Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2022-01
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
.Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 24598
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Янв 06, 2022 9:55 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2022010601
Тема| Балет, , Персоналии, Андрис Лиепа
Автор| Корр. ТАСС Анастасия Силкина
Заголовок| Андрис Лиепа проведет юбилейный творческий вечер в Кремлевском дворце
На эту сцену он впервые вышел в возрасте девяти лет

Где опубликовано| © ТАСС
Дата публикации| 2022-01-06
Ссылка| https://tass.ru/kultura/13360337
Аннотация| творческий вечер

Народный артист России Андрис Лиепа в четверг встречает 60-летие в Ташкенте, где с 2019 года возглавляет балетную труппу Государственного академического Большого театра Узбекистана им. Алишера Навои. В феврале юбиляр вернется в Москву, чтобы провести творческий вечер на сцене Государственного Кремлевского дворца. О своих планах Лиепа рассказал ТАСС по телефону.

Лиепа традиционно в этот день отправлялся в храм - Воскресения Словущего в Брюсовом переулке в Москве или в Рождественский храм в Дивеево. "Здесь такая же история, - отметил Лиепа, говоря о праздновании юбилея. - В центре Ташкента есть Свято-Успенский собор, в котором проходит ночная служба. А 7 января уже соберу друзей. Ташкент очень богат на хорошие рестораны, вкусные места".

Поклонники и коллеги смогут поздравить юбиляра в Москве 28 февраля в Кремлевском дворце, на сцену которого он впервые вышел в возрасте девяти лет и считает ее по-настоящему родной. Гала-вечер получил название "6:0". "С одной стороны, это достаточно весомая дата. А с другой стороны, у артистов балета и режиссеров все связано с творческой востребованностью. Я очень рад, что последние три года работаю здесь, в Ташкенте", - поделился Лиепа.

Концерт пройдет в рамках большого проекта Лиепы "Автографы и имиджи".

"Никто лучше меня самого обо мне не расскажет, - заметил Лиепа, который также станет ведущим вечера. - Мне очень хотелось, чтобы приехали мои хорошие друзья. Из-за нового штамма [коронавируса] и ограничений вряд ли получится пригласить друзей из Америки, Великобритании, Австрии и Германии, но будут мои друзья из Большого театра России и Мариинского театра, где я работал, а также из Михайловского театра и, возможно, из театра Станиславского. Очень хочу привезти молодых талантливых артистов из Ташкента".

Заслуженная артистка Узбекистана Надира Хамраева исполнит балет "Жар-птица" Игоря Стравинского, молодые артисты ташкентской труппы подготовят номер "Настроение" на музыку Родиона Щедрина, который когда-то Лиепа танцевал с Ниной Ананиашвили. "Этот номер очень любила Майя Михайловна (Плисецкая), и Родион Константинович все время просил меня восстановить его", - рассказал артист. Также зрителей ждут фрагменты других балетов из репертуара Лиепы, фотовыставка и экспозиция костюмов артиста к разным спектаклям.

Часть билетов передадут подопечным фонда помощи хосписам "Вера".

От одного ГАБТа до другого

В 1980 году Лиепа окончил Московское академическое хореографическое училище (ныне Московская государственная академия хореографии) и поступил на работу в Государственный академический Большой театр. За восемь лет он воплотил на прославленной сцене роли Принца Щелкунчика в одноименной постановке и Принца Дезире в "Спящей красавице" Петра Чайковского, Альберта в "Жизели" Адольфа Адана, Курбского в "Иване Грозном" Сергея Прокофьева, Жана де Бриена в "Раймонде" Александра Глазунова, Бориса в "Золотом веке" Дмитрия Шостаковича.

"Как-то я позвонил своему папе Марису Лиепе и сказал, что мне очень хочется танцевать где-то, - вспоминает юбиляр. - Он меня спросил: "И куда ты хочешь поехать?" Я ответил: "Поеду куда угодно, лишь бы танцевать. Хоть в Ташкент уеду". И знаете, когда я здесь оказался через 30 лет, то понял, что мысли материальны. Когда я приехал в Ташкент, меня спросили: "Как вам в нашем театре?" И я ответил, что чувствую себя как дома, ведь архитектором здания театра имени Алишера Навои был Алексей Щусев, который также построил дом, где мы живем в Москве".

Между двумя ГАБТ также были сотрудничество с балетной труппой "Нью-Йорк сити балле", Американским театром балета, выступления в "Ла Скала" в Италии и "Гранд-опера" во Франции, работа с Мариинским театром в Санкт-Петербурге в качестве приглашенного солиста балета и оперного режиссера, постановки с театром "Кремлевский балет", детских новогодних елок и балов, эстрадных концертов для "Хора Турецкого", Михаила Шуфутинского, Тамары Гвердцители и других.

Связь поколений

В Ташкенте Лиепа уже поставил пять балетов. "Есть талантливые композиторы, приносят свою музыку, и мы планируем ставить балеты на музыку узбекских композиторов, - рассказал главный балетмейстер. - Когда я занялся проектом "Русские сезоны XXI века", изучал, как работал Сергей Дягилев, как получалось так, что с ним были лучшие композиторы, художники, хореографы. Надо иметь дар интуиции, основанный на образовании, на знании нового, необычного. И я уверен, что композиторам надо давать возможность экспериментировать".

В ближайших же планах - перенести на сцену театра им. Алишера Навои спектакль "Спартак" Юрия Григоровича, которая несет особый смысл для Лиепы.

"Так получилось, что когда мой отец в последний раз танцевал Красса, я танцевал в кордебалете. Это было для меня очень важным. Поэтому я хочу, чтобы этот спектакль был поставлен здесь, в театре Алишера Навои", - признался он.

Сегодня Лиепа в одном лице и режиссер, и продюсер, и педагог. "Меня всегда вдохновляет умение и желание работать. Думаю, что отец передал нам с Илзе понимание того, что если человек хочет чего-то добиться, он должен уметь работать. Когда-то папа говорил: "Ребятки, если вы научитесь работать, вы не можете представить себе, какая интересная будет у вас жизнь". Все так: действительно, жизнь потрясающая, интересная, богатая на события", - говорит юбиляр.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
.Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 24598
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Янв 06, 2022 1:17 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2022010602
Тема| Балет, , Персоналии, Андрис Лиепа
Автор| Ольга Шаблинская
Заголовок| «Мне стало тесно в Большом». Андрис Лиепа – о правильном выборе
Где опубликовано| © «АиФ.ru»
Дата публикации| 2022-01-06
Ссылка| https://aif.ru/culture/person/mne_stalo_tesno_v_bolshom_andris_liepa_o_pravilnom_vybore
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Андрис Лиепа. / Владимир Трефилов / РИА Новости

Он с детства знал, что балет – это не только волшебство полёта на сцене, но и тяжкий труд. Знал, какой ценой достаётся лёгкость пируэтов и восторг публики. Ведь его отцом был знаменитый балетный танцовщик Марис Лиепа, а мама – актриса. Родители не настаивали на том, чтобы Андрис пошёл по стопам отца. Этот выбор он сделал самостоятельно.

6 января Народный артист РФ Андрис Лиепа отмечает юбилей. В преддверии его дня рождения мы публикуем воспоминания известного танцовщика и режиссера, продюсера.

«Отец аскетом не был»

Ольга Шаблинская, «АиФ.ru»: Андрис, зрители видели в вашем отце бога танца. А вы его запомнили каким?

Андрис Лиепа
: Человеком с очень богатым внутренним миром. Папа собирал коллекцию, посвященную «Русским сезонам» Дягилева, и этим повлиял на мою дальнейшую жизнь. Многое, что я потом делал, чем до сих пор пользуюсь в творчестве - всё это было в нашей дрмашней коллекции. Как-то на телеканале «Культура» мы говорили о Баксте. И я, чтобы поддержать разговор, принес эскиз Бакста, который висит у нас дома. Это оригинал «Спящей красавицы». В 1921 году Дягилев решил возобновить эту легендарную постановку Мариинского театра, для оркестровки он привлек Игоря Стравинского, а для создания костюмов и декораций - легендарного художника Льва Бакста.

Есть дома и фотография Нижинского с самой Тамарой Карсавиной. Легендарная балерина подписала её папе: «Дорогому Марису Лиепе от Тамары Карсавиной». Все в доме является частью нашей с Илзе жизни. Мы открыли фонд имени отца и продолжаем делать то, что он делал, заниматься благотворительностью, ставить новые спектакли, восстанавливаь старые. Причем отец не заставлял нас с Илзе заниматься творчеством. Он сам был образцом, с которого хотелось брать пример.

- А в обычной жизни Марис Лиепа был каким?

- Очень веселый. Есть мнение, что артисты ведут аскетичный образ жизни. Это не так. Отец водил нас с Илзе на выходных в пончиковую. Это было незабываемо вкусно. Дома он не был, конечно, никаким шеф-поваром, но обычные блюда старался приготовить необычно. Например, пельмени он жарил. А ещё он очень любил овсянку с утра и приучил и меня, и Илзе каждый день есть эту кашу.

Также отец очень трепетно относился к спорту. Это он подарил мне первый скейт.

«Наш балет – сильнейший»

- Россия всегда гордилась своим балетом. А сегодня мы по-прежнему лучшие.


- Уверен, что да. Хотя, возможно, у меня найдутся противники, мол, в Европе тоже балет сильный. Но я работал во всем мире - и во Франции, и в Италии, и в Америке. И, поверьте мне. каждый раз я понимал, что все-таки русский балет - сильнейший. С нашей школой я мог работать в любом театре мира. Но Большой и Мариинский – два главенствующих театра в моей жизни. Мой 8-летний рабочий период на сцене Мариинского театра ставил огромный след в моей жизни. Не говоря уже о Большом.

- А почему, кстати, вы ушли в свое время из Большого?

- Мой отец когда-то сказал, приехав в Москву: «Я буду танцевать принца Зигфрида в Большом театре». И он свою мечту осуществил. Иногда ввиду своей молодости я не мог в творчестве сделать всё так, как хотел. Но проходило время, 3-4 года, и я доводил свою роль-мечту, которую хотел осуществить, до реализации. Я мечтал станцевать в Большом театре ведущие роли. Я их станцевал. Но… За 9 лет службы в Большом я станцевал в «Лебедином» всего 7 раз. Когда мне стало тесно в Большом, я пошёл в другие театры и стал солистом во многих известных труппах мира – «Ла Скала», «Гранд-опера», «Балле де Бежар». Танцевал и Баланчина в «Нью-йорк сити балет», и очень много работал с современными хореографами. Например, в «Ромео и Джульетте» с Мак Милланом. Мак Миллан был тогда вторым содиректором Americanballetteather. И, когда этот спектакль шел на сцене Метрополитен, я с огромным успехом его танцевал. Поэтому сегодня, когда я ставлю спектакли, то использую, творчески переосмысливая, лучшее из всего, что я в своей жизни увидел.

«Тело – это инструмент»

- Расскажите, пожалуйста, о вашей работе с великим Михаилом Барышниковым.


- Миша специально поставил на меня «Лебединое озеро», за один сезон я вышел на сцену порядка 40 раз. Постановка была очень интересная. Могу сказать, что это один из самых запоминающихся вариантов. Поверьте, я знаю, о чём говорю, так как в своей жизни станцевал этот балет в нескольких вариантах, в том числе «Лебедином» Нуриева. Это было очень престижно, что на меня поставил новый спектакль сам Барышников. С Мишей мы репетировал ещё и «Шопениану». Он мне сам много показывал.

Но, где бы я ни работал, Кремлевский дворец всегда оставался частью моей жизни. Потому что впервые на сцену Кремлевского дворца я вышел в возрасте 9 лет. Это был 1971 год, балет «Школьный двор» Московского академического хореографического училища. И с тех пор на Кремлевской сцене было множество спектаклей. Я впервые с Ниной Ананиашвили станцевал «Коппелию». Потом там же прошла премьера балета «Моцарт и Сальери». Потом впервые «Жизель», которую уже после танцевал на сцене Большого. Далее была премьера "Макбета", "Золушки" Васильева с Екатериной Сергеевной Максимовой… А потом - 12 спектаклей из "Русских сезонов". И "Синий Бог", и "Шахерезада", и "Половецкие пляски". Плюм "Болеро", "Видение розы". Всё проходило на сцене Кремлевского дворца.

- Артисты балета говорят, что если ничего не болит, значит, ты умер...

- Я знаю, что такое травмы, на собственном опыте. Лучше вылежаться, вылечиться, выйти и станцевать хороший спектакль в хорошей форме. Этого же я требую и от артистов. Тело - это инструмент. И нужно обходиться с ним, как с хорошей машиной.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
.Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 24598
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Янв 11, 2022 1:00 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2022011101
Тема| Балет, фестиваль "Золотая Маска", Театр оперы и балета, Пермь, Персоналии, АНТОН ПИМОНОВ
Автор| Арина Ильина
Заголовок| АНТОН ПИМОНОВ
"ОЗОРНЫЕ ПЕСНИ" (ОЗОРНЫЕ ПЕСНИ/КОГДА ПАДАЛ СНЕГ/КОНЦЕРТ №5), ТЕАТР ОПЕРЫ И БАЛЕТА ИМ. П. ЧАЙКОВСКОГО, ПЕРМЬ

Где опубликовано| © Maskbook – интернет-ресурс Фестиваля «Золотая Маска»
Дата публикации| 2022-01-10
Ссылка| http://maskbook.ru/anton-pimonov/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Театр «Новая Опера», 11 января, 19.00

Антон Пимонов — о том, насколько балет понятен и доступен широкому зрителю, о возможностях пермской труппы, как нужно слушать музыку, чтобы поставить балет, и почему важно иронизировать.



# Антон Пимонов
# Балет/современный танец
# Балетмейстер-хореограф
# Озорные песни


О работе в Перми

Пока я изучала материалы, мимо меня не прошло ваше категоричное высказывание, что балет – искусство не для всех. Как работается с таким убеждением? Не угнетает?


Это шаткое утверждение. Я бы сказал, что это вопрос, который всё время видоизменяется. Ответ на него тоже всегда меняется, и взгляд на балет тоже. Скажем так, с одной стороны, мне это утверждение помогает, с другой стороны, оно меня дисциплинирует. Вроде бы балет — искусство всем понятное. Все его любят, посещают и почитают. С другой стороны, по-настоящему понятное не всем и не всегда. Поэтому нужно его сделать таким, чтобы было интересно смотреть. Четкого ответа у меня сейчас нет. Это скорее размышление, которое может меняться. Мы сегодня не знаем, насколько балет доступен или не доступен, и что с ним сегодня делать.

Тогда кто ваш зритель?

В Перми это, с одной стороны, простой горожанин, который приходит провести вечер в театре, а с другой стороны, это заядлый театрал, который следит за всем. Разные категории зрителей. Но такова и наша задача – привлекать как можно больше разносторонней публики, чтобы балетное искусство оставалось востребованным. Я к тому, что наша задача не закрываться, а как можно больше привлекать людей, доступным языком показывать то ремесло, которым мы занимаемся.

Вы руководите балетной труппой пермского театра уже полтора года. Дает ли вам работа в Перми что-то, чего вам не хватало в Петербурге?

Каждый театр по-своему уникален. В своё время я работал в Мариинском театре, у меня там был опыт как артиста, так и постановщика. Пермский театр оперы и балета – уникальный театр с богатыми традициями, с талантливой труппой, талантливыми танцовщиками, которые позволяют развернуться в более свободном ключе. Что я имею в виду? Можно идти на подвиги, на риск с этими артистами. Труппа открыта для этого. И зритель всегда жадно ждёт новые работы, меня это радует. Консерваторы всегда были и есть, но сегодня я с уверенностью могу сказать, что с пермской труппой можно показывать не только классические канонические спектакли (это никуда не денется, это традиции), но пробовать что-то новое, показывать зрителю, что мы открытые, смелые в своих начинаниях и проектах. Маневр для смелых постановок там есть.

Исследовать танец

«Озорные песни» основаны на вокальном цикле Пуленка. В центр композиции вы заложили не то, о чем поёт исполнитель, а ритм, в котором звучит выбранная музыка. Почему вы решили смотреть на танец под таким углом?


Когда я приступаю к постановочному процессу в любом спектакле, всегда отталкиваюсь от музыкального материала. Мне надо прочувствовать, даёт ли он импульс для того, чтобы создавать танец. Это важный момент. Сначала я включаю музыку в наушниках, и надо очень чутко слушать себя, свой мозг, свою интуицию, чтобы понять, насколько точно ты можешь передать настроение музыкального материала и справишься ли с этой музыкой, создавая танец. Нужно немножко уйти в себя, и тогда уже рождается то или иное произведение. У меня это происходит на тонком интуитивном уровне.

Соединение мелодики слова и языка танца тянет на целое лингвистическое исследование. Как вам кажется, можно ли применять слово «исследование», говоря о балете? Ведь исследование — это процесс, а зрителю показывают результат.

Да, мне даже нравится использовать слово «исследование». Это определенный путь, который ты проходишь от и до. Создавая тот или иной спектакль или материал, ты всё равно в первую очередь изучаешь себя, танцовщиков, труппу, смотришь, как они на всё реагируют, как отзываются их тела. «Исследование» очень правильно подходит к этому процессу. И мне нравится, когда премьерный спектакль уже состоялся, и ты потом анализируешь, что можно было бы изменить, что можно было бы доделать или поменять. Для меня спектакль это не конечный продукт, ведь он потом живет своей жизнью, обрастает мышцами, грубо говоря. Ты уже смотришь на него как на отдельное произведение и начинаешь что-то привносить или убирать.

Пермская труппа давно танцует произведения Баланчина, автора знаменитого высказывания «Видеть музыку, слышать танец». Вы ставите перед артистами какие-то новые задачи в работе с музыкой?

Я пытаюсь рассказывать, как я слышу тот или иной музыкальный фрагмент, в каком настроении это звучит, в каком настроении и с какими эмоциями это надо вложить в тело. Понятно, что «Озорные песни» не нарративная история, тут преобладают ритм и настроения, которые создают эмоциональный узор на сцене. И всё равно для артистов это была необычная история. Они были удивлены, когда мы начали работать над этим спектаклем. Потом пазл сложился, и у них появилась уверенность. Я видел, что они уже понимают, что они танцуют, как они танцуют, с какими эмоциями. Это произведение больше про артистов, а не про какого-то вымышленного персонажа, и танец поставлен на них самих с их личной харизмой.

О традициях и необходимости иронии

В названиях ваших последних работ часто звучит что-то весёлое: Brahms Party, «Озорные песни». Значит ли это, что вам надоели страдания и драма в балете?


Cколько можно страдать? (Смеётся.) Наверно, это правда. Мы уже много настрадались, грустных спектаклей много. Видимо, это моя ирония. Ни в коем случае не издевательская шутка, а добрая ирония над тем, чем мы занимаемся. Конечно, мы всё делаем с полной ответственностью и с полной серьёзностью. Но если ты можешь себе позволить над чем-то иронизировать в рамках дозволенного, это только украшает и привносит правильную нотку, настроение всего спектакля. Я люблю иронизировать, но точечно. Где-то вкрапляю иронию и над собой тоже. Я себе позволяю это делать.

Как считаете, ваши работы строятся на продолжении традиций? Или вы хотите трансформировать танец, чтобы он смотрелся современнее?

У меня все спектакли построены на классической базе языка танца. Я честно скажу, у меня нет задачи бросать вызов классическому танцу, но если с моей стороны привносится что-то новое и авторское, то это только прекрасно. И, наверно, это значит, мы на правильном пути и делаем правильные вещи, которые интересны и зрителям, и танцовщикам.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
.Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 24598
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Янв 11, 2022 3:00 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2022011102
Тема| Балет, , Персоналии, Рудольф Нуреев
Автор| Нина ЖИЛЕНКО
Заголовок| «Ты хочешь быть бессмертным, мировым? Промчись, как гром, с пожаром и с дождями»
Где опубликовано| © «Вечерняя Уфа»
Дата публикации| 2022-01-11
Ссылка| http://vechufa.ru/culture/22148-ty-hochesh-byt-bessmertnym-mirovym-promchis-kak-grom-s-pozharom-i-s-dozhdyami.html
Аннотация| Памяти Нуреева



В свое время в интервью с Юрием Николаевичем Григоровичем я спросила:
- Вы хорошо знали Рудольфа, дружили с ним. В чем загадка его магии?
- Никакой загадки нет, – ответил Маэстро, – просто он уникален. Прежде всего, удивительный, необыкновенный, талантливый танцовщик. Потом – самобытный темперамент, кровь яркая, зажигательная, восточная. Он был неглупым человеком, интересовался искусством, любил живопись, знал много. Характер, конечно, непростой. Его могли, как лекарство, принимать или не принимать, но он был, несомненно, незаурядной личностью.


Проходят уже десятилетия, а имя Нуреева, его творчество, личность, судьба по-прежнему волнуют, притягивают. Почему? В чем его феномен? Многие, даже из тех, кто хорошо знал Рудольфа Хамитовича, дружил, работал с ним, не могут объяснить и в один голос заявляют: «Это невозможно! Потому что Нуреев – из области чуда. Непостижимого».

Он всегда, еще в детстве, знал, что станет известным. Его не понимали, над ним посмеивались, а он говорил: «Вы еще услышите обо мне!»

Однажды (как рассказывал его друг Альберт Арсланов) он прочитал стихотворение Константина Бальмонта «Вечерний час». Его потрясли строчки:

Миры, века — насыщены страстями.
Ты хочешь быть бессмертным,
мировым?
Промчись, как гром,
с пожаром и с дождями.
Восторжествуй над мёртвым
и живым,
Люби себя — бездонно, ненасытно,
Пусть будет символ твой —
огонь и дым.
В борьбе стихий
содружество их слитно,
Соедини их двойственность в себе,
И будет тень твоя в веках гранитна.
...............




И сладко знать, что ты
как звон мгновенья,
Что ты живёшь, но ты ничей, ничей.


Он сказал: «Это про меня». И сделал стихи своим девизом.

И он действительно так промчался по жизни – «как гром, с пожаром и дождями», «как звон мгновенья», оставив потомкам удел вечно терзаться разгадками его тайн и загадок.
Парадокс в том, что мы, даже земляки Нуреева, по-настоящему стали узнавать танцовщика только после его кончины. Ведь раньше имя его нельзя было произносить вслух, и мы не представляли себе истинных масштабов славы, творчества, самой личности Рудольфа Нуреева.

Меня спрашивают, почему я прикипела к нуреевской теме. Наверное, потому что магнетическую силу этого человека чувствуешь даже заочно. С первого прикосновения к удивительной судьбе я испытала боль в сердце. Ведь несмотря на мировую славу, он был страшно одинок, в его жизни много истинно трагичных эпизодов. И для меня Рудольф Нуреев вовсе не прилизанный, причесанный, идеализированный образ кумира. Это человек во всем многообразии страстей, противоречий, ошибок. Но прежде всего яркая индивидуальность в искусстве, мощный талант, так счастливо реализованный. Не случайно весь мир называет его гением, богом танца, великим танцовщиком столетия.
Я благодарна людям, чьи рассказы оживили для меня (и я старалась это передать в своих публикациях) почти мифический образ Рудика, Рудольфа, Руди…

Это незабвенные Фирдаус Нафикова и Майя Тагирова, которые в ночь наступающего 1967 года шепотом рассказывали мне, какой талантливый был танцовщик в их труппе, как блистал на сцене Кировского театра и как в парижском аэропорту Ле Бурже он перепрыгнул парапет и попросил у Франции политического убежища, а сейчас вроде бы танцует в Англии…

Зайтуна Агзамовна Насретдинова вспоминала, как она ходила в Министерство культуры хлопотать о стипендии для Рудика, чтобы он мог спокойно учиться в Ленинграде, а во время каникул Рудик любил бывать у них дома, а они с Халяфом Гатеевичем Сафиуллиным угощали его пельменями…

Зуля Байрамгулова (Зульфира Халиковна Шамсутдинова) приводила десятки подробностей о том, как они занимались в Доме учителя у Анны Ивановны Удальцовой, как опытная балерина-педагог сразу определила талант десятилетнего Рудика и заявила: «Это будущий гений!»

В 1989 году, когда Рудольф приехал в Ленинград танцевать в «Сильфиде», Зульфира дозвонилась в гостиницу, где он остановился, и попросила позвать к телефону. Ей ответили: «Это невозможно! И вообще, у него в настоящий момент массаж». «А вы скажите, что это Зуля из Уфы!» – не сдавалась подружка. И Рудольф взял трубку! И они несколько минут говорили…

В мае 1992 года композитор Лейла Исмагилова, узнав, что Нуреев приезжает на балетный фестиваль в Казань, помчалась туда, добилась встречи. Они сидели с Рудольфом в машине и слушали аудиозаписи фрагментов ее балета «Ходжа Насреддин». Он заинтересовался, обмолвился о возможных постановках в Стамбуле и Неаполе… Кто знает, что могло бы получиться… Но через полгода Нуреева не стало…

Парижанка Жанна Оди-Ролан в 2001 году приехала за свой счет в Уфу на Нуреевский фестиваль, чтобы подышать воздухом кумира, посмотреть его родной город и сцену, где он сделал первые шаги в творчестве. Даже моего скудного знания французского языка хватило, чтобы понять, насколько мадам Жанна боготворит танцовщика и с какой радостью она восстановила купленный ею дом Нуреева на острове Сен-Бартелеми в Карибском море…

Интересно, что Нуреев «продолжает знакомить» меня с интереснейшими людьми. Во время Нуреевского фестиваля я подружилась с удивительной женщиной – Любовью Петровной Мясниковой. Это их семья душевно согревала Рудика (для них он так и остался Рудиком) во время учебы в Ленинграде. В этой семье Нуреев, приехав из Казани, где он выступал с оркестром местной филармонии, отметил свой последний день рождения – 17 марта 1992 года. На следующий день Любовь Петровна проводила его, совсем больного, чуть ли не до самого самолета, пробивая таможенные и административные заслоны, созваниваясь с парижской подругой Рудольфа Дус Франсуа, чтобы та встретила его тоже у трапа…



Сколько знакомств с артистами, звездами российского и мирового балета, участниками Нуреевских фестивалей!

А вот еще интереснейший малоизвестный факт. Клара Габдрахмановна Тухватуллина, бывший министр культуры республики, рассказала, как она, в то время секретарь обкома комсомола, получила задание от первого секретаря обкома партии Зии Нуриевича Нуриева поехать в Ленинград и уговорить Рудольфа Нуреева вернуться в родной город. Она встретилась с танцовщиком – это было примерно за полгода до его знаменитого побега, сулила от имени руководства республики различные блага, решение всех проблем, но… На «боевом счету» Клары Тухватуллиной это стало единственным невыполненным заданием…

В феврале 1995 года в Казани проходили Шаляпинские чтения, мы с Галиной Александровной Бельской были делегированы. Параллельно с Чтениями в музее Максима Горького в Татарском театре оперы и балета проходил фестиваль оперного искусства имени Федора Шаляпина. Попасть на его спектакли было трудно даже официальным участникам шаляпинских мероприятий (конечно, кроме внучек Горького Дарьи и Марфы Пешковых, которые были почетными гостями). Но благодаря Альфии Тутаевой, энергичному, обаятельному председателю Татарского отделения Шаляпинского центра, мы не остались за бортом, имели счастье прослушать оперы «Летучий голландец» Рихарда Вагнера и «Риголетто» Джузеппе Верди. В антракте одного из спектаклей мы познакомились с Владимиром Кираджиевым, венским дирижером, одним из первых наставников Рудольфа по новой профессии. Мне посчастливилось взять у него интервью. Владимир раскрыл совершенно не известную мне раньше грань творчества Нуреева – дирижирование.

Танцовщик чувствовал приближение заката, но без сцены не мыслил себе жизни. Мимолетная встреча с Гербертом фон Караяном родила мысль о работе дирижером. После традиционного обмена приветствиями Рудольф посетовал на недолговечность профессии танцовщика. Караян в ответ сказал:

- А вы идите в дирижеры – они долго живут!

Великий маэстро, вероятно, пошутил, но Нуреев воспринял совет всерьез. Он хотел долго жить и умереть прямо на сцене. Готов был ухватиться за соломинку, лишь бы она связывала его с театром, музыкой, творчеством. Профессия дирижера стала для него целью, которой он должен достичь вопреки всему. Это был третий и самый мучительный путь Рудольфа на Голгофу (предыдущие два, по его собственному признанию, – танец и хореография).

«Когда Нуреев решил заняться дирижированием, – рассказывал Владимир Кираджиев, – ему посоветовали обратиться ко мне, моему оркестру. Мы стали репетировать, он взял несколько уроков у профессора Венской консерватории, начал выступать. Здесь же, в Вене, в июне 1991 года Нуреев впервые встал за дирижерский пульт. Дал два концерта во Дворце музыки Пале-Аусберг. В репертуаре – произведения любимых композиторов: «Аполлон Мусагет» Стравинского, «Серенада» Чайковского, симфония Гайдна «Охота», два концерта Моцарта, Третья симфония Бетховена, Первая симфония Прокофьева…
Ему пришлось неимоверно трудно, ведь у него не было музыкального образования. Он не умел читать партитуру, все делал по слуху, по памяти. Потому иногда получалось, что не он управляет оркестром, а оркестр ведет его. Критики очень строго отнеслись к опытам Нуреева. Если прямо сказать, не приняли его как профессионала. Я думаю, не каждый великий мастер может выступать в другом амплуа так же гениально. Несомненно, Нуреев был особенной личностью, и он стал бы хорошим дирижером, если бы вовремя начал заниматься этим. Он уже не имел времени и сил научиться, был болен и не мог сосредоточиться более чем на полчаса.

С моим коллективом он выступал во Франции, Венгрии, Америке – дирижировал «Ромео и Джульеттой» Прокофьева. Я сопровождал его в поездках в Италию, Грецию, Францию, Россию и многое узнал о нем. Характер у него был ужасный, скандалил все время. Считал, что все должны воспринимать его как «супер». Это он любил и раздражался, когда ему уделяли недостаточно внимания, не высказывали восхищения».
И все-таки без танца он не мог жить.

В начале сентября 1992 года, несмотря на недавнее обострение болезни, приступил к постановке балета Людвига Минкуса «Баядерка» в «Гранд-опера». Репетиции проводил сидя в шезлонге, иногда уже ночью его отвозили в больницу.

Премьера «Баядерки» 8 октября стала последним триумфом Рудольфа Нуреева. Он собирался сам стоять у дирижерского пульта, но силы покинули его. За спектаклем наблюдал, примостившись на диванчике в ложе у авансцены. Рядом сидели специально приглашенные им Нинель Кургапкина и Юрий Григорович. Все трое некогда танцевали в этом балете на сцене Кировского театра.

После спектакля Лоран Илер и Сильви Гиллем, поддерживая с двух сторон обессиленного болезнью Нуреева, помогли ему подняться на сцену. Зал стоя аплодировал, а министр культуры Франции Жак Ланг вручил ему регалии Командора искусств и литературы.

Меня потрясли, когда впервые прочитала, и потрясают теперь лаконичностью и точностью слова Мишеля Канези, друга и личного врача танцовщика, из интервью газете «Фигаро»:

- Нуреев много видел и испытал на своем веку: нищету, коммунизм и его падение, славу, богатство и, наконец, СПИД. В каком-то смысле артист был олицетворением второй половины XX столетия. Он доказал, что вопреки смертельной болезни можно продолжать заниматься творчеством и создавать шедевры. Рудольф был счастлив до самой последней минуты и любил повторять: «Как хорошо жить!»

Рудольф Нуреев ушел из жизни
6 января 1993 года...

Нина ЖИЛЕНКО.
Фото из архива автора.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
.Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 24598
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Янв 11, 2022 6:07 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2022011103
Тема| Балет, БТ, Юбилей, Персоналии, Юрий Григорович
Автор| Павел Родинов
Заголовок| В балете - никакой халтуры
Где опубликовано| © «Союзное Вече». номер 60 (1000)
Дата публикации| 2022-01-11
Ссылка| https://souzveche.ru/articles/culture/61312/
Аннотация| Юбилей

Знаменитому хореографу Юрию Григоровичу исполнилось 95 лет. Его хореография «Щелкунчика» - самая популярная из всех версий


ФОТО: Александр Макаров/РИА Новости

ЧЕЛОВЕК С СОЛНЕЧНЫМИ ГЕНАМИ

Больше шестидесяти лет его называют великим балетмейстером, который перевернул представление о классике.

Он родился в ночь с 1 на 2 января. В его крови есть солнечные гены: дед, Альфред Розай, еще до революции приехал из Италии в заснеженный Петербург и женился на русской девушке, работал в царских конюшнях. После революции как специалист по лошадям поступил в цирк Чинизелли, часто брал маленького внука за кулисы. Там будущий балетмейстер увидел, какие невероятные вещи творят акробаты, наездники и другие артисты, на какие чудеса способно человеческое тело. «Помню запах арены и до сих пор люблю цирк», - вспоминает Юрий Григорович. - В цирке - никакой халтуры, как и в балете».

А родной брат его мамы, Георгий Розай, стал танцовщиком Мариинского театра.

Так что маленький Юра был хорошо знаком с балетным миром, поэтому не сопротивлялся, когда мама отвела его в балетное училище.

«Я - ТАНЦОВЩИК»

Свой первый спектакль «Аистенок», с юными артистами детской хореографической студии при ДК имени Горького, он поставил в девятнадцать лет. Речь в постановке шла о том,

как в Африке белые колонизаторы угнетают негров, а маленький аистенок, прилетевший на зимовку из далекой России, защитил их и сплотил на борьбу всех местных зверей и птиц.

Когда до актерской пенсии оставалось два года, в театре освободилась ставка балетмейстера. А совмещать две работы в те годы не разрешалось. Юрий Николаевич выбрал режиссуру. Но если ставит спектакль, сам показывает артистам движения - не признает, когда руководят сидя в кресле.

«Я же все-таки танцовщик», - смеется он.

СЛОМАЛ СТЕРЕОТИПЫ

Однажды Григорович предложил руководству Мариинского театра создать спектакль «Каменный цветок» на композицию Сергея Прокофьева.

«Услышал эту музыку и сразу влюбился в нее», - вспоминал Юрий Григорович.

Балет произвел фурор, его назвали поворотным в развитии русской школы, а самого Григоровича - новатором. Он сломал стереотипы.

Казалось бы, что нового можно придумать в балете? Выучил роль - и вперед, на сцену к зрителям. Но если посмотреть балетные записи советских времен до прихода в режиссуру Григоровича, сразу видна разница. В 1930 - 1950-е годы был такой термин - хореобалет, или драмбалет. Это постановки, в которых артисты разыгрывают сценки без слов и время от времени танцуют. Юрий Григорович первым создал совершенно другой спектакль, во время которого все артисты танцуют от начала и до конца. Он соединил невероятно сложную технику, отточенную пластику, эмоции, вызывающие ответные чувства у зрителей, гениальную режиссуру. Все вместе производит магический эффект.

Шесть лет назад «Каменный цветок» возобновили на сцене Мариинки.

Все его спектакли - долгожители. «Спящую красавицу» он поставил в Большом театре в 1963 году. Спектакль стал визитной карточкой Большого театра, побывав на гастролях 96 раз. После премьеры его пригласили остаться в Большом главным балетмейстером, где он и задержался на тридцать лет. К слову, в «Спящей красавице» танцевала Наталия Бессмертнова, которая стала его женой. Балерине предрекали, что Григорович бросит ее через год, но супруги прожили вместе сорок лет, до самой смерти Наталии Игоревны в 2008 году. Григорович говорит: «Меня часто просят рассказать о Наташе, но я не могу…»

ДОВЕЛ ДО СЛЕЗ КОМПОЗИТОРА

Еще одной вершиной его творчества считается «Спартак», который он впервые поставил в 1968-м в Большом театре. Антракты пришлось делать по часу: полчаса не смолкали овации, следующие полчаса артисты отдыхали. Композитор Арам Хачатурян плакал, простив постановщику, что он сократил партитуру.

«Спартак» важен еще и тем, что до него главными в балете считались женщины. После него мужские партии стали наравне, а сам балет признали мужественной профессией, ведь такие сложнейшие пируэты и прыжки не всякий спортсмен исполнит.

Затем взялся за «Ивана Грозного». Сложнейший сюжет из русской истории, без единого слова, только языком танца, стал понятен даже зарубежным зрителям. Он говорит: «Я всегда делаю только то, что хочу». Выбирает то, что зацепит, взволнует, вызовет идеи. Ведь без вдохновения ничего не получится.

МЕТОД
ЭРОТИЧНО И НЕПРИЛИЧНО?


Не все принимали новаторские идеи талантливого постановщика.

В 1961 году он поставил в Кировском театре «Легенду о любви», в которой артисты демонстрировали сложные и непривычные приемы. Так, главный герой поднимал героиню вверх, она зависала вниз головой и делала шпагат, примерно как сейчас в фигурном катании. Эту позу многие, даже балерины, сочли слишком эротичной и неприличной. Разгорелся скандал, дело дошло до специального заседания обкома партии. Но Никите Хрущеву, который тогда руководил страной, постановка понравилась, она была идеологически выдержана, в ней герой жертвовал собой ради своего народа.

Так что режиссер поставил спектакль еще в нескольких театрах, включая зарубежные. Он идет до сих пор и в Мариинке.

В 1995 году Григорович, придерживаясь своего принципа «дорогу - молодым», привлек к работе новичков вместо тех, кто уже давно пребывал на заслуженной пенсии, но продолжал выходить на сцену в главных партиях. Одна именитая балерина была недовольна: «Но и в пятьдесят лет можно танцевать!» А Григорович ответил: «Танцевать можно, смотреть на это нельзя».

Разгорелся скандал, Григоровичу пришлось уйти. Он обосновался в Краснодаре, где на базе местного театра создал с нуля собственный коллектив, сейчас стоящий в одном ряду с лучшими театрами мира. Но с Большим театром согласился возобновить сотрудничество, когда спустя пять лет его позвали обратно.

Когда из Большого со скандалом уволили Анастасию Волочкову, он тут же пригласил ее на работу в Краснодар, сказав: «Считаю Волочкову талантливым человеком».

Далекий от политики, он никогда не вступал в партию. Но это не помешало ему сделать впечатляющую карьеру. Словно подтверждая правило, что мощный талант пробьет себе дорогу вопреки всему.

РЕПУТАЦИЯ
ДЕСПОТ ЗАЖИГАЕТ ЗВЕЗДЫ


Одни называют балетмейстера гением, другие - сатрапом.

Если репетиция началась в полдень, она может продлиться до глубокой ночи, с небольшими перерывами. Юрий Григорович добивается от артистов максимального совершенства, заставляя их повторять партии по многу раз. Может отпустить едкое замечание, но всегда по делу. А как иначе?

«Если нет совершенства, то и творчества не будет», - говорит Григорович. И собирает вокруг себя единомышленников, которые разделяют это мнение. Если человек позволит себе опоздать или, не дай бог, пропустить репетицию - другого шанса у него не будет.

Как говорится, свободен.

Но зато талантливых артистов, которые готовы работать не покладая рук и выполнять все указания мастера, он всегда поддержит. Он дал дорогу многим дарованиям, которые, станцевав главные партии, становились звездами. При этом видел, кому лучше поручить ту или иную роль. Так, он пригласил на роль Спартака в премьере Владимира Васильева. Танцовщик удивился - ведь герой, как ему казалось, должен быть более мощного телосложения и выше ростом. Но Григорович убедил его, что внутренняя мощь важнее, и оказался прав.

Увидел на выпускном экзамене в Московской академии хореографии Николая Цискаридзе и как председатель жюри сказал: «Грузину пять, взять в театр». И вскоре поручил 18-летнему новичку первую роль в балете «Золотой век» вместе со звездами Большого театра.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
.Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 24598
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Янв 12, 2022 12:22 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2022011201
Тема| Балет, БТ, Юбилей, Персоналии, Юрий Григорович
Автор| Колесников Александр
Заголовок| Абсолютное признание
К 95-летию великого русского хореографа Юрия Григоровича

Где опубликовано| © «Литературная газета» № 1-2 (6816)
Дата публикации| 2022-01-12
Ссылка| https://lgz.ru/article/-1-2-6816-12-01-2022/absolyutnoe-priznanie/
Аннотация| Юбилей


Фото: Нина Аловерт

Первое упоминание его имени на страницах «ЛГ» – 8 июня 1957 г. О премьере балета Сергея Прокофьева «Каменный цветок» в Мариинском (тогда Кировском) театре в его постановке нам написал Дмитрий Шостакович. Тогда только и говорили о спектакле. Казалось, в Ленинграде свершилась ещё одна революция. Композитор подтверждал – событие невероятное: «Найдена та заветная «мера вещей», которая гармонично соотносит между собою все элементы постановки, пронизывает их общим музыкальным тоном. И зритель, даже посмотрев балет однажды, уносит с собою ясный художественный образ спектакля».
Здесь зафиксировано начало Театра балета Юрия Григоровича – тогда тридцатилетнего, полного сил, идей и веры, выходца из знаменитой Вагановской школы на улице Росси, сумевшего как-то разом повести за собой несколько поколений. Ладно бы он был признан своими сверстниками, это понятно, запрос на молодого героя существовал всегда. Так нет – в нём увидели абсолютного лидера и его предшественники, его учителя, старшее поколение его цеха, к тому времени уже легендарные имена.

Сдвинув представления о сценическом танце, ничего не разрушить в нём, а только нарастить, приумножить ценности классики – вот что было и остаётся главным открытием Григоровича, одновременно его феноменом! Его не прельстила слава ниспровергателя балетной истории, он не сделал ни одного грубого заявления, ни одного выпада в сторону академической традиции. Став абсолютным новатором уже в тридцать лет, продолжал доказывать ценности русского балетного академизма. И доказал: «Русский балет – не полезное ископаемое, а живой процесс. Все, кто разделял это моё убеждение, шли со мной рука об руку несколько десятилетий, и нам многое удалось сделать и сделанное передать дальше».

Юрий Григорович сделал и передал. 80 лет с танцем, 70 лет непрерывной творческой деятельности. Более 20 многоактных балетов в 20 странах, показанных в 50 государствах мира на всех обитаемых континентах. Его балеты существуют в 30 кино-, теле- и видеоверсиях. Совокупную аудиторию его балетов подсчитать невозможно!

Главным балетмейстером Большого Юрий Григорович прослужил 31 год 1 месяц и 6 дней – это рекорд службы на этой должности со времени основания театра в 1776 г. Его 15 постановок в общей сложности давались на московской сцене свыше 3000 раз. Если бы его балеты шли ежедневно, потребовалось бы 12 полных сезонов, чтобы достигнуть этого количества. На этой сцене при нём осуществили свои постановки 30 российских и иностранных балетмейстеров и прозвучали балетные партитуры около 40 композиторов.

При этих баснословных цифрах впечатляют по-прежнему сами его балеты. Они сражают невероятным совершенством, соединением динамизма, физической активности (энергетики, как говорят сегодня) и лирической силы. «Щелкунчик» и «Лебединое озеро» Петра Чайковского, «Спартак» Арама Хачатуряна и «Легенда о любви» Арифа Меликова, «Иван Грозный» и «Ромео и Джульетта» Сергея Прокофьева, «Золотой век» Дмитрия Шостаковича. В них не найти следа конъюнктуры или политической сервильности, цветистого манифеста и радикальной стилистики. Они живут своей надмирной жизнью на вневременной частоте и потому актуальны для любого поколения артистов и зрителей. Сопереживание им обеспечено чистотой и высотой их помыслов.

Его хореографический театр преодолевает границы времени и пространства, он свободно разворачивался в Санкт-Петербурге и Москве, Новосибирске и Уфе, Париже и Риме, Стокгольме и Хельсинки, Вене и Праге, Милане и Мюнхене, Варшаве и Сеуле, Стамбуле и Софии, Шэньяне и Антверпене, Астане и Ереване, Баку и Тбилиси, Красноярске и Анкаре, Якутске и Краснодаре. И во всех странах, где труппа Большого под его руководством совершила более 90 мировых турне.

Вспоминается заголовок одной статьи в нашей газете, ему посвящённой: «Где Григорович – там победа!»

Да, так. Мы восхищены долголетием Мастера, его абсолютным признанием, его непрекращающимся триумфом. Рады быть его современниками и разделить с ним его великие победы и вечные ценности.

Юбиляру – слава!
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
.Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 24598
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Янв 12, 2022 9:12 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2022011202
Тема| Балет, "Золотая маска", проект POSTSCRIPT, Персоналии, Сиди Ларби Шеркауи
Автор| Лейла Гучмазова
Заголовок| На новой сцене Большого театра "Золотая маска" показывает проект POSTSCRIPT
Где опубликовано| © Российская газета - Федеральный выпуск № 6(8654)
Дата публикации| 2022-01-12
Ссылка| https://rg.ru/2022/01/12/na-novoj-scene-bolshogo-teatra-zolotaia-maska-pokazyvaet-proekt-postscript.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Это сенсация по трем причинам. Независимая продюсерская компания MusArts представляет Ольгу Смирнову, Вячеслава Лопатина и других звезд Большого на их родной сцене; проект номинирован на "Золотую маску" как лучший балет года; хореографию ставили Сиди Ларби Шеркауи, Алексей Ратманский, Уэйн Макгрегор, Пол Лайтфут и Соль Леон - главные иконы современной хореографии. "РГ" поговорила с обладателем двух премий Лоуренса Оливье и других престижных наград Сиди Ларби Шеркауи о его способах видеть мир и о русских артистах.


Фото: предоставлено фестивалем "Золотая Маска"

Проект POSTSCRIPT - сборник лучших опусов современных хореографов, и только ваш "Фавн" имеет историческую отсылку, да еще и к Русскому балету Сергея Дягилева.

Сиди Ларби Шеркауи
: Мне очень понравилась тянущая за собой музыка Дебюсси. Я попросил композитора Нитина Сони разбавить ее собственными фрагментами, чтобы скользить из одного времени в другое, из пласта культуры вековой давности в сегодня - так шлейф творения Вацлава Нижинского на музыку Дебюсси не мешает современному зрителю. Конечно, я вдохновился Нижинским, много читал о нем, думал, насколько трудно ему было сохранить в себе так открыто относящегося к миру артиста. Я поставил "Фавна" к празднованию столетия Русских балетов Дягилева в лондонском театре Сэдлерс Уэллс.

В Большом "Фавна" представляли три сезона назад на вечере "Пьеса для него", и артисты были те же - Вячеслав Лопатин и Анастасия Сташкевич.

Сиди Ларби Шеркауи:
Я был счастлив с ними работать. Они очень музыкальны, а с магией этой музыки это качество особенно важно. Притом мы мало говорили о технике - они очень техничные, скорее о том, как держать баланс или сохранять энергию. И конечно, не было нужды рассказывать, кто такой фавн.

На мой взгляд, эта пара просто взрывает пространство своей энергетикой, и на фоне их постоянного репертуара - по большей части академичного, с приглаженными эмоциями - этот эффект уникален.

Сиди Ларби Шеркауи:
Да, я надеюсь, что эта история электризует. И Фавн, и нимфа не делают ничего откровенного, но между ними мощная связь. Люди сегодня отчаянно стесняются своей чувствительности, чувственности, сексуальности, это что-то вроде запретной темы. И мне было важно понять, как современные танцовщики к ней относятся. Через "природную" мифологию о получеловеке-полуживотном фавне я хотел принести чувствительность не как провокацию, а как магическое начало, бесконечную и вечную энергию. Вместе с магией музыки она ощущается как запах, как вода. И поскольку мы говорим об этом через танец - как трансформация формы. Готовая форма - не мое, мне интересно, как она меняется в разных культурах и в разное время. Мне интересно связать разные темы и традиции, показать именно процесс перехода от одного к другому. С Фавном это отлично видно - каждый артист работает по-разному, что-то привносит и трансформирует. Они иногда как облака, а иногда как проснувшиеся дети.

О соединении разных культур вы заговорили задолго до того, как тема стала модной. На поверхностный взгляд к тому обязывает происхождение полумарокканца-полубельгийца. Но я прочертила другую линию: вы получали образование у Анны Терезы де Кеерсмакер, а она - у Мориса Бежара. В отличие от академического балета современный танец гораздо спокойнее к теме "кто у кого учился", но в любом случае вы в профессии - внук Бежара. А ведь именно он впервые громко заговорил об узости балетного европоцентризма и о спрятанной на Востоке сакральности. Как вам такая родословная?

Сиди Ларби Шеркауи:
Очень впечатляет, но я другое поколение и другой стиль. Я пришел из современного танца и всегда ищу другие пути, но ничего не имею против академичности. Просто когда становишься старше и видишь больше, шире, глубже, больше интересно работать с разными сферами. Для хореографии я ищу ресурсы в йоге, в практиках цигун, и мне это реально любопытно (спектакль "Сутра", поставленный Сиди Ларби Шеркауи, Энтони Гормли и монахами из Шаолиньского монастыря несколько раз показывали в России. - "РГ"). Разный опыт и открытость позволяют почувствовать спектакль и быть точным. Это вообще замечательно - миксовать стили в своей собственной логике.

Притом вы идеально включаетесь в заданные обстоятельства - я имею в виду "Щелкунчика" Дмитрия Чернякова в Парижской опере, где вы сочиняли танец среди гипертрофированных игрушек советской эпохи.

Сиди Ларби Шеркауи:
Я рад, когда можно по-разному играть, может, это способ контролировать жизнь. А Дмитрий удивительный, мне было очень интересно с ним работать. Специфично! Мы сталкивались, он что-то говорил мне, я - танцовщикам, в итоге что-то складывалось в картинку. Я бы с удовольствием поработал с ним снова.

Но вы из Королевского балета Фландрии уходите руководить Большим театром Женевы с кучей персональных проектов, и шансов на постановки в России, прямо скажем, немного.

Сиди Ларби Шеркауи:
Ну, этот город я знаю с молодости, надеюсь, им будет со мной легко. И это не значит, что я не смогу работать с русскими артистами. Кстати, Юрий Григорович, у которого сейчас 95-летний юбилей, был добр ко мне и разрешил исполнять свой "Спартак" в Королевском балете Фландрии, а в своей компании Eastman я смог поработать с Натальей Осиповой из Королевского балета Ковент-Гарден. Она настоящий артист, все время маниакально репетирует, борется за лучшее, я очень ее люблю. Получается, что я работал со многими из России и мне всегда было интересно. Так что очень может быть.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вт Фев 15, 2022 11:33 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
.Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 24598
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Янв 13, 2022 10:16 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2022011301
Тема| Балет, "Золотая маска", Пермский театр оперы и балета, проект POSTSCRIPT, Персоналии, Антон Пимонов, Пол Лайтфут, Соль Леон
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| Исполнителей не судят
Конкурс «Золотой маски» начался с балета

Где опубликовано| © Газета «Коммерсантъ» №5 от 14.01.2022, стр. 11
Дата публикации| 2022-01-14
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/5158290
Аннотация| "Золотая маска"

На сцене Новой оперы «Озорными песнями» в постановке Антона Пимонова Пермский театр оперы и балета официально открыл конкурс «Золотой маски» — главного театрального фестиваля России. На следующий день после пермяков своего номинанта — балет Пола Лайтфута и Соль Леон «Postscript» — на Новой сцене Большого театра представила московская продюсерская компания MuzArts. О балетных сражениях на сцене и закулисных подвохах рассказывает Татьяна Кузнецова.


«Postscript» Пола Лайтфута и Соль Леон признан достойным номинации на «Маску», а его исполнители — нет

Открытие «Золотой маски» официальные лица отметили краткими речами перед занавесом. Замминистра культуры РФ Алла Манилова назвала поражающие воображение цифры: эксперты отсмотрели 1165 спектаклей, из которых отобрали 81. Гендиректор «Золотой маски» Мария Ревякина уточнила: больше 70% конкурсантов — региональные театры. Для балетной труппы региональной Перми, постоянной участницы «Маски», это все же был дебют: впервые она попала в конкурс со спектаклем своего нового худрука Антона Пимонова — номинировали его балет «Озорные песни» на музыку Пуленка (см. “Ъ” от 26 декабря 2020 года) и его самого в качестве хореографа. В трехчастной программе пермяков была представлена и вторая его работа — многолюдный бессюжетный «Концерт №5» Прокофьева; но в нем хореограф так преданно копировал приемы и даже отдельные движения Джорджа Баланчина, что предпочтение экспертами камерных и более самобытных «Озорных песен» выглядело обоснованно.

22-минутная композиция для трех пар, демонстрирующая разнообразие форм сольного танца (pas de six и pas de quatre, мужские и женские трио, вариации, дуэты), поставлена остроумно, стройно и логично. Контрасты песен Пуленка, темпераментный маэстро Абашев за роялем и выразительный баритон Константина Сучкова добавляют искрометности этому неброскому опусу, исполненному того чисто балетного юмора, который неочевиден неопытным зрителям. Проявить его, станцевав задуманное автором с легкостью и озорством,— задача артистов, но добиться этого от них хореографу не удалось. Проблема в том, что Антон Пимонов — бывший солист Мариинского театра, отличавшийся технической виртуозностью, превосходной координацией и любовью к быстрым темпам,— из тех авторов, кто ставит свои балеты, исходя из собственных возможностей. Пермские мужчины его хореографическую скороговорку, изобилующую синкопами, неожиданными сменами ракурсов и стремительными прыжками, в целом осилили. Пермские неповоротливые дамы увязли в тексте безнадежно: ни перебоев ритма, ни живости пируэтов, ни точек финальных поз, ни легкости в поддержках, ни тем более удовольствия от танца продемонстрировать им не удалось.

Похоже, «Озорные песни» потерпели поражение уже на старте конкурса: в сравнении с программой «Postscript» (“Ъ” писал о ней 27 мая 2021 года), показанной в следующий вечер на Новой сцене Большого театра, они выглядели как отечественный футбольный матч рядом с финалом Лиги чемпионов.

Силы были неравными изначально. Мощный репертуар компания MuzArts подобрала по принципу разнообразия. Кроме открывавшего вечер балета «Макгрегор+Мюглер», поставленного специально для этой программы и, несмотря на громкие имена, оказавшегося самым слабым, были показаны знаменитые постановки сегодняшних лидеров балетного мира: «Фавн» Сиди Ларби Шеркауи, «Воспоминание о дорогом месте» Алексея Ратманского и собственно «Postscript» Пола Лайтфута и Соль Леон.

Танцевали эти балеты лучшие солисты Большого театра, и танцевали великолепно, с наслаждением являя те возможности — технические, телесные и актерские,— которые им не позволяет раскрыть регулярный репертуар. Был невероятен Фавн Вячеслава Лопатина — нечеловечески гибкий, текучий, как музыка Дебюсси, с первобытным изумлением внимающий зову собственного тела и самозабвенно овладевающий пугливой угловатой Нимфой (Анастасия Сташкевич), безоглядно отдающейся этому пантеистическому вихрю. Прекрасные балерины Большого Екатерина Крысанова и Ольга Смирнова вместе с красавцами премьерами Артемием Беляковым и Якопо Тисси окутали изысканный балет Ратманского паутиной психологических деталей и пластических полутонов, превратив этот формально безупречный опус в сложносочиненную любовную поэму. В «Postscript» на музыку Филипа Гласса, поставленном Соль Леон и Полом Лайтфутом в 2005 году для NDT, авторы изживали собственное любовное расставание, что придало их фирменной многослойной хореографии особую интимность и человечность.

Здесь все бескомпромиссно черно-белое — декорации, костюмы; контрастные темпы, контрастная пластика.

Нервные пассажи скрипки Анны Яновской комментируют предысторию: трио в белом (Анастасия Денисова, Вячеслав Лопатин, Артур Мкртчян) — это пластический рассказ о дружеско-любовном треугольнике. Танец лихорадочный, почти гротескный в своей предельной амплитуде, то синхронный, то разбивающийся на крошечные выкрики-соло, завершается говорящей мизансценой: тела двоих образуют «домик», третий, скорчившись, безнадежно замер у их ног. Два лирических дуэта под печальное фортепиано Алексея Мелентьева — Екатерины Крысановой с Денисом Савиным и Ольги Смирновой с Артемием Беляковым — это внутренняя жизнь пары: привычная нежность и еще незнакомое отчуждение, тщетные побеги и вынужденные возвращения, боль настоящего и робкие помыслы о другом будущем. Эти чувства обе балерины передают с почти пугающей телесной отчетливостью, сохраняя неподвижность зачарованных лиц. Кому из них я бы отдала «Золотую маску» — не знаю.

Но отдавать не придется: десять экспертов не сочли их работу достойной актерских номинаций — в конкурсе заявлен только балет «Postscript». Остальные спектакли программы вместе с их исполнителями не номинированы вовсе: ни «Фавн», бережно лелеемый Парижской оперой, ни балет Ратманского, кочующий по ведущим сценам мира. Зато те же эксперты признали в качестве балета оперу Стравинского «Мавра» (см. “Ъ” от 20 июля 2021 года) с убогими подтанцовками, способными украсить разве что сцену заштатного ДК. А шестерых перформеров, обживающих музейные залы (в том числе того, который лежит неподвижно, как экспонат), выдвинули за выдающиеся актерские достижения. Как из этой ситуации, созданной многомудрыми экспертами, явно недолюбливающими балет в целом и Большой театр в частности, выкрутится профессиональное жюри, не имеющее права премировать неноминированные работы, станет известно 20 апреля — на церемонии награждения «Золотыми масками». Если, конечно, ее не сорвет коронавирус.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вт Фев 15, 2022 11:36 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
.Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 24598
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Янв 14, 2022 9:40 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2022011401
Тема| Балет, Новосибирский театр оперы и балета, Персоналии, Коя Окава
Автор| Александра Бруня
Заголовок| Чиполлино из Японии: как сын почтальона стал солистом НОВАТа — самого большого театра России
Где опубликовано| © НГС
Дата публикации| 2022-01-14
Ссылка| https://ngs.ru/text/culture/2022/01/14/70371050/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Коя Окава рассказал о трудностях в работе, травмах и отношениях с женой


Коя Окава приехал работать в НОВАТ с женой и сразу поразил новосибирского зрителя своим обаянием
Фото: Виктор Дмитриев / НОВАТ


Коя Окава родился и вырос в Японии в городе Аомори. Его мама — домохозяйка, папа — почтальон. Мальчика отдали на балет в 2 года, и так получилось, что это стало делом его жизни. Он выучил русский язык, в 15 лет поступил в знаменитую Московскую государственную академию хореографии и уже в 29 лет стал ярким солистом Новосибирского театра оперы и балета. Он выиграл с десяток престижных конкурсов, а за его успехами следит японская пресса. Корреспондент НГС Александра Бруня пообщалась с артистом и узнала, как сын японского почтальона смог покорить сцену самого большого театра в России.

«В 10 лет думал бросить балет. Но все-таки не получилось»


Коя много репетирует. Иногда танцевать приходится по 4–5 часов в день
Фото: Антон Дигаев


— Я начал заниматься балетом в 2 года. Моя старшая сестра ходила в студию. И однажды мама спросила меня: «Ты тоже хочешь?» Мне же 2 года только было, я всё не понимал, поэтому, конечно, сказал да. (Смеется.) И вот так у меня началась моя балетная жизнь.

Помню свое первое выступление. Раз в год в студии был отчетный концерт. Мне как раз три года было. Я вышел на сцену, забыл про танцы совсем и смотрел в зал. В зрителях увидел свою бабушку и просто махал ей рукой.

— Был ли момент, когда вы хотели бросить балет?

— Когда мне было лет 10 — было такое. Я учился в обычной школе. Дети спокойно играли после учебы, а мне надо было ехать в студию и заниматься. Тогда мне это не очень нравилось. Просто хотел с друзьями играть. Думал бросить балет. Но все-таки не стал.

— Когда вы поняли, что хотите связать всю свою жизнь с балетом?

— В 13 лет я участвовал в профессиональной постановке «Щелкунчика», а в 15 — в спектакле «Спящая красавица». Тогда приехали ведущие солисты из России — это были Светлана Захарова и Денис Матвиенко. Я был так заворожен и очень захотел учиться именно в России. Появилась возможность поступить в Московскую государственную академию хореографии.

СПРАВКА
Коя — лауреат множества конкурсов. Из последних наград: в 2017 году он стал обладателем золотой медали XIII Международного конкурса артистов балета и хореографов в Москве, лауреатом I премии. В 2016 году стал лауреатом I премии Международного конкурса балета «Гран-При Сибири» в Красноярске.



«Сыну отсоветовал бы идти в балет. Очень сложная профессия»


С Мидори, будущей женой, Коя познакомился в академии в Москве
Фото: Антон Дигаев


— Как вы встретились со своей будущей женой?

— С Мидори Терадой познакомились в академии. Она тоже солистка НОВАТа. Мы с ней вместе уже 12 лет, из них 2 года женаты. Помню нашу первую встречу. Марина Константинова Леонова (ректор Московской государственной академии хореографии. — Прим. ред.) предложила танцевать па-де-де на концерте. Это было очень приятное предложение. Мидори училась на параллельном курсе. Нас поставили вместе. Мы тогда вообще ни разу не разговаривали до этого. С ней танцевать и общаться было очень приятно. Мидори более эмоциональная, мне это очень нравится. Она всегда понимает меня.

После учебы мы поехали в Одессу, но там началась война, а иностранцам запретили работать. В один день мы пришли в театр и узнали, что больше не работаем.

— Потом была работа в Казани, а теперь Новосибирск. Почему решили выбрать именно НОВАТ?

— Мидори у нас главная. Смотрит, выбирает, где лучше будет работать. Я говорю — за или против. Но она обычно всегда делает правильный выбор. Мы поняли, что в Казани исчерпали все возможности для развития.

— Вы ожидали, что здесь будет -34 градуса?

— Я как-то слышал, что может быть так холодно, но когда сам почувствовал этот мороз — так удивился. (Говорит с придыханием.) У вас о-о-о-о-очень холодно. У нас, на севере Японии, тоже есть снег, но никогда не думал, что может быть так холодно.


Коя и Мидори завоевали множество наград в самых разных конкурсах. И в 2016 году участвовали в телевизионном шоу телеканала «Культура» — «Большой балет. Новый сезон»
Фото: Алексей Цилер / НОВАТ


— Не ревнуете супругу?

— Я не ревную и она тоже нет. У нас такая профессия. Если в балете даже с кем-то целуешься — это просто искусство.

— Где и при каких обстоятельствах сделали предложение Мидори?

— Уже в Новосибирске. 27 марта 2 года назад я попросил ее стать моей женой. Почему такая точная дата? Это была наша годовщина — 10 лет, как я предложил ей встречаться. Японцы — скромные и закрытые люди, поэтому мы всегда спрашиваем: «Ты будешь со мной встречаться?» И тогда уже считается, что вы пара.

— Очень романтично. О детях вы уже задумывались?

— Мы очень хотим детей. Но это сложно в нашей ситуации. У Мидори сейчас тоже карьера идет. В декрете она же не сможет танцевать. Но мы это обсуждали. Я обещал ей помогать. Без разницы, кто будет — мальчик или девочка...

— Вы бы хотели, чтобы ваш сын стал артистом балета?

— Я бы, наверное, сыну отсоветовал это. Очень сложная профессия у нас. Но если он сильно захочет, то мы его поддержим, но постараемся рассказать, насколько это непросто.

Почему не планирует возвращаться работать на родину


Коя солирует в балете «Чиполлино»
Фото: НОВАТ


— Русский язык сложнее японского?

— Сложнее именно разговорный русский язык. Японский совсем по-другому работает. Звуков «л, р, ж» вообще нет у нас. На русском мне и сейчас очень тяжело разговаривать.

— Вы не планируете вернуться и работать в Японии?

— В Японии очень сложно работать артистом балета, потому что это не наше классическое искусство. Государство очень мало помогает, поэтому билеты на балет у нас очень дорогие, чтобы у артистов была нормальная зарплата. Зрителей поэтому немного приходит. Тогда зачем делать балет, если мало зрителей?

В России люди очень часто ходят на балет. Мне кажется, зрители так решают: сегодня в кино пойдем, завтра — на балет. А в Японии как-то не очень многие интересуются балетом.

За границей театры репетируют один спектакль очень много времени. Готовят 2–3 месяца его и танцуют подряд 2–3 недели. Затем следующий спектакль идет. А мне как-то это не очень интересно. В русском театре всё совсем по-другому: в этом месяце у нас, например, «Корсар», «Щелкунчик», «Спящая красавица». И много других постановок. Это сложно, но очень интересно.

— Почему именно Новосибирск, а не Москва? Считается, что в столице больше платят.

— По зарплате не знаю, как в других театрах. Я считаю, что в НОВАТе хорошая зарплата. Можно хорошо жить. Но мне главное, чтобы было интересно работать.

СПРАВКА
Коя Окава играет Чиполлино в балете «Чиполинно». Идея постановки принадлежит одному из танцовщиков первого набора Новосибирского театра оперы и балета Геннадию Рыхлову, который написал либретто, вдохновившись замечательной музыкой Карена Хачатуряна к мультфильму. В хореографии эта идея была реализована балетмейстером Генрихом Майоровым.


О мечтах и почему их сложно осуществить


Коя часто выступает с женой в различных конкурсах
Фото: Алексей Цилер / НОВАТ


— Вы играете Чиполлино. Расскажите, какой он — ваш герой?

— Это маленький, приятный мальчик. Он очень любит маму, сестру, папу, друзей. Очень веселый, хороший, и это его настроение мне очень близко. Но он, конечно, очень отважный и смелый. «Чиполлино» — балет не только для детей, но и для взрослых. У него очень глубокий смысл.

— Кого хотелось бы сыграть? Какую партию станцевать?

— Сейчас у нас в театре будет премьера «Тщетной предосторожности». Главный герой — Колен. Мне очень нравится его хореография, вариации шикарные, выходы. Очень технично, воздушно. Я бы очень хотел станцевать эту партию, но это просто мечта.

— Почему только мечта?

— Балет — это сложно. Мне просто роста очень не хватает. Я это знаю. Ведущий солист должен быть красивым и высоким. В «Чиполлино» можно мне солировать. Чиполлино же мальчик. (Смеется) А остальные серьезные роли... Тем более наша сцена такая большая и огромная. Но если шанс будет станцевать — я только за.

«Приземлился на руку и сломал ее»


Коя признаётся, что из-за работы у него почти не перестают болеть ноги
Фото: Антон Дигаев


— Падали?

— В Одессе падал. В «Дон Кихоте» я танцевал партию Базиля, был очень скользкий пол. Я поскользнулся и упал. Дальше у меня были элементы в пол, поэтому подскочил и просто продолжил танцевать (Смеется).

— Балет — это больно?

— Да, ноги очень болят. У меня ахилл болит всегда и не проходит. Может быть, это возраст (Кое всего 29 лет. — Прим. ред.). С детства болит спина. Мы с этим живем. Всё равно работаем.

— Получали травмы?

— Конечно, но у меня большие травмы редкость. Хотя вот руку в прошлом году сломал во время репетиции. Это был несчастный случай. В «Чиполлино» парни, полицейские, меня должны подбрасывать. И как раз давно репетиций не было... В общем кидали они меня вверх, кидали, а я маленький и легкий, и они меня очень сильно подбросили. И выкинули. Я приземлился на руку и сломал ее. Как раз была черная пятница, в августе (Коя имеет в виду пятницу, 13-е. — Прим. ред.).


Коя получил травму во время репетиции одной из сцен. Когда полицейские подкидывают его вверх
Фото: Алексей Цилер / НОВАТ


— Приходилось ли вам плакать из-за своей работы?

— Было такое. Когда я понял, что у меня маленький рост и для главной роли в серьезном спектакле нужно быть высоким и красивым танцовщиком. Расстроился, конечно. Но всё равно я люблю балет. Танцую в «Чиполлино», в «Золушке» — это технически очень непростые партии.

— Что самое сложное в вашей профессии?

— Ты просто не можешь получить всё, что ты хочешь, потому что есть не только какие-то физические ограничения. Ты можешь очень сильно стараться, но многое зависит и от таланта.

— Вы считаете себя талантливым артистом?

— Я очень старался и много работал, чтобы стать артистом балета. Не знаю насчет таланта, наверное, есть что-то... Но вот физически — связки у меня не очень хорошие, недостаточно растянутые.

— Какие планы дальше?

— Особенных каких-то нет. У нас здесь много новых премьер, много интересной работы. Нам очень нравится здесь, поэтому будем дальше радовать наших зрителей.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
.Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 24598
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Янв 14, 2022 9:53 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2022011402
Тема| Балет, "Золотая маска", Пермский театр оперы и балета, Персоналии, Антон Пимонов
Автор| Анна Галайда
Заголовок| Программу "Золотой маски" открыл пермский балет
Где опубликовано| © Российская газета - Федеральный выпуск № 7(8655)
Дата публикации| 2022-01-14
Ссылка| https://rg.ru/2022/01/14/reg-pfo/programmu-zolotoj-maski-otkryl-permskij-balet.html
Аннотация| "Золотая маска"

На сцене "Новой оперы" пермская труппа показала вечер одноактных балетов. В программе - номинированные на "Золотую маску" "Озорные песни" Антона Пимонова, его "Концерт N 5", вошедший в лонг-лист, и "Когда падал снег", за который пять лет назад Даглас Ли был отмечен "Маской" как лучший хореограф.


Изящной иронии "Озорных песен" свинцовая суровость оказалась не к лицу. Фото: Антон Завьялов

Постановки Пимонова были первыми его работами для пермской труппы, которую он возглавил. Первая - камерная для трех пар, и вторая - для большого кордебалета, трех пар и дуэта солистов, несут радость взаимного узнавания, даже ликование от ощущения общей группы крови у постановщика и танцовщиков. Гастрольная сцена и конкурсный контекст вывели на первый план другие эмоции - чувство ответственности и напряжение. Энергичному прокофьевскому "Концерту N 5" это пошло на пользу, а вот изящной иронии "Озорных песен" свинцовая суровость оказалась не к лицу.

Хотя и она не скрыла виртуозного разнообразия в плетении хороводов, составлении мужских дуэтов и женских трио, парадоксальных "обмороков" и взлетов. Внезапные паузы и смены ритма эффектно задавал дирижер Артем Абашев, солировавший на фортепиано в "Озорных песнях" (его достойным партнером был баритон Константин Сучков) и руководивший оркестром в концерте Прокофьева.

За звание лучшего балета будут бороться еще девять постановок. Из них две (Autodance театра имени Станиславского и Немировича-Данченко и Postscript продюсерской компании MuzArts) перенесены из Европы, остальные - оригинальный продукт. В третий раз участвуе-гот в конкурсе Самарский театр оперы и балета, он представит "Фортепианный концерт" на музыку Шостаковича, поставленный прошлогодним победителем "Маски" Максимом Петровым. Театр привезет всю программу, созданную к юбилею Победы и включившую раритетную советскую хореографию, в том числе "Ленинградскую симфонию" Игоря Бельского.

Благодаря "Ленинградской симфонии" в новой версии Сергея Боброва после многолетнего перерыва прорвался в круг номинантов красноярский театр. Его спектакль - не только и не столько балет, сколько синтез искусств, который может себе позволить современный оперный театр. Причем ведущая роль в нем принадлежит оркестру под управлением Ивана Великанова.

"Чайка", представляющая в конкурсе Большой театр, стала за полгода хитом московского балетного репертуара. Как превратились в полнометражный балет опера "Мавра", "Байка про Лису", цикл фортепианных пьес "Пять пальцев" и одноактный "Поцелуй феи" Стравинского? На сцене Мариинского театра их соединил все тот же Максим Петров. Стравинский и импресарио Сергей Дягилев вели действие этого балета, перемещаясь от фольклорной "Байки" через пушкинские мотивы "Мавры" к таинственности "Поцелуя феи". А оркестр во главе с Валерием Гергиевым и петербургские балерины воплотили идею петербургских сновидений. Но увидеть эту сложносочиненную постановку можно только в Петербурге.

Самым спорным балетом нынешней "Золотой маски" наверняка окажется уральский "Конек-горбунок" - его покажут в трансляции из Екатеринбурга

Только в родном городе показывает своего "Конька-горбунка" екатеринбургский театр "Урал Опера Балет". Авторы либретто Вячеслав Самодуров и Богдан Королек пригласили заводилами в старую историю Петра Ершова рэперов Наума Блика и T-Bass и художницу Электротеатра Станиславский Анастасию Нефедову. Хореографы - Самодуров и Антон Пимонов - не упустили инициативу, экспериментируя с брейком и хип-хопом. Венчает балет гран па - классическое по структуре, брызжущее иронией и мальчишеским задором: в нем соединяются танго, ирландский танец, молдовеняска и даже боевые номера в духе грузинского ансамбля Сухишвили-Рамишвили. Этот балет наверняка вызовет наибольший разброс мнений. "Золотая маска" подарит возможность увидеть трансляцию спектакля.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вт Фев 15, 2022 11:38 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
.Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 24598
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Янв 14, 2022 10:03 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2022011403
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Ольга Смирнова
Автор| Екатерина Беляева
Заголовок| Ольга Смирнова: Даже визуально балерины теперь другие
Где опубликовано| © «Труд»
Дата публикации| 2022-01-14
Ссылка| https://www.trud.ru/article/11-01-2022/1411357_shla_bezumnaja_mozgovaja_rabota_pomnozhennaja_na_neznakomuju_plastiku.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Прима Большого театра представила на его сцене свой первый авторский проект




В спектакле «МакГрегор+Мюглер» работа кутюрье не менее важна, чем хореографа. Фото Muzarts


Ольга Смирнова – одна из ярчайших фигур сегодняшнего российского балета. За восемь лет, прошедших после ее первого интервью «Труду», феноменально одаренная петербурженка прошла громадный путь до статуса прима-балерины Большого театра, станцевала больше десятка премьер, поучаствовала в прямых трансляциях. В декабре она блестяще исполнила заглавную женскую роль в премьере балета «Мастер и Маргарита» выдающегося европейского постановщика Эдварда Клюга. А буквально в эти дни, 11-13 января, выступает на сцене Большого театра в авторском проекте Postscript (три балета разных хореографов), номинированном на «Золотую маску». В первом интервью нового 2022 года Ольга рассказала о сложностях воплощения этих замыслов, о самых захватывающих эпизодах трудной, но увлекательной балетной жизни, о коротком времени для досуга и том, как ей удалось, храня в душе петербургский дух, полюбить Москву.

– Вот и в вашу жизнь пришел первый бенефис – он же первый независимый проект, осуществленный параллельно с занятостью в репертуарных спектаклях Большого театра.

– В Большом у меня и вправду обширный, разнообразнейший репертуар, включая все самые важные классические спектакли, я участвую практически во всех премьерах, работаю с выдающимися современными хореографами… Но сегодня моя особая благодарность руководству театра – за поддержку проекта Postscript, который создан специально для меня и моих единомышленников продюсерской компанией Muzarts во главе с Юрием Барановым.

– Что для вас в этом проекте важнее всего?

– Выход на другой исполнительский уровень, задача овладеть тремя разными стилями хореографии в рамках одной программы. Имея в своем арсенале большое количество разных спектаклей, я могу сделать пластику более живой, богатой, открытой к новым нюансам. Это – как научиться говорить на нескольких иностранных языках. Ну и важно, чтобы зрители ясно видели фирменный почерк каждого из хореографов. Например, в «Воспоминании о дорогом месте» Алексея Ратманского речь об увлекательной истории взаимодействия двух пар, где сюжет разворачивается при помощи насыщенной мелкими деталями лексики танца, очень музыкальной и драматургически выстроенной…

Мне также всегда хотелось поработать с Иржи Килианом, но так как он больше не ставит новые балеты и даже не репетирует старые (поручая это ассистентам: такое решение прославленный чешский хореограф принял несколько лет назад – «Труд»), мы пригласили его последователей Пола Лайтфута и Соль Леон. Заполучить столь востребованных хореографов «помогла» пандемия: многие театры мира были закрыты, и у постановщиков образовалось окно, чтобы приехать в Москву и передать нам свой автобиографичный спектакль Postscript, который и дал название всей программе. Это очень счастливое творческое знакомство, надеюсь, перерастет в наши последующие проекты с Соль и Полом.

Но изначально программа формировалась вокруг балета «МакГрегор+Мюглер», поставленного на меня несколько лет назад в Лондоне. В его основе – идея совместить миры хореографии и высокой моды. Конечно, я сразу согласилась участвовать.

Настоящей путеводной звездой в творчество Уэйна МакГрегора стал для меня мой партнер, премьер Королевского балета Эдвард Уотсон, который хорошо знал и чувствовал пластику этого знаменитого современного балетмейстера. Времени на постановку отводилось мало, нужно было быстро учить замысловатые комбинации, причем, что сложно и непривычно, без опоры на музыку. Уэйн ставил несколько комбинаций, потом менял их местами, соединял, обрезал, и все это нужно было держать в голове, так как тело еще не успевало запомнить движения. Шла безумная мозговая работа, помноженная на незнакомую мне пластику.

Не скрою – порой я теряла веру в себя, но Уэйн успокаивал, говоря, что все классические танцовщики, проходя через его хореографию, поначалу испытывают стресс, однако со временем текст втанцовывается и тело адаптируется. Да и ведь хореограф вольно или невольно учитывает твои сильные стороны, твою координацию. Думаю, поэтому мое соло в этом балете напоминает перетекание воды, где при возможностях импровизации и игры с ритмами я оказываюсь в комфортной для себя стихии адажио, позволяющей бесконечно длить движения без единого шва.

– Тьерри Мюглер – один из ведущих современных модельеров. Мир высокой моды вас волнует?

– Конечно, хотя не могу сказать, что слежу за всеми его тенденциями. Модные показы очень театральны, демонстрируемые на них образцы haute couture чаще всего предназначены не для повседневной жизни и удобства, а для манифестации стиля и вкуса их создателя, то есть в этом сравнимы с произведениями искусства. Общаясь с Тьерри, я поняла, что он большой художник и перфекционист, для которого важна любая мелочь: толщина подводки на глазах, количество и размер стразов на лице... В целом же его фирменный почерк, благодаря акценту на удлиненных линиях, близок к балетной эстетике. В моем костюме ему было важно через абрис тонкой талии, округлость бедер и бюста подчеркнуть женственность, в мужском – наоборот, акцентировать силу и мышечную рельефность танцовщика. Эти костюмы превращают артистов в космических существ – странных, но не лишенных эротического подтекста.

– Ваша самая свежая по времени работа в Большом театре – «Мастер и Маргарита» по роману Булгакова, очень «московскому» по духу. Вы ведь теперь тоже москвичка?

– Да, живу здесь уже десять лет очень полюбила город, особенно центр. Что, конечно, ни в коей мере не отменяет моих чувств к родному Санкт-Петербургу, где все мне созвучно, но и Москва, особенно та ее часть, где ощущается история – теперь мила и дорога. Недавно я оказалась в доме актрисы Ермоловой – филиале Бахрушинского театрального музея: там происходила творческая встреча с режиссером-хореографом Эдвардом Клюгом.

– Как вам работалось с ним в процессе постановки «Мастера и Маргариты»?

– Он стал нашим проводником в эту историю, рассказывая на репетициях, что происходит между героями в каждой сцене – еще до того, как начал придумывать движения. Конечно, этому погружению способствовала и мистическая музыка Альфреда Шнитке. Еще со времен постановки балета «Анна Каренина», в партитуру которого Джон Ноймайер включил произведения этого композитора, я открыла его для себя. Кто-то однажды сказал: «Когда слушаешь музыку Шнитке, как будто протягивается тонкая, невидимая глазу нить, соединяющая нас с вечностью, с миром после смерти». Именно такая музыка органично откликается на булгаковские темы.


В спектакле «Мастер и Маргарита» героиня Ольги Смирновой — в центре сюжета. Фото: Дамир Юсупов, Большой театр

— Ольга, вы много ходите в драматический театр и наверняка чем-то впечатлены...

— Уточню — стараюсь много ходить, даже заранее покупаю билеты, но часто приходится отменять поход из-за появившихся в расписании репетиций и спектаклей. Из последнего, что видела, назову «Войну и мир» в театре Вахтангова — спектакль, ставший событием сезона и заслуживающий внимания хотя бы потому, что нетленные строки Толстого найдут свой ключик к каждому. А из действительно понравившегося — камерный спектакль «Все тут» Дмитрия Крымова в Школе современной пьесы, очень рекомендую.

— Спрашивать вас про не-театральные увлечения, видимо, бесполезно, вы слишком погружены в профессию.

— Верно, но у меня бывает отпуск, который я тщательно планирую, чтобы совместить восстановительный пляжный отдых с посещением интересных мест и достопримечательностей. Возможно, мои путешествия в некотором роде являются продолжением театрального опыта и уж точно сильно подпитывают.

— Как отметили Новый год?

— В моем репертуаре нет Маши из «Щелкунчика», так что в этот период я могу погрузиться в праздничную атмосферу. Новый год — это прежде всего воспоминания о детстве, и мне нравится воссоздавать ту атмосферу ожидания праздника и чуда. У нас по традиции ставится большая елка, которую я наряжаю сама с большим удовольствием, и, конечно, устраивается семейное застолье.

— Страшновато в сегодняшней эпидемиологической обстановке спрашивать о планах на будущее. Но ведь будут же новые работы и в Большом театре, и за его пределами?

— Прежде скажу о «Жизели», которую в конце декабря я станцевала на сцене Мариинского театра. Спектакль переносился много раз, встреча с дорогими петербургскими зрителями задержалась на долгих четыре года! То, что она в конце концов состоялась, для меня важнее многих планов на будущее. Но, конечно, всегда жду новых ролей в Большом. Также очень надеюсь, что в следующем году состоится долгожданный спектакль по роману Достоевского «Идиот», где мне очень интересно станцевать Настасью Филипповну. Всегда любила этот роман и рада, что смогла найти творческую и организационную команду для постановки этого пластического спектакля.

— Позвольте вовсе прозаический вопрос — вы телевизор смотрите?

— Совсем не часто. Очень ценю хорошее чувство юмора, поэтому с удовольствием смотрю некоторые выпуски передач Ивана Урганта или Comedy Club. Хотя все-таки мой любимый телеканал — это «Культура», где можно увидеть качественный кинематограф и интересные передачи.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
.Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 24598
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Янв 14, 2022 5:08 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2022011404
Тема| Балет, "Золотая маска", проект Postscript, Пермский театр оперы и балета, Персоналии, Антон Пимонов, Пол Лайфут, Соль Леон
Автор| Павел Ященков
Заголовок| «Охальные» песни Пуленка открыли «Золотую маску»
В Москве показали первые спектакли, номинированные на Национальную театральную премию

Где опубликовано| © Московский комсомолец
Дата публикации| 2022-01-14
Ссылка| https://www.mk.ru/culture/2022/01/14/okhalnye-pesni-pulenka-otkryli-zolotuyu-masku.html
Аннотация| "Золотая маска"

Показом спектаклей Пермского театра оперы и балета «Озорные песни» и «Концерт №5» в «Новой Опере», и проекта Postscript в Большом театре стартовал фестиваль «Золотая маска». Экспертный совет престижнейшей Национальной театральной премии отсмотрел 1765 спектаклей, номинировав из них свыше восьмидесяти, которые представляют 67 российских театров из 17 регионов.


ФОТО: НИКИТА ЧУНТОМОВ. ФОТО ПРЕДОСТАВЛЕНО ПРЕСС-СЛУЖБОЙ ФЕСТИВАЛЯ

Пермский театр представил два балета своего нового худрука Антона Пимонова, пришедшего на смену Алексею Мирошниченко полтора года назад. Имя Мирошниченко как хореографа известно во всём мире, так что потеря такого руководителя стала для пермского балета серьезной проблемой. Но балетмейстер самостоятельно (то есть без всяких «рекомендаций» сверху) нашел себе преемника. Новый руководитель балета – молодой, но уже довольно перспективный хореограф, что и продемонстрировала привезенная в Москву программа.

Так же, как и его предшественник, он выходец из Санкт-Петербурга. Перетанцевал в Мариинском театре в сольных партиях обширный классический и современный репертуар. Как хореограф дебютировал в 2012 году и уже успел стать лауреатом «Золотой маски» (в 2017 году за балет «Скрипичный концерт №2»), поставить несколько своих произведений на сценах Екатеринбурга, Санкт-Петербурга (в Мариинском и Театре балета им. Якобсона) и Москвы (Большой, Балет «Москва»). Этим летом на Новой сцене Большого театра должна состояться премьера его нового сочинения «Made in Bolshoi» («Сделано в Большом»). Из-за пандемии премьеру переносили несколько раз, и это будет уже второй балет, поставленный им на сцене главного театра страны. Первый - «Обручение ради смеха» (назван по вокальному циклу Франсиса Пуленка) был поставлен в 2018 году.

Пуленк, видимо, один из любимых композиторов нового пермского руководителя, потому что показанный в первом отделении трехчастного вечера балет «Озорные песни» тоже поставлен на его музыку. Он, собственно и номинирован на золотомасочную премию по трем номинациям (за сам балет, за хореографию, и работу художника по свету). Это первая совместная работа хореографа с пермской труппой. Небольшая форма двадцатиминутного спектакля выбрана сознательно: сам балетмейстер определяет свое сочинение как «творческое знакомство друг с другом и новый опыт для танцовщиков».

Перед нами бессюжетный балет, в котором балетмейстер, как верный последователь Баланчина, а из хореографов более современных – Алексея Ратманского, отталкивается прежде всего от музыки. Название «Озорные песни» объясняется просто. В 1926 году композитор осмелился вынести на академическую сцену песни с дерзким и даже непристойным содержанием. В основе тут анонимные тексты XVII века, посвященные «торжеству пития и радости любовных утех». Содержание «охальных» песен, впрочем, в балете не раскрывается, и перевода на сцене не дается.

На сцене рояль, за которым Артем Абашев (бывший главный дирижер театра, не так давно со скандалом покинувший свой пост), баритон Константин Сучков и три пары исполнителей – танцовщицы в синих платьицах, танцовщики в черных брюках и желтых футболках, которые просто разыгрывают забавные и не очень сценки, с тестом песен, впрочем, на прямую не соотносящиеся. Чередование дуэтов и ансамблей, быстрая смена темпов и акцентов. Молодежь, что называется, резвится на условной «лужайке». В самом обращении к Пуленку есть считываемая просвещенными балетоманами «антитеза» к «Ланям» Брониславы Нижинской, балету дягилевской труппы 20-х годов, когда музыка входящего в моду французского композитора впервые вводилась в балетный обиход. Однако балет очень на любителя, и адресован, скорее, балетным гурманам, обожающим постановки, которые любит сочинять Алексей Ратманский. Под влиянием его творчества явно и находится хореограф. Широкой публикой такая продукция воспринимается как скучноватая.

Второй балет вечера «Когда падал снег» хореографа Дугласа Ли свою «Маску» получил ещё в 2016 году и призван был как бы «прослаивать» и оттенять два балета Антона Пимонова, показанные в начале и конце программы. Впрочем, веселости вечеру он не прибавил: здесь все мрачно, темно и скучно. А показанный в третьем отделении балет «Концерт №5» пермского худрука на «Маску» не номинировался, но почему - не совсем понятно. Вот на нем как раз скучать не пришлось.

Масштабная форма «Концерта №5» Сергея Прокофьева гораздо более подходит пермскому балету. Композитор Пуленк, кстати был дружен с Прокофьевым, оба обожали шахматы и бридж, а перед исполнением своих концертов Прокофьев всегда репетировал их с Пуленком на двух роялях. Пуленк после смерти Прокофьева написал сонату для гобоя и фортепиано и посвятил её памяти друга. Так что соединение балетов в одну программу вполне логично.

Своим принципам хореограф не изменяет и здесь. В основе все та же классическая лексика, перемешанная в равной пропорции с современными балетными новациями. Опять превалирование музыки и формы. В отличие от «Озорных песен», где хореограф поменял части местами и дополнил фрагментами из других инструментальных пьес Пуленка, в «Концерте №5» четыре части на своих местах, и в них хореограф довольно скрупулезно «следовал за композиторской мыслью и порядком номеров».

Музыкальным руководителем «Концерте №5», как и у «Озорных песен», оказался Артем Абашев, вставший еще и за дирижерский пульт. Структура сочинения вполне академическая: ведущая пара солистов (Булган Рэнцэндорж и Георгий Еналдиев), три пары солистов составляющие pa de six, и 9 пар кордебалета, создающих строгую геометрию рисунка. И каждый из участников, облаченный либо в академическое трико (мужская часть), либо платьице (женская) не обделен танцем. При этом хореография, сознательно поставленная с налетом академизма, изящна и энергична.

Один из наиболее вероятных кандидатов на победу в этом году – балет Postscript, входящий в одноименную программу, показанную на «Золотой маске» следом за вечером Пермского балета. Хотя Большому театру программа, собственно, не принадлежит (сделана продюсерской компанией MuzArts), но сформирована она под «приглядом» худрука театра Махара Вазиева. Это он включил вечер современной хореографии в репертуарную афишу. Сюда вошли работы самых востребованных на сегодня в мире хореографов в исполнении звезд Большого.

Главной приманкой спектакля поначалу был балет «Макгрегор+Мюглер». Для него знаменитый британский хореограф Уэйн Макгрегор сочинил хореографию, а легендарный кутюрье Манфред Тьерри Мюглер создал экстравагантные костюмы. Проект создавался специально для примы Большого Ольги Смирновой. Однако наиболее успешными из балетов показанных в этот вечер оказался вовсе не «Макгрегор+Мюглер», как можно было ожидать, а работы совсем других хореографов: уже хорошо известный нашей публике: «Фавн» марокканца Сиди Ларби Шеркауи, 15-минутный балет Алексея Ратманского на музыку Чайковского «Воспоминание о другом месте» и выдвинутый на «маску» Postscript – одноактный балет знаменитых хореографов из Нидерландов Пола Лайфута и Соль Леон, который дал название всему вечеру.

Тем не менее, ни один из уникальных артистов Большого, участвовавших как в самом номинированном на «Маску» балете, так и в проекте, куда в качестве составной части он входит (а здесь заняты примы и премьеры Большого – Ольга Смирнова, Якопо Тисси, Артемий Беляков, Екатерина Крысанова, Денис Савин, Вячеслав Лопатин) на премию не представлен. Как не выдвинут на национальную премию и отличный балет Алексея Ратманского, а также балет «Фавн», запомнившийся совершенно фантастическим исполнением Вячеслава Лопатина, которое иначе как гениальным не назовешь. Премьер Большого в совершенно другой, отличной от классической системе движения и мышления, буквально «пропел» собственным телом музыку Дебюсси, но и этот невероятный танец, который мало кого может оставить равнодушным, не произвел на экспертов «Золотой маски» ровным счетом никакого впечатления. Что же, удивляться тут нечему: к казусам экспертного совета национальной премии мы давно привыкли.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вт Фев 15, 2022 11:40 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
.Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 24598
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Янв 14, 2022 7:15 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2022011405
Тема| Балет, Образовательный центр «Сириус», Персоналии, АННА ГРИГОРЬЕВА
Автор| корр.
Заголовок| БАЛЕРИНА БОЛЬШОГО ТЕАТРА АННА ГРИГОРЬЕВА: «ДЕТЕЙ НУЖНО ХВАЛИТЬ ДАЖЕ ЗА САМЫЕ МАЛЕНЬКИЕ ДОСТИЖЕНИЯ»
Где опубликовано| © Сайт "Образовательный центр «Сириус»"
Дата публикации| 2022-01-12
Ссылка| https://sochisirius.ru/news/5003
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Артистка балета Государственного академического Большого театра России Анна Григорьева рассказывает том, как вести себя в балетном зале, как правильно работать с детьми и может ли на самом деле танцовщик позволить себе сладкое.

– Что Вам, как преподавателю, необходимо, чтобы сделать из ребенка профессионального танцовщика?

– Его желание. Конечно важны и природные данные, но в первую очередь – это старание и усердие ученика. Возможность ежедневно, пусть по чуть-чуть, но исправлять те недостатки, которые есть у каждого из нас. Чтобы ребенок на это был готов, он должен доверять педагогу, принимать его, прислушиваться.

– Доверие – это едва ли не главная категория в отношениях наставника и воспитанника. Как у Вас складывался контакт с учениками «Сириуса»?

– Волнительно, и в первую очередь для меня, так как большую часть времени я танцую, а после работаю в театре именно со взрослыми артистами. Ребята, которые видели меня впервые, тоже волновались. Но после первых уроков и репетиций отчетного концерта появилось доверие. Я радовалась, когда видела, как старательно они прорабатывают движения, как внимательно слушают замечания, как пробуют их исправить. За дни, что мы провели вместе в репетиционных залах, у меня усилилось желание дать ребятам что-то новое, поделиться секретами мастерства.

– Уроки в «Сириусе» отличаются от тех занятий, что Вы проводите со своими воспитанниками: здесь другой уклад – интенсивный, многоплановый день. Расскажите немного о том, как Вы здесь строили работу с учениками.

– Каждый день мы уделяли полтора часа классическому уроку. Дополнительно дети час занимались с педагогом гимнастики. К общему расписанию добавлялись уроки историко-бытового и народно-сценического танцев. После этого час-полтора выделялись на обязательную репетицию номеров к отчетному концерту. И конечно ребята не забывали об общеобразовательных предметах: с утра или вечером (в зависимости от расписания) они занимались школьными дисциплинами. Это нелегко.

– Получается, Вы проводите с учениками по несколько часов?

– Конечно! В программе, на которую я приезжала, участвовали воспитанники школ искусств, которые прошли индивидуальный отбор. Но ребята не являются учениками профессиональных балетных училищ и академий. В своих школах они занимаются по несколько часов четыре раза в неделю и в «Сириусе» мы старались дать им большой объем именно балетной программы. Ребята действительно столкнулись с огромной физической нагрузкой. Для педагога это очень ответственно: ему надо правильно выстроить ход урока – от разогрева до более сложных технических комбинаций. И несмотря на то, что воспитанники уставали, все равно охотно приходили на занятия, это очень ценно.

– Заметили ли Вы прогресс у воспитанников за время вашей работы?

– Да, бесспорно! Например, когда начались занятия по историко-бытовому танцу с новым педагогом, у них как будто открылось второе дыхание. Удивительно: ребята впервые столкнулись с новым для них направлением, но сконцентрировались, постоянно старались понять особенности, вникнуть в суть. С каждым уроком, с каждой репетицией они становились все лучше и лучше.

– Для хорошей учебы важна комфортная среда. Каким должно быть учебное пространство, чтобы детям ничего не мешало становиться артистами и сосредоточиться исключительно на уроках?

– Самое важное – это атмосфера, которая царит в балетном зале. Какие бы стены и зеркала здесь ни были, без правильного настроя не будет нужного результата. И эта атмосфера полностью зависит от отношений педагога с его учениками. Если она благодатная, если есть старание и заинтересованность, тогда и впереди большой успех.

– Преподаватели часто говорят, что хвалить ребенка нужно даже за небольшие успехи. А как вы себя вознаграждаете за достижения, что вы себе разрешаете?

– Я могу даже кусок торта себе позволить. Люблю десерты и шоколад. И это миф, что балетные артисты не едят сладкого. Но, наверно, самая большая радость для меня, когда при большом количестве работы получается справиться со всеми своими «не могу», «устала» и просто перебороть себя. А уж если еще похвалит или подбодрит кто-то, то вообще появляются новые силы, мотивация двигаться дальше в любимой профессии.

– То есть важно так же хвалить и детей?

– Конечно! Детей нужно хвалить даже за самые маленькие достижения. Ведь, как говорят, нельзя стоять на месте, потому что один день простоя – это два шага назад. И чтобы воспитанник постоянно шел вперед, пусть даже маленькими-маленькими шажками, его надо постоянно поддерживать. Особенно, если педагог видит, как ребенок старается: всегда важно похвалить.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
.Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 24598
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Янв 16, 2022 9:36 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2022011601
Тема| Балет, БТ, Юбилей, Персоналии, Людмила Семеняка
Автор| Ольга Свистунова
Заголовок| Народная артистка СССР Людмила Семеняка отмечает юбилей
Балетмейстеру-репетитору Большого театра исполнилось 70 лет

Где опубликовано| © ТАСС
Дата публикации| 2022-01-16
Ссылка| https://tass.ru/kultura/13439643
Аннотация| Юбилей

Балерине, народной артистке СССР, балетмейстеру-репетитору Большого театра России Людмиле Семеняка в воскресенье исполняется 70 лет. Юбилейный день рождения она отметит в зрительном зале Исторической сцены Большого театра, где в ее честь будет показан балет Петра Чайковского "Лебединое озеро" в постановке Юрия Григоровича. Об этом сама именинница сообщила в интервью ТАСС.

"Большой театр приготовил мне сюрприз. В мою честь пройдет спектакль "Лебединое озеро", который я больше всего танцевала и с которым объездила все сцены мира", - сказала Семеняка.

Она отметила, что с именно с "Лебединого озера" началась ее профессиональная биография балерины. "Я начинала с "Лебединого озера". Когда я была приглашена в Большой театр Юрием Николаевичем Григоровичем (тогда главный балетмейстер Большого театра), это был мой первый спектакль. Всю жизнь со мной этот балет. Это - главный балет для балерины, символ моей жизни", - заявила собеседница агентства.

"Я очень благодарна руководству Большого театра, что сегодня мне устроят замечательный праздник балета, артистам, которые в честь меня будут танцевать. Что может быть прекраснее такого сердечного поздравления? Это моя труппа, мой родной дом. Я просто счастлива", - призналась артистка.

Она уточнила, что сейчас занимает пост балетмейстера-репетитора. "Я считаю себя педагогом-репетитором. У меня совсем молодые ученицы и мои прежние ученики. Я работаю, репетирую с ними, и это очень интересно. Кстати, моя ученица известная балерина Анна Никулина будет исполнять партию Одетты-Одиллии в сегодняшнем "Лебедином озере". В других главных партиях выступят Артем Овчаренко (принц Зигфрид), Михаил Лобухин (Злой гений) и Иван Сорокин (Шут)", - добавила именинница.

Поздравление от Григоровича

Поздравление в адрес Людмилы Семеняка направил хореограф, народный артист СССР Юрий Григорович, который в своем послании оценил творческий путь балерины.

"В труппу Большого балета Людмила Семеняка пришла, во-первых, балериной, во-вторых, балериной ленинградской школы. Это в ней изначально привлекло и было зримо выражено. Но она несла в себе и нечто сверх очевидного: восторг жизни и профессии, упоение каждым мгновением сценического существования. Она, как дитя, радовалась возможностям танца, открываемым в классе с Галиной Улановой и Мариной Семеновой. Она буквально сияла в любом из балетов Чайковского, Глазунова и Адана, да и в современной хореографии, прибавлявшей тревог и трагических открытий ее гармоничному миру. Все, чего она касалась, одухотворялось восторженной и немного нервной балеринской природой", - написал Григорович.

Он напомнил один, с его точки зрения, знаковый эпизод. "Однажды Марина Тимофеевна Семенова, проходя за кулисами, на мгновение замерла - в этот момент на сцене, как обычно бывает, что-то проверяла или просто разогревалась, готовилась Люда. Семенова остановила зоркий взгляд на какой-то позе. "Хороша!" - сказала она и проследовала дальше", - рассказал Григорович.

По его словам, "Семеняка никогда не надеялась только на это "Хороша!", только на собственные, щедрые от рождения данные". "Она погружалась в огромную и неизвестную ей работу Большого театра тех лет - 1970-х годов. Она выступала в очень насыщенном контексте, еще танцевали все наши звезды той поры, более того, были в расцвете. Семеняка влилась в труппу на равных со всеми и совершила восхождение. По ней можно было понять, что способна индивидуальность прирастить к классической партии или современной роли. Двигаясь в общей академической традиции и освоив огромный классический репертуар, Семеняка многое создала впервые: Джульетту в "Ромео и Джульетте", Анастасию в "Иване Грозном", Риту в "Золотом веке", Леди Макбет в "Макбете", Геро и Беатриче в "Любовью за любовь", Роксану в "Сирано де Бержераке", Даму сердца в "Фантазии на тему Казановы" и особенно любимую ею Валентину в "Ангаре". Собственно, ее успехи, следовавшие быстро, никого не удивляли. Оставалось удивляться ее способности одухотворять личным присутствием и дуновением новый материал любой сложности", - оценил балетмейстер.

"Так и родилась на наших глазах крупнейшая русская балерина Людмила Семеняка. Она - в истории Большого театра и по-прежнему в наших сердцах", - говорится в поздравлении Григоровича.

О балерине

Людмила Семеняка родилась 16 января 1952 года в Ленинграде (ныне Санкт-Петербург). В 1970 году окончила Ленинградское хореографическое училище (ныне Академия русского балета им. А. Я. Вагановой). В 1970-1972 годах была артисткой балетной труппы Ленинградского академического театра оперы и балета им. С. М. Кирова (ныне Государственный академический Мариинский театр, Санкт-Петербург).

С 1972 по 1998 год - солистка балетной труппы Государственного академического Большого театра. Среди исполненных ею партий: Китри в "Дон Кихоте" и Никия в "Баядерке" Людвига Минкуса, Жизель в одноименном балете Адольфа Адана, Одетта-Одиллия в "Лебедином озере" и Мари в "Щелкунчике" Петра Чайковского, Раймонда в одноименном балете Александра Глазунова, Зарема в "Бахчисарайском фонтане" Бориса Асафьева, Фригия в "Спартаке" Арама Хачатуряна, Валентина в "Ангаре" Андрея Эшпая, Ширин в "Легенде о любви" Арифа Меликова.

Людмила Семеняка также сотрудничала с Парижской оперой, Королевским Шведским балетом, театром "Колон" (Буэнос-Айрес, Аргентина) и др.

В 1998 году завершила карьеру балерины. С 2002 года по настоящее время является педагогом-репетитором Большого театра. Под ее руководством репетировала народная артистка РФ Светлана Захарова, сейчас в ее классе первые солистки Анастасия Меськова и Дарья Хохлова, солистка Виктория Якушева и другие балерины.

Людмила Семеняка - народная артистка СССР (1986). Удостоена премии Ленинского комсомола (1976), Государственной премии СССР в области литературы, искусства и архитектуры (1977). Является лауреатом Международного конкурса артистов балета в Москве (1969), Международного балетного конкурса в Варне (Болгария, 1972), Всесоюзного конкурса балетмейстеров и артистов балета в Москве (1972), Международного конкурса артистов балета в Токио (Япония, 1976).
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
.Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 24598
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Янв 16, 2022 9:46 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2022011602
Тема| Балет, БТ, Юбилей, Персоналии, Людмила Семеняка
Автор| Ярослав Седов
Заголовок| ЗОЛОТОЕ ПРИКОСНОВЕНИЕ ЛЮДМИЛЫ СЕМЕНЯКИ
Где опубликовано| © Журнал Музыкальная жизнь
Дата публикации| 2022-01-16
Ссылка| https://muzlifemagazine.ru/zolotoe-prikosnovenie-lyudmily-semen/
Аннотация| Юбилей

16 ЯНВАРЯ БОЛЬШОЙ ТЕАТР РОССИИ ОТМЕЧАЕТ ЮБИЛЕЙ ОДНОЙ ИЗ СВОИХ САМЫХ ЯРКИХ БАЛЕРИН, А НЫНЕ ПЕДАГОГА ТРУППЫ, НАРОДНОЙ АРТИСТКИ СССР ЛЮДМИЛЫ СЕМЕНЯКИ

В честь артистки будет дан спектакль «Лебединое озеро» Юрия Григоровича, ведь с триумфального выступления в роли Одетты-Одиллии она в 1972 году начала свою творческую биографию на сцене Большого. Образ Лебедя стал одним из главных, в котором весь мир признал Семеняку символом русского балета, продолжательницей его магистральных традиций. А, кроме того, он ярко высвечивает главную тему ее творчества и мировоззрения: поиск и отстаивание Истины в столкновении с обстоятельствами и силами, неизмеримо превосходящими возможности человека постичь их.

Исполнительские трактовки Семеняки воплощали эти темы в балетах всех эпох, от классики до ХХ века. Самоотверженность Одетты, заслоняющей принца от Злого Гения в финале «Лебединого озера». Лучезарное сияние Авроры, играющей со смертоносным веретеном. Великодушие и стойкость Жизели, помогающей возлюбленному преодолеть месть потустороннего мира. Жертвенность царицы Анастасии, вдохновляющей и буквально поддерживающей Ивана Грозного. Этим акцентам и мотивам, заданным драматургией спектаклей, Семеняка придавала шекспировский масштаб и смысл: состояния своих героинь она соотносила с судьбами мира, в которых существовали ее персонажи.

В тоже время она воплощала эти серьезные темы с моцартовской легкостью, которой был пронизан весь ее танец – виртуозно отточенный, аристократически свободный, полный жизнеутверждающей энергии, вдохновения и радости творческих озарений. Ее героини захватывали искренностью и непосредственностью живых сегодняшних чувств, а также редкой для балетной сцены глубиной психологизма. Они твердо отстаивали свою систему ценностей, обнаруживали несгибаемый стержень собственных принципов. «Семеняка — прекрасная классическая балерина. Но дело не только в этом. Ее особое, неповторимое обаяние заключается в таланте и умении создать на сцене образ живого человека во всем многообразии его душевных движений, порывов, страстей. Это качество довольно редкое и драгоценное», – писал режиссер Борис Львов-Анохин.


Жизель,. Фото: Владимир Пчелкин

Острота ощущения жизни, ценность неповторимого момента и смысловые открытия, пронзающие сознание в сопоставлении этого мгновения с Вечностью, неотделимы для ее героинь от понятия Истины. Поверять миг бесконечностью и наоборот – их принцип: требуя клятвы в верности навсегда, Жизель поверяет ее подлинность гаданием на простом полевом цветке, живущем считанные дни. Целый мир выстроенных отношений рушится для Одетты, Никии, Эсмеральды, Валентины в «Ангаре» и других от одного неверного жеста: сиюминутная актуальность не существует для них вне незыблемых ценностей. Но героини Семеняки никогда не жертвы; даже погибая, они всегда победительницы. Они восстанавливают разрушенное не только прощением и самопожертвованием, но прежде всего побеждая конфликты силой гармонии, которую воплощают всем своим существом.

Этот аспект предопределен как природой дарования Семеняки – балерины дивных пропорций и линий, созданной для воплощения идеалов красоты, – так и ее родственной причастностью к непрерывной театральной традиции. Семеняка – образцовая представительница русской балетной школы, получившая великолепную выучку в классе Нины Беликовой, ученицы Агриппины Вагановой. Всю жизнь она работала с главными мастерами золотой эпохи: Галиной Улановой, Мариной Семеновой, Асафом Мессерером, Юрием Григоровичем, Симоном Вирсаладзе и многими другими.


[img]Рита из балета “Золотой век”. Фото из личного архива Людмилы Семеняки[/img]

Казалось бы, о каких поисках истины вести речь, когда она сама и есть квинтэссенция художественных истин? Однако, стремление «почивать на лаврах» противоположно ее характеру, будоражащему все и вся бесконечными поисками новых аспектов постижения искусства и бытия. Она постоянно стремится максимально расширить свой энциклопедически обширный профессиональный опыт, работая с мастерами разных школ и направлений, развивая унаследованные традиции, создавая собственное художественное пространство как балерина, как педагог-репетитор, хореограф-постановщик и даже художник по костюмам.

Находки, сделанные ею в этих поисках, выводят значение сделанного Семенякой из хронологических рамок ее эпохи в пространство большой истории театра. Многие из них открыли нашему балету новые перспективы в сложные периоды его истории. Среди важнейших – умение создать образ стиля разных эпох, органично совмещая принципиально важные старинные детали с техникой и эстетикой сегодняшнего дня: тема, ждущая фундаментального исследования.

В знаменитом фокинском «Лебеде» Семеняка создала свой неповторимый образ. Она соединяла абрисы и характерные позы Анны Павловой с рисунком, показанным ей Галиной Улановой, и выразительностью движений рук. Но прежде всего она акцентировала основную пластическую тему Фокина: завораживающее pas de bourrée, зримо сочетающее взаимоисключающие, но притом неразделимые качества: трепетное пульсирующее движение и покой. Взволнованность и умиротворенность. Протест и смирение. Величие прима-балерины императорского театра и психологическую тонкость артистки ХХ века. Исповедь души, примирившейся с конечностью земного бытия, и достоинство личности, способной выразить себя. А в сочетании с многогранностью стилистических оттенков – поэтическая формула, ключ к пониманию природы русской хореографической традиции, капля воды, в которой способен отразиться весь балетный мир.

Самые интересные из ее находок связаны с тем, что Семеняка мыслит как драматург, высвечивая и интерпретируя ключевые мотивы ситуаций, выявляя источники формирования смыслов. В своей авторской версии «Лебединого озера», которую Семеняка поставила в Екатеринбурге как хореограф, она нашла динамичный сценарный ход. Действие спектакля разворачивается не в обычных романтических дворцах и пейзажах, куда судьба проникает как нежданный гость, а, напротив, в замке мрачного рыцаря Ротбарта, то есть в пространстве, определяющем судьбы героев. Ротбарт представлен вассалом Владетельной принцессы, прибывающей к нему в гости вместе с сыном, принцем Зигфридом. Преображение замка в озеро и развитие отношений Зигфрида с Одеттой представлены как история духовного поиска и обретения истин, которые герой не в состоянии осознать, пока не пройдет психологические испытания.

В динамичное, лишенное отвлекающих подробностей действие, вписались знаменитые сцены лебедей в хореографии Льва Иванова, па де де Одиллии и Зигфрида в хореографии Мариуса Петипа и две вариации Александра Горского. Остальное Семеняка сочинила сама. Ее танцы, составленные из простых элегантных движений, отличаются музыкальностью, стройностью композиции и выразительностью комбинаций. Кульминацией спектакля стал поставленный Семенякой дуэт героев в четвертом действии: Принц готов искупить невольное предательство, но даже понимание и прощение героини уже не могут изменить роковую ситуацию.

Однако главное дело Семеняки сегодня – работа в качестве педагога Большого театра, в которой она успешно проявляет себя последние двадцать лет, помогая готовить партии артисткам разных поколений и положения в труппе, от опытных балерин до вчерашних выпускниц.

Ее эффективность в этом амплуа можно обозначить знаменитым выражением «золотое прикосновение». Результаты видны сразу, потому что она умеет найти точные актерские подходы к образу, выстраивающие роль в целом. В этом она прямая наследница своей великой наставницы Галины Сергеевны Улановой, побуждавшей искать то «зерно роли», которое всегда позволит артисту быть с публикой на острие сосредоточенного диалога об актуальных аспектах сегодняшней жизни.

Своих подопечных Семеняка не называет ученицами, только коллегами. В каждой из них она уважает индивидуальность. И с каждой ведет предельно уважительный, но бескомпромиссный диалог, требуя того же, что и от самой себя: максимально развивать и реализовывать свои способности, преодолевать сомнения и слабости, расти как личность, быть готовым принять на себя ответственность за духовные ценности русского театра. В ее представлении все это неотделимо от понятия «настоящий артист», идущий своим путем постижения истин, открывающий новые смыслы, ведущий свою тему.

Трудно держаться этой планки, и в этом отношении работать с Семенякой непросто. Но ее критерии принципиальности и профессионализма влияют и на театр в целом, включая тех, кто непосредственно с ней не сотрудничает. Она из тех, кто поднимает уровень одним своим присутствием. Рядом с ней нельзя быть ненастоящим.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4  След.
Страница 2 из 4

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика