Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2019-09
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> Газетный киоск
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 4240

СообщениеДобавлено: Сб Сен 07, 2019 12:35 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019090604
Тема| Музыка, Персоналии, Артём Абашев
Автор| Ольга Богданова
Заголовок| Уверенный жест
Где опубликовано| © ежедневная пермская интернет-газета ТЕКСТ
Дата публикации| 2019-09-05
Ссылка| https://www.chitaitext.ru/novosti/uverennyy-zhest/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Фото Антона Завьялова

Пермский театр оперы и балета вошёл в 148-й сезон с новым главным дирижёром — Артёмом Абашевым. Под его руководством формируется сейчас состав оркестра, готовятся репертуарные спектакли и программа симфонических концертов.

3 сентября дирижёр встретился с пермскими зрителями и рассказал, как планирует работать в новой должности.

Кто вошёл в новый оркестр

Со всеми, кто сейчас работает в оркестре театра, я знаком не первый год: это музыканты как Большого симфонического оркестра, так и оркестра musicAeterna (27 человек этого коллектива приняли решение остаться в Перми). Есть новички, уже влившиеся в оркестр, и до сих пор продолжаются прослушивания.

Со временем наш оркестр, я уверен, наберёт обороты. А пока мы ещё какое-то время продолжим поиски музыкантов. В планах у нас репертуар, концерты и, конечно, гастроли.


В театре будет один оркестр с несколькими составами

Это должен быть единый коллектив, который может выступать на российской и мировой сцене. С учётом того, что театр будет наращивать репертуар, планирует в перспективе большое количество симфонических концертов, нам понадобятся, по большому счёту, два состава оркестра. Но не с целью выделить так называемые «первый» и «второй» составы. Для того чтобы музыканты могли делать перерывы в работе, находить время побыть наедине с собой, отдохнуть. Когда человек утром репетирует одну программу, вечером играет спектакль — и так изо дня в день, он неизбежно выгорает.

Я отношусь к каждому музыканту в оркестре как с солисту. Мне это понятно, потому что я сам ещё и пианист.


О подходе к работе с оркестром

Самое важное в работе дирижёра — понять психологию оркестра и выстроить чуткое взаимодействие: когда тебе нужно проявить инициативу, а когда — немного отпустить контроль, или наоборот — надавить.

Бывает, что процесс буксует, и я говорю: «Ребята, не хотите на меня смотреть — просто играйте без меня». И музыканты играют идеально. Работать с оркестром — как управлять электричеством с помощью регулятора яркости: можно добавить света, а можно плавно убавить. А бывает, лучше вообще не трогать.


О стрессах и страхах, которых нет

Нет таких произведений, перед которыми я бы испытывал страх. Потому что когда живёшь музыкой — какой смысл бояться?

Есть сочинения, которые требуют определённой выдержки, например, «Тристан и Изольда» и «Тангейзер» Вагнера — это действительно очень серьёзный масштаб и ощущение формы. Когда я дирижировал в Амстердаме оперой «Милосердие Тита» Моцарта в постановке Питера Селларса и Теодора Курентзиса в 2018 году, тоже ощущал подобное, но скорее из-за темы и восприятия самого спектакля. Бывает, что-то исполнять тяжело именно эмоционально.

Очень много усилий от меня потребовало концертное исполнение оперы «Пассажирка» Вайнберга в 2014 году в Перми. По большому счёту, у нас было только две сводные репетиции — очень мало. Помог мой фортепианный опыт: когда приходилось охватывать большой объём в сжатые сроки.

Та «Пассажирка» запомнилась всем, в особенности оркестрантам. А мне с тех пор вообще ничего не страшно. В моей жизни не было более стрессовой ситуации, которая требовала бы подобной исключительной концентрации. Этот опыт очень важен.

С оркестром мы работаем в унисон

Для меня важно чувствовать, что мы с музыкантами поддерживаем друг друга. Все понимают, сейчас мы проходим непростой период, и у нас есть все возможности для того, чтобы взять дело в свои руки и двигаться вперёд.

Это унисон, единение, которые нам всем сейчас нужны. Я чувствую, что они есть, и музыканты показали это на открытии сезона, чему я очень рад.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20280
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Сен 07, 2019 11:04 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019090701
Тема| Музыка, Опера, фестиваль «Арена ди Верона»
Автор| Александр МАТУСЕВИЧ, Италия
Заголовок| На Арене нынче снова...
Где опубликовано| © Газета «Культура»
Дата публикации| 2019-09-06
Ссылка| http://portal-kultura.ru/articles/opera/286048-na-arene-nynche-snova-/
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Знаменитый оперный фестиваль в Вероне прошел в 97-й раз.


Фото: Ennevi/courtesy of fondazione arena di Verona

Основанный великим тенором Джованни Дзенателло в далеком 1913-м — году столетнего юбилея великого Верди, — за свою богатую историю смотр собирал в грандиозном римском амфитеатре почитателей великого жанра оперы практически каждый год, лишь в периоды мировых войн имели место небольшие перерывы. Неумолимо двигаясь к своему сотому «раунду», «Арена ди Верона» остается самым популярным, известным и раскрученным оперным фестивалем под открытым небом. За минувший век было предпринято немало попыток учредить аналоги в самых разных точках планеты, многие из них вполне состоялись и успешны, но, кажется, «переплюнуть» веронского первенца ни по количеству собирающихся в один вечер зрителей, ни громкими именами (певцов, дирижеров, постановщиков), коими щеголяет веронская афиша, пока никому не дано.

Арена-2019 остается верна себе: в течение двух летних месяцев она традиционно предлагала почитателям самые топовые хиты мирового оперного репертуара — «Аиду», «Травиату», «Кармен», «Трубадура», «Тоску», необыкновенно популярную повсеместно сценическую кантату Карла Орфа «Кармина Бурана», а также две концертные шоу-программы — к 50-летию дебюта на фестивале Пласидо Доминго и балетный вечер «Роберто Болле и друзья». На сей раз Доминго поет в Арене исключительно как баритон (в гала — отрывки из «Набукко», «Двоих Фоскари», «Макбета», а также партию старшего Жермона в «Травиате»), кроме того, дирижирует одним из показов «Аиды».

Египетская опера Верди — лидер веронского фестиваля и его визитная карточка: ею он открывался в далеком 1913-м. Постановка Джанфранко де Бозио реконструирует первую веронскую «Аиду» в стиле колоссаль — с храмовыми колоннами, сфинксами и обелисками в натуральную величину, грандиозными многолюдными шествиями и цирковыми конями в Сцене триумфа. Несмотря на то, что этот спектакль, кажется, видели уже все (если не вживую, то в записи) и не по разу, он по-прежнему собирает полную Арену. Попытки заменить его более новомодными версиями (например, в 2017-м здесь шел эпатажный вариант скандально известной каталонской арт-группы «La Fura dels Baus» Карлуша Падриссы) успехом не увенчались, и дирекция благоразумно вновь вернулась к проверенному историческому шоу.

Самым известным именем на афише оказалась литовка Виолета Урмана, вернувшаяся из сопрано в меццо и по-прежнему имеющая в своем старом амплуа контракты лучших театров мира: ее Амнерис более не поражает настоящей альтовой красотой и идеальной выровненностью голоса, как бывало в первые годы ее международной карьеры, однако культура исполнения, владение стилем вердиевской музыки и высокий артистизм остаются при ней. Ожидаемо, в Сцене судилища она была наиболее интересна, сумев сбалансировать яркую страстность и железный контроль над вокальными трудностями партии. Уругвайка Мария Хосе Сири предстала практически эталонной титульной героиней: мощные форте и тончайшие пианиссимо, идеальная кантилена и взволнованный стиль игры не потерялись на бескрайних просторах веронской площадки. И хотя ее имя пока менее известно (Москве знакомо по гастролям «Ла Скала» и фестивалю Ростроповича), чем у коллеги-меццо, Урману ей удалось перепеть. Наряду с двумя дивами порадовали слух басы: хорват Марко Мимица (Рамфис) и поляк Кшиштоф Бачик (Царь Египта). Стиль маэстро Франческо Ивана Чампы отличался яркой экспрессивностью и слишком свободным обращением с каноническими темпами бессмертного творения Верди.

Помимо «вечного» Доминго ,у Вероны-2019 был и еще один герой, великий оперный режиссер Франко Дзеффирелли. Две его работы украшают фестивальную афишу: «Трубадур» трехгодичной давности и совсем свежая «Травиата», которую маэстро готовил для нынешнего форума и которую завершали его ассистенты Массимо Лукони и Карло Чентолавинья. Массовый зритель, конечно, помнит знаменитую киноверсию мэтра с Терезой Стратас и все тем же Доминго. В прощальной веронской «Травиате» есть много перекличек с той стародавней работой. Еще до прелестных звуков вступительной прелюдии на сцену вывозят катафалк, люди в черном скорбно следуют за гробом: история великой любви и жертвенной смерти дамы с камелиями, как и в фильме, начинается с финала. Веронская «Травиата» роскошна, визуально богата: это настоящее пиршество для глаз — шикарные интерьеры парижских салонов, дорогие исторические костюмы (от Маурицио Милленотти), пестрая и многочисленная массовка, с размахом поставленные танцы (хореограф Джузеппе Пиконе). Интимную, во многом камерную историю знаменитой парижской куртизанки Дзеффирелли сумел сделать гармоничной и адекватной гигантским просторам Арены, одновременно напомнив об исчезающей эстетике костюмного оперного спектакля.

Яркие, свежие и искусные голоса центральной лирической пары — американки кубинского происхождения Лизетт Оропезы (Виолетта) и итальянца Витторио Григоло (Альфред) — оттенены мемориальным вокалом великого Доминго (Жермон). Безупречная интонация и мастерская фразировка сочетаются у патриарха с коротким дыханием и откровенно небаритоновым тембром — ничто не способно скрыть факта, что это все же тенор, поющий не свою партию. Но звезде такого ранга простительно все, публика его боготворит и встречает дикими овациями: да и вправду, петь так, как поет grande tenore на исходе восьмого десятка, многие не могут уже в пятьдесят. Чуткий аккомпанемент маэстро Марко Армильято дает прочтению изящество и трепетность — ровно то, что жизненно необходимо шедевру Верди.

К более режиссерски радикальным спектаклям относятся две постановки аргентинца Уго де Аны: «Тоска» 2017 года и прошлогодняя «Кармен». Последняя является второй по популярности оперой фестиваля (ее играют здесь с 1914 года почти так же часто, как «Аиду»), а версия де Аны сменила стародавнюю работу Дзеффирелли. Увы, поединок с покойным мэтром аргентинец проиграл: в его спектакле также многолюдно и суетливо, но совсем нет четкости, а действие, несмотря на все старание и оживляж в виде фламенко и военизированного антуража, течет вяло и почти не захватывает. Использован избитый прием переноса действия в эпоху противостояния франкистов и республиканцев: камуфляж, оружие, ржавая техника и горы деревянных, грубо сколоченных ящиков заполонили сцену. Парадной дзеффиреллиевской Испании предпочли натуралистичную и раздираемую противоречиями времен гражданской войны — в итоге в циклопических пространствах Арены поселилась унылая серость, которую не сумел перебить ни свет Паоло Мадзона, ни видеопроекции Серджо Металли, ни хореография Леды Лойодиче.

И даже буйный темперамент израильского маэстро Даниэля Орена оказался бессилен вытянуть эту постановку на достойный творения Бизе уровень трагедийности и надрыва. Но и французскую рафинированность показать не получилось: для нее оркестр звучал слишком жирно и резко, не всегда слаженно. Певческий состав, за исключением провального Эскамильо — Альберто Гадзале, оказался весьма симпатичным, но однако также недостаточным, чтобы «перебить» серые впечатления от режиссуры и сценографии. Лучшей в нем оказалась испанская сопрано Рут Иньеста. Главная пара в исполнении русской меццо Ксении Дудниковой (Кармен) и турецкого тенора Мурата Карахана (Хозе) демонстрировала как плюсы (силу и тембральное богатство голосов), так и минусы (интонационную небрежность, актерский пережим), но закончила оперу «за здравие»: финальный дуэт-поединок, в котором оказались гармоничны и пение, и игра, высек искры подлинного вдохновения.

==========================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11725

СообщениеДобавлено: Сб Сен 07, 2019 10:25 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019090702
Тема| Музыка, Опера, Московская филармония, Оркестр Светланова, Персоналии, В. Петренко, Элизабет Кульман
Автор| Юлия Бедерова
Заголовок| Проповедь рыбам
Василий Петренко и Госоркестр исполнили Вторую симфонию Малера
Где опубликовано| © «Коммерснт»
Дата публикации| 2019-09-07
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/4082346
Аннотация| КОНЦЕРТ

Московская филармония и Госоркестр имени Светланова (ГАСО) открыли сезон Второй симфонией Малера «Воскресение», прозвучавшей под управлением главного приглашенного дирижера ГАСО Василия Петренко при участии хора «Мастера хорового пения» и солисток Элизабет Кульман и Дарьи Тереховой. Рассказывает Юлия Бедерова.

Столь лаконичный и в то же время амбициозный старт сезона — без предисловий, сопоставлений, программных концепций и раритетов, а прямо в омут с головой в малеровский симфонизм на тему жизни и смерти — выглядит для Госоркестра необычно, но показательно. Он отсылает к легендарным временам — в конце жизни Светланов с Госоркестром исполнили и записали все симфонии Малера, что стало прорывом и важной частью наследия. С тех пор оркестру пришлось многое пережить, а Малера в России неофициально застолбили за собой примерно поровну Валерий Гергиев и Теодор Курентзис. В их спор довольно громким голосом периодически вмешивается ГСО Республики Татарстан Александра Сладковского, а отношения с Малером Госоркестра казались скорее эпизодическими. Но после нескольких концертов с Владимиром Юровским и теперешней Второй симфонией с Петренко уже понятно, что ГАСО предлагает публике собственного, современного по исполнительской манере Малера, стилистически отчетливого и не связанного ни с историческими аналогами, ни с Малером конкурентов.

Так, например, этот Малер ничем не напоминает гергиевского: в нем нет ни следа волнующей оркестровой пышности, зыбкого марева звука, клубящихся облаков смысла, характерных для гергиевских исполнений. Нет и подчеркнутой театральности курентзисовских трактовок, так же как мускулистости казанского подхода. Вторая симфония Петренко и Госоркестра твердо стоит на ногах, но в ней все чистая прозрачность. В сущности, огромная фреска, написанная в многофигурной, многословной форме для огромного состава, звучит как кристаллически внятная камерная музыка. Ее горячечные музыкальные мысли и патетика как будто остужены, лирические слезы осушены, каждая часть поймана в свои ритмические сети, вздымающаяся вертикаль уложена в линеарную горизонталь, в плетении инструментальных и вокальных тем, реплик, мотивов, интервальных и тембровых соотношений прослушан воздух, и пафос жизни и смерти даже в почти идеально прозрачных и все же могучих кульминациях не застит грации полифонических событий.

Можно заметить, что такой стиль оркестровой игры продолжает линию, прочерченную, например, в госоркестровских исполнениях Шостаковича Юровским. А можно сказать, что эта манера иногда кажется чем-то вроде послоговых упражнений.

Как будто сначала наливают воду в бассейн — учатся слушать каждый инструментальный голос и его линию в общей симфонической ткани, а потом уже начнут плавать. Но все же нет: именно так, не по-российски камерно, без лишнего, внемузыкального драматургического нажима и мясистого объема Малер звучит особенно ясно, позволяя многословной музыке говорить самой за себя. И тогда слышно, как в первой части Малер хоронит не одного только героя собственной Первой симфонии, но и в принципе романтического симфонического героя, жизнь которого отсчитывается от Бетховена, как уже в этот момент он не обходится без горькой иронии. Или как в Скерцо «Проповедь Антония Падуанского рыбам» из нежно шуршащего сна, из всей хитросплетенной милоты культуры рождаются чудовища. Или как точно и по-протестантски послушно вокальная тема в исполнении Элизабет Кульман следует утешительному слову, но не утешает. А гимн в финале, сохраняя в своем звучании яркую линеарную, пространственную структуру, провозглашает вовсе не программную истину или надежду, но собственно торжество музыкальной реальности. И ничего другого.

Следующая программа Госоркестра 9 сентября выглядит, как ни странно, привычнее по концепции: ее хронологические рамки обширны (от Рахманинова до Ретинского), а в центре абсолютный раритет с Владимиром Юровским — Вторая симфония Джордже Энеску прозвучит в память о Светланове.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 4240

СообщениеДобавлено: Вс Сен 08, 2019 7:02 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019090801
Тема| Музыка, Опера, Академическая капелла Санкт-Петербурга, MusicAeterna, Персоналии, Теодор Курентзис, Надежда Павлова, Пола Муррихи, Константин Сучков, Мингджи Лей, Константин Вольф, Анна Касьян
Автор| Владимир Дудин
Заголовок| Изгнание мобильников из моцартовского рая. Оркестр Теодора Курентзиса дебютировал в Академической капелле
Где опубликовано| © «Санкт-Петербургские ведомости» № 165 (6518)
Дата публикации| 2019-09-05
Ссылка| https://spbvedomosti.ru/news/culture/izgnanie-mobilnikov-iz-motsartovskogo-raya-orkestr-teodora-kurentzisa-debyutiroval-v-akademicheskoy-/
Аннотация| КОНЦЕРТ

Теодор Курентзис, его оркестр и хор MusicAeterna, а также шестеро солистов дебютировали в зале Академической капеллы, представив в концертном исполнении оперу Моцарта «Так поступают все».

Событие стало беспрецедентным для первого дня осени, когда обычно все концертные залы еще пустуют. Но зал Капеллы был набит под завязку. Это был первый концерт Теодора Курентзиса после его ухода с поста худрука Пермского театра оперы и балета и с момента объявления о том, что он со своей большой музыкальной командой перебирается в Петербург. За десять дней до того дирижер начал серию репетиций в Доме радио, о чем прохожие могли узнать, видя группки модных музыкантов, выходивших на перекур. Коллектив готовился не только к предстоявшему дебюту в Капелле, но и к европейскому туру, в программе которого - три оперы Моцарта на либретто да Понте.

Концерт открыл сезон, на протяжении которого Теодор Курентзис и его оркестр несколько раз выступят на уже освоенных ими площадках Большого зала Филармонии и Концертного зала Мариинского театра. Дом радио музыканты используют как главную репетиционную площадку. Виды на это здание у них большие, хотя пока кажутся почти утопическими.

Многим петербургским слушателям переселение Курентзиса пришлось по душе. Все предыдущие концертные визиты этих музыкантов проходили при аншлагах. С одной стороны, жаловаться на количественный недостаток событий у нас грешно, с другой - качество большинства спектаклей и концертов с каждым годом оставляет желать лучшего. Рутина оплетает, как паутина, выхолащивая дух творчества. Серых, скучных, энергетически пустых концертов и спектаклей в музыкальных театрах стало чересчур много. Но это перестает быть удивительным, когда понимаешь, какую политику проводит с недавних пор петербургская Консерватория, во многом превратившаяся в фабрику по производству бумаг для отчетности. Там словно забыли о своей миссии воспитания артиста-лидера, солиста, а не удобного послушного середняка.

Бессмысленно взваливать решение груза накопившихся проблем на плечи Теодора Курентзиса. Но его появление на довольно заболоченной музыкальной карте Петербурга способно заставить шевелиться боящихся любой инициативы музыкальных деятелей, находящихся на гособеспечении.

Далеко не все оркестры могут поступать так, как поступил оркестр Курентзиса, приехав в город, где он учился, но где уже давно заняты все хлебные места. Так способны поступать лишь те, у кого есть не просто хорошие, а очень хорошие средства для того, чтобы рассчитывать на содержание большого коллектива музыкантов. В выборе оперы «Так поступают все» Моцарта виделось что-то очень неслучайное, похожее на некую интеллектуальную игру с судьбой, во время которой нужно понять, можно ли обмануть и обмануться так, чтобы выйти сухим из воды.

Оперу Моцарта музыканты Курентзиса подготовили как концертное исполнение с усиленным элементом театрализации. Дирижер уже в увертюре показал слушателю, что его ждет музыкальная эксцентрика и неожиданности, когда тембрально и ритмически подсвечивал тему побочной партии шаловливыми взбулькиваниями мелодических украшений, не предписанных в партитуре. В оркестре было задействовано немало исторических инструментов, дававших аромат аутентизма, но его сила и харизма заключались отнюдь не в педантичном следовании «букве» партитуры, а в виртуозной способности дирижера придавать ей черты свеженаписанного шедевра, в свободе звука. Курентзис обеспечивал опере Моцарта вечную молодость, щедро делясь ею со слушателями. Казавшиеся подчас избыточными замедления темпов устраивались им для того, чтобы испить до дна каждый музыкальный и сюжетный мотив.

Мобильные телефоны в тот вечер были под строгим присмотром строгих охранников, но от стука каблуков своих фирменных сапожек дирижеру не удалось избавиться: слишком велика была его вовлеченность в процесс, чтобы замечать собственные непроизвольные жесты. В грозной просьбе организаторов сдать мобильники в специальные шкафчики чувствовалось нечто детское, но что делать, если многие российские слушатели не способны иначе усвоить нехитрые истины. Однако неоднократно возникавший загадочный микрофонный гул заставлял дирижера раздраженно оборачиваться. Какому дирижеру не хочется, чтобы музыка, ценность которой не в громыхании, а в пиано и пианиссимо, звучала в полной тишине. Таких моментов тишины, оказывавшихся для вокальных сольных и ансамблевых исповедей главных героев моментами истины, в «Так поступают все» было много.

Солисты, подобранные как бусина к бусине, тоже захватывали не громким оперным вокалом, а бисерными руладами, способностью слышать друг друга и взаимодействовать. Благодаря камерности трактовок образы получались очень детализированными. Фьордилиджи у сопрано Надежды Павловой пленяла своей серьезностью и искренностью, в то время как ее сестра Дорабелла в исполнении меццо-сопрано Полы Муррихи бесконечно радовала чарующим лицедейством и обаянием. Так же и друзья-офицеры брали контрастом своих характеров - прямотой нрава баритона Гульельмо (Константин Сучков) и романтичностью натуры тенора Феррандо (Мингджи Лей). Остро пикантным получился дуэт циника-искусителя Дона Альфонсо (Константин Вольф) и служанки-фокусницы Деспины (Анна Касьян).

Взрывчатость кульминаций в финалах и общая «взнервленность» интерпретации периодически утомляли, как спринтерский бег, и думалось о том, что все то же самое могло бы звучать и поспокойней. Для кого-то другого, возможно, да. Но не для Теодора, который знает, как скоротечна жизнь и как много нужно в ней успеть прочувствовать, задумать, исполнить, полюбить.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 4240

СообщениеДобавлено: Вс Сен 08, 2019 7:03 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019090802
Тема| Музыка, ХI Международный конкурс органистов имени Микаэла Таривердиева, Персоналии, Иван Татаринов, Кристоф Манту, Лилия Печенкина, Владимир Королевский, Эндрю Моррис, Кристиан Гросс, Оливер Бретт
Автор|
Заголовок| Органист из США победил на ХI Международном конкурсе имени Микаэла Таривердиева
Иван Татаринов получил звание лауреата и гран-при конкурса - фигурку "Органного ангела" из янтаря

Где опубликовано| © ТАСС
Дата публикации| 2019-09-08
Ссылка| https://tass.ru/kultura/6860410
Аннотация| КОНКУРС

КАЛИНИНГРАД, 8 сентября. /ТАСС/. Органист Иван Татаринов, родившийся в России и проживающий в США, стал победителем ХI Международного конкурса органистов имени Микаэла Таривердиева, который завершился в воскресенье в Калининграде. Он награжден первой премией, получил звание лауреата и гран-при конкурса - фигурку "Органного ангела" из янтаря.
"Решением жюри первая премия Одиннадцатого международного конкурса органистов присуждена Ивану Татаринову - США", - объявил в воскресенье на пресс-конференции председатель международного жюри, профессор органа из Парижа Кристоф Манту.
Вторая премия и звание лауреата - у представительницы России Лилии Печенкиной. Третью премию поделили россиянин Владимир Королевский и Эндрю Моррис из США. Эти двое участников финала конкурса, который проходил в историческом Кафедральном соборе на острове Иммануила Канта, стали также обладателями специальной премии "За лучшее исполнение произведений Микаэла Таривердиева", чье имя уже 20 лет носит это творческое состязание исполнителей на органе - "короле" музыкальных инструментов.
Еще два участника финала - Кристиан Гросс из Германии и Оливер Бретт из Великобритании удостоены звания дипломантов конкурса и денежной премии.
Победитель конкурса - 27-летний композитор, органист, дирижер и гитарист Иван Татаринов, родившийся в Нижнем Новгороде, с отличием окончивший Санкт-Петербургскую консерваторию им. Н. Н. Римского-Корсакова и уже третий год проживающий в США, подчеркнул, что "выиграть этот органный конкурс высочайшего мирового класса - большая честь", заметив, что "шел к сегодняшней победе долго, и безмерно рад успеху".
Профессор Манту, для которого приезд в Калининград стал первой поездкой в Россию, отметил высокую организацию конкурса, а российская органная школа, по его убеждению, "одна из самых выдающихся, и у российской органной музыки большие перспективы". Член жюри, профессор университета Канзаса (США) Джеймс Хигдон отметил, что видит "в России много талантливых молодых органистов и высокий уровень преподавания".

О конкурсе и участниках
Международный конкурс органистов имени Микаэла Таривердиева - одно из крупнейших в мире состязаний по специальности "орган" проводится с 1999 года, раз в два года, при поддержке Министерства культуры России, правительства Калининградской области, Министерства иностранных дел РФ, мэрии Калининграда, сената Гамбурга, университета Канзаса, Российского национального музея музыки.
На заключительный этап ХI Международного конкурса органистов имени Микаэла Таривердиева в Калининграде, где проходил полуфинал и финал этого творческого состязания, был допущен 21 музыкант из девяти стран по итогам отборочных туров, которые традиционно проводились в Канзасе (США), Гамбурге (Германия) и Москве. В них участвовали в общей сложности 46 музыкантов из 20 государств. По итогам двухдневных прослушиваний участников конкурса в концертном зале Калининградской областной филармонии были определены шесть финалистов. Они демонстрировали свое мастерство на органе в Кафедральном соборе.
В воскресенье вечером в концертном зале собора пройдет торжественная церемония закрытия конкурса, награждение победителей и концерт лауреатов. Будут также названы обладатели более 20 специальных премий, которыми в большинстве своем станут сольные концерты в различных странах мира.

Имени великого мастера музыки
Микаэл Таривердиев (1931-1996) - советский и российский композитор, народный артист РСФСР, лауреат Государственной премии СССР, один из самых известных композиторов на всем пространстве бывшего Советского Союза. Автор музыки к 132 фильмам, нескольких опер и балетов, большого числа вокальных циклов, инструментальных концертов. Особое место в его творчестве занимала органная музыка, поэтому Международный конкурс органистов его имени - дань наследию композитора и попытка представить творчество маэстро мировому сообществу.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20280
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Сен 09, 2019 1:24 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019090901
Тема| Музыка, Опера, Персоналии, Маквала Касрашвили
Автор| Елена Ромашова
Заголовок| МАКВАЛА КАСРАШВИЛИ:
Я СТАРАЛАСЬ ПОДРАЖАТЬ ЗНАМЕНИТЫМ ПЕВЦАМ – ​И У МЕНЯ ЭТО ПОЛУЧАЛОСЬ

Где опубликовано| © Журнал Музыкальная жизнь
Дата публикации| 2019-09-09 (дата публикации на сайте журнала)
Ссылка| http://muzlifemagazine.ru/makvala-kasrashvili-ya-staralas-podr/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В репертуаре оперной певицы Маквалы Касрашвили в Большом театре были партии, среди прочих, Татьяны Лариной, Тоски, Иоланты, Наташи Ростовой и Турандот. Сегодня она преподает вокал в Центре оперного пения Галины Вишневской. Есть ли у голоса «срок годности», как на него влияют гормоны, и как не сломать природные данные певца Маквала Касрашвили (МК) рассказала Елене Ромашовой (ЕР).


«Пиковая дама»

ЕР Красивый голос – это дар или все-таки результат кропотливой работы?

МК Я считаю, что голос – божий дар. Если природа дала такой талант, то уже в 12–13 лет, когда человек еще формируется физически, ощущается непреодолимая потребность петь, выражать свои чувства через пение. Ко мне это осознание пришло в 10–11 лет. Слушая записи классических опер, трансляции по радио, я старалась подражать знаменитым певцам. И у меня это получалось. А к 13 годам у меня уже развился женский голос, благодаря которому я могла задуматься об обучении пению.

ЕР Наличие или отсутствие голоса можно распознать в раннем возрасте?

МК Да. Детский голосок может быть «маленьким», но все равно уже проявляться. К 13–14 годам он становится крепче. Тогда же можно понять, стоит ли человеку продолжать обучаться именно классическому пению или отдать предпочтение эстрадному. Для эстрады не нужен мощный голос, не так важна техника. Здесь достаточно выразительности, музыкальности и артистизма.

Хорошо, когда попадаются педагоги, которые правильно ведут ребенка, не мешая его природе, не переучивая. Дети, у которых есть голоса, поют естественно, и надо развивать их с точки зрения этой естественности.

ЕР Достаточно ли иметь голос, чтобы стать выдающимся исполнителем?

МК Наличие голоса не означает, что человек может стать певцом. Для этого, помимо всего прочего, нужна огромная интуиция и хорошее постороннее «ухо» грамотного педагога.

Слушая в юности, скажем, записи Ренаты Тебальди, я старалась имитировать ее манеру пения, и мне казалось, что я правильно интуитивно ощущаю, что она делает технически. Но знания, направление может дать только хороший педагог.

От педагога и от нагрузки, которая дается молодому певцу, очень многое зависит. По канонам вначале молодым певцам дают вокализы, гаммы, произведения Скарлатти, Генделя, Моцарта – то есть музыку, на которой проще научить исполнителя кантиленному пению. Потом уже изучаются произведения Доницетти, Беллини, Верди, Пуччини и так далее. В училище в течение четырех лет я пела «от природы», не анализируя, что делаю. И к моменту поступления в консерваторию у меня был голос, скажем так, амортизирован. Я потеряла ту природную свежесть, которая у меня была, потому что молодым певцам все-таки нельзя давать большую нагрузку. В консерватории я попала к педагогу – известной оперной певице, солистке Большого театра Вере Александ­ровне Давыдовой, которая фактически возвратила мою природу.

ЕР То есть педагог не должен «ломать» природные данные певца, а как бы идти за ним, направляя его?

МК Я всегда говорю, что научить петь невозможно, можно только научиться петь. Педагог может быть очень хорошим, но без взаимопонимания между ним и учеником ничего не получится. Сам певец может воспринимать неправильно какие-то требования педагога. Поэтому успех далеко не всегда зависит от педагога.

Очень часто бывает так, что потрясающие певцы с блестящей карьерой, начав педагогическую деятельность, не в состоянии толком научить своих подопечных…

ЕР Почему?

МК Прежде всего потому, что к каждому нужен индивидуальный подход. Кто-то поет очень глубоко, и надо знать, как вывести этот звук, чтобы он лился и шел вперед, не создавая напряжение в связках. Иногда педагоги учат результату как процессу. Естественно, мы хотим, чтобы голос звучал ярко, полетно и перекрывал оркестр, когда выходишь на большую сцену. Но это все техническая сторона пения. Задача педагога, среди прочего, – объяснить, что нужно делать, в том числе на физиологическом уровне. Нельзя просто сказать «пойте близко», «посылайте в голову», «сажайте на грудь». Нужно объяснять, что это значит.

ЕР Подходы в постановке голоса у нас и на Западе как-то различаются?

МК Кто бы что ни говорил, школа звуковедения одна, и корни у нее итальянские, поскольку именно в Италии зародилась опера. Мой педагог Вера Давыдова даже говорила, что я правнучка знаменитого Эверарди: он преподавал в Санкт-­Петербурге и воспитал певцов, которые потом обучали моего педагога, а она передавала эти знания мне.

Сам итальянский язык абсолютно правильно формирует звук, что очень важно. Но это не значит, что если мы поем на русском, на немецком или на французском, мы должны по-разному извлекать звук.

Хотя, как я понимаю, не каждый певец может стать россиниевским певцом или исполнять барочную музыку. Для этого нужно обязательно иметь от природы подвижную гортань. Я, например, никогда не смогла бы исполнять музыку Россини – у меня нет для этого врожденной предрасположенности.

ЕР Я читала, что в будущем из-за физиологических изменений, которые происходят эволюционно с человеком, не останется певцов, способных петь голосами, которые раньше были у кастратов.

МК Этого не может быть. Были и есть контратеноры, способные петь женским голосом. Причем я не могу сказать, что это большая редкость. Уверена, что в дальнейшем подобные голоса будут появляться. Сегодня очень часто ставятся те оперы Генделя, Глюка, Гайдна и других композиторов, которые писали для таких голосов – именно потому что есть, кому их исполнять.

ЕР Можно ли быть в сфере оперного пения самоучкой и добиться высот? Или всегда нужен педагог?

МК Думаю, что быть здесь самоучкой все-таки невозможно. Человек может от природы владеть техникой пения. Можно заниматься пением интуитивно, пока организм молодой. Но стоит человеку спеть в больном состоянии, как он может потерять навыки, на которые опирался инстинктивно. И тут уже нужны знания и анализ того, чем тебя наградила природа. Кроме того, иногда собственные ощущения у певца могут быть абсолютно неправильными. Поэтому обязательно нужно ухо профессионала, который может вовремя подсказать и повести человека по правильному пути.

ЕР У голоса есть условный срок годности? Когда певцу лучше закончить карьеру?

МК Своеобразный «срок годности» может быть, если певец не относится к себе критически и не развивается технически. Нельзя перегружать голос. Нужно знать, какой репертуар тебе подходит. Если переходишь на более тяжелый, то к этому нужно подойти с умом. Если этого не делать, рискуешь преждевременно израсходовать свои данные и уже к 40–50 годам остаться без голоса.

У женщин еще сложнее. В определенные периоды жизни у них происходят физиологические изменения из-за которых теряется ощущение правильной техники. К этому нужно относиться с пониманием и просто отслеживать эти процессы. Поэтому, относясь к себе бережно и разумно, можно и после пятидесяти сохранить голос.

В 72 года, то есть пять лет назад, я пела «Тоску» и «Турандот» в Большом театре, хотя в таком возрасте уже мало исполнителей выходят на сцену. Практически потеряв в раннем возрасте голос, в дальнейшем я уже осознанно с помощью педагогов восстанавливала его, четко понимая, что делаю правильно, а что нет. И всю карьеру я прислушивалась к мнению своих коллег по сцене, если что-то недопонимала. И мне это очень помогло. То, что я анализировала свои действия, помогло мне долго держать форму. Но возраст в любом случае берет свое, даже физически становится сложно петь.

ЕР Я считала, что на состояние голоса может повлиять только что-то очень серьезное – переохлаждение, травма. Но, как оказалось, даже изменение гормонального фона у женщины в определенный период может отразиться на качестве пения.

МК В России до сих пор существует практика, когда певица на три дня каждый месяц освобождается от пения, хотя, например, на Западе такого нет. Там исполнительницы принимают медикаменты, чтобы не повредить связки. Если отек не снять, на связки ляжет большая нагрузка, а это не безобидно.

Также опасно петь из-за повышенной нагрузки на связки, когда человек простужен. Делая часто что-то через силу, повышается давление на связки, что вызывает их несмыкание, могут появиться узлы, которые придется оперировать. И неизвестно, сохранит человек после этого голос или нет.

ЕР Как артисты ухаживают за своим голосом?

МК Существует целая совокупность факторов: не переутомляться, не петь лишнее, даже если очень хочется, соблюдать правильную технику пения. Нельзя просто выспаться и думать, что голос сразу красиво зазвучит.

Непосредственно перед пением не следует пить чай или кофе – эти напитки сушат слизистую. В день или даже накануне не стоит употреблять острую пищу, алкоголь. Перед пением нельзя делать тяжелые физические упражнения.

ЕР Я знаю, что некоторые исполнители прибегают к некоему «допингу», чтобы скорее восстановиться. Насколько это распространенная практика?

МК Когда опытный исполнитель вынужден выступать перенося на ногах, к примеру, простуду, часто возникает несмыкание голосовых связок. В этом случае врач-ларинголог действительно может прибегнуть к лекарствам – «залить» связки специальным раствором, чтобы сделать их ровными, снять отек. Но к таким вмешательствам лучше вообще не прибегать или обращаться к ним в самых экстренных случаях, когда просто нет иного выхода. Иначе такая попытка «восстановиться» может закончиться плачевно и обернуться потерей голоса.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11725

СообщениеДобавлено: Вт Сен 10, 2019 1:28 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019091001
Тема| Музыка, Опера, Концертный зал "Зарядье", Планы на сезон
Автор| Мария Бабалова
Заголовок| Зарядись классикой
В "Зарядье" знают, как переманить публику из торговых центров
Где опубликовано| © Российская газета
Дата публикации| 2019-09-10
Ссылка| https://rg.ru/2019/09/09/reg-cfo/valerij-gergiev-otkryl-vtoroj-koncertnyj-sezon-zala-zariade.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Второй концертный сезон зала "Зарядье" циклом "Все симфонии Чайковского" открыл Валерий Гергиев с оркестром Мариинского театра. В предстоящем сезоне - почти четыре сотни концертов, среди них такие проекты, как первый приезд в Россию выдающегося дирижера Джона Элиота Гардинера или фестиваль "Бетховен и Чайковский" в первой половине 2020 года. О принципах и трудностях продвижения новой классической площадки рассказала "РГ" генеральный директор Ольга Жукова.

Как родилась традиция открывать сезон "Зарядья" в День города?

Ольга Жукова: Это решение мэрии Москвы, так как зал строился как подарок москвичам и гостям столицы. И теперь и у города, и у парка "Зарядье" дни рождения совпадают. Это замечательно, мы прекрасно соседствуем и сейчас вместе с парком начали реализовывать совместные программы.

Конкурируя с другими концертными площадками столицы, вы сверяете свои программы с их афишами?

Ольга Жукова: Конечно, я внимательно слежу, и наших продюсеров прошу это делать - чтобы одна и та же симфония не исполнялась три раза в течение десяти дней. Но для меня это не вопрос конкуренции. Мы коллеги, работающие в одном поле, и должны взаимодействовать: у нас общая цель - чтобы как можно больше людей приходили на концерты классической музыки. Это важно не только для Москвы, но и для всей страны.

А это сегодня трудно?

Ольга Жукова: Человек всегда голосует рублем, и продажа билетов - беспристрастный критерий успешности нашей работы. Да, семья скорее предпочтет отправиться в торговый центр с кафе и кинотеатром,чем в концертный зал. Поэтому наши аргументы - делать программы, интересные всем поколениям и доступные по цене всем социальным слоям. Не секрет, что основа нашей аудитории - люди за 50. Мы стремимся изменить эту тенденцию. В этом сезоне запускаем мобильное приложение. Хотим сделать все возможное для комфорта публики, и молодого поколения в том числе.

Почему вы решили отказаться от привычной филармонической модели с абонементами в пользу более свободной европейской системы?

Ольга Жукова: Хотим дать зрителю максимальную свободу выбора без принуждений и обязаловки. Не секрет, что часто абонемент на 4-5 концертов покупают ради одного или двух вечеров. Мы старались сделать более гибкую, креативную систему, когда человек, если желает получить скидку на билет, может сам выбрать любые четыре концерта, составив свой абонемент под хештегом "зарядись музыкой".

Вы можете рассчитывать лишь на бюджетное финансирование или у зала есть спонсоры?

Ольга Жукова: Безусловно, залы классической музыки зависимы от поддержки государства, без которой их деятельность невозможна. Но мы стараемся так выстроить работу, чтобы располагать и внебюджетными средствами. И существенная часть наших концертных программ делается уже именно на внебюджетные деньги.

Как появление органа повлияет на судьбу зала?

Ольга Жукова: Орган необходим любому залу с полноценным академическим реноме. Инструмент станет самым большим в Москве и одним из крупнейших в Европе. Он имеет 85 регистров, 5737 труб разной формы и длины, клавиатурную консоль из четырех мануалов (61 клавиша) и мобильную консоль с четырьмя мануалами (32 клавиши). Инаугурацию "короля инструментов" мы решили назначить на редкую дату - 29 февраля. Представят его музыканты из Франции, поскольку орган построен старейшей французской фирмой Mühleisen. И это будет не просто органный гала-концерт, а масштабное действо с участием симфонического оркестра, оперных певцов и артистов балета.

С кем из музыкантов мирового топ-уровня вы ведете переговоры?

Ольга Жукова: Со многими. Например, на завершающей стадии переговоры о концерте с участием Пласидо Доминго весной 2020 года. Но, к сожалению, есть и такие, кто не хочет приезжать в Россию из-за каких-то собственных, иногда и политического свойства соображений. Это обидные эпизоды, но они не очень влияют на культурное пространство. У нас уже выступило немало и американцев, и британцев, и очень здорово, что мы можем быть той "мягкой силой", что способна одолеть барьеры недопонимания. Но еще многие обстоятельства и звезды должны сойтись, чтобы, например, нам удалось организовать приезд Риккардо Мути, который мы планировали еще в первом сезоне. Или оркестра Венской филармонии. На такие масштабные проекты нам еще нужно заработать, и мы над этим усердно трудимся.

Кто из исполнителей оказался наиболее привередлив?

Ольга Жукова: Ничего экстраординарного не было, все вели себя в высшей степени интеллигентно. Классика - не шоу-бизнес, никто не старается эпатировать. Разве что, когда у нас были вечера знаменитого танцовщика Сергея Полунина, он, чтобы не тратить время и силы на поездки в отель, попросил прямо в артистическом фойе организовать для него полноценное место отдыха. И мы специально закупали кровать, подушки, одеяло… Он был нам очень благодарен. В январе 2020 года мы планируем представить премьеру спектакля с участием Сергея по одной из сказок Шарля Перро.

Какие концерты в "Зарядье" нельзя пропустить в новом сезоне?

Ольга Жукова: Очень трудно выбирать, я бы ходила на все. У нас в зале уникально звучат вокал, и рояль, и скрипка. В афише есть экскурсии, которые стали популярны, познавательные лекции, детские спектакли - представления на любой вкус и кошелек. Я уверена, что любой, однажды оказавшись в нашем зале, захочет постоянно приходить в "Зарядье".

Пять концертов в "Зарядье", которые нельзя пропустить

26 сентября Хор Монтеверди и ансамбль "English Baroque Soloists". Дирижер - Джон Элиот Гардинер. В программе произведения Монтеверди, Кариссими, Перселла и Скарлатти.

6 октября Всемирный оркестр мира. Дирижёр - Валерий Гергиев. В программе: Бетховен - Симфония № 6, Шуберт - Симфония №9.

13 ноября Гендель Оратория "Триумф времени и разочарования". Ансамбль "La Voce Strumentale", дирижер - Дмитрий Синьковский.

21 ноября Концерт известного мальтийского тенора Джозефа Каллейя с симфоническим оркестром. Дирижер - Константин Орбелян. В программе арии из популярных итальянских и французских опер и испанских сарсуэл.

16 декабря Сольный вечер английского певца Иэна Бостриджа. Вокальные циклы Бетховена "К далекой возлюбленной" и Шуберта "Лебединая песня".
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11725

СообщениеДобавлено: Вт Сен 10, 2019 1:35 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019091002
Тема| Музыка, Опера, Байройтский фестиваль, "Парсифаль", "Нюрнбергские майстерзингеры" , Персоналии
Автор| Ирина Муравьева
Заголовок| О чем сегодня Вагнер
Байройтский фестиваль о состоянии современного мира
Где опубликовано| © Российская газета
Дата публикации| 2019-09-09
Ссылка| https://rg.ru/2019/09/09/bajrojtskij-festival-stavit-spektakli-o-sostoianii-sovremennogo-mira.html
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

Это факт, что когда-то эстетически умеренная Байройтская сцена стала сегодня самой прогрессивной лабораторией вагнеровского театра в мире: актуальная режиссура, образовательные и интеллектуальные программы для публики, в том числе, с 2017 года, симпозиум "Дискурс Байройт", рассматривающий феномен Рихарда Вагнера в разных аспектах. А главное - сам вагнеровский оперный миф, включенный в современную проблематику: права и свободы личности, беженцы, войны и религиозные конфликты, и т.п. Этим темам посвящены практически все спектакли афиши-2019: "Тангейзер", "Нюрнбергские майстерзингеры", "Лоэнгрин", "Тристан и Изольда", наконец "Парсифаль" с его ближневосточным сюжетом.

Разумеется, не все новейшие интерпретации сразу встречают понимание в байройтском зале, где достаточно много публики, не только компетентной по части вагнеровского мифа, но и следящей за постановками фестиваля многие десятилетия. Однако в Фестшпильхаусе еще во времена Вольфганга Вагнера, внука Рихарда Вагнера, руководившего Байройтским фестивалем почти 60 лет (с 1951 года), сложилась уникальняа система Werkstatt Bayreuth (мастерских), позволяющая постановщиками работать над своими спектаклями в течение нескольких сезонов, доводя их замысел до логического конца. И многие постановки, которым "букали" в премьерный сезон, с течением времени меняются, становятся четче, рельефнее в своих сценических решениях, дополняются комментариями в интеллектуальных программах фестиваля и имеют успех.

Причем, эти эксперименты по современной интерпретации вагнеровского мифа начались в Байройте именно при Вольфганге Вагнере: в афише тогда появились крупнейшие немецкие и зарубежные режиссерские имена - Патрис Шеро, Жан-Пьер Поннель, сэр Питер Холл, Гетц Фридрих, Гарри Купфер, Кристоф Шлингензиф. А Байройт сформулировал цель стать главной площадкой для новаторских, пусть и противоречивых, интерпретаций вагнеровских опер. К слову, в этом году, по случаю 100-летнего юбилея Вольфганга Вагнера в Доме-музея Рихарда Вагнера на вилле Ванфрид открыли большую выставку, раскрывающую его личность и достижения в качестве худрука, режиссера и сценографа Байройтского фестиваля. Экспозиция представила панораму истории Германии, социальные и культурные события эпохи, отражавшиеся в его эпоху на Байройтском фестивале в постановках вагнеровских мифов. В том числе, и в сенсационной постановке "Кольца" Патрисом Шеро в 1976 году, где вслед за Бернардом Шоу, считавшим вагнеровскую тетралогию социальным комментарием к теме капиталистического производства, Шеро представил впервые на сцене социальную трактовку вагнеровского мифа, вызвавшую тогда в Байройте беспрецедентную реакцию и раскол в зале.

Сегодня подобного рода реакции - норма для Байройтского фестиваля. Такое происходило и на "Кольце" Франко Касторфа (2013), и на нынешней премьере "Тангейзера" в постановке Тобиаса Кратцера, и в 2016 году на премьере "Парсифаля" Уве Эрика Лауфенберга, воспринятого одними китчем, манипуляцией на теме мусульманского мира, а другими - актуальным высказыванием на ближневосточную тему.

В свой нынешний, уже четвертый фестивальный сезон этот "Парсифаль" прошел под девизом фразы Далай-ламы: "Иногда я думаю, что было бы лучше, если бы вообще не было религий". В спектакле братство Грааля представлено как лагерь беженцев в разрушенной христианской церкви в одной из стран Ближнего Востока. Здесь "братья", шокируя случайно попавшего к ним Парсифаля, совершают странный ритуал с королем Грааля Амфортасом, снимая его в набедренной повязке с огромного креста и жутковато причащаясь живой крови, выдавленной из его незаживающей раны. Волшебник Клингзор, враг Грааля, представляет здесь восточный мир, заманивая иноверцев с помощью наложниц в свой гарем (действие происходит в хамаме) и уничтожая их. Расстановка сил здесь изначально антагонистическая, религии показаны, как изжившие себя: мир погряз в войне.

Но в версии нынешнего года Лауфенберг сделал отчетливый акцент не на современном конфликтном состоянии Востока и Запада, а на разрешения этого антагонизма в новой нерелигиозной цивилизации. И хотя Парсифаль побеждает в спектакле Клингзора, ломая его волшебное копье и сооружая из него крест - то есть, формально, христианской силой, в финале, когда Парсифаль возвращается в разрушенный храм Грааля, "беженцы", представители разных религий и народов, сбрасывают в пустой гроб, вынесенный на сцену братьями Грааля, предметы религиозных культов, в том числе и копье, добытой Парсифалем у Клингзора. Аллегория счастливого человечества - тропический зеленый Эдем, открывшийся в просвете разбитой стены храма, где обнаженные фигуры адамов и ев беззаботно резвятся в потоках проливного дождя.

Все четыре сезона в этом спектакля пела российское сопрано Елена Панкратова, идеально вписавшаяся в партию Кундри, экстремально сложную даже для вагнеровского репертуара: огромные скачки голоса, драматизм и тончайшее пианиссимо, страсть и длинные певучие фразы. Кроме того, впечатлило ее большое актерское мастерство в воплощении разных ипостасей Кундри: как друга рыцарей Грааля, как души, страдающей от совершенного греха, как соблазнительницы короля Амфортаса и Парсифаля. В финале в образе старой и больной Кундри Панкратова была убедительна и трогательна даже без слов. В этом году певица выступила в Байройте также в партии Ортруды в "Лоэнгрине", которую будет петь и в следующем сезоне.

Между тем, в нынешнем сезоне в "Парсифале" сложился не только впечатляющий исполнительский состав (в титульной роли героический вагнеровский тенор Андреас Шагер, в Гурнеманце - выдающийся немецкий бас Гюнтер Гройссбек, в партии Клингзора - австралийский бас-баритон Дерек Уэлтон), но и высококлассная работа дирижера Семена Бычкова, вошедшего в спектакль год назад. Его версия партитуры "Парсифаля", собранной для этой постановки по хранящимся в Байройте вагнеровским рукописям, завораживал пышным, объемным оркестровым звуком, непривычной темповой драматургией, открывавшейся очень медленным вступлением, но четко выстроенной в логике сценического действия. Сцены шествия братьев Грааля (беженцев) были лишены привычной нагнетающейся патетики, зато вся тончайшие детали партитуры тщательно отделаны: быстрые темпы бегущих, спасающихся, вторгающихся персонажей, гибкое мягкое движение в танцевальных сценах девушек, раскачки таинственного колокола, блестящая координация с хором. Именно в этом сезоне музыкальная часть спектакля достигла своего исполнительского апогея, а сама постановка ушла из афиши, завершив свой цикл Werkstatt Bayreuth.

В третий раз на фестивале показали один из самых успешных байройтских спектаклей последних лет - "Нюрнбергские майстерзингеры" (2017) в постановке Барри Коски. Блестящий сатирический бурлеск, выводящий на поверхность антисемитские клише вагнерианства, ироническое действо, разворачивающее в разных ракурсах феномен вагнеровского творчества с его идеей искусства "чистой", первородной Германии, фатально обернувшейся в ХХ веке в идеологию, в националистический культ. Многомерная фактура спектакля выстроена с захватывающим и ясным смыслом: так, беззаботный мир первого акта, где на сцене музейно копируется вагнеровская вилла Ванфрид с ее обитателями, включая вагнеровских ньюфаундленов, и гостями - тестем Ференцем Листом и дирижером еврейского происхождения Германом Леви, иронично обыгрывает эгоманию Вагнера и его шутки над Леви, саму вагнеровскую фантазию, когда на сцену выбегают костюмированные персонажи из средневекового Нюрнберга и множество Вагнеров и вагнерят в бархатных беретах. Этот далекий и трогательный мир в финале действия оборачивается картиной зала номер 600 Нюрнбергского Дворца юстиции, где по окончании Второй мировой войны проходил процесс над лидерами нацизма - образ будущего, к которому привела немецкую историю патетическая вагнеромания.

Развивая политический и антисемитский дискурс, Коски разыгрывает на сцене двойной сюжет, где сам Вагнер, его жена Козима, Лист и Леви становятся персонажами вагнеровской оперы. И шутки Вагнера над Леви оборачиваются во втором акте оперы в картину "погрома", который устраивают жители Нюрнберга писарю Сиксту Бекмессеру (он же - Леви). Апофеоз антисемисткого сюжета - карикатурный танец Бекмессера с огромной бутафорской головой из нацистского журнала "Штюрмер" и нависшее над сценой в финале второго действия гигантское надувное лицо озлобленного еврея. Мартин Гантнер оказывается менее характерным в образе Бекмессера-Леви, чем выступающий в другом составе в той же партии блистательный Йоханнес-Мартин Кренцле, но пунктирно все-таки смог воспроизвести жестикуляцию, аутсайдерство и движения фрейлехс, задуманые Коски для этой роли.

Надо заметить, что некоторые акценты спектакля сместились в этом сезоне, выдвинув более крупно тему "немецкого искусства", звучащую в хоровом финале "Майстерзингеров". Ироническая игра, где у Коски главный герой оперы Ганс Сакс в образе самого Вагнера произносит с трибуны речь в защиту немецкой культуры, рассуждая об опасности ее "загрязнения", а хор славит творца нового национального мифа, зазвучала еще рельефное - возможно, потому, что для сегодняшней Германии тема культурной идентичности звучит более актуально.

Музыкальная фактура спектакля за три года отшлифовалась до блеска и под руководством дирижера Филиппа Йордана достигла абсолютной ясности, звуковой оркестровой красоты, потрясающей координации оркестра и хора, проявившего, в свою очередь, чудеса мастерства: каждый артист хора существовал еще в активном актерском образе, усложненном гротеском. В мужских партиях в образе Вагнера и его персонажей вновь выступили Михаэль Фолле (башмачник Ганс Сакс), у которого эта роль имеет огромный художественный объем - вокальный, актерский, гуманистический, фокусирая на себе, по сути, все смыслы спектакля, а также Клаус Флориан Фогт - Вальтер фон Штольцинг, завороживший зал сиящими красками голоса в лирических сценах с Евой. Ее, а также Козиму Вагнер пела в этом сезоне Камилла Нилунд, удачно вписавшаяся в сложившийся музыкальный ансамбль. В партии Вейта Погнера, отца Евы (и Листа, отца Козимы) выступал великолепный Гюнтер Гройссбек, а лирического Давида обаятельно спел Даниэль Беле.

Финал у музыкантов прозвучал как апофеоз и квинтэссенция финальной речи Ганса Сакса о величии классической немецкой культуры, обращенной с трибуны в освещенный и переполненный публикой Байройтский зал. И это то, что зал хотел бы сегодня особенно услышать.

Справка "РГ"

Главным событием Байройтского фестиваля в 2020 году станет новая постановка "Кольца нибелунга" в версии молодого австрийского режиссера Валентина Блэка и дирижера Пиетари Инкенена. В афише также: "Тангейзер" (дирижер Аксель Кобер, Венера - Екатерина Губанова), "Лоэнгрин" (дирижеры Кристиан Тилеманн и Аксель Кобер), "Нюрнбергские майстерзингеры". На закрытии 30 августа прозвучит Девятая симфония Бетховена (дирижер Марек Яновский), единственная партитура, которую исполняют на Байройтском фестивале наряду с вагнеровскими операми. К слову, именно Девятой симфонией Вагнер дирижировал в Байройте на закладке первого камня Фестшпильхауса 22 мая 1872 года. С тех пор она звучала здесь шесть раз.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11725

СообщениеДобавлено: Ср Сен 11, 2019 12:05 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019091101
Тема| Музыка, Опера, Зальцбургский фестиваль, "Медея", Персоналии
Автор| Наталия Сурнина
Заголовок| Позвони мне, позвони
Саймон Стоун перенес трагедию Медеи в век мобильных телефонов
Где опубликовано| © Независимая газета
Дата публикации| 2019-09-10
Ссылка| http://www.ng.ru/culture/2019-09-10/7_7672_telephone.html
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ



Молодой австралийский режиссер Саймон Стоун покорил Зальцбургский фестиваль два года назад, поставив оперу «Лир» живого немецкого классика Ариберта Раймана. На этот раз перед ним стояла задача сложнее: (пере)осмыслить «Медею» Луиджи Керубини, довольно громоздкий шедевр конца XVIII века, возвращенный к жизни в середине прошлого столетия Марией Каллас. Сенсацией, подобной «Лиру», этот спектакль не назвать, а вот молодая российская певица Елена Стихина в титульной партии произвела фурор и стала главным открытием нынешнего фестиваля.

Выпускница Московской консерватории, в 2014-м она уехала начинать карьеру в Приморский театр и, как оказалось, вытянула счастливый билет: коллектив вскоре стал филиалом Мариинского театра, и сегодня Елена Стихина – успешная солистка главной петербургской сцены, где в ее репертуаре более дюжины главных партий, в том числе в «Саломее», «Тоске», «Пиковой даме» и «Силе судьбы». После победы на нескольких конкурсах певица, которую в свое время не взяли ни в один московский театр, дебютировала в Метрополитен-опере, Баварской государственной и Парижской национальной операх, и, думается, после «Медеи» ее карьера выйдет на новый уровень.
Героиня Стихиной не злодейка, и это слышно с первых нот – горе еще не переплавилось в ненависть, а печаль и искренность в голосе, определяющие характер большой первой арии, способны растрогать и камень. Эта Медея прежде не убивала, и во время увертюры режиссер на экране воссоздает не кровавую предысторию мифа, а семейную идиллию: уютный дом в горах, совместные завтраки, пикники… Дальше, как это бывает, неловкое СМС, забытая детская скрипка, не вовремя вернувшаяся жена… Развод. Оно бы и к лучшему, ведь Ясон у Стоуна привык изменять, даже накануне свадьбы с Диркой, дочерью высокопоставленного чиновника Креонта, он приводит в номер девицу. Но конфликт в стоуновской «Медее» гораздо сложнее семейных ссор, он про лицемерие, про то, как быстро можно стать изгоем в обществе, частью которого ты был еще вчера. Про антитезу «свой – чужой», которую Стоун решает в 100 раз тоньше, чем Питер Селларс с его очередной в лоб решенной историей про беженцев в зальцбургском «Идоменее».

Выброшенная из австрийской идиллии (действие начинается в Зальцбурге и его окрестностях) Медея теперь нелегальная мигрантка, она звонит Ясону из убогого интернет-кафе в Тбилиси, а когда прилетает повидаться с детьми, ее со скандалом и телевизионщиками задерживает в аэропорту Креонт. Единственное, что ей остается, – бесконечно наговаривать сообщения Ясону на автоответчик. Эти послания заменяют разговорные диалоги и становятся главным лейтмотивом спектакля. Не врожденная жестокость, а агрессия общества и безразличие некогда любимого человека, неспособного перезвонить матери своих детей, доводят Медею до детоубийства. Рост ее отчаяния – стержень спектакля, и даже финальная сцена на автозаправке, заметно провисающая после роскоши и экшена предыдущих картин, держится на открытом нерве и вокальной мощи Елены Стихиной.

Женщины в этом спектакле вообще превосходят мужчин. Итальянка Роза Феола (столь же прекрасная, сколь и ее имя) роскошно поет Дирку, благодаря ей невеста Ясона не воспринимается как подпорка в конструкции конфликта. Сильный образ создает и меццо Алиса Колосова (Нерида), приписанная к дому Ясона; увидев в теленовостях, как ее прежнюю хозяйку выдворяют из страны, героиня переходит от сострадания к соучастию. В мужском лагере выделяется бас Виталий Ковалев (Креонт), а вот киношная внешность чешского тенора Павла Черноха (Ясон) не искупает его вокальных огрехов.

Режиссерский метод Стоуна знаком московской публике – этой весной он буквально потряс столицу своими прочтениями Чехова и Ибсена: «Трех сестер» показали на «Золотой маске», а драму «Йун Габриэль Боркман» на Чеховском фестивале. Саймон оправдывает затасканный принцип актуализации, обладая редким даром полностью пересочинить пьесу, сохранив ее дух. Чтобы устранить оперную ходульность, он рассказывает сюжет своей «Медеи» с максимальной психологической и бытовой детализацией. Это очень подробный и дорогой спектакль, прослоенный черно-белыми видео с роскошными крупными планами и динамичным действием (Стоун – отличный кинорежиссер). Вместо дворца и храма сценограф Боб Казинс создает с десяток локаций: гламурный свадебный салон, ночной клуб, отель, интернет-кафе, аэропорт, банкетный зал, автобусная остановка и, наконец, автозаправка, где происходит развязка. Обилие подробностей иногда мешает восприятию музыки (хотя игру «венских филармоников» под управлением Томаса Хенгельброка выдающейся не назвать), но подробности эти так ловко подогнаны друг к другу, так точно выверены, что язык не повернется назвать их просто начинкой декорации – из них вырастает вселенная, которую каждый зритель достраивает на свой лад.

Исследуя в этом году тему мифа, команда Зальцбургского фестиваля во главе с интендантом Маркусом Хинтерхойзером сумела выстроить очень широкий спектр интерпретаций («Эдип» Мецмахера/Фрайера, «Идоменей» Курентзиса/Селларса, «Орфей в аду» Мацоллы/Коски, «Альцина» Капуано/Микелетто, «Симон Бокканегра» Гергиева/Кригенбурга). 35-летний Стоун, успешный новичок в оперном театре, никому ничего не хочет доказать, а просто делает очень хороший спектакль, демонстрируя владение совершенно иным, чем в «Лире», методом перевода партитуры в сценическое пространство. Несомненно, он остается одним из главных ньюсмейкеров современной театральной жизни, режиссером, за каждым шагом которого хочется следить. И такая возможность есть: 24 сентября в кинотеатрах покажут его новую «Травиату» из Парижской оперы, а середине октября на «Территорию» привезут драматическую «Медею». Вот и сравним.

А в ноябре летний Зальцбургский фестиваль должен объявить планы юбилейного – 100-го – сезона.

Зальцбург
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11725

СообщениеДобавлено: Ср Сен 11, 2019 12:13 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019091102
Тема| Музыка, Опера, Конкурс, XII международный конкурс молодых оперных певцов Елены Образцовой, Персоналии, Е. Мартон
Автор| Владимир Дудин
Заголовок| Что скажет Ева
XII международный конкурс молодых оперных певцов Елены Образцовой готовится объявить свои лауреатов
Где опубликовано| © Российская газета
Дата публикации| 2019-09-10
Ссылка| http://www.ng.ru/culture/2019-09-10/7_7672_telephone.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Уже в третий раз именной конкурс Елены Образцовой проходит без участия великой примадонны. Но в жюри этого конкурса сидит выдающаяся венгерская певица Ева Мартон, учредившая в Будапеште в 2014 году такой же оперный конкурс по образу и подобию образцовского. Покорившая сцены всех знаменитых оперных театров мира в тяжелом драматическом репертуаре Верди, Штрауса и Пуччини, сегодня она ведет активную деятельность по поддержке молодых певцов.

Ева Мартон рассказала "РГ", что думает о конкурсе, карьере и современном оперном театре:

В чем сложность вокальных конкурсов, на ваш взгляд?

Ева Мартон: Вокальный конкурс - очень сложное испытание, пройти которое намного сложнее, чем спеть концерт или выступить в оперном спектакле. Тут сходится очень много факторов: и нервы, и самочувствие, и психическое состояние должны быть в полном порядке. Все это непросто выдержать молодому певцу. Но поверьте, что и членам жюри крайне трудно объявлять "нет". Это не то, что кинул два доллара в автомат, нажал на кнопку и получил результат. Здесь нет деления на черное и белое. Мне даже сложно сказать, как складывается оценка конкурсанта. Мы ведь оцениваем не только голос, но и исполнителя в целом, его артистическую личность.

Еще сложнее судить тех, кому уже 32 и кому только 18?

Ева Мартон: Да, сегодня много очень молодых стремятся выступить на конкурсе, но на мой взгляд, все же лучше основательней подготовиться, дозреть, потому что психологически сложно услышать "нет" сразу от нескольких членов жюри. Хотя это общее "нет" далеко не всегда означает, что все так плохо и надо срочно все бросать. Есть много возможностей помочь молодым певцам. В Будапеште в рамках своего конкурса по его окончании я провожу трехдневный мастер-класс, где конкурсанты, дошедшие до полуфинала и финала, могут бесплатно принять участие.
Но самое главное, о чем всегда говорила Елена Образцова - помочь певцу в его продвижении после конкурсных баталий.

Ева Мартон: Для меня это тоже очень важно - отслеживать судьбу конкурсантов. Ну, победил ты в конкурсе, занял призовое место, получил немножко рекламы, денежную премию, но что дальше? Важнее помочь молодым открыть двери концертных залов и театров в других городах и странах.

Когда оперному солисту было проще продвигаться - в дни вашей молодости или сегодня?

Ева Мартон: А никогда не было просто. В годы моей юности все было во власти коммунистического режима и если у тебя не было партбилета, то никуда особо и не продвинешься. Мне, наверно, повезло. В университете я получала стипендию и меня как-то довольно быстро пригласили в Государственную оперу Будапешта, где я выступала с дирижером Кристофом фон Дохнаньи. В "Золоте Рейна" Вагнера у меня в партии Фрейи было всего несколько реплик "Помогите, спасите меня!" Но этого было достаточно, чтобы услышать мой хороший, крепкий голос, уверенное исполнение. Агенты начали предлагать разные партии одну за другой. А дальше мне крупно повезло с мужем, который умел говорить "нет", отклоняя многие предложения на партии, до которых я еще не дозрела, оберегал от неверных решений. Мой муж - хирург, очень прямолинейный человек. Как многие врачи, он интересовался искусством, обожал пение. Всегда говорил мне, что я не должна думать о деньгах, а о голосе, об искусстве. Такой вот был личный секретарь, просто счастье. В Америке существует движение metoo, где женщины признаются в том, что подвергались сексуальным домогательствам. В моем случае этого никогда не могло случиться. Когда муж появлялся рядом со мной, ни о каком харрасменте не могло быть и речи: все рядом оказывались такими маленькими. Я очень много выступала, жила во Франкфурте-на-Майне, но постоянно выступала в Америке - Хьюстоне, Сан-Франциско, Метрополитен, Буэнос-Айресе, после чего началась и моя бурная европейская карьера.

Одну из своих коронных партий - Турандот в опере Пуччини вы начали петь тогда, когда в ней еще продолжала блистать великая Биргит Нильссон?

Ева Мартон: Я обожаю Биргит, которая напророчила мне эту партию. Сейчас расскажу забавную историю, которая связана с ней и моим мужем. На оркестровой репетиции "Женщины без тени" Штрауса в Метрополитен-опера, где я пела Императрицу, а Биргит - Жену Красильщика, она вдруг сказала мне перед закрытым занавесом, посмотрев в зеркало снизу вверх (я по сценарию стояла перед ней на коленях): "Вообще, ты можешь смело начинать петь Турандот". Я очень удивилась. Мне казалось, что я еще не готова. Я вернулась домой, позвонила мужу, мы тогда в Гамбурге жили, рассказала об этой ремарке Биргит. Представьте себе, каково было мое удивление, когда он ответил: "Да, ты как раз 23 июня и поешь Турандот в Венской опере, я говорил об этом с маэстро Лорином Маазелем". История, как в кино. А 18 июня - день моего рождения. У меня мурашки по коже сейчас бегут, когда вспоминаю это. Такая была у людей интуиция. Прекрасная получилась "Турандот" с участием Хосе Каррераса и Кати Риччарелли. Все получилось превосходно, я была готова, и нервы, и голос оказались в нужной форме.

Как вы сегодня смотрите на состояние оперного искусства, на новое поколение певиц?

Ева Мартон: Все сильно изменилось и, к сожалению, не в лучшую сторону. В те времена было много сильных потрясающих голосов, на которые легко можно было ставить "Аиду", "Трубадур", "Джоконду". Сегодня у дирекции театров возможностей намного меньше. Они радуются, если найдут хотя бы одного драматического тенора. Сегодня на разных уровнях управления в оперных театрах развелось очень много дилетантов, не способных отличить большие голоса от маленьких. Исчезает поколение великих дирижеров. Налицо и кризис идей у режиссеров, которые тащат политику на сцену без всякой необходимости. Я всегда говорю, пусть лучше сцена будет полупустой, чем забитая всякой ерундой, барахлом, напоминающим склад. Но надежда есть всегда. Музыка продолжает нас спасать. Но только не компьютер, который не развивает ни фантазию, ни воображение, хотя я сама провожу немало времени за ним, отвечая на письма. В нашей школе мы не говорим о политике: закрываем двери и остаемся один на один с Моцартом и Бетховеном.

Справка "РГ"

Ева Мартон, драматическое сопрано. Родилась в Будапеште, обучалась вокалу в Академии Ф. Листа. Оперным дебютом стала партия Шемаханской царицы в "Золотом петушке" Римского-Корсакова в 1968 году на сцене Государственной оперы Будапешта. На Байройтском фестивале 1977-78 годов исполняла обе партии в одной опере - Елизавету и Венеру в "Тангейзере" Вагнера. Дебют в партии Турандот в опере Пуччини, принесшей ей абсолютную мировую славу, состоялся в Венской Государственной опере в 1983 году. Пела с дирижерами Риккардо Мути, сэром Георгом Шолти, Клаудио Аббадо, Джеймсом Ливайном, Лорином Маазелем и многими другими. Прощанием с оперной сценой стала партия Клитемнестры в "Электре" Штрауса в 2008 году в оперном театре Лисеу в Барселоне. С 2013 возглавляет факультет драматических искусств в Венгерской академии искусств. В настоящее время - почетный профессор Музыкальной академии-Университета Ф.Листа в Будапеште.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20280
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Сен 12, 2019 9:30 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019091201
Тема| Музыка, Опера, Персоналии, Венера Гимадиева
Автор| Юлия Пнева
Заголовок| Венера Гимадиева: "Конвейерная система в искусстве портит качество"
Где опубликовано| © Voci dell’Opera. Интернет-журнал об опере и балете
Дата публикации| 2019-09-09
Ссылка| https://www.vocidellopera.com/single-post/venera-gimadieva
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Лирико-колоратурное сопрано Венера Гимадиева, одна из самых успешных российских певиц, которую чаще всего можно наблюдать на сценах европейских театров, в беседе с Voci dell’Opera поделилась мнением о певцах прошлого, рассказала о реалиях жизни современных артистов и призналась, в чем сложности работы в «режиссерском» театре.



Мне кажется, что современный оперный певец страдает от чрезмерного количества выступлений в графике. Как Вы считаете?

Почему мы так много работаем? Во-первых, сейчас достаточно много талантливых певцов, и очень сильная конкуренция между ними, поэтому само собой складывается такой ритм жизни. Это немножко, конечно, конвейер. Во-вторых, современные гонорары ниже в сравнении с гонорарами, которые певцы получали еще 50 лет назад. Теперь, чтобы заработать, приходится крутиться и вертеться.

Что касается меня, когда я была в Большом театре, режим был достаточно щадящий, особенно когда я только начинала. Было проще в плане подготовки партий, отдыха, времени дома с родными. Сейчас сложнее, хотя, с другой стороны, я сама себе хозяйка. Я могу сказать "нет", если необходимо.

Бывало ли у Вас так, что сегодня Вы поете спектакль, завтра уезжаете, через пару дней репетируете на новом месте и снова поете? Или что у Вас несколько дней подряд спектакли?

Бывало, на моей памяти, по-моему, один раз, когда у меня было два спектакля подряд. Но я стараюсь так больше не делать. Пение через день - уже сложно. Один день слишком мало, не восстанавливаешься. Три дня - слишком много, расслабляешься. Два дня перерыва - идеально.

В Берлине я заменяла Претти Йенде, которая заболела, затем сразу поехала в Дрезден. Я понимала, что я в хорошей форме, что я могу это сделать. Партию Амины я пела в феврале, то есть недавно, плюс надо было выручать театр, потому что оставалось только два-три дня до спектакля, а найти кого-то и ввести в такую сложную постановку практически нереально. Также был очень классный состав, хорошие ребята. Когда мне предложили, я подумала: «Ой, как здорово, только недавно были вместе и снова будем петь».

Я слышала, что репетиции и спектакли бывают в один день.

Да, у меня вот так сейчас было. В Дрездене отрепетировала Маргариту, села в машину и приехала в Берлин. Обычно в день спектакля я предпочитаю лежать дома, фильм приятный смотреть, поспать лишний раз... а тут репетировать, потом дорога, хотя и комфортабельная. Это непросто.

На кого Вы ориентируетесь в творчестве? Есть ли у Вас путеводные звезды/любимые певцы?

Я слушаю себя. У меня есть педагог, конечно, коучи. У меня есть люди, которым я доверяю и к которым могу обратиться за помощью. Я очень люблю слушать Анну Моффо. Когда я учила «Сомнамбулу» для Большого театра, мне помогала её интерпретация. Монсеррат Кабалье слушаю для воздушной кантилены. Беверли Силлз - для остроты, чтобы найти точность. У каждого певца какие-то сильные стороны, одного выбрать не могу.

Как Вы относитесь к певицам прошлого? Многие считают, что они более техничные, чем современные артисты, несмотря на несовершенство звукозаписывающей техники. Как Вы думаете, техника оперного пения изменилась за последние 100-150 лет?

Дело даже не в этом, а в том, что опять же эта конвейерная система, как я думаю, безусловно, портит качество, потому что невозможно столько работать и быть в форме постоянно. Я сама чувствую, что эти два спектакля «Сомнамбулы» прошли на довольно высоком для меня уровне, потому что до этого у меня был месяц свободного режима.

Но не стоит сравнивать нынешнюю ситуацию с певцами прошлого, потому что время меняется, мы другие люди. У нас организм меняется, школа претерпевает изменения. Вспомните русскую школу, какая была заточенность на остроту звучания (как у Мирошниченко, допустим). Сейчас, если бы кто-то так стал петь, не думаю, что это бы восприняли. Очень много молодых певцов направлены в сторону Нетребко, ее богатого, большого звучания. Вкусы публики меняются тоже.

Кроме того, поменялась режиссура. У современного певца больше задач на сцене. Допустим, мне в «Гугенотах» во время моего дуэта нужно три раза обежать вокруг ванны. Хорошо, там не кантабиле, не кантилена, а стаккато, и это можно было как-то обыграть. Но вы можете представить, допустим, Монсеррат Кабалье, бегающую вокруг ванны? Постановки того времени были гораздо статичнее.

Мне нравится, что современные режиссеры спрашивают с оперных певцов как с драматических артистов, но все равно должна соблюдаться какая-то мера. Все-таки это опера, условное искусство со своими законами, синтез жанров.

Но, конечно, есть певцы, которые стабильно держат стандарт старой школы. Например, Хавьер Камарена, Лоуренс Браунли, Лизетт Оропеза. Соню Йончеву я никогда не слышала живьём, только на записи, но она тоже замечательная.

К чему Вы стремитесь в своём творчестве? Как Вам удаётся оценивать себя адекватно?

Многие певцы записывают собственное пение, чтобы оценить себя, но я делаю это очень редко. Если в чем-то не уверена, то иногда, записываю и отсылаю педагогу. А стремлюсь к техническому и эмоциональному совершенству, конечно.

Испытываете ли Вы сильные эмоции во время спектаклей? Или Вы сосредоточены на процессе пения?

Мы находимся в процессе, мы репетируем, это входит в нашу кровь. Мы исполняем произведение не в первый раз и не можем воспринимать его так же, как зритель. Хотя если очень красиво и трогательно, как, например, в Травиате, когда Виолетта уже угасает, а Альфредо и Жермон поют маленький дуэт, то да. Я уже говорила в каком-то интервью, что обожаю сцену No, non morrai. Каждый раз я понимаю, что у меня комок в горле, что следующую фразу как-то нужно петь на пиано.

Переживать - это дело опасное. Бывает, что меня пробивает на слезу, но нужно мгновенно взять себя в руки. Ты живёшь жизнью героини, да, но ты и на сцене в то же самое время. Голова работает уже даже не в плане техники, потому что все отработано, а в плане контроля. Но творческая сторона тоже присутствует: хочется красиво сделать фразу и выразить чувства.

Расскажите о Ваших планах на будущее: творческих и жизненных.

«Франческа да Римини» Рахманинова в концертном исполнении в Амстердаме, «Травиата» в Мюнхене. Очень жду Даллас, это будет октябрь-ноябрь. Там будет тот же самый «Золотой петушок», который мы ставили в Санта Фе. Обожаю Пола Карна и его партнёров по работе. В конце года будет повторение «Гугенотов» в Дрездене. Кто не успел в прошлом сезоне, милости просим. Будет камерный концерт в «Зарядье» в Москве, где я еще не выступала. И заканчивается сезон в Royal Opera House «Лючией ди Ламмермур», известной «кровавой» постановкой.

Знаете, я немного не понимаю концертные исполнения опер.

Концертные исполнения бывают разные. Сейчас в них стали добавлять какие-то драматические элементы с актерской игрой, так что не всегда это очень статично. Но это особая возможность насладиться музыкой, не отвлекаясь ни на что другое.

Вы первый раз пели в Берлине?

В Берлине я пела не в первый раз. Все началось с благотворительно концерта AIDS Gala несколько лет назад. Потом пела здесь Виолетту и вот в этот раз Амину.

Понравился ли Вам город?

Я пока не поняла этот город. Вчера я встречалась со своей приятельницей, и она сказала: «Ой, так хочу в Берлине жить». Так вот я теперь хочу понять, что же ей так нравится здесь. Я побывала в музеях, в Staatsoper, прошлась по Музейному острову. В прошлый раз я останавливалась в Шарлоттенбурге, возле красивого дворца и парка, но Берлин для меня по-прежнему очень странный. Он сюрреалистический какой-то для меня.

Мне нравится Мадрид, мне нравится Цюрих, Венеция прекрасна. Берлин, как я понимаю, нужно любить изнутри. Здесь грани свободы немного размыты. Конечно, ты можешь делать все, что хочешь, но в меру твоего контакта с другими людьми. В России слишком все по полочкам разложено, там всего тебя обсмотрят, оценят, как ты выглядишь.

Когда театр приглашает артиста, оплачивают ли ему жилье и билеты?

В разных странах и театрах это происходит по-разному. Иногда театр помогает с жильем, но чаще находишь жилье и организуешь перелет сам. На новых постановках нам оплачивают не только выступления, но и репетиционный период.

Как Вы относитесь к тому, что сейчас оперных певиц хотят видеть красивыми и стройными?

Раньше главным был голос, и не надо было столько двигаться на сцене, а сейчас есть интернет и много всего по телевидению, журналы, эталоны красоты. Театр стал «режиссерским», и режиссеры выбирают певцов. Они часто руководствуются внешними параметрами, что, в принципе, понятно. Мы стали более восприимчивы зрительно, мы окружены фотографиями и картинками, это оказывает свое влияние на наши визуальные ожидания.

Вы занимаетесь спортом?

Спорт периодически присутствует в моей жизни. Диета тоже: поменьше жареного, сладкого, мучного, поменьше алкоголя. Был интересный случай. Из театра Санта Фе мне прислали костюмы на утверждение за год до спектакля (какие молодцы!), а там - бикини. Мой муж сказал: «Венера, тебе надо к этому готовиться». И я начала готовиться. За три месяца до постановки я пошла в спортзал и к диетологу и узнала о том, что нельзя налегать, например, на картошку. Или, допустим, был такой разговор диетологом: «Что вы едите на завтрак?» - «Творог». «Хорошо. Какая жирность? Ладно». «Что еще добавляете в творог?» - «Сметана 15 процентов жирности, а сверху мед и кедровые орешки». «Вы что, с ума сошли?».

Каково быть замужем за пианистом?

Все сразу задают вопрос: «Ой, муж пианист, ты, наверное, сразу все учишь быстро?». Ничего подобного. Сапожник без сапог. У меня муж больше концертный пианист, как сольно, так и с певцами. Я лишний раз его не мучаю и учу или с коучем, или сама. Естественно, он мне может помочь, если мне нужно собрать какое-то произведение, а так мне очень хорошо быть в музыкальной семье. Они всегда понимают и поддерживают. Кстати, моя свекровь - это мой педагог.

Вы стремитесь к успеху? Что для Вас успех?

Что касается творчества, то это преодоление каких-то своих барьеров: технических или психологических. Если я сделала техническую часть, которая никогда не получалась, - это успех. Если я на сцене выложилась по максимуму, опять же это успех. Если публика поняла и приняла, если я совместила задумки режиссёра, дирижёра и композитора... Это может быть большой или малый успех, но он всегда складывается из множества деталей.

Конечно, хочется продолжать петь в крупных театрах, хочется петь больше новых партий. Я очень хочу исполнить «Манон» Массне, Лейлу из «Искателей жемчуга», Адину из «Любовного напитка». Пока такие желания.

-------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11725

СообщениеДобавлено: Пт Сен 13, 2019 4:46 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019091302
Тема| Музыка, Опера, МАМТ, Гастроли в Китае, "Евгений Онегин", Персоналии
Автор| Светлана Наборщикова
Заголовок| Онегин, добрый мой китаец: МАМТ выступил в Большом театре
На крупнейшей сцене Шанхая станиславцы представили одну из главных русских опер
Где опубликовано| © Известия
Дата публикации| 2019-09-13
Ссылка| https://iz.ru/920700/svetlana-naborshchikova/onegin-dobryi-moi-kitaetc-mamt-vystupil-v-bolshom-teatre
Аннотация| ГАСТРОЛИ

Уединение сельской усадьбы и блеск петербургского бала. Живые статуи и Жучка в салазках. Старинная карета и урбанистические конструкции. В эти дни к особенностям «Евгения Онегина» в постановке Московского академического музыкального театра имени К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко (МАМТ) привыкает китайская публика. «Известия» убедились в необратимости процесса.

«Евгением Онегиным», данным для опероманов Поднебесной, МАМТ открыл свой 101-й сезон. Причем сделал это в Большом театре Шанхая, на одной из самых престижных площадок Азии.

Учреждений культуры, именуемых Большими театрами, в Китае множество, но этот — особенный. Огромный (на 1,6 тыс. мест), с отличной акустикой и удачным расположением. Выступить здесь — испытание для коллективов самых высоких рангов. МАМТ не только выступил, но и, похоже, закрепился. Директор шанхайского театра госпожа Чжан Сао Пин, приветствуя труппу после первого представления, сообщила, что на остальные постановки билеты распроданы, а с руководством москвичей уже ведутся переговоры о дальнейшем сотрудничестве.

— Мы здесь в первый раз, но хотелось бы, чтобы наши визиты стили традицией. Предпосылки для этого имеются, — рассказал «Известиям» гендиректор МАМТа Антон Гетьман. — Что касается выбора произведения, то это просьба китайской стороны. «Евгений Онегин» в Китае — репутационная история. Можно сказать, мы в нее вписались.
Для станиславцев «Евгений Онегин» — история еще и сугубо личная. Творческий путь театра начался с этого спектакля. Классицистские колонны из его декорации украшают логотип МАМТа. А привезенная в Китай новая постановка Александра Тителя — по сути, размышление о судьбе раритета в частности и постановок «Онегина» в целом.

Успеху оперы немало поспособствовала и местная специфика. Русскую классику китайцы любят с непостижимым для нас упорством. На майские спектакли «Евгения Онегина» Театра им. Евг. Вахтангова зрители шли, захватив с собой томик Пушкина на китайском. С партитурой произведения Петра Ильича Чайковского пока никто замечен не был, но и это не за горами.

— С восхищением смотрю на образование китайского народа, он сегодня открыт для мировой культуры, — отметил в беседе с «Известиями» дирижер оперы и музыкальный руководитель МАМТа Феликс Коробов. — Зрители честно пытаются вникнуть в суть происходящего, не только смотрят на картинку, но и прислушиваются, погружаются в музыкальную фактуру.

Действительно, шанхайская публика, некогда далекая от европейского искусства, реагировала по всем правилам оперного бонтона. Одобрительными возгласами отметила выразительные конструкции сценографа Давида Боровского. Дружно хлопала после письма Татьяны (Наталья Петрожицкая). С пониманием аплодировала «домашнему» ариозо Онегина (Андрей Батуркин). Бурно приветствовала лирическое признание Гремина (Андрей Валентий). Но, выслушав «Куда, куда вы удалились», затаила дыхание, предчувствуя трагическую участь Ленского (Владимир Дмитрук).

— Зрители ощутили этот и другие значимые моменты, можно сказать, на уровне сенсорики, — поделился с «Известиями» главный режиссер театра Александр Титель. — Чутко соучаствовали, были внутри этого негромкого и лаконичного спектакля, где паузы порой значат больше, чем действие...

Гастроли станиславцев в Китае продлятся до 15 сентября, а уже 19-го оперная труппа выступит на родной сцене. Первой премьерой нового сезона станут «Похождения повесы» Игоря Стравинского. Что касается гастрольной истории, то ее продолжит балет. В декабре артисты отправятся в Канны с «Жизелью», а в апреле их ждет Париж с непривычной для вояжей российских танцовщиков программой. По словам директора Антона Гетьмана, станиславцы во главе с худруком балета Лораном Илером решили разрушить стереотип, согласно которому визитной карточкой русского балета служит «Лебединое озеро». Во французскую столицу они везут исключительно современный репертуар — Кайдановского, Экмана, Гекке.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11725

СообщениеДобавлено: Пт Сен 13, 2019 4:50 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019091303
Тема| Музыка, Опера, Персоналии, Ю. Башмет
Автор| Надежда Травина
Заголовок| Маленькие большие артисты
Всероссийский юношеский симфонический оркестр покоряет российские города
Где опубликовано| © Независимая газета
Дата публикации| 2019-09-12
Ссылка| http://www.ng.ru/culture/2019-09-12/7_7675_orchestra.html
Аннотация| ГАСТРОЛИ

Всероссийский юношеский оркестр отправился в большое турне по России. 10 городов, филармонические площадки, интенсивные репетиции, долгие переезды. Сценическое волнение, долгожданный концерт, овации местной публики – и снова переезды. Коллективу Юрия Башмета к такому режиму не привыкать: за плечами ребят уже европейские гастроли в таких крупных залах, как венский Muzikverain или Концертгебау (Амстердам). История этих поездок началась в 2012 году, когда маэстро Башмет решил объединить талантливых детей от Калининграда до Владивостока, взяв за основу всероссийский конкурс исполнителей классической музыки. И с тех пор в регионах нашей страны проводятся отборочные туры, по результатам которых ученики музыкальных школ и колледжей занимают свое место в составе Юношеского симфонического оркестра. Не прошедшие серьезного «кастинга» (из 650 участников нужно выбрать всего 40!) тем не менее имеют шанс на попадание в следующем отборе.
Новый состав оркестра был сформирован в прошлом году: маэстро прослушал скрипачей, флейтистов, гобоистов и других инструменталистов в 16 регионах страны. На сегодняшний момент в коллективе 100 человек: самому юному дарованию – 10 лет, самому взрослому – 22 года. У всех этих мальчиков и девочек, связавших свою жизнь с музыкой, разные судьбы и свой путь на сцену, но теперь им нужно научиться приспосабливаться к нелегким будням артиста и, как верно заметил Башмет, не переставать при этом любить музыку. А что же у них с учебой, хочется спросить. Худрук считает, что его подопечные обучаются в процессе самих выступлений и по большому счету проходят настоящую школу жизни: испытывают радость от совместного творчества, дружат и даже вместе ездят на специально организованные экскурсии. Ну и, конечно же, дурачатся, как все нормальные дети.

Начальная точка путешествия молодых музыкантов – город Кострома, финальная – Москва, выступление в зале «Зарядье». Экватор масштабного турне – концерты в Туле и Калуге. На родине самоваров и самых вкусных пряников маэстро Башмет также провел открытый мастер-класс с учащимися музыкального колледжа наблюдать за диалогом поколений, «отцов и детей», было крайне интересно. А в Калуге Юрий Абрамович встретился с журналистами и рассказал о планах своих подопечных, отметив, что работать с ними – настоящая мечта для дирижера.

Концерты Всероссийского юношеского оркестра прошли в местных филармониях с явным аншлагом, причем большинство публики составляли дети, которые с любопытством и, возможно, легкой завистью (в хорошем смысле) слушали своих сверстников. Программы и в Туле, и в Калуге были составлены по похожему принципу: два обязательных сочинения и два произвольных. Открыла оба концерта пьеса Кузьмы Бодрова, озаглавленная как брошюра для меломанов – «Путеводитель по оркестру». И в ней слушателя действительно знакомили со всем, что входит в понятие «оркестр» – с группами инструментов, с техниками (вплоть до современной алеаторики), со стилями музыки разных эпох. Чрезвычайно изобретательная партитура Бодрова таила в себе немало слуховых находок: это и всплывающие и незаметно исчезающие цитаты из Моцарта и Баха, и разработка мотива как в ораториях Генделя, и аллюзии на кульминации симфоний Малера. Но главным стержнем пьесы была известная тема – 24 каприса Паганини, которая постепенно менялась до неузнаваемости, перетекала в варианты самой себя.

В обоих городах ребята из Юношеского оркестра предстали еще и в качестве солистов. Снежана Пащенко (скрипка) легко и с изяществом исполнила рапсодию «Цыганка» Равеля, Зиновия Нестеренко – скрипичную версию «Ната-вальса» Чайковского, а флейтистка Александра Зверева – третью часть его концерта (в переложении для флейты). Обе девушки – уже студентки Московской консерватории, а когда-то начинали свою артистическую карьеру в одном из первых составов коллектива маэстро Башмета. Весьма трогательным был дуэт Есении Евдокимовой (арфа) и Руты Вайткуте (флейта): исполнительницы, облаченные в белые платья (чем не волшебные нимфы в глазах детей?) уверенно справились с до-мажорным концертом Моцарта.

Настоящей кульминацией тульского и калужского концертов оказалась Пятая симфония Дмитрия Шостаковича – одна из самых трагических в творчестве композитора, которая создавалась после разгромной статьи в его адрес «Балетная фальшь». Отвечая на вопрос о том, не тяжело ли детям воспринимать и, конечно же, технически играть такую музыку, Юрий Башмет заверил, что Шостакович им под силу и в принципе нужно поднимать планку все выше и выше. Маэстро оказался прав. Его воспитанники порой превосходили опытных оркестрантов, особенно радовали духовики (учитывая, что там сидели в основном девочки), но и в целом характер, темп произведения были выдержаны почти стопроцентно. Глядя на этих маленьких больших артистов Всероссийского юношеского оркестра, вспоминаешь цикл передач канала «Культура» под названием «Оркестр будущего». Быть может, это именно он?

Тула–Калуга
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11725

СообщениеДобавлено: Пт Сен 13, 2019 4:53 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019091304
Тема| Музыка, Опера, Персоналии, В. Спиваков
Автор| Алексей Филиппов
Заголовок| Человек и оркестры
Коллеги Владимира Спивакова поздравляют маэстро с 75-летием
Где опубликовано| © Российская газета
Дата публикации| 2019-09-12
Ссылка| https://rg.ru/2019/09/12/kollegi-vladimira-spivakova-pozdravliaiut-maestro-s-75-letiem.html
Аннотация| ЮБИЛЕЙ

Это человек-оркестр: дирижер, скрипач, педагог, благотворитель. Народный артист СССР и Украины, Лауреат Госпремий СССР и России, полный кавалер ордена "За заслуги перед Отечеством". Спиваков - художественный руководитель и главный дирижер Национального филармонического оркестра России и Государственного Камерного оркестра "Виртуозы Москвы". Президент (и создатель) Московского международного Дома музыки. То, кем он является и чем занимается, не перечесть.
А еще Спиваков - это человек, к которому прекрасно относятся коллеги: его есть за что любить, и люди не стесняются об этом говорить.

Хибла Герзмава, народная артистка России и Абхазии, солистка Московского Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко:

- Маэстро Спиваков - один из самых выдающихся скрипачей двадцатого столетия, замечательный дирижер очень высокого класса. Он уже вошел в историю мировой музыки и в историю искусства. Это совершенно универсальный, уникальный, разносторонний человек.

Спиваков помог огромному количеству людей как в России, так и по всему миру. Его благотворительный фонд помощи и поддержки молодым музыкантам открыл многих талантливых и уже ставших известными всему миру артистов. Музыкальные фестивали Спивакова - всегда праздник и событие. Он руководит двумя великолепными оркестрами, с которыми я очень люблю выступать.

Туган Сохиев, главный дирижер и музыкальный руководитель Большого театра:

- Спиваков абсолютно уникален. И это прежде всего заключается в том, что он всецело посвящен служению нашему великому искусству. Его Благотворительный фонд очень многое сделал для популяризации классической музыки. Личность Спивакова, его имя всегда привлекают новую публику и новых исполнителей. Владимир Теодорович с искренним увлечением открывает молодые таланты. Он войдет в историю как великий человек, великий музыкант, великий скрипач, великий дирижер. Человек, который очень многое сделал и продолжает делать для российского и мирового музыкального сообщества.

Екатерина Мечетина, заслуженная артистка РФ, солистка Московской государственной филармонии:

- Я с Владимиром Теодоровичем Спиваковым познакомилась еще студенткой. Впечатление было огромное. Раньше я не встречала музыкантов и людей такого масштаба, и мне сразу стало ясно, что это судьбоносная встреча. Он с первых дней общения стал для меня не только профессиональным, но и моральным авторитетом.

С тех пор прошло немало лет, а его авторитет в моих глазах только растет. Я наблюдаю за тем, как этот человек шаг за шагом выстраивает свою жизнь. Сколько он работает. С какой добросовестностью относится к той музыке, которая попадает к нему в руки, в сердце, в голову.

Что касается его качеств музыканта, мне в свое время очень запомнилась фраза из одной рецензии на его выступление. Там шла речь о том, что Спиваков сочетает в своем искусстве таинство молитвы с огненным вихрем. Мне кажется, что это очень точно. С одной стороны, он разговаривает с высшими сферами, а с другой - до предела эмоционален. И когда это объединяется в его творчестве, то ты становишься свидетелем совершенно незабываемых моментов. Много раз на его концертах у меня на глазах выступали слезы.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11725

СообщениеДобавлено: Пт Сен 13, 2019 5:01 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019091304
Тема| Музыка, Живопись, ГТГ, "Т Фестиваль", Персоналии
Автор| Ирина Овчинникова
Заголовок| Зельфира Трегулова: музыка в Третьяковке — чудо здесь и сейчас
Где опубликовано| © РИА Новости
Дата публикации| 2019-09-09
Ссылка| https://ria.ru/20190909/1558308729.html
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ

В Третьяковке второй раз пройдет "Т Фестиваль", объединяющий классическую музыку, визуальное искусство, поэзию и перформанс. Продажа билетов открылась в понедельник днем. Об особом опыте для слушателей и исполнителей, двух "Черных квадратах" и музыкальных традициях семьи известного мецената, которые особенно актуальны сегодня, в интервью РИА Новости рассказала генеральный директор Государственной Третьяковской галереи Зельфира Трегулова.

Только представьте: в зале выключается свет, и перед тобой предстает исполнитель, который относится к числу лучших в мире. В этот момент кажется, что играют только для тебя. Музыкант открывается каким-то уникальным образом, не похожим на то, когда сидишь на балконе в зале Чайковского, где, кстати, лучше всего слышно. Этот контакт создает впечатление, что то, при чем ты присутствуешь, — это некое чудо, которое происходит здесь и сейчас, о котором потом будешь с придыханием вспоминать. А у музыканта, думаю, возникает схожее впечатление, только по отношению к публике, которая находится на расстоянии вытянутой руки.

Вообще, "Т Фестиваль", как и другие, которые мы проводим (например, Vivarte), — попытка сделать музицирование в музее особым опытом, переживанием и для слушателей, и для исполнителей.

В этом году, как и в прошлом, музыканты будут играть в Новой Третьяковке на Крымском валу в зале практически без сцены. Думаю, это еще больше подчеркнет атмосферу концентрированной магии музыки, которую все мы ощутили до этого. Также в этот раз мы обсуждали с организаторами, что, может быть, помимо музыкальных вечеров будем еще больше добавлять в программу "Т фестиваля" поэзию и прозу.

Такое свободное музицирование в пространстве музея — иммерсивное погружение в мир искусства, которое мы представляем в зале, где проходит концерт, и частично других — с постоянной экспозицией, открытых для слушателей. Тем более что сейчас, после ремонта кровли, мы трансформировали первые 14 залов, и у тех, кто придет на первые несколько концертов, будет уникальная возможность увидеть рядом два "Черных квадрата", а также работы Владимира Татлина. Кстати, это будет в первый раз, когда Третьяковская галерея, где хранится больше всего подлинников его работ, создаст отдельный зал, посвященный художнику.

Конечно, многое зависит от подбора музыкантов. В случае с "Т Фестивалем" это — заслуга художественного руководителя Игоря Райхельсона и его коллег, в первую очередь одного из совладельцев галереи "Триумф" — Емельяна Захарова. Он очень любит музыку, которую впитал буквально с пеленок, ведь его отец где-то около полувека был директором Большого зала консерватории. Вообще, в музеях, в галереях, в сфере современного искусства очень много людей, которые являются истинными меломанами. Они прекрасно разбираются в музыке и стремятся подключить к этим невероятно сильным эмоциям максимальное число людей.

Программа этого года уже известна, в нее вошли прекрасные исполнители, всемирно известные звезды, которых очень трудно заполучить на относительно камерные концерты в музеи. Например, скрипачи Даниэль Лозакович (Швеция), Марк Бушков (Бельгия) и столь любимая мной оперная певица Хибла Герзмава. Еще одна исполнительница, Айгуль Ахметшина, выступит вместе с "Виртуозами Москвы", которые будут играть под началом маэстро Спивакова. Еще одно из невероятных выступлений этого года для меня — концерт Михаила Плетнева, одного их самых величайших из ныне живущих отечественных пианистов и дирижеров.

То, что происходит в Новой Третьяковке в рамках фестиваля, — это удивительный перенос в сегодняшний день совсем других пространства и традиций, которые изначально существовали в доме Павла Михайловича Третьякова. Он был не только человеком, обладавшим уникальным глазом и вкусом, поставившим перед собой задачу создания первого в России музея национального искусства, но и любителем музыки. Все, кто был вхож в его дом, вспоминают прекрасные музыкальные вечера. Музицировала супруга Третьякова, музицировали и его дочери, в том числе и дочь Вера, которая по страстной любви вышла замуж за человека не их купеческого круга — за музыканта Александра Зилоти.

Мне кажется, что то, что в сознании этой семьи и в сознании самого Павла Михайловича изобразительное искусство смыкалось с музыкой, очень актуальная сегодня традиция. Нам очень не хватает единого впечатления. Мне кажется, отсюда такой интерес к иммерсивным проектам, когда глаза смотрят и видят, уши слушают и слышат и воздействие оказывается на все возможные органы чувств.

"Т Фестиваль" пройдет с 14 сентября по 14 декабря в Государственной Третьяковской галерее при участии галереи "Триумф" и Игоря Райхельсона.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> Газетный киоск Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4  След.
Страница 2 из 4

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика