Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2021-09
На страницу Пред.  1, 2, 3  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 23591
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Сен 08, 2021 11:00 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021090802
Тема| Балет, Большой театр имени Алишера Навои, Премьера, Персоналии,
Автор| Тамара Санаева
Заголовок| Балет «Лазги»: древние сказания и танцевальные мифы нового века
Где опубликовано| © www.nuz.uz «Новости Узбекистана»
Дата публикации| 2021-09-08
Ссылка| https://nuz.uz/kultura-i-iskusstvo/1207580-balet-lazgi-drevnie-skazaniya-i-tanczevalnye-mify-novogo-veka.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


В Государственном Академическом Большом театре имени Алишера Навои состоялась премьера современного балета «Лазги — танец Души и Любви».

Сказать новое слово в искусстве хореографии – дело непростое. Можно гордиться, что 5 сентября в Ташкенте такое слово прозвучало на всем понятном языке — в танце. И, надеемся, оно будет услышано не только на овеянной танцевальными легендами земле Узбекистана, но и в мировых театральных столицах, рассказывая об истории, традициях и современной культуре узбекского народа.

Несмотря на «закрытый» формат первого премьерного показа, зал театра оперы и балета имени Навои в день премьеры был заполнен, насколько только было позволительно при эпидемиологической ситуации. Публика большей частью молодая, светская, приглашённая организаторами – Фондом развития культуры и искусства при Министерстве культуры Республики Узбекистан. Но постановка покорила зрителей всех возрастов – их в зале было немало.

Динамичная танцевальная феерия, построенная на синтезе узбекской и европейской музыки и современной хореографии, захватила с первой же сцены.

Остановим взгляд на главных фрагментах балета, чтобы представить объёмную картину необычайно сложной и, вместе с тем, очень красивой и зрелищной современной постановки, все части которой спаяны лейтмотивом старинного и, пожалуй, самого популярного в Узбекистане, танца лазги, признанного ЮНЕСКО нематериальным культурным наследием человечества.

Оазис Шёлкового пути

Мистическая картина золотых барханов азийской пустыни… Поток сыплющегося с небес песка – символ неостановимого, текущего из бесконечности в бесконечность времени, способного всё засыпать и покрыть забвением. Хрупкая, почти прозрачная, надломленная женская фигурка, бредущая сквозь барханные миражи. Вот она оказалась под струёй сыплющегося песка, вот упала… Еще немного – и тонкое тело поглотят барханы.

Но цепь жизни не может быть прервана. Пустыню пересекает караван, в оазисах бурлит жизнь. Люди видят погибающую женщину, пытаются ей помочь. Вечная сила животворящей музыки вливается в её кровь, наполняя силами. Женщина эта – Душа, и она начинает свой танец, наполняя смыслом всё сущее.

О любви караванщика к вечной танцующей Душе и пойдёт повествование в балете. О ней – музыка, танец, песни народных музыкантов. О Любви и Душе — главных героинях постановки. И бессмертном танце лазги.

В хранилище культурных ценностей

На сцене – музейный зал. В стеклянных витринах-кубах — экспонаты. В одном из них Душа и её Возлюбленный. В другом – переливающееся серебристой чешуёй, извивающееся то ли морское, то ли земное мифическое существо. В стекле витрин, как в зеркалах, отражаются фигуры музейных посетителей.

Среди них – прекрасная, вечно юная Любовь. Действия и движения персонажей замедленные, плавные. Прошлое и настоящее сливаются в отражениях – они неразделимы.
Душа, выйдя из трехмерного куба, переходит в измерение вечности, танцуя с прекрасной Любовью. Душа и Любовь едины в своих устремлениях. Танец их одухотворен и чарующ. И как Душа не может существовать без Любви, так и Любовь не может быть бездуховной – это две стороны единого начала, показанные в общем танце с Возлюбленным.

Анракт

Традиционный перерыв между действиями балета «Лазги» превратился в многофигурный перфоманс. Материализовались в театральном холле народные музыканты. Обменивались впечатлениями зрители, брали интервью журналисты. Живая музыка связала театральное и реальное, стирая условные границы жизни и сцены.

А для нас пришло время заглянуть в закулисье и поговорить с Душой и Любовью — о балете и работе над ним.

Заслуженная артистка Узбекистана Надира Хамраева

— На мой взгляд, балет «Лазги» — долгожданный прорыв в сверхсовременный этап культурной жизни нашего театра, города, нашей республики. Моя роль в спектакле — Душа. Она является неотъемлемой частью танца лазги. Как передать на словах, каково это — танцевать чистую женскую Душу? Таких слов, описывающих мои ощущения, не придумали. Но Раймондо Ребек прекрасно поставил пластику танца и выстроил манеру, которая всем понятна и не нуждается в словах. Роль полностью совпала с моим понимание женской Души.

Артисты балетной труппы ГАБТ до этой постановки вполне свободно и комфортно ощущали себя как в классическом репертуаре, так и в фольклорном танце. А вот их слияние и смешение с современным стиле балета, который мы еще называем contemporary, — совершенно новый опыт для наших артистов. В подобном синтезе я работала в Аргентине, но и для меня «Лазги» стал глотком свежего воздуха.

Когда мы только начинали работать над балетом, всем было трудно, и начиналось всё достаточно напряжённо. Хотя сразу почувствовали, что постановщик Раймондо Ребек – лёгкий и позитивный человек. Вспоминая начало и видя результаты полугодовой работы, понимаешь, как изменились, как выросли артистически, физически и эмоционально наши артисты. Тех, кто попал в этот проект, объединило нечто большее, чем просто работа. Появилось настоящее понимание современного танца, и мы научились работать осознанно. Естественно, я сейчас не веду речь об исполнителях, имеющих такой багаж, как сольные партии и партнёрство на сцене, хотя и мы многое почерпнули для себя. Я радуюсь за ребят, которые не танцевали столько, не работали в партнёрстве так, как им пришлось работать в «Лазги». О тех, кто не был прежде так эмоционально втянут ни в один балет, как они втянулись в этот.

Это были полгода совершенно другой жизни, не похожей на прежнюю. Главная составляющая этой магии – мы всё начали с нуля! И нам всем очень повезло, что именно Раймондо Ребек был выбран в качестве балетмейстера. Он же и автор либретто. Работать с Раймондо — сплошное удовольствие! И тут я тоже могу сказать не только от себя лично, но за каждого артиста проекта. Этот человек необыкновенно талантлив, и он стопроцентный профи. В то же время — он понимающий. И всегда честный с артистами. Он мог говорить и строго. и с тонким юмором, но это всегда была правда и конкретика.

Я рада, что все сложилось так как должно было быть нам по судьбе, что именно сейчас нам выпала честь работать с такой мега профессиональной командой. Каждый из них мастер в своей сфере — хореограф, композитор, сценограф, режиссер по свету. Каждый день благодарю судьбу, что попала в проект! Раймондо лично отбирал артистов для постановки и следовал исключительно своим профессиональным взглядам. В этот проект «по блату» не попал никто!

После премьеры зрители говорили, что тронуты спектаклем, что у многих на глаза наворачивались слезы. А ведь спектакль не трагический — он о вечной красоте танца лазги, который и в прошлом, и в настоящем несёт в себе позитив и жизнь. И если люди плачут в конце спектакля — это слезы от увиденной красоты, завораживающей картины всего происходящего. Потому что, когда красиво и с любовью, то можно и расплакаться! И это безумно приятно!

После премьеры главное для нас — не потерять связь и энергию, которую мы почерпнули! Мы как корабль в драгоценностью, который нужно провести по всему земному шару. Пожелаем Большого плаванья Большому кораблю по имени «Лазги».

Солистка балета ГАБТ Эльмира Юсупова

— Я танцевала Любовь в новом балете. Сказать честно, и не мечтала попасть в первый состав солистов, и считаю, что мне очень повезло. К тому же, партия ставилась на мои возможности, на мои данные — это тоже было со мной впервые.

В современном стиле я ещё никогда не танцевала, и мне было немного сложно перестроиться с классики на иной стиль. Всё-таки классика — основа всего. Даже в этом современном спектакле нас просили выворачивать пяточки, дотягивать стопы, вытягивает колени — все это идёт от классики. А вот расслабить корпус, не танцевать с постоянно ровной спиной это было для нас новое.

Многие зрители говорили, что не слышали привычного постукивания пуантов по сцене. Раймондо Ребек поставил такие движения, в которых сходы с пуантов были плавные, и поэтому слышимость наших сходов была минимальная. Если объяснять подробнее, он просил сходить мягко, через полупалец. Теперь, я думаю, классику мы будем танцевать ещё лучше, так как лучше чувствуем своё тело, новые для нас группы мышц, которые в классике не задействованы.

Раймондо Ребек — настоящий мастер своего дела. Он искал подход к каждому из нас. Он вывернул каждого артиста наизнанку, чтобы мы были настоящие, искренние на сцене. Раймондо так верил в каждого из нас, что хотелось работать на максимуме и добиваться самых лучших результатов.

Очень поддерживали меня и партнеры по сцене Надира Хамраева, Радион Исянов, Улугбек Олимов. Все педагоги и артисты, участвующие в этом спектакле, сыграли огромную роль. Каждый помогал мне стать лучше, за что я им очень благодарна. Я до сих пор в эйфории от всего, что происходило в эти месяцы.

После антракта: Прошлое, настоящее и будущее в деловом современном мире

Трудно передать цельное впечатление о балетном спектакле «Лазги». Его полифоничное звучание проявлено в музыке, хореографии, сценографии, свете. И в философском осмыслении истории и культуры на примере одного народного танца.

Второе действие рисует картину делового мира. Люди-роботы, механистические стандартные действия, черно-белый мир, в котором нет места эмоциям. Рок в музыке – и рок прогресса, казалось бы, выхолащивают саму способность к тонким эмоциям.

Но невозможно уничтожить культуру народа даже в строгом деловом мире. Танец становится скрепой между прошлым и настоящим. Он живёт сегодня и будет жить в будущем, проявляясь по-новому при каждом исполнении — и как традиционная народная классика, и как популярное любительское исполнительство.

Невозможно устоять на месте при зажигательных ритмах хорезмского танца. Казалось, вот-вот кто-то из зрителей в зале не усидит на месте, включится в действие и начнет танцевать в проходе между кресел. Лазги танцуют на свадьбах, народных гуляньях, в любом костюме и на любой площадке. Так и показано в балете.

Традиции лазги – от движений кисти до говокружительных вращений, изощрённые балетные па и поддержки — всё это узорчатой вязью соединил продуманный и свободный хореографический рисунок балетного действия. Оно захватывает и эмоционально, и интеллектуально, не отпуская зрителя ни на минуту. Чувства влекут за собою мысли, размышления порождают эмоции.

Ты — моя Любовь! Ты — моя Душа!

Балет поражает современным хореографическим прочтением, красотой сценографии, костюмов, световыми эффектами. Он по-хорошему зрелищный. От сцены невозможно оторвать глаз, даже если на ней нет ни единого танцовщика – игра света и парящих переливающихся полотен завораживает космической магией движения, придавая эмоциональный накал действию. Море свечей – земные огни, свечи над сценой – словно звёзды над просторами степей. И в этом волшебном свете играет всеми гранями, позванивает браслетами лазги.

Невероятно выразительна сцена «разговора» артистов на языке жестов со зрителями. В динамике звучит голос народной артистки Узбекистана Гавхар Матякубовой, руководителя Школы Лазги в Ургенче, центре Хорезмской области. Мягко и проникновенно, с характерным хорезмским акцентом она говорит о значении лазги для народа и культуры.

— Лазги мен учун бахтдир. Лазги мен учун бу ҳаётдир. Лазги мен учун бу тириклик ва жондур. Лазги рақсига ўйнаётганимда, мен шу ҳаётни ҳис этаман, шу борлиқни ҳис этаман, шу оламни ҳис этаман, осмон билан ернинг орасиндаги борлиқни ҳис этаман. Чунки лазги инсонга жон берган фаслдир. Лазги борки, бутун дунё хуш босқични босиб ўтгайдир. Лазги бетакрор, умрбод ва умрбоқийдир. — Лазги для меня – это счастье. Лазги для меня – это жизнь. Лазги для меня – это существование души. Когда я танцую лазги, я чувствую эту жизнь, я ощущаю себя, я чувствую этот мир, я чувствую всё сущее между небом и землей. Потому что Лазги — это та пора, которая дает человеку жизнь. Пока есть Лазги, мир всё выдержит. Лазги уникальный, бесконечный и вечный.


Лазги в балете танцует ученица Гавхар Матякубовой, одна из лучших исполнительниц Хорезма, лауреат премии Нихол Дильноза Артикова.

Спектакль высоко оценили зрители.

Эльмира Тухватуллина, заслуженный журналист Республики Узбекистан
— Это абсолютно «новое слово» в нашем балете: микс Востока и Запада, трогательная история о самом солнечном танце на земле языком пластики.

Рина Розенштейн, педагог музыкальной школы имени Глиэра
— Затаив дыхание, смотрела балет. Боялась шелохнуться. Музыка, декорации, танцевальное искусство… Потрясающе, я восхищена!

Долго не смолкали овации после премьерного показа «Лазги» – зрители стоя аплодировали артистам и международному творческому коллективу.

Напомним, что над проектом работали: автор идеи Саида Мирзиёева, руководитель проекта Гаянэ Умерова, автор либретто и хореографии Раймондо Ребек, сценограф Йоко Сеяма, художник по костюмам Фрол Буримский, автор музыкальной аранжировки и композиции Дэвидсон Жаконелло, художник по свету Тим Вацлавек и консультанты по народному танцу лазги Гульнора Мусаева и Гавхар Матякубова.

Балет ожидает большой гастрольный тур за рубежом. Пожелание публики – повторить премьерные показы еще несколько раз в Ташкенте, чтобы как можно больше зрителей в Узбекистане насладились искусством постановки «Лазги» в мастерском исполнении талантливых артистов ГАБТ.


Видео автора

Фото предоставлены Фондом развития культуры и искусства и из интернета


=======================================================================
ВСЕ ФОТО и ВИДЕО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 23591
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Сен 09, 2021 5:48 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021090901
Тема| Балет, Санкт-Петербургский государственный академический театр балета имени Леонида Якобсона, «Лебединое озеро», Персоналии, Сергей Крылов, Андрей Сорокин, Алла Бочарова
Автор| Александр Максов
Заголовок| Когда театральная иллюзия – реальность
Где опубликовано| © "Музыкальные сезоны"
Дата публикации| 2021-09-09
Ссылка| https://musicseasons.org/kogda-teatralnaya-illyuziya-realnost/
Аннотация|

Санкт-Петербургский государственный академический театр балета имени Леонида Якобсона – коллектив уникальный. Сегодня продолжается пятидесятилетняя история детища великого хореографа. Здесь бережно – практически эксклюзивно – хранят его балетные шедевры от миниатюр «Родена» до одноактных балетов «Клоп», «Свадебный кортеж», одновременно наполняя афишу разножанровыми современными постановками. Это уже заслуга художественного руководителя театра – экс-премьера Мариинского балета Андриана Фадеева. Конечно, он не оставил без внимания и классическое наследие. Для постановки «Дон Кихота» и «Спящей красавицы» приглашались балетмейстеры датчанин Йохан Кобборг и француз Гийом Бар, а для «Лебединого озера» и «Жизели», к примеру, за основу – так естественно – взяты версии Мариинского театра. На его исторической сцене якобсоновцы показали символ хореографического искусства – «Лебединое озеро», возобновив тем самым творческую активность, скованную в последнее время пандемией коронавируса.


Алла Бочарова – Одетта, Андрей Сорокин – Зигфрид

ДАЛЕЕ ЧИТАЕМ ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 23591
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Сен 11, 2021 10:43 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021091101
Тема| Балет, Воронежский театр оперы и балета, Персоналии, Иван Негробов
Автор| Ирина Лазарева
Заголовок| «Драматическое проживание»
Заслуженный артист Воронежской области – о непростой профессии танцора балета

Где опубликовано| © Газета «Берег» №60 (2521)
Дата публикации| 2021-09-02
Ссылка| http://www.bereg.vrn.ru/37653.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



В репертуаре Ивана Негробова множество партий классического и современного репертуара. Он перетанцевал всех принцев из балетов Чайковского, исполняет партии Альберта и Конрада в «Жизели» и «Корсаре», танцует Ромео в балете Прокофьева…

В 2020 году вместе со своей партнершей Елизаветой Корнеевой Иван победил в проекте «Большой балет» на канале «Культура», после чего его стали называть лидером воронежского балета. А летом этого года Ивану присвоили звание заслуженного артиста Воронежской области…

ВСЕ ИНАЧЕ

– Получение звания заслуженного артиста означает естественное профессиональное развитие, но часто ли его присваивают молодым артистам балета?


– Как правило, такие звания дают за выслугу лет артистам, которые перестают танцевать или уходят на пенсию. У меня получилось иначе: присвоили звание на пике моей профессиональной деятельности – в театре я десять лет. А «век» артиста балета – всего-навсего 15-20 лет. Рад, что могу еще потанцевать, порадовать зрителей. Мне есть еще куда расти, и полученное звание нужно оправдывать. Главное в нашей профессии – добросовестно работать и никогда не сдаваться.

– Вы воспитывались в творческой семье, с двухлетнего возраста видели балетное закулисье. Вы романтизировали профессию артиста или всегда знали, что это колоссальный труд?

– Мне захотелось танцевать во многом благодаря тому, что я видел в театре, но понимал, что в балетном училище будет тяжело: это не только балетный станок, но и общеобразовательная программа. Восемь лет подряд. А в самом начале пути не особенно интересно заниматься балетом, я бы даже сказал, что скучно. Это на последних курсах добавляются прыжки, взаимодействие с партнершей, изучение народных элементов, а сначала осваиваются только очень простые шаги. То же самое – когда ребенок берет ручку и старается выводить крючки. И это происходит очень медленно и очень долго повторяется, чтобы достигнуть автоматизма движений.

Моя профессия, если быть откровенным, начала мне нравиться только в театре, лишь там сумел полюбить ее в полной мере. Но я просто понимал, что балетная школа – это тернистый путь, который нужно пройти, прежде чем станцевать хотя бы в кордебалете. Само это время, путь на сцену, – как армия.

– Почему?

– Все время приходится делать одно и то же и слушать «командира», в нашем случае педагога. Иногда все-таки хочется посидеть и отдохнуть: в балетной школе серьезные нагрузки для ребенка. Но не было времени полениться. Все, что я мог, это прийти домой в шесть вечера и упасть на диван, чтобы хотя бы на несколько минут почувствовать, что не делаю ни-че-го. Но потом вставал и делал уроки.

Хотя, знаете, я все-таки позволял себе лениться больше, чем стоило бы. Сейчас, конечно, понимаю, что окончить училище мог бы с лучшими результатами.

ДОБРЫЙ ПАПА

– Каково учиться в классе своего легендарного отца – заслуженного артиста России Михаила Негробова?


– Отец был очень требователен к каждому ученику, и мне, как и всем, каждый день приходилось доказывать, что смогу быть артистом балета. Но отец умел разделять работу и семью так, чтобы я это понимал. Дома и в училище я видел как будто разных людей. Во время обучения это был строгий педагог, а дома – добрый папа. И это так мудро было с его стороны. Отец был для меня примером, конечно. У меня подрастает сын, ему скоро четыре, мы уже наблюдаем в нем задатки артиста. Возможно, он тоже продолжит династию, если захочет. Если нет, то результата не будет.

– То есть у ребенка больше шансов стать хорошим артистом, если у него, скажем, средние задатки, но большое стремление, чем когда у него отличные природные данные и полное отсутствие желания работать над собой?

– Однозначно. Все идет от желания. Но у мальчиков не такая жесткая конкуренция, как у девочек. Чтобы девочка стала примой или хотя бы могла танцевать сольные партии в балете, надо, чтобы звезды сошлись.

– А вы сами выбрали балет?

– Да. Хотя папа не хотел меня отдавать в балет. Он был против, потому что сам прошел весь этот путь и понимал, что мне предстоит. Да и ему, наверное, было меня жалко. Но я пошел. Почти сразу в училище подвернул ногу. Четыре года мучился страшно – икра болела. Такая же травма случилась и в прошлом году. Но я продолжал танцевать на обезболивающих. А в этом году сломал ногу. Не выходил на сцену, соскучился страшно.

– Как восстанавливаетесь после травм и поддерживаете форму?

– Хожу на лечебную физкультуру и массаж. ЛФК – очень важная штука, как оказалось, она действительно помогает восстановиться. Благодаря этому теперь, когда мы открыли сезон и готовим премьеру «Баядерка», могу разучивать свою сольную партию. Ну а в обычное время мне, к счастью, хватает просто репетиций, на диетах не сижу – все ем. А если на отдыхе, мне достаточно минимума физической нагрузки, могу на турнике подтянуться, просто гулять нравится.

– А вы любите дискотеки?

– Нет! Мне в театре хватает танцев.

НАСТОЯЩИЙ БАЛЕТ

– В последнее время танцевальные партии в балете приобретают драматическую окраску, хотя вас этому не учат


– Не совсем так. Драматическое проживание партии всегда в балете было, просто в какой-то момент с этим стало неважно. И часто казалось, что артисты балета просто танцуют, выполняют элементы без какого-то внутреннего наполнения. Но на сцене нельзя быть пустым. В училище есть предмет, на котором нас учат разбирать роли на составляющие, хотя, конечно, на это отводится не так много учебных часов, как у артистов драматических. Мы же можем набрать такой опыт только с выходами на сцену. Сейчас драматическая игра балетных артистов поднимается на какой-то новый уровень, поэтому зритель может воспринять это как новую тенденцию. Но так было всегда и так должно быть. Это и есть настоящий балет.

– Как вы думаете, чего не хватает современному балету? Воронежскому в том числе?

– В воронежском балете ситуация кардинально изменилась за последние несколько лет, поскольку в театре другое руководство. Наконец-то у нас хороший балетный пол в репетиционных залах, он позволяет снизить нагрузку на колени при приземлении.

В театре сейчас очень много работы, что не может не радовать. Раньше было два балета в месяц – и все, а сейчас полная афиша, фестивали, до ковида были гастроли, нас замечают эксперты «Золотой маски». Театр растет и идет в правильном направлении. Кадровый потенциал опять же: в этом году у нас хороший набор, причем ребята приехали из московских и питерских училищ. Это говорит о том, что Воронеж звучит на балетной карте России
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 23591
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Сен 12, 2021 5:56 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021091201
Тема| Балет, театр “Астана Балет”, Открытие сезона, Персоналии,
Автор| Ольга Шишанова
Заголовок| Балетное разнотравье
Где опубликовано| © Газета «Новое поколение» (Казахстан)
Дата публикации| 2021-09-07
Ссылка| https://www.np.kz/news.php?id=1665
Аннотация| Открытие сезона

В сентябре в столичном театре “Астана Балет” стартует новый театральный сезон, в котором его коллектив представит насыщенную программу - зрителей ждут как полюбившиеся постановки, так и премьерные спектакли. Мероприятия состоятся при поддержке Министерства культуры и спорта РК в рамках празднования 30-летия Независимости Казахстана



Во-первых, в предстоящие выходные состоится показ балета в двух действиях “Султан Бейбарс”, раскрывающий страницы жизни султана Сирии и Египта, в постановке главного балетмейстера театра Мукарам Авахри.

Этот спектакль - необычайно красивый, поразительно захватывающий рассказ о головокружительном пути к вершинам славы и власти. Такой путь всегда требует жертв во имя служения высшим целям.

Он рассказывает об удивительной и противоречивой судьбе человека, который прошел путь от воина - раба-мамлюка до могущественного правителя самого сильного государства на Ближнем Востоке в ХIII веке. Султана Бейбарса называли “Отцом побед” и “Опорой веры”, и он это заслужил. Рожденный в степях Дешт-и-Кипчак, Бейбарс I навсегда вошел в мировую историю как великий полководец, развеявший миф о непобедимости монгольской орды. Сохранилось немало легенд о Бейбарсе. Существует множество версий истории о головокружительной жизни султана, но все они сходятся в одном - на протяжении всей своей жизни он хранит в своей душе ностальгическую любовь к исторической родине - кыпчакской степи.

По словам хореографа, потому-то и акцент она делала на чувствах и переживаниях главного героя, его воспоминаниях о детстве, семье и матери, как всем том, что олицетворяет собой дом и Родину.

Зрелищные массовые сцены и богатые костюмы - тут нужно сказать спасибо изумительному мастеру, художнику по костюмам Асе Соловьевой. Художественные средства с фантазийными элементами мистики обещают погрузить зрителя в создающее полное ощущение сверхреальности происходящего на сцене.

Через неделю после показа “Султана Бейбарса” столичным зрителям и гостям города коллектив “Астана Балет” представит знаменитый балет “Легенда о любви”. Восточный колорит, глубокий философский подтекст, драматичный любовный треугольник, совершенная хореография и невероятной красоты массовые сцены предстанут перед зрителями как единое сценическое действие.

В то же время считается, что “Легенда о любви” - это один из самых знаменитых балетных спектаклей советской эпохи, классика XX века. В нем сошлось несколько гениальных компонентов, вознесших искусство балета на небывалую высоту. Это хореография прославленного Юрия Григоровича, это в основе либретто философская пьеса драматурга Назыма Хикмета. Это колоритная и сочная музыка, написанная Арифом Меликовым, и, наконец, это изящная и выразительная, при всей ее лаконичности, сценография, созданная Симоноя Вирсаладзе. Напомним, что в основе сюжета - древняя восточная легенда. Две сестры - Мехменэ Бану и Ширин - страстно влюбляются в придворного художника Ферхада. Ширин сразу покоряет сердце прекрасного юноши, а взаимная любовь для Мехменэ Бану невозможна, так как она когда-то пожертвовала своей красотой ради спасения жизни сестры. Вот только сбежавших из дворца влюбленных ждет тяжелое испытание, и Ферхад при этом жертвует своей любовью ради спасения народа.

Октябрь в театре “Астана Балет” будет представлен национальным дивертисментом “Наследие Великой степи”. Это нашумевшая концертная программа, состоящая из лучших образцов национальной хореографии в постановке казахстанских балетмейстеров, гармонично сочетающая в себе этнографические элементы и современные балетмейстерские решения, яркие образы и интересную драматургию. Кроме того, этот спектакль давно стал своеобразной визитной карточкой театра не только в Казахстане, но и за его пределами. Красота и нежность женского танца в постановках заслуженного деятеля Казахстана Айгуль Тати неизменно пленяют и восхищают зрителя. Тогда как неповторимый пластический рисунок, лаконичность и в то же время певучесть поз исполнительниц в ее постановках обладают притягательной силой и являются жемчужинами казахского народного танца.



И, наконец, как поделились с “НП” сотрудники театра “Астана Балет”, скоро его двери распахнутся для зрителя, ожидающего новой премьеры Dior. Ма Muse в постановке Ксении Зверевой при участии французского модного дома Dior. Спектакль обещает стать захватывающим балетом об одной из самых увлекательных и вдохновляющих историй из мира моды - жизни знаменитого модельера Кристиана Диора. Это повествование о мечтах, страсти и решимости, творчестве и судьбе, а также отношениях между творцом моды и его музой Аллой Ильчун.

Нур-Султан
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 23591
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Сен 12, 2021 8:36 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021091202
Тема| Балет, Михайловский Театр, Премьера, Персоналии, Родион Щедрин, Михаил Мессерер
Автор| Павел Ященков
Заголовок| Конёк-Горбунок взлетел в звёздное небо над Санкт-Петербургом
Михайловский театр открыл свой 189 театральный сезон новой премьерой

Где опубликовано| © "Московский Комсомолец"
Дата публикации| 2021-09-12
Ссылка| https://www.mk.ru/culture/2021/09/12/konyokgorbunok-vzletel-v-zvyozdnoe-nebo-nad-sanktpeterburgom.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Михайловский театр открыл свой уже 189-й театральный сезон одним из первых в стране. И сразу премьерой – знаменитым балетом Александра Радунского на музыку Родиона Щедрина «Конёк- Горбунок». В этом спектакли на сцену Большого театра в роли Царь-девицы когда-то выходила Майя Плисецкая, а в партии Ивана - Владимир Васильев, а увидеть его рвалась вся театральная Москва. Теперь легендарный балет в Санкт-Петербурге восстановил Михаил Мессерер - известный балетмейстер, наследник знаменитой балетной династии. И предстал «Конёк-Горбунок» в новом суперсовременном театральном оформлении, преображенным, помолодевшем. Точно так, как преобразился герой этой сказки Иванушка искупавшись поочередно в трех котлах: сначала в кипящем молоке, потом котле с горячей, а затем с холодной водою…


ФОТО: MIKHAILOVSKY.RU.

ДАЛЕЕ ЧИТАЕМ ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 23591
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Сен 13, 2021 6:43 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021091301
Тема| Балет, проект “Большие и маленькие” , Персоналии, Игорь Цвирко (БТ)
Автор| Дженнет Арльт
Заголовок| Игорь Цвирко: «Верить в искренность того, что ты делаешь»
Где опубликовано| © Smotrim.ru - канал “Россия-Культура”
Дата публикации| 2021-09-13
Ссылка| https://smotrim.ru/article/2612749
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



В сентябре на телеканале “Россия-Культура” стартовал третий сезон проекта “Большие и маленькие”. 80 коллективов со всей страны собрались в Москве, чтобы представить свое творчество телезрителям и членам жюри. Ведущий солист Большого театра Игорь Цвирко — один из участников судейской коллегии “Больших и маленьких”. В интервью Дженнет Арльт он поделился впечатлениями о проекте.

— Вы закончили сезон в театре и тут же начался новый сезон “Больших и маленьких”. Это Ваш первый опыт в роли члена жюри?

Игорь Цвирко:
Да. Когда мне было 25 лет, я участвовал в своем последнем балетном конкурсе (это был Московский международный конкурс артистов балета) и я подумал тогда: "Если еще и пойду на новый конкурс, то только членом жюри". И когда я участвовал в проекте "Большой балет" телеканала “Россия-Культура”, смотрел на членов жюри, и у меня промелькнула мысль: "Может, когда-нибудь окажусь на их месте". И вот, я — в жюри “Больших и маленьких”, такой своеобразный камбэк получился.

— И какие впечатления остались?

И. Ц.:
Мы были добрыми судьями. У нас не было задачи считать какие-то баллы, ставить оценки. Скорее в таком духе: "А попробуй так", "Обрати внимание, что...". То есть просто какие-то пожелания, указания, корректировки. Здесь это был, скорее... смотр коллективов со всей страны, и мы должны были просто высказать свои пожелания относительно увиденного. Поэтому было очень интересно, и здорово, что подобрался такой состав жюри. Несмотря на то, что съемки шли с утра до вечера, обстановка на площадке всегда была очень хорошей.

— Вы посмотрели 80 коллективов со всей страны, и как по-вашему мнению, обстоят дела с танцевальным искусством?

И. Ц.:
Честно говоря, до проекта “Большие и маленькие” я думал, что всё гораздо хуже в России — с танцем и в принципе с искусством. Но оказалось, что нет. Мы увидели огромное количество коллективов, которые действительно прекрасно танцуют и делают это талантливо. Я понимаю, какая у нас огромная страна, и что (гипотетически) может где-то и интернета нет в тех краях, откуда ребята приехали. Но и танцоры из самых отдаленных уголков России показывали хороший уровень.

— Ощущали ли вы разницу между Москвой и регионами?

И. Ц.:
Не заметил разницы. Но отмечу, что ребята из регионов более открыты. Многие танцевали просто от души, не стараясь понравиться. Просто самовыражались, это было так приятно. А у столичных детей другие плюсы — видна отточенность движений.

Но в общем все были очень разные. Запомнился один коллектив, их танец назывался “Городки”. Там были одни мальчики, и номер такой трюковый. Мы еще говорили, что, наверное, у них хореограф достаточно строгий. Сразу видна дисциплина...

— Как в балетной школе?

И. Ц.: В моей памяти особо не осталось событий, связанных с муштрой или со строгой дисциплиной в балетной школе. Она, конечно, была, но больше в отношении таких правил, как уважение к старшим, к педагогам.

— А что скажете про номера, которые были представлены на проекте?

И. Ц.:
Я давно не ходил в Московскую академию хореографии и Вагановскую академию, но то, что я видел на проекте, меня впечатлило. Конечно, девочек много, и тут открывается и другая сторона медали: многие девочки в детстве мечтают стать балериной, и их отдают в балетные кружки, а какой молодой парень мечтает стать профессиональным артистом балета? Порой я думаю, что наш "вид" представителей мужского классического танца находится под угрозой, потому что ничего не делается, чтобы говорили об этом искусстве как о достойной профессии. И тут, мне кажется, проблема ближайших десятилетий, потому что если девочек, которые хотят заниматься балетом и быть прекрасным лебедем в “Лебедином озере”, всегда много, то среди мальчишек такого интереса меньше.

Порадовало разнообразие хороших индивидуальных народных коллективов. Не ожидал, что у нас в стране так развит народный танец. Оказалось, что таких коллективов много. И что меня поразило: очень много девчонок и ребят сказали, что хотят связать свою жизнь с народным танцем. Помню, там была девушка Лиза, которая призналась: "Я хореограф, я ставлю народные танцы, хочу в этом развиваться". И это здорово! Я восхищаюсь такими людьми, видно, что педагоги, которые привезли детей с разных уголков страны, преданны своему делу. Не знаю, какие у них там зарплаты, но сколько нужно искренней любви, чтобы так вкладываться в самодеятельный коллектив.

— Зная мир танца изнутри, какой жизненный совет вы бы дали участникам “Больших и маленьких”?

И. Ц.:
Мне кажется, все эти популярные фразы, про " просто верить в себя", или подобные — плохо работают на самом деле. Я, будучи артистом, ведущим солистом Большого театра, всё равно очень много сомневаюсь в себе.

Я бы посоветовал... Верить в искренность того, что ты делаешь. То есть оставаться до конца честным с собой. Если кто-то хочет чего-то достигнуть, кем-то стать, то действительно придётся через многое пройти. Но при этом не потерять главное — удовлетворение, радость от танца. И если ребята хотят танцевать, чтобы это была действительно их мечта, а не их мамы или папы. Если хочешь — делай. Если не хочешь — уходи. Потому что без этого чистого желания в этой профессии делать нечего.

— А как же слава?

И. Ц.
: Я вас умоляю, какая слава?! Вот Моргенштерн, извините меня, который открыто хулиганит — он знаменит. А люди, которые тратят на искусство огромное количество времени, здоровья, денег — их вообще никто не знает. Ну, знают, наверное, Светлану Захарову, Диану Вишнёву, Ульяну Лопаткину, ну и Николая Максимовича Цискаридзе. И всё. Спросите: "Кто такой Рудольф Нуреев? Михаил Барышников? Юрий Григорович?" — я сомневаюсь, что вам ответят. Люди советского и постсоветского периода знали всех по именам: Галина Уланова, Тамара Карсавина, Екатерина Максимова, Наталья Дудинская, Марина Семенова, Софья Головкина. Все были на слуху. А сейчас спроси у кого-нибудь на улице "Кто танцует в Большом театре?" — никто не ответит. Поэтому "балет" и "слава" — это совершенно неравнозначные вещи. Вот блогеры известны: они кривляются, рассказывают про свою личную жизнь, кто-то проводит гайды-шмайды и прочее — и у них миллионы подписчиков, которые знают все о своем кумире. И получается, что у нас культура, она "типа" в почете и уважаема, но где-то там далеко.

— Телеканал “Культура” смотрят многие, для того и делаются эти проекты — ”Большой Балет”, “Большая Опера”, “Большие и маленькие”, чтобы популяризировать настоящее искусство и творчество.

И. Ц.:
Да! Я прекрасно помню момент, когда участвовал в проекте "Большой балет". Меня туда позвали представлять Большой театр. В целом я вспоминаю с позитивной точки зрения вообще весь этот период, хотя было сложно — и репетиции, и съемки, но очень многие люди до сих пор мне пишут, что они вообще в первый раз обо мне узнали, когда смотрели передачу "Большой балет". Замечательно, что телеканал “Россия – Культура” существует и делает это проекты, хотя я прекрасно вижу, каких огромных ресурсов это все требует — технических, финансовых, человеческих в конце-концов.

— Все заинтригованы, каким будет финальный танец членов жюри. Можете приоткрыть тайну?

И. Ц.
: Остальные члены жюри рассказывали мне, что во втором сезоне проекта их номер возник спонтанно, но тут мы уже заранее стали совещаться и готовиться. Очень быстро все придумали, взяли за основу известный фрагмент одного из самых популярных классических балетов. Он интересный, и музыка там динамичная. Саша Могилев, который просто ас в современной хореографии, немного сомневался, получится ли у него в классике. Но мы ему сказали: "Какая классика, это просто номер. Представь, что ты ставишь хореографию для своих подопечных." И у нас получилась такая интересная коллаборация из разных стилей, это должно выглядеть забавно!

Ближайший выпуск проекта “Большие и маленькие” смотрите на телеканале “Россия-Культура” 18 сентября в 15:30.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 23591
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Сен 14, 2021 10:20 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021091401
Тема| Балет, Клайпедский государственный музыкальный театр, Премьера, Персоналии, Кирилл Симонов
Автор| Жанета Скярсите
Заголовок| Хореограф Кирилл Симонов: «Спектакль рождается не на сцене, а в зрительном зале»
Где опубликовано| © Обзор (Литва)
Дата публикации| 2021-09-14
Ссылка| https://www.obzor.lt/news/n74247.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Во время репетиции. Фото О.Касабовой

17, 18 и 19 сентября в Клайпедском государственном музыкальном театре состоится премьера балета Сергея Прокофьева по сюжету одноимённой трагедии Вильяма Шекспира «Ромео и Джульетта», которую представит международная творческая команда – один из ярчайших современных хореографов России, опытный „реставратор“ классических балетов балетмейстер Кирилл Симонов, музыкальный руководитель Робертас Шервеникас, сценограф и художник по костюмам Екатерина Злая (Россия), художник по свету Андрюс Стасюлис и автор видеопроекций Линартас Урнежис.

Кирилл Симонов – главный балетмейстер и художественный руководитель балета Музыкального театра Республики Карелия, художественный руководитель Детского музыкального театра Наталии Сац, один из самых ярких молодых хореографов современности. Выпускник Академии русского балета им. Вагановой, хранящий верность «лучшей в мире школе классической хореографии», современной хореографией он занимался в Австралии. По возвращении в 1995–2004 годах был солистом Мариинского театра. В 1999–2000 годах - приглашенный солист Australian Dancers Company.

Каждая новая постановка хореографа – сенсация, событие общероссийского масштаба. За свои творческие работы Кирилл Симонов был многократно отмечен всевозможными званиями и премиями: лауреат Международного конкурса Vaganova Prix (1998), лауреат конкурса хореографов имени Федора Лопухова (1999), лауреат международной премии «Zegna Mariinsky New Talents Award» за спектакль «Щелкунчик» (2002), лауреат Национальной премии «Золотая маска» (постановка балета «Золушка» в Новосибирском театре оперы и балета, 2008), лауреат Российской национальной театральной премии «Арлекин» (постановка балета «Щелкунчик» в Музыкальном театре Республики Карелия, 2011).

Член жюри премии «Золотая маска» (2011). Заслуженный деятель искусств Карелии (2009).

Сегодня с ним работают мастера с мировыми именами – Михаил Шемякин, Теодор Курентзис, Эмиль Капелюш, Стефания фон Граурок, он ставит на сценах Петербурга, Новосибирска, Вильнюса, Лондона, Токио.

У нас в Клайпеде Кирилл Симонов ставит спектакль танца Сергея Прокофьева „Ромео и Джульетта“ на сюжет одноименной трагедии английского драматурга Вильяма Шекспира.

С хореографом беседовала специалист по связям с общественностью Клайпедского музыкального театра Жанета Скярсите.

- Ваш творческий путь сложен: вы ставите спектакли известнейших мастеров, „реставрируете“ и возрождаете их к новой жизни по-своему, передавая всем известные истории.

Один из моих любимых композиторов - Сергей Прокофьев. Я поставил многие его балеты, некоторые из них редко ставят. Это полнометражные балеты: «Золушка», который я ставил в Новосибирске, Саратове, Петрозаводске, скоро будет премьера в Москве, трижды ставил балет «Ромео и Джульетта», «Сказка о каменном цветке», планирую ставить в Москве одноактный балет «Шут», в Саратове - «Стальной прыжок». Я могу ставить спектакли этого композитора бесконечно. Для меня это неиссякаемый источник вдохновения. Мне очень нравится творчество Вильяма Шекспира. Думаю, что лучшего автора либретто для балетов нет. Вы можете взять любую его пьесу и либретто готово. Сложнее найти музыку.

- Зрители ожидают премьеру балета Сергея Прокофьева «Ромео и Джульетта». Какой она будет?

- Идея поставить Ромео и Джульетту в Клайпеде возникла осенью 2019 года, а премьера должна была состояться в феврале 2021 г. Пандемия всё перепутала. Прошло так много времени, что я и сам изменился, и переосмыслил концепцию спектакля.

В Клайпеде мы создаём балет «Ромео и Джульетта» о любви. Чаще всего эту известную во всём мире историю представляют как конфликт двух семей, как рассказ о войнах, которые происходили в разные эпохи. Сейчас я ставлю спектакль с множеством разных линий любовных линий.

В данной постановке Джульетта будет молодой девушкой с расстройством аутистического спектра, но это не станет стержнем спектакля. Аутизм - это только его уникальность как черта характера. И эта исключительность важнее не столько для самой Джульетты, сколько для её родителей. Она не знает, что она особенная. Аустисты ведь не понимают, что они иные? И кто решил, какими должны быть мы? Никто не знает, как они нас понимают, как видят мир. Мы можем это лишь представить.

Кстати, я очень восхищаюсь людьми с аутизмом, среди которых есть много известных художников, врачей и представителей других профессий.

Одна из линий - романтическая любовь между Ромео и Джульеттой. Другая - любовь матери мадам Капулетти к своей дочери. Джульетта исключительна, поэтому мать безумно любит и оберегает её так, что даже своим стремлением защитить вредит ребёнку.

Мать уверена, что дочь не сможет жить в обычном социуме, поэтому стремится создать для неё альтернативный мир. К сожалению, поступая так, мать не только ограничивает возможности дочери развиваться, совершенствоваться, но и главное - любить.

Она бы закутала дочь в кокон, чтобы внешний мир не навредил ей. Такую материнскую любовь мы часто встречаем в жизни, не правда ли?

Ещё одна линия - любовь отца: отец любит свою дочь, он понимает, как безумно Джульетту любит мать, и поддается её влиянию. Жертвенная любовь няни Джульетты... Няня в спектаклях чаще всего изображается в виде пожилой женщины. Но почему она должна быть пожилой? Ведь она может быть сверстница матери или даже моложе. Она будет молода и любить Джульетту дружеской любовью.

Тебальд почувствует к Джульетте братскую любовь. Он будет агрессивным, резким, но он также будет стремиться защитить Джульетту. Ведь это тоже сильное чувство любви? Священник Лоренсо, любовь которого умиротворяет сюжет, ведет к Богу и чистоте. Все любят по-своему.

Самый болезненный момент в этой истории: много любви, но также много жертв и много вины. И все герои действовали из любви, из своеобразного её понимания. Человек слаб. Не каждый может справиться со своими чувствами как священник в Лоренцо. „Ромео и Джульетта“ рассказывает о серии ошибок с ужасным финалом.

- Почему был выбран синдром аутизма, чтобы показать уникальность Джульетты?

- Я считаю, что аутисты в сфере чувств исключительны. У них как бы есть связь с космосом. Вы замечали, как на вас смотрят аутичные люди? Кажется, они видят людей насквозь. Они особенно чувствительны. Кажется, эти люди просто физически не могут солгать. Согласитесь, это исключительные особенности?

Аутистам, вроде, чего-то не хватает, но при этом им многое дано. Эти люди стали героями многих фильмов, которыми я восхищаюсь. Например, фильм «Человек дождя», «Форрест Гамп», даже сериал «Хороший доктор» о молодом враче с аутизмом, который, даже если у него есть трудности, благодаря своей уникальной чувствительности может диагностировать болезнь.

- Как вы выбирали артистов балета на главные партии?

- Самое главное - это возможности артистов балета. Ведь нужно было подготовить три состава исполнителей главных партий. Смотришь на исполнителя и портрет героя, и создаёшь, учитывая его физические данные, мироощущение и др. Иногда у меня есть предвзятое представление о том, что я хочу создать, но только не в этой истории о Ромео и Джульетте.

- Каким образом артистке балета удастся раскрыть особенность Джульетты?

- Я смотрю на эту исключительность, как на драгоценный камень. И все возможные средства мне кажутся неуместными. Я не хочу никого обидеть. Просто чуткая, не уверенная в себе Джульетта. Мне хочется показать, как она не вписывается в общество. Я думаю, что движениями этого показать невозможно, это было бы не толерантно.

Я считаю, что государства должны гарантировать, а мы должны постараться, чтобы люди, обладающие исключительностью, в обществе не чувствовали себя «иными».

- Зрители увидят „Ромео и Джульетту“ во Дворце рыбаков 17, 18 и 19 сентября. Как проходят репетиции?

- В апреле мы с балетной труппой Клайпедского государственного музыкального театра поставили первое действие балета, а сейчас репетируем второе. Они очень разные по настроению, сценографии и костюмам.

Удивительно, но первая цветовая гамма - темная, а вторая - белая, полная религиозных символов. Я принципиально постарался сделать творческий паузу между постановкой этих двух действий во избежание хореографических повторов первого. Я хочу, чтобы во втором действии зрители почувствовали себя как бы в другом спектакле.

На первом этапе ничего плохого не происходит, так что все достаточно светло. Все увидели друг друга и поняли, что не согласны друг с другом. Джульетта ведёт себя странно...

Все драмы произойдут во втором действии: смерть Тебальда и Меркуция, первая ночь Ромео и Джульетты вместе, свадьба, разлука. Проблемы еще больше подчеркнут уникальность Джульетты: агрессивность, крик, странные движения. Агрессия аутистов не направлена против людей: они просто защищаются таким образом.

- Изменилась ли Клайпеда и балетная труппа со времени вашего последнего приезда?

- После пандемии я стал другим. Мир изменился Люди другие. И танцевальная труппа осень изменилась со времени постановки балета П. И. Чайковского „Щелкунчик“. Вырос уровень артистов балета: в 2019 году они были молодые и стремительные, сейчас – молодые и сильные. Появились новые артисты балета. Часть труппы знакомы со мною, так как нам приходилось работать вместе. Ставить новый спектакль в Клайпеде легче.

- Вы много обсуждаете с танцорами создаваемый спектакль?

Многие хореографы дискутируют с танцорами, объясняют, но мне это не нравится. Для меня важнее показать. Как мне говорила одна из моих педагогов: „Если нужно объяснять много раз, лучше этого не делать, потому что человек все равно не поймет“. Мне хочется, чтобы артист балета сами поняли концепцию спектакля. Я ценю, когда исполнитель мне рассказывает, как он понимает создаваемого героя. Хоть это совсем не то, что я задумал. Я благодарен за эти старания. Мне это интересно.

- Вы хотите, чтобы зрители поняли вашу идею сюжета?

- Мне не важно кaк они поймут. Важнее, чтобы мои постановки затронули их души так, как они затрагивают мою душу, когда я о них думаю, когда создаю. Чтобы от моих спектаклей у них перехватывало дыхание.

Допустим, что, придя на „Ромео и Джульетту“ человек знает, что финал этой истории будет трагическим. Главное, какие чувства возникнут у человека, какие новые эмоции он откроет в себе.

Ведь одно из главных лиц в спектакле - это музыка С. Прокофьева, которую каждый воспринимает по-своему. Думаю, что именно партитура балета очень приятно воспринимается слухом (смеётся). Эта музыка на столько информативна, что можно закрыть глаза и представить всё изображение спектакля. Танец только дополняет её, но с музыкой С. Прокофьева всегда так. В своё время людям было трудно понять и принять музыку этого композитора, но сейчас всё изменилось. Даже известная балерина Галина Уланова была уверена, что музыка С. Прокофьева не подходит балету, что она звучит, как „какофония“, но позже она полюбила эту роль, которая принесла ей признание и славу. Балет „Ромео и Джульетта“ – это гимн любви.

- Предполагаю, что найдутся люди, которые скажут, что любви нет?

Может быть, в Литве так и скажут, но в России – нет. Даже если её нет, всё равно скажут, что есть (смеётся). Мы разные. Литовцы более сдержанны, воспитанны, скрывают свои чувства. Русские – более открыты и исторически более свободны, хотя и не без комплексов.

- А в вашей жизни есть любовь?

Конечно. Как же хореографу жить без любви.

- Нужна ли практика для того, чтобы творить?

- Не знаю. Любовь не обязательно должна быть направлена на физическое лицо. Допустим, любовь к Богу. В любом случае, в своём творчестве не опираюсь на свои переживания. Так поступил всего лишь один раз, когда создавал спектакль о себе и о своих друзьях. И спектакль был очень искренним, взрывным, сексуальным… Но тогда я был очень молод.

Со временем я понял, почему искусство и творчество – это почти синонимы, потому что не всё настоящее, а созданное… Как говорит один известный преподаватель балета: „не всегда важно чтобы балерина чувствует то, что создаёт на сцене. Не самое важное передать переживания другого человека. Ведь так можно сойти с ума. И это не шутка. Была балерина, которая так входила в роль своей героини, которая в конце спектакля сходила с ума, что свою жизнь закончила именно в такой ситуации“.

Зритель должен почувствовать больше, чем артист балета. Чудо должно произойти не на сцене, а в зрительном зале. Важно, чтобы химия спектакля заразила зрителей.

- Список ваших постановок впечатляет. Остались ли еще неосуществлённые мечты?

- Каждый новый спектакль - это исполнение моей мечты. Я создал более 50 спектаклей. Некоторые не по одному разу. У меня есть идеи превратить некоторые музыкальные произведения в пьесу на сцене. Я мечтаю поставить танцевальный спектакль «Титаник» по дневникам людей, переживших эту трагедию. Конечно, не хочется превращать в спектакли только печальные истории, но ведь они являются неотъемлемой частью нашей жизни.

Для «Титаника» я бы использовал композицию Гэвина Брайерса «Гибель Титаника». В моих планах и спектакль о Марии Кюри, хотя я обычно не ставлю постановок о личностях. Однако эта женщина очаровывает меня своей преданностью научному прогрессу. Надеюсь, что уже в новом сезоне поставлю спектакль по пьесе писателя фантаста Исаака Азимова «Я робот».

- Удаётся ли вам в свободное время посмотреть спектакли как обычному зрителю?

- Смотреть спектакли мне не так сложно, как слушать музыку. Когда я слышу музыку, мне невольно хочется думать о том, для какой постановки я мог бы ее использовать. Эстрада меня не интересует, потому что это всего лишь посторонний шум, который меня раздражает, но хорошая музыка побуждает к творчеству. Плохая музыка меня раздражает: потому что разум как бы говорит, что нужно творить, а создать что-то из этого невозможно (смеется).

До пандемии в Москве можно было увидеть спектакли со всего мира, и мне это очень нравилось.

Если во время выступления я забываю, кто его балетмейстер, как он был создан, не анализирую, откуда идёт музыка или свет, значит, произведение просто завораживает.

Интервью к публикации на русском языке подготовила Ирена Пятрулёниене
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 23591
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Сен 15, 2021 11:43 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021091501
Тема| Балет, Фонд Mart, МАМТ, Персоналии, СОФЬЯ КАПКОВА
Автор|
Заголовок| СОФЬЯ КАПКОВА: «С ЛОРАНОМ ИЛЕРОМ МЫ ГОВОРИМ НА ОДНОМ ЯЗЫКЕ, ХОТЯ Я НЕ ЗНАЮ ФРАНЦУЗСКОГО»
Где опубликовано| © оф. сайт театра
Дата публикации| 2021-09-15
Ссылка| https://stanmus.ru/sofya-kapkova-s-loranom-ilerom-my-govorim-na-odnom-yazyke-hotya-ya-ne-znayu-frantsuzskogo/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В октябре 2021 года в Музыкальном театре им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко состоится премьера балета «Ромео и Джульетта» в хореографии первого солиста балетной труппы Максима Севагина. Режиссёром спектакля выступит Константин Богомолов. Это будет первое совместное производство МАМТа и фонда Mart принципиально новой постановки в оригинальных хореографических и режиссёрских прочтениях. Мы поговорили с основателем фонда Софьей Капковой об опыте работы с Музыкальном театром, о том, как воспринимать современную хореографию и почему детей нужно непременно отдавать в балет.

Фонд Mart уже сотрудничал с МАМТом — в сезоне 20/21 при вашей поддержке осуществился перенос балета Шарон Эяль Autodance на сцену Музыкального театра. Как родилась эта идея?

Всё было очень просто. Фонд Март проводит в Израиле большой фестиваль, так что мы были знакомы с Шарон Эяль. В то же время я была большим фанатом Лорана Илера. Однажды совершенно случайно мы увиделись с ним на спектакле в Театре Наций, делились в антракте впечатлениями и решили, что нужно сделать что-то вместе. Я полетела в Израиль вместе с нашим программным директором Лизой Розовой, и мы очень долго за чашкой мятного чая убеждали команду Шарон, а потом и её саму, что нам можно доверить такую большую вещь. Дело в том, что Шарон очень трепетно относится к своим работам и редко соглашается ставить что-то не на свою труппу или делать переносы.

С чем были связаны опасения?

Современная хореография — это другая физиология, другая пластика. Не все классические танцовщики могут реализовать такую задачу. Если ты стоишь у станка в пачке и танцуешь только «Лебединое озеро», тебе нужен серьёзный период на репетиции — мы же не хотим, чтобы артисты «поломались». А с этим большая сложность из-за загрузки репертуарных театров.

Но ни театр, ни фонд не подвели Шарон.

Все остались довольны. Идея сделать перенос Autodance появилась как промежуточная. Нам нравится мыслить масштабно, мы любим создавать себе большие сложности, поэтому мы сразу обсуждали с Шарон создание постановки с нуля. Перенос стал проверкой качества работы фонда и театра, мастерства танцоров. Я уверена, что летом следующего года с большим триумфом состоится премьера постановки Шарон Эяль, созданной специально для труппы Музыкального театра Станиславского.

Расскажите о впечатлениях от работы с балетной труппой театра и её худруком Лораном Илером.

Откровенно говоря, для меня это большое счастье. В Москве сложно найти как сильного менеджера, так и художественного руководителя, который не просто выполняет свои задачи, но и готов выходить за рамки привычного и рисковать. Лоран в этом смысле — человек мира. Зачем тратить время и жизнь на людей, которые тебе не симпатичны, с которыми у тебя разная культурная матрица? С Лораном мы говорим на одном языке, хотя я не знаю французского.

Почему вы решили поддержать постановку «Ромео и Джульетты»?

После удачного опыта с Autodance хотелось попробовать что-то новое, более сложное по форме, где было бы гораздо больше рисков, а значит, больше азарта и челленджа. Кроме того, мне очень нравится Максим Севагин, а в процессе сотворчества очень важно чувствовать совпадение человеческих качеств. Максим удивительный. Мне кажется, он очень тёплый, светлый человек. Его первые работы мы видели на «Точке пересечения», а потом я совершенно случайно попала на вечер одноактных балетов, где показывали наброски Максима к «Ромео и Джульетте». Так что, когда к нам поступило предложение от театра, я сразу сказала «да», потому что понимала, о чём идёт речь.

Что для вас важнее всего в проектах, которые становятся возможны при поддержке фонда, — эстетика, близость идеи, стопроцентная новизна?

Это всё и сразу, ведь мы работаем не в формате массовых мероприятий, а ограняем бриллиант. Но важнее всего свежесть с точки зрения танца, чтобы танцорам было интересно реализовать эту задачу, а зрителям смотреть.

Когда речь идёт о создании новой работы, мы отталкиваемся от имён. А при переносе мы ориентируемся на высококлассное жюри: аудиторию и критиков. Однако моё кредо — никогда не браться за то, что мне не приносит удовольствие.

Личное предпочтение всегда совпадает с тем, что вы решаете поддержать по объективным причинам?

Я и не помню, чтобы когда-то было по-другому. Я себя воспитала так, что не вхожу туда, где нет чего-то важного для меня сегодня. Поэтому даже если не складывается с тем, на что я трачу своё время, свой ресурс, свою энергию — it’s okay, потому что в процессе я испытываю удовольствие.

Что самое интересное для вас в постановочном процессе?

Самые интересные для меня точки — первая репетиция, когда ты понимаешь, что прямо сейчас перед тобой что-то рождается, и генеральный прогон, когда ты сидишь один в черном зале, и хореограф или режиссёр делают свои последние замечания. Конечно же, мне страшно нравится заходить за сцену после премьерных показов и наблюдать, как танцоры надевают свои валеночки, растягиваются, стирают грим. Сейчас я пробегала по коридору, увидела пачку, и мои руки рефлекторно тянутся её сфотографировать, потому что это очень красиво. Мне, безусловно, нравится разговаривать с художниками про костюмы. Но я наблюдатель, я созерцаю процесс творчества со стороны — моя работа даёт такую уникальную возможность. Мы никогда не вмешиваемся в творческий процесс. Спектакль создают творцы, продюсер — это все-таки тот человек, который может поженить одного творца с другим и сделать так, чтобы зритель оценил, что было создано ими.

Как вам кажется, какие отношения у российского зрителя с современной хореографией?

Долгое время я была генеральном директором фестиваля современной хореографии Context, и в первые годы у зрителя было очень много удивления, меня спрашивали, в частности, здесь, в МАМТе: «Где же пачки?». У нас не учат современной хореографии, мы привыкли к тому, что русский балет — это балет классический. Наша классическая танцевальная школа очень сильная, а по части современной хореографии мы отстаём. И, откровенно говоря, мне очень жаль, мне кажется, мы упустили много времени, не давая нашим классическим танцовщикам идти дальше. Есть несколько больших звёзд, как Диана Вишнева, которые состоялись и здесь, и там, но я уверена, что имён могло быть гораздо больше. Танцевальная карьера балетного артиста достаточно коротка, а современная хореография открывает перед ним совершенно новые и уникальные возможности. Она расширяет возможности и для зрителя. Когда ты сто раз посмотрел «Лебединое озеро» и отличаешь, как одна прима делает что-то лучше, чем другая, — может стать скучно. А современная хореография, как современное искусство, не про то, что ты видишь, а про то, что ты чувствуешь, когда танцор двигается.

Что бы вы сказали зрителю, который пришёл смотреть современную хореографию впервые?

У вас не должно быть никаких ожиданий. Не расстраивайтесь, если вам не нравится, просто погрузитесь в происходящее, прочувствуйте эти 20–30 минут, ведь, например, Autodance — это небольшая форма. А дальше просто ложитесь спать. Когда проснётесь утром, вам станет понятно, придёте вы ещё раз или нет. Интереснее всего, когда человек выходит из зала и говорит: «Слушай, я вообще ничего не понял, но почувствовал, что это что-то потрясающее, мне надо ещё про это подумать». Мне кажется, в этом и заключается наша миссия — показать человеку то, что он до этого не встречал.

Вы с детства театральный человек?

В детстве бабушка таскала меня на «Лебединое озеро» и на балет «Спартак». Я и сама занималась балетом и плакала, когда мне рассказывали, что балеринам нельзя есть хлеб. Это было главное горе, потому что хлеб я очень люблю. Не долгим был мой путь к успеху — я быстро променяла балет на занятия фортепиано. И до сих пор играю, особенно когда мне грустно. Моей любимой пластинкой в детстве было «Лебединое озеро» с Майей Плисецкой на обложке. Когда я увидела эти руки на пластинке в первый раз, мне показалось, что это был ангел, а не человек. Думаю, это хороший тон — немножко читать, немножко рисовать, немножко заниматься музыкой и обязательно воспитывать эти навыки в детях.

Мы все выросли из детства, и если в детстве вас водили на балет, и даже если вам не нравилось, то с вероятностью 90%, когда вы вырастете, вы сходите на спектакль, посмотрите и составите своё представление уже как зрелый человек. Если в детстве у вас не было такого опыта, то вам будет труднее начать этот путь, потому что не будет никаких ассоциаций — ни грустных, ни смешных, ни тяжёлых, ни весёлых.

Значит, ваши дети связаны с танцем?

Мой младший ребёнок — самый покладистый, потому что она ходит в балетную школу. У меня нет никаких ожиданий от этих занятий, кроме ожидания счастья, которое ребёнок испытывает на каждом уроке. Если говорить о карьере, то я бы не хотела её для дочери, поскольку я мама и, в первую очередь, мне хочется оградить своего ребёнка от трудностей. Но в конце концов выбор будет за ней.

Посоветуете отдавать маленьких девочек и мальчиков в балет?

Конечно, обязательно, 100%! Мы живём в трудное, резкое время, наши дети видят много глянца и в чем-то бессмысленности, а балетная школа даёт правильное представление о многих вещах. Например, о том, что такое классическая музыка. Воспитывает уважение к труду, ведь балет — это колоссальный труд, поскольку присутствует не только физическая, но ещё и очень сильная эмоциональная составляющая. Занятия дают уважение к партнёру, пунктуальность, опрятность — мне кажется, это очень полезно вне зависимости от того, станет ли человек этуалью.

Есть у вас ориентиры среди великих меценатов прошлого?

Являюсь ли я Дягилевым в юбке? Вряд ли. Я Софья Капкова.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Чт Сен 16, 2021 11:18 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 23591
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Сен 16, 2021 9:44 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021091601
Тема| Балет, Опера, МАМТ, Планы на сезон, Персоналии,
Автор| Татьяна Кузнецова, Сергей Ходнев
Заголовок| Жатва приношений
Музтеатр Станиславского объявил планы на сезон-2021/22

Где опубликовано| © Газета «Коммерсантъ» №167 от 16.09.2021, стр. 11
Дата публикации| 2021-09-15
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/4987124
Аннотация| Планы на сезон

На пресс-конференции в ИТАР-ТАСС руководители Музыкального театра им. Станиславского и Немировича-Данченко объявили обширные планы на предстоящий сезон, в которых нашлось место балетному дебюту Константина Богомолова и мировым оперным премьерам. Комментируют Татьяна Кузнецова и Сергей Ходнев.

ДАЛЕЕ - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 23591
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Сен 16, 2021 11:17 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021091602
Тема| Балет, «Приморская сцена» МТ, Гастроли, Персоналии,
Автор| Александр Максов
Заголовок| Движения заманчиво притягивают взор
Где опубликовано| © "Музыкальные сезоны"
Дата публикации| 2021-09-16
Ссылка| https://musicseasons.org/dvizheniya-zamanchivo-prityagivayut-vzor/
Аннотация| Гастроли

На балетной карте России дочерняя труппа Мариинского театра – «Приморская сцена» выдвинулась на передовые позиции. Впечатляет уже разнообразие афиши, включившей масштабные балеты классического наследия и постановки, рожденные балетмейстерами-современниками. Такие спектакли, как «Спящая красавица», «Баядерка», «Жизель» или «Корсар» требуют не только крепких солистов, но и многочисленного, а главное, – слаженного кордебалета. Именно совокупностью этих параметров определяется уровень любой балетной компании, замахнувшейся на сценическое воплощение жемчужин русского императорского балета. В успехах театра невозможно переоценить роль главного балетмейстера Эльдара Алиева. Восхищает широта его мышления, творческая и организаторская активность. Алиев тщательно формирует труппу, привлекая лучших выпускников хореографических училищ страны, присмотренных при личном посещении финальных экзаменов и work shops. Не меньше внимания уделяет руководитель административному и педагогическому составу. Как следствие создана команда, работающая как швейцарские часы. Безусловно, Алиеву помогает огромный опыт. В его активе ведущие партии балетов исторической Мариинки, руководство балетными компаниями в США, Венгрии, России.


Екатерина Чебыкина – Нурида, Никита Корнеев – Шахрияр. Фото Н. Разиной

ДАЛЕЕ ЧИТАЕМ ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 23591
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Сен 16, 2021 11:10 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021091602
Тема| Балет, История, Персоналии, Александр Горский
Автор| Юрий Бурлака, Богдан Королёк.
Заголовок| Спасти рядового Горского
150 лет хореографу «Дон Кихота»

Где опубликовано| © Журнал Екатеринбургского театра оперы и балета
Дата публикации| 2021-09-06
Ссылка| https://uralopera.ru/magazine#popups=https://uralopera.ru/media/spasti-ryadovogo-gorskogo,top,normal
Аннотация|

Новый балетный сезон в Урал Опере открывается «Дон Кихотом». 18 августа 2021 года (по новому стилю) исполнилось 150 лет со дня рождения его автора, хореографа Александра Горского. После первых постановок его называли разрушителем классики и декадентом от балета; сам Горский мечтал привести балетный театр на уровень современной драмы и вошел в историю радикальным новатором. Сейчас о его новаторстве трудно судить: из оригинальных балетов Горского не сохранился ни один. О судьбе его наследия говорят постановщик екатеринбургского «Дон Кихота» Юрий Бурлака и помощник руководителя балета Богдан Королёк.


Александр Горский

Богдан Королёк. В литературе о балете закрепилось клише: Горский — новатор. Что это значит, что сохранилось из его балетов?

Юрий Бурлака. Ничего новаторского и не сохранилось — в силу разных обстоятельств. Например, декорации «Саламбо» погибли в пожаре, а восстанавливать живопись для пяти актов было затратно. Здесь и другое. Почему, например, сегодня не идут постановки Якобсона и Голейзовского. В них нет жесткой лексической основы. Такие балеты сложно сохранять и передавать следующим поколениям исполнителей — теряется наполнение, остается приблизительный контур. Выживает то, что легче запоминается телами классических танцовщиков — то, что можно описать обиходными балетными терминами. Поэтому среди балетов Горского выжили те, что связаны с классической лексикой и законами композиции: «Тщетная предосторожность», «Коппелия», «Конек-Горбунок» и «Дон Кихот».

Б.К. Балеты Горского никто не пытался сохранить?

Ю.Б. До поры до времени пытались. Но у Москвы короткая память. Все очень быстро выбрасывается за ненадобностью. И к моменту смерти Горского, к 1924 году, из его балетов остались только «Тщетная предосторожность», «Конек-горбунок», «Коппелия», «Баядерка».

Б.К. Что значит «короткая память»? У любой крупной и старой балетной компании есть какая-то база — в которой она, что называется, находит свою идентичность, к которой в критические моменты жизни возвращается. Петербургский-ленинградский балет всегда полагал своей основой репертуар Мариуса Петипа. Для Москвы, у которой в XIX веке по большому счету не было хореографа-лидера (какая-нибудь Фелицата Гюллень-Сор из 1830-х не в счет — работы не сохранились, а историческая дистанция слишком велика), такой базой должны были стать балеты Горского.

Ю.Б. Трудно сказать. Москва — имею в виду не только Большой театр — всегда стремилась к чему-то новому, сохранять старое ей было несвойственно. Возможно, это маниакальное стремление строить, тут же сносить и строить новое на том же месте, заложено в ДНК города. Московский девиз: ломать и строить.

Б.К. О «Дон Кихоте» принято говорить, что это московский балет — в противовес петербургским балетам, «Баядерке», «Спящей красавице». Что московского в «Дон Кихоте», кроме места его рождения?

Ю.Б. Московский дух. Харáктерный акцент. В Москве и Петербурге труппы разные, пластический фокус разный, скажем так. Петипа это прекрасно понимал и, делая вторую редакцию «Дон Кихота» в Петербурге, сместил центр тяжести в сторону классического танца. Горский возвратил Москве характерного «Дон Кихота»: он следовал канве Петипа, но оглядывался по сторонам. Он видел оперные антрепризы Мамонтова и Морозова, где утвердился новый стандарт театральной живописи. Видел новый драматический театр, спектакли Станиславского и Немировича. Все новшества «Дон Кихота» — асимметрия танцевальных ансамблей, разработка характеров, грим, костюмы — были атрибутами нового московского искусства. Взять даже то, как запросто Горский ввел в академический спектакль модный эстрадный номер «серпантин» в духе Лой Фуллер. Вряд ли в Петербурге решились бы на это.

Наверное, асимметрия у Горского появилась не только в пику «старому балету» Петипа, но еще и как впечатление от асимметрии московских улиц, какой-то, скажем, нерегулярности города, всех этих кривоколенных переулков. Точно так же в grand pas Петипа принято усматривать впечатления от архитектурных ансамблей и «небесной линии» Петербурга.

Б.К. Тип мышления Горского все равно оставался петербургским: в Петербурге он был воспитан как профессиональный танцовщик.

Ю.Б. Горский и начинал очень сдержанно. «Дон Кихот» 1900 года был компромиссом — восторженный взгляд петербуржца на Москву. Но представьте ситуацию: 29-летний неофит переделывает на глазах у изумленного 82-летнего руководителя Императорского балета его собственный спектакль. Это само по себе было радикально.

Б.К. Кому принадлежала идея постановки?

Ю.Б. По-видимому, после удачного переноса в Москву «Спящей красавицы» и «Раймонды», Владимир Теляковский, тогда еще директор московских казенных театров, сказал: Горский, теперь ты руководитель труппы, с чего бы ты начал? И Горский предложил «Дон Кихота».

Б.К. Чужак решил сыграть роль своего: вот ваше, московское, старое-знакомое?

Ю.Б. Именно так. Потом он ставил в Москве «Волшебное зеркало», «Миллионы Арлекина», «Баядерку» — спектакли по канве Петипа. По поводу них Горский писал: «Я потакал балеринам». Он перед смертью горевал: мол, я сделал всего-то несколько названий, которые могу по-настоящему считать своими: «Саламбо», «Любовь быстра!», «Пятая симфония». «Дон Кихот» не был своим, он был как раз потаканием московским балеринам, с которыми Горский все 23 года руководства московской труппой боролся и которым в конечном счете проиграл.

Б.К. Почему постановка «Дон Кихота» Горским вызвала негодование Петипа и его почитателей? Весь XIХ век такие адаптации были в порядке вещей: взять существующую сценарную основу, использовать старую музыку или заказать новую, но сочинить собственную хореографию и мизансцены.

Ю.Б. Действительно, это была обычная практика. Авторским правом охранялось только либретто, и в данном случае Горский прописал: либретто Петипа. Но Петипа был обижен: он ведь, несмотря на свои 82, продолжал сочинять балеты, и мог сам возобновить свой старый спектакль. Но его не позвали: для Теляковского Петипа был вчерашним днем.


В балетном классе. В центре – артист балета, балетмейстер Большого театра в 1902–1924 годах, педагог Московского Хореографического училища Александр Горский; слева – артист балета, солист Большого театра в 1921–1954 годах, балетмейстер, педагог Асаф Мессерер. Снимок сделан в Московском Хореографическом училище.
russiainphoto.ru


Ю.Б. В 1902 году нового «Дон Кихота» перенесли из Москвы в Петербург. Это был нонсенс: обычно спектакли переносили из столицы в Москву. Такое повторилось только однажды — с «Коньком-горбунком» того же Горского.

Б.К. Думаю, переезд «Дон Кихота» был манифестом Теляковского, который в 1901 году сам переехал в Петербург на повышение — стал директором Императорских театров. Новый балет на старом фундаменте — не просто московский, но парижский: все-таки Коровин почти год провел в Париже, а Головин посещал там частные живописные классы, и оба вернулись под сильнейшим впечатлением от новой французской живописи. Другой вопрос: почему Горский, амбициозный постановщик, протеже господина директора, не задержался в столичном Петербурге, остался в периферийной Москве?

Ю.Б. В Петербурге он бы не смог развернуться, встретил бы еще большее сопротивление труппы. По месту воспитания — свой, а стремления не свои. Вряд ли «Дочь Гудулы» и «Саламбо» Горского прошли бы в Петербурге. К тому же на петербургскую сцену имел претензии Михаил Фокин, не менее амбициозный и более воинственный. Вдвоем им было бы тесно. Горскому хотелось независимости, и в этом плане Москва его устроила. С Дягилевым отношения тоже не сложились. Были планы показать в «Русских сезонах» московскую «Раймонду», поставить «Маску красной смерти» Черепнина, но ничего не состоялось. Возможно, Горский понимал, что в предприятии Дягилева будет вынужден подчиниться его диктату.

Б.К. Можно ли сказать, что Горский был харáктерным хореографом? В «Дон Кихоте» испанские танцы поставлены гораздо изобретательнее, чем классические номера на пуантах.

Ю.Б. Скорее, да. Горский-танцовщик никогда не был классическим премьером, но долго исполнял классические партии — безымянные кавалеры в разных па-де-де, четыре кавалера в большом па «Раймонды». В какой-то момент он перешел на игровые партии, тяготел скорее к гротескной характерности. Самые показательные из оригинальных работ Горского-хореографа — вакханалия из «Самсона и Далилы» и характерные танцы из «Раймонды», которые исполняются по сей день. Горский владел школой, он мог ставить классику, но классика не находилась в центре его интересов.

Б.К. В Екатеринбурге вы пытались приблизить «Дон Кихота» к оригиналу — насколько возможно, очистили хореографию от советских наслоений и, что принципиально, поместили хореографию Горского в соответствующий визуальный контекст.

Ю.Б. Для меня это принципиальный момент. «Дон Кихот» Горского — Коровина — Головина был цельным сценическим произведением. Через десять лет, уже в другую эпоху, на этой нерасторжимости будут основаны спектакли Фокина в «Русских сезонах». Было бы странно исполнять фокинскую «Шехеразаду» без оформления Бакста или его «Петрушку» вне оформления Бенуа. Когда Горский ломал симметрию танцевальных ансамблей и стремился к живости, правдивости действия — он тесно связывал это с игрой цветовых пятен и общим колоритом. И вместе с художниками добивался разных состояний — яркой испанской площади или более сумрачного кабачка, или идеального псевдоантичного мира дриад.

Альона Пикалова и Татьяна Ногинова [художники-постановщики спектакля — Б.К.] много раз меня переспросили, точно ли я хочу в это ввязываться. Да! Хочу ощутить, что такое московский Горский во всем буйстве красок. Конечно, параметры сцены диктуют количество людей и корректируют расположение жестких декораций. Но, повторю, наш «Дон Кихот» — лишь попытка создать образ старинного спектакля, исходя из найденных материалов.

Б.К. Это схоже с премьерой «Спящей красавицы» в Мариинском театре в 1999 году, когда композиции Петипа были реставрированы и развернуты в том визуальном контексте, в каком находились изначально — в костюмах Всеволожского и академической живописи Левота, Шишкова и других. Это произвело колоссальный эффект: никто не ожидал, что старая-знакомая «Спящая красавица» должна выглядеть вот так.

Ю.Б. Павел Гершензон и Сергей Вихарев [куратор и балетмейстер возобновления «Спящей красавицы»] были абсолютно правы, когда поместили пластический текст в естественную для него среду. И эффект возник, потому что мы получили совсем другое представление о балете.

Б.К. О «Спящей красавице»?

Ю.Б. О балете Петипа, о русском классическом балете. Для меня была откровением «Раймонда» Вихарева в миланском Ла Скала [реконструкция спектакля Мариинского театра 1898 года, так же осуществленная вместе с Гершензоном — Б.К.]. Мне могли не нравится какие-то детали, но я видел, как хореографический текст получает должный объем: стало впервые понятно, о чем балет «Раймонда». Сейчас в «Дон Кихоте» нас, надеюсь, ждет нечто подобное.

Понимаете, за 120 лет этот балет стал «Дон-Кихотом-вообще»: его танцуют повсеместно, ставят даже в заштатных кочевых труппах с двадцатью артистами… Если уж играть в эпоху, то углубляться в детали. Восстановление оригинального визуального контекста — очень затратная затея. И я благодарен Урал Опере, где решились на эту авантюру, почти не раздумывая.

Полный текст диалога опубликован в буклете «Дон Кихота». Буклет можно купить в фойе первого этажа в день любого спектакля.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 23591
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Сен 16, 2021 11:23 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021091603
Тема| Балет, Театр «Урал Опера Балет», Персоналии, Андрей Кайдановский
Автор| Дарья Санникова / Фото: Максим Субботин
Заголовок| Андрей Кайдановский: «Границ нет – просто нужно найти правильный подход»
Где опубликовано| © "Культура Екатеринбурга"
Дата публикации| 2021-09-15
Ссылка| http://xn--80atdujec4e.xn--80acgfbsl1azdqr.xn--p1ai/new/common_content/item/theater_post/669
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Интервью с одним из хореографов проекта «L.A.D.»

В начале октября в Екатеринбурге пройдет серия событий, объединенная одним именем. Проект «L.A.D.» посвящен Леониду Аркадьевичу Десятникову – композитору, не нуждающемуся в представлении. 1 октября в Ельцин Центре состоится творческая встреча с Десятниковым. А 2 и 3 октября в театре «Урал Опера Балет» пройдут премьерные показы балетов на его музыку. В постановке задействованы четыре хореографа, в том числе Андрей Кайдановский, с которым нам удалось побеседовать.

«L.A.D.» – совместный проект Театра «Урал Опера Балет», продюсерской компании JOKERlab, фонда поддержки современной российской культуры М.АRT при участии Ельцин Центра.

Андрей Кайдановский – молодой хореограф. Учился в Московской государственной академии хореографии, Консерватории балета в Санкт-Пёльтене (Австрия), штутгартской Академии балета Джона Крэнко (Германия) и Балетной школе при Венской государственной опере. В 2007 году стал артистом балета Венской государственной оперы и Венской Фольксопер. В 2015-м был возведен в ранг характерного солиста Венского государственного балета.

В качестве хореографа работает с 2009 года. Ставил балеты в Венском государственном балете, Московском академическом музыкальном театре им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко, Гамбургском балете Джона Ноймайера, Баварском балете, Московском театре драмы и комедии на Таганке, Чешском национальном балете. С труппой «Урал Опера Балет» работает впервые.



– Андрей, задача поставить балет на музыку Десятникова – музыку нетанцевальную, самодостаточную, требующею полного погружения слушателя – кажется очень непростой. Это так?

– Та музыка, которую взял я, как раз очень танцевальная: в ней есть и танго, и еще много всего разного, она ритмически интересная и выразительная – в ней несколько разных характеров. В этом и сложность. Обычно я строю свою работу немножко по-другому: у меня есть сюжет, идея, концепт, и уже потом я ищу к ним музыку. Сейчас все наоборот: была музыка, в которой я уже искал сюжет, картинку. Но музыка помогала – она сама по себе очень яркая.

– Есть ли у вас своя история взаимоотношений с музыкой Десятникова?

– Конечно, это не первое мое знакомство его музыкой – я слышал ее и раньше, но впервые работаю с ней в качестве хореографа. И это очень увлекательно: она настолько насыщенная в ней живут такие персонажи! Но она и самостоятельная: дает поразительно много информации, ее сложно ограничить какими-то визуальными рамками.

– «Эскизы к закату» – это первая киноработа Леонида Десятникова: музыка была написана к фильму «Закат» Александра Зельдовича. Вы как-то ориентировались на эту ленту или шли только от собственного восприятия музыки?

– Фильм я не смотрел, даже не знал, что музыка написана к кино. Я беру музыку в совершенно другом качестве. В кинофильме музыка – это бэкграунд, а в нашем балете наоборот – музыка на первом плане.

– Музыкальный руководитель проекта «L.A.D.» – Алексей Гориболь. Выбор музыки – это исключительно его решение или у вас была возможность предложить что-то свое?

– Сначала мне предложили другую музыку, но потом я послушал «Эскизы к закату», и они настолько вошли в мою голову, что я не мог думать ни о чем другом – очень хотелось поставить именно на эту музыку и просил об этом. Слава богу, мы легко и просто все придумали и соединили. На «Эскизы к закату» уже много ставили, но я-то не ставил! И даже не видел другие версии – мне интересно сделать это самому, с чистого листа.

– А вообще вы чувствуете на себе влияние каких-то определенных творцов, хореографов?

– Все, что я когда-либо танцевал, сидит в теле и так или иначе отражается на работе. Но мне очень важно соединять театр и танец, отталкиваться не столько от движения, сколько от смысла или эмоции.

У меня эта идея давно засела в голове. Я вырос в Большом театре (Мама Андрея – солистка балета Большого театра и специалист по старинной хореографии Наталья Кайдановская. – Прим. ред.), постоянно смотрел там спектакли, часто бывал за кулисами. Потом, когда был чуть постарше, лет в 12, начал ходить в драматический театр – очень любил выпускные Щукинского института. Первый культурный вау-эффект был в Большом, второй – в драматическом театре. И то и другое мне очень нравилось, но это были абсолютно разные вещи: если в Большом – классические «блокбастеры», то в драматическом театре – маленькие этюдики, там все ближе и более реально.

У меня в голове всегда была мысль: здорово было бы соединить эти два мира. Я не планировал делать это сам – мне просто хотелось увидеть это на сцене. А потом я уехал из России и попал на спектакль Nederlands Dans Theater, где в первый раз увидел современный танец. И понял, что на сцене можно все – тогда случилось третье «вау»: оказалось, что танец и театр можно соединить, что границ нет – просто нужно найти правильный подход. И с тех пор я ищу, мучаюсь (Улыбается. – Прим. ред.)

– По вашим ощущениям, на сегодняшний день немецкий и русский балет отличаются принципиально, или глобализация практически стерла эти границы?

– Можно сказать о том, что есть русский балет, но говорить о чисто немецком балете сложно – в нем намешано много всего, это можно назвать скорее европейской школой. Разница не в месте (балетный мир очень маленький и все друг друга знают), а во времени. Молодым танцовщикам, которым уже в школе преподают модерн и классику, сейчас легче, чем танцовщикам другого поколения, которые воспитаны только на классике.

– Вы первый раз сотрудничаете с «Урал Опера Балетом», какие ощущения от танцовщиков, с которыми вы сейчас работает?

– Когда я первый раз поработал с ребятами, я был приятно удивлен: они могут все, несмотря на то, что у них не так много современного репертуара. Тела готовы ко всему, поэтому работа идет хорошо – я из-за болезни немного торможу, а ребята просто молодцы: хватают и работают.

– «L.A.D.» – это проект, состоящий из балетов четырех разных хореографов. Они связаны между собой чем-то, кроме музыки Десятникова, или это четыре совершено самостоятельные работы?

– То, что мы все ставим балеты на музыку Десятникова, конечно, очень объединяет. Но в то же время музыка настолько разная, что мы можем быть абсолютно свободны друг от друга. Поэтому это скорее разные взгляды, наполняющие музыку.

========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 23591
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Сен 17, 2021 8:45 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021091701
Тема| Балет, Фестиваль "Видеть музыку", Ростовский музыкальный театр, Персоналии, Георгий Ковтун, Вячеслав Окунев, Анатолий Устимов, Екатерина Кужнурова
Автор| Михаил Кривицкий
Заголовок| «СПАРТАК» НА НОВОМ ПОЛЕ
ШЕСТОЙ ФЕСТИВАЛЬ «ВИДЕТЬ МУЗЫКУ» ОТКРЫЛСЯ БАЛЕТОМ ХАЧАТУРЯНА «СПАРТАК»

Где опубликовано| © Журнал Музыкальная жизнь
Дата публикации| 2021-09-16
Ссылка| https://muzlifemagazine.ru/spartak-na-novom-pole/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ, Гастроли

Спектакль привез в Москву Ростовский государственный музыкальный театр. В афише их гастролей на Новой сцене Большого театра также оперетта Имре Кальмана «Сильва» и опера Джакомо Пуччини «Турандот».

Постановка балетмейстера Георгия Ковтуна, представленная изначально в Михайловском театре в 2008 году, была перенесена на ростовскую сцену в 2020 году, когда идея взяться за балет, по словам художественного руководителя постановки Вячеслава Кущёва, перестала быть лишь «заветной мечтой». Действительно, за такой монументальный проект принимаются, неся на плечах груз наследия прошлых постановок, которых у «Спартака» не так уж и много, но зато каждая из них – это культурное событие, за которым стоят великие имена балетмейстеров и солистов.

Спектакль получился «еще более зрелищный и масштабный», о чем свидетельствуют около 150 исполнителей, в числе которых не только артисты балета, но и хора и мимического ансамбля. В массовых сценах пространство заполнено до предела, благодаря умелому использованию декораций с размещением массовки по ярусам; в сольных же эпизодах сцена полностью расчищается. Баланс между театральностью и реализмом – отличительная черта оформления художника-постановщика Вячеслава Окунева. Зрители переносятся в мир, который, с одной стороны, пышный и красочный, с другой – жестокий и брутальный. Роскошные костюмы, словно сошедшие с картин эпохи Возрождения, сочетаются с нарочито простыми одеяниями рабов, а батальные сцены, пусть и артистично грациозны, но включают в себя настоящее фехтование на мечах.



Тех, кто хорошо помнит музыку балета, ждут сюрпризы: действие в духе античности сопровождает хор, комментирующий происходящее репликами на латыни из старинных гимнов. Музыке это не мешает, скорее дополняет фактуру – по крайней мере, в исполнении оркестра под управлением Андрея Иванова вопросов по ансамблю музыкантов не возникло. Тут и там вставлены наброски и вырезанные фрагменты из партитуры, ранее не использованные в предыдущих постановках. Даже в начале спектакля перед привычной торжественной сценой шествия Красса и его войска вставлено небольшое вступление на мрачную тихую музыку, где Спартак мучается за решеткой в полумраке сцены. Этим же приглушенным по звучанию музыкальным фрагментом заканчивается балет.

Сюжетные перипетии подверглись неизбежному изменению. Вместо Гармодия и Фригии в синопсисе возникли Крикс и Валерия, второстепенные сюжетные линии и места действия изменены, а самое главное – Спартак сам идет на свое последнее сражение, понимая, что «лучше погибнуть в бою, чем вновь стать рабом». Революционный пафос оригинального либретто заменен как бы религиозным подтекстом, так как тело убитого Спартака не поднимают на щит, а подвешивают на Х-образном распятии. Впрочем, история великой любви двух угнетенных рабов сохранена в неприкосновенности, и на знаменитом Адажио зрители аплодировали с энтузиазмом.

Несмотря на внешнюю схожесть артистов, манера танца, разработанная хореографом Г.Ковтуном, не оставляет сомнений, кто есть кто: благородную поступь Красса (Анатолий Устимов) не перепутать с разгоряченными прыжками Гармодия-Крикса (Ильшат Умурзаков), а откровенную обольстительность Эгины (Екатерина Кужнурова) – с невинностью и робкостью Валерии (Анастасия Сапрон). Что же касается Спартака (Денис Сапрон), здесь как раз показывается «энергия и витальная сила», о которой рассказывалось в буклете. Отказываясь от сравнений с предыдущими прославленными исполнителями, этого Спартака точно поддерживают как лидера восстания.

Такого рода знаковые постановки случаются нечасто, и для открытия фестиваля более чем уместно начать со своего рода «мегазрелища», обеспечить которое помогла поддержка Фонда президентских грантов и Министерства культуры РФ.



=========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 23591
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Сен 17, 2021 1:22 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021091702
Тема| Балет, Омский государственный Музыкальный театр, Персоналии, Надежда Калинина, Екатерина Жигалова, Нина Маляренко
Автор| Валерия Загорская
Заголовок| «Лебединое озеро» 2.0. Новая версия балета для старта театрального сезона
Где опубликовано| © АиФ Омск
Дата публикации| 2021-09-17
Ссылка| https://omsk.aif.ru/culture/lebedinoe_ozero_2_0_novaya_versiya_baleta_dlya_starta_teatralnogo_sezona
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


«Лебединое озеро» 2021 года нельзя считать реанимацией старой версии. Омский государственный Музыкальный театр

В репертуаре омского музыкального театра после семилетнего перерыва вновь появился балет «Лебединое озеро».

Омск любит классику

Появление нового спектакля было делом времени. Предыдущая постановка 1989 года устарела, декорации обветшали, костюмы перестали привлекать внимание… Тем не менее «Лебединое озеро» 2021 года нельзя считать реанимацией старой версии. Это совершенно новый спектакль, в котором восхищает всё: артисты, их костюмы, декорации и, конечно же, музыка. По словам балетмейстера-постановщика Надежды Калининой, именно классической версии «Лебединого озера» не хватало омскому зрителю.
«Классика всегда привлекает и будет привлекать зрителей в театр. «Лебединое озеро» – один из самых зрелищных спектаклей, известных во всём мире, поэтому делать его авторским мне не хотелось, – сказала Надежда Станиславовна. – Новая редакция спектакля сильно отличается от предыдущей. Были добавлены некоторые сцены, увеличилось количество выходов чёрных лебедей, кардинальные изменения в хореографии, сценографии и режиссуре, решён иначе финал: принц Зигфрид спасает Одетту от злого колдуна Ротбарта».

«Классика всегда привлекает и будет привлекать зрителей в театр. «Лебединое озеро» – один из самых зрелищных спектаклей, известных во всём мире, поэтому делать его авторским мне не хотелось, – сказала Надежда Станиславовна. – Новая редакция спектакля сильно отличается от предыдущей. Были добавлены некоторые сцены, увеличилось количество выходов чёрных лебедей, кардинальные изменения в хореографии, сценографии и режиссуре, решён иначе финал: принц Зигфрид спасает Одетту от злого колдуна Ротбарта».


Омскому зрителю не хватало именно классической версии «Лебединого озера».. Фото: Омский государственный Музыкальный театр

Художник-постановщик Сергей Новиков на протяжении 10 лет успешно работает с главным балетмейстером омского музыкального театра Надеждой Калининой. Не первый год омичей и гостей города восхищают балеты «Золушка» и «Идиот», опера «Евгений Онегин» и другие спектакли. Опыт постановки «Лебединого озера» у творческого тандема тоже есть – в 2019 году в США. По словам художника, омская версия балета не повторяет американский спектакль.

«Мы прекрасно понимали, что работаем над классическим спектаклем, который должен жить очень долго. Главной задачей было сделать спектакль очень качественный, лёгкий, красивый и интересный для зрителя, – поделился Сергей Новиков. – «Лебединое озеро» - сказка, поэтому на сцене театра родился придуманный волшебный мир, в котором есть добрый принц и злой волшебник, лебеди превращаются в прекрасных девушек, а добро побеждает зло».

«Лебединое озеро» - это и жажда жизни, и надежда на счастье, и воспевание идеала красоты.

Это трепетная и прекрасная история, наполненная препятствиями и испытаниями, подстерегающими юных влюблённых. Романтическая легенда о любви принца Зигфрида к сказочной деве Одетте, околдованной злой силой расскажет о том, как большое и сильное чувство побеждает колдовское заклятие.

Всё волшебно

Если кто думает, что классический балет – прекрасное снотворное, тот сильно ошибается! Спектакль смотрится на одном дыхании и оставляет необычное послевкусие, этакий коктейль из ярких образов, романтичной музыки, ощущения полёта и лёгкого флёра сожаления, что сказка всё-таки закончилась.

В этом балете всё волшебно: декорации, свет, музыка, персонажи. На глазах зрителей Одетта превращается в белого лебедя, а злой колдун – в ворона, маленькие лебеди исполняют свой знаменитый танец, а Одиллия – дьявольские 32 фуэте на балу в замке Зигфрида. Каждое па, жесты, позы артистов – это каскад чувств и эмоций.


Омская версия балета не повторяет американский спектакль. Фото: Омский государственный Музыкальный театр

По словам ведущей солистки балета омского музыкального театра Екатерины Жигаловой, все репетировали много, долго и упорно. Екатерина в «Лебедином озере» исполняет ведущую женскую партию принцессы Одетты и Одиллии.

«Лебединое озеро» - это мечта каждой балерины, так как этот спектакль считается жемчужиной классического балета, хотя партии сложны в исполнении физически, технически и эмоционально», – рассказала балерина.

Артисты просмотрели многие отечественные и зарубежные постановки этого балета, искали то, что поможет им понять своих героев, вжиться в роль. По словам Екатерины Жигаловой, понимание образа Одетты-Одиллии пришло не сразу, но результат восхищает!

Для ведущей солистки балета Нины Маляренко, новая постановка «Лебединого озера» не первая. В Новосибирске она начала с кордебалета, дошла до партии Па-де-труа, больших лебедей, сейчас удостоена части исполнять Одетту и Одиллию, белого и чёрного лебедя, два совершенно разных образа. Белый лебедь в исполнении артистки – неземное создание, чистое, светлое, хрупкое, в отличие от черного лебедя, дерзкого и коварного.
По словам балерин, грани характеров персонажей приходилось искать, порой, очень долго, чтобы прочувствовать их, так как Одетта и Одиллия – это не только внешняя оболочка, они ещё несут какие-то эмоции, образ оживает, только когда вкладываешь в него душу.

Отдельная тема – костюмы. Белые лебеди традиционно в пачках. К слову, их по спецзаказу отшивали в Мариинском театре Санкт-Петербурга. Художник Сергей Новиков придумал для каждого «лебединого» костюма свой орнамент, выполненный вручную мастерами «Мариинки».

Образ злодея Ротбарта дополняют большие, массивные крылья и шапка, напоминающая клюв хищной птицы. Ротбарт и есть птица – во время битвы с Зигфридом он превращается в ворона. По словам исполнителя партии Ротбарта Александра Шеверова, костюм просто потрясающий, но артисту пришлось долго привыкать к крыльям, чтобы они во время прыжков перестали жить своей жизнью и стали с персонажем одним целым.


Артисты при подготовке искали то, что поможет им понять своих героев, вжиться в роль. Фото: Омский государственный Музыкальный театр

В омском музыкальном театре стало традицией участие в балете солистов-вокалистов. Так, в «Идиоте» старого аристократа играет Владимир Миллер, в «Золушке» в роли продавца механических танцоров можно увидеть Константина Черных, в образе короля – Антона Завьялова. В «Лебедином озере» не стали нарушать традицию: королеву играют Ирина Завьялова и Виктория Якименко.

«Лебединое озеро» открывает новый, юбилейный, сезон омского музыкального театра. В театре уверены, что этот балет останется в репертуаре на десятилетия.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 23591
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Сен 17, 2021 5:00 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2021091703
Тема| Балет, Латвийская Национальная опера, Персоналии, Кшиштоф Пастор, Раймонд Мартынов, Виктор Сейко
Автор| Андрей Шаврей
Заголовок| Андрей Шаврей: балет «Дракула» в Опере — укусите и забудьтесь!
Где опубликовано| © LSM.ru
Дата публикации| 2021-09-17
Ссылка| https://rus.lsm.lv/statja/za-efirom/za-efirom/andrey-shavrey-balet-drakula-v-opere--ukusite-i-zabudtes.a421762/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Foto: Кристап Калнс

Наверное, уже все интересующиеся культурными событиями знают, что в Латвийской Национальной опере состоялась премьера балета под весьма звучным названием — «Дракула». У него есть с десяток плюсов и всего полтора недостатка. Считайте сами — счет хороший.

Сперва о плохом. На премьеру пускали только смелых. То есть вакцинированных. Но это же не вина балета! Так что вот вам первая половина недостатка. А вакцинированные знают, что уколоться — это не больно. Что уж там бояться смотреть, как артисты балета друг друга кусают? Это же мистический триллер!

И вот тут сразу о втором недостатке — ну что за попсовый жанр для балета нашего национального, искусства этого декадентского, по Стокеру этому? Ну это вы можете так рассуждать, если вы конченый сноб, конечно.

Тем более, что вообще-то в наших оценках все не так страшно.

Ведь тут есть самый главный плюс — мы видим балет. Я, кстати, впервые за год. Когда такой перерыв был? Никогда.

Год назад художественный руководитель нашего балета Айвар Лейманис поставил свою версию «Лебединого озера» — роскошную и внешне (сценография, костюмы, свет), весьма интересную внутренним содержанием. Увы, эту постановку из-за пандемии увидели мало зрителей. Но будем надеяться на лучшее. Не бойтесь.

Потому что мы видим наш национальный балет практически в полном составе. Они еще в разных спектаклях меняются ролями. И приятно видеть, например, ведущего солиста Сергея Нейкшина, играющего роль врача, он еще отлично танцует и играет (не секрет, что для солиста балета возраст уже пограничный, но то ли он укусил кого-то, но выглядит отлично!).

Тут вообще есть что играть, а не только танцевать. Танцуют, кстати, неоклассику в постановке польского хореографа Кшиштофа Пастора, которого наша публика знает очень хорошо, он сотрудничает с нашим балетом уже более двадцати лет, «Весна священная», «Кармен» и «Опасные связи» — его рук (и ног) дело.

Отличный мастер, который погрузил на два с половиной часа вообще в очень опасные связи. Если вы впечатлительный, то можете временами забыть, что все это «понарошку».

Классический бал викторианской эпохи. Звучит вальс, столь уловимо напоминающий знаменитые вальсы, извините, Дмитрия Шостаковича. Впрочем, о музыке — под конец публикации. Я о костюмах и сценографии, они потрясающие — от британского творческого дуэта Чарльза Кусика Смита и Фила Р. Даниэлса. Историк моды Александр Васильев замрет, когда их увидит.

Тут нет трико, лосин и пачек. Артисты танцует в аутентичных нарядах и брюках, уходящих практически в пол. Это же не так уж легко тогда танцевать? Но танцуют.

Все, как в жизни: бал проходит на виду у всех, тут все красиво и эффектно, но вот какие эффекты начинаются, когда один из главных героев спектакля Джонатан Харкер (в моем случае я смотрел первый состав, в исполнении отличного Карлиса Цирулиса) на весьма экзотичной карете уезжает в ночь — в некий замок. Ночь многое скрывает от публики. Но чтобы все же увидеть жутковатые подробности, еще есть и волшебное искусство освещения, которое «наколдовал» британский мастер Джон Басвел.

И ясно, что герой явно развлечься поехал, что там гадать. Но все равно я пишу это предположительно, потому что либретто принципиально не читал (и оригинал в виде романа Брэма Стокера тоже не читал, еще раз извините) — безмолвное искусство танца знатоку должно все рассказать без перевода.

Но там же девушки, там не просто эротика в виде двух великолепных вампиров-призраков в трико (Роберт Нае и Александр Осадчий), на которых — пятна тлена.

Там секс, что вы мне будете говорить иное? И девушки, там оргия в постели. И там старый Дракула (Раймонд Мартынов) кусает молодого, чтобы сразу омолодиться. И тут есть отличный трюк — как он превращается в молодого и прекрасного Дракулу (Виктор Сейко).

Что-то мне напомнило экранизацию Михаилом Швейцером «Мертвых душ», когда герой Плюшкина в исполнении Иннокентия Смоктуновского вспоминает свое прошлое, когда он был богат, здоров психически и любил женщину. Вечный сюжет, Гоголь покруче Стокера, да?

Будете истерически смеяться, но вся эта история с девушкой Миной (Юлия Брауэр) напомнила мне сюжет бессмертного балета Адольфа Адана «Жизель», только не в столь возвышенном варианте. Тут тоже приходит герой на кладбище, скорбит — и вдруг дух возлюбленной является. А потом гробы открываются. Ужас-ужас. Детям, наверное, все же нельзя ходить? А то они расплачутся и заглушат громкую музыку.

А музыка Войцеха Киляра. Кстати, очень интересная тема для большого исследования. Польский композитор-новатор, в шестидесятые годы прошлого века именитый коллега великого Кшиштофа Пендерецкого. Но потом Войцех, насколько я знаю, в какой-то момент плюнул на все это смачно и стал писать музыку якобы «попсовую». Для кино, например. Кстати, именно он написал музыку к знаменитому фильму «Пианист». И вот тут начинаешь немного метаться — музыка такая кинематографическая, ну где тут великий симфонизм? А под руководством главного дирижера Мартиньша Озолиньша — увлекает.

Она еще и очень театральная, эта музыка. Там есть сцена в доме скорби, где пациент ловит мух (знаете, достаточно мощная игра, а не просто танец Антона Фрейманса, который в другом составе станцует Дракулу в старости). А его ловит врач в исполнении Нейкшина — тот самый, что в самом начале танцевал на балу. Ну,

в постановках сцен «дурки» поднаторел великий Борис Эйфман. Тут тоже «хорошо» — смешно и жутковато.

В общем, рекомендуем! Тем более, что все закончится, как вы, возможно, знаете, хорошо — убийством. Дракулу проткнут не осиновым колом, а роскошным холодным оружием. И Дракула успокоится. И сляжет в гроб навсегда. И, возможно, встретится его мятущаяся душой с душой любимой. Молитесь и надейтесь!

А вообще хорошо, что Айвар Лейманис увидел запись этого балета, первая постановка которого прошла в 2018 году в Западной Австралии. Посмотрел и понял — не соскучитесь. Во всех смыслах.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3  След.
Страница 2 из 3

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика