Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2020-09
На страницу Пред.  1, 2, 3  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> Газетный киоск
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 21961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Сен 08, 2020 6:47 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020090803
Тема| Музыка, Опера, 5-й международный дальневосточный фестиваль «Мариинский», Персоналии,
Автор| Владимир Дудин
Заголовок| Дальневосточный триумф "Мариинского"
Оперные исполнители пронесли вдохновение через всю страну

Где опубликовано| © Независимая газета
Дата публикации| 2020-09-08
Ссылка| https://www.ng.ru/culture/2020-09-08/7_7958_triumph.html
Аннотация| 5-й международный дальневосточный фестиваль «Мариинский»


Фестиваль завершился оперой «Война и мир». Фото Геннадия Шишкина/Приморская сцена Мариинского театра

Во Владивостоке прошел юбилейный 5-й международный дальневосточный фестиваль «Мариинский». Его завершила опера «Война и мир» Cергея Прокофьева в режиссуре Кристины Лариной под управлением Павла Смелкова.
С момента создания и на протяжении первых четырех выпусков фестиваль «Мариинский» во главе с Валерием Гергиевым не только знакомит с достижениями и открытиями музыкальной культуры Петербурга жителей отдаленной части России, но и выстраивает культурно-экономические мосты с восточноазиатскими державами. В прошлогодних буклетах форума можно было встретить немало имен китайских музыкантов. Гости из соседних стран заполняли немалую часть партера. В этом году ситуация резко изменилась, и публику составили прежде всего российские дальневосточники, демонстрировавшие исключительную подготовленность к восприятию далеко не самых популярных партитур.

Многие горожане за эти пять лет взяли за добрую привычку отправляться через Золотой мост на мыс Чуркин, где расположена Приморская сцена Мариинского театра. До появления этого культурного объекта эта часть города не только не отличалась особой привлекательностью (если не считать, конечно, общей притягательности живописных ландшафтов с сопками), но и имела репутацию одного из самых неблагополучных, даже криминогенных районов. Судя по тому, как прилежно вела себя публика на 5-м фестивале «Мариинский», можно сделать выводы о том, какая большая работа была проведена для того, чтобы зал собирал аншлаги, и о том, что владивостокцы – народ хорошо обучаемый, реагирующий на новизну.

Богатая программа этого года изобиловала премьерами, одной из которых стал открывший фестиваль балет «Тысяча и одна ночь» на музыку Фикрета Амирова в хореографии Эльдара Алиева и декорациях Петра Окунева и под музыкальным руководством Эйюба Кулиева. Впервые во Владивостоке представили в концертном исполнении третий акт «Нюрнбергских мейстерзингеров» Вагнера. Премьерой стала и опера «Дон Карлос» Верди в постановке Юрия Александрова, поставленная в Мариинском театре в далеком 1999 году, шедшая там на протяжении многих сезонов до 2012 года, когда ей на смену пришла версия другого режиссера.

Спектакль Юрия Александрова идеально вписался в рамки Приморской сцены, уступающей по масштабам сцене Мариинского-2, но близкой к формату исторической сцены Мариинского театра. Во многом благодаря режиму закрытых границ в этой опере принял участие (в партии короля Филиппа) один из лучших, если не лучший вердиевский бас современности – Ильдар Абдразаков. При ином раскладе столь востребованный певец был бы в это время в Европе. Мужественно преодолевший джетлаг, он явил образ испанского тирана в его психоаналитическом, страдающем изводе, выискивая гуманистическую составляющую этого исторического персонажа, уводя негатив образа глубоко в тень. Сцену выяснения отношений с Елизаветой он провел трепетно, что вроде бы противоречило привычному настрою партитуры, когда от певца ждешь тиранической манеры. Король увел возлюбленную у сына, сделав своей женой и его мачехой, усилив фрейдистскую аномалию и ускорив развязку трагедии. Спектакль под управлением маэстро Валерия Гергиева отличался высоким градусом эмоциональности благодаря хорошему касту. Вторым басом в спектакле был Михаил Петренко, отдавший свой голос коварнейшему Инквизитору. Соперниц Елизавету и Эболи исполняли сопрано Ирина Чурилова и меццо-сопрано Юлия Маточкина, а друзей Карлоса и Родриго, поклявшихся в дружбе до гроба, – тенор Сергей Скороходов и баритон Владислав Сулимский, каждый из них играл на разрыв аорты.

Испытанием и для музыкантов, и для слушателей стало концертное исполнение «Огненного ангела», представленного во Владивостоке впервые. Начавшаяся на полтора часа позже заявленного из-за задержки рейса самолета, на котором прилетел оркестр Мариинского театра с маэстро после выступлений в Томске в рамках Пасхального фестиваля, опера тем не менее дождалась слушателей. Длившееся около трех часов без перерыва сочинение Прокофьева на стилизованный сюжет из позднего Средневековья сопрано Елена Стихина в партии Ренаты и бас-баритон Евгений Никитин исполнили в едином порыве.

Меццо-сопрано Екатерине Семенчук в партии Сантуццы и тенору Ахмеду Агади тоже пришлось пройти испытание сменой часовых поясов, выйдя на сцену в «Сельской чести» Масканьи по петербургскому времени в шесть утра, когда во Владивостоке был час дня. Но они всей душой и телом отдались на волю веристской трагедии, щедро одаривая зал силой своего чудодейственного вокала.

Под финал фестиваля приберегли тяжелую артиллерию – «Войну и мир» Прокофьева. Опера с участием большого хора находилась в группе риска. «Во время репетиций я ощущала себя на поле боя, вырабатывая тактику ведения репетиции, чтобы солисты, хор, миманс, балет не заболели и были доведены без потерь до финальных аплодисментов, – призналась режиссер Кристина Ларина. – Главным критерием нашего репетиционного процесса были любовь и забота о ближних, поэтому спектакль удался».

Санкт-Петербург–Владивосток
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 4886

СообщениеДобавлено: Ср Сен 09, 2020 2:24 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020090901
Тема| Музыка, Московская филармония, Персоналии, Люка Дебарг
Автор| Надежда Травина
Заголовок| Люка Дебарг путешествует во времени
Французский пианист на сольном концерте в Москве соединил музыку XVIII века с собственными сочинениями

Где опубликовано| © Независимая газета
Дата публикации| 2020-09-08
Ссылка| https://www.ng.ru/culture/2020-09-08/7_7958_music.html
Аннотация| КОНЦЕРТ


Люка Дебарг мановением руки в одной мелодии соединяет столетия.
Фото Московской филармонии


В Московской филармонии прошли концерты французского пианиста Люки Дебарга. Пианист пересек границы ради очередной встречи с российской публикой, которая его боготворит: вначале выступил в сопровождении Академического симфонического оркестра под управлением маэстро Юрия Симонова, представив свою трактовку Второго концерта Прокофьева, а следующим вечером дал сольный концерт – о нем и пойдет речь. Музыкант назвал свою программу «Вокруг Скарлатти» – изящно и тонко переплел сонаты итальянского композитора XVIII века Доменико Скарлатти с произведениями его современника Баха, миниатюрами современного французского автора Стефана Дельпласа и собственными опусами.
В нескольких интервью Дебарг признается в любви к фортепианным сочинениям Скарлатти, а самого композитора называет близким другом. Публика догадывалась об этой симпатии: пианист довольно часто вставляет пару-тройку сонат Скарлатти в свои выступления. В октябре прошлого года он всего за пять дней записал на лейбле Sony Classical 52 сонаты итальянского мастера и этим отчасти стер свой ярлык тонкого интерпретатора музыки французского импрессионизма. На концерте в филармонии, где таинственным образом «улетели ангелы акустики» (исчезли таблички на креслах), ему предстояло это доказать «прилюдно».
Начав и закончив сочинениями Баха («Итальянский концерт» фа мажор и «Токката № 2»), Дебарг устроил глубокое погружение в звуковой мир – но не Скарлатти, а в свой. Каждую сонату, безусловно, технически трудную для исполнения, пианист пропускал через себя: не только добавлял, в общем-то, чуждые такой музыке отклонения от темпа и акцентировал гармонические переходы, но и открывал много неожиданного – вроде пасторальных мотивов в одной части и джазовых синкоп в другой. Это была по-настоящему интеллектуальная игра во всех смыслах, в которой по большому счету одноликие сочинения Доменико Скарлатти вдруг приобретали новые, интересные, свежие краски. Просидев весь концерт в одной позе, не реагируя на звонки и падающие предметы, Дебарг самозабвенно рассказывал нам о своем «лучшем друге» – так, как если бы тот жил сегодня.
Перемешивая сонаты XVIII века со своей гиперромантической Токкатой и Прелюдией и фугой в духе блюзовых импровизаций, звучащих словно в каком-нибудь парижском кафе вечером, Дебарг искусно переплетал эти столь далекие друг от друга музыкальные нити, размывая границы времени и эпох. Догадаться о том, что закончился Скарлатти и начался Дебарг, можно было, в лучшем случае изучив программку: удивительно, но артист практически не делал пауз между номерами, оттого каждое последующее воспринималось как логическое продолжение предыдущего (отдельно стоит отметить тщательно продуманную последовательность пьес). После компактной часовой программы прозвучали три биса – «Баркаролы» Форе и самого Дебарга, а также «Фантазия» Скрябина. Последняя оказалась по-настоящему щедрым подарком, заставив задуматься о том, что будет, если следующая тематическая программа Люки Дебарга будет создаваться вокруг музыки одного из последних русских романтиков.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 4886

СообщениеДобавлено: Ср Сен 09, 2020 2:25 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020090902
Тема| Музыка, фестиваль «Казанская осень», ГСО РТ, Персоналии, Александр Сладковский, Альбина Шагимуратова, Игорь Головатенко
Автор| Марина Гайкович
Заголовок| "Казанская осень" стартовала в офлайн-формате
Для долгожданного открытия нового сезона Александр Сладковский пригласил Альбину Шагимуратову и Игоря Головатенко

Где опубликовано| © Независимая газета
Дата публикации| 2020-09-03
Ссылка| https://www.ng.ru/culture/2020-09-03/7_7955_culture.html
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ


На фестивале выступают только звезды.
Фото © пресс-служба Республиканского симфонического оркестра


Культурная жизнь в российских городах оживает после пандемии. Так, в столице Татарстана концертный сезон традиционно открыл фестиваль «Казанская осень», который проводит Государственный симфонический оркестр Республики Татарстан и его художественный руководитель Александр Сладковский.
10 лет назад Сладковский приехал в Казань, чтобы подарить новую жизнь знаменитому, но в тот момент находящемуся в трудной ситуации оркестру. Настоящий антикризисный менеджер, он сразу сориентировался на большой казанской сцене и выдал несколько идей, которые не просто прижились, но стали традицией.
Так, с 2011 года музыкальный сезон в Татарстане открывается большим оперным опен-эйром на площади у роскошного Дворца земледелия. Одновременно фестиваль «Казанская осень» посвящается Дню города и Дню Республики Татарстан. Перед жителями Казани выступают настоящие оперные звезды, за минувшие годы в фестивале принимали участие Дмитрий Хворостовский, Роберто Аланья, Симона Кермес, Хибла Герзмава, Венера Гимадиева, Леонардо Граменья, Динара Алиева, Андрей Жилиховский, Сергей Скороходов и другие. Для юбилейного концерта Сладковский пригласил обожаемую в Казани Альбину Шагимуратову – в дуэте с баритоном Игорем Головатенко, певцом, за последние годы совершившим невероятный прыжок в мир больших оперных театров.
Перед началом концерта прошла мини-презентация последней крупной работы оркестра – бокса «Чайковский-2020», с записями симфонической музыки и инструментальных концертов композитора. На очереди, к слову, еще одна монографическая работа – только что завершилась запись всех оркестровых сочинений Рахманинова.
Надо сказать, что оркестр вышел из карантина, совсем не потеряв форму. Духовые, визитная карточка этого коллектива, которые никогда не дают "осечки", были как всегда на высоте, да и общий тонус коллектива ощущался как никогда. В непростых условиях опен эйра, требующих от музыкантов дополнительной концентрации, особенно когда участвуют солисты, оркестр был как скала.
Музыка Чайковского, а точнее, его «Итальянское каприччио» и ария Елецкого из «Пиковой дамы» и открыли концерт. Довольно разнообразная программа вечера сложилась из знаменитых увертюр, оперных и опереточных арий и дуэтов, фрагментов из испанских сарсуэл, но не обошла и татарскую музыку. В своих интервью Шагимуратова говорит, что татарские песни у нее практически в крови – петь их она начала в детстве, гораздо раньше, чем семья переехала в Казань. И делает она это блистательно, что и продемонстрировала в исполнении арии Алтынчеч из одноименной оперы Назиба Жиганова, а также в романсе Рустема Яхина «Не улетай, соловей». Был и другой – самый знаменитый «Соловей» – Алябьева, чьи феерические трели в исполнении Шагимуратовой триумфально венчали концерт.
Сольные и дуэтные сцены Шагимуратова и Головатенко исполняли, несмотря на все особенности открытой сцены, с колоссальной отдачей – сказывается и почти полугодовое отсутствие живых выступлений, да и собственно профессионализм обоих певцов, известных своим ответственным и продуманным отношением к материалу. Полные драматизма вердиевские сцены (из «Бала-маскарада», «Сицилийской вечерни», «Риголетто»), зажигательные опереточные, страстные испанские сарсуэлы – и бушующий «Стан Тамерлана» Александра Чайковского, без которого редко обходится выступление Государственного симфонического оркестра Республики Татарстан, тем более если речь идет о праздновании Дня города – так в десятый раз началась «Казанская осень».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 21961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Сен 10, 2020 12:13 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020091001
Тема| Музыка, Опера, "Геликон-опера", Премьера, Персоналии,
Автор| Владимир Зисман
Заголовок| "Каменный гость" приходит в театр
В "Геликон-опере" прошла первая премьера нового сезона

Где опубликовано| © Ревизор.ру
Дата публикации| 2020-09-09
Ссылка| https://www.rewizor.ru/theatre/reviews/kamennyy-gost-prihodit-v-teatr/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Дмитрий Овчинников (Лепорелло) Дмитрий Хромов (Дон Жуан). Фото: Ирина Шымчак


Как говорится, ничто не предвещало. По крайней мере, в планах "Геликон-оперы" на новый, тридцать первый сезон, "Каменный гость" А. С. Даргомыжского не фигурировал.

"Пустой театр - а спектаклей не было почти полгода - выглядел, как затонувший "Титаник", - рассказывал Дмитрий Бертман. В этих новых условиях, когда будущее стало ещё более непредсказуемым, чем обычно, и появилась идея открыть сезон постановкой оперы А. С. Даргомыжского, в значительной степени благодаря тому, что хотя эту оперу камерной в классическом смысле назвать нельзя, она, всё же значительно менее населена, чем это, вообще говоря, свойственно оперным произведениям. Сама её структура предполагает смену сцен, в начале каждой из которых появляется три персонажа, а в конце остаётся два. Я имею в виду общий, так сказать, вектор драматургического развития.

И в этом смысле, идея такой постановки более чем удачна в своём сочетании общекультурной позиции с безусловными санитарно-эпидемиологическими достоинствами. Это действительно достаточно серьёзный фактор в наше по-своему непростое время.

Режиссёр-постановщик этого спектакля Д. Бертман рассказал, что идея этой постановки родилась ещё весной, когда театры и концертные залы закрылись, но было ясно, что к тому времени, когда они откроются, надо будет подойти с учётом особенностей нового образа жизни. Более того, постановка и разучивание оперного материала проходили в онлайне, с помощью zoom’a. К тому же эта работа, помимо всего прочего, стала дополнительным "поддерживающим" стимулом для певцов, которые оказались в чрезвычайно сложной для себя ситуации, когда вокальный аппарат требует постоянной работы, а квартира не является комфортным местом для работы певца ни для него самого, ни для его соседей. Д. Бертман рассказывал, что некоторые из солистов вынуждены были заниматься в собственных автомобилях. Не от хорошей жизни, разумеется.

Но выбор "Каменного гостя" естественным образом влёк за собой значительное число проблем для постановщиков и для исполнителей. И главная из них состоит в самой сущности этой оперы и, как следствие, её места в репертуарной политике театров. А ставили её нечасто.

Ведь строго говоря, последняя опера Александра Сергеевича Даргомыжского была для него своего рода формалистическим экспериментом. "Пробую дело небывалое, - сообщал композитор в письме от 17 июля 1866 года, - пишу музыку на сцены "Каменного гостя" - так, как они есть, не изменяя ни одного слова". Этот текст цитируют всегда, когда пишут о "Каменном госте" А. С. Даргомыжского. Но почему-то этим и ограничиваются. А ведь он продолжает: - "Конечно, никто не станет этого слушать".

о есть, он вполне отдавал себе отчёт и в экспериментальной сущности оперы, и в её конечных художественных достоинствах. И в этом (кстати, как и во всём остальном), он оказался прав. Хотя, конечно же, в том, что постановок "Каменного гостя" не так уж и много, "виновата" и сложность исполнения этого произведения, в котором солист должен быть в равной степени и певцом, и актёром.

"Каменный гость" Даргомыжского, это уникальный и достаточно трагический композиторский опыт, когда в произведении, самом по себе имеющем достаточно ограниченную художественную ценность, заложено музыкально-драматургическое будущее русской оперы. В "Каменном госте" заложены зёрна в значительной степени и музыкального языка М. П. Мусоргского, это фактический эскиз "Моцарта и Сальери" Н. А. Римского-Корсакова, это испанская (ну хорошо, русская псевдоиспанская) этника Чайковского и Глинки, это, в конце концов, небольшой музыкальный антракт после сцены убийства Дона Карлоса, в котором совершенно очевидным образом узнаётся предтеча музыкальных антрактов Д. Шостаковича из "Леди Макбет Мценского уезда". Я уже не говорю о фантастической звуковой образной изобразительности в партитуре, пусть даже и выполненной Римским-Корсаковым, но заложено-то всё это было автором.

Это я всё клоню к тому, что поставить оперу, в которой все её достоинства являются её же недостатками, является задачей совершенно нетривиальной. Ведь мало того, что боготворимый Даргомыжским текст Пушкина в результате тщательной композиторской деятельности распался до неузнаваемости, так ещё и сама музыка чрезвычайно фрагментирована именно из-за того, что буквально каждое слово тщательно интерпретировано музыкальной интонацией. И, кстати, забегая вперёд, хотелось бы отметить, что дирижёр-постановщик спектакля Михаил Егиазарьян чрезвычайно вдумчиво и скрупулёзно пытался насколько возможно скомпенсировать эту музыкальную разнородность и фрагментарность, сгладить те очевидные неудобства, которые были заложены в партитуру Римским-Корсаковым и найти тембровый и динамический баланс между оркестром и солистами. И, конечно же (я так понимаю, что это было совместное решение Д. Бертмана и М. Егиазарьяна), отсутствие интродукции пера Римского-Корсакова в начале оперы пошло ей только на пользу.

Общий сценическо-костюмный облик спектакля, созданный режиссёром Галиной Тимаковой и Аллой Шумейко не несёт никакой "исторической" нагрузки, "костюм – не символ конкретного времени" (Д. Бертман). Да, конечно же, если на сцене почти исключительно благородные доны, от естественного образа испанского мачо со шпагой далеко не уйдёшь, да это и не требуется. С монахом и того очевиднее. С женскими персонажами в этом смысле уже интереснее. Впрочем, женские костюмы всегда более вариативны, чем мужские, и в жизни тоже, не только в театре. Довольно откровенный и очень остроумно решённый костюм Лауры, который является объектом действия и игры, при этом весьма деликатно обозначающий, ну скажем, интенции действующих лиц.

Костюм же Донны Анны, несколько странный арт-объект, чрезвычайно точно отражает ментальную сущность самой Донны Анны, персонажа, у которого не то чтобы не все дома, а, скорее это образ коммуналки, из которой почти все жильцы выехали. Мне очень повезло, я был на спектакле, в котором роль Донны Анны исполняла Наталья Загоринская, певица и актриса, про которую Бертман сказал: "Она мой учитель, а её научил Бог". Она создала образ, который при том, что точно вписывался в заданные текстуальные рамки, был при этом абсолютно им перпендикулярен. Когда каждое её движение и жест следовали тексту и букве, но при этом, по сути, всё происходило совершенно в иной смысловой плоскости. И по реакции зала было слышно, как это точно считывается публикой.

Собственно, весь спектакль представляет собой своего рода парадокс, отчасти направленный и на компенсацию очевидного недостатка самой оперы – она написана слишком серьёзно. И для Дон Жуана, и для Пушкина.

Артисты первого премьерного спектакля – Валентина Гофер (Лаура), Дмитрий Янковский (Дон Карлос), Алексей Дедов (Статуя командора), Виталий Фомин, Николай Меликов, Андрей Орехов (гости Лауры), Дмитрий Овчинников (Лепорелло), Дмитрий Хромов (Дон Жуан) – создали абсолютно органичный спектакль, спектакль-ансамбль.

Когда Дмитрий Александрович Бертман рассказывал о спектакле, он сказал, что этот спектакль – о человеческой зависти.

Ну о какой же зависти может идти речь в "Дон Жуане", вечном сюжете, который мы в разных, пусть даже очень многих формах и воплощениях, прекрасно знаем?

Но спектакль "Геликон-оперы", впрочем, как любое произведение искусства, развёрнутое во времени, делает финал, всё решает последняя нота, последний акцент.

Так что я вам не скажу, чем закончилась трагическая история Дон Жуана. Теперь это ваша проблема.

Но спектакль – да, о человеческой зависти.

==============================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 21961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Сен 10, 2020 5:55 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020091002
Тема| Музыка, Опера, Режиссура, Персоналии, Юрий Лаптев
Автор| Наталья Кожевникова
Заголовок| Искать новое в традициях. Юрий Лаптев - о проблемах воспитания режиссеров
Где опубликовано| © «Санкт-Петербургские ведомости» № 162 (6760)
Дата публикации| 2020-09-10
Ссылка| https://spbvedomosti.ru/news/culture/iskat-novoe-v-traditsiyakh-yuriy-laptev-o-problemakh-vospitaniya-rezhisserov/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В Мариинском театре восстановили оперу Сергея Прокофьева «Огненный ангел», которую поставил Дэвид Фриман в 1991 году. Вернул оперу к жизни после почти десятилетнего перерыва режиссер Юрий Лаптев. Певец, солист Мариинского театра, он недавно возглавил кафедру режиссуры музыкального театра Санкт-Петербургской консерватории. О проблемах воспитания режиссеров сегодня и о многом другом Юрий ЛАПТЕВ рассказал журналистке Наталье КОЖЕВНИКОВОЙ.



- Вы работали с Дэвидом Фриманом над постановкой «Огненного ангела». Сохраняет ли спектакль ту актуальность, которая потрясла театральную общественность 30 лет назад?

- Большая жизнь прошла вместе с этим спектаклем и уже без него тоже. Спектакль был знаковый, он совпал и с поворотом в нашей общей истории - 1991 год, образование нового государства, и с изменениями в жизни театра. Постановочная бригада тогда приехала из Ковент-Гардена, это была совершенно новая режиссура, новый язык. И сегодня «Огненный ангел» звучит остро. Уже пришло новое поколение исполнителей, а этот спектакль дает возможность артисту раскрыться, здесь очень сложный драматический и вокальный материал.

- Если вам предложат что-то восстановить из репертуара Мариинского театра, какое название выберете?

- В театре такой огромный действующий репертуар. Я пристрастен. Фактически я вырос в этом театре и знал репертуар старого Кировского театра буквально наизусть. Спектакли шли на русском языке, и это было великим благом для публики. Дмитрий Шостакович писал, что так должно быть, потому что в опере «сопереживание музыке гораздо важнее фонетических красот любого языка». Тем более что опера - жанр просветительский. Надо им обольщать, прививать вкус к этому жанру с молодости. Полюбив оперу, человек может переходить к более изысканным образцам, наслаждаться фонетикой и тонкостями. А пока публика приходит и читает краткое содержание «Евгения Онегина». И я им всегда завидую, потому что они открывают для себя потрясающие вещи.

В Кировском театре были прекрасные спектакли, часть из них сохранена и сегодня - «Хованщина», «Псковитянка». Это шедевры, достояние. Каждый в свое время был вехой коллектива, стяжавшего себе славу великого русского оперного театра. Был великолепный красивый спектакль «Фауст». Эти спектакли основали грандиозную традицию, которая заслуживает того, чтобы ее развивать, иначе или она мумифицируется и превратится в музейный экспонат, или умрет, если ее забыть и уйти совсем в сторону. Сегодня многие европейские оперные театры потеряли традиции и в сценографии, и в образности мышления, и в умении прочтения замысла, которые мы пока сохранили. Развивать великие традиции - это путь в будущее.

- Восстанавливая старые спектакли, вы работаете как исследователь, реставратор.

- После воссоздания вдруг картина начинает работать совершенно по-другому - играть, светиться, жить. Когда Валерий Гергиев предложил мне восстановить «Псковитянку», у меня был контракт с «Метрополитен-опера», где я должен был петь в «Игроке». Это хороший гонорар и престиж, но возможность поработать с художником такого масштаба, как Федор Федоровский, который делал старую «Псковитянку», бывает раз в жизни. В том спектакле был момент, который никогда не получался, - сцена приезда Грозного. Неудачной картины у Федоровского быть не могло, у него всегда феноменально выстроена композиция. Ломали голову, изучали материалы, придумывали варианты - Грозный приезжал на лошади, выходил на центр сцены со стягом - не работает. И я нашел фотографию 1959 года, которая все поставила на свои места. Он быстро проходит в собор, не видя толпу встречающих людей, а потом, стоя на паперти, чувствуя эти взгляды, резко оборачивается - и все падают ниц. И это было грандиозно...

- А вам как режиссеру не хочется поставить что-то с чистого листа, а не восстанавливать чужой шедевр?

- Очень хочется. Когда мне это удается, я получаю большое удовольствие. В прошлом году сделал пролог к «Псковитянке» - «Боярыня Вера Шелога». Эта одноактная опера никогда здесь не шла. Тоже интересная задача - чтобы она органично вписалась в единый сюжет с «Псковитянкой».

Я долгое время сотрудничаю с театром в Улан-Удэ, работаю с Рижским драматическим театром, где делал музыкальный спектакль, с театром в Донецке...

- В этом году вы возглавили кафедру режиссуры оперного театра в петербургской Консерватории.

- Да, первую кафедру в России, которая профессионально стала заниматься подготовкой режиссеров музыкального театра. Раньше было мудрое правило: на режиссуру, как и на дирижирование, принимали с высшим музыкальным образованием. Это профессии зрелого возраста, когда человек уже имеет жизненный опыт. Сегодня второе образование любое - платное. Приходят 18-летние школьники. Они могут быть талантливы и способны, но это дети... Сейчас зерна от плевел отделить очень трудно в огромном информационном потоке и в образовании. Очень много соблазнов.

В театрах есть совершенно неподобающие вещи, которые нам предъявляют как образцы музыкального спектакля. Они бывают подчас весьма успешны, их поддерживают сообщества единомышленников. Но никакого главенства музыки или замысла композитора, который мы должны вскрыть, извлечь и рассказать со своей позиции, в них нет. Просто придумывается свое сочинение под музыку, которая им даже мешает. И, к сожалению, в 99,9% масштаб сочинителя спектакля несоизмерим с масштабом композитора, который эту оперу написал. И, конечно, в молодом восприимчивом уме смещаются понятия. Ребята имеют очень отдаленное представление о музыкальном театре и режиссуре. И, чтобы передать трагедию Ромео и Джульетты или Виолетты, или Бориса Годунова, надо все-таки что-то пережить самому, быть грамотным человеком.

- Можно ли что-то изменить в правилах приема?

- Пока невозможно. Есть инструкции и постановления Министерства образования. Хотя мы подчиняемся Министерству культуры, которое должно объяснить чиновникам из Министерства образования, что есть определенные тонкости в нашей профессии, в том числе у режиссеров и дирижеров.

Есть и другие проблемы - артист балета или музыкант учится с пяти лет и достигает наивысшей своей формы, и тут возникает вопрос воинского призыва. Альтернативная служба могла бы дать возможность человеку и выполнить свой долг, и сохранить свои навыки, таланты. У нас, например, огромное количество неукомплектованных оркестров в стране...

Еще проблема - в Москве и Петербурге, крупнейших городах, все стараются задержаться. Не понимают, что здесь можно потонуть в сообществе себе подобных, а в более удаленном регионе есть возможность проявить себя более полно.

- Ваша дочь тоже стала певицей, образовав уже династию певцов Лаптевых. Ведь ваш отец, а ее дедушка Константин Лаптев, народный артист СССР, был, в частности, солистом Театра оперы и балета им. С. М. Кирова, ныне Мариинского, и педагогом нашей Консерватории...

- Я не ждал такого поворота. Полина была успешной скрипачкой, окончив Консерваторию с красным дипломом, служила в хорошем оркестре, концертировала, играла то, что хотела, - от джаза до камерной музыки. Но «Бог сулил иное». Она запела. Пение - одна из самых неблагодарных профессий: ты зависишь от огромного количества «но». Срок певца недолог, а хлеб горек. Хорошо, когда все хорошо складывается, но сколько поломанных судеб, исковерканных жизней! Поэтому, когда Полина решила петь, я немного напрягся. Утешает одно: она унаследовала от дедушки очень красивый голос, тембрально насыщенный, что бывает сейчас редко. Она очень грамотный музыкант, и я надеюсь, что сможет себя реализовать.

- Над чем сейчас работаете?

- Над «Князем Игорем» в Улан-Удэ. Для них это спектакль знаковый. Легендарный бас Лхасаран Линховоин блистал в партии Кончака, и спектакль долго шел, но, к сожалению, уже обветшал. Нужен спектакль для современного зрителя. Мы можем поставить другие акценты, поискать нюансы, которые сейчас будут лучше считываться. Сложность оперы в том, что Бородин ее не закончил, а Римский-Корсаков после смерти композитора сделал свою версию. Мне хочется, основываясь только на музыке Бородина, на его записках и пометках, все-таки сделать спектакль чуть ближе к авторскому замыслу. Хотя, наверное, я льщу себя надеждой...

Материал опубликован в газете «Санкт-Петербургские ведомости» № 162 (6760) от 10.09.2020 под заголовком «Искать новое в традициях».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 21961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Сен 10, 2020 11:33 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020091003
Тема| Музыка, Опера, МТ, Премьера, Персоналии, Анна Матисон
Автор| Александр МАТУСЕВИЧ
Заголовок| Горе от ума: в Мариинке Снегурочку противопоставили толпе
Где опубликовано| © Газета «Культура»
Дата публикации| 2020-09-10
Ссылка| https://portal-kultura.ru/articles/theater/328722-gore-ot-uma-v-mariinke-snegurochku-protivopostavili-tolpe/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



Первая премьера нового сезона в Мариинском театре — в постановке режиссера из мира кинематографа Анны Матисон — озадачила зрителей нарочитой концептуальностью.

Мариинский театр завершил 237-й сезон и одновременно 28-й фестиваль «Звезды белых ночей» необычайно поздно — 6 сентября. А уже на следующий день премьерой «Снегурочки» открылся сезон следующий: никакой передышки, никакой дистанции. Все паузы уже случились в период карантина, а сегодня Валерий Гергиев набрал привычный для себя темп и ведет свой корабль к новым вершинам. «Снегурочка», кстати, это долг с сезона предыдущего — ее премьера должна была состояться еще в мае, но, увы, новую версию весенней сказки Островского — Римского-Корсакова публика смогла оценить только в сентябре.

Родившись в 1882 году именно в этом театре, любимая опера композитора ставилась до революции здесь трижды, а потом, после 1917 года случилась пауза почти в девяносто лет. Такую несправедливость по отношению к «Снегурочке» в «доме Римского-Корсакова», как нередко называют Мариинку за обилие опер композитора в репертуаре (сегодня их двенадцать — почти все!), маэстро потерпеть, конечно же, не мог, и в 2004-м состоялась долгожданная премьера.

Тот спектакль Александра Галибина и Георгия Цыпина был выдержан уже в новых веяниях и напоминал не детский утренник (чем нередко славились постановки сказочных опер классика в советское время), а скорее языческое обрядовое действо, хотя и сказочный элемент в нем присутствовал. Он счастливо прожил здесь до прошлого года. Другими словами, партии солистами давно спеты, а партитура — в пальцах оркестрантов. Правда, в нынешней премьере открыли все купюры, и дивная музыка Римского-Корсакова прозвучала целиком: наслаждаться ею публика продолжала целых четыре часа, при всего одном антракте.

Режиссер из мира документального кино и телевидения Анна Матисон работает в Мариинке уже в третий раз. С прошлогодним «Пеллеасом» утонченного француза Дебюсси ее постигла скорее удача, а вот «дружба» с опусами главы петербургской композиторской школы, судя по всему, пока не заладилась — дебютный «Золотой петушок» (2014) рождал устойчивое ощущение балагана и капустника, и не менее противоречивое впечатление оставляет и новая работа.

Идея-фикс почти всех современных режиссеров, берущихся за оперные сказки Римского-Корсакова, — деконструкция и дистанцирование от традиции. Другими словами, надо во что бы то ни стало уйти подальше от жанровой сущности этих опусов и доказать, что сказки эти — вовсе и не сказки, а чтобы это выглядело более-менее убедительно, сказки эти надо разобрать по ниточке и вытянуть оттуда что-то такое диковинное, чего раньше никому, в том числе и ее создателям, и в голову не приходило.

Хотя если бы любой из таких новаторов-экспериментаторов задался вопросом, для чего композитор, ставя сложные экзистенциальные вопросы, облекает их в форму почти детской истории, поэтизируя сюжет и при этом продолжая оставаться на условной территории притчи-ритуала, то он бы наверняка ответ нашел: простая незатейливая форма необходима ему для более выпуклой подачи глубоких смыслов, чтобы привычный контекст сказки не отвлекал от сути. Всякое толмачество, нарочитое разжевывание этих смыслов, гипертрофированное утрирование в их подаче здесь излишни.

«Современное общество, настроенное на потребление, зачастую не способно видеть истинную красоту человеческих отношений. Невыгодно быть не таким, как все. Сегодня даже попытки выделиться должны укладываться в тренды, иначе — жесткое неприятие», — пишет в буклете к спектаклю Матисон. На это социологическое открытие хочется задать встречный вопрос: а в каком обществе выгодно быть белой вороной? Может быть, в коллективистском советском социалистическом это поощрялось? Или во времена Островского и Римского-Корсакова плыть против течения, выбиваться из заданных страт, не каралось как минимум общественным осуждением?

Отталкиваясь от этой наивно претендующей на оригинальность посылки, Матисон предлагает читать историю Снегурочки как противостояние личности и толпы, коллектива и индивидуума, привнося в оперу мотив, который там едва ли заложен; по крайней мере, музыкальные характеристики титульной героини точно не выявляют в ней фигуру протестанта-революционера. Но режиссер, придумав концепцию, естественно ее отрабатывает, пусть даже музыкальный материал и сопротивляется, — таковы правила современного постмодернистского театра. Поэтому противостоящий Снегурочке социум показан крайне агрессивным, наделенным всеми мыслимыми грехами — добрыми «счастливых берендеев» не повернется назвать язык даже у закоренелого оптимиста.

Анна Матисон обращается не только к социологии, она начитанна и насмотренна. В результате ее постановка перегружена всевозможными цитатами и аллюзиями из мира литературы, живописи, театра (в том числе оперного), видеоарта, но особенно кино. Такое впечатление, что спектакль сделан не для широкой публики, а для музыкальных критиков, театроведов и культурологов, которые в силу квалификации способны считывать множество «месседжей», обильно посылаемых режиссером. Прекрасно, что авторы спектакля так высоко оценивают искушенность публики, однако представляется, что большинство зрителей увидит в спектакле прежде всего лубочных «бурановских бабушек» всех мастей в расписных сарафанах (костюмы Ирины Чередниковой) — ту самую пресловутую клюкву «а ля рюс», детскую сказочку про девочку-снеговичку, которой так чурается сегодня концептуальный театр. Впрочем, возможно, Матисон этой двуслойности и хотела — ведь театр ей «поручил сделать детскую версию спектакля».

Музыкально продукт еще будет дозревать. Но уже сейчас есть замечательные достижения. Прежде всего, это трогательная Айгуль Хисматуллина в титульной роли, спевшая героиню поэтично, нежно, звонким, культурным звуком и с необыкновенной, редкой для высоких сопрано ясностью дикции. Ей противостоит яркая во всех отношениях Мария Баянкина — Купава, чье пение наполнено бурлящей энергии. Колоссальное впечатление оставляет Алексей Марков в роли Мизгиря — красавец-голос легко заполняет зал, вокально создавая образ властного, уверенного в себе нувориша. Интересно прозвучал в партии Леля контратенор Артем Крутько — обычно подобного рода эксперименты вызывают лишь скепсис и ухмылку, однако этот певец обладает голосом достаточной силы и яркости, чтобы вписаться в отнюдь не барочную стилистику одного из шедевров русского романтизма.

Фото: Наташа Разина
========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 21961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Сен 12, 2020 7:23 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020091201
Тема| Музыка, Опера, "Геликон-опера", Премьера, Персоналии,
Автор| Александр МАТУСЕВИЧ
Заголовок| Карантинный вариант: «Геликон» открыл сезон камерной оперой «Каменный гость»
Где опубликовано| © Газета «Культура»
Дата публикации| 2020-09-11
Ссылка| https://portal-kultura.ru/articles/theater/328762-karantinnyy-variant-gelikon-otkryl-sezon-kamernoy-operoy-kamennyy-gost/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



Опера Даргомыжского, недлинная, немноголюдная и без участия хора, оказалась настоящей находкой для возобновления работы в условиях не до конца побежденной пандемии.

Выбор первого премьерного названия худрук театра Дмитрий Бертман объяснил пандемийными обстоятельствами: «Каменный гость» второго русского композитора-классика Александра Сергеевича Даргомыжского — опера небольшая по продолжительности и камерная по составу, в ней нет хора, словом, не опера, а находка для текущего момента. Идея обратиться к ней возникла в «Геликоне» как раз в период карантинного простоя — раньше она в планах театра не значилась. К концертному варианту здесь когда-то обращались, но полноценный спектакль в истории оперного дома на Большой Никитской первый.

Но не только утилитарными соображениями руководствовался режиссер-постановщик. Предваряя показ, он справедливо заметил, что главное в оперном театре — это личность певца-актера, и в такой малоформатной опере его роль особенно важна. «Нам надо сконцентрироваться на театре самом дорогом и ценном, — театре эмоциональном, а не сухом концептуальном. И тогда нам не нужно будет выкладывать «гарниры» и включать экраны с головоломным контентом, чтобы никто не увидел, как на самом деле играет артист».

Такая декларация — бальзам на израненное радикальными экспериментами сердце театрала-меломана. Однако скоропалительно обольщаться не стоит: в «Геликоне» этот тезис реализуют по-своему, с акцентом на актерскую ипостась артиста-вокалиста, а не на певческую. Вокальный театр, тембральное наполнение образа, игра оттенками голоса — на это здесь обращают внимание далеко не в первую очередь. Возможно, что вынужденно, ибо по-настоящему первоклассных голосов в театре практически никогда и не было, возможно, что и концептуально — как ни крути, с самого начала «Геликон» задумывался как театр, прежде всего, режиссерский.

В результате на открытии сезона, в первый премьерный день новой постановки, голос, полностью соответствующий вокальным задачам образа, в спектакле был только один: баритон Дмитрий Янковский ярко и эффектно спел короткую, но выразительную партию неудачника Дона Карлоса. У остальных артистов-певцов, при всех актерских достоинствах и наличии неоспоримой музыкальности, именно певческие образы оказывались мелковатыми, с заметными техническими несовершенствами, а не слишком мощный оркестр Римского-Корсакова (именно он инструментовал незаконченную оперу старшего коллеги) в экспрессивных фрагментах порой создавал им вполне ощутимые проблемы (дирижер-постановщик Михаил Егиазарьян). И очень печальным оказалось участие в премьере в ключевой партии Донны Анны признанной примы театра Натальи Загоринской, поющей здесь чуть ли не со дня его основания: увы, голоса практически не осталось, а одним лишь эмоциональным интонированием, выразительной фразировкой и точной актерской игрой в опере не обойтись.

Особенно это безголосие лезло в уши по причине того, что в Большом театре долгих четверть века шла замечательная постановка Олега Моралева и Марка Эрмлера (1976), и многим еще памятны великолепные именно вокальные образы, созданные в ней такими выдающимися певцами, как Владимир Атлантов и Алексей Масленников (Дон Жуан), Тамара Милашкина, Маквала Касрашвили и Галина Калинина (Донна Анна), Тамара Синявская и Галина Борисова (Лаура), Артур Эйзен и Александр Ведерников (Лепорелло) и др. Есть «Каменный гость» (уже в постановке Дмитрия Белянушкина 2016 г.) в репертуаре Большого и сегодня — его звучание, быть может, уже не столь роскошно, но когда поют, например, Анна Нечаева (Донна Анна), Агунда Кулаева (Лаура) или Станислав Трофимов (Лепорелло), то, безусловно, можно говорить о вокальном театре высокого уровня и сегодня.

Преобладание режиссерского начала в «Геликоне» в полной мере проявило себя и в постановке маленького шедевра Даргомыжского: у спектакля есть оригинальная концепция, именно она здесь правит бал, а вовсе не актер-певец. Распахивается занавес, и перед публикой предстают красивые полосатые колонны и своды в византийско-мавританском стиле, среди которых расставлены под стеклянными колбами белоснежные античные бюсты (сценограф Алла Шумейко). В темное пространство Антониева монастыря врываются затянутые в кожу и в балаклавах веселые пройдохи — Дон Жуан и его слуга-подельник.

Но дальше события развиваются не совсем по Пушкину. Командор, оказывается, вовсе и не умер, а, обрядившись в монашескую рясу, как паук стережет потенциальную жертву у собственного кенотафа — оступится его вдова или все же будет хранить ему верность? Более того, с Лепорелло он в заговоре — платит тому, чтобы спровоцировать нужную драматургию отношений между его обидчиком, ветреным Жуаном, и Донной Анной. В финале неумерший Дон Альвар застрелит супругу, Дон Жуан — его и его спутников-монахов, а коварный изменщик Лепорелло — выпустит финальный выстрел в своего господина.

Впрочем, такое окончание не выглядит уж слишком неожиданным — все ведь помнят прекрасно, что в версии Дмитрия Бертмана Кармен убивает вовсе не Хозе, а Микаэла, а Турандот так и не обретает счастья с Калафом, поскольку оказывается чудовищным монстром, с любовным исходом никак не совместимым. Гораздо инновационнее смотрится завершение первого акта: под инфернальную, полную ужаса музыку, сопровождающую первый диалог Лепорелло и Жуана со статуей (которой в спектакле нет — вместо нее просто крест) на кладбище, режиссер разыгрывает веселенький фарс — господин и его слуга буквально катаются по полу от приступов хохота, обуревающего их у могильной плиты. Находка, бесспорно, смелая и оригинальная — лишь гармонические решения Даргомыжского, звучащие в оркестре, ей сильно мешают.

Фотографии предоставлены театром "Геликон-опера".
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 21961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Сен 13, 2020 12:15 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020091301
Тема| Музыка, Опера, МТ, Премьера, Персоналии, Анна Матисон
Автор| Нора Потапова
Заголовок| Снегурочка в Мариинском. Развенчание поэтичного мифа.
Где опубликовано| © портал «МУЗЫКАЛЬНЫЕ СЕЗОНЫ»
Дата публикации| 2020-09-13
Ссылка| https://musicseasons.org/snegurochka-v-mariinskom-razvenchanie-poetichnogo-mifa/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

На перепутье двух сезонов, которое вынуждено случилось в первую неделю сентября, сыграли премьеру: «Снегурочку» Римского Корсакова в постановке Анны Матисон. 4-го сентября практически закрыли новым спектаклем сдвинутый во времени фестиваль «Звёзды белых ночей», а 7-го вторым премьерным представлением открыли сезон 2020-21.

Поэтическая сказка предстала в неожиданном обличье: тяжёлая бревенчатая конструкция нейтральных тонов и аскетичный, больше намёком, графичный образ леса (сценограф Александр Орлов); на этом фоне сочные цветовые тона костюмов, динамичные пластические композиции, броские бытовые детали, выхваченные из действительности, ирония, пародийность, неожиданные характеры и шокирующе жесткий финал. Может быть, не идеально подготовленный всем ходом спектакля, но впечатляющий и отлично сработанный.

В режиссёрском прочтении Анны Матисон Снегурочка, очаровательное чудо природы, нечаянное дитя беспутных полубожеств – вообще никому не нужна: не зная, что с ней делать, родители «сбагривают» её к людям. Папа-мороз ещё как-то беспокоится, даёт советы, мама-Весна тоже что-то лепечет, но она больше занята птичками, цветочками и собственным великолепием: тяжёлое тёмно-красное платье, эффектное ожерелье, неторопливая купеческая величавость, медовые тона голоса Анны Кикнадзе. Мать-Весна дарит Снегурочке способность чувственно любить (душой любить Снегурочка и так умеет лучше всех), прекрасно понимая, что это её сгубит: ну, хочешь – получи! И обставляет действо дарения с долей пошловатой красивости, с густым туманом-паром, с лодкой в цветочных гирляндах и сладким штампованным ритуалом.


Снегурочка – Ольга Пудова, Весна – Анна Кикнадзе. Фото – Валентин Барановский © Мариинский театр

Вообще непонятно, откуда в Снегурочке человеческое: никаких генетических предпосылок! При том, что она – самое человечное существо во всей этой компании самовлюблённых мамы, папы, горе-эстета царя, собственника Мизгиря, приспособленца Леля, хищницы подружки. До неё есть дело только лесному юродивому Лешему-Чебурашке, поскольку совсем уж некуда девать ему свои симпатии и талант мелкого волшебника. Берендеи, к которым она попадает, просто обыватели, падкие на дешёвые эффекты, пёстрые подарочные пакеты, а главное, на деньги Мизгиря, который покупает сначала невесту-Купаву, шикарно разбрасывая купюры, затем Снегурочку у её приёмных родителей, готовых к любой выгодной сделке. Именно дождём денежных купюр осыпает-ослепляет Мизгиря Леший в заповедном лесу, не давая поймать Снегурочку. А разбросанные купюры, между тем, не пропадут: их жадно соберут Купава и Лель во время своего любовного дуэта.

Лель – имя носит в честь языческого божества любви – ловкий парень, прикидывающийся бедным пастушком. (Обратим внимание: олимпийские боги тоже иногда таким невинным имиджем пользовались.) Здешний Лель – чудесная травести с первоклассным вокалом Екатерина Сергеева – отлично ориентируется в ситуации. Покрасоваться перед необычной девушкой Лель не прочь, но Бобыль с Бобылихой – не самые выгодные потенциальные родственники, поэтому парень со Снегурочкой не церемонится. А вот Купава, хотя и брошенка, но дочь богатого селянина, да и от Мизгиря ей кое-что перепало – бойкая девица подаренное дорогое ожерелье экс-жениху не отдала. Машину его шикарную палкой побила. С самим царём любезничает, сапожки ему надевает. Явно девушка со смекалкой, своего не упустит. Хорошая парочка у них с Лелем складывается, хотя поначалу она пастушка, не оценив, грубо гоняла.

Вот такие они, окружающие Снегурочку: красивые в фантазийных костюмах сочных тонов от модельера Ирины Чередниковой, динамичные в руках хореографа Раду Поклитару. И приземлённо-практичные.

Возникает вопрос: а где же Римский-Корсаков с его поэтичным пантеизмом? Нужно признать, что он вовсе не потонул в яркой пестроте условных бытовизмов. Да Гергиев за пультом этого бы и не допустил. Но поэтическая составляющая спектакля уступает жанрово-бытовой лихости. И сарказму, и насмешке. Чего стоит явление жениха Мизгиря в открытом красном авто. Или торжественный въезд Царя Берендея на печи, аки Емеля. Царь, творческая натура, ещё и на пяльцах вышивает, да похваляется своим сомнительным произведением искусства. Что не мешает Евгению Акимову с чувством петь знаменитую арию, хотя ирония явно просачивается в его интонацию.

Праведно-поэтическая аура сцен в царских хоромах снята изначально: былинные гусляры – жалкая стайка слепцов, грубо понукаемая блюстителями порядка, беспомощно мыкается по дворцовым хоромам; царь-государь у Акимова сильно смахивает на Додона, а в исполнении Андрея Попова – на другого, очень современного царя. Страждущая девушка Купава предстаёт пред светлые царские очи в мехах, полная амбиций и явных намерений заслужить мужское расположение престарелого монарха. И ей, Купаве Екатерины Санниковой это удаётся весьма: ярко и актёрски, и певчески.

Те есть, режиссёрские стрелки с поэтичной лирики до поры до времени переведены в комедийно-гротесково-бытовую тональность. Пока в спектакле не обживётся Снегурочка. Особенно героиня Айгуль Хисматуллиной, своею детской непосредственностью так отличающаяся от всех, что кажется просто блаженной. Доминанта этой Снегурочки – инакость, качество, не прощаемое толпой. И так поразившее видавшего виды Мизгиря! Очень хрупкая, пугливая и доверчивая, естественная в проявлении неосознанной женственности и не потерянной ребячливости, с нежным, звонким, выразительным голосом и ещё не проснувшимся сердцем, эта Снегурочка обречена. Из характерных подробностей сценического бытия милейших Берендеев, то бишь хорошо знакомых нам человеков, история девушки-Снегурочки вырисовывается как не сложившаяся жизнь одинокого ребёнка. Попытки встроиться в человечий мир с его культом правильной тёпленькой благостности, прикрывающей обычную корысть, ничем хорошим не кончаются. Да и кумир Берендеев Ярило-солнце время от времени своим агрессивным пеклом попугивает– то её добрые люди к тёплой печке прислонят, и совсем плохо девушке станет, то костёр масленичный жаром полыхнёт. Уж очень Снегурочке хочется быть «как все», тоже палки тяжёлые к кострищу тащит, а её отталкивают. Талисман Снегурочки, её хрупкая жизненная подпитка – белый воздушный шарик. Её мирок – маленькая снежная полянка на краю сцены. Здесь детско-подростковые вещички, куклы, как оказывается, копии обожаемого Леля, папы-Мороза, мамы-Весны. И… маленький телевизор, без которого вполне можно было бы обойтись, так как само собой понятно: драма брошенного ребёнка – это во все времена драма.

На этой маленькой заснеженной полянке и заканчивает свою жизнь Снегурочка, свернувшись эмбрионом и словно растворившись в снежинках.

Тут случается прорыв сценических эффектов. Мизгирь (молодой Владислав Куприянов или мастеровитый вокалист Алексей Марков), блеснувший многими гранями характера – победительно беспечный, безжалостный, раненый страстью, почти обезумевший –– жить в обманном мире больше не хочет, но и умирать ординарно тоже не желает: в отчаянном бесстрашии кидается с бортика авансцены в реку (в оркестр) спиной. Очень эффектно. Но прибережённый к финалу катаклизм ещё круче. Из далёких глубин новой Мариинской сцены быстрым деловым шагом приближается некто в светлом балахоне, а за ним, под музыку гимна солнцу, на экстатически восторженных берендеев надвигается огромный огненный шар.

Всех сжёг свирепый языческий бог Ярило (а имя-то какое – яростный!). Снегурочку растопил так, за одно – нечего мутантам по выжженной земле шастать…

За что пожёг – догадайся сам. Берендеи вели себя не с тем масштабом пакостности, чтобы устроить им апокалипсис. А большей пакостности, пожалуй, музыка Римского-Корсакова никак не дозволяла. Вот тут концы с концами не очень сошлись.

Впрочем, обобщение, послание человечеству, конечно, понятно. Даже без предпосланного спектаклю – задолго до музыки – чёрно-белого коллажа кинохроники, соединившего ужасы войны и кадры урбанистических катастроф с очаровательными улыбками знаменитых советских кинозвёзд и сценками беспечного веселья. Тем более, что подобный ход в театре и кино уже давно оброс бородищей. Но постановщики, очевидно, посчитали: не вред ещё раз напомнить человечеству, что людские пакости небесными вседержителями – читай природой – не очень поощряются.

Вот как-то так, вероятно.

=========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 4886

СообщениеДобавлено: Пн Сен 14, 2020 1:30 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020091401
Тема| Музыка, Опера, БТ, Московская филармония, Персоналии, Анна Нетребко, Михаил Плетнев
Автор| Екатерина Бирюкова
Заголовок| Символ веры
НЕТРЕБКО И ПЛЕТНЕВ СНОВА С НАМИ. МОСКОВСКИЙ СЕЗОН ОТКРЫТ

Где опубликовано| © Colta.ru
Дата публикации| 2020-09-09
Ссылка| h https://www.colta.ru/articles/music_classic/25367-bolshoy-teatr-moskovskaya-filarmoniya-sezon-posle-karantina-netrebko-pletnev-petrenko
Аннотация| ОТКРЫТИЕ СЕЗОНА


© Дамир Юсупов / Большой театр

Открытие музыкального сезона в этом году имело почти сакральный смысл. Сколько было сомнений: разрешат — не разрешат, какое количество народу пустят в зал, а какое — на сцену, не испугается ли публика приходить, найдет ли в наши сложные времена деньги на билеты и не предпочтет ли маскам и санитайзерам уютный домашний онлайн, пышно расцветший благодаря карантину. Но открываться при любых ограничениях надо в сентябре. Иначе — все, конец времен, вон посмотрите на Метрополитен-оперу, объявившую, что до нового года на нее не стоит рассчитывать.

Большой театр прервал многомесячное молчание одним из первых в мире (Мариинка не в счет, она вне конкурса, заработала аж в июле). Свой 245-й сезон он непатриотично, но эффектно открыл серией «Донов Карлосов» на Исторической сцене с праздничным набором солистов. Уже на следующей неделе с «Пиковой дамы» тут стартует фестиваль в честь 180-летия Чайковского. Но запустить огромную театральную машину после вынужденного простоя справедливо решили еще более беспроигрышным «нашим всем» — то есть Анной Нетребко. Раз уж благодаря оперному затишью на планете у нее сейчас есть свободное время.
Нетребко в партии Елизаветы Валуа, аккуратно демонстрирующая новые плотные краски своего голоса, — главная приманка нынешнего вердиевского кастинга. Рядом на сцене — муж Юсиф Эйвазов в качестве влюбленного в нее Дона Карлоса. С другой стороны — Ильдар Абдразаков в качестве ее роскошно-ревнивого супруга Филиппа II. Вокруг — самые крепкие кадры Большого: Эльчин Азизов — Родриго, Агунда Кулаева — Эболи, Денис Макаров — Великий инквизитор. Все изображают страдания. Но без фанатизма. Постановка это позволяет. Главное, что большой, сложный организм, бережно ведомый дирижером Антоном Гришаниным, расправляет плечи после долгой болезни и демонстрирует запас прочности.
«Дон Карлос» — на редкость незатейливый костюмный спектакль, сделанный в 2013 году британским режиссером Эдрианом Ноублом и периодически удачно используемый Большим театром в качестве нарядной и необременительной рамки для крутых солистов. Но по нынешним временам этот выбор — невероятно смелый шаг директора Большого Владимира Урина. Четырехчасовая опера с антрактом и буфетом, хорами и полным составом оркестра в оркестровой яме — мало кто сегодня на такое решится. Приходится признать, что вожделенное «возвращение к нормальной жизни» лучше всего символизируют именно эти диковинные атрибуты из позапрошлой эпохи.

Та же история и с концертным сезоном. Московская филармония еще в августе начала проводить пробные концерты с укороченными программами без антракта. Но, оказывается, как мало нужно верному меломану для счастья! Два отделения, классически составленные из увертюры («Кориолан»), инструментального концерта (Третий Бетховена) и симфонии (Четвертая Брамса), пара бисов и мольба о лишнем билетике при входе. Ну и, конечно, Михаил Васильевич Плетнев за роялем. Тогда даже можно гарантировать, в какой момент на слушателей сойдет Благодатный огонь — во время сольной каденции первой части бетховенского концерта.
Большой фестиваль Российского национального оркестра — первый крупный концертный проект в Москве после карантина — стартовал в зале Чайковского. До 1 октября здесь состоятся шесть концертов (это значит, что оркестранты шесть раз сдадут тест на ковид). Некоторые изменения в составе участников произошли из-за закрытых границ. Например, вместо ранее заявленного болгарского маэстро Миши Дамева за пультом РНО в день открытия стоял Василий Петренко, а 11 сентября аккомпанировать Плетневу Второй концерт Сен-Санса будет Михаил Татарников. Вообще в ближайшее время нам предстоит радоваться в основном отечественным музыкантам. По счастью, у нас их много хороших.

===========
все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 4886

СообщениеДобавлено: Пн Сен 14, 2020 1:31 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020091402
Тема| Музыка, Свердловская филармония, Персоналии,
Автор| Лариса Барыкина
Заголовок| Вслед за столицей концертные залы открываются на Урале
Где опубликовано| © «Российская газета»
Дата публикации| 2020-09-12
Ссылка| https://rg.ru/2020/09/12/reg-urfo/vsled-za-stolicej-koncertnye-zaly-otkryvaiutsia-na-urale.html
Аннотация| ОТКРЫТИЕ СЕЗОНА

Почти полгода Большой зал Свердловской филармонии был недоступен для публики, в ближайшие дни он, наконец, откроет свои двери. Этому предшествовал длинный вынужденный антракт, наполненный онлайн-трансляциями, беседами и музыкальными уроками. В августе, как только в Екатеринбурге разрешили концерты на открытом воздухе, филармония запустила "Воздушный сезон" в парках города и провела Green Royal Fest с музыкантами - элитой российского пианизма.

Наконец, настал момент открытия филаомонического зала. В концертах второй половины сентября собираются принять участие давние друзья филармонии. Выступят Владимир Спиваков и "Виртуозы Москвы", пианист Николай Луганский, первый отечественный ансамбль барочной музыки "Мадригал", виолончелист и дирижер Александр Рудин, джазмен Игорь Бутман. В конце сентября свой день рождения отметит ведущий коллектив филармонии Уральский филармонический оркестр под управлением Дмитрия Лисса. В октябре слушателей ждут встречи с ведущими певицами Хиблой Герзмавой и Еленой Стихиной, пианистом Рэмом Урасиным.
Кажется, можно ликовать и справлять "праздник возвращения к нормальной жизни". Но одновременно с этой новостью Свердловская филармония объявила о переносе сезона 2020/21, а также концертов весны и лета 2020 года на один год. Это беспрецедентное решение вызвало массу толкований и вопросов.
- Мы долго пытались найти выход, но в итоге поняли, что вынужденные ограничения не позволяют этой осенью открыть сезон в том виде, в каком он был запланирован, - отметил директор Свердловской филармонии Александр Колотурский. - Мы не можем обещать приезд всех российских, а тем более зарубежных солистов, участие наших коллективов в необходимых составах, и даже места в зале, согласно приобретенным билетам. Пока мы должны проводить концерты с 50%-ной загрузкой, в одном отделении. Но тогда нужно было отменять 60 концертов весны и 176 - сезона 2020-21. А у нас уже было продано 8,5 тысяч абонементов. Полная отмена означает: сдавать билеты в кассу, вал негатива. И мы приняли такое решение, поставив во главу угла интересы наших слушателей и в надежде на их понимание. Насколько я знаю, так поступила только Свердловская филармония. Все сдвигается на год, концерты будут представлены с новыми датами, но с сохраненными днями недели. Конечно, мы понимаем наши риски. Начавшийся сезон планируется буквально с колёс, и экономических проблем никто не отменял.

В итоге из 230 с лишним концертов отменено всего пять. Остальные состоятся спустя год. Не отменяется строительство нового концертного зала, пока возможно только замедление темпов. В ближайших осенних планах - Фестиваль Дениса Мацуева, перенесенный с июня, а также Бетховен-фест в честь 250-летия великого композитора, он планировался и проводится с немецкими партнерами. Прорабатывается идея нового фестиваля, на этот раз - во главе с Борисом Березовским. Гастрольный график двух оркестров и хора филармонии тоже оказался урезанным. Но все-таки молодежный оркестр (УМСО) в декабре поедет в Красноярск, а у взрослого (УАФО) пока не отменены ноябрьские гастроли в Берлине и Гамбурге. Ведущие концертные залы, к каковым относятся Берлинская филармония и Эльб-филармония обычно приглашают зарубежные коллективы с интервалом в 2 года. То, что с момента последних выступлений уральцев там не прошло и года, а их снова ждут с концертами, говорит о многом.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 4886

СообщениеДобавлено: Вт Сен 15, 2020 1:42 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020091501
Тема| Музыка, Персоналии, Владимир Тарнопольский
Автор| Сергей Уваров
Заголовок| «Непонятно, что будет с переболевшими COVID-19 певцами и духовиками»
Композитор Владимир Тарнопольский — о возможных последствиях пандемии, немецком гедонизме и мнимом национализме Глинки

Где опубликовано| © «Известия»
Дата публикации| 2020-09-10
Ссылка| https://iz.ru/1058633/sergei-uvarov/neponiatno-chto-budet-s-perebolevshimi-covid-19-pevtcami-i-dukhovikami
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Многие музыканты пострадали от коронавируса, альтернативы ограничению численности зрителей в залах пока нет, а сложившаяся ситуация должна стать темой для новых произведений. Об этом «Известиям» рассказал композитор, худрук ансамбля «Студия новой музыки», профессор Московской консерватории Владимир Тарнопольский. 10 сентября его коллектив открывает сезон концертом памяти Александра Вустина и Дмитрия Смирнова, скончавшихся от COVID-19.

— Что объединяет Александра Вустина и Дмитрия Смирнова помимо их болезни и трагического ухода?

— Вустин и Смирнов — два крупных композитора примерно одного поколения. Им обоим было за 70. В каком-то смысле этому поколению не повезло, потому что оно оказалось в тени очень яркого предшествующего, с которым сегодня ассоциируется послевоенный авангард СССР. Вопреки всем негласным запретам музыка Шнитке, Денисова, Губайдулиной все-таки звучала на самых крупных площадках страны. У них были премьеры в Большом зале Консерватории, в Московской филармонии. Вустин же, пожалуй, лишь в последние годы благодаря Владимиру Юровскому стал более или менее известен широкой музыкальной общественности (в 2015 году худрук и главный дирижер Государственного академического симфонического оркестра назначил Вустина «композитором в резиденции», то есть штатным автором ГАСО, а затем впервые исполнил в МАМТе его единственную оперу «Влюбленный дьявол». — «Известия»).
Правда, наш ансамбль «Студия новой музыки» играл многие его премьеры, заказывал ему сочинения для разных составов. Нас даже упрекали, что мы слишком много его исполняем. Но все-таки у нас специальная аудитория, а широкой публике он был неизвестен. Похожая ситуация и с Дмитрием Смирновым. В 1991 году, тяжкое время для многих музыкантов, он уехал в Англию. Но, на мой взгляд, там так и не стал своим, он не был избалован исполнениями, хотя это один из самых высокопрофессиональных мастеров.
Вустин и Смирнов были изгоями при советской власти и оказались ненужными в новой России, к сожалению. Сыграть их сочинения — не только наш моральный долг, но и важная творческая задача в плане включения в концертный репертуар множества совершенно замечательных сочинений.

— Будут ли мировые премьеры?

— Да. В конце прошлого года мы заказали и Вустину, и Смирнову новые сочинения для «Студии», которые наш ансамбль планировал играть на разных концертах. Свое произведение Вустин назвал «Постскриптум». «Студия» должна была провести премьеру этого сочинения в берлинском Зале Булеза, но эти гастроли, естественно, не состоялись, и 10 сентября мы впервые исполним его в Москве.
Второе сочинение мы заказали Дмитрию Смирнову для нашего концерта «Солнцестояние», который должен был пройти 23 июня в Малом зале Консерватории. Дмитрий написал для нас пьесу «Солнцеворот». Я ему сразу послал мейл: «Эта пьеса для тебя очень необычная». Я знал Смирнова скорее как композитора-лирика, а «Солнцеворот» — довольно жесткая музыка. Оказалось, она стала для него последней крупной работой.
Будет и еще одна премьера: сочинение супруги Смирнова Елены Фирсовой, которая, пожалуй, больше известна, чем названные авторы. Елена написала «Песни прощания» на стихи мужа, он был еще и интересным поэтом. Кстати, уже после смерти Смирнова у нас вышло совершенно уникальное издание — все стихотворения Уильяма Блейка в переводах Дмитрия. Он очень давно страстно интересовался Блейком, и вот благодаря Дмитрию все стихи его кумира впервые стали доступны на русском.

— Оба этих композитора скончались от коронавируса. Как вам кажется, пандемия вообще сильно ударила по здоровью музыкантов? Я не говорю сейчас о материальной составляющей.

— Ударила, да. Непонятно, что будет, например, с переболевшими коронавирусом певцами и певицами, что будет с переболевшими духовиками, ведь легкие — важнейшая часть их профессионального аппарата. Смогут ли они в полной мере восстановиться? Но больше всего это коснулось русских композиторов старшего поколения. Помимо Смирнова и Вустина есть и другие пострадавшие от вируса, к счастью, не с таким трагическим финалом. Хотя некоторые из них поначалу воспринимали всё это как какой-то заговор. Меня всё время поражает, что многие люди вообще не верят в серьезность этой ситуации, и у нас, и в Европе, и даже в Америке, несмотря на чудовищные цифры.
Недавно в Берлине прошла огромная демонстрация против карантинных мер. Удивительный пример непонимания реальной ситуации и степени ее опасности! Если эпидемия продолжится, это может привести к чудовищным изменениям в культуре. Самое ужасное, что я могу себе представить: такие явления, как оркестр, хор или опера, в принципе перестанут существовать. Останутся только в каких-то документах, на видео, например. Вообще, пандемия показала нам, какой это хрупкий феномен — культура, как легко ее сломить.

— Однако многие музыканты считают несправедливыми жесткие требования. Транспорт открыт, людей там битком, в торговых центрах толпы, а концертным залам разрешено заполнять только 50–70% мест, что буквально ставит их на грань рентабельности.

— Эта проблема во всем мире. Я видел фотографии с концерта Даниэля Баренбойма в венском «Музикферайне», когда на сцене находится едва ли не больше людей, чем в зале. В Концертхаусе берлинском проходят концерты, где они соблюдают очень строго всё, по-немецки, после каждого номера меняют пульты, протирают пол прямо на концерте…
Однако какова альтернатива? Тотальное инфицирование населения? Никакая филармония не возьмет на себя ответственность за риск заражения после концерта 2 тыс. человек. С транспортом и другими службами жизнеобеспечения — особый случай. Без них вообще всё остановится, не будет ни электричества, ни воды, ни канализации, ни отопления.

— Что же делать в таком случае композитору? Смириться с тем, что на его премьерах будут полупустые залы?

— Конечно, горько смотреть, когда в концертном зале сидит так мало народу, но мне кажется, что мы, художники, должны эту проблему «тематизировать», в каком-то смысле сделать темой нашего творчества. В искусстве всегда одной из центральных тем была «жизнь и смерть». Но в последние десятилетия мы оказались настолько избалованы комфортом, что забыли о драматических сторонах нашего бытия, о том, что жизнь на самом деле всегда сопряжена с опасностями, с большими проблемами. Мы привыкли быть гедонистами, привыкли от жизни много брать и мало отдавать, не сгорать, а проживать в таком поверхностно понимаемом потребительском счастье.
Когда к нам в консерваторию приезжал Николаус Хубер, один из представителей радикального послевоенного немецкого авангарда старшего поколения, студенты спрашивали его, почему в немецких консерваториях учится мало немцев, почему многие молодые композиторы уходят в импровизацию. Он ответил очень резко: «Попы наших детей не могут просидеть за инструментом даже одного часа, им нужно всё время менять свои развлечения». Это, конечно, очень вызывающе и преувеличенно, но мысль мэтра новой немецкой музыки совершенно ясна.

— На Западе сейчас много экспериментируют, в частности переписывают партитуры на меньшие составы. Это путь корректный? Вы сами как композитор готовы идти на подобные меры?

— Смотря какие переложения и кто их делает. В свое время Шенберг основал Общество закрытых исполнений, и для этих концертов делались мастерские переложения. Некоторые из переложений — равновеликие оригиналу произведения, приведу в пример гениальное «переложение» Веберном ричеркара из «Музыкального приношения» Баха. Если же переложение делается просто для того, чтобы продолжать эксплуатировать классические «хиты», пусть даже в редуцированном виде, то это имеет большее отношение к бизнесу, а не к искусству.
Удивительное свойство искусства заключается в том, что любые ограничения мастер может переплавить в шедевр. Когда Оливье Мессиан попал в немецкий концлагерь, его сокамерниками оказались кларнетист, скрипач, виолончелист и пианист. И именно для этого состава он написал великий «Квартет на конец времени». Искусство всегда умело работать в ограничениях. Для него гораздо более опасно работать в условиях без ограничений.

— Что же делать коллективам?

— Как советовал Чехов — искать новые формы. Могу только рассказать о личном опыте. Сейчас я со своими коллегами по «Студии новой музыки» работаю над концертом-телемостом с Краковским камерным оркестром. Это будет концерт памяти Кшиштофа Пендерецкого. К сожалению, современная техника пока еще не позволяет играть на дистанции полностью синхронно, так, чтобы, скажем, струнники сидели в Кракове, а духовики — в Москве. Поэтому мы решили играть по очереди: они — с трансляцией в Москву, мы — в Краков.

— Так, может, и вовсе не возвращать людей в залы, а ограничиться онлайн-трансляциями?

— В период карантина таких концертов было проведено столько, что интерес к ним уже потерян. Настоящий концерт — это немного магия, ты должен в это войти. Конечно, молиться Богу можно и на кухне, но вообще для этого существуют церкви, которые тебя настраивают на сосредоточение и молитву. И потом, концерт — это не только диалог исполнителей друг с другом, но и живой диалог со слушателями, а также с акустикой конкретного зала.

— Вы часто упоминаете Германию как пример культурной политики. Однако недавно вы выпустили в немецкой прессе нашумевшую статью о Глинке. Это был ваш ответ немецким же журналистам, которые обвинили его в национализме и призвали власти не называть его именем станцию метро в Берлине. Почему этот спор стал таким острым?

— Да, Германия является для меня безусловным образцом того, как может строиться культурная политика. Но это — отдельная тема. Отвечая на ваш вопрос, нужно сказать, что в Германии еще больше, чем в любой другой европейской стране, подозрение в национализме — худшее клеймо, которое только может быть. Поэтому я так горячо прореагировал на то, что некоторые немецкие газеты выступили против переименования станции берлинского метро в честь Глинки, жившего и умершего на соседней улице. Ряд журналистов обвинили Глинку в национализме. В Германии даже заступаться за человека, которого назвали националистом, сложно, и некоторые мои немецкие друзья советовали мне: «Лучше не связывайся с этим, потому что тебя самого обвинят в национализме».
Однако после публикации я получил десятка два отзывов от немецких читателей и от своих немецких друзей, которые поддержали меня и еще более резко обрушились на немецкий клишированный подход к этому вопросу. При этом нужно заметить, что подавляющее большинство немецкой интеллигенции особенно страстно ненавидит своих националистов. Так, уже упомянутый Николаус Хубер на той же встрече поразил всех, заявив: «Наша канцлер ездит на фестиваль Вагнера в Байройте. Можете себе представить что-либо более ужасное?» Я даже не знал, как это помягче перевести. Как в двух словах объяснить нашим студентам эту специфически немецкую полемику.

— Так в итоге метро переименовали?

— Берлинский сенат будет изучать этот вопрос. Справедливости ради надо сказать, что были в немецкой прессе и публикации в защиту Глинки. Надеюсь, они лягут на стол берлинского сената, когда там будут принимать решение. Но меня меньше интересует название станции их метро, а куда больше — чтобы Глинку, одного из символов «русского европейства», который едва ли не половину жизни провел в путешествиях по Европе, не причисляли к националистам.
С другой стороны, я вспоминаю: а у нас много улиц Глинки в Москве? А у нас есть вообще улицы Рахманинова, Скрябина, Мясковского, Прокофьева, Шостаковича, других композиторов, чья жизнь была связана с Москвой? Нам бы вот этими вопросами нужно заняться!

— В консерватории, где вы преподаете, начался учебный год. Что думаете по поводу опыта онлайн-преподавания?

— У меня двойственное впечатление. Все эти онлайн-лекции, особенно по индивидуальным предметам, имеют очень низкий КПД. Это просто вынужденная мера, ничего хорошего они не дают. Всё лучшее, всё личностное, что может быть в лекциях по гуманитарным вопросам, испаряется. Но сама ситуация заставляет нас более трезво взглянуть в целом на нашу систему обучения. В наших вузах — не только консерваториях, а вообще — программы очень устарели. Если педагог приходит и пересказывает студентам сведения, которые можно почерпнуть в более подробном виде из учебника, то такие лекции не имеют никакого смысла. Лучше просто отослать к соответствующей литературе или в конце концов записать один раз образцовую лекцию на видео. Мы должны четко осознать, что сегодня больше невозможно «впихнуть» в студента все конкретные знания. Важно не только давать знания, а воспитывать умение их находить, формировать способность учиться самостоятельно, формулировать проблему и придумывать решения различных конкретных проектных ситуаций.
К тому же мы должны сегодня отдавать себе отчет, какие знания являются действительно универсальными и необходимы каждому, а какие — более специальные. Всё, что возможно, надо отдавать на самостоятельное освоение, а актуальные проблемы исследовать на разного рода лабораторных занятиях, где профессор ищет решение вместе со своими студентами. При этом ценность личного общения только возрастет, поскольку оно будет включать лишь то, что можно передать именно персонально, лицом к лицу.

СПРАВКА «ИЗВЕСТИЙ»

Владимир Тарнопольский в 1978 году окончил Московскую консерваторию по классу композиции, в 1980-м — аспирантуру того же вуза. В 1989-м выступил одним из инициаторов создания новой Ассоциации современной музыки (АСМ-2), в 1993-м основал ансамбль «Студия новой музыки». С 1992 года — профессор Московской консерватории. Его произведения исполнялись в главных академических залах мира. Обладатель премий Дмитрия Шостаковича (Россия), Пауля Хиндемита (Германия), International Rostrum of Composers Award и др.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 4886

СообщениеДобавлено: Вт Сен 15, 2020 1:43 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020091502
Тема| Музыка, Московская филармония, камерный оркестр Musica Viva, вокальный ансамбль «Интрада», Персоналии, Александр Рудин, Анна Пегова, Полина Шамаева, Борис Степанов, Владимир Байков
Автор| Юлия Бедерова
Заголовок| Бетховену подарили Бетховена
В Концертном зале имени Чайковского исполнили Девятую симфонию

Где опубликовано| © Газета "Коммерсантъ" №166/П от 14.09.2020, стр. 11
Дата публикации| 2020-09-14
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/4490956
Аннотация| КОНЦЕРТ


Фото: Глеб Щелкунов / Коммерсантъ

Камерный оркестр Musica Viva, вокальный ансамбль «Интрада», солисты и дирижер Александр Рудин исполнили в Московской филармонии Девятую симфонию Бетховена в честь 250-летия со дня рождения композитора. Как считает Юлия Бедерова, юбилейное приношение оказалось отнюдь не сувенирным.

Икона европейской музыки, титульная страница мировой симфонической хрестоматии, партитура-миф с мистическими и политическими коннотациями, знамя идейных, государственных трансформаций разных эпох и вечный тест на эстетическую внятность и профессиональное мастерство исполнителей, Девятая Бетховена должна была прозвучать в Москве весной. Но многие события года Бетховена в мире попали под локдаун, а те, что сдвинулись, идут при ограниченном количестве слушателей.
Теперь об иронии первоначальной даты концерта в день рождения вождя пролетариата и любителя «нечеловеческой музыки» напоминают лишь строка в афише («концерт перенесен с 22 апреля») и то обстоятельство, что в исполнении рудинского оркестра, дополненного приглашенными оркестрантами, в частности плетневцами, хора «Интрада» на балконах и квартета солистов на авансцене (Анна Пегова, Полина Шамаева, Борис Степанов, Владимир Байков), симфония звучала не по-ленински, а, напротив, очень по-человечески. Она стала не бурей художественных и гражданских предвидений, не бездной мироздания в момент творения и растворения, не партитурой, словно выливающейся за собственные пределы, какой не раз бывала за свою длинную исполнительскую биографию, но музыкой компактной и логически стройной, камерной по инструментальному качеству, прозрачно-выразительной по звуку, пропорциональной по форме и просто соразмерной человеческому миру и восприятию.
Подзаголовок в афише «с историческими инструментами» не стоило понимать буквально: инструментарий бетховенской эпохи ограничивался частью меди и звучанием литавр, но отсылал к традиции исторически информированного исполнения Бетховена — огромной в мире и скромной в России. В 2005 году именно рудинский оркестр, усиленный европейскими специалистами, впервые в Москве играл симфонического Бетховена на жильных струнах в низком строе: солистами в Тройном концерте были специалисты — сам Рудин, Татьяна Гринденко и Алексей Любимов. В том же году из Новосибирска прилетел Теодор Курентзис с оркестром и хором MusicAeterna — в клубно-молитвенном формате в ШДИ звучала как раз Девятая симфония: на современных инструментах в квазиаутентичном взвихренном стиле, свойственном молодому Курентзису. С тех пор и без того эмблематическая симфония у него сильно подросла и в качестве, и в уровне символизма — ее новой версией MusicAeterna открыла свой новый санкт-петербургский период. Не менее радикально в нулевые звучал Бетховен под дирижерскую палочку Михаила Плетнева с РНО и «сводным хором 500 участников»: симфония была по-своему парадоксально аутентичным посвящением вековым традициям грандиозного метафизического симфонизма, а 500 участников казались пятью тысячами.
На противоположном полюсе относительно не только плетневских, но и курентзисовских взглядов на Бетховена расположилась новая рудинская Девятая, тщательно выкроенная и точно сделанная по исторически информированным исполнительским заветам. И дело не только в радикально быстрых темпах, особенно любимых аутентистами,— против легендарных романтических 74 минут здесь были 60 минут с секундами. Главное — соразмерность, пропорциональность формальной, тематической, тембровой, ритмической, динамической танцующей логики. Она дарит симфонии изысканный и азартный, то фантастичный, то интимный, то драматичный, то нежный остинатный облик и ведет ее из XIX века (а учитывая музыкальную идиоматику, еще из XVII и XVIII веков) через XX век прямо в XXI век. Где графика дисциплинированной безвибратной фразировки, сдержанная игра плотностей, эмоций, инструментальных и вокальных групп ценятся больше массового гипноза и обобщенного пафоса. Где жирноватое звучание квартета солистов не отменяет красоты структуры — инструментальная природа вокальных партий в этой версии «Хоральной» симфонии очевидна. Где легкий, лишенный всякого нажима, ускоренный маршевый эпизод в финале собирает линии симфонии, как нити на пальцах, и превращает ее пространственно-временную полифонию в детскую игру в «веревочки». Где тема финала, проявляясь, не стирает, будто ластиком, рисунок первых трех частей и звучит не творением мироздания, а движением вещества музыки.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 21961
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Сен 15, 2020 8:59 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020091503
Тема| Музыка, Опера, Персоналии, Елена Панкратова
Автор| Наталья Кожевникова
Заголовок| Елена Панкратова: "В Байройте оркестранты иногда не видят дирижерской палочки"
Где опубликовано| © Независимая газета
Дата публикации| 2020-09-15
Ссылка| https://www.ng.ru/culture/2020-09-15/7_7964_culture.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Самая известная российская исполнительница Вагнера – о секретах театра и о том, как во время пандемии превратить дом в сад


В прошлом году певица стала обладателем российской оперной премии Casta Diva. Фото РИА Новости

Сопрано Елена ПАНКРАТОВА, обладательница уникального по силе и красоте голоса – первая русская певица, приглашенная петь в Байройте крупные драматические роли – Кундри в «Парсифале», Ортруду в «Лоэнгрине» – и выступавшая там четыре сезона подряд. Певица рассказала корреспонденту «НГ» Наталье КОЖЕВНИКОВОЙ о некоторых секретах Байройтского театра и о том, как чувствуют себя этот город, театр и певцы сегодня.

– Елена, велики ли ваши творческие потери из-за пандемии?

– Как у всех музыкантов, большие: в Чикаго и «Арене ди Верона» отменена «Сельская честь», «Электру» в постановке Дмитрия Чернякова в Гамбурге перенесли на осень 2021 года, когда у меня подписан контракт на «Турандот» с Парижем, так что, к сожалению, не удастся петь мою любимую роль в его спектакле. Байройт частично перенес программу на 2021 год, планируют концертное исполнение «Валькирии», чего никогда не было в его истории, новую постановку «Голландца», повторят пару старых спектаклей, а запланированную нынче премьеру «Кольца» перенесут на 2022 год.

Но есть и приятные новости – в прошлом году на генеральной репетиции «Лоэнгрина» была артистический директор фестиваля «Арена ди Верона» Чечилия Газдиа и загорелась желанием показать эту постановку Шарона с нашим составом – Фогт, Нюлунд, Панкратова, Конечный, Цеппенфельд – в Вероне. По-моему, там Вагнера по-немецки не было никогда. Так что в 2022-м еще раз спою байройтскую Ортруду, но под итальянским небом.

– В этом году должен был быть ваш пятый сезон в Байройте.

– Ежегодно мы с супругом жили там по 2–3 месяца. В артистическом гардеробе у меня – огромный шкаф «имени Елены Панкратовой», где зимовали наши вещи. В июне мы наведались в Байройт и забрали все домой в Грац. В театре сейчас работают только те, кто занимается вопросами организации на следующий год. Кажется, что театр и город вымерли. Байройт оживал летом, зарабатывая деньги благодаря зрителям фестиваля.

– Чем отличается эта сцена от других?

– Вагнер задумал театр очень аскетичным: простая лепнина и деревянные кресла служат уникальной акустике. Он хотел свести к минимуму все излишества в костюмах, декорациях, чтобы ничто не мешало хорошему звучанию, концентрации на музыке и содержании. Никаких титров для публики нет – все певцы должны владеть текстом и его подачей в совершенстве.

В этом театре создается ощущение, что ты поешь внутри корпуса виолончели, настолько голос отзывается во всех точках театра – это ни с чем не сравнимо. Но не все голоса звучат качественно в этой акустике, поэтому даже признанные в вагнеровском репертуаре певцы, если приглашаются в Байройт, обязательно проходят прослушивание на сцене театра.

Быть популярной в Байройте – очень почетно и приятно, но это палка о двух концах: ты не можешь принимать приглашения других летних фестивалей. Меня часто приглашала Верона, «Звезды белых ночей», «Торре дель Лаго», но я вынуждена была отказываться. Зато вагнеровский репертуар я пою на крупных сценах мира и готовлю сейчас свою первую Изольду для Валенсии в марте 2021 года.

– Самую длинную даже среди опер Вагнера.

– И самую сложную и вокально, и актерски, требующую большого опыта и физической выносливости. Очень благодарна судьбе за то, что роли в операх Штрауса и Вагнера нашли меня, когда я стала зрелой певицей. Важно еще в совершенстве владеть языком, понимать весь подтекст, что стоит за словами. Я 27 лет живу в Германии, в Австрии, думаю и вижу сны по-немецки, последние годы преподаю академический вокал в Университете искусств Граца. Вагнер сам писал либретто таким языком, что обычный немец сегодня не все поймет. У меня есть замечательный словарь – вагнеровский язык в переводе на современный немецкий.

– Есть представление, что певцу нужно перекрывать огромный оркестр в вагнеровских операх.

– Не совсем правильное. В Байройте оркестр сидит под сценой, да еще на нескольких уровнях. Не все оркестранты видят дирижерскую палочку, некоторые берут темп от локтя предыдущего музыканта. Очень сложная задача для дирижера: надо рассчитывать, что звук от инструментов дойдет до зала с опозданием, звук со сцены тоже, и, чтобы зритель услышал все одновременно, требуется особое искусство координации и звукового баланса. Певцы на сцене иногда слышат оркестр частично: например, у меня в «Парсифале» есть фраза, которую задает контрфагот. Я знаю, что он играет, но не слышу, потому что стою в глубине сцены, а он сидит подо мной несколькими метрами ниже. Так что ориентироваться приходится только на внутренний слух, и должно быть все досконально отрепетировано, чтобы публика слышала так, как написано композитором.

– То есть вы должны знать всю партитуру!

– Абсолютно! К тому же и публика, которая приезжает в Байройт, – особенная: знает Вагнера наизусть, слышала лучших из лучших исполнителей последних десятилетий. Работа в таком театре выводит тебя на совершенно другой уровень мастерства, и зарекомендовать себя в Байройте – особое признание. Кстати, каждое лето, в конце августа, там проводятся традиционные гала-обеды с членами вагнеровских обществ всего мира – от Австралии до США. Вот только представителей российского вагнеровского общества я там, к сожалению, пока не встречала.

– Ваш Байройт начался с Кундри, а Кундри – с Байройта.

– Мистерия «Парсифаль» написана именно для Байройта зрелым мастером. Мне посчастливилось дебютировать там в этой партии. Кундри путешествует между мирами, между жизнями, между временем. Мы можем двумя словами выразить суть других героинь, Кундри описать невозможно, там есть все, что есть в женщинах, – мать, любовница, искусительница и служанка. Я бы сказала, что этим образом Вагнер отдал дань всем женщинам в своей судьбе: матери, первой жене Мине, возлюбленной Матильде Везендонк, супруге Козиме, вплоть до правнучки Катарины Вагнер, которая является директором фестиваля сегодня.

И это единственный женский образ в опере! Я очень люблю такие оперы, как «Парсифаль», «Тоска», «Аттила», где не возникает сопоставления: Ортруда–Эльза, Елизавета–Венера, Турандот–Лиу.

– Планы сейчас строите?

– А как же иначе? Контракты у меня подписаны до 2024 года: не говоря о ролях Вагнера и Штрауса, одну только Турандот я буду петь в Вероне, Париже, Лондоне, Мадриде, Барселоне, Берлине, Японии и в Нью-Йорке в Метрополитен-опере. Главное, чтобы мы все были здоровы!

Знаете, в неожиданном карантине были и положительные моменты, мы провернули кучу дел, на что годами не хватало времени из-за постоянных поездок и профессуры. В моем доме балконы, выходящие во внутренний двор, теперь превращены в сад – один с цветами и кустами розмаринов, второй – с пряными травами. Помимо обычных занятий со студентами в Зуме я организовала серьезнейший мастер-класс по французской музыке с главным концертмейстером театра Лисео в Барселоне Вероник Веркле. Кроме того, студенты изучили «Женщину без тени» и «Лоэнгрина» по записям моих спектаклей, и потом мы провели видеоконференции с привлечением моих театральных коллег. Обычно во время обучения студенты вообще не сталкиваются с такими операми, а мои ездят на генеральные репетиции в Байройт и обязательно поют музыку Вагнера – если не оперную, то камерную. Это позволяет лучше раскрыть свой голос и задуматься о своем вокальном будущем.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 4886

СообщениеДобавлено: Ср Сен 16, 2020 1:26 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020091601
Тема| Музыка, Персоналии, Василий Петренко
Автор| Людмила Лунина
Заголовок| «У фестиваля в Вербье есть русские спонсоры. Вполне вероятно, те же люди имеют дома в окрестностях Истры»
ДИРИЖЕР ВАСИЛИЙ ПЕТРЕНКО О СВОЕМ ФЕСТИВАЛЕ В МУЗЕЕ «НОВЫЙ ИЕРУСАЛИМ»"
Где опубликовано| © Colta.ru
Дата публикации| 2020-09-14
Ссылка| https://www.colta.ru/articles/music_classic/25400-vasiliy-petrenko-intervyu-festival-v-muzee-novyy-ierusalim
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Большой фестиваль Российского национального оркестра. 7 сентября 2020 года
© Ирина Шымчак


Василий Петренко возглавляет симфонические коллективы в Ливерпуле и Осло, а у себя на родине сотрудничает с Госоркестром в качестве главного приглашенного дирижера и второй год руководит музыкальным фестивалем в музее «Новый Иерусалим». В этом году концерты пройдут с 23 по 27 сентября.

— Василий, как так получилось, что между Ливерпулем и Осло вы попали в город Истра Московской области?

— Все началось с моего сотрудничества с Государственным симфоническим оркестром имени Светланова, потом в Министерстве культуры мне сказали, что есть идея организовать музыкальный фестиваль в музее «Новый Иерусалим». Подключились областная филармония, областное правительство, появились частные спонсоры. Я приехал, познакомился с директором музея Василием Кузнецовым (он, кстати, по первому образованию музыкант) и его командой, увидел фантастический пейзаж, потрясающий монастырь — и согласился стать художественным руководителем.
В «Новом Иерусалиме» мы делаем фестиваль open air — на открытом воздухе. На сегодняшний день это самый востребованный фестивальный формат в мире. Несмотря на коронавирус и карантин (а во многом и благодаря им), именно концерты на открытом воздухе приобрели невероятную популярность. Понятно почему: меньше риск заболеть. Обычно фестиваль на Истре проходит летом, в этом году его перенесли на осень.
В прошлом году, когда мы играли Пятую симфонию Малера, в течение концерта (а он длинный) были то солнце, то дождь, то радуга над сценой. Секунд, наверное, через тридцать после того, как мы закончили, обрушился сильнейший ливень. Но солнце, которое светило сквозь тучи, надвигающийся грозовой фронт — все это невероятно добавило красок восприятию. Во всем мире такие эффекты и ситуации очень ценятся.
В России, насколько я знаю, фестивали классической музыки на природе пока в новинку. Приятно быть в авангарде процесса. Программа фестиваля составлена мною, участников приглашал тоже я, и очень приятно, что такие звезды, как Максим Венгеров, Николай Луганский, нашли возможность выступить. В этом году среди дирижеров — Андрей Рубцов, Дмитрий Матвиенко, Дмитрий Синьковский, Александр Соловьев и Валентин Урюпин. А среди солистов — известные пианисты Юрий Фаворин, Андрей Гугнин, Полина Осетинская, скрипачи Никита Борисоглебский и Леонид Железный, Ирина Сопова (альт), Анна Кошкина (виолончель), участницы Молодежной оперной программы Большого театра России Эльмира Караханова (сопрано) и Виктория Каркачева (меццо-сопрано).

— А как программа фестиваля коррелирует с музейной жизнью?

— Мы с музеем выступаем в творческом тандеме. В этом году 23 сентября музей открывает выставку, посвященную русской усадьбе. И мы через музыку также пытаемся рассуждать о феномене усадебной жизни. 24 сентября у нас будет вечер итальянской музыки: «Времена года» Вивальди, произведения Джузеппе Сарти — итальянца, 20 лет работавшего в России, Дмитрия Бортнянского, 10 лет стажировавшегося в Италии. Это то, что звучало в великосветских салонах на рубеже XVIII–XIX веков, в период расцвета усадебной культуры.
25 сентября мы играем Бартока, Прокофьева, Штрауса — условно говоря, музыку разрушения, даем образ XX века, когда русская усадьба практически погибла. И выставка об этом тоже рассказывает.
26 сентября прозвучит неоклассика — Игорь Стравинский, Отторино Респиги. Параллель этому дню в выставочной экспозиции — рассказ о парках. Парковый дизайн середины XX века напрямую наследовал дореволюционной усадебной традиции.
Ну и, наконец, XXI век. Сейчас ведь тоже строятся современные усадьбы, правда, мы пока не можем оценить результат. Плюс идет активное возрождение старых усадеб. Что касается музыки, то маркером экзистенциальности мы выбрали Четвертую симфонию Малера.
При этом во время концертов — а они проходят во внутреннем дворе музея — мы будем проецировать на стены изображения предметов с выставки, фотографии усадеб и парков, расширяя таким образом диапазон зрительских впечатлений.

— А как в эту концепцию укладывается Бетховен, музыкой которого фестиваль начинается 23 сентября?

— Бетховену в этом году исполняется 250 лет. Это дань уважения композитору, благодаря которому мы знаем современный оркестр как организацию.

— А как вы относитесь к столь же выдающейся (примерно как Бетховен в музыке) фигуре «Нового Иерусалима» — патриарху Никону?

— Для меня патриарх Никон — человек эпохи Великих географических открытий, с большими любопытством и энергией. Идея его преобразований сводилась к тому, чтобы открыть Россию миру. Собственно, и наш фестиваль к этому стремится. Конечно, удивительно, что сохранились личные вещи Никона — посох, четки, его прижизненный портрет. И все это можно увидеть в музее.

— Говорят, что вы вообще любитель музеев, посещаете их во всех городах, где выступаете.

— По части музеев я избалованный человек. С 12 лет я проводил много времени в Эрмитаже: сперва как зритель, потом на лекциях, а потом я начал играть там концерты. Вначале в Эрмитажном театре, потом в Большом итальянском просвете — огромном парадном зале с итальянской живописью XVII–XVIII веков по стенам. В 1990-е годы существовала такая музейная услуга: можно было заказать индивидуальный тур по Эрмитажу после закрытия. В конце экскурсии гостям предлагали концерт. Играли мы примерно час. Но до концерта у нас обычно было свободное время, можно было ходить в одиночестве, в полнейшей тишине и смотреть. Это, конечно, сильнейшие переживания: Караваджо, Леонардо, Рембрандт. За последующую жизнь, может быть, в Лувре и в Национальной галерее искусства в Вашингтоне я испытал похожие потрясения.

— Вернемся к фестивалю. В каком направлении вы планируете его развивать?

— В идеале надо делать фестиваль плюс летнюю музыкальную академию: приглашать всемирно известных музыкантов не только на выступления, но и, например, провести мастер-класс или серию занятий. Это создало бы дополнительную мотивацию для музыкантов, потому что многие любят работать с молодежью, да и молодым музыкантам Москвы и области было бы очень полезно поучиться у зарубежных мастеров.

— Я просто вижу эту картину: юноши и девушки со скрипками и виолончелями, которые обычно курсируют в центре Москвы, по Большой Никитской между Гнесинкой и консерваторией, садятся в электричку и едут в Истру…

— Почему бы и нет? Это же не полеты в Европу. И потом, вы недооцениваете потенциал района. Вокруг «Нового Иерусалима» в радиусе 20–30 километров живут образованные, состоятельные, прекрасно разбирающиеся в музыке люди. У всемирно известного музыкального фестиваля в швейцарском Вербье есть русские спонсоры. Вполне вероятно, те же самые люди имеют дома в окрестностях города Истра и могли бы поддержать наш фестиваль.

— Каким вы видите фестиваль через пять-десять лет?

— Мне бы хотелось, чтобы он стал большим событием для всего Московского региона, чтобы вокруг музея возникла вся инфраструктура — отели, рестораны, магазины, гастрономические ярмарки, чтобы пустили скоростную электричку между Москвой и Истрой. Хотелось бы построить летнюю стационарную площадку, закрытый концертный зал и Академию музыки. Но сильнее всего я мечтаю о долгосрочным фестивальном планировании — чтобы иметь подтвержденный бюджет на три-пять лет вперед. Это позволит приглашать по-настоящему ярких западных звезд, гастрольный график которых формируется сильно заранее.

=============
ВСЕ ФОТО – ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 4886

СообщениеДобавлено: Ср Сен 16, 2020 1:27 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020091602
Тема| Музыка, Кафедральный (католический) собор святого непорочного зачатия Девы Марии, musicAeterna, Персоналии, Теодор Курентзис
Автор| Сергей Бирюков
Заголовок| Курентзис в Москве. Добрый знак
Где опубликовано| © «Труд»
Дата публикации| 2020-09-14
Ссылка| http://www.trud.ru/article/14-09-2020/1394052_kurentzis_v_moskve_dobryj_znak.html
Аннотация| КОНЦЕРТ


Фото Александры Муравьевой

Хор musicAeterna дал в столице неожиданный концерт


В Москву нагрянул Теодор Курентзис со своим хором musicAeterna. То есть не так уж и «нагрянул»: его приезд значился в анонсах «Российской креативной недели» – фестиваля творчества и социальных инициатив, проводимого «Роскультцентром», Фондом президентских грантов и прочими организациями. Но никаких подробностей визита не раскрывалось, и, если честно, в нынешней ситуации пришедшее в почту сообщение показалось ошибкой.

Выяснилось – не ошибка. Правда, на сам фестиваль в Парке Горького я так и не аккредитовался, не очень поверив в его реальность. Реальность заставила поверить в себя сама – в пятницу на почту вновь пришло сообщение, на этот раз уже адресное: Теодор Курентзис зовет друзей на импровизированный концерт в Кафедральном (католическом) соборе святого непорочного зачатия Девы Марии. По сути – генеральную репетицию выступления на фестивале.

Время концерта дирижер выбрал свое коронное – давно приучил публику, что в общепринятые семь или восемь часов вечера его душа не готова к полету в мистические музыкальные сферы. В письме звали к 23.30, но реально все началось в полночь. Как и положено чудесам.

Собственно, ничего нового я в эту ночь не услышал. Все эти произведения – и странно похожие на современную балканскую этническую музыку песнопения гениальной немецкой монахини-композитора XII века Хильдегарды Бингенской, и хрустально-диссонантный Lux aeterna венгерского авангардиста ХХ века Дьердя Лигети, и фантазию современного норвежца Кнута Нюстедта Immortal Bach на тему знаменитой баховской песни Komm, süßer Tod, и словно переведенную с журавлиного языка на музыкальный композицию Salve Regina нашего соотечественника Алексея Ретинского – Курентзис уже исполнял. В том числе здесь же, в католическом соборе с его неожиданно аутентичным посреди российской столицы средневековым европейским колоритом и изумительной «хоровой» акустикой. Но именно магия затененного почти до полной темноты соборного пространства, фирменный курентзисовский ритуал прохода исполнителей в монашеских одеждах со свечами и, конечно, замечательная, не меркнущая от любого количества повторений музыка захватили полностью.

Может быть, иногда, мне казалось, в интонационном строе голосов промелькивали микроскопические отклонения от идеала – но меня они абсолютно не напрягали, как не напрягает легкий шорох чуть запылившейся виниловой пластинки, в котором – прелесть возрождения звука после затворничества. И то сказать: жизнь у коллектива последний год – сплошные испытания: сперва вынужденный отъезд из Перми, где musicAeterna все чаще наталкивалась на жесткие углы местной ситуации, потом непростое обустройство в петербургском Доме радио, наконец общая беда – пандемия, надолго лишившая артистов репетиций и концертов. Если не ошибаюсь, нынешнее событие – вообще первый выезд коллектива из нового, только-только обжитого им дома.
Для самих музыкантов это долгожданная работа. А для нас – случай убедиться, что и в нынешнюю трудную пору уникальная musicAeterna и ее удивительный руководитель по-прежнему с нами.

Вновь, на этот раз уже в классическом концертном пространстве Большого зала Московской консерватории, курентзисовский ансамбль выступит 3 октября. И это уже будет не экспромт, а давно обещанное исполнение самого знаменитого хорового произведения Альфреда Шнитке – концерта на слова армянского поэта Х века Григора Нарекаци. Теодор со своими подопечными должны были представить его в Москве 26 апреля, но то оказалась самая тяжелая полоса пандемии. Дай бог, чтобы грядущее исполнение обозначило собой выход из кризиса.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> Газетный киоск Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3  След.
Страница 2 из 3

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика