Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2023-12
На страницу 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 26915
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Дек 01, 2023 9:18 pm    Заголовок сообщения: 2023-12 Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2023120101
Тема| Балет, БТ, Дебюты, Персоналии, Денис Родькин
Автор| Полина Сурнина
Заголовок| БЛЕСТЯЩАЯ ПАРТИЯ
Где опубликовано| © бортовой журнал «Аэрофлот», стр. 18-20
Дата публикации| 2023 декабрь
Ссылка| https://netstorage.aeroflot.ru/journal/Aeroflot_December_2023.pdf#page=11
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Дeнис Рoдькин о балетах-блокбастерах, о сценическом равноправии и о том, что делать, когда приходит пора завязывать с белыми колготками

Выпускник хореографического училища при театре танца «Гжель», премьер Большого Денис Родькин и не мечтал работать в главном театре страны, но в итоге свои партии получил непосредственно от Юрия Григоровича. В декабре он представляет программу «Christmas балет-гала. Денис Родькин и друзья»: 10-го ее покажут в Кремлевском дворце, а 12-го – в БКЗ «Октябрьский» в Санкт-Петербурге.


ФОТО: АЛИСА АСЛАНОВА

Денис, когда появился проект «Денис Родькин и друзья»?

В 2020 году, во время пандемии. У меня есть очень хороший импресарио, он живет в Афинах и предложил устроить гала-концерт под открытым небом на сцене Herodion у подножия Акрополя. К моему огромному удивлению, там собралось 5000 человек. Это так вдохновило, что я решил развивать проект. Мы уже показали его в Новосибирске, Красноярске и Дубае. Программа всегда разная, но есть постоянные участники – премьеры Большого театра Семен Чудин и Михаил Лобухин, прима Большого Элеонора Севенард. А поскольку концерт рождественский, программу мы делаем жизнерадостную. Конечно, там будет и «Щелкунчик».

Когда вы впервые станцевали Принца в «Щелкунчике» в Большом?

В 2014 году. Сам Юрий Николаевич Григорович, который поставил этот балет, меня утвердил на эту партию, хотя вначале у него были сомнения. Он считал, что я Спартак, а не Принц. Но потом пришел к выводу, что в очень редких случаях один человек может быть и героическим Спартаком, и лирическим Принцем. Тем более что Спартак – личность разносторонняя: когда с ним рядом любимая женщина, он лиричный, а в сцене боя – типичный тестостероновый герой.

Для вас было волнительно становиться Спартаком?

Очень. Мне было 22 года. Я не спал всю ночь, не веря, что я вообще могу станцевать Спартака. Это неимоверно сложная партия, но если правильно относиться к ней, она приятная. Есть балеты, где ты задыхаешься и не понимаешь, за что ты умираешь на сцене, потому что зритель не может это в полной мере оценить. А в «Спартаке» ты понимаешь, что отдаешь свою сценическую жизнь за сценическую свободу, и зритель это понимает, и это дает силы. В этой партии очень много интенсивных танцев, акробатических поддержек, прыжков. Там в каждом акте есть момент, когда так тяжело, что хочется убежать со сцены.

Позволю себе не балетную ассоциацию – вы же и за футбольную команду «Спартак» болели?

Я сначала болел за «Спартак», потом за лондонский «Арсенал», а сейчас ни за кого не болею, но крупные чемпионаты смотрю и по-прежнему считаю футбол очень красивой игрой. В 1996 году, когда я им увлекся, «Спартак» блистал. Это были времена Андрея Тихонова, Егора Титова, Александра Филимонова. Я был настолько преданным болельщиком, что других клубов для меня просто не существовало.

А другие театры, кроме Большого, вы рассматривали?

Я Большой театр вообще не рассматривал: считал, что из хореографического училища при театре танца «Гжель» невозможно попасть в Большой. В детстве этот театр для меня был Олимпом, где танцуют боги. Я думал, что пойду в Кремлевский балет. Кроме того, меня сразу взял на солиста Борис Яковлевич Эйфман. Но жизнь сложилась иначе.

А как вы оказались в хореографическом училище?

Оно было недалеко от дома. Все довольно случайно произошло. Я очень благодарен судьбе за то, что она у меня нестандартная.

Любовь к классическому балету у вас возникла постепенно?

Наоборот, я его полюбил за секунду. Мне мама подарила кассету «Лебединое озеро», где танцевал Нуреев. Я восхитился. А что танцевать в Большом театре – это мечта, понял, увидев балет «Спартак» с Владимиром Васильевым. Эту видеокассету тоже купила мама. Она поддерживала мой интерес, но не думала, что он выльется во что-то профессиональное.

Вам 33 года. Возникает ощущение, что некоторые партии постепенно начнут уходить из репертуара? И есть что-то, что вы не успели пока станцевать?

«Лебединое озеро» я лет через пятьшесть уже не буду танцевать. Попросту говоря, смешно, когда на сцене сорокалетний мужчина в белых колготках. Уже надо другой репертуар исполнять. А «Спартака» можно и в сорок станцевать, дай бог сил. Оставалась, кстати, одна партия для молодого танцора, которую я еще не исполнял, – Ромео. Но в ноябре я наконец сделал это: мы с Элеонорой Севенард станцевали Ромео и Джульетту на фестивале в Бурятии.

Следующий этап – чтобы хореографы ставили уже на вас?

Я этого хочу. Пока не буду раскрывать тайну, но с одним хореографом мы уже договорились. Кроме того, Борис Яковлевич Эйфман предложил мне выбирать любой балет из их большого репертуара. Смотрю, что мне подойдет. Вообще ставить что-то новое – сложная задача. Надо продумать, чтобы совпали музыка и площадка, на которой ты будешь работать. Бале - ты, которые весь мир считает шедеврами, признают не на всех площадках.

Куда Большой поедет на гастроли в следующем году?

В Оман повезем «Раймонду», а в Шанхай – «Спартак». Балет в Китае развивается активно. На конкурс «Бенуа де ла данс» в июне приезжали танцевать «Жизель» китайцы – юноша и девушка. У обо - их потрясающие данные. Китайцы могут составить конкуренцию российскому балету. Но это и хорошо, без конкуренции нет развития.

Кстати, а вы видели «Жизель» Акрама Хана, где он сделал заглавную героиню мигранткой?

Да, я был в восторге. Причем изна - чально был настроен скептически: опять «Жизель», что он там нового сделает? А Хан вообще другой спектакль поставил, со своим про - чтением. Бывает такое: смотришь интересный фильм и не можешь оторваться. Так же и я посмотрел этот балет.

А какие еще спектакли с современной хореографией вам понравились?

«Мастер и Маргарита» Эдварда Клюга в Большом театре. Это одна из моих любимых книг, но я вообще не думал, что по ней можно сделать балет. В итоге тоже смотрел его с таким увлечением, как будто это качественное кино, где я не знаю сюжета. Увидев Воланда, сразу захотел его станцевать и попросил эту партию. В фильме я вряд ли смог бы его изобразить, у меня внешность скорее Мастера. Но на балетной сцене это оказалось возможным. Там все поставлено как мне нравится, замечательные режиссерские находки. Брат после спектакля удивлялся: «Я никак не мог понять, как ты появился из-под земли». Я его успокоил: «Чудеса магии!»

У вас в репертуаре есть еще один балет по знаменитой книге – «Анна Каренина» Джона Ноймайера. Как вам работалось с Джоном?

С ним очень интересно. Он не столько хореограф, который ставит движения, сколько философ, извлекающий из произведений суть. Он ее видит по-своему и пытается донести до артиста. Танцуя балеты Джона, ты и произведения, по которым они поставлены, воспринимаешь иначе. Он специально собирает труппу, чтобы объяснить, как он видит постановку. Потом начинается работа над деталями.

Ноймайер каждому артисту предлагает свою трактовку. В балете есть определенный счет, и каждый состав должен сделать именно на этот счет одинаковые движения. Если Джон видит, что артисту идет сделать по-другому, он меняет рисунок. Данные-то у всех разные: допустим, у меня – прыжок полетный, высокий, у кого-то – вращение, у кого-то – феноменальное чувство позы. У нас было три состава в «Анне Карениной», и у каждого в рисунке – что-то свое.

Так не каждый хореограф делает?

Не каждый. Даже если поставленное тебе не идет. Приезжали из Фонда Крэнко учить танцевать «Онегина». Там поставлено шене вправо, нужно крутиться. Я говорю: «Можно влево? Я левша». Ничего страшного в этом нет. Нет, нельзя, ты мучайся, но сделай так, как они сказали.

То, что вы левша, дает о себе знать?

В балетах Григоровича – нет, он сам левша. Как и Васильев, на которого он ставил «Спартака».

А правда ли, что в балетной иерар хии прима стоит выше премьера, или этот подход уже устарел?

Устарел. Как раз Юрий Григорович превознес мужской танец на небывалую высоту, уравняв его с женским. На сцене должно быть два танцовщика – прима и премьер. Не должно быть такого: «О, моя под - ставка появилась, пусть поддерживает меня сзади». Это мешает целостности спектакля. Мы же не танцуем балет, где балерина и ее слуга, у нас балет, где мужчина и женщина, два равноправных чело - века, влюбляются друг в друга.
==========================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пт Дек 08, 2023 5:34 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 26915
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Дек 01, 2023 10:37 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2023120102
Тема| Балет, НОВАТ, Персоналии, Екатерина Забровская
Автор| пресс-служба
Заголовок| Итоги уходящего года. Балерина Екатерина Забровская
Где опубликовано| © сайт театра
Дата публикации| 2023-12-01
Ссылка| https://novat.ru/news/interview/itogi-ukhodyashchego-goda-balerina-ekaterina-zabrovskaya/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Начался финальный месяц 2023 года. Под занавес уходящего года мы предложили артистам НОВАТа рассказать, чем он им запомнился. Цикл предновогодних публикаций открывает солистка балетной труппы НОВАТа Екатерина Забровская.

Выпускница Новосибирского хореографического училища впервые обратила на себя внимание год назад экспрессивным исполнением Танца басков из балета «Пламя Парижа» в Дивертисменте хореографических номеров, созданных мастерами XX века. С того времени творческий багаж балерины пополнили три ведущие партии.

О самых важных событиях артистка рассказала в интервью.



Уходящий год был для вас достаточно успешен. Вы станцевали несколько ведущих партий в трех спектаклях. Расскажите, что за 2023 год у вас произошло интересного в театре?

Произошло очень много приятных премьер, неожиданных премьер. Начался год с моей премьеры в партии Эсмеральды в «Соборе Парижской Богоматери». Я очень долго готовилась, так как это был первый ведущий спектакль, первая ведущая партия, очень мне близкая. Я мечтала станцевать этот спектакль и очень рада, что год начался с исполнения этой мечты.

Вам ближе характерные, динамичные партии или академическая классика?

Мне ближе характерные танцы, более современные. Там больше свободы для самовыражения. То есть все, что идет изнутри тебя самой, ты можешь привнести в партию. Так как я начинающая, в классике я боялась где-то невыворотно встать, принять некрасивую позу. В характерном танце, в современной хореографии это можно воспринять. Балет «Собор Парижской Богоматери» мне по душе. Я перед спектаклем прочитала книгу, было интересно сопоставить постановку Ролана Пети и роман Гюго. Так как своего опыта у меня пока немного, я старалась больше смотреть. Я смотрела записи разных балерин, сравнивала, что-то пыталась брать для своей Эсмеральды. Понравился этот момент – да, мне подойдет, я возьму его. Пыталась создать собственный образ персонажа. А дальше была очень неожиданная для меня премьера – «Золушка». Я не ожидала, что меня увидят в этом образе. Но в итоге я и в этом балете нашла свое. Мне было тяжело, но если мне сказали, что надо сделать, я обязательно сделаю. Для этого ищу какую-то эмоцию внутри себя, внутренний стимул.

Какой у вас стимул? Доказать, что вы лучшая?

Нет, я очень самокритичная, очень придирчива. У меня не было, наверное, ни одного балета, ни одного выступления, чтобы я сказала себе, что я молодец. Но, пожалуй, именно это помогает мне добиваться цели: есть для чего работать. Станцевала спектакль – посмотрела видео, ужаснулась, но появилось понимание слабых своих мест. Я после каждого своего спектакля заметочки себе делаю, записываю, над чем нужно поработать. Прихожу на класс и начинаю над этим работать, чтобы к следующему спектаклю обязательно был какой-то прогресс.

А удалось вам станцевать спектакль, о котором вы особенно мечтали?

Да, это «Radio and Juliet»/«Радио и Джульетта» на музыку Radiohead в постановке Эдварда Клюга. Эта постановка была моей любимой со времен учебы. Когда я пришла в театр, я не пропускала ни одного спектакля. И вот станцевала Джульетту.

А что вам в нем больше нравится? Музыка или хореография?

Сочетание всего. Когда я готовилась, я переслушала все треки, вся музыка была постоянно в ушах. Потому что мы же привыкли танцевать под другую музыку. И такую музыку надо очень хорошо слышать, хорошо чувствовать. Однажды я посмотрела очередной спектакль, после него подхожу к педагогу-репетитору Максиму Гришенкову, говорю: «Поздравляю, так спектакль почистили, мне сегодня очень понравилось». Он говорит: «Да, спасибо. Через месяц стоит спектакль, давай готовиться». Я чуть не завизжала от радости! На следующий день, по-моему, выходной был, но я прибежала в театр, чтобы скорее учить, поскорее взяться за работу, поскорее прикоснуться к этому балету.

Кто был вашим партнером?

Моим Ромео был Никита Ксенофонтов. Спасибо ему большое. Он не в первый раз вводит меня в спектакль. И в «Собор Парижской Богоматери» он меня вводил, и в «Радио и Джульетта». Спасибо ему большое за терпение.

Что еще у вас было из премьер?

Я очень рада, что станцевала Чертовку в премьерном блоке «Щелкунчиков» Григоровича. Но эта премьера готовилась не на таком стрессе, я над ней работала с самого начала репетиций «Щелкунчика», и к тому же мне это очень близко.

Что бы вы еще хотели станцевать?

Безумно хочу станцевать Анюту! Каждый раз смотрю этот спектакль из-за кулис и каждый раз отмечаю, как бы я сделала некоторые моменты. Спектакль тяжелый для исполнения. Еще хотелось бы станцевать в «Ромео и Джульетте» Виноградова. Такие драматические партии.

В каких спектаклях вас можно будет увидеть в декабре и январе?

В декабре у меня две «Золушки»: одна второго декабря, вторая – семнадцатого. Второго декабря я танцую с Игорем Леушиным, семнадцатого – с Романом Полковниковым.

То есть вы уже не только с молодыми ребятами танцуете, но и со звездами.

Да, это очень ответственно, конечно. И я надеюсь, что от Романа смогу очень многое почерпнуть, потому что он очень опытный артист. Мне нравится его подход к работе, то, как он готовится к спектаклям. В январе двадцать седьмого «Золушка», здесь уже я буду помогать вводиться новому Принцу – Евгению Зыбину. Он надежный партнер – хорошо слышит и чувствует, когда тебе неудобно, когда нужно помочь. С ним очень приятно работать.

Во многих декабрьских показах «Щелкунчика» вы будете заняты?

Я думаю, что ни одного спектакля «Щелкунчик» я не пропущу. Я уверена, что весь марафон я пройду, потому что я танцую Фрица, брата Мари.

Не страшно мальчика танцевать?

Не то чтобы страшно, скорее, непривычно. Репетитор из Большого театра Петухов нам в этом очень помог. Вытаскивал из нас, из девчонок, мальчишек. Потому что все Фрицы – девочки, очень женственные. Конечно, было тяжело. Кроме того, в «Щелкунчике» я танцую Русский танец и Чертовку.

Русский танец очень известен.

Да, и его еще приятно танцевать, поскольку ты на протяжении всего спектакля ведешь свою линию куклы. Ты участвуешь в подтанцовках, во многих важных сценах. То есть ты не просто вышел, станцевал и ушел, а ты на сцене два акта.

А что за Чертовка?

Чертовка – это кукла, которую Дроссельмейер дарит детям. В первом акте на празднике Черт с Чертовкой противопоставлены Коломбине и Арлекину. Такие рыжие ребятки с рожками, колеса влево-вправо вертят.

В преддверии Нового года пожелайте что-нибудь нашим зрителям.

Я желаю зрителям мира в доме, уюта, тепла, чтобы хотелось возвращаться домой, чтобы в нем было комфортно, чтобы все были здоровы. И обязательно всегда заботиться о себе. Желаю верить в себя, в свои силы, мечтать. Мечтать о серьезном, ставить большие цели и не бояться идти к ним.

В наступающем году ждем новые работы артистки и приглашаем на балет С. Прокофьева «Золушка» с Екатериной Забровской в главной партии 2 и 17 декабря, 27 января.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 26915
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Дек 03, 2023 8:47 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2023120301
Тема| Балет, фестиваль «Дягилев PS», Персоналии,
Автор| Майя Крылова
Заголовок| Клеопатра, Сильфида, внутреннее «Я»
Где опубликовано| © ClassicalMusicNews
Дата публикации| 2023-12-02
Ссылка| https://www.classicalmusicnews.ru/reports/cleopatra-sylphide-inner-self/
Аннотация| Фестиваль

Все это – и многое другое – можно было увидеть на фестивале «Дягилев PS». Он прошел в Петербурге в четырнадцатый раз и, несмотря ни на что, остается международным.


Сцена из балета T.I.M.E. Фото – Михаил Вильчук

Согласно заветам человека, чьим именем назван масштабный проект, фестиваль хоть и оставшийся без западных имен, по-прежнему собирает разные виды искусств. Тут есть музыка и кино, балетные спектакли и интеллектуальные игры. И конечно, выставки, ведь художественный руководитель фестиваля Наталья Метелица – еще и директор Петербургского театрального музея.

В нынешней афише – вокально-музыкальный вечер «Любовь поэта», придуманный пианистом Алексеем Гориболем как контекст живописно-театральной выставки «Суд Париса» в Шереметьевском дворце. Оба события посвящены великим актрисам – от Веры Комиссаржевской, Марии Савиной и Майи Плисецкой до Алисы Коонен, Марины Ладыниной и Любови Орловой. Их жизни на экспозиции преломляются в фокусе любви поклонников, сотрудничества с режиссерами и разного рода внимания властей.

Фестиваль представил балетную программу из Нижнего Новгорода, «Терезин Квартет», о котором я писала:

«Жизни четырех композиторов, чья музыка использована в программе, были насильственно оборваны во время войны».

Еще один спектакль, с танцем катхак, показала индийская балетная компания Адити Мангалдас . В рамках смотра вручили традиционную фестивальную премию «Удиви меня». На этот раз ее получила Диана Вишнева. И было два документальных фильма о танце. Первый – «Донна Таня. Сто лет счастья», рассказывает о внучке писателя Лескова, Татьяне, ставшей балериной в Южной Америке. Фильм снят к столетию танцовщицы и, возможно, будет показан в Москве. Вторая картина, «Ради весны», посвящена знаменитому дягилевскому проекту – балету «Весна священная».

А в финале фестиваля показали программу «Время Долгушина» из Самары и китайский балет «T.I. M. E».

Первый вечер связывает биографию выдающегося ленинградского танцовщика и хореографа Никиты Долгушина с труппой Самарского академического театра оперы и балета, где Долгушин 9 дет руководил балетом. Сейчас другой самарский худрук, Юрий Бурлака, известный приверженностью к реконструкциям и реставрациям, восстанавливает полузабытые и забытые постановки советских времен, Долгушина в том числе. И делает это с присущей ему художественной тщательностью.

Наследие Долгушина – оригинальные балеты и редакции классики. И то, и другое было в афише вечера. Работая в Самаре, мастер взялся за дерзкий проект – вечер одноактных балетов Серебряного века, одним из которых был «Павильон Армиды» на музыку Николая Черепнина. Долгушин создавал спектакль по мотивам спектакля хореографа Михаила Фокина и художника Александра Бенуа. Это был, как правильно сказано в анонсе проекта, «хит «Русских сезонов» Сергея Дягилева в Париже».

В момент работы над самарским «Павильоном Армиды» еще были живы легендарные балетные старики, в России и за границей, что-то помнившие об оригинале. У них Долгушин и консультировался. Конечно, это не аутентичная реконструкция, она невозможна. Даже полную партитуру Черепнина было трудно добыть: ноты заперты в недрах Мариинского театра. В итоге балет сокращен по сравнению с оригиналом, в прологе и эпилоге особенно, и кое-что добавлено по линии мужского танца, но волшебный дух и важнейшие моменты оригинала остаются.

Сюжет простой: 18-й век, некий виконт в бурю ночует в замке некого маркиза, где оживает гобелен с изображением волшебницы Армиды. Бенуа придумал для действия задник с замками, руинами и водопадами. И конечно, сам оживающий гобелен.

За этим как бы пустячком стоит многое: любовь мирискусников и лично Бенуа к старине. Страсть к историческим «скурильностям» (странности и курьезы), Возможность обыграть стиль выбранной эпохи в колористических решениях театральных костюмов (они сочетают житейские и сценические моды восемнадцатого века). Это ностальгия больших художников по культурной сложности и культурным связям. «Армида» – в некотором роде родственница «Спящей красавицы», продукт любви к рафинированному искусству Европы.

К сожалению, спектакль в Петербурге шел под фонограмму, это неизбежно, ибо денег на привоз оркестра фестиваль не имеет. Но сочный колорит традиционалиста Черепнина (и одновременно классическую благородную сдержанность, как у Глазунова) можно было уловить. В музыке почти нет стилизации эпохи, зато много вальсов. И танцевать под нее удобно.

Это возможностью труппа хорошо воспользовалась. Тем более что Юрий Бурлака, следящий за чистотой исполнения классики, провел большую работу. Изящество без усилия в танце без трюков, церемонность и гротеск, плавность и аффекты, классика и характерные пляски, красочная асимметрия и повышенная декоративность – эти принципы хореографии Фокина удачно соблюдены.

Все персонажи, и виконт, во сне воображающий себя рыцарем Ринальдо, и Армида, и ее любимый раб, и буффоны, ведьмы и наперстницы, не выбивались из стиля, танцуя гран па с большим дивертисментом. Наталия Клеймёнова (Армида) была полна игрушечной царственности, бразилец Педро Сеара изображал несколько простодушного виконта, но как он правильно снимал перчатки, палец за пальцем, истинно по-дворянски. Сергей Гаген (Любимый раб) уверенно справился со сложной партией, которую когда-то придумали специально для Вацлава Нижинского.

Второе отделение состояло из фрагментов балета «Кармен» (Бизе-Щедрин) , это оригинальная постановка, сделанная Долгушиным для самарского театра. Тут нет собственно Испании с ее всем известными приметами, а есть молодежный конфликт, стычка преданности и ветрености. Что называется, на все времена.

Толпа в кожаном прикиде, лелеющий честолюбивые планы (в мечтах) лузер Хосе и самоуверенная, привыкшая всем нравиться, девчонка Кармен, а также переконструированная классика в смычке с бытом, вплоть до молодежной танцплощадки – вот котел, вскипяченный воображением постановщика. Судя по фрагментам, это был интересный спектакль, где попытки создать авторский пластический язык во многом увенчались успехом.

К нему добавлены – для более полной характеристики времени Долгушина – два хореографических фрагмента из опусов еще одного ленинградского мастера, балетмейстера Игоря Чернышева. Дуэт Фригии и Спартака из балета «Спартак» и кусок спектакля «Антоний и Клеопатра».

Римско-египетские увлечения Чернышева по лексике и манере подачи танца характерны для позднего советского балета, где аура «Спартака» Григоровича пронизывала, кажется, всё. И тем ценны, как памятник истории. В «Спартаке» солировали прима Самарского балета Ксения Овчинникова и Дмитрий Мамутин, а египетские коллизии (броская, но ранимая царица и ее надменный покровитель) воплотили Полина Чеховских и гость, премьер ГАБТа Денис Родькин.

Завершил вечер второй акт балета «Сильфида» на музыку Левенсхольда. Долгушин некогда сделал редакцию хореографии Бурнонвиля, а ассистент редактора Александра Тихомирова только что восстановила этот романтический танец в Самаре. С учетом предыдущих двух отделений труппа предстала разнообразно и показала, что может многое. Бурлака и в романтике пристально проследил за стилем.

Артистки кордебалета, только что брутально скакавшие на каблуках в «Кармен», преобразились в призрачных дев воздуха, семенящих на пуантах. Ксения Овчинникова (Сильфида) играла в существо, не понимающее роковую суть собственного кокетства, Николай Выломов (Джеймс) старался, как мог, с заносками, и очень выразительна в мстительной злобе была старуха Мэдж в исполнении Дмитрия Сагдеева. Не могу не сказать, что все три действия предварялись кинохроникой: разные партии Долгушина и его комментарии к балетному творчеству.

Китайский вечер стал представлением не только неизвестной в России танцевальной компании (весьма успешной и много гастролирующей), но и знакомством с хореографом, которая только что дебютировала постановкой в Парижской опере.

Автор балета T.I.M.E Си Син сочетает традиции и танцевальный авангард, на ее балете вспоминаешь китайскую пейзажную лирику, учение о Дао, восточные рисунки пером и тушью – и Каннингема с Хортоном. Как сформулировала Наталья Метелица, это «переливы движений и сплетений, сама Син, описывая свой метод, говорит, что придумывает

«мягкие и податливые движения, связывающие большие и малые части тела».

Она говорит и о том, что ее завораживает движение свободного падения, например, листвы.. T.I.M.E – это премьера 2022 года, каждая буква в названии обозначает жизненный этап. T означает «Температура и телепортация»; I — внутреннее Я, личностно важные моменты и воображение; M относится к памяти и разуму, а E — к энергии и эмоциям.

Этот спектакль нашел отклик во многих европейских странах – Франции, Швейцарии, Испании, Люксембурге. А в Россию труппа приедет впервые, и, думаю, нашей публике познакомиться с творчеством хореографа, который востребован, и прямо сейчас обретает большое международное признание, будет действительно интересно. На будущий год у нее есть планы поработать в Москве и поставить свою версию «Коппелии».

Сказать, о чем конкретно этот балет, невозможно и не нужно. Он о невыразимом словами. О движении, которое отражает изменчивость мира – внутреннего и внешнего. То есть грезы и сны, медитации и контакты, перемены контекстов, изменчивая динамика. И сложная партитура света, который означает погружение и выделение, утро и ночь – список можно продолжать долго. Единственное, чего в балете нет, это определенности. Даже финал, который не раз, кажется, наступил, отодвигается вновь и вновь.

В бесконечной круговерти перемешаны люди и предметы: часть последних висит на канатах из-под колосников, поднимаясь и опускаясь, часть (столы и стулья) становится местом действия и партнерами людей в танце. Сам танец развернут в нескольких планах – на авансцене и в глубине, он то ясен, то пропадает в полутьме и дымке, то синхронен для разных солистов и групп, то идет вразнобой. Фигуры обретают двойников, или то ожившие тени? Сон невозможно связно пересказать, можно лишь туманно думать – и вспоминать о нем. А может, нас просто – напрямую – ввели в глубины сюрреализма дрёмы.

На столе лежит книга, наверно, это И Дзин – «Книга перемен». Торшер у стола тоже танцует, как и фонарик на лбу одного из артистов, он вспыхивает в темноте и движется вместе с исполнителем. Предметы качаются, полумрак зыбок, медитация рвется, паузы многозначительны, плавность сменяется резкостью, резкость – рапидом, темпы то совпадают с музыкой, то нет.

Кстати, в музыке Сильвиана Вонга нет ничего китайского, она напоминает фрагменты элегически- дискретного киносаунда и западные опыты с электроникой, но и «живой» звук рояля и трубы тоже записан, хотя громкость иной раз истончается до комариного писка.

Си Син не только комбинирует разные техники западного модерн-данса, но, конечно, приправляет их толикой восточного: кто-то узнает цигун, кто-то даже йогу. Ее метод – не в новаторстве, но в изобретательности подхода, в ловкой убедительности использования известного, в намеках на то, что другие хореографы, как правило, проговаривают более четко и определенно. Да и персонажи в размытых по цвету полувосточных одеждах – не люди, а скорее маркеры грез.

Пластический период может повторяться, но как вокал в арии da capo: с вариациями. Для некитайского зрителя возможны ассоциации с китайской письменностью. И когда в финале сверху падает что- то белое, уверена, не один зритель подумал: как красиво, иероглифы в снегу.

===========================================================================

ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Янв 07, 2024 6:52 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 26915
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Дек 04, 2023 4:05 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2023120401
Тема| Балет, фестиваль «Дягилев PS», Самарский театр оперы и балета Персоналии,
Автор| Тата БОЕВА
Заголовок| Балетный вечер «Время Долгушина» состоялся на сцене БДТ в рамках фестиваля «Дягилев. P. S.»
Вечер прошел в исполнении артистов Самарского театра оперы и балета.

Где опубликовано| © «Санкт-Петербургские ведомости» № 228 (7557)
Дата публикации| 2023-12-04
Ссылка| https://spbvedomosti.ru/news/culture/baletnyy-vecher-vremya-dolgushina-sostoyalsya-na-stsene-bdt-v-ramkakh-festivalya-dyagilev-p-s-/
Аннотация| Фестиваль

Программа была посвящена Никите Долгушину — танцовщику, хореографу, педагогу. Он учился в Петербурге, работал в Мариинском и Михайловском. Возглавлял как балетмейстер Театр оперы и балета в Консерватории. С Самарой артист тоже был связан — руководил в 2000‑е балетной труппой.

«Время Долгушина» — обзор творческого пути. Он собрал классические образцы, которых иногда не хватает публике, и позволил увидеть, что в балете, как в капле воды, отражаются время и окружающий мир.

Трехактный вечер, который составили художественный руководитель «Дягилев. P. S.» Наталья Метелица и главный балетмейстер Самарского театра Юрий Бурлака, начинался и завершился старинными балетами. Их восстановлением Долгушин увлекся в 1990‑е годы. В вечер вошел «Павильон Армиды» Михаила Фокина. Живописный спектакль появился в 1907 году и позже стал одной из значительных постановок ранних «Русских сезонов» Сергея Дягилева, «покровителя» фестиваля.

Сегодня «Армида» смотрится чуть наивно. Медленная, будто собранная из оживших картинок XVII века, почти не танцевальная. Неспешный ритм, который соблюдают самарские танцовщики, погружает в реалии балета начала XX века. Еще жив Петипа, поздние спектакли которого стали пышными зрелищами, существует культ балерины как центра спектакля. И в то же время в «Армиде» уже проглядывают черты первых дягилевских балетов: живописность, возвращение к идеалам романтического танца. Долгушин когда‑то очень точно уловил дух этого спектакля. Уже не Петипа, еще не Дягилев. Момент между большими эпохами.

Рифмой к «Павильону Армиды» стал финал вечера. Самарские танцовщики исполнили второй акт из «Сильфиды» в хореографии Августа Бурнонвиля. В 1970‑е над этой постановкой работал Долгушин. Наивная и простая, «Сильфида» укоренена в своем времени, в начале XIX века, когда балет был камернее и человечнее, чем привычная нам классика Петипа. Вместе с «Армидой» «Сильфида» образовала смысловую пару — настоящий романтический балет и фантазия Фокина о схожей эстетике. Вечер помог увидеть этот «мостик», перекинутый через десятилетия, ощутить, как традиция, словно огонек, передается через поколения.

Центром вечера стали авторские балеты, которые появились во второй половине XX столетия и в первые годы XXI. Название «Время Долгушина» — отсылка к большой танцевальной среде, современникам, окружавшим Долгушина. Одним из них был петербургский автор Игорь Чернышев. Он также возглавлял Самарский балет. Так образовался триптих номеров: дуэт Фригии и Спартака из «Спартака» Чернышева, дуэт Антония и Клеопатры из его же одноименного спектакля и начало «Кармен-сюиты», которую на музыку Жоржа Бизе и Родиона Щедрина поставил Никита Долгушин.

Спектакли появились в разное время и очень точно его отразили. Самый ранний балет, «Антоний и Клеопатра» — экспериментальные 1970‑е. «Геометрическая», формалистская хореография. Тела, которые напоминают резкие росчерки пера. Клеопатра (Полина Чеховских) строга, графична и напоминает рисунки Сергея Эйзенштейна — постановка во многом отсылает к экспрессионистской эстетике 1920‑х годов.

«Спартак» — середина 1980‑х, когда на первый план часто выходила частная жизнь. Дуэт из постановки Чернышева сосредоточен на эмоциях героев. Фригия (Ксения Овчинникова) стекает по телу парт­нера, заранее оплакивая Спартака, исступленно кидается ему на шею. Спартак (Дмитрий Мамутин) нежно, как ценность, кружит ее и сомневается перед боем.

Наконец, «Кармен-сюита» Долгушина 2003 года отражает время перемен. В лексике есть и джаз-модерн, популярный в современном танце в 1990‑е годы, и кабаре, и классика, и размашистые чувственные движения на пуантах. Балет, который, возможно, в момент премьеры смотрелся слишком сию­минутно — как сегодня поставить танцы из соцсетей, — спустя 20 лет оказывается слепком своего времени. Это тоже часть традиции: сохранять старое и тут же искать новое.

Материал опубликован в газете «Санкт-Петербургские ведомости» № 228 (7557) от 03.12.2023 под заголовком «Полет через десятилетия».

ФОТО Светланы АВВАКУМ/предоставлено организаторами фестиваля

==========================================================================
ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 26915
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Дек 04, 2023 5:42 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2023120402
Тема| Балет, Московская государственная академия хореографии, Персоналии,
Автор| Елена ФЕДОРЕНКО
Заголовок| Славный юбилей: 250 лет Московской государственной академии хореографии
Где опубликовано| © Газета «Культура»
Дата публикации| 2023-12-04
Ссылка| https://portal-kultura.ru/articles/theater/356411-slavnyy-yubiley-250-let-moskovskoy-gosudarstvennoy-akademii-khoreografii/
Аннотация| гала-концерт

На Исторической сцене Большого театра прошел гала-концерт, ставший кульминацией празднования 250-летия Московской государственной академии хореографии — старейшего театрального учебного заведения столицы.

Московская балетная школа старше Большого театра, и это закономерно. Театр родился, когда из «классов танцования» Воспитательного дома выпустились первые профессионалы. Дата рождения Московской балетной школы — 23 декабря 1773 года. В тот день известный итальянский хореограф Филиппо Беккари провел первый урок танцев и подписал контракт с руководством Воспитательного дома — благотворительным закрытым учреждением для сирот и бездомных детей. Идея создания Дома принадлежала просветителю Ивану Бецкому — видному представителю русского дворянства XVIII века, действительному тайному советнику, секретарю Екатерины II. Она и издала указ об основании Воспитательного дома. Бецкой, назначенный главным попечителем, открыл в Доме «классы изящных художеств», в том числе и «классы танцования». Императрица, и тоже с легкой руки своего мудрого сподвижника, подхватила идею Бецкого о формировании «чина людей», способных «служить Отечеству делами рук своих в различных искусствах и ремеслах», и даже пожаловала выпускникам ряд привилегий, самой важной из них стала пожизненная и наследованная «вольность»: «Все питомицы и питомцы, дети и их потомки навсегда остаются вольными и ни под каким видом закабалены или сделаны крепостными быть не могут».

С тех пор пролетело два с половиной столетия, за которые Московская балетная школа неоднократно меняла названия, и с 1995-го именуется Московской государственной академией хореографии. Согласно указу президента РФ Академия отнесена к особо ценным объектам культурного наследия народов Российской Федерации. Сегодня размах деятельности институции впечатляет: Академия реализует программы всех уровней хореографического образования — среднего профессионального, магистратуры, ассистентуры-стажировки и аспирантуры, а также дополнительные. МГАХ открыла свои филиалы во Владивостоке, в Калининграде и Кемерове. В юбилейном году коллектив Академии удостоен благодарности президента РФ «За заслуги в развитии отечественной культуры и искусства, многолетнюю плодотворную деятельность».

Кульминацией юбилейного года, вобравшего множество важных мероприятий: концертов и гастролей, мастер-классов и конференций, исследовательских проектов и тематических выставок, — стал гала на Исторической сцене Большого театра. Вечер открылся поздравлениями официальных лиц и приветственным обращением к переполненному зрительному залу ректора МГАХ, народной артистки России, лауреата премии правительства Российской Федерации, профессора Марины Константиновны Леоновой. Еще одним эпиграфом к торжеству стал любовно подготовленный фильм о главных этапах жизни Московской балетной школы.

Последовавший концерт продумали до мелочей, его драматургия подчинялась общему замыслу — танцевальному, полному восхищения рассказу о традициях и современности Академии. На легендарную сцену вышли ученики и ведущие артисты Большого театра — те выпускники прошлых лет, кто еще в годы учебы завоевал высшие лауреатские награды на международных балетных конкурсах. Между Школой и Театром нет да и не может быть соревнования, на сцене торжествует генетический тандем, принцип единения, сообщающаяся система партнерских отношений с высокой степенью безоговорочного доверия друг к другу. Номера выстроены по закону театральных контрастов — фабул, композиций, настроений, стилистической игры. Массовые сцены сменялись ансамблями и дуэтами, классика — танцем характерным, тихая лирика соседствовала с героическим пафосом… Концерт в трех отделениях, продолжавшийся четыре часа, пролетел стремительно и завершился благодарными овациями, оглушительными и долгими.

Гала посвятили выдающимся мастерам русского балета. И действительно, каждый номер в исполнении молодых навевал прекрасную ностальгию, пробуждал в памяти балетные ассоциации, великие актерские образы и неповторимые почерки хореографов — все то, из чего складывалась летопись Большого театра. В танцах оживали тени балетных легенд прежних театральных сюжетов: Майи Плисецкой, Натальи Бессмертновой, Нины Сорокиной.

Открывавшая программу первая часть «Классической симфонии» Сергея Прокофьева напомнила о 60-х годах, когда ее сочинил специально для Московской школы советский классик Леонид Лавровский, а среди исполнителей были ученики Петра Пестова и Софьи Головкиной — Александр Богатырев, Вячеслав Гордеев, Маргарита Дроздова и Марина Леонова, нынешний ректор Академии. Сегодня вполне уверенно, свободно и чисто солировали студенты-выпускники Камила Султангареева и Максим Нахимович.

В «Танце басков» из балета Бориса Асафьева «Пламя Парижа» в постановке Василия Вайнонена — свободолюбивый, упрямый и своенравный народ вел на бой прыгучий и отчаянный герой Ратмира Джумалиева из Большого. Его коллеги Маргарита Шрайнер и Алексей Путинцев страстно, с удалым напором исполнили па-де-де Жанны и Филиппа из этого же балета. Трудное акробатическое адажио расставания предводителя восставших рабов с любимой Фригией из балета Арама Хачатуряна «Спартак» в хореографии Юрия Григоровича безупречно исполнили Елизавета Кокарева — танцовщица акварельной чистоты и мужественный Игорь Цвирко.

Сюита из балета «Баядерка» Людвига Минкуса в хореографии Мариуса Петипа сложилась в миниспектакль, «транслирующий» безукоризненную модель сценического прочтения с крепкой иерархией больших и малых ансамблей, классикой и страстными характерными сценами. В шутливой миниатюре «Ману» игриво и озорно солировала Мариам Вайнштейн, в зажигательном «Танце с барабаном» неистовая Александра Сохацкая и азартные «индусы» Владимир Цымбалюк и Кирилл Фомин казались неутомимыми. Блестящий па д'аксьон, сочиненный на основе хореографии Петипа Вахтангом Чабукиани и Владимиром Пономаревым, стал финалом первого отделения — прыгучая, виртуозная выпускница Дарина Мосеева и артист Большого Макар Михалкин провели трепетный диалог, наполненный то драматизмом, то почти мистической гармонией.

«Спящую красавицу» представили двумя фрагментами, и в Вальсе московские ученики танцевали вместе с учащимися филиалов МГАХ, приехавшими на праздник из Кузбасса, Западного анклава и Приморья. Элегантный стиль и уверенную выразительную технику «свадебного» па-де-де принцессы Авроры и принца Дезире передали ведущая солистка Большого Ева Сергеенкова и опытный премьер театра Артем Овчаренко. Знаменитую «Мазурку» Александра Скрябина в постановке Касьяна Голейзовского с вниманием к мельчайшим нюансам и деталям станцевала легкая и выразительная София Маймула, и, конечно, все балетные люди, а их было немало в зале, сразу вспомнили лучезарную Екатерину Максимову — первую исполнительницу.

Сложное классическое па-де-де из «Раймонды» Александра Глазунова солисты Большого Арина Денисова и Дмитрий Выскубенко представили ярко и достойно. Их коллеги — быстроногие и легкие Елизавета Кокорева и Дмитрий Смилевски в Сюите из балета «Дон Кихот» поразили художественно исполненными трюками, умением свободно управлять сменой скоростей и создали атмосферу ликующего счастья. «Фанданго» Эдуарда Направника в постановке Анатолия Симачева добавило пряного испанского колорита.

В третьем отделении с азартом невероятным и кипучей энергией артисты и студенты станцевали одноактный балет «Мусагет» Бориса Эйфмана на музыку Иоганна Себастьяна Баха и Петра Чайковского. Балет, рожденный без малого два десятилетия назад как посвящение Джорджу Баланчину, только вступающие в профессию артисты исполнили с радостным удовольствием первооткрывателей и так взволнованно, словно спектакль поставлен только вчера и они — его первооткрыватели. «Мусагет» полон прекрасными танцами кордебалета и выдающимися актерскими партиями. Как хорош солист Большого Клим Ефимов в роли Хореографа, который накануне встречи с Вечностью вспоминает свою счастливую, и мучительную одновременно, жизнь в искусстве, какие разные его Музы — студентка Камила Султангареева и выпускницы прошлого года Таисия Коновалова и Дэйманте Таранда. Биографические мотивы жизни Баланчина в этой трактовке отходят на второй план, главной темой становится служение искусству, и она оказывается близкой и понятной юным артистам, за ролями которых мы теперь будем следить.

Заключительные поклоны сопровождались ярким дефиле — на подмостки вышли любимые артисты разных поколений и педагоги-труженики — гордость МГАХ. Появление знаменитых представителей «золотого века» ГАБТ Бориса Акимова, Вячеслава Гордеева, Михаила Лавровского, Юрия Владимирова и Владимира Васильева, которым неизменно восторженно рукоплескал весь мир, взорвал зал и вызвал золотой дождь. Благородный и раритетный юбилей всемирно известная Академия встречает во всеоружии мастерства и величия духа.

Фотографии: Михаил Логвинов и Алексей Бражников / предоставлены Московской государственной академией хореографии.

================================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Янв 07, 2024 6:55 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 26915
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Дек 04, 2023 9:08 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2023120403
Тема| Балет, Опера, Челябинский театр оперы и балета, Бал-маскарад, Корсар, Персоналии, Юрий Клевцов
Автор| Игорь Корябин
Заголовок| Танцующие пираты и поющие заговорщики
На гастролях Челябинского театра оперы и балета в Москве
Где опубликовано| © Belcanto.ru
Дата публикации| 2023-12-04
Ссылка| https://www.belcanto.ru/23120401.html
Аннотация| Гастроли



VIII Фестиваль музыкальных театров России «Видеть музыку» продолжается, и в его рамках с 21 по 25 ноября в Москве на Новой сцене Большого театра России состоялись гастроли Челябинского театра оперы и балета им. М.И. Глинки. Дважды был показан балет Адана «Корсар», и дважды – опера Верди «Бал-маскарад». Оперная премьера состоялась на челябинской сцене в 2021 году, а «Корсар» – премьера прошлого года. В прошлый раз на этой же сцене театр показывал свои спектакли в 2019 году в рамках федерального проекта «Большие гастроли» – оперу Верди «Риголетто», балет «Carmina Burana» на музыку Орфа и балет Дельдевеза «Пахита» (с дополнительной музыкой Минкуса). Новая встреча с челябинцами упрочила прошлый позитив в части балета, а благодатный позитив в части оперы уверенно принесла.

Корсары плюс пиратка Мария Линдси

В основу сюжета известнейшего романтического балета «Корсар» на музыку Адана и либретто Жюля-Анри Вернуа де Сен-Жоржа, созданное вместе с балетмейстером Жозефом Мазилье (автором хореографии постановки, впервые увидевшей свет в Парижской опере 23 января 1856 года), легла поэма Байрона «Корсар» (1813). С момента ее первого издания в 1814 году она стала подлинным бестселлером, но театральным бестселлером стал и балет «Корсар». За более чем 160-летнюю историю его сюжет, «танцуя» от оригинальной версии 1856 года, как от базисного канона, успел претерпеть поистине невероятное количество всевозможных драматургических и хореографических вариаций, но их нетленной основой на контрасте с действенными пантомимными эпизодами всегда был классический танец.



Постановочные партитуры этого балета дополнялись и музыкой других композиторов, иногда написанной специально, иногда вторичной. Обычным делом для него, как, впрочем, и для многих других балетов классического наследия, являлись изменения в оркестровке, очередности и сюжетном содержании музыкальных номеров. От редакции к редакции, от возобновления к возобновлению номера могли возникать, исчезать, а затем возвращаться. Начало истории балета в России – постановка Жюля Перро в Большом (Каменном) театре Санкт-Петербурга (с частичным включением текста Мазилье), в которой партию Конрада исполнял не кто иной, как Мариус Петипá (премьера состоялась 12 января 1858 года).

Однако для сегодняшнего дня балета «Корсар» в России важна не столько эта первая постановка, а вся серия постановок балетмейстера Петипа на петербургской императорской сцене, имевшая место в 1863, 1868, 1880 и 1899 годах. Если взять последнюю из названных постановок, то наряду с музыкой Адана в ней использована музыка Пуни, Делиба, Дриго и Ольденбургского. Пожалуй, самая известная сторонняя музыка – номера Делиба к картине «Оживленный сад», впервые включенные в партитуру возобновления постановки Мазилье в Париже в 1867 году, а Петипа использованная в 1868-м. Без этого «оазиса» классической хореографии представить «Корсар» сегодня просто невозможно (есть она и в челябинской постановке). Параллельно петербургской истории балета его история писалась и на сцене московского Большого театра, но после революции «Корсар» появился на этой сцене лишь в 1992 (!) году (постановка Константина Сергеева), выдержав также возобновление 1994 года в драматургически переосмысленной сценической редакции Юрия Григоровича.

В 2007 году свет рампы Большого театра России увидел «Корсар» в грандиознейшей по масштабности своего хореографического замысла постановке Юрия Бурлаки и Алексея Ратманского. В ее основу, как и в версиях 1992 и 1994 годов, легла хореография Петипа, но появилась и новая хореография Ратманского. Увы, в репертуаре Большого этой постановки сегодня нет. А упоминание трех последних постановок «Корсара» в Большом важно, ибо в каждой из них Юрий Клевцов – хореограф-постановщик челябинской версии – принимал участие как солист и ауру романтики этого балета постиг погружением в него на практике.

Ныне Юрий Клевцов (в 1988–2009 годах солист балета Большого театра России, один из его блистательных премьеров) – художественный руководитель балета Челябинского театра оперы и балета им. М.И. Глинки. И в его постановке «Корсара» школа московского балета – прежде всего, конечно же, эстетика мужского классического танца выдающегося мэтра хореографии Юрия Григоровича – нашла воплощение, захватывающее как пиететом к классической традиции, так и пытливой, ищущей дерзновенностью хореографического и драматургического замысла. К архаике балетного жанра этот замысел подходит не как к музею, а как к субстанции, которую можно и нужно, как показала постановка, наполнять акцентами, созвучными нашему далеко не романтичному времени. Что и говорить, наше сегодняшнее восприятие театра давно уже не столь наивно и романтично…

Как и упомянутую «Пахиту» в постановке Юрия Клевцова, обсуждаемую редакцию «Корсара» отличает динамичная компактность и новая сюжетообразующая драматургия, которая при компактности формы вбирает в себя мощную действенность танцевального содержания. Каркас спектакля пантомимой не перегружен, и с танцевальным пластом она находятся в четком балансе. В этой редакции есть предыстория, вводящая в сюжет нового персонажа Марию Линдси – по одной версии, героиню фантомную, существующую лишь в пиратских книгах, по другой, реальную, пиратствовавшую в 1720–40-е годы с ее мужем Эриком Кобэмом в заливе Святого Лаврентия с базы на Ньюфаундленде. Чета выходцев из Англии смогла «прославиться» особой жестокостью к экипажам захваченных кораблей.

Но как бы то ни было, для ауры романтического балета корсарство – благодатнейшая субстанция в аспекте танцевальной зрелищности, и освобождаемая в данной постановке из турецкого плена Мария Линдси, как и ее спасители во главе с Конрадом – корсары «добрые и хорошие». Вполне позитивен поначалу и Бирбанто, друг Конрада и его правая рука, но взыгравшая в нём алчность и оппозиция освобождению плененных корсарами наложниц, о котором просит Медора, приводят героя и его сторонников к «бунту на корабле» и расколу пиратского братства. А возмездие неминуемо – и предателя «праведного пиратского дела» закономерно настигает смерть, но это акт не жестокости, а пиратской «справедливости».



В этой постановке нет многого, что могло бы быть, выпадает ряд сольных персонажей, однако динамичная зрелищность в формате нон-стоп с прологом, двумя актами, в каждом из которых по две картины, а также с оптимистичным эпилогом искупает всё! Сюжетная коллизия практически та же, что и всегда, однако на этот раз она высвечена на редкость рельефно! После картины-зачина на невольничьем рынке в турецком Адрианополе, после картины в гроте корсаров и картины во дворце Сеид-паши со знаменитым «Оживленным садом» корабль сюжета вдруг выносит на пиратский остров. Тот самый, где запрятаны награбленные сокровища, тот самый, откуда была похищена турками Мария…

Этим ходом сюжет закольцовывается, и этот ход – то, чего ранее никогда не было. И неважно, какой это остров, может быть даже Ньюфаундленд рядом с Северной Америкой, хотя путь туда от турецких берегов должен был бы пролегать через всю Атлантику. Но в балете возможно всё! И не только любовь с первого взгляда между Конрадом и Медорой с лихо закрученной интригой окончательного обретения друг друга, но, коль скоро Мария «приходит» в этот балет без мужа-пирата, и ее «альянс» с Бирбанто! В картине в гроте это лишь пунктирно намечается, однако по причине мятежа корсара-предателя, а затем и его «ликвидации», так и остается весьма интригующей намёткой, прошитой сюжетно мощно и увлекательно. В этой картине именно Мария останавливает поединок Конрада и Бирбанто, словно подготавливая то развитие событий, что наблюдается во втором акте.

В зрительской программке в качестве композитора указан один лишь Адольф-Шарль Адан, но в партитуру балета, связывая XIX век, в котором этот балет родился, с XX веком, память о котором всё еще жива и в нашем XXI веке, в этой постановке добавлена музыка Рейнгольда Глиэра и Фикрета Амирова. В программке вы не найдете также имени Петипа, хотя наследие этого мэтра танца, а также блестяще стилизованная под его эстетику новая хореография Юрия Клевцова, красной нитью проходят через весь спектакль.

Мы часто говорим «хореография Петипа», хотя таковой – переданной «через десятые руки» – она, возможно, является не всегда. Но тот собирательный хореографический пласт, который мы невольно ассоциируем с Петипа, в этой постановке, безусловно, присутствует, а большой pas d’ensemble на пиратском острове по случаю праздника освобождения Медоры и посвящения ее в пираты Марией Линдси – великолепный пример нынешнего развития классической традиции. В этом хореографу профессионально уверенно помогает и Дмитрий Чербаджи (сценограф, художник по костюмам и свету), и Вячеслав Губанов, сменивший на гастролях в Москве музыкального руководителя и дирижера-постановщика проекта Евгения Волынского (художественного руководителя и главного дирижера театра).

Нельзя не отметить также высокий уровень кордебалета и солистов, состав которых на первом показе был такой: Лири Вакабаяси (Медора), Конрад (Алексей Шакуро), Бирбанто (Валерий Целищев), Мария Линдси (Дарья Демченко). Юрий Федин с большим актерским лицедейством выступил в пантомимной партии Сеид-паши, а в партиях его жен предстали Виктория Дедюлькина, Екатерина Нечаева и Екатерина Хомкина-Сафронова (классическое трио). Виртуозность и героика мужского танца Алексея Шакуро и Валерия Целищева брала в плен на контрасте с тонкой женственностью Лири Вакабаяси и романтико-героическим образом, созданным Дарьей Демченко. Да и супервиртуозный Кубаныч Шамакеев в партии Раба – вставной для pas de deux Медоры и Конрада – вызвал неистовые овации!

Заговор в Бостоне с морским пейзажем

Нарочно не придумаешь, но «Бал-маскарад» Верди, действие которого разворачивается в американском Бостоне в конце XVII века, то есть в колониальную эпоху, своим фоновым антуражем тоже связан с морской стихией! Бостон возник из-за мытарств композитора с цензурой, ибо исконный сюжет, ранее положенный на музыку Обером (1833), был связан с со смертельным покушением в Стокгольме на шведского короля Густава III во время бала-маскарада в Опере 16 марта 1792 года. Чтобы вытравить воспоминание об инциденте и не «выпустить» монарха на сцену театра, коллизию сюжета со смертельным исходом решено было запрятать подальше, то есть в Америку, и «поглубже», то есть на столетие назад.

Густав III стал губернатором Бостона, графом Ричардом Уорвиком (Риккардо), а его убийца, политический противник Якоб Юхан Анкарстрём, – Ренато, секретарем графа. Но у Верди и его либреттиста Антонио Соммы он становится убийцей не из-за политики, а из-за необоснованной ревности внутри типичного для оперы любовного треугольника. Его третьей вершиной – поистине яблоком раздора – выступает Амелия, жена Ренато. Амелия и Риккардо любят друг друга, и их единственная незапланированная встреча по стечению сюжетных обстоятельств приводит к трагедии. Любопытно, что постановщики помещают эту историю всё-таки в конец XVIII века, и сей намеренный сдвиг костюмной стилистике постановки с париками и богато декорированными камзолами идет явно на пользу!

Если посмотреть на карту восточного выступа Северо-Американского континента, то видно, что от канадского острова Ньюфаундленд до американского Бостона не иначе как «рукой подать» – не то, что до Турции! И такое милое «странное сближенье» постановки «Корсара» с местом действия обсуждаемой оперы невольно вдруг ставит вопрос, а почему бы челябинской труппе не обратиться теперь к опере Верди «Корсар»? Ведь музыкальный уровень «Бала-маскарада», заметно превзошедший уровень гастрольного «Риголетто» 2019 года, в принципе, имеет все необходимые и достаточные для этого основания.

У солистов не всё было ровно и гладко, однако вокальная картина сложилась, в целом, оптимистичная. Оркестр музыкального руководителя и дирижера-постановщика Евгения Волынского был на высоте, доставив истинное удовольствие слуху трепетным, живым, наполненным нюансировкой звучанием. Согрели сердце и великолепные хоровые страницы (главный хормейстер – Наталья Макарова). А сам спектакль режиссера Иркина Габитова с роскошной сценографией и стилизованными под эпоху XVIII века костюмами Вячеслава Окунева, с волшебством света Ирины Вторниковой и видеографикой Виктории Злотниковой стал давно забытым глотком живительного театрального воздуха. Для нашего прагматичного времени это четкий сигнал: потугами псевдоинтеллектуальной современной режиссуры подлинный романтический театр не убит – он не умер, а всё ещё жив!

Мировая премьера «Бала-маскарада» Верди состоялась в Риме 17 февраля 1859 года в Teatro Apollo, а российская премьера – в Москве 8 декабря 1880 года в Большом театре, где впервые прозвучала на русском языке. Постановка же Иркина Габитова – яркий пример того, как последовательно скрупулезно и профессионально честно сделала свою работу вся команда создателей. И этот абсолютно оригинальный спектакль в чём-то даже наследует культовой – не в пример последней 2018 года! – московской постановке в Большом театре Семёна Штейна (1979 год, сценография и костюмы Николая Бенуа). Поначалу и она зазвучала на русском, но, к счастью, итальянские оперы давно уже поются на итальянском и у нас, так что в этом отношении челябинский «Бал-маскарад» исключением не стал.

Романтический запал создателей спектакля, поставивших на традиционную классику мизансцен и грандиозную, монументальную зрелищность, чего в большинстве нынешних постановок уже не найти, в полной мере перешел и на «квинтет» певцов-солистов, ставший главным движителем интриги. В первый день гастролей его составили Гузелья Шахматова (Амелия), Алексей Пьянков (Риккардо), Андрей Меркульев (Ренато), Алиса Чечель (Ульрика, колдунья) и Эльвира Авзалова (Оскар, паж графа). Последняя («невнятная» Джильда в «Риголетто» на прошлых гастролях) на сей раз подкупила спинтовостью, более плотной и чувственной в сравнении с привычной «лирикой», а в инфернально «землистом» (хотя и малообъемном) звучании Алисы Чечель проступил не иначе как глубинный демонизм…

Андрей Меркульев – обладатель мощного, выразительного по тембру драматического баритона, и его пение действительно впечатляет, со всей силой вжимая зрителя в кресло, но без проникновенной кантилены на одних штрихах forte в «драматическом бельканто» Верди далеко не уедешь, и богатая вокальная природа певца требует явного «укрощения». А Гузелье Шахматовой драматизма в вокале явно недоставало, хотя в центральном втором акте певица, выложившись на пределе своих возможностей, произвела невероятно сильное впечатление! Однако в начале третьего акта драматический контраст в вокальных посылах Амелии и Ренато был уже не в пользу певицы. Вместе с тем, звучание Алексея Пьянкова, за годы, прошедшие с его Герцога в «Риголетто» Верди на прошлых московских гастролях, обрело так важную для партии Риккардо «мясистую» плотность и лирико-драматическую пластичность. И сейчас, от акта к акту прибавляя в драматизме, в арии третьего акта певец смог предъявить и потрясающую чувственность, и подлинно вердиевскую кантилену!

Фото со спектакля «Корсар» предоставлены пресс-службой театра

==========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 26915
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Дек 04, 2023 10:42 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2023120404
Тема| Балет, фестиваль «Дягилев PS», Самарский театр оперы и балета Персоналии,
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| Последнее китайское возрождение
В Петербурге завершился фестиваль «Дягилев P.S.»

Где опубликовано| © Газета «Коммерсантъ» №225/П от 04.12.2023, стр. 11
Дата публикации| 2023-12-04
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/6378976
Аннотация| Фестиваль

XIV Международный фестиваль искусств «Дягилев P.S.», открывшийся в Петербурге 11 ноября музыкальной программой Алексея Гориболя «Любовь поэта», завершился двумя контрастными балетными вечерами — самарским и китайским. Рассказывает Татьяна Кузнецова.


Частные воспоминания героини «T.I.M.E.» то и дело оборачиваются юнговским коллективным бессознательным
Фото: Коммерсантъ / Александр Петросян


Всеядность импресарио Сергея Дягилева помогает фестивалю сохранять статус международного и в наши изоляционные времена. Наталья Метелица, создатель и бессменный директор «Дягилев P.S.», придумывает все новые повороты фестивальных сюжетов, руководствуясь знаменитым дягилевским девизом «Удиви меня!». В этом контексте уже не кажется странным соседство Самарского театра оперы и балета, показывающего «Павильон Армиды» (реконструкцию хита первого парижского сезона дягилевцев), и современной компании китаянки Си Син, о Дягилеве и не помышлявшей. Авторская труппа Xie Xin Dance Theatre, впервые приехавшая в Россию, как раз и призвана удивлять, прежде всего хореографией своего лидера: 38-летняя Си Син — в Китае народная артистка первого класса — дебютировала этой осенью мировой премьерой в Парижской опере (см. “Ъ” от 4 октября) и считается восходящей звездой мировой хореографии.

Впрочем, трехчастная программа самарцев под названием «Время Никиты Долгушина» тоже не настаивала на собственной интерпретации наследия Дягилева: это был оммаж одному из самых ярких и оригинальных петербуржцев, изрядную часть своей карьеры танцовщика и хореографа построившему вне Северной столицы. Балет Самары этот эстет и пассеист возглавлял с 1997 по 2006 год, среди прочего реконструировав «Сильфиду» Бурнонвиля и «Павильон Армиды» Фокина — по артистической памяти, без научных изысканий. Второй акт «Сильфиды» и «Павильон», отштукатуренный нынешним руководителем труппы Юрием Бурлакой, благовоспитанные самарцы и представили в Петербурге, показав во втором отделении закосневшую хореографию эпохи застоя — фрагменты из балетов Игоря Чернышева и самого Долгушина. Редкие полузабытые кинокадры танцующего героя вечера предваряли каждый акт — и стали единственным открытием. Ироничный денди-интеллектуал, украшавший свой элегантный классический танец непривычно изящными виньетками рук и поз, столь категорически не вписывался в героический канон советского балета, что вечер впору было бы назвать «Безвременьем Никиты Долгушина».

Китаянка Си Син в своем «T.I.M.E.» на музыку Сильвиан Вонг тоже исследует «игру воспоминаний и времени». Но ее танцевальные игры не касаются эстетики прошедших эпох. Личным воспоминаниям предается героиня балета, а традиции национальных телесных практик и йоги хореограф использует как часть профессиональной подготовки, добиваясь от своих артистов духовной сосредоточенности и телесного совершенства. Хореографический язык Си Син по-цигунски плавен, извилист и непрерывен, а танцевальные фразы — по-прустовски бесконечны. Точку она ставит только в конце эпизода, перед вырубкой света, сплетая персонажей в прихотливые многофигурные композиции — как в многослойном резном китайском шаре. Длинные пластические пассажи, переливающиеся с пола до верхних поддержек, китайские танцовщики исполняют, как дышат,— с неправдоподобной синхронностью и невесомой легкостью. Одетые в свободные, затейливо скроенные штаны и фантазийные кардиганы разных оттенков телесности (художник по костюмам Ли Кун), они составляют идеальный ансамбль, в котором каждый участник тонко ведет собственную партию, скромно оставаясь частицей целого.

Возглавляет ансамбль сама Си Син в роли вспоминающей. В отличие от абстрактных танцкомпозиций в ее «T.I.M.E.» есть подобие сюжетного каркаса и даже сценические аксессуары: с колосников свисают стулья и кровати, на сцене — стол, торшер и книжечка-«дневник», перелистывая которую героиня вызывает призраков прошлого. Эти бытовизмы и послужили опорой для восприятия «T.I.M.E.»: сопротивляться медитативному гипнозу хореографии легче, когда у героини есть комната, есть отношения с мужчинами (пусть и воображаемыми), есть двойники, оставшиеся в прошлом, и сегодняшнее смятение чувств, материализованное ансамблевым танцем. Художник по свету Лоу Ши Хоу замечательно выстроил сценический мир: от скромного прямоугольника «комнаты» до жесткого квадрата «ринга жизни», от темноты неприятностей, когда на «неосвещенной» сцене еле видны конфликтные очертания танцующей пары, до обширного серого круга, заключившего в себя всю человеческую «память». К недостаткам спектакля можно отнести обилие лжефиналов, каждым из которых вполне можно было закончить балет, но таково уж свойство текущего «Времени», подкидывающего нам разные версии прожитых лет.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Янв 07, 2024 7:00 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 26915
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Дек 05, 2023 4:55 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2023120501
Тема| Балет, НОВАТ, Персоналии, Елизавета Аношина
Автор| пресс-служба
Заголовок| Балерина Елизавета Аношина. Итоги уходящего года
Где опубликовано| © сайт театра
Дата публикации| 2023-12-04
Ссылка| https://novat.ru/news/interview/balerina-elizaveta-anoshina-itogi-ukhodyashchego-goda/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Завершающийся 2023 год для солистки балетной труппы НОВАТа Елизаветы Аношиной стал необычайно плодотворным. Ее репертуар пополнился несколькими ведущими партиями, обаятельную молодую балерину полюбили зрители за ее грацию, техничность, актерскую энергетику и, несомненно, сияющую улыбку.

О том, чем ей запомнился 2023 год, рассказывает Елизавета Аношина.

Расскажите, чем для вас был знаменателен 2023 год? Что вы станцевали?

После моего дебюта в роли Джульетты мне посчастливилось исполнить еще такие партии, как Золушка, Аврора, Лиза в «Тщетной предосторожности», Гюльнара в «Корсаре», а в скором времени у нас будет премьера новой редакции этого балета. Были еще Жизель, Конек-Горбунок и подготовка премьеры балета Юрия Григоровича «Щелкунчик»: я станцевала Французскую куклу и готовлюсь исполнить партию Мари в новогоднем блоке.

В каких спектаклях зрители смогут вас увидеть до конца этого года?

Тринадцатого декабря у меня «Ромео и Джульетта» с Игорем Леушиным, семнадцатого декабря – «Золушка» с Иваном Оскорбиным, 22 и 31 декабря – премьера «Щелкунчика» с Никитой Ксенофонтовым.

Вам с Никитой Ксенофонтовым доверен спектакль «Щелкунчик» в новогодний вечер.

Да, это очень радостно, очень приятно и, конечно же, очень ответственно.

Вас можно поздравить с профессиональным ростом: за год от начинающей артистки до крепкой солистки с солидным репертуаром. Что еще вы хотели бы станцевать?

Конечно, я очень хочу станцевать Китри в «Дон Кихоте».

А что бы вы хотели пожелать своим зрителям?

В новом году я бы хотела пожелать нашим дорогим и прекрасным зрителям как можно больше времени проводить со своими семьями, чаще встречаться со своими друзьями в теплой компании. Конечно же, не стоит забывать про работу, но все-таки, наверное, нужно больше времени уделять любимым людям. Хочется пожелать счастья и взаимной любви.

Желаем Елизавете Аношиной новых интересных работ в наступающем году и приглашаем на балеты с ее участием.

С. Прокофьев «Ромео и Джульетта» – 13 декабря в 19:00, Джульетта – Елизавета Аношина. Спектакль участвует в акции «Студенческий день».
С. Прокофьев «Золушка» – 17 декабря в 13:00, Золушка – Елизавета Аношина.
П. Чайковский «Щелкунчик» – 22 декабря в 19:00, 31 декабря в 18:00, 8 января в 18:00, Мари – Елизавета Аношина.
Р. Щедрин «Конек-Горбунок» – 3 января в 18:00, Морская царевна – Елизавета Аношина; 4 января в 18:00, Конек-Горбунок – Елизавета Аношина.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 26915
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Дек 05, 2023 6:04 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2023120502
Тема| Балет, Нижегородский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Алессандро Каггеджи
Автор| Анастасия Попова
Заголовок| «Чувствую себя как рыба в воде»: итальянец из Казани нашел папу Карло в Нижнем
Экс-звезда театра им. Джалиля Алессандро Каггеджи выпустил свой дебютный полнометражный балет выше по Волге
Где опубликовано| © «БИЗНЕС Оnline»
Дата публикации| 2023-12-04
Ссылка| https://www.business-gazeta.ru/article/615789
Аннотация| премьера

IT-инженер и школьники, фея и аватары, злодей и куклы — все это теперь можно увидеть в Нижегородском театре оперы и балета, где прошла мировая премьера балета «Золотой ключик». Семейный спектакль по мотивам знаменитой сказки Алексея Толстого представил экс-солист театра им. Джалиля Алессандро Каггеджи. Дебютный полнометражный проект англичанина итальянского происхождения пролил бальзам на души подростков и заставил вновь сожалеть о том, что Казань лишилась перспективного хореографа — в Нижнем Новгороде его спектакль на музыку Мечислава Вайнберга встретили стоячей овацией. Подробности — в материале «БИЗНЕС Оnline».


«Золотой ключик» будет интересен абсолютно всем: и детям, и подросткам, и их родителям, и людям более старшего возраста — каждый найдет в нем что-то свое. Но также мне хотелось создать балет именно для нашего поколения детей»

«Хотелось создать балет именно для нашего поколения детей»
«Золотой ключик» Вайнберга, вопреки своей популярности в СССР, не принадлежит к тиражированным балетам. Композитор создал его в 1950-е для Музыкального театра им. Станиславского и Немировича-Данченко, где он в версии Нины Гришиной прошел больше 200 раз. Затем в Оперной студии Ленинградской консерватории к партитуре обратилась хореограф Татьяна Бруни, а после та канула в забытье. Новую жизнь балету обеспечил худрук Нижегородского театра Алексей Трифонов, заказавший Алессандро Каггеджи оригинальную концепцию и хореографию спектакля. Премьера продемонстрировала, что этот опыт оказался успешным.

«Я старался сделать балет не только для детей, — рассказал „БИЗНЕС Оnline“ перед спектаклем Каггеджи. — „Золотой ключик“ будет интересен абсолютно всем: и детям, и подросткам, и их родителям, и людям более старшего возраста — каждый найдет в нем что-то свое. Но также мне хотелось создать балет именно для нашего поколения детей. В истории жанра есть много прекрасных детских спектаклей — „Чиполлино“, „Шурале“, „Спящая красавица“, „Щелкунчик“… Но пока я не видел хорошего балета, сделанного именно для современных ребят, затрагивающего их интересы».

Команды постановки и самого театра действительно проявили особое внимание к детям. В фойе для них организовали фотозону с баннерами спектакля, фотографом и гримерами, которые по желанию ребят разрисовывали их блестками. Неподалеку грациозно лавировали феи в тюниках и балетных пачках, угощая юных гостей печеньем «Золотой ключик». Также перед спектаклем все желающие могли попробовать знаменитый лимонад «Буратино».


Папа Карло в спектакле — прогрессивный IT-инженер, создающий Буратино с помощью искусственного интеллекта и щепотки магии

При всей музыкально-пластической зрелости нижегородская премьера все же ориентирована на подрастающее поколение: знакомый сюжет авторы изящно вписывают в современные реалии. Папа Карло в спектакле — прогрессивный IT-инженер, создающий Буратино с помощью искусственного интеллекта и щепотки магии. Вместо азбуки мальчик получает от отца планшет, от Карабаса-Барабаса сбегает в заброшенный парк аттракционов, а вместо Страны дураков попадает в «Диджиталию» — царство компьютерных бродилок. В новых условиях главный месседж сказки — цени близких и твори добро — предстает в доступной для детей форме: цифровой мир увлекает, но все лучшее происходит с нами в реальности.

Впрочем, увлечение героев современными тенденциями можно понять. Антураж действия не только сделан по последнему слову техники и моды, но и удобен для балета. «Живой» задник видеохудожника Александра Меркушева визуализирует работу передовых машин в мастерской Карло, зеленый пейзаж за окном школы Буратино, луна-парк с иллюминацией, шатрами и чудищами, игровой мир «Диджиталии», где появляются аватары. При этом декорации не загромождают сцену, оставляя артистам простор для танца. А цветной комбинезон Буратино, блестящие трико свиты Мальвины и коротенькие юбочки школьниц от Сергея Илларионова не стесняют движений, подчеркивая работу ног.


«Каждый персонаж в спектакле ищет для себя свободу и находит ее. Это символизирует победу добра над злом»

«Для меня, как для художника, важна творческая свобода»

Все это делает действие разнообразным и позволяет ему дышать. В беседе с «БИЗНЕС Оnline» Каггеджи подчеркнул, что одной из ключевых тем балета является свобода: «Каждый персонаж в спектакле ищет для себя свободу и находит ее. Это символизирует победу добра над злом. Для меня, как для художника, важна творческая свобода. Когда я ставлю или танцую, то забываю обо всем на свете, и в этот момент по-настоящему счастлив».

Напомним, что одной из причин ухода английского итальянца из театра им. Джалиля как раз стало его желание полноценно развиваться как хореографу. Каггеджи давно мечтал о крупной форме, но в Казани довольствовался лишь концертными номерами и небольшими grand pas к гала-концертам Нуриевского фестиваля (впрочем, небезуспешно: последняя казанская работа Каггеджи — «Сюита Рахманинова» — напомнила казанцам о высоких образцах балетной неоклассики, причислив итальянца к наследникам Джорджа Баланчина). В Нижнем Новгороде же многообещающему хореографу дали карт-бланш, и «Золотой ключик» стал его первым полнометражным спектаклем.

«В этом формате я чувствую себя как рыба в воде, — признался нашему корреспонденту Каггеджи. — В двухактном балете у меня есть больше времени и больше артистов, чтобы выразить свои эмоции, развить сюжет и образы спектакля. Да, я люблю ставить номера, одноактные спектакли и продолжу это делать, но все же большие сюжетные балеты — это мое».

В полновечерней форме Каггеджи стремится сохранить яркую динамику своих миниатюр. Это, безусловно, удалось ему в первом акте, пролетающем в вихре школьных будней, театральных зрелищ и опасных приключений. Второй акт в этом плане пока слегка провисает: сцены с трансформациями носа и бродилками в «Диджиталии» притормаживают действие. Но в праздничном финале хореограф оживляет его балабилем с оригинальными контрастными выходами солистов.


Между бытовыми переделками Буратино с друзьями знакомится с искусством балета и создает театр мечты. Он зарождается уже в прологе спектакля, приоткрывающем балетное закулисье

Театр в театре

Главная же фишка спектакля — в его «метафорическом» сюжете. В перипетии сказки Каггеджи встроил элитарное размышление о театре, танце и пресловутой свободе творчества, которой ему так не хватало в Казани. Между бытовыми переделками Буратино с друзьями знакомится с искусством балета и создает театр мечты. Он зарождается уже в прологе спектакля, приоткрывающем балетное закулисье — разминку у станка, репетицию адажио, дружбу артистов… А воплощается в Театре Солнца, который герои освобождают от консервативного директора-тирана и насыщают ветром перемен.

События сюжета автор грамотно приспособил к нормам балетного жанра с оглядкой на романтический спектакль. Отсюда сквозная идея двоемирия, воплощенная в женских образах. Ирреальный мир представляет фея Мальвина, a la феи Сирени из «Спящей красавицы», земной — Артемина, школьная подруга Буратино. Первая спасает героя от бед, паря над сценой в изящных поддержках. Вторая увлекает его, лихо отплясывая на полу. На премьере в негласной танцдуэли лидировала Елизавета Каназаси (Артемина) с ее техничными стопами и огненными вращениями на пятачке. Утонченная Татьяна Пельмегова же пока местами грешит самолюбованием, несвойственным феям добра.


Кроме воздушной и партерной неоклассики, Каггеджи демонстрирует зрителю экзерсисы танцовщиков, анималистическую пластику, броские изобразительные pas и пантомиму, с помощью которых раскрывает сюжет

Удачно подобранные артисты во многом «золотой ключик» к успеху балета. Его очарование рождается в игре танцевальных стилей, которые Каггеджи смело микширует, последовательно и в контрапункте. Кроме воздушной и партерной неоклассики, он демонстрирует зрителю экзерсисы танцовщиков, анималистическую пластику, броские изобразительные pas и пантомиму, с помощью которых раскрывает сюжет (за воплощение поблагодарим гуттаперчевых нижегородских солистов Сюго Каваками (Буратино) и Артема Зрелова (Папа Карло)). Заостренный характерный узор жеста намекает, что скоро Каггеджи может вырасти в большого мастера хореодрамы. А то, что он уже вдумчивый хореограф-музыкант, очевидно с первых минут балета.

С красочной партитурой Вайнберга Каггеджи вступает в паритетный диалог. Он визуализирует театральные темы-персонажи, выполненные автором в стилистике Шостаковича и выпестованные оркестром под управлением Федора Леднева. А адажио наполняет рафинированными танцевальными обобщениями. Все это пришлось по вкусу нижегородской публике, уже приобщившейся к передовым театральным тенденциям: вышедшему на поклоны Каггеджи аплодировали стоя.


Заостренный характерный узор жеста намекает, что скоро Каггеджи может вырасти в большого мастера хореодрамы. А то, что он уже вдумчивый хореограф-музыкант, очевидно с первых минут балета

«В Урал Опера Балет» нам очень хорошо»

После первых показов «Золотого ключика» итальянец вернется в Екатеринбург, где с сентября с женой Маной Кувабарой обосновался в театре «Урал Опера Балет». Несмотря на то что супруги тепло вспоминают Казань, очевидно, в новой труппе они действительно счастливы. «„В Урал Опера Балет“ нам очень хорошо, — отмечает Каггеджи. — Каждый спектакль для нас с Маной премьера, даже классический, ведь везде идут свои редакции „Дон Кихота“ или „Лебединого озера“. Мы тщательно готовимся к выступлениям, и, хотя это забирает много энергии, я счастлив, что оказался в замечательной труппе в прекрасном городе, нас тепло принимают зрители. В Екатеринбурге и у меня, и у Маны много спектаклей, и здесь меня не ограничивают как хореографа».

По словам Каггеджи, разговор с руководством «Урал Опера Балет» о постановке там своих спектаклей был сразу после его перехода в труппу. Ближайшая премьера может пройти уже в следующем сезоне. А пока в статусе солистов супруги в Екатеринбурге осваивают передовой балетный репертуар, недоступный им в Казани. Они уже танцевали главные роли в «Снежной Королеве» Вячеслава Самодурова и хореографию Максима Петрова в программе L.A.D. на музыку Леонида Десятникова. Кувабара не смогла приехать на премьеру мужа в Нижний, потому что в эти же дни впервые исполнила титульную партию в «Тщетной предосторожности» Сергея Вихарева, а Каггеджи по возвращении в Екатеринбург дебютирует в партии Меркуцио в «Ромео и Джультетте» Самодурова.

Фото: Ирина Гладунко. Предоставлено Нижегородским театром оперы и балета
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 26915
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Дек 05, 2023 11:09 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2023120503
Тема| Балет, БТ, Премьера, Персоналии, Юрий Посохов
Автор| Интервью редакции сайта Большого театра
Заголовок| «КАКОЙ-ТО ТАЙНОЙ СИЛОЙ Я С НЕЮ СВЯЗАН»*
Где опубликовано| © сайт Большого театра
Дата публикации| 2023-12-05
Ссылка| https://bolshoi.ru/news/premery/6693-Queen-of-spades-premiere-2023-12
Аннотация| премьера, ИНТЕРВЬЮ

В Большом — премьера «Пиковой дамы». Мировая премьера балета, который написал Юрий Красавин по мотивам одноимённой оперы Чайковского, а поставил Юрий Посохов, герой новейшего времени Большого балета, практически наш постоянный приглашённый хореограф последних лет, все спектакли которого были с горячим одобрением встречены балетоманами: как любителями, так и профессионалами.

— Первое, что бросилось бы в глаза вашему биографу, начни он изучать список поставленных вами балетов, — это ваш интерес к литературе. В основе абсолютного большинства лежит литературный первоисточник.

— Я бы сформулировал по-другому. Литературный первоисточник служит отправной точкой. Я не ставлю то, что читаю, я выражаю — или пытаюсь выразить — движением то, что чувствую, что происходит у меня внутри, когда я читаю и проживаю то, что читаю. Очень многие вещи делаю по наитию.

— Таким образом, вас нельзя заподозрить просто в желании «пересказать» хорошую историю. Или, во всяком случае, не только оно движет вами. Выбор литературы чрезвычайно широк и подход к её воплощению очень разный. Например, «Чайка», которую вы поставили по заказу Большого театра, — это и узнаваемый чеховский сюжет, и узнаваемая чеховская интонация, и адекватный пьесе «хронометраж». А за год до этого была «Бессмысленная доброта», поставленная вами к 70-летию Английского национального балета, пятнадцатиминутная миниатюра по мотивам «Жизни и судьбы» Василия Гроссмана — романа, прочитать который многим, к сожалению, не судьба просто потому, что жизни не хватит. Ну а «Пловец», поставленный ещё пятью годами ранее для Балета Сан-Франциско, представляет собой пример прямо противоположный «Гроссману»: сорок минут было отдано вами насквозь метафоричному «короткому рассказу» Джона Чивера. Как происходит выбор вашей «отправной точки», как приходит понимание того, что именно этот роман, рассказ или пьеса могут быть переложены на язык балета?

— Не уверен, что приходит именно понимание. Как я уже сказал, многое определяется чисто интуитивно. И подкрепляется большой симпатией. Любовью к Чехову, например, к его героям. Запросто могу добавить к чеховским «пяти пудам любви» в «Чайке» столько же своих. Я лет двадцать не был в Крыму, но перед тем, как ставить этот балет, специально поехал в Ялту. К Чехову. Надышаться этим воздухом. Каждый герой мне интересен, каждого люблю, каждого так и станцевал бы.

— Интересно, именно этим объясняются «пересечения» с другими хореографами? «Великие умы сходятся»? Например, вы дважды «сошлись» с Джоном Ноймайером, выбрав в качестве сюжета для большого балета и «Чайку», и «Анну Каренину»…

— А вы не замечали, что это как будто поветрие такое — вдруг повсеместно возникает интерес к какому-то сюжету? И эту пьесу (роман, рассказ и т.д.) вдруг начинают ставить все? Взять историю с «Пиковой дамой». Я обратился с просьбой к Юрию Красавину сочинить балет по мотивам «Пиковой дамы» Чайковского и выяснил, что по заказу Нижегородского театра оперы и балета он пишет собственный балет… на сюжет пушкинской «Пиковой дамы». Мистика! Как будто сама «Пиковая дама» «нагадала». Но я очень долго вынашивал, взращивал в себе эту идею — поставить «Пиковую даму», и когда родной и любимый Большой театр предложил мне новую постановку, я сразу же вспомнил про этот сюжет. И потому был очень убедителен в своих переговорах с композитором. Впрочем, Красавин и сам был заинтригован таким поворотом нашей театральной судьбы.

— И тут возникает ещё один интересный момент. При всём своём интересе к литературе «Пиковую даму» вы ставите по мотивам оперы. Почему?

— На самом деле, как бы смешанный вариант. Знаете, я люблю эту оперу, как и оперу вообще. Уже в разгар наших репетиций в Большом состоялась премьера «Адрианы Лекуврёр». Эта опера тоже всегда казалась мне очень подходящей для «перевода на язык балета».

— Накалом страстей или зрелищностью, которую могут обеспечить, например, роскошные костюмы?

— Одно другому не мешает. «Пиковая дама» тоже таит в себе не только «тайную недоброжелательность» (эпиграф к повести), но и богатые возможности по части зрелищности. В конце концов, у нас там балы разворачиваются! А если серьёзно, мне лично кажется, что Модест Чайковский написал вполне достойное, хорошо выстроенное либретто.

— А что вас прежде всего привлекает в пушкинской повести? Как вы говорите, вы и на неё опирались тоже. Какова, на ваш взгляд, главная мысль этого «странного» произведения, «недоброжелательность» которого к тем, кто воплощает его на сцене или экране, бывает сродни печально знаменитой «недоброжелательности» «Мастера и Маргариты». Не надо обижать престарелых дам? Не стоит чрезмерно увлекаться азартными играми? Чисто мистическое начало?


Юрий Посохов на репетиции. Фото М. Логвинова.

— Мне кажется, главный мотив — это покаяние. Герой, движимый и мучимый своими страстями, убийственными страстями, в конце концов не выносит бремени этих страстей.

— Герой вам симпатичен?

— Интересен. Вызывает сочувствие.

— Трудно удержаться от того, чтобы не провести ещё одну параллель — с опусом Ролана Пети. Он, как известно, ставил балет «Пиковая дама» два раза. Первый — в 70-е годы прошлого столетия для Михаила Барышникова. А второй — можно сказать, совсем недавно, двадцать с небольшим лет назад в Большом театре. И, видимо, неслучайно мэтр дважды обратился к этому сюжету. Барышников из опасения «быть неверно понятым» отказался от превалирующего над всем «повествованием» дуэта Германна и Графини. Это странное «па де де» было реализовано Пети, когда он ставил этот балет на Николая Цискаридзе и Илзе Лиепу. «Душное па де де», как называл его сам Пети. И завораживающее, подчёркивающее ирреальную составляющую сюжета. А у вас…

— ... другая история! Хотя и та, что у Пети, мне представляется очень интересной. Вообще я, конечно, за то, чтобы исполнитель и хореограф смотрели в одну сторону. А если говорить о предшественниках, то в моей истории определяющую роль сыграл не г-н Пети, а Лиам Скарлетт, замечательный танцовщик и хореограф, к сожалению, ныне покойный. Он лет пять назад поставил балет «Пиковая дама» по заказу Королевского Датского балета. Там много было интересного, и хотя это была как раз не «оперная» история, а как бы балет по Пушкину, я испытал внутренне сопротивление, когда его смотрел. Старухе Графине как-то удалось практически сохранить свою молодость, определяющей её чертой была какая-то гламурная светскость. И я подумал: что-то эта история не о том, я бы поставил по-другому. И подспудно, видимо, мысль и заработала.

— Как выбираете артистов? Работает этот принцип — чтобы смотрели с тобой в одну сторону?

— Для меня очень важен неформальный интерес к постановке. Если артист вместо того, чтобы подняться по трапу самолёта и улететь на гастроли, возвращается в театр, чтобы принять участие в репетициях твоего нового спектакля, наверное, можно быть уверенным в том, что из этого у вас что-нибудь да получится. Именно так поступил Игорь Цвирко, когда ему была предложена партия Печорина. Сейчас он с не меньшим любопытством и энтузиазмом репетирует Германа. Герман—Владислав Лантратов тоже, как всегда, работает с очень большим увлечением. Мы далеко в сторону ушли и от Ролана Пети, и от Лиама Скарлетта, тем более что они-то как раз и не опирались на оперу. У нас другие акценты в монологах и дуэтах. Партия Графини поделена не только между двумя артистами, но и между двумя «полами». Молодую графиню танцуют молодые девушки. А старуху Пиковую даму — замечательные танцовщики-актёры Вячеслав Лопатин, Денис Савин и Георгий Гусев. Очень пластичные и абсолютно разные по своей фактуре, так что у нас точно не будет двух одинаковых Дам. Со всеми артистами, которые живо заинтересованы в процессе, меня связывает большая любовь к их персонажам, каждым из которых я — чисто умозрительно, конечно, — представляю и себя.

— Даже Лизой?

— И Лизой, и Томским, и Чекалинским.

— Открытия какие-нибудь произошли?

— У меня одну из Лиз так и зовут: Лиза. Елизавета Кокорева. Я с ней встретился ещё во время работы над «Чайкой»: она танцевала Заречную. По-моему, она перетанцевала весь или почти весь классический репертуар театра. Хорошо выученная, «правильная» балерина. Но я отчётливо вижу и её потенциал в «неправильной», современной хореографии. Вижу, какой она может быть эмоциональной, азартной. Напоминает мне одну из моих самых любимых партнёрш — Людмилу Семеняку. Мне кажется, Лиза вполне способна добраться до высот, достигнутых этой великой балериной. Замечательная балерина — Элеонора Севенард. Очень значительный потенциал вижу у Даниила Потапцева, исполнителя партии Томского. А вообще-то поручаю вашей редакции назвать всех артистов, занятых в моей постановке. От каждого зависит успех нашего предприятия. И каждый вносит в него свою неповторимую лепту.

В премьерной серии показов (14 декабря, 18-21 декабря) заняты Игорь Цвирко, Владислав Лантратов, Алексей Путинцев (Герман), Елизавета Кокорева, Элеонора Севенард, Анастасия Сташкевич (Лиза), Анастасия Сташкевич, Маргарита Шрайнер, Мария Виноградова (Полина), Артём Овчаренко, Егор Геращенко, Даниил Потапцев (Томский), Вячеслав Лопатин, Денис Савин, Георгий Гусев (Старая графиня), Марк Орлов, Марк Чино, Денис Захаров (Елецкий), Виктория Брилёва, Ана Туразашвили, Алёна Ковалева (Молодая графиня), Михаил Лобухин, Марк Орлов, Александр Водопетов (Сен-Жермен), Ян Годовский, Карэн Иоаннисян (Чекалинский).

Интервью редакции сайта Большого театра

* Модест Чайковский
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 26915
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Дек 06, 2023 11:21 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2023120601
Тема| Балет, Башкирский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Иван Складчиков, Олег Габышев
Автор| ЕВГЕНИЯ КРИВИЦКАЯ
Заголовок| ТАНЦУЮЩИЙ РАХМАНИНОВ
В УФЕ СОСТОЯЛАСЬ МИРОВАЯ ПРЕМЬЕРА БАЛЕТА ПРО ЖИЗНЬ И ТВОРЧЕСТВО РАХМАНИНОВА

Где опубликовано| © Журнал Музыкальная жизнь
Дата публикации| 2023-12-05
Ссылка| https://muzlifemagazine.ru/tancuyushhiy-rakhmaninov/
Аннотация| премьера

Как на языке балета создать байопик о жизни и творчестве реальной исторической личности? Эту тему в последние годы пробовали решать разные хореографы: «Караваджо» Мауро Бигонцетти, «Модильяни» Тоомаса Эдура, «Чайковский» и «Роден» Бориса Эйфмана ограничивались только танцевальными средствами; «Нуреев» Серебренникова – Посохова заложил основу для мультижанрового представления, охватывающего все виды искусства – не только балет, но и оперу, драматическую игру, видео-арт. По этому же пути пошла команда постановщиков в Башкирском театре оперы и балета, чтобы отразить и многогранность наследия, и самой личности Сергея Рахманинова, а также создать дополнительные контрасты, сделав фабулу насколько возможно разнообразной.

«Дорога ложка к обеду»: главный художник театра Иван Складчиков признавался, что идея либретто вызревала у него в течение шести лет, но благодаря настойчивости худрука театра Аскара Абдразакова реализовалась вовремя – в год 150-летия Рахманинова. Именно Складчиков «увидел» в Олеге Габышеве, премьере знаменитой труппы Эйфмана, хореографа, способного найти адекватные хореографические решения. «Мне важно было уйти от иллюстративности, – объяснял идею Габышев. – Как передать процесс сочинения музыки? Я придумал широкий жест рук, словно охватывающих большое пространство, чтобы передать рахманиновский аккорд». Метафорично переданы и некоторые эпизоды биографии юбиляра. Так, урок у педагога по фортепиано Николая Зверева проходит вовсе не за роялем: молодые юноши делают танцкласс у станка, и непокорность, оригинальное мышление молодого Рахманинова передано через взрывающие академизм ритмы и движения. Кстати, зрителям второго показа повезло: хореограф – блистательный премьер балета Эйфмана – выступил как танцор в главной роли, харизматично поведя за собой всю труппу.

Атмосферу времени воссоздает сценография и костюмы Ивана Складчикова, в этот раз довольно лаконичные. Нет привычного буйства красок и роскоши тканей и фасонов, но зато фраки, костюмы-тройки, чесучовые брюки, красные платочки сразу включают ассоциативный ряд – вспоминаются многочисленные фотографии композитора, а ветки его любимой сирени становятся важным декоративным элементом.

Авторы балета точно обозначили жанр – балет-фантазия, придумали и особый драматургический ход – эпизоды из жизни Рахманинова нам показаны как сны, где реальные события переплетаются с чувствами и переживаниями главного героя и с его музыкой. Почти весь балет построен на фрагментах из сочинений Рахманинова, за исключением сцены в танцклассе, где звучит ритмичная музыка Черни – его этюды, которые, вероятно, так докучали юному пианисту.

Перед сценой был поставлен рояль, за которым солировал уфимский пианист Марат Губайдуллин, став полноценным и незаменимым участником действа. Он рассказал, что полтора месяца готовился к премьере, разучивая по списку сольные пьесы, концерты и аккомпанементы романсов Рахманинова. Их пел Аскар Абдразаков, воплотивший образ Федора Шаляпина. Постановщики придумали показать прощание двух друзей и уход из жизни певца через сцену смерти из оперы Мусоргского «Борис Годунов», в которой когда-то блистал великий русский бас.

Воспроизведен был и момент дипломного экзамена по композиции – того самого, где Чайковский поставил Рахманинову пять с тремя плюсами за «Алеко», и выбор огневого цыганского танца демонстрирует нам триумф выпускника Московской консерватории. А затем – по контрасту – провал Первой симфонии. В стилистике драмбалета показано общение Рахманинова, приносящего партитуру дебютной симфонии Глазунову. Правда, его облик немного не соответствует известным портретам композитора, где он выглядит дородным барином. Ян Валеев – стройный, подвижный, затянутый во фрак, кажется чуть ли не моложе Рахманинова. В остальном события того памятного исполнения узнаваемы и реалистичны: вот Глазунов наспех листает партитуру, пропускает пару рюмочек и идет за дирижерский пульт. Рахманинов в волнении подглядывает за реакцией публики, видит, как палочка выпадает из рук знаменитого музыканта, и пытается спрятаться от возмущенных зрителей, освиставших его музыку. Оставшись один, он в состоянии аффекта рвет ноты. И затем его окружают мужские фигуры в черном – это его фобии, овладевающие его телом и духом.

История жизни великого человека была бы неполной без любовной линии, и здесь законы жанра не нарушены. Кузина Наталья Сатина становится его возлюбленной, музой, верной спутницей жизни. Для нее Габышев придумывает выразительные монологи и дуэты, в которых балерина Ирина Сапожникова передает страстность, беззаветную преданность и готовность к любому самопожертвованию во имя обожаемого супруга. Именно Наталья вытаскивает его из депрессии (и буквально из рук фобий) и отводит к доктору-психиатру Владимиру Далю (Гафур Валеев). Этот эпизод идет под звучание электронных шумов, как бы выключающих нас из реального времени – зрители словно вместе с Рахманиновым испытывают воздействие гипноза.

Особенно эффектно удались Габышеву революционные сцены, шедшие под колокольную музыку Рахманинова. Притягивали взгляд кроваво-красные лики святых с дырами вместо лиц, на фоне которых высилась одинокая фигура Рахманинова среди кишащей и корчащейся толпы в кирзовых сапогах, картузах и платочках. Габышев смело переходил от классических па, от танца на пуантах и в туниках у женщин к современной пластике, смело смешивая элементы характерных (присядка) и даже отчасти спортивных движений.

Вообще, все находки в этом балете тем и хороши, что ясно «читаются» и концептуально понятны без специального изучения буклета и комментариев хореографа или либреттиста. Оттого, наверное, зрители искренне переживали и сопереживали увиденному, обсуждая перипетии судьбы композитора и радуясь знакомым мелодиям из Второго и Третьего концертов Рахманинова.

Симфоническому оркестру театра пришлось освоить во многом совсем новый репертуар, и под руководством Феликса Коробова все прозвучало очень достойно. Дирижер отметил качественный рост коллектива, с которым проводит уже третью постановку. Нашлось в балете место и для хора: невидимые голоса, выводившие с верхнего яруса «Благослови, Господи» из «Всенощной» Рахманинова, преисполнили зрителей благодатью.

Спектакль «Рахманинов. Симфония длиною в жизнь» стал нерядовым событием сезона Башкирского театра оперы и балета. Будучи на пороге 85-летия, театр может гордиться подобным прорывным проектом, а посетившая премьеру министр культуры Амина Шафикова высказала мысль, что именно такую постановку стоит везти в Москву, покоряя столицу масштабом амбиций.

ФОТО: ОЛЕГ МЕНЬКОВ
==========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 26915
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Дек 06, 2023 2:15 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2023120602
Тема| Балет, МТ, Персоналии, Рената Шакирова
Автор| Беседовала Ирина Филиппова
Заголовок| «Богатство, внимание поклонников — это маска, за которой ничего нет». Интервью с балериной Мариинского театра Ренатой Шакировой о премьере спектакля «Анюта»
Где опубликовано| © «Сноб»
Дата публикации| 2023-12-06
Ссылка| https://snob.ru/culture/bogatstvo-vnimanie-poklonnikov-eto-maska-za-kotoroj-nichego-net-intervyu-s-balerinoj-mariinskogo-teatra-renatoj-shakirovoj-o-premere-spektaklya-anyuta/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

На исторической сцене Мариинского театра 8 и 9 декабря состоится премьера балета «Анюта». Постановка хореографа Владимира Васильева основана на телеспектакле 1982 года — сценическую версию балета в театре покажут впервые. «Сноб» поговорил с одной из исполнительниц главных ролей Ренатой Шакировой о том, как проходили репетиции и чем сценическая версия спектакля отличается от телевизионной


Рената Шакирова
Фото: пресс-служба


Балет «Анюта» создан на основе сюжета рассказа Антона Чехова «Анна на шее». Произведение полностью перенесли на сцену или в действии есть некоторые отличия?

Спектакль «Анюта» рассказывает о девушке из провинциального городка, которая от безысходности выходит замуж за немолодого, но состоятельного чиновника. На первом же выходе в свет героиня пользуется повышенным вниманием мужчин. Это так нравится Анюте, что она быстро забывает об отце и братьях. Постановка почти полностью повторяет сюжет рассказа Чехова, но есть одно большое отличие. Соавтор балета Владимир Викторович рассказывал, что, когда он занялся постановкой, ему не хватало раскрытия образа Анюты. Тогда он ввел в постановку роль бедного студента, который стал первой любовью девушки. Этого персонажа нет в книге. Но в спектакле он очень красиво раскрывает образ героини. В сочетании с фантастической музыкой Валерия Гаврилина этот дуэт получился очень трогательным. Спектакль покажет зрителю, что не стоит гнаться за деньгами, забывать семью, близких. Богатство, внимание поклонников — это маска, за которой, к сожалению, ничего нет.

Хореограф Владимир Васильев поставил «Анюту» по одноименному телеспектаклю ленинградского режиссера Александра Белинского, который вышел на экраны в 1982 году. Сценическая версия постановки повторяет телевизионную?

Отличия, конечно, есть, но они больше технические. Мы прекрасно понимаем, что телевидение — это другие возможности. Там можно, когда нужно, обрезать или приблизить кадр. На сцене такого нет. Поэтому некоторые моменты режиссер менял специально для сцены. Например, из-за того, что постановка предполагает смену декораций, в спектакль добавили музыку Валерия Гаврилина из разных произведений. Но фильм-балет все равно для нас остается эталоном. Я все еще помню, как маленькой девочкой в Академии русского балета имени Вагановой смотрела его и пыталась повторить за артистами. Даже не верится, что скоро сама исполню эту партию на сцене Мариинского театра.

Как вы готовились к партии Анюты?

Подготовка к спектаклю началась 7 ноября, после того как мы вернулись с гастролей в Китае. Мы достаточно быстро выучили весь материал технически, после чего начались прогоны. Обычно они идут накануне спектакля и их не так много. А в этом случае мы уже неоднократно прогоняем весь балет практически целиком — для нас это непривычно, но интересно. Конечно, мы и читаем рассказ, и смотрим фильмы по этой постановке, чтобы отловить «актерские штучки и нюансы».

Еще мне очень нравится сам образ Анюты — у нее есть челка. В театре мы часто используем накладные волосы, но в этот раз нужно сделать так, чтобы она не мешала движению и во время танцев не слетела. Будет ли у меня челка на премьере, пока не знаю. Это решится на последней репетиции.

Премьера «Анюты» в московском Большом театре состоялась еще в 1986 году. Как вы считаете, почему в Мариинке балет решили впервые поставить только сейчас?

Это сложный вопрос. Возможно, это случилось из-за несовпадения графиков художника-постановщика, хореографа. Но, какими бы ни были причины, мне кажется, здорово, что «Анюта» вернулась на свою родину, ведь телевизионную версию спектакля снимали на «Ленфильме» в Санкт-Петербурге. Этот балет шел и идет в разных театрах России и мира, но основа его сюжета везде сохраняется. Наша постановка отличается от постановки в Большом, но лишь некоторыми деталями, которые, возможно, заметят только артисты и самые любопытные зрители. Благодаря этому балет как раз продолжает существовать, он меняется и живет.

В вашей карьере были роли в балетах «Щелкунчик», «Ромео и Джульетта», «Спящая красавица», «Тысяча и одна ночь». Какая партия ваша самая любимая и почему?

У меня все партии любимые. Каждый образ интересен, уникален. Но в детстве, когда я еще училась в Академии, я очень хотела исполнить партию Китри из балета «Дон Кихот». Мне удалось ее станцевать, и по сей день это один из самых ярких и любимых образов. Несмотря на то что я уже долго исполняю эту роль, все равно с каждым спектаклем стараюсь привнести в нее что-то новое.

Еще я очень люблю партию Джульетты. Здесь от девочки-подростка до девушки, с которой произошла трагедия, переживаешь огромное количество эмоций. Играть эту роль — просто наслаждение.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 26915
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Дек 06, 2023 2:57 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2023120603
Тема| Балет, Пермский балет, Персоналии,
Автор| Наталья Земскова
Заголовок| Сто историй о Пермском балете: три правила примадонны Натальи Моисеевой
Где опубликовано| © газета «Звезда
Дата публикации| 2023-12-06
Ссылка| https://zwezda.su/culture/2023/12/sto-istorij-o-permskom-balete-tri-pravila-primadonny-natali-moiseevoj
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

СТО ИСТОРИЙ О ПЕРМСКОМ БАЛЕТЕ

Чуть больше двух лет остаётся до столетия Пермского балета. Датой его рождения считается премьера двухактного балета «Жизель» Адана, который дала хореографическая студия Перми 2 февраля 1926 года. Студийцы – дети и взрослые (в основном, молодые рабочие) – занимались в небольшом деревянном флигеле под руководством актеров театра. История сохранила даже имя педагога и режиссера-постановщика – танцовщик Борис Щербинин. До Большого Балета в Перми оставалось целых пятнадцать лет...

Пермская краевая газета «Звезда» продолжает цикл публикаций «Сто историй о Пермском балете», посвящённый этому событию.



Три правила Натальи Моисеевой

В одном из интервью прима-балерина Пермского академического театра оперы и балета Наталья Моисеева (танцевала с 1988 по 2016) признавалась: «Я попыталась сделать так, чтобы мои дочери не связали свою жизнь с балетом…». И когда её спрашивали, почему, Наталья Анатольевна отвечала: «Чтобы состояться в Балете, мало способностей и желания, ежедневного труда и счастливого случая. Здесь должны совпасть многие, очень многие обстоятельства...».

Сложнее приходится тем, чья семья никак не связана ни с театром, ни с классическим танцем – так было у самой Наташи Моисеевой. Её мама в детстве мечтала стать балериной, но не посмела ослушаться отца, знаменитого чувашского писателя Григория Краснова-Кезенни, который был «против искусства». Маленькая Наташа несколько лет проучилась в музыкальной школе по классу скрипки, а когда семья переехала из Чувашии в Екатеринбург, отправилась в Дягилевскую школу искусств поблизости с домом – на хореографическое отделение.

– И однажды на гастролях в Свердловске оказалось Пермское хореографическое училище, – вспоминает Наталья Анатольевна, мы с папой попали на концерт, и всё, у меня загорелось…

Мама, недолго думая, берёт весь дочкин хореографический класс и ведёт на просмотр в интернат, где остановились балетные. Педагог Нинель Георгиевна Пидэмская (позже она станет директором Пермского хореографического – ред.) смотрит на маму, затем на Наташу и качает головой: «Нет, вы можете даже не приезжать…». Мама только что родила второго ребёнка и была довольно объёмной, да и Наташа казалась не очень худой.

Та, первая попытка, конечно же, закончилась слезами. Но маму уже было не остановить. «Не реви, – успокоила она плачущую дочь. – Не взяли здесь – поедем в Пермь. Не возьмут в Перми – найдём другое место». И они почти сразу отправились в Пермь, Наташу взяли, но на просмотре (специально для этого собиралась комиссия) Нинель Георгиевны не было… И вот Пидэмская идет по коридору, кричит: «Кого тут взяли ко мне в класс без меня? А, это опять вы... Но я же не советовала приезжать».

Поскольку решающий голос оставался за художественным руководителем училища, пригласили Людмилу Павловну Сахарову. Сахарова посмотрела, для порядка исправила все отметки в экзаменационном листе на балл ниже и вынесла вердикт:

– Пусть девочка учится в экспериментальном классе; если что – через год отчислим… Как известно, классический танец всё расставляет по своим местам.

Сахарова в тот день была в хорошем настроении, к тому же она придерживалась правила не пренебрегать отчаянным желанием ребёнка учиться балету даже при сомнительных данных. А у Наташи данные были хорошие.

Что такое жизнь в интернате для обычной двенадцатилетней девочки? Это множество умений, которые домашние дети осваивают годам к двадцати, а то и позже. Вдруг выясняется, что за всем нужно следить – за внешним видом, за питанием, за весом… Но главное – за одеждой. Классический танец – шесть дней в неделю по полтора часа – изнашивал обувь до дыр дней за десять, в советских магазинах балетная обувь не продавалась, поэтому оставался единственный вариант – штопать и штопать тапки, стирать и гладить одежду, пришивать многочисленные тесёмки, подгонять казённый купальник, который почему-то всегда выдавали не по размеру... Ну, и общеобразовательную программу тоже никто не отменял.

Словом, когда вы слышите о том, что в балете главное – координация, это не только про танец, это – про все сферы жизни.

– У меня нет повышенной природной координации, когда тебе ничего не стоит собрать руки-ноги-голову-корпус – все pas приходилось учить. Иногда недоставало физических сил, например, поднять и долго удерживать на высоте ногу. Вместо десяти лет я попала в школу в двенадцать; в экспериментальном классе мне просто-напросто не хватило начальной подготовки. Системы, по которой из тебя, как из глины, лепят артиста балета.

Всё изменилось на втором курсе, когда бывший экспериментальный класс взяла педагог Лидия Григорьевна Уланова. По традиции, учащиеся готовили «Коппелию» (0+), кто-то из девочек заболел, и на репетиции Уланова кивнула Наташе: «Быстро обувайся, вставай!».

Во что обуваться? – промелькнуло у Наташи, обуви у неё с собой не было, так как в спектакле она не участвовала. Бросилась в раздевалку, схватила чьи-то первые попавшиеся туфли и бегом назад. Репетиция шла больше часа, и странно, – она совсем не чувствовала боли. Только когда сняла эти туфли, которые оказались совсем не по размеру, – в них буквально хлюпала кровь.

В следующий раз педагог поставит её в миниатюру «Утро» в той же «Коппелии» прямо перед прогоном: «Порядок помнишь? Вставай». И Наташа выведет первое балеринское правило, не раз потом её выручавшее: ты должна быть готова к возможности, чтобы использовать выпавший шанс».

Первым таким шансом оказалась поездка хореографического училища в США, организованная в 1987-м Пермским обществом «Арабеск». Ещё фактически стоял железный занавес, а группа учащихся, куда вошла Наташа Моисеева, отправилась по маршруту «Нью-Йорк – Филадельфия – Индианаполис – Эвансвилл – Вашингтон» с концертом в двух отделениях. Естественно, отбирали лучших. Это было невероятно – начинать зарубежные гастроли не со страны социалистического лагеря, например, с Венгрии, а сразу с далёкой во всех смыслах Америки…

Близилось окончание учёбы, а значит, распределение, но Владимир Николаевич Салимбаев, главный балетмейстер Пермского театра оперы и балета, посмотрев на выпускников в классе, Наташу в театр не позвал. И только увидев её в балете «Коппелия», неожиданно пригласил в труппу. Как известно, сцена меняет артиста, высвечивая самые тайные уголки его личности – Наталью Моисееву она из «золушки» превратила в «принцессу».

Точка отсчёта, конечно, – кордебалет, иногда – вставные сольные кусочки, четвёрки, пятёрки, танец маленьких лебедей. Тогда, в самом начале карьеры, она впервые испытала даже не страх – ужас сцены:

– Я вышла в сольной вариации в «Семи красавицах» (12+), обернулась и посмотрела в кулисы: там, как обычно, стояли балетные и, застыв, ждали мой танец. И когда зазвучала музыка, весь хореографический рисунок от страха выскочил из головы, и пол вариации я станцевала одной-единственной комбинацией. Кошмар, который не забыть никогда… Но Салимбаев лишь бросил в мою сторону: «Ну, что, может, и вальс так же станцуешь?..».

Только с приходом Кирилла Шморгонера на должность главного балетмейстера у Натальи Моисеевой пошла карьера в театре. Педагог Алла Лисина начала вводить её в сольные партии: па-де-труа и вставное па-де-де в «Лебедином» (12+), вариация в «Спящей» (12+) и «Привале кавалерии» (12+), участие в конкурсе «Арабеск-90», победа в котором (2-е место, 1-е не присуждалось) определяла всё.

Конкурс в 90-е – это совсем не то, что сейчас: никакого класса, концертмейстера и специально выделенного времени; чаще всего приходилось заниматься ночами, когда освобождалось помещение…

– Ну, почему, почему, когда в классе никого нет, у тебя всё получается так, как нужно? – причитала Алла Лисина, – кто-то случайно зашёл, и ты уже от волнения стоишь на двух ногах…

По сложности работа в классе – это далеко не спектакль, а участие в конкурсе – тяжелее, чем любая премьера. За короткое время нужно было подготовить три вариации – вариацию Авроры из «Спящей», вариацию Марии из «Привала кавалерии» и из па-де-труа «Лебединого». Но после победы на «Арабеске» Наталье Моисеевой сразу предложили репетировать «Спящую красавицу». Балет Чайковского, про который говорят: «Спящую» станцевала – три дня лежишь.

Тогда сформировалось ещё одно балеринское правило: хочешь быть в форме, танцуй и танцуй, то есть, просись везде.

– Лена Кулагина, Юля Машкина, я – много лет мы втроём танцевали все главные партии. И если я, например, в «Спящей» Аврора, то Юля – Принцесса Флорина, а Лена – Сирень. Если Лена Аврора, я – Флоринаа, а Юля танцует Сирень. Форма, форма… Если ты не в форме, всё остальное уже не важно. Балетный век короток, нужно успевать.

Аврора и Принцесса Флорина «Спящей», Мария в «Привале кавалерии», Студентка в «Анюте» (12+), вставное па-де-де в «Жизели» (6+), Подруга в «Дон Кихоте» (12+), Подруга в «Раймонде» (12+), Маша в «Щелкунчике» (6+)… На «Арабеске-92» Наталья Моисеева получила третью премию, а пара Наталья Моисеева, Виталий Полещук стала лучшим дуэтом конкурса. Красивейшая пара пермской балетной сцены.

Их роман начинался ещё в училище. Сначала как у всех – взгляды, записки, прогулки (хорошо, что на старших курсах балетным позволялось гулять самостоятельно!). Как-то весной в Наташин день рождения, когда в интернате на несколько часов погас свет, и выйти никуда было нельзя, вдруг раздался стук в дверь – в полутьме дверного проёма стоял Виталик с охапкой тюльпанов: «Это тебе!..». Где он их раздобыл в Перми 1985-го?..

После распределения в театр Наташа и Виталий поженились, но, как выяснилось, одно дело – муж, и совсем другое – партнёр по сцене.

– Виталий – мой лучший, можно сказать, идеальный партнёр: на сцене с ним иногда и отдохнуть можно, так как многое он берёт на себя. Но в классе всё наоборот – ни на одну поддержку я не шла расслабленно, все куски из-за его замечаний повторяла не раз и не два… Ни один премьер себе такого не позволял!

После «Арабеска-92» случилась долгожданная Жизель, которую многие зрители до сих пор считают лучшей Жизелью Пермского балета. Но не всё было так просто, как виделось из зрительского кресла.

После победы на «Арабеске-90» Наталья Моисеева попала в руки ведущего педагога театра Риммы Михайловны Шлямовой, которая вылепила не один десяток звёзд пермской балетной сцены. За плечами Наташи уже было несколько партий в классической линейке балетов, но «Жизель» пока никто не предлагал. Вернее, Шлямова, зайдя в класс, как-то сказала: «Прыгни-ка pas soupresaut пять раз подряд», и когда Наталья прыгнула, Римма Михайловна резюмировала:

– Нет, пока рановато...

Но уже через пару лет Жизель Моисеевой состоялась, и её сложнейшая лексика была исполнена настолько виртуозно-воздушно, что, кажется, осталась довольна даже педагог. Человек, который заточен на то, чтобы в основном видеть ошибки.

В 90-е годы Пермский балет так много ездил на гастроли, что жители города возмущались: лучшее в театральном искусстве Перми смотрят лишь иностранцы. И действительно, загранпаспорт артистам балета то и дело приходилось менять, так как место для вклейки визы быстро заканчивалось.

В 1995-м балет отправился на гастроли в Англию со «Щелкунчиком». И вроде бы Наташа не падала, не подворачивала ногу, но после незначительной травмы вытянуть ногу, тем более с нагрузкой, просто не получалось. Результат – второй акт «Щелкунчика» в Англии за Моисееву дотанцовывала Елена Кулагина… Врач предписал полный покой в течение трёх месяцев, три месяца прошли, нога восстановилась, но впереди замаячил декретный отпуск.

– И вот приезжает к нам из Хьюстонского балета Бен Стивенсон, балетмейстер с мировым именем – ставить балет «Пер Гюнт» (16+), я буквально перед родами прихожу в театр, и Кирилл Александрович меня представляет: «А это наша Сольвейг…».

Как часто бывает, всё сошлось в одном временном отрезке – рождение дочери, сложнейшие гастроли в Японии и подготовка «Пер Гюнта». Сможешь после родов быстро восстановиться? – спросил Шморгонер, которому нужно было определяться с ведущими балеринами. – Смогу.

Но одно дело восстанавливаться в классе в общем процессе и совершенно другое – одной, когда вся труппа в отпуске. Только домашние знают, чего ей это стоило… Впрочем, тогда Наталья уже знала Главный Балеринский Секрет – за нечеловеческой нагрузкой и её преодолением всегда следует «полёт мышечной радости», который можно заработать лишь тяжёлым трудом.

Японские гастроли – па-де-де из «Щелкунчика», «Тщетная предосторожность» (6+), «Па-де-катр» (12+) – тогда прошли просто блестяще. Не успел Пермский балет с триумфом вернуться домой, как начались репетиции с Беном Стивенсоном. Удивительно, но академизм и строгость пермской балетной труппы Бен воспринимал как «зажатость», требуя максимальной эмоциональности. И только у Моисеевой он этих зажимов не видел. Ей всегда было интересно танцевать не технику, а эмоцию: «Ромео и Джульетту» (12+), «Бахчисарайский фонтан»(12+), первый акт «Жизели»… После работы над «Пер Гюнтом» с каждого артиста балета словно сняли внутренние зажимы.

Партию Сольвейг в «Пер Гюнте», а позже – Джульетту в «Ромео…» Кеннета Манмиллана (с его знаменитым адажио на балконе) в 2013-м году Наталья Анатольевна считает одной из главных удач. А ещё – «Лебединое озеро» в хореографии Натальи Макаровой. «Лебединое», которое Моисеева несколько лет отказывалась танцевать, считая Одетту/Одиллию не своей партией.

– В музейных балетах, особенно в «Лебедином», очень сильны клише. Мне казалось, Одетта должна быть всё-таки выше, с другими линиями; я всё время комплексовала… На десятом году работы уговорил Кирилл Шморгонер. И вот приезжает хореограф Наталья Макарова, я смотрю на звёздного балетмейстера и вижу миниатюрную балерину… Она вселила в меня уверенность. В общем, долго открещивалась от «Лебединого», а в итоге танцевала его до пенсии. Не случилась Татьяна в «Онегине» (12+), так и оставшись мечтой. Здесь ведь что важно? Важно не только вовремя встретиться со своим балетмейстером, но и совпасть с ним творчески! К счастью, с Кириллом Александровичем мы совпали. У меня была значительная свобода: ты в партии, много тебя… Это твоя пластика, а не один лишь навязанный рисунок – даже в классических, музейных балетах.

То, с чем как педагог «боролась» Римма Михайловна Шлямова, Шморгонер выпускал на свободу. Не сразу, далеко не сразу, педагог Шлямова начала доверять Наташе. А сколько в первые годы было ссор, слёз, напряжённого молчания! Шлямова запросто могла хлопнуть дверью, прервав репетицию: «Когда ты на сцене, тебе никто не крикнет ни из директорской ложи, ни из-за кулис, ты сама должна обрабатывать информацию и понимать, куда ты валишься…».

Но третье балеринское правило Моисеевой звучит так: без педагога ты никто:

– Каждый из педагогов видел что-то своё и раскрывал это «что-то». А с удивительной Риммой Михайловной мы проработали целых двадцать пять лет.

Ни на одно заманчивое предложение поменять труппу Пермского балета заслуженная артистка РФ Наталья Моисеева не ответила согласием. Во-первых, от добра добра не ищут, а во-вторых и во всех остальных, театр столько ездил на гастроли по миру, что ей всегда хотелось домой.

– Дом – это место, где ты состоялся, где тебе комфортно, где есть родные, друзья, а теперь ещё и ученики.

…Педагог-репетитор Пермского театра оперы и балета Наталья Моисеева знает, о чём говорит.

Фото из архива Натальи Моисеевой.
=============================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 26915
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Дек 06, 2023 6:28 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2023120604
Тема| Балет, Академия русского балета имени Вагановой, Персоналии, Николай Цискаридзе
Автор| Зоя Игумнова
Заголовок| «Я никого не увольнял. Те, кто пугал, ушли сами»
Народный артист России Николай Цискаридзе — о безальтернативном «Щелкунчике», стыдной очереди, забытых звездах и затянувшихся выборах

Где опубликовано| © Известия
Дата публикации| 2023-12-06
Ссылка| https://iz.ru/1615839/zoia-igumnova/ia-nikogo-ne-uvolnial-te-kto-pugal-ushli-sami
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Фото: Андрей Лушпа

Можно сколько угодно «расширять горизонты», но все будут хотеть великий шедевр Петра Ильича Чайковского, убежден Николай Цискаридзе. Народный артист России привозит в Москву своих учеников из Академии русского балета имени Вагановой. Они представят эталонного «Щелкунчика» на сцене Кремлевского дворца 19 и 20 декабря. Главный конкурент суперхита Большого театра демонстрирует амбиции не только Академии, но и ее руководителя, про которого в театральных кругах ни раз говорили, что он кандидатура на пост директора ГАБТа. Сам Николай Цискаридзе обсуждать подобные слухи отказывается. Зато с удовольствием рассказал «Известиям» про систему образования, околотеатральных скандалах и грядущем юбилее. 31 декабря Николаю Цискаридзе — 50.

«Девид Холберг принес мне письменное извинение»

— В конце октября ваши коллеги по Академии русского балета имени Вагановой поздравили вас с десятилетием на посту ректора. А вы вспоминаете, как 10 лет назад сотня педагогов и деятелей культуры подписали письмо против вашего назначения?


— Работники Академии тогда написали письмо с просьбой не менять художественного руководителя Алтынай Асылмуратову. Я так и поступил, получив это письмо от них с очень большим количеством подписей. Но один из проректоров, тогда работавших в Академии, подменил письмо — приложил к этим подписям другой текст и отправил его в администрацию президента. Что и создало скандал.

Другое дело, что были люди, организовывавшие подобные письма в Большом и в Мариинском театрах, привлекая людей, которые меня не любят, и используя иностранцев. Например, Девид Холберг, очень талантливый артист американского гражданства, тогда работавший по контракту в Большом театре, а сегодня возглавляющий Австралийский балет, принес мне письменное извинение. Его вызвали в кабинет к руководителю балета Большого театра и дали подписать бумагу, не объяснив, что это. И таких людей было очень много.

Правду говорят: на каждый роток не накинешь платок. Я в очередной раз объяснил это вам, прекрасно понимаю, что буду объяснять это еще миллион раз, но мне всё равно будут задавать этот глупый вопрос.

— На сайте Академии значится что вы «и.о. ректора». За 10 лет вы не доказали, что пора убрать эту формальность из двух букв «и.о.»?

— Всё согласно трудовому законодательству. Сначала я в течение года был «и.о.». Затем, после выборов 2014 года, я пять лет служил как ректор. А по истечении пятилетнего трудового договора нужно было устраивать очередные выборы. И тут началась пандемия, потом другие события, и дело до выборов так и не дошло. Но раз наш учредитель — Министерство культуры — пока не возражает, значит, всё хорошо.

А мне абсолютно всё равно, как называется моя должность, потому что никому в нашей стране, да и в мире тоже, не надо доказывать, кто такой Николай Цискаридзе.

— Вашим приходом некоторые педагоги пугали родителей учеников и предупреждали, чтобы они были бдительны. Эти «бунтари» еще рядом с вами в Академии?

— Я никого не увольнял, если вы об этом. Те, кто пугал, ушли сами.

— При каких условиях вы вычеркиваете из записной фамилии некогда близких людей?

— Подлость.

— Что вы считаете своим самым большим достижением на посту ректора?

— Я об этом никогда не думал и не буду. У меня нет времени на такие мысли, я просто работаю.

«Никогда не надо равняться на непрофессионалов»

— В этом году у вас тройной юбилей. Старейшая балетная школа России отмечает 285-летие со дня основания, из них 10 лет вы руководите ею. А 31 декабря вы отметите 50-летие. Каким должен быть праздник по такому поводу?


— Вы забыли еще об одном очень важном для меня юбилее — 250-летии моей родной московской школы (Московская государственная академия хореографии. — «Известия»). Я счастлив, что учился в период величайшего руководителя — Софьи Николаевны Головкиной. Это мне давало и дает силы и служит примером того, каким должен быть руководитель. Сравнивая мое детство и сегодняшнее положение школы, я понимаю, как должно быть и что нужно делать. Ориентируюсь на ее великое руководство, на то, в каком состоянии были двор, столовая, на каком высочайшем уровне шло обучение, какой был педагогический состав. Она никогда не боялась равных и превышающих ее по мастерству, всегда приглашала самых лучших специалистов, что было очень важным тогда и остается для меня примером сейчас.

Если человек боится у кого-то учиться, что-то спросить, берет на работу только тех, кто менее профессионален, чем он, — и всё это для собственного возвеличивания и получения наград, сидя в кресле, — мне стыдно за людей, которые так живут.

Говорить о себе, о том, что у тебя хорошо, что плохо, очень сложно. Просто никогда не надо останавливаться, нужно идти вперед. И никогда не надо равняться на непрофессионалов.

— Вы не первый год привозите в Москву «Щелкунчика» в исполнении учеников Академии русского балета имени А.Я. Вагановой. Спектакль поставлен в 1934 году Василием Вайноненом. Прошло почти 90 лет. Как можно сохранить задумку автора? На сколько процентов она соответствует первоначальной?

— Ни один спектакль никогда не соответствует первоначальной идее автора спустя какое-то время, прежде всего стилистически. Особенно в балете. Меняется структура человека, форма тела, и всё уже выглядит по-другому. Я уверен, что любой балетмейстер спустя 10 лет, если обращается к той же хореографии, что-то обязательно меняет. Как пример приведу работу с великим Юрием Григоровичем. Он всегда спустя какое то время вносил изменения в свои спектакли, адаптировал под изменившуюся за десятилетия структуру тела. А сейчас по сравнению с 1934 годом это просто другие люди. А всё остальное так же, как и было.

Другое дело, что есть вечные ценности, есть вечное искусство. Балет универсален — это прекрасно, у него нет языка, поэтому он понятен всем. Великая Майя Плисецкая рассказывала: «Когда я исполняла в Индии «Лебедя», всем было понятно. А когда я станцевала отрывок из балета «Дон Кихот», меня спросили: «Про что это?» И я ответила: «Про 32 фуэте».

Когда есть смысл, всегда понятно всем.

— Больше «Щелкунчиков» хороших и разных. Кроме балета, который ваши ученики представят в Кремлевском дворце, вы поработали с балетом имени Леонида Якобсона. Свое 55-летие коллектив отпраздновал 3 декабря на Основной сцене БДТ. Артисты представили поклонникам «Щелкунчика» в вашей хореографической редакции. Чем он отличается от хрестоматийных?

— Я считаю, что ничего более совершенного, чем два «Щелкунчика», Вайнонена и Григоровича, в мире не поставлено. Это два самых гениальных спектакля на эту тему, а все остальные постановки в мире стали вариациями на эти два шедевра. Так как мы находимся в Питере и Театр имени Леонида Якобсона — это петербургский театр, я сказал, что ничего лучше хореографии Вайнонена нет. Просто надо спектакль сделать таким, чтобы он был интересен и детям, и родителям. Чтобы дети смотрели с удовольствием, а родители попадали бы в свое детство и получали бы радость от встречи со сказкой.

— Почему «Щелкунчик» востребован? Возможно, это желание театров идти на поводу публики, не желая расширять их горизонты в познании музыкального наследия, предпочитая беспроигрышный вариант?

— Театр работает для публики. Театр не работает сам по себе. И можно сколько угодно «расширять горизонты», но все будут хотеть великий шедевр Петра Ильича Чайковского.

— Есть мнение, что ничего страшного в очередях около касс Большого театра нет. Люди стоят не за водкой, а за билетом на «Щелкунчик». Хорошо и то, что люди хотят встретить Новый год на традиционном для многих спектакле. А как вы относитесь к дефициту билетов на балет?

— Нет, это очень страшно, это очень плохой менеджмент. И это происходит из года в год еще и потому, что все знают — основная часть этих билетов окажется на площади Большого театра у спекулянтов. И все, особенно театральный мир, прекрасно понимают, кто получает основные барыши. Поэтому очень стыдно.

«Мама балет профессией не считала»

— Кто из ваших учеников похож на вас в отношении к профессии? В ком вы видите себя?


— Я ни в ком не хочу видеть себя. Я в них, прежде всего, растил индивидуальность, прививал ценности отношения к профессии, к высокому искусству, в которые верил сам.

— В вашем стремлении танцевать вас поддерживала мама. А как часто родители ваших учеников разделяют выбор мальчиков? Ведь бытует мнение, что балет — не мужское дело. А значит, юноше, сталкивающемуся с этим мнением взрослых, надо быть стойким и по-хорошему упертым.

— Меня никто не поддерживал. Моя мама всё время, даже когда я уже был артистом Большого театра, повторяла: «Никочка, надо получить профессию». У меня уже были успехи, обо мне уже писали СМИ от Токио до Лондона, а она всё твердила: «Надо получить профессию». Потому что мама балет профессией не считала.

Другое дело, что она меня поддерживала морально: «Это твой выбор, ты мой ребенок, я должна тебе сочувствовать». Но в выборе балета она меня категорически не поддерживала. А я никого не слушал, вот и получился результат.

— В Академии Вагановой проводятся семинары на тему «Ксенофобия и традиционные семейные ценности». Педагоги взялись за формирование у молодежи активной гражданской позиции, предупреждают межнациональные и межконфессиональные конфликты? Почему именно сейчас?

— Это было всегда, потому что в Академии с момента ее создания учатся дети разных национальностей и разных вероисповеданий. Но так как официальной религией Российской империи было православие, на территории школы изначально находилась домовая церковь Святой Живоначальной Троицы. И сегодня она тоже находится здесь, она полностью восстановлена. Это благое дело начал великий ректор Академии Леонид Николаевич Надиров, а завершил уже я.

Посещение храма не является обязательным, поскольку у нас много и иудеев, и мусульман, и даже буддистов. Мы толерантны ко всем религиям. И если детям правильно, как мне когда-то в детстве, преподносить уважение к любой конфессии, то никогда не будет недомолвок и конфликтов, когда дети вырастают.

— Есть ли у вас хейтеры? Вы читаете телеграм-каналы, в которых пишут о вас? Вас это расстраивает или вы философски относитесь к критике?

— Я вообще ничего не читаю и не смотрю, если мне что-либо не нравится. Ни относительно себя, ни относительно других. У меня слишком мало времени, чтобы его терять на плохой кофе, на глупые новости и на некрасивых людей.

«Я никогда ничего не прошу»

— Вы написали книгу «Мой театр», которая тут же стала бестселлером. Ваши воспоминания местами жестки по отношению к известным людям. Какую реакцию вы не ожидали получить на свой труд, но она всё же случилась?


— Прежде всего я не ожидал, что книга станет бестселлером. Во-вторых, я не ожидал тиража, который на сегодняшний день стал одним из самых многочисленных в этом жанре. И, наконец, я не ожидал такого количества благодарностей, потому что те, кого вы называете известными, оказались практически никому не известными, и многие из них обрели известность только благодаря упоминанию в моей книге.

— Вы говорили, что у вас есть материал и на продолжение. Вы уже взялись за него?

— Я его уже закончил, и с 1 декабря стартовали продажи второй книги. И поверьте, она будет намного динамичнее, потому что там начинается основная жесть.

— Вас не тяготит внимание к вашей персоне поклонников? Как вы относитесь к их желанию приблизиться к вам при любой возможности?

— Я на это не обращаю внимания. Если приближаются, здороваюсь.

— 31 декабря у вас юбилей. 50 — красивая дата. Но не навевает ли она на вас грусть?

— Нет.

— Когда говорят — «тяжелые времена», для вас это какие годы? С чем они связаны?

— С разочарованием в людях, которым отдал много сил и душевного тепла.

— А самое большая радость — в какие воспоминания возвращает?

— Когда в детстве играл и ничего не делал. Когда все были живы.

— Вы загадываете желания на Новый год? Верите в чудеса?

— Нет. Люди сами творят чудеса.

— Что попросите у Деда Мороза в новогоднюю ночь?

— Я никогда ничего не прошу. Я всё делаю и беру сам.

=========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Янв 07, 2024 6:58 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 26915
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Дек 07, 2023 9:40 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2023120701
Тема| Балет, НОВАТ, Персоналии, Екатерина Лихова
Автор| пресс-служба
Заголовок| Балерина Екатерина Лихова. Итоги уходящего года
Где опубликовано| © сайт театра
Дата публикации| 2023-12-06
Ссылка| https://novat.ru/news/interview/balerina-ekaterina-likhova-itogi-ukhodyashchego-goda/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Солистке балетной труппы НОВАТа Екатерине Лиховой уходящий год подарил исполнение ее профессиональной мечты.

Артистка рассказывает в своем предновогоднем интервью, чем запомнился ей 2023 г.


Заканчивается 2023 год, что вам удалось в этом году?

Я очень довольна своим первым «Спартаком». Партия Фригии для меня была очень желанной, это была моя давняя мечта. Я танцевала эту партию с Николаем Мальцевым, он тоже впервые танцевал Спартака. И подготовка к спектаклю была крайне интересной для меня, потому что тема рабства, восстания – это за душу цепляет. И, конечно, моя героиня – Фригия – мне очень близка. Она очень женственная, нежная. В лирических сценах со Спартаком она раскрывается мягкой, даже покорной, я бы сказала. Но в стрессовой ситуации она очень сильная, решительная.

А кто танцевал антагонистов?

Иван Оскорбин танцевал Красса, Эгину – Ольга Гришенкова.

Какие еще были у вас премьеры?

В недавней премьере «Щелкунчика» я танцевала Французский танец. Французский танец такой милый, приятный, красивый, но танцевать нужно с овечкой на колесиках. Это довольно нелегко, поэтому пришлось повозиться. А сейчас я готовлю партию Мари. Буду танцевать с Игорем Леушиным. Эта партия технически очень сложная, нужно серьезно работать. Двадцать второго я станцую ее впервые, затем двадцать четвертого и тридцатого декабря.

Какие еще спектакли смогут увидеть ваши поклонники до конца года?

Седьмого декабря я буду танцевать одну из своих самых любимых партий – Эсмеральда в балете «Собор Парижской Богоматери». Шестнадцатого декабря в «Спящей красавице» я буду танцевать Принцессу Аврору с Николаем Мальцевым. Дальше пойдет «Щелкунчик».

Что бы вы хотели пожелать своим зрителям на будущий год?

Я бы пожелала всем не жить мечтами, а воплощать их. Потому что на Новый год многие мечтают: обещают себе с понедельника начать новую жизнь или представляют какие-то золотые горы, сказочные ситуации. Я желаю всем, чтобы они создавали свою жизнь сами. Я считаю, что все идет от самого человека. Давайте перестанем ждать от кого-то праздника, ждать от кого-то подарков, а просто будем сами создавать их, дарить их себе и другим. От этого мы будем становиться только счастливей. Отдавая, мы сами становимся богаче.

Приглашаем на спектакли с участием Екатерины Лиховой:
Балет Ролана Пети, музыка М. Жарра «Собор Парижской Богоматери» – 7 декабря в 19:00. Екатерина Лихова – Эсмеральда.
П.И. Чайковский «Спящая красавица» – 16 декабря в 18:00. Екатерина Лихова – Принцесса Аврора.
П.И. Чайковский «Щелкунчик» – 22 декабря в 13:00, 24 декабря в 18:00, 30 декабря в 13:00, 6 января в 18:00. Екатерина Лихова – Мари.
Р. Щедрин «Конек-Горбунок» – 4 января в 13:00. Екатерина Лихова – Конек-Горбунок.
С. Прокофьев «Ромео и Джульетта» – 26 января в 19:00. Екатерина Лихова – Джульетта.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7  След.
Страница 1 из 7

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика