Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2008-11
На страницу Пред.  1, 2, 3 ... , 11, 12, 13  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11763

СообщениеДобавлено: Пт Ноя 28, 2008 12:50 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2008112801
Тема| Балет, МТ, НГАТОБ, творческий вечер Игоря Зеленского, Персоналии. И. Зеленский, П. Семионова, В, Терешкина, Я. Селина
Авторы| Ирина ГУБСКАЯ
Заголовок| Шепот Аполлона
В Мариинском театре прошел творческий вечер Игоря Зеленского
Где опубликовано| Культура
Дата публикации| 27.11.08
Ссылка| http://www.kultura-portal.ru/tree_new/cultpaper/article.jsp?number=804&crubric_id=100442&rubric_id=207&pub_id=994957
Аннотация|

Программу составили в излюбленном в последнее время в Мариинке одноактном формате. Каждая из трех частей представляла Зеленского в разных ипостасях. Баланчинский "Аполлон" отвечал за стиль. "Шехеразада" Фокина отводилась под технические трюки. "Шепот в темноте" Эдварда Льянга на музыку Филиппа Гласса в исполнении артистов Новосибирского балета презентовал Зеленского как руководителя труппы и репетитора.
"Аполлон" у Зеленского - наименее русифицированный из всех мариинских. Сюжета никакого не придумывает, его бог так погружен в хореографию, что получается отстраненным от мирских дел, словно примеряется сам этот мир вылепить. Какой там светоносный бог - абстракция, полумрак размышления. Финальная поза с музами "веером" - не павлиний хвост, а "луч осеннего заката". В "Аполлоне" Зеленский представлял тот мужской танец, который не сводится только к пиротехнике и переноске балерины. "Нездешность" Аполлона подчеркнули его музы. У Виктории Терешкиной проглядывал жесткий каркас роли и хореографии. Яна Селина с академичным, "русского наклонения" танцем, со всеми пластическими "вздохами" и праздничностью, очень "телесным" рядом с отстраненностью Аполлона. Анастасия Никитина - случай, когда Баланчин или Петипа равно не выходят за пределы недоученного экзерсиса.
Если Аполлон изначально козырная карта в репертуаре Игоря Зеленского, то "Шехеразада" скорее дань условностям, положению премьера. Этот слепленный Андрисом Лиепой клюквенный балет обожаем всеми: зрителями за то, что есть на что и на кого посмотреть. Артистами - за непритязательность хореографии и, как следствие, узаконенную отсебятину. Зеленский здесь не в своем формате (как, впрочем, и Али в "Корсаре" - за спиной раба, как за скалой, прячется возлюбленная, причем не его). В этом Золотом рабе не заподозришь сексуальную игрушку скучающей гламурно-гаремной красотки. Но с Полиной Семионовой сюжет получился. Зеленский не отличается открытым темпераментом, да и Семионова не склонна рвать страсти в клочья. Но - продумывать роль и дуэт с партнером.
В первой картине Зобеида - комфортно существующая вещь. Решившая развлечься оставленная женщина обнаруживает, что есть мир больший, чем ее мирок, и прежде незнакомая ей ценность - свобода. И тогда любовь может быть больше, чем страсть. Оправданием финального самоубийства становилась невозможность, завоевав такого мужчину, сумев вызвать ответный эмоциональный взрыв (не сразу - только в финале оргии), вернуться на те же уютные подушки. Не обладая бесконечной линией ног, Семионова вполне орнаментальна в пластике, с позами изысканного рисунка. В придачу яростный взгляд, хищная повадка опасной кошки. Зеленский достойно поддержал трактовку. Его герой не воспринимает состояния рабства, для него свобода не требует завоевания, она присутствует как данность.
Репертуар вечера выглядел не "домашним", более подходящим для гастролера. Премьер Мариинки практически всю карьеру оставался не вполне "своим" - редкой кометой, иногда попадавшей на мариинскую орбиту, что на деле было нормальным режимом работы звезды международного класса. Сегодняшний Игорь Зеленский не столь независим, что логично, когда человек отвечает не только за себя и даже не только за ближайшее окружение - за целый социум, коллектив, структуру. Свою подшефную труппу, Новосибирский балет, он представил центральным событием программы. В "Шепоте в темноте" заявленного подсознательного, пограничного состояния не прозвучало, если не считать способность тел танцовщиков, тренированных в системе академического балета, освоить на вполне достойном уровне "пограничную" пластику на сплаве модерна и элементов contemporary. По танцевальному диапазону здесь, похоже, не отстают от Большого и Мариинки. Так что в качестве руководителя Игорь Зеленский выступил не хуже, чем в роли премьера.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11763

СообщениеДобавлено: Пт Ноя 28, 2008 12:53 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2008112802
Тема| Балет, Большой театр Варшавы, «Анна Каренина», творческий вечер Игоря Зеленского, Персоналии. М. Плисецкая, А. Ратманский
Заголовок| Секреты Майи
Авторы” Ксения АВДЕЕВА
Где опубликовано| Культура
Дата публикации| 27.11.08
Ссылка| http://www.kultura-portal.ru/tree_new/cultpaper/article.jsp?number=804&crubric_id=1002225&rubric_id=201&pub_id=994522
Аннотация|

Новый сезон Большого театра в Варшаве начался с премьеры спектакля "Анна Каренина", поставленного Алексеем Ратманским.
Это был абсолютно беспроигрышный вариант. Фантастическая музыка Родиона Щедрина, хореография Алексея Ратманского, сценография Майкла Мелби даже при средних польских исполнителях гарантировали балету бурные восторги зрителей, хорошую прессу и долгую жизнь.

Этот спектакль Ратманский уже ставил для Датского Королевского балета. Спустя два года его "Анна Каренина" с успехом прошла в Литовской Национальной и в Финской Национальной Операх. И вот настал черед Варшавы.

Премьера была приурочена к дню рождения Майи Плисецкой, заявившей, что непременно прибудет на нее в польскую столицу вместе со своим мужем, композитором Родионом Щедриным, написавшим в 1972 году музыку балета, в котором многие годы на сцене московского Большого театра блистала великая Майя.

Варшавяне ждали встречи со своим давним кумиром не меньше, чем саму премьеру. Напомню, что сорок семь лет назад Плисецкая впервые выступила на сцене Варшавской Оперы в "Лебедином озере".
Сама Майя Плисецкая высоко оценила работу Алексея Ратманского. А на встрече с польскими зрителями заявила, что и будущая постановка Ратманским в Мариинском театре балета "Конек-Горбунок" на музыку Щедрина будет исключительным событием.

У Ратманского танцуют молодые энергичные артисты: Марта Филдер, Максим Войтиул, Валерий Мазепчук. Любопытный факт: уже с первой постановки в балете есть две полноправные исполнительницы роли Анны Карениной, молодые солистки Марта Филдер и Наталия Войцеховская.

Сама Майя Плисецкая дипломатично не давала "развернутых характеристик" польским исполнительницам, отметила только, что на премьере Марта Филдер была очень выразительна...

Огромным событием для Варшавы стала встреча с Майей Плисецкой на следующий день после премьеры. В Большом театре собрались артисты, критики, журналисты, представители русская община в Варшаве, студенты балетных студий. Почитатели Плисецкой получили еще один замечательный подарок: возможность приобрести только что переведенную на польский язык книгу "Я, Майя Плисецкая..." с автографом великой балерины.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11763

СообщениеДобавлено: Пт Ноя 28, 2008 2:29 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2008112803
Тема| Балет, театр "Киев модерн-балет, Палата № 6, Персоналии, Р. Поклитару
Авторы| ЮЛИЯ БЕНТЯ.
Заголовок| Балет сделали ручкой
// "Киев модерн-балет" показал "Палату #6"
Где опубликовано| Коммерсант-Украина
Дата публикации| 28.11.08
Ссылка| http://www.kommersant.ua/doc-y.html?docId=1085595&issueId=47064
Аннотация| премьера / балет

Авторский театр хореографа Раду Поклитару "Киев модерн-балет" представил премьеру очередного одноактного балета – "Палата #6" по мотивам рассказа Антона Чехова. Превращение зрелища в концепт наблюдала ЮЛИЯ БЕНТЯ.

К окончанию прошлого сезона театр "Киев модерн-балет", которому этой осенью исполнилось всего два года, планировал показать сразу две премьеры – одноактные балеты Underground и "Палата #6". Однако трагическую историю любви Underground показали в июне вместе с балетом "Дождь" (см. Ъ от 19 июня), а "Палату #6" вытанцовывали еще целых полгода.
В обеих постановках используется музыка прибалтийских композиторов: основой Underground является Скрипичный концерт живого латвийского классика Петериса Васкса, а "Палаты #6" – произведения для струнного оркестра гениального эстонца Арво Пярта. И если первый был целиком и полностью оригинальным, то второй де-юре является новой версией одноименного спектакля, поставленного господином Поклитару на сцене Большого театра в 2004 году. По существу, "Палата #6" – это все-таки новый спектакль: остался чеховский сюжет и трехчастная музыкальная композиция, но хореографическое решение оказалось совсем другим.
Пожалуй, из всех киевских постановок "Киев модерн-балета" "Палата #6" – самая камерная и рациональная работа, в которой чистая зрелищность уступает прихотливым играм разума. А на границе между ними устроились полные смыслов и подтекстов, но вместе с тем визуально занимательные декорации (сценография Андрея Злобина) и прочий антураж: кровать больного здесь – строительные "козлы" с вращающимся лежаком, дверь в палату имеет форму гроба (привет хрестоматийному "Человеку в футляре"), а с ума сходят под звуки поезда и стробоскопически мигающий железнодорожный сигнал.
На сей раз Раду Поклитару впервые изменил собственному принципу задействовать в постановке всю труппу: в "Палате #6" участвуют всего пять танцовщиков, поэтому два премьерных спектакля сыграли разными составами. Балет представляет собой три мужских дуэта, разделенные паузами. Начинается история с па-де-де знакомства доктора (Руслан Баранов) с пациентом (Сергей Клименко), доходящего до возвышенной синхронности прыжков и взмахов рук-крыльев. Затем следует ансамбль-недоумение доктора с чемоданом и почтмейстера с фотокамерой (Александр Маншилин), в результате которого доктора пытаются загнать в его же тело и отправить на больничный лежак. А в финале реприза: повторное воссоединение доктора с пациентом, за которое первый вынужден расплатиться прыжком в underground. Этим прыжком в оркестровую яму "Палата #6" оказалась крепко связанной со спектаклем Underground, с которым составляет дилогию об обреченности любви и нестыковках между человеком естественным и человеком социальным.
Следует отметить, что в "Палате #6" присутствует несколько сугубо хореографических лейтмотивов, цементирующих действие. Этот балет является танцем рук, а главное движение – практически подражание знаменитой фреске "Сотворение Адама" Микеланджело. Раду Поклитару по-своему интерпретирует этот знаменитый жест и именно с него начинает повествование: рука кого-то, скрытого за кулисой, буквально вталкивает несчастного больного в его палату. Далее руки не замолкают ни на секунду: то указывают на звезды, то описывают круги вокруг головы, то что-то измельчают в воздухе. Получился совершенно чеховский рассказ о том, что же такое на самом деле свобода и любовь. А под утешительные причитания "Мы вас любим! У вас все хорошо!" остается только одно – прыжок из земного ада куда поглубже.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20437
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Дек 01, 2008 11:18 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2008110001
Тема| Балет, «Звезды мирового балета Азии» (Якутия), Персоналии,
Авторы| Марина САНТАЕВА. Фото Александра Назарова
Заголовок| Звезды мирового балета Азии
Где опубликовано| газета "Наше время" (Якутия)
Дата публикации| 20081127
Ссылка| http://www.nvpress.ru/?id=28110825
Аннотация|


"Охотник"

Два дня в Якутске царил Балет. Это был настоящий праздник танца, который подарил поклонникам Терпсихоры Международный театральный проект «Звезды мирового балета Азии». На сцене Государственного театра оперы и балета Якутии блистали звезды Казахстана и Кыргызстана.

23-летний солист Казахского (имени Абая) и Кыргызского (имени А.Малдыбаева) театров Нурлан Конокбаев – кыргыз по национальности, родом из Бишкека. Амиру Жексембеку также 23 года, он – солист Казахского государственного академического театра оперы и балета имени Абая. В Международном театральном проекте под названием «Звезды мирового балета Азии» они заняли центральное место.
В первый день, 22 ноября, вниманию зрителей был представлен балет Минкуса «Дон Кихот». В главных мужских партиях – Базиля и Эспады – выступили гости проекта Нурлан Конокбаев и Амир Жексембек. Партию Китри исполнила заслуженная артистка РС(Я) Екатерина Тайшина.
Зритель в первые же минуты влюбился в Базиля, партию которого исполнял Нурлан Конокбаев. В этот образ невозможно было не влюбиться, настолько он был обаятелен. Нурлан продемонстрировал великолепную технику – высокие прыжки, потрясающую скорость вращений и физическую силу. Несколько раз зрители вызывали артиста на бис, а он дарил им со сцены воздушные поцелуи.
Превосходен был Амир – высокий (его рост 190 см!), статный, красивый, как бог. Эспада в его исполнении был ослепителен – неустрашимый, гордый и неприступный, с царственными манерами и величественной осанкой.
Удивительно, но знакомый, казалось бы, спектакль заиграл совершенно новыми красками. Думается, что такой «взаимообмен», когда на сцене играют артисты разных театров, интересен не только для зрителей, но и имеет огромную ценность для самих артистов, которые могут вновь продемонстрировать все свои возможности, а также открыть в себе что-то новое. Даже в том, что давно считали таким привычным и знакомым.
Второй день, 23 ноября, ознаменовался большим гала-концертом в двух отделениях. Первое отделение открылось балетом на музыку Валерия Шадрина «Свет и тени Марты Грэхэм. Шесть писем из Нью-Иорка». Напомним, что премьерный показ спектакля состоялся месяц назад, 25 октября. Автор музыки посвятил свое творение приме-балерине Якутского театра оперы и балета Гульнаре Дуловой, которая исполнила в спектакле главную партию. Партнерами Дуловой в спектакле стали Герман Те, Леонид Попов, Евгений Егоров и Айаал Скрыбыкин.
Оригинальная сценография (Саргылана Иванова), благодаря которой зрители словно почувствовали присутствие самой Марты Грэхэм, и необычная, «нестандартная» хореография (Мария Сайдыкулова) сделали спектакль настоящим откровением, спектаклем-контрастом, где рядом стоят черное и белое, романтическое и трагическое. Необычность действа подчеркивало живое звучание стихотворений американских авторов в оригинале, на английском языке. В этом амплуа очень органично смотрелась Мария Ершова, студентка факультета иностранных языков ЯГУ (и, кстати, финалистка конкурса красоты «Мисс Якутия-2007»).
Во втором отделении концерта были представлены отдельные концертные номера с участием артистов ГТОиБ Якутии и гостей проекта – артистов Казахского и Кыргызского театров. Вместе со сменой артистов на сцене менялись и настроение, и тональность. Здесь были и классика, и модерн. Удивительные по красоте «Античные танцы» и вдохновенное посвящение Его Величеству Танцу в исполнении артистов ГТОиБ сменились темпераментным, завораживающим «Танго» Луи Армстронга в исполнении Амира Жексембека с его четкими линиями и отточенным рисунком. После трогательной, нежной «Принцессы Луны» (Мария Гоголева и Анатолий Попов) зритель увидел искрометного Тореадора (Амир Жексембек), а сразу после этого – непокорную, гордую Кармен – Надежду Корякину и сгорающего от любви Хосе (Ренат Хон). Игривую, задорную, молодую «Тарантеллу» (Мария Гаврильева и Леонид Попов) сменил безудержный, дикий, горячий танец охотника Нурлана Конокбаева. И финал у концерта был ярким – гран-па из балета «Дон Кихот», где перед зрителями предстали любимица публики Екатерина Тайшина с тридцатью фуэте и Нурлан Конокбаев с удивительными прыжками, опровергающими все законы земного притяжения...
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20437
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Дек 01, 2008 11:24 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2008110002
Тема| Балет, «Звезды мирового балета Азии» (Якутия), Персоналии, Нурлан Конокбаев, Амир Жексембек
Авторы| Марина САНТАЕВА.
Заголовок| Звезды мирового балета Азии
Где опубликовано| газета "Наше время" (Якутия) № 48
Дата публикации| 20081127
Ссылка| http://www.nvpress.ru/index.asp?id=28110826&dates=27/11/2008
Аннотация|

Сразу после гала-концерта корреспондент «НВ» задала звездам несколько личных и не очень вопросов.


НВ»: Амир, мы сегодня были удивлены вашими номерами, не похожими на то, что мы привыкли видеть: своеобразный рисунок, линии. Расскажите, пожалуйста, о постановках.
А.Ж.: Концертные номера, которые я привез на проект, поставлены специально для меня и под меня. Их автор – Эдуард Мальбеков, мой репетитор. Номера хорошо отражают мою индивидуальность, мой характер и поставлены под мою физику. Что касается вариации Тореадора из балета «Кармен-сюита», то ее первым исполнителем был русский танцовщик Сергей Радченко, бессменный партнер Плисецкой в «Кармен» (эта звездная пара, по самым скромным подсчетам, станцевала около трехсот пятидесяти спектаклей. - Прим. ред.), он исполнял номер в том виде, в котором танцую его я.
«НВ»: Нурлан, ваш номер «Охотник» стал для зрителей настоящим подарком. Да вы и сами слышали, как он понравился публике.
Н.К.: (смеется): Как исполнил, так и восприняли. А если серьезно, то этот номер я впервые «обкатал» в Сеуле, где получил свое первое лауреатство. Там моего «Охотника» восприняли просто на ура. Для них этот номер – настоящая экзотика.
«НВ»: Нашему зрителю он, наоборот, очень понятен и близок, якутская и кыргызская культуры во многом схожи: те же хомус, меха, охота...
Н.К.: Да, это так. Музыка с этническими мотивами, что-то первобытное, дикое, динамика и напряженность – это настоящий мужской танец. Этот номер мне и самому очень близок.
«НВ»: Вы работали с нашими артистами, видели их, когда они выступали в вашем театре. Какие особенности вы отметили, как бы охарактеризовали их?
Н.К.: Во-первых, мы хотим отметить потрясающее гостеприимство и дружелюбие. Вообще, здорово, что в вашем театре воплощаются такие проекты, благодаря которым могут общаться и сотрудничать артисты разных театров разных стран. Мы очень благодарны Эсену-байке (Эсен Сайдыкулов – председатель кыргызской общины. – Прим. ред.) и руководству вашего театра за это приглашение. Честно говоря, мы даже не предполагали, что на самом краю России есть такой большой и такой замечательный театр! В вашем театре мы увидели высокий уровень русского классического балета.
«НВ»: Как бы вы сами определили жанр, в котором работаете?
А.Ж.: Нурлан – более классический, гротесковый артист. У меня же на сцене образ такого жгучего мачо, сердцееда.

***

Артисты пробыли в Якутске пять дней, два из которых были посвящены знакомству с городом и якутской культурой. Нурлан и Амир с удовольствием общались с прессой, посетили Музей мамонта, посмотрели Золотой фонд в здании Комдрагмета, а также опробовали якутскую кухню в ресторане «Тыгын Дархан». От всего увиденного оба были просто в восторге. Особенно впечатлила артистов-южан наша снежная холодная - как они сказали, «настоящая» - зима. «Такого снега, как у вас, мы никогда не видели!» - с восторгом рассказывали они. Абсолютно не напугал артистов и тридцатиградусный мороз: Амир и Нурлан все же прогулялись по заснеженному Якутску. Теперь артисты ждут приглашения на фестиваль классического балета «Стерх», который состоится в Якутске в следующем году.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20437
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Дек 01, 2008 11:28 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2008110003
Тема| Балет, Челябинский театр оперы и балета им. Глинки , Персоналии, Юрий Бурлака
Авторы| Людмила Фёдорова
Заголовок| В канун Рождества на балетной сцене Челябинска начнётся «Золотой век…»
Где опубликовано| uralpress.ru
Дата публикации| 20081128
Ссылка| http://uralpress.ru/art140924.htm
Аннотация|

В Челябинском академическом театре оперы и балета имени Глинки на выходе новый балетный спектакль – «Золотой век русского императорского балета».

Третья по счёту мировая премьера – после «Гойи» (постановка Константина Уральского) и «Синдбада» (постановка Валерия Кокарева). Мировая, потому что единственная в мире, потому что нигде в других театрах мира не идёт. Правда, «Синбад» (премьера прошлого сезона), который пользовался зрительским признанием, не идёт уже и на челябинской сцене, а вокруг «Гойи», который имеет несколько призов областной «Сцены» и довольно скромный процент посещаемости, не утихают споры. Тем не менее, они действительно единственные в своём роде.

«Золотым веком» решил осчастливить челябинцев и балетную труппу театра столичный сорокалетний балетмейстер заслуженный артист России Юрий Бурлака. В мире балета он известен как глубокий исследователь и тонкий знаток классического балетного наследия, как реконструктор и постановщик ряда исторических спектаклей. Но известен больше за рубежом. Как сам скромно признаётся, в России он начинающий балетмейстер. Он ставил «Лебединое озеро» в Вене, «Коппелию» и «Щелкунчика» в Токио. А на родине успех имел лишь балет «Корсар». Его Юрий Бурлака поставил в Большом театре вместе с художественным руководителем его балетной труппы Алексеем Ратманским, которого сменит на этом посту с 1 января 2009 года.

В Челябинский театр бывший художественный руководитель театра «Русский балет» и будущий художественный руководитель балета Большого театра Юрий Бурлака прибыл ещё до начала театрального сезона, в сентябре, с двумя педагогами Московской государственной академии хореографии , бывшими солистами Большого театра Ириной Прокофьевой и Юрием Васюченко. В течение двух недель они учили технике старинного балета челябинских артистов. Для новой постановки из двух актов Юрий Бурлака и художественный руководитель челябинского балета Константин Уральский отобрали пять фрагментов из балетных шедевров, которые шли на сцене Мариинского и Большого театров в конце XIX – начале XX веков. Сценография и костюмы «Золотого века» золотые во всех смыслах, они по- царски роскошны и сказочно красивы. И невероятно трудные по исполнению. Сейчас в цехах театра идёт кропотливая работа по созданию этой поистине неземной красоты. Для каждого акта расписывается свой суперзанавес. Много живописных работ, росписи по шёлку, аппликации на сетке, невероятное число всевозможных украшений …Костюмы шьются в Москве. В эскизах декораций и костюмов (авторы – художники Большого театра Альона Пикалова и Елена Зайцева) реконструированы работы Бакста и Пономарёва.

Первый акт «Золотого века» - это фрагменты из балетов «Фея кукол» Дриго, «Сильфида» Адана, Дриго и Шнейцхоффера, «Пробуждение Флоры» Дриго, «Конёк-Горбунок» Пуньи. Во втором акте зрители увидят гран па из третьего акта балета Минкуса «Пахита». Названия и имена почти не известные современникам, но очень популярные у российской знати и поклонников балета 19 века. Шедевры «Золотого века» предстанут перед челябинской публикой 13 и 14 декабря.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20437
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Дек 01, 2008 11:45 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2008110004
Тема| XXI Международный фестиваль современной хореографии (Витебск), Персоналии,
Авторы| Виктория ПОПОВА, Фото: БЕЛТА
Заголовок| Балет без правил
Где опубликовано| Портал «СБ-Беларусь Сегодня».
Дата публикации| 20081129
Ссылка| http://www.sb.by/post/77599/
Аннотация|



В Витебске открылся XXI Международный фестиваль современной хореографии. «Заметьте, в XXI веке, — волнуется заместитель генерального директора центра культуры «Витебск» Марина Романовская, — сложились две магические цифры — XXI, мне боязно и страшно: какие–то ворота открылись, а что за ними?..»


В первый вечер давали танцовщиков экстра–класса: здесь нам и западные звезды, труппа из Штутгарта «Гуатье данс», и «матерые» танцевальные коллективы из Москвы, Гродно, Киева, Перми... «Панфиловцы», конечно, вне конкуренции, витебская публика боготворит пермский театр «Балет Евгения Панфилова». На открытии фестиваля был представлен балет Евгения Алексеевича «Восемь русских песен», сам хореограф называл этот спектакль попыткой «обнажить мощную суть русской песни. Вынуть истинно вольную, мятущуюся русскую душу из ее лакированно–эстрадной упаковки в стиле «а–ля рюс». На балетные игрища «панфиловцев» можно смотреть бесконечно и не скупиться в выражениях, называть поддержки танцовщиков виртуозными, форму спектакля — сверхплотной, блестящей идею хореографа...


Все же гвоздем концерта–открытия стала немецкая труппа «Гуатье данс», ее хореограф и руководитель Эрик Гуатье показал витебчанам «другой» современный танец, не совсем тот, к которому мы привыкли. Немецкая труппа не стала кружить нам голову диагональю шикарных заносок, прыжками до потолка, немыслимыми позами, нечеловеческим вывертом ног и рук. Эрик публику смешил: в его шуточной постановке «Балет 101» танцор Уильям Морагас показывает 100 позиций классического танца в ускоряющемся темпе — первая, вторая, сорок восьмая... естественно, 101–я поза — это распластанный на полу танцовщик Уильям, «погибающий» в конвульсиях от тяжкой работы в «репетиционном зале». Зал заливисто хохочет: нежную пародию Эрика на классический балет публика с радостью принимает, а критики современного танца недоумевают: «Но это ведь не совсем модерн?..»


Позже на пресс–конференции герр Гуатье вынужден был объяснить, что свой поиск в современной хореографии он ведет, исходя из вкусов западного зрителя. «Классический балет всегда был искусством для особой, если хотите, обеспеченной публики, — говорит Эрик. — А я хочу делать танец для простых людей. Допустим, если современный молодой человек вечером задумается, куда бы ему отправиться — в кино или на балет, он должен предпочесть балет, потому что там тоже весело. Именно поэтому я стараюсь в свои постановки вкладывать не только мысль и техническое совершенство, но и юмор». Кстати, Эрик развенчал перед нами еще один миф о том, что труппы современного танца в Европе живут припеваючи, каждый день концертируют. Совсем нет. Его достаточно известная в Германии труппа «Гуатье данс» выступает от 3 до 8 раз в месяц в камерных залах, рассчитанных на 200 — 400 человек.


Так, пока симпатичный немецкий хореограф Эрик Гуатье решает вопрос, как завлечь современного зрителя на балет, дирекция витебского фестиваля озадачена совсем другой проблемой. Желающих попасть в зал КДЦ «Витебск» на концерты фестиваля очевидно больше, чем билетов в кассе. Сегодня на фестивале вечер премьер: российский театр танца «Крепостной балет» представляет спектакль «Дождись ангела», театр «Балет Евгения Панфилова» дает постановку Ларисы Александровой «Отлучение»... Спешу занять очередь в билетную кассу — в большой витебской семье балетоманов клювом не щелкают.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20437
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Дек 01, 2008 4:47 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2008110005
Тема| Балет, Театр им. Станиславского и Немировича-Данченко, "Каменный цветок", Персоналии,
Авторы| Юлия Яковлева
Заголовок| Малахит плюс
Где опубликовано| "Афиша"
Дата публикации| 20081128
Ссылка| http://www.afisha.ru/performance/77969/
Аннотация|

«Каменный цветок» — это револьвер, с которым Юрий Григорович, молодой да ранний, ворвался в святилище советского балета, посреди которого тушей лежал уже почти бездвижный «драмбалет», вложил ствол монстру в ухо и выстрелил. Как вы понимаете, самым сложным было осмелиться войти.

Шел 1957 год, по оттепели трещали льды, хореографа-реформатора уже ждали как мессию, но еще переживали, что ему попадет. И тут — с балерин сняли юбки. Вместо декораций поставили гигантские панели в малахитовых разводах — лучший балетный сценограф СССР Симон Вирсаладзе с беспринципностью гения создал «Цветок», после того как десятилетиями отделывал рюшами пышные драмбалеты. В Советском Союзе на один вечер наступило «западное искусство», каким его пред­ставляли артисты, еще не начавшие выезжать на гастроли за гра­ницу. Хотя либретто — отечественный Бажов, Урал и все такое.

Когда я первый раз увидела «Цветок», меня поразило, ­насколько он… м-м-м-м… спокойный. От манифеста ждешь большей запальчивости. Для манифеста у него слишком ровный пульс и почти нулевой уровень агрессии. Так ведут себя люди в своем праве — неизвестно только, было ли это спокойст­вие напускным (чтобы театральные гиены не растерзали рань­ше времени) или Григорович в самом деле верил своей звезде.

В то же время его спокойствие очень понятно: Григорович налаживал большой «классический» спектакль, с арками и кон­трфорсами, и старался, чтобы не дрожала рука. Странная затея, учитывая, что естественный модернистский формат — одноактный (и одноактными были все важные тексты 1960-х — от балетов Баланчина до незаконнорожденных советских шедевров Игоря Бельского и Леонида Якобсона). Но Григорович наращивал ставки, ведь именно в большом формате работал и «драмбалет». Да, конечно, заодно он и укрупнял мишень для вражеского обстрела. Однако риск оправдался, звезда не обманула, превратившись в итоге в звезду лауреата всего, что только было в СССР.

Эта игра с высокими ставками отразилась на «Каменном цветке», как алкоголизм родителей (или, чтоб без оценок, как их образ жизни) — на детях. Впечатление от него остается какое-то мерцающее, как будто кто-то на ветру жжет спички. Вспышка: оглушительная сцена ярмарки. Затем ровно-пустоватые, как тундра, и такие же холодные танцы самоцветов. Затем опять вспышка… Но что поделать! Из всех зрелищ советские любители балета предпочитали большой пожар во вкусе «драмбалета», и Григорович очень старался им угодить.

Возможно, именно это сделало «Каменный цветок» самым небесспорным шедевром Григоровича. Во всяком случае — наименее популярным. Он ест чертовски много человеческой энергии у театра и исполнителей, но возвращает — в виде простодушной зрительской отдачи — куда меньше. И, видимо, поэтому увидеть «Каменный цветок» Григоровича больше негде, кроме как в Театре Станиславского и Немировича-Данченко. Уж энергии у него точно с избытком.

Вообще, в балете очень развито чувство, кто главный. Балет иерархичен по своей природе. Каждый четко знает, кто началь­ник, и держит равнение. Должно быть, этот инстинкт помогает балетным людям держать в танце линию — как перелетным гусям, соблюдающим строгий клин даже в шторм над Гималаями. В XIX веке власти это сочувственно понимали: в каждой из столиц балетный театр был только один. А в советские времена очень удивились, когда, утыкав империю балетными театрами, вскоре обнаружили делянку бледных копий-поганок Большого или Мариинки. Я так издалека объясняю, чтобы вы поняли, насколько фантастично то, что сегодня делает Театр имени Станиславского. То ставит «Чайку» Ноймайера, то возобновляет старинную советскую «Снегурочку». То вот — «Каменный». В связи с реконструкцией главного здания (с конями на крыше) Большой стоит со «Стасом» теперь, в общем-то, на одной улице, на Дмитровке — тем длиннее тень от него на младшего собрата. Так что этот «Цветок» — только с виду каменный. На то, чтобы вырастить посреди Москвы эту хрупкую вещицу, потребовались отвага воображения и вера в свою индивидуальность, достойные садоводов Израиля с их капельным орошением пустыни. Невероятно.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Владимир
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 06.05.2003
Сообщения: 5928
Откуда: Киев

СообщениеДобавлено: Вс Дек 07, 2008 2:59 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2008110006
Тема| Балет, Национальная опера Украины, персоналии Анатолий Шекера, Виктор Яременко, Максим Мотков и другие
Авторы| Татьяна Полищук
Заголовок| На языке Анатолия Шекеры
Где опубликовано| "День"
Дата публикации| 20081125
Ссылка| http://www.day.kiev.ua/257090/
Аннотация|

На языке Анатолия Шекеры

Фестиваль, посвященный великому хореографу, продемонстрировал высочайший уровень украинского балета
Татьяна ПОЛИЩУК, фото Руслана КАНЮКИ, «День»



ЛЕГЕНДАРНОЕ «БОЛЕРО» В ИНТЕРПРЕТАЦИИ А. ШЕКЕРЫ (ДЕВУШКА В БЕЛОМ — АННА ВАСИЛЬЕВА, ЮНОША — ЮРИЙ КЕКАЛО)




ФАНТАЗИИ НА ТЕМУ «СОБОР ПАРИЖСКОЙ БОГОМАТЕРИ» НА МУЗЫКУ СЕРГЕЯ РАХМАНИНОВА ПОСТАВИЛ ДМИТРИЙ КЛЯВИН. НА ГАЛА-КОНЦЕРТЕ ЭТУ МИНИАТЮРУ ИСПОЛНИЛИ МАКСИМ МОТКОВ (НЫНЕШНИЙ ЛАУРЕАТ ШЕКЕРОВСКОГО ФЕСТИВАЛЯ) И ТАТЬЯНА ЛЕЗОВА




ПОДОПЕЧНЫЕ ВАДИМА ПИСАРЕВА (ДОНЕЦКИЙ ТЕАТР ОПЕРЫ И БАЛЕТА ИМ. А. СОЛОВЬЯНЕНКО) ИСПОЛНИЛИ ПРОНИКНОВЕННУЮ КОМПОЗИЦИЮ НА МУЗЫКУ Л. БЕТХОВЕНА «ПАМЯТИ ШАХТЕРОВ»


Восемь лет, как перестало биться сердце этого замечательного хореографа. Сегодня мастера помнят многочисленные любители балета, а его творческую эстафету продолжают ученики и последователи. Постановки Анатолия Федоровича традиционно проходят с аншлагами, что в очередной раз подтвердили полные залы Национальной оперы (все четыре фестивальных дня, посвященных памяти Анатолия Шекеры, на подходах к театру спрашивали лишние билетики). Так было на сказочно-лирическом «Лебедином озере», поэтически-драматическом «Ромео и Джульетте», героико-эпическом «Спартаке» и страстно-утонченном «Болеро». Эти балеты показали, насколько разносторонне талантливым был Анатолий Шекера. Он умел бережно относиться к классике, создавая собственный балетный язык. На его спектаклях зрители смеются и плачут, внимая каждой сцене, сопереживая героям. У Шекеры был дар создавать масштабные спектакли, причем так называемая «массовка» у балетмейстера никогда не была просто толпой, а она играла именно ту роль, которую поставил перед танцорами хореограф. В спектаклях Анатолия Федоровича всегда солируют только лучшие из лучших артистов, демонстрируя не только виртуозное владение танцевальной техникой, но и свое драматическое мастерство, передавая языком пластики и танца самые тонкие человеческие чувства. Видимо поэтому шекеровским спектаклям не подвластно время, они волнуют зрительские сердца, а артисты борются за почетное право выступать в балетах Анатолия Федоровича.

Сегодня выросло несколько поколений танцовщиков и хореографов, прошедших мастер-класс Шекеры. Символично, что на гала-концерте — закрытии фестиваля — было исполнено его легендарное «Болеро», а также сцены и фрагменты из постановок, созданные учениками Анатолия Федоровича, и теми, кто считает его своим учителем.

По словам гендиректора Национальной оперы Петра Чуприны, «феномен этого украинского хореографа еще предстоит изучать и анализировать театроведам и критикам. Балетное творчество Анатолия Шекеры прославило нашу страну и украинскую хореографическую школу. Он стоит в одном ряду с такими мастерами, как Петипа, Баланчин, Бежар, Григорович; сохраняя классические традиции, Шекера искал и находил свой выразительный язык в танце. Благодаря Анатолию Федоровичу была создана балетная труппа Национальной оперы (много лет он был главным балетмейстером Киевского театра оперы и балета), которая по праву считается лучшей в Украине. Его балеты украшают афиши не только нашего коллектива, но и многих стран мира, в частности, Хорватии, Турции, Македонии».

Благодаря сподвижничеству вдовы Анатолия Шекеры, в прошлом прекрасной балерины, а ныне замечательного педагога Элеоноры Стебляк, постановки Анатолия Федоровича продолжают радовать публику; несколько поколений артистов оттачивают свое мастерство, участвуя в его спектаклях.

В этом году лауреатом Балетного фестиваля им. А. Шекеры стал солист Национальной оперы Максим Мотков. Получая награду, он сказал: «Я счастлив, что не только лично знал Анатолия Федоровича, но мне посчастливилось работать вместе с ним. Он умел увлечь и зажечь творчеством всех артистов труппы, распознать талант, не боялся экспериментировать, поручая молодежи самые сложные драматические партии».

Сегодня балетную труппу Национальной оперы возглавляет ученик Шекеры — Виктор Яременко, который на вечере подчеркнул: «Мы продолжаем традиции, заложенные Анатолием Федоровичем». На гала-концерте были представлены разные постановки непосредственных учеников мастера танца и тех, кто сегодня продолжает трудиться, строя большой современный балетный дом, продемонстрировав публике свои творческие поиски и находки, а именно: Вадим Писарев, Алла Рубина, Дмитрий Клявин, Виктор Литвинов, Ондрей Шотт, Анико Рехвиашвили, Сергей Бондур и Виктор Яременко. Вечер подарил зрителям встречу с прекрасными танцовщиками из Киева и Донецка: Еленой Филипьевой, Сергеем Сидорским, Максимом Мотковым, Татьяной Лезовой, Юрием Кекало, Анной Дорош, Максимом Чепиком, Николаем Михеевым, Анной Филатовой, Константином Пожарницким, Игорем Булычовым, Александром Шаповалом, Андреем Гурой и др.
_________________
"Неважно, почему значительное стало незначительным. Стало, и все тут." © Льюис Кэрролл
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Михаил Александрович
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 06.05.2003
Сообщения: 25629
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Дек 13, 2008 12:36 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2008113201
Тема| Балет, Сыктывкар, Коппелия, Индра Рейнхолде
Авторы| Михаил Герцман
Заголовок| Люди и куклы
Где опубликовано| Бизнес-новости Республики Коми
Дата публикации| 20081128
Ссылка| http://bnkomi.ru/data/doc/1839
Аннотация| БНКоми представляет читателям очередное творение композитора Михаила Герцмана «Люди и куклы», обозначенное им как «не только рецензия».

В нынешнем сезоне в репертуаре нашего Театра оперы и балета появился новый спектакль - балет «Коппелия» на музыку французского композитора Лео Делиба. Впервые поставленный в Париже в 1870 году, этот балет принёс и первую настоящую славу его тридцатичетырёхлетнему автору. Успех этот, пожалуй, не так уж и удивителен, если вспомнить, что Делиб окончил консерваторию по классу композиции у самого А. Адана - автора бессмертной «Жизели». Впоследствии учитель и ученик нередко сотрудничали - во всяком случае, к балету Адана «Корсар» Лео Делиб по просьбе учителя написал объёмный дивертисмент, органично вписавшийся в музыкальную стилистику балета и ставший с тех пор его составной частью. Наверняка Делиб пользовался советами Адана и при создании балета «Сильвия»; балета, о котором П. Чайковский отзывался с нескрываемым восторгом, а уж Чайковский-то знал толк в балете!

Так вот, «Коппелия» спустя двенадцать лет после парижского триумфа уже была поставлена в Москве, в Большом театре. Причём бельгийский балетмейстер Й. Хансен бережно сохранил хореографию первого постановщика «Коппелии» А. Сен-Леона. А еще через два года «Коппелия» была поставлена и в Мариинке - на этот раз, вполне «нашим» балетмейстером М. Петипа, который, не слишком удалившись от хореографического первоисточника Сен-Леона, внёс в балет и кое-что своё. Позже, в 1905 году, гениальный ученик Петипа Александр Горский «вернул» в Большой театр этот балет уже в собственной хореографии, во-бравшей в себя всё лучшее от предшественников. Именно в редакции Горского «Коппелия» окончательно и утвердилась на российской сцене.

Все эти скучные подробности мне понадобились лишь для того, чтобы подчеркнуть: и каноническая редакция Горского оказалась не окончательной - на сыктывкарской сцене появился абсолютно новый, оригинальный балет Лео Делиба «Коппелия», поставленный в современной хореографической лексике молодым и невероятно талантливым латышским балетмейстером Индрой Рейнхолде.

Замечу, что это уже не первая постановка балетмейстера, с которой встретились сыктывкарцы. В прошлом сезоне на сцене нашего оперного театра ею был поставлен искромётный балет по комедии В. Шекспира «Тщетные усилия любви». И тут важна такая «деталь»: за всю мировую историю хореографических постановок по произведениям Шекспира балет И. Рейнхолде «Тщетные усилия любви» оказался первым, поставленным по этой комедии. К слову, собственно комедийных шекспировских балетов и всего-то насчитывается три-четыре: композиторов и хореографов всегда манили не комедии, но трагедии Шекспира с их философией, масштабностью образов и психологической глубиной.

Непобедимое желание (а главное, умение) балетмейстера идти непроторёнными тропами в полной мере проявилось и в постановке новой «Коппелии».

Сюжет балета основан на новелле (точнее, маленьком романе в письмах) немецкого писателя-романтика Эрнста Теодора Амадея Гофмана «Песочный человек». Сравнивая произведение писателя с балетным либретто, невольно удивляешься тому, насколько сложен и «густо» мистичен текст Гофмана и сколь незатейлива фабула балетного спектакля. Судите сами.

Молодая девушка Сванильда ревнует своего жениха Франца к таинственной незнакомке, появляющейся каждое утро в окне дома старика Коппелиуса. Ревнивица тайком проникает в этот дом и обнаруживает, что её соперница всего лишь мастерски сделанная заводная кукла. Сванильда переодевается в её платье и «изобличает» Франца в его мнимой неверности. Влюбленные воссоединяются к общей радости своих друзей.

Фабула, согласитесь, и вправду проста, зато сюжет уже простым не назовешь - если, конечно, иметь в виду, что фабула передаёт лишь цепь событий, а сюжет предполагает, как минимум, мотивировку этих событий и разработку характеров персонажей. Именно в разработке характеров Индра Рейнхолде и явила подлинное мастерство и необычайную хореографическую фантазию.

Надо сказать, что самое драгоценное достоинство балетмейстера, которым она блеснула и в «Коппелии», состоит в её поразительной музыкальности, умении не только слушать, но и слышать музыку в единстве всех её элементов.

Индра умеет на редкость точно и тонко интерпретировать, «переплавлять» любую мелодию, каждую музыкальную фразу со всеми её поворотами и мельчайшими завитками в выразительный танец. Ибо для неё балет это, в первую очередь, пластическое выражение музыки.

Все движения артистов, каждый их шаг, все повороты, прыжки, вращения подчинены одному - музыке. А музыка, в свою очередь, столь точно передаёт психологическое состояние героев в каждый миг их сценического бытия, словно она создана специально для этой хореографии. Причём слияние музыки позапрошлого века с современной танцевальной лексикой нигде не оставляет ощущения искусственности, насилия над музыкальным стилем или фальши. Поэтому зритель постоянно ощущает психологическую правдивость происходящего на сцене.

Так, М. Сергиенко не просто танцует партию Коппелиуса, он превосходно передаёт и драматическую, актёрскую составляющую этой партии; в его исполнении Коппелиус обретает черты подлинного трагизма. Как всегда обворожительной, искренней и техничной показала себя Н. Супрун (Сванильда). Убедительным выглядел и стремительно набирающий мастерство Р. Миронов (Франц). А одну из самых ярких и эффектных партий в этом балете станцевала (и великолепно сыграла!) М. Фильевая, воплотившая на сцене Коппелию - любимую куклу-мечту мастера Коппелиуса.

Да, Индра Рейнхолде жёстко подчинила танец музыке Делиба. Но, с другой стороны, она и его музыку заставила подчиниться своей безудержной фантазии! Она взяла на себя громадную ответственность, переработав музыкальную драматургию балета французского классика. Полагаю, Лео Делиб весьма бы удивился, обнаружив, что отдельные номера его прославленного сочинения переставлены местами, кое-какие темы драматургически переосмыслены, не говоря уже о мелодиях, которые и вовсе куда-то исчезли. Однако если бы автор еще и увидел этот балет, он бы, я уверен, не смог отказать ему в художественной убедительности. А уж Артюр Сен-Леон (а то и сам Александр Горский) даже позавидовали бы коллеге начала XXI века. И вот почему.

В этом балете мы не увидим развёрнутых пантомимических эпизодов, столь характерных для балетов XIX века. И это притом, что в подлиннике балет не только задуман, но даже и назван Делибом и Сен-Леоном именно «балетом-пантомимой»! Индра Рейнхолде, принципиально отказавшись от пантомимических диалогов, сконцентрировала своё внимание на тотальной танцевальности. И оказалось, что такой подход не только не обеднил, а необыкновенно обогатил лексику балета! Больше того, эта танцевальность сделала танцевальный текст балета необычайно выразительным, психологически достоверным, а значит, и более современным, близким и понятным сегодняшним зрителям. Не впадая в особенный пафос, я бы назвал пластическое решение балета праздником хорошего вкуса и высокой хореографической культуры.

Такому творческому итогу можно было бы только радоваться. Однако я бы слукавил, утверждая, что этот балет совершенен во всех своих компонентах. Тут, в первую очередь, я бы бросил упрёк художнику-постановщику спектакля Юрию Самодурову. То ли художник не нашёл общего языка с балетмейстером, то ли таким оказалось его собственное виденье сценографии этого балета, но и костюмы, и декорации нередко диссонировали с музыкой и хореографией балета.

Особенно это проявилось в первой картине. Главные герои, как и их друзья, выглядели крайне невыразительно в подозрительно простеньких платьях не вполне понятной эпохи ещё менее понятной страны. Это и не пейзане, и не горожане, и не вчерашние, и не сегодняшние. А кто? Жители вообще? И что это за местность - маленький городок в Галиции (где, по идее, должно происходить действие)? А может, Россия шестидесятых годов прошлого века (судя по одеждам героев)? И что это за сооружение в пра-вом углу сцены, соединяющее роскошь и нищету - недостроенный дворец? Мастерская? Дом, в котором живёт несчастный Коппелиус? Или всё вместе?

Но тот же Ю. Самодуров становится неузнаваемым, едва действие переносится вовнутрь дома. Эти неожиданно выезжающие таинственные шкафы, из которых появляются ожившие куклы, этот необыкновенно нарядный кукольный бал, этот полный драматического напряжения розыгрыш с переодеванием, который осуществляет Сванильда, этот роскошный ярко-пурпурный наряд Коппелии, эта игра с париками, это световое решенье сцены - от всего этого великолепия ощутимо веет волшебной романтикой Гофмана! Но как только все недоразумения рассеиваются и герои вновь обретают друг друга, а вместе с этим обретением предстают и в прежних унылых костюмах, на душе, признаться, становится муторно...

И коль скоро зашла речь о состоянии души, добавлю ещё пару ложек дёгтя в медовый бочонок своей рецензии.

Если правда, что театр начинается с вешалки, то спектакль, безусловно, начинается с программки. Ту, что я приобрёл на премьере «Коппелии», я долго не забуду. Вначале я узнал о существовании у Делиба балета, нигде, кроме сей программки, не упомянутого. Потом меня царапнула фраза, что Делиб «несколько лет работал композитором и дирижёром в театрах эстрадно-опереточного типа».

Лео Делибу, действительно сочинившему немало оперетт, случалось служить и церковным органистом, и концертмейстером в Лирической опере, и хормейстером в Гранд-Опера, но работой композитором (да еще в театрах «эстрадно-опереточного типа») он себя не запятнал. Да и что это, кстати говоря, за театры такие - «эстрадно-опереточного типа»? И что это за должность - «композитор»? Профессия такая, говорят, есть, а должность вместе с эпохой придворных композиторов давно исчезла.

Подобную небрежность составителя программки ещё можно как-то сгладить, припав к источникам и уточнив истинное положение вещей. А вот написанное далее в этой программке вы не найдёте ни в каком Интернете, ибо это свидетельство агонии русского языка. Или, если выразиться политкорректней, свидетельство крайне скверного литературного вкуса.

В программке делается заведомо непродуктивная попытка передать содержание балета, благо в его сюжетных перипетиях и вправду всё понятно, а значит (на взгляд составителя), должно легко поддаваться пересказу. Непонятно только, зачем вообще понадобилось пересказывать балет на свой лад? Иначе говоря, переводить его с хореографического языка на коряво-бытовой? Стоило ли лишать балетного зрителя (не такого уж тупого) возможности самому проникнуться прелестью сюжета? Не достаточно ли было ограничиться изложением фабулы, как это обычно принято в балетных программках?

Когда один актёр спросил Вл. Немировича-Данченко, чем отличается фабула от сюжета, тот ответил: «Фабулу излагаю я, а сюжет - моя домработница». Я мог бы рассмешить читателей множеством цитат из этого странного детского сочинения в жанре программки, но как-то не хочется веселиться по столь грустному поводу. Тем более что эту кляксу, изданную, надо полагать, приличным тиражом, нетрудно исправить (при желании, конечно).

И еще об одном непонятном явлении, прямого отношения к «Коппелии» не имеющем, но имеющем отношение к артистам вообще.

Многие еще помнят, что во времена СССР у нас существовали почётные звания «заслуженный» едва ли не в каждой профессии: заслуженный рационализатор Коми АССР, заслуженный мелиоратор и другие.

На заре перестройки одним из первых решений нашего тогдашнего Верховного Совета стала отмена почётных званий по профессиональному признаку и приведение их к общему знаменателю - «заслуженному работнику РК». В чём была необходимость этой унификации, совершенно непонятно, но, по-видимому, в тот момент наша республика остро нуждалась именно в этом. Возможно, депутаты пошли бы дальше, вплоть до «народного работника РК», но вовремя остановились. Ибо «народный работник» и «слуга народа» (каковым является депутат по определению) - синонимы.

Не знаю, как отнеслись к такой «глобализации» представители иных профессий, но артистов и музыкантов эта стрижка под одну гребёнку, мягко говоря, не обрадовала.

«Работник» - слишком широкое, всеобъемлющее понятие. В конце концов, все взрослые люди работают, значит, все они - работники, а лучшие из них - «заслуженные работники».

«Артист», конечно, не такое широкие понятие (в его конкретном, а не переносном значении). Но само понятие «артист» - будь то дирижёр, певец, танцовщик или концертмейстер - означает принадлежность к искусству. А обезличенная формулировка «заслуженный работник РК» лишь подчёркивает, что характер твоей работы в РК не играет ни малейшей роли; куда важнее, что ты трудишься именно в РК.

Возможно, представителей непубличных профессий такая ситуация не слишком напрягла, но артистов и музыкантов она по-прежнему огорчает. Об этом мне не раз доводилось говорить и с прошлым Главой РК, и с нынешним. Оба они признавали обоснованность артистического недовольства, однако законодательная инициатива на эту тему пока в Госсовет РК не поступала. Тем не менее, на концертах (вместе с другими ведущими) я упрямо, в нарушение закона, объявляю со сцены не «заслуженных работников РК», а всё-таки «заслуженных артистов»...

Возвращаясь к «Коппелии», хочу особо отметить еще один художественный компонент, которому спектакль в большой мере обязан успехом. Речь идёт о звучании оркестра.

Ругать симфонический оркестр оперного театра давно стало у нас доброй традицией. Однако в случае с «Коппелией» эту традицию стоит нарушить. В течение всего спектакля оркестр звучал чисто и очень слаженно. Главная нагрузка в оркестровой музыке XIX века ложилась именно на струнную группу, и струнники в «Коппелии» во всех отношениях были на высоте. Индивидуальные характеристики персонажей (в мастерстве которых Делиб превзошёл своего учителя Адана) выглядели ярко и выпукло. И тут самое время снять шляпу перед дирижёром-постановщиком спектакля Сергеем Киссом - главным дирижёром оперного театра.

Вот, собственно, и всё. Как говорится, таково моё мнение, и я его полностью разделяю.

С моей оценкой спектакля, вероятно, можно поспорить. Но сначала, согласитесь, его неплохо бы посетить.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение Отправить e-mail
Михаил Александрович
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 06.05.2003
Сообщения: 25629
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Дек 20, 2008 9:29 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2008113301
Тема| Балет, юбилей, Персоналии, Вадим Гаевский
Авторы| Варвара Вязовкина
Заголовок| Под сенью девушек в цвету
Вадим Гаевский отмечает 80-летие
Где опубликовано| «Экран и сцена», № 31-32, ноябрь 2008
Дата публикации| ноябрь 2008
Ссылка|
Аннотация|

Название второго – самого любимого юбиляром – романа Пруста наиболее точно обрисовывает суть его занятий. И, кстати, точность вкупе с тонкостью для выдающегося искусствоведа превыше всего.

«Девушки в цвету» емко рифмуются с молодым искусством балета, которым Вадим Гаевский не перестает восхищаться, которое исследует на протяжении пятидесяти лет и обнаруживает в нем новые таланты. А еще этот знаменитый литературный образ напрямую перекликается с не менее знаменитой, недавно восстановленной в полном объеме масштабной картиной «Оживленный сад» кисти Петипа (говоря по-старинному), в которой участвует шестьдесят восемь танцовщиц Большого театра. И Вадим Гаевский, занимающийся творчеством Петипа, логикой построения и формой его балетов, не только моментально становится поклонником этой цветочной фрески, раз от разу поражаясь мастерству ее изощренных передвижений, но создает для своей книги «Хореографические портреты», только что вышедшей, в октябре 2008 года в издательстве «АРТ», вдохновенную главу «Гран па из балета «Корсар». Его интересует, как меняется стиль и почерк Петипа в пределах одной картины, как от барочной конструкции балетмейстер приходит к классицистскому финалу «Оживленного сада», и не менее интересует, как выглядит перспектива в целом до и после «Сада» – от «Теней» «Баядерки» до нереид «Спящей красавицы».

Верность – еще одна характеристика Гаевского. Он поразительно верен своим персонажам: Петипа, Дягилеву и Баланчину, Ренуару, Чаплину и Феллини, Мейерхольду, Блоку, Чехову и Аную. Они присутствуют все время рядом, как его близкое окружение или хорошие знакомые, становясь героями ли книг, статей или мыслей вслух. Правда, здесь одни мужские имена. И все лишь потому, что сам он вместе со своими героями верен музам и избранному делу – а верность когда-то числилась качеством истинно мужским. На страницах пяти книг музы выстраиваются в квинтетный круг «Дивертисмента», «Дома Петипа», «Хореографических портретов», «Флейты Гамлета», «Книги расставаний».

Последняя из названных книг – о художественной критике, о коллегах и учителях (РГГУ, 2007). Портреты-размышления о тех, с кем начинал, у кого начинал, кого просто читал и с кем прошел бок о бок, не перестают удивлять своим аналитическим позитивным акцентом. Книга выпущена в издательстве университета, где Гаевский преподает. Быть учителем, конечно, его призвание. Да, и он – любимец студентов. Правда, преподает он не в своей альма-матер в ГИТИСе, а в РГГУ, и в первые пять лет он собрал там такой звездный состав искусствоведов, что даже сами преподаватели приходили послушать друг друга, а слава о кафедре театроведения в середине 90-х пересекла границы Москвы. А семинары Вадим Моисеевича стали посещать студенты ГИТИСа. Ему важно увлечь студента, как и самому важно писать с увлечением. Писать для него – это запечатлевать, то есть от слова «впечатление». Вот почему ему так близки французские импрессионисты, и из всех музеев он предпочитает бродить по третьему этажу Эрмитажа и верхнему пролету д’Орсе.

В конце октября этого года Вадим Гаевский стал лауреатом театральной премии Станиславского. Надо сказать, долгие годы, и в трудные (скандальный период из-за личностного высказывания в «Дивертисменте»), и в наименее трудные, премии и награды обходили его стороной. Но недавние две, а теперь и третья, премии знаменательны: имени Александра Блока, имени Кугеля и премия Станиславского. Одним словом, имени литератора, театроведа и, наконец, режиссера – то есть стиль, мысль и форма. В этой триаде, несомненно, заложена главная суть занятий юноши, прочившего себе дорогу на мехмат в московский университет, но поступившего в театральный институт в 1946 году, увлекшись поступавшей туда девушкой. Театр к тому времени был его чистым увлечением, настоящим увлечением, добавим, сына одессита – вот откуда родом его бесконечный юмор, энергия и дар устного жанра.

И когда сегодня встречаешь в зрительном зале живые глаза Вадим Моисеевича, как-то неловко складывается в уме цифра 80. Потому что понимаешь, это лишь цифра, его острота реакций и живость впечатлений – ярче многих «девушек в цвету».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение Отправить e-mail
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20437
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Мар 06, 2009 2:21 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2008110009
Тема| Балет, театр им. Станиславского и Немировича-Данченко , Персоналии, Сергей Филин
Авторы| Беседовал Александр Сидоров, Фото Геннадия Калашника
Заголовок| Сергей Филин: «В свете рампы ничего не утаишь»
Где опубликовано| журнал «Энотека»
Дата публикации| 2008 ноябрь
Ссылка| http://enoteka.ru/Articles/View/?id=576
Аннотация|

Великолепный танцовщик, звезда мирового балета, обладатель многочисленных премий и званий, премьер труппы Большого театра, а с недавних пор и художественный руководитель театра им. Станиславского и Немировича-Данченко в жизни оказался удивительно обаятельным, открытым и умным человеком и великолепным собеседником, лишенным малейших признаков звездного высокомерия. Представляем вниманию читателей «Энотеки» интервью с Сергеем Филиным.



— Балет вполне справедливо относят к элитарному искусству. Он не всегда понятен, обладает очень сложной образной системой, строгими канонами танца. И тем не менее на каждом хорошем спектакле мы видим аншлаг. В чем, на Ваш взгляд, заключается актуальность балета для современного зрителя?

— Прелесть классического балета, как и классического искусства вообще, заключается в той удивительной сказочной атмосфере, которая является его неотъемлемой частью. Балет – это синтетическое искусство, полноправными элементами которого являются музыка, режиссура, драматургия, живопись и собственно танец. Все это создает ощущение праздника. Ведь поход в театр – прекрасная возможность отвлечься от рутинного быта и от многих жизненных проблем. В балете есть что-то совершенно необыкновенное, пусть не всегда понятное разумом, но бесконечно притягательное на эмоциональном уровне. Даже у меня, человека, прожившего в театре жизнь, хороший спектакль до сих пор вызывает восторг. Разве может оставить равнодушным танец, исполненный с высочайшим мастерством? Разве может не тронуть музыка Чайковского или Шостаковича, исполненная потрясающими музыкантами Большого театра или театра им. Станиславского и Немировича-Данченко? А роскошные костюмы и декорации, а работа художников по свету? Все это – элементы праздника, которого нам так не хватает в жизни. Причем это справедливо не только в отношении балета. Знаете, я сегодня был на оперном спектакле и до сих пор нахожусь под большим впечатлением. Хотя не понял и трети текста, а музыку знаю прекрасно и давно люблю. Но меня захватило действо – всего и целиком.

Зритель сегодня стал намного умнее, образованнее и требовательнее. В консерваторию билет не купить, в театрах аншлаги, в музеях не протолкнуться. Публика идет не просто в театр, она идет на конкретные спектакли или на определенных артистов. Это обязывает нас, людей сцены, еще более ответственно относиться к своей работе. Возвращаясь к вашему вопросу, хочу добавить еще кое-что. Определенно, не все балетные постановки до мелочей понятны любому зрителю. Но, на мой взгляд, было бы неправильно, если бы человек, пришедший на спектакль, непременно стремился разобрать его на составные части, разложить по полочкам все технические элементы, объяснить логику света или пересчитать ошибки музыкантов. В этом случае улетучится магия сценического искусства, та самая, ради которой люди и посещают театр. Главная проблема доступности качественного балета для массового зрителя заключается, на мой взгляд, в стоимости билетов. Выбраться на спектакль семьей, скажем, из трех человек – уже проблема. А возраст, образование и социальное положение сегодня уже не играют особой роли. Я вижу в зале много молодежи, даже совсем маленьких детей. Я знаю по своим собственным детям – им многое понятно. Я вижу не только людей в дорогих костюмах, но и немало одетых довольно бедно, зато по-настоящему увлеченных. Поверьте, проблема недоступности искусства лежит сегодня прежде всего в материальной плоскости.

— Ваши дети ходят в театр?

— У меня три сына. Старшему Даниилу уже 12 лет. Поскольку его родители танцуют в Большом, значительную часть времени он проводил в театре. Могу сказать, что он смотрел на сцену более осмысленно, потому что многое видел и знал нашу работу как бы изнутри. Я его спросил однажды, не собирается ли он продолжить «семейный подряд»? Он меня обнял и прошептал тихонько: «Все, что угодно, только не балет!». Может, мы как родители что-то упустили, не знаю. Больше мы к этой теме не возвращались. Сейчас он серьезно и, главное, с удовольствием занимается спортом. Впрочем, он охотно ездит с нами на гастроли, смотрит спектакли, знает всех исполнителей, задает много вопросов по сюжету. Словом, зерна брошены в благодатную почву. Пусть он не станет танцором, но к искусству он уже приобщился. Он относится к числу тех современных зрителей, о которых я говорил выше. Что касается среднего, Александра, то с ним совсем другая история. Ему всего три года, но каждый вечер он включает музыку и танцует, вовлекая в процесс и меня. Делает прыжки, туры, пируэты, иногда довольно рискованные, но в его глазах нет страха. При этом не я, а он говорит мне, что и как делать. Мы вместе часто ходим на балет. Сейчас у него огромный интерес к театру. Но он пока еще очень маленький. Что будет через три-четыре года, трудно сказать. Ну а третьему сыну всего два месяца.

— С недавних пор Вы совмещаете работу танцора труппы Большого театра и художественного руководителя театра им. Станиславского и Немировича-Данченко…

— В начале этого сезона я написал заявление об уходе из Большого по собственному желанию. У меня уже есть творческая пенсия, но все-таки я продолжаю выступать в некоторых спектаклях. Сейчас Большой едет на гастроли в Токио, и я приглашен в качестве почетного гостя – за мной оставили ряд ведущих партий. На самом деле мне постепенно хочется «завязать» с танцем и сосредоточиться на работе худрука. Это совершенно другая профессия, не менее сложная и интересная, требующая много времени и творческих сил. Осенью начался мой первый сезон в новом качестве. Передо мной огромный объем работы, колоссальная ответственность за людей. Это непривычно. Раньше я отвечал прежде всего за себя. Да, за мной стоял театр, но именно я должен был репетировать до кровавых мозолей, оттачивать отдельные элементы, доводить до совершенства технику, чтобы соответствовать высокому званию премьера. А теперь я отвечаю за всех и каждого. Я должен распределить среди них работу, я должен помочь им сделать те спектакли, в которых каждый из них сможет себя проявить наиболее ярко, я должен подобрать роли, которые, если угодно, станут главными в жизни этих артистов. Я должен показать и зрителям, и артистам, на что способен каждый участник труппы. Конечно, я и сам многому учусь. Да, у меня есть соответствующее образование, чтобы руководить. Но, наверное, пока не достаточно жизненного опыта. Приходится учиться на живых примерах, на реальных ситуациях. «Человеческий фактор» в театре чрезвычайно важен. Приходится думать, выбирать, лепить. Я хочу создать команду и должен организовать ее нормальную работу. Я говорю не только об артистах. Речь идет и о музыкантах, и о художниках, и об осветителях.

— Принято считать, что Большой театр и театр им. Станиславского и Немировича-Данченко – два ярких представителя так называемой московской балетной школы. Что, на Ваш взгляд, принципиально отличает ее от других великих балетных школ – петербуржской, парижской, лондонской?

— Сегодня артисты нередко танцуют в разных театрах, в разных труппах, что до известной степени размывает границы между школами. Тем не менее что-то особенное сохраняется. Я бы сказал, что эта особенность заключается, прежде всего, в образе жизни. Если вы приедете в Петербург или Париж, то наверняка заметите, как не похожи люди на улицах на тех, которых вы каждый день встречаете в Москве. Они различаются внешним видом, манерой поведения, разговором, отношением к себе и окружающим. Все это сохраняется и на сцене. Поверьте, в свете рампы ничего не утаишь. Грим ничего не изменит, костюм не превратит вас в другого человека. Суть человеческая непременно прорвется наружу. У представителей московской школы, на мой взгляд, больше естественности и открытости, больше куража и харизмы, больше доступности. А, например, у питерцев все немного напоказ, немного демонстративно, но сдержанно и с легким холодком. Я не говорю, хорошо это или плохо, я говорю о различиях.

— Расскажите о своих интересах и увлечениях вне балета.

— Балет – моя жизнь. Ему посвящена львиная доля времени и сил. На остальное остается не так много. Я с удовольствием читаю, слава Богу, у меня хорошая библиотека с классической литературой. Этот «золотой запас» достался мне по наследству. А еще, когда я купил загородный дом, его прежние хозяева оставили мне свое роскошное книжное собрание. Из недавно прочитанного могу особо выделить «Парфюмера». Великий роман! К сожалению, прежде чем попадешь на такую книгу, перелопатишь много всякого мусора. Но мне в этом смысле немного легче. Моя супруга Мария много читает и, зная, что у меня катастрофически мало времени, рекомендует две-три книги из десятка. У нее прекрасный вкус, я еще ни разу не пожалел, что последовал ее совету.

Охотно занимаюсь спортом. Это – если говорить о персональных пристрастиях. Но для меня сегодня самое главное вне балета – моя семья, трое замечательных детей. Почти все мои увлечения так или иначе связаны с ними. Мне нравится кататься на велосипеде. Каждый вечер мы устраиваем совместные выезды. Вместе играем в теннис и футбол. Если мне нужно эмоционально зарядиться, слушаю музыку. Причем не только классику, но и джаз, рок, эстраду. Обожаю Преснякова, Агутина, Пугачеву. Люблю этническую музыку, в особенности шотландскую волынку. К фольклору у меня особое отношение. Когда слушаю народные мелодии, невольно думаю, как их можно было бы использовать в работе – поменять рисунок танца, добавить новые элементы. Ведь человек затанцевал потому, что ему стало хорошо, а не от грусти и тоски. В какой-то момент он понял, что хочет двигаться. И в этом движении было больше радости, нежели чего-то еще. С классической музыкой все несколько сложнее. Я очень трепетно отношусь к качеству ее исполнения. К тому же слушать ее лучше в одиночестве и с определенным уровнем громкости. В моем положении это удается нечасто. В основном я слушаю музыку в машине – с утра, когда еду в Москву, или вечером по пути домой, благо живу за городом.

После музыки самым большим увлечением для меня является кинематограф. Я отношусь к нему исключительно как зритель, сам не снимаю и не снимаюсь, даже в планах нет ничего подобного. Я получаю удовольствие от грамотной режиссуры, от красивых кадров, от хорошей игры актеров. Иногда что-то заимствую для себя. Я буду смотреть даже посредственное кино, если в нем играют достойные актеры. Мне очень нравится то, что делает на экране Хабенский. Меня радует, что российский кинематограф сегодня возрождается, что снимаются серьезные исторические фильмы.

— Насколько я понимаю, Вы не придерживаетесь никакой специальной диеты.

— В общем-то, так и есть. В моей жизни был период, когда я много танцевал в Большом, испытывал колоссальные нагрузки и потому немного скорректировал питание: отказался от мяса, ел рыбу и нетяжелую пищу, пил только минеральную воду. Но это скорее исключение. Обычно я ем практически все. А вот алкоголя пью чрезвычайно мало. Несколько лет вообще не брал в рот спиртного. Но в разные периоды времени у меня были свои любимые алкогольные напитки. Сначала мне нравился виски. Тогда бытовало такое представление, что виски – самый «безвредный» напиток для артиста балета и вообще для человека, жизнь которого связана с большими физическими нагрузками. Считалось, что он подсушивает мышцы и не разрушает связки. Потом пристрастился к вину. В обед выпивал бокал белого, за ужином – бокал красного, как правило, под мясо. Дошло до того, что на отдыхе в Италии я даже не мог расслабиться без бутылочки хорошего белого вина. Помню, в холодильнике всегда стояло пино гриджио удачного миллезима. В ресторане вино непременно присутствовало на столе. Некоторое время спустя я перестал пить вино. Я тогда особенно много работал, часто летал по всему миру и вдруг однажды выяснил, что в полете лучше всего пить шампанское. Теперь уж не вспомню почему. А в бизнес-классе оно всегда есть, причем высокого качества. Шампанское понравилось чрезвычайно. Мне кажется, что бесконечные веселые пузырьки способны доставлять людям много радости. Но это мое увлечение закончилось в один момент. Я получил тяжелую травму, сломал ногу прямо на сцене во время спектакля, но продолжал танцевать еще целое отделение. Потом проходил сложный реабилитационный курс, и алкоголь не допускался ни в каком виде. На тот момент другого любимого напитка не было, поэтому я надолго перестал пить вообще. Постепенно встал на ноги, набрал форму, опять вошел в репертуар и… у меня появилась новая любовь – хороший коньяк. Иногда по вечерам я с удовольствием выпиваю несколько глотков этого благородного напитка и получаю от этого огромное удовольствие.

— У Вас есть какие-то конкретные предпочтения?

— Пожалуй, нет. Разве что последнее время чаще предпочитаю армянские коньяки. На мой вкус, они более мягкие и ароматные. Из самых любимых – «МАНЭ» и «Царь Пап». Случайно встретил их в супермаркете и не сумел пройти мимо этих коньяков, оформленных на высоком эстетическом уровне и с такими звучными названиями, которым более десяти веков.

Попробовав, убедился – эти коньяки не только отсылают к именам великого импрессиониста и царя-рыцаря, но и являются настоящим произведением коньячного искусства.

Они обладают глубоким и насыщенным янтарным цветом, на вкус очень бархатистые, с чувственно шоколадно-медовым ароматом, в который вплетаются нотки белых цветов и спелого инжира.

Я позвонил на Прошянский коньячный завод с благодарностью и с вопросами. И узнал, что эти коньяки выходят в лимитированном варианте после повторной 3-х месячной выдержки в бочках из-под крепленых вин. Словом, замечательный коньяк, который и согревает, и побуждает к творчеству.

— У Вас наверняка есть домашний бар…

— Напротив, в моем доме нет специально оборудованного уголка для алкогольных напитков, хотя их количество и ассортимент довольно внушительны, поскольку мне часто что-нибудь дарят. Все эти подношения (а среди них встречаются настоящие раритеты!) я складываю в специальной комнате прямо на полу. Если кто-то приезжает в гости, я отвожу его туда и говорю: «Вот то, что есть. Выбирай, что тебе нравится». Я не испытываю пиетета перед названиями великих замков, не вздрагиваю в священном трепете при упоминании имен знаменитых виноделов. К алкоголю у меня скорее эмоциональное отношение. Например, недавно Нина Ананиашвили подарила мне несколько бутылок вина, которое делает ее семья. Когда я его пробую, то думаю не столько о вкусе, сколько о том, с какой любовью оно сделано и какой огромный человеческий труд стоит за каждым глотком.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20437
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Мар 26, 2009 3:59 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2008110010
Тема| Балет, "Кремлёвский балет", АНДРЕЙ ПЕТРОВ
Авторы| Сергей ПАВЛЕНКО
Заголовок| АНДРЕЙ ПЕТРОВ: ЭТО КОНКУРС "ОБЫКНОВЕННОЙ БОГИНИ"!
Где опубликовано| "Красноярский рабочий"
Дата публикации| 20081128
Ссылка| http://www.krasrab.com/archive/2008/11/28/09/view_article
Аннотация|

Андрей Борисович ПЕТРОВ. Народный артист России. Художественный руководитель театра "Кремлёвский балет". В течение двух лет занимался организацией первого Всероссийского конкурса артистов балета имени Галины Улановой в Красноярске, председатель жюри.

- Я очень хорошо знал Галину Сергеевну Уланову, много с ней работал как артист и как постановщик спектаклей в Большом театре, где она была у меня репетитором. Поэтому для меня вопроса - возглавить конкурс или нет - не было: я должен был отдать этот долг.

Из всех определений, которые ей давали, самое точное у Сергея Прокофьева - "обыкновенная богиня". Она всегда следила за собой: достаточно ли вежливо общается с людьми, не обиделся ли человек на какое-то её замечание или суждение. Галина Сергеевна работала очень интеллигентно, вдумчиво, точно, никогда не повышала голос. Считаю её удивительным человеком, женщиной, талантом.

- В 1990 году вы создали уникальный "Кремлёвский балет". Как к этой идее отнеслись хозяева Кремля?

- В этот момент хозяев в Кремле не было. Кремлёвский дворец переживал большие финансовые трудности после отделения Большого театра. Не было репертуара, а сцена не могла простаивать - необходимо было зарабатывать деньги и кормить коллектив, который там работал. Моё предложение о создании балетной труппы нашло понимание, но поскольку в этот момент шла активная политическая борьба, то из вышестоящих никто на это не среагировал. В результате в 1990 году был создан практически частный театр, нашими спонсорами были новые бизнесмены, и так мы существовали три года, пока Борис Николаевич Ельцин, когда все обратили внимание на то, что театр существует, показывает большие спектакли, ездит за рубеж, своим распоряжением не сделал его государственным.

- Получается, вы соседствуете с большими людьми?

- Мы находимся в Государственном Кремлёвском дворце и подчиняемся не Министерству культуры России, а управлению делами президента, который вместе со своей администрацией находится напротив, в другом корпусе. Даём 4-5 спектаклей в месяц, к нам ходит зритель, а это шесть тысяч человек. Посещаемость - около 85 процентов. Конечно, пять спектаклей в месяц - маловато, кроме того, вынуждены отдавать нашу площадку Большому театру, так как у них ремонт, остальное время занимают различные мероприятия - концерты эстрадных звёзд и политические сборы. Но мы - театр репертуарный: у нас постоянная труппа, насчитывающая 72 артиста. Очень много гастролируем, потому свои сто спектаклей в год делаем - за счёт больших гастролей, география которых - весь мир.

- Звание Кремлёвского накладывает какой-то отпечаток?

- Естественно, это моральная ответственность и всё вытекающее из этого названия. Наше отличие от Большого и театра Станиславского, скажем, такое: у них есть гранты, а мы должны работать так. Буквально перед моим отъездом на конкурс позвонил директор и сказал, что пришло приглашение из Красноярска. Приедем с удовольствием! На самом деле наш театр не столь дорогостоящ, как, допустим, Большой или Кировский, при том же масштабе репертуара (у нас 17 названий).

- Ваш коллектив практикует такие вольности, которые позволяет себе, например, Большой театр при осовременивании классических произведений?

- Если вы спросите меня о художественной линии Большого, то скажу: у них замечательный менеджмент, но что касается художественной линии, то с этим согласиться не могу. Мне кажется, она не продолжает громадных балетных традиций, которые пришли ещё во времена царя Алексея Михайловича, когда Артамон Матвеев привёз в Кремль итальянскую оперу и одноактный балет "Орфей". После чего царь очень долго мылся в бане и замаливал свои грехи, потому что никогда такого не видел.

Тем не менее через полгода Артамон Матвеев повторил представление, и в нём уже наполовину участвовали русские артисты. Получается, балет попал на благодатную почву. И с тех пор развивался, приобрёл национальные черты. Мне кажется, те потрясающие балеты, основу которых заложили Чайковский, Прокофьев и другие композиторы, эти традиции требуют сегодня глубокого осмысления, продолжения и дальнейшей модернизации. Но если эта модернизация берётся с потолка, то это не искусство, а штукарство для привлечения зрителей.

Самое интересное, что постановки, объявленные в Большом театре новаторскими, не показали нам ничего нового - это уже все видели много раз, но мы хотим развития наших традиций, потому что сочетание классики и современного танца всё равно происходит, сближение и развитие идёт, но на другом уровне понимания. А если брать и копировать наиболее удачные западные образцы, то не думаю, что это будет иметь у нас успех. Наша публика ведь всё очень хорошо понимает. И приходит в театр не колонны его посмотреть и роскошные фойе, а спектакли, где важнее всего - содержание, которое несёт это искусство.

- Чёго вы ждёте от конкурса и не надеетесь ли найти среди его участников тех молодых артистов, которые вольются в труппу "Кремлёвского балета"?

- Я был членом жюри конкурса "Майя" в Санкт-Петербурге, оттуда к нам пришла девочка из Перми Наташа Балахничёва, которая сегодня наша ведущая балерина, заслуженная артистка России, лауреат молодёжной премии "Триумф". Таких встреч мы всегда ждём.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20437
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Май 28, 2009 5:25 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2008110011
Тема| Балет, Русский национальный балетный театр, Персоналии, Владимир Моисеев
Авторы| Варвара Сиянова, Валерия Аникина (фото)
Заголовок| «Спящую красавицу» разбудили аплодисменты
Где опубликовано| "Амурская правда"
Дата публикации| 20081101
Ссылка| http://www.amurpravda.ru/articles/2008/11/01/4.html
Аннотация|

Приобщиться к высокому искусству смогли жители Благовещенска. На сцене большого зала ОКЦ впервые за всю историю области показали балет Петра Чайковского «Спящая красавица» в исполнении артистов Русского национального балетного театра под управлением Владимира Моисеева.



В жизни так не хватает чудес, красивой любви и волшебной победы добра над злом, что очень хочется верить в сказки. Если это не просто сказка, а балет, то она притягивает особенно. Насладиться высоким искусством смогли в минувшую среду многие благовещенцы. Несмотря на внушительную стоимость билета (цена на некоторые ВИП-места доходила до 1500 рублей), зал был полон, люди шли семьями, приводили с собой детей.

По словам генерального директора ОКЦ Дмитрия Перова, показать полноценный спектакль всемирно известного коллектива стало возможным лишь благодаря появлению современной концертной площадки, соответствующей всем техническим требованиям.

- Это первое, но не последнее зрелище, которое увидят амурчане, - сообщил Дмитрий Александрович, - сейчас ведутся переговоры с представителями театра «Русские сезоны ХХI века», художественные руководители которого - народный артист России Андрей Петров и заслуженный артист России Андрис Лиепа. Также мы хотим пригласить в Благовещенск театр оперы из Красноярска. Руководство ОКЦ надеется, что в следующем году к нам приедут многие знаменитые коллективы.

Художественный руководитель Русского национального балетного театра Владимир Моисеев - внук легендарного хореографа и балетмейстера Игоря Моисеева. Солист Большого театра организовал свой балет, который уже семь лет ставит классику балетного жанра - именно то, чем так славен русский балет во всем мире. С заслуженным артистом России, солистом Большого театра и основателем Русского национального балетного театра встретился корреспондент «АП».

- Владимир Борисович, можно с уверенностью сказать, что сегодня многие благовещенцы впервые увидели высокое искусство - балет. Не страшно быть амурским первопроходцем?

- Наоборот, почетно, у вас великолепный и отзывчивый зритель. Я сам наблюдал игру из зала, видел неподдельный восторг людей, и для некоторых это действительно было открытием. Поэтому ваши аплодисменты дорогого стоят. Радует и то, что мы первые обновили эту замечательную сцену, кстати, о ее достоинствах я слышал еще в Москве, мне говорили, что на Дальнем Востоке появилась отличная площадка.
Почетно и то, что именно мы первые проложили к вам балетный путь и с нас началось продвижение этого вида искусства в массы. Думаю, что мы оправдали надежды зрителей.

- Наш неискушенный зритель не жалел аплодисментов, а где ответственнее выступать - на сцене старинного европейского театра или в русской глубинке?

- Я думаю, что здесь, хотя не делаю разницы. Мы одинаково выкладываемся и в Вене, и в Москве, и в Благовещенске. То, что сегодня увидели амурчане, прочувствовали на себе европейцы, американцы, японцы и китайцы. Хотя не спорю - перед русскими людьми выступать ответственнее. Если нашим планам суждено сбыться, мы обязательно сюда приедем на гастроли в мае и привезем еще два спектакля - «Лебединое озеро» и «Ромео и Джульетту».

- Вы воспитывались в балетной среде, ваша судьба была предопределена с детства или были другие варианты?

- Я родился в семье, которая является, начиная с деда, династией, я еще ходить не начал, а меня уже приносили в репетиционный зал. Поэтому мой путь был условно предопределен. Но насильно меня никто в балет не тащил и заниматься не заставлял. Конечно, я мог бы радикально измениться, заняться каким-то другим делом, но вышло так.

- Проработав солистом Большого, вы все-таки решили создать свой театр, почему?

- А я до сих пор солист Большого театра, мой контракт еще не окончен.

- Ваше детище создано как альтернатива Большому театру или продолжение традиционного классического балета?

- Мы ни в коем случае не пытаемся составить конкуренцию Большому театру, мы просто берем то лучшее, что можно взять оттуда, я, как артист, вырос на его репертуаре, перетанцевал все балеты. Это скорее продолжение. А отличие лишь в том, что наша труппа более мобильна, нам проще согласовать гастроли и выехать, чем стационарному театру.

- Что сложнее: быть танцором или руководителем балета?

- Конечно, руководителем, это совершенно новое для меня амплуа, тем более театр создавался с нуля. Гораздо легче быть просто танцором, когда за тебя думают другие. Хотя я с удовольствием занимался тем, чем я занимался раньше, а сейчас приобретаю административный опыт.

- Став руководителем, вы продолжаете исполнять партии на сцене?

- Создать коллектив, чтобы в нем солировать, - это не моя самоцель, я достаточно себя выразил в Большом театре - наоборот, стараюсь учить молодежь и передавать ей свой опыт. Хотя мне приходится иногда выходить на сцену, но лишь в том случае, когда надо в силу сложившихся обстоятельств выручать свой коллектив.

- А каких артистов вы берете в свой театр? Меня удивило, что у вас молодой, но профессиональный состав?

- В составе труппы лишь молодые танцовщики - им от 17 до 25 лет. Однако, несмотря на молодость, многие из них уже получили международное признание. Профессионализм и одаренность наших артистов позволили коллективу в первый же год осуществить постановку сразу трех сложнейших полномасштабных спектаклей - шедевров русского классического репертуара - «Лебединого озера», «Спящей красавицы» и «Щелкунчика». Балет - искусство молодых, не зря ведь мы на пенсию так рано уходим, это один из основных моих принципов, потому что зритель пришел и хочет увидеть молодые лица, эмоциональные, красивые, артистичные. А самое главное для меня - это то, как люди относятся к своей профессии. Сцена уникальна тем, что на ней не спрячешься ни за костюмы, ни за родственников, ни за кого. Сцена - рентген, она не прощает. Видно сразу, кто ты - плохой-хороший, злой-добрый, скупой-щедрый. Все человеческие качества сцена утрированно показывает.
Поэтому я считаю, что мне повезло на хороших, интересных, творческих людей.

- Знаменитая фамилия ко многому обязывает... Влияние личности вашего деда сказывается на общем направлении деятельности вашего театра?

- Это гарант творческого качества в первую очередь. Так как я взял на себя ответственность подписаться своим именем, огромная ответственность лежит на мне лично. Я дорожу не только именем нашей династии, но и своим личным, которое было заработано нелегким трудом в Большом театре, моей сценической деятельностью. Мы рискнули - собрали профессиональную труппу, в которой каждый может быть солистом, - по такому принципу действовал Игорь Моисеев, но большинство наших проектов основано на моих личных контактах.

Досье «АП»

Владимир Моисеев. Заслуженный артист России, награжден орденом второй степени «За заслуги перед Отечеством», первый солист Большого театра. Родился в Москве. Внук основателя Государственного академического ансамбля народного танца Игоря Моисеева, в свое время танцевавшего и ставившего балеты в Большом театре. В 1981 г. по окончании Московского хореографического училища, где занимался в выпускном классе у Леонида Жданова, был принят в балетную труппу Большого театра. Один из ведущих характерных танцовщиков.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20437
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Мар 02, 2010 2:25 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2008110012
Тема| Балет, "Короли танца" в Новосибирске, Персоналии, Николай Цискаридзе
Авторы| Юри Тойво, Ирина Синеманова
Заголовок| Николай Цискаридзе — король танца
Где опубликовано| Журнал «De Luxe» № 8
Дата публикации| Ноябрь 2008 года
Ссылка| http://deluxe.nsk.ru/2008/08/Events/?rtcl=0
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Мы встретились с Николаем Цискаридзе за кулисами театра оперы и балета во второй день пребывания артистов в Новосибирске. Он готовился к выходу на сцену в программе «Короли танца», но нашел время для эксклюзивного интервью.

— Все участники проекта «Короли танца» — выдающиеся танцовщики, и каждый выступил с блестящим сольным номером, но ваш номер все-таки затмил всех, и зрители были просто в восторге, вы не могли этого не заметить. Как вам это удается?

— Просто интересно поставлена балетмейстером задача для артиста, и интересно ее выполнять. И мне кажется, что всегда артист получает удовольствие от происходящего с ним. А зрители, я думаю, что в зале серьезно разбирается в балете, или в опере, или в симфонической музыке всегда три или четыре человека, ну, а все остальные улавливают класс именно на каком-то энергетическом уровне, на той положительной волне, которую посылает артист, если это талантливо, конечно. Мне кажется, что только это может заставить зрителя получить удовольствие.

Николай Цискаридзе — король танца — А от чего получает удовольствие артист Цискаридзе?

— Я стараюсь всегда делать то, что мне нравится, а когда мне не нравится, — не делаю. Я очень рано понял, что мне становится скучно в этой профессии, если я не получаю удовольствия. Я не хочу никому доказывать, что я лучше всех или супергениальный, я давно всем все доказал, и эта надобность — она во мне закончилась.

— Тогда что для вас, Николай, является стимулом?

— Знаете, в детстве меня не могли заставить стараться, я был слишком способным ребенком, у меня все получалось быстро, а потом мне становилось скучно. И мой педагог искал всякие подходы ко мне. Как можно объяснить ребенку, что надо задохнуться? Он этого не понимает. На меня не действовали угрозы вызова мамы в школу, для меня все это было смешно, но он как-то достучался до моего сознания случайно. Все мои домашние были верующими людьми даже в то советское время и приучили, что Бог может наказать, с детства мне это объясняли. Меня не пугали Дедом Морозом, и всякие глупости мне никогда не рассказывали. А вот приучили, что Бог может наказать. И он мне сказал: «Цискаридзочка, тебе так много Господь дал способностей, что если ты ими не воспользуешься, то он тебя накажет». И как-то это произвело на меня впечатление, потом он мне это несколько раз напоминал и я как-то сам для себя решил, что, наверное, в этом есть какая-то доля истины, что когда человеку что-то дано, он должен это реализовать. Просто я стараюсь реализовывать что-то интересное для себя, чтобы какую-то пользу для себя тоже извлекать, но я никогда не пытаюсь занять чужое место, жизнь тебя все равно вытолкнет с него, раз оно чужое…

— Вы как-то сказали, что вам довелось сыграть в балете уже все возможные образы: от мужчин до женщин и даже животных, и как раз в финальном номере, собранном из балета «Кармен» вы сыграли разные образы. Чей образ вам ближе: Кармен, тореодора, Хозе или быка?

— Ну не быка, я не тот человек, который пойдет на закланье, я сам забью кого угодно. А относительно Кармен, то это очень интересная роль. Я недавно понял, почему Кармен напрашивалась на смерть. Она напрашивалась, она сделала все, чтобы ее убили, потому что она не могла справиться с чувством любви, она сама закрутила все это, сама напоролась на собственные же грабли и дальше разыгрывала ситуацию, лишь бы ее убили уже. Для нее смерть была освобождением, она же сама пошла к нему, чтобы он ее убил, она понимала, чем для нее это закончится. Вот это конечно мне очень интересно было, когда я это понял. Я понял это не благодаря тому, что я стал это танцевать, а случайно переосмысливая этот сюжет. По телевизору показывали фильм, и я вспомнил опять роман. Ну, а Хосе для меня совсем неинтересный персонаж, он ведомый, а я не люблю ведомых людей. У Кармен в опере есть гениальные слова: «Свободной родилась, свободной и умру». Это дорогого стоит. Она за это и пошла на смерть, когда она поняла, что она несвободна и свободной не будет никогда, что она ведомого человека за собой повела и сама же туда же и попала — в капкан, она решила избавиться от этого. Она ушла к другому мужчине, — да, но она не могла уйти от Хосе внутри себя. Можно изменить физически, но изменить страсти она не могла. Вот она и решила тогда: «Свободной и умру».

— Когда в первый день выступление закончилось этим вашим номером, зрители шептались о том, что, мол, Цискаридзе — он и есть король. Как вы к этому относитесь?

— Вы знаете, я вообще не люблю, когда о чем то или о ком то кричат, что вот это самое гениальное. В искусстве вообще нельзя так говорить ни о чем. И в случае этого проекта слово «короли» — оно ироничное, потому что никто не может установить рейтинг в искусстве, нет таких понятий — лучший, самый крутой — это глупость. На вкус и цвет товарищей нет. Да и в спорте этого нет, потому что на следующих играх уже другой человек становится на пьедестал, а тот, кто был на пьедестале, он с него сходит и к сожалению все меняется. Так нельзя, перед всевышним мы все одинаковые (улыбается).

— Один из ваших коллег, участников проекта «Короли танца», премьер королевского балета Великобритании Йохан Кобборг, в этот раз не присутствовавший, в мае этого года открывал в Новосибирске первый «Сибирский фестиваль Балета». Как вы относитесь к идее создать фестиваль балета в Сибири?

— Да замечательно! Вы знаете, я очень много езжу по стране, я вижу, как люди нуждаются в хорошем искусстве, в работе без фанеры, уже всем навязло — этот «быдлизм» с шутками, людям это навязывают, но не все этого хотят. Конечно, я не думаю, что все поголовно являются любителями классического искусства, но тяга к этому все равно у людей есть, им все равно этого хочется. Это замечательно, просто надо очень серьезно подходить. Если делать, с моей точки зрения, пусть это будет даже небольшой фестиваль, но люди увидят что-то достойное, хорошее. Понимаете, лучше действительно потратить деньги на что-то стоящее. Как говорила моя мама: «Мы не так богаты, чтобы покупать дешевые вещи» (смеется). Понимаете, лучше купить одну вещь, но хорошую, лучше привезти одного артиста, но стоящего. Если получится большой фестиваль, то это благое, очень трудное дело, это замечательно и очень нужно.

— Насколько сложнее молодому поколению танцоров становиться, достаточно ли сейчас профессионалов, чтобы вырастить новых звезд?

— Во-первых, школа сейчас в очень плачевном состоянии везде. Потому что престиж профессии упал настолько сильно, что не идут дети в том количестве, как они шли раньше — допустим, по тридцать человек на место и было из кого выбирать. А сейчас просто элементарно этого выбора нет, потому что престиж профессии ниже плинтуса, а во-вторых, те люди, которые что-либо собой представляли все уехали на запад практически все, из всех театров из всех школ и остались одни энтузиасты один два приличных педагога. Все остальные, к сожалению — которые преподают очень скверно. Потому тоже это твое счастье, если тебе повезло и так совпало, что есть способности и хороший педагог.
На самом деле проблем очень много просто ни кто не занимался этим последние 15 лет после распада советского союза, вот сейчас будем пожинать те плоды, которые мы посеяли.

— В Новосибирске в рамках программы «Короли танца» впервые был показан балет «Урок» с достаточно провокационной для балета формой сюжета, где учитель балета в танцевальном классе убивает свою ученицу. В Перми — одной из российских балетных столиц, этот балет не поняли. Как вы думаете, его примут в Новосибирске?

— В каждом городе есть свое, сложившееся, представление о прекрасном. И в каждом городе считают, что балет родился именно там и именно там знают «как надо» — это вы можете почерпнуть и в Мадриде и в Лондоне. Когда я поинтересовался мнением в Перми, мне говорили — как можно на такие темы ставить балеты и зачем их танцевать? Мне было очень странно это слышать, потому что Пермь — это все-таки третья балетная столица в России, по значимости. Там очень серьезная школа и очень много они вырастили замечательных артистов. Просто мне казалось, что там не так должны относиться к балету — что балет должен быть только в пачке и на романтическую какую-то тему (смеется). Меня это очень удивило, поэтому мне очень интересно, как примет Новосибирск. В Калифорнии вообще стали жаловаться, что мы делаем антирекламу маленьким студиям!

— А если вам как-то испортят настроение до выхода на сцену, как вернуть его — прием зрителей как-то может компенсировать негатив?

— Зритель не является кем-то таким, кто должен мне что-то компенсировать. Зритель для меня — та субстанция, перед которой я обязан — это моя профессия — выходить и работать и он не может мне что-то компенсировать. Уважение зрителя — да, это одна из главных составляющих этой профессии, без этого профессия бессмысленна, но как оно может компенсировать, например, хамство окружающих тебя людей?

— Нельзя было не заметить, что когда на сцену понесли букеты, то их подарили вам и Дмитрию Гуданову, потому что, конечно, там были записочки и всем не могли подарить, а вы, не задумываясь, из огромной корзины, подаренной всем вам от имени губернатора, изъяли несколько роз и подарили своим иностранным коллегам. Это говорит о том, что вы добрый человек, что вы чувствовали в этот момент?

— Я знаю, что это такое, я сам артист, и я очень легко понимаю любого человека — я вообще могу оправдать и хороший и плохой поступок, но, когда я вижу ситуацию неловкую, чтобы не было неловкости, я ее постараюсь сгладить — чисто по человеческим соображениям. Потому что я знаю, что такое «больно» и что такое «не больно» и наоборот — «очень приятно». Так вот для себя, когда-то очень давно, я взял за девиз слова Окуджавы — «давайте говорить друг другу комплименты». Они особенно ценны, когда вспоминаешь, какими страшными словами они в песне заканчиваются — словами о том, что жизнь-то, собственно, короткая.

Юри Тойво

Пять королей в одной упряжке

Балетные танцовщики — это «товар» штучный, то есть абсолютно эксклюзивный. И по определению таких королей танца — королей не по рождению, а по таланту и заслугам — много быть не может. Проект Сергея Даниляна смел и даже дерзок по замыслу: собрать в одной балетной программе самых ярких звезд из разных стран и показать, что и мужчины-танцовщики способны блистать сольно, не ограничивая себя той второстепенной ролью, которая выпадает на их долю обычно.
Правда, в спектакле «Урок» без балерин не обошлось, но все же главная роль досталась мужчине. В Новосибирске программа «Короли танца» дважды была показана на прошлой неделе, в первый вечер в этой партии потряс всех мастерством премьер Большого театра Дмитрий Гуданов, а во второй — впервые станцевал учителя-маньяка премьер театра «Нью-Йорк-Сити-Балет» Хоакин де Луц. И это было столь блистательно, что зрительный зал просто взорвался аплодисментами. Вообще же с «Уроком» прочно сросся Николай Цискаридзе, этот балетный триллер (по мотивам пьесы Эжена Ионеско в постановке Ролана Пети) не во всех городах поняли и приняли. Скажем, в Перми, Питере и Нью-Йорке сей авангардизм решительно отвергли, а вот в Москве и у нас, в Новосибирске, принимали «на ура». Правда, зрителям явно не хватило информации о том, что действие происходит в фашистской Германии. Но все равно пластический рисунок партий был настолько точен и выразителен, что основную мысль уловили все. Исполнители были по-королевски великолепны, овации в зале не смолкали. Но к концу балетного праздника под названием «Короли танца» стало ясно, что главным королем все же является Николай Цискаридзе. Харизматичный, «раскрученный», он и танцовщик от Бога, и артист первоклассный. Когда Цискаридзе танцует «Кармен-сюиту», то видишь то вероломную и чувственную Кармен, то рвущегося в бой неистового быка, то любующегося собой тореодора, то страдающего Хозе — и все эти фигуры сменяются моментально на наших глазах благодаря отточенной пластике и мимике Николая Цискаридзе. Этот проект начался именно в том момент, когда Николай восстанавливал свое здоровье после серьезнейшей травмы, и никто не знал, будет ли он снова танцевать (и даже ходить). Но ходит, и даже летает по сцене!
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3 ... , 11, 12, 13  След.
Страница 12 из 13

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика