Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2019-11
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20643
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Ноя 13, 2019 10:29 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019111301
Тема| Балет, фестиваль музыкальных театров России «Видеть музыку», Саратовский театр оперы и балета, Персоналии,
Автор| Джулия Лидова‑Большакова
Заголовок| Тургеневская проза превратилась в хореографическую поэзию
Балет "Вешние воды" на фестивале "Видеть музыку"

Где опубликовано| © Независимая газета
Дата публикации| 2019-11-11
Ссылка| http://www.ng.ru/culture/2019-11-12/7_7724_balet.html
Аннотация| Фестиваль, Гастроли


Попытка передать легкость тургеневской прозы средствами дивертисментного балета. Фото пресс-службы Саратовского театра оперы и балета

В Москве завершился IV фестиваль музыкальных театров России «Видеть музыку». В течение двух с лишним месяцев российские театры представляли в Москве свои последние премьеры. Под конец форума выступил Саратовский театр оперы и балета с постановкой хореографа Кирилла Симонова «Вешние воды».

Этот балет был поставлен в 2018 году, к 200-летию со дня рождения Ивана Тургенева. При всей поэтичности творчества писателя его «роман» с музыкальными театрами складывается непросто. Существует единственный известный одноактный балет Фредерика Аштона «Месяц в деревне», созданный в Лондоне в 1976 году и в последующие годы неоднократно возобновляемый в различных балетных программах Ковент‑Гардена. А также множество танцевальных этюдов (чаще всего на музыку Рахманинова), отсылающих к мотивам «Вешних вод», точнее, к эпиграфу этой повести.

В том же 1976 году режиссер Анатолий Эфрос создал телефильм специально для Майи Плисецкой. Он выбрал в повести «Вешние воды» линию взаимоотношений ее героини – Марии Полозовой – с Дмитрием Саниным. От его имени (в исполнении Иннокентия Смоктуновского) ведется рассказ, иллюстрируемый дуэтами великой танцовщицы с ее партнером – замечательным танцовщиком Анатолием Бердышевым. Фактически убрав сценически‑танцевальную версию для другой героини – юной и чистой Джеммы, великий режиссер не решился назвать свое творение «Вешние воды», а справедливо наименовал его «Фантазия», исследуя «бездну», в которую падает и теряет себя самого герой Смоктуновского.

В Саратове создали очень внятное либретто, взяв за основу фабульные моменты этой повести Тургенева. В каждом эпизоде заложена ситуация, влияющая на повороты судьбы героя и определяющая его состояние в отношениях с собственной жизнью.

Сохраняется и в оформлении сценического пространства (художники‑постановщики Екатерина Злая и Александр Барменков), и в смысловых начальных и финальных эпизодах закольцованность изложения самой повести Тургенева, когда его одинокий герой с тоскующей душой отдается воспоминаниям в поисках утраченного времени и погибших иллюзий.

Кирилл Симонов опирается на неоклассику, но привносит в этот стиль некую эфемерность и воздушность. Он обладает очень важной для хореографа способностью разбирать танцевальные движения и жесты на мелкие «ноты» и вновь их соединять в целое, что особенно ему удается в танцевальных ансамблях, словно рождающих музыкальную фактуру на наших глазах.

В «Вешних водах» хореограф оказался в сложной ситуации, связанной с партитурой. Владимир Кобекин, автор нескольких десятков опер, в балетном искусстве оказался дебютантом, с известной мерой робости вступившим в это неведомое ему пространство. Композитор предпочел не отрываться от привычных представлений о дивертисментном балете и создал произведение, в основном построенное на самостоятельных танцах: гавот, вальс, минуэт и так далее (дирижер‑постановщик – Юрий Кочнев). Даже формально не объединенные между собой, они узнаваемы, иллюстративны, но не делают никаких открытий для музыкальной драматургии спектакля.

Симонов, увлеченный дуэтами и ансамблями, также не сосредоточен на задаче развития сценического действия в спектакле: отсутствие актерски‑сценических задач, которые должны выявлять и нести драматическое действие (с которыми исполнители, безусловно, справились бы), вызывает определенные сожаления. К примеру, шагами технического работника сцены выходит мальчик, изображающий брата Джеммы, и столь же «служебно‑делово» укладывается на пол. Если зрители не читали повесть или не успели заглянуть в либретто, они вряд ли поймут происходящее и весь смысл сцены. Если нет, то вряд ли поймут, что болезненный мальчик потерял сознание и все боятся за его жизнь, а Санин своими разумными действиями спасает его, и возникшее чувство благодарности у семьи влияет на развитие дальнейших отношений с Джеммой. Так же невразумительна по сценическим задачам сцена, где жених Джеммы не заступается за нее перед обнаглевшими посетителями. Нет смыслового решения в сцене отъезда героя.

Самые великие хореографы нередко работали над постановками рука об руку с режиссерами. Без режиссера Сергея Радлова не было бы покорившего весь мир балета «Ромео и Джульетта» Леонида Лавровского. Самый знаменитый и продвинутый балет хореографа Олега Виноградова «Ярославна» был создан в содружестве и при непосредственном участии Юрия Любимова как постановщика. Вот и Кириллу Симонову в тургеневской постановке не хватило режиссерской руки.

Вместе с тем в «Вешних водах» артисты создают яркие характеры: Кристина Кочетова рисует образ почти детской невинной непосредственности и чистоты Джеммы, Александр Седов – вульгарного до лощеной пошлости в своих ужимках Ипполита Полозова. «Белой» героине Джемме здесь (как и в повести Тургенева) противостоит «черная» соблазнительница Мария Полозова (Татьяна Князюкова), чья победа над Саниным предопределена с их первого дуэта. Алексей Михеев, создающий образ Дмитрия Санина, в совершенстве владеет хореографическим языком и стилем Кирилла Симонова, и именно дуэты Кристины Кочетовой – Алексея Михеева и так называемые белые, снежные танцевальные ансамбли первого акта (здесь нельзя не упомянуть художника по свету Екатерину Чернощекову) создают очарование, отсылающее нас к поэтичности тургеневской прозы.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20643
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Ноя 13, 2019 8:28 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019111302
Тема| Балет, XIX Фестиваль классического балета «Планета Аллы Шелест», Персоналии, Алла Шелест
Автор| Валерий Иванов
Заголовок| Вспоминая Легенду...
Где опубликовано| © «Парк Гагарина»
Дата публикации| 2019-11-11
Ссылка| https://parkgagarina.info/index.php/kultura/30496-vspominaya-legendu.html
Аннотация|

К 100-летию со дня рождения Аллы Шелест



К 100-летию со дня рождения Аллы Шелест
В нынешнем, 2019 году, исполнилось 100 лет со дня рождения Аллы Яковлевны Шелест. С именем этой великой русской балерины связан значительный этап жизни балетной труппы Куйбышевского-Самарского оперного театра.

У Аллы Шелест была непростая судьба. Окончив Ленинградское хореографическое училище у Елизаветы Гердт и Агриппины Вагановой, она в течение 26 лет — с 1937 по 1963 год — была прима-балериной Ленинградского театра оперы и балета имени С.Кирова. На его сцене она создала целую галерею неповторимых образов в классических и современных балетах. В их числе Одетта и Одиллия в «Лебедином озере» Чайковского, Жизель в одноименном балете Адана, Никия в «Баядерке» Минкуса, Зарема в «Бахчисарайском фонтане» Асафьева, Лауренсия в одноименном балете Крейна.

Особое место в творчестве Шелест занимали партии Катерины и Хозяйки медной горы в «Каменном цветке» Прокофьева и Мехменэ Бану в «Легенде о любви» Меликова — балетах, поставленных Юрием Григоровичем, а также Сюимбике в «Шурале» Яруллина и Эгина в «Спартаке» Хачатуряна в постановке Леонида Якобсона, роли в его хореографических миниатюрах «Слепая», «Поцелуй» и «Вечный идол» с партнёром Игорем Чернышевым. И все же выдающееся мастерство Шелест-балерины не было востребовано в полной мере, далеко не всегда она выходила в премьерных составах.

В разные годы Шелест была педагогом Ленинградского хореографического училища имени А.Вагановой, балетмейстером-репетитором Мариинского театра, преподавала балетмейстерское мастерство в Петербургской консерватории.

Имя Аллы Шелест — в одном ряду с именами великих балерин ХХ века Марины Семеновой, Галины Улановой, Майи Плисецкой. Те, кто видел Шелест на сцене, не могут забыть магию ее дарования.



Вот какую оценку Аллы Шелест довелось услышать в 1994 году из уст Майи Плисецкой, подарившей ей первой только что вышедшую книгу своих мемуаров: «Много раз мне по всему свету задавали один и тот же вопрос: кто из балерин, на мой вкус, на вершине балетного Олимпа. И всю жизнь я называла три имени: Семенова, Уланова, Шелест. Их назову и сегодня. Лучше балерин за свою жизнь увидеть мне не довелось. Многие роли Шелест не могу забыть. Жизель, Эгина, та же Зарема. «Слепая» в постановке Якобсона заставляла меня плакать. А выжать из коллеги слезу ой как трудно. У Шелест был дар необыкновенного перевоплощения. На сцене она была немыслимо красива. Божественно красива. После представления затухала, снимала грим, вставала под душ. И когда проходила через толпу наэлектризованных ею поклонников, запрудивших тесный артистический подъезд, ее не узнавали». О Шелест — актрисе и человеке лучше, пожалуй, и не скажешь.

Во время проходившего в Санкт-Петербурге международного балетного конкурса «Майя-98» я записал несколько высказываний об Алле Шелест видных деятелей русского балета, долгие годы работавших с нею бок о бок.

Игорь Бельский, народный артист России, художественный руководитель Санкт-Петербургской академии танца имени Вагановой: «Алла Яковлевна Шелест по-настоящему великая танцовщица-актриса, но в силу своего характера, скромности, полного пренебрежения к саморекламе она осталась невоспетой, недооцененной критикой и прессой. Замечательный драматический талант Шелест проявился уже в выпускном спектакле Вагановского училища. Она блестяще станцевала в «Катерине», поставленной Лавровским. Этот талант, великолепное владение петербургской школой, одной из лучших представительниц которой была Шелест, присутствовал абсолютно во всех ее партиях. В рамках заданной хореографии Шелест умела создать образы, отмеченные неповторимой индивидуальностью. Даже не берусь назвать ее лучшие роли: все было хорошо! И при появлении современной пластики она осталась непревзойденной. Как хореограф Шелест создала интересные миниатюры, особенно на музыку Листа. Они, к сожалению, утрачены в настоящее время, но в моей памяти сохранились как эталон вкуса, мастерства, индивидуального прочтения и умения чувствовать стиль композитора. Строгостью формы и содержания, непревзойденной глубиной интерпретации Алла Яковлевна Шелест остается для меня эталоном великой классической балерины».


Алла Шелест и Игорь Чернышев в миниатюре «Вечный идол»

Алла Осипенко, народная артистка России: «Я много раз видела Аллу Яковлевну в спектаклях Кировского театра. Одна из ее лучших партий – Зарема в «Бахчисарайском фонтане». Шелест и Вечеслову в этой партии не превзошел никто. С Шелест связан один из самых серьезных эпизодов в моей творческой биографии. Якобсон пригласил меня танцевать в «Спартаке» Эгину – партию, которую до этого исполняла Шелест. Попробовав, вскоре поняла, что мне никогда не удастся даже приблизиться к образу, созданному Шелест, и, несмотря на гнев Якобсона, наотрез отказалась от этой роли. Есть величайшие сценические создания, и именно они должны остаться в памяти. К таким созданиям относится Эгина Шелест. Как ужасно, что у нас в стране всегда считалось, что нет незаменимых людей. Шелест была незаменима в своих ролях».

***

В 1966 году по приглашению тогдашнего главного балетмейстера Куйбышевского оперного театра Натальи Даниловой Шелест поставила на его сцене балет «Дон Кихот», а в 1970-1973 годы она являлась главным балетмейстером Куйбышевского театра, осуществив совместно с Рафаилом Вагабовым постановки балетов «Лебединое озеро», «Семь красавиц», «Тщетная предосторожность» и «Жизель».



Благодаря Шелест балетная труппа театра пополнилась одарённой молодёжью. Это выпускницы Ленинградского хореографического училища Ольга Гимадеева, Валентина Пономаренко, Наталья Шикарёва, а также Елена Брижинская из Новосибирска, Геннадий Акачёнок и Михаил Козловский. Все они заняли вскоре ведущее положение в труппе и в течение нескольких десятилетий составляли ее костяк.

Вот как вспоминает то время художественный руководитель Самарского хореографического училища заслуженная артистка России Валентина Пономаренко: «После первого года учебы в Ленинградском хореографическом училище неожиданно появилась Алла Яковлевна Шелест. Она приехала из Куйбышева, где уже работала главным балетмейстером в оперном театре. Шелест все знали, относились к ней с огромным уважением. Она приходила на уроки и присматривалась к ученикам. Посмотрев меня, предложила поехать к ней в Куйбышев. Мне было жалко расставаться с Вагановским училищем, но мне посоветовали не отказываться: у Шелест та же ленинградская школа, но я смогу еще и танцевать на сцене. В то время, как, впрочем, и теперь, по окончании учебы можно было «зацепиться» в Ленинграде, устроиться, например, в Малый оперный театр. Но своей судьбой я распорядилась по-иному.
Шелест работала по вагановской методике и первым делом ставила спину - а вот в другом месте этим бы заниматься не стали. Обо всем, что я как исполнитель получила от своих педагогов в Вагановском училище и от Шелест, не прочитаешь нигде. Это можно обрести только при непосредственном общении. Тем более, что Шелест не просто объясняла. Она обладала способностью передавать мышечные ощущения. Для меня педагог – не просто тот, кто учит танцевать, а кто наполняет тебя духовно, обогащает внутренний мир.
То, что Алла Яковлевна приехала в Куйбышев не одна, а со своей командой – это нормально. В принципе иначе было бы и невозможно. Но я всегда говорила своим молодым коллегам, что нас, девочек и мальчиков, привезли в Куйбышев «на живое», в сложившийся коллектив, где уже были свои лидеры. Молодежный ленинградский «десант» оказался «под крылом» Аллы Яковлевны Шелест. Она понимала, что ведущих танцовщиков найти проще, чем кордебалетных, что без девочек нет кордебалета, а без него невозможно поставить ни одного спектакля».

Весной 1994 года мне посчастливилось увидеться с Аллой Яковлевной Шелест в Санкт-Петербурге, услышать ее воспоминания о работе в Куйбышевском оперном театре, расспросить о том, чем она занималась в последнее время.

– Какие ощущения остались у вас, Алла Яковлевна, о работе в Куйбышеве, чем запали в душу те годы?
– В Куйбышеве я проработала три года. Работали мы много, честно - тем и запали эти годы в душу. И был результат — это главное. Очень приятно, что меня вспоминают добрым словом — ведь с тех пор прошло уже больше двадцати лет. У самарского балета богатая история. Конечно, в его адрес можно высказать много пожеланий. Есть недостатки, и с ними нужно бороться. И главное — чтобы люди были академичнее, профессиональнее, ещё более ответственно относились к делу.

– Занимаетесь ли вы сейчас, Алла Яковлевна, с кем-либо из молодых артистов?
– Я репетирую с солисткой Театра имени Мусоргского Ириной Кирсановой. Недавно она выступила в новой постановке «Щелкунчика» в партии Маши, над которой мы с ней работали.

– Часто посещаете балетные спектакли в Санкт-Петербурге?
– Нет. Хожу только когда особенно интересно.

– Чем занята ваша сегодняшняя жизнь, наверное, не одним только бытом?
– Конечно, нет. Жизнь концентрируется все-таки в творческом русле. У меня много интересов. Прежде всего, конечно, это балет и музыка. Слушала Ростроповича — концертное исполнение оперы Шостаковича «Леди Макбет Мценского уезда». Это было замечательно, огромная отдача, и не только в музыкальном отношении. Ростропович заменил режиссера, настолько достоверно были сделаны все партии.

– Сейчас в Санкт-Петербурге идет современная хореография Баланчина, Роббинса. Как вы относитесь к этим спектаклям?
– Спектакли Баланчина я видела в его труппе, когда она приезжала к нам на гастроли. Это совсем другая манера. У нас все получается немного расплывчато, там же — очень филигранно, когда без всякого либретто чистым танцем дается определенное настроение и отсюда складывается образ. Каждое произведение требует точного стилистического воплощения. Это главное в искусстве.

***

Вышло так, что Алле Шелест — одной из легендарных балерин XX века, по-настоящему воздали должное не в Санкт-Петербурге, а в Самаре. Состоявшийся в Самарском академическом театре оперы и балета 9 октября 1994 года вечер «В честь Аллы Шелест», на котором присутствовала Алла Яковлевна, положил начало ставшему традиционным шелестовскому фестивалю классического балета. Шелест присутствовала также на первом фестивале 1995 года и на посвященном 60-летию ее творческой деятельности втором фестивале 1997 года.

В афише этого фестиваля наряду с «Баядеркой» и «Бахчисарайским фонтаном» была «Жизель» — спектакль, который в свое время она поставила на куйбышевской сцене. Зрители получили возможность познакомиться с ведущими солистами Мариинского театра, а кто-то из старшего поколения любителей балета, может быть, смог воскресить в своей памяти образы, созданные когда-то в этих балетах самой Шелест.

Само по себе присутствие Аллы Яковлевны в зале создавало особую атмосферу соприкосновения с живой легендой балетного искусства. Звездным моментом фестиваля 1997 года стало участие в нем по приглашению Шелест талантливой, самобытной балерины Ульяны Лопаткиной, которую самарцы уже имели возможность видеть в партии Заремы на посвященном Алле Шелест вечере 1994 года. Выступление Лопаткиной в партии Никии стало подлинным откровением, эмоциональным камертоном спектакля.


Вот интервью, которое я взял у Аллы Яковлевны во время этого фестиваля:

– Каково, на ваш взгляд, нынешнее состояние самарской труппы?
– Труппа лучше смотрится на классике. Это относится и к солистам, и к кордебалету. Они собрались к третьему акту «Баядерки», на «Жизели». Классический репертуар организует людей. Вероятно, он больше репетируется, нежели, например, «Бахчисарайский фонтан». Там танцы пустяшные, и поэтому отношение к ним такое же. Я в этом уверена. Главное — сохранять текст балета, не допускать отсебятину. Вот, например, в партии Заремы было много отклонений от правильного текста. Так безответственно поставлено, и это подводит театр. В «Жизели» и в «Баядерке» дела обстоят лучше.

– После «Баядерки» вы на сцене о чем-то разговаривали с Ульяной Лопаткиной.
– Мне нужно было много чего сказать ей. У нее очень большие изменения в этой роли по сравнению с первым выступлением на сцене Мариинского театра. Тогда я высказывала ей свои замечания. Все уже исправлено, сделано. Она яркая творческая индивидуальность, умная, волевая, эмоциональная артистка. И когда она заключает эмоции в определенные рамки, в какие-то формы воли, это звучит.

– Какое впечатление осталось у вас от нынешнего фестиваля?
– Это было сплошное крещендо.

На всех фестивальных спектаклях зрители любовались царственной осанкой сидящей в ложе актрисы, а во время антрактов и по окончании спектаклей исполнители внимали негромкому голосу Шелест — педагога, каждое замечание которой бесценно.

Когда отзвучал последний фестивальный аккорд, занавес не закрылся. Под мелодию «Лебедя» Сен-Санса один за другим на сцене появились все участники представления. Они составили живой коридор, по которому через всю сцену к рампе прошла Алла Шелест. Ее явления ждали, как ждали и божественного реверанса, которым она одарила участников спектакля и зрителей.


Алла Шелест. Самара, 2014 год. Фото из архива автора

Много лет спустя на санкт-петербургском музыкальном фестивале «Звезды белых ночей» 2010 года после одного из спектаклей с участием Ульяны Лопаткиной на мой вопрос, чем была для нее великая балерина, я услышал: «Алла Яковлевна Шелест – легенда для меня и для всего русского балета. Она была артисткой, обладавшей особым шармом. Все, что сохранилось на видео и фотоснимках, говорит о том, что это была прежде всего актриса-балерина, а не наоборот. Такие примеры заражают, свидетельствуют о том, что балетное искусство – не просто танец, а синтез актерского и танцевального мастерства. Именно это рождает очень необычные эмоции. И все должно быть настолько сильно сделано актерски, чтобы посредством танца выразить драматическую суть образа. Алла Яковлевна в принципиальном отношении являла собою сочетание того, что для меня наиболее важно в балетном искусстве, те требования, которые я хочу предъявлять к себе. И по счастью, по единомыслию мои педагоги были продолжателями этого драматического начала в балете».

В марте 1999 года в Самаре состоялся вечер памяти Аллы Шелест, незадолго до этого — 7 декабря 1998 года — ушедшей из жизни. Вот что сказал в своем эмоциональном выступлении присутствовавший на этом вечере Мстислав Ростропович: «Мне выпало великое счастье знать Аллу Яковлевну Шелест, быть ее поклонником. Мы встретились в 1947 году на международном фестивале демократической молодежи в замечательной компании Майи Плисецкой, Раечки Стручковой, Лени Когана. Тогда же я понял, что Алла Яковлевна, Аллочка — человек совершенно другого мира, не похожий на других. Ее знают в России, но я задаю себе вопрос: почему она не стала мировым кумиром? Это произошло ввиду ее невероятной скромности, абсолютной невозможности сказать что-то о себе публично: вне сцены она сразу замыкалась в себе. Шелест — явление XX века, явление в искусстве. На протяжении многих лет до самого ухода ее из жизни мы оставались большими друзьями. Мы виделись в Самаре. Я знаю, что здесь она была по-настоящему счастлива. То, что великая балерина — явление искусства XX века — связана с Самарой, привилегия вашего города».

Завершившийся на днях шелестовский фестиваль, который в год 100-летия со дня рождения артистки прошел в девятнадцатый раз, отметил и собственный, 25-летний юбилей. Инициатором и неизменным куратором шелестовского фестиваля является театровед, заслуженный работник культуры России Светлана Хумарьян. За эти годы в фестивале приняло участие несколько поколений выдающихся отечественных мастеров и молодых артистов балета.

Рассказ о XIX Фестивале классического балета «Планета Аллы Шелест» – в нашем следующем материале.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20643
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Ноя 13, 2019 9:49 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019111303
Тема| Балет, XIX Фестиваль классического балета «Планета Аллы Шелест», Персоналии,
Автор| Валерий Иванов
Заголовок| БАЛЕТНЫЙ МАРАФОН В ЧЕСТЬ АЛЛЫ ШЕЛЕСТ
Где опубликовано| © Газета и портал «Музыкальный Клондайк»
Дата публикации| 2019-11-11
Ссылка| https://www.muzklondike.ru/events/baletnii-marafon-v-chesti-alli-shelest
Аннотация| Фестиваль



«Планета Аллы Шелест» - под таким названием в Самарском академическом театре оперы и балета прошел традиционный фестиваль классического балета, посвященный Алле Шелест, имя которой в одном ряду с именами великих балерин ХХ века Марины Семеновой, Галины Улановой, Майи Плисецкой.

Вот какую оценку Аллы Шелест мне довелось услышать в 1994 году из уст Майи Плисецкой, подарившей ей первой только что вышедшую книгу своих мемуаров: «Много раз мне по всему свету задавали один и тот же вопрос: кто из балерин, на мой вкус, на вершине балетного Олимпа. И всю жизнь я называла три имени: Семенова, Уланова, Шелест. Их назову и сегодня. Лучше балерин за свою жизнь увидеть мне не довелось. Многие роли Шелест не могу забыть. Жизель, Эгина, та же Зарема. «Слепая» в постановке Якобсона заставляла меня плакать. А выжать из коллеги слезу ой как трудно. У Шелест был дар необыкновенного перевоплощения. На сцене она была немыслимо красива. Божественно красива. После представления затухала, снимала грим, вставала под душ. И когда проходила через толпу наэлектризованных ею поклонников, запрудивших тесный артистический подъезд, ее не узнавали». О Шелест - актрисе и человеке лучше, пожалуй, и не скажешь.

В год 100-летия со дня рождения замечателього мастера девятнадцатый по счету именной шелестовский фестиваль отметил свой собственный – четвертьвековой юбилей. Местом рождения и постоянной прописки этого фестиваля Самара стала не случайно: с именем Шелест связан значительный этап жизни балетной труппы Куйбышевского-Самарского оперного театра. В 1966 году Шелест поставила на его сцене балет «Дон Кихот», а в 1970 - 1973 годы она являлась главным балетмейстером Куйбышевского театра, осуществив совместно с Рафаилом Вагабовым постановки балетов «Лебединое озеро», «Семь красавиц», «Тщетная предосторожность» и «Жизель». Благодаря Шелест балетная труппа театра пополнилась одарённой молодёжью - выпускниками Ленинградского хореографического училища, которые вскоре заняли вскоре ведущее положение и в течение нескольких десятилетий составляли костяк балетной труппы театра.

Программа нынешнего, юбилейного фестиваля стала своеобразной ретроспективой балетов, в которых Алла Шелест создала галерею незабываемых по танцевальному мастерству и психологической глубине образов своих персонажей.

Фестиваль открылся премьерой «Бахчисарайского фонтана» Бориса Асафьева с хореографией Ростислава Захарова – балета, в котором Шелест была непревзойденной Заремой. Постановку осуществила экс-прима-балерина Мариинского театра Дарья Павленко, дважды принимавшая участие в шелестовском фестивале. Сценография и костюмы по эскизам Валентины Ходасевич к первым постановкам балета 1930-х годов воссозданы санкт-петербуржцами Андреем Войтенко и Татьяной Ногиновой соответственно. Дирижер-постановщик спектакля – художественный руководитель и главный дирижер театра Евгений Хохлов.


«Бахчисарайский фонтан». Нурали – Парвиз Кумайдонов.

В премьерных фестивальных показах «Бахчисарайского фонтана» были заняты два по существу равноценные состава. Партию Марии исполнили Ксения Овчинникова и Марина Накадзима, Заремы - Анастасия Тетченко и Екатерина Панченко, Вацлава – Сергей Гаген и Игорь Кочуров, Гирея – Михаил Зиновьев.

В балете Минкуса «Баядерка» Шелест создала один из своих сценических шедевров - исполненный глубокого драматизма образ Никии. В фестивальном спектакле в этой партии успешно выступила прима-балерина Мариинского театра Оксана Скорик, сумевшая в танце передать трагическую безысходность своей героини. Чутким партнером балерины был премьер Мариинки Евгений Иванченко,


«Жизель». Жизель – Евгения Образцова, Альберт – Руслан Скворцов.

Одной из эмоциональных вершин фестиваля стал балет Адана «Жизель» В нем заглавную партию исполнила прима-балерина Большого театра воспитанница Вагановского училища Евгения Образцова, которой удалось создать исключительный по своей внутренней наполненности образ. В партии Альберта выступил премьер Большого театра Руслан Скворцов, классический танцовщик, обладающий необходимыми для амплуа романтического героя одухотворенностью и виртуозной техникой.


«Лебединое озеро». Зигфрид – Денис Родькин, Одиллия – Ксения Шевцова.

Еще одним полнометражным фестивальным спектаклем стало «Лебединое озеро» в постановке Юрия Бурлаки, воссоздавшего на самарской сцене московский спектакль с хореографией Александра Горского начала XX столетия. Спектакль украсили гости: прима-балерина Московского музыкального театра имени К. Станиславского и Вл. Немировича–Данченко Ксения Шевцова - Одетта-Одиллия, покорившая безупречной техникой, протяженной кантиленой движений и психологической достоверостью исполнения. Роскошным принцем Зигфридом предстал звездный премьер Большого театра Денис Родькин. Артист продемонстрировал весь арсенал своего виртуозного мастерства, приправленного яркой эмоциональностью и исполнительским драйвом. Вариацию принца в па-де-де из третьего акта Родькин исполнил в хореографии Баланчина. Порадовал музыкальный уровень спектакля. Под управлением Евгения Хохлова оркестр звучал по-особому выразительно и эмоционально.

В фестивальных спектаклях с наилучшей стороны проявили себя многие солисты самарской труппы. Можно назвать Михаила Зиновьева - Великого брамина и Ксению Овчинникову – Гамзатти в «Баядерке», ее же – Одетту и Игоря Кочурова - принца Зигфрида в концертном фрагменте из «Лебединого озера», Сергея Гагена и Марину Накадзиму в «Шопениане», Анастасию Тетченко – Мирту в «Жизели», Дмитрия Пономарева – Злого гения в «Лебедином озере», Дмитрия Сагдеева и Диего Эрнесто Кальдерона Армьена в характерных танцах балета. Не подвел и оркестр, когда за пультом был Андрей Данилов.


«Шопениана». Сцена из балета.

В афише фестиваля наряду с репертуарными спектаклями театра были и концертные программы - «Дивертисмент», показанный в один вечер с одноактной «Шопенианой», и масштабный «Шелест-гала», завершивший фестиваль. Основу концертных программ составили номера из балетов, в которых танцевала Алла Шелест. Некоторые из них – «Медный всадник» Глиэра, «Гаянэ» Хачатуряна, «Лауренсия» Крейна и «Пламя Парижа» Асафьева - никогда не шли на самарской сцене. Ряд номеров были представлены в новой хореографической редакции Юрия Бурлаки.

Один из таких номеров - па-де-де из балета «Пламя Парижа», но не то знаменитое, пронизанное революционным пафосом финальное па-де-де главных героев Жанны и Филиппа, а другое – из «вставного» придворного дивертисмента в котором артисты Мирейль де Пуатье и Антуан Мистраль разыгрывают галантную пастораль. Изысканную утонченность пластики этого дуэта в хореографии Василия Вайнонена сумели передать Марина Накадзима и Сергей Гаген.

Запомнился отсутствующий в идущей на сцене самарского театра «Эсмеральде» вставной номер – ставшее знаменитым па-де-де Дианы и Актеона, сочиненное Агриппиной Вагановой на музыку Цезаря Пуни и Риккардо Дриго для осуществленной ею в 1935 году постановки «Эсмеральды» в Ленинградском театре оперы и балета. Дуэт, требующий от артистов недюжинной личностной харизмы, особого апломба и эмоциональной распахнутости, исполнили Ксения Овчинникова и недавно перешедший в самарскую труппу из Красноярского театра Джотаро Каназаси.

Концертные номера показали широту творческого диапазона гостей, принявших участие в фестивале. Оксана Скорик и Евгений Иванченко блеснули в напоенном восточной негой дуэте Зобеиды и Золотого раба из «Шехерезады» Николая Римского-Корсакова, хореография Михаила Фокина, и в исповедальных по глубине чувств фрагментах из балета Арифа Меликова «Легенда о любви», хореография Юрия Григоровича.

Прима-балерина Большого театра Юлия Степанова и Денис Родькин исполнили два разножанровых, разнохарактерных номера: дуэт Леди Макбет и Макбета из балета Кирилла Молчанова «Макбет», хореография Владимира Васильева, и фрагмент из «Кармен-сюиты» Жоржа Бизе - Родиона Щедрина, хореография Альберто Алонсо, продемонстрировав редкостную выразительность и абсолютное владение современной балетной пластикой. Ксения Шевцова и ее партнер по труппе Московского музыкального театра классичный Денис Дмитриев заворожили лирической проникновенностью исполнения па-де де из «Жизели» и одного из лучших дуэтов сочиненного Дмитрием Брянцевым балета «Призрачный бал» на музыку Фредерика Шопена.

Впечатляющий по масштабу и звездный по составу исполнителей фестивальный марафон «Планета Аллы Шелест» стал достойным приношением великой балерине.

Валерий ИВАНОВ

Фото Антона Сенько предоставлены пресс-службой САТОиБ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20643
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Ноя 13, 2019 10:48 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019111304
Тема| Балет, Большой театр Беларуси, Премьера, Персоналии, Ольга Костель
Автор| Виктория ПОПОВА
Заголовок| В Большом театре на премьере балета «Анна Каренина» блудницу «осудили»
Где опубликовано| © "Беларусь Сегодня"
Дата публикации| 2019-11-13
Ссылка| https://www.sb.by/articles/v-bolshom-teatre-na-premere-baleta-anna-karenina-bludnitsu-osudili.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



Сегодня вечером в Большом театре состоялся первый показ – для своих - премьеры балета, которого так долго ждали - «Анна Каренина» в постановке Ольги Костель, белорусского хореографа с немецким образованием.

Выпускница Белорусского хореографического колледжа училась танцу в Дрездене и Берлине. «Каренина» в родных стенах для нее чрезвычайно ответственная и первая работа в «полном метре». Она ставила в Большом одноактный абстрактный балет «Метаморфозы», но чтобы замахнуться на Льва Толстого и пересочинить его в танце под музыку Ильи Чайковского - на это нужна определенная смелость. Вдобавок театр в последнее время пережил несколько важных перестановок - в кресло худрука вернулся великий и прекрасный Валентин Елизарьев. А на прошлой неделе здесь появился и новый директор - Александр Петрович, оба принимали сегодня в расширенном составе коллег новый спектакль Костель. Наверняка Ольга пережила за два часа сценического действия и последующего получасового заседания худсовета немало волнующих минут.

Впрочем, переживать не было оснований. Спектакль получился прекрасным, как добротное кинематографическое полотно с узнаваемым сюжетом и любопытными акцентами. Костель не стала дерзить и переносить Каренину в наше время, эпоха вполне соответствует и Льву Толстому, и Петру Чайковскому, которые, как известно, восхищались друг другом на расстоянии. Все сцены в новом спектакле – словно восставшие буквы бессмертного романа: вот домовитая Долли Облонская (Анна Фокина) в окружении детей и несносного Стивы (Антон Кравченко), а вот наивная Китти Щербакова (Виктория Тренкина) и кружащий вокруг нее, как на коньках, Левин (Константин Героник). Она любит Вронского (Игорь Оношко), а тот заглядывается на замужнюю Каренину (Ирина Еромкина).

Из трех граций любой мужчина выбрал бы Каренину в исполнении Еромкиной: тончайшая, легкая, опытная, с легкой придурью: то как зверь завоет, то как дитя заплачет. Балетным шагом петуха сцену бала разрезает Алексей Каренин (Игорь Артамонов) – он важный и холодный, и объятия его душные. Могла ли бедная женщина не увлечься юным и пылким Вронским, с его эротическим захватом и новыми поддержками? Нет, у Анны не было никаких шансов. И Вронский страстно влюблен в Каренину. Есть байка, что Толстого эта женщина поманила за письменный стол пухлой ручкой, в нашем балете Анна увлекла адъютанта стройной ножкой, на котором впоследствии она будет качать брошенного сына Сережу – тема выбора между сыном и любовником здесь явно рассматривается под увеличительным стеклом. Как и конфликт города и деревни: все зло от мегаполиса, словно бы показывает нам экологически-чистый дуэт Китти и Левина на фоне соломенных снопов, которые, как известно, обожал Лев Николаевич, но это все после антракта…

Если в первом действии много страсти, то во втором - больше собственно танца, чего ждешь от балета в первую очередь. Хореография драматичного дуэта Анны и Вронского, когда она любит, виснет на шее любовника, а он уже тяготится отношениями, сахар превратился в соль, эротические поддержки сменились спортивными, под грузом которых «принц» Игорь Аношко словно бы опрокинутая лошадь Фру-Фру, падает замертво – это душещипательно, у зрительниц в зале текут в этот момент слезы по щекам. Есть очень выразительный жест, Вронский водружает на себя Анну, словно крест, но оценив всю его тяжесть, сбрасывает с себя Ирину Еромкину и чуть ли не петушиным важным шагом Каренина устремляется на бал. Но без Анны – общество мамашу-кукушку жестоко порицает. А куда же деваться бедной влюбленной женщине?

«Под поезд!» - крикните вы, и ошибетесь. Хореограф Ольга Костель решает самую знаменитую сцену нетривиально – в решающую ночь Анну перемелет отнюдь не железнодорожный состав, а... Впрочем, обойдемся без спойлеров.

Зрители увидят премьеру балета «Анна Каренина» в Большом театре 14 и 15 ноября. Ко всем хореографическим достоинствам отметим сценографию Александра Костюченко, ушедшего от нас не так давно. Прощальный «рисунок» мастера отпечатывается прямо на сердце…

«Мне все-все очень понравилось», - говорил после просмотра в гардеробе сыночек своей маме. «А кто больше всех?» - спрашивала у него мама. – «Анна Каренина».

Таковы мужчины!..

Фото: Алексей МАТЮШ
=========================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20643
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Ноя 13, 2019 10:59 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019111305
Тема| Балет, фестиваль музыкальных театров России «Видеть музыку», Саратовский театр оперы и балета, Персоналии,
Автор| Елена ФЕДОРЕНКО
Заголовок| А счастье было невозможно
Где опубликовано| © Газета «Культура»
Дата публикации| 2019-11-13
Ссылка| http://portal-kultura.ru/articles/balet/296782-a-schaste-bylo-nevozmozhno/
Аннотация| Фестиваль, Гастроли

Саратовский театр представил на сцене Большого «Вешние воды» — балет на музыку Владимира Кобекина в хореографии Кирилла Симонова. «Культуре» показалось, что тургеневские герои заслуживали встречи со столицей раньше.



Мировая премьера «Вешних вод» прошла в Саратове в 2018-м и стала главным событием XXXI Собиновского музыкального фестиваля — форума с репутацией первооткрывателя. Уникальность спектакля уже в самом факте его рождения: новые современные балеты — редкость в нашем Отечестве. Тем более с музыкой, написанной по заказу театра. «Вешние воды» появились на сцене в год, когда мир отмечал 200-летие со дня рождения Тургенева. Вот тогда бы, к юбилею писателя, и показать России балет о подлинных чувствах и рефлексиях, возвышающих личность, — в наше время разнузданных нравов это был бы полезный и весьма поучительный урок. Неловкое опоздание исправил Фестиваль музыкальных театров России «Видеть музыку» и пригласил саратовцев в Москву.

Для Владимира Кобекина, гуру оперного жанра, «Вешние воды» — балетный дебют. В попутчики по танцевальным тропам он «пригласил» Тургенева. Выбор закономерен: в своем оперном творчестве композитор предпочитает беседовать с классиками — Шекспиром и Пушкиным, Львом Толстым и Достоевским, Чеховым и Булгаковым. Для него тургеневский сюжет не просто история любви, а долгая дорога героя, альтер эго самого писателя, к прозрению, печальное осознание им собственных ошибок.

ДАЛЕЕ ПОКА ЧИТАЕМ ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20643
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Ноя 14, 2019 10:26 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019111401
Тема| Балет, Международный фестиваль современного танца DanceInversion, Персоналии, Уэйн МакГрегор
Автор| АЛЛА МИХАЛЕВА
Заголовок| АВТОБИОГРАФИЯ ПО-АНГЛИЙСКИ И ИСПАНСКАЯ ГРУСТЬ
Где опубликовано| © «Петербургский театральный журнал»
Дата публикации| 2019-11-11
Ссылка| http://ptj.spb.ru/blog/avtobiografiya-po-anglijski-iispanskaya-grust/
Аннотация| Фестиваль

Завершился Международный фестиваль современного танца DanceInversion, длившийся с сентября по начало ноября и отметивший двухмесячным марафоном свое 20-летие.

Завершился, как и положено по законам танцевального искусства, кодой. Показанные под занавес спектакли «Оскара» неизвестной в России компании «Кукай Танец» из Испании и «Автобиография» лондонской «Студии Уэйна МакГрегора» стали отличной финальной точкой разнообразной программы фестиваля.

Одного из самых знаменитых хореографов современности Уэйна МакГрегора в России знают хорошо. Его спектакли шли на сценах Большого («Chroma») и Мариинского («Инфра») театров, неоднократно приезжали в Россию. О том, что постановщик — художник-интеллектуал и новатор-изыскатель, было известно давно. Увлеченный исследованиями возможностей человеческого тела, он соединяет в своих работах музыку, танец, науку, кино, достижения визуального искусства и новейшие технологии. Год назад в рамках фестиваля Context. Diana Vishneva его труппа представила фрагменты балета «FRA» — аббревиатура названия книги британского ученого Роя Портера «Flesh in the Age of Reason» («Плоть в эпоху разума»), — где сложность художественного языка вполне соответствовала характеру и содержанию произведения, вдохновившего на постановку МакГрегора. Тем не менее, обладая даже самой что ни на есть богатой фантазией, было сложно представить, что хореограф положит в основу спектакля собственный генетический код. И тем не менее, это произошло.


Сцена из спектакля «Автобиография». Фото из архива фестиваля

Если автобиография — это жизнеописание человека, сделанное им самим, то МакГрегор решил рассказать о себе с помощью анализа своих хромосом, вскрывая пласт за пластом информацию о генах своих предков. Во всяком случае, так выглядят его исследовательские намерения в глазах профана в вопросах генетики. Но даже не сверхобразованным зрителем считывается информация о количестве эпизодов спектакля, которых 23 — по количеству пар хромосом. Каждая пронумерованная сцена имеет название, воспринимающееся достаточно загадочно в контексте хореографического действа: например, «4 knowing» («4 знание»), «15 instinct» или «21 remember» («21 помнить, или иметь в виду»). Если в названии последнего эпизода можно усмотреть некое указание, что лишняя хромосома в 21-й паре отвечает за синдром Дауна, то понять, какое отношение все эти заголовки — «мир», «нет 1», «природа» — имеют к происходящему на сцене, достаточно сложно. Так что не стоит задаваться вопросами: почему в номере «4» артисты трепещут и бьются, как раненые птицы, выстреливают ногами, как из пращи? Или отчего 15-й эпизод густо насыщен прыжками, а в центре 17-й композиции «Traces» («Следы») — виртуозный дуэтный танец, исполняющийся под аккомпанемент барочной музыки Арканджело Корелли? Лучше просто взять и погрузиться в завораживающую зашкаливающими темпами атмосферу спектакля, дивясь фантастическому мастерству танцовщиков, нарушающих, кажется, все законы физиологии, выворачивающих под немыслимым углом конечности и прогибающих спину так, как если бы у них не было позвоночника.

С «ломающей» тело хореографией артисты справляются без каких либо видимых затруднений, отдаваясь потоку непрерывного движения, то взрывающегося пульсациями сумасшедших скоростей, то замирающего в тишине пауз. Как и всегда у МакГрегора, здесь все построено на перепаде ритмов, балансе стаккато и легато, где каскад быстрых острых па преобразуется в мягкие и волнообразные движения. Композиционная изощренность и продуманность сочетаются тут с непредсказуемостью и спонтанностью, создавая иллюзию импровизационной легкости. Артисты то погружаются в танец, как в глубокие воды, отчего их пластика обретает текучую плавность, то выстреливают движения на манер автоматной очереди. При адской трудности хореографического текста, заставляющего их тела завязываться узлом, сплетаться в клубки, растягиваться в пространстве, координировать «мягкость рук» с колющими движениями ног, артисты словно «скользят» от сцены к сцене. И это при том, что партитура спектакля вспыхивает вкраплениями акробатики, замысловатыми прыжками и высоченными поддержками, кои с равным успехом выполняют танцовщики обоих полов.

Соло (иногда буквально наступающие одно на другое), дуэты, трио претворяются в многофигурные композиции. Танцовщики сплетаются в единое целое, а потом рассыпаются в разные стороны, создавая впечатление беспорядочного хаоса. Но это броуновское движение — графически лаконично и геометрически точно. Недаром для одной из своих постановок МакГрегор позаимствовал название из математики — «Тетраксис». Потрясающий по своей выразительности свет преобразует фигуры исполнителей, делая их то почти бесплотными, растворяющимися в пространстве, то скульптурно-монументальными. Переменчивость, очевидно, соответствующая характеру поведения хромосом и делению клеток, — концептуальная основа спектакля. Это относится и к саундтреку, созданному композитором-электронщиком Джейлин, бывшей работницей металлургического комбината. В звуковом ряду, помимо самых разных музыкальных тем, прослушиваются скрежет железа, шум дождя, шелест ветвей и какие-то взвизгивания.

Если встреча с британской «Студией Уэйна МакГрегора» была достаточно предсказуемой, то знакомство с компанией «Кукай» таила много неожиданностей. Представление о народной культуре Испании в России преимущественно ограничивается фламенко. И вот теперь открылcя ее совершенно неизвестный пласт — традиционное искусство басков.

Компания «Кукай Танец», родившаяся в 2001 году, обитает в провинции Гипускоа (на территории Страны Басков). Инициатор ее основания — танцовщик и хореограф Джон Майя Сейн — задумал создавать хореографию на основе традиционной баскской культуры и танцев, сопрягая их с другими стилями и художественными направлениями. С 2008 года компания начала приглашать постановщиков из других стран, осваивая новые языки и пространства, начав выступать на стадионах, городских площадях и в музеях…

Московский дебют труппы состоялся на сцене Музтеатра имени К. С. Станиславского и В. И. Немировича-Данченко. «Оскара» — спектакль известного хореографа (родом из Валенсии), лауреата Национальной танцевальной премии Испании, создателя собственной компании «Ла Верональ» Маркоса Морау. Его постановка — красивое и печальное зрелище, берущее начало в культуре басков с ее традиционными мифами, музыкой и песнями.

Начинается все со сцены в прозекторской. На площадке, обрамленной белыми прозрачными полотнищами занавеса, — врач, склонившийся над медицинской каталкой, где лежит обнаженный труп только что скончавшегося человека. Поодаль — немолодой мужчина в странной позе, на четвереньках. Из этой мрачной картины и вырастает дальнейший, не линейный, сюжет, составленный из монтажа бессвязных эпизодов, в ходе коих поднявшийся со смертного одра усопший облачается в модного покроя костюм и совершает обратное путешествие в жизнь или, напротив, проходит испытания, уготованные Чистилищем. Впрочем, в некоторых сценах сам протагонист отсутствует, а действуют в них фантастические существа — необъятные толстяки-пузыри с посохами в руках, не имеющие лиц призраки, лошадки, туловища которых — обшитые тканью ящики-гробики. В спектакле заняты пять танцовщиков (исполняющие «роли» всех этих невообразимых тварей) и один вокалист. Язык танца здесь абсолютно своеобразен и самодостаточен. Ни прибавить, ни убавить. Это — какой-то невероятный микс традиционного танца басков, элементов классического экзерсиса, движений из арсенала contemporary dance, «следов» брейка и еще бог знает чего, преломленного фантазией хореографа и исполнителей. Здесь много высоких прыжков (как-то по-особому воздушных) и совершенно неожиданных движений, таких как забрасывание ног на плечи партнеров. И все это — с невероятной легкостью, ощущение коей усиливают колебания прозрачного занавеса, иногда взмывающего за спинами артистов, как крылья. А хороводные кружения с запрокинутыми назад головами и воздетыми вверх руками создают впечатление «вертикального» общения героев с некими высшими силами.


Сцена из спектакля «Оскара». Фото из архива фестиваля

Завершается спектакль разоблачением персонажа, одетого в многослойно-живописный, возможно, древнеэтнический костюм, под ритуальный вокал (за него отвечает стоявший в начале на четвереньках мужчина). И… умерший возвращается к месту своего упокоения. Как ни странно, спектакль не оставляет тягостного послевкусия. Восхищение танцем заслоняет все прочие эмоции.

========================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20643
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Ноя 14, 2019 11:08 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019111402
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Денис Родькин
Автор| Программу ведут Алла Волохина и Вячеслав Коновалов
Заголовок| Гость – премьер Большого театра Денис Родькин
Где опубликовано| © Радио России
Дата публикации| 2019-11-01
Ссылка| https://www.radiorus.ru/brand/63802/episode/2216415
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Полностью беседу с гостем эфира слушайте в аудиозаписи программы.



Денис Родькин – настоящий принц из балета Большого театра "Щелкунчик", артист, которого после школы народного танца в театре "Гжель", где он учился балету, приняли в Большой театр, чтобы стоять на заднем плане и держать пики, но он сумел добиться признания своего таланта и стал премьером в главном театре страны.

Денис Родькин: В балетной иерархии ничего выше премьера, конечно, уже нет. Он может сказать, что он хочет что-то сыграть, но всё зависит от руководителей, как они на это посмотрят. Иногда прислушиваются, а иногда говорят, что нет.

Нет, наверное, той вещи, которую бы вы не исполняли?

Денис Родькин:
На самом деле есть роли в классических спектаклях, которые я не танцевал. Это партия Ромео в балете "Ромео и Джульетта", партия Джеймса в балете "Сильфида" и что-то ещё, вылетают у меня иногда какие-то партии.

Оперные певцы часто ездят выступать за границу как приглашённые артисты, а как с балетными?

Денис Родькин:
На самом деле у нас тоже очень много приглашений. Мы можем танцевать как в городах России, так и за рубежом. Я накануне был в городе Самаре, где станцевал "Лебединое озеро" и гала-концерт на фестивале имени Аллы Шелест.

Много приглашают танцевать по городам Италии, Франции и Испании. Не могу сказать, что наша профессия менее востребована, чем оперная. Она даже в чём-то и больше востребована.

Наверное, славится именно классический русский балет за границей?

Денис Родькин:
Когда мы приезжаем на гастроли в Лондон, то всегда успех, не то, что гарантированный, но очень предсказуемый, потому что поклонников русского балета в Великобритании очень много. И не только там, но и во Франции. Везде ждут русский балет, потому что русскому балету присуща своя энергетика. Конечно, очень приятно, когда тебя ждут в мире. Ты понимаешь, что за твоими плечами такая история классического русского балета, что ощущается ответственность и волнение. Но важно себя настроить правильно., чтобы с каждым спектаклем всё шло по нарастающей. Когда с артистом балета что-то не то, он перестаёт танцевать классику и переходит на вещи вроде модерна, которые менее понятны зрителю.

У мужчин – балетных танцовщиков меньше ограничений в еде?

Денис Родькин:
Всё зависит от человека. У всех индивидуальное строение тела. Лично я могу есть, сколько хочу, пока не поправляюсь. Когда много работы, можно на ночь съесть и кусок мяса, и пирожное, все равно ты пойдёшь на урок классического танца с утра, и с тебя всё это выйдет в течение получаса.

А есть у мужчин-танцовщиков физические тренировки с утяжелениями?

Денис Родькин:
Есть такие танцовщики, которым необходимо набрать физическую форму именно в плечевом поясе. И они занимаются этим отдельно для того, чтобы набрать чуть-чуть мышечной массы, потому что им иногда тяжело бывает сначала самому попрыгать, а потом носить девочку. Есть такие танцовщики, которым это дано от природы. Он с виду может быть и не очень Арнольд Шварценеггер, но при этом он может поднимать всех балерин, которые вообще есть в мировом балете. Это такой партнёрский природный дар, который дан не каждому. У меня, например, этот дар есть. Бог также подарил мне хороший прыжок. При моем росте 186 см такое достаточно редко встречается.

За то время, что вы служите в театре, как-то меняется у вас отношение к профессии?

Денис Родькин:
Бывает, что нагрузка достигает такого предела, что ты понимаешь, что если завтра не закончить и не начать отдыхать, то просто можно психологически и физически сломаться. Лично у меня это ощущается чаще всего в конце сезона.

Есть ли конкуренция в театре среди артистов, как это показывается в кино?

Денис Родькин:
То, что снято и показано в кино, на мой взгляд, абсолютно никак не похоже на жизнь в театре. По крайней мере, во всех тех фильмах, которые я видел последними. Безусловно, есть момент конкуренции, но он не такой острый, как это преподносят в фильмах. Я бы сказал, что сейчас в Большом театре достаточно здоровая конкуренция. Момент конкуренции всегда должен быть для того, чтобы театр не стоял на месте и артист тоже не стоял на месте, а постоянно развивался. А что может его подхлестнуть, как не конкуренция.

Бывает, что вам предлагают какую-то партию, а вы не хотите её исполнять? Вы можете отказаться?

Денис Родькин:
У меня было такое недавно. В балете "Нуреев" мне предлагали партию Эрика Бруна. Ну, не нравится она мне. И ничего другого я не выбрал. Если танцевать по моему амплуа, то только именно эту партию. Но я как-то понимал, что она не ложится на меня, что я себя в ней некомфортно чувствую, у меня не получаются те движения, которые там поставлены.

Если объяснить руководству всё так, как я сейчас объяснил, а оно же не хочет, чтобы театру было плохо, когда артист не чувствует, это будет видно и зрителю, оно меня в данной ситуации восприняло очень правильно.

От какой партии на сцене вы получаете наибольшее удовольствие?

Денис Родькин:
Могу выделить три балета. Это Базиль в балете "Дон-Кихот", партия князя Курбского в балете "Иван Грозного" и Хозе в балете "Кармен".

Во сколько наступает балетная пенсия?

Денис Родькин:
У всех она наступает по-разному. Всё зависит от данных человека. Я не углублялся в этот вопрос, но, кажется, нужно протанцевать в театре 20 лет. Вообще у меня есть второе высшее образование, я закончил МГУ имени Ломоносова, факультет "Культурной политики и управления в гуманитарной сфере". Также у меня есть педагогическое образование.


Элеонора Севенард, Денис Родькин, Алла Волохина, Вячеслав Коновалов


Полностью беседу с гостем эфира слушайте в аудиозаписи программы.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20643
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Ноя 14, 2019 12:00 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019111403
Тема| Балет, МТ, Премьера, Персоналии, Владимир Варнава
Автор| Алена Бобрович
Заголовок| Артистов Мариинки научили летать
В Петербурге состоится премьера балета "Дафнис и Хлоя"

Где опубликовано| © "Metro"
Дата публикации| 2019-11-14
Ссылка| https://www.metronews.ru/novosti/peterbourg/reviews/artistov-mariinki-nauchili-letat-1610362/
Аннотация| Премьера



16 ноября в Петербурге состоится премьера балета "Дафнис и Хлоя". Хореограф Владимир Варнава рассказал Metro, почему он отказался от сольных партий для артистов и кто вдохновил его на эту постановку

"Дафнис и Хлоя" – это один из пяти канонических греческих романов, написанных во II веке. Главные герои познакомились в детстве, затем судьба развела их, но, несмотря на все трудности, они воссоединились и полюбили друг друга. В начале XX века эта история вдохновила композитора Мориса Равеля, позже к "Дафнису и Хлое" обратились многие хореографы. Владимир Варнава поставил в Концертном зале Мариинского театра современный балет.

Иллюстрации Шагала

В спектакле Варнавы не будет главных героев и сюжетной линии как таковой.
– Мне надоело обслуживать литературный сюжет в танце, я от этого устал, – говорит хореограф. – Беру произведение, читаю, нахожу в нём, на мой взгляд, главное.

И дальше эти акценты начинаю превращать в танец. Меня потряс подход одного знакомого режиссёра. Его спектакль "Ромео и Джульетта" состоял из сцен, которые остались за кадром у Шекспира. В произведении есть сцена на балу и сцена у балкона. Постановщик же рассказал о том, что происходило между балом и балконом. Мне эта концепция очень понравилась. Когда готовился к этому спектаклю, две недели под музыку Равеля рассматривал иллюстрации Шагала к произведению "Дафнис и Хлоя". Это что-то невероятное! У него есть классная штука, которую я позаимствовал: в любом сюжете, что бы ни происходило, появляются маленькие Дафнис и Хлоя, они обязательно откуда-нибудь выглядывают. Тем самым художник создал лейтмотив, который я считал: Дафнис и Хлоя присутствуют в любом сюжете, в любой истории, Дафнис и Хлоя – это мы с вами в возрасте 13–15 лет.

Как растёт позвоночник

В балете заняты артисты Мариинского театра. В постановке нет сольных партий, на сцене все равны.
– В кастинге участвовали 25 человек, из них я отобрал десять, – продолжает Владимир. – Мы не просто репетируем, мы учимся работать. Артисты, занятые в спектакле, в основном танцуют классику. Репетицию начинаем с того, что я даю мастер-класс, на котором мы изучаем, где у нас какие кости, рёбра, как растёт позвоночник, как толкать пол ногами. Раньше мои артисты этого не знали, потому что классический балет, конечно, связан с анатомией, но в целом работает с эстетикой. Главная задача классического балета – сохранение академической школы, традиций. И за это ему большая благодарность. Но у нас в основном готовят балетных атлетов с красивыми телами, которые умеют высоко прыгать. А вот думать телом нас не учат. И мы занимаемся этим во время репетиций. Артисты познают себя, каждый день открывают что-то новое, начинают говорить на языке современного танца. Мы работаем в соавторстве. Для хореографа это счастье!

"Этот спектакль – о первом любовном переживании. Дафнис и Хлоя – это мы все в возрасте 13–15 лет".
Владимир Варнава, хореограф


=====================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20643
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Ноя 14, 2019 3:33 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019111404
Тема| Балет, Государственный академический театр оперы и балета им. Э. Сапаева, Персоналии, КСЕНИЯ ЦАРЕГОРОДЦЕВА
Автор| Марина Оленева
Заголовок| Заслуженная испанка /
ЗАСЛУЖЕННАЯ АРТИСТКА МАРИЙ ЭЛ КСЕНИЯ ЦАРЕГОРОДЦЕВА: "БАЛЕРИНА - ЭТО ОСОБЫЙ СТАТУС..."

Где опубликовано| © Марийская правда
Дата публикации| 2019-11-14
Ссылка| https://www.marpravda.ru/news/religiya/zasluzhennaya-artistka-rme-kseniya-tsaregorodtseva-balerina-eto-osobyy-status-/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Foto-Evgeniya-Nikiforova

«Одной техникой мир не покорить. И сегодня, и лет через сто танцем надо будет, в первую очередь, растрогать душу, заставить сопереживать...», - говорила Майя Плисецкая. Эти слова в полной мере относятся к моей сегодняшней героине, ведущей солистке балета Государственного академического театра оперы и балета им. Э. Сапаева Ксении Царегородцевой.

Она встретила меня с лучезарной улыбкой и… на костылях! Увидев хрупкую, симпатичную девушку в таком положении, я еще раз убедилась в том, что какая все-таки тяжелая и травмоопасная профессия у балерины. Пока мы поднимались в гримерку (на лифте), Ксения мне рассказала, как и где получила это очень серьезное повреждение ноги. Но об этом чуть позже. Сначала о детстве, самодисциплине, любимой профессии, тяге ко всему новому, педагогике и о сумасшедшей энергетике этой молодой, но очень сильной женщины.

ОДНОГО ЖЕЛАНИЯ МАЛО

Ксения родилась в Йошкар-Оле. Девочка с детства была очень подвижным, активным, любознательным ребенком. Но особой страстью с раннего возраста стали танцы: как только включалась в квартире музыка, так сразу маленькая Ксюша пускалась в пляс.

Такие семейные концерты случались часто, но в тот момент никто из близких да и сама юная танцовщица, не думали, что это увлечение может стать делом жизни, хотя девочка и занималась в хореографической студии при театре оперы и балета им. Э. Сапаева. В возрасте 9-10 лет мы редко думаем о будущем, мы мечтаем и видим себя один день – врачом, другой - продавцом мороженного, третий - учителем. Только наши родители в этот период способны рассмотреть, оценить наши способности и склонности. Так случилось и с маленькой Ксюшей.

Ее мама Людмила Алексеевна, увидев выступление дочери на выпускном после окончания третьего класса, вдруг поняла, что ее девочка очень артистична, музыкальна и комфортно себя чувствует на сцене! К тому же тогда в Йошкар-Оле открывалось отделение хореографического искусства при школе № 18, куда и поступила 10-летняя Ксения. Поступить - поступила, но даже и не предполагала, с какими трудностями ей придется столкнуться и как на их преодоление повлияет характер юной балерины.

- Учеба давалась мне нелегко, - вспоминает Ксения. – Как оказалось, одного желания стать балериной, недостаточно. Необходимо еще иметь определенные данные. Гибкость, вывортность, шаг, артистизм, чувство ритма, музыкальность и прыжок – вот на это педагоги очень пристальное внимание обращают, когда отбирают учеников. С артистизмом, музыкальностью, ритмом и прыжком у меня проблем не было, а вот над гибкостью, вывортностью и шагом я тружусь всю жизнь. Артист балета сам отвечает за свое тело, поэтому ежедневная работа над собой – это залог будущего и настоящего успеха. В начале учебы я плакала, было больно, но постепенно к боли привыкаешь, особенно если есть мечта стать хорошей балериной. Конечно, такие фанатки балета, как я, дополнительно занимались с преподавателем по гимнастике, которая нас растягивала, помогала нам слушать свое тело, учила настраивать этот «инструмент». Но я глубоко убеждена в том, что у человека, выбравшего непростой путь артиста балета, должна быть строжайшая самодисциплина. Без этого качества остаться в нашей профессии невозможно.

ТЕМПЕРАМЕНТ И СТРАСТЬ

Сказать, что Ксения Царегородцева работала над собой, как «универсальный солдат», нельзя. Были моменты, когда ей хотелось все бросить, уйти, забыть… Но предать мечту стать балериной девочка не могла. К тому же сильный характер не давал сойти с выбранного пути. Главный педагог и основатель профессиональной балетной школы в республике, нынешний министр культуры, печати и по делам национальностей Марий Эл, а тогда – известный артист балета Константин Иванов морально очень поддерживал юную танцовщицу, потому что видел в ней большой потенциал, а совсем не потому, что она его младшая двоюродная сестра.

- Быть родственницей такого известного человека – это большая ответственность, - говорит Ксения. Я не имею права его подводить, потому что все знают кто ты, откуда ты и смотрят на тебя через лупу. Поэтому приходится работать вдвойне. Ведь что могут простить одному, не прощают другому. Надо всегда помнить об этом.

Курс, на котором училась девушка, был не только первым в республике, но и экспериментальным. Уже с 14 лет будущие артисты были задействованы почти во всех репертуарных спектаклях театра. Это очень помогало им в освоении профессией. Теория и практика шли постоянно рядом, у каждого был шанс обратить на себя внимание, боязнь сцены быстро исчезала. Ученики постепенно привыкали к своей будущей жизни.

Ксения первый раз вышла на сцену, когда ей было всего 8 лет. Балет «Дон Кихот» стал для нее дебютным. Да и сейчас один из ее самых ярких образов, воплощенных на сцене, – это Цыганка в том же «Дон Кихоте». Темперамент, буйство эмоций, страсть – все это Царегородцева с легкостью транслирует в зал.

Она обладает еще и талантом характерной драматической актрисы. Романтическая героиня, девушка воздушная, но без внутреннего стержня – это не амплуа Ксении. Все ее персонажи, пусть и не главные, девушки яркие, со своей историей, притягательные и совсем неоднозначные. Балерина всегда очень ответственно подходит к работе над ролью. Пересматривает много видеоматериалов, перечитывает литературу, старается придать будущему образу максимальную достоверность и узнаваемость. Колоссальная энергия актрисы, ее природный темперамент не могли остаться незамеченными: она станцевала почти все возможные партии цыганок, испанок, других «горячих» девушек. За это друзья стали называть Ксению Царегородцеву «заслуженной испанкой Республики Марий Эл».

СТИМУЛ ДЛЯ ТВОРЧЕСТВА

- «Нежная» классика – это, безусловно, хорошо и красиво, - продолжает балерина. – Но мне ближе характерные героини, у которых эмоции бьют через край. Я обожаю танцевать такие партии, обожаю заряжать зал своей энергией и, когда вижу отдачу от зрителей, получаю огромное удовольствие. Мы ведь выходим на сцену именно для того, чтобы услышать в конце спектакля гром аплодисментов, увидеть восторженные глаза поклонников. Такой энергетический обмен – главный стимул для творчества.

Лиза в «Тщетной предосторожности», Кривляка в «Золушке», Цыганка в «Дон Кихоте», Мирта в «Жизели». Каждая партия детально продумана. Создан единый, объемный образ, и не просто схематически, а виртуозно исполненный. В итоге - яркая роль! Видно, что на сцене живет персонаж. Именно живет, а не технически грамотно двигается.

На этом Ксения могла бы остановиться, совершенно достойно прожить короткий балетный век. Но останавливаться на достигнутом – это не про нее. Желание постоянно идти вперед, жажда новых знаний и любознательность привели балерину за студенческие парты. Причем за две одновременно: она умудрилась параллельно учиться в местном университете на социального педагога и в Московской академии хореографии на педагога-хореографа. Как девушке удавалось совмещать работу в театре, учебу в двух вузах и преподавание в школе, я могу себе только теоретически представить. А она, вспоминая те годы, лишь улыбается и сетует, что в сутках только 24 часа.

- Я никогда не забуду, как сдавала выпускные экзамены, - вспоминает Ксения. – 18 января в Москве был госэкзамен по классическому танцу, в этот же день я поехала в Йошкар-Олу, 19 января утром здесь защитила диплом, вечером поехала обратно в Москву, потому что нужно было сдавать экзамен по народному танцу. Как мне все это удавалось, я не знаю. Наверное, благодаря характеру.

ОСОБЫЙ СТАТУС

Но и на этом балерина не остановилась. В 2019 году она защитила диссертацию и получила степень кандидата педагогических наук! Больше чем уверена – это не последнее научное достижение Ксении Царегородцевой. Она уже 12 лет учит будущих артистов балета в лицее «Бауманский», а с сентября начнет преподавать в МарГУ. Помимо насыщенной профессиональной деятельности, у нее есть еще одна очень важная миссия – она любящая жена и мама очаровательной двухлетней дочки, которая называет себя только Анастасией Михайловной. Девочка прекрасно знает, кем работает ее мама, с удовольствием ходит в театр и хочет тоже стать балериной. Ксения пока не очень серьезно относится к заявлению дочери, но говорит, что если у нее будут определенные данные, то она не станет ее отговаривать встать на пуанты.

- Балерина – это особый статус, - говорит Царегородцева. - Мне кажется, что лучше профессии для девушки не найти. И даже большие физические нагрузки, травмы, боль не могут меня заставить думать по-другому.

Кстати, про травмы. Чуть больше месяца назад на спектакле «Жизель», в котором Ксения танцует свою самую любимую партию Мирты, повелительницы вилисс, она порвала Ахиллово сухожилие. Травма очень серьезная, а для балетных - просто опасная. После операции девушка в гипсе, но очень надеется, что уже в декабре сможет выйти на сцену! Чтобы не потерять форму из-за ограниченности движения, она каждый день разрабатывает здоровую ногу и другие мышцы. А гантели взяла в руки уже на следующий день после операции! Еще один штрих к ее характеру.

Очаровательная, хрупкая, всегда улыбающаяся, но со стальной волей и твердым характером молодая женщина, желающая, по возможности, объять необъятное, не привыкшая останавливаться на достигнутом, талантливая, яркая, харизматичная актриса, мама, жена, дочь, педагог - все это про нее одну, «заслуженную испанку Республики Марий Эл» Ксению Царегородцеву.


PS

Пока материал готовился к публикации, балерину ждало очередное признание творческих заслуг - Глава Марий Эл Александр Евстифеев подписал указ о присвоении Ксении Александровне почетного звания «Заслуженный артист Республики Марий Эл».

====================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20643
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Ноя 14, 2019 3:47 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019111405
Тема| Балет, Премьера, Персоналии, Кирилл Радев, Андрей Остапенко
Автор| Валерий Модестов
Заголовок| Портрет «мятущейся души»: молодой хореограф представил современный балет
Где опубликовано| © Вечерняя Москва
Дата публикации| 2019-11-14
Ссылка| https://vm.ru/culture/762756-portret-metushejsya-dushi-molodoj-horeograf-predstavil-sovremennyj-balet
Аннотация| Премьера


В «Балладе для безумца» молодой хореограф Кирилл Радев представил свое видение драмы «мятущейся души»
Скриншот С Видео На Youtube Канала «Кирилл Радев»


В Культурном центре ЗИЛ состоялся показ по-настоящему современного балета — чувственного по содержанию, эмоционального по накалу страстей, образного по пластике, интересного по сценографии. В «Балладе для безумца» молодой хореограф Кирилл Радев представил свое видение драмы «мятущейся души», взяв за основу трагическую судьбу «гения танца» Вацлава Нижинского.

Действие балета, поставленного на специально написанную для спектакля музыку (ансамбль Tango en Vivo), развивается в стенах клиники для душевнобольных, где великий танцовщик провел все последние годы. А ведь мог танцевать, рисовать, играть на рояле, писать стихи… «Я хочу всех любить — вот цель моей жизни», — говорил о себе Нижинский.

Хореограф нашел точные выразительные средства, чтобы через призму искаженного сознания героя рассказать о судьбе человека, которого при жизни называли богом танца. На пустой сцене в пространстве, ограниченном стеной переливающихся, словно струи дождя, нитей, Радев представил пластический портрет «мятущейся души» великого танцовщика в исполнении солиста театра «Балет Москва» Андрея Остапенко.

Но вот в затуманенном сознании Вацлава возникает образ Дягилева, а с ним оживают и смешиваются обрывки воспоминаний: их непростые отношения… позы-символы из балетов дягилевской антрепризы (Арлекин, Призрак Розы, Раб, Фавн), в которых он еще недавно блистал… и, конечно, Петрушки, из образа которого он так и не смог выйти. Радев представил их не в виде цитат, что напоминало бы балетный дивертисмент, а изящно вплел в канву собственной хореографии, рисующей портрет души великого артиста — возвышенной, открытой добру и легкоранимой.

Жена Нижинского Ромола (Мария Заплечная), которая всегда рядом, пытается отвлечь мужа от этих путаных воспоминаний, но безуспешно: уйдя в мир грез и призрачных фантазий, он продолжает жить танцем и в танце.

Радеву удалось пластически передать мельчайшие нюансы видения темы зарождения, расцвета, борьбы и гибели таланта. Он превратил музыку в зримые поэтические и демонические образы, в торжество Любви и Добра. В его хореографии есть и смысл, и чувства, и стихия, и стиль.

Час с лишним зал, затаив дыхание, наблюдал это чудо. Импровизируя на образную музыку Tango en Vivo, Радев наполнил каждый ее звук энергетикой собственной души, образной пластикой, используя как своеобразный оммаж характерные движения из «Фавна», «Весны священной» и «Петрушки» — знаковых спектаклей в судьбе Вацлава Нижинского, в истории русского и мирового балета.

Отлично срежиссирована финальная сцена спектакля. Герой выползает из толпы окружающих его персонажей — живых и воображаемых — к свету, отчего одиночество измученной души не перестает быть невыносимым.

Особо следует сказать о талантливой работе сценографа (Луис Пердигеро), которому удалось объединить предельно простое, но очень функциональное оформление сцены, образные костюмы, свет и видеоарт в единый зрительный образ, с первой минуты захватывающий зал.


Радеву удалось пластически передать мельчайшие нюансы видения темы зарождения, расцвета, борьбы и гибели таланта
ФОТО: Скриншот с видео на youtube канала "Кирилл Радев"
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20643
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Ноя 14, 2019 3:59 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019111406
Тема| Балет, Театр балета имени Леонида Якобсона, Премьера, Персоналии, Иньяки Урлезага (Аргентина)
Автор| Ася Вилова
Заголовок| Театр балета имени Леонида Якобсона представит в Петербурге новую «Пиковую даму»
Где опубликовано| © газета «Санкт-Петербургские ведомости» № 214 (6567)
Дата публикации| 2019-11-14
Ссылка| https://spbvedomosti.ru/news/culture/teatra-baleta-imeni-leonida-yakobsona-predstavit-v-peterburge-novuyu-pikovuyu-damu/
Аннотация| Премьера

Для завершения работы над новой постановкой Театра балета имени Леонида Якобсона «Пиковая дама» в Петербург в очередной раз прибыл известный танцовщик, экс-премьер Лондонского Королевского балета и хореограф Иньяки Урлезага (Аргентина). Премьера состоится 5 декабря на сцене БДТ и станет посвящением Пушкину, 220-летие со дня рождения которого отмечают в этом году.


В сцене бала-маскарада участвует вся труппа Театра балета им. Якобсона. ФОТО Игоря ЛЮБИМОВА

До начала пресс-показа еще есть время, и журналистов просят подождать в буфете. Здесь подкрепляются балетные артисты, которые кажутся бесплотными. Но это не так. Кто-то из них не отказывает себе в пирожных. Правда, пирожные в этом буфете совсем крошечные.

Наконец, приглашают в Ротонду - репетиционный зал. Скользим по натертому до блеска полу к своим креслам. Иньяки Урлезага коротко рассказывает о сценах, которые нам предстояло увидеть:

- Сначала - первое появление Германна на сцене. Дальше последует дуэт Елецкого и Лизы, а потом небольшой номер кордебалета - сцена бала из второго акта. Напоследок покажем вам сцену смерти Графини. В ней участвуют Германн и Лиза, которая чувствует себя виноватой в случившемся...

Особенно эффектной мне показалась сцена бала, в которой участвовала вся труппа Театра им. Якобсона. Девушки в облегающем трико и юбках-«шопенках» нежнейших цветов танцевали мазурку со своими партнерами, одетыми кто во что горазд - тренировочные брюки, футболки. Можно представить себе, как красиво будет смотреться бал-маскарад, когда танцовщики выйдут в костюмах. Ведь художник по костюмам - обладательница премии «Оскар» итальянка Франка Скуарчапино. Она сотрудничала с Джорджо Стрелером, Рудольфом Нуреевым, Кеннетом Макмилланом, Роланом Пети. Сценографию к спектаклю создает ее творческий партнер и муж Эцио Фриджерио.

- Надо же, - с некоторым сожалением промолвил Иньяки, - когда сцена блестящего бала отшумела. - Мы потратили несколько недель, чтобы отрепетировать ее, а пролетает она мгновенно!

Да, всем известно, какой ценой дается балетная легкость.

Хореограф просил журналистов обратить внимание на драматическую составляющую спектакля:

- Мы много работаем с артистами не только собственно над хореографией, отточенностью и блестящим исполнением всех движений, но и над проникновением в образ героев, драматической игрой.

Сцена, в которой Графиня, напуганная Германном, умирает, а Лиза, стоя на коленях перед кушеткой-«рекамье», плачет и целует ее руки, действительно продемонстрировала способности балетных артистов к драматической игре.

По фрагментам, конечно, сложно судить о спектакле в целом. Но кажется, что аргентинский хореограф почувствовал и сумел передать и петербургскую мистику «Пиковой дамы», и мятущуюся душу Германна, «глядящего в Наполеоны», обуреваемого темными страстями, и трогательную чистоту и нежность влюбленной в него Лизы.

А мрачный ноябрьский день, который маячил за полукруглыми окнами репетиционного зала, еще добавил драматизма пушкинской истории, рассказанной языком движений.


Материал опубликован в газете «Санкт-Петербургские ведомости» № 214 (6567) от 14.11.2019 под заголовком ««Дама ваша убита!»».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20643
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Ноя 14, 2019 6:05 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019111407
Тема| Балет, фестиваль «Воронежские звезды мирового балета», Персоналии, Андрей Меркурьев (БТ)
Автор| Светлана Вязникова
Заголовок| Андрей Меркурьев: «Классика останется классикой»
Где опубликовано| © журнал «Живой ZVOOK» № 24, стр. 40-41
Дата публикации| 2019 ноябрь
Ссылка| https://vk.com/doc-88204701_522169274?dl=d96db8994433f51a1d#page=40
или https://view.joomag.com/zvook-online-24-november-2019/0852468001571516080?short/40
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Солист Большого театра рассказал о настоящем и будущем балета 20 октября в рамках фестиваля «Воронежские звезды мирового балета» состоялся гала-концерт, на котором Андрей Меркурьев представил свою авторскую миниатюру «Утрата». Журналист ZO поговорил с Андреем Меркурьевым о его постановках для воронежского театра оперы и балета, работе хореографа и об отношении к современной хореографии.

ZO: Андрей, как родилась идея спектакля «И ангелы плачут», который был поставлен вами на фестивале «RE: форма танца» в этом году?

А.М.:
Когда пригласили работать хореографом на фестивале, у меня уже было представление о возможностях артистов: был с ними знаком по работе над спектаклем «Просветленная ночь». Я видел, какая хореография подойдет танцовщикам воронежского театра оперы и балета. Позже нашел музыку итальянского композитора Эцио Боссо, определил, кто будет участвовать в постановке, их роли. Само название «И ангелы плачут» родилось в процессе работы над спектаклем. Балет рассказывает историю ангела, который попадает на землю, видит много несправедливости, боли, которую переживают люди, но не может ничего с этим сделать. Главная идея в том, что люди перестали верить во что-то светлое, прекрасное, утратили надежду, а всего лишь нужно остановиться и открыть свои глаза. Ангел передает свое послание людям и уходит на небеса.

ZO: В постановке был гармоничный синтез разных форм: не только пластической, но и драматической. Как вы относитесь к таким экспериментам?

А.М.:
На самом деле такие эксперименты часто проводятся, но балет сложно принимает новое. Я, как хореограф, стараюсь использовать как можно больше разных форм выражения. Например, в спектакле «И ангелы плачут» героиня в алом платье, олицетворяющая любовь и нежность, танцевала под запись стихотворения. Я решил использовать поэтическую часть, потому что слушая музыкальный фрагмент, понял, что чего-то в нем не хватает. Тогда написал стихотворение – это был мой крик души. Этот фрагмент гармонично вписался в спектакль.

ZO: Как вы относитесь к тому, что классические сюжеты сегодня осовременивают? Например, как это сделал Акрам Хан с «Жизелью».

А.М.:
Если брать Акрам Хана, мне кажется, он пошел правильным путем: взял историю, но прочитал ее по-своему, переработав музыку в первую очередь. Он оставил тот же рисунок спектакля, но все-таки показал по-своему, причем больше ушел в сценографию, режиссуру. Мне лично немного не хватило хореографии, потому что я люблю, когда она насыщенная. Многие балетные артисты ревностно относятся к смешению классической музыки из балетов «Щелкунчик», «Спящая красавица» с современной хореографией. Я же думаю, что большое значение имеет, как это делается: если со вкусом и вкладывая смысл, а не ради провокации, то почему бы и нет. Времена меняются, кто-то из современных юношей и девушек уже не понимает классические постановки. У каждого будет свой зритель.

ZO: Вы долгое время были артистом балета, а потом стали хореографом. Тяжело ли было поменять роль?

А.М.:
Абсолютно несложно. Самое непростое для меня, если честно, смириться с мыслью, что я ухожу со сцены и уже гораздо реже танцую. На фестивале « Воронежские звезды мирового балета» мне предложили самому поставить номер и станцевать в нем. Это было непросто, поскольку на мне была тройная нагрузка: перед началом гала-концерта нужно было успеть поставить хоть какой-то свет, продумать костюмы, сам танец. Ты танцуешь и у тебя как будто 3D в голове, пытаешься увидеть себя глазами хореографа, педагога, зрителя и еще артиста.

ZO: Расскажите о постановке «Утрата», как она появилась?

А.М.:
Получил приглашение от моего уже очень хорошего друга, главного балетмейстера театра оперы и балета Александра Литягина. Он предложил поставить танец на музыку Чайковского и сказал, что очень хочет увидеть наш дуэт с Анастасией Першенковой, солисткой Музыкального театра им. Станиславского и Немировича-Данченко. Я долго искал музыку и остановился на струнном фрагменте из балета «Спящая красавица». Хотел с этой музыкой поработать, когда еще танцевал в Мариинском театре лет пятнадцать назад. Сложности были с придумыванием названия. Утрата – это ведь своего рода травма. Когда люди кого-то теряют, некоторые сходят с ума. Это сильные эмоции, ты на грани и не знаешь, как дальше жить, но жизнь продолжается, и можно справиться даже с такими переживаниями.

ZO: В воронежский Камерный театр несколько лет назад пригласили танцовщиков для пластических спектаклей. Как вы относитесь к тому, что в состав труппы драматических театров вводят артистов балета?

А.М.:
Это очень хорошая возможность развития театра. Все меняется, двигается вперед. Я слышал о танцевальной труппе Камерного. Если поступит предложение о сотрудничестве, и мы совпадем по времени, идеям и стилю, я не против совместной работы.

ZO: Каким вы видите будущее балета? Не исчезнет ли классический балет, скажем, через 100 лет?

А.М.:
Сложный вопрос, но мы об этом задумываемся. Посмотрите, какая пропаганда сейчас идет современного балета. Я думаю, что классика всегда останется классикой. Да, она будет претерпевать какие-то перемены, но рано или поздно мы всегда возвращаемся к ней. Даже если взять моду или архитектуру: изящество и красота возвращаются.

Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20643
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Ноя 14, 2019 8:25 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019111408
Тема| Балет, ГАТОБ имени Абая, Персоналии, Рахим Даиров
Автор| Аида Жунусова
Заголовок| ОТКРОВЕНИЯ ТАНЦОВЩИКА БАЛЕТА: «НАС БИЛИ, НО ТОЛЬКО ПО ДЕЛУ»
Где опубликовано| © Vox Populi (Казахстан)
Дата публикации| 2019-11-15
Ссылка| https://www.voxpopuli.kz/preview_advert/preview-advert-14281.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Фото: Ринна Ли

В 2001 году педагог по танцам обратила внимание на талант четвероклассника Рахима Даирова. Мальчика поставили перед серьезным выбором: заниматься искусством профессионально или остаться в кружке. Юный танцор не ожидал, что впереди его ждут многочасовые занятия хореографией, порой с жестокими методами, травма спины, несмотря на которую он будет радовать зрителя на сцене, и поездка в Лондонский колизеум с главной ролью в спектакле. Сейчас ведущему солисту балета 29 лет, и он ни капли не жалеет о своем выборе.

Мы побывали в гримерке у Рахима Даирова, посмотрели его репетицию и насладились выступлением труппы на сцене ГАТОБ со спектаклем «Шопениана». График у ведущего солиста плотный, в перерывах нам удалось поговорить с Рахимом о балетной образовательной системе, жизни театра, сложностях профессии и о нем самом.

Рахим с детства любил разные стили танцев — народные и спортивные, вальс и ча-ча-ча, — поэтому с нетерпением бежал в танцевальный кружок после занятий. В четвертом классе педагог танцевального кружка обратила внимание на его талант и повезла мальчика в Алматинское хореографическое училище, на прослушивание. Школьник успешно прошел его.

— Училище было бесплатным, родители не противились. Вспомните 2000-е годы: с работой было сложно, а тут ребенка забирают на целый день. К тому же, они были рады, что у меня будет полноценная профессия, — вспоминает Рахим.

Так начался долгий путь танцовщика. Рахим никогда не жаловался и не рассказывал родителям о том, как его пугали иголкой, чтобы он правильно ставил стопы в пятой позиции, или что преподаватель всем весом вставал на его спину, чтобы «поза лягушки» в растяжке была идеальной.

— Иногда было больно до слез, казалось, будто невыносимо терпеть. Били ли нас? Да, но только по делу. А еще очень больно щипали.

Если вдруг ты недостаточно втянешь пятую точку в определенной позиции, тебя пугали иголкой. И это не история о том, мол, хорошо или плохо. Как без этого?

Маленький мальчик без принуждения и изнурительного труда не сломает барьер преодоления себя. Понятие «искусство» не существует отдельно от понятия «жертва». Только тогда будет результат. Если хотите воспитать дисциплинированного мужчину в жестких условиях, то хореографическое училище — идеальное место. У нас не было личного времени, чтобы болтаться по дворам.



Спустя 5 лет после поступления Рахима в здании хореографического училища начался ремонт. Тогда мальчик на время перешел в обычную школу. Ситуация перевернула его мир с ног на голову: танцор решил навсегда оставить балет в прошлом. К тому же, против танцев был и отец Рахима, он даже отправился с сыном забирать документы.

— Обычая школа была словно глоток свежего воздуха. Ведь столько лет я видел каждый день одно и то же: танцы, танцы и еще раз танцы. А здесь я впервые поиграл в баскетбол с ребятами, начал усиленно изучать обычные школьные предметы, нашел новых друзей. Я влился в коллектив, и мне казалось, что вот оно — мое настоящее, вот где я должен быть. Случайности не случайны: когда я пришел забирать документы, одна из преподавательниц — забыл ее имя — заявила, что не позволит, не отдаст, и попросила подумать тысячу раз, сказала, что у меня есть потенциал. Я мог развернуться и уйти, не слушать ее, но я почему-то доверился ей. Кто знает, как сложилась бы моя судьба, если бы не ее настойчивость? В общем, отец сказал, мол, делай выбор сам. И я остался.

Второй переломный момент в творческой жизни Рахима случился на 2-м курсе учебы. Тогда юноше было около 14 лет, он получил настолько серьезную травму спины — протрузию двух позвонков, — что в один из дней не смог встать на ноги и сделать шаг, трудно было даже сесть на стул. Но впереди Рахима ждали тяжелейшие экзамены, важнейшие конкурсы, ну и, конечно, самое главное — большой отчетный концерт.

— Впереди был концерт, на котором я должен был исполнить вариацию Щелкунчика. Мне поставили два укола блокады, чтобы я просто не чувствовал эту боль. Честно говоря, я после не чувствовал ничего. Проблемы с седалищным нервом отдавали в ноги, они за 2 месяца перерыва стали слабыми.

Я бы не сказал, что это была катастрофическая жертва, но танцевать приходилось со слезами на глазах.

— А потом с травмой спины я поехал в Пермь, ведь деньги на билеты были потрачены, заявки подали, и тому подобное. В целом, учеба была нелегкой. На госэкзаменах отдаешь очень много энергии: порой дыхание перехватывает, пот льется градом, тело горит, тебя тошнит, но что делать? Зритель не виноват в твоих проблемах, он пришел смотреть на высокое искусство, и ты должен кровь из носу сделать всё возможное. Порой хотелось отказаться, заплакать и убежать, но эти овации... каждый раз затягивают тебя больше и больше.

Вылечить спину помог остеопат, после у Рахима были также вывих стопы, травма ахиллова сухожилия, иногда побаливало колено, но это не помешало ему на пути к цели. В ГАТОБе Рахим Даиров работает уже десятый сезон.

Сегодня, 15 ноября, ведущий солист театра улетел в Лондон с этим спектаклем. Ожидается полный аншлаг, билеты раскуплены. С выступлениями Рахим также побывал в Грузии, Франции, России, в ближайших планах у него Индия.

VOX: Какие роли вам были особенно близки?

— Неожиданно для меня была интересная партия принца в «Спящей красавице». «Шопениана», кстати, тоже очень красива — такая воздушная голубая классика. Спектакль совершенно иной, в нем нет головокружительных пируэтов и впечатляющих па. Зритель наслаждается лишь парящим танцем под романтическую музыку Фредерика Шопена. Но вот эта вся пластика, легкость, которую надо изобразить — в этом и заключается сложность постановки.

VOX: Вам когда-нибудь говорили, мол, танец — не мужская профессия?

— Частенько бывало! Родственники, близкие друзья спрашивали: «Как ты будешь зарабатывать?» Доходило до того, мол, как ты создашь семью и будешь обеспечивать ее?

VOX: Их вопросы были оправданны?

— У меня есть второй диплом: после хореографического училища я окончил университет Международного бизнеса UIB по специальности «Финансы». Параллельно я занимаюсь предпринимательством. Все-таки в 35 лет тело будет уже неподвластно для таких сложных танцев.

— Как известно, сценический век у нас короткий. На мой субъективный взгляд, мужчина должен осознавать, что рано или поздно карьера закончится, надо иметь стабильный заработок и строить дальнейшие планы на жизнь. Тем более, учитывая, что с заработными платами в театре мягко говоря не всё в порядке.

VOX: Еще и на пенсию балерины и танцовщики балета выходят в 58–63 года соответственно...

— Довольно болезненный вопрос. Нас не так много, чтобы оттягивать пенсионный возраст до 63 лет. Просто еще один стимул заняться чем-то параллельно.

VOX: А какие они — заработные платы, если не секрет?

— Немного подняли недавно, но всё равно хотелось бы больше, учитывая то, сколько времени мы здесь проводим. Мы 8 лет учились на эту профессию, были в некоем ожидании чего-то большего, некоторые полностью себя отдали балету, не думая о второй профессии. А сейчас девочки, к примеру, получают по 70–80 тысяч тенге, и 55 тысяч тратят на хорошие пуанты, а профессионалы меняют их часто! Условно говоря, еще надо поесть, сходить в кино, одежду купить, сделать маникюр/педикюр и так далее. Как быть? Не знаю. Хотелось бы, чтобы хватало на жизнь.

VOX: Есть ли нехватка танцовщиков — именно мужчин — в ГАТОБе в связи со всем этим?

— Буквально год назад действительно были проблемы с кадрами, катастрофически не хватало мальчиков, примерно 8 человек тянули на себе всё. В последнее время стало лучше. Кто-то вернулся из поездок, кто-то на время оставлял профессию, но вновь пришел танцевать.

VOX: Говорят, что многие артисты балета покидают Южную столицу и уезжают в Астану, так как там зарплаты больше. Вы не рассматривали этот вариант?

— Действительно, артисты «Астана Опера» получают больше примерно в два раза. Однако всё у нас в голове. Если тебя что-то не устраивает, у тебя всегда есть выбор. Если ты недоволен своей жизнью, ты ее меняешь. Но я на самом деле патриот своего дела, города, страны.

— Я месяц работал в Петербурге, и мне вообще не понравилось. Там совсем другая атмосфера в коллективе, как-то холодно, каждый сам за себя. Жизнь состоит у них только из танцев: меня загоняли в театр с утра, и выходил я оттуда только в одиннадцать ночи. Просто света белого не видишь.

VOX: Зато зарплаты ведь выше?

— На самом деле нет. Я на тот момент получал не настолько много, чтобы это оправдывало жизнь там.

VOX: Личный вопрос: у вас есть семья, дети?

— Моя супруга — ведущая балерина Динара Есентаева, мы познакомились в ГАТОБе 4 года назад. У нас растет сыночек, ему 2 года. Я часто слышал, мол, как так, дома супруга, на работе супруга, спрашивали, не надоедает ли. Я женился по большой любви, это ведь такое везение!

VOX: А если ваш сын захочет в балет?

— Нет, нет и нет. Конечно, если он сам скажет: «Я вижу себя артистом балета и хочу танцевать», — если я замечу, что у него будут такие способности, которые выведут его на мировой уровень, тогда, возможно, я еще подумаю. Но сам проявлять инициативу, водить его по спектаклям — вряд ли.

VOX: Почему?

— Я просто знаю эту кухню изнутри. Любой спорт — палка о двух концах, в том числе и балет. С одной стороны, мы развиты, выносливы, и кажется, будто ежедневное кардио — это полезно. С другой — проблемы со спиной, да и ноги не бесконечные. Через 2–3 года, когда закончатся ежедневные тренировки, связки будут ослабевать, колени и прочие суставы — болеть, ну, сами понимаете. В балете нужно либо становиться первым, либо вообще не заниматься.

VOX: Мужчинам тяжелее добиться признания, чем женщинам?

— У нас вообще понятие «призвание» в балете неразвито. В России потихоньку солисты Большого театра выходят в свет, их приглашают на закрытые вечеринки, про них снимают фильмы, о них пишут в СМИ.

У нас массово известен только Досжан Табылды, он входит в состав жюри «Биле Казахстан». Пиаром балета в Казахстане никто не занимается.

VOX: Кстати, да, в России поймать артиста балета, например, Сергея Полунина, для интервью — большая удача для журналиста.

— Вовремя распиаренный человек, и это не плохо, а очень даже хорошо! Он безусловно хороший танцор, но таких много. Полунина, кстати, приглашали сниматься в фильмах, и он отлично справился с этим. Я бы тоже с удовольствием себя попробовал в кино — может, провально, а может, с успехом, никто не знает, но мы ведь артисты, значит, хоть на каком-то уровне, я думаю, сыграть бы удалось.

VOX: Может, расскажете что-нибудь касательно ближайших планов?

— У нас есть одно дело с танцовщиком Нурланом Конанбаевым, он закончил карьеру 2 года назад. Мы приглашаем звезд мировой величины для выступления в нашем ГАТОБе, как бы организовываем культурный обмен для зрителей, которые, к примеру, не могут поехать в Большой театр. 24 ноября будет проходить спектакль «Спящая красавица», в декабре — «Щелкунчик». По поводу первого мы ведем переговоры с Дмитрием Соболевским, он просто шикарный танцор, победитель «Большого балета». По поводу второго — пока секрет, но тоже будет приятный сюрприз.

VOX: Каким видите свое будущее после окончания карьеры?

— Сложный вопрос. Честно говоря, я планировал уходить из театра через 2–3 года, заниматься своими делами, уделить время другой стезе, так скажем. Но так тяжело оторвать от сердца искусство, расстаться с аплодисментами и овациями, с любовью зрителя. Всё это приносит огромное эстетическое удовольствие...

===========================================================================
Все фото - по ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Чт Ноя 14, 2019 11:33 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20643
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Ноя 14, 2019 11:31 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019111409
Тема| Балет, фестиваль «Воронежские звезды мирового балета», Персоналии, Вячеслав Лопатин (БТ)
Автор| Ирина Лазарева
Заголовок| «Обожаю танцевать с женой»
Премьер Большого театра Вячеслав Лопатин – о воронежском фестивале, премии «Золотая маска» и зрителе

Где опубликовано| © Газета «Берег» №80 (2348)
Дата публикации| 2019-11-06
Ссылка| http://www.bereg.vrn.ru/34407.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Танцор балета Вяче­слав Лопатин – постоянный участник фестиваля «Воронежские звезды мирового балета», получивший в этом году премию «Золотая маска» в номинации «Современный танец/Мужская роль» за партию Ученика в балете «Нуреев», вновь станцевал на воронежской сцене. В этот раз он исполнил роль Принца в балете «Щелкунчик».

В перерывах между репетициями Вячеслав Лопатин дал интервью корреспонденту «Берега».

ОТ ШТРИХОВ – К КАРТИНКЕ

– Как сложилось взаимодействие с главным балетмейстером театра Александром Литягиным, который не только художественный руководитель фестиваля, но и ваш однокурсник?


– Замечательно сложилось. Александр проводил с нами репетиции и помогал точнее исполнить хореографию определенной редакции спектак­ля. Со стороны он видит картинку целиком и обрисовывает ее для артистов. Александр Литягин помог мне ввестись в спектакль воронежского театра максимально быстро.

– Но это не первый «Щелкунчик» в вашей творческой биографии…

– Да, я исполняю роль Принца в «Щелкунчике», который идет в Большом театре, но у нас другая редакция. А ранее танцевал в нем партию Арлекина, испанской куклы.

– Пятый фестиваль «Воронежские звезды мирового балета» тематический, посвящен Петру Чайковскому – знаковой фигуре в балетном искусстве. Как это имя повлияло на вашу судьбу?

– Это легендарный композитор, который создал уникальные шедевры. Чайковский любим мной не только потому, что написал потрясающую музыку, но и по той причине, что он всегда говорил о балете как о высоком искусстве. Он повторял, что не понимает людей, считающих, что балет создан для увеселения толпы, и защищал этот прекрасный жанр искусства. И мне это близко.

ОПЫТ И РЕПЕТИЦИИ

– Связывать свою жизнь с этим искусством вы, в общем-то, не сразу были готовы и уж вряд ли предполагали, что станете известным танцовщиком и лауреатом «Золотой маски». Каким образом сформировалось желание сделать балет профессией?


– В балет я пришел в десять лет и вначале не понимал, зачем это мне нужно и что из этого получится. Первое осознание профессии появилось на репетициях с педагогом классического танца Анатолием Дубининым, когда тот предложил поработать с сольными вариациями. Стало понятно, на какой результат следует работать.

Потом для отчетного концерта в училище мы с педагогом подготовили вариацию Джеймса из балета «Сильфида». Мне, честно говоря, не понравилось, как я ее тогда станцевал. Не хватило дыхания, выносливости… Это и стало отправной точкой. Я понял, что должен больше работать над собой, чтобы подобных вещей со мной больше не повторялось. И так потихоньку, шаг за шагом, от опыта к опыту это желание – стать артистом балета – и формировалось.

– В образ своего персонажа вы входите, когда надеваете костюм, или это происходит гораздо раньше?

– Мы работаем над образом. Мы не можем надеть костюм и сразу выйти на сцену. Это происходит иначе. Если это сюжетный балет, то мы читаем литературу, узнаем больше о своем герое. Мы вживаемся в этот образ. На репетициях, помимо того, что мы отрабатываем хорео­графический текст, раскрываем и своего героя – в рамках поставленной режиссером задачи. Но все сделать идеально по разным причинам не всегда получается. После спектакля я всегда обдумываю, что вышло хорошо, а что не так, как я хотел, и что нужно сделать в следующий раз, чтобы этого не повторилось.

«НЕ ОЖИДАЛ, ЧТО ПОЛУЧУ НАГРАДУ»

– Премия «Золотая маска» для вас – особая награда и ответственность? И что вы можете сказать о балете «Нуреев»?


– Я не ожидал, что получу такую награду. Мне вообще сложно представить, каким образом из целостного спектакля можно отметить только одного человека. Балет – это совместное творчество, даже твой выход на сцену готовится, создается другими артистами. Конечно, мне приятно, что я получил «Маску» за партию Ученика в балете «Нуреев». Хотя, стоит отметить, мой персонаж – это собирательный образ учеников. И на сцене в этот момент со мной находятся несколько человек – чтец, арфист, музыканты. А в целом спектакль очень интересный и неординарный. Ведь в нем не только артисты балета и музыканты из оркестра задействованы, но и артисты театра и кино, и еще огромная масса людей! Спектакль очень большой, таковых я еще не встречал. Нуреев – человек, который очень многое сделал для развития балета, популяризировал его везде как вид искусства. Он – легенда.

ОТ ИСКУССТВА ДО МОДЫ

– В этот раз вы в Воронеже станцевали с Елизаветой Корнеевой, которая также была номинирована в этом году на «Золотую маску». Мне кажется, это говорит об очень хорошем профессио­нальном уровне воронежской труппы. Вы танцуете на фестивале в пятый раз, что думаете по этому поводу?


– В этом году танцую с Елизаветой, хотя обычно – со своей женой Анастасией Сташкевич. Про театр могу сказать, что он развивается. Во-первых, каждый год, когда я приезжаю, отмечаю, что появляется очень много новых лиц, которых не знаю. И Лиза Корнеева, с которой я танцую в этот раз, тоже молодая артистка, но уже солистка балета. Театр развивается и по репертуару, уделяет внимание современным постановкам, занимается восстановлением трехактных классических балетов. Театр живет.

– Хочется, чтобы и зритель молодой в театр приходил…

– В столичном городе в залах гораздо больше молодой публики, потому что сейчас стало модно ходить в театр. И не из-за большой любви к искусству. Просто модно бывать в театре. И я думаю, что это будет только прогрессировать.

– Анастасия Сташкевич тоже неоднократно была участницей нашего фестиваля. Долгие годы она оставалась только вашей парт­нершей по сцене, а теперь – ваша жена. Танцевать с любимой женщиной – это какое-то иное чувство?

– Я обожаю танцевать со своей женой. Мы с ней вместе танцевали еще тогда, когда были просто коллегами, задолго до того, как начали встречаться. Я очень к ней привык. Не только в каком-то «техническом плане» – как взять, как переставить с ноги на ногу, а именно к тому, как мы существуем на сцене вместе. Нам не нужно обговаривать, что мы будем делать в этой сцене, мы уже это знаем. Мы танцуем с Анастасией с 16 лет. Но театр театром, зал залом, а дом домом. Дома мы стараемся как можно меньше говорить о балете и репетициях, но, конечно, приходится к балету возвращаться. И, если что-то нужно выучить к завтрашнему дню, мы начинаем учить материал дома. Разумеется, не в полную ногу это делаем, просто учим порядок элементов.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20643
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Ноя 15, 2019 10:10 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019111501
Тема| Балет, Премьера, Персоналии, Иван Васильев, Алексей Голубев, Мария Виноградова,
Автор| Ольга Ершова
Заголовок| Спартак или вампир? Иван Васильев представил балет "Дракула. Начало"
Где опубликовано| © журнал «Voci dell'Opera»
Дата публикации| 2019-11-06
Ссылка| https://www.vocidellopera.com/single-post/dracula-ballet
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

В дождливый воскресный день 3 ноября в Москве прошла премьера нового балета «Дракула. Начало». В партии графа Дракулы и в роли хореографа спектакля выступил премьер Михайловского театра Иван Васильев. В партии его жены – ведущая солистка Большого театра Кристина Кретова, в партии невесты Джонатана – ведущая солистка Большого театра Мария Виноградова. В балете также принимали участие артисты балетных труп Большого и Михайловского театров.


«Почему начало? А будет ли продолжение?» – спросите вы. Как говорят сами танцовщики, нет, не будет. Основной задумкой Ивана Васильева было показать драматическую историю самого популярного монстра с начала, с момента, когда тот еще был любящим мужем и доблестным воином. И совсем не удивительно, что в балете появляются военные поединки с турецким султаном – партии храбрых воинов у мускулистого Ивана получаются самыми убедительными и запоминающимися!

Как сообщали в интервью артисты, в этой постановке соединились балет, мюзикл, кино и световое шоу, но любителей мюзиклов ждет разочарование, так как песен в нем всего три, и все они звучат в исполнении одного певца – победителя проекта «Голос-6» тенора Ладислава Бубнара. У него приятный тембр, и, кажется, он больше всех остальных персонажей внешне похож на вампира.

Итак, любители классического балета, вам сюда! Первый, венгерский акт балета посвящен «человеческой» жизни Дракулы. Крыльцо с кованными перилами в центре сцены сразу напомнит вам любимую балетную классику, и, как подобает хорошей доброй классике, действие начинается с бала. На этом балу в замке графа даже есть партия шута! Такой вот пламенный привет из балета «Лебединое озеро» постановки Юрия Григоровича.

Действие сменяет череда красивых вариаций жены Дракулы, самого Дракулы, их совместных дуэтов и военных поединков. Очень жаль, что партия жены графа в исполнении изящной балерины Кристины Кретовой такая небольшая. Пока муж был на войне, к ней пришли трагические известия о том, что он якобы погиб. Она исполнила свой последний танец, полный отчаянья и тоски, и заколола себя кинжалом.

Дракула-воин в красном костюме с золотыми языками пламени, с мечом в руках и «фирменными» прыжками, за которые зрители так любят Ивана, был неотразим, но глядя на дуэты с Кристиной я бы никогда не подумала, что эти люди – любящие друг друга супруги. Особенно это было заметно на контрасте со вторым действием, в котором у графа появилась новая возлюбленная – невеста Джонатана.

Второй акт балета, лондонский, действие в котором происходит спустя три столетия. В современных постановках смену эпох ставят таким образом, что это заметно сразу, но про перемещение во времени в этом балете я прочитала в буклете. Мне кажется, что этим вопросом всерьез озаботилась только художник по костюмам, переодев главного героя и танцовщиков кордебалета. Команда, которая ставила балет, – профессионалы, специализирующиеся на эстрадных, ледовых и спортивных шоу (в их активе есть даже летный фестиваль «Алые паруса», ежегодно проходящий в Санкт-Петербурге), но в балетном жанре они работают впервые. Ими были использованы стандартные приемы: свет, видео-проекции, стелящийся по сцене туман. В этом тумане под покровом ночи вампир и его избранница станцевали потрясающий чувственный танец…

Впрочем, любителям вдумчивых режиссерских спектаклей, как я, такая постановка скорее всего не придется по душе, поскольку в ней нет ни целостности, ни внимания к деталям, ни той загадочной тайны, когда после спектакля думаешь: «А что же хотел сказать режиссёр?» Здесь режиссером-постановщиком спектакля выступил Алексей Голубев, основатель компании, осуществившей постановку балета на сцене. Но, как мне кажется, самого Ивана сейчас прежде всего интересует танец, а режиссура стоит для него на втором мест. Но меня в «Дракуле» очень порадовало то, что обошлось без штампованной вампирской атрибутики – клыков, черного плаща, чеснока, кола и гробов.

Второй акт балета с появлением Марии, невесты Джонатана и новой возлюбленной графа Дракулы, преобразился волшебным образом. Легкой, как пёрышко, и воздушной, как Сильфида, балерине Марии Виноградовой удалось воплотить на сцене образ настоящей призрачной невесты. Ах, эти полные нежной чувственной любви дуэты с графом Дракулой… Между этими героями не то что искра пробежала, между ними была настоящая любовная химия. Да здравствуют семейные ценности и счастливый союз двух талантливых артистов!

Музыка к спектаклю была написана современным композитором Андреем Тимониным. В основном, в балете звучат струнные, очень напряженные, словно натянутые, как канаты, нервы, но без лишней экспрессии. Магию мелодии добавляли звуки колокольчиков, а лиричность и грусть –фортепиано. Оркестр в составе 24 человек рассадили по краям большой сцены Кремлевского дворца за декорации в виде больших оконных проёмов в готическом стиле, придав постановке камерности.

В целом, по первым аккордам заметно, что создателями этого балета проделана большая работа и что артисты вдумчиво готовили свои партии. Добро пожаловать всем любителям классического балета на этот мистический праздник! А вот удалось ли создателям балета достичь цели показать драматический спектакль о «мгновенном скачке от любви до ненависти и долгом пути обратно» (цитата Ивана Васильева), решать вам на следующем спектакле, который пройдет в Санкт-Петербурге 12 декабря.

=====================================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
Страница 3 из 8

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика