Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2022-01
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
.Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 24606
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Янв 26, 2022 5:34 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2022012601
Тема| Балет, Национальная опера Украины, Персоналии, Екатерина Кухар
Автор| корр.
Заголовок| Балерина Екатерина Кухар – о возрасте, уходе за собой и восприятии своего тела
Где опубликовано| © VOGUE Украина
Дата публикации| 2022-01-18
Ссылка| https://vogue.ua/article/culture/teatr/balerina-ekaterina-kuhar-ob-uhode-za-soboy-i-vospriyatii-svoego-tela.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Сегодня, 18 января, исполняется 40 лет Екатерине Кухар – одной из самых известных украинских балерин, приме-балерине Национальной оперы. Накануне юбилея мы расспросили Екатерину о том, как изменилось ее восприятие собственного тела, о ее бьюти-рутине, и о том, почему коньки и лыжи – запрещенные развлечения для балерины.


Екатерина Кухар (Фото: Anna Scheideman)

Катя Кухар начала заниматься балетом в 5 лет, ее карьера была стремительной: в 15 талантливая девушка выиграла международный танцевальный конкурс «Приз Лозанны» и отправилась на стажировку во Францию, а уже в 16 лет танцевала партию Маши в «Щелкунчике» на сцене театра в Токио.

Более 20 лет Екатерина Кухар танцует на сцене Национальной оперы, но знают украинскую балерину далеко за пределами нашей страны: Кухар – первый после Сержа Лифаря украинский артист, входящий в жюри Парижской консерватории и принимающий выпускные экзамены. Свои главные спектакли она танцует в дуэте со своим мужем Александром Стояновым, премьером Национальной оперы. Сегодня Екатерина и Александр – одна из самых ярких балетных пар в Украине, билеты на выступления которых разлетаются мгновенно.

О ежедневной нагрузке

Балет – это пожизненный бег с препятствием, а ты в нём словно выносливый марафонец... Вечный ученик, ежедневно приходящий в балетный класс. Артист, который до последнего сценического выхода сопротивляется желанию своего тела завернуться обратно в природную для него небалетную позицию. Пропустишь день – сделал шаг назад. Перетрудишься – и тело отомстит, окаменев от обиды. И ты учишься прислушиваться к своему телу и находить для него ежедневную идеальную «пытку». Учишься вращаться, ведь, как утверждают буддистские монахи, это первый и главный секрет долголетия, учишься прятать свои слабые стороны и преподносить свои балетные козыри, делая на них яркий акцент. Это всё называется невидимой работой над собой. Вечный контроль и вечное движение вперед.

После окончания хореографического училища я в удовольствие продолжила учиться и получила еще два высших образования: диктор телевидения и организатор театрального дела. И первое, и второе мне безумно помогает, это мой фундамент знаний, первое пригодилось в моей работе на телевидении, а второе – сейчас, когда я стала руководить Киевским государственным профессиональным хореографическим колледжем. И я хочу продолжить свое обучение, хотя с каждым годом это делать все сложнее, время проходит молниеносно. Часто думаю: «завтра будет легче», кажется, что появится больше времени, но, как правило, его все меньше и меньше.

В прошлом году, приняв приглашение возглавить училище, я лишилась единственного выходного – понедельника. В воскресенье я работаю только в театре, в понедельник – только в колледже, а в остальные дни – и там, и там. Я безумно устаю, но работу свою люблю, иначе бы этот график не выдержала. Но мне этот ритм жизни в удовольствие. В этом моя подзарядка. В этой смене деятельности я отдыхаю.

Об уходе за собой

Контрастный душ, душ Шарко, ванна из тёплого молока и лепестков роз, кубики льда… Вода имеет особое место в моей жизни. Всегда после спектакля или тяжёлого рабочего дня я принимаю душ и физически ощущаю, как смываю этот день и всю негативную энергетику. А ещё моя подруга-врач приучила меня часто пить воду (с лимоном, мятой, цедрами, имбирём, огурцом), и я всё время хожу со специальными бутылками для воды. Так что, если вдруг мои студенты на новогоднем капустнике решат меня пародировать, то я однозначно буду ходить с бутылкой для воды (смеется).

Что ещё входит в мою рутину? Это и массажи, и курсы криосауны, и сауна с берёзовыми вениками, и травяная купель, и купание в проруби, медово-солевые скрабы, и лимфодренажный массаж, и, безусловно, увлажнение и питание кожи по надобности. Но главное, что помогает мне быть в форме и быть здоровой – это любовь и забота мужа. Общение с мужем, ванна из молока, аромасвечи и бокал красного вина – вот мои любимые ритуалы.

О восприятии своего тела

С опытом я стала воспринимать и принимать себя такой, какая я есть. Это важно, жить в гармонии с собой! Не требовать от себя невозможного и радоваться тому что есть. Это искусство, но я верю, что мы всегда можем работать над собой, менять в себе то, что возможно изменить к лучшему.

О возрасте

Самый пик карьеры для балерины – это 30–35 лет, когда ты уже всё знаешь, умеешь – и ещё можешь. В балете, как и в жизни, в начале своего творческого пути ты работаешь на имя, а уж потом оно работает на тебя.

В балетном мире принято уходить на пенсию в 37, но мало кто уходит на самом деле. Хотя танцевать, скажем, до 50 – объективно сложно. Да, есть уникальные балерины, которые выходят на сцену и в 50, и позже, но для того, чтобы выходить на сцену и собирать аншлаги в этом возрасте, нужно иметь невероятный талант, харизму, энергетику, которая будет держать публику. Конечно, для примы, привыкшей к овациям и свету софитов, сцена – это своего рода наркотик, равно как и физическая нагрузка. Поэтому без сцены часто наступает депрессия. Я когда даже в отпуск уезжаю, первые три дня чувствую ломку в теле – тело настолько привыкло к интенсивному физическому труду, что требует нагрузок.

Я в профессии много лет, поэтому сейчас могу самостоятельно принимать решение, сколько спектаклей в месяц мне танцевать и на какие гастроли ездить. Я в том балетном возрасте, когда "и хочешь, и можешь". В этом году на мой день рождения мы уехали на гастроли, чему я очень рада, потому что в прошлом году был карантин, и гастролей не было. Так что я с удовольствием свой день рождения встречаю на сцене во Франции. Артист живёт, пока он нужен и востребован.

О любимых партиях

Сейчас для меня как для актрисы самые интересные – это сложные драматические партии. Те истории, которые ты в реальной жизни никогда не сможешь пережить: Жизель (сцена сумасшествия – квинтэссенция всего спектакля), партия Марины в «Греге Зорбе», Фригии – жены Спартака, её последний монолог на поле боя, устланном трупами знакомых и близких людей, партия Джульетты, отравившей себя ядом ради первой и последней любви.

Об ограничениях в профессии

Об ограничениях в нашей профессии ходят легенды, но что действительно правда – это отказ от мучного и сладкого и запрет на коньки, лыжи и конный спорт. Ведь ноги – это наш хлеб, и мы должны их беречь. Но мне кажется, что несмотря на все ограничения, балет это ни в коем случае не самопожертвование – это стиль жизни. Высшее проявление искусства и спорта, грации, утончённости и изящества.

========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
.Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 24606
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Янв 26, 2022 11:30 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2022012602
Тема| Балет, Национальная опера Украины, Персоналии, Анастасия Гурская, Анастасия Шевченко, Екатерина Миклуха, Алексей Потемкин и Юлия Москаленко
Автор| Дарья Слободяник
Заголовок| На пуантах: 5 новых звезд украинского балета
Где опубликовано| © VOGUE Украина
Дата публикации| 2022-01-03
Ссылка| https://vogue.ua/article/culture/teatr/na-puantah-novye-zvezdy-ukrainskogo-baleta.html
Аннотация|

Vogue UA представляет новое поколение звезд украинского балета.



В пять вечера в Национальной опере еще тихо и пусто. Сегодня дают балет «Свадьба Фигаро», и труппа только начинает собираться в театре. По узким коридорам я прохожу в комнату 102, где готовится к спектаклю первая солистка Анастасия Гурская. Через два часа Настя выйдет на сцену в партии Сюзанны – обаятельной и смешливой невесты Фигаро, в которую влюблен хитрый граф Альмавива и вокруг которой разгораются страсти в комедийной пьесе Бомарше. Сегодня у меня эксклюзив, какому позавидует каждый поклонник балета: я проведу час перед спектаклем с первой солисткой театра и увижу, как она готовится к выходу на сцену.



«Кому-то важно уйти в себя перед выступлением, меня, наоборот, это немного удручает — мне нужно общаться, — смеется Настя. — Особенно если спектакль этого требует: когда он заводной, веселый, как «Свадьба Фигаро», намного легче, если в течение дня настраиваешься на этот образ». Примерно час у Насти уходит на грим, параллельно девушка погружает меня в секреты сценического макияжа («сегодня у меня яркий макияж, но, например, во втором акте «Жизели», когда она уже в потустороннем мире, я всегда делаю бледное лицо и черные глаза. Ну а юная Клара в «Щелкунчике» не может выйти со смоки-айс и красной помадой, согласитесь!»).

У 21-летней Гурской яркая и стремительная карьера: это ее четвертый сезон в театре, в ее репертуаре как характерные роли вроде Сюзанны или Китри, так и драматические — буквально на днях она дебютировала в партии Жизели. «Быть артистом балета – работа длиною в жизнь, — четко формулирует Настя особенности профессии. – Ты все время меняешься. Ты взрослеешь, меняются люди вокруг, которые на тебя влияют, – и меняются роли, которые танцуешь. В этом и счастье профессии – пережить на сцене тот опыт, какой невозможно пережить в жизни».

Настя – одна из героинь проекта, который мы реализовали для декабрьского номера. В съемке запечатлены пятеро артистов Национальной оперы, которые сегодня определяют славу украинского балета (на самом деле талантливых танцовщиков больше – но, увы, формат журнала не позволил вместить всех, о ком хотелось бы написать). Компанию Анастасии Гурской составили Анастасия Шевченко, Екатерина Миклуха, Алексей Потемкин и Юлия Москаленко.


Самая младшая участница нашего проекта, 17-летняя Екатерина Миклуха, только в этом году окончила Киевское хореографическое училище и в сентябре присоединилась к труппе театра. На сцене Национальной оперы юная звезда дебютировала еще раньше — в партии Клары в «Щелкунчике». За хрупкими плечами улыбчивой Кати – несостоявшаяся карьера фигуристки («Я занималась фигурным катанием с четырех лет, но как-то мама увидела, что от коньков у меня стали искривляться ноги, и сказала: так не пойдет, бросаем это дело!»), победа в престижных конкурсах Grand Prix Kiev и Grand Prix Munich, стажировка в парижской Гранд-Опера и гастроли в Японии. В декабре она будет танцевать па-де-де в «Жизели» — запомните это имя.

Сегодня в балетной труппе Национальной оперы 150 танцовщиков, 16 из них – примы и премьеры. По сравнению с коллективом европейского театра это много: в парижской Гранд-Опера в штате балета не более 50 человек. Но большая труппа – значит большое разнообразие, объясняет художественный руководитель балета и действующая балерина Елена Филипьева. «У нас богатый репертуар: и классика, и неоклассика, есть современные постановки – например, недавно была премьера «Данте» в постановке Ярослава Иваненко, ученика культового хореографа Джона Ноймайера. Мы предоставляем артистам шанс проявить себя в разных партиях. Каждый может найти то, что ему близко. К тому же у нас много премьер – это дает артистам возможность выйти в каких-то новых, нетипичных для них ролях».


По словам Филипьевой, большая часть репертуара – все-таки классические постановки: именно к ним привык зритель, их просят танцевать на гастролях импресарио (дважды в год театр ездит в Японию и Европу с «бриллиантами» репертуара – «Щелкунчиком» и «Лебединым озером», каждый раз с аншлагами). «Классика — лицо нашего театра, но должны появляться современные спектакли: они помогают артистам развивать другую пластику, — говорит Филипьева. – По постановке «Данте» я вижу, как наши исполнители заинтересованы в развитии: они были готовы репетировать сутками напролет! Современная пластика дает артисту возможность высказаться свободнее».

Прямо сейчас в театре готовят несколько таких премьер. Это «Драгоценности» Джорджа Баланчина – знаковый балет 1960-х годов, поставленный в труппе New York City Ballet и вдохновленный знакомством Баланчина с основателем ювелирного дома Van Cleef & Arpels Клодом Арпельсом. Весной в театре покажут балет «Лифарь», посвященный знаменитому киевлянину, руководителю балетной труппы Парижской оперы Сержу Лифарю. Параллельно в театре ведут переговоры о сотрудничестве со звездным хореографом, в прошлом интендантом Берлинской оперы Начо Дуато.


Балет меняется вместе с современным миром – но меняется ли отношение к артистам, которых всегда идеализировали? Может ли артист балета позволить себе обычную жизнь? И да и нет, говорят артисты. «Балерина не имеет права на ошибку, — признается 28-летняя Юлия Москаленко, первая солистка театра. — Для меня, к примеру, нет ничего сложнее и прекраснее, чем 32 фуэте в па-де-де Черного Лебедя во втором акте «Лебединого озера», — и я должна сделать их идеально каждый раз. Почему? Прежде всего, это ответственность перед собой. Да и для зрителя балет – это другой мир, идеальная картинка, которая должна вдохновить».


Анастасия Шевченко

Прима-балерина, 28 лет. В 2011 году окончила Киевское хореографическое училище. За 10 лет в Опере прошла путь от дебютантки до примы и сейчас танцует весь классический репертуар: «Жизель», «Лебединое озеро», «Дама с камелиями», «Спящая красавица», «Кармен-сюита», «Раймонда».



"Я хотела бы больше развиваться в современной хореографии: мечтаю станцевать в культовом балете «Парк» Анжелена Прельжокажа, «Манон» Кеннета Макмиллана и постановках других классиков современного балета – Иржи Килиана и Ханса ван Манена. Мне интересно, как мыслят современные хореографы. К тому же, эта хореография очень развивает танцора – и пластически, и внутренне".

"Один из самых непростых вопросов для балерины – когда уходить на пенсию. Я думаю, это очень индивидуально. В Парижской опере, к примеру, ты в любом случае уходишь на пенсию в 42. В этом есть логика: балет – огромная физическая нагрузка, и за 20 лет на сцене ты в любом случае истощаешь свое тело. Я не знаю, как сама буду ощущать себя через 10 лет, как будет чувствовать себя мое тело

"Я впервые танцевала партию куртизанки Мари Дюплесси из "Дамы с камелиями" в 20 лет – но сейчас, в 28 лет, я танцую ее совсем иначе, сейчас эта партия более осознанная. Я думаю, самое продуктивное время для балерины – с 25 лет до 35: когда ты и физически набрал форму, и когда есть определенный жизненный опыт, мудрость. Ну а с 35 лет наступает тоже очень любопытный период: ты становишься более зрелой балериной, которая показывает на сцене настоящее мастерство формы".


Екатерина Миклуха

Солистка, 17 лет. В 2021 году окончила Киевское хореографическое училище, этот сезон в Национальной опере – ее дебютный. Еще студенткой Катя танцевала ведущие партии в постановках Владимира Малахова La Peri и «Коппелия», партию Клары в «Щелкунчике». Сегодня она самая младшая участница балетной труппы Национальной оперы; лауреат первой премии конкурсов Grand Prix Munich и Grand Prix Kiev.



"Я попала в училище в 8 лет, до этого занималась фигурным катанием. Как-то мама увидела, что от фигурного катания у меня изменилась походка (смеется), и сказала: так не пойдет! Так я бросила фигурное катание и посвятила себя балету".

"Быть балериной – это огромный труд. Нужно быть не только одаренным от природы, но и целеустремлённым. Но доля везения тоже важна, ведь ты должен попасть в нужное место в нужное время, а еще очень важно, чтобы повезло с педагогами"

"Я не представляю себя в другой жизни, «нормальной». Я всегда была далека от жизни обычных подростков, потому что с детства работала – то фигурное катание, то балет. Я привыкла жить без выходных. Конечно, иногда хочется проваляться весь день в кровати и смотреть в кино, но такое бывает очень редко (смеется)"

"Моя мечта сейчас – как можно больше танцевать. За два месяца у меня было несколько сольных выходов: па-де-труа в «Лебедином озере», вставное па-де-де в «Жизель», па-де-труа в «Баядерке». Каждый мой выход в сольной партии – всплеск эмоций и много вдохновения. Такие партии помогают набраться опыта, чтобы дальше танцевать главные партии. Ну а больше всего я мечтаю о партии Жизель..."


Алексей Потемкин

Первый солист, 33 года. В 2008 году Алексей окончил Киевскую муниципальную академию танца имени Сержа Лифаря. Следующие девять лет был ведущим солистом Львовского национального театра оперы и балета; год работал первым солистом Королевского Виннипегского балета в Канаде.



"В мире балета действительно много конкуренции, да и в нашей труппе она есть – и это прекрасно, все люди творческие и амбициозные. Правда, у девушек больше конкуренции – в балете в принципе мужчин меньше, а универсальных танцовщиков, которые могут станцевать с любой балериной – еще меньше"

"Долгое время в балете мужчина был на вторых ролях. В середине 20 века многое поменялось, появилось больше ярких партий для мужчин – Барышников и Нуриев подняли мужской танец до небывалых высот. Благодаря им зрители стали воспринимать мужчину на сцене не как опору и станок, а как индивидуальность".

"Я верю в то, что балет – это искусство молодых. Нужно готовить себя заранее к тому, что если ты пришел в эту профессию, то в 40 лет придется уйти на пенсию. Мне еще семь лет танцевать, и я живу не только балетом. Я занимаюсь волонтерством: окончил курсы парамедиков, летом был в батальоне украинской добровольческой армии «Госпитальеры». Преподаю в хореографической школе. Я фанат своего дела, но мне кажется, если думать только о балете 24 часа в сутки, – можно выгореть. А выходить на сцену выгоревшим или уставшим нельзя – мы должны быть наполненными".

"Мечтаю станцевать партию Красса в балете «Цезарь», а также показать в Украине современный балет «Юноша и Смерть» французского хореографа Ролана Пети".


Юлия Москаленко

Первая солистка, 28 лет. В 2011 году окончила Киевское хореографическое училище. Дебютировала в театре в партии Джульетты в современном балете Radio and Juliet на музыку Radiohead. Сегодня в ее репертуаре – лирико-драматические партии: Одетта-Одиллия, принцесса Аврора, Жизель.



"Я уверена, что для любой балерины самый сложный спектакль – это «Лебединое озеро». Сколько раз бы ты не танцевала, находишь что-то новое – идеала исполнения этой партии нет. Плюс он сложный технический, ну а самое сложное – 32 фуэтэ во втором акте. Отдельный вызов – психологическая работа над ролью. Я, например, стараюсь все сцены продумывать от лица своей героини… Я перевоплощаюсь в Одетту еще до того, как я вышла на сцену, я все время задаю себе вопросы: что я здесь делаю? Что я чувствую в этот момент? Какие у меня эмоции, когда я вижу принца? Почему я испугалась? Поэтому готовить партию можно бесконечно".

"В мире существует стереотип, что балерина – не человек, а неземное существо, богиня, которая должна быть идеальна во всем. Для зрителя балет – это другой мир, что-то, чего нет в реальности. Это идеальная картинка, которая должна вдохновить. Но я спокойно отношусь к такому пиетету по отношению к моей профессии. Прежде всего, я ощущаю ответственность перед собой – я сама знаю, что не могу ошибиться на сцене".

"Конечно, в нашей профессии много ограничений. Я не могу позволить себе экстремальные виды спорта; не могу сорваться и уехать куда хочу, не могу уехать на полгода пожить в другой стране – и не везде там, где хочется пожить, есть балетная труппа" (смеется).


Анастасия Гурская

Первая солистка, 21 год. В 2018 году окончила Киевское хореографическое училище. В театре дебютировала в 17 лет в балете «Раймонда». Сегодня в репертуаре Гурской характерные партии: Китри в балете «Дон Кихот», Сюзанна в «Свадьбе Фигаро», Герда в «Снежной королеве».



"Балет – это работа длиною в жизнь. 20 лет ты танцуешь и все время меняешься. Ты растешь, меняются люди вокруг, которые на тебя влияют – и меняется партии, которые танцуешь. Партия Жизели может быть разной, когда тебе 25 и 35. В этом счастье профессии – пережить на сцене то, что невозможно пережить в жизни".

"В театре у нас всего один выходной. На мой взгляд, это идеально, больше не нужно. Если ты приболел и не танцевал 2 дня, например, то уже ощущаешь ломку. Тело привыкло быть в движении, и когда оно находится в статике – ему некомфортно".

Мне кажется, у артиста должна быть своя жизнь вне театр. Это дает возможность оставаться живым и наполненным и выходить на сцену не пустым. Я, например, все время что-то изучаю – сейчас это психология, философия и медицина. Эти вещи наполняют тебя, ты иначе смотришь на работу. Но у меня был период, когда я была зациклена только на работе. И я подумала: стоп, я вхожу из театра и театр оставляю за дверьми! Нельзя допускать эмоционального выгорания – если ты пришел в зал уставший и витаешь в облаках, дело не пойдет. Поэтому в выходной я лежу и смотрю сериалы (смеется).

Очень хочу станцевать "Кармен-Сюита / Шехеразада". Это спектакль более взрослый, но этим мне и интересен – мне нравится роли, когда нужно переходить через себя, когда нужно капаться. Когда все идет легко – это не так интересно. Мы артисты – азаратные люди: интересно пробовать то, что вообще не твое по характеру".

Фото: Stephan Lisowski

=============================================================================
ВСЕ ФОТО и ВИДЕО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
.Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 24606
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Янв 27, 2022 11:37 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2022012701
Тема| Балет, Английский национальный балет, Персоналии, Александр Глазунов, Тамара Рохо
Автор| Сергей Конаев
Заголовок| Теплая ламповая война
В Лондоне перенесли действие «Раймонды» во времена Крымской кампании

Где опубликовано| © Газета «Коммерсантъ» №14 от 27.01.2022, стр. 11
Дата публикации| 2022-01-27
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/5182378
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Английский национальный балет под руководством Тамары Рохо показал в лондонском «Колизеуме» премьеру «Раймонды» Александра Глазунова, чуть было не сорвавшуюся из-за ковида. О том, чем обернулся эксперимент Рохо по актуализации классического балета Петипа,— Сергей Конаев.


Кордебалет подруг средневековой графини Раймонды превратился в английских сестер милосердия
Фото: English National Ballet / Johan Persson


В том, что Тамара Рохо (вместе с драматургом Люсиндой Коксон) решила переписать сюжет «Раймонды», гораздо больше традиции, чем вызова: у хореографов такое желание впервые возникло уже спустя десять лет после премьеры 1898 года. Из золотого набора must have балетной классики, созданного в 1890-е годы Мариусом Петипа (и Львом Ивановым) по заказу и при участии директора Императорских театров Ивана Всеволожского, «Раймонда» казалась наиболее противоречивой и наименее подходящей для возобновления в нетронутом виде. Сценарий Лидии Пашковой, к которому Всеволожский и Петипа тоже приложили руку, был очень вольной интерпретацией истории Крестовых походов и средневековой легенды о Белой даме, которая тут изображалась не вестницей смерти, а покровительницей рода, предостерегающей об опасности и вмешивающейся в ход поединков. Опасность для графини Раймонды представлял сарацинский рыцарь Абдерахман, который являлся в ее замок незваным, обольщал роскошными подарками и жгучими танцами своих рабов, а когда и это не впечатляло героиню, приказывал похитить ее силой. Похищение срывало появление жениха графини, рыцаря-крестоносца Жана де Бриенна, который при помощи Белой дамы одерживал над сарацином верх в поединке, на этом история кончалась, а начинались танцы — Венгерское гран-па, одно из лучших и поэтичнейших творений Петипа-хореографа.

XX веке на Западе к «Раймонде» обращались редко, и событием стала только версия Рудольфа Нуреева, в которой Абдерахман выведен едва ли не главным героем и практически альтер эго постановщика. Нуреев восхищался Абдерахманом как варваром, ворвавшимся в чинно-благородный мир, чтобы ослепить его золотом, заставить трепетать в ужасе и восторге, присвоить Раймонду, так же как сам Нуреев присвоил поверхностно знакомую ему по Кировскому театру постановку Константина Сергеева. В XXI веке поворотным событием в сценической истории этого балета стала ошеломлявшая визуально и музыкально реставрация оригинала Петипа—Всеволожского, предпринятая Сергеем Вихаревым и Павлом Гершензоном для «Ла Скала» и возвращавшая хорошо задокументированному подлиннику масштаб события искусства.

Оба подхода — экзотизирующий у Нуреева и реставраторский у Вихарева — были неприемлемы для Тамары Рохо, но с обоими же она не могла не считаться.

На вопрос, чем именно «Раймонда» может покоробить современного зрителя, Рохо ответила: противопоставлением Запада и Востока, а по факту получилось — тем, как изображены соперники-мужчины. Этим обусловлен перенос действия во времена Крымской войны, где Великобритания, Франция и Османская империя были союзниками против России. Новая сюжетная концепция последовательно проведена в мизансценах, в отказе от предписанных музыкой характеристик героев, в том, что не Абдерахман является к Раймонде в замок, а она с другими — к нему на вечеринку в палатку, в том, что фортепьяно в гран-па заменено на цимбалы как бы в попытке выявить тягуче-восточное звучание в музыке, которая по умолчанию воспринимается как благородно-западная.

Эпоха дала Рохо и Коксон повод связать образ Раймонды с фигурой Флоренс Найтингейл, знаменитой английской «леди с лампой», сестры милосердия и общественной деятельницы, чьими личными усилиями полевые госпитали перестали ассоциироваться с местом, где страдают не от ран, полученных в бою, а от болезней и унижений, и чье имя снова оказалось на слуху в Великобритании во время пандемии. Соответственно, подруги Раймонды тоже стали сестрами милосердия, чтобы аудитория увидела в них предшественниц нынешних медсестер, героинь борьбы с ковидом.

Поглощенные этими задачами, Рохо и Коксон не заметили, что реактуализировали бесславную и бессмысленную со всех сторон бойню как импозантный парад (в чем также немалая заслуга отличных костюмов Энтони Макдональда), свели значение миссии Найтингейл к чисто декоративному, используя ламповый фонарь, с которым она обходила несчастных больных, как предлог для танцев и игры света, а также уничтожили немалый феминистский потенциал оригинала.

Дело не только в том, что «Раймонда» — это завуалированный автопортрет Пашковой, которая была незаурядной личностью, путешественницей, членом Французского географического общества, писательницей, рассказавшей о своем опыте в книгах о Востоке и о разводе в Российской империи. Там, где у Петипа Раймонда-балерина на сцене одна, независимая, самодостаточная, во всем блеске мастерства и в пачке как условной униформе, героиня Рохо (Сиоре Касе) показана в платье и в окружении двух достойнейших офицеров, Джона де Брайана (Исаак Эрнандес) и Абдура Рахмана (Джеффри Кирио), чувства которых она боится задеть. Джон и Абдур при этом отлично ладят, так что дело в итоге обходится даже без дуэли. А поскольку никто не умер, то и пантомимные переживания Раймонды продолжаются даже на ее свадьбе с Джоном в финале — из хореографической кульминации балета, сольной вариации Раймонды в гран-па, Рохо сделала па д'аксьон на троих.

Подчеркнуто отказываясь от концепций Нуреева и Вихарева, Рохо осталась в плену их подходов к хореографии. Подлинный текст вариаций и ансамблей Петипа Рохо распутывала по хранящейся в Гарварде нотации «Раймонды» вместе с Дагом Фаллингтоном, американским историком балета и специалистом по системе Степанова. Часть проделанной работы вошла в спектакль и чарует аутентичностью, особенно вариация Клеманс из первого акта в деликатном исполнении Наташи Майр. С другой стороны, нуреевская хореография в «Раймонде» Рохо присутствует необъяснимо большими фрагментами, что не отражено в программке (от добросовестно скопированного женского па-де-труа в гран-па до вариации Абдура Рахмана),— под другую музыку, но в той же лексике (вывернутые колени, экспрессивно заведенные руки) и с тем же развитием. Эклектики добавляют танцы, сочиненные Рохо для Раймонды, чьим ночным метаниям в сорочке приданы излом и экспрессия современного танца, а также псевдоклассические ансамбли, где танцовщики являются как тени из «Баядерки», а танцовщицы, держа друг друга за руки, составляют узоры и цепочки, гиперболизирующие схожие лейтмотивы хореографии Джорджа Баланчина.

Неудача Рохо никак не дискредитирует идею балета как искусства объединяющего, а не раскалывающего аудиторию, занятого ответственным самоосмыслением настолько же, насколько самосохранением. Она лишь подтверждает печально известную советскому искусству истину, что конфликт хорошего с лучшим — наименее перспективная форма его осуществления.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вт Фев 15, 2022 11:57 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
.Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 24606
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Янв 27, 2022 4:03 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2022012702
Тема| Балет, Фестиваль «Золотая Маска», МАМТ, Персоналии, ОКСАНА КАРДАШ
Автор| Арина Ильина
Заголовок| ОКСАНА КАРДАШ
«AUTODANCE», МУЗЫКАЛЬНЫЙ ТЕАТР ИМ. К. СТАНИСЛАВСКОГО И ВЛ. НЕМИРОВИЧА-ДАНЧЕНКО

Где опубликовано| © Maskbook – интернет-ресурс Фестиваля «Золотая Маска»
Дата публикации| 2022-01-26
Ссылка| http://maskbook.ru/oksana-kardash-3/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Музыкальный театр им. К. Станиславского и Вл. Немировича-Данченко, 24, 25 января 2022

Оксана Кардаш – о том, можно ли назвать хореографию Шарон Эяль классической, с каким животным она ассоциирует себя и какой танцевальный стиль дарит особое чувство экстаза.

О знакомстве с хореографией Шарон Эяль

Вы помните свои мысли и впечатления, когда впервые увидели хореографию Шарон Эяль?


Ужас (смеётся).

«Ужас» в смысле «не понравилось» или в смысле «как сложно это исполнять»?

При первом просмотре не было понятно, насколько это сложно. Интересно было увидеть такую необычную хореографию, где ритм очень качает изнутри, а внешний вид нагоняет ужас. Эстетика танца Шарон очень нестандартна и, на первый взгляд, некрасива. Особенно когда смотришь на видео. Там другие люди, другие тела.

В одном из интервью Шарон Эяль сказала, что не занимается современным танцем, а, наоборот, ставит классические работы. В её хореографии правда можно увидеть принципы классического танца?

Скорее всего, её хореография не идёт вразрез с классическими постановками, потому что ты там точно так же выворачиваешь ноги, подтягиваешься, работаешь теми же мышцами и суставами, как в классике. Здесь не приходится, например, оседать, как у Акрама Хана, или включать непривычные мышцы.

О работе с телом и мыслями

Шарон также говорит: «Моё тело — это мой мозг». Как вы думаете, это универсальная формула? И что за чем следует в «Autodance», тело за мыслью или мысль за телом
?

Мысль за телом, потому что наши ощущения и наше тело направляют нас. Ты даёшь какое-то направление, положение, и тело должно разрушить границы. Когда мы репетировали с Ребеккой [Ребекка Хиттинг, артистка компании L-E-V, ассистент Шарон Эяль — прим. ред.], она говорила: «Вы должны танцевать не на зрителя, а обнять пространство вокруг себя на 360 градусов». Нужно включаться спиной, затылком. Где бы ни находился зритель, тело должно быть безгранично. У движений не должно быть преград.

Кажется, в этой хореографии всё подчинено строгой геометрии, математике, музыке. Есть ли в ней возможность проявить индивидуальность? Особенно за пределами вашего соло, где все шагают вместе.

Конечно, можно. Именно на индивидуальности каждого всё и построено. Есть структура, которой мы должны придерживаться. Например, если мы шагаем, мы не идём просто с ровными плечами, а всё равно несём определённые ощущения. А насколько позволит раскрыться тело, это уже индивидуально у каждого.

«Autodance» не имеет сюжета, но несёт определенную энергию. Какие эмоции вы передаёте в зал? Может, с кем-то себя ассоциируете, находясь на сцене?

Какие-то вещи явно прослеживаются, например, в первых шагах. Рождается ассоциация с животным. Чтобы передать определённую энергию, думаешь, что ты тигр или пантера.

В соло не так. Я пытаюсь прочувствовать каждую секунду, будто выйти из тела и ощутить себя вне замкнутости. Каждый раз мы пытаемся найти не физическое положение, а состояние, которое позволит освободиться от зажимов, так проще всего прочувствовать энергию. Всегда есть что-то, что ограничивает, а здесь от этого нужно избавиться. Ты не представляешь себя кем-то, а находишься в ощущениях каждой клеточкой.

Какой самый ценный совет вам дала Ребекка?

«Stay open» (смеётся). Думаю, самое ценное — что она сама показывала. Мы понимали, в какую сторону двигаться. Также важно, что она строила объяснения на ассоциациях. Например, есть мысль: эта хореография должна быть визуально тяжёлой. Даже элементарные шаги тянут нас книзу. И чтобы лучше это донести, она давала сравнения, например: «Представьте, что вы наелись камней и идёте куда-то». Такие вещи остаются в памяти и даже сейчас указывают направления и ориентиры.

А музыка Ори Лихтика дает ориентиры? Она наполняет вас какими-то особыми чувствами?

Музыка наполняет какой-то сверхэнергией. Мне кажется, успех постановки заключается в том, сможешь ли ты так выплеснуть сгусток энергии на зрителя, чтобы его тоже захватило, или нет. И эта музыка, наверно, основное, что подталкивает к сильнейшим эмоциональным открытиям.

О предпочтениях в танце

В прошлом году, когда мы говорили о балете «Дон Кихот», вы говорили, что иногда долго и основательно раскачиваетесь, входя в новую хореографию масштабного балета. А работа над «Autodance» позволила вам расслабиться и получать удовольствие?


Для меня такие вещи проще. Мне легче импровизировать, искать что-то в себе и действовать на ощущениях. В классике ты абсолютно подчиняешься правильности, канонам, техническим совершенствам. Элементарно, чтобы скрутить фуэте, ты должен ногу открывать в одной точке, пятку ставить в другой, и если тебя начинает болтать, то всё. В современной хореографии всё по-другому.

Как любопытно, я как раз хотела уточнить, в какой хореографии вам интереснее работать.

Интереснее в современной, особенно из-за этих открытий, когда каждый раз думаешь: «Ещё и такое возможно!». Классика классикой, она как доктор, который тебя вылечит, ты от неё никуда не денешься. Но современная хореография дает больше экстаза.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
.Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 24606
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Янв 27, 2022 5:40 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2022012703
Тема| Балет, Дубайская опера, Гала-концерт, Персоналии, Мария Александрова, Владислав Лантратов, Екатерина Крысанова, Артем Овчаренко, Оксана Скорик, Ксандер Париш, Кимин Ким
Автор| Наталья Реммер
Заголовок| В Дубайской опере прошел гала-вечер «Иконы балета»
Где опубликовано| © «Русские Эмираты»
Дата публикации| 2022-01-24
Ссылка| https://russianemirates.com/news/uae-news/v-dubayskoy-opere-proshel-gala-vecher-ikony-baleta/
Аннотация|

Гала-вечер «Иконы балета» стал одним из самых ярких событий культурного календаря ОАЭ.


Гала-вечер «Иконы балета» | Фото Ксении Орловой

Премьера гала-вечера «Иконы балета» состоялась 20 и 21 января 2022 года в Дубайской опере, став одним из самых ярких событий культурного календаря Объединенных Арабских Эмиратов.

Гала-вечер был посвящен 150-летию одной из самых легендарных фигур в истории балета, создателю «Русских сезонов» Сергею Дягилеву и открыл серию тематических вечеров, приуроченных к памятной дате.

В программу гала-вечера вошли отрывки из самых известных балетов «Русских сезонов», таких как «Петрушка», «Шехерезада», «Послеполуденный отдых фавна», «Видение розы», «Спящая красавица», «Раймонда», а также современные хореографические композиции.



В программе гала-вечера приняли участие звезды мирового балета и премьеры Королевского балета, Парижского театра Гранд Опера, Берлинской государственной оперы, Венской государственной оперы, Баварской государственной оперы, Голландской национальной оперы, а также премьеры Большого и Мариинского театров: Мария Александрова, Владислав Лантратов, Екатерина Крысанова, Артем Овчаренко, Оксана Скорик, Ксандер Париш и Кимин Ким.

Создатель проекта «Иконы балета» Ольга Балаклеец отметила: «Я счастлива представить проект, который завоевал признание уже в балетном мире, на территории ОАЭ, на такой престижной площадке региона как Дубайская опера. Для меня большая честь чествовать кумира русского балета, Сергея Дягилева, в рамках нашего проекта».

Министр культуры российской РФ Ольга Любимова сказала: «Культурный проект по праву считается одним из самых заметных событий на фестивальной карте. Мероприятие вновь впечатляет своей красочной программой».



Министр культуры и молодежи Нура Аль Кааби подчеркнула: «От имени Министерства культуры и молодежи ОАЭ я рада приветствовать проект «Иконы балета» впервые в ОАЭ. Этот исключительный международный проект объединяет балетных звезд со всего мира является настоящим подтверждением культурной гармонии. Программа, посвященная Сергею Дягилеву, важной фигуре в истории балета, — это возможность чествовать креативность и получить вдохновение».

Гала-вечер был организован Ensemble Productions и Дубайской оперой при поддержке корпорации РОСАТОМ и издательского дома «Русские Эмираты» и был включен в культурную программу Павильона России на «ЭКСПО-2020».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
.Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 24606
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Янв 27, 2022 7:09 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2022012704
Тема| Балет, Фестиваль «Золотая Маска», Пермский театр оперы и балета, Персоналии, Антон Пимонов
Автор| Алла МИХАЛЕВА
Заголовок| Изыски озорства
Где опубликовано| © «Экран и сцена» № 2
Дата публикации| 2022-01-27
Ссылка| http://screenstage.ru/?p=16294
Аннотация| «Золотая Маска»


Сцена из спектакля “Озорные песни”. Фото А.ЗАВЬЯЛОВА

Фестиваль “Золотая Маска” открылcя спектаклями Пермского театра оперы и балета имени П.И.Чайковского, который за последние два сезона покинули художественный руководитель оперы Теодор Курентзис, главный балетмейстер Алексей Мирошниченко и главный дирижер Артем Абашев. Тем не менее, несмотря на постигшие театр потери и ковидные ограничения, он по-прежнему остается в высшей театральной лиге. В нынешнем конкурсе он представлен четырьмя спектаклями – одноактным балетом “Озорные песни” Ф.Пуленка и тремя операми в постановке сегодняшних театральных лидеров – Филиппа Григорьяна (“Любовь к трем апельсинам” С.Прокофьева), Константина Богомолова (“Кармен” Ж.Бизе) и Марата Гацалова (“Дон Жуан” В.А.Моцарта).

На открытии фестиваля была показана программа из трех одноактных балетов. Помимо спектакля-номинанта в постановке художественного руководителя балета, лауреата “Золотой Маски” Антона Пимонова и его же “Концерта № 5” С.Прокофьева, вошла миниатюра “Когда падает снег“, удостоившаяся “Маски” в 2016 году в номинации “лучший хореограф” (Даглас Ли).

“Озорные песни” на музыку Пуленка – в действительности озорные и увлекательные танцы. Музыкальный цикл написан композитором на анонимные тексты песен XVIII века, когда представление об озорстве существенно отличалось от современного. Впрочем, бессюжетный балет Пимонова имеет малое отношение к текстам. Это утонченное и заразительное действо, созданное в лучших традициях неоклассики. Недаром Пимонов, в бытность солистом Мариинки, танцевал в балетах Джорджа Баланчина – влияние мистера Би ощущается в его работах. Как и воздействие другого выдающегося хореографа Джерома Роббинса и нашего современника Алексея Ратманского. Но надо отдать должное Антону Пимонову: он – не копиист. Не скрывая своих пристрастий, он находится в поиске собственного языка, никого не цитируя буквально, а скорее отсылая к балетам предшественников. По ходу спектакля возникают ассоциации с баланчинскими “Аполлоном Мусагетом” и “Рубинами”, да и с другими спектаклями маэстро. Но эти реминисценции, погруженные в новый контекст, окрашены совершенно иными интонациями и не выглядят цитатами.

“Озорным песням”, при достаточной сложности хореографического рисунка, присуща особая легкость и абсолютная музыкальность. Шестеро танцовщиков, переходя от стаккато к легато, постоянно меняют ритмы. Движения то отскакивают от ног, как скороговорки от зубов, то обретают замедленную плавность. Миниа-тюрный балет – россыпь небольших и ярких, при внешней сдержанности, композиций. Исполнители соединяются в пары, трио, па де катры, танцуют вшестером (pas de six). Скорее всего, число танцовщиков не имеет отношения к названию дружеского объединения французских композиторов конца 1910-х – начала 1920-х годов “Шестерка” (Groupe des Six), в которую входил Пуленк, но, опять же… наталкивает на ассоциации. Что касается музыкального озорства, его обеспечивают фортепианное сопровождение севшего за рояль музыкального руководителя постановки Артема Абашева и баритон Константина Сучкова.

При отсутствии фабулы внутри каждой микросценки существует минисюжет. Трех юношей и трех девушек связывают некие, постоянно мимикрирующие, взаимоотношения. Пары чинно, как в народном танце, прохаживаются под ручку, сливаются в выразительных любовных дуэтах, подшучивают друг над другом в дурашливых трио. Поэтический настрой парного танца вдруг обретает шутливую окраску. Шестеро артистов увлеченно предаются этому разнообразию, сочетая дерзкие, почти “хулиганские” поддержки и нежнейшие лирические дуэты, доводящие до “обмороков” партнерш, в бесчувствии повисающих на мужских руках. Девушки здесь необычайно выразительны и переменчивы: то шагают с пятки, то танцуют на полупальцах, то на пуантах, то падают ниц, а юноши влачат их по полу, заставляя вспомнить еще один танцевальный шедевр – “Парк” Анжелена Прельжокажа, в нем Антон Пимонов танцевал в Мариинке.

“Озорные песни” – органичное сочетание изысканности и баловства, серьезности и легкомыслия, чинности и раскованности, придающее особое обаяние балету.

Второй спектакль Антона Пимонова “Концерт № 5” в конкурс почему-то не попал (вошел лишь в long list), хотя эта масштабная работа с участием кордебалета, трех пар и дуэта солистов вполне могла бы побороться за национальную театральную премию. Во всяком случае, ее изящество, грациозность и живописность (в спектакле необыкновенно выразительный свет) оставили сильное впечатление. Как и прекрасные в своей гармонии дуэты солистов, как и замирающие в красивых позах, словно застывающие кинокадры, другие пары, создающие своей сдержанностью особый эффект, благодаря которому взмах руки – уже сюжет.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
.Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 24606
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Янв 28, 2022 7:53 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2022012801
Тема| Балет, Ростовский Музыкальный театр, Персоналии, Иван Кузнецов
Автор| корр.
Заголовок| Музыкальный театр рассказывает «Легенды балета»
Где опубликовано| © Газета «Город N»
Дата публикации| 2022-01-28
Ссылка| https://gorodn.ru/razdel/obshchestvo_free/afisha/37122/
Аннотация| Гала-концерт

Гала-концерт в двух отделениях, посвященный Рудольфу Нурееву, состоится 18 февраля. Ростовский музыкальный продолжает цикл концертов «Легенды балета». Серия знакомит публику с самыми значимыми фигурами в мире хореографии. В программу включены номера молодых российских хореографов, созданные специально для ростовского театра, в программе принимают участие перспективные артисты балетной труппы.



Автор идеи цикла концертов «Легенды балета» — главный балетмейстер театра Иван Кузнецов рассказал N, что «Легенды балета» продолжают идею серии просветительских мероприятий «Балет для всех», но это совершенно самостоятельный проект:

— Это отдельный творческий проект, который, правда, отчасти тоже является просветительским. Мне хотелось разнообразить творческую жизнь балетной труппы и дать возможность молодым артистам попробовать свои силы в сольных партиях. Формат гала-концерта хорошо подходит под эти задачи. Такие гала-концерты проходят по всему миру. Мы лишь немного добавили информационной части с видеопроекцией и прекрасным ведущим и соавтором Александром Селицким. Перед каждым номером концерта предусмотрены краткий рассказ и иллюстрация о персоне и о конкретных хореографических фрагментах. Героиней первого вечера стала Майя Михайловна Плисецкая, гала-концерт прошел накануне дня ее рождения. Есть целая плеяда великих русских танцовщиков, о которых мы хотим рассказать и попытаться показать их творческий путь. Мы советуемся с коллегией педагогов театра при выборе конкретной персоны.

Второй гала-концерт посвящен Рудольфу Нурееву — прославленному танцору и балетмейстеру. В двух отделениях вечера зрители смогут увидеть яркие танцевальные номера из всемирно известных спектаклей, в которых блистал известный артист балета. Большинство номеров программы идут с сохранением классической лексики и хореографии первоисточников, но также к каждому гала-концерту в театре ставят новые номера, как переосмысление творчества мастеров. По словам г-на Кузнецова, все мероприятия цикла будут интересны как начинающим зрителям, так и заядлым театралам:

— Программа выглядит довольно свежей и легкой для восприятия, есть и, если можно так выразится, бестселлеры, балетные хиты. Думаю, это абсолютно доступные для широкой аудитории концерты. Зритель будет вполне себя комфортно чувствовать, придя на балет или в театр впервые. В каждом гала-концерте мы придерживаемся достаточно аскетичного сценического оформления, что дает большие возможности для работы с видео и проекцией. Мы готовим много медиаматериала и подкрепляем это интереснейшей аннотацией Александра Селицкого.

Подготовка каждого гала-концерта занимает несколько месяцев. В театре сообщили, что следующий концерт будет посвящен артистке балета, народной артистке СССР Екатерине Максимовой. Концерт пройдет 24 мая в рамках IV Международного фестиваля балета им. О. Спесивцевой.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
.Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 24606
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Янв 29, 2022 11:35 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2022012901
Тема| Балет, Якутская балетная школа им. А. и Н. Посельских, Персоналии, Иван Одинцов
Автор| Саина Титова
Заголовок| Иван Одинцов: Балет – мужская профессия, как минимум, потому, что ее придумал и развивал мужчина
Где опубликовано| © ЯСИА
Дата публикации| 2022-01-29
Ссылка| https://ysia.ru/ivan-odintsov-balet-muzhskaya-professiya-kak-minimum-potomu-chto-ee-pridumal-i-razvival-muzhchina/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Когда кто-то говорит «балет», чаще всего первые образы, которые приходят в голову, – пачки и пуанты. В течение многих лет общество позиционировало балет как занятие, которое является женским. Ивану Одинцову всего 17 лет, но он уже является отличником культуры Якутии, обладателем гранта Целевого фонда будущих поколений республики, а также абсолютным победителем IV Международного фестиваля-конкурса имени Рудольфа Нуреева. В интервью ЯСИА он рассказал о том, почему балет – это не только про нежность и грацию, но и про огромную работу над собой, тотальный контроль над телом и мужество.



— Иван, для многих твоя деятельность ассоциируется с женственной нежностью и грацией, а что для тебя значит балет?

– Для меня это работа над собой. Это дело, которым я занимаюсь и хочу заниматься в будущем. Балет – это способ выражения себя через тело. Это возможность представить, что персонаж, которого ты играешь – это и есть ты. Балет – мужская профессия, как минимум, потому, что ее придумал и развивал мужчина. У мужчин есть множество ролей – от принца до Спартака, так что не думаю, что это признак женственности. Есть классика мирового балета. Там да, представители мужского пола более мягкие, просто потому что показывается та эпоха, а если взять «Спартак» – там тебе и гладиаторы, и легионеры. Не думаю, что это про женственность. Также поддержки, которые делает артист балета, не под силу сделать сразу обычному мужчине. И миф, что балерины как перышко – это смешно. Балерины – прежде всего люди, и это нереально, чтобы девушка весила 20 кг. Да, есть, конечно, ограничения, но все же не до такого абсурда.

–Что для тебя есть мужество?

–Для меня мужество – это ответственность, зрелость, смелость и осознанность.

– Но все же в последнее время концепт маскулинности значительно поменялся. Как ты считаешь, макияж, яркие наряды для выступлений дали свободу в самовыражении в повседневной жизни?

– Занимаясь балетом, я стал более воспитанным, выносливым, смелым и стал быстрее переключаться из одного дела в другое. Думаю, я стал более свободным в этом плане, но что касается самовыражения, тут сложно сказать: было это с детства или это дала сцена, но все же думаю — второе. Да, я был очень стеснительным в детстве и, поступив в балетную школу, по-новому раскрыл себя.

– Хореографическое искусство, тем более — балет, требует многолетней подготовки и навыков. Расскажи, как ты попал в эту сферу?

– Я хотел перейти в другую школу, а тут как раз был добор в балетную школу. Я пришел на просмотр, но тогда меня не взяли — данных было мало. А когда наступило лето, я поехал в лагерь, куда приехали педагоги добирать детей. И вот тогда уже меня взяли в балетную школу.

– Многим, наверное, интересно, из чего же состоит расписание артистов балета. Расскажи про свои будни и то, как выглядит твой идеальный выходной.

– С утра классический танец, потом идут репетиции, после репетиций либо общеобразовательные уроки, либо междисциплинарные. Затем еще две репетиции и иногда примерка костюмов. Мой идеальный выходной – это проснуться в 12 дня, вкусно покушать, прогуляться, провести время с друзьями и родными.

– Остается ли время на что-то другое, помимо репетиций и учебы?

– Да, в свободное время я читаю книги про бизнес, на таро иногда гадаю, смотрю фигурное катание и просто отдыхаю.

– Ты много участвуешь в конкурсах и уже есть впечатляющие достижения. Что значат для тебя конкурсы?

– Конкурсы для меня – это место, где я могу показать, что могу сделать и доказать, что достоин танцевать. Спектакль — как марафон: там все намного дольше и даже, если где-то будет ошибка, то зритель не всегда это поймет. А выступление на конкурсе – это как спринт, надо за короткое время показать все, что ты можешь, и ошибка может уже стоить многого.

– Часто волнуешься во время выступлений, тем более, во время конкурсов? И как ты справляешь с этим?

— Волнение – это нормальное явление, и оно, как-никак, помогает собраться. Обычно я стараюсь отвлечься, поддержать кого-то, посмотреть на других, а уже когда мой выход, я забываю про волнение и тут уже думаю о выступлении.

– Что самое сложное в профессии артиста балета?

– Наверное, однотипная работа. Когда каждый день ты делаешь одно и то же. Также отмечу сложный график: сегодня ты можешь закончить в десять вечера, а завтра в два дня — все зависит от твоего репертуара. Не каждый готов к такой постоянной нагрузке.

– Кого из артистов балета ты назвал бы своей ролевой моделью?

– Я думаю — старое поколение. Не могу сказать про кого-то конкретно, потому что артисты того поколения для меня все являются примером. В них была та статность, та сила, которые сейчас есть не у всех, и стоит отметить очень сильную технику и при этом отличную подачу образа… А сейчас у артистов есть тенденция – либо первое, либо второе.

А есть у тебя партия мечты, которую ты бы хотел исполнить в будущем?

– Я бы очень хотел исполнить партии Альберта из балета «Жизель», Краса из балета «Спартак», Меркуцио из балета «Ромео и Джульетта», Базиля из балета «Дон Кихот» и Графа Вишенку из балета «Чиполлино», а так, конечно, хочу станцевать весь репертуар.

Текст: Саина Титова

Фото предоставлено героем публикации

========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
.Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 24606
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Янв 29, 2022 2:11 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2022012902
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Алена Ковалева
Автор| Наталья Плуталовская; Фото Алиса Асланова
Заголовок| ПОКОЛЕНИЕ Z
Алена Ковалева
«НУЖНО НЕ БОЯТЬСЯ БЫТЬ ЛИЧНОСТЬЮ»

Где опубликовано| © интернет-версия журнала «Балет»
Дата публикации| 2022-01-29
Ссылка| https://balletmagazine.ru/post/alena-kovaleva
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Хотя мнение о том, что молодое поколение артистов интересуется только соцсетями и собственным продвижением там, как все стереотипы, весьма живуче и распросраняется со скоростью света, оно, безусловно, является ошибочным, и солистка Большого театра Алена Ковалева, многогранная, начитанная и интересная, лучшее тому подтверждение. В интервью интернет-версии журнала «Балет» Алена поразмышляла о сильных и слабых сторонах театральной молодежи, о неприятии ярлыков, черно-белого мышления и о смелости быть личностью, а также рассказала о своих знаковых партиях, любимых книгах и призналась в любви к старому голливудскому кино.



Алена, одним из лейтмотивов Международного дня балета была разница между старшим поколением артистов и молодежью. Позиция старших предсказуема: раньше и трава была зеленее, и воздух чище, и молодые ребята отличались большей скромностью. Но мне интересен взгляд по ту сторону баррикад. Ощущаете ли вы, молодая артистка, поколенческий разрыв?

Это зависит от конкретного человека: с кем-то ты не будешь ощущать эту разницу, а при общении с другим артистом, который иначе себя позиционирует, сразу возникнет дистанция. В целом, да, ты по-другому себя чувствуешь со зрелыми коллегами, но это не столько про возраст, сколько про авторитетность. Невозможно игнорировать то, чего человек добился, то, что он признанный и состоявшийся артист, на которого в чем-то хочется равняться. Это уважение не позволяет ставить себя на один уровень с ним. Лично я не могу себе позволить переступить через это.

У каждого поколения есть свои слабые и сильные стороны. Как вам кажется, в чем сила и слабость вашего? Возможно, вы быстрее схватываете материал или лучше ориентируетесь в современной хореографии?

Моя проблема как раз в том, что в школе я не занималась современной хореографией. Были разовые практики от случая к случаю, например, когда ездила на конкурс в Лозанну, но полноценного ощущения тела в современном танце я не получила. Стараюсь наверстывать сейчас.

Быть может, ваша сила в чем-то другом?

Мы взрослели в быстро меняющемся мире, когда нужно было все делать быстро: учить партии, расти в профессии. Все время мы должны были держать руку на пульсе. Наверное, это одна из наших сильных сторон, мы изначально в этом ритме жили и нам нет необходимости к нему адаптироваться — он и есть наша жизнь. А вообще тяжело оценивать свое поколение. Есть такой фильм — «Полночь в Париже». Там суть в том, что в полночь герой путешествует во времени; из нашего века он попадает в век своей мечты, времена Хемингуэя, Дали, Фицджеральда; там он встречает девушку, вместе с которой отправляется в другую эпоху. Для героя идеалом были современники этой девушки, а она объясняет ему: «Нет, ты не понимаешь, наш век, он ужасен, там ничего не происходит, мы стоим на месте. А вот они — это belle epoque». Мы можем размышлять о будущем, можем анализировать прошлое, но про себя и свое поколение сложно сказать. Мы живем, мы меняемся, ошибаемся, делаем какие-то выводы, растем — это все в итоге и сформирует поколение, на мой взгляд, то, как оно запомнится, будет видеться другим. Сейчас у меня нет такой четкой картинки.

Помимо упомянутого вами ритма, для нового времени также характерны небывалые объемы информации, доступные каждому из нас. Как вам кажется, это оказывает влияние на молодых артистов? Например, то, что вы имеете доступ к огромному архиву, который не могли смотреть ваши предшественники; вы знаете о том, что происходит во всех странах мира, где какие хореографы работают, какие постановки делаются; вы в курсе всех событий; знаете, какие бывают танцевальные языки и стили; вы можете что-то попробовать, куда-то поехать и в целом обладаете большим количеством знаний.

Мне кажется, это прекрасно. Это дает стимул работать, быстрее двигаться вперед, потому что ты понимаешь, какое количество разных стилей, театров, спектаклей и хореографов есть в мире. Хочется попробовать себя и там, и здесь, охватить максимум.

Значит, вас это обилие информации не пугает, а больше вдохновляет?

Очень! Сейчас такое время, что ты не можешь ограничиваться одним стилем и пытаться танцевать только классику. Нужно экспериментировать, пробовать, меняться, идти вперед. К тому же всегда интересно работать с новыми хореографами; когда ставят именно на тебя, ты чувствуешь, как рождается что-то новое. Возможность сотворчества — самое интересное, что есть в современном мире.

Если говорить про языки танца, есть ли что-то, что вам очень хотелось бы попробовать? Освоить какую-то технику или поработать с хореографом, постановкам которого присущ любопытный авторский стиль?

Людей, с которыми хотелось бы поработать, огромное количество! Каждая новая работа развивает, дает новое ощущение себя и своего тела. Этот опыт, который можно применять в том числе и в классике, делает артиста разносторонним, более открытым.

А мечта — это когда ставят на тебя, когда хореограф как художник лепит с помощью артиста свой замысел. Я наслаждаюсь этим процессом. Конечно, трудности есть всегда: устаешь, что-то болит, но все равно погружаешься в работу над новым спектаклем с удовольствием.

Вы начали говорить про Лозанну как про свой первый опыт соприкосновения с современной хореографией. Вы чувствовали себя менее подготовленной, чем девочки из Америки и Европы?

Да, безусловно. У меня опыт был очень маленький, и владеть своим телом мне было сложнее, чем ученикам, занимающимся этим несколько лет.

Это вас расстроило или вдохновило?

Я поняла, что действительно хочу этим заниматься и что на своем профессиональном пути я рассчитываю развиваться и в эту сторону. Сфокусироваться только на классике, наверное, еще возможно в наше время, и это легче, чем пытаться ломать себя, ведь совмещать стили действительно сложно. Но, полностью лишая себя такого опыта, ты одновременно лишаешь себя и возможности построить яркую карьеру, заявить о себе.

Какая современная постановка из того, что вы видели в последнее время, произвела на вас большое впечатление?

Наверное, самое яркое — «Жизель» Акрама Хана. Спектакль стал для меня шоком. Это абсолютно гениально! К концу первого акта меня просто трясло, вышла на ватных ногах на антракт и думала: «Господи, что же будет дальше, как же я отсюда уйду».

Что, на ваш взгляд, создает такой эффект?

Новое видение. Мне кажется правильным, когда хореограф, ставя спектакль на классический сюжет, переносит действие в более близкое нам время и более понятные обстоятельства. Тогда спектакль обретает другую силу благодаря наглядности. И вдруг оказывается, что все главные вопросы по-прежнему актуальны: как бы мы ни продвигались и ни развивались, наши ошибки и многие составляющие нашей жизни и поведения остаются теми же. Конечно, хореография тоже прекрасно обыгрывала сюжет и характеризовала персонажей, и музыка погружала во все эти перипетии. Все вместе совпало, и получилось очень мощное произведение.

И, по-моему, интересно, что исполняли эту хореографию артисты с классической базой. При этом не было и следа зажатости: ни телесной, ни эмоциональной.

Да, у артистов эмоции были такими сильными, что и в зрительном зале пробирало.

Такие гастрольные спектакли несколько подшатывают стереотип про великий и несравненный русский балет, на который все прочие должны равняться. Думаю, очевидно, что нам тоже есть чему поучиться. Как бы вы сформулировали, чему именно?

Я считаю, что очень важно уметь учиться у коллег, даже если то, что ты берешь, — это какие-то незначительные на первый взгляд детали. Не полностью перенимать все, а наблюдать и брать что-то от разных людей. Сейчас такое количество стилей, что сложно назвать один театр лучшим, — разные ведущие театры будут хороши в чем-то своем. Первенство в современном танце все-таки не у России, на мой взгляд. На Западе его преподают в школе уже на очень высоком уровне.

Вы согласны с расхожим мнением, что русские артисты более зажаты в современном танце в силу того, что при обучении в течение многих лет погружаются в суровый тренаж классического танца? Действительно ли эти стандарты занимают такое место в теле и в голове молодого исполнителя, что от них потом трудно отойти?

Да, я прочувствовала это на себе. Начиная работать в другой пластике после классических спектаклей, сложно перестроить тело. Это не то что зажатость, а просто телесная привычка, другое построение движения.

В плане эмоционального проживания и рассказывания историй классический танец и современный стоят на одном уровне для вас? Или что-то более выразительно?

На мой взгляд, в современном танце больше свободы. Там проще показать свою индивидуальность, всегда есть вероятность импровизации, есть нюансы, которые не будут заметны, если ты сделаешь все органично. Свобода пластики легче передает эмоцию. Классика же обязывает к канону; каждый немного разбирающийся в хореографии человек заметит оплошность; каждый профессионал увидит, если изменен текст, а это считается недопустимым. Нужно исполнять то же, что и все, но привносить индивидуальность, оживлять это, находить определенные формы для выражения эмоций. Важно, чтобы не было пустого набора движений. Ты должен уметь оживить каждый элемент, донести с его помощью эмоции, мысли, переживания. Именно наполнение влияет на то, каким спектакль увидит зритель.

Иногда приходится слышать, что классические балетные спектакли наивны, нелогичны. Чувствуете ли вы шероховатости традиционных сюжетов при подготовке или настолько глубоко погружаетесь в структуру образа и текста, что не обращаете внимание на такие вещи?

Готовя премьеру, я всегда стараюсь выстроить понимание: что, где, как и почему. Надо сформировать в своей голове представления, образы, как к кому я отношусь, как веду себя. Когда начинаешь соотносить себя с персонажем, сюжет принимается, шероховатости убираются.

К тому же не стоит забывать, что это все-таки сказки, и нельзя от них требовать чрезмерной реалистичности. А если хочется реализма, можно пойти на «Анну Каренину» — вот уж где жизненно и без всяких сюжетных лакун.

А вам что интереснее танцевать: жизненное, жесткое, правдивое или волшебное, нежное, лиричное?

Мне нравится пробовать себя в разном. Люблю сложных персонажей.

Например?

Для меня была большим удовольствием работа над «Легендой о любви», моей последней премьерой в прошлом сезоне. Это непростой персонаж, Мехменэ Бану. Танцуя ее, можно показать большое количество эмоций, переживаний, внутренней борьбы. Интересно находить это в себе, выстраивать, вытаскивать и раскрывать это через пластику. В этом спектакле вообще многое зависит от позировок, положения рук и маленьких пластических деталей.

В вашем репертуаре есть Мирта, которую лично я считаю сложным персонажем. Мне кажется, обычно на происходящее в «Жизели» мы смотрим со стороны заглавной героини, да и при обсуждении слово чаще дают исполнительницам этой партии. Вы не думаете, что Мирта — крайне неоднозначный образ, который зачастую трактуют однобоко? Она ведь не просто злая, а сложная, проживающая свою внутреннюю трагедию. Может быть, вы ее жалеете или оправдываете?

Мне не нравится характеристика «злая». Точно нет! Виллисы — это же духи преданных невест, это девушки с личной трагедией. У Мирты, их предводительницы, позади сильный слом, который изменил ее внутренне. Это очень властная девушка, преследующая свою цель, мстительная, холодная, расчетливая. Расчет в том, что она мстит всем, кто имеет отношение к ее боли.

Это, кстати, тоже яркая характеристика нового поколения: вы уже не так охотно развешиваете ярлыки, вам чужд этот привычный дуализм: деление на хорошее и плохое, белое и черное.

Да, не люблю ярлыки. Мы все больше, чем что-то одно. У нас у всех есть что-то позади, что-то внутри. Каждый человек объемен, так и каждый герой объемен. Вот, например, Одиллию тоже часто называют злой. Она настолько многогранный персонаж: в ней есть коварство, искусительство. Она знает, что очаровательна, и пользуется своей красотой в корыстных целях. Таким образом она развлекается, ну и губит заодно пару принцев (смеется). Все это: наслаждение собой, коварство, самоутверждение — больше, чем просто зло.

Немало черт Одиллии мне видится в Ундине из «Героя нашего времени», которая тоже есть в вашем репертуаре. Что думаете о ней?

Это тоже девушка со своей целью. У нее выработан определенный способ выживать, не самый честный и хороший, но ее устраивает. И всех, кто ей мешает, она устраняет. У этой героини нет чувства жалости, она живет ради себя. Она сама и ее цели — главный приоритет.

Вы обращались к произведению Лермонтова, готовя партию? По-вашему, литературная Ундина соотносится со сценической, или это другая героиня?

Да, «Тамань» я перечитала. На мой взгляд, в балете Ундина показана даже ярче, чем в книге. Это был такой вызов! Даже пластически все давалось тяжело. Но у меня были два потрясающих партнера, Артем Овчаренко и Антон Савичев, оба с постановки, танцевавшие этот спектакль много раз. Они мне очень помогали и в плане хореографии, и в плане эмоциональной наполняющей.

Это обычная практика для вас — читать что-то при подготовке к роли?

Бывает. Когда готовила «Легенду о любви», читала пьесу «Фархад и Ширин», по которой писалось либретто, для погружения в тематику.

А время читать в свое удовольствие у вас есть?

Да, всегда могу найти для этого время. Я вообще люблю читать: это расслабляет, я таким образом отдыхаю. Книги переносят в другой мир, отвлекают от проблем. Литература развивает человека внутренне, дает пищу для размышлений.

Что вам нравится читать?

Я люблю авторов потерянного поколения, начала XX века: Хемингуэя, Фицджеральда, Ремарка.

Чем вас так увлекает эта эпоха?

Наверное, драмой, конфликтом персонажа и мира, который везде прослеживается; желанием героя быть другим, уникальным, и выстоять, оставшись собой. Я очень ценю в людях стремление оставаться собой, несмотря ни на что сохранять свое мнение, не смиряться, не терять индивидуальность. С такими качествами ты будешь интересен и себе, и окружающим. Нужно не бояться быть личностью.

Вы часто перечитываете любимые книги или предпочитаете открывать что-то новое?

Я люблю новое. Не могу сказать, что часто перечитываю, но периодически возвращаюсь к любимым авторам. Мне не нравится читать несколько книг одного автора подряд; лучше сделать перерыв и потом вернуться. Когда я после длительного перерыва, прочитав, казалось бы, всего Ремарка, нашла у него еще не читанную книгу, то буквально с первых страниц у меня было ощущение, как будто я вернулась домой: такой приятный, знакомый тебе слог!.. Это здорово, когда находишь своего автора! Так же у меня было с Гюго. В его книгах немало длинных описаний, что не всем нравится, но я получала удовольствие, когда читала, например, «Человека, который смеется». Я наслаждаюсь хорошей литературой. Кстати, современная тоже мне интересна. Например, Гузель Яхина — такое яркое явление. Я читала романы «Зулейха открывает глаза» и «Эшелон на Самарканд». Последняя даже сильнее меня тронула — может, потому что там дети на первом плане.

Гузель Яхина в своих текстах обращается к не самым радужным страницам нашей истории…

Сложно читать книги, основанные на реальных событиях. Страшно думать, что все это реально было, что люди с этим сталкивались. Как «Зулейха», так и «Эшелон» написаны на темы, не слишком хорошо мне известные. Я плохо знаю этот период: репрессии, ссылки, голод.

Как-то мы мягко проходили это в школе, а дальше я мало сама интересовалась. Поэтому для меня ее книги стали откровением. Это, по-моему, очень здорово и важно, чтобы такие книги появлялись. Я думаю, самые страшные страницы истории мы должны изучать в первую очередь, в первую очередь говорить о них, знать их, чтобы не допустить повторения.

Еще одна книга, начиная с середины которой я просто рыдала, называется «Жутко громко и запредельно близко». Она рассказывает о событиях 11 сентября. Я читала ее в самолете, и окружающие, кажется, думали, что со мной что-то не так: я была в истерике, рыдала, закрывала книгу, откладывала, но понимала, что надо дочитать сейчас, иначе потом не найти в себе моральных сил это сделать.

То есть, если я правильно понимаю, для вас чтение таких книг — способ пройти через катарсис, своеобразное внутреннее очищение через боль?

Я примеряю это на себя, и все проблемы сразу кажутся такими мелкими. Задумываешься и начинаешь ценить то, что у тебя есть: семью, жизнь, успехи. То, что ты там страдала двадцать минут назад, на самом деле, вовсе не конец света по сравнению с тем, что бывает.

Вы читаете в основном тяжелые книги? Или легкие жанры тоже можно найти на вашей книжной полке?

Да как-то так получается: тянет меня к драмам и трагедиям. Видимо, люблю пострадать (смеется). Но, на самом деле, без позитива, конечно, нельзя. Когда совсем тяжело, я беру «Дживса и Вустера» Вудхауса — меня мама приучила. Прекрасный, чисто английский юмор, так красиво написано.

А еще во время пандемии я нашла на даче в шкафу книги Алана Милна. Оказывается, он писал далеко не только про «Винни-Пуха», а еще и такие черненькие рассказы в очень британском стиле. Он обращается к эпохе, когда джентльмены отживают свое, и, поскольку мир вокруг стремительно меняется, они не совсем понимают, куда себя деть. В текстах высмеиваются ситуации, с этим связанные. Я с большим удовольствием прочитала.

Значит, ваша мама тоже читающий человек?

Она очень любит читать, как и сестры. Мы всегда обсуждаем прочитанное, обмениваемся впечатлениями и книгами. А ведь в ранние школьные годы я просто ненавидела читать! Меня крайне угнетали рамки школьной программы. Помню, после первого класса нам дали список для летнего чтения, так я все три месяца мучила несчастного «Тома Сойера» и всей душой его ненавидела! Когда ближе к десяти годам я начала сама выбирать книги, вот тогда отношение поменялось. Мне начал нравиться сам процесс выбора книги: я подходила к шкафу, решала, какая книга на меня смотрит, какую я сейчас чувствую. Еще люблю ходить по книжным магазинам: листать, подбирать. Мне это доставляет удовольствие и успокаивает.

То есть, оказывается, у вас есть тайная небалетная жизнь, и — о чудо — она книжная, что так нетипично для артиста.

Это мамина заслуга. Она приучала нас с детства: перед сном нас всех сажали с книжками, и мы читали либо полчаса, либо определенное количество страниц. Это было обязательной программой.

Наверное, я не ошибусь, если предположу, что еще одной сферой ваших интересов является мода. Вы посещаете какие-то мероприятия, сотрудничаете с брендами. Расскажете немного об этом?

Не то чтобы я сильно погружена в моду и искушена в ней, но стараюсь следить за тенденциями и находить, что из актуального нравится и подходит мне. Мода, она не про слепое следование тенденциям, а про умение воспринимать себя правильно и одеваться в соответствии с твоим образом, внутренним состоянием и обстоятельствами. Я стараюсь выбирать то, в чем чувствую себя комфортно. А мое сотрудничество в основном происходит с балетными брендами. На данный момент представляю Bloch.

Есть ли у вас мечта поработать с каким-то крупным небалетным брендом?

Я бы с удовольствием поработала с модными домами. Например, мне очень нравится Prada: они не перестают удивлять своей современностью при сохранении традиций и канонов. Это здорово!

Съемка, кадры из которой будут сопровождать это интервью, сделана в стиле классического Голливуда. Насколько я понимаю, это ваша любимая эпоха. Вам нравится смотреть старое кино?

Да, периодически, под настроение. Я обожаю фильмы с Одри Хепберн. А кто-то их вообще не любит? «Завтрак у Тиффани» — мой любимый, а «Сабрину» я как-то вечером даже посмотрела два раза подряд. И, мне кажется, русские старые фильмы — это отдельная история. Я обожаю Марка Захарова: «Тот самый Мюнхгаузен», «Обыкновенное чудо». Тоже пересматривала огромное количество раз!

Тогда вам, наверное, близок и драматический театр. К тому же ваша сестра учится в Школе-студии МХАТ. Вы часто ходите на студенческие спектакли?

Моя сестра учится на выпускном курсе, и, помимо учебных спектаклей, уже играет в МХТ им. А.П. Чехова — это наша большая гордость. Вообще драма — полная противоположность балета. То, что мы рассказываем телом, там именно проговаривается. Интересно наблюдать, как артисты пользуются другими средствами выражения. Драматический театр зачастую поднимает более актуальные темы, идет в ногу со временем и с обществом, не боится быть злободневным. Мне очень интересен этот мир!

Вы бы хотели попробовать себя в роли актрисы?

В кино да, а драматический театр, наверное, все-таки не мое. Для этого нужно пройти серьезное обучение, а кино более приближено к жизни, как мне кажется, — там легче адаптироваться. А еще, играя в театре, надо превосходно владеть голосом и словом.

На мой взгляд, вы владеете и тем, и другим. Все-таки читающего человека сразу видно что в жизни, что на сцене.

Спасибо! Конечно, очень много идет от головы. Нам нужно продумывать свои движения, понимать, что сделать, чтобы получился элемент, свои задачи понимать. А еще мы артисты и должны наполнять спектакль.

И здесь как раз полезно быть разносторонней личностью, ведь чтобы что-то наполнить, нужно что-то иметь.

Да, какой-то опыт, какие-то эмоции, что-то виденное, наблюдения из жизни, — все идет в копилку, все оказывается важным в зале и на сцене.

Фото Алиса Асланова

================================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
.Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 24606
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Янв 31, 2022 4:39 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2022013101
Тема| Балет, Азербайджанский Театр оперы и балета, Премьера, Персоналии, Камилла Гусейнова, Аян Эйвазова, Сеймур Гадиев, Анар Микаилов
Автор| Улькяр Алиева, доктор искусствоведения, профессор АНК
Заголовок| Новая «Легенда» на сцене Театра оперы и балета - ФОТО
Где опубликовано| © Day.Az
Дата публикации| 2022-01-31
Ссылка| https://news.day.az/culture/1431325.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



Отечественный Театр оперы и балета умеет бережно сохранять академические традиции: достаточно взглянуть на афишу оперных и балетных постановок театра, в которой представлена азербайджанская и зарубежная классика. При этом, сохраняя традиции, театр устремлён в будущее - репертуарная "копилка" периодически пополняется новыми красочными спектаклями, в том числе музыкально-сценическими постановками на музыку азербайджанских композиторов на весьма актуальную патриотическую тематику, которая, без сомнения, находит отклик у зрителей. Один из подобных примеров процесса культурных инноваций Театра оперы и балета стало появление на афишах балета "Легенда Каспия" Лалы Джафаровой (композитор также является автором либретто), в постановке балетмейстера Камиллы Гусейновой и под музыкальным руководством Орхана Гашимова премьера которого состоялась в минувший выходной.

А теперь поподробнее...

Стало хорошей традицией театра представлять в феврале премьеру нового балетного спектакля. На сей раз выбор пал на балет отечественного композитора в основе сюжетной канвы которого военно-политический конфликт двух правителей - Ибрагим-шаха и правителя Хазарии. И на фоне всех этих общеполитических перипетий, любовь дочери правителя хазаров - Тюркан и персидского военачальника Турана обречена на трагический финал. Спустя годы Туран в поединке убивает военачальника противоборствующей стороны Огуза, слишком поздно осознав, что стал убийцей своего сына.

Выявлению активного пульса, каким наполнен сюжет, способствует образно-рельефная музыка балета. Это злая "колючая" дробь ударных, поддерживающих звучание медных духовых, раскрывающих военизированную махину, мрачную атмосферу дворца Ибрагим-шаха. Это жизнерадостный мир хазаров, музыкальный материал, связанный с азербайджанскими народными истоками. Это и романтическая светлая "окрашенность" любовных дуэтов: моментами ласково-трепетная, моментами экспрессивная.

Очаровывает не менее запоминающаяся (и в плане драматургического построения, и в плане хореографического текста) режиссерская концепция Камиллы Гусейновой. Несмотря на номерную мозаичную составляющую, каждая сцена балета гармонично вплетается в причудливый орнамент всего балетного спектакля. В целом разнообразие хореографических приёмов в спектакле предостаточно: это и использование национальной хореолексики в кордебалетных номерах, раскрывающих мир хазаров; это и использование принципа "домино" (одно движение задает ритм другому, наподобие цепной реакции) в сцене встречи Турана и Тюркан; интересное использование формы Pas de trois (танец из трёх участников) в танце-разногласия между правителем Хазарии и Тураном, и пытающихся их примирить Тюркан, а также танец-согласие в сцене сновидения Огуза с участием юного воина и его родителей. Особо пленяют любовные сцены спектакля - первая встреча (в "обрамлении" женского кордебалета) раскрывающая чувства влюблённых - словно мир вращается только вокруг них; первое пластически "многомерное" Адажио, завершающееся первым поцелуем; а также второе Адажио, выражающее отчаяние влюблённых, смирившихся в разлукой (всевозможные поддержки, в том числе эффектное горизонтальное положение "лёжа спиной на плече партнёра", в позе attitude на бедре партнёра" призваны подчеркнуть их протест, неприятие разлуки).

Дабы скрепить номерную структуру балетной постановки балетмейстер вводит в прологе и в эпилогетанец волн Каспия (драматургический приём "кольцевого обрамления"). В своих предыдущих постановках К.Гусейнова неизменно обращается к символико-аллегорической трактовке сюжетной канвы. И в данном спектакле, в Эпилоге, на фоне волн появляются все основные участники драмы - влюблённые (по середине сцены), их сын, правители. Данная образная концепция вводит в фабулу балета новую смысловую объемность: понятия Время и Вечность. Сюжетно-хореографическая фабула спектакля выстроена так, что главные персонажи балета не сразу становятся участниками исторических событий, они последовательно "вовлекаются" в них: Вечность (волны седого Каспия) входит во Временной поток (завязка действия), наступает Время истории (любовь на фоне противостояния двух держав), чтобы затем снова стать Вечностью.

Автора этих строк очаровала прима балетной труппы театра Аян Эйвазова. В плане актерского воплощения, А.Эйвазова создала яркий запоминающийся образ своей героини в развитии, в выразительной трансформации: от лучезарной, излучающей радость любви принцессы в кругу подруг до отчаявшейся, понимающей свою обреченность в сценах расставания с любимым и сыном. И всё мужское окружение вполне достойно смотрелось рядом с такой обаятельной партнершей. Сеймур Гадиев в партии Туран был порывисто романтичен, Анар Микаилов в партии хазарского правителя - мужественен и благородно сдержан, Макар Ферштандт замечательно передавал в энергии танца честолюбие и властность персидского шаха, Ислам Мамедов - юношескую беспечность и мечтания Огуза.

Нельзя не отметить замечательное прочтение балетной партитуры "Легенды Каспия" оркестром театра под руководством Орхана Гашимова. Работоспособность молодого маэстро, с отличием окончившего Московскую Консерваторию и освоившего солидный репертуар в столь короткий срок просто приятно поражает. Интересный факт в творчестве О.Гашимова - маэстро первоначально прошёл обучение в классе композиции известного российского композитора и педагога В.Г.Тарнопольского, а завершил своё обучение в классе оперно-симфонического дирижирования С.Д.Дяченко. Поэтому думается, у маэстро всегда присутствует, с позволения сказать, "двойной" профессиональный интерес (композиторский и дирижёрский) в освоении неизвестной партитуры впервые представляемой публике. В оркестре были слышны и неспешный плеск волн Каспия; и грозные фанфары, возвещающие захватнические амбиции Ибрагим-шаха; и мерцание звёзд в предфинальной сцене сновидения; ощущалась красочно-яркая, радостная атмосфера мира хазар; улавливалoсь гармоничное созвучие струнных (воплощающих женское начало) и соло трубы (проявление мужского, воинского начала и доблести) в первом любовном дуэте.

В целом любовь, интриги, батальные сцены нового балета "Легенда Каспия" на сцене Театра оперы и балета словно "вырывают" зрителей из реального мира, перенося их в эпоху "когда мир был юным". Впрочем, "колесо истории" имеет тенденцию сделав полный оборот, возвращаться в исходное положение, вызывая ощущения дежавю (уже пережитого). А такие спектакли всегда интригуют - и сибаритов-интеллектуалов, и завсегдатаев-балетоманов, и тех, кто ищет в постановках новизну, зрелищность и яркие эмоции.

==========================================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
.Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 24606
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Янв 31, 2022 10:04 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2022013102
Тема| Балет, ТBallet International Gala (Австралия), Персоналии, Бахтияр Адамжан, Шугыла Адепхан
Автор| -
Заголовок| Выступление казахстанцев произвело фурор в Австралии
Где опубликовано| © сайт театра"Астана опера"
Дата публикации| 2022-01-31
Ссылка| https://astanaopera.kz/about/media/910
Аннотация|

Ведущий солист балетной труппы «Астана Опера» Бахтияр Адамжан завоевывает публику Зеленого континента. Выступления Заслуженного деятеля Казахстана с большим успехом проходят в эти дни в Австралии в рамках мирового шоу Ballet International Gala.



Гала-представление, участниками которого также стали ведущие солисты лондонского Королевского балета Ковент-Гарден, Американского театра балета и Квинслендского балета (Австралия), проходят с 26 января по 5 февраля. Лучшие танцовщики разных континентов представляют свое искусство на двух крупных сценических площадках северо-востока Австралии.

И хотя гала-балет – это не конкурс и не соревнование, но в нем есть что-то от Олимпийских игр: лучшие артисты балета со всего мира демонстрируют мастерство и вдохновение, создавая атмосферу праздника. Казахстан на этих показательных выступлениях представляет талантливейший танцовщик Бахтияр Адамжан. В качестве партнерши артист пригласил коллегу из «Астана Опера» Шугылу Адепхан, вместе с которой он исполняет знаменитое адажио из балета «Спартак» А. Хачатуряна.

Выпускник Алматинского хореографического училища им. А.В. Селезнева Бахтияр Адамжан начал свою карьеру в театре оперы и балета имени Абая в Алматы. С партии Спартака начался его творческий взлет. После блистательной роли талант артиста был отмечен за пределами страны, он много раз становился лауреатом международных балетных конкурсов в Нью-Йорке, Стамбуле, Сеуле, Москве и других городах, в качестве приглашенного артиста блещет на известных сценах мира. И вот впервые ему аплодируют зрители Зеленого континента.

– Первые выступления прошли отлично, – отмечает танцовщик. – Зритель принял нас очень хорошо. Для них это стало большим событием. Зал был полон, его душевная атмосфера, теплый прием и щедрые аплодисменты очень заряжают.

По словам Бахтияра Адамжана, у него сложились теплые дружеские отношения с коллегами.

– Балетный мир очень тесен, поэтому если даже мы не были лично знакомы до этого времени, благодаря социальным сетям знали друг друга, – говорит он.

– От первых выступлений у меня остались только положительные эмоции, – поделилась партнерша Бахтияра – Шугыла Адепхан. – Всем понравился наш номер, он никого не оставил равнодушным.

По словам балерины, во время репетиций и выступлений она внимательно наблюдала за другими танцовщиками, чтобы взять что-то полезное для себя:

– У каждой балетной школы и каждого иностранного артиста есть своя специфика. Очень хорошо, что мы отличаемся друг от друга, так как это позволяет заряжаться энергией, получать мотивацию, вдохновляться.

Ballet International Gala собрал ведущих артистов балета, привлек пристальное внимание публики и вызвал широкий резонанс в средствах массовой информации. Одним из самых обсуждаемых выступлений стал номер артистов «Астана Опера», о чем сообщил целый ряд австралийских и мировых СМИ, в том числе The Australian, The Courier Mail, The Mercury, The Cairns Post и другие. Восторженные отзывы о своих коллегах из столицы Казахстана в социальных сетях разместили и участники шоу.

Один из крупнейших австралийских критиков – обозреватель искусства Фил Браун – высоко оценил выступление Бахтияра и Шугылы на страницах газеты The Courier Mail:

– Невероятно было видеть двух танцовщиков из Казахстана – Бахтияра Адамжана и Шугылу Адепхан, исполняющих отрывок из балета «Спартак». Им было непросто добраться сюда, но с необходимыми документами и соблюдением карантина вместе с другими ребятами из BIG, им удалось погрозить ковиду пальцем и справиться с этой задачей. Казахстанская пара танцевала великолепно прошлым вечером под музыку Арама Хачатуряна – одну из самых красивых, из когда-либо написанных. И Адамжан выглядел как истинный Спартак. На самом деле, Григорович лично выбрал его на роль и понятно почему. Вместе эта пара показала выступление, которое было умопомрачительно мощным и красивым. И вам необязательно быть большим ценителем балета, чтобы по достоинству оценить его и насладиться искусством артистов.

Участие в мероприятиях такого уровня демонстрирует высокий уровень казахстанских танцовщиков, с честью представляющих страну на международной сцене, также как и появление театра «Астана Опера» на афишах в одном ряду с признанными центрами мирового балетного искусства.

=====================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
.Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 24606
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Фев 01, 2022 5:01 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2022013201
Тема| Балет, Новосибирский театр оперы и балета, Персоналии, Полковников
Автор| Александр Савин
Заголовок| Полковников шагнул от Спартака к Квазимодо
Где опубликовано| © cultvitamin
Дата публикации| 2022-01-31
Ссылка| https://cultvitamin.ru/polkovnikov-ot-spartaka-k-kvazimodo/
Аннотация| дебют



Если в Спартаке Полковников вождь восставших, то здесь он сам восставший, в единственном числе

– Это что, и есть Полковников? Да какой из него Спартак? Загнанный зверек, – делился впечатлениями со своей женой в начале спектакля мой сосед по ряду.

– Ну да, похоже, Спартак, – мямлил он же через полчаса.

– Он словно с этих античных амфор сошёл, – вторил мой приятель, показывая фото греческих артефактов, – Античность, Спартак – это, конечно, его.

А вот реплика от руководителя балета НОВАТа Леонида Сарафанова: «Роман создал яркий, выпуклый образ своего героя. Все прекрасно танцевали создав яркий, феерический спектакль»

27 января состоялся дебют Романа Полковникова в балете «Собор Парижской Богоматери» Ролана Пети. В силу обстоятельств, которые преданные поклонники артиста на протяжении нескольких месяцев не хотели принять и признать, ведущий солист балетной труппы НОВАТа вновь вернулся на родную сцену и исполнил, наконец, роль Квазимодо, на которой едва не оборвалась его творческая жизнь на сцене Сибирского Колизея.



Но чуть ранее, 21 января, мы увидели Романа в партии Солора в балете Начо Дуато «Баядерка», и в характере его танца были заметны изменения. Прочтение привычной для него роли стало более зрелым, мудрым и благородным. Мы увидели несколько иного Романа Полковникова – пережившего непростой жизненный этап человека, сделавшего для себя достаточно серьёзные выводы, которые не могли не отразиться на характере танца. Именно поэтому с особым напряжением я ждал дебюта Романа в партии Квазимодо и всегда, когда встречал его в театре, спрашивал, как идут репетиции. Всегда немногословный, Роман отвечал, что все нормально, он помнит весь порядок, а это значит, что у него есть свобода для работы над образом, например, как у музыкантов, которым знание нотного текста наизусть позволяет чувствовать себя на сцене раскованно.

Мне уже доводилось писать о том, что балет «Собор Парижской Богоматери» позволяет каждому исполнителю через актерскую игру слепить свой образ героя. Поэтому Квазимодо Ивана Васильева не похож на Квазимодо Бахтияра Адамжана, а Квазимодо Евгения Басалюка на героя, показанного Полковниковым. Эсмеральда Анжелины Воронцовой иная, нежели у Ольги Гришенковой. Так было всегда – любой исполнитель сольной партии привносит в ее прочтение что-то свое. Но в Соборе это особенно заметно.

Роман Полковников, точнее то, что осталось от привычного танцовщика, появившись на сцене, приковал к себе взгляды зрителей до последних мгновений трагической истории. Он как бы перетянул на себя внимание зала. В сценическом образе Романа была большая доля брутальности, и, если в Спартаке она всегда была к месту, то в классике несколько смущала. Тут же она была совершенно в точку. Угловатый калека, размахивая руками и картавя ногами, распрямившись во время лирических сцен, превращался в античного героя. Потрясающий контраст. Тщательно продуманные мизансцены. Даже когда его герой сидел на задворках сцены, он ни на минуту не выходил из образа, раскачиваясь и по-детски затравленно выглядывая из-за своего курносого носа. Тут даже эта деталь играла на образ, придавая герою характер внешней беззащитности.

Если в «Спартаке» Полковников – вождь восставших, то здесь он сам – восставший, в единственном числе. Это отличие Роман за время спектакля не нарушил ни разу. Осмысливая каждый показ «Собора», надо всегда помнить время, в которое Пети создал свой шедевр. Послевоенная Европа пытается выйти из кризиса «потерянного поколения» Ремарка, надвигается революция цветов. Тем не менее, пережитое не отпускает. Пети создавал своих героев, переосмысливая их в контексте искусства XX века, помогающего пережить, «переварить» духовный кризис человечества. Квазимодо Пети демонстрирует оголенные, болезненные состояния души героя в искаженных пластических формах.

Предельно острая экспрессивность и яркая эмоциональность Романа Полковникова позволила прочувствовать трагедию надломленного Квазимодо, не способного мириться со сложившейся действительностью, с механизмом, находящемся в непрекращающейся уничтожающей динамике, высшей точкой которой становится казнь возлюбленной. Это колесо террора наезжает на Квазимодо совершенно беспощадно.

И сценическая брутальность Спартака сыграла в балете важную и нужную роль – она была очень органична в сценах, когда графичность, угловатость жестов, предельная четкость и, конечно же, сгорбленность Квазимодо сменялись плавностью движений расправленного любовью тела.

И, быть может, метасмысл этого спектакля кроется в параллелях между Квазимодо, испытывающим трепетную и возвышенную любовь к Эсмеральде, и Романом Полковниковым, переживающим те же чувства в отношении искусства, с которым он не хочет расставаться и бережно несет его в своих руках.


Роман Полковников-Квазимодо, Анжелина Воронцова-Эсмеральда

Сохранить это состояние очень важно для артиста. Совершенно очевидно, что его сегодняшнее внутреннее состояние позволило ему в современной хореографии реализовать самые тонкие движения и мысли души, донести эту энергетику до зрителя, щедро поделиться ею..

Будет неправильным не отметить, что восьмой по счету показ нового балета был особо знаковым и не только благодаря участию в нем Романа. Все солисты в спектакле показали прекрасное исполнение. Наконец я разглядел образ Феба в исполнении Эрнеста Латыпова, а Анжелина Воронцова и Никита Ксенофонтов в очередной раз доказали, что они артисты звездного уровня. Эта четверка сложилась в крепкий ансамбль, который смог освежить спектакль, вызвать к нему новый интерес, что лишний раз доказывает истину – подлинные произведения искусства никогда не устаревают. Все зависит от уровня исполнения.

Одно мы знаем точно, что, помимо выдающегося Спартака, на сцене появился еще и яркий Квазимодо. С чем поздравляем Романа и себя, конечно.

Фото Евгения Иванова

=============================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
.Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 24606
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Фев 08, 2022 9:11 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2022013201
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Ольга СМИРНОВА
Автор| Елена Федоренко
Заголовок| Ольга СМИРНОВА:
«Язык тела правдивее и искреннее, чем слова»

Где опубликовано| © газета "Культура"
Дата публикации| 2022-01-27
Ссылка| Бумажная версия. На сайте пока нет
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Наш собеседник — самая молодая прима Большого театра, лауреат приза Benois de la Danse, премии имени Леонида Мясина, премии президента РФ для молодых деятелей культуры

«Культура» поговорила с Ольгой Смирновой — самой молодой примой Большого театра. В нынешнем сезоне в ее репертуаре появилась Медора в «Корсаре», и она стала первой исполнительницей заглавных партий в премьерах «Орландо» и «Мастер и Маргарита».

— Как работалось над премьерой «Мастера и Маргариты»?

— Перед началом работы я перечитала роман, и возникло общее вдохновение — от книги, сюжета, образов, мистики. Но веры в то, что это может получиться, не было. Она появилась позже. На репетициях царила хорошая атмосфера — Эдвард (хореограф Эдвард Клюг. — «Культура») доброжелателен и заражает общим творческим поиском. Он приходил в зал в принципе «неподготовленным», расставлял всех героев в пространстве, рассказывал, что происходит в данной сцене, и только потом возникал процесс рождения движений, когда ты не разучиваешь заранее сочиненные хореографом комбинации, а тоже предлагаешь, пробуешь, чувствуешь себя соавтором. Это здорово. Ближе к выпуску, когда Эдвард сфокусировался на втором акте, где царит Маргарита, у меня стала появляться внутренняя вера в героиню. Многие находки хореографа, связанные с балом Сатаны, дуэт с Воландом меня сразу убедили и зацепили, и начал формироваться образ. Этому, безусловно, помогала музыка Шнитке, многослойная, как и сам роман, во многих сценах она звучит настолько органично, как будто специально создавалась для воплощения булгаковской философии.

Фактически мы собрали спектакль только к премьере, сцена полета и финал ставились в последний момент. И потому практически не было времени почувствовать целостный образ Маргариты, от одной сцены к другой, вжиться в него. Как часто бывает, если спектакль не переносится, а ставится на труппу, ему нужно время, чтобы танцовщики обжились в нем, поэтому наша история, я считаю, только начинает свой путь. Даже исполняя Маргариту второй раз в премьерном блоке, я чувствовала больше свободы и актерской правды.

— Как вы готовите роли: перевоплощаетесь или «примеряете» на себя — прекрасную балерину Ольгу Смирнову — фабульные ситуации?

— Стараюсь перевоплощаться, чтобы грехи героинь не примерять на себя лично. Но, с другой стороны, реакции, безусловно, достаешь из себя, чтобы они выглядели органично и убедительно. Джон Ноймайер и Жан-Кристоф Майо учили взаимодействию танцовщиков на сцене по принципу «действие — реакция». Когда происходит разговор через пластику, нужно быть внутри него, чтобы правдиво реагировать на жест партнера, а не просто повторять заученный текст. Тогда возникает «химия». В себе же я чувствую какой-то компас, который мне позволяет чувствовать фальшь и ориентирует в актерской подаче. Мне сложно переиграть — в моей природе, наверное, заложено неприятие фальши. А язык тела правдивее и искреннее, чем слова, поэтому пластикой можно сказать больше и тоньше.

— Ребенок начинает профессионально осваивать балет еще в полусознательном возрасте. Как это было у вас?

— С миром балета и театра я знакома не была, первый раз увидела балет, когда уже училась на подготовительном отделении перед поступлением в Вагановскую академию. Начиналось, как у многих: занималась в танцевальном кружке, где маме посоветовали показать меня в балетную школу. Дальше складывалась нетривиальная история — мы опоздали, пришли в сентябре, когда дети моего возраста уже поступили в первый класс, а набирали в подготовительный. Меня посмотрели, сказали, что девочка с неплохими данными, пусть занимается, может, потом и поступит. Мы жили не в центре, и родителям приходилось каждый день возить меня на занятия, а вечером забирать.

Я попала в мир неизвестный: величественное здание школы, атмосфера дисциплины и своих внутренних правил, ритуалов, где девочки здороваются, приседая в маленьком поклончике — книксене, одинаковые белые купальники на уроке. Все это казалось таинственным, существующим по своим законам и, конечно, привлекало. Прежде всего необычностью. Еще — большое количество уроков, сценическая практика до семи вечера. Я чувствовала, что воспитанники академии — дети избранные, и я была в их числе. Но, конечно, что такое путь Балерины, не могла себе представить.

— Балет влияет на характер?

— Он его формирует, поскольку появляется в жизни очень рано. Дети, по каким-то причинам отчисленные из хореографического училища, в выбранных профессиях оказываются успешными, отчасти благодаря балетному воспитанию, которое дает дисциплину, ответственность, закалку.

— Помню такой эпизод двенадцатилетней давности. Петербургские критики в антракте обсуждают гастролеров, и несколько раз звучит: «Наша Оленька делает это движение лучше». Оказывается, речь шла об ученице предвыпускного класса Ольге Смирновой. Кто заметил вас как танцовщицу незаурядную?

— Педагоги, конечно. Я училась в классе Людмилы Ковалевой, а это, говоря сегодняшними словами, «бренд». Очень много красоты, души вкладывала в нас и педагог по характерному танцу Елена Шерстнева — считаю, что она по-настоящему открыла для меня мир танца и сформировала трепетное отношение к профессии. По природе обладая лидерскими качествами, я всегда стремилась сделать движение лучше, стоять на центральной палке, что является почетным. Педагоги видели мою исполнительность, старательность и, конечно, ставили в пример другим, выстраивали экзаменационные уроки с упором на меня. А на выпуске Алтынай Асылмуратова, художественный руководитель академии, отрепетировала со мной красивейший номер Ролана Пети «Таис».

— Счастливо складывается ваша судьба: балетоманы окружали вниманием еще в школьные годы, в Большой сразу пришли на положение солистки, дебютировали ведущими и главными партиями, потом стали самой молодой примой театра. Последние годы репетируете все премьеры и практически везде выходите в первом составе. Быть первой — сложно?

— Я уже говорила, что стремление быть первой во мне заложено природой, но выстраивать роли этим нельзя, можно — индивидуальностью. Всегда помню наставления моего педагога в Большом Марины Викторовны Кондратьевой, которая поощряла индивидуальное прочтение ролей. Конечно, в рамках хореографического текста, но она учила меня не бояться быть собой и никого не копировать. А сама могла несколько раз показать одну и ту же комбинацию и каждый раз — с новыми нюансами.

— В вашем отношении к танцу, к профессии со времен ранней юности что-то изменилось?

— Спектакль — особенное событие, к которому настраиваешь свое тело и внутреннее состояние в процессе подготовки. Я всегда любила проводить время в зале, совершенствоваться, но со временем стала больше ценить спектакли и выходы на сцену. Ничто не заменит живого волнения, энергии зрителей, взаимодействия с оркестром, особенного чувства импровизации, которое возникает в удачных спектаклях, когда кажется, что тебя ведет какая-то сила. Никакая репетиция не дает таких ощущений.

Чувствую быстротечность времени. Педагоги всегда нам говорили, что профессия балерины короткая, поэтому даже с первого года в театре мне казалось, что терять время — непозволительная роскошь.

— Мысли о будущем привели вас в ГИТИС? Почему выбрали продюсерский факультет?

— Выбор стоял между педагогическим и продюсерским. С появлением проекта Postscript мне стало интересно, как зарождается проект, реализовывается и продолжает жить. Институт дает мне встречи с интересными людьми в области театрального дела, расширяет кругозор. Я знаю театр с точки зрения исполнительской, а с организационной стороны — только в общих чертах. Именно этому учит ГИТИС. Для меня сейчас самый подходящий момент получить теоретические знания и переложить на практический опыт. Конечно, учиться непросто, потому что нужно совмещать загруженность в театре с лекциями и экзаменами, но я не жалею о принятом решении. Если сложно, значит, не стоишь на месте, а продолжаешь осваивать новое.

— Вы танцевали в спектаклях лучших современных хореографов: Уильяма Форсайта, Джона Ноймайера, ЖанаКристофа Майо, Алексея Ратманского, Пола Лайтфута и Сол Леон и даже в «Забытой земле» Иржи Килиана. Какие они в ежедневной работе?

— Все разные — по пластике, по стилю, по философии, по работе с ними в зале. Для меня счастье следовать за хореографом, погружаться в его особенный мир, во Вселенную, заключенную в одном человеке. Мы же говорим о мэтрах, избранных хореографах, талантливых художниках, имеющих свое видение и способных ставить пронзительно и глубоко.

— Когда вы танцуете дуэт по мотивам «Идиота» или монолог Татьяны из «Онегина», то публика понимает, о чем речь — Достоевского и Пушкина все читали. А в программе Postscript в спектакле Макгрегора показалось, что
некоторое разочарование публики связано с непониманием.


— Постановка Макгрегора — бессюжетный спектакль, потому он предполагает мыслительную работу зрителей, рассчитывает на их фантазию, воображение, ассоциации. Помимо эффектного визуального ряда, в нем заложен смысл и есть развитие. Условно можно выделить три части: в первой — роботы в масках и шлемах, это бездушный космический образ. Здесь отсылка к появлению новейших технологий: голограммы, проекции, в нашем номере и музыка написана при участии искусственного интеллекта. Многих волнует вопрос: как будет выглядеть искусство будущего и сколько человеческого в нем останется и вообще — нужна ли человеческая энергия, если воспринимать искусство как развлечение, а не потребность души? Затем роботы снимают блестящие латы, на них остаются какие-то атрибуты животного мира, по пластике это все еще не люди, но уже живые существа. По тому, как перетекает музыка в моем соло, чувствую отсылку к водному миру, у моего партнера — грива на голове. А в финале эти странные существа тянутся друг к другу, у них есть потребность в исследовании друг друга. Это трогательный, красивый и чувственный дуэт — он уже больше человеческий и понятный. В нашем мини-спектакле есть своя философия, есть надежда на то, что настоящее, человеческое будет нужно даже в век новейших технологий с клонированным кордебалетом. Зачем нужны живые тридцать два лебедя, если можно клонировать одного человека и получить самый совершенный в мире кордебалет? За чем приходят зрители в театр: за живой энергией или компьютерными чудесами? Мы считаем, что человеческое должно победить, а искусство — продолжать развиваться.

— В вашей жизни много ограничений?

— По меркам человека, не связанного с балетом, наверное, да. Но так как все в моей жизни подчинено театру и моим спектаклям, то я не считаю это ограничениями. Со временем все жертвы становятся нормой жизни. А так как я люблю свою профессию, то получается, что все ограничения — мой сознательный выбор.

— Помню, однажды встретила вас на самокате...

— Такое передвижение в Москве — разумный способ избежать пробок. Места, где я бываю, находятся недалеко друг от друга, и на самокате я спокойно могу покрыть эти расстояния. Москва, кажется, стала предполагать наличие велосипеда или самоката с тех пор, как появились удобные и безопасные велодорожки. Жаль, что климат позволяет ими воспользоваться от силы четыре месяца в году.

— Питание, подсчет калорий, голодание — балетная форма требует жертв?

— Жутких мучений от диет в моей жизни не было благодаря счастливому от природы телосложению. Знаете, балет — это гармоничное, красивое искусство, и изможденный диетами танцовщик на пределе сил не сможет подарить красоту и осмысленность движений — не уверена, что зрители получат вдохновение от такого танца. Я пытаюсь правильно питаться — мышцам надо восстанавливаться, организм нуждается в подпитке — нагрузки у нас спортивные. К сожалению, в школе нас не учат, как себя поддерживать, как правильно питаться, чтобы давать телу необходимые для быстрого восстановления элементы, а это важная составляющая профессии. Музыканты же берегут свои инструменты. Наш инструмент — тело, и о нем надо заботиться.

— Расскажите, по каким принципам вы питаетесь?

— Они достаточно просты. Стараюсь, чтобы еда была сбалансированной, в рационе обязательно мясо, овощи, источник кальция — сыр, творог. Люблю сырники, могу позавтракать блинчиками с творогом. Плюс витаминные комплексы. Важно пить много воды, чтобы не нарушался водный баланс. Удивительно, но в школе, например, запрещали пить, ссылаясь на то, что тело будет отекшим. Я за создание балетной диетологии, чтобы уже в школе, особенно в переходный период, дети знали, как не навредить себе и при том не приобрести комплекс «ятолстая» на всю жизнь.

— По интернету гуляет ролик, где вы после травмы занимаетесь пилатесом. Увлечены этой системой движения?

— Пилатес — методика, созданная для восстановления спортсменов и танцовщиков после травм. Это его прямая направленность, но и в качестве профилактики от травм он нужен. Там есть упражнения, которые помогают разогреть тело или растянуть мышцы, быстрее восстановить его после нагрузки. Жалею, что встретилась с пилатесом, когда уже получила травму. Это то, что должны тоже преподавать в школе, как во всех европейских балетных школах и труппах. И нашему театру необходим профессионально оборудованный зал и инструктор.

— Раньше как-то обходились и без пилатеса?

— Раньше так много не танцевали. Сейчас артисты кордебалета почти каждый вечер выходят на сцену, премьеры в среднем каждую неделю, бывает и чаще, и мы еще совмещаем иногда подготовку классического и современного спектаклей — нагрузка колоссальная. Тело должно быть сильным и выносливым. Пилатес — умная система, помогает поддерживать здоровье.

— Не могу не задать вопрос о Петербурге и Москве. Девочку, которая оканчивает школу, ждут в Мариинском театре, а она уезжает в столицу. Как решились так радикально поменять город и оказаться одной в чужом мегаполисе?

— Конечно, выбор был сложный: мечта всех лет обучения — танцевать в Мариинском театре и перспективы, появлявшиеся в Большом. Тогда открывалась Историческая сцена после долгого ремонта, и наступило золотое время лучших хореографов, которые один за другим приезжали поставить или перенести спектакль. Это и ассистенты Баланчина и Крэнко, и Пьер Лакотт, Джон Ноймайер, Жан-Кристоф Майо. Фактически не нужно было самому уезжать за пределы театра, искать встреч, договариваться. Такой путь проделывала Диана Вишнёва, которая не хотела оставаться в диапазоне репертуара Мариинского. Меня всегда восхищало ее стремление к творческому поиску. В Большом такие интересные работы с талантливыми художниками, да еще в самом начале профессионального пути — огромнейшая удача и профессиональный рост.

---------------------------------------------------------------------------
Ольга СМИРНОВА — выпускница Вагановской академии. Сразу оказалась в Москве, дебютировала ведущими и главными партиями в Большом театре. Сегодня она лауреат приза Международной ассоциации деятелей хореографии Benois de la Danse, премии имени Леонида Мясина в категории «Танцовщица года, появившаяся на международной сцене» (Позитано, Италия), премии президента Российской Федерации для молодых деятелей культуры.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
.Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 24606
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Мар 27, 2022 7:26 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2022013202
Тема| Балет, Беларусь, Персоналии, Ольга Гайко
Автор| Беседовала Ольга Савицкая
Заголовок| Ольга Гайко: «Полагаюсь только на то, что проверено временем»
Где опубликовано| © Женский журнал «Город женщин» (Беларусь)
Дата публикации| 2022-01-08
Ссылка| https://gorodw.by/olga-gajko-polagayus-tolko-na-to-cho-provereno-vremenem/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Она – безусловная прима современного белорусского балета. Высокая, изящная красавица с яркими глазами и тихим голосом. Ее выступлений на сцене белорусского Большого театра с нетерпением ждут истинные балетоманы и восторженные поклонники. Одетта–Одиллия, Кармен, Жизель, Сильфида, Эсмеральда, Зарема, Тамар, Рогнеда – у нее десятки партий и ролей. Мы встретились с Ольгой Гайко сразу же после недавних гастролей во Франции.



– Ольга, несколько слов о твоих недавних гастролях: что за спектакль, что за героиня?

– Хореограф из Санкт-Петербурга Надежда Калинина представила спектакль «Болеро» по мотивам биографии балерины Иды Рубинштейн – живой, динамичный, яркий, эмоциональный балет, который оказался очень близок мне по пластике и энергетике. Давно себя так не ощущала в спектакле – для того чтобы исполнить партию легендарной Иды, надо было душу вывернуть наизнанку и перевоплотиться в страстную, вдохновенную женщину, влюбленную в танец.

В спектакле звучит потрясающая музыка разных композиторов. Постановка сильная по драматургии, поэтому я буквально прожила каждый из своих десяти спектаклей. Публика, в основном французы, принимала очень хорошо. И в Париже, и в других городах мы выходили на поклон по три-четыре раза.

– Театралы и балетоманы помнят тебя в культовых балетах «Спартак», «Ромео и Джульетта», «Тиль Уленшпигель».

– Я действительно исполняла партию Фригии в «Спартаке» – обожаю эти греческие и римские темы, эту атмосферу, пластику, прически. Но танцевала эту партию мало, Фригия мне представлялась вовсе не тихой и слабой, а, наоборот, – героической, с характером, со стержнем, чтобы поддерживать своего мужчину. Так же, как и Неле из «Тиля», в образ которой я постаралась привнести и свою индивидуальность.

Одной из моих любимых партий когда-то была Джульетта – у нас в спектакле очень хорошо раскрыт этот образ, путь от девочки к женщине, который интересно показать в актерском и драматургическом плане. Валентин Николаевич Елизарьев научил глубокому осмыслению роли и погружению в образ, помогал раскрыть мой потенциал. Были и другие роли.

Переломным для меня стал образ Абби в балете «Любовь под вязами», который поставил Юрий Пузаков. Мне приходилось себя преодолевать, создавая этот неоднозначный и сильный актерски образ. Героиня, конечно, хитра, но несчастна.

– На белорусской сцене ты работала с культовыми современными хореографами…

– Благодарю судьбу за то, что она меня свела с такими потрясающими мастерами. С Никитой Александровичем Долгушиным мы готовили балеты «Эсмеральда», «Сильфида», к сожалению, не успели сделать «Жизель». А Александра Тихомирова, тогда ассистент Никиты Александровича, отрабатывала со мной каждый шаг, нюанс, движение в «Эсмеральде».

Я получала колоссальное вдохновение от самого присутствия Мастера в зале, профессионала высочайшего класса, представляющего старую ленинградскую школу, от его подачи материала, от его отношения к солистам, к балеринам, от работы с ним – очень интеллигентным, добрым человеком. На каждую репетицию я бежала, летела, я благоговела от того, что имею возможность просто смотреть на легенду, на великого человека.

Во время репетиций с ним никогда не ощущала, что я чего-то не могу, не было никакого сомнения в своей индивидуальности, потому что он постоянно пытался раскрыть каждого танцовщика, убедить нас, что мы можем всё. Я очень сомневалась, подхожу ли для балета «Сильфида» по росту (я высоковата), образу, стилю. Но я влюбилась в этот балет, репетиции меня вдохновляли каждый день, и я поняла, что хочу и могу пробовать что-то новое. Никита Александрович давал эту уверенность.

Работа с Андрисом Лиепой также стала для меня настоящим открытием, глотком свежего воздуха. До встречи с ним я всегда ассоциировала себя с классической танцовщицей, потому что в основном танцевала классику – нежную, воздушную, возвышенную. Но в какой-то период хочется попытаться раскрыть себя по-новому, попробовать что-то другое. Именно работа с Андрисом над спектаклями «Шехеразада» и «Тамар» помогла мне открыть в себе какие-то другие актерские и пластические грани.

Партия Зобеиды, жены султана и возлюбленной Золотого Раба, в «Шехеразаде» давалась поначалу очень сложно, пластику я не чувствовала, поэтому понадобилась очень большая внутренняя работа. Я пересмотрела огромное количество видеозаписей с разными балеринами, изучила множество театральных эскизов и текстов… И в какой-то момент поняла, какой должна быть моя героиня. Я поняла также, что в первую очередь должна достать свою индивидуальность, а потом раскрасить ее, как того требует балетмейстер.


Балет «Бахчисарайский фонтан»

– После роли Заремы в «Бахчисарайском фонтане» восточная тема должна быть тебе очень знакома.

– Мне действительно близки восточные образы, но в спектаклях эпохи «Русских сезонов» начала прошлого века, которые реконструировал Андрис Лиепа на нашей сцене, пластика очень специфичная. В этих балетах классической танцовщице необходимо раскрепощать корпус, плечи, руки, шею, бедра.

– Близка ли тебе испанская героиня в балете «Лауренсия», который поставила на нашей сцене звезда мирового балета Нина Ананиашвили?

– В испанской теме тоже много страсти. Я человек эмоциональный, поэтому выразительные, темпераментные испанские танцы мне очень близки. Что касается Нины Ананиашвили, я росла на ее записях. Моя мама была влюблена в нее как в балерину и всегда говорила мне: «Смотри, Оля, какие у нее руки, как она двигается, как она танцует!»

Могу сказать, что Нина была моим кумиром, на которого я равнялась. Поэтому, когда она пришла в наш репетиционный зал первый раз, я была в полном восторге и не сразу поверила, что буду иметь счастье работать с великой балериной.

– Твоими педагогами стали и легенды белорусского балета Людмила Бржозовская и Ирина Савельева.

– С Людмилой Генриховной мы прошли очень большой путь в театре. Я бы сказала, что мы вместе росли: она – как педагог, я – как ее ученица. Она для меня является эталоном настоящей женщины, настоящего человека, очень тонкой, одухотворенной личности. Это близкий мне человек.

Ирина Николаевна Савельева преподавала у нас в хореографическом училище классический танец. Она была известной балериной в свое время, представительницей потрясающей ленинградской балетной школы. Вместе со мной у Ирины Николаевны учились Марина Вежновец и Ирина Еромкина. Мы все очень разные, потому что наш педагог смогла из каждой сделать индивидуальность.

Она вылепила нашу жизнь и нашу карьеру. Педагоги ведь дают не только профессиональные знания. Ирина Николаевна всегда хотела, чтобы мы обладали правильными человеческими качествами: справедливостью, честностью, упорством. Добивались успехов за счет сильного характера, но не подлостью. Сегодня Ирина Николаевна уже не преподает, но мы стараемся всегда быть в контакте с ней, приходим в гости, делимся с ней радостями и не только.

Да, меня окружали потрясающие мастера, благодаря которым я состоялась на сцене. Без ложной скромности, я не чувствую, что их подвела.

– Верно ли то, что в балете побеждает тот, кто умеет переступать через лень, обиды, «не хочу» и добиваться своего?

– В хореографическом училище мы смотрели в рот педагогу – она была богиней для нас. И не шла речь ни о каких обидах, не было никаких лишних эмоций. В голове была единственная цель: стать балериной. Шли к этому каждый день, впитывая каждое слово. Какие обиды? Только благодарность.

– Ты пришла в театр и практически сразу стала солисткой, начав танцевать ведущие партии, в том числе сложнейшую – Одетты–Одиллии в «Лебедином озере».

– Я пришла в театр в 1997 году, и сегодня, с высоты прожитых на сцене лет, могу сказать, что мне авансом дали шанс проявить себя, за это я очень благодарна и Валентину Николаевичу Елизарьеву, и Юрию Антоновичу Трояну. До этой роли надо все-таки дорасти. Для меня это было очень сложно, честно. В 18 лет это рановато и по технике, и по эмоциям.


Балет «Шехерезада»

– Почему не каждая балерина может танцевать Лебедя? Какие данные нужны для этой партии?

– Я могу сказать, что в наше время Одетту–Одиллию танцуют разные балерины. Но раньше были достаточно строгие каноны. Для того чтобы зрители поверили и почти увидели крылья, лебединую шею, балерине надо обладать определенными физическими данными, внешней фактурой: пластичными, длинными, гибкими руками, тонкой лебединой шеей. Но, с другой стороны, сегодня каждая танцовщица может попытаться себя раскрыть, сделав своего Лебедя.

– Образ Одетты–Одиллии тебя сопровождает на протяжении всей творческой карьеры. Ты о нем знаешь все? Кто тебе ближе: Белый Лебедь или Черный?

– Да, эта партия всегда рядом. Но, несмотря на то что танцую ее много лет, все равно каждый раз продумываю образ. Творческое осмысление произведения – бесконечный процесс, да и мы взрослеем, совершенствуемся, становимся мудрее. Честно говоря, мне одинаково близки обе героини. Иногда Одиллия мне нравится даже больше. Она – свободная женщина: сильная, яркая, страстная, искушающая.

А черная балетная пачка и перья в костюме добавляют образу магнетизма, тайны, загадочности. Танцевать на контрасте всегда интересно. У медали есть две стороны: иногда не понимаешь, где ты играешь, а где ты уже настоящая, где эта грань, разделяющая образ, который ты создаешь, и твою индивидуальность, которую в него вкладываешь и его дополняешь.

Всегда хочется не плоско воспринимать происходящее на сцене – белое или черное, а как-то раскрашивать, придавать глубину, нюансы, оттенки. С каждым годом я все больше убеждаюсь, что надо погружаться в эмоции в танце и стремиться дотронуться до тонких струн души, чтобы зритель это почувствовал, чтобы его зацепило.

– Как ты понимаешь, что тронула, зацепила зал? Не мешает «четвертая стена» между залом и сценой?

– Я это чувствую. Это очень сложно объяснить, но я уверена, что эта связь есть – между сценой и зрителем.

– В твоем репертуаре 36 ролей, судя по информации на театральном сайте. Среди них абсолютное большинство положительных героинь, гораздо меньше отрицательных, и есть несколько противоречивых характеров.

– Я не помню на самом деле, сколько у меня ролей. Но есть стойкое ощущение, что я чего-то не досказала, что мне надо многое сделать. Все роли действительно очень разные. В каждой партии надо перевоплощаться в зависимости от образа, эпохи, стиля, костюма – и это очень интересно. Что-то искать и доставать из себя.

Отношение к партии меняется в разные периоды жизни. Иногда ты стремишься самовыражаться в каких-то сложных, характерных, страстных партиях, а иногда хочешь покоя, положительных героинь и эмоций.

– Ты так жалеешь своих героинь? Что дают тебе отрицательные роли?

– Да, это правда. Я их жалею. Отрицательные роли мне были всегда интересны. Потому что на контрасте ты можешь испытывать себя в актерском плане, для этого каждую роль пытаешься сделать по максимуму убедительной, своей.

– Какая из твоих сегодняшних героинь близка и понятна тебе? Изольда, Кармен, Ядвига, Темный ангел?

– Кармен – просто женщина, она понятна. Мне кажется, таких женщин много и в наше время, и во все времена. Она, как ветер, переменчивая, неоднозначная, и холодная, и горячая, неуловимая. Я очень люблю Изольду (балет «Тристан и Изольда». – Прим. ред.) и партию Любимой в балете «Маленький принц», потому что интересно быть не только какой-то роковой, страстной героиней, но и лиричной, драматичной.

Мне также очень близки стиль Баланчина и небольшая роль Темного ангела в его балете «Серенада». Я люблю неоклассику, этот баланчиновский стиль, эту пластику, когда ты танцуешь просто музыку, без сюжета.

– А комические роли?

– У меня не было таких ролей. Да я и не чувствую потребности в них. Мне всегда надо показать нерв, драму. Хотя, может быть, это было бы интересно.

– Ты отказывалась когда-нибудь от ролей?

– Бывали партии, в которых я чувствовала себя некомфортно, и это было стопроцентно не мое. Выходила, может быть, один раз, и на этом все заканчивалось. Но это нормальная ситуация.

– Верно ли, что иногда артисты на сцене чувствуют себя комфортнее, чем в жизни?

– Интересно, что с самых первых своих выступлений, еще в училище, как только переступала сцену, я становилась другим человеком. У меня не было рамок, особого смущения, я открывалась – и для себя, и для зрителей. Хотя я была достаточно застенчива в школе.

– Стеснение у артистки?..

– Возможно, это зависит от воспитания.

– Ты трудоголик?

– Я могу сказать, что если бы не была трудоголиком и даже в некоторой степени фанатиком, то не пришла бы к своей цели. Конечно, у всех бывают моменты, когда тебе лень, когда не хочется что-то делать. Но без определенных качеств характера успехов бы не было.

– Жертвует ли чем-нибудь женщина ради профессии балерины?

– Мне много раз задавали такой вопрос. Но я не понимаю, что имеется в виду. Может быть, со стороны кажется, что мы многим жертвуем, но чем?

– Свободным временем, например…

– Здесь нет жертв, здесь есть осознанный выбор каждого человека. Если ты выбираешь путь ведущей балерины – это твой выбор, ты к нему идешь, ты ничем не жертвуешь, тебе все нравится. Значит, ты концентрируешься на этом, у тебя цель, я бы даже сказала пафосно, – миссия, что-то рассказать, донести людям. Если ты хочешь замуж, ты выходишь замуж. Если хочешь, то совмещаешь это все.

– Ты танцевала в театрах Франции и Италии, Германии и Испании, Голландии, Китая и других стран. Тебя приглашали работать за границей?

– Да, конечно, были возможности и хорошие предложения. Но я не представляю себя вне стен этого театра. Я «болею» этим театром и белорусским искусством. Было пару раз искушение уехать, но Минск, Беларусь перевесили.

– Похоже, ты фанат профессии, театра.

– Да, этого театра и этой профессии.

– Как ты относишься к критике?

– С годами – все проще. Естественно, мне нужна критика от людей, которых я уважаю, которым я доверяю безоговорочно, которые являются для меня авторитетом. Это и мои педагоги, и люди не из профессии. Конечно, это моя мама. Но у меня есть и свой большой профессиональный опыт, и собственное мнение.

Раньше критику воспринимала болезненно. Была такая дерзкая, эмоциональная, максималистка: я все могу, все умею. По молодости ведь считаешь себя просто гением. Сейчас – нет. Я надеюсь на мудрость, на опыт.

– Кто тебе вдохновляет? Как-то историк моды Александр Васильев, который делал эскизы костюмов к «Лауренсии», сказал, что Ольга Гайко могла бы сыграть в фильме Майю Плисецкую…

– Майя Плисецкая была эталоном для меня. Однажды я даже видела ее в Шереметьево, но не хватило духу к ней подойти, сейчас жалею об этом. Меня вдохновляют яркие индивидуальности, личности, сильные характеры со стержнем.

– Несколько лет назад юбилейная монета, посвященная 80-летию Большого театра, вышла с изображением народной артистки Беларуси Ольги Гайко. Какие были ощущения?

– Для меня это честь, и это не просто пафосные слова.

– Как мама относится к твоим наградам и регалиям?

– Абсолютно спокойно. Знаю, что она мной гордится, но мы не выражаем внешне сильных эмоций дома.

– Как ты расслабляешься после спектакля?

– Сплю, хожу в кино, пью кофе. Люблю живопись, получаю удовольствие от созерцания картин – при возможности посещаю музеи в поездках. Мне нравится чтение, особенно классика. Обожаю красивые духи. На сцене, конечно, парфюмерные запахи мешают дыханию, да и проявляются совершенно по-другому, а вне театра я не люблю спокойные, цветочные, свежие запахи, мне нравятся более восточные, чуть-чуть сладковатые.

– Соответствуют характеру?

– У меня есть восточные корни.

– Какие любишь цветы? Администраторы в театральном фойе рассказывают истории о поклонниках, приходящих на спектакли Гайко с охапками роз.

– Было такое, и это очень приятно. Раньше нравились розы. Но сейчас я по-другому ко всему отношусь – просто люблю цветы.

– Что из одежды ты носишь повседневно? Всегда при параде?

– Когда ты через день красишься для сцены, делаешь прически, «эмоционируешь», тревожишь свою нервную систему, то чаще всего днем или утром не хочется краситься и особо наряжаться. Конечно, на торжественные мероприятия стараюсь появляться во всей красе, но в повседневной жизни все очень просто: джинсы, свитер, минимум косметики.

Я не испытываю комплексов по этому поводу. Просто столько образов приходится примерять, что вне театра хочется просто быть собой.

– Нервозность, стресс – это часть актерской профессии?

– Думаю, да. Все связано с нашим внутренним состоянием, с тонкими гранями души. Ты же перевоплощаешься, переживаешь – профессия такая.

– Куда двигаешься? Какой твой жизненный маршрут сегодня?

– Это самый сложный вопрос, который мне можно задать. Сейчас я опять в поиске истины, себя – сложно ответить однозначно. Я пытаюсь осмыслить свой жизненный и профессиональный опыт, обогащаться духовно. И полагаюсь только на то, что проверено временем.

Фото: Слава Поталах, Михаил Нестеров, Василий Майсеенок
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4
Страница 4 из 4

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика