Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2020-04
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> Газетный киоск
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22155
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Апр 30, 2020 4:15 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020043002
Тема| Музыка, Опера, Опера Монте-Карло, Премьера, Персоналии, Ирина ЛУНГУ
Автор| ​ Нина Попова
Заголовок| Взгляд на «Богему» из зала и со сцены
Где опубликовано| © «МОНАКО И ЛАЗУРНЫЙ БЕРЕГ» печатная газета и журнал
Дата публикации| 2020-04-11
Ссылка| http://www.rusmonaco.fr/index.php/home/kultura/item/2916-vzglyad-na-bogemu-iz-zala-i-so-stseny
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В конце января в Опере Монте-Карло состоялась премьера новой постановки оперы Пуччини «Богема». Русские солисты - частые гости театра, но на этот раз в двух ведущих партиях выступили представители нашей вокальной школы - Мими исполнила Ирина ЛУНГУ, Шонара - Борис ПИНХАСОВИЧ. Знакомя читателей с оперными премьерами, мы по возможности стараемся делать интервью. В этот раз Нине ПОПОВОЙ удалось встретиться с обоими певцами.



Но сначала пару слов об опере. Исполненная впервые на сцене театра в Турине в 1896 г., «Богема» стала одной из самых популярных опер в мире, наверное, превосходя все другие как в драматическом, так и в музыкальном отношении. Сегодня не найти серьезного оперного театра, где в репертуаре не было бы этой лирической драмы, так же как нет в мире певицы сопрано, которая не исполнила бы эту партию. Как это ни удивительно, далеко не сразу данная опера была признана и публикой, и артистами - в нее надо вслушиваться, постепенно постигая гениальность Пуччини. Конечно, многое зависит от постановки. Версия Жана-Луи Гринда, на мой взгляд, одна из самых удачных. Монегасский режиссер умеет мастерски выстраивать сценографию как для скромного по размерам подиума Оперы Монте-Карло, так и для грандиозных театров. Большую роль в новой постановке сыграло освещение - холодное за окном и теплое внутри мансарды. Смена времени суток и года показана ярко и подчеркивает звучание оркестра. Сцена в Латинском квартале радует не только слух, но и воображение - яркие костюмы, жанровые сценки с танцорами и циркачами, вывески, гирлянды создают атмосферу праздника. Несмотря на то что действие оперы перенесено в 40-е годы прошлого века, это выглядит вполне реалистично.
Теперь дадим возможность высказаться нашим солистам.

Ирина Лунгу: «Мое хобби - моя профессия»

Ирина, вы впервые выступаете на этой сцене, каково первое впечатление?


Да, выступаю впервые, но в первый раз приезжала сюда в сентябре готовить эту постановку для турне в Омане. «Богема» - совместная продукция Оперы Монте-Карло и Королевского оперного театра Маската в Омане. Несмотря на то что в сентябре все было тщательно отрепетировано, на январское выступление нас пригласили за три недели, чтобы адаптировать спектакль для небольшой сцены в Монако. Состав солистов был несколько изменен, и много мелких деталей пришлось выстраивать заново. Мы отрабатывали динамику, драматургию, так как и дирижер, и артисты были новые.

Жан-Луи Гринда талантливый режиссер, и как очень чувствительный человек в зависимости от состава артистов и контекста старается сделать так, чтобы не артисты адаптировались под постановку, как бывает обычно, а постановку адаптирует под артистов, под нашу индивидуальность. И это правильно. Если я буду все время подавлять себя и делать то, что не характерно моему естеству на сцене, то ничего хорошего не получится. Когда все происходящее в спектакле совпадает с твоим видением, получается отличный результат. Мне этот аспект в работе особенно понравился, он дает возможность полностью раскрыться.
Я чувствовала себя комфортно. Благодаря умно выстроенным декорациям получилась очень интимная обстановка. Сценограф Руди Сабурги и режиссер-постановщик Жан-Луи Гринда создали такую атмосферу, которая помогла погрузиться в роль, прочувствовать и правдиво рассказать эту грустную историю.

Когда я впервые появляюсь на сцене и окидываю взглядом комнату, то как персонаж чувствую себя на своем месте. Мне удалось почувствовать себя настоящей Мими. Очень большое внимание уделено деталям в декоре и реквизите - ничего лишнего, и это мне помогало. Такое удается ощутить не во всех постановках. К сожалению, очень часто действие «вырывают» из исторического контекста и теряется канва сложных взаимоотношений персонажей. В Монако очень умно выстроили драматическую линию. Не забывайте, что в XIX веке свободные отношения были недопустимы, и здесь соблюдены все правила игры.
В нашей работе непросто «притереться» с партнером. Но так как было много репетиций, все вопросы были сняты, все конфликты разрешились. Мне не всегда удается на сцене получить удовольствие от того, что я делаю и как я это делаю, но здесь получилось. У нас во всем был попутный ветер - все сложилось с дирижером, постановщиком, партнерами.
У Жан-Луи Гринда особый талант организатора. В начале работы он как на шахматной доске расставляет всех на свои места - и для режиссера, и для артистов это очень важно.

Но тем не менее действие «Богемы» перенесли на более поздний период, с чем это связано, как думаете?

Не знаю, это вопрос к Жан-Луи. Но меня это абсолютно не задело. Как будто все так и должно быть, настолько все сделано правильно. В 40-е годы прошлого века еще не умели лечить от туберкулеза - антибиотик изобрели, но он был многим недоступен. Перенесение исторического контекста вышло вполне органично и ни у кого это не вызвало удивления. В зрительном зале было много пожилых людей, помнящих эстетику 40-х годов в одежде, моде, антураже, и получился эффект дежавю.

Скажите, почему эта опера так популярна у публики? Как вы относитесь к этой истории и к Мими в частности?

Гениальность Пуччини в том, что он точно знает, на какую кнопку надо нажать, чтобы в душе вызвать ту или иную эмоцию. Это касается даже определенных звуков оркестра. Точно, как на похоронах, - все держатся, а когда оркестр вступает, начинают плакать. В «Богеме» много разных сильных эмоций: любовь, страх, смерть. И композитор прекрасно знает, какой аккорд должен быть исполнен, какое слово должно прозвучать, чтобы все присутствующие стали сопереживать героям. Кроме того, темы, которые фигурируют на сцене, просты и касаются каждого из нас. Это не боги или полубоги, как в операх Вагнера.

Но я полюбила «Богему» не с первого раза, так как предпочитаю более рафинированный язык, и выражение чувств посредством какой-либо метафоры меня очень заводит.
Когда очень давно я дебютировала с Мими на концертной сцене, сам персонаж показался мне скучным. Никак не могла найти краски. Пыталась понять и пришла к мысли, что сложность характера Мими заключается в ее простоте и невинности. Но если она слишком простая, то это неинтересно, а если слишком сложная, то это неправильно и тоже неинтересно, так как не вписывается в контекст. Найти простоту, которая очаровывает и не кажется приземленной, - сложно. При этом Мими не святая. Должна быть истинная простота и правдивость образа. В партии нет больших вокальных сложностей. Мне не сразу удалось найти нужный ключ к этому якобы обычному замку. Я начала искать изыски, но поняла, что публику не убеждаю. И критики писали, что вроде бы хорошо, но чего-то не хватает. Как моя подруга шутит, что женихи бывают двух типов - одни ничего особенного, но что-то есть, а другие все хорошо, но чего-то не хватает. Из Мими вместо «все хорошо, но чего-то не хватает» я хотела сделать «ничего особенного, но что-то есть». Мне кажется, наконец поймала нужное и влюбилась в эту роль. Может быть, собственный жизненный опыт вдруг помог понять третий акт - героям надо расстаться, но они никак не могут и решают расстаться весной, а не зимой, и Мими мечтает, чтобы зима длилась вечно. И в моей жизни была горечь и осознание того, что рано или поздно придется расстаться. Нас, артистов, такие жизненные сложности обогащают. Так сложные отношения помогли найти ключ к своей Виолетте, Мими, Джильде.

Что бы вы хотели еще сыграть?

Я многое спела, и когда спрашивают, какая роль любимая, отвечаю: та, которую исполняю сейчас. Если играю Мими, то я Мими до кончиков ногтей. Из любимых опер, естественно, «Травиата», которую я много раз исполняла. «Манон» очень люблю, но очень мало пела, так как ее редко ставят. Очень хочу исполнить Дездемону, и рано или поздно обязательно приду к Норме, Адриане Лекуврёр и Татьяне из «Онегина». Был опыт, но неубедительный.

Ирина, расскажите немного о себе, откуда вы родом, как складывалась карьера?

Я родилась в Молдавии. Лунгу - фамилия дедушки молдаванина, остальные в моей семье все русские. В 90-х гг. мы переехали в Воронеж. Я выросла в Воронежской области. Моя мама преподаватель фортепиано, и, как положено, с 6 лет я играю на рояле. Потом поступила в музыкальное училище на дирижерско-хоровой факультет и любила работать с детьми. Вокалом никогда не занималась и не увлекалась даже. Своим призванием обязана моему педагогу по вокалу Михаилу Ивановичу Подкопаеву. Он, как Пигмалион, раскрыл мой голос и привил любовь к опере. Научил, показал, объяснил и затронул нужные струны. Привил эстетику и научил, как стать солисткой, примадонной. Я всегда была одним из голосов в хоре, и даже по менталитету не выскочка, хотя по характеру экстраверт. Михаил Иванович научил меня выступать на сцене. Когда я приехала из Борисоглебска в Воронежскую академию искусств, ощущала себя провинциалкой. Затем тот же путь я прошла, когда приехала из Воронежа в Милан.

Сколько лет вы живете в Милане и как вы себя там ощущаете?

Живу давно, уже 17 лет, и чувствую себя прекрасно. Переехала в Италию в 2003 году, миновав Москву и Питер. Напрямую - из Воронежа в Милан. Так сложилось, что меня пригласили, и я тут же уехала. Милан оказался любовью с первого взгляда. Будучи студенткой Академии Ла Скала, я могла посещать репетиции дирижера Риккардо Мути и практически жила в театре. А потом в 23 года дебютировала в партии Анаиды в опере «Моисей и фараон» Россини на сцене Ла Скала. Сейчас с сыном мы живем в самом центре Милана. Сам дух этого города заряжает меня энергией.

Когда у вас есть свободная минута, на что вы ее тратите?

Когда дома, полностью посвящаю себя сыну Андрюше - учу с ним математику, историю, географию. Я с ним говорю только по-русски - учу писать прописью и читать на родном языке. Очень люблю искусство, хожу на выставки, но мое хобби - профессия. Правда, недавно, 36 лет отроду, впервые встала на горные лыжи, и теперь, если выпадает свободное время, беру машину и с пятницы по воскресенье уезжаем с сыном кататься. Всегда с нетерпением жду зимы, скучаю по снегу.

А у родителей бываете?

Каждое лето вожу Андрюшу к своей маме и бабушке, чтобы сын знал, что такое Россия.

Спасибо, Ирина, успехов и до новых встреч!

Фото: Amati e Bacciardi, Alain Hanel

=======================================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22155
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Апр 30, 2020 6:52 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020043003
Тема| Музыка, Опера, Опера Монте-Карло, Премьера, Персоналии, Борис Пинхасович
Автор| ​ Нина Попова
Заголовок| Борис Пинхасович: «За искусство готов убить»
Где опубликовано| © «МОНАКО И ЛАЗУРНЫЙ БЕРЕГ» печатная газета и журнал
Дата публикации| 2020-04-11
Ссылка| http://www.rusmonaco.fr/index.php/home/kultura/item/2917-boris-pinkhasovich-za-iskusstvo-gotov-ubit
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Наблюдая за действием спектакля из зрительного зала, обратила внимание на серьезно-сосредоточенное выражение лица у одного из солистов. Даже выходя на поклон, исполнитель роли Шонара Борис Пинхасович был сдержан. Позже при личном знакомстве впечатление рассеялось, нашла его интересным и остроумным собеседником, но настроенным весьма критично по отношению к современному искусству. Заинтересовало, какие на то основания.

Борис, когда впервые вы выступили на сцене Оперы Монте-Карло?

В первый раз я оказался в этом замечательном месте, как это ни банально звучит, в 2016 году. Был март месяц, и ставили «Игрока» Сергея Прокофьева. Жан-Луи Гринда блестяще представил оперу - красиво, богато, не вычурно. Работать было интересно, время пролетело незаметно, и гениальная музыка Прокофьева нашла живой отклик у здешней публики. И хотя я исполнил небольшую роль мистера Астлея, было приятно, что когда я приехал вновь, меня сразу же вспомнили: ой, ты был на «Игроке», мы тебя помним. Сейчас выступаю здесь во второй раз, в «Богеме».
Три года назад я согласился на этот контракт, хотя раньше не исполнял партию Шонара. 10 лет назад с партии Марселя началась моя оперная карьера, и пел я ее в родном театре. Предложение на первый взгляд показалось понижением планки, но, по мнению Жан-Луи, образ Шонара в драматическом плане намного выше и интереснее Марселя. Такие умозаключения главного режиссера стали для меня основополагающими.

Какие впечатления оставила работа?

Все было прекрасно, театр великий и знаменитый, с прекрасным коллективом. Но в самом Монте-Карло чувствуется запах денег, ими даже не пахнет, а разит, и это немножко напрягает.
Постановка «Богемы» вполне в духе Жан-Луи, который исповедует классику, и это радует. Он создает красивую картинку, где выстроены нормальные отношения. Приятно, что Марсель с Шонаром не занимаются какими-то непотребствами или главный герой Рудольф не аутист. Понимаете, сегодня режиссеры ставят свои комплексы, как я люблю выражаться. И, видимо, поэтому я не работаю с топовыми постановщиками. Люблю классику, нафталин, и считаю, что это красиво. Ну, сколько можно выносить, когда на сцене спариваются гомосексуалисты или лесбиянки или голых аутистов тошнит на сцену? Мы этого уже насмотрелись, а все продолжают ставить и ставить такой кошмар.

А были какие-то минусы в работе?

Применительно к постановке «Богемы», театру, коллективу, к этому касту - минусов не было. Сложились прекрасные отношения, все исполнители доступные и приятные, несмотря на то, что разных национальностей и поют в разных театрах. На сцене все выглядело естественно, мы были настоящей богемой.
Но были плюсы, например, прекрасный график работы - репетиции начинались в 14:30, тогда как в других театрах - в 10 утра. Можно было выспаться и отдохнуть, совмещая приятное с полезным. После тяжелейшего питерского графика здесь был настоящий релакс. Наслаждался прекрасной погодой, морем, солнцем, зеленью.

Вам нравится «Богема»? И какое место она занимает в вашем репертуаре?

«Богема», конечно, не «Травиата» и не «Кармен», но очень близка к топовым постановкам, которые всегда востребованы. «Богема» интересна прежде всего своей историей, которая заключена в недолгом действии, узнаваемостью на слух мелодий Пуччини. Опера всегда будет привлекать зрителей и вызывать слезы в финале. Если нет слез, значит, мы что-то не так делаем.

И вы реально видели в зале слезы?

Да. Люди чутко реагируют. Я играю, но в зал всегда посматриваю. Мне важно увидеть хоть одного слушателя, который позволил себе уйти в это эмоциональное состояние. Все мы проживаем жизнь, и история про смерть, любовь, радость и горе всем близка.

Не показалось вам странным, что после самых известных арий публика не аплодировала, с чем это было связано?

Думаю, это вопрос места и публики, но не хочу никого обидеть. На гала-вечере все были в дорогих нарядах, придя, скорее всего, показать себя и посмотреть на других. Я не беру в счет ассоциацию Друзей оперы, которые поддерживают и финансируют искусство и устроили нам прекрасный гала-ужин. На втором вечере была более простая аудитория и были слышны аплодисменты. Но когда после известной арии Рудольфа или Мими зал молчит, это какое-то невежество или пришли на спектакль случайные люди. Такое бывает в больших театрах, например, в Венской опере, где много туристов, но там всегда хлопают. Тишина в Опере Монте-Карло немного удивила. Какая была в тот день публика, с чем это связано? Так и не узнаю.

Борис, вы в основном выступаете в Петербурге?

Да, это мой дом, я там родился, состою членом ансамбля Михайловского театра и пою весь репертуар, который там есть. Это место, где меня любят, поэтому стараюсь чаще выступать дома.

Что бы вам хотелось спеть нового?

Просто голубая мечта спеть Скарпиа в «Тоске». Принято считать, что у меня драматический уклон и отрицательное обаяние, даже как-то свыкся с этой мыслью. Думаю о партии Яго в «Отелло», но лет так через ...дцать.

Почему не сейчас?

Чувствую, что еще не созрел и никакое количество денежных знаков не может на это повлиять. Какой смысл оттарабанить сложную партию, испортить себе голос, точнее не испортить, а задействовать не те ресурсы, которые нужны сейчас. Я очень аккуратно подхожу к репертуару, понимаю, что могу все спеть, но стараюсь избегать опасностей.

В вашей семье есть музыканты?

Сплошные, я в третьем поколении выпускник знаменитого Хорового училища им. М.И. Глинки при Санкт-Петербургской академической капелле. Мой отец и брат его оканчивали, может, и сын пойдет туда, если станет ясно, насколько его слух соответствует критериям. Вся семья - дирижеры-хоровики, я сам дирижер, мое первое образование - дирижерско-хоровой факультет Санкт-Петербургской консерватории им. Н.А. Римского-Корсакова.

На протяжении 7 лет руководил любительским оркестром, где сидели люди в том числе по 90 лет: профессора математики, архитекторы и просто выпускники школ. Мы играли даже симфонии Бетховена и Прокофьева. В будущем мыслю себя дирижером. И не ради красного словца скажу, что я - подарок для любого дирижера. У меня отсутствует понятие не вступить, не попасть, опоздать, сфальшивить.
Мы сразу сработались с маэстро Каллегари, встретившись впервые в Мюнхене на постановке «Мадам Баттерфляй». Я его причисляю к лику выдающихся современных дирижеров.

Скажу вам, что термин вокалист для меня оскорбительный, никогда себя так не называю, для меня это синоним непрофессионализма, когда можно «навалять», а потом сказать - я же вокалист... Либо надо петь профессионально, либо никак, другого не дано.
К своим коллегам беспощаден, потому что у меня элитное образование, и я этим не кичусь, это факт. Когда я понимаю, что человек 100 раз даже за спектакль может не попадать в такт, и даже дирижер закрывает на это глаза, у меня вскипает внутренняя агрессия - за искусство готов убить. Это не вопрос моего отношения к человеку, просто это непрофессионально.

Мне тяжело в вокальном мире, потому что слышу больше, чем просто певцы. Дирижерская профессия очень серая и крайне неблагоприятная, потому что очень мало настоящих профессионалов. Чего не скажешь об инструменталистах оркестра, хотя мы тоже инструменталисты, голос - наш природный инструмент, и сразу слышно, есть талант или только хорошее ремесло. В дирижировании можно вымахивать под звучащий процесс, и это может быть названо великим исполнительством. В дирижировании свои законы, своя математика, почему оркестранты с полувзгляда все понимают.

Кто ваши кумиры из дирижеров?

Владимир Юровский, с которым мы давно дружим и работаем. Разумеется, его отец тоже. Кирилл Петренко, Даниэль Каллегари. Из старой школы - Темирканов. Вообще я исповедую Мравинского и вырос на нем, был вхож в его дом. Когда был помладше, дружил с его супругой Александрой Михайловной Вавилиной. Мне посчастливилось застать великих артистов, гремевших на весь мир. Имея такой душевный и зрительский багаж, оцениваю искусство по-другому. Поэтому работа в Монако была подарком.

Какие ближайшие планы?

У меня подписан двухлетний контракт с Венской оперой, где будут очень интересные постановки, например, коопродукция с Метрополитен-опера «Мадам Баттерфляй», «Дон Карлос», «Пиковая дама» с Гергиевым, «Манон Леско». Также я много выступаю в Баварской опере в Мюнхене, Баден-Бадене, Ковент-Гардене.
И продолжаю работать дома, в Питере. Сколько человеку нужно денег для счастья? Лично мне нужно немного. Когда ты проводишь полгода вне дома, даже в таком замечательном месте, как Монте-Карло, тяжело быть одному. Всегда с удовольствием возвращаюсь в родной Петербург.

Спасибо, Борис, за встречу, буду ждать вашего дебюта как дирижера.

Фото: Alain Hanel, Rabovsky.ru
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 5038

СообщениеДобавлено: Сб Май 02, 2020 9:38 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020043101
Тема| Музыка, Опера, Венская государственная опера, Персоналии, Доминик Мейер, Богдан Рошчич, Филипп Йордан, Дмитрий Черняков, Кирилл Серебренников
Автор| Андрей Золотов-мл.
Заголовок| В Венской опере объявили планы переустройства театра
Где опубликовано| © «Российская газета»
Дата публикации| 2020-04-28
Ссылка| https://rg.ru/2020/04/28/v-venskoj-opere-obiavili-plany-pereustrojstva-teatra.html
Аннотация| ПЛАНЫ НА СЕЗОН

Карантин застал Венскую государственную оперу на перепутье. Десятилетнее директорство Доминика Мейера, контракт которого завершался в конце этого сезона, оказалось оборвано. Когда стало известно, что, по решению правительства, закрытый в середине марта театр уже не откроется до конца сезона, Мейер написал в Facebook, что сердце его разрывается от того, что ему не удастся попрощаться с коллективом и публикой - отмененными оказались не только последние премьеры, включая постановку оперы Моцарта "Так поступают все" под управлением Риккардо Мути, но и запланированный прощальный концерт.

В этих условиях, полных неизвестности относительно того, когда и как артисты смогут начать репетировать и выступать, а зрители и слушатели прийти в зал, новое руководство театра - вступающий на пост директора Богдан Рошчич и главный дирижер Филипп Йордан - презентовали амбициозный план сезона 2020/21, а вместе с ним и программу задуманного ими радикального переустройства этого ведущего института оперного мира.

На будущий сезон запланированы рекордные десять премьер, из которых только два спектакля будут абсолютно новыми, в том числе новый "Парсифаль" в постановке Кирилла Серебренникова в апреле 2021 года на смену относительно новой постановке Алвиса Херманиса, идущей в Вене с 2017 года. К ним добавляются две копродукции и шесть переносов на венскую сцену нашумевших за минувшее двадцатилетие радикальных произведений "режиссерской оперы" - таких, как "Евгений Онегин" Дмитрия Чернякова 2006 года из Большого театра, "Кармен" Каликсто Биейто, поставленный уже на 29 сценах мира, и "Макбет" Барри Коски из Цюриха. И чтобы довершить послание миру об отрицании минувшего десятилетия Мейера, возрождаются две старые постановки из запасов Венской оперы - "Свадьба Фигаро" Жан-Пьера Поннеля и "Электра" Гарри Купфера, а бывшие до недавнего времени в репертуаре спектакли, соответственно, 2011 и 2015 года постановки, списываются в архив. К удовлетворению одних, отчаянию других и беспокойству третьих можно с уверенностью сказать, что Венская опера не будет прежней.
Новый директор, назначенный три года назад и пришедший в театр из индустрии грамзаписи - его последней должностью было управление студией SonyClassic в Нью-Йорке - собирался провести презентацию не в рамках обычной пресс-конференции, но на основной сцене, с публикой в зале и артистами на сцене. Получилось совсем иначе: в телевизионной передаче, при пустом зале. И, отвечая на первый вопрос ведущего, когда театр вернется к нормальной работе и уверен ли он, что его планам суждено полностью сбыться, сказал: "Честный ответ - никто не знает. Все, что я могу сказать, - это что Венская опера снова откроется и что мы сделаем все для того, чтобы при любых сценариях, она вернулась на высшем уровне своих возможностей".
Планы на будущий сезон, в том числе с постановкой сразу столь многих "чужих" спектаклей, Рошчич объяснил задачей "разом обновить наиболее исполняемый репертуар - и музыкально, и сценически". А в плане на пять лет - на этот срок назначаются директора Венской оперы - он собирается каждый сезон делать собственную премьеру одной оперы Моцарта, одной оперы Вагнера и одной оперы XX-XXI веков. И "открыть театр" для разной публики, в том числе и той, которая никогда раньше в нем не была.
Важной новацией становится и появление в театре главного дирижера - или, как его называют в немецкоязычном мире, "генеральмузикдиректора". С 2014 года, когда Франц-Вельзер Мёст ушел в отставку с этого поста, Мейер единолично руководил всеми аспектами деятельности театра. Теперь швейцарский дирижер Филипп Йордан, который до недавнего времени возглавлял Венский симфонический оркестр наряду со своей работой в парижской Национальной опере, будет не только стоять за пультом в ключевых спектаклях, но и вести всю музыкальную часть, находясь в Вене, по словам Рошчича, "более половины сезона".

Как сказал сам Йордан, который участвовал в презентации по телемосту из Парижа, краеугольным камнем совместной с Рошчичем работы они выбрали создание "моцартовского ансамбля". Ожидается, что в последующие годы Барри Коски поставит на венской сцене весь "цикл Да Понте" - "Свадьбу Фигаро", "Так поступают все" и "Дон Жуана", а певцы, которые соберутся в театре уже в этом сезоне, станут в дальнейшем частью этого ансамбля.
А пока уже 7 сентября Йордан должен встать за пульт первой премьеры - "Мадам Баттерфляй" Пуччини с Асмик Григорян в главной партии в известной постановке оскароносца Энтони Мингелла, впервые появившейся в 2005 году в Английской национальной опере, а затем с успехом шедшей в Нью-Йорке. И прямо на следующий день, 8 сентября, - "Электра" Рихарда Штрауса в восстановленной режиссуре Гарри Купфера, когда за пультом будет Франц-Вельзер Мёст. Достаточно символично: спектакли уже ушедших из жизни режиссеров с двумя главными дирижерами за пультом - прошлым и нынешним. Насколько реальны такие планы в условиях продолжающихся эпидемических ограничений? Йордан говорит, что не знает, смогут ли собраться артисты, и туманно намекает на то, что у театра есть запасные планы.
Следующая премьера - 12 октября. Опера Моцарта "Похищение из Сераля", которая не шла в Вене с 2000 года, будет перенесена из Штутгарта режиссером Хансом Нойенфельсом. А 25 октября - "Евгений Онегин" Чайковского в вызвавшей когда-то бурные споры московской постановке Дмитрия Чернякова. За пультом - чешский дирижер Томаш Ханус. Онегина будет петь Андре Шуэн, Татьяну - Тамуна Гочашвили, Ленского - Богдан Волков, Ольгу - Анна Горячева.
В ноябре ожидается первая балетная премьера - балет Mahler, Liveпоставит новый руководитель Венского государственного балета Мартин Шлэпфер.
А 13 декабря - представление оперы немецкого композитора Ханса Вернера Хенце (1926-2012) по роману Юкио Мисима "Моряк, который разлюбил море" - первая из обещанных Рошчичем современных опер. В декабре же Йордан продирижирует восстановленным "Кавалером розы" Рихарда Штрауса в классической венской постановке Отто Шенка, а 24 января встанет за пульт в другом важном восстановлении - давней венской "Свадьбы Фигаро" Жана-Пьера Поннеля, возвращающейся вместо неудачной, прямо скажем, версии, шедшей здесь с 2011 года.
Анита Рачвелишвили и Чарльз Кастроново ожидаются 6 февраля в ставшей уже классикой современной оперной сцены постановке "Кармен" Бизе испанского режиссера Каликсто Биейто, пережившей 29 сцен и докатившейся теперь на своих превратившихся в штамп пошарпанных автомобилях до венской сцены. А меньше чем через месяц, 4 марта Вену ждет "Травиата" в версии талантливого молодого режиссера Саймона Стоуна, удивившего прошлым летом Зальцбург своей "Медеей". Эту "Травиату" с южноафриканской сопрано Претти Йенде в главной партии уже видел Париж минувшей осенью, а теперь копродукция Парижа и Вены должна появиться в австрийской столице, где последние годы живет Стоун.

Но главное событие ожидается в начале апреля, когда - по традиции, на Страстной седмице и в Пасху, здесь будет представлен "Парсифаль" Рихарда Вагнера. На сей раз - в новой версии Кирилла Серебренникова со звездным составом Йонас Кауфман - Людовик Тезье - Элина Гаранча. Злые языки уже успели испугаться того, что ждет публику в этой священной драме. А участники презентации Венской оперы отметили музыкальность культового режиссера, который пишет свои заметки артистам в партитуре. Характерно, что предыдущая постановка "Парсифаля" в Вене была сделана Алвисом Херманисом лишь четыре года назад и, хотя она и была раскритикована за свою поверхностность, такой скорый отказ от нее - еще один знак отрицания "эпохи Мейера" новым руководством театра.
В апреле - премьера "Фауста" Гуно в режиссуре Франка Касторфа с Бернаром де Бийи за пультом и Хуаном Диего Флоресом на сцене. В конце мая - "Коронация Поппеи" Монтеверди в постановке Яна Лауверса, памятной публике по Зальцбургскому фестивалю 2018 года. А 10 июня - новый для Вены "Макбет" Верди в цюрихской версии Барри Коски с Анной Нетребко и Лукой Сальси в главных партиях.
Свою дозу звезд театр будет исправно предлагать публике на протяжении всего сезона. Нетребко выйдет на венскую сцену еще и в "Тоске" в декабре. В январе на смену ей в этой любимой публикой опере выйдет Соня Йончева. А Йонас Кауфман, кроме "Парсифаля", ожидается еще и во французской версии "Дон Карлоса" в сентябре вместе с Ильдаром Абдразаковым и Игорем Головатенко. Другое звездное имя - Пласидо Доминго - стоит в афише сентября в "Симоне Бокканегре" вместе с Хиблой Герзмавой, а в январе - в "Набукко" Верди.
Имена видных российских певцов по-прежнему заметны в венской афише. Дмитрий Корчак несколько раз за сезон выйдет на сцену государственной оперы в "Доне Паскуале" Доницетти, в том числе вместе с Борисом Пинхасовичем, а Ирина Лунгу - в "Ромео и Джульетте" Гуно.
Новое руководство театра сильно сократило и обновило постоянную труппу театра, а также учредило молодежную программу. Из более тысячи соискателей выбрали двенадцать счастливцев, с которыми заключили контракты на два года, сообщил Рошчич. Многие привычные имена, в том числе российских артистов, исчезли из афиши. Но им на смену пришли новые, включая молодого российского баритона Сергея Кайдалова.
Отказавшись от детской сцены в подвальном театре на соседней улице, Венская опера поставит два спектакля для детей в своем знаменитом здании на Рингштрассе. Это "Севильский цирюльник для детей" на основной сцене и детская версия "Похищения из сераля" которая будет происходить в формате променада на лестнице и в разных фойе театра. Ни одна из прежних детских опер не осталась в репертуаре.

И еще одна немаловажная новация нового сезона: в программе появились дни, иногда и несколько в месяц, на которых написано "Закрыто на репетиции". При "конвейерной" работе этого оперного театра с крупнейшим в мире репертуаром, где при прежнем директорстве играли 280 спектаклей за 300 дней сезона, постоянно приходилось слышать жалобы на недостаток оркестровых и сценических репетиций. Будем считать, что эти репетиционные дни - часть установки нового руководства театра на качество.
- Мне никогда не нравилась идея оценивать такой институт, как Венская опера, по заполняемости зала, - сказал в телевизионной презентации Богдан Рошчич, заочно полемизируя со своим предшественником Мейером, который гордился тем, что зал был всегда заполнен. - Венская опера существует для того, чтобы быть великолепной, чтобы предлагать переживания абсолютно высшего уровня, которые никто больше предложить не может и без которых жизнь была бы бедной. А если вы это сделаете, то и зал у вас будет битком.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22155
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Май 06, 2020 9:33 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020043102
Тема| Музыка, Опера, Персоналии, Мария Гулегина
Автор| Владимир ДУДИН
Заголовок| Дива готова к полету. Мария Гулегина – о жизни в самоизоляции
Где опубликовано| © «Санкт-Петербургские ведомости» № 071 (6669)
Дата публикации| 2020-04-27
Ссылка| https://spbvedomosti.ru/news/culture/diva-gotova-k-poletu-mariya-gulegina-o-zhizni-v-samoizolyatsii/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Всемирно известная сопрано Мария ГУЛЕГИНА успела спеть в Мариинском театре Леонору в «Силе судьбы» Верди, после чего смогла вернуться обратно домой в Люксембург. Певица рассказала музыковеду Владимиру ДУДИНУ о том, как она чувствует себя в период карантина.

- Вы рискнули уже почти перед закрытыми дверями аэропортов и отменой рейсов прилететь в Петербург, чтобы спеть Леонору. Какие были ощущения?

- Да, это был риск. В Европе уже была тревога. Но о том, чтобы не прилететь на свой афишный спектакль, не могло быть и речи. Каждый певец дорожит своим именем, уважает свою публику, и отмена если и возможна, то только по причине тяжелой болезни. Не успела я 11 марта прилететь в Питер, как пришло сообщение от Lufthansa, что мой рейс отменен, но будут искать возможность отправить меня домой. Так было четыре раза за три дня. Многие советовали уезжать, пока еще самолеты летают, а в день спектакля, 13-го, обещали закрыть полеты на всю Германию.

Спектакль - святое! Это и праздник, и экзамен, и я смирилась с ситуацией до спектакля, решив не дергаться. Такая у меня «Сила судьбы» получилась. Спела, и мы пошли другим путем, купив билеты через Амстердам...

- Вы соблюдаете карантин?

- Я дисциплинированный человек, соблюдаю все нормы. Как в хорошем армянском доме, у меня всегда все есть. Можно, как на подводной лодке, «не всплывать» пару лет. За месяц мы два раза съездили только за овощами и фруктами, собачьим и кошачьим кормом, заказали из русского магазина все, что необходимо.

- Как проводите время? Дни похожи один на другой или в кругу семьи каждый день как праздник?

- Стыдно сказать, но я счастлива: сын дома - он прилетел 19 марта из Шотландии последним рейсом. Готовим вместе или по очереди разные блюда из одних и тех же продуктов. Даже куличи испекли по прапрабабушкиному рецепту, который мне удалось восстановить в памяти. Кроме нас в доме четыре кошки и четыре собаки, с которыми ходим в лес. Играем в карты. Смотрим фильмы Рязанова и Гайдая, пересматриваем «Летят журавли», записи старых советских спектаклей, например, «Хануму» из БДТ. Хочу показать сыну наконец «...А зори здесь тихие». Наслаждаемся общением и потом расходимся по своим делам. Руслан учится на удаленке, он изучает биомедицину, а я начала учить новую роль!

- Много контрактов полетело?

- В апреле - «Тоска» и «Турандот» в Мариинском, на которые я собиралась прилететь вместе с сыном. Он в Питере был только дважды. В мае шли переговоры о сольном концерте в Москве. А в июне - пять «Набукко» и концерт в Японии.

- Опера и изоляция - понятия несовместимые, примерно как гений и злодейство? Или зло можно каким-то образом оборачивать во благо?

- Опера не тот жанр, чтобы развиваться на удаленке. Хотя уже лет 10 - 15 оперу убивают трансляциями. Голоса надо слушать в зале с натуральной акустикой, а не с микрофонами на лбу. Раньше и записи делали честно из середины зала, когда микрофоны висели под потолком и все звучали естественно. А сегодня микрофоны нередко используют даже не для записи, а для подзвучки голосов, что является чистой профанацией искусства оперного пения. Хотя сегодня мало кто в этом разбирается.

- Полезен ли для голоса такой перерыв в работе?

- Отдых всегда полезен. Главное - знать, когда он закончится. Главный плюс для музыкантов в этой ситуации - возможность повторить пройденное и выучить новое.

- Как это выглядит в вашем случае?

- Всю свою карьеру я пела только итальянский репертуар. Даже из русских опер была только «Пиковая дама» Чайковского. Два года назад влюбилась в Вагнера и спела Кундри в «Парсифале». А сейчас влюблена в музыку Яначека - в Костельничку в «Енуфе», которую и учу. Умираю от восторга, но сначала надо освоить чешский язык. У меня в январе в Амстердаме запланировано концертное исполнение, и Валерий Гергиев давно меня хотел пригласить на эту роль. Поэтому надеюсь в декабре дебютировать в ставшем мне родным Мариинском театре.

- Сколько всего партий в вашем репертуаре? Сколько в активе сегодня?

- Не считала. Я вообще не из тех, кто подсчитывает или даже записывает спектакли. Вот сейчас по поручению одного издательства мы с дочерью Натальей решили все восстановить по датам. Получается приблизительно около 50 ролей, каждая из них - титульная.

- Как подсказывает ваша интуиция - когда это все закончится? К чему начнете готовиться, когда узнаете, что отныне все свободны?

- Я даже думать боюсь, что это будет долго длиться... Но во всяком случае я занимаюсь собой и в любой момент «к полету» готова!
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22155
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Май 20, 2020 8:05 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020043103
Тема| Музыка, Опера, МТ, Персоналии, Елена Стихина
Автор| Владимир Дудин
Заголовок| Форс-мажор сопрано
Елена Стихина стала лауреатом премии Casta diva и рассказала о своей самоизоляции

Где опубликовано| © Российская газета - Федеральный выпуск № 75(8129)
Дата публикации| 2020-04-07
Ссылка| https://rg.ru/2020/04/07/reg-szfo/elena-stihina-neizvestnosti-bolshe-chem-ponimaniia-chto-s-nami-budet.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Мариинский театр, как и все, закрыл свои двери для зрителей и перенес спектакли и концерты на поздние сроки, начиная с июня. Сопрано Елена Стихина готовилась к дебюту в "Аиде" Верди, должна была спеть в тетралогии "Кольцо нибелунга" Вагнера на родной сцене, но все отложено. На фоне грустных новостей приятная: Елена стала лауреатом премии Casta diva в номинации "Взлет" за ряд дебютов на нашей и европейской сцене.


Елена Стихина: Звукозаписи не передают ощущений певца, когда он на сцене, в условиях акустики зала... Голос - это состояние ежесекундное. Фото: Пресс-служба Мариинского театра

Где вас застало известие об отмене спектаклей?

Елена Стихина:
В Бостоне после генеральной репетиции "Нормы" Беллини нам объявили, что все отменяется из-за коронавируса. Обидно, жалко, больно. Постановка полностью готова. Я долго готовилась...

Есть на такие случаи какие-то гарантии в контрактах?

Елена Стихина:
Ситуация пандемии считается форс-мажором, поэтому никто не несет ответственности. Летят контракты, а для артистов это единственный заработок, у многих семьи, ипотеки... У меня должны были начаться репетиции "Адрианы Лекуврер" Чилеа в Париже, премьера намечалась в мае... Неизвестности больше, чем понимания того, что с нами будет.

Как вы вообще воспринимаете происходящее вокруг?

Елена Стихина
: Стараюсь думать о каких-то более дальних планах. Все новости, все кругом настолько забито разговорами по поводу коронавируса, что деться некуда. Будто других тем не осталось.

Минувшим летом вы покорили Зальцбургский фестиваль своей Медеей в одноименной опере Керубини. В декабре взяли парижскую Бастилию своей Ярославной в премьере "Князя Игоря" Бородина. Каким чудом удалось так быстро получить фантастические контракты? Везение или хороший агент?

Елена Стихина:
Все должно сойтись: звезды на небе, ты должен быть готов, агент должен хорошо работать. Момент стечения обстоятельств тоже не исключается.

Например, когда вам экстренно пришлось заменить Анну Нетребко в партии Татьяны в Парижской опере?

Елена Стихина:
Да, конечно, до этого обо мне в Париже не знали, а после узнали, что существует такая певица Елена Стихина. А как тебя пригласят куда-то, если даже не догадываются о твоем существовании? Все очень непросто, поверьте.

Ваш голос дает ощущение свободы, полета. Это природа, хорошая школа, умная голова?

Елена Стихина:
Мне трудно оценивать. Да, есть звукозаписи, но они не передают ощущений певца, когда он на сцене, в условиях акустики зала, когда одни обертона появляются, другие исчезают. Это состояние ежесекундное. Я благодарна своим педагогам. Но если не трудиться - ничего не выйдет.

Ваша Настасья в "Чародейке" на сцене Мариинки пленила вокальным бесстрашием.

Елена Стихина:
Партия огромная, сложная, требует больших сил. Единственное, я боюсь высоты, не могу сидеть на колышущемся из стороны в сторону диване под колосниками, как того требует режиссерская концепция. Такая вот я трусиха.

А Лиза в "Пиковой даме", "Аида" Верди даются легко?

Елена Стихина:
Русскую музыку трудно сравнивать с итальянской, везде разные сложности. Лиза дается непросто, Чайковский написал ее, как и Татьяну в "Онегине", сначала как лирическую, а потом более драматическую. Сцена у канавки тяжелая. Как и третий акт в "Аиде" - нильская сцена, где сначала ария героини, которую боятся все сопрано, потом дуэт с Амонасро, а потом встык - дуэт с тенором. Это требует выносливости. У меня пока было лишь четыре спектакля в Женеве. Посмотрим, что будет дальше. Но о планах сейчас бессмысленно говорить. Главное сейчас - здоровье. Беречь себя и близких. Остальное приладится.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Авг 23, 2020 2:53 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22155
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Июн 07, 2020 9:08 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020043104
Тема| Музыка, Опера, МАМТ, Персоналии, Нажмиддин Мавлянов
Автор| Тамара Санаева
Заголовок| Нажмиддин Мавлянов: «Театр для меня – целый мир!»
Где опубликовано| © Новости Узбекистана
Дата публикации| 2020-04-28
Ссылка| https://nuz.uz/kultura-i-iskusstvo/49049-nazhmiddin-mavlyanov-teatr-dlya-menya-celyy-mir.html
Аннотация|



Часть 1

Нажмиддин Мавлянов — всемирно известный тенор, ведущий солист Московского академического Музыкального театра имени К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко, приглашенный солист Большого и Мариинского театров России, приглашённый солист Королевского театра Ковент-Гарден, театра Метрополитен-опера, Фламандской оперы, Немецкой оперы на Рейне, Израильской оперы в Тель-Авиве.

Творческий график столь востребованного тенора расписан на месяцы и годы вперёд. В марте певец должен был выступить в Метрополитан в «Тоске», в апреле петь в «Аиде» в Музыкальном театре имени К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко, в мае – «Иоланту» в Мариинском, в мае-июне «Пиковую даму» в Германии…

Всё замерло в нашем общем земном доме с нагрянувшей на человечество пандемией. Не поднимаются в небо и не бороздят океаны пассажирские лайнеры, остановлены многие предприятия и учреждения, заморожены стройки, закрыты учебные заведения, музеи, галереи… Пустуют в ожидании зрителей театры. Но жизнь продолжается.

- Дорогие друзья, - обратился к своим друзьям в социальных сетях всемирно известный оперный певец Нажмиддин Мавлянов. - Пока длится самоизоляция, я учу новые оперные партии, совершенствуюсь в итальянском языке, читаю книги. А еще занимаюсь спортом и, наконец-то, вновь взял в руки любимый инструмент - гитару. Желаю всем крепкого здоровья и веры в лучшее.

Первые шаги в оперном искусстве Нажмиддин Мавлянов делал на сцене узбекистанского Большого. Именно здесь студентом консерватории он впервые услышал оперу «Риголетто» и, как признаётся, бесповоротно влюбился в театр, который стал для него целым миром. В ГАБТе имени Навои и сам затем выступил во многих спектаклях. С блеском исполнил партию Хозе в премьерной постановке «Кармен» Бизе в постановке Фирудина Сафарова и музыкального руководителя, дирижера Дильбар Абдурахмановой. Именно тогда покорил самую взыскательную публику красотой и силой своего голоса в сложной теноровой партии.

Познакомилась с талантливым солистом в 2010 году и уверенно посулила ему успех и большое будущее, триумфы на лучших сценах мира. Расспросила о пути к оперному искусству, а затем в течение 10 лет следила за творческим развитием талантливого солиста, ставшего звездой мировой оперной сцены. Летом 2019 года вместе с заполнившей Большой театр публикой аплодировала выступлению Нажмиддина Мавлянова в партии Германа на Исторической сцене самого известного российского театра.

Хочется рассказать подробнее о знаменитом соотечественнике.

Детство и юность под небом Самарканда. Путь к искусству
Родился Нажмиддин в Самарканде. В доме любили петь, собираясь на семейные праздники. Красивый голос был у мамы, хотя времени на отдых у неё было мало – она работала на шелкоткацкой фабрике и, рано потеряв мужа, одна растила детей. Какие были увлечения у самаркандского школьника? Спорт, песни под гитару… Учиться по совету родных Нажмиддин пошел вначале в строительный колледж. Нужно было думать, как помочь маме. Занимался резьбой по ганчу (гипсу) - и получалось неплохо, он стал настоящим мастером по ганчу и отделке.

В то время при Доме офицеров в Самарканде создали музыкальную группу, и Нажмиддина пригласили в коллектив. Музыкант-самоучка, он пользовался успехом у публики, но времени на творчество оставалось мало – его занимала учёба, практика, работа.
Казалось бы, юноша мог стать известным народным усто, профессиональным строителем или эстрадным певцом. Классику в школьные годы не слушал и не пел. Но судьбы вершатся, по всей видимости, свыше.
В 1998 году он решил попытать удачу в Самаркандском училище искусств. Неожиданно для себя по итогам вступительных экзаменов был зачислен в училище и начал учиться профессиональному пению. Педагог по вокалу Алла Васильевна Щетинина помогла юноше раскрыть вокальные данные и заложила в талантливом самаркандском парне огромную любовь к большой музыке. Певец высоко ценит её уроки, бережно сохраняя память о своём первом педагоге.

Нажмиддин блистательно закончил обучение в училище и, заняв первое место по специальности на Республиканском конкурсе музыкальных училищ, без экзаменов был зачислен в Государственную консерваторию Узбекистана.

-Что стояло за этим: труд или удача? – спросила Нажмиддина в Москве летом 2019 года.

- Это было в 2002 году. Да, мне повезло. В консерваторию зачислили вне конкурса. Но и в юности, и сейчас любил и люблю работать. Хорошо помню свои четыре студенческих года. Они прошли быстро. Я много занимался, изучал музыкальную литературу, посещал концерты и спектакли в оперном театре. На втором курсе консерватории меня пригласили стажёром в оперную труппу ГАБТ, а затем перевели в солисты.

Получив диплом бакалавра, продолжил учёбу в магистратуре. Думаю, внеконкурсное зачисление, если даже оно было везением, я сполна оправдал трудом.

На смену моему педагогу по вокалу А. В. Щетининой пришла и осталась для меня главным наставником в консерваторский период и поныне заслуженная артистка Узбекистана Ольга Алексеевна Александрова. Я имел счастье учиться в её классе, советуюсь с нею и сегодня, спасибо ей. И всё же лучшая школа для певца – это сцена.


Первой такой школой стал для меня Государственный академический Большой театр имени Алишера Навои. В оперной труппе этого театра я проработал семь лет. Бесконечно благодарен за все уроки и советы народному артисту Азербайджана и Узбекистана режиссёру Фирудину Сафарову, заслуженному деятелю искусств Андрею Слониму, народной артистке Узбекистана, дирижёру, Дильбар Абдурахмановой, всем моим старшим коллегам.

Выступал в партии Хосе («Кармен» Бизе), пел Лыкова в «Царской невесте» Римского-Корсакова, Ленского в «Евгении Онегине» Чайковского, Альфреда в «Травиате» Верди). Знаковой была партия Неморино в «Любовном напитке» Доницетти, интерес публики вызвали партии Господина Фогельзанга в опере «Директор театра» Моцарта и Рудольфа в «Богеме» Пуччини. Много было и концертных выступлений на различных площадках.

Запомнилось выступление в театре «Ильхом», где впервые исполнил на немецком языке вокальные произведения Малера. Всегда приятна была поддержка зрителей – я её чувствовал, и она воодушевляла.


«Москва, как много в этом звуке…»

Вера, талант и труд творят чудеса. Мечты Нажмиддина Мавлянова петь на лучших сценах мира сбылись. Грандиозный успех, как это принято в музыкальном мире, начался с участия в республиканских и зарубежных вокальных конкурсах. После одного из международных конкурсов молодого солиста пригласили в Московский академический Музыкальный театр имени К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко для участия в опере Верди «Сила судьбы» (режиссёр Георгий Исаакян, дирижёр Феликс Коробов). Спустя 10 лет певец вспоминает, как 8 октября 2010 года дебютировал в партии Альваро. Это был настоящий экзамен. Острота сюжетных ситуаций, мелодическая красота оперы, драматизм действия, психологическая рельефность образа героя – всё волновало его в этой постановке, написанной композитором для премьеры на сцене Большого (Каменного) театра Санкт-Петербурга в далеком 1862 году.

Затем приглашённому солисту доверили партию Гофмана в опере «Сказки Гофмана» Оффенбаха. Дальше - Альфреда в «Травиате» Верди и Хосе в любимой им опере «Кармен» Бизе. Все эти оперы поставил знаменитый режиссёр (НАРОДНЫЙ АРТИСТ) Александр Титель. Творческая жизнь в московском театре сложилась блестяще. Год за годом рос репертуар певца, и сегодня в этом списке 40 с лишним оперных партий в спектаклях на музыку русских, итальянских, французских композиторов.

На вопрос, какие постановки и оперные партии особенно дороги, Нажмиддин ответил:

- Все. Многие спеты не раз и на разных сценах. В 2012 году я дебютировал в опере «Вертер» Массне, затем спел Эдгардо в «Лючия ди Ламмермур» Доницетти. В том же году исполнил Ленского в «Евгении Онегине» Чайковского. Этапным могу назвать 2013 год, когда впервые спел Рудольфа в «Богеме» Пуччини и Камилла де Россильона в «Веселой вдове» Легара. Потом были ведущие партии в операх Пуччини: Пинкертон в «Мадам Баттерфляй» и Каварадосси в «Тоске».

В 2014 году Мавлянов выступил в «Аиде» Верди. Это была первая постановка «Аиды» в Московском академическом Музыкальном театре имени К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко. К тому же, доверенная режиссёру, который до этого оперных спектаклей не ставил – знаменитому Петеру Штайну (дирижёр Феликс Коробов). Российский зритель к тому времени знал режиссёра по постановкам чеховских спектаклей «Три сестры», «Вишневый сад», «Дядя Ваня» - они были показаны на Международном Чеховском фестивале. Нашумевшим спектаклем стала и многочасовая «Орестея» Эсхила, «Гамлет» с Евгением Мироновым в главной роли. И вдруг – опера! Приступив к работе, Штайн влюбился в «Аиду». От артистов, требовал не просто вокала, а полного психологического раскрытия образов и психологической достоверности в каждой мизансцене.

Дебют в партии Радамеса тенор Мавлянов считает для себя очень важным, в этой партии он затем блистал на многих сценах. В «Аиде» его покоряет и героика образа молодого полководца Радамеса, и рассказанная в ней история о драматичной любви.

Этапной в своём творчестве считает певец участие в грандиозной опере «Хованщина» Мусоргского, поставленной Александром Тителем. Вместе с дирижёром Александром Лазаревым режиссёр доверил Нажмиддину исполнить в ней две партии. Он спел Князя Андрея Хованского, а телезрителям (автору этого очерка, в том числе) повезло слушать «Хованщину» в записи по телевидению, где Мавлянов предстал в партии Князя Василия Голицына.
Наш соотечественник не раз становился героем телепередач Российского телевидения. В одной из них очень лестно отзывалась о нём блистательная прима Музыкального театра имени К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко Хибла Герзмава.


Ясон в опере «Медея» Керубини

- Дебютировал с Хиблой Герзмава в партии Ясона в «Медее» Керубини, - говорит Нажмиддин. - Она прекрасная певица. Это было в 2015 году. Спектакль поставил Александр Титель. Он показал, какой хрупкой может быть гармония, как легко её разрушить. Мой герой Ясон, предав Медею, расплачивается за это жизнью невесты и своих детей. Музыкальная драматургия в этой опере передаёт мысль, что разрушение гармонии приводит к хаосу. Это очень важная для меня истина.


Мировая слава тенора

Яркому и плотному тенору Нажмиддина Мавлянова, с его невероятной энергетикой, подвластны все оттенки звучания, вся палитра эмоциональных красок. Летом 2019 года мне несказанно повезло послушать его в партии Германа и затем провести наполненный разговорами и впечатлениями день на ВДНХ, где отмечали 80-летний юбилей Выставки.

Спросила, в каких странах успел выступить за 10 лет.

- Выступал в Германии, Голландии, Франции, Греции, Ирландии, Швейцарии, Италии, Австрии, Абхазии, Беларуси, Китае, Южной Корее, США, Израиле, Финляндии, Великобритании, Казахстане – не перечислить. Многое зависит от приглашений, я счастлив выступать во всём мире. И. С 2014 года я приглашённый солист Мариинского театра в Санк-Петербурге, дебютировал на его исторической сцене в партии Манрико в опере Верди «Трубадур». Не раз выступал на Приморской сцене Мариинского театра, в других театрах России. С начала 2015 года - приглашенный солист Большого театра.

Нажмиддин Мавлянов поёт не только в опере. В 2011 году он завоевал 1 место и специальный приз, выступив как лауреат конкурса вокалистов, призёров Всероссийских и международных конкурсов, в рамках фестиваля имени Леонида Собинова в Саратове. В декабре 2017 года удостоен Благодарности Мэра Москвы за большой вклад в развитие культуры и добросовестный труд.

В ряду его концертных выступлений партии тенора в «Реквиеме» Моцарта и «Реквиеме» Верди, «Песне о земле» Малера, кантате Орфа «Кармина бурана». Он блистательно исполняет неаполитанские, испанские, английские, немецкие, русские народные песни, вокальный цикл Шостаковича «Из еврейской народной поэзии». Записал диск «Песня русская сердцем поётся» с Ансамблем «Россия» имени Л.Зыкиной. Диск издан фирмой Universal Music.

Известному тенору довелось петь в лучших театрах, работать с крупнейшими режиссёрами и дирижёрами. С каждым из них, по признанию Нажмиддина, он невольно вырастал сам. Достаточно посмотреть на график выступлений солиста в сезоне 2018 – 2019 года, чтобы понять, какой работоспособностью и талантом надо обладать, чтобы выдерживать столь насыщенную творческую жизнь:
- дебют в партии Пьера Безухова в опере Прокофьева «Война и мир» в Московском академическом Музыкальном театре имени К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко, режиссёр Александр Титель;
- партия Туридду в опере Масканьи «Сельская честь» на сцене Немецкой оперы на Рейне в Дюссельдорфе;
- партия Каварадосси в опере Пуччини «Тоска» на сцене Центра исполнительских искусств провинции Цзянсу в Китае (с труппой Мариинского театра);
- дебют в партии Макдуфа в опере Верди «Макбет» на Исторической сцене Мариинского театра;
- участие в рождественских гастролях Мариинского театра в Римини (Италия), выступление в партии Габриэля Адорно в опере Верди «Симон Бокканегра» (дирижёр Валерий Гергиев) на сцене Театра Аминторе Галли;
- дебют в партии Канио в опере Леонкавалло «Паяцы» на сцене Мариинского театра;
- серия спектаклей "Тоска" на сцене Израильской оперы в Тель-Авиве;
- участие в спектаклях Венгерской государственной оперы на сцене Театра Эркеля в Будапеште;
- исполнение партии Макдуфа в премьерной серии спектаклей в постановке оперы Верди «Макбет» на сцене Фламандской оперы в Антверпене.

Завершила прошлый сезон в августе 2019 года партия Радамеса в опере «Аида» (режиссёр Алексей Степанюк, дирижёр Павел Смелков) на торжественном закрытии IV Международного Дальневосточного фестиваля "Мариинский" во Владивостоке.
Каждое выступление Нажмиддина Мавлянова – триумф оперного искусства, вызывающий бурные эмоции и восторг зрителей.

Окончание очерка читайте во 2 части.

Фото автора и из личного архива Н. Мавлянова, а также
из интернета: Nadine Koul, Александр Шварценштейн и др.

=======================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Авг 23, 2020 2:53 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 5038

СообщениеДобавлено: Вс Авг 23, 2020 2:16 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020043105
Тема| Музыка, Персоналии, Михаил Лидский
Автор| Елена Фомина
Заголовок| Михаил Лидский: «Концерт онлайн – вполне нормальный формат, но во всем нужна мера»
Где опубликовано| © литературно-художественный журнал “Этажи»
Дата публикации| 2020-04-30
Ссылка| https://etazhi-lit.ru/publishing/muzykalnaya-gostinaya/1035-mihail-lidskiy-koncert-onlayn-vpolne-normalnyy-format-no-vo-vsem-nuzhna-mera.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Это интервью началось еще до пандемии коронавируса, самоизоляции и замены живых концертов онлайн-трансляциями. Поговорить с Михаилом Лидским хотелось давно. Поговорить обстоятельно и неспешно, а не на бегу после концерта. Человек он несуетный, довольно закрытый, хотя и не скрывает своего отношения к вопросам, которые ему небезразличны, высказываясь порой весьма определенно.
Поводом для разговора, который буквально растянулся во времени, поскольку общались, в основном, дистанционно, послужила работа над записью 32-х сонат Бетховена. Пианист осуществляет ее в Академии хорового искусства им. Попова (звукорежиссеры Елизавета Михайлова и Андрей Семенов) и сверх того исполняет весь цикл в шести городах России. Как говорит сам Лидский, это дает возможность сконцентрироваться на той части творчества Бетховена, которая является для него одним из главных жизненных ориентиров:
«Над сонатами Бетховена я работаю с юных лет, почти всю жизнь, Полный цикл впервые сыграл в концертах сезона 2006-2007. Затем еще раз шесть или семь. Практические обстоятельства не всегда благоприятствуют, но теперь, в год 250-летия композитора, появилась возможность взяться за это дело вновь. Пандемия прервала работу в начале второй трети сонат: посмотрим, удастся ли ее возобновить…»

Что вы думаете о формате онлайн? Дело это, конечно, благородное, но временами кажется, что мы перекормили слушателей трансляциями. Концерты, как и спектакли, дело живое.

Разумеется, сейчас налицо форс-мажор в самом прямом смысле слова. В том, что концертные организации публикуют записи с прошедших концертов, ничего плохого не вижу — наоборот. Не менее, а то и более важно, чтобы недоступность концертов восполнялась записями больших музыкантов прошлого. Огромное количество этих записей составляют классическое наследие — своего рода камертон, высший уровень. Вот что могло бы поддержать хороший вкус, направить к добродетели. Понятно, что старые записи теперь (в отличие от доинтернетовского времени) общедоступны, но важно сориентировать слушателя. Этим, на мой взгляд, должны бы заняться филармонии в нынешних обстоятельствах.
К сожалению, часто наблюдаем противоположное: менеджеры, презрев карантин, спешат использовать открывшуюся пиар-возможность — вплоть до онлайн-фестивалей по случаю беды. Поймите правильно: концерт онлайн (подобно выступлениям по радио и телевидению) — вполне нормальный формат (пусть и не близкий мне), но во всем же нужна мера: фестиваль — это праздник. Участники «Пира во время чумы» пережили горе, а тут… Кому война, а кому мать родна.
А теперь еще заговорили об узаконении дистанционного музыкального образования – чуть ли не наравне с обычным. Очередная «пессимизация» расходов, конечно, соблазнительна, но ведь очевидно, что дистанционно научить играть на инструменте или петь невозможно, поскольку отсутствует полноценный контакт с реальным звучанием. Все равно, что учить повара на муляжных продуктах. С другой стороны, столь же очевидно, что пренебрегать — тем более, в нынешней ситуации — такими возможностями Интернета, как широкий доступ к литературе и аудио- и видеоматериалам, слушание лекций и мастер-классов, собеседования, присылка и проверка заданий, было бы крайне неразумно. В определенном смысле дистанционное образование можно уподобить давно практикуемому заочному. Но последнее пригодно лишь для взрослых (в вузах) и все же подразумевает непосредственный контакт преподавателя и студента в сессию и предсессионный период, то есть и оно не в полной мере заочное...

Пришлось ли вам принимать участие в онлайн-концертах?

Уклонился. Концерт онлайн — нечто среднее между концертом и студийной записью; возникают особые проблемы, требующие навыков, опыта, которого у меня нет… Как и следовало ожидать, я никого отказом не подвел (а опасался: ведь концертные организации должны «показывать» работу!) — недостатка в желающих выступить нет.

Ценность живого исполнения по большей части заключается в невозможности повторения, в «здесь и сейчас». Чем для вас ценна студийная запись?

«Здесь и сейчас» — и ценность, и уязвимость: не исправишь. Условно говоря, концерт и студийная запись соотносятся как театр и кино: явления близкие, но все же разные. Работая в студии, лучше слышишь (несмотря на искусственное звучание — как-никак, звукорежиссер старается, чтобы звучало адекватно) свои недостатки — есть шанс поучиться. Если говорить о моей попытке записать сонаты Бетховена, то это фиксация многолетнего опыта: может, кому пригодится, а кому и понравится… Впрочем, при таком обилии превосходных исполнений надеяться на последнее вдвойне дерзко.

Параллельно с записью вы исполняете сонаты Бетховена в концертах, причем в разных городах. Это часть замысла?

В моем случае обыгрывание программы в концертах весьма способствует работе над ней. Вот и весь замысел. Плюс заработок.

В кинематографе монтаж — один из основных художественных приемов. А чем является монтаж в записи классической музыки? Нужен ли он вообще?

Исполнители первых лет звукозаписи вынуждены были, в силу технологии, обходиться без монтажа. Играли снова и снова, потом выбирали варианты. Современные записи, с их очень подробной звуковой картиной (иногда кажется, что чрезмерно подробной), монтируются практически всегда, насколько я знаю. Именно монтаж приближает студийную аудиозапись к кино, как бы позволяя создать то, что без монтажа не удается. Тут не без щекотливости: совестно, что вместо того, чтобы сыграть как надо, прибегаешь к некоей «химии». Но такой опыт весьма поучителен. Работа в студии — в большой мере аналитическая, а концертное выступление более спонтанно. К монтажным кунштюкам — как, например, сведение голосов из разных дублей в один аккорд — мне до сих пор не приходилось прибегать.

Записи каких исполнителей вы считаете наиболее достоверными?

Если я начну перечислять имена великих музыкантов, то непременно кого-то забуду, и выйдет неловкость. Да и не открою я Америки — имена, которые я мог бы назвать, пока еще на слуху.

На одном из вечеров во время исполнения бетховенских сонат в зале Москонцерта довольно шумно работал кондиционер. Правда, это отвлекало только поначалу. А что вам больше всего мешает во время выступления?

В тот вечер вообще было шумно: зал был постоянно занят, поэтому не успели толком проветрить до концерта, еще какие-то поп-бесчинства в соседних помещениях… Мне, разумеется, мешает шум, хотя приходится в меру сил абстрагироваться…

А для вас важно, какой инструмент в вашем распоряжении? И нет ли желания сыграть Бетховена на аутентичном рояле?

Так называемое историческое исполнительство мне если и интересно, то как эксперимент, дающий иной раз ценные данные — в познавательном плане. Как направление искусства оно мне не близко, поскольку часто сводится к подмене музыки реквизитом, словесами (не всегда добросовестными) и маркетингом на их основе (перемигиваньем с публикой, по выражению Прокофьева). Насколько я знаю, такие крупные клавесинисты как Ванда Ландовская и особенно ценимый мною Ральф Киркпатрик, уже не считаются «аутентистами». Что и требовалось доказать: музыкант — прежде всего, музыкант; а музыка едина.
Замечу еще, что музыкантам XIX века, в том числе ученику Бетховена Черни, и в голову не приходило, судя по знаменитой книге «О верном исполнении всех фортепианных сочинений Бетховена» (см. рассуждения о педали в начале медленной части Третьего концерта), ограничивать исполнение Бетховена инструментами его времени. Как и сыну Моцарта, игравшему сочинения отца на тогдашних современных инструментах. Что ж гнаться-то не пойми за чем? На мой взгляд, это и неразумно, и неверно исторически.
Другое дело, что для студийной записи особенно важно, чтобы рояль был хорошо настроен и отрегулирован. В концерте погрешности звучания, связанные с состоянием инструмента, могут «проскочить» более или менее незаметно, а в записи, тем паче при неоднократном ее прослушивании, — напротив. Да и мне в студии труднее справляться с дефектами рояля, чем в концерте. Опять-таки, видимо, из-за необходимости многократного повторения записываемого. А может быть, не только из-за этого…

В драматическом театре режиссер волен как угодно трактовать смысл пьесы, нередко искажая авторский текст. Свобода музыканта-исполнителя в этом смысле ограничена. В чем, на ваш взгляд, заключается новизна и оригинальность интерпретации?

Прежде всего, свобода музыканта-исполнителя (режиссера, вероятно, тоже; да и в любой профессии, наверное) ограничена его совестью. Я бы сказал, должна быть ограничена совестью, которая реализуется в форме хорошего вкуса (в точности по книге Нейгауза). Главное — постановка задачи: кто чего добивается. Вспомним известное телеинтервью Риккардо Мути, где он приводит в пример великое искусство Гилельса как антитезу шуму, псевдомузыкой производимому, но за музыку выдаваемому. Можно, конечно, так или иначе оболванить/коррумпировать публику, организовать клакеров (сколько теперь развелось анонимных троллей в соцсетях!..), «поработать» с прессой, с жюри конкурсов, фестивалей, поближе к богачам, нотаблям…, конъюнктурщина, политика, скандальчик — и вот вам эффективный менеджмент, знак нашего времени. Уровень дела, естественно, падает, но это «оправдывается» прогрессом, современностью, глобализацией, демократией, «массовым обществом» и т.п. Рискну поделиться недавно (впрочем, это у меня недавно) возникшей ассоциацией: Ставрогин — артист, Верховенский-младший — менеджер. Разве не похоже? Я уже давно на свете живу: видал всякие виды («слишком много знаю»)…
А новизна и оригинальность интерпретации определяются полнотой, глубиной, логичностью и своеобразием восприятия и умением воплотить формирующийся идеал — талантом и профессионализмом интерпретатора. Говорю именно об интерпретации — той или иной правомерной трактовке текста. Критерии правомерности — проблема сложная: нотный текст и реальное звучание соотносятся приблизительно как географическая карта и реальная местность, или, скажем, чертеж и самое изделие. Дело тут вовсе не в словах. К примеру, Артуро Бенедетти Микеланджели, который многажды говорил о необходимости исполнять автора, а не себя, — разве не узнается его игра практически мгновенно, разве не присуща его искусству прямо-таки безбрежная свобода выражения?..

В случае с Бетховеном начинает действовать, по выражению Алексея Любимова, «закон перенасыщения определенного интерпретационного накопления». Что для вас важно в сегодняшней интерпретации бетховенских сонат?

Я не согласен с Алексеем Борисовичем: по-моему, такого закона нет. Что в музыке по-настоящему хорошо, то самодовлеюще ценно, а что не хорошо, то нехорошо всегда. Конечно, некоторые общие тенденции меняются, что-то устаревает, обновляется — время, течение жизни накладывает свой отпечаток, — но едва ли это по-настоящему важное, существенное. Область духа эволюции не ведает, как учил Метнер. Тут другие законы и, думается, совсем не простые траектории. Речь о попытке добраться до некоей истины, для чего хороши едва ли не все средства. Артист всю жизнь вырабатывает свой стиль, язык, но именно свой, пусть подверженный тем или иным влияниям (в том числе веяниям времени), а не «социально-экономический». Ведь известная позиция графа Сент-Экзюпери («Я всей душой ненавижу нашу эпоху») вполне правомочна, не так ли? И не особенно редка. Погоня за сегодняшней или завтрашней конъюнктурой (не смешивать с «предлагаемыми обстоятельствами») представляется мне малопочтенной — опять же, во все времена. Мне не много дела до того, что современно и что несовременно, — сыграть бы получше. Сонаты Бетховена так «бездонны» (это слово любила повторять М.И. Гринберг) — сколько ни делай, все мало. А Нейгауз любил цитировать Бузони: «Жизнь человека слишком коротка, чтобы выучить ор. 106». И это одна соната, пусть самая большая — что уж говорить обо всех тридцати двух. Разумеется, я готов принять упрек в верхоглядстве и самонадеянности. Трактую свою работу именно как работу — так уж вышло, что я играю все сонаты Бетховена: мне это нужно и важно, а там уж как получится.

Есть ли у вас собственное разделение сонат на периоды? Как структурируете цикл?

Общепринятое разделение творчества Бетховена на три периода представляется мне правомерным. Другое дело, что существенные особенности есть у каждого цикла сонат. Несомненно, и у каждой сонаты они есть, но мне кажется плодотворной идея Ф.М. Гершковича о «сверхциклах» — ор. 2, ор. 10, 14, 27, 31… «Если играть с целью добраться до сердцевины мысли Бетховена, — писал Гершкович, — то есть показать ее так, чтобы она вновь удивила нас новой гранью ее (заодно) необъятности и ясной тем не менее целостности, нельзя отрывать друг от друга: 1) 1-ю, 2-ю и 3-ю сонаты; 2) 5-ю, 6-ю и 7-ю; 3) 9-ю и 10-ю; 4) 13-ю и 14-ю; 5) 16-ю, 17-ю и 18-ю; 6) 19-ю и 20-ю. То есть те сонаты, которые объединены общим порядковым номером (Opus 2, Opus 10 и т.д.), представляют собой «сверхциклы»! Я прекрасно знаю, каким внешним моментам подчинялась нумерация сочинений Бетховена. Но их объединение под общий номер никогда не касалось чего-то чуждого их формальной сущности».
По моим наблюдениям, закономерность объединения сонат в «сверхциклы» проявляется на разных уровнях — речь может идти не только о формотворчестве, но и, например, трактовке фортепиано, особенностях фактуры. С первых тактов Четвертой сонаты ор. 7 очевиден «оркестральный» характер ее фактуры, существенно отличающийся даже от Третьей сонаты ор. 2-3, наиболее фактурно богатой в опусе 2. В свою очередь, фактура каждой из трех сонат первого бетховенского фортепианного «сверхцикла» имеет, разумеется, свои особенности, но именно сопоставление с Четвертой сонатой ор. 7 наводит на мысль о некоем общем характере фактуры опуса 2 в целом. Прослеживаются и иные закономерности: скажем, в опусе 10 противопоставление трезвучия и околотонических секунд выступает как некая общая тематическая формула, триумфально разрешающаяся в некоем синтезе (Седьмая соната ор. 10-3, особенно менуэт и финал).
Аналогичные выводы следуют из сравнения сонат ор. 26 с 27 и 28, ор. 13 и 14, скрипичных сонат ор. 12 с ор. 23, 24 и 30, фортепианной сонаты ор. 101 и двух виолончельных сонат ор. 102.

На XV конкурсе Чайковского (2015) многие пианисты играли поздние сонаты Бетховена. Стоит ли браться за них еще очень молодым людям?

За конкурсами я уже давно не слежу. Что касается исполнения поздних сонат Бетховена в юном возрасте, то это очень индивидуально. Конечно, поздние сочинения Бетховена требуют от исполнителя чрезвычайно многого: пожалуй, на «школьном» уровне они действительно самые трудные. Но бывает так, что имярек от природы склонен именно к этому стилю. Ведь очень трудны и ранние сочинения — по-иному, но очень трудны: кому-то (например, мне) потребовалось больше всего времени, чтобы хоть как-то подойти именно к раннему стилю Бетховена. Да и средний период — теперь уж и не знаю, что труднее.

250-летие Бетховена, помимо мирового музыкального события, стало мощным маркетинговым ходом: почта Германии выпустила марку с портретом композитора, фестивали предлагают программы, в которых музыку Бетховена исполняют рэперы, как об одном из «беспрецедентных» событий юбилея говорят об исполнении 10-й симфонии Бетховена, созданной с помощью искусственного интеллекта. Вам было бы интересно это услышать?

Да уж, торговля прежде всего (то-то им, бедным, досталось теперь из-за пандемии…). Досадно. Почтовая марка, впрочем, в порядке вещей. Послушать эту самую «симфонию» было бы, пожалуй, любопытно — как некий курьез. Я, разумеется, не верю в возможность написания компьютером симфонии Бетховена (да и не только компьютером: сочинения в стиле того или иного классика — обычная практика композиторских факультетов…). Компьютерная программа основана на прошлом опыте, а творец постоянно создает новое. Известно, что Бах, услышав тему фуги, мог предвидеть, какое контрапунктическое развитие она претерпит, но то Бах, а контрапункт — все же не вся музыка. Другими словами, компьютерная программа, написанная на базе девяти симфоний Бетховена, не подойдет, вернее всего, для Десятой. Программист — не Господь Бог и не Бетховен.

Как вообще относитесь к популяризации классики?

Непросто. Что такое эта самая популяризация? Просвещение? К просвещению, разумеется, я отношусь положительно. Но рок-обработки классических произведений — это как если бы Сикстинской мадонне пририсовали джинсы или бикини. Положим, рафаэлевский лик зритель такой картины может и запомнить, но вкус, самое отношение будет изуродовано: Рафаэля опустят до уровня Шарикова — вместо того, чтобы условного Шарикова «приподнять» (из повести Булгакова следует, что последнее невозможно, — но ведь реальным людям гипофиз не пересаживают). А когда в программах исполняются лишь «кассовые» сочинения, это тоже не популяризация, а эксплуатация их известности. Просвещение, образование — большой труд, природа которого не предполагает, как мне представляется, быстрой отдачи. Нужна правда, а не коммерческое жульничество. Думаю, следует прежде всего внушить людям, что можно стать лучше, выучиться, и не стоит удивляться, что с ходу не все понятно. Великое не должно унижаться.

Как вам кажется, изменятся ли люди после пандемии?

Как обычно: и да, и нет. Человечество проходило через несопоставимо более грозные катаклизмы — в том числе недавние поколения. Кто-то, возможно, изменится к лучшему…

Беседовала Елена Фомина, специально для журнала «Этажи»
Москва — Воронеж, ноябрь 2019 — апрель 2020
Фото из открытых источников

Михаил Лидский (род. 1968) — российский пианист, доцент кафедры специального фортепиано Московской консерватории. Учился в Школе и Институте (ныне Академии) имени Гнесиных (класс М.И. Маршак, затем В.М. Троппа). Концертирует и записывается с начала 1990-х годов. Ежегодные абонементные циклы «Фортепианные вечера с Михаилом Лидским» проходят в Московском Международном Доме музыки начиная с сезона 2007-2008. Последняя на сегодняшний день работа в области звукозаписи – все фортепианные сонаты Н.Я. Мясковского (4 компакт-диска; Moscow Conservatory Records, 2017). В 1996 году начал преподавать в Московской государственной консерватории как ассистент профессора Э.К. Вирсаладзе. С 2003 года ведет свой класс. Автор ряда статей по истории и теории фортепианного искусства.

Елена Фомина окончила отделение теории музыки Воронежского музыкального училища и филологический факультет Воронежского государственного университета. Работала корреспондентом службы радиовещания ВГТРК. Обозреватель интернет-журнала «Культура ВРН», корреспондент радио «Орфей» в Воронеже. С 1996 года публикуется в местных СМИ с материалами о музыке и театре. Сотрудничала с такими изданиями, как «Петербургский театральный журнал», «Музыкальная жизнь», «Музыкальное обозрение», «Музыкальные сезоны».


===============
Все фото и видео – по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 22155
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Авг 23, 2020 3:56 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2020043106
Тема| Опера, МАМТ, Возобновление, Персоналии, Жюль Массне, Андрейс Жагарс
Автор| Дмитрий Парнов
Заголовок| Париж, любовь и круассаны
Где опубликовано| © «Учительская газета» «УГ Москва», №14
Дата публикации| 2020-04-07
Ссылка| http://www.ug.ru/archive/83074
Аннотация| ВОЗОБНОВЛЕНИЕ

​Зачем лететь в Париж, если дух французской столицы можно и в Москве ощутить? Московский музыкальный театр имени К.С.Ста­нис­лав­ского и Вл.И.Немировича-Дан­чен­ко возобновил 19 и 20 февраля 2020 года оперу Жюля Массне «Манон», премьера которой состоялась еще в январе 2016 года.

Спектакль исчез из репертуара МАМТа вскоре после премьеры. Нынешнее возвращение оперы произошло как дань памяти известному латвийскому режиссеру Андрейсу Жагарсу, ушедшему от нас чуть более года назад. В эти же дни в Риге, в Латвийской национальной опере, директором которой Жагарс был с 1996 по 2013 год, возобновили его версию «Пиковой дамы» Чайковского. Стоит отметить, что как режиссер он дебютировал в 2002 году, а годы его руководства оперным театром в Риге стали важными для развития мирового музыкального искусства.

До «Манон» Жагарс уже ставил в Москве «Тангейзера» к 200‑летнему юбилею Вагнера. Среди других его работ на российской сцене стоит отметить «Набукко» и «Бал-маскарад» Верди в Новой опере и Михайловском театре. Латвийская национальная опера неоднократно при нем выступала в Москве, любители оперы знакомы с ее репертуаром времен Жагарса.

История кавалера де Грие и Манон Леско была написана аббатом Прево еще в 1731 году как нравственная притча молодежи, и не только, ведь часто в порыве удовольствий и развлечений люди забывают про долг, честь, моральные принципы. Эта банальная человеческая история о юной девушке, отправленной родными в монастырь, которая по дороге туда влюбляет в себя и влюбляется в прекрасного юношу, мечтающего стать священником, получила невероятную популярность сразу же. Влюбленные бегут в Париж - столицу мира - за развлечениями, наслаждениями, за шикарной жизнью. Роман оказал сильнейшее влияние на развитие всей французской литературы.

На этот сюжет уже в XIX веке композитор Галеви сочинил балет, а Обер - оперу, но произведения не получили широкой известности. В дальнейшем к истории обратились Массне и чуть позднее Пуччини, который представил свою веристскую версию «Манон Леско». Именно эти два воплощения «Манон» (совершенно разные, но написанные на один сюжет) стали особенно популярными на сцене. У Пуччини опера наделена особой страстностью и экспрессией, музыка Массне отличается мягкостью и мелодичностью.
Мировая премьера «Манон» прошла с успехом в Париже в 1884 году и определила эволюцию оперного жанра не только во Франции, но и во всем мире, завораживая публику своими любовными дуэтами, сладостными и тягучими мелодиями, французской любовью и страстями.

В 1974 году хореограф Кеннет Макмиллан, используя музыку Массне, создал балетную версию «Манон» для Королевского балета Великобритании, в 2014 году спектакль перенесен на сцену МАМТа. Несмотря на присутствие в афише балета, публика с нетерпением ждала именно оперную версию «Манон». Московский музыкальный театр традиционно еще с советских времен тяготел именно к французской музыке: здесь всегда можно было услышать оперы Гуно, Бизе, Дебюсси. Многие меломаны еще помнят постановку Льва Михайлова 1973 года, когда театр впервые обратился к истории Манон.
Нынче театр постарался бережно восстановить весь рисунок «Манон», созданный командой постановщиков в 2016 году. Над спектаклем тогда работали художник-постановщик Рейнис Сухановс, художник по костюмам Кристине Пастернака, художник по свету Кевин Вин-Джонс, видео­художник Инета Сипунова.

Режиссер Андрейс Жагарс так охарактеризовал свою работу:

- В моих постановках я стараюсь добиться того, чтобы зрители эмоционально воспринимали сюжет, могли узнать в героях оперы себя или своих знакомых. Слишком большой отрезок времени отделяет нас от XVIII века, когда была написана книга «История кавалера де Грие и Манон Леско». Но похожая история вполне могла бы произойти в XX веке, скажем, в 1960‑е годы. Эта яркая эпоха запечатлена в фильмах Роже Вадима, Годара, Трюффо и других французских режиссеров, мы знакомы с ней и чувствуем ее близость. Многие коллизии оперы выглядят на редкость современными. Столица всегда манит провинциалов и пьянит их мечтой об успехе, но одних она делает счастливыми и благополучными, а другим приносит опустошение. А выбор между любовью и деньгами стоит сегодня не менее остро, чем во времена Прево.

Режиссер переносит зрителей в радостную эпоху 1960‑х - эпоху сексуальной революции, свободы и удовольствий. На сцене серая бетонная коробка, которая становится по ходу пяти действий оперы вокзалом и рынком, квартирой с видом на Эйфелеву башню и храмом, улицей и тюрьмой. Ее органично заполняют хор и миманс в ярких, даже кислотных, и стильных костюмах, машины, торговые лавки, суета и движение. А еще чаще режиссер оставляет нас наедине с главными героями в затяжных любовных дуэтах и речитативах, коих в опере достаточно.

Главная удача постановки - высокая динамика спектакля и в то же время внимание к деталям, спектакль получился ярким и стильным.

Музыкальным руководителем постановки выступил Феликс Коробов. Музыка была исполнена оркестром внимательно и мелодично, но слишком громко, размашисто, в быстром темпе. Коробов имеет цель, уверенно руководит оркестром, но интерпретирует лирическую музыку Массне как героические произведения Верди. Хочется верить, что в дальнейшем звучание оркестра все же обретет французский лоск.

Особого внимания заслуживает работа хора (главный хормейстер Станислав Лыков), который блестяще справился с поставленными режиссерскими и музыкальными задачами.
Мария Макеева создала образ хрупкой Манон, которая сама не знает, чего хочет, часто переживает, волнуется, мечется меж двух огней. Ей веришь, а партия Манон невероятно подходит певице. Чингис Аюшеев менее убедителен, но сыграл Де Грие азартно, с блеском, с вниманием к деталям. Их актерский дуэт создал французское настроение, хотя вокально был и не столь убедительным.

Ансамбль солистов дополнили Антон Зараев (Леско), Феликс Кудрявцев (граф де Грие), Валерий Микицкий (Гийо), Илья Павлов (де Бретиньи). Ярким украшением оперы стало изумительное визуальное трио легкомысленных красавиц (Лилия Гайсина, Наталья Владимирская, Екатерина Лукаш).

Возобновление «Манон» прошло сразу же после премьеры «Садко» в Большом театре. И если спектакль Дмитрия Чернякова озадачил, вызвал больше вопросов, чем ответов, то работа Андрейса Жагарса дала простоту, понятность и отдохновение. В целом работа постановщиков тонка и профессиональна, она не давит, не мешает, не навязывает. Что еще нужно?

Спектакль идет с двумя антрактами, длится больше трех с половиной часов, а слушается и смотрится легко, вызывает ощущение радости и восторга.

P.S. Московский музыкальный театр имени К.С.Ста­нис­лав­ско­го и Вл.И.Не­ми­ро­ви­ча-Дан­чен­ко не остался в стороне от ситуации и начал серию показов своих спектаклей в онлайн-кинотеатре Okko. На данной платформе бесплатно можно посмотреть шедевры русской оперы XIX-XX веков - «Хованщину» Модеста Мусоргского, «Пиковую даму» Петра Чайковского, «Войну и мир» Сергея Прокофьева. К операм добавился и балет - «Жизель» Адольфа Адана в редакции Лорана Илера, «Серенада» на музыку Петра Чайковского в постановке Джорджа Баланчина и «Эсмеральда» Цезаря Пуни в хореографии Владимира Бурмейстера.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> Газетный киоск Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4
Страница 4 из 4

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика