Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2019-07
На страницу 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20653
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Июл 01, 2019 7:40 pm    Заголовок сообщения: 2019-07 Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019070101
Тема| Балет, БТ, Премьера, Персоналии, Светлана Захарова
Автор| Алла Михалева
Заголовок| ЛЕГКОЕ ДЫХАНИЕ КОКО ШАНЕЛЬ
Где опубликовано| © "Театрал"
Дата публикации| 2019-07-01
Ссылка| http://www.teatral-online.ru/news/24605/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



Светлана Захарова, российская балерина номер один и по статусу, и по той лидерской позиции, которую она занимает в пространстве отечественной балетной сцены, представила в Большом театре новый проект MODANCE.

Прима Большого и этуаль миланского Ла Скала, Захарова азартно и отважно окунается в стихию неизведанного. Точнее, сама вводит новое в свою жизнь, «сочиняя» эксклюзивные программы. Так, шесть лет назад в рамках своего творческого вечера балерина вышла на сцену в нескольких современных номерах, в том числе в специально подготовленном по случаю гала «Плюс минус ноль» Владимира Варнавы и комической миниатюре Йохана Кобборга, неожиданно раскрывшей ее как… клоунессу.

В нынешний проект балерины (продюсерская компания Muzarts) вошли две одноактных постановки – «Как дыхание» и Gabrielle CHANEL. В первом из названных балетов Захарова уже танцевала в Ла Скала в паре с Роберто Болле. Нынешняя версия – собственная адаптация хореографа Мауро Бигонцетти, которого неплохо знают в Москве. Фестиваль современной хореографии DanceInversion привозил в Москву его радикальный, заряженный молодой энергией спектакль «Ромео и Джульетта». В Большом театре шла его постановка для пяти балерин Cinque, созданная в рамках проекта Сергея Даниляна «Отражение». Для другого проекта того же Даниляна «Короли танца» хореограф сочинил мини-балет для пяти танцовщиков-мужчин Five.

«Как дыхание» Бигонцетти на барочную музыку Генделя – череда изобретательных соло, дуэтов, трио – динамичных, ярких, выразительных, построенных на игре с классикой. В спектакле заняты артисты Большого театра, в том числе премьеры Вячеслав Лопатин, Михаил Лобухин и ведущие солисты Денис Савин, Якопо Тисси, демонстрирующие мастерство, артистизм, чувство стиля, собственно, как и другие танцовщики. Хореография строится на контрасте и слиянии изысканной формы и ее причудливой деформации, точного движения и его слома, каллиграфии классической комбинации и шутливой реплики по ее поводу. Игра света и ритмов, паузы и ускорения темпа создают напряжение и затягивают зрителя в паутину сотканной хореографом ткани, напоминающей то тонкое шитье, то его изнанку с узелками. Бигонцетти «чувствует» артиста, и его избыточная фантазия позволяет блеснуть каждому участнику. Завораживает виртуозное соло Вячеслава Лопатина, обладающего ртутной подвижностью и гутаперчевой гибкостью. Великолепен финальный дуэт Захаровой и Дениса Савина, справляющихся со сложностями витиевато-изысканный хореографии без каких-либо видимых усилий, благодаря чему у их танца – удивительно легкое дыхание.



Балет «Габриэль Шанель» – мировая премьера хореографа Юрия Посохова и композитора Ильи Демуцкого, с которыми Захарова успешно работала над спектаклями «Герой нашего времени» и «Нуреев». На этот раз к ним присоединился автор либретто и режиссер Алексей Франдетти, на чью долю выпала непростая миссия уложить в часовой сценарий жизнь выдающейся женщины, чье имя с одной стороны у всех на устах, а, с другой, никто доподлинно не знает, какой она была – Коко Шанель, создательница дома мод и неповторимого стиля. Она дружила с великими людьми своего времени, многих из них любила, субсидировала Дягилева, страдала, изменяла, обретала, теряла… Франдетти выстроил сюжет линейно, словно прометав стежками главные события жизни Коко – от юности заурядной певички до вершин славы одной из самых знаменитых женщин мира.

Посохов же придумал Захаровой-Шанель выразительную походку, лёгкую и уверенную, скромную, но с легким вызовом, похожую на поступь манекенщиц, но без профессионального автоматизма. И этот пластический образ говорит о героине больше, чем иллюстративно изложенные события ее жизни, в ходе которых Шанель переходит от встречи к встрече с повлиявшими на её жизнь мужчинами. Один – французский офицер, богатый наследник Этьен Бальсан (Михаил Лобухин) помог ей сделать первые шаги в мире моды и перевез в Париж. Другой – английский промышленник Артур Кейпл по прозвищу Бой (Якопо Тисси), коего Коко, кажется, любила, в отличие от Этьена, во всяком случае, болезненно переживала его гибель в автокатастрофе. Плодом её дружбы с Лифарем и Дягилевым стали костюмы к балетам «Аполлон» Баланчина и «Голубой экспресс» Брониславы Нижинской, представленные Посоховым в виде шутливых парафразов. Есть в спектакле и живописные эпизоды переоблачения пышно одетых (по моде начала века) дам в лаконично-стильные туалеты от Шанель… и сцена создания легендарного запаха духов «Шанель № 5», где похожий на таинственного алхимика Парфюмер (Денис Савин) эффектно ворожит в окружении переливающихся флаконов и юношей-ассистентов. И когда в финале почти оккультной церемонии, ее участники поднимают Шанель-Захарову высоко над головами, создается впечатление, что она взлетает ввысь не на руках партнеров, а в облаке окутавшего ее аромата. Помимо этой метафорической сцены, спектакль украшают несколько экспрессивных соло Шанель и ее дуэты с Этьеном и Боем, передающие и страсть, и смятение, и нежность, и отчаяние героини.



Действию сопутствует богатый видеоряд: квартира Шанель, фотографии – ее собственные и именитых друзей, кадры кинохроники, в том числе и военной – штурм немецких бомбардировщиков, марширующие по Парижу фашисты, обозначающие начало Второй мировой войны, когда Коко закрыла свои магазины, сказав: «Война – не время моды». Вообще в спектакле много высказываний и афоризмов Шанель (вроде: «Мода проходит, стиль остается»), которые служат чем-то вроде эпиграфов к каждой «главе».

Начало спектакля застает Коко в изящной позе в кресле на авансцене. В финале она вновь остается одна, что, наверное, самый верный образ этой, как бы сказали сейчас, медийной женщины, при всей публичности, оставшейся в душе одинокой и никем до конца не познанной. И Светлана Захарова с ее изысканно-отточенной, немного отстраненной пластикой передает эту «отдельность» и неуловимость своей героини, так и оставшейся загадкой…
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20653
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Июл 01, 2019 10:39 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019070102
Тема| Балет, Современный танец, XXI Международный фестиваль современного танца OPEN LOOK, Персоналии, Вадим Каспаров
Автор| Мария Кингисепп
Заголовок| НОВЫЕ ГРАНИ СОВРЕМЕННОГО ТАНЦА
Где опубликовано| © журнал ИНФОСКОП, стр. 2-3
Дата публикации| 2019 июнь
Ссылка| https://goo-gl.ru/5v1Z
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

С 13 по 17 августа в Санкт-Петербурге пройдет XXI Международный фестиваль современного танца OPEN LOOK. Чем мотивирован выбор времени проведения фестиваля, который до прошлого года приходился на середину лета, какие новые площадки будут освоены и премьеры представлены, как возник любопытный совместный проект, обещающий стать интересным опытом для его создателей и участников, и как хореографы и танцовщики интегрируют новейшие технологии в танцевальные направления, основатель и директор фестиваля Вадим Каспаров рассказал нашему обозревателю Марии Кингисепп.

— В прошлом году OPEN LOOK был перенесен — с июля, привычного всем резидентам и зрителям фестиваля, на август — из-за чемпионата мира по футболу. Тогда изменение фестивального графика было логичным. Но почему же в этом году снова август?

— Да, иногда история меняет свой ход, и часто независимо от нас. Так случилось и в прошлом году, когда чемпионат мира по футболу создал информационную и организационную воронку, куда втягивалось все. Поэтому решено было впервые в истории фестиваля OPEN LOOK сместить проведение на середину августа. И тут выяснилось, что для многих профессионалов, любителей и зрителей это очень удачное время для концентрации на том, что фестиваль предлагает. Залы на спектаклях были переполнены. Все были довольны, и нам август очень приглянулся. Попробуем повторить в этом году, и дальше все станет ясно.

— В прошлом году было решено не проводить национальную платформу RUSSIAN LOOK — важную и значимую часть программы фестиваля последних лет. Было заявлено, что она переносится на 2019 год. Это так? Какие российские танцевальные компании будут представлены?

— Как я уже неоднократно говорил, русская программа для нас ключевая. В прошлом году по итогам фестиваля четыре работы российских хореографов были номинированы на «Золотую маску». Это был реальный смотр лучшего, что есть в России на данный момент. Однако есть определенные мысли, которые нам пока не удается реализовать. Мы собираемся укрупнить эту историю с платформой современного танца России. Хотим сделать региональные показы и отборы. Но в этом году по разным причинам нам пришлось сократить программу русского танца до премьер наших резидентов Дома танца «Каннон Данс»: Саши Кукина, Ксении Михеевой и Валерии Каспаровой. Получился своего рода открытый взгляд на три поколения хореографов. Это очень интересная ретроспектива. В рамках основной программы в августе мы покажем новые проекты: «Неуместный человек» Ксении Михеевой и Come away Валерии Каспаровой.

— Как вы находите зарубежные коллективы и чем был мотивирован ваш выбор и приглашение хореографов и танцовщиков к участию в этом фестивале?

— Программу международной части фестиваля формирую я с Натальей Каспаровой — художественным руководителем Дома танца «Каннон Данс» и фестиваля OPEN LOOK. Мы достаточно много бываем на различных шоу-кейсах, где общаемся с танцевальными компаниями, договариваемся о планах и о приглашении на наш фестиваль. В этом году мы собираемся удивлять зрителей самыми актуальными технологическими новинками, которые вплетены в канву спектаклей. Так, Tero Saarinen / Теро Сааринен (хореография-танец) и Kimmo Pohjonen / Киммо Похьонен (музыкант-аккордеонист) возьмут в соратники Mikki Kunttu / Микки Кнутту — лучшего дизайнера по свету, которого я когда либо встречал. Ту магию, которую эти артисты выплескивают на зрителя, надо видеть собственными глазами. Далее, несколько лет мы пытались привести Юи Кавагучи — японскую танцовщицу, которая сотворила уникальный мир «Чайной церемонии» с использованиям 3D-технологий, звука и видеоконтента. Этот спектакль совершенно эксклюзивный: в зале может разместиться только 30 зрителей, будет всего шесть показов. Большая программа Focus Korea призвана продолжить знакомить нашего зрителя с корейским современным танцем. Там много интересного: несмотря на молодость этого жанра в Корее, там создана целая система поддержки, селекции и международной активности для современных хореографов. Израиль в этом году будет представлен Талией Паз (как мы ее между собой зовем, израильской Сильви Гиллемм) и Мишей Гетманом. Один из самых ярких проектов текущего сезона решен в жанре документальной хореографии. В этом же жанре будет и другая работа — швейцарского хореографа Фуфуа д’Иммобилите. Когда я смотрел его спектакль Dancewalk — Retroperspectives, почему то представил Фуфуа исследователем Арктики — по уровню самопожертвования это очень близко… Кроме того, программа мастер-классов в этом году просто блестящая, и все педагоги будут участвовать в фестивале как исполнители. Одним словом, программа интересная. Главное — выбрать что-то близкое для себя.

— К ставшей уже традиционной базовой и неизменно дружественной фестивалю площадке — пространству Новой сцены Александринского театра — в этом году добавятся новые и совершенно непривычные места: «Севкабель Порт» и планетарий. Никогда прежде их никто не связывал с современным танцем. Как и почему они возникли на карте фестиваля?

— В 2006 году, после моей поездки в США, я стал одним из инициаторов проведения круглого стола в редакции газеты «Деловой Петербург». Мы пригласили американцев, которые осуществляли управление коммерческими зданиями для использования их культурными индустриями. Я помню, как тогда ухмылялись наши риэлторы «наивности американцев»… У нас-то квадратные метры золотые, и надо их сдавать по максимуму коммерсантам. А мы с нашей «культуркой» им не интересны! Потом грянул кризис 2008 года, и на наших глазах бизнес схлопывался, и эти места в коммерческих зданиях стали отдавать именно под культурные проекты! Культурные индустрии оказались сильнее и крепче, чем обычный бизнес. К счастью, заводов в Санкт-Петербурге много, поэтому теперь уже не культурные институции ищут себе место под солнцем, а сами риэлторы создают проекты, концепции развития, под которые подтягивают тех или иных художников. Я рад, что есть такие площадки, как «Севкабель» или планетарий, в которых можно показывать танец и смежные проекты. У меня есть слабость — любовь к промышленной архитектуре, и я буду рад, если у меня все получится с «танцами с кирпичными стенами»! Важно понимать, что пространство ищется не только как изменение локации, но и как еще один субъект действа. И когда это случается, то можно считать, что жизнь удалась!

— Что роднит проект Танцевальной компании Ксении Михеевой «Неуместный человек» с «Севкабель Портом»? И как будут выглядеть «Планетарные танцы» француза Пьера Жинера и его компании Dance 360 в планетарии? Чем они: действа и пространства — исключительно подходят друг другу?

— В настоящий момент Ксения Михеева — один из самых активных и умных хореографов. Она точно знает, как и что должно выглядеть. Она берет за основу известный литературный материал, смещает акценты и ищет то, что сегодня цепляет современную аудиторию. Поэтому предложенная локация архитектурного бюро в «Севкабель Порте» совершенно чудесным образом вписалась в концепцию спектакля. Ощущение, что спектакль создавался специально для этого пространства. А что касается «Планетарных танцев», это название придумал я. Во Франции он называется по-другому. Недавно я был в планетарии как раз с предложением сделать такую VJ DANCE-историю, которую можно спроецировать на купол планетария. По-моему, автор проекта Пьер Жинер не делал такой версии. Для нас это эксперимент и окончание фестиваля. Так что будем танцевать «с чувством выполненного долга».

— А как возник совместный русско-голландский проект Passible Лиат Вэйсборт и Дома танца «Каннон Данс»? Что он из себя представляет, кто в нем участвует и где пройдет показ?

— С Нидерландами нас связывают серьезные партнерские отношения и дружба. Я уже счет потерял количеству артистов и хореографов из Нидерландов, которые принимали участие в наших проектах. Лиат приезжала в прошлом году как педагог мастер-классов, а в этом году она предложила сделать коллаборацию с нашими юными артистками. Думаю, это будет интересный опыт. Мы его будем готовить для показа на улице или в музее. Пока решаем…

— Есть ли у OPEN LOOK-2019 свой слоган?

— Слоган у нас всегда один: «Открой глаза на современный танец». Он не меняется никогда, потому что главный смысл фестиваля — попытаться пригласить публику вместе с нами открывать новые грани современного танца. В этом году у нас особый взгляд в сторону технологии, в частности, VR — virtual reality (виртуальной реальности), 3D, работы со светом… Нам все это интересно, потому что поиск нового сегодня происходит именно в этой сфере.

— С каким настроением вы смотрите в будущее?

— Надо сказать, настроение у нас сегодня переменчивое: многие вопросы, технические и организационные, остались нерешенными, что случается в нашем сложном и непростом жанре. Но бывали времена и посложнее… Поэтому в будущее — современного танца вообще и фестиваля OPEN LOOK в частности — мы смотрим с оптимизмом!
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20653
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июл 02, 2019 12:24 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019070201
Тема| Балет, БТ, Премьера, Персоналии, Светлана Захарова
Автор| Светлана Наборщикова
Заголовок| Па де Коко: балерина Захарова станцевала Шанель
В Большом театре представили биографию великой мадемуазель

Где опубликовано| © "Известия"
Дата публикации| 2019-07-02
Ссылка| https://iz.ru/893980/svetlana-naborshchikova/pa-de-koko-balerina-zakharova-stantcevala-shanel
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Фото: ИЗВЕСТИЯ/Павел Бедняков


Лондон и Пекин — в эти мировые столицы вскоре отправится Коко Шанель, рожденная в Москве. Спектакль «Габриэль Шанель», посвященный великой мадемуазель, станцевали на сцене Большого театра прима-балерина Светлана Захарова и ее коллеги по ГАБТу. «Известия» оценили превращение танцовщицы в модельера.

Жизнеописание Коко Шанель массово увлекло представителей визуальных искусств вскоре после ее смерти. Первыми в биографию мадемуазель, как и ожидалось, углубились французы. В 1978 году документальный фильм о ней вышел в рамках телесериала «Женщина. Эпоха». Затем последовал еще по меньшей мере десяток лент, в том числе игровых, из которых самым популярным оказался опять-таки французский «Коко до Шанель» с Одри Тоту в главной роли (2009), собравший в прокате более $50 млн.

Что касается театра, то здесь нашей героине в количественном отношении повезло меньше, хотя, кроме бродвейского мюзикла «Коко» Андре Превина, выпущенного еще при ее жизни, можно назвать и кукольный спектакль «Коко Шанель» Ульрике Кваде из Голландии, и российскую оперу «Коко Шанель: страницы жизни» Эдуарда Фертельмейстера.

Большой театр расширил этот список балетом. Странно, что этого не случилось раньше, — к искусству танца Шанель имела самое непосредственное отношение, сотрудничая с Дягилевым на «Русских сезонах». Режиссер и либретист Алексей Франдетти это учел. Два спектакля, где мадемуазель стала автором костюмов, заслуженно становятся кульминацией ее балетной биографии.

Маленькое белое платье

Среди других воспоминаний Коко (спектакль построен как серия взглядов в минувшее) — юность в провинции: игривые танцы в сопровождении подруг и друзей. Скачки в Париже: друг Коко Этьен Бальсан (Михаил Лобухин) гарцует, как породистый жеребец. Рождение маленького черного (в спектакле — маленького белого) платья: стайка дам скидывает громоздкие юбки и шляпы, демонстрируя фирменный силуэт. Создание знаменитого аромата: четверка феромонов, вооруженных не менее знаменитыми флаконами, послушно подчиняется магическим жестам Парфюмера (Денис Савин). Без вольностей, конечно, не обошлось, но тут ничего не поделаешь: специфика жанра. Первая и Вторая мировые войны, пережитые Шанель, слились в одну, как и множество любовников, сменивших Бальсана. За них всех — известных и неизвестных — танцует фактурный Якопо Тисси.

Недостатки спектакля служат продолжением его достоинств, С одной сторон стороны — деликатно скомпонованные эпизоды жизни мадемуазель, с другой — предсказуемость и самих эпизодов, и их подачи. Кто из зрителей, мало-мальски знакомых с биографией Коко, сомневался, что цветовой основой постановки станет черно-белый? Ее любимый бихром выдержан в световой партитуре, мелькающих на заднике портретах, кадрах кинохроники, писаных невидимым пером цитатах (Коко, как известно, была мастерицей афоризмов) и, самой собой, в многочисленных костюмах, заказанных ни много ни мало в Доме Шанель. Впору возразить, что Коко подходила к цвету более гибко, но создатели балета наверняка заговорят о неотразимой стильности подобного решения.

Музыку к постановке написал Илья Демуцкий, и редкий факт появления специального балетного саунда не может не радовать. Скажу больше — если бы выдающийся мастер дансантного сопровождения Лео Минкус дожил до наших дней, он, вероятно, писал бы так же. Поднаторел в оркестровке, освоил азы симфонического развития и получал бы заказ за заказом. Скептики, правда, ворчали бы, что по выходу совершенно нечего вспомнить, но тут ответ один: балет — это балет. В слогане: «смотреть необязательно слушать» понятно, где поставить запятую. К чести Ильи Демуцкого, у него все-таки есть что послушать. Например, мастерски сделанные аллюзии, достаточно подробные, чтобы опознать автора, но и недостаточно объемные, чтобы поставить в боевую стойку правообладателей.

Совершенное ремесло
Лучшие места нового музыкального опуса вдохновлены Игорем Стравинским и Дариюсом Мийо. Дар стилиста в указанных местах демонстрирует и хореограф Юрий Посохов. По баланчиновскому «Аполлону Мусагету» проходится вскользь, отчетливо фиксируя лишь прославленную «тачку», ведомую премьером ГАБТа Вячеславом Лопатиным, а вот пляжные забавы Брониславы Нижинской в «Голубом экспрессе» цитирует обильно. Правда, в отличие от собрата-музыканта, стилизация не основное его достижение.

Юрий Посохов — мастер оригинальный. Пластический облик спектакля с прихотливым темпоритмом дуэтов и остроумными игровыми эпизодами легко откладывается в памяти. К сожалению, на характеристике героини талант хореографа отдыхает. Не Светлана Захарова перевоплощается в Габриэль Шанель, а Габриэль Шанель становится Светланой Захаровой и через весь спектакль проносит себя — диву с превосходными физическими данными. А Юрий Посохов честно помогает ей блеснуть суперрастяжкой и фирменной легкостью.

С другой стороны, великие прорывы и эпохальные образы назначает время и только оно. Профи высшего класса, демонстрирующая совершенное ремесло, — для нескучно проведенного вечера более чем достаточно. В конце концов, когда Шанель спрашивали, кем она себя считает, мадемуазель отвечала, что она просто хорошая портниха, умеющая организовать работу. Захарова, в свою очередь, хорошая балерина, способная собрать средства и танцовщиков на дорогостоящий проект. Неплохой повод познакомиться.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20653
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июл 02, 2019 9:47 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019070202
Тема| Балет, Санкт-Петербургский государственный академический театр балета Бориса Эйфмана, Гастроли в США , Персоналии, Борис Эйфман
Автор| Александр Генис, Соломон Волков
Заголовок| Русские звезды на Манхэттене
Где опубликовано| © Радио Свобода
Дата публикации| 2019-07-02
Ссылка| https://www.svoboda.org/a/30018751.html
Аннотация| ГАСТРОЛИ


Сцена из балета "Эффект Пигмалиона"

Борис Эйфман, Даниил Трифонов, Регина Спектор

Александр Генис: Одной из самых приятных примет нью-йоркского лета служат гастроли балетного театра Бориса Эйфмана, которыми нас уже два десятилетия балует замечательная чета импресарио – Сергей и Гая Данильян. Эйфмана у нас всегда принимают на ура, о его спектаклях говорят на всякой русской вечеринке, знатоки разбирают каждое па, любители, как я, наслаждаются феноменально увлекательным зрелищем того тотального театра, которым знаменит этот коллектив и его руководитель.

Соломон, мы с вами, как всегда, были на премьере нового спектакля, на этот раз это был "Эффект Пигмалиона". Что вы из него вынесли?

Соломон Волков: Во-первых, это был необычный для Эйфмана спектакль. Насколько я помню, а я за творчеством Эйфмана много лет уже слежу, это первый комедийный спектакль его театра. Потому что как балетмейстер, как хореограф Эйфман предпочитал всегда скорее балеты трагические...

Александр Генис: Психодрамы.

Соломон Волков: С серьезным подтекстом. Должен сказать, что и здесь без философского подтекста не обошлось. Но действительно перед нами был настоящий комедийный балет, публика в зале от души смеялась.

Александр Генис: Незадолго до премьеры мне удалось подробно поговорить с Борисом Эйфманом о его новом спектакле и о его балетном языке вообще. Дело в том, что Эйфман – хореограф-философ, он много размышляет о своем искусстве. Одна из самых его интересных мыслей для меня такая. Эйфман говорит: "Язык тела не только более древний, но и более интересный, чем обычный язык”. Я его спросил: "А что такого можно сказать на языке тела такого, чего мы не можем сказать словами?" Он говорит: “Язык тела не умеет врать". Эта мысль мне показалась очень интересной. Получается, что все по-настоящему эмоционально важное мы говорим телом, а не словами. Именно поэтому балет – это магия, с точки зрения Эйфмана.

Соломон Волков: Но разве человек в цивилизованном обществе не научился скрывать именно жесты свои? Мысли могут быть самыми злобными и нецивилизованными, а жесты будут оставаться цивилизованными.

Александр Генис: 90% той информации, которую мы получаем при встрече с человеком, невербальная.

Соломон Волков: Разве они не лгут при этом?

Александр Генис: Они, конечно, могут лгать, но гораздо проще выдать человеку себя жестом, позой, улыбкой, неуместным подмигиванием, чем угодно. Язык тела очень трудно перевести обратно на язык слов. Именно поэтому от каждой встречи остается подсознательное впечатление, которое мы уносим с собой. На этом работает балет Эйфмана, который создает не только контексты, но и подтексты. И в этом заключается, по-моему, прелесть его спектаклей.

Что касается "Пигмалиона", то он сказал, что он изучил все мифологические источники истории про Пигмалиона и Галатею, и, конечно, пьесу Бернарда Шоу, которая лежала в основе спектакля на музыку Штрауса.

"Пигмалион" – чисто английская пьеса, она построена на английском языке. Когда мы переводим его на русский язык, то теряем половину удовольствия, потому что не слышим все нюансы произношения, как там сказано, каждые 50 миль – другой диалект. Эйфман перевел языки в танец – и это очень остроумная идея.

Соломон Волков: Когда я услышал, что Эйфман ставит спектакль по "Пигмалиону", то задался двумя вопросами: во-первых, на какую музыку, мне было очень любопытно, он это поставит? И второе: как же он переведет чрезвычайно вербальную пьесу Шоу, конфликт различных диалектов, акцентов, в сферу танца? По-моему, он нашел здесь очень интересное решение – он обратился к миру бальных танцев. По утверждению Эйфмана, сейчас бальные танцы переживают всемирный ренессанс.

Александр Генис: Конфликт балета построен на столкновении двух видов танцев: с одной стороны, это бальные танцы, это грация, это аристократические манеры, а с другой стороны, это мир воров и нищих, мир бандитов, это что-то бабелевское. И эти два мира соединяются двумя видами танца. По-моему, это восхитительно.

Еще интересно, что когда Эйфман показывает, что делает Пигмалион из своей Галатеи, то происходит прямо обратное тому, что случилось в мифе. Как мы помним, у греков Галатея оживает, а здесь она, наоборот, превращается в автомат. Когда он эту несчастную девочку с улицы превращает в барышню, то она становится автоматом и танцует безжизненно. А настоящая жизнь, настоящая энергия и витальность – на дне общества, это что-то уже от босяков Горького. Контраст Эйфмана по-настоящему драматический – это конфликт плохого и хорошего, когда плохое ничуть не менее интересно, чем хорошее. Надо обратить внимание на кордебалет бандитов – самое интересное в спектакле.

Я спросил Эйфмана: "Почему у вас кордебалет самый оригинальный и остроумный?” И действительно: вы вспомните кордебалет в "Родене", где танцуют критики в зеленых сюртуках. Или восхитительный кордебалет в "Анне Карениной", который изображает поезд. В “Пигмалионе” кордебалет изображает бандитов, налетчиков, низы общества, они придают спектаклю особый колорит. Я спросил его, что для него кордебалет – греческий хор? Он говорит: "Нет, это чистая энергия, мотор спектакля, мощь насилия".

При этом кончается балет совсем на другой ноте. Элегический финал выходит за пределы спектакля, и на это указывает выбор музыки: если до сих пор был Штраус, то вдруг в конце появляется знаменитое адажио из 23-го концерта Моцарта.

(Музыка)

=====================================================================
Поставила только про балет. О других героях передачи (Даниил Трифонов, Регина Спектор) можно прочитать по ссылке или прослушать в записи - Е.С.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20653
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июл 02, 2019 10:33 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019070203
Тема| Балет, Бурятский театр оперы и балета, Творческая лаборатория хореографов, Персоналии,
Автор|
Заголовок| Хореографы из разных стран и городов поставят мини-спектакли на сцене Оперного театра Улан-Удэ
Где опубликовано| © Информационное агентство «Восток-Телеинформ»
Дата публикации| 2019-07-02
Ссылка| http://vtinform.com/news/148/146835/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



Мини-спектакли на тему бурятских сказок и легенд, поставленные хореографами из Москвы, Санкт-Петербурга и Риги, исполнят бурятские артисты 4 июля на сцене театра оперы и балета в Улан-Удэ. Балетмейстеры из разных городов работали в Бурятии с 20 июня, результатом их деятельности станут хореографические постановки длительностью 15-25 минут. Успешные эскизы в будущем могут лечь в основу полноценных балетных спектаклей, пишет Восток-Телеинформ.

- Идея творческой лаборатории полностью принадлежит нашему директору. Если формат таких лабораторий в драматических театрах это уже устоявшиеся традиции, то в балетном мире такой формат только набирает обороты. Наши артисты полностью погрузились в рабочий процесс и готовы показать какой-то новый результат, новых себя в рамках современной хореографии. Хочется отметить, что все выбранные хореографы – это мастера и профессионалы своего дела, они заставили выйти нас, артистов, из самих себя, - рассказала заслуженная артистка РБ, лауреат государственной премии, координатор проекта «Творческая лаборатория молодых хореографов» Баярма Цыбикова.

Для участия в новом проекте для Республики Бурятии были приглашены именитые балетмейстеры России и Латвии. В течение полумесяца мастера работали с бурятскими артистами и давали им вдохновение для покорения новых вершин. Одним из приглашенных стал хореограф Мариинского театра, участник телевизионного проекта «Болеро», «День и ночь» Дмитрий Пимонов. Он отметил, что в Улан-Удэ прилетел впервые, однако ему было очень приятно получить приглашение от Бурятского театра оперы и балета.

- Для меня самое приятное, что ваш театр достаточно высокого и профессионального уровня. Могу сказать, что, наверное, бурятский хореографический колледж и театр сохранили всё самое хорошее, что было в советской школе. Также считаю, что вы должны гордиться таким театром. Уровень подготовки ваших артистов очень высокий. Балет в Бурятии это ваше национальное достояние. Приятно работать с артистами, чувствуется, что они изголодались по чему-то новому и свежему. Хочу отметить, что не всегда театры готовы рискнуть, и очень приятно, что бурятский театр рискнул и пригласил нас, - поделился впечатлениями Дмитрий Пимонов.

Отметим, что организация и проведение «Творческой лаборатории» молодых хореографов будет способствовать поиску, поддержке и творческому развитию молодых хореографов-постановщиков и артистов балета, пополнению репертуара театра новыми постановками в жанре современной и национальной хореографии.

«Если говорить о тенденции и о развитии балета в целом, то в нашем театре неплохой классический репертуар, и на сегодня, театр ищет своё новое лицо. Театр хочет пополнить репертуар современным балетом в разных стилях. И все хореографы, которые приехали, учат нас по-новому ощущать мир, использовать импульсы и движения», - подытожила Баярма Цыбикова.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20653
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июл 02, 2019 2:13 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019070204
Тема| Балет, , Персоналии, Николай Цискаридзе
Автор| Евгения Заболотских
Заголовок| Николай Цискаридзе: Секрет хорошей формы? Не ем после четырех
Где опубликовано| © «Союзное Вече» № 29 (852)
Дата публикации| 2019-07-02
Ссылка| https://souzveche.ru/articles/stars/47961/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

На днях петербургский Императорский фарфоровый завод представил статуэтку знаменитого танцовщика. Воспользовавшись случаем, мы поговорили с экс-солистом Большого театра, а ныне - ректором Академии русского балета имени Вагановой о том, какую диету соблюдает, почему детям не интересно советское кино и легко ли было поднимать Волочкову

НЕ ВИНОВАТАЯ Я, ОН САМ ПРИШЕЛ!

- Николай, пять лет назад вы перебрались в Петербург. Скучаете по Москве?


- Считаю ее своим домом. Я вырос в этом городе, учился, танцевал в Большом театре. Звание народного артиста навсегда, а должность ректора, хочу я этого или нет, временная. Да и в Петербурге практически не живу. Прихожу в академию и ухожу оттуда в десять часов. Получается, живу на улице Зодчего Росси, 2 (там находится академия. - Ред.), и что за ее пределами, не знаю.

- В советские годы мы гордились хоккеем, космосом и балетом. Все это вновь, уже в России, на пике славы. А дети хотят учиться балету?

- Думаю, интерес к нему такой же, как в СССР. Да, появилось больше фильмов и сериалов про балет. Но они создают не всегда правильное представление о профессии. В детях удивляет другое. У них нет авторитетов. Никаких. Вообще. Известные фамилии, которые можно упомянуть, никогда не слышали, и им неинтересно о них узнавать. Неоднократно на занятиях я кричал в шутку: «Не виноватая я, он сам пришел!» Конечно, уж и говорить не приходится о том, чтобы дети вспомнили, что это фраза из «Воскресения» Толстого. Я почему-то думал, что они ее слышали хотя бы в «Бриллиантовой руке». Но нет. Никто не видел этой картины. Правда, свой класс я заставил посмотреть основные советские фильмы, снятые по литературным произведениям, для того чтобы было представление о культуре.

ОСТАВЬ В ПОКОЕ МУЖИКА

- Недавно в Большом театре состоялся выпускной концерт ваших учеников. В первом акте был «Конек-Горбунок», и вы с ним что-то начудили.


- Да, получилась «Фантазия Николая Цискаридзе на тему подводного царства» - или «Канал Discovery по-балетному». Я взял балет Артура Сен-Леона, премьера которого состоялась в 1864 году в Петербурге. Сел и заново все придумал. Сохранил только главный шедевр - фрески. Превратил в морских звезд и утопил в подводном царстве. Дело в том, что «Конек-Горбунок» Ершова - сатирическое произведение, а балет Сен-Леона ставился при Александре II, и нельзя было ругать власть. В итоге вместо царя появился хан, а вместо Царь-девицы - восточная красавица. А фрески, которые в Петербурге так и назывались, в Москве стали коврами. И ожили в покоях у хана.

- И как на это тогда отреагировала публика?

- Интересно, что Салтыков-Щедрин и Некрасов написали чудовищные рецензии на балет «Конек-Горбунок». Восточную красавицу танцевала будущая жена Мариуса Петипа, балерина Суровщикова. И Некрасов про нее, исполнявшую танец «Мужичок», написал стихотворение: «На конек ты попала обычный - на уме у тебя мужики», а последние строчки такие: «Так танцуй же ты «Деву Дуная», но в покое оставь мужика!» Я постарался все эти шедевры собрать и сделать свой спектакль.

С ВОЛОЧКОВОЙ НЕ ЗДОРОВАЛИСЬ

- В балетном мире жестокие нравы. Были времена, когда вы с Анастасией Волочковой служили в Большом театре и ненавидели друг друга. А на мой вопрос, легко ли было поднимать ее, деликатно ответили, что нелегко. Но сейчас вы чуть ли не лучшие друзья.


- Дело в том, что Настино первое появление в Москве было связано со мной. Во многом благодаря моей легкой беседе с нею ее жизнь изменилась и она оказалась в Большом театре. Но поскольку мы были дружны и тогда, и по сей день, я как старший товарищ профессиональные замечания ей делал. И в какой-то момент разошлись во взглядах и поругались. Не здоровались даже.

- Из-за чего?

- Я очень язвительный, и любая брошенная мною фраза может сильно ранить. Как-то задел Настю. И красивая молодая девушка обиделась на то, что так нахально себя повел. В профессиональном плане нам было нечего делить. На момент Настиного прихода в театр я уже был народным артистом. Но когда ее увольняли, те люди, которые еще недавно целовали ей руки, оказались очень непорядочными. Пришли ко мне и стали требовать сказать что-то нелицеприятное о ней. Я ответил: «Вы о чем? Как вообще смеете?» В жизни не смог бы этого сделать, потому что человек не имеет права вести себя как скот.

- Недавно вы были на юбилее белорусского балетмейстера Валентина Елизарьева в Минске. Часто туда наведываетесь?

- Люблю Беларусь, там очень хорошо. Много друзей родились и живут в этой стране. К сожалению, я никогда не доезжал до Беловежской пущи. Знакомые часто бывают в тех краях, зовут, но никак не могу выбраться. Все время поездка выпадает на какой-то момент, когда я очень занят. Надеюсь, все-таки туда попаду.

- На зубров мечтаете посмотреть?

- Нет, просто отдохнуть. Говорят, там очень красиво, и можно насладиться природой.

- Вы превосходно выглядите. Сохраняете отличную форму. Сидите на диете?

- Ох, да не жру после четырех, вот и все.

- Ни маковой росинки?

- Не-а!

СЕКРЕТЫ
МЕНЯ ЛЕПИЛИ ДЕВЯТЬ МЕСЯЦЕВ



Фото: ipm.ru

- Не смущает, что Императорский фарфоровый завод увековечил вас в виде статуэтки?

- Нет. Скромность украшает только тех, у кого нет других украшений. Мне приятно. Эта коллекция создается с 50-х годов. Первыми ласточками были Тамара Карсавина, Галина Уланова, Майя Плисецкая, Рудольф Нуреев.

- Как получилось, что и вам решили посвятить фигурку?

- Мы подружились с представителями завода, так как я часто туда заглядывал, когда возвращался из Петербурга в Москву. Покупал чашечки, статуэтки для друзей. Это раньше можно было везти клюкву в сахаре, а теперь ею никого не удивишь. И представители завода сделали такой сюрприз. Меня в образе Зигфрида, хотя я его почти не танцевал. Это был последний спектакль на исторической сцене Большого театра до реконструкции.

Над статуэткой работали девять месяцев. Скульптор Анатолий Данилов не хотел делать мне тонкую щиколотку. Не верил, что такие у мужчин бывают. А я пытался убедить его в том, что мои были именно такими до сорока лет. В итоге статуэтка получилась не слишком похожей. Зато в прошлом году на юбилей мне подарили фарфоровую Марину Семенову (педагог Цискаридзе. - Ред.). До сих пор на Императорском фарфоровом заводе ее не делали.

- Кстати, про Марину Тимофеевну. Среди ее учеников не только вы, но и Майя Плисецкая. Слышала, написали книгу о своей наставнице?

- Легендарная балерина и педагог. Работала в Большом театре восемьдесят (!) лет. Из них 22 года танцевала, а потом преподавала. Прожила 101 год, всю себя посвящала работе. Она почти не давала интервью. И я решил, что мир должен знать о ней больше.

- Она была строгим преподавателем?

- Даже жестоким. И жестким. А иначе нельзя. Ничему не научишь. И в этой жесткости были ее любовь и забота. Марина Тимофеевна могла держать тебя за руку, улыбаться, а ее длинные ногти впивались так, что ты думал: рука отсохнет.

- Зачем она это делала?

- Вела таким образом беседу. Если кто-то приходил и говорил, что ему что-то не понравилось, Марина Тимофеевна не делала замечаний. Говорила: «Что вы, это было великолепно! Такой успех». А как только мы оставались тет-а-тет, вырывалась могила. Тебя туда засовывали, и не только зарывали, но еще и сверху пинали ногами. А с утра снова любовь, будто ничего и не было. У меня рано не стало родных, и Марина Тимофеевна фактически заменила мне семью.

ДОСЬЕ «СВ»
Николай Цискаридзе родился в 1973 году в Тбилиси. Учился в местном и московском хореографических училищах. Окончил с красным дипломом магистратуру Московской государственной юридической академии. Был принят в труппу Большого театра, где первой сольной партией стал Конферансье в балете «Золотой век». Стал первым исполнителем партии Германна в балете Ролана Пети «Пиковая дама». Покинул Большой театр из-за череды скандалов и стал ректором Академии русского балета имени Вагановой. Входил в жюри телешоу «Танцы со звездами» на канале «Россия». Вел программу «Шедевры мирового музыкального театра» на канале «Культура». Награжден российским орденом Дружбы, французским орденом Искусств и литературы и грузинским орденом Чести. Дважды лауреат Госпремии. Трижды лауреат «Золотой маски». Народный артист России.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20653
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июл 02, 2019 3:32 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019070205
Тема| Балет, Московский государственный областной театр «Русский балет», Персоналии, Масами Чино
Автор| Полина ВИНОГРАДОВА
Заголовок| Масами Чино полюбила русский балет и осталась в Москве
Японка танцует в театре Вячеслава Гордеева на Волгоградке

Где опубликовано| © "Юго-Восточный курьер"
Дата публикации| 2019-07-02
Ссылка| https://uv-kurier.ru/2019/07/02/masami-chino-polyubila-russkij-balet-i-ostalas-v-moskve/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Масами танцует с сыном Марком Чино на юбилейном концерте/Пресс-служба театра «Русский балет»


Японка Масами Чино — ведущая балерина и педагог-репетитор Московского государственного областного театра «Русский балет» на Волгоградском проспекте. Она впервые приехала в Москву шестнадцатилетней девушкой, а недавно отметила 50-летие.

В Москве каждый старался помочь

Ее мама открыла в Токио свою хореографическую студию, и Масами с детства занималась у балетного станка.


Масами Чино/из личного архива

— Однажды я увидела по телевизору спектакль Большого театра «Лебединое озеро», в котором танцевала Людмила Семеняка. Это было потрясающе! Так я раз и навсегда заболела русским балетом и заявила маме, что стану первой известной в России японской балериной. Но тогда, в восьмидесятых, получить визу, чтобы уехать учиться в Советский Союз, было очень трудно, — рассказывает Масами Чино.

В конце 1980-х годов девушке удалось получить туристическую визу на месяц. И даже после того, как она поступила в Московское хореографическое училище, целый год приходилось ездить на родину продлевать визу.

— В Москве мне каждый старался помочь: когда я заболела, не имея медицинского полиса, когда не могла что-то объяснить по-русски или не знала, как намазать хлеб маслом, — вспоминает балерина.

Салат вместо суши

Это сейчас суши готовят практически в каждом кафе. А тогда японский ресторан был всего один — у метро «Краснопресненская».

— Я быстро привыкла есть то, чем нас кормили в училище. Правда, не сразу получилось полюбить каши, особенно гречку. А кормили нас очень хорошо, три раза в день. В какой-то момент я начала поправляться, и мой педагог русского языка вызвалась мне помочь. Она готовила для меня салаты: сама я готовить совсем не умела, — говорит Масами.

Масами в роли Маши

Масами решила, что останется в Москве. Когда она пришла в «Русский балет» к Вячеславу Гордееву, он ей сказал: «Главных ролей не обещаю, но дам тебе шанс». Постепенно она заслужила доверие мастера, и в ее репертуар вошли партии Китри в балете «Дон Кихот» и Маши в «Щелкунчике».

— Взлет в карьере у меня произошел после того, как я влюбилась, — признается Масами. — С мужем мы познакомились на дружеской встрече у одной из танцовщиц нашего театра. Он математик, доцент физмата МГУ. Мы много гуляли по городу. Когда у нас родился сын Марк, стали часто бывать в Лефортовском парке, рядом с которым живем. Я там каждый уголок знаю, мне нравится, что там сохранился дух старины.

Сын пошел по стопам мамы и окончил Московскую академию хореографии. Сейчас девятнадцатилетний Марк Чино танцует в Большом театре и уже исполняет сольные партии. Сегодня Масами Чино не только танцует, но и передает свои знания и опыт молодым артистам театра. А для своих соотечественников она написала и издала в Японии книгу о русском балете.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20653
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Июл 03, 2019 11:11 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019070301
Тема| Балет, Башкирский государственный театр оперы и балета, Персоналии, Валерия Исаева
Автор| Беседовала Алиса Алексеева
Заголовок| Балерина Валерия Исаева: "Успех зависит от различных случайностей и огромного ежедневного труда"
Где опубликовано| © Молодежная газета (Уфа)
Дата публикации| 2019-07-03
Ссылка| https://mgazeta.com/category/god-teatra/balerina-valeriya-isaeva-uspekh-zavisit-ot-razlichnykh-sluchaynostey-i-ogromnogo-ezhednevnogo-truda-/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

10 июля в Башкирском государственном театре оперы и балета 81-й театральный сезон завершится премьерой оперного спектакля «Дон Жуан».
Артисты балетной труппы уже отправились в отпуск, и сегодня в гостях у "Молодежки" прима-балерина Оперного театра Валерия Исаева.




- Валерия, 15 июня вы виртуозно исполнили заглавную партию Китри в балете «Дон Кихот», где вашим партнером стал премьер казанского театра, исполнитель роли Нуреева в фильме «Белый ворон» - Олег Ивенко. Расскажите немного про спектакль и ваш дуэт.

- Работа с приглашенным партнером - это всегда непросто: мало времени на подготовку спектакля и необходимо много срабатываться в техническом отношении. Как правило, дуэт получается не до конца подготовленный, и поэтому на сцене приходится особенно внимательно «слушать» друг друга. Но тем не менее, это довольно интересно и весело: узнаешь новое для себя, получаешь положительный заряд эмоций.

- А чем особенным ознаменовался для вас этот сезон?

- В этом году было много спектаклей. Но для меня особое значение имел балет «Легенда о любви», в котором я дебютировала 4 июня на сцене Челябинского театра. Сбылась еще одна моя маленькая мечта!

Спектакль достаточно сложный по технике и имеет своеобразный восточный стиль танца. Было не просто запомнить все нюансы хореографии даже при чистом исполнении технических элементов. Также для меня стало важным создать образ юной, озорной принцессы Ширин. Иногда на репетициях, думая о технике и танцевальных мелочах, меня одолевали более глубокие и сильные эмоции, чем следовало. Тогда нужно было освободиться внутренне, чтобы танец стал более легким и игривым.

- Что для вас отпуск?

- Это время, посвященное нерешенным делам и, конечно же, полностью проведенное с семьей. Семья - главное, что есть на свете! И это так важно - всегда быть рядом с близкими. Я особенно ощутила это, когда в нашей жизни появилась Ритка.
Хочу сказать, что рождение дочери сильно изменило меня. Я стала сильнее и спокойнее, и отношение к работе изменилось. Произошла некая переоценка ценностей. Хоть я и безумно счастлива, что могу реализовывать себя в профессиональной сфере, семья все же занимает первостепенное значение в моей жизни.

- Я знаю о вашем маленьком хобби. Это горы. Почему именно горы?

- Еще в раннем детстве мне часто рассказывали о моем дедушке, который был геологом. Он много путешествовал, и с ним связана масса историй и рассказов о забавных и страшных приключениях, произошедших в горах и степях. Наверное, эти истории и способствовали появлению тяги к природе, к другому миру, далекому от цивилизации.
Для меня горы – это способ ненадолго уйти в тишину, подальше от городской суеты. Это возможность насладиться красотой мира и интересно провести время с семьей. Там я обретаю внутреннее спокойствие и привожу в порядок свои мысли.

- Планируете ли вы поход в горы этим летом?

- В этом году накопилось много дел, и отпуск обещает быть довольно загруженным. Но мы с семьей все же очень хотели бы выбраться на Айгир, на речку Инзер. Это замечательное место, и оно нам хорошо знакомо. В этот раз хотелось бы пойти туда на пару-тройку дней, взяв с собой нашу Ритку. Я надеюсь, что все получится.

- Существует ли вершина, которую вы мечтаете покорить?

- У меня никогда не было идеи-фикс, что я, например, страшно хочу покорить Эверест. Мне важно обрести гармонию с природой, отдохнуть...
Но внутри меня самой есть такие пока непокоренные вершины. Прежде всего, это победы над собственными недостатками. Наверное, каждый человек сталкивается с похожим ежедневно. Одна из таких моих вершин - это победа над вспыльчивостью. Побороть ее возможно только постоянным контролем собственных эмоций. Я верю, что рано или поздно мне это удастся.

- На ваш взгляд, есть что-то общее между походом в горы и подготовкой к спектаклю?

- Пожалуй, да. Готовясь к спектаклю, ты долго репетируешь, оттачиваешь технику, продумываешь во всех нюансах психологию образа, вживаешься в роль, уделяешь внимание костюму... А спортсмены и альпинисты, в свою очередь, тщательно обдумывают детали маршрута, подготавливаются и тренируются к восхождению на сложные вершины.

- Бытует мнение, что в балетном закулисье немало жестокости и зависти. Приходилось ли вам сталкиваться с этими явлениями?

- Думаю, с этим сталкивалась каждая артистка балета, да и я тоже, врать не буду. Но могу сказать, что в силу своего характера я не очень интересуюсь сплетнями и интригами, да и часто неприятные слухи доходят до меня гораздо позже. Стараюсь не придавать закулисным интригам значения, даже если порой неприятно. Просто стараюсь идти дальше своей дорогой и работать, работать, работать.

- Есть ли у вас кумиры?

- У меня нет идеала, к которому я стремлюсь. Скорее, это образ собирательный: у одних находишь технические особенности, у других - эмоциональные краски.
Я часто просматриваю записи и с нашими лучшими балеринами, и с западными. И что-то полезное беру для себя на заметку.

- И напоследок мне хочется спросить вас, как человека, находящегося на пике балетной карьеры - в чем секрет успеха?

- К сожалению, в нашей профессии огромную роль играет просто удача, и это очень обидно. Это неправильно, несправедливо, но... имеет место быть. Важно, как сложится твоя учеба в училище, к какому педагогу ты попадешь, в какой театр; как сложатся отношения с коллегами. Успех порой зависит и от различных случайностей: приехал новый хореограф и увидел тебя. Или не приехал и не увидел...

Это одна составляющая. А остальное, конечно, огромный ежедневный труд и твое желание добиться признания. Немалую роль играет и интерес, что для тебя приоритетнее : карьера или что-то другое, помимо театра…

В жизни ведь то же самое. Главное – понять, что для тебя действительно важно и приложить все усилия для достижения целей.

Фото Олега Менькова и Андрея Коротнева.
==========================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20653
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Июл 03, 2019 12:54 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019070302
Тема| Балет, Театр «Астана Балет», Премьера, Персоналии, Юрий Григорович, Ариф Меликов,
Автор| Наталья Гапонова
Заголовок| Увидеть легенду!
День столицы Театр «Астана Балет» встречает премьерой легендарной «Легенды о любви».

Где опубликовано| © газета «Казахстанская правда»
Дата публикации| 2019-07-03
Ссылка| https://www.kazpravda.kz/articles/view/uvidet-legendu
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



Тавтология в данном случае оправдана, ведь этот балет иначе не назовешь. Он стал суперпопулярным сразу пос­ле премьеры в Ленинградском театре оперы и балета им. С. Кирова (легендарном Мариинском) в 1961 году. Его поставили режиссер Юрий Григорович – сегодня один из самых выдающихся хорео­графов XX века и знаменитый сценограф Симон Вирсаладзе. «Легенде о любви» Григоровича была суждена долгая сценическая жизнь. Спектакль шел в Большом театре России, Азербайджане, Чехии, Словакии, Турции. А это – сотни спектаклей!

Балет привлекает в первую очередь восточным колоритом: изящный сюжет, самобытная музыка, оригинальная хорео­графия. Автор музыки – азербайджанский композитор Ариф Меликов. Либретто турецкий поэт и драматург Назым Хикмет создал на основе собственной драмы «Ферхад и Ширин».

…Царица Мехменэ Бану по воле бродячего лекаря-колдуна жертвует своей красотой ради спасения сестры Ширин, которая смертельно больна. Увы, выздоровление девушки не приносит никому счастья. Во дворце появляется юный прекрасный художник Ферхад, пленивший сердца обеих сес­тер. Любовь, ревность, чувство долга, жертвенность переплелись в судьбе главных героев. И все-таки трагическая легенда – настоящий гимн любви. За это балет и любят зрители.

Иметь в репертуаре балет Григоровича – своего рода знак качества, высокая степень признания профессионализма труппы. Артисты столичного театра проводили долгие часы на репетициях под руководством ассистентов хореографа-постановщика Юрия Григоровича – Руслана Пронина и Оксаны Цветницкой.

– Мы хотим, чтобы было лучше, чем в Большом. Иначе зачем мы здесь работаем? Только такими категориями мыслим, – говорил во время репетиционного процесса Руслан Пронин. – Любая новая постановка дает возможность сделать шаг вперед с точки зрения осмыс­ления этого произведения. Мы делаем здесь так, как бы делал Юрий Николаевич исходя из сегодняшних возможностей артистов. Если рассматривать человеческое тело как инст­румент хореографа, как, например, у художника – краски, то палитра «красок» и возможнос­тей у сегодняшнего поколения артистов гораздо больше, чем у тех, кто танцевал 50 лет назад.

Наши артисты оттачивали каждую вариацию, каждое движение, каждую эмоцию. Когда-то главные партии в «Легенде о любви» исполняли звезды мирового балета: Майя Плисецкая, Наталия Бессмертнова, Надежда Павлова, Светлана Захарова, Марис Лиепа, Вячеслав Гордеев, Николай Цискаридзе… «Равнение» на них налагает на наших молодых артистов дополнительную ответственность.

В Театре «Астана Балет» роль Мехменэ Бану готовили Айжан Мукатова, Айнур Абильгазина, Дилара Шомаева, Риза Канаткызы; Ширин – Анар Дукиева, Дарина Кайрашева, Татьяна Тен; Ферхада – Илья Манаенков, Казбек Ахмедьяров, Фархад Буриев, Визиря – Амир Жексенбек и Бауржан Мекембаев.

– Вначале мы учили порядок движений, отрабатывали технические моменты. Роль и эмоционально очень глубокая, серьезная, тяжелая. Вы только представьте, что такое для женщины лишиться красоты! Мехменэ Бану была полна жизни, только начала ощущать свою женственность и прелесть, – рассуждает о своей героине ведущая солистка театра Айжан Мукатова.

– Музыка Меликова – сложная, быстрая, со своим особым счетом. К ней нужно привыкать, слушать желательно постоянно, чтобы она влилась в тебя, пошла по телу, как и хореография, – отметила ведущая солистка театра Татьяна Тен (Ширин).

Трагедию трех сердец нельзя просто станцевать, ее предстоит пережить и артистам, и публике. Премьера балета «Легенда о любви» на сцене Театра «Астана Балет» 3, 5 и 6 июля.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20653
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Июл 03, 2019 1:06 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019070303
Тема| Балет, Танец, Четырнадцатый Чеховский фестиваль, Персоналии,
Автор| Александр Фирер
Заголовок| Танец волос, уползающий балет и пляшущие иероглифы
Где опубликовано| © портал "Музыкальные сезоны"
Дата публикации| 2019-07-03
Ссылка| https://musicseasons.org/tanec-volos-upolzayushhij-balet-i-plyashushhie-ieroglify/
Аннотация| Чеховский фестиваль

Четырнадцатый Чеховский фестиваль одолел уже большую часть дистанции. Главенствуют на нем китайцы. Вот только завершились гастроли труппы Лон Юнь Кунг-Фу Джеки Чана из Пекина с шоу «11 воинов», где атлеты объединились с танцовщиками, чтобы рассказать историю кунг-фу от истоков практик шаолиньских монахов до современных техник. Обильно представлены фестивалем хореографы из Пекина и Тайбэя. Лин Ли-Чен, Лин Хвай-мин и Тао Е стали украшением фестиваля.


“Вечное движение жизни”. У Мин-Чин – Ву

Вечная медитация

Тайбэйский Legend Lin Dance Theatre привез на Чеховский фестиваль опус своей основательницы Лин Ли-Чен «Вечное движение жизни». Постановочная метода автора основана на специальных техниках актерской медитации, почерпнутой из богатейшего арсенала восточных культур. Спектаклю непременно предшествует основательная часовая концентрация внимания, в своем роде класс, в течение которого артисты достигают психического состояния требуемой кондиции. «Вечное движение жизни» опирается на трилогию Лин Ли-Чен, посвященную Небесам, Земле и Человеку («Зеркала жизни», «Гимн отцветшим цветам», «Песня задумчивого созерцания»). Шесть лет назад организаторы Чеховского фестиваля привозили в Москву «Песню задумчивого созерцания», и именно ее продолжением стало «Вечное движение жизни», показываемое на нынешнем фестивале. Эстетский ритуальный спектакль Лин Ли-Чен, обращенный к чувствам и блестяще исполненный артистами, представляет завораживающую медитационную фреску восточного созерцания и философии. Это о том, как проходит жизнь человека и как в разные периоды жизни люди подвергаются различным испытаниям. В спектакле в полной гармонии слиты Природа и Человек. Главная тема – Река, она источник Жизни.

Замерзшая река «свисает» огромным белым полотном с колосников. Полоски света на сцене создают иллюзию многослойного действа в бесконечности времени, где под ритуальный бой ударных инструментов (Хо И-Мин и Сян Ин звуками барабанов-бочек и ударами гонга дисциплинируют каркас повествования) и под пение некоего сверхъестественного существа (блистательная Сюй Чин-Чвэнь) безмерно медленно течет повествование. В этом красивом тягучем спектакле, полном переливов цвета и звука, обрядовости и религиозной знаковости, артисты движутся в темпе суперленто и по разным направлениям, так что следя за одними, совершенно из поля зрения выпадают другие, а потому наплывы картинок, вдруг появляющихся и незаметно исчезающих, воспринимаются как чудо. Визуальный ряд завораживает.

Легенды для своих спектаклей-гипнозов хореограф сочиняет сама и готовит новый опус неспешно и обстоятельно по нескольку лет. По сюжету «Песни задумчивого созерцания» братья – вожди племени Орла – старший Яки и младший Само, не поделили девушку Ву. Возлюбленная одновременно и Белая птица счастья, и божество, и душа реки Жизни. Она выбирает младшего брата. Но их счастье невозможно.

В новом опусе «Вечное движение жизни» девушка-птица (мифологическое существо, принимающее по ходу спектакля четыре образа-лика) подобно Фениксу, возрождающемуся из пепла, возникает будто из небытия, взламывая лед реки, чтобы вновь встретиться с любимым и принести миру зерно надежды. Ее крыльями метафорически становятся волосы полутораметровой длины, которые с десяток лет специально отращивала и холила танцовщица, пока ее руководительница Лин Ли-Чен вынашивала замысел и воплощала в жизнь свое произведение. Сцена пробуждения Белой птицы, буквально взрывающей ледники зимнего отчуждения (сценографически представленных метрами белой материи на полу), словно знаменует приход весны. Героиня стремится увидеться с Само, преодолевая ледокол безысходности бытия. Замедленные шевеления полусонного забеленного обнаженного тела девушки (У Мин-Чин) сменяются получасовыми (кажущиеся нескончаемыми) неистовыми и убыстряющимися вращениями головы и захватывающим полетом бесконечных развивающихся волос цвета воронового крыла на ослепительном фоне белой «пустыни». Следующему далее рандеву Ву с Само посвящено неторопливое вязкое адажио. Хрупкость прикосновений и пластическая каллиграфия погружают в атмосферу элегической чувственности: мраморные плечи и спина девушки обнажаются, руки возлюбленных переплетаются как длинные шеи фламинго, тела сливаются.

Уничтожающую стихию огня приносит вражда братьев-соперников Яки и Само (с истошными криками жестокий агрессивный поединок воинов), испепеляющих природу и как неотделимую ее часть Ву.

И в третьей части спектакля Ву проживает агонию умирающей птицы. С черным макияжем и длинными ногтями на пальцах рук она конвульсивно приближается к смерти, став жертвой человеческой жестокости. Она умирает, как и гибнущая природа в огне горящих рисовых полей, подожженных враждующими и любящими Ву братьями.

В финале на выстланной белой тропе-борозде оживающей земли девушка сеет зерна надежды, кладет черные камушки-охранители на белой дорожке – ростки жизни, а рядом – женщины с метелками риса и сосудами-чашками с язычками пламени. Смена времен года, цикл возрождающейся и умирающей птицы – по сути художественная метафора вечного движения жизни, столь поэтично изображенной автором в медитационном потоке гармонии с бушующим миром.

В нумерологическом омуте страсти не водятся

Тао Е создал в 2008 году в Пекине Tеатр танца Тао и осуществил тем самым великую китайскую культурную революцию на ниве поднебесного современного танца. Его собственный стилистический почерк выходит за рамки этнической принадлежности. Пронзительным взглядом таинственного геометра Тао Е бесстрастно исследует, прежде всего, физическую природу движения в минималистичных опусах без названия. Автор озаглавливает их порядковым номером создания, который также говорит о количестве занятых участников («1» не существует). По убеждению Тао Е, любое название отвлекает зрителя и мешает ему соучаствовать и воспринимать без навязываемого пояснения происходящее.

В Москву прибыли сочинения «4» и «8». Репетиции каждого спектакля шли около года, чтобы достичь столь технологически совершенного ансамблевого мастерства, приводящего в восхищение любителей новых пластических форм по всему миру. Для хореографа танцовщики объединены в единое тело, не имеющее гендерной принадлежности. Некий «коллективный разум» этого тела выступает как универсальный источник энергии. Тао Е дистанцируется от тех, кто просто бросает свое тело на песок, чтобы позолотить его на солнышке, и при этом забывает или не ведает о том, что тело несет человеку открытия. В опусе «8» восемь человек в сером обтягивающем облачении в полном трансе растворены в непрерывном движении по сцене. Безэмоциональные танцовщики, кажущиеся безголовыми, лежат в линию пятками к зрителю, а тетивой лука у них выгнута грудь. Восьмерка, как символ бесконечности, претворена в виде шестнадцатиножки единой пластической плоти, полспектакля в течение двадцати минут (под музыку Сяо Хэ) незаметно для зрительского глаза переползающей к заднику, чтобы затем совершить обратный четвертьчасовой маршрут к авансцене, когда зритель увидит мотания головы, словно курсора вправо-влево, движущиеся лопатки, прогибы торса с подогнутыми коленями и с упором верхней части тела на затылок и последующие резкие шлепанья на спину.

Вообще для автора тело – чисто абстрактный, умозрительный объект. Оно неэротично, хореограф наполовину или полностью закутывает его, облачает в униформу комбинезонов (как в «8»). Оно такое же волнообразное, как вода. Как в море не бывает абсолютного покоя (даже в полный штиль качает волна), так и в восьмом сочинении Тао Е каждая клеточка телесно-инструментального октета совершает свое «квантовое» движение, дабы этот макроорганизм малозаметно лавировал. Репетитивность движений приводит исполнителей в коллективный транс, к которому, по замыслу хореографа, должен подключиться в конце концов и зритель.

Застывшей волной, конвульсивно выгнутые красивые темные тела на светлой плоти сцены эффектно смотрятся клавиатурой рояля «в кустах» лабиринтов Вселенной. Не случайно именно этот энергетически позитивный кадр-символ из «8» выбран организаторами на главную афишу Чеховского фестиваля – 2019.

Получасовой спектакль «4» идет в сопровождении голоса, будто инструмента звуковой партитуры. Четверо задрапированных в свободные серо-черные одежды пластичных танцовщиков с закрытыми черной маской лицами и с затянутыми черным платком волосами движутся безостановочно, будто под дыхание и неукоснительно сохраняют на протяжении всего действа и в любой точке сценического пространства форму ромба (в Китае он один из символов счастья, врата на пути духовного возрождения). Различный голосовой темпоритм диктует изменение импульса, амплитуды и энергичности нескольких постоянно повторяющихся движений – взмахов рук или перекатов на коленях. Пластическое волнение перетекает по всему извивающемуся телу танцовщиков от кончиков пальцев ног через корпус до макушки головы.

Освободившись от аспекта чувств и сантиментов, Тао Е рассматривает автономную в своем существовании субстанцию живого ромба, сохраняющего в опусе четкую остроту углов и поперечное сечение. Ромб в «4» – парадигма силы и могущества движения как непререкаемого постулата жизни.

Небесный глаз Лин Хвай-мина

С тайваньской компанией Театр танца «Cloud Gate» («Облачные врата») у Чеховского фестиваля бурный роман. И вот уже в восьмой приезд в Москву тайбэйцы привезли девяностый опус своего руководителя Лин Хвай-мина «Формоза», который он объявил своей лебединой песней. «Формоза» (в переводе с португальского «прекрасный остров») – так воскликнули когда-то португальские моряки-колонизаторы, подплывая к зеленому чудо-острову в Тихом океане, пораженные его восхитительной живописностью.

72-летний Лин Хвай-мин основал «Cloud Gate» сорок шесть лет назад. С тех пор он прошел через огонь, воду и тонны риса в танцтеатральной сценографии и в спецэффектах, несущих важную художественную нагрузку.

Если традиционно хореограф делал упор на красочные маски, эффектные костюмы, прочие театральные атрибуты и красивости, то в аскетичном опусе «Формоза» он пластически воспел красоту своей родины, черпая вдохновение из жемчужин тайваньской поэзии. Вот несколько стихотворных цитат из спектакля, в котором поэзия отражается в хореографии, а то течет параллельно ей, создавая «климатически» оригинальный атмосферный фон.«На небе так много глаз. Один из них – твой, он будет освещать тебе путь, пока ты не умрешь». «Небо, столь синее и высокое, имеет имя: Осень». «Когда солнце восходит над океаном – это словно музыка и живопись, наполняющие душу надеждой». Слово и движение дополняют друг друга. В качестве сценографии использована черно-белая иероглифическая вязь, волнами текущая по бело-черному экрану задника и смываемая голубыми морями и океаном. Сборная музыка сменяется закадровым голосом, декламирующим размышления о рисе, острове, океане, небе, временах года, солнце и луне, жизни и смерти. Идеально отрепетированный хореографический беспорядок композицонно сменяется строгими геометрическими построениями, сольные всплески, подобные гребешкам волн, растворяются в общем течении пластического океана. Точные и энергичные артисты в простых майках, штанах и платьях проживают хореобаталии в лаконичной лексике современного танца с волнообразными движениями рук и гибкими изгибами тела, прыжками, бегом, падениями, поддержками, перекатами по полу. Агрессию неспокойного мира в балете отображают две противоборствующие группировки, идущие стенка на стенку, и толпа, терроризирующая женщину… Но все же главная тема спектакля – созидательное плавание по океану жизни. Танцовщики плоть от плоти плодородной земли, они восславляют добрые старые традиции острова.Опус в девяти частях о самом прекрасном месте на земле – Тайване – завершается словами «Вихревой океан», что можно также переводить-интерпретировать как формулу неиссякаемых постановочных возможностей Лин Хвай-мина: у художников его породы творческий путь – длиною в жизнь, пока не погаснет их небесный глаз.

Фото Александра Курова и Полины Королёвой
предоставлены пресс-службой Чеховского фестиваля

===========================================================================================
Все фото - по ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Авг 25, 2019 5:33 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20653
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Июл 03, 2019 2:05 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019070304
Тема| Балет, театр "Астана Опера" , Гастроли, Персоналии, Бахтияр Адамжан,
Автор|
Заголовок| Римляне не хотели отпускать казахстанского "Спартака"
Где опубликовано| © Tengrinews
Дата публикации| 2019-07-03
Ссылка| https://tn.kz/kfJIe
Аннотация| Гастроли



"Город на семи холмах" встретил труппу театра "Астана Опера" не только жаркой погодой, но и горячими аплодисментами: публика Рима долго не отпускала артистов, с фееричным успехом представивших балет "Спартак" 1 и 2 июля. Бурные овации, крики "Браво, Спартак" не смолкали в зале до закрытия занавеса. Сцена прославленной Римской оперы (Teatro dell'Opera di Roma) более чем за полтора века видела множество ярких выступлений, но казахстанская труппа запомнилась особо.



"Я часто хожу в этот театр, достаточно хорошо разбираюсь в балете, могу сказать, что уровень артистов очень высокий. Исполнитель главной партии Спартака делает невероятные прыжки. Он настолько меня впечатлил, что я обязательно теперь найду о нем дополнительную информацию и в целом узнаю больше о вашей стране, которую мне захотелось посетить", - сказал итальянский актер и певец Карло Бельмондо.

"Мне понравилась сценография, она действительно глубокая, спектакль был поистине зрелищным, и артисты также очень хороши, они делились с залом своей потрясающей энергией. Я чувствую себя так, как будто погрузился в представленную на сцене историю, как будто оказался в древнем Риме, и мне это очень понравилось. Исполнитель главной партии был великолепен, чувствовалась мощь его движений. Балетная труппа театра "Астана Опера" во главе с ее художественным руководителем Алтынай Асылмуратовой показала великолепное мастерство. Я хотел бы приехать к вам в Казахстан, это прекрасная страна", - подчеркнул известный итальянский артист со сценическим псевдонимом Fabio2U (Фабио Демофонти).

"Последний раз балет "Спартак" шел в Риме в 1987 году, поэтому сегодняшнее выступление для нас - это событие большого масштаба. Мы знаем, что в "Астана Опера" очень сильная балетная труппа. Считаю, что солист Бахтияр Адамжан – лучший Спартак в мире. Бахтияр уже выступал в Риме не раз, поэтому многие шли посмотреть именно на этого артиста. Видно, что труппа находится на подъеме, артисты молоды, имеют хорошую школу, особенно это становится понятно по кордебалету, массовые сцены были выполнены синхронно и слаженно. Великолепная работа оркестра и маэстро", - поделился житель Рима Максим Скобарев.

Полный зал, рассчитанный на 1600 человек, аплодировал стоя. После спектакля публика окружила ведущих солистов в фойе театра, где артисты раздавали автографы. Желающих сфотографироваться с исполнителем главной партии Бахтияром Адамжаном оказалось так много, что образовалась длинная очередь.

Ведущий солист "Астана Опера" Бахтияр Адамжан славится безупречной техникой, а партия Спартака - самая любимая в его репертуаре. Часто артист вспоминает, что, когда впервые исполнял премьеру этого спектакля на родной сцене, у него сжались легкие. "Первый акт закончился, занавес закрылся, а я не мог воздух набрать. Немного позже уже стал все нормально переносить", - смеется премьер столичной труппы. Конечно, Бахтияр Адамжан скромничает, потому что он по-настоящему живет в этой партии, отдает себя зрителю без остатка, его полетные прыжки восхищают публику всего мира. Он не боится показать Спартака слабым в минуты отчаяния и сомнения, потому что его герой всегда помнит о главной цели – свободе, которую выбирает, уже понимая гибельность этого шага.

"Мой Спартак, прежде всего, человек со своими сильными и слабыми сторонами. С первой ноты звучания оркестра я стараюсь показать развитие его характера в разные периоды его жизни: в любви, в сражениях, в минуты отчаянья… стараюсь донести до зрителя всю драматургию этого образа. Надеюсь, что этим отличаюсь от других артистов, потому что в последнее время мой герой воспринимается артистами только как воин и так же однообразно исполняется на протяжении всего спектакля", - отметил Бахтияр Адамжан.

Тепло зал принимал и ведущую солистку "Астана Опера" Айгерим Бекетаеву. Партия Фригии органично подошла балерине, позволив выразить лирическую природу ее яркого таланта. Очень убедителен был в партии Красса Арман Уразов. К слову, буквально недавно артист занял позицию ведущего солиста в труппе. Его герой-полководец получился в меру жестоким, самовлюбленным и властным, он смог передать трусость этого персонажа, что удается далеко не всем исполнителям. Его танец изобилует сложными прыжками, вращениями, замысловатыми поддержками, которые выполняются легко и артистично. Сам артист признается, что, несмотря на то что на сцене все выглядит легко, эта партия одна из самых сложных в его репертуаре, потому что требует передачи многогранности образа.

Эгина Асель Шайкеновой – не просто изощренная жрица любви. Эта умная, холодная, расчетливая куртизанка хочет войти в круг римской знати, и поэтому ей нужен Красс-победитель, триумфатор. Именно Эгина определяет трагический исход борьбы. Стилем современной хореографии Асель Шайкенова владеет прекрасно. Требовательная итальянская публика отзывалась аплодисментами на все сложные поддержки, прыжки и вращения артистов. Особые эмоции у аудитории вызвало блестящее исполнение хора в моменте, когда Фригия находит тело погибшего мужа и оплакивает его. Вдруг будто с неба зазвучали женские голоса, зрителям трудно было сдержать слезы.

Работа дирижера играет огромную роль в балетном спектакле. Маэстро Абзал Мухитдинов великолепно справился со своей задачей: он смог добиться стилистической, интонационной и ритмической точности, а также разнообразия звучания. Зрители после окончания спектакля благодарили не только артистов, но и художественного руководителя балетной труппы "Астана Опера" Алтынай Асылмуратову, у которой здесь оказалось большое количество поклонников.

"У нас были волнительные, ответственные выступления. Артисты справились, ведущие солисты показали себя как большие профессионалы. Я довольна! Подходили зрители, деятели культуры и говорили, что эмоционально их очень тронул спектакль, что у них шел мороз по коже, и для меня это самая высокая оценка. Если мы сумели вызвать у публики эти эмоции, значит мы не зря работали. Выступать в Риме, столице Италии, на такой сцене, безусловно, непросто, потому что таких зрителей удивить сложно. Я не ожидала, что будет подобная реакция, пошел большой резонанс о нашей труппе, о театре "Астана Опера", - заключила Алтынай Асылмуратова.

Балет посетил советник чрезвычайного и полномочного посла Казахстана в Италии Сеит Нурпеисов.

"Символично, что именно здесь, в Италии, был представлен балет "Спартак". Я был горд, что мастерство казахстанских артистов, хореография, звучание оркестра – все было представлено на высшем уровне, это можно было понять по несмолкающим аплодисментам зрителей Teatro dell'Opera di Roma".

Оба дня – 1 и 2 июля – римская публика восторженно принимала казахстанских артистов. Напомним, что следующее выступление труппы "Астана Опера" пройдет в Литве, в городе Каунасе, где 5 июля будет представлена насыщенная программа Гала-балета. Гастроли проходят под эгидой Министерства культуры и спорта в рамках программы "Рухани жаңғыру".

====================================================================================

Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20653
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Июл 03, 2019 8:10 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019070305
Тема| Балет, «Урал Опера Балет», Премьера, Персоналии, Юрий Бурлака
Автор| Елена Халуторных
Заголовок| Выход Росинанта: «Урал Опера Балет» готовит премьеру балета «Дон Кихот»
Где опубликовано| © Областное телевидение
Дата публикации| 2019-07-03
Ссылка| http://www.obltv.ru/news/culture/vykhod-rosinanta-ural-opera-balet-gotovit-premeru-baleta-don-kikhot/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

ВИДЕО по ссылке



«Урал Опера Балет» готовится удивить зрителей премьерой «Дон Кихота». Впервые хитроумный идальго появится на екатеринбургской сцене верхом на настоящем коне. Широкой публике спектакль представят завтра.

С первых аккордов зритель переносится в эпоху средневековой Испании – танцы на площади Барселоны под звуки тамбуринов, девушки с веерами в пышных юбках, тореадоры и рыцарь в доспехах, верхом на коне. В роли Росинанта – кобыла по кличке Бэлла. Ее, так же как и ослика для Санчо Панса, выписали из конного клуба в Дегтярске. Идея вывести на сцену настоящих животных принадлежит балетмейстеру-постановщику Юрию Бурлаке. По его словам, это дань традициям императорских театров. Балет поставлен по мотивам романа Сервантеса. В основе сюжета – одна из новелл, посвященная любви цирюльника Базиля и дочери трактирщика Китри.

Юрий Бурлака, балетмейстер-постановщик балета «Дон Кихот»: «Это некие клипы одной из глав романа про Китерию и Басилио, про свадьбу с богачом Камачо, которая не состоялась в данном случае, которые Дон Кихот проходит как главный диджей, ведущий всего вечера, скрепляя всю эту историю».
Балет «Дон Кихот» на музыку Людвига Минкуса впервые поставил Мариус Петипа ровно полтора века назад. В 1900 году хореограф Александр Горский создал новую версию. Свою интерпретацию этой постановки на екатеринбургской сцене представил балетмейстер Юрий Бурлака. Художники-постановщики трепетно относятся к эскизам декораций 1900 года. Их авторы – русские живописцы Константин Коровин и Александр Головин. В течение четырех лет свердловские мастера изучали их работы по архивным фотографиям. Говорят, главная сложность, что сцена Большого театра, где тогда ставили балет, в полтора раза больше екатеринбургской.

Альона Пикалова, художник-постановщик балета «Дон Кихот»: «При авторском переносе своего собственного эскиза на сцену автор сам вносит изменения, потом в итоге мы имеем только черно-белую фотографию того, что дошло в результате до зрителя. Соединяя эти две авторские редакции, получаем третий вариант».
Специально для постановки художники создали три сотни костюмов по образцу тех, в которых выступали танцовщики начала ХХ века. Здесь подчеркнуто тонкие талии и пышные бедра.

Татьяна Ногинова, художник по костюмам балета «Дон Кихот»: «Чтобы создать более округлые бедра, добавляем рюшки на бедра под юбку. Чтобы сделать более тонкую талию, добавляем сантюр, который утягивает талию более плотно. Мы не выходим, как это принято в современных балетных спектаклях, с гладкой "змеиной" головой на сцену, – обязательно делаем кудри, чтобы добавить немножко объема».
Важные детали – платки и веера. Но и этого недостаточно: чтобы показать испанский характер, говорят танцовщики, необходимы темперамент и особая пластика.

Камила Бекназарова, исполнительница роли Мерседес: «Это обязательно поставленные красивые руки, корпус и страсть на лице и в теле. Обязательно юбка, рука, глаза – всё должно быть изнутри».
Премьера «Дон Кихота» на екатеринбургской сцене состоится уже завтра. Перед завершением сезона пройдут четыре показа. А затем, после летних каникул, балетную версию романа о хитроумном идальго можно будет увидеть в конце сентября.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20653
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Июл 03, 2019 8:25 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019070306
Тема| Балет, «Урал Опера Балет», Премьера, Персоналии, Юрий Бурлака
Автор| Беседовали Екатерина Ружьева и Богдан Королёк
Заголовок| Юрий Бурлака: «”Дон Кихот” — это все удовольствия в один вечер»
О балетах в жанре донкихота, русской Испании и фуэте

Где опубликовано| © сайт театра
Дата публикации| 2019-07-02
Ссылка| https://uralopera.ru/media/yuriy-burlaka-don-kikhot-eto-vse-udovolstviya-v-odin-vecher
Аннотация| Премьера, ИНТЕРВЬЮ

Новая постановка «Дон Кихота» в Екатеринбурге — девятая по счету. На этот раз балетмейстер-постановщик Юрий Бурлака попытался вернуть постановку Александра Горского к ее изначальному облику — и рассказал редакции uralopera.ru, чем спектакль в Екатеринбурге будет отличаться от множества других «Дон Кихотов».


Юрий Бурлака на репетиции балета «Дон Кихот»
Ольга Керелюк


Почему мы обращаемся к хореографии Горского спустя 120 лет после ее создания?

Всегда важна первооснова, оригинальный текст: первоисточник всегда интересен больше, чем самые талантливые переложения. Это справедливо и для балетного театра. Конечно, с литературой и музыкой проще — там текст зафиксирован автором в том виде, в котором был задуман. В балете так бывает нечасто. Хореография Горского ценна именно как первооснова — его версия легла в основу почти всех современных постановок «Дон Кихота». Нам повезло, что хореография 1900 года дошла до наших дней, передаваясь «из ног в ноги». В России нет, наверное, ни одной балетной труппы, которая бы этот балет не включила в репертуар. Другое дело, в каком виде его исполняют.

Балетный критик Юлия Яковлева однажды сформулировала, хотя и в отношении другого балета: «он превратился из конкретного названия в жанр». Балет в жанре дон-кихота, балет-донкихот.

Этого мне и хотелось избежать. И чтобы Урал Опера Балет отличался от других театров, было решено вернуться к оригинальной московской версии с подлинными декорациями и костюмами Константина Коровина и Александра Головина. Причем эта идея созрела одновременно внутри театра и в моей голове. Но восстановление оригинального визуального контекста — очень затратная затея. Андрею Геннадьевичу [Шишкину, директору Урал Оперы] потребовалась буквально одна минута, чтобы ответить: «Да, здорово, мы это делаем». Не каждый театр способен осуществлять такие масштабные проекты, и я очень благодарен екатеринбургскому театру, что здесь отважились на это.

В название балета добавилось одно слово: в программках и буклете он будет именоваться «Дон Кихот Ламанчский».

Это не моя прихоть — так назывался спектакль Горского. С одной стороны, ему было важно подчеркнуть, что новый спектакль отличался от спектакля Мариуса Петипа 1869 года. С другой стороны, он хотел выделить роль заглавного персонажа, которая у Петипа когда-то была центральной, но со временем потеряла значимость. В спектакле Горского Дон Кихот вновь стал главным связующим звеном в приключениях всех героев.

Можно ли назвать «Дон Кихота» в Урал Балете реконструкцией?

Реконструкцией в балетном театре ничего назвать нельзя. После 1900 года многое изменилось: эстетика человеческого тела и амплитуда движений, представления об актерском существовании, фактура тканей и химический состав красок, осветительные приборы. И зрительский опыт публики. Поэтому наш «Дон Кихот» — не реконструкция, а впечатление от спектакля 1900 года, попытка воскресить его образ и дух того времени.

К каким источникам прибегли постановщики «Дон Кихота»-2019?

На первом месте — живая передача информации от исполнителя к исполнителю. Я стремился максимально собрать информацию о хореографическом тексте Горского и его вариантах. При постановках и возобновлениях «Дон Кихота» в разных городах некоторые номера и мизансцены в одних случаях выпадали, в других – сохранялись, а моей задачей было собрать их воедино в максимальном объеме.

Кроме того, есть архивные источники. Например, кинохроника, запечатлевшая танец Ольги Лепешинской: оказалось, что финальный дуэт был совсем другим, и в нашем спектакле мы покажем старый вариант. Из записи 1968 года с Майей Плисецкой можно вынести много деталей, которые сейчас на сцене уже не встречаются. Много дало общение с исполнителями разных поколений. Старейшим из них была Евгения Фарманянц, которая в 1928 году поступила в московскую балетную школу и спектакль Горского видела еще в детстве. Многие танцы, особенно характерные, всегда исполнялись в школе, и старые педагоги Московского хореографического училища помнили детали хореографии.

Еще один источник — подробные печатные программы «Дон Кихота», изданные в 1900-е годы. Они могут указать на некоторые детали мизансцен, расстановку акцентов, присутствие действующих лиц, которые со временем исчезли из спектакля. Наконец, над постановкой работали большие художники, и до наших дней в полном объеме сохранились их эскизы и постановочные снимки.

Импрессионистскую живопись Коровина достаточно трудно реализовать в масштабе сцены?

Когда я впервые знакомился с материалами, задумался, почему старые монтировочные фотографии, на которых запечатлены декорации без артистов, так сильно отличаются от эскизов. Дело в том, что при каждом театральном художнике состоял подмастерье — человек, хорошо знавший театральное ремесло. При Головине и Коровине в 1900-е работали [Николай] Клодт и [Георгий] Голов, которые знали манеру их письма и умели превратить эту живопись в падуги, кулисы, задники и станки. Точно так же все происходило и у нас. Художник-постановщик Альона Пикалова работала с материалами «Дон Кихота» четыре года: сравнивала фото и эскизы, углублялась в манеру письма, буквально вглядываясь в каждое красочное пятно. И затем решала, каким образом адаптировать оформление к екатеринбургской сцене — сцена здесь все-таки поменьше, чем в Большом театре. Дело осложнялось тем, что макетов «Дон Кихота» не сохранилось.

Прекрасные декорации предстоит населить персонажами балета. Как со своей задачей справилась труппа? Известно, что главные партии репетируют шесть составов исполнителей.

Труппа Урал Балета замечательная. Совсем недавно я ставил здесь одноактный балет «Наяда и рыбак», и очень хорошо знаю возможности этих артистов. Могу сказать, что со своими задачами они справились отлично. Слава Самодуров собрал замечательную команду: труппа молодая, активная, способная осваивать разные стили. Здесь много сильных солистов, поэтому не только Базиля и Китри, но и другие партии у нас готовят несколько составов — каждый из них по-своему хорош. Все исполнители энергичные и с чувством юмора, а это как раз то, что нужно для «Дон Кихота».

«Дон Кихот» — классический балет на испанскую тему. Насколько харáктерные танцы, которые мы увидим, имеют отношение к настоящей Испании?

Конечно, это стилизация. Борис Асафьев, теоретик и композитор, еще сто лет назад назвал это особым жанром — «театром русской Испании». Это касалось не только балета, но и музыки: «Испанское каприччио» Римского-Корсакова, «Арагонская хота» Глинки — это все-таки не Испания, а взгляд русского человека на нее. Все характерные танцы «Дон Кихота» были придуманы Горским на основе классических балетных па. Горский опирался на спектакль Петипа и эстетику театра Петипа, а надо сказать, что у Петипа, три года выступавшего в Испании в качестве танцовщика, это была любимая национальная краска. Собственно, и сюжет «Дон Кихота» был выбран им неслучайно, — и, может быть, в образе цирюльника Базиля, этакого барселонского Фигаро, Петипа видел самого себя. Горский, воспитанный на балетах Петипа, конечно, впитал и эту эстетику обрусевшей Испании.

Базовая испанская школа не так уж распространена — все-таки мы привыкли видеть фламенко в другом, более зрелищном варианте. Но если обратить внимание на испанские классические танцы, то их вполне можно было бы вставить в нашего «Дон Кихота».

«Дон Кихоту», если отсчитывать его жизнь от написания сценария Петипа и музыки Минкуса, в 2019 году исполняется ровно полтора столетия. За что зрители любят его до сих пор?

За оптимизм. Музыкальный и хореографический. Не так много сохранилось балетов оптимистических и комических: «Тщетная предосторожность», отчасти «Коппелия», «Дон Кихот». И это один из немногих уцелевших балетов-ревю, балетов-феерий XIX века.

То есть все удовольствия в один вечер: вот испанские танцы, вот женский ансамбль на пуантах, а вот комедия при участии известных литературных персонажей?

Да, и такой принцип построения в «Дон Кихоте» был изначально. Не логически выстроенная длинная история, а балет-обозрение: разные клипы, объединенные некой эксцентричной фигурой, в данном случае — фигурой нелепого рыцаря в картонных латах. Дон Кихот как ведущий вечера.

К сегодняшнему дню «Дон Кихот» превратился в балет одного удовольствия — в «балет про фуэте». Когда и почему это произошло?

Вообще-то «балетом про фуэте» «Дон Кихот» не был. Одной из первых балерин, которая ввела этот трюк в «Дон Кихота», была Екатерина Гельцер. Потом артисты вошли во вкус: настало советское время, возник, с одной стороны, пафос освобождения от старых догм, с другой — пафос людей-машин, которым подвластно все. Отсюда и культ виртуозности, который утвердился в классическом балете перед Великой Отечественной войной. «Дон Кихот» пал, наверное, главной жертвой этого культа. Сейчас одна из наших задач как раз в том, чтобы вернуть «Дон Кихоту» его разнообразие, обилие сценических красок. Но и фуэте из последнего акта никуда не делось.

Вы уже принимали участие в постановке «Дон Кихота» — и тоже в Екатеринбурге.

Действительно, получилось забавно: я второй раз ставлю балет «Дон Кихот» в том же самом театре. В 2006-м я был подмастерьем, моя танцевальная карьера еще не была завершена. Тогда я отвечал за постановку фрагментов Александра Горского, которые очень тщательно восстановил, а сам спектакль ставил Вячеслав Гордеев. Идея была отчасти моя: Гордеев хотел поставить что-то необычное, и я навел его на первоначальное либретто Мариуса Петипа 1869 года, которое сильно отличается от всех последующих версий. Либретто его заинтересовало, но он интерпретировал текст достаточно свободно. Спектакль в итоге получился абсолютно авторский. Не могу сказать, что тогда меня это удовлетворило, но свою работу я сделал, как мне кажется, добросовестно.

Реставрация классических балетов с наступлением XXI века стала особым родом балетмейстерской работы. Среди российских балетмейстеров ею регулярно занимались трое — Сергей Вихарев, Алексей Ратманский и вы. Реставраторская работа Ратманского до сих пор протекала за пределами России, Вихарев скоропостижно ушел летом 2018-го…

Этих людей я знал и знаю лично и отношусь к ним с большим уважением. Алексей Ратманский — мой одноклассник по Московскому хореографическому училищу, мы вместе делали первую масштабную работу для Большого театра, «Корсар». Сергей Вихарев был большим мастером, и очень жаль, что мы так рано лишились его таланта. Он был первым в России, кто открыл это направление — показал, как можно обращаться с классикой, взявшись за восстановление полномасштабных балетных спектаклей с подлинными декорациями и костюмами. Сергей ставил балет «Коппелия» как раз в тот момент, когда я работал в Большом театре, и с тех пор я всегда с большим интересом следил за тем, что он делал.

Все мы пользовались в своей работе, насколько это возможно, записями по системе Степанова, которые хранятся сейчас в архивах Гарвардского университета. Мы все смотрели на реконструкцию немного разными взглядами, и это хорошо, потому что к классическому наследию возможны разные подходы. Я восстанавливаю эпоху, время и стиль через различные детали — предпочитаю соединять хореографию с теми декорациями и костюмами, в которых она существовала изначально, делать такую цельную историю.

В случае с «Дон Кихотом» мне повезло, что все эскизы сохранились, а сам спектакль не исчезал со сцены, а непрерывно шел как в Большом театре, так и в Мариинском. Если слагаемых для постановки не хватает, могут возникать разные аллюзии — современный художник может создавать новые костюмы и декорации в стиле эпохи. Но возможен и совершенно другой подход — например, тот, который Сергей Вихарев и Слава Самодуров предприняли в балете «Пахита». Это другой взгляд, он столь же интересен. Повторю: обращаться с наследием можно по-разному, главное, делать это бережно.

Полную версию разговора с Юрием Бурлака читайте в буклете «Дон Кихота» — его можно купить в день любого спектакля на всех этажах зрительского фойе.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20653
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Июл 03, 2019 11:02 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019070307
Тема| Балет, , Персоналии, Денис Матвиенко
Автор| Интервью взяла Маша Хинич
Заголовок| Денис Матвиенко о балете «Великий Гэтсби»: «Мы создали новый сценический жанр»
Где опубликовано| © Интернет-журнал об израильской культуре и культуре в Израиле
Дата публикации| 2019-07-01
Ссылка| https://www.israelculture.info/denis-matvienko-o-balete-velikij-getsbi-my-sozdali-novyj-scenicheskij-zhanr/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Танцовщик и хореограф Денис Матвиенко – супер-звезда. Видео-ролики, статьи, критика, отзывы, сотни фотографий – перед поездкой в Киев на репетиции балета «Великий Гэтсби» я просмотрела и прочитала всё, что могла о Денисе и об этом балете, но все равно оказалась не готова к тому, что увидела: сначала стычки молодежи и полиции на Майдане, а сразу за ним, в ста метрах от площади, за рядом цветущих каштанов, в репетиционных комнатах зала «Октябрьский» – точность движений, изысканность танца, благородство хореографии, повторение фрагмента за фрагментом, отрывка за отрывком – вновь и вновь. Ритм, фуэте, танго. Полная сосредоточенность в отношениях с партнерами, концентрация на жестах, позах, на прыжках и полете. Конечно же, полете, ведь на плече у Дениса Матвиенко вытатуировано крыло – он действительно летает. Перерыв в репетициях, короткий отдых и мы можем поговорить.

– Денис, расскажите о своих татуировках. Почему, к примеру, крыло?

– Потому что я летаю – в прямом и переносном смысле. Для меня каждая татуировка что-то значит. Мне 40 лет, я довольно молодой еще человек, но для классического танцовщика я уже старый.

– Хочется немедленно возразить…
– Я знаю сам себя лучше, чем кто-либо другой. У меня был длинный путь в балете, а татуировки я начал делать тогда, когда понял, что только сценического адреналина мне не хватает. Я еще в юности хотел сделать татуировки, но мне говорили – ни в коем случае не делай, если есть хоть малейшие сомнения в том, нужно ли тебе это. Так что ни одной случайной татуировки у меня нет, и никаких сомнений тоже нет.

– У вас еще есть татуировки-надписи: «Моя жизнь – моя программа» и «Одиночество – лучшее общество»? Вы так говорите, вернее, даете понять (и прочитать) о вашем отношении к жизненным обстоятельствам?
– Я очень общительный человек, но подумайте, подсчитайте, сколько за свою жизнь мне пришлось сыграть ролей, какое огромное множество разных персонажей изобразить. И при этом я все время с кем-то вместе нахожусь на сцене, в раздевалке, в перелетах, все время с кем-то контактирую – и физически, и ментально. Одиночество – это нормальное состояние каждого человека и оно мне крайне необходимо. И иногда, хоть и очень редко, мне все же удается побывать наедине с собой.

– У вас есть семья?
– Да, у меня жена и двое детей. Люди чаще всего расстаются из-за того, что не могут долго находиться вместе. Но я женат уже 16 лет и нам хорошо друг с другом: даже когда мы с женой просто молчим – молчим рядом друг с другом.

– Вы танцовщик в третьем поколении. Выбор балетной профессии был неизбежным пунктом жизненной программы?
– Думаю, что это было предсказуемо в моей судьбе – ну скажем, процентов на восемьдесят. Казалось даже, что это полностью неизбежно – ведь я родился и вырос за кулисами. С детства помню запах в раздевалках, то, как стаптываются танцевальные туфли… Сейчас мне вряд ли это бы понравилось, а в детстве я все это обожал – все эти бытовые приметы балетной жизни. У меня не было комплексов, не было страха сцены или стеснительности, для меня было в порядке вещей развлекать людей, и когда пришло время профессионально учиться, то отец спросил меня, хочу ли я танцевать. И я ответил – «конечно!» Тогда я и не подозревал, как мне придется тяжело, насколько непроста будет учеба. Первые четыре года я получал мало удовольствия от учебного процесса, но прошло время, и я не просто полюбил свою профессию, а полюбил ее фанатично. В те времена не было интернета, но мы каким-то образом доставали видеозаписи с Барышниковым, Годуновым – они были моими кумирами, благодаря которым и возникла любовь к танцам. Сначала я копировал их, потом постепенно появилось что-то свое, сформировался свой почерк, стиль.

Лет с пятнадцати я фанатично занимался до позднего вечера в зале, а потом приходил домой и отрабатывал пируэты на ковре, глядя на отражение в шкафу. Мои физические данные идеально подходят для балета, но ничего бы не получилось без любви и огромного желания научиться хорошо танцевать. Говорят что танцовщику необходимо «умное тело» – это не так, прежде всего, нужна «умная голова». Желание и любовь творят чудеса. Иногда мне казалось, что я слишком самоуверен, что не дотяну до той планки, которую сам себе поставил. Бывало очень сложно.

А сейчас моя дочка тоже растет за кулисами. Она моя копия – она ничего не стесняется, повторяет движения за всеми без всякого смущения. Она родилась в 2013 году – как раз когда мы затеяли спектакль «Гэтсби», а в 2014-м присутствовала годовалым младенцем на всех репетициях.

– Как танцовщик воздействует на публику, откуда берется такая сила эмоционального воздействия? Такая, что зрителям хочется танцевать, глядя на вас?
– Отвечу банально: балет – это моя жизнь. Я ничего другого не умею и ни в чем больше не разбираюсь. Я ограниченный человек – я умею только танцевать. У меня никогда не было времени распыляться на что-то другое, я всегда был всецело поглощен работой. Это как алмаз – ты долго-долго обрабатываешь грань за гранью, и в результате получается сверкающий бриллиант. А блеск бриллианта гипнотизирует…

В классическом балете очень много ограничений и четких канонов. Если ты не абсолютно тщательно выполняешь некую позицию – то просто упадешь, и потому мы годами оттачиваем все детали. Но к своим 35-37 годам я станцевал так много классики, что в какой-то момент понял, что мне стало уже не так интересно, строгие рамки классики стали меня сковывать. Я люблю сцену, люблю зрителей, но танцевал я уже без прежнего наслаждения. Что же касается современного танца – он не имеет границ. У него вообще нет никаких ограничений – и в этом его огромный плюс. В моем возрасте и в моей творческой ситуации мне это идеально подходит.

– Расскажите о вашей совместной работе с Дуайтом Роденом: и вы, и он – огромные величины. Мне кажется, что в такой ситуации конфликтные моменты в творчестве неизбежны.
– Наша общая работа была просто безумна по накалу страстей и идей. Вежливые дискуссии доходили до ругани и ссор – так, что искры сыпались из глаз, хотя было, конечно, множество прекрасных и даже веселых моментов. Сама по себе общая работа на сцене, общий проект в искусстве балета – процесс поиска по многим направлениям, процесс творческий и очень непростой. Ведь мы с самого начала хотели создать абсолютно новый масштабный проект. Долго искали тему и выбрали «Гэтсби» – причем это было никак не связано с вышедшим в то время фильмом при участии Леонардо ди Каприо. Мы просто искали интересный мужской персонаж, обсуждая и Дракулу, и Дориана Грея, и другие интересные личности, но потом возник Гэтсби. И после это мы начали искать хореографа в области contemporary dance, композитора, сценографа – и всё покатилось, работы прибывало как при сходе лавины.

– Хореография Дуайта Родена – современна и основа на иной базе, нежели классический балет. Вам и вашим танцорам сложно было перестроиться после суровой выверенности академической школы?
– Это было непросто, ведь речь шла о совершенно новой хореографии и новой пластике для тела. Бывали сложные моменты – иногда я абсолютно не понимал, что хочет от нас Дуайт Роден, настолько это было непривычно. Но к счастью, у меня уже был накоплен большой опыт в современной хореографии – я танцевал в постановках Баланчина, Ратманского, Эдварда Клюга, Ролана Пети и многих других. Поэтому, несмотря на некоторые трудности, в конце концов, мы с Дуайтом поняли друг друга, нашли общий язык и у нас всё получилось.

– У меня сложилось ощущение, что балет «Великий Гэтсби» – это новый сценический жанр. Жанр, созданный благодаря вашему прочтению великой литературы? Так ли это?
– Да, безусловно. Описать нашего «Гэтсби» словами довольно сложно. Тут уж точно надо один раз увидеть, чем семь раз услышать… Это балет, но в то же время это шоу, напоминающее бродвейский мюзикл, только мы не поем, хотя в саундтреке есть вокальная запись. Это симбиоз жанров. В самой постановке присутствуют элементы классики – и пуанты, и классические позиции в сочетании с совершенно современной, даже авангардной хореографией. Это сюжетный спектакль с историей, он читается как книга. Мы рассказываем историю и дарим эмоции, возвращаем мировой литературной классике ее реноме через современный спектакль. Я пробовал смотреть наш балет в записи, чтобы оценить его со стороны, как зритель. Естественно, что мы не можем за два часа станцевать все, о чем сказано в книге, передать каждую главу и все линии этого романа, но, тем не менее, сюжет в нашем балетном изложении абсолютно понятен.

Для меня успех измеряется количеством людей в зале и количеством тех лет, что спектакль не сходит со сцены. В Европе наш «Гэтсби» набирает обороты, такие балетные города как Берлин, Вена, Гамбург приняли его на «ура» – и критика была потрясающая, и уже пять лет подряд ежегодно люди приходят смотреть наш спектакль. Это настоящий успех, как здесь не быть довольным!

Интервью взяла Маша Хинич


*****

«Великий Гэтсби» – это больше, чем балет
«Великий Гэтсби» – хореографический спектакль, созданный международной командой профессионалов, поставившей балетное шоу, в котором сочетаются самые сильные стороны классического балета, современного танца и кинематографа. Это история любви и мечты, тщеславия и предательства, декаденства и роскоши, ревности и одиночества, обретшая новую форму в современном мире, где удивить зрителя классическим балетом становится все труднее, но когда речь идет о балет «Великий Гэтсби» – все иначе.

Балет «Великий Гэтсби» создала международная команда: культовый хореограф из США, один из самых востребованных хореографов современности, руководитель Complexions Contemporary Ballet Дуайт Роден, у которого на счету постановки для американского музыканта Ленни Кравица, Cirque du Soleil, певца Принса. Исполнитель главной роли и арт-директор проекта – Денис Матвиенко – прославленный танцовщик, единственный в мире обладатель четырех Гран-при международных конкурсов артистов балета. Вторую главную партию танцует этуаль Complexions Contemporary Ballet Клиффорд Уильямс. Музыку написали композиторы Константин Меладзе и Юрий Шепета.

Денис Матвиенко – арт-директор проекта «Великий Гэтсби».

Наталья Макарова о Денисе Матвиенко: «Это Барышников, Нуреев и Годунов в одном лице. Такого явления в балете не было давно».

Денис Матвиенко родился в Днепропетровске (Украина). Танцовщик в третьем поколении. В 10 лет Денис поступил в Киевское государственное хореографическое училище, где проучился до 1997 года. В 17 лет, будучи еще студентом хореографического училища, Денис Матвиенко дебютировал на сцене Национальной оперы Украины в партии принца Дезире в балете «Спящая красавица». В 1997 году на IV Международном конкурсе артистов балета в Люксембурге Денис получает свое первое Гран-При, что положило начало его стремительной и невероятно успешной карьере.

Менее чем через год Денис Матвиенко получает Гран-При III Международного конкурса артистов балета им. Рудольфа Нуриева в Будапеште. Ещё через год – Золотую медаль и Приз Вацлава Нижинского на III Международном конкурсе современной и классической хореографии в Нагое (Япония).

В 2001 Денис получает приглашение от Мариинского театра (Санкт-Петербург, Россия). В качестве ведущего солиста, в течение одного театрального сезона исполняет ведущие партии в балетах «Дон Кихот» и «Драгоценности», а также ведущие партии в премьерах балетов «Золушка» Алексея Ратманского и «Блудный Сын» Джорджа Баланчина.

С 2002 года Денис Матвиенко является приглашённым солистом в New National Theatrе (Токио, Япония) В 2003 году Денис возвращается в Национальную оперу Украины в качестве Премьера.

В 2005 Денис Матвиенко вместе с женой Анастасией Матвиенко решает принять участие в Десятом Московском Международном конкурсе артистов балета и хореографов и получает на конкурсе Гран-при, а Анастасия – Золотую Медаль. Денис Матвиенко становится четвертым за всю историю существования конкурса, кто был удостоен Гран-при.

С 2007 Денис выступает в качестве Guest principal в таких театрах, как Teatro alla Scala (Милан, Италия) и Grand Opera (Париж, Франция) В 2007 году Денис Матвиенко становится Премьером Михайловского театра, а в марте 2009 года – Премьером Мариинского театра (Санкт-Петербург, Россия).

С 2009 года вместе с Николаем Цискаридзе, Марсело Гомесом, Иваном Васильевым, Гийомом Коте, Дэвидом Холбергом, Хосе Мануэлем Карреньо, Хоакином Де Луцем и Леонидом Сарафановым принимает участие в проекте «Короли танца».

Денис Матвиенко добился самых высоких вершин, как классический танцовщик. Теперь он стремиться освоить современную хореографию. Именно поэтому, в 2010 году, Денис Матвиенко вместе с Леонидом Сарафановым решают создать совместный проект – современный балет. Для этого они привлекают хореографа Эдварда Клюга и композитора Милко Лазара. В результате этой работы, получается балет Quatro. В этом же году, балет номинируется на получение самой престижной театральной премии России «Золотая Маска» сразу в четырёх номинациях и получает «Золотую Маску» в номинации «Лучшая Мужская Роль».

В ноябре 2011 года Денис Матвиенко возглавил балетную труппу Национальной оперы Украины. За полтора года работы на этой должности он инициировал постановку шести балетов и существенно поднял уровень балетной труппы. Благодаря деятельности Дениса Матвиенко о театре заговорили. Национальная опера Украины стала первым театром на постсоветском пространстве, где легендарная Наталья Макарова поставила свою редакцию балета «Баядерка». Репертуар театра пополнился балетами: «Класс-Концерт», Radio and Juliet, Quatro. Балет Radio and Juliet стал первым в истории театра репертуарным балетом в стиле contemporary.

Сегодня Денис Матвиенко выступает в качестве Guest principal в таких театрах, как New National Theatre (Токио, Япония), Большой Государственный академический театр России (Москва, Россия), Teatro alla Scala (Милан, Италия), Grand Opera (Париж, Франция), Аmerican Ballet Theatre (Нью-Йорк, США), Мариинский театр (Санкт-Петербург, Россия) и других.

Обладатель Приза «Душа Танца» в номинации «Звезда», Номинант премии английских критиков «National Dance Award», Номинант премии «Золотая Маска».

Идейный вдохновитель и организатор (совместно с фондом Чулпан Хаматовой «Подари Жизнь» и Фондом Михайловского театра) благотворительных балетных спектаклей в поддержку детей больных лейкемией. Лауреат премии «Людина Року 2013» в номинации «Деятель искусства».

В декабре 2013 году вместе с Константином Меладзе, Дуайтом Роденом и Алёной Матвиенко приступил к работе над балетом «Великий Гэтсби».

Эту балетную постановку мирового уровня уже видели сотни тысяч зрителей в Берлине, Франкфурте, Вене, Женеве и в других городах, где труппа «Великого Гэтсби» выступает в рамках европейского тура. На очереди – Тель-Авив в конце ноября 2019 года.

Тель-Авив, Гейхал ха-Тарбут, 28 и 29 ноября 2019 года
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20653
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Июл 04, 2019 10:33 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019070401
Тема| Балет, Танец, 39-й фестиваль Montpellier Danse, Персоналии,
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| Небо в клетку, флаги в полоску
На Montpellier Danse выступили заключенные и постмодернисты

Где опубликовано| © Газета "Коммерсантъ" №115 от 04.07.2019, стр. 11
Дата публикации| 2019-07-04
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/4019286
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ


Нарочито мелодраматичные мизансцены в спектакле «Soul Kitchen» французские зэчки разыграли особенно убедительно
Фото: Jean-Claude Carbonne


В программе 39-го фестиваля Montpellier Danse равным вниманием пользуются дебютанты, исторические личности и социальные проекты знаменитостей. Из Монпелье — Татьяна Кузнецова.

«Soul Kitchen» Анжелена Прельжокажа — танцспектакль в исполнении женщин-заключенных — новинка даже для продвинутого Монпелье. Женщин у Прельжокажа пятеро, но, в отличие от братьев Тавиани, обнаруживших в тюрьме трагиков-самородков для фильма «Цезарь должен умереть», прирожденных танцовщиц хореограф не нашел. Подобрал по контрасту: пышногрудая южанка-брюнетка, шатенка славянской внешности, печальная немолодая креолка, рыжеволосая ярко накрашенная «бандерша» лет этак 70 (единственная — под домашним арестом, с электронным браслетом на ноге). И молодая энтузиастка с горящим взором и природной музыкальностью, выполнявшая все задания так качественно и восторженно, что, похоже, после отсидки пойдет наниматься в какую-нибудь труппу. В начале представления женщины синхронно и под музыку замешивают тесто, лепят печенье и ставят подносы в микроволновки. В конце угощают зрителей отличной шоколадной выпечкой, а в середине успевают попрыгать, побросать ноги, блеснуть темпераментом в посильных соло и, распустив волосы, сплетясь телами, приняв скорбный вид, составить «живые картины» — горестные, но вполне эротичные. Прельжокаж, составив простые, но разнообразные композиции, учел возможности и характеры каждой из своих подопечных и избежал как надрывной слезливости, так и напускного бодрячества. В результате зрители перестали гадать, кто и за что сидит: реальных зэчек хореограф превратил в театральных персонажей.

И напротив: театральный разгром, учиненный дебютантами фестиваля Камилем Буателем и Сев Бернар в постановке, названной японским иероглифом, означающим предлог «между», хочет казаться реальной катастрофой. Хоть и комичной. Зрителям с ходу объявляют, что раздвинутый занавес заклинило, затем накладки множатся: доски сцены с треском ломаются и встают дыбом, рушится мебель, падают стенки выгородок, аварийно вспыхивает и вырубается свет, пол проваливается целыми секциями. К финалу мужчина и женщина, битый час пытающиеся сделать что-то вместе — выпить кофе, заняться сексом или хотя бы поругаться,— не могут найти в буквальном смысле точки опоры на раздолбанных подмостках, которые, говорят, Юн Аоки, японский шеф монтировщиков и истинный герой представления, выстраивает не меньше восьми часов. Стоический юмор спектакля о приспособляемости человека и о его частной жизни среди гибнущего мира выглядит особо обаятельным на фоне апокалиптических прогнозов, звучащих сегодня из каждого утюга.

Полвека назад искусство было не склонно шутить. Компания Стивена Петронио, одного из столпов американского постмодернизма, привезла в Монпелье хрестоматийные, однако известные преимущественно по записям спектакли его соратников — последователей Мерса Каннингема, устроивших в нью-йоркской Джадсоновской мемориальной церкви самый продвинутый хореографический центр Америки 1960–1970-х. Живым памятником тому бунтарскому времени выглядит памфлет Ивонны Райнер «Trio A With Flags» (1966/1970), исполняемый в данной версии голыми мужчиной и женщиной, прикрытыми лишь американским флагом: он крепится к шее и при танце отнюдь не скрывает наготу исполнителей. Хореограф Райнер протестовала таким образом против войны во Вьетнаме — абсолютно легально и беспрепятственно, войдя с этим номером во все учебники современного танца. Надумай она сочинить, а артисты исполнить что-нибудь подобное в наши дни, не обошлось бы без неприятностей из-за осквернения национального символа. А в качестве исторической хореографии — почет и уважение, к тому же наглядная иллюстрация печальной эволюции демократии.

Ее друг и коллега по Театру танца Джадсона, создатель контактной импровизации Стив Пэкстон был представлен совершенно аполитичным, но не менее замечательным опусом. «Гольдберг-вариации», поставленные им в 1986 году на музыку, естественно, Баха, никогда не исполнялись одинаково: каждый раз хореограф варьировал текст. Для танцовщика Николаса Шишьоне он тоже внес коррективы, не отменившие, впрочем, главного: своим опусом экс-танцовщик Каннингема блистательно опроверг основные постулаты своего учителя. Во-первых, это безупречно музыкальная хореография, подчиненная — хоть и не следующая буквально — каждой ноте Баха. Во-вторых, это естественно скоординированная лексика, исходящая из реакций и возможностей человеческого тела — будь то подрагивание мышц спины, шевеление пальцами ног или удобные для полетов прыжки. В-третьих, это танцевальный портрет, подчеркивающий темперамент и физические особенности конкретного исполнителя. Наконец, это жестко структурированная и ясная конструкция: в крошечных танцевальных вариациях присутствуют все составные части крупной формы: антре, разработка, кульминация и финал, часто парадоксальный или неожиданный.

Сам Каннингем был представлен в этой программе работой «Tread» (1970), в которой гуру абстракционизма пытается шутить. Например, женщин, застывших соляными столпами, мужчины перетаскивают, держа их, как бревна, между согнутых ног. Вообще-то шутки мэтра кажутся не очень смешными, а его балет выглядит историческим анекдотом, возможно — приветом будущим поколениям, но едва ли сегодняшней хореографией. В отличие от балета вероотступника Стива Пэкстона, чьи вариации на тему человеческого тела и души обладают той непосредственной сиюминутностью, которая остается вечно актуальной.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Авг 25, 2019 5:35 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
Страница 1 из 8

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика