Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2024-06
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 27517
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июн 11, 2024 12:33 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2024061101
Тема| Балет, XI Всероссийский фестиваль классического балета «Стерх», Персоналии, Екатерина Тайшина
Автор| Ирина Романова
Заголовок| «Сияющий камень»: красивая легенда о возникновении якутских алмазов
Создать по-настоящему уникальный спектакль удалось благодаря финансовой поддержке АЛРОСА

Где опубликовано| © ЯСИА
Дата публикации| 2024-06-11
Ссылка| https://ysia.ru/siyayushhij-kamen-krasivaya-legenda-o-vozniknovenii-yakutskih-almazov/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ, ПРЕМЬЕРА



Это ультрасовременный спектакль, где рядом с классикой мы увидели остросовременную пластику, совершенно невероятные поддержки – и массовые, и дуэтные – все оформление абсолютно современно, замечательная музыка и, конечно, талантливая хореография. Так отозвалась об этнобалете «Сияющий камень» Государственного театра оперы и балета Якутии профессор, доцент кафедры балетмейстерского образования Академии русского балета им. Вагановой, историк и критик балета Ольга Розанова. А создать этот по-настоящему уникальный спектакль удалось благодаря финансовой поддержке АЛРОСА.

Второй случай в истории балета

Российская премьера «Сияющего камня» состоялась в Якутске 7 июня, став прекрасным завершающим аккордом XI Всероссийского фестиваля классического балета «Стерх». А идея сделать такой спектакль пришла главному балетмейстеру театра, заслуженной артистке РФ и РС (Я) Екатерине Тайшиной в прошлом году, когда она работала с Театром Олонхо по опере «Ньюргун Боотур».


«Для оперы я ставила номера со стерхами и тогда впервые познакомилась с музыкантами театра, — рассказывает она. — Мне очень понравились именно импровизационные моменты работы с этномузыкантами, когда прямо на месте мы придумывали танец и музыку к нему. А поскольку давно мечтала создать балет в этностиле с использованием мифологии народа саха, национальной тематики, чтобы сюжет обязательно был связан с удаганками трех миров, и родилась такая идея, с которой я в первую очередь пошла к директору театра Владиславу Левочкину. Идея очень понравилась Владиславу Валерьевичу, мы стали вместе думать над сюжетом. Таким образом и появилась красивая легенда о возникновении якутских алмазов…»

Перед началом «Сияющего камня» профессор Ольга Розанова подчеркнула, что премьера — особенная. И действительно, здесь многое в истории якутского балета сделано впервые. Во-первых, автором либретто стал сам директор театра, отличник культуры РС (Я) Владислав Левочкин. На премьере доцент Академии русского балета им. Вагановой отметила: «Это второй случай в истории балета: в конце XIX века в Санкт-Петербурге директором императорских театров был замечательный человек Иван Всеволожский. Благодаря ему мы имеем балеты «Спящая красавица» и «Щелкунчик» — он был автором либретто. Владислав Левочкин, по-моему, следующий на этом пути».

Кроме этого, впервые в истории балетного искусства в «Сияющем камне» использованы различные спецэффекты, которые придают особую выразительность повествованию. И, конечно, нельзя не сказать о музыке, которая написана специально к этому спектаклю, а также о великолепном синтезе классической и этномузыки, классического балета и современного танца, балета и оперы, которые, гармонично сочетаясь, создают поистине прекрасное произведение искусства.

Алмазы – бренд Якутии

«Сегодня алмазы являются брендом Якутии. Поэтому через этнобалет «Сияющий камень» мы хотим рассказать о нашем удивительном крае, где добываются алмазы, из которых создают самые лучшие бриллианты в мире, — говорит директор театра Владислав Левочкин. — Конечно, такой масштабный проект на алмазную тему мы не могли реализовать без участия АЛРОСА, которая, как известно, является ведущей алмазодобывающей компанией в мире. Мы обратились к руководству, и наш проект поддержали. Часть расходов компания взяла на себя, таким образом, мы смогли создать уникальный спектакль».

Музыку к «Сияющему камню» написал композитор, заслуженный деятель искусств РС (Я), автор гимна республики Кирилл Герасимов. Исполняет ее симфонический оркестр театра, также в эту музыкальную основу вплетаются звуки хомуса, кырымпы, дыныра, айаана. Над спектаклем работали заслуженные деятели искусств РС (Я), лауреаты госпремии им. П. А. Ойунского — художник-постановщик Михаил Егоров и художник по костюмам Сардана Федотова, а также отличник культуры РС (Я), художник видеоконтента Николай Ефремов. Работая в тандеме, они придумали очень интересное, необычное решение. Это не светодиодный экран, это спецэффекты, которые добавляют зрелищности.

Отдельно надо сказать о совершенно новой хореографии, которая является авторской постановкой главного балетмейстера нашего театра Екатерины Тайшиной. Она придумала интересное и очень сложное по технике исполнения хореографическое решение, в котором сочетаются элементы современного танца и классического балета.

«Такого в Якутии никогда еще не было. Возможно, и в других регионах тоже. Поэтому мы очень рады, что АЛРОСА поддержала наш проект. Получился интересный спектакль, который мы представили во время больших гастролей в Казахстане и Кыргызстане. Зрители были восхищены мастерством и высоким искусством исполнения якутских артистов. «Сияющий камень», чарующий и уникальный, зрители еще смогут увидеть на сцене уже этой осенью», — сказал директор театра.

«Крупное художественное событие»

Важное значение в балетном спектакле имеет музыка. Как отмечает композитор Кирилл Герасимов, работа над музыкой к одноактному балету длилась около восьми месяцев.

«Сложность была в том, чтобы совместить именно две природы — фольклорный стиль, который представлял ансамбль Театра Олонхо с аутентичными инструментами, и симфонический оркестр с его академизмом и традициями. Получился очень хороший синтез – это одна из тех задач, которая ставилась перед нами», — говорит композитор.

«Я очень рада, что Кирилл Афанасьевич написал шикарную музыку к этнобалету, а наш замечательный оркестр театра под руководством дирижера-постановщика, отличника культуры РС (Я) Павла Васьковского очень хорошо ее исполнил», — говорит Екатерина Тайшина.

«Хочу поблагодарить наш Театр Олонхо, руководство, что они дали согласие на такую работу, а также фольклорный ансамбль театра: Веронику Лыткину, Иваниду Алексееву, Прокопия Сыроватского, Айсена Кысылбаикова, благодаря которым и создавались эти невероятные звуки, эта атмосфера, рождалась удивительная по красоте этномузыка.

Просто колоссальная работа проделана артистами балета. Конечно, завораживает пластика удаганок Верхнего, Срединного и Нижнего миров в исполнении отличника культуры РС (Я) Александры Ларевой, отличника культуры РС (Я), лауреата и дипломанта международных конкурсов Венеры Федотовой и заслуженной артистки РС (Я) Динары Гасанбалаевой.

Поразило виртуозное исполнение примы-балерины, лауреата и дипломанта международных конкурсов Марии Кузьминой (Сияющий камень), покорили харизма Боотура Нижнего мира в исполнении лауреата международного конкурса Валерия Аргунова и благородство Боотура Верхнего мира в исполнении народного артиста РС(Я), лауреата международных и всероссийского конкурсов, премии «Душа танца» Сарыала Афанасьева. Высокую оценку их исполнительскому мастерству дала профессор Ольга Розанова на премьере этнобалета. «Исполнители главных ролей создали сложные образы — и по внутреннему наполнению, и по пластике, и по технике, которая очень насыщенна. Словом, сегодня в театре настоящее, крупное художественное событие», — подчеркнула она.

По достоинству оценили премьеру нового балета и зрители.

Екатерина: «Волшебный, прекрасный спектакль! Якутская национальная музыка, особенно кырымпа, хомус так украсили балет! Все исполнители главных ролей великолепно танцевали. А то, что в конце спектакля солистка оперы исполнила тойук, было очень необычно, это был эксклюзив!»

Тамара Васильевна и Татьяна Николаевна: «Мы все время ходим в театр, не пропускаем ни одной премьеры. И нам очень понравился этнобалет. Привлекает сам сюжет о сияющем камне – алмазе. Понравилось и как артисты танцевали, и музыка, и оформление. Нам кажется, наш якутский балет – неповторимый!»

Николай Афанасьевич: «Все прекрасно, смотрел с большим удовольствием. Хорошо, что театр обратился к якутской мифологии, получилось интересно. Я слышал, что АЛРОСА оказала помощь в его постановке. Это достойный пример для других – культуру надо поддерживать».

Продолжая тему, о которой сказал зритель, отметим, что поддержка культурных и нематериальных ценностей является важной частью социальной политики якутской алмазной компании. Выступая на премьере «Сияющего камня», заместитель председателя правительства Якутии Сергей Местников отметил: «АЛРОСА всегда была и является социально ответственной компанией, которая поддерживает реализацию социальных проектов». Зампред правительства выразил большую благодарность компании за сотрудничество и поддержку республики. Вполне возможно, что в недалеком будущем этнобалет «Сияющий камень», который появился благодаря АЛРОСА, будет представлять самобытную культуру Якутии на самых разных уровнях.

Фото Кристины Новгородовой.

========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 27517
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июн 11, 2024 10:58 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2024061102
Тема| Балет, Нижегородский театр оперы и балета им. А.С Пушкина, Премьера, Персоналии, Мария Александрова, Максим Петров, Юрий Красавин, Джотаро Каназаси,
Автор| Светлана Хохрякова
Заголовок| К юбилею Пушкина поставили «Пиковую даму. Балет»
Партия Германна досталась прекрасному японскому артисту, несколько лет танцующему в Повольжье

Где опубликовано| © "Московский Комсомолец"
Дата публикации| 2024-06-11
Ссылка| https://www.mk.ru/culture/2024/06/11/k-yubileyu-pushkina-postavili-pikovuyu-damu-balet.html
Аннотация| Премьера

В дни, когда отмечалось 225-летие со дня рождения Александра Пушкина и большая группа московских артистов выехала на торжества в Болдино, в столице региона Нижнем Новгороде состоялась мировая премьера спектакля «Пиковая дама. Балет» на сцене Театра оперы и балета им. Пушкина.


ФОТО: VK.COM/MINKULTNN

Опера «Пиковая дама» Чайковского в постановке Валерия Фокина в репертуаре театра тоже имеется. Теперь появился и балет по одноименному произведению Пушкина на музыку Юрия Красавина.

Современный композитор, автор симфонических и камерных пьес, написавший музыку к фильмам «Царь» Павла Лунгина и «Брестская крепость» Александра Котта, автор балетов «Магриттомания», «Пахита», «Танцемания», он уже работал над повестью Пушкина. Специально для Большого театра он сочинил балет «Пиковая дома».

Нижегородская версия – самостоятельное произведение с оригинальной новой партитурой. Как говорит Юрий Красавин, он попытался вжиться в амплуа балетного композитора XIX века, пишущего «для ног».

Происходящее авторы постановки решили показать глазами военного инженера Германна. Будучи человеком хладнокровным, расчетливым и циничным, он многое переосмысляет по ходу действия. Таков замысел. На сцене же Германн в исполнении хрупкого Джотаро Казанаси в какие-то моменты напоминает мальчика Кая, оказавшегося в царстве Снежной королевы, или уральского мастера, встретившего величественную Хозяйку Медной горы в сказе Бажова.

Авторы либретто - Максим Петров (художественный руководитель Урал Балета в Екатеринбурге), Богдан Королёк, Антон. Морозов. Постановочная группа – сплошные лауреаты «Золотой маски»: хореограф Максим Петров, режиссер Антон Морозов, дирижер Федор Леднев, сценограф Альона Пикалова, художник по костюмам Татьяна Ногинова.

Исполнителей партии Германна несколько, и среди них - японский танцовщик Джотаро Казанаси, уже не первый сезон состоящий в нижегородской балетной труппе. Теперь это уже распространенная практика. На многих российских сценах работают молодые артисты балета из Японии и Китая, чаще всего выпускники европейских балетных школ.

Джатаро Казанаси родился в Токио. В 2015 году он окончил Московскую государственную академию хореографии, работал в Красноярском театре оперы и балета им. Д.А. Хворостовского, затем недолго в труппе Токио Балет. А потом вернулся в Россию, танцевал на сцене Самарского академическом театре оперы и балета, затем в Саратовском академическом театра оперы и балета. Теперь вошел в труппу третьего волжского города – Нижегородского театра оперы и балета им. Пушкина.

Одной из Графинь, а их тоже несколько, стала народная артистка России Мария Александрова – тоже выпускница Московского хореографического училища, звезда Большого театра, ныне его приглашенная балерина.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 27517
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Июн 12, 2024 4:46 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2024061201
Тема| Балет, Челябинский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Надежда Калинина, Виктория Дедюлькина
Автор| Людмила Ковалева
Заголовок| Шпионские танцы. Фестиваль в Челябинске открыли балетом «Мата Хари»
Где опубликовано| © Южноуральская панорама
Дата публикации| 2024-06-12
Ссылка| https://up74.ru/articles/kultura/157301/
Аннотация| Премьера



В Челябинске стартовал пятнадцатый международный фестиваль балета «В честь Екатерины Максимовой».

Традиционно в начале июня на сцене челябинского театра оперы и балета им. М.И. Глинки собираются лучшие танцовщики из разных стран мира. Открылся фестиваль большой премьерой Челябинского театра оперы и балета им. М.И. Глинки.

Балет «Мата Хари» – детище хореографа Надежды Калининой. Мата Хари уже более ста лет остается популярной, возбуждает интерес к своей личности у многих творцов. До сих пор продолжаются споры о том, кем же на самом деле была Мата Хари. Её жизнь была интригующе загадочной. Большая часть архивных материалов, которые могут пролить свет на тайну Маты Хари, засекречены по сей день.

Надежда Калинина стала автором либретто, балетмейстером-постановщиком, она же выбрала композиции для музыкальной партитуры спектакля. К каждой сюжетной линии Надежда Калинина вдумчиво подбирала наиболее подходящую композицию: любовная линия, сложные жизненные испытания, танец Саломеи, шпионаж, трагический финал… Все действие разворачивается под музыку нескольких знаменитых композиторов. Появилось уникальное произведение, звучащее музыкой Жюля Массне, Астора Пьяцоллы, Камиля Сенс-Санса, Рихарда Штрауса, Сергея Рахманинова и других авторов. Некоторые произведения, вошедшие в музыкальное полотно балета, пришлось собирать буквально по одной ноте и оркестровать специально для челябинской постановки. С этой кропотливой работой справился дирижёр театра Вячеслав Губанов.



Согласно либретто Надежды Калининой, на сцене динамично развивается история жизни знаменитой соблазнительницы и шпионки Маты Хари. Действие начинается на острове Ява, где молодая жена морского офицера, Маргарета, знакомится с традициями загадочного Востока. Неудачная личная жизнь, проблемы в семье вынуждают молодую женщину бежать в Европу, искать пути выживания, заработки. Оказавшись в Париже, Маргарета устраивается в шикарный ресторан танцовщицей экзотических танцев – рождается загадочная Мата Хари. Знакомства со знаменитостями, личные отношения с высокими военными чинами, с политиками и дипломатами возбуждают невероятный интерес к танцовщице у сотрудников разведки и органов безопасности нескольких государств. Так Мата Хари оказывается втянутой в шпионские игры большой политики.

– История Маты Хари, знаменитой танцовщицы, не может оставить хореографа равнодушным, – рассказывает Надежда Калинина. – Невероятно сложно показать в балете тему шпионажа. К тому же я не люблю использовать много реквизита. Задача усложнилась, но стала привлекательнее. Потребовалось не просто рассказать о шпионке, а показать работу двойного агента. Многие считали такую задачу невыполнимой. Но мы сделали. Безумно любопытная работа для балета.

По сюжету Мату Хари окружают пять мужских персонажей: муж Рудольф Макслеод, капитан немецкой разведки Карл фон Байеринг, капитан французской разведки Жорж Ладу, французский офицер Марсель Ляман, русский офицер Вадим Маслов. Только с одним из них – с Вадимом Масловым – у танцовщицы вспыхивает сильное взаимное чувство. Впервые знаменитая Мата Хари чувствует себя любимой женщиной, окруженной мужской заботой, теплом и лаской.

Безумно сложная цель стояла перед исполнительницей главной партии – Маты Хари. Абсолютное попадание в характер героини, в канву спектакля получилось у исполнительницы ведущих партий челябинской балетной труппы Виктории Дедюлькиной. Сочетание чрезвычайно сложной хореографии с нетривиальной актёрской задачей потребовало от балерины максимальной концентрации и отдачи. Успех спектакля во многом состоялся благодаря блестящей работе Виктории.

– Невероятный балет наша Мата Хари, – делится Виктория Дедюлькина. – Главная героиня мистическая и многоликая, мне приходится постоянно перевоплощаться. Буквально тут же, не уходя со сцены, нужно изменить пластику, эмоции, выражение лица. Более чем нетривиальная миссия в балете. Но я счастлива! Номер «Яванская принцесса», танец Саломеи – настоящий подарок мне от хореографа.

Действие спектакля разворачивается на фоне шикарных декораций авторства Сергея Новикова. Он же стал автором образов и костюмов героев постановки. Сценическое пространство трансформируется, то в дорогой ресторан, то в парижскую улочку, то в тропический лес. И почти постоянно над всем царит статуя многорукого бога Шивы, который то подбадривает, то проклинает персонажей спектакля.



Драматический финал не оставляет равнодушным никого. Видеопроекции военной хроники, раненые бойцы, госпиталь, ранение любимого, трагедия расставания… И пронзительный финал – арест Маты Хари. Обвинения в шпионаже в пользу противника в условиях военного времени приводят к страшному приговору. Никто не смог спасти несчастную танцовщицу. Перед её внутренним взором пронеслась вся насыщенная яркая жизнь, вспомнились родные и любимые лица. Прозвучали выстрелы… Расстрел.

Спектакль совершенно не похож на классический балет – это трагическая история, достойная подмостков театра драмы, рассказанная искусством пластики, танца, музыки. Повествование о Мате Хари стало выразительным, энергитичным продолжением работы хореографа Надежды Калининой на сцене челябинского театра. В числе её предыдущих постановок балеты «Кармина Бурана», «Ида (Любовь и страсть Иды Рубинштейн)», «Сказки Гофмана».

Фото: автора
=================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 27517
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Июн 12, 2024 9:43 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2024061202
Тема| Балет, театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Х. Левенсхольд, Леонид Сарафанов, Вячеслав Окунев
Автор| Vecher.kz
Заголовок| Закрытие 90 юбилейного сезона: легендарный балет возвращается на сцену легендарного театра
Где опубликовано| © Вечерний Алматы
Дата публикации| 2024-06-12
Ссылка| https://vecher.kz/ru/article/zakrytie-90-iubileinogo-sezona-legendarnyi-balet-vozvrashaetsia-na-ssenu-legendarnogo-teatra.html
Аннотация| Премьера



8 и 9 июня при полных аншлагах и бурных овациях Казахский национальный театр оперы и балета имени Абая завершил свой 90-й юбилейный сезон новой постановкой романтического балета Х. Левенсхольда «Сильфида», сообщает Vecher.kz.

Первый премьерный день посетили министр культуры и информации Республики Казахстан Аида Галымовна Балаева, руководители ведущих театров, творческая интеллигенция и ветераны балета КазНТОБ им. Абая.

Возрожденная «Сильфида» несомненно стала ярким событием в культурной жизни Алматы и приятным летним подарком алматинцам и гостям нашего прекрасного города.

Зрители погрузились в атмосферу праздника с первых шагов. На центральном входе капельдинеры дарили всем женщинам розы, в фойе играл струнный квартет театра, фотозона была оформлена цветочными композициями и историческими костюмами.

Для работы над спектаклем были приглашены постановщики с мировыми именами: премьер балета Мариинского театра, лауреат театральных премий «Benois de la Danse», «Золотая маска», «Золотой софит» Леонид Сарафанов, народный художник России, лауреат Государственных премий Республик Казахстан, Молдова, Беларусь Вячеслав Окунев тесно сотрудничающий с театром на протяжении почти двух десятилетий.

Дирижер – постановщик спектакля, главный дирижер театра, заслуженный деятель Казахстана Нуржан Байбусинов. Не смотря на то, что сама постановка не выходит за рамки канонической, все же спектакль стал более динамичным, изменены мизансцены, все нюансы сложной хореографии точны и понятны, сценография поражает глубиной и филигранностью исполнения мелких деталей. Балет очаровывает, погружает публику в сказочный мир грёз, парящих мистических существ, земных чувств и страстей.

«Сильфида» - старейший из дошедших до нас хореографический спектакль открывший в балете новую эру — эру романтической хореографии. Ведь именно в этом спектакле 12 марта 1832 года в Париже на сцене Королевской академии музыки и танца балерина впервые встала на пуанты и надела пачку. Это произошло в балете Жана Шнейцхоффера «Сильфида» поставленном Филоппо Тальони для своей дочери Марии Тальони. В 1836 году появилась другая версия «Сильфиды» норвежско-датского композитора и органиста Хермана Левенсхольда, поставленная Августом Бурнонвилем и именно она идет в большинстве театров на протяжении двух столетий.

В основе либретто, написанного Филиппо Тальони и оперным певцом Адольфо Нурри – новелла «Трильби, или дух Аргели», написанная в 1822 году французским писателем Шарлем Нодье. Только в поэме Нодье жена рыбака влюбляется в фантастическое существо – эльфа, а в версии Нурри и Тальони герой влюбляется в призрачную девушку.

В данной сценической версии на сцене Казахского национального театра балет «Сильфида» был впервые представлен 31 марта 1984 года в редакции Эльзы-Марианны фон Розен в постановке солистки Мариинского театра, балетмейстера и педагога заслуженной артистки РСФСР Ксении Тер-Степановой. Накануне свадьбы с Эффи молодому крестьянину Джеймсу является дух воздуха в образе прекрасной девушки. Джеймс очаровывается видением и мечтает дотронуться до него, но любое прикосновение для Сильфиды губительно.

Главные партии исполнили ведущие солисты балета:

Сильфида, дух воздуха - Жанель Тукеева, Айман Егисбаева

Джеймс, сын Анны – Богдан Вербовой, Рустем Имангалиев

Медж, колдунья – Амир Жексенбек, Даурен Женис

Эффи, невеста Джеймса – Айман Егисбаева, Динара Кудабаева

Анна, вдова фермера - Айгуль Дуйсекова

Гёрн, крестьянин – Сырым Аюпов, Нурсултан Алпамысулы


Фото Елены Петровой и Владимира Акуленкл
===================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 27517
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Июн 13, 2024 7:38 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2024061301
Тема| Балет, Парижская опера, Книга, Персоналии, Орели Дюпон
Автор| Мария Сидельникова
Заголовок| «Моя книга — это не сведение счетов»
Орели Дюпон о Парижской опере и Рудольфе Нурееве

Где опубликовано| © Газета «Коммерсантъ» №101/Ч от 13.06.2024, стр. 11
Дата публикации| 2024-06-13
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/6762192
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Этуаль Парижской оперы и экс-худрук балетной труппы Орели Дюпон выпустила автобиографию «Не забывай, почему ты танцуешь» — полсотни страниц воспоминаний с пеленок в 16-м округе Парижа до прощания со сценой в Opera Garnier. О современном мире балета и многом другом она рассказывает подробно, хлестко, без купюр. Про многолетнее противостояние с директором школы Парижской оперы Клод Бесси, про то, каково это быть в тени поколения Нуреева, и про нравы балетного мира, которые ей не по нраву, Орели Дюпон рассказала Марии Сидельниковой.


Орели Дюпон
Фото: JULIEN DE ROSA / AFP


— Почему вы решили написать книгу мемуаров именно сейчас?

— Я не из тех артистов, кто много говорит. Я много работала, но оставалась довольно сдержанной и закрытой во всем, что касается моей жизни. Когда я ушла из Парижской оперы, мне захотелось поделиться своей историей. Так как я писала все сама, мне нужно было на это время, теперь оно у меня появилось.

— Ваш литературный портрет выглядит неожиданно для тех, кто знал и видел вас на сцене. Вы всегда были воплощением женственности, красоты, французского стиля… Оказывается, за этим скрывалось столько самоедства, обид, сомнений в своей внешности и способностях.

— Это действительно так. В книге мне хотелось быть откровенной. Страница той жизни перевернута. Все атаки, претензии, оскорбления, которые сопровождали меня на протяжении всей карьеры, теперь позади. Многие годы я подвергалась очень резкой и жестокой критике из-за моей внешности. Ни разу в жизни я не чувствовала, что обладаю подходящими внешними данными.

— Даже получив этуаль, высший статус в балетной иерархии Парижской оперы?

— Даже тогда. Мне всегда не хватало уверенности. Прекрасно помню свое первое «Лебединое озеро». Я танцевала его довольно поздно в 2005 году, мне было уже 32 года. Откладывала до последнего, потому что знала, что этот балет, где все выстроено на красоте линий, не для моего тела, не для моих ног. Я была уверена, что «Лебединое» могут танцевать только русские, но никак не я.

— Вы пишете, что неуверенность с вами со школы, и очень подробно рассказываете о школьных годах и детских обидах.

— У меня был маленький блокнот, куда я, ребенком, все-все записывала. Уже тогда я понимала, что в этом образовании что-то не так.

— Что именно?

— Есть большая разница между требовательностью и злостью. Я люблю требовательность, она позволяет расти, но я никогда не понимала злость взрослых по отношению к детям. Чего мы добиваемся, говоря ребенку, что он толстый, никчемный и похож на бог знает кого? В чем смысл? Конечно, мы все держали в себе, родителям ничего не рассказывали. Боялись, что они разозлятся и заберут нас из школы. О психологах тогда тоже и речи быть не могло. Но я училась в 80-х, сейчас, к счастью, времена изменились.

— Когда разразился скандал с Клод Бесси (директор Школы оперы 1972–2004), который привел к ее уходу, вы были едва ли не единственной, кто поддержал это решение и публично, в прессе подтвердил результаты расследования, свидетельствующие о жестоком обращении с детьми, неуважении, психологическом давлении. Почему?

— Я делала это не для разоблачений, а чтобы рассказать правду. Я очень рано начала об этом говорить, была первой, кто открыто заявил, что так больше невозможно. Когда журналисты спрашивали, нравится ли мне Школа Парижской оперы, я честно отвечала — нет.

— Возможно ли перемирие с Клод Бесси после вашей книги?

— Я не ссорилась с Клод Бесси. Как я вам сказала, я рассказываю правду, историю своей жизни и профессии. Моя книга — это не сведение счетов. Я не испытываю ненависти к этой женщине, но у меня к ней нет и большого уважения. Даже несмотря на то, что она 30 лет возглавляла школу. Многолетний стаж не делает из вас хорошего директора. Мне бы хотелось с ней поговорить, но, по-моему, она уже не в том возрасте, чтобы припомнить события тех лет.

— Вы поступили в Оперу при Рудольфе Нурееве, он сам вас заметил, и вас приняли в труппу «при условии сохранения линий, установленных Нуреевым». Что означала эта формулировка? И существуют ли эти нормы до сих пор?

— Эта фраза преследовала меня почти всю карьеру. Самое отвратительное, что все это происходило на глазах у всей школы, результаты экзамена ведь публичные. Какой позор! К счастью, сегодня этого не существует. Мы больше не имеем права говорить девушке или юноше, что он слишком толстый. Можно говорить только про худобу, потому что анорексия — это болезнь. Кстати, я совсем не уверена, что у Нуреева были некие фиксированные требования к физическим параметрам. Он был гораздо умнее и не ограничивал талант формой ног или рук, поэтому и сам сделал такую невероятную карьеру. И Нуреев, в отличие от других, ни разу не сделал мне замечание про мое тело или форму.

— Хотя вот уж кто никогда не стеснялся в выражениях.

— Я застала последний год его правления, даже чуть меньше и никогда с ним не репетировала, но хорошо помню его в классе. Он был очень щедрым с артистами. Сам работал как волк и по ходу урока еще поправлял других. Нуреев никогда не был безразличным. Страстным, строгим — да, но не равнодушным. На репетициях случалось всякое. Как и вы, я об этом слышала. Нуреев не был человеком, который задумывался о вежливых формулировках, он не желал тратить на них свое время. Но учитывая его страсть, общайся он с артистами иначе, было бы, конечно, гораздо лучше.

— Вам ведь пришлось отражать и нападки тех, кто сравнивал вас с нуреевскими звездами?

— За шесть лет директорства в Опере Рудольф Нуреев действительно вырастил невероятно талантливых артистов. Изабель Геран, Мануэль Легри, Лоран Илер, Элизабет Платель — о них говорили как о «детях Нуреева». Было у него чутье и на хореографов. С Пиной Бауш, кстати, именно он первым установил контакт, а пришла она уже при Брижит Лефевр. В Опере все требует времени. Так вот Нуреев стоял горой за свое поколение: растил, репетировал, ставил для них балеты, создавал роли, приглашал хореографов, сопровождал на каждом шагу. Любопытно, что сегодня, говоря о его периоде, все восхищаются «какой был директор!». А в то время говорили, что он был никчемным руководителем и к тому же монстром. Интересно наблюдать эту метаморфозу. Мое поколение пришло сразу после, и я горжусь быть его частью. Мне кажется, я была первой Этуалью, которая не работала лично с Нуреевым. Аньес Летестю немного с ним репетировала, Хосе Мартинес и Николя Ле Риш тоже. Но мы сделали себя сами, у нас не было директора, который бы часами работал с нами в зале, ставил для нас балеты. Нам только говорили, что танцевать. Мы всего добивались самостоятельно и в том числе, чтобы на нас смотрели с уважением, а не говорили, что вот при Нурееве артисты были великими, талантливыми…

—… это вы про Форсайта?

— Ну да, а мы — черт знает что по сравнению с ними. Форсайт может так думать, это его мнение, его право — никаких проблем. Это произошло в 1999 году, готовился целый вечер его балетов. Меня только-только назначили этуалью. И на протяжении месяца на репетициях я выслушивала агрессивные замечания, оскорбления, что я позор для всех этуалей... Пока это касалось только меня, я терпела. Но когда он заявил, что мы все никчемные по сравнению с артистами Нуреева, тут я не выдержала. Это была последняя капля. Сказала ему все, что думаю, и отказалась танцевать.

— Какие еще упреки звучали в ваш адрес?

— Что мое поколение никогда не сможет танцевать нуреевские балеты так, как танцевали его звезды.

— Вы с этим не согласны? Насколько артисты вольны менять, адаптировать оригинальный текст его балетов, ведь сегодня их явно танцуют по-другому?

— Это большой вопрос и долгие дебаты. Одни настаивают, что все должно быть неизменно. Другие придерживаются более гибкой позиции. Тот же Лоран Илер в «Ромео и Джульетте» танцевал одну версию, потому что он левша, Мануэлю Легри Нуреев сделал другую. Сама я что-то меняла по мелочам — эпольманы, музыкально подстраивалась под свое травмированное колено, устаревшую пантомиму в Дон Кихоте корректировала. Но так как у меня за спиной почти всегда был Маню (Мануэль Легри.— «Ъ»), с которым мы танцевали нуреевские постановки, особо было не разгуляться. Он все время напоминал, как именно хотел Нуреев. Но я уверена, будь он жив, непременно все бы переделал под сегодняшнее поколение.

— Вы много танцевали в России. Чему вы научились у русских артистов?

— Я всегда считала, что французы и русские — лучшее, что есть в мировом балете. Русские артисты для меня — естественное воплощение классического танца, они созданы для классики. В России я оценила внимание к верху корпуса. В русской школе она первостепенна. У нас же во Франции все наоборот. Сначала ноги и только потом верх. Работа над созданием персонажа тоже для меня стала открытием. Сценическое присутствие, как обратить на себя внимание, как подать — масса тонкостей, необходимых для роли, которым я научилась именно в России. В Париже мне этого никто не объяснял. Помню, когда стала директором, предложила взять в школу русского педагога, чтобы обучать детей этим актерским тонкостям. Но моя идея не нашла поддержки, а жаль.

— И при этом Ирек Мухамедов служит балетмейстером в труппе. Это же вы его пригласили в Оперу из Ковент Гардена. Почему именно его?

— Да, но он не дает классы и работает с артистами. А мне хотелось русского педагога в школу. Ирек в свое время получил приз как лучший танцовщик мира, как его можно было не пригласить? Кроме того, у нас в Парижской опере никто не занимался драматургией, актерским мастерством. И я видела, что Ирек прекрасно знает и понимает, как с этим работать. Для артиста балета — это очень важный дар и навык, не все строится только на линиях и форме, надо уметь давать что-то большее, и я счастлива, что он смог передать свой талант артистам Оперы.

— Как опыт вашей танцевальной карьеры пригодился вам на посту худрука?

— Мой путь этуали вел меня и на пути худрука. Я не могла делать что-то, что не похоже на мою танцевальную карьеру. Поощряла артистов танцевать, рисковать, много занималась актерским мастерством, пыталась выкроить время, чтобы хотя бы изредка репетировать в зале с солистами. Если в общих чертах говорить об итогах моей работы, то помимо артистической программы и художественного вектора сезонов, который я выстраивала исключительно исходя из артистов и их качеств, мне кажется, что я смогла их научить более адекватным и справедливым методам работы.

— В чем они заключаются?

— В оценке себя и своих возможностей: на что я способен? Действительно ли я способен стать этуалью или это просто мечта? Какие у меня качества? Для какого репертуара больше подходит мое тело, мой темперамент, мои способности? В рамках ежегодного собеседования, которое я проводила со всеми, я составила опросник, где надо было указать свои достоинства и недостатки. И что вы думаете? Из 154 артистов только 3 отметили свои качества, все остальные писали о недостатках. Я очень старалась изменить их образ мысли, чтобы они искали прежде всего свои сильные стороны, а не зацикливались на недостатках, как этому учат в школе.

— И тем не менее это не уберегло вас от анонимного опроса с обвинениями в психологическом и даже сексуальном харассменте, в проблемах с коммуникацией. По сути это те же обвинения, что вы когда-то предъявляли школе и хореографам. Как вы к этому отнеслись? Справедливы ли эти претензии?

— Нет. Если бы я хотела травить артистов, унижать их, мне было бы гораздо проще это сделать, будучи этуалью, чем директором. Но даже сами артисты потом говорили, что это несправедливо: мне пришлось расплачиваться за предыдущие правления. Все свалилось на меня. И тот, кто затеял этот опрос, сделал это преднамеренно, выбрав мишенью мое директорство. Всегда есть завистники, всегда есть люди, которые предпочитают работать с людьми уровнем ниже. Мне же нравится повышать планку. Я не боюсь ярких, амбициозных, умных. Двери моего кабинета всегда были открыты. Я никому и никогда не отказывала во встрече, в разговоре, в поддержке. Поэтому мне странно, что они решили действовать именно так, у меня за спиной. Ну что ж: захотели попробовать — у них ничего не вышло. Полтора года длился аудит в Опере. В ходе многочисленных проверок никаких проблем моего руководства выявлено не было. Но журналисты же пишут только про пожар, когда все потушено — им уже неинтересно.

— Почему вы ушли?

— Мне исполнялось 50 лет, когда я поступила в школу, мне было 10 лет. 40 лет карьеры в Опере, пришло время поставить точку. Кроме того, у балетного худрука бессрочный контракт. Я занимала эту должность больше шести лет и решила, что лучше я уйду сама и когда хочу, чем Опера скажет, что я стара и выставит меня за дверь, дав три месяца на сборы. Я привыкла к тому, чтобы последнее слово было всегда за мной.

— Это правда, что перед уходом вы получили анонимную угрозу?

— Да, чудовищно. И в какой-то момент я сказала себе: хватит, все, это слишком. 17 лет я была этуалью, шесть с половиной лет директором, в первый свой сезон я сразу же заработала на 10 млн больше, чем за предыдущий сезон. Пригласила многих современных хореографов, возобновила столько классических балетов. А что получила? Травлю в прессе и анонимную угрозу.

— Генеральный директор Юг Галь говорил, что в Парижской опере мы счастливы дважды: при назначении и при уходе. Вы согласны?

— Абсолютно!

— Почему у Парижской оперы репутация такого сложного театра? Почему директорская работа так редко заканчивается счастливо?

— Потому что ты очень много отдаешь этому театру, многим ради него жертвуешь. В моем случае даже большим, когда я была директором, нежели этуалью. Я дала ему все — мое тело, мою душу, мою любовь, мои идеи. Я безумно люблю эту труппу и этот театр. Но это место, где никогда нет мира и спокойствия. Никогда. Профсоюзы, недовольные артисты, забастовки… И так без конца и края. В какой-то момент становится невыносимо тяжело, поэтому уход, конечно, воспринимается с облегчением. Я бы не сказала, что это счастье расставаться с Оперой, мы все любим этот дом.

— Страница жизни в Опере окончательна перевернута? Не скучаете?

— Нет, совсем нет. Я занимаюсь другими вещами.

— Какими? Вторая часть книги о роли худрука на подходе?

— Контракт с издательством я пока не подписывала. Из уже готового — книга для детей, которая выйдет в октябре. Дальше —посмотрим.

— Как в Парижской опере приняли ваши мемуары?

— Не знаю. Я отправила книгу Александру Нефу и Хозе Мартинесу, но ответа от них не было. Я не знаю, что они о ней думают. Спросите, расскажете мне потом.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 27517
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Июн 13, 2024 8:47 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2024061302
Тема| Балет, Нижегородский театр оперы и балета им. А.С Пушкина, Премьера, Персоналии, Мария Александрова, Максим Петров, Юрий Красавин
Автор| Владимир ДУДИН
Заголовок| В Нижнем Новгороде состоялась премьера балета «Пиковая дама» петербургского композитора
Где опубликовано| © «Санкт-Петербургские ведомости» № 106 (7682)
Дата публикации| 2024-06-13
Ссылка| https://spbvedomosti.ru/news/culture/v-nizhnem-novgorode-sostoyalas-premera-baleta-pikovaya-dama-peterburgskogo-kompozitora-/
Аннотация| Премьера

Мировая премьера балета «Пиковая дама» петербургского композитора Юрия Красавина состоялась на сцене Нижегородского театра оперы и балета им. А. С. Пушкина.

Новый балет убедил, что «Пиковых дам» много не бывает. Анекдот Пушкина продолжает будоражить воображение творцов, разгадывающих тайну трех карт. С композитором Юрием Красавиным эта история разыграла презабавный пасьянс. Один за другим ему заказали партитуры на этот пушкинский сюжет Нижегородский театр и Большой театр, в результате чего появились два разных сочинения. Для Большого композитор исходил из музыки Чайковского, а для Нижнего Новгорода написал совершенно новое произведение, в котором лишь коротко трижды процитировал совсем не оперную и не балетную музыку Петра Ильича, фиксировавшую переломные моменты драматургии.

Хореографом выступил петербуржец Максим Петров, ныне руководитель труппы Урал балета, сценографом — Альона Пикалова, художником по костюмам — Татьяна Ногинова, а за дирижерским пультом стоял Федор Леднев. Итогом стал поразительно органичный во взаимодействии всех элементов балет, в котором хрестоматийная история Пушкина получила колоссальный простор для музыкально-театральных и шире — культурных ассоциаций. В режиссуре Антона Морозова, соорудившего серо-черное пространство из разновысотных выгородок с занавесом в виде бесчисленного множества формул, словно написанных рукой сумасшедшего ученого, в вихре трагифарсового галопада (быстрый бальный танец. — Прим. ред.) крутились известные имена героев Пушкина, к которым добавился еще и роковой красавец граф Сен-Жермен.

В своей музыке Юрий Красавин не то что не стеснялся, но словно бы умышленно постарался вспомнить всех, причастных не только к теме повести Пушкина, но и к разным петербургским феноменам — от серой погоды и гоголевских чиновников до легендарных маскарадов. А потому не только мотивы музыки к «Ревизской сказке» Шнитке ткали партитуру, словно усердные паучки, но и герои танцев Шостаковича задавали тонус событиям балета своими без труда уловимыми музыкальными масками. Красавин сочинил феерическое постмодернистское полотно, в котором предоставил раздолье любителям разгадывать культурные ребусы и кроссворды, принеся оммаж и легкой балетной «музыке для ног». Парадоксально, но в многоцветном лоскутном одеяле новой партитуры мелькали и далеко не петербургские краски — то в виде арфовых линий из Адажиетто Малера и антракта к III действию «Кармен» Бизе. В конфликтной предсмертной сцене финала вдруг пронесся мотивчик даже из II акта «Травиаты» на балу у Флоры, напоминая постановку этой оперы Мейерхольдом. Система постмодернистских обманок и зеркал позволяла множить ассоциации до дурной бесконечности, вплоть до акта теней в «Баядерке», ведь вся толпа сплетников и сплетниц, с которой пришлось иметь дело несчастному Германну, была больше всего похожа на призраков.

После цитаты аккордов вступления к знаменитому Первому концерту Чайковского, обозначившей катастрофу, спустя некоторое время раздалась не менее знаменитая «Полька» из «Детского альбома», диагностировавшая механистичность бытия. В партии Графини, «красавицы московской», ослепительно блеснула прима-балерина Большого театра Мария Александрова, восхитившая глубиной, психологизмом и остротой прочтения своего образа.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 27517
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июн 14, 2024 8:01 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2024061401
Тема| Балет, 15-м фестивалm документального кино, Персоналии, Стивен Макрей, Мария Александрова, Владислав Лантратов, Юргита Дронина, Карен Кейн
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| Лебединая пенсия
Балетные фильмы на Beat Film Festival

Где опубликовано| © Газета «Коммерсантъ» №102 от 14.06.2024, стр. 11
Дата публикации| 2024-06-14
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/6762760
Аннотация|

В Москве на 15-м фестивале документального кино о новой культуре Beat Film Festival представили два фильма о балетном закулисье — «Стойкий человек» и «Лебединая песня». Рассказывает Татьяна Кузнецова.


Шейлин Эстрада, заклеив шрамы пластырями, сохранила свое место «лебедя» в стае кордебалета
Фото: TIFF


Французский «Стойкий человек» (2023) Стефана Карреля рассказывает о возвращении в профессию 36-летнего премьера лондонского Королевского балета Стивена Макрея после разрыва ахиллесова сухожилия. Герой тут один, фильм изобилует сверхкрупными планами: грустные глаза, вздувшиеся мышцы, шрам во весь экран, забинтованные пальцы ног. Камера следует за Стивеном даже в душ, следит за ним, валяющимся на полу без сил, в раздевалке, разглядывает тело под пальцами массажиста, скользит по лицу за кисточкой гримера, подслушивает разговоры с детьми, женой, врачами, репетиторами, ездит с артистом в метро и в электричке, заглядывает в его телефон и в тарелку за ужином.

В том же 2023 году аналогичный фильм — «Временные ограничения» — вышел и в России: балерина Мария Александрова и премьер Владислав Лантратов с разницей в несколько недель тоже порвали ахиллесово сухожилие.

Российским танцовщикам повезло найти суперхирурга, разработчиков специальной обуви для послекостыльного периода, но реабилитацию им пришлось частично проходить за границей, а первые занятия с педагогом в классе — инстинктивно и наобум. Травмированного Стивена Макрея режиссер показывает разве что для колорита — на загипсованной ноге он качает трех своих малышей. Основной упор сделан на реабилитационных тренингах под надзором специалистов, причем происходит это в самом Ковент-Гардене. Ошеломительны силовые упражнения артиста со штангой, гантелями и прочими тренажерами, поражает обилие приспособлений (напольных, вертикальных, подвесных) и приборов, фиксирующих мельчайшее воздействие нагрузки на мышцы и связки танцовщика. Удивляет и планомерность вхождения артиста в репертуар. Казалось бы, победа одержана: Стивен, легкий, стремительный и сильный, будто и не было никакой травмы, прекрасно станцевал «Ромео и Джульетту» Макмиллана — сначала на прогоне в зале, сорвав аплодисменты труппы, а потом и на сцене, подняв на ноги зрительный зал. И после этого артисту «по техническим причинам» не дают станцевать «Щелкунчика»: хотя на вид мужская партия тут куда проще, в ней задействованы другие связки — а это риск. Зато разрешают готовить виртуознейшую «Рапсодию» Фредерика Аштона (в этой роли записные балетоманы могли видеть замечательного Стивена десять лет назад, на гастролях Ковент-Гардена в Большом). Разумеется, тяжкие репетиции и каждодневные тренинги приводят артиста к сценическому триумфу, как и наших страдальцев.

Но различия на пути к возрождению между россиянами, в сущности предоставленными самим себе, и всесторонне опекаемым премьером Ковент-Гардена разительны. И весьма показательны.

В отличие от научно устроенной жизни лондонского Королевского балета, закулисье Национального балета Канады в фильме Челси Макмаллан «Лебединая песня» кажется каким-то балаганом. Здесь, мягко выражаясь, легкомысленны все: начиная с худрука Карен Кейн, решившей перед выходом на пенсию поставить «мировую премьеру» «Лебединого озера» просто потому, что больше «не могла смотреть на эти академические упражнения», и заканчивая приглашенной из Австралии Габриэлой Тилесовой, специалисткой по масштабным шоу, одевшей гостей на балу в полуметровые парики с единорогами и кораблями и наделившей Ротбарта многометровым оперением — так, что к нему и не подступиться; пришлось подрезать ему крылья прямо на сцене на генеральной репетиции. Стараниями режиссерки фильм похож на художественную вампуку типа «Черного лебедя», только с недоработанным сценарием.

Возможно, в четырехчасовой телеверсии сюжетные нити кое-как распутываются, однако в фестивальной, на 104 минуты, это сущий абырвалг.

Балет режиссерке в общем-то неважен: мы так и не поймем, что там понаставил безмятежный юнец Роберт Бинет, которому доверена постановка (роль Карен Кейн сводится к присутствию на прогонах и совещаниях), и чем эта «мировая премьера» отличается от традиционной версии с «черным» па-де-де и классической английской версией второго акта. Судя по фильму, своим главным достижением постановщики считают голые ноги «лебедей» — эту тему долго обсуждают в кулуарах и на совещаниях. Отсутствие трико концептуально: это означает, что девушки в лебедей так и не превращаются, несмотря на злобные происки Ротбарта, «представляющего порочные качества мужчины». Заодно снятие «колготок» означает решение «давней и глубокой проблемы балетного расизма»: отныне танцовщица любого цвета кожи «может чувствовать себя на сцене самой собой», даром что одета в пачку и перья. Тут, правда, возникает загвоздка: девушка из кордебалета признается, что у нее на ногах 75 фиолетовых шрамов — порезала себя, когда находилась в депрессии. Но, судя по тому, как на премьере камера пробегается по пластырям ее изрезанных ног, это никого не смущает.

Депрессивная брюнетка из Техаса, история которой в основном остается за кадром, лишь одна из героинь фильма. Вторая — прима Юргита Дронина, родившаяся в Саратове в 1986-м, представлена как беженка из СССР.

С ней режиссерка разыгрывает политический козырь: под архивные кадры многолюдных митингов балерина рассказывает, как ее семья пробиралась к родне в Литву сквозь «войну и танки» во времена, когда «Лубянка стала претендовать на Москву». Счастливая жизнь в Канаде (мелькают хороший дом, любящий муж и два ребенка) омрачена травмой шеи, отчего балерина уже восемь лет танцует на инъекциях, однако за две недели до премьеры со страховочным обручем на шее делает плие со штангой на плечах.

А главная героиня фильма — сама Карен Кейн, танцевавшая в Национальном балете Канады с 1969 года, в 1973-м получившая серебро на сильном международном конкурсе в Москве, станцевавшая «Лебединое» в 19 лет и ставшая одной из избранных партнерш Рудольфа Нуреева. Архивные кадры дивной балерины — в жизни, на сцене, с Нуреевым и без, ее рассказ о том, как на вечеринке с «горами икры и кокаина» ею был сражен Энди Уорхол, написавший портрет юной Карен, предпенсионный, сдержанно-надрывный «Умирающий лебедь» Кейн в финале фильма,— самое интересное в этой «Лебединой песне», невзначай доказывающей, что прима и худрук — профессии совершенно разные. Если не диаметрально противоположные.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Июн 30, 2024 6:50 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 27517
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июн 14, 2024 8:40 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2024061402
Тема| Балет, Нижегородский театр оперы и балета им. А.С Пушкина, Премьера, Персоналии, Мария Александрова, Максим Петров, Юрий Красавин, Маюка Сато, Максим Просянников
Автор| Сергей Бирюков
Заголовок| «Пиковую даму» вернули Пушкину
В Нижнем Новгороде поставили балет почти без музыки Чайковского

Где опубликовано| © "Труд"
Дата публикации| 2024-06-13
Ссылка| https://www.trud.ru/article/13-06-2024/1624921_pikovuju_damu_vernuli_pushkinu.html
Аннотация| Премьера


В версии нижегородцев у бедной Лизы (Маюка Сато) нет шансов перед Графиней (Мария Александрова), которую Германн (Максим Просянников) считает хранительницей тайны трех карт. Фото Сергея Досталева, Нижегородская опера

Столь необычной истории, как та, что связана с нынешней премьерой «Пиковой дамы» в Нижегородской опере, думаю, больше не сыскать: вряд ли какой-либо еще композитор, кроме Юрия Красавина, становился автором двух совершенно разных балетов на один сюжет.

Речь именно о балете – браться за сочинение оперы после Чайковского было бы самоубийственно. О том, что к пушкинскому юбилею в Нижегородском театре оперы и балета – кстати, носящем имя Пушкина – готовится танцевальная премьера, причем именно по повести, а не оперному либретто (они сильно отличаются: в опере Герман реально любит Лизу, а в конце гибнет), мы знали еще год назад. Каково же было удивление, когда на свою балетную «Пиковую даму», и тоже с именем Красавина в афише, минувшей зимой позвал Большой театр!

На самом деле Юрия Вильевича легко понять: даже если ты в течение нескольких лет пишешь музыку для одного театра, а потом к тебе обращается с аналогичной просьбой другой, и это ГАБТ, отказа главной сцене страны, скорее всего, не последует. Да и чего робеть, если ты с этим театром уже работал («Магриттомания», «Танцемания») и вообще в балетном мире фигура известная («Пахита» екатеринбургского Урал Опера Балета и другие постановки). А в багаже всякого крепко подкованного композитора, каковым представитель петербургской школы Красавин, безусловно, является, найдется множество техник, позволяющих решить одну задачу разными способами.

Поскольку для Нижнего писалась оригинальная музыка, для Большого был избран путь вольной компиляции тем Чайковского. Дорога проторенная: вспомним хотя бы «Кармен-сюиту» Бизе-Щедрина. Но успех полувековой давности повторить, на мой взгляд, не удалось. Если тогда постановщики сохранили идею именно Бизе, поднявшего криминальную хронику Мериме на уровень великой драмы любви и свободы, то теперь авторы спектакля вернулись от грандиозногозамысла Чайковского к камерному анекдоту Пушкина. Который, при всем благоговении перед Александром Сергеевичем, так и остался бы остроумным анекдотом, если б Петр Ильич не переосмыслил его в одну из величайших музыкальных трагедий. Но если мы возвращаемся к Пушкину, зачем тогда тяжелая артиллерия страстей Чайковского и следующая из нее пафосная многофигурность спектакля, рядом с которой меркнет, мне кажется, даже известная своим сценическим многолюдьем «Война и мир» Прокофьева?

В Нижнем все вышло, по моему убеждению, гораздо гармоничнее. Два компактных акта – 43 и 33 минуты. Народу на сцене – едва ли четверть от того, что мы видели в Москве, а эффекта инфернальной феерии как минимум не меньше. И ее корни – в музыке, в характерном умении Красавина (слегка «подсказанном» Шостаковичем и Шнитке) так подретушировать давно знакомые классические ритмы вальсов, галопов, мазурок, сарабанд и прочего, что они обретают остро современное, притом графически прозрачное, свободное от форсажа звучание, которое с тактом и темпераментом уловил один из лучших наших дирижеров Федор Леднев. А развили это в мрачную фантасмагорию еще два питерца – хореограф Максим Петров, опытный в танцевальной транскрипции жестко ритмованной музыки («Золотая маска» за «Русские тупики» Настасьи Хрущевой), и режиссер Антон Морозов – один из учеников и единомышленников авангардиста Андрея Могучего.

Все, что мы видим, можно разделить на два плана: первый – это сольные и дуэтные переживания Германна и Лизы в их каморках по бокам сцены, куда периодически властно вторгается царственно-чопорная Графиня, поначалу страшащая героя, но постепенно вытесняющая из его чаяний бедную юную девушку. Второй – бесконечные балы, происходящие то в роскошном пространстве деревянной резьбы и зеркал, приоткрывающемся время от времени за невзрачной выгородкой, то «вламывающиеся» прямо в комнатку Германна, будто происходя в больном воображении несчастного инженера (сценография Альоны Пикаловой, костюмы Татьяны Ногиновой). Рисунок танца, особенно главных героев (я видел состав с Германном – Максимом Просянниковым и Лизой – Маюкой Сато), по большей части классичен, в частности в дуэтах с эффектнымнабором поддержек;жесты Распорядителя, он же Сен-Жермен, он же переигравший Германна Чекалинский (Андрей Орлов), говорят о натуре провокатора, а исполнительнице роли Графини приме Большого театра Марии Александровой чудесным образом удается быть убедительной и в ипостаси юной светской львицы, и в облике «осмидесятилетней карги», которая, впрочем, танцует по-прежнему совершенно, только с микроскопической заостренностью движений – мастерски смоделированным знаком возраста.

В принципе в таком контексте можно было бы обойтись совсем без Чайковского – но Красавин делает красивый жест в сторону Петра Ильича, про которого забыть при словах «Пиковая дама» все равно невозможно. Это три короткиеметко подобранные цитаты. Две – из хрестоматийного Первого концерта: болезненно вопрошающие струнные в эпизоде смерти Графини и «стреляющий» валторновый клич, которым начинаются все конкурсы Чайковского – им Германн «убивает» двух первых соперников по игре. Третья цитата возникает, когда перед ним вместо загаданного туза объявляется дама пик: это легкомысленнаяполечка из Детского альбома, уже не отпускающая нас до конца спектакля и своей незамысловатостью подчеркивающая фарсовый трагизм финала с окончательно свихнувшимся героем, беззвучно твердящим «тройка – семерка - туз».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 27517
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июн 14, 2024 8:48 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2024061402
Тема| Балет, театр "Новая опера" им. Е. В. Колобова, "Балет Москва", Премьера, Персоналии, Игорь Стравинский, Павел Глухов, Николай Попов
Автор| корр.
Заголовок| В "Новой опере" пройдет премьера балета "Свадебка"
Хореографом-постановщиком спектакля выступил Павел Глухов

Где опубликовано| © ТАСС
Дата публикации| 2024-06-14
Ссылка| https://tass.ru/kultura/21094113?
Аннотация| Премьера

Столичный театр "Новая опера" им. Е. В. Колобова и "Балет Москва" представят балетную премьеру "Свадебка. Русские хореографические сцены с пением и музыкой" Игоря Стравинского, посвященную сто первой годовщине со дня первой постановки в Les Ballets Russes. Автор музыкальной концепции Николай Попов обрамил 25-минутную партитуру композитора прологом и эпилогом, а хореографом-постановщиком спектакля выступил Павел Глухов, сообщили ТАСС в пресс-службе "Новой оперы", где и пройдет постановка 14 и 15 июня.

Композитор Николай Попов предложил трехчастную форму произведения, центральное место в котором занимает "Свадебка" Стравинского, а первая и третья части - пролог и эпилог к главному высказыванию. Так, обрамляя основную часть спектакля, музыка Попова прокладывает метафорический мостик в русскую старину XIX века и к идеям Стравинского - важнейшего новатора музыки XX века, рассказали в пресс-службе, отметив, что таким образом "формируется сквозная идея, объединяющая различные по времени создания и эстетике музыкальные пласты".

В прологе к спектаклю задействован фольклорный ансамбль Hodila Izba. "Мне также показалось, что было бы хорошо показать первоисточник, откуда эта музыка произошла, то есть аутентичную русскую песню, поэтому мы задействуем фольклорный ансамбль. Вокалисты исполняют аутентичную музыку не в академической манере, а в той, как ее пели в деревнях. Помимо прочего, голоса еще и обрабатываются в реальном времени", - передает пресс-служба слова Попова.

Музыкальный руководитель постановки, дирижер Дмитрий Волосников, который работает с партитурой Стравинского с 2000 года, отметил, что в "Свадебке" Стравинского "музыкальная жизнь начинается резко", а новый пролог Попова "подготавливает для зрителя партитуру" композитора. "Интересно и продолжение "Свадебки": завершающие свадебные колокола, которые переходят в эпилог. Мне в русской музыке нравится колокольность. Если есть колокола, значит, эта музыка очень правильная, причем это не обязательно церковная музыка. Колокола - это часть русской души. Мы расширили роль колокольного звука для "Свадебки". У Стравинского колокола будто спрятаны, а мы их вывели на передний план", - добавил он. Как отметили в театре, в этой постановке дирижер впервые будет сидеть в зрительном зале. "Это будет проба, эксперимент, в котором нужно будет соблюсти баланс, что непросто. Механические инструменты играют автономно, а ударные и фольклорный ансамбль будут смотреть на меня. В самой "Свадебке" похожее распределение функций - и это, конечно, высший пилотаж", - поделился дирижер.

О работе хореографа-постановщика

Павел Глухов находит родственные спектаклю темы в сюжете пьесы "Гроза" Александра Островского. "Обрядовость свадебного ритуала, его ригидность, незыблемость становятся не прямой рифмовкой двух произведений, а объединяющей темой столкновения традиции и живого человеческого чувства, которая актуальна сейчас - и всегда", - сказали в пресс-службе. Структурно за сюжет Островского отвечают пролог и эпилог, но "не напрямую, а через игру со временем". Так, зритель оказывается в том моменте "Грозы", когда Катерина падает в воды волжского омута и "в ее угасающем сознании мелькают воспоминания о свадьбе, о теплоте родительского дома, о предопределенности судьбы и горечи любви". Вдохновляется Глухов русский фольклорным танцем. "Я сам в детстве танцевал и курские Тимони, и рязанские Змейки, позже изучал русский областной танцевальный фольклор во время учебы, этот материал во мне есть. В танце из него должна произрасти конкретная дивертисментная структура. При этом сложные и странные ритмы Стравинского и некая угловатость движения, дискоординация, возможно, даже нерациональность, которые есть в моей лексике, органично складываются вместе; мне не нужно выдумывать это соединение, оно образуется само собой", - сказал хореограф-постановщик. Он также отметил, что в его постановке хор "не только воспроизводит музыкальный материал, но и становится персонажем спектакля". "Через хор мы показываем фольклорный пласт, фольклорную линию этого произведения, имея в виду поведение людей внутри обряда. Хор здесь выступает некой родительской, взрослой частью социума. Этакими старшинами. А танцовщики - в роли молодежи, в роли тех, чью жизнь сейчас будут выстраивать, налаживать, конструировать как нечто заведомо ясное", - пояснил он.

Как отметили в пресс-службе, художник по костюмам Светлана Тегин в визуальном воплощении спектакля отталкивалась от исторических референсов - фото крестьян Нижегородской губернии второй половины XIX века. За сценографию отвечает - Лариса Ломакина, видеохудожник - Алексей Бычков.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 27517
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июн 14, 2024 9:02 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2024061402
Тема| Балет, Красноярский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Юлиана Малхасянц
Автор| Любовь Лаврушева
Заголовок| Поставленный в Красноярске балет "Корсар" стал пиршеством танца и музыки
Где опубликовано| © «Красноярский рабочий»
Дата публикации| 2024-06-14
Ссылка| https://krasrab.ru/news/kultura/38400
Аннотация| Премьера

Классическая часть репертуара красноярской балетной труппы в конце мая пополнилась новым спектаклем - "Корсаром". Это второе обращение нашего театра оперы и балета - спустя несколько десятилетий - к одному из наиболее значительных явлений в истории жанра.



Московский хореограф Юлиана Малхасянц, талант, эрудиция и фантазия которой в полной мере проявились ранее в таких спектаклях, как "Князь Игорь", "Катарина", "Лакме", вновь подарила сибирской публике великолепную, без преувеличения, постановку.

Не выходя за рамки классической лексики и бережно сохранив в ряде номеров танцевальный рисунок легендарного Мариуса Петипа, Малхасянц создала собственную хореографическую редакцию. В ней все движения танцовщиков осмысленно связаны между собой и с музыкой, тонко выстроены пантомимные мизансцены. А как режиссёр Юлиана Геннадьевна драматизировала образ Медоры - главной героини балета.

И ещё она превратила старца Сеид-пашу в молодого красавца. На то есть несколько причин. Внешняя привлекательность Сеид-паши подчёркивает силу чувства Медоры к её избраннику - корсару Конраду: никакие соблазны не могут заставить эту отважную девушку отказаться от мечты о воссоединении с любимым. Кроме того, в данной режиссёрской версии наложница Сеида Гюльнара стремится обратить на себя внимание повелителя не из корысти, а по причине большой любви к нему.

Замысел Ю. Малхасянц нашёл явный отклик в сердцах всех участников спектакля. Создаётся впечатление, что солисты и кордебалет чувствуют её хореографию на уровне рефлексов.

Одинаково хороши в роли Медоры Екатерина Булгутова и Анна Кудрявцева (Федосова). Обе очень естественны как в лирических сценах, так и в трагедийном эпизоде, когда Медора принимает глубокий сон Конрада за его смерть и отчаянно сопротивляется намерению коварного корсара Бирбанто отдать её работорговцу Ланкедему. Особая трепетность, эмоциональная наполненность проживаемого Булгутовой и Кудрявцевой образа вольнолюбивой гречанки берут зрителей в плен в буквальном смысле этого слова.

Определение "танцующая актриса" как нельзя лучше подходит и Олесе Алдониной в роли Гюльнары. Пластическая речь этой балерины редкостно выразительна. Женский шарм её героини, претендующей на положение главной жены Сеид-паши, в конце концов помогает обольстительнице пленить его.

Виртуозное мастерство, поставленное на службу наиболее полного воплощения задуманного хореографом-режиссёром, присуще и исполнителям центральных мужских ролей. Юрий Кудрявцев до сих пор был известен публике как прекрасный, поэтичный лирический танцовщик. Своим выступлением в роли лидера среди корсаров он доказал, что ему подвластна и героическая партия.

Георгий Болсуновский, обладающий геном безмерной самоотдачи на сцене, в разных исполнительских составах прекрасен в ролях как благородного Конрада, так и предавшего его лицемерного Бирбанто.

Ответственные партии доверены и целому ряду совсем молодых солистов. Пока они сосредоточены (что вполне естественно) прежде всего на технической стороне. Но и Анастасия Нигматулина, и Елена Михеечева (обе в партии Гюдьнары), и Олексий Скалюн (Бирбанто), и Руслан Аболмасов (Раб) очень перспективны.

В эффектном, соответствующем стилю классического "большого" балета, художественном оформлении "Корсара" проявился изысканный вкус декоратора Марии Высотской и Натальи Земалиндиновой, по эскизам которой пошиты костюмы.

Равноправным участником действия является оркестр под управлением талантливого энтузиаста Эдьдара Нагиева. По давным-давно сложившейся традиции, в "Корсаре", наряду с музыкой А. Адана, звучат также опусы целого ряда других композиторов. В том числе таких знаменитостей, как Р. Дриго, Ц. Пуни, Л. Делиб. И Э. Нагиеву пришлось провести огромную работу, чтобы музыкальное сопровождение не воспринималось, как лоскутное одеяло.

Маэстро говорит, что он поставил перед собой задачу сделать музыку не менее значимым компонентом спектакля, нежели танец. И с этой задачей Нагиев справился блестяще!

Фото Евгения Корюкина.

Красноярск.

============================================================================
ФОТОГАЛЕРЕЯ - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 27517
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июн 14, 2024 8:27 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2024061403
Тема| Балет, Большой театр Беларуси, Персоналии, Людмила Хитрова, Юрий Ковалев, Антон Кравченко
Автор| Ольга Ропот
Заголовок| Белорусский балет в портретах. Артисты Большого рассказали об отдыхе и поделились секретами успешной работы
Где опубликовано| © агентство «Минск-Новости»
Дата публикации| 2024-06-14
Ссылка| https://minsknews.by/belorusskij-balet-v-portretah-artisty-bolshogo-rasskazali-ob-otdyhe-i-podelilis-sekretami-uspeshnoj-raboty/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В мае на VOKA вышел документальный четырехсерийный проект «Большое искусство», посвященный балетным постановкам Большого театра Беларуси. В каждой серии — об истории создания спектаклей, о работе артистов, танцующих главные партии, и даже о том, какие музыкально-танцевальные формы они выполняют, — своего рода визуальный словарик. Но какие артисты в обычной жизни, за кадром? Корреспондент агентства «Минск-Новости» встретилась с заслуженными артистами Республики Беларусь Людмилой Хитровой, Юрием Ковалевым и народным артистом Беларуси Антоном Кравченко, чтобы узнать о том, как они отдыхают и судьба каких героев производит на них наибольшее впечатление.

Людмила Хитрова. Коронованная балерина


Людмила Хитрова, заслуженная артистка Республики Беларусь

— Как вживаетесь в образ? Что помогает прочувствовать героя? И судьба какого персонажа — Жизель или Джульетты — производит на вас наибольшее впечатление?

— Репертуар у меня разнообразный, и он продолжает пополняться такими партиями, о которых я никогда не мечтала! И даже не думала, что характеры некоторых героев «живут» во мне… Пару месяцев назад состоялась моя премьера в «Кармен-сюите» Валентина Елизарьева. Во время подготовки впитывала информацию как губка: много читала, слушала музыку — она подсказывает некоторые нюансы… В создании образа помогают и педагоги. Это большая кропотливая работа. Мой педагог Татьяна Ершова последние несколько месяцев часто повторяет фразу: «Люда, ты такая счастливая балерина! Посмотри, ты станцевала все!»

Многие юные балерины мечтают станцевать в «Лебедином озере». В моем вишлисте его никогда не было. Во время учебы в Нижегородском театральном училище я мечтала о Джульетте — сюжет интересный, и музыка Прокофьева нравится. В Минске, наконец, желание исполнилось. Но в личной жизни начали происходить ситуации, из-за которых стало очень сложно переживать эти сильнейшие эмоции на сцене. У меня был перерыв. Спустя два года поняла, как соскучилась по «Ромео и Джульетте».

В нашей профессии важен, во-первых, внутренний мир артиста и, во-вторых, жизненный опыт. Как можно показать страдания, если в жизни ничего подобного не испытывал?..



— Поделитесь секретами: как эмоционально не выгорать и поддерживать себя в прекрасной физической форме? Как расслабляетесь, отдыхаете?

— Разрядиться и переключаться после спектакля помогает мой ребенок. Ему важно, что мама пришла домой и что сейчас мы вместе поиграем в прятки. В теплое время года люблю пешие прогулки. В юные годы предпочитала места, где много движения — пр. Независимости, шумные улицы. Сейчас же — прогулки в парках, поближе к природе. Живу недалеко от Цнянского водохранилища и часто выезжаю туда. Это вдохновляет. Даже какое-то спокойствие появляется внутри…

Когда была в положении, мне, видимо, так не хватало творчества, что я начала плести короны, диадемы из проволоки, стразовой ленты и кристаллов Сваровски. Сплела их себе на все партии, ведь на сцене хочется выглядеть красивой! Внешний вид — 80 % успеха. Педагог-репетитор Людмила Бржозовская, недавно ушедшая из жизни, всегда трепетно относилась к подготовке образа: вплоть до пробора на голове, сережек, ногтей. Она помогала балеринам в совершенном виде выйти на сцену. Правду говорят: второго шанса произвести первое впечатление не будет. Это действительно так!

— Балет — классический вид искусства. Однако всегда есть место новаторству. Достаточно вспомнить балет «Шехеразада», который впервые показали в рамках Русских сезонов Дягилева в Париже. Декорации и костюмы создал Лев Бакст, которые произвел фурор среди парижской буржуазии. Созданные им по восточным мотивам костюмы вызвали культурный шок, а в целом дягилевская «Шехеразада» оказала влияние на мир моды и ювелирного искусства начала ХХ века. А чем сегодня можно впечатлить публику? Как вы считаете, что нового, оригинального можно предложить балету?

— Я не поклонник современного подхода в балете. Думаю, все придумано до нас и, наверное, не всегда надо удивлять. В каждом спектакле должно быть нечто тонкое, трогающее душу каждого человека. Ведь недаром «Лебединое озеро» и «Спящая красавица» так долго живут!

— Балет — элитарный вид искусства. И если взрослому (в идеальном варианте) нужно иметь представление о литературной основе, композиторе и музыке, то ребенку охватить такое количество образов сложно. Как объяснить ребенку простыми словами, что такое балет?

— Существует ограничение по возрасту. В детских спектаклях, например, «Конёк-Горбунок» более простая, легкая для восприятия музыка, яркие, сказочные декорации, танцы не перегружены. Конечно, можно заранее подготовиться: прочесть книгу, объяснить, кто такой Конёк-Горбунок. А начать лучше с самого простого — «Три поросенка». Помню, знакомые разволновались, спросили: «А если мой ребенок будет выкрикивать?» Там все можно! И разговаривать, и танцевать.



— Какие литературные произведения белорусских или зарубежных авторов вам хотелось бы «перевести» на язык этого вида искусства?

— Я недавно стала мамой — уже с ранних лет стараюсь прививать ребенку любовь к искусству. Хочется, чтобы поставили спектакли по диснеевским мультфильмам: «Винни-Пух», «Русалочка», «Супермен»… В Лондоне, например, идет спектакль «Алиса в Стране чудес». Он пользуется огромным успехом как среди взрослых, так и детей!


Юрий Ковалев. С юмором по жизни


Юрий Ковалёв, заслуженный артист Республики Беларусь

— Как вживаетесь в образ? Судьба какого героя — Тибальда в «Ромео и Джульетте», Золотого раба в «Шехеразаде» или Михаила Глинского в «Анастасии» — производит на вас наибольшее впечатление?

— Каждая из ролей очень дорога мне, поэтому не могу выделить любимую. Образ Михаила Глинского создан с чистого листа — и тем интересен, Шахрияр в «Шехеразаде» — попытка найти себя в этой роли, а Тибальд — одна из самых больших актерских удач на этой сцене.

В первую очередь, все отталкивается от моего «я». В дальнейшем партия дорабатывается мной и балетмейстером.



— Поделитесь секретами: как эмоционально не выгорать и поддерживать себя в прекрасной физической форме? Как расслабляетесь, отдыхаете?

— Высыпаться. Не унывать. С юмором относиться к различным жизненным обстоятельствам. Хотя иногда бывает тяжело справляться с вызовами, которые нам бросает профессия.

У меня есть семья, маленькая дочь: как с ней поиграю, так моя жизнь начинает играть яркими красками! Я же еще и дом строю — это тоже помогает переключаться. Что еще помогает отвлечься от работы? Не поверите, но я обожаю компьютерные игры. Моя любимая — «Ведьмак-3». Одна музыка чего стоит!

— Какая фраза вам помогает идти по жизни легко?

— Фраза моего дедушки: «Рабі добра — і будзе добра». Обычные слова, но столько мудрости в них!

— А чем сегодня можно впечатлить публику? Как вы считаете, что нового, оригинального можно предложить балету?

— Сегодня удивить публику намного сложнее, чем в те времена. Тем более балет из общественного сознания вытеснен кино и интернетом. В начале ХХ века артистов балета Дягилева, думаю, можно сравнить с современными звездами Голливуда. Их обожали поклонники, они входили в элитные круги общества, а это уже — другая история.

— Какой подход вам нравится в большей степени: реконструкция постановки или постановки со свободной трактовкой, свободным танцем?

— Во всем есть свои плюсы. В восстановленном спектакле артисту нужно попасть в рамки, а в создаваемом новом, наоборот, вырваться из них. Сейчас мне приносит удовольствие танцевать балет «Иллюзии Любви» — ничего подобного я еще не изображал.

— Как объяснить ребенку простыми словами, что такое балет? Как привлечь его к этому виду искусства?

— Не мучить ребенка. Не приводить его на спектакли для взрослых. Хорошая идея — это когда дети танцуют для детей. Помните, советские «Красную Шапочку», «Буратино»?..


Антон Кравченко. Счастливец с силой воли


Антон Кравченко, народный артист Беларуси

— Как вживаетесь в образ? И судьба какого героя — Ромео, Семена, Золотого раба или Ганса — производит на вас наибольшее впечатление?

— Каждая из ролей интересна по-своему тем, что я могу показать свою многогранность как артист. Даже когда, казалось бы, танцую много лет, все равно каждый раз стараюсь станцевать спектакль по-новому. Больше всего люблю играть сильных героев.

— Поделитесь секретами: как эмоционально не выгорать и поддерживать себя в прекрасной физической форме? Как расслабляетесь, отдыхаете?

— В конце сезона все выгорают. Скучно бывает, рутина есть — но так в каждой профессии. А как себя поддерживать? Сила воли. Артист балета каждое утро занимается одним и тем же. Становится к станку и делает урок классического танца. Представьте, какую силу воли нужно иметь, чтобы ходить на протяжении 30 лет в балетный зал?! Каждый день нужно преодолевать себя, делать больше и лучше, чем сделал вчера. Только так возможен рост.

Когда впервые станцевал ведущую партию в «Спартаке», сам себе сказал: «Больше никогда не буду это делать! Никогда!» Ужасные физические нагрузки! А потом… время проходит, думаешь: «Вроде нормально. Живой еще».

Балет — неосязаемый вид искусства, созданный продукт — спектакль — невозможно потрогать. Станцевал, выключили свет, закрыли занавес — и все. И ничего нет! А завтра опять нужно доказывать, что ты что-то можешь… И так каждый день.

После спектакля всегда говорят замечания, что было не так. Хвалят очень редко.

— Наверное, это неправильный подход. Зачем всегда критиковать?

— Иначе не будет лучше. Не будет роста. Поэтому целеустремленность, сила воли и уверенность в себе помогают не унывать и продолжать делать то, что делаешь.

— А есть ли такие артисты, которые из-за критики бросили балет?

— Да, некоторые не справляются с огромной нагрузкой.



— Вы везунчик?

— Вы даже не представляете, насколько должно везти на протяжении жизни, чтобы дойти до этого места, где я сейчас нахожусь. Это череда случайностей, удачи, подкрепленные огромной физической работой, стараниями и отдачей. Вплоть до самопожертвования. В некоторых спектаклях нагрузка такая, что ощущается привкус крови во рту. А со стороны кажется, что это легко…

— А чем сегодня можно впечатлить публику? Как вы считаете, что нового, оригинального еще можно предложить балету?

— Недавно был поставлен балет «Иллюзии Любви». Костюмы для спектакля создала в том числе Людмила Тараканова. Думаю, некоторые зрители, увидя его, захотят приобрести уникальные вещи у белорусского дизайнера. Я считаю, что искусство отражает действительность, а не наоборот.

— Как объяснить ребенку простыми словами, что такое балет? Как привлечь его к этому виду искусства? И как наслаждаться постановкой неподготовленному зрителю?

— Балет — музыка, отраженная в красоте линий. Ребенок, возможно, не поймет. Но фраза хорошо описывает то, чем мы занимаемся. До поступления в колледж посмотрел всего два балета — «Спящая красавица» и «Лебединое озеро». Но меня они не впечатлили…

Неподготовленному зрителю лучше выбрать недлинные эмоциональные спектакли с красивой музыкой — «Иллюзии Любви», «Анна Каренина», «Шехеразада». Сядьте поближе. Смотреть издалека — для больших ценителей, гурманов, которые наблюдают за синхронностью исполнения и другими нюансами.

Четырехсерийный (продолжительность каждой серии — 30 минут) проект «Большое искусство» о закулисье, работе артистов и творческой группы, а также о создании балетных постановок Национального академического Большого театра оперы и балета Республики Беларусь можно посмотреть бесплатно в онлайн-кинотеатре VOKA после авторизации по номеру мобильного телефона.


Фото предоставлены Большим театром Беларуси

===========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 27517
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июн 14, 2024 9:35 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2024061404
Тема| Балет, Театр балета им. Леонида Якобсона, Премьера, Персоналии, Самодуров Вячеслав
Автор| Екатерина БЕЛЯЕВА
Заголовок| Премьера балета Вячеслава Самодурова «598 тактов» на музыку Карла Филиппа Эммануила Баха
Один день из жизни либертина
Где опубликовано| © «Музыкальное обозрение»
Дата публикации| 2024-06-14
Ссылка| https://muzobozrenie.ru/premera-baleta-vyacheslava-samodurova-598-taktov-na-muzyku-karla-filippa-emmanuila-baha-v-teatre-baleta-imeni-leonida-yakobsona/
Аннотация| Премьера


Сцена из балета «598 тактов». Фото Стас Левшин / Театр балета им. Леонида Якобсона

Новый спектакль стал частью вечера, который открывался «Озорными частушками» Щедрина, подношением театра к 90-летию композитора, также в хореографии Самодурова (премьера прошла на сцене Мариинского театра в декабре 2022 в рамках юбилейного концерта). А во втором отделении были показаны хореографические миниатюры Якобсона «Роден», собранные самим хореографом в одноактный балет с традиционной заставкой и финалом, когда все персонажи несколько секунд мелькают в луче прожекторов как в витрине.

Вспоминая «Малявинских баб»

Когда отечественные хореографы берутся за тот или иной музыкальный материал, часто выясняется, что на эту музыку уже ставил балет Леонид Якобсон. В начале 70-х годов прошлого века, когда он создал свой театр, хореограф искал как короткие и емкие музыкальные произведения из мирового репертуара для миниатюр, так и новые сочинения композиторов современников — Родиона Щедрина, Бориса Тищенко, Александра Кнайфеля, Сергея Баневича и других, которые писали относительно не длинные пьесы. Концерт для оркестра Родиона Щедрина «Озорные частушки», написанный в 1963 в период увлечения композитора фольклором, длится всего девять минут. Уже в середине 60-х годов на сцене Мариинского театра появилось его танцевальное воплощение: Леонид Якобсон сочинил миниатюру «Озорные бабы» (другое название «Малявинские бабы»), но ее хореография не сохранилась. Музыку концерта также использовали российские фигуристы Людмила Пахомова и Александр Горшков при создании уникальной программы с фольклорными элементами. В 1970 был снят фильм-балет «Озорные частушки» с участием артистов балета Большого театра Вячеславом Гордеевым, Ниной Сорокиной, Юрием Владимировым, Татьяной Попко, Александром Богатыревым, Людмилой Власовой и Галиной Козловой. Хореографию к фильму сочинила балетмейстер и кинорежиссер, солистка Большого театра Наталья Рыженко. Этот фильм сохранился и он по сей день вызывает гомерический хохот у всех смотрящих.


Сцена из балета «Озорные частушки»

Вячеслав Самодуров, для которого идеальным временем для сочинения одноактного балета являются двадцать минут, удлинил балет за счет того, что музыка в его спектакле была исполнена дважды – сначала концерт прозвучал в редакции для фортепиано, затем в своем оригинальном виде — для оркестра. Хореограф позвал в свою команду художников, с которыми он уже не раз работал — художником по декорациям и костюмам выступила Анастасия Нефедова (главный художник Электротеатра Станиславский, оформляла в Урал Опере балет «Конек-Горбунок», там же выступила художником по костюмам в балете «Приказ Короля» Королева, в Большом театре была художником по костюмам в балете Красавина «Танцемания»), а художником по свету Сергей Васильев (“Sextus Propertius” Сысоева в Урал Опере, «598 тактов» в Театре балета имени Якобсона).

Для первой встречи с артистами петербургского театра, где как и при Якобсоне труппа не делится на солистов и кордебалет, Самодуров придумал своеобразную командную игру на выносливость. В первой части семеро танцовщиков, одетые в яркую стильную одежду для contemporary dance, упражняются в ловкости, гибкости, выворотности, умении вращаться, прыгать, приседать в плие. Готовясь к некоему соревнованию, который в балетах нередко присутствует и именуется на греческий манер «агоном», экзальтированные участники-солисты до изнеможения отрабатывают свои будущие выходы, но видно, что агон будет не слишком рафинированный и скорее шуточный. Композиционное построение этих подготовительных к чему-то непонятному мини-выступлений одиночек, пар или групп танцовщиков продиктовано музыкой, задающей быстрые темпы. Музыкальные инструменты, для которых Щедрин написал интересные соло, вступают во второй части, когда в команду натренированных солистов добавляются новички, и на сцене двигаются одновременно уже девятнадцать человек. Понятно, что хореограф сочиняет частушки из цеховой балетной практики, когда многократно повторяемое движение смотрится в итоге комично, глупо, несуразно, и тот, кто его делает, становится участником веселой сценки. Смешными героев делает также художественное оформление балета, когда в какой-то момент выясняется, что стильные витражи сделаны из тряпочек, а расцветка этих тряпочек близка цветовой гамме модных спортивных нарядов артистов. Сразу вспоминаются и цветастые платки малявинских баб и «веселенький ситчик» из советского универмага, но сам балет воспринимается как оммаж Якобсону, который всегда находился в агоне с унылой действительностью.



Балетное чаепитие

В своем втором балете для Театра имени Якобсона Самодуров развивает дальше тему внедрения брутальной балетной эстетики в размеренный уклад жизни. Работа получилась этапной – хореограф репетировал и выпускал новый балет уже не будучи обремененным ответственностью худрука балета в Екатеринбурге. В статусе свободного художника Самодуров выступает с начала сезона 2023/24. Он выбирает Концерт для фортепиано и струнного оркестра ре минор Карла Филиппа Эммануила Баха, того самого младшего Баха, чье творчество оказало влияние на Моцарта. В спектакле присутствуют непривычные для Самодурова жесткие декорации, которые были изготовлены по эскизам Елены Трубецковой, прежде работавшей только с костюмами. Именно она стала создательницей пресловутых облегающих, но не бесшовных купальников, трико, маек и трусов телесного цвета для концептуальных спектаклей Самодурова последних лет. С помощью этих костюмов артисты оказываются равно защищенными (от нападок ханжей) и беззащитными, так как костюмы негласно символизируют наготу. В балете «598 тактов» группа солистов врывается в некое структурированное пространство, где чинно и неторопливо двигаются люди в напудренных париках, одетые по классицистской моде XVIII века. Они выносят стулья, вазы, приборы для чая. Происходит негласный конфликт систем: дисциплинированные по определению балетные танцовщики здесь — в рутинной атмосфере салонного обряда — выглядят группой нарушителей спокойствия, чуть ли не либертинами. Знатные господа из XVIII века любили похулиганить при закрытых дверях, не слишком стесняясь лакеев и слуг, однако внешне соблюдая правила приличия. Пока лакеи выполняют свои должностные обязанности, дворяне устраивают тайные свидания, притворяясь, что зашли в комнату попить чай-кофе или посидеть отдохнуть.


Сцена из балета «Роден»

Обстановка балета Самодурова чем-то напоминает спектакли Килиана, Дуато и Прельжокажа, построенные на путешествии в эпоху париков и кринолинов. Хореографы вовлекались в эту игру, выбирая музыку Моцарта и Баха. Но задачи у таких путешествий во времени у всех хореографов были разные. Килиан («Шесть танцев», «Маленькая смерть») создавал балет-шутку, Дуато («Многогранность. Формы тишины и пустоты») любовался формой музыкальных инструментов и красотой партитур, Прельжокаж в балете «Парк» отправлял археологов на раскопки реальной истории любви, которая случилась где-то на перепутье XVII и XVIII веков в знаменитом французском дворцово-парковом ансамбле.

Самодурова часто на создание балетов вдохновляют цифры, как и случилось в этот раз: он назвал спектакль по количеству тактов в партитуре концерта Баха, — но не только. Хореограф ограничивает время действия балета одним днем, и чтобы показать это, он вместе с художником по свету Сергеем Васильевым, ориентирует зрителя с помощью разных способов освещения: от яркого солнечного света до тусклого света канделябров, которые ближе к концу спектакля выносят все те же лакеи. Чтобы найти свою правильную пару и осуществить желаемую поддержку, солисты проделывают любимые Самодуровым «комплекты» движений, включающие вращение и прыжки. Интенсивность этих движений, которые приводят героев к желаемой цели — интимному свиданию, зависят только от музыки. Медленные эпизоды артисты используют для короткого отдыха и имитации размеренного образа жизни.

С балетом «598 тактов» Самодуров вплотную приближается к эстетике роденовских миниатюр Якобсона, в которых значима музыка и видимы слегка подсвеченные тела артистов. Когда хореограф начал работать в Екатеринбурге, он привел с собой постановочную команду, его первый балет «Amore buffo2 был буквально заставлен декорациями, а артисты наряжены в сложные костюмы. Сегодня, работая с коллегами в одном проекте, он отказывается от агрессивной световой партитуры, которую может написать, например, Константин Бинкин, и от сценографа с авторским видением: несколько предметов реквизита нужной формы создает для балета модельер Елена Трубецкова. Любопытно, по какому пути пойдет Самодуров дальше. В мировой практике есть великолепный пример Джона Ноймайера, который не будучи художником, выступает автором концепции оформления почти всех своих балетов последние двадцать лет.

«598 тактов» очень быстро заканчивается, и как будто на самом интересном месте. Продолжение, возможно, следует. У Театра балета имени Якобсона есть намерения и дальше сотрудничать с Вячеславом Самодуровым.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 27517
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Июн 15, 2024 4:21 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2024061501
Тема| Балет, Самарский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Юрий Бурлака
Автор| Виолетта Майниеце
Заголовок| Французские раритеты на берегах Волги
Где опубликовано| © Интернет-версия журнала "Балет"
Дата публикации| 2024-06-15
Ссылка| https://balletmagazine.ru/post/vechera-samara-premier
Аннотация| Премьера

Каждый сезон Самарский театр оперы и балета предлагает балетным гурманам изысканное хореографическое меню: то приготовит по старинным рецептам полнометражного «Дон Кихота» без обидных, часто неуместных, купюр; то покажет такую диковинку, как масштабную «Раймонду» в редакции Александра Горского, давно забытую в родном Большом театре. А в эти жаркие июньские дни театр угостил публику элегантными, искристыми, как шампанское, французскими шедеврами конца ХIХ — начала ХХ века.



В эксклюзивное балетное меню на этот раз вошли «Два голубя» (1886) Андре Мессаже в постановке Луи-Александра Меранта и «Праздничный вечер» (1925) Лео Стаатса на музыку Лео Делиба. Они появились в Самаре благодаря хореографическому архивариусу мирового класса Юрию Бурлака и его колоссальным знаниям, преданной любви к танцевальной старине. Хореограф планомерно возрождает из небытия лучшее, что есть в русском и зарубежном балете. Ценит не спортивные рекорды (чем все увлекаются), а элегантную виртуозность, музыкальность, танцевальность, столь редкие в наши дни.

Скрупулезно работая с педагогами, репетиторами, артистами, этот въедливый мастер танцевального чистописания и реставратор исторических шедевров добился поразительных результатов. Разношерстная по школе и составу труппа смотрится стилистически единым ансамблем с хорошим вкусом и полным отсутствием провинциализма.

Самарские премьерные спектакли — антикварные раритеты, не утратившие свою привлекательность и ценность. Не беда, что старинные сюжеты порой несуразно наивны. Они служили лишь поводом для ажурных, музыкальных танцев, «вышитых» на сцене ловкими ножками балерин, премьеров, корифеек, кордебалета. В них много женственности и галантности. Такое зрелище, подобно старинной музыке и картинам, уводит зрителей в волшебный мир фантазий и грез, позволяя наслаждаться изысками многих полузабытых па.

Бессюжетный «Праздничный вечер» и условно сюжетные «Два голубя» — прелестные шедевры французской хореографии, хотя сама Франция их не очень ценит. Они редкость в репертуаре столичного театра и школы. Французы (в отличие от англичан) небрежны к собственному славному прошлому. Они запросто бросили «за борт истории» весь свой романтический репертуар («Сильфиду», «Жизель», «Пахиту», «Корсара» и др.). С грехом пополам сохранили «Коппелию», весьма условно — «Двух голубей». Зачем беречь такое старье? Театр не Лувр. Нужнее современные новинки (пусть даже однодневки) и спорные редакции русской классики, созданные в Париже Рудольфом Нуреевым. Они основа репертуара Парижской оперы. О вкусах не спорят — каждому свое.

Два самарских премьерных балета у нас почти неизвестны. Лишь однажды (лет 25 назад) знаток старины, хореограф Пьер Лакотт, привозил «Праздничный вечер» в исполнении Балета Нанси. Есть его видео с артистами Парижской оперы. А вот «Двух голубей» знают редкие профессионалы и любители. В основном благодаря старой записи спектакля школы Парижской оперы с будущей суперзвездой Сильви Гиллем в главной партии Гурули.

Еще зимой Юрий Бурлака мне сказал: «Знаешь, на что мы в Самаре замахнулись? На «Праздничный вечер» и «Двух голубей»!

Сказано — сделано. Сюита из последнего балета была показана еще на гала-концерте школы силами учеников и выпускников. Как и «Подводное царство» из «Конька-Горбунка» Александра Горского, сочинившего свои «водные фантазии» по мотивам долго работавших в России французов — Артура Сен-Леона и Мариуса Петипа.

В едином ритме живут школа и труппа. Занимаются дети в здании театра, как когда-то под крышей Парижской оперы ютились маленькие «балетные крысята» (так называли парижских учеников). Они активно включены в общий театральный процесс. Знают, видят, понимают, к чему стремиться. Много участвуют в спектаклях, даже во взрослом репертуаре. На концерте они смело демонстрировали свои профессиональные навыки и умения. Учащиеся красиво одеты. Их костюмы стилизованы под старину. Особенно запомнились белые медузы с волнистыми оборками наподобие щупальцев, а также морские звезды в роскошных больших пачках. На успех обречен номер «Океан и жемчужины» в исполнении бывших выпускников училища.

Откуда Юрий Бурлака добыл хореографию «Двух голубей»? Как работал над спектаклем?

«Музыка прежде всего. Она исходный момент при постановке», — поясняет хореограф. Из Национальной библиотеки Франции он ловко выудил весь музыкальный материал вечера. Внимательно его изучил и отредактировал. На заре танцевальной карьеры, во время гастролей во Франции, Юра познакомился с этуалью Оперы и педагогом школы Кристиан Воссар. Пожилая дама танцевала в этом балете, подробно запомнила, восстанавливала его. Любознательному русскому юноше она с удовольствием многое показала и рассказала. Наш балетный архивариус все тщательно записал: танцевальный текст, комментарии, — и спрятал эту ценность в свои хореографические закрома. Пусть все лежит до поры до времени. Однако скупым рыцарем Бурлака никак не назовешь. Он всегда щедро делится музыкальными и танцевальными сокровищами.

Пригодился опыт и другой примы Оперы — Клод Бесси, долгие годы руководившей парижской школой. Благодаря ей «Два голубя» появлялись в репертуаре училища.

Неизбежные лакуны постановщик сочинил заново, тонко стилизовав под оригинальный текст. И честно указал: редакция Юрия Бурлака.

Как и благодаря кому в Париже появился сам балет?

Басня Лафонтена «Два голубя» подсказала опытному парижскому танцовщику, педагогу и хореографу Луи-Александру Меранту (1828–1887) простой сюжет его итогового балета, поставленного за год до смерти. В нем немало от «Эсмеральды» и «Коппелии».

…В Фессалии былых времен (не так уж важно, где и когда все происходит!) нежно любят друг друга, воркуют, подобно голубям, Гурули и Пепио. Они танцуют гармоничное, простодушное «Pas de deux голубков». Но даже любовная идиллия приедается. Пепио скучает, жаждет приключений. Развлекать жителей замка прибывают венгерские цыгане. Ох уж эти балетные цыгане! То украдут у родных Эсмеральду и Пахиту. То уведут из-под венца голубя-жениха! Ради страстной цыганки Джали (случайно или смеха ради ее зовут как козу Эсмеральды!) он бросает невесту, уходит с табором. По совету матушки Гурули следует за милым. Заплатив главе табора, она переодевается цыганкой. Пепио не узнает ее. Перед ним сложный выбор: кто из двух цыганок привлекательнее? Страстная, ловко орудующая в танце двумя кинжалами Джали или нежная, романтичная «цыганочка с тамбурином» — переодетая Гурули? Цыгане пляшут для знати. Обыгрывают в картах и обкрадывают Пепио. Начинается гроза (опасаясь пожара в театре, парижские полицейские даже на время запретили эту сцену). Все исчезают. Брошенный, обманутый Пепио возвращается к невесте. Она прощает ветреного жениха, как в «Коппелии» Сванильда — Франца, увлеченного красавицей-куклой. Нежное воркование влюбленных завершает славных «Двух голубей».

Сюжет до предела прост, а танцы — труднейшие. Обилие женских вариаций, чудесные классические ансамбли, чардаши цыган. Море бисерных движений, смелая демонстрация баланса, «стального носка», вращений. Все живо, красиво, музыкально. Ставился балет для примы Парижской оперы — испанки Розиты Маури. Она центр притяжения публики. Партию Пепио (по традиции тех времен) исполняла танцовщица-травести Мари Санлавиль — большая специалистка в этом жанре. Поддержки в дуэтах двух дам были партерными и скромными. Для нас подобное — исторический курьез. Только в 1942 году в партии Пепио (наконец!) выступил мужчина.

Балет оказался долгожителем. В 1912 году наивных «Двух голубей» возобновили для очаровательной этуали — итальянки Карлотты Замбелли. (Есть уникальные записи примы.) В Опере он пользовался у публики бешеным успехом. Не меньшим, чем знаменитые новаторские шедевры Михаила Фокина, скандальный «Послеполуденный отдых фавна» Вацлава Нижинского, показанные в рамках «Русских сезонов» Сергеем Дягилевым.

Молодой композитор Андре Мессаже (1858–1929), рекомендованный Опере такими авторитетами, как Шарль Гуно и Камиль Сен-Санс, сочиняя «Двух голубей», очень старался. Он подражал первоклассным образцам балетной музыки — «Коппелии» и «Сильвии» Лео Делиба. Эта партитура — одна из лучших плодовитого автора. Музыка Мессаже мелодична, контрастна, щедро танцевальна. Она позволила хореографу Меранту сочинить море красочных, разнородных танцев. Даже с перебором, что ощущается, когда балет идет в одном действии, как в Самаре. Сам почти неизвестный нам хореограф Мерант стал важным персонажем картины Эдгара Дега «Танцевальное фойе Оперы на улице Ле Пелетье» (1872). А в 2016 году даже героем … мультфильма «Балерина»! Придирчивым, педантичным, строгим и … сентиментальным при встрече с давней любовью!

Музыкальным руководителем самарской постановки выступил Евгений Хохлов, уделивший большое внимание этому компоненту постановки. Партитуры двух балетов стильно и изящно прозвучали в исполнении оркестра театра под его руководством, а также дирижера Алишера Бабаева.

Для «Двух голубей» подготовлены разные составы. Первый — более академичный (Полина Марушина — Гурули и Полина Чеховских — Джали), старательный, надежный, но несколько однообразный. Динамизм, драматургический контраст героинь наглядно выявил второй. Очень женственна, музыкальна, изысканна бразильянка Лаура Васконселос в партии Гурули. Азартна, решительна, живописна Джали японки Манаэ Банно. Особенно ей удалась вариация с кинжалами — такая точно зарежет, обманет, зачарует, уведет за собой кого угодно.

Постановщику и исполнителям следует тщательнее проработать партию Пепио — пока она лирична, но бесцветна, особенно на фоне двух активных дам. Конечно, мужские партии во французских балетах часто отступали на второй план. Сегодня такое нежелательно. Зато в характерной партии главного цыганского барона Зарифи запомнились Александр Мазуренко и его коллега Максим Маренин.

Следует также продумать и уточнить важные игровые мизансцены, четко расставить нужные смысловые акценты.

Под старину, как на фотографиях и гравюрах, восстановлены костюмы (пышные юбки танцовщиц «абажуром или колоколом» вместо традиционных коротких тю-тю). По историческим эскизам сделаны декорации и панорамные задники (художники Александр Костюченко и Иван Складчиков). Говорят, на парижской премьере в клетке трогательно ворковала пара живых голубей, что особенно умиляло публику.

Одноактный бессюжетный «Праздничный вечер» парижский премьер и хореограф Лео Стаатс поставил в 1925 году на сборную музыку Лео Делиба. В театре тогда появилась дивная русская прима — Ольга Спесивцева. Она (в паре с Гюставом Рико) стала центром парадного зрелища. Балет создавался с оглядкой на фокинскую «Шопениану», славные традиции французской классической школы, пластические вольности «босоножки» Айседоры Дункан. Он стал вершиной в долгой карьере Лео Стаатса. Именно он придумал и парадное «Дефиле» всего балета Парижской оперы на музыку Рихарда Вагнера из «Тангейзера». Серж Лифарь лишь обильно использовал его находки.

Что все делают в праздничный вечер? Конечно же, танцуют! Много, разнообразно, прекрасно! На сцене присутствует почти вся труппа: кордебалет, корифеи, сюжеты, первые танцовщики, этуали (звезды). У каждой группы свои, разные по сложности, танцы. Большие ансамбли чередуются с малыми. Как главную драгоценность мужчины выносят на сцену высоко поднятую приму, бережно опускают ее, передают премьеру для волшебного по красоте дуэта. По изыскам композиций и богатству танцевальных узоров балет Стаатса уникален. Сверкают антраша и заноски. Большие прыжки чередуются с маленькими. Оригинальны переходы, молниеносны смены ракурсов и поз. Ручейками сцену пересекает, обрамляет танцы солистов виньеточный кордебалет. Этот балет — рафинированный праздник французского классического танца ХХ века, парад мастерства неиссякаемой виртуозности.

Этим маленьким шедевром, живя в Париже, восхищался молодой Джордж Баланчин, обожавший все французское. Он считал его жемчужиной, многое из него позаимствовал для своих постановок. О нем заведомо вспоминал Серж Лифарь, сочиняя «Сюиту в белом» — влияние очевидно.

Непривычны для наших танцовщиков музыкально-танцевальные акценты «Праздничного вечера»: его синкопы, затейливая игра ритмами, темпами, подчеркнутая артикуляция обилия бисерных па, некоторая формальная парадность поз, стремительная смена ракурсов и направлений, — столь типичные для французской хореографии. Настоящая танцевальная головоломка, с которой, слегка смягчая танец, достойно справляется самарская труппа, ее ведущие балерины Ксения Овчинникова и Наталия Клейменова. Премьеры (Сергей Купцов и Педро Сеара) не уступают дамам в количестве и качестве танца. На сцене единый, высокопрофессиональный ансамбль. Танцовщицы в светлых пышных платьях с широкими разноцветными поясами вокруг талии, завязанными бантами сзади, как на картинах Дега времен постановки «Двух голубей». Кавалеры в элегантных колетах.

Таких красивых, в духе эпохи, очень информативных буклетов, программ и пригласительных на спектакли, как в Самаре, нечасто увидишь. Они свидетельство культуры театра, желания быть во всем на высоте.

Праздничный вечер французской хореографии удался. Он был изысканным и великолепным. Подобно голубям, ворковали наивные влюбленные. Свадьба венчала невинные любовные похождения героев. Лихо чардаш плясали венгерские цыгане. Бушевала театральная гроза. Парадно светились канделябры, как положено на званом балу. Vive la belle France! (Да здравствует прекрасная Франция!) Ее старинная, роскошная классическая хореография, которой новую жизнь подарили Юрий Бурлака и самарский театр.

Фото: Александр Крылов

ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 27517
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Июн 15, 2024 4:58 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2024061502
Тема| Балет, театр "Новая опера" им. Е. В. Колобова, "Балет Москва", Премьера, Персоналии, Игорь Стравинский, Павел Глухов, Николай Попов
Автор| Анна Гордеева
Заголовок| Луч света в “Новой опере”: Катерина из пьесы “Гроза” затанцевала под музыку Стравинского
Где опубликовано| © ТАСС
Дата публикации| 2024-06-15
Ссылка| https://tass.ru/kultura/21108969
Аннотация| Премьера

Редактор отдела "Музыкальный театр" в "Петербургском театральном журнале", автор книги "На пуантах и босиком" Анна Гордеева — о новой версии знаменитого балета “Свадебка” дягилевской антрепризы


Алена Угрюмова (Невеста) (в центре) во время пресс-показа балета "Свадебка"
© Валерий Шарифулин/ ТАСС


Два знаменитых произведения — “Грозу” Александра Островского и “Свадебку” Игоря Стравинского — ранее никто не соединял в одном спектакле. Премьера “Новой оперы” и “Балета Москва” (что с 2022 года составляют один театр) — первый опыт такого рода. Стравинский сочинил “русские хореографические сцены с пением и музыкой” 101 год назад — премьера была в Париже в июне 1923 года. Это было время уже “поздней” дягилевской антрепризы — связь с Россией уже фактически потеряна, в труппу набирают артистов разных стран, давая им русские псевдонимы.

В этот момент Стравинский как раз закончил сочинение, над которым думал 10 лет — еще со времен первых триумфов дягилевского предприятия в Париже. Ему хотелось сделать не стилизацию свадьбы, но впрямую перенести деревенский обряд на сцену, поэтому работал он на основе записей фольклорных текстов. Сочинение получалось синтетическое — хор и оперные солисты участвовали в нем наравне с балетными артистами. Текст звучал на русском языке, но не том, что был в ходу 100 лет назад, а на древнем, обрядовом, порой трудно разбираемом даже носителями языка. “На ком кудри, на ком русыя! На Хветису кудри русыя, на Памфильичу порасчесанные, порасчесанные, разбумаженные” — это поется во время расплетания косы невесты. Французские слушатели в день мировой премьеры слов, понятное дело, не разбирали, но ощущали фантастическую энергию этой музыки, напряжение проходящего под присмотром высших сил свадебного обряда. С тех пор “Свадебку” в мире ставили не один десяток раз: и воспроизводили оригинальный вариант в постановке Брониславы Нижинской (в английском Королевском балете и в Мариинском театре, например), и представляли собственные версии выдающихся хореографов (Морис Бежар, Джером Роббинс, Иржи Килиан — спектакль последнего не так давно шел в Перми). Все эти постановки сюжетно не выходили за те рамки, что в свое время обозначил композитор — на сцене существовал только свадебный обряд (в том виде, каким его представлял балетмейстер).

“Гроза” же, не одну сотню раз представленная в отечественном драматическом театре, в танец преображалась крайне редко — зато удачно. Постановка Ксении Михеевой в петербургской компании “Каннон данс” семь лет назад произвела сенсацию не только в северной столице, но и в стране. Спектакль был выдвинут на “Золотую маску”. Теперь история Катерины Кабановой стала одним из мотивов новой “Свадебки”.

Про обреченность невесты

Хореограф Павел Глухов уже хорошо известен отечественной публике. История его в некотором роде уникальна: человек без базового балетного образования (но с образованием балетмейстерским — ГИТИС) успешно делает карьеру не только в современном танце, но и в балете. В его биографии — постановки для танцевальной труппы Воронежского камерного театра (в том числе “Плот “Медузы”, отмеченный Золотой маской) и сотрудничество с примой Мариинского театра Дианой Вишневой (он является автором “Дуо”, двойного бенефиса, где Вишнева ведет танцевальный диалог с другой выдающейся балериной Мариинского театра Дарьей Павленко). “Новая опера” и “балет Москва” доверили ему все имеющиеся у них ресурсы — и Глухов грамотно ими распорядился.

В музыке он не ограничился Стравинским. Его 25 минут, написанные 100 лет назад, обернуты в полчаса современной музыки — ее по специальному заказу создал Николай Попов. Вовсе не новичок в танце (в Башкирском балете идут его спектакли “О чем молчат камни” и “Свет погасшей звезды”), поработавший и в жанре мультимедиа оперы (“Curiosity” в Электротеатре Станиславский), руководитель Центра электроакустической музыки Московской консерватории, как и его великий предшественник, использовал русское народное пение, сотворив “пролог” и “эпилог” к “Свадебке”. Сразу заметна разница — в темпе и энергетике: если у Стравинского в музыке пульсирует бешеный нерв, то у Попова прописана мучительная задумчивость и страдание.

Глухов поставил спектакль про обреченность невесты в древние времена, про ее скованность обычаями (это обозначено и в костюмах, сделанных Светланой Тегин — и жених, и невеста закутаны в громоздкие золотые одежды). Если у Нижинской парочка просто сидела и не смела даже взглянуть друг на друга, то здесь — за счет музыки Попова — прописано стремление невесты освободиться, что в финале приводит ее на мостки над рекой, трансформирующиеся из свадебного стола.

О конфликте движения и неподвижности

Спектакль сконструирован довольно сложным образом — и в музыке, и в движении. Еще до дягилевской премьеры Стравинский думал использовать в “Свадебке” механическое пианино — пианолу, но потом все же сотворил партитуру, предполагающую звучание четырех роялей (что всегда создает проблемы театрам, которые ставят эту вещь — такое количество роялей не влезает в оркестровую яму). В “Новой опере” решили вернуться к первоначальной идее композитора и задействовали дисклавиры (современный вариант фортепиано, играющий без человека). Заранее запрограммированные инструменты, плюс “живые” ударные, хор, фольклорный ансамбль Hodila izba — все это на сцене, по бокам площадки; а одинокий дирижер (Дмитрий Волосников) — внизу, виртуозно управляет всеми исполнителями.

По центру ближе к заднику большую часть времени присутствует длинный стол (его разворачивают, носят, собирают, делят на части, накрывают красной скатертью, а в момент брачной ночи жених эту скатерть срывает, и невеста скорчивается у стола). Ближняя часть сцены отдана кордебалету. Хор наряжен в массивные костюмы: у женщин — юбки-колокола в манере “баба на чайнике” (художница вдохновлялась фотографиями настоящих крестьян Нижегородской губернии в их праздничной одежде), у мужчин — черные костюмы со странными высокими шляпами. Танцующий народ — в легких, не обременяющих одеждах. Пока поющий народ утверждает свое превосходство мощью голосов и не отпускает от себя жениха и невесту, народ балетный, соединившись попарно, сотворяет праздник души, воплощая то состояние счастья, что и должны испытывать молодые на свадьбе (а не проживать эти вот тяжкие почти неподвижные ритуалы). Нерв, напряжение — все что прописано в музыке Стравинского, но и объятия, объятия, объятия — разнообразные, откровенные, нелепые, искренние — вот содержание танцев. Девицы могут висеть вниз головой, рискованно обертываться вокруг партнера в воздухе и все равно счастливо транслировать энергию принадлежности.

Таким образом, получается, что в счастливом содружестве оперы и балета родился спектакль о конфликте движения и неподвижности, в котором главная героиня не выдерживает противостояния. Из “Грозы” (примет которой в спектакле осталось немного, собственно только фигура Катерины и две родительские пары, ограничивающие сцену так что с нее не убежать, сидящие у рампы и пристально смотрящие в зал) и “Свадебки” выросла новая танцповесть, выстроенная вполне внятно и эффектно. Желающие обсудить новинку зрители еще долго после спектакля клубились возле театра, перекрикивая в дискуссиях музыку проходящего в том же саду “Эрмитаж” джазового фестиваля. Вердикт меломанов был — “оригинально”. А это очень немало для театра.

========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 27517
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Июн 17, 2024 8:24 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2024061701
Тема| Балет, театр "Новая опера" им. Е. В. Колобова, "Балет Москва", Премьера, Персоналии, Игорь Стравинский, Павел Глухов, Николай Попов
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| Луч танца в темном царстве
«Новая опера» представила новую «Свадебку»

Где опубликовано| © Газета «Коммерсантъ» №103/П от 17.06.2024, стр. 11
Дата публикации| 2024-06-17
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/6772730
Аннотация| Премьера

Театр «Новая опера» представил мировую премьеру спектакля «Свадебка. Русские хореографические сцены с пением и музыкой», дополнив партитуру Стравинского новыми прологом и эпилогом композитора Николая Попова. О постановке хореографа Павла Глухова рассказывает Татьяна Кузнецова.


Новая «Свадебка» удачно поженила певцов с танцовщиками, фольклор с современностью, иронию с патетикой
Фото: Коммерсантъ / Глеб Щелкунов


Авторы новой «Свадебки», внимательно изучив первоисточник, осуществили многое из того, о чем грезил Стравинский, но не смог сделать Дягилев в своей антрепризе 101 год назад. Композитор, например, мечтал, чтобы вместе с ударными играли не рояли, а механические пианолы, но раздобыть их Сергею Павловичу не удалось. Теперь в спектакле «Новой оперы» по обе стороны сцены стоят два электронных дисклавира, повернувшись к зрителям зубами клавиш, и вид самоигральных инструментов придает и без того необычному зрелищу жутковатую сюрреалистичность.

Стравинский также хотел, чтобы солисты и хор находились на сцене вместе с танцовщиками, но Дягилев для певцов места не нашел и сослал их в оркестровую яму. Его примеру следовали постановщики весь следующий век, так что «Свадебка» как бы раздвоилась: либо ее исполняли в концертах без всяких плясок, либо уж танцевали как балет, пряча музыкантов или вовсе заменяя живых артистов записью.

В «Новой опере» постановщик Павел Глухов не просто вывел певцов на сцену. В спектакле они — реально действующие лица, а подчас и живые метафоры.

Когда после танцевального пролога суровые мужи в поддевках, сапогах и высоких шапках об руку с осанистыми купчихами в кринолинных юбках павловопосадской расцветки и с повойниками на головах, прикрытых жесткими углами платков (художник по костюмам Светлана Тегин), рядами наплывают из глубины на авансцену, это выходит не просто хор во главе с солистами — это являются сами скрепы во всей своей неумолимости. И хотя носители исконных традиций скромно разместятся в неглубоких проемах по бокам круто покатой деревянной сцены (сценография Ларисы Ломакиной), а сами подмостки заполонит резвая молодежь во вневременных свободных топах, портках и юбках цвета некрашеного льна, очевидна полная зависимость танцующих от ритуальных причитаний поющих. Ритм, темп, характер, амплитуда движений и комбинаций, а также написанное на лицах танцовщиков несколько бессмысленное, но неизменно радостное возбуждение убедительно доказывают, что буянит молодежь с разрешения и под диктовку старших.

Все четыре картины «Свадебки» Стравинского оказываются, по сути, ритуальным дивертисментом. Под женские заплачки «Чесу, почесу, русу косу чесу» нарочито угловато пляшут девицы; под мужской клич «Чем чесать, чем маслить да Хвестисовы кудри» откалывают коленца удалые парни. На «Проводах невесты» являются герои празднества: стоят на авансцене парой дутых истуканов в объемных золотых нарядах, обихаживаемые певцами-солистами, а за их спинами распоясывается танцевальный загул. Финальный «Красный стол» — настоящий стол, основательный и длинный,— накрывают кумачовой скатертью у задника: за столом жестикулирующие певцы-гости, в центре — неподвижные жених с невестой, на подмостках крутит поддержки вконец разбушевавшаяся молодежь.

Павел Глухов так умело вплел элементы русского фольклора в свою хореографию, что их опознать так же трудно, как архаические тексты «Свадебки»: присядки, дроби, «хлопушки», «пистолетики» и прочие трюки трансформированы, синкопированы, видоизменены и усложнены до неузнаваемости. Танцевальный текст чрезвычайно насыщен и сложен — почти нет «квадратов» (повторения комбинаций по несколько раз, как принято не только в классике, но и в современном танце) и «канонов» (подхватывания одного движения разными группами танцующих). Задействованы все уровни танца: партер, вертикаль, воздух.

Свежеизобретенные прыжки, поддержки, подкрутки, композиции групп наплывают, теснят друг друга, захлебываются в собственном изобилии — какому-нибудь Владимиру Варнаве придумок Глухова хватило бы на десяток балетов.

Быстрый темп, рваный ритм, технические сложности и физическую нагрузку, недосягаемую для большинства наших трупп, артисты балета «Новой оперы» не просто выдерживают, но словно не замечают, работая с героическим энтузиазмом.

Но мировой эту премьеру делают пролог и эпилог, примерно равные по общему хронометражу 25 минутам самой «Свадебки». Композитор Николай Попов связал себя со Стравинским на удивление гладко: в эпилоге — акустическим эхом свадебных колоколов, в прологе — лично подобранной и скомпонованной русской песенной архаикой: фольклорная группа Hodila Izba не только испускает все эти придыхающие «ау», «жито жала» и «дай-дай», но и добавляет достоверности игрой на дудках и свирелях. Ударные и «лайв-электроника» придают диковинным звукам вневременную таинственность, а сидящий в первом ряду дирижер Дмитрий Волосников каким-то чудом соединяет живое и механическое в гармоничном единстве.

Пролог и эпилог постановщик Глухов использует в качестве сюжетной рамы. По его замыслу, весь спектакль — это предсмертный миг полета Катерины Кабановой с обрыва в Волгу, во время которого перед героиней Островского проносится ее погубленная неволей жизнь. Однако замысел читается лишь на бумаге. Пролог, исполняемый десятью самыми статными и красивыми девушками и юношами, водящими хороводы и целомудренно приникающими друг к другу среди поющих аутентистов, кажется то ли идиллическим представлением о любви, то ли опоэтизированным с сознательной приторностью образом русской духовности. В эпилоге «Грозу» можно тоже проглядеть: силком просватанная невеста, оставшись наедине с мужем, самым недвусмысленным образом отказывается выполнять супружеский долг, отшвыривая партнера чуть не за кулисы. Терзаясь неволей (ее метафорой служит белая скатерть, которой вяжет героиню шестерка мужчин) и душевной смутой (вновь выскочивший кордебалет заполняет сцену разнообразнейшими танцами, устраивая целую вакханалию смыслов), героиня сползает с края стола, пропадая в сером человеческом омуте. За эту прекрасную финальную мизансцену можно простить хореографу некоторый избыток фантазии. Тем более что подобный упрек в адрес современного балета — совершенно уникален. А «Свадебка» — с добавленными пением и музыкой — и впрямь удалась.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Июн 30, 2024 6:52 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
Страница 3 из 8

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика