Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2024-03
На страницу 1, 2, 3, 4, 5  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 27078
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Мар 01, 2024 10:22 pm    Заголовок сообщения: 2024-03 Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2024030101
Тема| Балет, Бурятский театр оперы и балета, Персоналии, Андрис Лиепа
Автор| Анастасия Аюшеева
Заголовок| Андрис Лиепа представил в Бурятии «Шопениану»
Именитый российский хореограф восстановил балет, которому в начале XX века рукоплескал Париж

Где опубликовано| © infpol
Дата публикации| 2024-03-01
Ссылка| https://www.infpol.ru/260556-andris-liepa-predstavil-v-buryatii-shopenianu/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Фото: А. Аюшеева

Новый сезон Бурятского театра оперы и балета 29 февраля открыли два фантастических одноактных спектакля – романтическая «Шопениана» (12+) и мощная «Кармина Бурана» (12+). В основе обоих сочинений лежат категории высокого гуманистического характера: любовь, красота, раскаяние.

Хореография передается «из ног в ноги»

Для восстановления балета «Шопениана» в республику был приглашен народный артист России Андрис Лиепа. Он рассказал нам, что спектакль был поставлен основоположником романтического балета XX века Михаилом Фокиным в 1907 году для Хореографического училища Мариинского театра, позже перенесен на сцену самого Мариинского театра. В 1909 году деятель театра и искусства Сергей Дягилев впервые вывез в Париж «Русские сезоны» с балетом. «Шопениана» была в числе первых спектаклей, которые французы увидели на сцене театра Шатле. Это был настоящий триумф. Русский балет продемонстрировал утонченным французам, что русские артисты с совершенством чувствуют романтический стиль. К слову, после гастролей нашего балета в Европе появилась мода на все русское.

- Поэтому для современного зрителя будет интересным погружение в те «Русские сезоны», которые были больше ста лет назад. Улан-удэнцы почувствуют себя французскими зрителями в Париже, - с улыбкой подчеркнул народный артист РФ.

Андрис Лиепа учил балет «Шопениана» в Нью-Йорке, работая с известным артистом балета Михаилом Барышниковым. И на протяжении двух недель до премьеры Андрис Лиепа вел активную работу с коллективом БГАТОиБ. Он передавал технику танца, отношение и любовь к балету, смотря каждому артисту в глаза.

- Хореография передается из ног в ноги. Другого варианта нет. Можно изучать видео, можно брать старые записи, но эффект получаем только когда приходит педагог и человек, который танцевал этот балет. Только так можно передать его следующему поколению, - уточнил именитый хореограф.

И действительно, в день премьеры «Шопенианы» казалось, что балерины не танцуют, а парят в воздухе, словно легкие сильфиды. Каждая деталь, каждое движение, наклон головы и классическое балансе увлекало зрителей в мир грез и прекрасной любви.

Изменчивая Фортуна

Второй спектакль «Кармина Бурана» произвел на зрителей не меньшее впечатление. Балетмейстером возобновления стал заслуженный артист России Баярто Дамбаев, который раскрыл кантату Карла Орфа в ярких, сильных, и в тоже время неоднозначных тонах. Этот спектакль изначально показывает неприятную подноготную человеческой жизни: разврат, пьянство, азартные игры, нищету. Но человеческая жизнь изменчива, и человек волен выбирать свое будущее сам. Кто-то продолжает прославлять земные наслаждения, а кто-то находит в жизни иные, более целомудренные смыслы.

- Считается, что Карл Орф написал дьявольское сочинение. Я так не думаю. Это сочинение о борьбе с дьяволом, об отказе от него. И вы почувствуете это в конце, когда новая жизнь идет на смену старым грехам, - комментирует музыкальный руководитель и дирижер-постановщик, заслуженный деятель искусств России Владимир Рылов.

Интересно, что за вечер одна трупа проживает два катарсиса, один романтический, другой независимый и свободный. Но в итоге, две переменные приходят к очищению и освобождению духа. И, конечно, каждый зритель найдет в этих спектаклях что-то свое, о чем можно подумать в тишине, наедине с собой. Ведь прошло 100 лет, а «Шопениана» и «Кармина Бурана» все также восхищают воображение своей неповторимой красотой.

==================================================================
ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 27078
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Мар 02, 2024 10:40 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2024030201
Тема| Балет, Бурятский театр оперы и балета, Персоналии, Андрис Лиепа
Автор| СЕРГЕЙ ДАНИЛОВ
Заголовок| «Шопениана» Андриса Лиепы произвела фурор в Бурятском театре оперы и балета
Знаменитый хореограф уехал, но обещал вернуться

Где опубликовано| © "МК В БУРЯТИИ"
Дата публикации| 2024-03-02
Ссылка| https://ulan.mk.ru/culture/2024/03/02/shopeniana-andrisa-liepy-proizvela-furor-v-buryatskom-teatre-opery-i-baleta.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


ФОТО: АННА АРАПОВА

Народный артист России, хореограф и танцовщик с мировым именем Андрис Лиепа представил публике в Улан-Удэ воссозданный им балет «Шопениана». Постановка с участием именитого гостя приподняла Бурятский театр оперы и балета еще на один уровень мастерства – с многоопытным Андрисом Лиепа это делается чуть быстрее. Свидетельство тому – громкие и продолжительные аплодисменты в первые дни премьеры – 29 февраля и 1 марта.

Андрис Лиепа - сын легенды советского балета Мариса Лиепы, восстановил «Русские сезоны» Дягилева, популярные в начале 20-го века, «Шахерезаду», «Половецкие пляски» и саму «Шопениану» - один из ярчайших балетов в жанре любовного романтизма. Изящная, легкая музыкальная история, навеянная мечтами, грезами и иллюзиями.



- То, что Андрис Лиепа сам приехал в Бурятию, является большим событием для нас, - говорит директор Бурятского государственного академического театра оперы и балета Дмитрий Дылыков.

Он рассказал, что Андрису Марисовичу он решил позвонить, как говорится, на удачу.

- Мы искали постановщика. Набрались смелости и позвонили. Откажет, так откажет – Андрис Лиепа очень занятой человек, - отмечает Дмитрий Дылыков. – И когда мы предложили ему осуществить постановку «Шопенианы» на сцене Бурятского театра, он сразу согласился!

Как выяснилось позже, звонок был сделан своевременно, потому что скоро Андрису Лиепе позвонили с другим предложением из «Большого». Конечно же Лиепа им вынужден был отказать: «Большой» точно никуда не денется, а с Бурятского театра оперы и балета могут уже и не позвонить…



К слову, Андрис Лиепа в Бурятии не в первый раз. Ранее он был почетным гостем «Байкальского танцевального фестиваля» и обещает посетить его вновь в августе нынешнего года.

«В Бурятии мне нравиться, - признался он, упомянув трескучие морозы, которые пришлись аккурат на период его работы над по-летнему теплой «Шопенианой». – Меня спрашивали друзья, как я там, в Улан-Удэ, когда температура воздуха опускалась до «минус» 34».

По словам Лиепы, «Шопениана» - шедевр начала прошлого века, представленный русским балетом в 1909 году в Париже.

- Легендарные «Русские сезоны» Сергея Павловича Дягилева показали «Шопениану» с Анной Павловой, Тамарой Карсавиной и Вацлавом Нижинским. Французская публика была в восторге от исполнителей русского романтического балета. Замечательные костюмы и декорации Александра Бенуа. Всё это мы восстановили и для показа в Бурятском театре оперы и балета, — говорит Андрис Лиепа.



Хореограф отмечает, что спектакль должен созреть. Как хорошее вино, со временем он становится лучше и посоветовал зрителю сходить на пятый премьерный показ. Конечно, при наличии билетов: музыка Фридерика Шопена, фееричная история этой балетной постановки, легендарное имя самого Андриса Лиепы и, безусловно, талантливый коллектив Бурятского театра оперы и балета творят чудеса. (12+)
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 27078
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Мар 02, 2024 10:41 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2024030202
Тема| Балет, Башкирский театр оперы и балета, Международный фестиваль балетного искусства имени Рудольфа Нуреева, Персоналии, Леонора Куватова
Автор| Екатерина КЛИМОВИЧ
Заголовок| Его зовут Рудольф Нуреев
Где опубликовано| © УФА - Ежемесячный столичный журнал №3 (268)
Дата публикации| 2024 март
Ссылка| https://ufaved.info/journal/articles/sobytie-mesyatsa/ego-zovut-rudolf-nureev/
Аннотация| Фестиваль

Концерт с таким названием - первый из шести вечеров Международного фестиваля балетного искусства имени Рудольфа Нуреева, который пройдет в Башкирском государственном академическом театре оперы и балета в марте.



Он стартует 17 марта - в день рождения великого артиста - и продлится 6 дней. Программа фестиваля станет настоящим подарком для уфимцев и гостей нашей столицы: четыре его любимых балета и два гала-коцерта, на которых известные танцовщики из Большого, Мариинского театров, Театра танца Бориса Эйфмана и «Астана-оперы» исполнят любимые Нуреевым партии и номера.

Напомним, что Международный фестиваль в честь легендарного земляка проходит в Уфе с 1993 года. Проект появился по инициативе выдающегося российского хореографа Юрия Григоровича и Шамиля Терегулова - главного балетмейстера Башкирского театра с 1990 по 2008 год. Уже около 30 лет он собирает лучших танцовщиков со всего мира и на несколько дней превращает Уфу в балетную столицу. В этом году фестиваль пройдет в 24-й раз.

В концерте-открытии примут участие звезды российского и мирового балета - Евгения Образцова и Денис Родькин (Большой театр), Олег Габышев (Театр балета Бориса Эйфмана), Мария Буланова и Никита Корнеев (Мариинский театр), Екатерина Первушина и Даниил Росланов ( «Кремлевский балет»). Естественно, будут блистать и наши артисты, которые выросли, принимая участие в Нуреевских фестивалях: Гульсина Мавлюкасова, Ирина Сапожникова, Лилия Зайнигабдинова, Софья Саитова, Разиля Мурзакова, Рустам Исхаков, Сергей Бикбулатов и другие.

Завесу тайны над тем, что и как будет исполнено, приоткрыла для нашего журнала художественный руководитель балетной труппы Башкирского театра оперы и балета, народная артистка РСФСР Леонора Куватова:

- Два гала-концерта в рамках фестиваля мы будем давать впервые, и это очень хорошо: уфимская публика любит концерты, наш праздник привлечет больше зрителей, - считает она. - Необычно и то, что наши ведущие артистки впервые встанут в пары с приглашенными солистами: Валерия Исаева - с Денисом Захаровым (Большой театр), Ирина Сапожникова - с Бактияром Адамжаном (Астана-опера), Разиля Мурзакова - с Айданом Колжаном (Астана-балет). Как правило, артисты приезжают парами: чтобы безупречно исполнить роли, нужно как следует порепетировать вместе, а сделать это после всего лишь одного дня «на притирку» - это показатель высшего мастерства. И это очень полезно для нашей труппы: нужно почаще смотреть, как танцуют другие артисты, так сказать, освежать взгляд - мы учимся всю жизнь. Естественно, кроме классических, будут и современные номера - ведь Нуреев и сам был новатором. Например, ведущий солист театра Эйфмана Олег Габышев, уже покоривший Уфу своим балетом «Рахманинов», поставленным в нашем театре, и неподражаемым исполнением главной роли в нем, исполнит комический номер «Лень» на музыку Алексея Айги - на этот раз в дуэте с нашей балериной Аминой Халиковой - и еще один сольный номер. Также для нашего концерта он поставил дуэт «Романс» для Валерии Исаевой и Сергея Бикбулатова.

- Как Рудольфу Нурееву удалось так покорить мировую публику? Ведь, когда он больше не мог танцевать, ему доверили дирижировать венским оркестром!

- Он был представителем русской классической школы и принес ее на Запад. А почему, вы думаете, когда артисты Большого театра выезжали на гастроли – например, в 1956 году в Лондон - к билетным кассам театра стояли огромные очереди? Потому что русская школа балета - это в первую очередь одухотворенность на сцене, создание образа, умение заставить публику сопереживать - любить, ненавидеть и умирать вместе с героями, проживать во время спектакля целую жизнь. А виртуозная техника - лишь средство для этого. Именно так танцевал и сам Нуреев. Также он внедрил в театры Парижа, Лондона, Берлина, Копенгагена русскую классику, поставив более десятка балетов в собственной редакции.

В рамках фестиваля будут показаны четыре знаковых для Рудольфа Нуреева балета: «Журавлиная песнь» - первый в его жизни балетный спектакль, который он увидел на сцене нашего театра с великолепной Зайтуной Насретдиновой в главной роли. После этого 8-летний Рудик бесповоротно решил, что волшебный мир танца станет его миром.

«Дон Кихот» - балет, ставший одним из его первых триумфов в Кировском театре. А в 1966-м в Вене он сочинил собственную редакцию, отличающуюся от классической версии Александра Горского. Базиль стал одной из самых популярных его партий, подчеркнув особую грань его дарования - комедийный талант. В 1973 году вышел фильм-балет «Дон Кихот», снятый в Австралии и заслуживший высокую оценку зрителей и критиков. «Дон Кихот» в интерпретации Нуреева идет на сцене Парижской оперы.
«Лебединое озеро», поставленное им по памяти в 1964 году в Венской опере и поднявшее ее класс.

Успех был огромен, а исполнители главных ролей Марго Фонтейн и Рудольф Нуреев вошли в Книгу рекордов Гиннесса как артисты, совершившие самые продолжительные поклоны в истории театра - их вызывали 89 раз.

«Сильфида» была мечтой Нуреева, партия Джеймса всегда оставалась для него одной из важнейших и любимейших. Он танцевал ее с великими балеринами Марго Фонтейн и Карлой Фраччи, и именно эта роль была выбрана Нуреевым для выступления при возвращении в Ленинград в 1989 году.

- Нуреев говорил: «В любом, кто будет танцевать, есть частичка меня», - заключает Леонора Сафыевна. - И, показывая эти балеты и творчество современных артистов русской школы, мы надеемся, что зритель увидит и его самого, его душу в танце.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 27078
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Мар 05, 2024 8:49 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2024030501
Тема| Балет, Нижегородский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Алессандро Каггеджи, Андрей Орлов, Дмитрий Пельмегов, Елизавета Каназаси, Кристина Лебедева, Любовь Савукова, Максим Просянников, Мечислав Вайнберг
Автор| Майя Крылова
Заголовок| Буратино остался с носом
Где опубликовано| © ClassicalMusicNews
Дата публикации| 2024-03-04
Ссылка| https://www.classicalmusicnews.ru/reports/pinocchio-was-left-with-his-nose/
Аннотация| Премьера

Балет «Золотой ключик» идет в Нижегородском театре оперы и балета.


Сцена из балета «Золотой ключик» (Нижегородский театр оперы и балета)


Я побывала на втором блоке премьерных показов. В театре решили использовать партитуру Мечислава (Моисея) Вайнберга, созданную в 1955 году.

Судя по полному залу, «семейная» постановка молодого хореографа Алессандро Каггеджи пользуется в городе успехом. При том, что Каггеджи полностью переписал либретто. У него пропали некоторые персонажи всем известной сказки и появились новые. Мало того, действие частично происходит в стране Диджиталии, то есть в IT-мире. Он же, видимо, страна дураков.

Театр Карабаса Барабаса, впрочем, есть. Он называется «Театр солнца», по аналогии с Цирком дю Солей. Главные негодяи – Лис и Кошка, не только мошенники и воры, не гнушающиеся даже рюкзачками школьников, но и помощники Карабаса. Впрочем, в финале они быстренько перебегают на сторону победителя Буратино. Очень жизненная история.

ДАЛЕЕ - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 27078
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Мар 05, 2024 9:09 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2024030502
Тема| Балет, НОВАТ, Премьера, Персоналии, Александр Омар
Автор| Александр Савин
Заголовок| Авантюрный экшен-балет «Корсар» возвращается на родную сцену
Где опубликовано| © cultvitamin
Дата публикации| 2024-03-04
Ссылка| https://cultvitamin.ru/avantjurnyj-jekshen-balet-korsar-vozvrashhaetsja-na-rodnuju-scenu/
Аннотация| Премьера, ИНТЕРВЬЮ


Александр Омар

Легендарный балет Петра Гусева «Корсар», поставленный в 1962 году на сцене
Новосибирского театра оперы и балета, возвращается на родную сцену в редакции Александра Омара


Меня всегда удивляли категоричные упреки в том, что Новосибирский государственный академический театр оперы и балета переносит на свою сцену спектакли из Михайловского театра. Мол, никогда такого не было и вот опять!

Более опытные театралы утверждают: «Вот раньше мы переносили из Большого театра. Но чтобы из Михайловского! Никогда!»

Я это называю турбопатриотизмом. Как в известном анекдоте из советских времен, когда доярка на ферме говорит журналисту: «Мы не знаем, кто такая Анжела, кто такая Дэвис, но если не дадут свободу Луису Корвалану, ты мы коров доить не будем».

Как-то я спросил у одного такого зрителя, летал ли он в Питер, Москву, видел ли там эти постановки. Они для него известны? А те без малого полторы тысячи зрителей, что ежедневно посещают НОВАТ, все дотошно следят за балетными премьерами, летая по столицам? Нет, конечно. Люди выходят раз в месяц в театр, чтобы посмотреть хороший музыкальный спектакль, им важно, чтобы он был достоин их внимания, без обмана. И что плохого в том, что мы получаем готовый, прошедший все муки рождения, спектакль?

Но есть и еще один вопрос. Какие спектакли Большого театра последних лет достойны переноса на нашу сцену?

Понятно, у нас идет «Спартак» Григоровича, «Лебединое озеро» Горского и Мессерера (кстати, перенесенное как раз совсем недавно), даже свою прекрасную «Анюту» большой мастер Владимир Васильев сначала поставил в Италии, переносил в Большой театр в совершенно ненормальных условиях, собственно, находясь в опале, и, как он говорил автору этих строк, в Новосибирске на сегодняшний день впервые полностью поставил спектакль таким, каким хотел его видеть.

Такое предисловие понадобилось, поскольку наш разговор с Александром Омаром развивает эту тему.

И позволю себе еще один важный экскурс в историю.

В начале 60-х по приглашению тогдашнего директора Новосибирского театра оперы и балета Семена Владимировича Зельманова главным балетмейстером театра становится Петр Андреевич Гусев.

Петр Гусев стоял у истоков советского балета, его связывала дружба с Георгием Баланчивадзе, более известным, как Джордж Баланчин, историком балета Юрием Слонимским, Леонидом Якобсоном и Ростиславом Захаровым (с последним он еще и преподавал в Петроградском хореографическом училище). Вместе с Федором Лопуховым в 1931 году Гусев создавал балетную труппу Малого оперного театра (ныне Михайловского, художественный руководитель ‒ В. А. Кехман).

С 1935 года Гусев был ведущим солистом Большого театра, танцевал с Галиной Улановой, позднее – с Майей Плисецкой. В Ленинград он вернулся в 1945 году победителем – его назначили художественным руководителем Кировского театра. Долгие годы работал Гусев в Китае, создавая там театр классического балета. Вернувшись в 1960 году, Гусев стал балетмейстером ленинградского Малого театра (Михайловского), в 1962 году его в новосибирский оперный театр переманил Зельманов.

У Петра Андреевича был божий дар видеть в танцовщиках балетмейстерское начало. Так он благословил Олега Виноградова на участие в постановке «Лебединого озера», а также на первые большие самостоятельные работы ‒ «Золушка», «Ромео и Джульетта». Эти работы вызвали фурор в балетном мире. В Новосибирск прилетали критики и балетоманы со всей страны, чтобы увидеть эти новаторские постановки. Гусев буквально уговорил начать ставить спектакли Никиту Долгушина. Так, работая над «Ледяной девой», он поручил ему создать финал второго акта. А в работе над «Лебединым озером» принял предложенное Виноградовым решение по первой картине. Гусев всегда стремился к тому, чтобы в театре была своя группа хореографов, и те, кто попадал в эту команду, старались не подвести своего наставника. В дальнейшем именно Виноградов и Долгушин сделали немало, чтобы вывести ленинградский, а потом и петербургский балет на подобающую ему высоту. В 1964 году в балете Гусева «Ледяная дева» над сценографией работал Валерий Левенталь, тогда начинающий театральный художник, а впоследствии – мастер с мировым именем.

Гусев и сам очень много работал. Так, за короткий период в Новосибирске им были поставлены балеты «Корсар» на музыку А. Адана, «Семь красавиц» на музыку К. Кара-Караева, «Лебединое озеро» (совместно с О. Виноградовым), «Раймонда» на музыку А. Глазунова, «Ледяная дева» на музыку Э. Грига, «Три мушкетера» на музыку В. Баснера.

Как он рассказывал театроведу Валерию Ромму, первое, что он сделал, приступив к работе, ‒ осуществил свою же постановку балета «Корсар», которую он ранее ставил в ленинградском Малом театре (Михайловский театр). Он считал этот балет знаковым для Новосибирска. Именно «Корсар» стал первым балетом поставленном на новосибирской сцене в 1946 году. Но это не все. Именно в Новосибирске он воссоздал балет Петипа в полном виде, вместе с украсившим его «Оживленном садом», чем сам Гусев очень гордился. Далее, как это бывает, «Корсар» в редакции Гусева стал переноситься на другие сцены страны. Его поставил в Кировском театре ученик Гусева Олег Виноградов, вернул на родную сцену теперь уже Михайловского театра Фарух Рузиматов, на новосибирскую ‒ Игорь Зеленский. Недавно обновил постановку в Михайловском театре наш сегодняшний собеседник ‒ Александр Омар.

Основу всех этих редакций составляла именно хореография Петра Гусева, и в полном виде этот балет был поставлен в 1962 году в Новосибирске. Более того, именно Левенталь как художник-постановщик, работавший с Виноградовым, Долгушиным, дал балету сегодняшнее замечательное оформление. Поэтому мы можем с большой долей справедливости говорить, что балет «Корсар» в постановке Петра Гусева по мотивам Мариуса Петипа возвращается на родную сцену в редакции Александра Омара. Сотрудничество между театрами было всегда. Я очень рад, что двумя первыми балетами, которые Кехман восстановил в Новосибирске, придя на пост директора театра, стали знаменитый балет «Ромео и Джульетта» в постановке Олега Виноградова и «Чиполлино», чье рождение связано с именем новосибирского танцовщика Геннадия Рыхлова. Кстати, «Ромео и Джульетта» в постановке Виноградова идет только у нас. Как и «Анюта», «Собор Парижской Богоматери». Так что давайте будем корректными и не столь категоричными в своих оценках. А теперь текст интервью с Александром Омаром.


Ваша карьера танцовщика развивалась вполне успешно, но вы неожиданно для многих заявили о себе, как о хореографе. Когда и почему у вас возникла такая мысль?

Я преподаю в Академии русского балета имени Вагановой дисциплину «Актерское мастерство». Чтобы твои ученики могли сдать экзамены, ты должен подготовить с ними множество этюдов, сцен. И не просто взять что-то из того, что было до тебя. Ты должен придумать много новых миниатюр, этюдов. А еще однажды Иван Васильев предложил мне поставить для него номер для гала-концерта, посвященного его тридцатилетию. Я сам выбрал тему, сам выбрал сюжет, сам поставил. Владимир Абрамович Кехман запомнил этот номер, он ему понравился своим юмором. Потом мне очень хотелось сделать спектакль на русскую тему, почему-то мне хотелось поставить хореографию именно на русские народные песни. Я как-то уговорил наше руководство, они меня свели с дирекцией Эрмитажного театра. Откуда-то появились деньги, мне сделали декорации, я нашел фолк-коллектив «Колесо» ‒ шесть прекрасных женщин. Они пели выбранные мною и немного по-другому аранжированные русские народные песни. Мы под это танцевали. То есть это был живой вокал на сцене и танцы. Это был мой первый спектакль, который назвался «Карусель». Его нельзя назвать балетом, это скорее пластический спектакль. Потом после небольшой паузы в моей жизни появилась режиссер нашего театра Юлия Прохорова, которая начала ставить «Летучую мышь». Это была ее первая работа как режиссера. Она мне сказала, что в спектакле должно быть много пластики ‒ не хореографии, а именно пластики, чтобы у каждого персонажа в спектакле был свой пластический характер, свой рисунок. И она меня позвала, хотела со мной поработать, в театре все меня знают как человека неусидчивого, творческого. Мне на месте не сидится. Ко всему прочему я учился на режиссера телевидения. Поэтому Юлия меня позвала. Мы с ней успешно поработали, всем понравилось.

Давайте уточним. Вы не сидели на месте. Вы создавали какие-то, нерепертуарные вещи.

Да, я занимался творчеством. Бывают разные категории артистов. Бывают артисты, которые приходят на репетицию и просто сидят и ждут, когда им скажут, что делать. Я не такой. Мне всегда было интересно что-то еще помимо того, что я танцевал, даже когда у меня был физический расцвет. В общем, за мной такая репутация закрепилась. Потом меня пригласил Кехман. Речь зашла о балете «Корсар». Спектакль был изрядно затерт, люди, которые его ставили ‒ Георгий Ковтун, Фарух Рузиматов – в театре уже не работали, и он мне предложил осуществить новую подстановку балета, обозначив форму спектакля, которая соответствует нынешнему художественному курсу театра. Предполагаю, что Юлия Прохорова здесь сыграла тоже не последнюю роль. В «Летучей мыши» мы с ней много чего сделали. Она в большей степени, конечно, но я был всегда рядом. Помогал.

Как бы вы сами оценили свою роль в постановке «Корсар»?

Я выступил и как балетмейстер, восстановив все, созданное Петром Гусевым, но чтобы придать балету более современный формат, пришлось поработать и хореографом, создав ряд сцен, поставив несколько танцев, которые уже были в сюжетной канве спектакля, но хореографию я сделал другую.

То есть вы, по сути, воссоздали хореографию Петра Гусева, возродившего это балет Петипа, но, в своей редакции. Ведь именно так делали Виноградов, Зеленский Рузиматов и многие другие. То есть это стало вашей первой большой работой. Дальше был уже «Светлый ручей» Дмитрия Шостаковича?

Да, потом я уже сделал «Светлый ручей». «Светлый ручей» – это вообще целая история. Этот балет впервые был поставлен в нашем театре в 1935 году. Он был создан здесь, в наших стенах. Владимир Абрамович хотел, чтобы он был возрожден к юбилею балетной труппы. Он мне позвонил и сказал, что с «Корсаром» хорошо получилось, надо ставить «Светлый ручей». Мы договорились, что я буду делать свою постановку. Я изменил сюжет, все продумал. И все получилось.

Вам много посчастливилось работать с Никитой Долгушиным, который в 1962 году начинал свою карьеру хореографа под руководством Петра Гусева в новосибирском театре. В чем эта работа заключалась?

Прежде всего, Никита Александрович был выдающимся артистом балета, хореографом-знатоком, архивариусом. Он для меня был абсолютным авторитетом. Когда он делал свой первый спектакль ‒ «Жизель»( именно этот спектакль сейчас в репертуаре театра), меня поразило, как он из казенной постановки Мариинского театра создал редакцию, насыщенную живыми характерами, и сделал он это именно так, как я мечтал. До этого по неопытности, по незнанию я думал, что все понимаю в хореографическом искусстве. После осознал, что я не знаю даже одного процента. Когда он начинал что-либо объяснять, углубляться в образы, ты все видел иначе. У него был вообще другой подход. Невербальный. Потому что танец – это язык, который может передать такие вещи, которые не может передать ни музыка, ни слова, ни что-то еще. Это обособленная вещь. Как невозможно рассказать музыку ‒ ее можно только услышать, так и танец: есть вещи, которые можно только станцевать. И больше никак. Вот чего добивался Никита Александрович, вот о чем он говорил. Я его очень уважал и как творческую личность, и как человека. Больше всего я с ним работал на «Жизели», на «Корсаре», в «Спящей красавице». Что бы я ни делал, он всегда был рядом, всегда что-то подсказывал мне.

Александр, вот тут давайте остановимся. Дорогу в хореографию Никите Александровичу, как и Олегу Михайловичу Виноградову, показал Петр Андреевич Гусев. Именно он, приехав в Новосибирск, первым поставил полную версию своей же постановки балета «Корсар» ранее в сокращении поставленную в МАЛЕГОТе (сейчас – Михайловский театр) в 1962 году. Именно он доверил Олегу Виноградову постановку двух его первых балетов: «Золушка» и «Ромео и Джульетта». Именно он благословил на первые хореографические опыты Долгушина. И если Виноградов, возглавив балетную труппу театра имени Кирова (ныне – Мариинский), поставил в нем свою редакцию «Корсара» в хореографии Петра Гусева, то о том, что Долгушин работал над постановкой «Корсара», данных нет. Близкие друзья и знатоки говорят о том, что Долгушин, работая с Гусевым и танцуя партию Али, прекрасно знал материал, но своей версии не ставил. Хотя сам факт такого синтеза очень примечателен. Усеченный спектакль ставится в Ленинграде, затем спустя длительное время его в полном виде ставят в Новосибирске. Затем он вновь возвращается в Ленинград, но уже в полном новосибирском варианте, плюс его одевает соратник Гусева ‒ Левенталь. И ровно в этом виде он восстанавливается, обновляется в Питере, а потом возвращается на родную новосибирскую сцену. Согласитесь, факт очень примечательный.

Да, Долгушин прекрасно знал технику работы Гусева и его подсказки были для меня очень важны. Я успел с ним приготовить Отелло в спектакле «Павана Мавра» в хореографии Хосе Лимона. Он был, наверное, первым исполнителем в России этого балета.

А вы не боялись вообще браться за «Корсара»? Вы поставили какие-то новые танцы, обновили хореографию?

Не боялся. Я этот спектакль очень хорошо знаю. Мне сказали, что я должен сделать три акта. Мне педагоги начали предлагать: «Давай возьмем старую редакцию». Зачем?! Время прошло, а оно многое меняет. Если уж делать, то делать надо хорошо. Как говорил мой педагог: «Если не можешь делать лучше всех, лучше вообще не делай». Он не имел в виду лучше всех, он имел в виду хорошо, по-честному. Берешься, так делай. Естественно, я волновался, переживал. В итоге я поменял все места, которые мне не нравятся в этом спектакле.

Признайтесь, какие места вам не нравятся?

Постановка обветшала, с позиций сегодняшнего зрителя в ней почти ничего не происходит. Надо было наполнить его смыслом, действием, если хотите жизненной силой. Мне кажется, это удалось. Например, Медора. Что она за персонаж? Она выходит на сцену и начинает просто плясать. И мотивы ее любви непонятны. Ничего не понятно. Когда я начал писать свое либретто, понял, что ей не хватает характера. У Гюльнары характера больше, потому что по одной версии она сразу у паши была любимой женой, по другой версии ‒ у Гусева ‒ она рыбачка и подруга Медоры. Но у нее есть хотя бы обозначение. А Медора – просто гречанка и все, просто влюбилась. Но когда Конрада отравили, и ты понимаешь, что сейчас будет, попытайся его спасти, бороться, а не просто исподтишка ножом ткнуть. Опять же на рынке, когда тебя уже привезли, или на берегу ‒ попытайся подраться, это в традиции того времени и нравов. Вот я построил все так, чтобы у нее был характер. Балерины не сразу приняли мою интерпретацию. Всегда, сколько себя помню, если у тебя сложился образ, тебе очень сложно от него отказаться.

Так какой образ?

Примитивный: я самая красивая, главная, поэтому мне никому ничего не нужно доказывать и объяснять. Я же предложил показать характер, объяснить зрителям, почему ты ‒ самая главная, почему он влюбился именно в тебя… В итоге, мне кажется, балеринам такой образ стал нравиться больше, чем предыдущий. Есть еще такой персонаж, как раб Али. Что это за персонаж? Даже у Гусева. Он никакой. Он ничего не делает, он просто ходит рядом, красиво стоит. Непонятно, зачем он нужен как персонаж. В плане хореографии я понимаю для чего: чтобы эстетически разнообразить хореографическое наполнение. Его пластика более мягкая, более плавная, у него более аутентичные танцы. Если у Конрада все понятно – он герой, что отражено в характере движений, у него сильная пластика, то Али ‒ с хитрецой, и пластика у него соответствующая, особые руки. То есть это уже часть языка пластического. Это расширение палитры красок, наполнение самого хореографического текста. Я это все оставил, но дал ему еще и характер, действенную задачу в определенных картинах. Он выполняет функцию настоящего персонажа. И погибает, между прочим, первый. Из-за Конрада. Что усиливает конфликт между Конрадом и выступающим его антагонистом Бирбанто и пашой. Пашу я сделал рабовладельцем. А Конрад у меня – не просто пират, который грабит. Ему это незачем ‒ он богат, а его главная задача ‒ освободить рабов. Рабство он считает несправедливым. Я попытался сделать понятней сюжет.

Одним словом, вы попытались внести в постановку жизнь.

Да, я попытался сделать так, чтобы артистам, выходящим на сцену, было интересно. Чтобы была глубина. Не все это оценили, но были и те, кто с этим согласился. Собственно, я и не пытался всем угодить. Я просто знаю, как ко всему относился Никита Александрович. Он всегда глубоко пытался погрузиться в образ. Может быть, это не все видели, не все понимали, не все ощущали, но то, что он через себя все пропускал, это точно, и соответственно это все проявлялось в его пластике. Это то, что нельзя увидеть или услышать, это можно только станцевать.

Новосибирский театр начинался в 1945 году. За полтора сезона поставили семь опер. Первый балет был поставлен в 1946-м, в конце сезона. Это «Корсар». Почему несмотря на все то, о чем вы говорили, его постоянно возобновляют на сцене?

Потому что, во-первых, у него увлекательный сюжет: пираты, погони, кораблекрушения. Во-вторых, он понятен с точки зрения хореографии. Там очень грамотно выстроена последовательность танцевальных номеров. От этого он не становится скучным, затянутым. С точки зрения хореографической палитры там есть всё. Всё, что только может быть в балете. Массовые танцы, характерные? Пожалуйста. Танцы классические? Пожалуйста. Соло, красивые женские вариации на любой вкус? Пожалуйста. Трио женское? Пожалуйста. Мужской красивый характерный танец? Пожалуйста. Характерный танец массовый, тоже довольно-таки интересный: не могу точно сказать был ли он в 1947-м. И музыка. Любой оркестр может сыграть эту музыку, она проста. Она незамысловата.

Как много мелочей вам пришлось доставлять и что это дает зрителям?

Есть две постановки «Корсара»: московская, которая ближе к поэме Байрона, в ней соблюдены некоторые сюжетные линии поэмы. Постановка Петра Андреевича Гусева, на которой у меня всё построено, прямо скажем, имеет отдаленное отношение к Байрону. Я придумал и поставил множество мелочей, которые оживляют балет. И в случае, если все артисты эти мелочи исполняют в том ключе, в котором я это придумал, постановка превращается в небольшой сериал. Реакция зрителей на премьерном показе в Михайловском театре была хорошей.

Вы хотите сказать, что если те мелочи, которые вы изыскали, делать так, как вы хотите, то тогда получается спектакль?

Да. И получается не просто спектакль, получается настоящий блокбастер. Как это получается? Возьмем очень важную сцену рынка, ее окончание. Определенным образом как единое целое должны работать все артисты: миманс, кордебалет, солисты, ведущие солисты. Тогда перспектива сцены будет раскрываться как кадр. То есть сначала зритель будет видеть одно, потом будет как бы следующий кадр. Не все вместе сразу, а постепенно. И каждая новая открытая персоналия будет придавать новый смысл картине. То, как стоит клетка, как стоит Конрад, как перед ними стоит Паша. Диагональное построение мизансцены позволяет зрителю детально увидеть с любого ракурса, что происходит на сцене. Потому что на сцене невозможно видеть два объекта одновременно. Чем дальше они друг от друга расположены, тем неудобнее смотреть, тем вероятнее пропустить смысл. А если развивать мизансцену последовательно, диагонально, то, если ты смотришь на сцену слева направо, это всегда удобно. Ведь мы в основном все правши. Для понимания также важно то, кто стоит ближе, а кто дальше. Это работает на ментальном уровне. Восприятие идет через глаза. Стоит Конрад, а перед ним его корсары. Все ожидают, что они сейчас скинут одежду, но Конрад поворачивается спиной к паше. И в моменте, когда драматизм музыки нарастает, нарастает накал, достает пистолет, и вместо того, чтобы наставить его на пашу, поворачивается в сторону клетки и стреляет в замок. Тот падает, из клетки выбегают корсары, хватают мечи, призывают за собой девушек. Все убегают. В принципе ничего другого не произошло. Так было и до этого. Но смотрится динамично, понятно, как в кинематографе, к которому привык современный зритель. Я не считаю, что таким образом пытаюсь одеяло перетянуть куда-то в драму, в кино, нет. Я пытаюсь спектакль максимально насытить динамикой, действием, оставляя основой хореографию.

А сценография Валерия Левенталя сохранена?

Да! Я постарался все самое лучшее, что было в сценографии Левенталя, сохранить. Я настоял на том, чтобы оставили декорации.

А какие-то современные элементы добавлены в сценографию?

В самом спектакле практически нет. Но я хотел сделать современными начало и конец. Ведь первое впечатление очень важно. Что видит в моем спектакле зритель, когда заходит в зал? Он видит корабль. Корабль у многих, скажите вы. Но корабль был в виде нарисованного занавеса, который поднимался. В нашем спектакле это уже видеопроекция, сюжет, через который начинается рассказ о том, что происходит. Это как увертюра. Условно говоря, любой фильм начинается с того, что мы видим исходные события. Так это называется в режиссуре. Исходные события у меня в фильме – погоня. Неудачное нападение на конвой и погоня. И дальше мы видим берег, на который выбросило этих корсаров после погони. Отсюда и начинается спектакль. Кино оживает уже в виде реальных персонажей в исполнении артистов.

Вы неплохо знаете труппу НОВАТа. Как вы считаете, у нас есть полный состав?

Да, у меня уже есть несколько составов артистов. Большое уважение вызывает Михаил Лифенцев, которому доверены сразу два главных персонажа. Артист очень ответственно относится к своей работе и даже тогда, когда не его очередь проходить партию, он повторяет все вместе с тем, чья очередь проходить. Итак, Конрада готовят Михаил Лифенцев, Роман Полковников и Артем Пугачев; партию Медоры ‒ Ольга Гришенкова, Ксения Захарова и Мария Машкина; Гюльнара ‒ Анна Гермизеева, Елизавета Аношина; Али ‒ Никита Ксенофонтов, Евгений Басалюк, Евгений Зыбин; Ланкедем ‒ Арутюн Аракелян, Никита Ксенофонтов, Кохей Фукуда, Бирбанто ‒ Михаил Лифенцев, Илья Головченко и Николай Мальцев.

Какова продолжительность спектакля?

Два часа ‒ три акта 35, 30 и 25 минут, с двумя антрактами. Спектакль без купюр. Время пролетает стремительно. Всем нравится, особенно детям. Они говорят, что ничего интересней в жизни своей не смотрели.

То есть вы ставили взрослый спектакль…

Смотрите, как это работает: я угодил одним, угодил другим, угодил третьим. Ведь это хорошо. Значит, я расширяю не только палитру красок, но еще и круг зрителей. Это не только зрелые любители балета, но и дети, молодежь, а также много случайных людей, которые вообще в театр на балет пришли впервые, которым нравятся блокбастеры, которые хотят видеть какие-то суперэффекты. Посмотрев «Корсара», они могут сломать внутри себя стереотип, что балет, впрочем, как и опера, ‒ это нечто скучное. Есть вероятность, что они захотят посмотреть что-то еще. Тогда это победа. И мы работали не зря!

======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 27078
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Мар 05, 2024 10:44 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2024030503
Тема| Балет, Фестиваль Context. Diana Vishneva, Персоналии, Диана Вишнева
Автор| Дарья Гладких
Заголовок| Фестиваль Context. Diana Vishneva объявил планы на 2024 год. Главная тема — связь танца и архитектуры
Где опубликовано| © «Собака.ru»
Дата публикации| 2024-03-05
Ссылка| https://www.sobaka.ru/entertainment/ballet/179103
Аннотация|

В программе междисциплинарный проект с Левашовским хлебозаводом, копродукция с Нижегородским театром оперы и балета, премьера Ольги Лабовкиной, опен-колл, резиденция для молодых авторов и другие события.

Как рассказали «Собака.ru» в команде Context. Diana Vishneva, в 2024 году фестиваль выйдет за пределы театральных пространств и предложит как зрителям, так и авторам поменять угол наблюдения за танцем сегодняшнего дня и найти новые точки опоры современной хореографии через исследование архитектуры. Вдохновение будут черпать у великого постмодернистского автора Триши Браун — того самого отважного хореографа, которая впервые в истории отправила танцовщика импровизировать на отвесной стене нью-йоркского небоскреба.

«Не для того, чтобы поразить общественность цирковым трюком, а с целью художественной и научной — освоить новое пространство для танца. Триша Браун до конца своей карьеры изучала работу человеческого тела в экстремальных условиях, различные способы освоения пространства, методику сохранения равновесия, кинетические свойства движения тел в архитектурных объектах», — отмечают в команде фестиваля.

Уже традиционно новый, 12-й сезон Context. Diana Vishneva откроется двумя тематическими инициативами для профессионального сообщества: хореографам, архитекторам и сценографам предложат поучаствовать в совместной резиденции и создать постановку при поддержке продюсерской команды фестиваля, а для опытных хореографов откроется опен-колл на реализацию своей идеи — также с командой и танцовщиками Context.

Первым событием сезона станет двухчастный проект в коллаборации с Левашовским хлебозаводом — сайт-специфик танцевальный перформанс и интерактивная инсталляция будут созданы командой из куратора, хореографа, архитекторов, композитора и танцовщиков. Связующим звеном для всех частей междисциплинарного проекта станет специально созданная архитектурная конструкция. Перформанс покажут в пространстве Левашовского хлебозавода 28 и 30 марта, инсталляция будет доступна зрителям и после перформанса — до 11 апреля.

Первым событием сезона станет двухчастный проект в коллаборации с Левашовским хлебозаводом — сайт-специфик танцевальный перформанс и интерактивная инсталляция будут созданы командой из куратора, хореографа, архитекторов, композитора и танцовщиков. Связующим звеном для всех частей междисциплинарного проекта станет специально созданная архитектурная конструкция. Перформанс покажут в пространстве Левашовского хлебозавода 28 и 30 марта, инсталляция будет доступна зрителям и после перформанса — до 11 апреля.

В июле фестиваль отправится в Нижний Новогород — на сцене «Пакгаузы на Стрелке» представят совместную с Нижегородским Государственным академическим театром оперы и балета имени Пушкина премьеру двух одноактных балетов по пьесам Максима Горького. В первом акте Павел Глухов ищет самодостаточный и полноценный хореографический язык для воплощения драмы пьесы «На дне», предлагая зрителю вовлечься в социальную игру и самостоятельно выстроить отношение к происходящему. Второй акт — балет-сказка «Девушка и смерть» Кирилла Радева погрузит в мир контрастов, где любовь и смерть становятся неразрывными частями единого сценического полотна, а современная интерпретация поэмы Горького перекликается с духом времени.

«Освоение новых архитектурных пространств откликается и в нашей копродукции с культурным центром Пакгаузы в Нижнем Новгороде. Если раньше выезды в регионы были скорее поддержкой, то сегодня — это полноценное сотворчество. Региональные театры и площадки также рождают смыслы и теперь работать можно намного шире и объёмнее. Опыт фестиваля сейчас очень помогает в этом», — говорит худрук фестиваля Диана Вишнева.

В новом сезоне зрителей также ждет танцевальный спецпроект ко Дню архитектуры, декабрьская премьера хореографического спектакля Ольги Лабовкиной «Длить и продлевать» о времени в контексте человеческой жизни, коллаборации Context с институциями и брендами, близкими фестивалю по духу и тематике сезона, которые фестиваль будет анонсировать в течение года.

Диана Вишнева
О программе фестиваля Context. Diana Vishneva-2024:


Составляя программу Context на 2024 год, мы постоянно анализировали, в каком направлении хотим двигаться дальше, каким мы видим этот новый, формирующийся здесь и сейчас, этап фестиваля. Это сложные вопросы, требующие времени. Поэтому сегодня Context — это ощущение другого движения, другого обновления. Во многом, осмысление новых себя и поиск нового для себя контекста.

В прошлом сезоне мы исследовали связи танца и музыки, благодаря чему сложились интересные творческие дуэты современных хореографов и композиторов, возникли и новые имена. Со всеми мы планируем в будущем продолжать работу.

В рамках главной темы года нам интересен поиск философских параллелей, ведь танец и архитектура во многом схожи. Как в танце важен пережитый телесный опыт, обычно невидимый для зрителя, так и для нас в архитектуре полезна та практика, что лежит за результатом, выраженным в той или иной статичной форме. Задуманная еще в прошлом году тема архитектуры сегодня раскрывается для нас самих в вопросах: где наша точка опоры и какой линией нам двигаться дальше. И мы начинаем этот поиск.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 27078
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Мар 06, 2024 9:02 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2024030601
Тема| Балет, Международный молодежный конкурс балета, Персоналии,
Автор| ПАВЕЛ ЯЩЕНКОВ
Заголовок| В Москве завершился Международный молодежный конкурс балета
Обладатель Гран-при ждёт Сильфиду

Где опубликовано| © Московский Комсомолец
Дата публикации| 2024-03-06
Ссылка| https://www.mk.ru/culture/2024/03/06/v-moskve-zavershilsya-mezhdunarodnyy-molodezhnyy-konkurs-baleta.html
Аннотация| КОНКУРС

Семь золотых, семь серебряных, семь бронзовых медалей и Гран-при - таковы результаты нового Международного молодежного конкурса балета «Гран При Надежд», что на днях завершился в Москве. В нем приняли участие более 100 молодых артистов из России, Беларуси, Болгарии, Великобритании, Испании, Казахстана, Китая, Монголии, Турции, Южной Кореи и Японии. Выступления конкурсантов оценивало международное жюри, в состав которого вошли известные мастера мирового балета во главе с художественным руководителем, народным артистом СССР Вячеславом Гордеевым


НОМЕР «1000 ТАКТОВ В МИНУТУ». ХОРЕОГРАФ ПАВЕЛ МАЗУРКЕВИЧ. ПЕРВАЯ ПРЕМИЯ В «КОНКУРСЕ ХОРЕОГРАФОВ». ФОТО АНДРЕЙ СТЕПАНОВ

ДАЛЕЕ - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 27078
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Мар 06, 2024 9:38 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2024030602
Тема| Балет, проект "Большой балет", Персоналии, Игорь Колб
Автор| Юлия Кабаева
Заголовок| Игорь Колб: "Жду с нетерпением премьеру "Большого балета"
Где опубликовано| © телеканал "Россия – Культура"
Дата публикации| 2024-03-06
Ссылка| https://smotrim.ru/article/3838041
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Новый сезон проекта стартует на телеканале "Россия – Культура" 9 марта в 17:20.


"БОЛЬШОЙ БАЛЕТ". 5-Й СЕЗОН. СВЕТЛАНА ЗАХАРОВА И ИГОРЬ КОЛБ
ФОТО: МИХАИЛ ЛОГВИНОВ


В новом сезоне проекта "Большой балет" соведущим Светланы Захаровой стал ее партнер по Мариинскому театру, заслуженный артист России Игорь Колб. С 2022 года он – главный балетмейстер Большого театра Беларуси. И уже представил публике две свои постановки – новую редакцию "Жизели" и балет "Иллюзии любви" на музыку Шостаковича, Шопена и современного белорусского композитора Леонида Ширина. Сольные номера из "Иллюзий любви" вы увидите в одном из выпусков проекта. А еще Игорь Колб – художественный руководитель фестиваля "Открытое искусство", который проходит в Великом Новгороде. Это интервью пришлось на фестивальную пору, и выкроить на него время оказалось действительно непросто. Но Игорь Павлович не из тех, кто отступает перед трудностями. О том, почему "Большой балет" стал испытанием и для него лично, о сложном выборе между двумя Большими театрами – России и Белоруссии, а также о том, есть ли жизнь вне балета, он рассказал нашему обозревателю Юлии Кабаевой.

– Игорь Павлович, как вам все-таки удается совмещать две ответственные должности?

Игорь Колб:
Всё дело в том, что моя профессия – это моя жизнь. Если же говорить о том, как я успеваю совместить: в принципе не успеваю, но в данной ситуации мною движет интерес, который объединяет, воссоединяет и разрешает мне быть одновременно везде. В моем случае – чем больше работы и разнопланового движения, тем лучше я себя чувствую. Большое количество вариантов вдохновляет так же, как люди, которые находятся рядом со мной как одна из составляющих моего жизненного пути.

– Прошлым летом вы также дебютировали в качестве ведущего на съемках телевизионного конкурса "Большой балет" на телеканале "Россия – Культура". Вы приняли это решение без колебаний? Чем вас привлек этот проект?

И.К.:
Когда я получил предложение пройти кастинг на соведущего в проекте "Большой балет", согласился без колебаний. Был уверен, что не пройду, но решил пробоваться, так как понимал, что это может помочь мне в дальнейшем. Я уже получал предложения записывать видеовизитки для различных сериальных форматов. И даже когда участвовал в кастингах как артист, я волновался, хотя это естественная для меня среда. А роль ведущего – это не совсем балетная история. Здесь необходимо быть органичным в кадре, уметь держаться естественно перед камерами. Поэтому, конечно же, я волновался и был приятно удивлен, когда выбрали мою кандидатуру. Сейчас жду с нетерпением премьеру нового сезона проекта на телеканале "Культура".

– Вы были партнером Светланы Захаровой в Мариинском театре, и вот новая встреча – в роли ведущих. Какие эмоции вы испытали?

И.К.:
Со Светланой мы знакомы фактически с детства, если учесть, что впервые мы встретились в 1995 году в Петербурге на международном конкурсе Академии Русского балета имени Вагановой Vaganova-PRIX. Мы оба начинали свою сценическую деятельность в Мариинском театре. И даже когда Светлана перебралась в Москву, мы не потеряли нить общения. Наши пути пересекались и в образовательном центре "Сириус", где Светлана руководит Центром танца. И, конечно, новая встреча на площадке спустя долгие годы, тем более в ином формате, для меня была очень волнительной и трепетной.

– В 2022 году, выбирая между Большими театрами России и Белоруссии, вы решили вернуться в Минск, где впервые вышли на сцену и откуда четверть века назад уехали покорять Петербург. Что стало решающим аргументом?

И.К.:
Когда возник вопрос дальнейшего развития в профессиональном плане, то два предложения одновременно – из Большого театра Беларуси и Большого театра России – меня немножко смутили. Мне потребовалось время и четкое понимание, для чего я это делаю. Прожив всю свою взрослую жизнь в Петербурге, я должен был решать, вернуться ли на родину, но уже в новом качестве, или пойти в Большой театр России – тоже в новом качестве. Это же диаметрально разные – по традициям, по репертуару – театры, где ты как чистый лист, на котором придется писать историю пути. Когда поступило предложение от художественного руководителя балетной труппы Большого театра России Махара Хасановича Вазиева, для меня этот вариант был бесспорным, потому что именно благодаря Вазиеву я сделал первые шаги на сцене Мариинского театра. Поэтому, когда я сам не смог принять решение, именно Махар Хасанович Вазиев направил меня в Минск. Из пяти лет, предложенных Большим театром Беларуси, я согласился на три в качестве главного балетмейстера. И сейчас служу в нем с большим интересом. Это даже не возвращение на родину, а скорее продолжение моего профессионального пути. Отрезок в три года мне необходим, чтобы проанализировать и понять, имеет ли смысл двигаться дальше и был я полезен в этом качестве театру.

– Среди участников проекта "Большой балет" есть артисты Большого театра Беларуси. Вы работали с ними, готовили их к конкурсу?

И.К.:
Ребят готовил к конкурсу не только я, участников от Большого театра Беларуси готовили также народная артистка СССР Татьяна Михайловна Ершова, народный артист Республики Беларусь Антон Евгеньевич Кравченко. В этой связи мне было важно не только самому принимать участие в проекте, но также взять с собой ребят для того, чтобы была возможность рассказать о театре, помочь нашим педагогам, которые могли показать свою работу. И по стечению обстоятельств ребята показали на конкурсе фрагменты из спектакля "Иллюзии любви" – это моя первая большая работа в Большом театре Беларуси.

– Поделитесь, пожалуйста, вашими впечатлениями о проекте "Большой балет"? Вы чему-то научились на съемочной площадке? Узнали о себе что-то новое?

И.К.:
На проекте "Большой балет" мне пришлось пройти несколько испытаний. Помимо того, что я впервые выступил в роли ведущего, на суд жюри и зрителей были представлены фрагменты моей хореографии. А это достаточно сложно – выкроить фрагмент без общей картины действия спектакля. Ну, и поскольку я не профессиональный ведущий, то во время съемок приобрел хороший опыт. Конечно, был четкий регламент подачи информации, но также – возможность импровизировать. Это позволит мне свободнее говорить со сцены в том числе, и не только в телевизионном формате.

– Как педагог и хореограф, а также опираясь на личный танцевальный опыт, какие тенденции в современном балетном искусстве вы наблюдаете? Какие темы выходят на первый план?

И.К.:
Мне кажется, на сегодняшний день есть понимание: что бы ни происходило, всегда есть возможность для чего-то нового. И мы, пользуясь опытом предшественников, глядя на то, что происходит не только в наших странах – в Беларуси и России, – наблюдаем за тем, что происходит в мире, и видим новые варианты сценического воплощения идей. Мне на сегодняшний день наиболее интересен формат синтеза того, что уже было сделано, выверено и выведено на сцену. Это разные формы, воссоединенные в той или иной хореографической основе.

В последние годы хореографы в большей степени использовали тело танцовщика, но при этом немножко страдала художественная составляющая формы подачи идеи. Сегодня хотелось бы вернуться к теме не то чтобы драмбалета, а когда прекрасные физические возможности танцовщика используются сквозь призму сюжетной составляющей. А что касается актуальных тем, думаю, на сегодняшний день – впрочем, и не только на сегодняшний, а во все времена – наиболее актуальна тема любви.

– Изменилось ли что-то в обучении артистов? Чему им стоит уделять особенное внимание?

И.К.:
В наше время возможность обучения есть у многих, этому способствуют не только учебные заведения, но и большое количество мастер-классов в разных городах. Это и школы, и специально организованные каникульные истории, когда можно поработать с разными хореографами и педагогами. Но хочется обратить внимание на то, что, обучая ребенка профессии, необходимо помнить о балансе и синтезе. Не все мы идем работать только в те театры, которые транслируют классическое наследие, поэтому хотелось бы, чтобы учебные заведения учитывали репертуарную политику театров, которая диктует универсальность. Современному танцовщику необходимо понимание универсальности. Классический балет – это база, она никуда не уйдет. Классическая техника – это критерий качества. Но возможность работать сразу в нескольких направлениях требует специальной подготовки. И этому должны обучать в балетных школах.

– Игорь Павлович, в чем секрет успешной карьеры и самореализации в этом виде искусства?

И.К.:
Секрет в том, чтобы начинающий артист понимал, куда он идет, чего он хочет. И, конечно же, требуется невероятная трудоспособность, возможность реагировать сразу же на тот или иной запрос. А также разностороннее образование: театр, литература, кино, телевидение в том числе, музыка – это всё составляющие искусства танца.

– И последний вопрос: есть ли жизнь вне балета? Чему еще вы бы хотели себя посвятить, если появится свободное время?

И.К.:
Жизнь вне балета, конечно, существует. Всю жизнь, имея возможность выплеснуть на сцену свои мысли и чувства, я занимался разными вещами, у меня есть разного рода хобби, в том числе реставрация мебели и рисование. Рисую я сейчас не так часто, но реставрация из моей жизни никуда не ушла, несмотря на занятость. Даже находясь в Минске, я покупаю старые вещи и их восстанавливаю. Бывает, даже по ночам. И получаю от этого большое удовольствие. Поэтому, когда у меня появится чуть больше свободного времени, мне будет чем себя занять. Потому что жизнь профессией не ограничивается.

Новый сезон проекта "Большой балет" стартует на телеканале "Россия – Культура" уже в эту субботу. Встречаемся у экранов 9 марта в 17:20. Тема первого выпуска – знакомство. Вы увидите па-де-де и сольные номера из балетов Чайковского, Минкуса, Жарра, Пуни, Римского-Корсакова, а также хореографическую миниатюру на музыку Рахманинова и фрагмент балета на музыку Шопена.

===================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 27078
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Мар 07, 2024 9:50 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2024030701
Тема| Балет, Международный молодежный конкурс балета, Персоналии,
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| Подсчет выучки
«Русский балет» назвал победителей

Где опубликовано| © Газета «Коммерсантъ» №41 от 07.03.2024, стр. 8
Дата публикации| 2024-03-07
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/6559453
Аннотация| КОНКУРС

На Новой сцене Большого театра завершился VI Всероссийский конкурс молодых исполнителей «Русский балет», собравший в заключительном туре 26 участников из 15 хореографических заведений. Гран-при и две золотые медали выиграли выпускники Московской академии хореографии (МГАХ). Рассказывает Татьяна Кузнецова.


В па-де-де из «Дон Кихота» Камила Султангареева (гран-при) и Максим Нахимович (золотая медаль) показали широту своих возможностей
Фото: Коммерсантъ / Александр Миридонов


ДАЛЕЕ - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 27078
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Мар 08, 2024 1:56 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2024030801
Тема| Балет, «Кремлевский балет», Премьера, Персоналии, Владимир Качесов, Андрей Петров, Алина Каичева, Максим Афанасьев
Автор| Филипп Геллер
Заголовок| Египет — дело тонкое
Где опубликовано| © БезФальши.
Дата публикации| 2024-03-03
Ссылка| https://bezfalshi.ru/report/egipet-delo-tonkoe/
Аннотация| Премьера



В сентябре 2023 года «Кремлевский балет» показал мировую премьеру — балет «Клеопатра» на музыку Владимира Качесова в постановке основателя театра Андрея Петрова, так и не увидевшего собственный спектакль из-за скоропостижной кончины. 6 февраля спектакль посмотрел Филипп Геллер и делится впечатлениями.

Балет напоминает большую историческую фреску — в нем рассказывается о жизни Клеопатры, ее любовных и политических отношениях с Гай Юлием Цезарем и Марком Антонием, сложном взаимодействии Египта и Рима. По структуре сюжета спектакль очень напоминает знаменитый одноименный фильм 1963 года, в котором блистала Элизабет Тейлор. В балете 20 (!) картин и 33 выписанных в программке персонажа — действие развивается стремительно, на сцене кипят страсти, происходят заговоры и убийства. И, конечно, присутствует борьба за любовь.


Максим Афанасьев (Гай Юлий Цезарь), Алина Каичева (Клеопатра)

Но большому количеству героев, увы, показать себя негде. Запоминаются из всех персонажей, пожалуй, только те, кто исполняет главные партии. Второстепенные же роли получились абсолютно блеклыми… Обилие сцен и картин не дает им раскрыться.

Спектакль помпезен, масштабен — это подчеркивают вызывающие восхищение у публики многочисленные шествия, напоминающие о величии гранд-балета.



Вообще постановка прежде всего впечатляет именно визуально— роскошные подробные декорации, изображающие римские и египетские дворцы и другие локации создал Григорий Белов, это выдающаяся работа, которая обязательно останется в истории русского балетного театра. Под стать сценографии и костюмы — красочные, а-ля этнографические, их придумала Ольга Полянская. Оба компонента придают балету имперский размах и погружает зрителя вглубь веков, заставляя забыть о реальности.

А фантастический колорит спектаклю обеспечивают сцены в храме Исиды, где Клеопатра пытается понять, что ее ждет в будущем. В этом ей помогают египетские боги Исида, Гор, Осирис, Сет, Сехмет — их одели в по-голливудски золотые наряды с традиционными для этих божеств атрибутами.


Сцена с богами Египта

Стилистически постановка находится под явным воздействием эстетики драмбалета — с его четкой повествовательностью, определенной статичностью.

Музыка Владимира Качесова тоже соответствует этому направлению — она имеет прикладное значение и напоминает музыку для кино, выдержана в условном восточном духе. В ней можно услышать многое — от влияния половецкого акта «Князя Игоря» Александра Бородина до «Спартака» Арама Хачатуряна.


Алина Каичева (Клеопатра), Анастасия Тетерина и Злата Дорофеева (служанки)

Спектакль выглядит весьма любопытно по своему хореографическому наполнению. Петров стилизовал не только партии кордебалета, но и партию самой Клеопатры под египетские фрески, и это выглядит эффектно.

Балетмейстер так говорил о своём видении этой героини: «Обычно Клеопатру представляют этакой женщиной вамп, но на самом деле всё не так просто. Она была видным государственным деятелем, мудрым политиком, при котором Египет на протяжении 20 лет оставался независимым государством. И романы с Цезарем и Марком Антонием – а это были совершенно разные отношения – помогали Клеопатре укреплять позиции своей страны. И эта линия меня очень заинтересовала».

Признаться, увидеть мудрого политика в героине не удалось. Зато перед нами предстала женщина, которая все время борется за саму себя, за свое существование.

Прима-балерина театра Алина Каичева в этой партии ярко показала внутреннюю драму героини, ее надлом. А еще очень внятно и четко разделила отношения с Цезарем и Антонием — если с первым была нежна и полностью подчинялась ему, то вторым руководила сама, была сексуально-соблазнительной и всячески возбуждала. Но любила по-настоящему до могилы. Именно поэтому после его самоубийства не стала терять ни минуты и по своей воле ушла в мир иной, получив смертельный укус змеи. Этот эпизод получился особенно сильным и, наверное, самым впечатляющим в балете.


Максим Афанасьев (Гай Юлий Цезарь) и Алина Каичева (Клеопатра)

Удивительно подошла роль Гай Юлия Цезаря Максиму Афанасьеву— статному, высокому, величественному артисту. Благо что он в этой роли не танцует, а в основном, величественно ходит по сцене (но это не вызывает диссонанса). Не слишком танцевальна и роль Марка Антония — хотя Даниил Росланов в положенных моментах все исполнил очень чисто и правильно, да и характер персонажа постарался передать.

Увы, совсем потерялся Октавиан Август — Алексей Казанцев, тут нужен более фактурный и выразительный внешне артист.

Кроме героев египетской и римской истории, в балете есть отдельные танцы, но их мало. Это — Танец с бубнами (солистки Анна Анимуцкая и Яна Буравчикова) и Танец Шутов (Иван Захарченко, Богдан Плешаков, Анна Анимуцкая, Арина Томилина). Зритель на них может передохнуть от эмоциональности и драматизма основного сюжета.

Спектакль оказался труппе по ногам— у «Кремлевского балета» очень профессиональный коллектив, однако масштаб этой исторической фрески, воплощенной в танце, им предстоит еще освоить и явно укрупнить.

Фото: Алла Четверикова, Екатерина Лола
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 27078
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Мар 08, 2024 7:22 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2024030802
Тема| Балет, , Персоналии, Арсений Суржа
Автор| Александр Попов
Заголовок| Арсений Суржа: «Проще выстроить афишу на том, что однозначно даст кассу»
Где опубликовано| © «Татар-информа
Дата публикации| 2024-03-08
Ссылка| https://www.tatar-inform.ru/news/arsenii-surza-proshhe-vystroit-afisu-na-tom-cto-odnoznacno-dast-kassu-5938000
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Почему современные хореографы все чаще ставят свои балеты в региональных театрах? Как можно оживить вечную классику, которая всегда обеспечивает кассу? На каком этапе сегодня оказался русский балет, от которого Запад сам отказался? Об этом и не только корреспондент «Татар-информа» поговорил с театральным критиком и историком балета Арсением Суржа.


Фото предоставлено Арсением Суржой

«Мы наблюдаем исход хореографов из столиц»

Все оперные театры в России вынуждены не только сеять разумное, доброе и вечное, но и банально зарабатывать. Где в таком случае, на ваш взгляд, проходит грань между высоким искусством и чистой коммерцией?


Там, где балет начинают рассматривать как продукт, который должен продаваться. На этом фоне печально показательна судьба современных постановок. Вот, допустим, хореограф Максим Петров поставил свою версию балета «Послеполуденный отдых фавна» в Мариинском театре в 2022 году. И что? Спектакль прошел, может, раз пять после премьеры, и все. И этот пример не единичный. Почему так происходит? Потому что руководство театра открывает схему зала и видит, что места не закрашены – зритель не покупает билеты. А когда в афишу ставят, условно, «Лебединое озеро», то всегда получают распроданный зал.

Поэтому мы и видим в театрах «законсервированный» репертуар. Конечно, это ошибка. Потому что балет, как и любое искусство, – это растение, которому нужно дать время на то, чтобы оно взросло, дало цветки. Чтобы в конце мы смогли наслаждаться расцветшим деревом. Для этого балету нужно время. А его обычно не дают – касса побеждает.

Эта проблема характерна именно для региональных театров оперы и балета?

Да нет, просто столичным театрам в силу объективных причин проще бывает найти баланс между классикой и современностью. Зрители в столицах готовы и к тому, и к другому. Но, вы знаете, в последние лет десять все, что касается настоящего искусства, в плане процесса, переехало в регионы – в Екатеринбург, в Пермь, в общем, в провинцию, но не слишком отдаленную от центра.

И если мы возьмем фамилии наших современных и востребованных хореографов: Максим Севагин, Вячеслав Самодуров, Юрий Посохов, Александр Сергеев, Алексей Мирошниченко, – мы обнаружим, что они сегодня ставят везде, а не только в Москве и Санкт-Петербурге. Они работают там, где им дают возможность работать. Это удивительный тренд, который сформировался не вчера, но ярко проявился только в последние годы. И, думаю, в конечном итоге это даст свои плоды.

А почему так происходит? Ведь, навскидку, у того же Большого или Мариинского и денег, и возможностей на порядок больше?

В Большом театре с современным репертуаром и правда все неплохо. Но это все-таки особая история: современные постановки возникают благодаря конкретным спонсорам. Без спонсорских денег ни один современный балет не возникнет – недавний сериал «Балет» в этом плане был очень точен. Про Мариинский театр промолчу. Практически каждый день там идут балеты, поэтому кордебалет задействован в большинстве постановок. Как в этих условиях создавать новое? Когда и старое не успевают показывать. Да, в прошлом сезоне выпустили реконструкцию балета «Дочь фараона». Чтобы выпустить премьеру, театру приходится работать в жестком графике. В итоге в последние годы в Мариинском театре жуткий кавардак с планированием. Откройте сайт Большого театра – увидите расписание опер и балетов на несколько месяцев вперед. В Мариинке такого нет. Но, опять же, столичные театры – это все-таки особая история.

Думаю, большое преимущество России – такое обилие оперно-балетных театров в регионах. Именно там, в регионах, мы сегодня и видим попытки обновления репертуарной политики. И современные хореографы (Самодуров, Севагин, Сергеев и др.) готовы ехать куда угодно, хотя это хореографы топ-уровня – для Большого или Мариинского театров. Но дело в том, что эти топ-театры не могут позволить себе давать по десять премьер одного хореографа в сезон. А эти балетмейстеры, я уверен, могут выпускать и больше десяти спектаклей.

Поэтому мы и наблюдаем исход хореографов из столиц. Это можно назвать децентрализацией. Это хорошо для всех. Для провинциальных трупп это встряска современным балетом, для танцовщиков – возможность заявить о себе и попасть в столичный театр, для хореографов – площадка для экспериментов, для зрителей – причастность к новому искусству.

«Театры подстраиваются под зрителей, которым нужно все и сразу»

Как быть с гальванизированными балетами наследия, этой вечной и повсеместно идущей классикой, которую вроде бы и трогать нельзя, но и оживлять все-таки необходимо?


Изменения в такие балеты, на самом деле, вносят постоянно, просто мы не всегда обращаем на них внимание. Об этом же не объявляют по громкой связи, мол, «с сегодняшнего вечера в таком-то спектакле больше не будет такой-то сцены». Правки вносят незаметно. Но если вы посмотрите записи той же «Спящей красавицы» в Мариинском театре, снятые в 1990-е, и сравните с нынешней редакцией, то поймете, что из балета исчезли целые эпизоды! Почему?

Театры подстраиваются под зрителей, которым нужно все и сразу, и как можно быстрее. Длинные балеты, которые длятся по три часа, а это как раз те спектакли, что относят к великому наследию, мало кому сегодня нужны. Но, к сожалению, из-за стремления все максимально ужать из таких балетов безжалостно выкидывают порой не только мимические эпизоды, но и полноценные танцевальные картины. Театры вычищают даже двухактную «Жизель», потому что и она не продается! Вот «Дон Кихот» продается, а «Жизель» нет, потому что это мрачный спектакль. Балет про мертвых девственниц – как его в упомянутом сериале «Балет» назвали. Кстати, если так спектакль презентовать на реальных афишах, наверное, билеты разлетятся стремительно.

Такие «косметические» редакции – один из способов обновления классических балетов. Стоит оговориться, что такие изменения происходили всегда, еще в течение XIX века классический репертуар изменился до неузнаваемости. Вся эта вечная классика, хотя в программках и пишут – постановка Мариуса Петипа или там, не знаю, Александра Горского, – имеет весьма опосредованное отношение к этим легендарным хореографам. За десятилетия многое изменилось. Скажем, тот же Петипа работал в эпоху, когда в балете главной была балерина. Мужской танец, такой, каким мы его знаем, – это диковинка ХХ века, эры, начавшейся с Вацлава Нижинского. Всевозможные версии «Лебединого озера», которые до сих пор идут на сценах по всей России, основаны на каноническом варианте, который в середине ХХ века сделал в Кировском театре Константин Сергеев. Мужского классического танца в них значительно больше, чем в изначальной постановке Мариуса Петипа и Льва Иванова от 1895 года. То же самое Сергеев сделал и с партией Дезире в «Спящей красавице». Ему было скучно просто «обслуживать» танцовщицу – вот он и сочинил для себя новые сольные сцены. Впоследствии их стали танцевать и другие артисты – и танцуют и до сих пор.

Что я хочу этим сказать? Обновление балетов наследия – как правило, это вклад таких вот крупных мастеров, способных на новое слово в искусстве, способных улучшать то, что было создано до них. Таких людей объективно немного во все времена. Но, опять же, у тех хореографов, которых я называл выше, потенциал к такому точно есть.

Но все упирается в человеческий фактор?

Конечно. В театрах есть танцовщики, которые готовы на эксперименты и заглядывают в рот хореографам. Есть, как я уже сказал, хореографы, которые готовы работать где угодно, лишь бы им дали такую возможность. Ограничение пока только одно – боязнь ошибок. Театральная система в России, как правило, не дает права на эксперименты. Рисковать деньгами готовы немногие. Проще ведь выстроить афишу на том, что однозначно даст кассу. Там, где люди в руководстве театров посмелее, там и расцветает жизнь.

При этом кто станет двигателем изменений – это всегда икс. Кто станет этим иксом? Не так уж и важно. В истории балета им оказывались люди самых разных профессий. Это был, например, Иван Александрович Всеволожский, директор Императорских театров в 1881-1899 годах, по факту – чиновник. Но для русского балета он сделал больше, чем многие хореографы и танцовщики вместе взятые. Достаточно назвать лишь «Спящую красавицу» и «Щелкунчика», вышедшие из-под пера Всеволожского – Чайковского – Петипа. Таким иксом могли стать танцовщики – Нижинский, Рудольф Нуриев, Михаил Барышников. Композиторы – Петр Чайковский или Игорь Стравинский. Или хореографы вроде Юрия Григоровича. В любом случае появлялся человек с мощной энергетикой. Такие люди в русском балете есть и сегодня. Задача – не отпугнуть. Им не надо даже помогать, просто не мешайте.

«Грани современного танца неисчислимы»

С учетом всех событий, отказа Запада от сотрудничества с русским балетом на каком этапе мы сейчас оказались? Вернулись к закрытой модели советского балета?


Сейчас затишье перед бурей. И вскоре должно что-то произойти. Идет смена поколений – старые руководители уходят, молодежь потихоньку завоевывает место под солнцем. Все больше и больше театры занимают современные хореографы. Думаю, когда им дадут расправить крылья, когда наконец и сами хореографы оформятся как художники, вот тогда начнется какой-то новый этап развития. Давайте подождем пять-шесть лет.

Десяток балетных театров по России – это благо. Зло – это частные труппы, которые колесят со своими «Лебедиными» или «Спящими» по провинциальным филармониям. Вот это уже профанация. А региональные театры я люблю. И мне очень интересно, что будет происходить в ближайшие годы в том же Екатеринбурге, в Перми, даже в Красноярске, где недавно сменилось руководство. В Новосибирске тоже все более-менее живо, знаю людей, летающих туда из Москвы и Санкт-Петербурга на балеты, которых нет больше нигде в России. Например, на «Собор Парижской Богоматери» Ролана Пети или на «Спартак» в одной из первых редакций Юрия Григоровича, которой давно нет и в Большом. Неожиданно заявил о себе и Ростов-на-Дону с Иваном Кузнецовым во главе балетной труппы.

Везде артисты балета хотят танцевать современный репертуар. Времени у них мало – 20-25 лет, и все. Надо успеть. Артисты балета везде страдают от постоянных «Спящих красавиц» и мечтают о европейском балетном репертуаре. Уберем слово «европейский», скажем иначе – мечтают о современном репертуаре, о новой хореографической лексике. Она может быть разной. Грани современного танца неисчислимы. Это классический танец – торжество формы, пресловутых пяти позиций, а современный – это постоянные отклонения от формы, порой очень сильные.

Для артистов это чрезвычайно важно. Это дает им возможность развиваться. Если сегодня артист танцует балет Баланчина, завтра – Форсайта, а послезавтра Григоровича или Фокина, в итоге на выходе получается уникальный танцовщик, который волей-неволей начнет привносить в каждый балет то, что он накопил «на стороне». И это прекрасно. Это как раз еще один способ обновления и классического наследия.

Арсений Суржа – театральный критик, историк балета, продюсер. Директор Лаборатории балетной критики (Санкт-Петербург).

===================================================================
ВСЕ ФОТО и ВИДЕО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 27078
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Мар 10, 2024 1:31 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2024031001
Тема| Балет, Бурятский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Андрис Лиепа, Баярто Дамбаев
Автор| Наталия Грюнвальд
Заголовок| От дьявола к Богу
Бурятский театр оперы и балета воскресил нашумевшие постановки прошлого века

Где опубликовано| © газета НОМЕР ОДИН
Дата публикации| 2024-03-10
Ссылка| https://gazeta-n1.ru/news/culture/131581/
Аннотация| Премьера



В Улан-Удэ на сцене театра оперы и балета состоялась первая в этом году премьера. Зрителю показали восстановленные версии балетной сюиты и сценической кантаты немецкого композитора. Увидеть подобное вновь можно будет только в конце апреля. «Номер один» узнал, почему постановки вызывали много споров в прошлом столетии, что стало основой их сюжетов и как обывателю посмотреть балет так, чтобы насладиться им сполна.

Лучшие из лучших

Для БГАТОиБ этот год начался с оглушительного аншлага. Билеты на вечер балета, состоящий из двух отделений, раскупили задолго до показа сюиты «Шопениана» (12+) на музыку Фредерика Шопена и демонстрации сценической кантаты немецкого композитора Карла Орфа «Кармина Бурана» (12+).

- В нашем театре состоялась долгожданная премьера спектакля из двух самостоятельных постановок. Для восстановления балета «Шопениана» мы пригласили выдающегося танцовщика, друга нашего театра Андриса Лиепу. Музыку оркестровал наш великий Александр Глазунов. Я при любой возможности стараюсь играть его сочинения, а здесь его оркестровку. По моему ощущению, наши танцовщики и балерины не только были впечатлены, но и заражены любовью Андриса к этой музыке, к этой хореографии, - говорит художественный руководитель Бурятского театра оперы и балета Владимир Рылов.

Андрис Лиепа не просто хореограф и режиссер, а звезда мирового балета. После окончания Московской академии хореографии его пригласили в труппу Большого театра, где он исполнял ведущие партии. Например, в балетах: «Щелкунчик» (6+), «Спящая красавица» (6+), «Жизель» (12+), «Раймонда» (12+), «Лебединое озеро» (12+), «Иван Грозный» (16+), «Золотой век» (16+). Стоит отметить, что Андрис Лиепа был одним из немногих, кто покорил американскую сцену - Метрополитен-опера.

Что касается возобновления легендарной «Кармины Бураны», то ее на свои плечи взял заслуженный артист нашей страны, главный балетмейстер театра Баярто Дамбаев. В его послужном списке можно найти не только ведущие партии, но и две главные роли в знаменитых художественных фильмах «Пегий пес, бегущий краем моря» (6+) и «Горький можжевельник» (12+).

Дегустация искусства для французов

Официально история балета «Шопениана» берет свое начало в 1906 году, когда Михаил Фокин, уже поставивший несколько балетов для воспитанников хореографического училища, получил возможность продолжить свое дело на сцене Мариинского театра. Спустя три года его постановки выбрал Дягилев, внеся их в список для «витрины русского искусства».

В 1909 году Сергей Дягилев организовал шоу-балет «Русские сезоны» (16+), который представил публике Парижа. Труппа состояла из лучших артистов царской эпохи. Среди них были такие, как Анна Павлова, Вацлав Нижинский, Тамара Карсавина и т. д. Имен очень много.

- «Шопениана» оказалась в числе первых русских спектаклей, которые французы увидели на сцене театра Шатле. Это была сенсация, поскольку раньше романтическим балетом владели лишь они и были лучшими. Но наши артисты показали, что тоже умеют чувствовать этот стиль. Важную роль сыграла и хореография Фокина. Она воплотила в себе избранные шедевры мирового романтического балета, - отмечает звезда мирового балета Андрис Лиепа.

«Изюминка» «Шопенианы» в том, что в постановке нет сюжета. Это короткий и абстрактный балет, где некий юноша романтично танцует в компании двух-трех сильфид под музыку Шопена. Историки отмечают, что Фокин не хотел навязывать звучанию излишние сюжеты. Поэтому поставил хореографию так, чтобы она следовала настроению композиции без всяких смыслов.

Мораль на грани бесовщины

Говорить о балете «Кармина Бурана» непросто. Это вокально-инструментальное произведение для солистов, хора и оркестра немецкого композитора Карла Орфа. Которое он написал на собственное либретто в 1935 - 1936 гг. по мотивам средневековых стихотворений. Основное содержание кантаты составляют картины жизни: тонкие краски весенней природы и нежность человеческих чувств, красота жизни и ее торжественное прославление. Но в то же время на сцене буквально борются земные противоречия: счастье и горе, благополучие и нищета, радость и слезы сменяют друг друга в необузданном веселье.

- Считается, что Карл Орф написал сочинение дьявольское. Я, между прочим, так не думаю. Это сочинение о борьбе с дьяволом, об отказе от него. И вы почувствуете это. Ковтун нашел решение, когда новая жизнь идет на смену нашим старым грехам. Спектакль выбран нами не случайно. Приняв этот театр 2,5 года назад, я услышал от нашего директора Дмитрия Артамоновича: «Маэстро! Меня все вокруг просят и спрашивают, когда будет Кармина Бурана?». Выбор пал на нее, потому что инициатива много лет шла от наших зрителей, наших слушателей. Конечно, это налагает на нас дополнительную ответственность. Но мы уверены - вам все понравится, - говорит Владимир Рылов.

Сюжетная линия кантаты непостоянна и переменчива. Но центральным стержнем является размышление об изменчивости Фортуны. Которая меняет человеческие судьбы, а после ускользает без следа, чтобы вернуться вновь.

Стоит отметить, что отрывки из «Кармины Бураны» использовались во многих современных проектах, особой популярностью пользуется увертюра O Fortuna. Ее версии и обработки записывали многие музыкальные исполнители, среди них даже был хор Турецкого. А в 1983 году известный музыкант и клавишник группы The Doors Рэй Манзарек выпустил свой сольный альбом с названием легендарной кантаты Carmina Burana.

«Узкомыслие» - самый худший порок

Затрагивая тему понимания балета, стоит не забывать о том, что зрители, допустим 19 - 20 вв., были образованнее. Они хорошо разбирались в мифологии, библейских сюжетах, в художественной литературе и т. д. Балет - вид сценического искусства, который буквально состоит из классических сюжетов. В основе них лежит зачастую одно - борьба между добром и злом. Но все это фоново сопровождается сюжетами из истории, не зная основу которых практически невозможно получить удовольствие от спектакля.

Однако, чтобы разобраться в том, как смотреть балет и зачем, мы обратились к знаменитому выпускнику Бурятского хореографического колледжа. К артисту балета, который выступал на мировых площадках России, Европы, Азии и Южной Америки. Хореографу, организатору мастер-классов, фотовыставок и танцевальных фестивалей Павлу Окуневу.

- История «Кармины Бураны» невероятна. Ее тексты долгое время прятали в старинном монастыре. Поскольку призыв рукописи сомнительный: пейте, гуляйте, любите друг друга. Я тоже слышал, что это произведение дьявольское. Но оценка зависит от зрителя. От его внутреннего состояния и от того, как он себя настроит. Если смотреть на «Кармину Бурану» как на призыв, то будет сложно. А если как на зеркало пороков, то это уже совсем-совсем другое. Получается, что как ты посмотришь - так и увидишь. Все просто, - разводит руками Павел Окунев.

Манускрипт «Кармины Бураны» был обнаружен 221 год назад в баварском монастыре Бенедиктбойерн. Как раз в год, когда деятельность бенедиктинского ордена упразднили.

Изначально, чтобы понять балет - надо определить, какой он. Вариантов зачастую два: либо это визуальный балет, либо сюжетный. Если вы пошли на второй, то заранее ознакомьтесь с содержанием и предысторией постановки. А в идеале хореографы рекомендуют еще просмотреть отрывки из предшествующих спектаклей.

- Балет «Шопениана» бессюжетный. На такие постановки обычно ходят за красотой. Поскольку это абсолютно визуальная история. Которая раскрывается в разных гранях: через красоту линий, музыки, костюмов, через движения артистов. Это можно сравнить с живописью. Возьмем Айвазовского «Девятый вал» - сюжета нет, но, глядя на картину, вы наполняетесь морем эмоций. Тот же Суриков - «Боярыня Морозова»: вы также получаете неизгладимое впечатление от увиденного, а еще там заложен полноценный сюжет. С балетом все то же самое, - объясняет Павел Окунев.

К сюжетным балетам можно отнести «Жизель», «Щелкунчика», «Лебединое озеро» и т. д. Все они пронизаны определенным рассказом и наполнены мизансценами. Они словно маяки подсказывают зрителю сюжет. Допустим, танцор приложил руку к своему сердцу, а после протянул ее главной солистке - любовь. Герой сжал кулаки и устремил свой взгляд в пол - случилась трагедия. Правда всегда полагаться на язык жестов в балете не стоит. Без изученной предыстории это будут просто движения.

Многие могут задаться вопросом, а зачем вообще нужен балет? Для чего людям искусство? Хотелось бы обратить внимание, что именно оно воспитывает в человеке порядок. Любовь к красоте и вкусу.

- Если общество будет состоять только из рабочего класса, то все будет в окурках и мазуте. Я не раз сталкивался с высказываниями: «А зачем нам эти сладкие культурные деятели? Которые за деньги свысока учат - куда нам смотреть и что нам любить. Мы - налогоплательщики и вот такое спонсируем?». Я больше чем уверен, что у людей, не признающих эстетику, очень маленький мир. Который заканчивается городом проживания, если не районом в нем, - отмечает хореограф.

Сейчас премьеры долгожданных «Шопенианы» (12+) и «Кармины Бураны» (12+) позади. Однако те, кто не успел тогда приобрести билеты и сходить, имеют шанс купить их на апрель. Легендарные постановки покажут вновь 27 и 28 апреля.

Фото Николай Дулбаев
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 27078
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Мар 11, 2024 7:17 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2024031101
Тема| Балет, , Персоналии, Наталья Воскресенская
Автор| Анна Ельцова
Заголовок| Наталья Воскресенская: Возрождая забытое наследие
Где опубликовано| © интернет-версия журнала "Балет"
Дата публикации| 2024-03-11
Ссылка| https://balletmagazine.ru/post/natalya-voskresenskaya
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Последнее двадцатилетие можно по праву назвать эпохой Ренессанса старинной хореографии. Премьера любого забытого шедевра является событием и вызывает большой резонанс. Имена хореографов-реставраторов, таких как Сергей Вихарев или Юрий Бурлака, известны во всем мире. К сожалению, нечасто вспоминают имя Натальи Николаевны Воскресенской — человека, стоявшего у истоков реставраторского движения.

Наталья Воскресенская — заслуженная артистка России, балетмейстер-реставратор, педагог и историк балета. Двадцать один сезон она танцевала в Московском музыкальном театре им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко. Со дня основания «Кремлевского балета» работала там педагогом-репетитором. Старинные балеты и процесс их реконструкции стали настоящей страстью балетмейстера. Невероятное количество сил и времени Наталья Николаевна потратила на возрождение забытых шедевров Мариуса Петипа, Льва Иванова и Федора Лопухова. Благодаря ей на сцене вновь появились «Вальс снежных хлопьев» из «Щелкунчика» (П. Чайковский и Л. Иванов), «Привал кавалерии» (И. Армсгеймер и М. Петипа), «Миллионы Арлекина» (Р. Дриго и М. Петипа), «Танец часов» из оперы «Джоконда» (А. Понкьелли и М. Петипа), танцсимфония «Величие мироздания» (Л. Бетховен и Ф. Лопухов), «Конек-горбунок», сцена «Похищения Царь-Девицы»
(Ц. Пуни, М. Петипа, А. Горский).




Наталья Николаевна, вот уже более 40 лет Вы занимаетесь реставрацией утраченных балетов. Что подвигло Вас к этому?

Прежде всего любопытство. Мне было очень интересно увидеть забытые балеты, о которых я читала в книжках. Началось все в Московском хореографическом училище, где преподаватель истории балета, наследник великих меценатов Бахрушиных Юрий Алексеевич Бахрушин ненавязчиво смог привить мне интерес к истории балета былых времен. Позже, уже работая в Музыкальном театре им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко, я близко познакомилась с известным балетным критиком Натальей Черновой. Однажды она сказала: «Как бы я хотела увидеть «Вальс снежных хлопьев» в хореографии Льва Иванова». И я загорелась этой идеей.

С «Вальса снежных хлопьев» из «Щелкунчика» все и началось. Работая в «Кремлевском балете», я узнала о существовании гарвардской коллекции, вывезенной инспектором балета Мариинского театра Николаем Сергеевым за границу после революции. Рукописи являются важнейшим подспорьем в работе реставратора. Благодаря гарвардским записям, предоставленным мне выдающимся знатоком истории русского балета, моим большим другом Кендзи Усуи, спустя много лет удалось расшифровать и поставить бесценный «Вальс снежных хлопьев» в Японии.

Что до «Танца часов» из оперы Амилькаре Понкьелли «Джоконда» — путь к ним был тернистым. Я знала, что бывший артист балета Большого театра, знаток старинной хореографии Евгений Качаров восстановил хореографию Петипа в Театре оперы и балета им. С. Айни в Душанбе для замечательной балерины Малики Сабировой. И вот по линии Министерства культуры я приехала в командировку в Душанбе. Счастливая случайность: я попросила собрать исполнителей кордебалета и показать мне хореографию. На репетицию пришло несколько артисток, повспоминали... и я была очарована. Музыка и хореография — все дышало стариной и произвело неизгладимое впечатление. Мечта восстановить «Джоконду» меня пленила!

Реализовать эту мечту Вы смогли в «Кремлевском балете»?

Да. В 1989 году Андрей Борисович Петров предложил создать новую балетную труппу на базе Государственного Кремлевского дворца. Решение было принято. И в числе первых педагогов он пригласил меня. Период организации и становления новой труппы оказался одним из самых продуктивных. В тот год Московская академия хореографии выпустила хорошо выученных танцовщиков, и нашей задачей было заинтересовать их работой в молодой труппе. Чем мы достаточно успешно и занялись. Мы пригласили талантливую Надежду Тимофееву, дочь замечательной балерины Нины Владимировны Тимофеевой. Надя согласилась. Вместе с ней пришли ее одноклассники. Собрался крепкий молодежный состав. А вместе с начинающими артистами давать уроки и вести репетиции пришла и сама Нина Владимировна Тимофеева. Вот удача! Более того, Андрей Борисович пригласил к нам в труппу Екатерину Максимову — в «Кремлевском балете» началась ее педагогическая деятельность. Мы объявили конкурс, просмотрели и приняли артистов из разных городов, и началась работа...

Я предложила открыть сезон нового театра программой, которая не шла на московских сценах, а именно «Вечером старинной хореографии». Все согласились, но премьеру назначили на более позднее время. А сезон мы открыли балетом «Макбет» композитора Кирилла Молчанова, хореография Владимира Васильева. Андрис Лиепа и Надежда Тимофеева блистательно справились с трагическими партиями главных героев. А кордебалет уверенно доказал, что есть интересная труппа с большими актерскими и техническими возможностями.

Через полгода состоялась премьера «Вечера старинной хореографии».

Чем Вы удивили московскую публику?

Программа оказалась очень насыщенной. Первое отделение начиналось так: вальс из «Спящей красавицы», выход Авроры и адажио Авроры с кавалерами, pas de deux из балета «Сильфида», вариация Божка из «Баядерки», знаменитый «Па-де-катр» Пуни, хореография Антона Долина, pas de deux из балета «Карнавал в Венеции» с кордебалетом, два номера из репертуара Анны Павловой, восстановленные Евгением Качаровым, — и заканчивалось «Танцем часов» из оперы «Джоконда». После антракта вся труппа весело сыграла «Привал кавалерии», ранее не виданный на московской сцене.

Как же Вы восстанавливали эти раритеты? Откуда брали текст?

Для восстановления «Танца часов» мы пригласили из Душанбе партнера и супруга Малики Сабировой Музафара Бурханова. Он приехал с тетрадкой, где записаны танцы, показанные Евгением Качаровым. Так мы выучили текст. Тогда я впервые «вписалась» в стиль Петипа, постаралась постигнуть его хореографическое мышление. Это было радостное открытие! После премьеры Музафар Бурханов сказал: «Я не ожидал увидеть такую точную и красивую работу. Передаю и доверяю Вам авторские права на эту постановку». А Нина Владимировна Тимофеева после премьеры поздравила, подарила огромный букет цветов со словами: «Я работала в Кировском театре и много лет в Большом, но такой слаженной работы кордебалета никогда не встречала». Эти воспоминания поддерживают меня в трудные минуты жизни.

За хореографическим текстом балета «Привал кавалерии» мы обратились к знатоку старинной хореографии Никите Александровичу Долгушину. Он прислал двух своих ассистентов, которые очень быстро и достаточно схематично показали общий рисунок. Пришлось разложить все танцы на элементы, потом собрать в общую сюжетно-комедийную композицию. Для нас это был увлекательный поиск актерских находок. С каким же юмором артисты танцевали этот балет!

Впоследствии мне удалось поставить «Привал кавалерии» в Якутском хореографическом училище им. А. и Н. Посельских, в Театре оперы и балета в Республике Коми и в Японии.

Важнейшим делом Вашей жизни стала расшифровка рукописи и постановка знаменитой танцсимфонии «Величие мироздания», созданной хореографом Федором Лопуховым на музыку IV симфонии Людвига ван Бетховена.

«Кто хочет знать, что я за человек, смотри танцсимфонию «Величие мироздания», — написал Федор Васильевич на первой странице хореографической партитуры. В этом балете он выразил свое творческое кредо. Но, к сожалению, оно не было понято современниками. Какие смыслы заложены в танцсимфонии?

7 марта 1923 года на сцене Мариинского театра в Петрограде состоялось выдающееся событие — единственное представление балета, ставшего легендой на многие годы. Это был путь, проложенный хореографом-первооткрывателем в неизведанные дали симфотанца. Но авангард русского балета тут же был низвергнут мощной волной надвигающегося драмбалета.

Вера Лопухова в безграничные возможности классического танца была абсолютна: музыка и хореография могут выразить самые сложные философские проблемы — от появления света и жизни на Земле до места человека в окружающей природе среди питекантропов, птичек и бабочек; от проблемы жизни и смерти до вечного движения человечества к величию мироздания.

Чтобы отразить в музыке и хореографии эту невиданную ранее на балетной сцене тему, хореограф использовал классический танец в его полном объеме: виртуозные прыжки, вращения, пальцевая техника, заноски.

Открытием новой формы танца — симфотанца — мир обязан русской балетной мысли и ее создателю Федору Лопухову, продолженной впоследствии первыми исполнителями танцсимфонии «Величие мироздания» Джорджем Баланчиным и Леонидом Лавровским.

Отечественная культура не смогла по достоинству оценить наследие Лопухова. Многие годы балет-легенда, закодированный автором, оставался непризнанным. Лишь благодаря записи балета, сделанной хореографом для потомков и пережившей блокаду Ленинграда, появилась возможность оценить талант Лопухова в полной мере.

Сохранившаяся с 1922 года авторская рукопись, любезно предоставленная директором Санкт-Петербургского музея театрального и музыкального искусства Натальей Ивановной Метелицей, открыла передо мной изобретательное, темпераментное хореографическое мышление великого русского балетмейстера.

Понадобился год кропотливого труда, чтобы тщательно расшифровать каждое движение, соединить такт за тактом партитуру IV симфонии Бетховена с хореографической партитурой Лопухова и осуществить постановку танцсимфонии на балетной сцене.

На первой странице партитуры начертаны слова автора: «Неужели не найдется человека, который сможет меня понять?» Много лет этот молчаливый упрек Федора Лопухова не давал мне покоя. Решилась!

Второе рождение спектакля состоялось в Токио на сцене New-Port Theatre 15 октября 2000 года.

В программе значились также «Танец часов» и «Привал кавалерии».

В Японии спектакль получил премию как лучший балет сезона. Но, к сожалению, в нашей стране реконструкция танцсимфонии «Величие мироздания» осталась незамеченной.

Сегодня зрителю предлагаются спектакли самых разных стилей: от барокко до постмодерна. Старинные балеты всегда ожидаемы и имеют успех. Как Вы думаете, почему?

Классика бессмертна. Живопись, архитектура, музыка, хореография притягивают, обогащают и делают жизнь прекраснее. Повторяю, классика бессмертна!

Фото: личный архив Натальи Николаевны Воскресенской
======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 27078
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Мар 11, 2024 10:33 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2024031102
Тема| Балет, Большой театр имени Навои, Международный фестиваль оперы и балета. Персоналии,
Автор| Анна Галайда
Заголовок| Сказка в космосе: Худрук "Урал Балета" поставил своего "Щелкунчика" в Ташкенте
Где опубликовано| © Российская газета - Федеральный выпуск: №53(9295)
Дата публикации| 2024-03-11
Ссылка| https://rg.ru/2024/03/11/skazka-v-kosmose-hudruk-ural-baleta-postavil-svoego-shchelkunchika-v-tashkente.html
Аннотация|

В Ташкенте на сцене Большого театра имени Навои проходит традиционный Международный фестиваль оперы и балета. В его программе соседствуют санкт-петербургский Театр балета под руководством Бориса Эйфмана и труппа британца Акрама Хана, оперная премьера итальянца Стефано Поды и бенефисный вечер Светланы Захаровой.


Маша становится подростком, а рождественский вечер перерастает в космическое путешествие с принцем. / Большой театр оперы и Балета имени Алишера Навои

Открыл фестиваль "Урал Балет", который привез две программы - "Ромео и Джульетту" Вячеслава Самодурова и вечер одноактных балетов. Связь екатеринбургской труппы со столицей Узбекистана сложилась минувшей осенью, когда худрук "Урал Балета" Максим Петров с собственной постановочной командой был приглашен в Большой театр имени Навои для постановки новой версии "Щелкунчика".

====================================================================
ДАЛЕЕ - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 27078
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Мар 11, 2024 10:40 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2024031103
Тема| Балет, XXIV международный фестиваль балетного искусства. Персоналии,
Автор| МИЛА КИЯН
Заголовок| На фестивале Рудольфа Нуреева в Уфе выступят солисты российских театров
Откроется фестиваль традиционно в день рождения легенды балета 17 марта

Где опубликовано| © «МК в Башкортостане»
Дата публикации| 2024-03-11
Ссылка| https://ufa.mk.ru/culture/2024/03/11/na-festivale-rudolfa-nureeva-v-ufe-vystupyat-solisty-rossiyskikh-teatrov.html
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

XXIV международный фестиваль балетного искусства, который пройдёт в башкирской столице с 17 по 23 марта, станет самым масштабным за всю историю его существования.



Фестиваль имени Рудольфа Нуреева, созданный по инициативе легендарного российского балетмейстера Юрия Григоровича и его башкирского коллеги Шамиля Терегулова в 1993 году, неизменно пользуется большим успехом у публики, ведь в нем принимают участие не только ведущие танцовщики Башкирского театра оперы и балета - организатора фестиваля, но и приглашённые артисты из ведущих театров страны. В год 450-летия Уфы праздник классического танца обещает стать особенно масштабным, как по продолжительности, так и по количеству артистов, представляющих театры разных регионов, в том числе два главных театра России - Большой и Мариинский.

Откроется фестиваль традиционно в день рождения легенды балета 17 марта гала-концертом "Его зовут Рудольф Нуреев", в котором примут участие как уже известные уфимской публике артисты, такие как, например, Олег Габышев, солист питерского Театра танца Бориса Эйфмана, исполняющий главную партию в прошлогодней премьерной постановке "Рахманинов. Симфония длиною в жизнь", так и те, кто впервые выйдет на уфимский сцену. Ещё два театра из Санкт-Петербурга - Мариинский и Михайловский - представят на гала-концерте Мария Буланова и Иван Оскорбин. Московский театр "Кремлёвский балет " представят Екатерина Первушина и Даниил Росланов, Московский музыкальный театр им. Станиславского и Немировича-Данченко - Артур Мкртчан, Татарский театр оперы и балета - Ильнур Гайфуллин.

Следующие четыре фестивальных дня будут отданы балетам, среди которых и те, в которых Рудольф Нуреев блистал в главных партиях на самых знаменитых сценах мира. 19 марта будет представлен национальный балет "Журавлиная песнь", 20 марта - балет "Дон Кихот", где главные партии будут исполнять солистка башкирской трупы Ирина Сапожникова и солист Московского музыкального театра им. Станиславского и Немировича-Данченко Иван Михалёв. 21 марта в программе один из самых любимых балетов Нуреева -"Сильфида" с солистами Большого театра Елизаветой Кокаревой и Денисом Захаровым. 22 марта в "Лебедином озере" главные партии исполнят ещё двое танцовщиков Большого театра - Ольга Марченкова и Дмитрий Выскубенко.

Завершится фестиваль 23 марта ещё одним грандиозным гала-концертом "Легенда балета". Большой театр вновь представят Ольга Марченкова, Дмитрий Выскубенко и Денис Захаров, Московский театр балета классической хореографии La classique - Надежда Иванова, екатеринбургский театр "Урал Опера Балет" - Александр Меркушев, Самарский театр оперы и балета - Сергей Купцов. Международный статус фестиваля обеспечат двое танцовщиков из Казахстана: солисты театра "Астана-Опера" Адамжан Бахтияр и Айдан Калжан.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу 1, 2, 3, 4, 5  След.
Страница 1 из 5

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика