеса. Что же касается освещения «Анюты», как и во время осенней серии гала-концертов, осталось ощущение, что люди, управляющие системой, проводят эксперименты во время самого спектакля. Причем проблемы со светотехникой были как на генеральной репетиции, так и на премьерном спектакле. Это отмечали и зрители, и даже фотографы, снимавшие балет. Вызывает недоумение, что реконструированный оперный театр, имеющий новейшую дорогостоящую аппаратуру, по уровню освещения нередко оставляет ощущение провинциального ДК.



Впрочем, не будем о грустном и вернемся к самому балету. В самом начале спектакля чувствовалось, что артисты, среди которых были и учащиеся хореографического училища, очень сильно волнуются — все-таки не каждый день приходится выступать в авторской постановке Васильева. Чувствовалась некоторая неуверенность по сравнению с генеральным прогоном, в связи с чем некоторые из первых сцен оставляли ощущение отдельных балетных номеров, было немного нарушено непрерывное течение спектакля. Однако артисты быстро почувствовали уверенность в своих силах и с увлечением продолжили исполнять свои партии.
Среди артистов, несомненно, выделялись два главных персонажа — Анюта в исполнении Екатерины Первушиной и Модест Алексеевич, роль которого исполнял Дмитрий Голубев. Первушина и по танцу, и внешне действительно напоминала свою легендарную тезку — Екатерину Сергеевну Максимову. Легкость, с которой она исполняла танцевальные номера, и в особенности любимую всеми «Тарантеллу» во втором акте балета, заслуженно вызвала возгласы «Браво!». В свою очередь, очень эмоционально играл свою роль Дмитрий Голубев. Он как никто другой подошел на роль Модеста Алексеевича со свойственной ему живой мимикой и театральностью. Артистам удалось передать неповторимую атмосферу васильевского спектакля.
С каждой новой балетной премьерой труппа Самарского театра оперы и балета приобретает уникальный опыт, совершенствуя свое мастерство, а публика имеет возможность насладиться лучшими образцами российского и мирового балета. Будем надеяться, что это не последний приезд Владимира Васильева в Самару и в будущем мы увидим и другие балеты в его постановке на сцене Самарского оперного.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Сб Апр 25, 2015 9:50 pm), всего редактировалось 2 раз(а)
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20411
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Апр 29, 2011 11:15 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011042909
Тема| Балет, фестиваль «Дягилев P. S.», Персоналии,
Авторы| Полина ВИНОГРАДОВА
Заголовок| «Дягилев. P.S.». Два года спустя
Где опубликовано| "С.-Петербургские ведомости"
Дата публикации| 20110429
Ссылка| http://www.spbvedomosti.ru/article.htm?id=10276107@SV_Articles
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Организаторы международного фестиваля искусств «Дягилев. Постскриптум» собрали журналистов, партнеров и спонсоров, чтобы объявить программу второго фестиваля, который состоится в нашем городе с 23 по 29 октября


Впервые фестиваль «Дягилев P. S.» был инициирован Музеем театрального и музыкального искусства в 2009 году, в год столетия «Русских сезонов». Тогда Петербург увидел «Гамбург-балет» Джона Ноймайера и постановки знаменитых хореографов ХХ века, в том числе Анжелена Прельжокажа. Знаменитый французский хореограф станет одной из главных приглашенных звезд предстоящего фестиваля. Своим присутствием он почтил и пресс-конференцию.

Мэтр современной хореографии рассказал о спектакле «Белоснежка». Именно эту постановку – единственный в творчестве француза балет с сюжетом – местная публика увидит 26 и 27 октября в Александринском театре. По словам хореографа, это попытка соединить романтизм сказки братьев Гримм и симфонии Малера, ознаменовавшие конец романтической эпохи и поворот музыкальной культуры Германии в сторону авангарда. Режиссер сказал много красивых слов о том, что, слушая эту музыку, он как будто наблюдает пейзаж, а история про Белоснежку непременно должна разворачиваться на фоне живописных пейзажей. И напоследок опаздывающий на репетицию господин Прельжокаж напомнил имя художника по костюмам – «непослушный ребенок» французской моды Жан-Поль Готье.

Второй участник фестиваля, приехавший на презентацию из Москвы, – сценограф Павел Каплевич. В зале Музея театрального и музыкального искусства художник впервые покажет два гобелена. На одном запечатлен Вацлав Нижинский во время легендарного прыжка-полета из балета «Призрак розы». На втором – созерцающий это чудо Сергей Дягилев. Изготовлены похожие на фрески гобелены с помощью новейшей технологии, которую автор назвал «пророщенные ткани». Художник подчеркнул, что гобелены, выполненные подобным способом, никто еще не видел, так что петербургские зрители первыми оценят эти шедевры ткачества.

Среди прочих мероприятий, запланированных на конец октября, художественный руководитель фестиваля директор Музея театрального и музыкального искусства Наталья Метелица отметила мировую премьеру «Орфической трилогии» композитора Владимира Дукельского в Большом зале Филармонии (рукопись хранится в Библиотеке конгресса США), первый визит в Петербург дирижера Теодора Курентзиса, в настоящее время много работающего в Большом театре и Пермском театре оперы и балета.

Кроме того, в дни фестиваля откроется несколько значимых выставок: бельгийский дизайнер Изабель де Боршграф покажет коллекцию «Русские сезоны» – выполненные из бумаги костюмы и декорации дягилевских балетов. Фонд Марии Каллас привезет фотографии, эскизы, костюмы великой певицы; современные художники каким-нибудь оригинальным способом выразят свое отношение к гениальному импресарио на двух этажах галереи Anna Nova.

В заключение Наталья Ивановна сообщила, что фестиваль «Дягилев. Постскриптум» будет ежегодным.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20411
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Апр 29, 2011 11:55 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011042910
Тема| Балет, Всемирный день танца, Персоналии,
Авторы| Мария Александрова
Заголовок| Учителя танцев
Где опубликовано| "Известия"
Дата публикации| 20110429
Ссылка| http://izvestia.ru/news/374415
Аннотация|


Конечно, Всемирный день танца, который отмечается 29 апреля, - это просто дата в календаре, назначенная ЮНЕСКО. Но все же такой праздник есть, и значит, танец по-прежнему нужен людям.

Танец всегда ассоциировался с праздником. Человеку всегда хотелось ощущать себя лучше.

Люди, которые приходят на балет, не танцуют сами. Танец для них трансформировался из физической субстанции в сферу воображения. Они ходят, потому что умеют восхищаться.

Самый лучший зритель - тот, который хочет получить удовольствие. Самый сложный зритель - тот, который считает, что он все понимает. В нашей стране все люди образованные, и это здорово. Поэтому у нас тяжелая публика.

Зато большая редкость в России - увидеть инвалида на спектакле. Их очень много, но для них ничего не приспособлено, поэтому кажется, что их нет. За границей они приходят в большом количестве, я часто вижу их во время спектакля. Моя работа заключается в том, чтобы ногами исполнить для вас мелодию композитора. Вся моя профессия, вся техника - в ногах. Поэтому у меня всегда срабатывает нерв: я понимаю, что они, инвалиды, все это сознают. Когда я вижу, что они есть, я танцую в большей степени для них.

Мне нравится быть на сцене. Там всегда хорошая погода. Она может не заладиться, но тогда я сама создам ее. Балетная профессия очень дисциплинирует. Она сопряжена со множеством лишений. Я должна встать в определенное время, позаниматься, потратив определенное количество капель пота. Я должна думать, что я ем - не только потому, что хочу выглядеть хорошо, но и потому, что это скажется на моем искусстве.

В конце дня, перед тем как закрыть глаза, я задаю себе вопрос: "Я могу этим не заниматься?" И отвечаю: "Нет". Балет для меня сознательный выбор, сделанный еще в детстве.

Поэтому реформа, которую готовит Министерство образования, вызывает во мне ужас. Хотят закрыть балетные школы под предлогом защиты детей от родительского "насилия". Но для многих специальностей, таких как музыка, балет, художественная гимнастика, 15 лет - это слишком поздно, чтобы начинать учиться.

Я выбрала свою профессию в 8 лет. Выбрала осознанно и навсегда. Если бы тогда "защищали" мои детские права, сейчас не было бы народной артистки Марии Александровой.

Если ребенок не хочет идти в общеобразовательную школу в 7 лет, мы тоже должны охранять его права? Защищать детей нужно по-другому и в других сферах. К реформе образования это не имеет отношения.

В нашем менталитете заложена вера в "царя-батюшку", в сильного лидера. Телега огромна, возничий один. Когда человек переходит с одной стороны на другую, все ждут, что он станет возничим. А он пересаживается в другую телегу и едет в другую сторону.

Думаю, что мне никогда не доведется перейти из "народа" в "чиновники". Вопросы власти и привилегий мне не интересны, потому что эта система не работает. Если туда встраиваться, то лишь для того, чтобы преследовать свои личные цели. Это честно. Но ведь никто не признается - все утверждают, что работают для народа.

Сейчас балетную классику никто в мире не танцует на том уровне, на котором танцуем мы. Фактически от Министерства образования сегодня зависит судьба классического балета на планете.

Анна Павлова всегда говорила, что славянский этнический тип очень одарен танцевально. Это в наших генах, в нашей крови. Может быть, поэтому никому до сих пор не удается уничтожить наш балет.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пт Июл 15, 2016 5:55 pm), всего редактировалось 2 раз(а)
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20411
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Апр 29, 2011 12:25 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011042911
Тема| Балет, Эстония, Персоналии, Кайе Кырб
Авторы| Анастасия Ищанова
Заголовок| Кайе Кырб: на своём юбилейном концерте станцую любимые партии
Где опубликовано| Новости ERR
Дата публикации| 20110429
Ссылка| http://rus.err.ee/culture/8bd52d97-b826-445a-a98e-69acb766b05b
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В начале месяца знаменитая эстонская балерина Кайе Кырб отметила юбилей, однако праздновать его она собирается только сегодня, 29 апреля, на большом гала-концерте, который устраивается в ее честь. И Кайе, по-прежнему, остаётся легкой и невесомой, энергичной и стремительной.

Из-за небольшой отсрочки, которую дал концерт, по ее признанию, 50-летие словно и не наступило.

Меняет ли этот день рождения что-то в Ваших ощущениях, или же от этой даты ничего не зависит?

Если честно, конечно, я пока ничего не чувствую. Я вовсю готовлюсь к концерту. Сам день рождения прошел, но так как я особо его не праздновала, то у меня такое ощущение, что и 50 лет мне исполнится потом. Я только вчера поздно вечером приехала из Риги, где три дня репетировала с партнером из Рижского национального балета, так что три дня мы всей семьей жили в Риге. Я каждый день репетирую, живу этим.

У Вас будет три выхода на сегодняшнем концерте, почему выбор пал именно на эти постановки?

Первый выход — это «Голубая балерина» (Blue Ballerina), которую я уже танцевала на балетном фестивале в Йыхви. Это произведение мне выпало как счастье в том плане, что художественный руководитель фестиваля Юхани Терасвуори предложил мне поставить этот номер, и я с радостью это предложения приняла. Работа была интересной, все получилось очень удачно, поэтому я даже не сомневалась, что один выход на сегодняшнем концерте будет именно этот.

Конечно, одного выхода мало, и я стала думать, что можно станцевать еще. Естественно, нельзя не включить в программу «Умирающего лебедя». Так что второй выбор пал именно на него.

Насчет третьего выхода у меня были большие планы: я хотела пригласить Московский театр вместе с Вячеславом Гордеевым. Пригласить всю труппу, потому что я очень много с ними гастролировала. Восемь лет назал Гордеев пригласил меня на свой юбилей в Москву, где я танцевала вместе с ним дуэт из "Шехерезады". Тогда я подумала, что раз в Таллинне никто не видел этого выступления, то было бы здорово станцевать весь одноактный спектакль «Шехерезада», и именно с московским театром. Но поскольку, к сожалению, бюджет концерта ограничен, весь театр пригласить сюда практически невозможно. Таким образом выбор пал на дуэт из «Шехерезады» в исполнении с танцором из Риги, с которым у меня была возможность репетировать.

Я посмотрела в интернете, что все билеты уже раскуплены. Может стоило сделать еще один концерт?

Это уже решает театр. Действительно, проблема сейчас в том, что довольно много моих друзей и гостей не могут попасть на концерт, потому что билетов уже нет.

Вы уже давно не танцуете в театре?

С 2005 года. Тогда я станцевала последний раз в «Лебедином озере».

Не снится Вам по ночам сцена?

Ну, снится мне много, но в основном, что опаздываю на выход - не могу надеть туфли, уже все там, а я опаздываю.

То есть чувства утраты нет?

Нет.

Тем не менее, Вы участвуете в различных проектах. Чем должен Вас заинтересовать проект, чтобы Вы дали согласие на участие?

После паузы, которая была у меня в танцах, я соглашалась на все проекты, что мне предлагали, потому что я такой человек, которому интересно все. Мне интересна и драма, и разные виды танца, не только классический балет. Поэтому я работала с Дмитрием Харченко, с Май Мурдма.

Вы сыграли в драматическом спектакле «Пляска смерти», какие он сейчас вызывает у Вас воспоминания?

Конечно, это было очень интересно и забавно, разумеется, когда я видела первые свои спектакли, я понимала, что это было плохо. Разговаривать на русском языке, я могу представить, что у меня не тот уровень, но мы должны были станцевать десять спектаклей, а потом прибавилось еще до тринадцати, потом до двадцати. В общей сложности мы сыграли 23, и в конце, конечно, было получше. Это был совсем другой опыт.

Но Вы бы повторили его, может, в другом спектакле?

Может, и да. Но уже в другом контексте. Почему бы и нет? Если доверяют, если кто-то видит во мне что-то, то, конечно, я готова пробовать.

Сейчас многие балерины остаются на сцене и посде положенных сорока лет...

Я думаю, что наоборот. Последнее время таких балерин становится меньше. Тенденция такова, что 20 лет — и все, отправляют.

Почему, как Вы считаете?

Считается, что нужно давать дорогу молодым. Новое поколение приходит и им нет места. Мест в театре все же ограниченное количество. Поэтому держать пенсионера на зарплате не так просто. Раньше было все по-другому, особенно в России, там все перетанцовывали еще 20 лет, это было очень естественно. В Эстонии это довольно трудно представить, здесь не понимают очень часто такие вещи, почему в таком возрасте надо танцевать. Я иногда чувствую, что для меня здесь ценности не на месте.

Были ли у Вас любимые роли, или все они были равноценны?

Конечно, они не все были одинаковые. Я любила все роли, которые у меня были, роли драматического характера, таких сильных женщин, как Анна Каренина, Кармен, леди Макбет.

Но и нельзя их сравнивать с классикой. «Лебединое озеро», «Спящая красавица» - это совсем другое. Я любила каждую роль по-своему. Каждый раз, когда я приступала к новой роли, я входила медленно в эту партию, и в конце концов, влюблялась в каждую.

Конечно, очень мне нравились Кармен и Анна Каренина, а из классики — роль в «Лебедином озере» и Жизель.

Ульяна Лопаткина сказала, что после того, как она родила ребенка, ей было очень сложно понять Анну Каренину, ее поступок, у Вас не было внутреннего конфликта перед этой ролью?

Ну, я Анну танцевала до родов, поэтому у меня было по-другому.

Но есть ли какие-то роли, на которые сейчас Вы смотрите по-другому, и станцевали бы их иначе?

Я же довольно долго танцевала на сцене, так что некоторые свои роли я пересматривала даже во время карьеры, и, конечно, меняла подход. Такое было, что в молодости было иначе. Даже «Лебединое озеро» я в конце танцевала по-другому. Я не могу объяснить, что изменилось, другие ощущения, смотришь на это по-другому.

А Вы смотрели фильм «Черный лебедь»?

Да.

Как Вы считаете, он похож на реальность?

Нет, мне он совершенно не понравился, я получила очень негативные эмоции от этого фильма. И мне не понятно, почему нужно снимать такой фильм в наш век. Я его не понимаю. Портман, конечно, хороша, она замечательно играла. Но я не понимаю режиссера, почему нужно так все преувеличивать — зависть и так далее. Конечно, она есть, но не думаю, что она сильнее всего в балете, потому что здесь в политике ее намного больше. Думаю, фильм был бы намного интереснее об этом. Мне казалось, что хотели показать, что балетные люди глупые. Нет, мне не понравился.

Я слышала, многие говорили об этом.

Думаю, особенно людям балета это действует на нервы.

Чем сейчас занят Ваш день?

Я воспитываю детей, и учу детей, пока еще сама танцую. Так что нет ни одной минуты свободной. Еще раз в две неделе заседаю в городском совете, немного в политике.

Своих детей Вы не отдадите в балет?

Я бы не хотела. Они у меня очень энергичные, я думаю, им надо больше двигаться. Что-то вроде футбола или тенниса, где можно все время бегать. Они у меня просто огненные шарики!

Насколько Вы уже вжились в роль педагога, раскрыло ли это занятие что-то новое в Вас?

Думаю, да. Педагог — это такая профессия, которой учишься всю жизнь. Мне кажется, я слишком мягкий человек. Я все время думаю, что мне нужно быть суровой, и более жесткой, и говорят мне, что я слишком мягкая. Но я по себе помню, что когда педагог меня хвалил и или говорил мягко, я делала все гораздо лучше, чем если он начинал меня ругать или выгонял из класса.

Дети разные. В своей методике я пытаюсь найти свой подход к каждому ребенку. Не быть одинаковой, потому что это невозможно, ведь все дети разные. Первым делом я пытаюсь узнать их характер, чтобы не делать больно ребенку там, где это не имеет смысла.

Следите ли Вы за нашей нынешней труппой? Меняется ли наш национальный балет?

Да, он меняется все время. Сейчас руководство принял Тоомас (Эдур — ред.), он пытается поднять уровень, но он руководит только второй сезон. Конечно, труппа стала лучше, но все же для меня в труппе не хватает, скажем так, национального кадра. Я не против никого, это очень здорово, что в нашем балете есть разные национальности, но очень жалко, когда столько танцоров заканчивают Таллиннскую балетную школу, и оттуда практически никто не попадает в театр. Значит, к сожалению, не тот уровень. Жалко и то, что если и попадаются хорошие танцоры, все же каждый год один — два бывают хорошие, все тенденция к тому, чтобы уехать. И что бедный Тоомас должен тогда своими силами справляться. Он очень много пригласил из Англии, хорошие парни приехали... Посмотрим, у него только-только начался процесс.

Действительно, многие стремятся уехать танцевать в другую страну. Что бы Вы им сказали, ведь Вы были верны одному театру?

Очень трудно что-либо сказать, потому что если свой театр не принимает, то нужно уезжать и не бросать профессию. Тем, кто уезжают из театра, тоже ничего не скажешь, у каждого свое видение. Если человеку не подходит репертуар, и у него есть возможность уехать в театр побольше, где больше зарплаты и лучше условия...

Но Вы ведь не уехали?

Когда у меня была возможность уехать, было уже поздно. Тем более, в Советское время уехать было нельзя. Но я и не хотела уезжать, потому что любила свой дом, любила свой театр и свою публику. В то время мне предложили уехать в Кировский театр, но я не согласилась, потому что... Не могу объяснить, я люблю дом, и все.

Недавно вышел журнал, на первой полосе которого написано, что Вы готовы уехать...

Ну да, это очень интересно. Меня спросили, думала ли я когда-нибудь уехать. На что я сказала, что да, у меня было это в мыслях. Один период мы с мужем обсуждали эту возможность, что если у меня не будет работы, если у меня не будет возможности здесь жить и растить своих детей даже чисто в материальном смысле, то мне придется уехать. Это был мой ответ, но почему-то вышло так.

То есть Вы никуда не уезжаете?

Нет, я не могу уехать. У меня есть своя студия, и я работаю в школе. Этого, конечно, мало. Мы думали о возможности уехать, потому что у мужа особо нет работы, но будем смотреть. А сейчас — конечно нет.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20411
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Апр 29, 2011 2:44 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011042912
Тема| Балет, Пермский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии,
Авторы| Юлия Баталина; Фото – Антон Завьялов
Заголовок| В Пермском театре оперы и балета состоялась премьера «западного» балетного вечера
Где опубликовано| КомпаньONline
Дата публикации| 20110429
Ссылка| http://www.nk.perm.ru/news.php?news_id=30377
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Вечер балета «Видеть музыку» создавался в расчёте на фестиваль «Дягилевские сезоны» ещё по инициативе Георгия Исаакяна. В Пермь прибыли три молодых зарубежных хореографа с целью осуществить оригинальные одноактные постановки специально для местной балетной труппы. С одним из гостей – испанцем Каэтано Сото – произошла накладка: перед самым приездом в Пермь он получил травму и попытался отказаться от работы, тогда главный балетмейстер театра Алексей Мирошниченко предложил ему с помощью ассистента перенести на пермскую сцену недавние его постановки, лишь бы не сорвался весь замысел. Как выяснилось, Мирошниченко был абсолютно прав: без Сото ничего не получилось бы, да к тому же испанский хореограф вместо одной постановки осуществил две.

Алексей Мирошниченко неоднократно говорил, что собирал команду по принципу «непохожести»: хореографы должны представлять разные стили. И всё же у них много общего: все они работают в contemporary dance с опорой на хорошую, настоящую классическую школу. В этом плане им повезло: хорошо обученная пермская труппа с энтузиазмом откликнулась на вызов и принялась разучивать непривычные движения. После премьеры публика наперебой восхищалась работой танцовщиков, даже та её часть, которая без восторга восприняла хореографические новшества.

Если бы балетный вечер не был назван «Видеть музыку», так следовало бы назвать рецензию на него: визуализация музыкального ряда – главная идея, одухотворяющая все четыре постановки. Поэтому все балеты (за одним небольшим исключением, о котором позже) напрочь лишены фабулы, ведь музыка – самое абстрактное из искусств.

Как и композиторы, три западных хореографа стремились создать абсолютную красоту и гармонию, причём создать при помощи современного пластического языка. И, хотя язык у всех троих, действительно, разный, но общность исходных условий создала предпосылки для эстетической общности, и три балета смотрятся как три «серии» одного высказывания. И лишь один из четырёх, опять-таки, из этой системы выпадает.

Балеты Uneven («Неровный») Каэтано Сото, Souvenir («Воспоминания») Дагласа Ли и Meditation on Violence («Размышления о жестокости») Луки Веджетти могут быть отнесены к «графическим» постановкам: все они выполнены в чёрно-белых тонах, с минималистичным оформлением сцены, при этом активно используется световая партитура и различные сценические эффекты – дым, полупрозрачные ширмы и зеркала.

В первом отделении – две постановки Каэтано Сото. Uneven, по признанию хореографа, балет очень личный, более того, терапевтический: когда хореограф его ставил, он словно посещал психолога – личные проблемы и стрессы, превращаясь в рисунок танца, переставали его мучить. Из всех балетов вечера этот – самый радикальный.

Несмотря на то, что Сото использует арсенал классической труппы, например, стремясь создать красивый рисунок стоп, он решительно отказывается от плавных линий и не использует ни одного классического па. Рисунок балета неровный, угловатый, что, собственно, логично, учитывая его название. Отношения между персонажами тоже неровные, сложные, противоречивые, изменчивые. При этом сцена настолько затемнена, что лиц танцовщиков почти не видно: и есть ли, собственно, разница, какая именно женщина в данный момент кружится с этим мужчиной? Всё равно это ненадолго. Визуальная доминанта спектакля, его константа, «точка стабильности» в этой неровной реальности – виолончелист, сидящий в глубине сцены на фоне светлого треугольника, напоминающего силуэт пирамиды (всё остальное сценическое пространство погружено в черноту).

Виолончелист здесь – особый персонаж: балет поставлен на причудливую музыку Дэвида Ланга, который написал произведение для виолончели и… аудиозаписи. Эффект от того, что живая виолончель солирует под «минусовку», в которой записано ещё восемь виолончелей – совершенно волшебный. Прав главный дирижёр театра Валерий Платонов: спектакль «Видеть музыку» раскрыл пермякам глаза на современную музыку, поэтому его название вдвойне удачно.

Вторая постановка Каэтано Сото – Quotidiano, что по-испански значит «Рутина» – комический дуэт, резко и решительно нарушающий меланхолическое и монохромное настроение вечера. Достаточно сказать, что визуальная доминанта этой очаровательной миниатюры – ярко-зелёный носок, который, обретя самостоятельность, бегает по сцене, заставляя ссориться молодую пару. Всё это – под музыку Баха, не только образцово классическую, но, кроме того, светлую и возвышенную.

Если вспомнить, что остальные три балета поставлены на очень сложную музыку современных композиторов, то понятно, что Quotidiano принципиально отличается от «соседей» по программе вечера. Хореограф, рассказывая историю бытовой неурядицы, как будто завидует молодым людям, которые могут себе позволить нормальный, ненапряжённый уклад семейной жизни.

Смешная зарисовка сделана с симпатией и теплотой, это как раз тот случай, когда «милые бранятся – только тешатся». Было бы замечательно, если бы Quotidiano было завершением вечера – от этого дуэта остаётся прекрасное «послевкусие». Но Алексей Мирошниченко решил иначе: во втором отделении вечера – в высшей степени меланхоличный и подчёркнуто эстетский балет Дагласа Ли Souvenir. Здесь, как и в случае с Uneven, в названии скроется разгадка смысла: постановка рассказывает о зыбкости памяти, о природе воспоминаний. В начале действия сцена закрыта полупрозрачным экраном, силуэты за которым расплываются, теряют очертания. Но даже когда экран приподнимается, персонажи остаются призраками: хрупкие, одетые в тонкие облегающие наряды предельно блёклых тонов, отражающиеся в кривых зеркалах. Иногда они замирают, превращаясь в манекены, и хочется спросить: а живы ли они? А существуют ли эти люди, или это «причуды памяти», как у Сальвадора Дали?

Souvenir поставлен на музыку Гэвина Брайерса, композитора очень современного и серьёзного. Валерий Платонов считает, что это большое музыкальное приобретение для пермяков: у Брайерса множество прекрасных произведений.

Завершает вечер балет Луки Веджетти Meditation on Violence. Название отсылает к работе режиссёра экспериментального кино Майи Дерен, и это - единственное, чём такое название можно объяснить, потому что в самом балете нет и намёка на жестокость. А также на размышления. Это, что называется, «просто танец»: активно используя пластический язык неоклассики с его красивыми и не слишком сложными па, хореограф создаёт приятную для глаз, но достаточно поверхностную картинку.

Забавна сценография: над сценой подвешена огромная морская раковина, а всё сценическое пространство погружено в густой дым, откуда незаметно появляются фигуры танцовщиков. Всё это загадочно, но лишено драйва и поэтому скучновато. Почему балетный вечер завершается на этой, самой невнятной, ноте «визуальной музыки»? Понять невозможно. Остроумные зрители предложили бытовое объяснение: балет Луки Веджетти поставлен на электронную музыку Паоло Арайи, стало быть, оркестр может пораньше разойтись по домам.

Сложно сказать, как сложится судьба этого проекта. Сам Алексей Мирошниченко признаёт, что это не репертуарный спектакль. Проект, скорее, фестивальный.

Главной темой для обсуждения после премьеры стала работа труппы: действительно, Наталья Моисеева в Souvenir просто заново родилась как балерина – она не только отлично освоила новую пластику, но и в образ вошла, создав по-настоящему красивое соло.

Сергей Мершин прекрасно смотрелся и в меланхолических абстракциях, и в комедийном Quotidiano.

Однако главной «вездой»вечера стала Наталья Домрачева, занятая в трёх из четырёх балетов. Каэтано Сото признался, что он не собирался ставить в Перми Quotidiano, намереваясь ограничиться Uneven, но Наташа так его пленила, что он решил устроить ей маленький бенефис. Он в шутку признался, что готов украсть её из Перми, даже если ему придётся для этого на ней жениться.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20411
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Апр 29, 2011 4:34 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011042913
Тема| Балет, БТ, Премьера, Персоналии, Алексей Ратманский, Леонид Десятников, Нина Капцова, Артем Овчаренко, Анастасия Меськова, Андрей Меркурьев
Авторы| Екатерина Беляева
Заголовок| Ратманский разделался с иллюзиями
Где опубликовано| Infox.ru
Дата публикации| 20110429
Ссылка| http://www.infox.ru/afisha/theatre/2011/04/29/illusion.phtml
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Из романтического Парижа – в голодный Питер и сытую Москву. В Большом театре состоялась мировая премьера балета «Утраченные иллюзии» в хореографии Алексея Ратманского. Музыку театр заказал несколько лет назад Леониду Десятникову.

Питерские «Иллюзии»

Балет «Утраченные иллюзии» базируется на либретто по сильно переработанному одноименному роману Бальзака. Его постановка уже однажды была осуществлена в 1936 году в ленинградском Кировском театре. Над спектаклем трудились корифеи отечественной сцены – балетмейстер Ростислав Захаров, композитор Борис Асафьев, художник Владимир Дмитриев, за пультом стоял великий дирижер Евгений Мравинский. В роли Корали блистали ведущие советские балерины – Галина Уланова и Наталья Дудинская. Ее соперницу, резвушку Флорину танцевала Татьяна Вячеслова. В роли Люсьена выходил главный «принц» театра Константин Сергеев, а в роли Премьера Парижской оперы, второго важного персонажа балета — неистовый грузин Вахтанг Чабукиани. В этом звездном наборе самым слабым звеном была музыка Асафьева.

Балетмейстер Захаров талантливо сочинял драмбалеты, был и создателем, и вдохновителем этого жанра в СССР. Творил он легко, быстро и в любом объеме, какой бы пышной ни была партитура. Балеты получались немыслимо длинными, хотя, конечно, не такими, как в императорские времена, когда можно было приехать в половине одиннадцатого, аккурат к любимой пасторали.

Сюжет Бальзака в «Утраченных иллюзиях» переделан так, что получился балет о балете. В оригинале бальзаковский герой Люсьен мечтал стать великим поэтом, а стал продажным, но блестящим журналистом. Либреттист сохранил имена героев, идею утраченных иллюзий, используя это сочетание слов по своему усмотрению, а также время действия. В романе — это двадцатые годы XIX века. Горячая для балета пора – балерина Мария Тальони становится законодательницей романтической моды в Европе. Вот-вот на сцене Парижской оперы состоится премьера балета ее отца Филиппо Тальони «Сильфида» (1832). А из Австрии в Париж едет главная соперница Марии — Фанни Эльслер, мастерица зажигательных испанских па. В балете история бальзаковских актрис Корали и Флорины трансформировалась в спор великих танцовщиц. Примерно в это же время в Париже работал один из самых трепетных композиторов-романтиков Фредерик Шопен. Вот Дмитриев и превратил героя из журналиста в композитора. Люсьен бросает преданную ему и искусству романтическую Корали-Тальони, для которой он написал балет «Сильфида», и кидается в объятья другой, земной и легкомысленной Флорины-Эльслер. Ну а той был нужен только собственный бенефис. Корали едва не сходит от горя с ума. Разочарованный и разбитый Люсьен сперва идет топиться в Сену, потом, струсив, хочет добиться прощения у Корали, но обнаруживает пустую квартиру.

У превращения литературной истории в балетную есть одно важное оправдание. Дело в том, что балет «Сильфида», кусочек которого присутствует в «Утраченных иллюзиях» как часть действия, советскому зрителю был неизвестен, так как вместе с другими шедеврами романтического театра выпал из репертуара. А Ростислав Захаров хоть и слыл «Сталиным» тогдашнего балетного театра, был не чужд романтики и с удовольствием восстановил несколько сцен из «Сильфиды» для Галины Улановой.

Московские «Иллюзии»

Ратманский уже несколько лет не служит в Большом театре, что позволяет ему чувствовать себя раскованно. Он востребован в мире – от Нью-Йорка до Парижа, где в сентябре 2011 года его новой постановкой откроется сезон. У хореографа очень сложные отношения с драмбалетом — от преклонения до презрения и издевательства. Он захотел пережить чувства балетмейстеров советской эпохи, которые делали спектакли на специально написанную музыку. С Десятниковым у него уже был счастливый опыт в виде «Русских сезонов» и «Вываливающихся старух». Это была не совсем новая и не совсем специальная балетная музыка, но, тем не менее, композитор и хореограф работали в тесном контакте. В «Иллюзиях» Десятников стал тем соавтором, который идеально подходит Ратманскому. Эксклюзивная музыка — это первое. Второе – игры с драмбалетом, чья природа продолжает волновать хореографа. И третье – иллюзии художника, поэта, музыканта, его отношение к творчеству, самому себе, к цеху, к толпе зевак, к прессе. Интерес к третьему — знак зрелости художника. «Утраченные иллюзии» для Ратманского – это одновременно и поэтическое, и политическое высказывание, нужное больше ему самому, чем зрителю.

Ратманский в основном неукоснительно следовал старому либретто. Беззвучный шелковый занавес старомодно, как в «Ромео и Джульетте» Лавровского, отделяет картины друг от друга. Сценография и костюмы Жерома Каплана отсылают к необычному иллюзорному Парижу, недостижимому и желанному для ленинградцев тридцатых.

Герои ходульны. Они должны быть лишь марионетками. Правда, артисты Большого в силу своих драматических амбиций отказываются подчиняться и играют с распахнутым сердцем. Среди ярких удач: нежная Корали Нины Капцовой; франт Камюзо Егора Симачова, прыгнувшего в «Утраченные иллюзии» прямиком из Гоголя; Флорина Анастасии Меськовой с манерами провинциальной дивы; смешной балетмейстер Парижской оперы получился у Дениса Медведева. Люсьен Андрея Меркурьева – неплох драматически, но физическая форма уже сходящего по возрасту артиста оставляет желать лучшего. Кружевная вязь его па, сочиненных Ратманским, требует более техничного и молодого исполнителя. Зато Премьер – чванливый и недалекий танцовщик в исполнении юного, но самого интересного и талантливого артиста сегодняшнего Большого Артема Овчаренко – явный герой спектакля.

Хореография выполнена в лучших традициях Ратманского – много мелких коленных движений, рискованных обводок, быстрых прыжков, скромных поддержек и шутливой беготни. Сначала кажется, что хореограф решил простить драмбалету его многословность и примириться с ним – спектакль начинается с входов-выходов разных героев, со стояния персонажей подолгу на месте, с пантомимы. Но через пятнадцать минут появляется едкий стеб – репетирующие балет «Сильфида» балерины начинают то утреннюю гимнастику делать, то свинговать, то чуть ли не хип-хопом заниматься. Так Ратманский разделывается с длиннотами старинного театра. Зритель перемещается то в голодный Ленинград, то возвращается назад в сытую Москву, проносясь над романтическим Парижем Бальзака. Чуткий музыкант Десятников понял замысел Ратманского лучше других, и его партитура работает на «Утраченные иллюзии» безотказно.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20411
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Апр 29, 2011 6:19 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011042914
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Екатерина КРЫСАНОВА
Авторы|
Заголовок| Екатерина КРЫСАНОВА: «Чем большего ты достигаешь, тем большему нужно учиться!»
Где опубликовано| Официальный сайт Постоянного Представительства
Республики Северная Осетия-Алания при Президенте РФ
Дата публикации| 20110429
Ссылка| http://www.noar.ru/news/full/kultura/ekaterina_krysanova_chem_bolshego_ty_dostigaesh_tem/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ




29 апреля во всем мире отмечается Международный день танца. Праздник инициирован Международным советом танца ЮНЕСКО в 1982 году. Дата была предложена артистом балета, педагогом и хореографом Петром Андреевичем Гусевым в память о родившемся в этот день французском балетмейстере, реформаторе и теоретике балета Жане-Жорже Новере, который вошел в историю как «отец современного балета».

Заместитель Председателя Правительства РСО-Алания, Полномочный представитель республики при Президенте РФ Александр Тотоонов поздравил с этим праздником руководителей танцевальных коллективов «Алан» и «Горец» из Северной Осетии, московского ансамбля «Алания». Поздравительные телеграммы также направлены балетмейстеру-репетитору Большого театра России, народной артистке СССР Светлане Адырхаевой, солистам ГАБТ и Мариинского театров, носящим звания заслуженных и народных артистов РСО-Алания.

noar.ru взял экспресс-интервью у ученицы С. Адырхаевой, ведущей солистки балетной труппы Большого театра России, заслуженной артистки РСО-Алания Екатерины Крысановой.

- На днях Вы блистательно справились с партией Флорины в одной из самых громких премьер сезона – балете «Утраченные иллюзии». Такие роли – необычное для Вас амплуа?

- Музыку к спектаклю написал Леонид Десятников, дирижировал Александр Ведерников, а хореографию сочинил Алексей Ратманский, который воспользовался либретто, оставшимся от одноименного балета 1936 года. По ощущениям, мне намного легче дается современный танец, нежели классический. Там – более свободный язык тела, танца, жестов. Модернистские балеты даются мне легче и свободнее…

- И это говорит балерина, создавшая прекрасные классические образы Китри из «Дон Кихота», Одетты-Одиллии из «Лебединого озера»?

- Именно эти партии мне немного тяжелее танцевать, чем современный балет. Но я бы не сказала, что хореография Ратманского исключительно авангардна. В «Утраченных иллюзиях» все основано на классических тенденциях и представлениях о танце, при этом внесена необходимая нотка современности.

- В совместном проекте Большого театра и калифорнийского Сегерстром-центра искусств «Remansos» Вы тоже танцуете современную хореографию…

- Это, действительно, яркая современная хореография! Однако новые ответвления все равно основаны на классических традициях. Прежде всего – русской балетной школы. Классическое искусство вечно. Если артист освоил классику и танцует в таких постановках, как «Спящая красавица», «Корсар», «Лебединое озеро», то для него не составит большого труда выйти на сцену практически в любом современном опусе.

- В каких еще постановках ГАБТ примете участие?

- В июле 2011 года в Большом будет вечер одноактных балетов, в числе которых – «CHROMA» Джоби Тэлбот и Джека Уайта в хореографии Уэйна МакГрегора и «Симфония псалмов» на музыку Игоря Стравинского (хореограф – знаменитый Иржи Килиан). Окончательные составы еще не утверждены, но, по предварительной информации, я буду занята в этих проектах.

- Все мы помним восхитительный танец Светланы Адырхаевой, которому Вы подарили «вторую жизнь» на гала-концерте мастеров искусств, проведенном при активном участии Постпредства в честь 150-летия Коста Хетагурова…

- …опережая Ваш вопрос, отвечу: с удовольствием и еще не раз станцую этот или подобные номера! Когда Светлана Дзантемировна, человек, у которого ты учился, передает тебе что-то глубоко личное, это накладывает огромную ответственность. Тридцать лет назад народная артистка России С. Адырхаева и ансамбль танца «Алан» совместно исполнили хореографическую композицию «Рапсодия» на музыку Ильи Габараева. В октябре 2009 года я станцевала этот номер на Новой сцене ГАБТ вместе с ребятами из ансамбля «Маленький джигит». Зал очень тепло принял этот искрометный номер. Для меня такие танцы – колоссальный опыт, который полезен для артистки любого уровня. На самом деле, чем большего ты достигаешь, тем большему нужно учиться, открывая в себе новые грани.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пт Авг 24, 2018 10:23 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20411
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Апр 29, 2011 6:27 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2011042915
Тема| Балет, Пермский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии,
Авторы| Наталья Овчинникова
Заголовок| Балетная рутина
Где опубликовано| Соль (г. Пермь)
Дата публикации| 20110429
Ссылка| http://www.saltt.ru/node/9085
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Пермский театр оперы и балета выпустил долгожданную премьеру сезона. Три европейских хореографа поставили четыре одноактных балета в рамках проекта «Видеть музыку». Для пермской труппы, подкованной в классической пуантной лексике, это опыт глубокого погружения в иностранный хореографический язык. Полноценно заговорить на нем труппа должна будет со следующего сезона — в спектакле, который поставит балетмейстер с мировым именем. 27 и 28 апреля «Соль» побывала на премьере и не увидела у пермских танцовщиков особых трудностей с переводом.


Создавая балет «Неровности», хореограф Каетано Сото лечился от депрессии, вызванной частыми перелетами из страны в страну.
Фото: пресс-служба Пермского театра оперы и балета


Пермскому театру был жизненно необходим проект по современной хореографии. Эта труппа всегда хорошо танцевала классику: от Мариуса Петипа и Льва Иванова («Жизель», «Лебединое озеро») до Джорджа Баланчина (Ballet Imperial, «Серенада»). Пермь держится крепких традиций императорского балета, перенятых у Санкт-Петербурга (Ленинграда) еще во время эвакуации в Великую Отечественную войну и уже более полувека пестуемых в Пермском хореографическом училище (колледже). Но всякий раз, когда дело касалось модерна, оказывалось, что местные танцовщики толком не знают, что в таких случаях делать со своим телом.

Для современной хореографии нужна иная пластика. В ballet работает вертикаль: сильные ноги и корпус, и расслабленные руки (что касается балерин). В modern работает все тело; движение может начаться из любой точки. Тело здесь — как иероглиф: одновременно и средство, и цель.

Главный балетмейстер Пермского театра Алексей Мирошниченко, работающий на своей должности второй сезон, хочет, чтобы в Перми наряду с классическими балетами шли современные, авангардные постановки. Первые обожает публика, вторые нужны театру для жизни и роста. Ситуацию он меняет поступательно. Сначала, еще будучи приглашенным хореографом, проделал с труппой эксперимент, поставив балет «Ринг» под музыку и речитатив модного электронного проекта 2H Company. Затем, в начале этого сезона, попробовал танцовщиков в спектакле «Дафнис и Хлоя» на музыку Мориса Равеля. Уже на этой стадии пермская труппа стала показывать, насколько она технична и как в рамках одного спектакля может варьировать разные стили. Для закрепления материала оставалось только пригласить в пермский театр хореографов из Европы.


Хит проекта «Видеть музыку» — комедийная миниатюра про то, что «милые бранятся — только тешатся».
Фото: пресс-служба Пермского театра оперы и балета


Каетано Сото (Испания), Даглас Ли (Великобритания) и Лука Веджетти (Италия) были в Перми наездами в течение сезона. Российским балетоманам они известны мало, разве что Лука Веджетти, который в 1999 году ставил для труппы Мариинского театра. Сото и Ли за свои 37 успели поставить балеты по обе стороны Атлантики, но Россию посетили впервые.

Вечер открылся двумя миниатюрами Каетано Сото. Первую — Uneven («Неровности») на монотонную музыку минималиста Дэвида Ланга (обладателя Пулитцеровской премии за 2008 год) хореограф поставил в 2010 году для американской труппы Aspen Santa Fe Ballet. Балет рассчитан на трех балерин и пятерых танцовщиков. Они то появляются на сцене, то исчезают за кулисами. Все в черно-белых облегающих костюмах, выгодно подчеркивающих мускулатуру упругих тел. Танцовщики передвигаются по сцене с крабовой пластикой — сериями четких мелких движений. Никаких пуантов; много поддержек, рефреном — там, где ноги балерин, словно перьевые ручки, что-то выписывают. Это создает образ рваных, незаконченных мыслей, которые молоточком стучат в висках невидимого персонажа. Сам Каетано Сото говорит, что написал Uneven в период душевной дезориентации, вызванной частыми переездами по миру. Доходило до того, что по утрам он не мог понять, в какой точке планеты находится.

Второй балет от Каетано Сото — тоже на тему душевного дисбаланса, но обыгранный комически. Quotidiano («Рутина») на музыку Баха (Сото поставил этот балет в 2005 году) — поэма о трудностях совместного быта. Семейная пара, проснувшись утром, ищет носок. Поиски быстро превращаются в склоку с выговариванием друг другу всех накопившихся претензий, заканчивается которая, естественно, миром и любовью. В первый премьерный день танцуют Наталья Домрачева и Сергей Мершин, во второй — Ляйсан Гизатуллина и Иван Порошин. Первая пара запоминается сильнее и смотрится смешнее. Мершин, настоящий богатырь, как пушинку подкидывает и вращает вокруг своей оси миниатюрную Наталью Домрачеву. А она пилит его как настоящая блондинка — надувает губки, а потом кричит как сирена. Исполнение — безупречное, мимика — превосходная. Публика, немного шокированная первым балетом, на этот раз не сразу отпускает танцовщиков за кулисы.


Про Souvenir Дагласа Ли хочется говорить эпитетами. Романтичный, нежный, трогательный, глубокий, гипнотический.
Фото: пресс-служба Пермского театра оперы и балета


После антракта — очередь балета Дагласа Ли Souvenir («Воспоминание») на музыку еще одного современника-минималиста Гэвина Брайерса. Это ностальгическая зарисовка. На сцене царит атмосфера голливудских фильмов-посвящений гению сцены, чей творческий век подошел к концу. Есть некая «звезда», партию которой танцует — пермяки должны догадаться — Наталья Моисеева, есть свита и окружение. На пресс-конференции Даглас Ли не сразу, но признался, что в этом сезоне он заканчивает свою танцевальную карьеру в Stuttgart Ballett. Однако не подтвердил, что именно это легло в основу его балета. Напротив, он хотел бы, чтобы каждый зритель в зале испытал путешествие по собственному прошлому.

Даглас Ли вводит зрителей в транс простыми и проверенными средствами. Над сценой — фонарь, свет от которого создает эффект лунной дорожки, из которой цепочкой появляются танцовщики. Балет начинается в дымке, а в кульминационный момент звучит джаз — пожалуй, лучшая музыка для такой грусти. Композиция закольцована: по этой же лунной дорожке уйдет в конце и «звезда». Про Souvenir, поставленный специально для пермской труппы, хочется говорить эпитетами. Романтичный, нежный, трогательный, глубокий, гипнотический. Даглас Ли затягивает зрителя, как призраки прошлого — героиню Натальи Моисеевой. Рано, конечно, говорить об этом, но, когда придет время, Souvenir вполне подошел бы Моисеевой для бенефиса.


В балете Луки Веджетти танцовщики перемещаются по сцене одновременно и не синхронно. Каждый живет в предложенных конкретно ему обстоятельствах.
Фото: пресс-служба Пермского театра оперы и балета


В балете Meditation on violence («Медитация на темы насилия») на музыку Паоло Аралла третьего хореографа — Луки Веджетти — ощущается влияние итальянского классика метафизического кино Микеланджело Антониони (взять «Приключение» или даже «Затмение»). Сам Лука Веджетти, впрочем, говорит, что вдохновлялся поэтическим кинематографом Майи Дерен. Название его балета — это название одного из ее фильмов. На сцене голая абстракция. В черном воздухе висит огромная черная раковина, которая медленно вращается и в зависимости от ракурса приобретает разные формы: то она скомканный лист бумаги, то булава — «близнец» Дамоклова меча, зависшего над артистами. Звук тоже как будто из раковины — тягучая, далеко зовущая и бесстрастная, как космос, мелодия. Лука Веджетти в принципе отдает предпочтение вещам вневременным и внесюжетным. Танцовщикам он дал установку, и они существуют в предлагаемых обстоятельствах.

На фоне предыдущих балетов, кажется, что этот дается танцовщикам тяжелее всего. Хотя, возможно, дело просто в усталости, накопившейся к финалу. Все-таки самый первый балет Каетано Сото потребовал от артистов сильного мышечного напряжения.

В течение двух вечеров выступить успевает почти вся труппа. Некоторые, как Иван Порошин, Сергей Мершин и Наталья Домрачева, исполняют партии во всех постановках. По удивительным причинам ни один из хореографов не кастинговал ни приму Марию Меньшикову, ни новую пермскую «Жизель» Инну Билаш. Можно лишь предположить, что эти балерины не подошли по конституции.

После премьеры Алексей Мирошниченко восторженно объявил, что не узнал на сцене своих подопечных. Труппа действительно смотрелась по-европейски; не просто старалась технически исполнить движения, но понимала смысл внушенной ей новой лексики. Мирошниченко называет проект «Видеть музыку» переходным.

В следующем сезоне он собирается пригласить в театр хореографа, чье имя не придется лишний раз объяснять. Кто это будет, все узнают вместе с труппой на закрытии этого сезона.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3 ... 13, 14, 15, 16, 17  След.
Страница 14 из 17

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика