Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2019-04
На страницу Пред.  1, 2, 3 ... 9, 10, 11
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Май 14, 2019 11:19 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019043108
Тема| Балет, Балет Джоффри (The Joffrey Ballet), Чикаго
Автор| Сергей Элькин
Заголовок| Премьеры Балета Джоффри
ФИНАЛ 63-ГО СЕЗОНА THE JOFFREY BALLET И НОВЫЙ СЕЗОН

Где опубликовано| © The Reklama – русско-американский онлайн-журнал
Дата публикации| 2019 апрель
Ссылка| https://thereklama.com/premyery-baleta-joffrey/
Аннотация|


Сцена из балета “Vespertine”. Фото – Ким Кенни

После мировой премьеры балета Ильи Демуцкого и Юрия Посохова “Анна Каренина” Балет Джоффри (The Joffrey Ballet) показывает последнюю программу шестьдесят третьего сезона “Через пруд” (“Across the Pond”). В ней – три одноактных балета в хореографии лучших представителей британской танцевальной школы: две мировые и одна чикагская премьеры. Коротко – о каждом балете.

“Yonder Blue”. Мировая премьера балета Эндрю Макникола на музыку Питера Грегсона.

Эндрю Макникол – выпускник Лондонской Королевской балетной школы, победитель хореографического конкурса Кеннета Макмиллана. Активно работает в Европе. Ставил балет в Нью-Йоркском хореографическом институте. С 2017 года возглавляет компанию The McNicol Ballet Collective.

“Vespertine”. Чикагская премьера балета Лиама Скарлетта на музыку Арканджело Корелли. Абстрактный балет представляет собой поэтическую фантазию с чарующей барочной музыкой. Спектакль был создан по заказу Норвежского национального балета. Мировая премьера прошла в 2013 году.


Сцена из балета “Vespertine”. Фото – Ким Кенни

Тридцатитрехлетний англичанин Лиам Скарлетт – бывший солист, ныне – артист-резидент Королевского балета Ковент-Гарден. После окончания карьеры танцовщика в 2012 году сосредоточился на хореографии. Балет “Viscera” на музыку Фортепианного концерта американского композитора Лоуэлла Либермана – один из его первых балетов в новом качестве. Премьера состоялась в январе 2012 года в Городском балете Майами. Мы видели этот спектакль в апреле 2016 года на гастролях Майамского балета в Чикаго.

Самый молодой хореограф в истории Королевского балета, которому театр заказал постановку спектакля.

“HOME”. Мировая премьера балета Андреи Уолкер на музыку Росса Олчерча.

Вдохновленная историями молодых “мечтателей“ (людей, приехавших в США по отмененному президентом Трампом Dream Act), Уолкер рассказывает историю о силе, стойкости и природе человеческого духа. В музыкально-танцевальной форме хореограф поднимает вопросы национальной принадлежности, спрашивает, что происходит с человеком, когда у него отнимают место жительства, исследует, что такое ДОМ и каково ощущение дома для представителей коренных жителей страны и эмигрантов, то есть таких, как мы. Андреа Уолкер – восходящая звезда современного балета, основательница и художественный руководитель London’s 201 Dance Company.

С 24 апреля по 5 мая 2019 года состоятся десять спектаклей программы “Через пруд”.

30, 31 мая и 1 июня 2019 года в Симфоническом центре впервые в истории пройдут совместные концерты Балета Джоффри и Чикагского симфонического оркестра. В программе: мировая премьера композиции “Bliss!” на музыку камерного концерта И.Стравинского “Дамбартон-Окс” в хореографии Стефани Мартинес и балет “Commedia” на музыку Сюиты И.Стравинского из балета “Пульчинелла” в хореографии лауреата премии “Тони“, британского мэтра Кристофера Уилдона.

“Дамбартон-Окс” – один из всего двух камерных концертов Стравинского. Его музыка всегда привлекала внимание балетмейстеров. Стефани Мартинес – не исключение. Лауреат нескольких балетных конкурсов, в том числе – победительница конкурса Joffrey’s Winning Works 2015 года, – она впервые будет работать с Балетом Джоффри. Что касается балета “Commedia”, то он создан Уилдоном в 2008 году в честь столетия со дня образования компании Ballet Russes. Очень надеюсь, что к этому времени забастовка музыкантов завершится победой и мы вновь услышим любимый оркестр в родном зале.

А теперь – о новом, шестьдесят четвертом (2019-20 годов) сезоне Балета Джоффри. Скажу сразу: парад британских хореографов продолжится. Новый сезон откроется чикагской премьерой – совместной постановкой Балета Джоффри и Американского балетного театра – балетом “Джейн Эйр” (“Jane Eyre”, 16-27 октября 2019 года, десять спектаклей) на музыку Филипа Фини в хореографии британского балетмейстера Кэти Марстон.

Мировая премьера балета состоялась в 2016 году на сцене Northern Ballet в Донкастере (Великобритания). Североамериканская премьера балета состоится 4 июня 2019 года в Американском балетном театре в Нью-Йорке.

С 2007 по 2013 годы Кэти Марстон являлась руководительницей Бернского балета.

Четвертый год подряд Балет Джоффри повторяет бессмертный “Щелкунчик“ П.Чайковского (“The Nutcracker”, 30 ноября – 29 декабря 2019 года, двадцать девять спектаклей) в хореографии Кристофера Уилдона. Действие балета разворачивается в Чикаго во время Всемирной выставки 1893 года. Как известно, она была посвящена четырехсотлетию открытия Америки и в честь Христофора Колумба получила название Chicago Columbian Exposition. Мать Мэри – скульптор, она работает над одним из важнейших экспонатов, статуей Колумба. После неожиданного визита создателя выставки, таинственного Великого Импресарио, Мэри с Принцем отправляются в увлекательное путешествие по выставочным залам…


Сцена из балета “Щелкунчик“. Фото – Шерил Манн

Зимняя программа Балета Джоффри называется “The Times Are Racing” (12-23 февраля 2020 года, десять спектаклей). В ней собраны пять работ четырех балетмейстеров. Вот они.

“Commedia” на музыку Сюиты И.Стравинского из балета “Пульчинелла” в хореографии Кристофера Уилдона.

“Mono Lisa” на музыку Томаса Хефса в хореографии израильского балетмейстера Итцика Галили. Премьера в Чикаго. Остроумные и соблазнительные движения Галили в классическом па-де-де. Артисты как бы играют в кошки-мышки с оригинальной музыкой, основанной на хлопающем звуке пишущих машинок. Самая яркая и ироничная композиция программы… В Израиле современный танец на подъеме. Совсем недавно мы видели блестящие работы израильских хореографов Хофеша Шехтера, Гая Бехара, Шарона Эяля, Охада Нахарина в исполнении артистов танцевальной компании Gauthier Dance из Штутгарта (программа называлась Mega Israel). Итцика Галили привыкли называть в этом списке, хотя его биография совсем другая. Он родился в Израиле, танцевал в Batsheva Dance Company, но в 1991 году переехал в Амстердам и настоящую международную карьеру сделал в Европе. С 1997 по 2008 годы являлся художественным руководителем компании NND/Galili Dance, в 2009-10 годах возглавлял труппу Dansgroep Amsterdam, работал с крупнейшими балетными труппами Европы.

“Bliss!” на музыку камерного концерта И.Стравинского “Дамбартон-Окс” в хореографии Стефани Мартинес.

“The Sofa” на музыку Тома Уэйтса. Еще одна композиция Итцика Галили. Премьера в Чикаго. В центре сюжета – безумный любовный треугольник с бесконечным выяснением отношений. Дизайн сцены состоит из одного предмета с виниловым покрытием. Музыка лауреата премии “Грэмми” Тома Уэйтса добавляет эмоциональную глубину ироничному (как все у Галили) взгляду на сексуальность и гендерные вопросы.

“The Times Are Racing” на музыку Дэна Дейкона (четыре композиции из альбома “Америка” 2012 года) в хореографии Джастина Пека. Премьера в Чикаго. Название балета стало названием всей программы. Балет посвящен протестному движению и силе общественной реакции на те или иные политические события. В балете участвуют двадцать танцоров. Мировая премьера состоялась в 2017 году.

Мне уже приходилось писать о Джастине Пеке. Газета “The New York Times” прямо назвала его самым выдающимся американским хореографом США, а журнал “The New Yorker” советует идти в Нью-Йоркский городской балет только для того, чтобы увидеть его спектакли. Пек родился в 1989 году в Калифорнии, в городе Сан-Диего. Балетом заинтересовался, увидев “Жизель” в Американском балетном театре. И не просто заинтересовался, а решил стать танцовщиком. Сказано – сделано, и наш тринадцатилетний герой из солнечной Калифорнии переехал в Нью-Йорк. Он учился в Школе американского балета при Нью-Йоркском городском балете, где среди педагогов был художественный руководитель театра Петер Мартинс. Сам Мартинс и пригласил Пека в труппу. Сначала – в октябре 2006 года – стажером, потом, в июне 2007 – артистом кордебалета. С этого времени танцовщик выступал в спектаклях Баланчина, Роббинса, Мартинса, Ратманского, Уилдона и Мильпье. С 2009 года – с двадцати лет – Пек занимается хореографией. (Замечу, что среди танцовщиков Нью-Йоркского балета это не редкость. Именно так в хореографы вышли Уилдон и Мильпье.) Среди балетов Пека – “Погружение в чайную чашку” (его дебют в качестве хореографа) и “Квинтет” (оба – 2009), “Радость твоего кролика” (2010), “Сказка китайского зодиака”, “Mise En Place” (2012). Первые три работы для Нью-Йоркского городского балета датированы 2011 годом. Это “In Creases”, “Год кролика” (номинация на премию “Benois de la dance”) и “Paz de La Jolla” (последний – тоже на музыку Богуслава Мартину). Балет Пека “Родео: четыре танцевальных эпизода” получил Bessie Award. В 2014 году Пек стал резидентом-хореографом Нью-Йоркского балета. Сегодня ему тридцать один, и он поставил двадцать восемь балетов, из них десять – для Нью-Йоркского балета! Кроме этого, Пек готовит фотосессии для журналов “Vogue”, “Harpers Bazaar”, “Dujour”, “Nowness”. Отсюда – его слава в мире гламура.

Недавно Пек получил премию “Тони” как лучший хореограф. Так была отмечена его работа в бродвейском мюзикле “Карусель”.

Шестьдесят четвертый сезон Балета Джоффри завершится возобновлением “Дон Кихота” (“Don Quixote”) Л.Минкуса в хореографии Юрия Посохова (22 апреля – 3 мая 2020 года, десять спектаклей). Балет был поставлен в 2011 году специально для чикагской труппы и на тот момент был первым заказом Балета Джоффри на постановку полномасштабного спектакля за всю историю.

Творчество Посохова в Чикаго хорошо известно. Мы видели в его хореографии композицию “RakU” – выразительную историю японского императора, его жены и сгорающего от любви ревнивого монаха. Музыку к балету написал композитор и многолетний контрабасист оркестра Сан-Францисской оперы (он служит в нем с 1980 года) Шинджи Эшима. Премьера балета состоялась в Сан-Франциско в 2011 году. Премьера в Чикаго прошла в сентябре 2014 года.

В 2017 году Балет Джоффри показал композицию Посохова “Чудесный мандарин” на музыку Белы Бартока. Одноактная пантомима о Девушке, Юноше и Мандарине превратилась у Посохова в исследование темных страстей, притяжения и отталкивания мужчины и женщины. В балете участвовали семь танцоров. Мировая премьера состоялась в феврале 2017 года в Кливленде.

Наконец, в феврале этого года состоялось центральное событие сезона – долгожданная мировая премьера балета Ильи Демуцкого и Юрия Посохова “Анна Каренина“, первая в истории совместная постановка Балета Джоффри и Австралийского балета.

Традиционный – Joffrey Gala Performance – часовой гала-концерт для обладателей абонементов состоится 17 апреля 2020 года. Вечер, который готовит художественный руководитель Балета Джоффри Эшли Уитер, будет посвящен более чем двадцатилетнему сотрудничеству Балета Джоффри и театра “Аудиториум”. Начиная с сезона 2020-21 годов, Балет Джоффри становится резидентом Lyric Opera House (20 North Wacker Drive, Chicago). Контракт подписан на семь лет. Это не означает слияния Балета Джоффри и Лирик-оперы. Обе компании будут функционировать как независимые труппы. Исполнительный директор Балета Джоффри Грег Камерон говорит: “Будучи коренным жителем Чикаго, я очень рад возглавлять компанию в период роста и трансформации. Объединение двух символов Чикаго – еще один способ поддержать приверженность мэрии Чикаго национальному и международному туризму и сделать Чикаго одной из главных культурных столиц мира“.

До конца сезона 2019-20 годов спектакли Балета Джоффри будут, как и прежде, проходить на сцене The Auditorium Theatre of Roosevelt University. Административные и репетиционные помещения Балета Джоффри сохранятся в помещении Joffrey Tower.

Все спектакли Балета Джоффри нынешнего и будущего сезонов пройдут под сопровождение оркестра Chicago Philharmonic под управлением музыкального руководителя балетной труппы театра Скотта Спека.

Nota bene! Все спектакли Балета Джоффри пройдут в помещении Auditorium Theatre по адресу: 50 East Ida B. Wells Drive, Chicago, IL 60605. Билеты на спектакли сезона 2018-19 годов, а также абонементы на спектакли сезона 2019-20 годов – на сайте http://www.joffrey.org/, по почте (Joffrey Ballet Subscriptions, The Joffrey Ballet, Joffrey Tower, 10 East Randolph Street, Chicago, IL 60601), по телефону 312-386-8905, по факсу 312-739-0119 или по электронной почте subscriptions@joffrey.org. Билеты на одиночные спектакли сезона 2019-20 годов поступят в продажу 1 августа 2019 года. Об истории и сегодняшнем дне Балета Джоффри читайте на сайте компании http://www.joffrey.org/. Там же вы найдете подробную информацию о предстоящих спектаклях.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Май 15, 2019 12:52 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019043109
Тема| Балет, Международный фестиваль балета Dance Open, Балет Цюриха, Персоналии, Кристиан Шпук, Елена Востротина
Автор| Екатерина Поллак
Заголовок| БЕСТИАРИЙ КРИСТИАНА ШПУКА: БАЛЕТ «ЗИМНИЙ ПУТЬ»
Где опубликовано| © BEATRICE MAGAZINE
Дата публикации| 2019-04-28
Ссылка| http://beatricemagazine.com/winter-path-balet/
Аннотация| Фестиваль, ИНТЕРВЬЮ

El sueño de la razón produce monstrous.
Сон разума рождает чудовищ.
– Испанская пословица.



Фото: Стас Левшин

17-го апреля состоялось открытие Dance Open – международного фестиваля балета, одного из главных «импортеров» зарубежных звезд и хорео-новинок в Россию. Начать XVIII сезон зрителям было предложено одноактным спектаклем Кристиана Шпука «Зимний путь» на музыку Франца Шуберта/Ханса Цендера; Балет Цюриха впервые исполнил его на сцене Александринского театра. Так, спустя полгода после мировой премьеры, новинка, отметившаяся, кстати, на Benois de la Danse 2019 в номинации «лучший хореограф», добралась и до наших краев.

Как подступиться к балету, культурная и музыкальная рецепция которого слишком очевидна даже на уровне названия, а танцевальный язык абстрактен и практически полностью вытесняет внимание к литературной составляющей действия и намекам на сюжетную линию? Разве что при помощи аллюзии: в «Зимнем пути» Кристиан Шпук, подобно герою «Капричос» Гойи, рождает чудовищ и людей из снов разума и формирует свой личный бестиарий.

В декорациях бетонного лофта, как в лабораторном боксе, происходят двадцать четыре танцевальных инцидента (по числу песен на стихотворения Вильгельма Мюллера в одноименном шубертовском вокальном цикле). В каждом из них исследуется субстрат тайных мыслей и чувств, страхов и человеческих патологий. Из глубин подсознания рефлексии Шпука поднимаются потоками танца и пластических реплик, мгновениями экспрессивно-завораживающих, но неизменно зооморфных и мистифицированных. Тела артистов группируются в пугающие биоморфные фигуры; конечности сводятся судорогой и «прорастают» в новые формы так, будто вынуждены подчиняться воле потусторонних сущностей. Не поставь Шпук в свое время «Смешное па-де-де» (в котором балерина ревниво охраняет свою дамскую сумочку, попутно выплясывая с кавалером всевозможные па), можно было бы решить, что Шпук – Говард Лавкрафт или Гильермо дель Торо от балета. Мастер танцевального хоррора – вне сомнений.

Хождение по «Зимнему пути» Шпука безрадостное и гнетущее, хотя и сопровождается стилистически безукоризненной сценографией, сменой лаконичного гардероба танцовщиков, взаимодействием с не менее лаконичным реквизитом. Эффектная визуализация балетных замыслов и «стильность» общего результата – маркеры, по которым безошибочно опознается работа западноевропейских коллективов из первой десятки.

И все-таки, наблюдая за умелой «разбивкой» кордебалетных масс и солирующих пар; за маятниковыми поддержками и комбинациями, в которых обыгрывается вес тела и сила притяжения, красота геометрических фигур и возможности балетной пластики, приходит понимание, что все это – едва ли внове. Профессионально и не без точных расчетов относительно глубины психоэмоционального пике, в которое может быть ввергнут зритель, – пожалуй. Вероятно, это и стоит отнести к заслугам Шпука-хореографа, создающего не балет, а скорее танцевальную практику иного, не развлекательного рода; практику, требующую выдержки и концентрации не только от исполнителей, но и от зрителя не в меньшей мере.
«Зимний путь» Шуберта, как известно, привел в замешательство друзей композитора; один из ближайших из них, Йозеф фон Шпаун, вспоминал впоследствии, что Шуберт, погруженный в меланхолию, назвал цикл «страшными песнями». Присутствующие на премьере были ошарашены скорбным, мрачным тоном этих песен, но причина появления такой музыки была хорошо понятна всем: Шуберт, долго и тяжело болевший, сочинял опус, осознавая, что умирает. Для него наступала зима. Почему же подобные упаднические мотивы и фактически мазохистский психоанализ так настойчиво привлекают современных художников – любопытный вопрос, уводящий от частных имен к общим тенденциям. Тягой к заснеженным ландшафтам и рефлексиям на тему одиночества это объясняется едва ли.

Один из самых ярких и танцевально-насыщенных фрагментов балета – сольные выходы прима-балерины Балета Цюриха и вместе с тем – нашей соотечественницы, окончившей АРБ им. А.Я. Вагановой в 2003-м году, Елены Востротиной. Танцовщица, одаренная скульптурной пластикой тела и запоминающейся внешностью (в балетных кругах ее имя хорошо известно; мне памятно ее исполнение Одетты/Одиллии в Мариинском театре), Елена согласилась дать небольшой комментарий о балете «Зимний путь» для Beatrice Magazine.

Вагановская школа видна в Вашем танце, несмотря на то, что Вы более десяти лет живете и работаете за границей. Как Вас приняла труппа Балета Цюриха? Легко ли Вы освоили технику модерн-танца?

Труппа приняла меня очень тепло, у нас невероятно дружный и сплочённый коллектив, и я считаю, что та основа и та база, которую даёт Вагановская Школа, позволяет впоследствии легче освоить какие-либо другие техники танца.

Как Кристиан Шпук представил труппе свою новую постановку? Мировая премьера «Зимнего пути» состоялась в октябре 2018-го. Как долго он готовился?

Премьерой «Winterreise» балетная труппа Цюриха открыла свой сезон 2018/2019. Как вы уже упомянули, премьера этого спектакля состоялась в октябре 2018-го года, а подготовка длилась два месяца. Перед началом постановочного и репетиционного процесса Кристиан Шпук вместе с драматургом этого балета Michael Küster провели небольшую презентацию балета, где представили всю команду, которая будет над ним работать (а это дизайнер по костюмам, авторы декораций, света, дирижёр, певец), и объяснили главные идеи, задумки, выбор музыки.

Рассказывает ли Шпук артистам, о чем они танцуют? Как Вы бы описали его творческий метод и манеру взаимодействия с артистами?

Как правило и чаще всего, Кристиан приходит в зал с четкой идеей того, что он хочет создать. Он объясняет артистам свою задумку, пробует некоторые движения, построения, а мы, артисты, пытаемся понять, уловить и воплотить их в танце. В каких-то моментах Кристиан знает точно, какое движение он хочет видеть и поставить, но бывает и так, что он берет какое-то движение, которое может предложить танцовщик, или оставляет моменты, где только направляет нас, а мы сами можем сделать свой выбор. Он очень внимателен к деталям! Ему, как правило, важно не столько само движение, сколько то, КАК оно исполнено, и какова его идея. Он всегда с уважением относится к артистам, и лично для меня процесс создания нового балета, постановочный процесс – это интересный и увлекательный период.

Для Вас, балерины, хореография Шпука кажется сложной или запутанной? Что Вам в ней нравится как исполнителю?

Мне нравятся стилистика его движений, определенная координация и позировки рук, настроение и атмосфера, которые Кристиан создаёт в спектакле, определённые детали и нюансы, найденные им. Но я бы не назвала его хореографию сложной или запутанной. Скорее всего, это эффект, который она производит.

Шубертовский «Зимний путь», лежащий в основе произведения Х. Цендера, – вещь необыкновенно депрессивная и мрачная. Чувствовали ли Вы эмоциональное, психологическое «давление» на репетициях от такого музыкального сопровождения, или музыка на Ваш рабочий настрой не влияла?

Лично для меня Музыка или любое звуковое сопровождение спектакля – это один из его главных элементов, и почти всегда сильнейший источник вдохновения. Я полностью согласна с вашим описанием произведения Шуберта в обработке Цендера и, услышав его в первый раз, мне было сложно его понять и принять. Уже дальше, в течение репетиционного процесса, я пыталась найти какие-то моменты в музыке, которые лично мне будут близки, и как-то за них «зацепиться», поэтому я не могу сказать, что я ощущала психологическое или эмоциональное давление этого произведения. К сожалению, нам не удалось представить петербургской публике «Winterreise» в исполнении живого оркестра и певца (так, как этот балет идёт в Цюрихе). Мне кажется, это ещё больше усиливает впечатление от спектакля и придаёт ему ещё большую целостность.

В этом балете у Вас два соло. Первое, насколько я успела запомнить, – дуэт на 11-ю песню «Frühlingstraum» («Весенняя греза»). Второй выход – трио, где Вы танцуете с двумя танцовщиками. Не могу не отметить невероятно красивые по абрису и геометрии поддержки в Вашем исполнении. Придумывали ли Вы своему персонажу историю, или эта хореография бессюжетна?

Изначально эта хореография абстрактна, и каждый зритель может увидеть или создать свою собственную историю. Я для себя тоже создала свой собственный образ – я представляю себя неким созданием, которое поднимается из-под земли, оно опасно, дерзко и непредсказуемо. Кристиан в репетиционном процессе всегда пытался создать контраст с музыкой 11-ой песни «Frühlingstraum». «Не будь лиричной, не будь мягкой», – повторял он мне. 16-я песня цикла «Letzte Hoffnung» («Последняя надежда») представлена как трио. Здесь Кристиан в своей хореографии хотел создать эффект playmobil, чтобы движения были отрывистыми и четкими. И для меня в этом трио – это просто я сама с моими коллегами-друзьями наслаждаюсь танцем, движениями и игривым настроением.

Фото: Стас Левшин
=============================================================================
Все фото - по ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Сб Май 25, 2019 9:37 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Май 16, 2019 8:16 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019043110
Тема| Балет, Государственный академический театр оперы и балета имени Абая, III Международный фестиваль балета Ballet Globe, Персоналии,
Автор| Эльвира Сыздыкова
Заголовок| Неугасимой памяти гения
Где опубликовано| © "Новое поколение"
Дата публикации| 2019-04-11
Ссылка| http://www.np.kz/last/25250-neugasimoy-pamyati-geniya.html
Аннотация| Фестиваль

В течение трех дней в Государственном академическом театре оперы и балета имени Абая проходил III Международный фестиваль Ballet Globe, почтивший бессмертную память Рудольфа Нуреева, ослепительного балетного танцовщика XX века. В рамках танцевального проекта посетители смогли насладиться прославленными постановками в исполнении ведущих артистов мировой сцены, фотовыставкой, поведавшей о ярчайших триумфах легенды, а также уникальной экспозицией его подлинных сценических костюмов

В этом году фестиваль Ballet Globe неспроста решил увековечить эпохальное имя и историческую фигуру Рудольфа Нуреева. Легенде многогранного, зачастую такого скандального балета, исполнилось бы 80 лет, если бы в 1993-м не погасло слепящее гало его богоподобного таланта.

Жизнь Рудольфа Хаметовича напоминала неукротимый смерч, стремившийся лихо накрыть собой весь мир, словно предчувствуя скорое трагическое истощение. Трудолюбивый, до въедливости амбициозный Нуреев собственными силами безудержно ворвался в балетную элиту еще в юном возрасте. Бунтарь по натуре, свысока разглядывающий завистников, он не различал преград и создавал свое уникальное видение и понимание танца, одним из первых уделив ключевое внимание мужским партиям в балете.

Майя Плисецкая, не менее лучистое имя балетного мирового наследия, справедливо замечала: “До Нуреева танцевали по-другому”. И действительно, танцовщик своей порывистой хореографией сумел украсть зрительское внимание, традиционно направленное на балерин. Нуреев высвободил находящуюся в тени скорее вспомогательную мужскую роль, придав ей эпатажные черты невиданной ранее маскулинности.



Шарль Жюд, друг, ученик и духовный сын Рудольфа Нуреева, на встрече с прессой много рассказывал о том, каким осчастливленным он оказался, застав сияние живой легенды. Этуаль “Париж Опера” - представитель Фонда Нуреева - поведал не только о природном даровании учителя, но и о его неутомимом трудолюбии. По словам Жюда, никто не давал такого огромного количества выступлений, какое дарил миру Рудольф Нуреев на пике своей популярности, - а это почти три сотни спектаклей в год. Также Шарль Жюд почеркнул, что фестиваль Ballet Globe, организованный компанией Art Classic, преследует очень высокую, благородную цель - воспитание и духовное обогащение через наслаждение балетным искусством.

Встречу также посетили исполнители ведущих партий в фантастическом французском балете “Жизель”, который вечером 3 апреля торжественно открыл серию постановок, вошедших в этом году в чудесный репертуар Ballet Globe. Этуаль Парижской национальной оперы Мириам Олд-Брам исполнила роль Жизель. Балерина не менее стремительно продвигалась к вершине мирового балета. Так, в 17-летнем возрасте девушку зачислили в кордебалет, а к 23 годам она уже являлась прима-балериной оперы, несколько позже получив престижный титул “Этуаль” - “Звезда”. Артистка поделилась: “Я безумно счастлива быть здесь, танцевать на сцене этого театра, участвовать в балете “Жизель” в команде с Полем Марке, с которым танцую впервые. Я считаю балет “Жизель” одним из самых романтичных - не зря это французский балет. И можно смело утверждать, что для каждой балерины танцевать в “Жизели” - мечта”. Мириам Олд-Брам за 20 лет сольной танцевальной карьеры не раз исполняла центральные партии в спектаклях с авторской хореографией Рудольфа Нуреева. Артистка добавила, что для Франции вклад Рудольфа Хаметовича составляет великое наследие танцевального искусства.


Мириам Олд-Брам и Поль Марке

А партнер балерины, первый солист Парижской национальной оперы Поль Марке, которому выпал шанс исполнить главную мужскую партию в “Жизели” - графа Альберта, высказался так: “Это первый раз, когда я буду выступать в постановке “Жизель”. Эта роль, о которой я также мечтал уже давно: она прекрасна, полна страсти и любви. К сожалению, я еще не так часто участвовал в балетах Нуреева. Я не имел возможности знать его самого, но встречался с людьми, которые работали с ним, которые могли раскрыть для меня бесчисленные грани его таланта”.

Также танцовщик признался, что пойти в профессиональный балет его побудил именно талант Нуреева, его особое чувствование хореографии, которой он создавал свои интерпретации классических историй. Для Марке также неистощимым кладезем вдохновения по сей день являются образы, воплощенные Нуреевым на сцене. И потому, как признался Поль, его переполняло предвкушение испытать новые ощущения в работе над партией, которую когда-то блестяще танцевал легенда мирового балета.



Сюжет балета “Жизель”, основанный на древней немецкой легенде в пересказе Генриха Гейне, переносит зрителя в мир, полный чистейшей веры и влюбленности, которым, увы, не одолеть смрадного духа обмана и коварства. Юную голову крестьянки Жизель вскружило слепое чувство любви к молодому Альберту. Испытывающий теплые чувства к девушке лесничий Ганс тщетно пытается раскрыть глаза Жизель на истинное лицо ее возлюбленного, который ради развлечения манипулирует героиней и скрывается за обликом сельчанина, являясь выходцем из дворянских кругов. В бурлящем течении совершенно не слагаемых обстоятельств уродливая правда все-таки оказывается на виду, ломая напрасные надежды юной Жизель. Растоптанная и преданная девушка вязнет в пучине безумия и умирает.



Второе действие балета наполнено атмосферой мистицизма, а также глубже раскрывает характер графа Альберта. Измученный укорами совести, он приходит на могилу Жизель, где в кладбищенском тумане его окружают разгневанные виллисы - не нашедшие покоя души умерших до свадьбы невест. От их остервенелой мести юношу спасает прозрачная тень Жизель, все так же безвозмездно преданной Альберту. Первые лучи солнца, наконец, навеки разлучают запутавшихся в своих ролях героев. И молодому человеку остается лишь горькое сожаление о том, какой чистой и всевластной была любовь Жизель, которую он потерял, так и не успев обрести.

Фото Талгата Галимова
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Май 16, 2019 11:50 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019043111
Тема| Современный танец, Воронежский фестиваль современной хореографии «RE:Форма танца», Персоналии, Константин Матулевский
Автор| Юлия Горшкова
Заголовок| Быть открытым.
Хореограф Константин Матулевский о современном танце

Где опубликовано| © Журнал ZVOOK online №19, стр. 44
Дата публикации| 2019 апрель
Ссылка| https://view.joomag.com/zvook-online-19-april-2019/0096784001552416467?short/44
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Корреспондент ZO пообщался с танцовщиком и хореографом Константином Матулевским, чьи работы будут показаны в мае на воронежском фестивале современной хореографии «RE:Форма танца». Ранее Константин Матулевский совместно с Софьей Гайдуковой поставил спектакль «Apples&Pies. Ностальгия» для Камерного театра.



ZO: Как вы пришли к современной хореографии? Что для вас важно в современном танце?


Константин Матулевский: Я окончил Академию русского балета имени Вагановой в Санкт-Петербурге, шесть лет проработал в Театре балета Бориса Эйфмана. Друзья, которые начали раньше заниматься современным танцем, показали мне, что хореография может быть совсем другой. В начале 2000х я еще ничего не знал о современном танце. Я уважаю классическое наследие, но хочется двигаться дальше, подругому смотреть на балетную эстетику, на состояние артиста в сценическом пространстве. Хочется видеть современных людей, которые могут делать невероятные вещи, а не персонажей: принцессу, кошечку, принца. Есть мнение, что современный балет или современный танец — это то, что делается современниками. Для меня — это то, что перерабатывается с современным мышлением. Главное — мышление, с которым художник подходит к своему произведению. Современное подразумевает использование всего, что нас окружает. Сейчас большое влияние оказывает виртуальное пространство. Я не могу это отрицать в своем творчестве. На меня это влияет. Т.е. я не могу сейчас создать, например, «Лебединое озеро», такое же, как создал его Мариус Петипа или Лев Иванов, потому что на меня повлияло уже много всего другого.

ZO: Как сейчас развивается современная хореография?

К.М.:
Современный танец совершенно разный по форме, содержанию. Сейчас больше довлеет идея, концепт и его выражение. Красота и эстетика, по большому счету, никого уже не интересуют в современном танце.

ZO: Как бы вы описали молодого хореографа, ставящего современный танец?

К.М.:
Это человек, который много всего видит, анализирует. Нужно понимать, что вообще происходит в мире. И этот человек должен быть с довольно-таки глубоким внутренним миром. Современная хореография должна быть атмосферной, т.е. это должно быть твое внутреннее состояние, которое ты передаешь на сцену.

ZO: Как у вас происходил переход от классического к современному танцу?

К.М.:
Когда я танцевал у Эйфмана, я не понимал, почему нужно танцевать красиво, почему нужна красивая форма. Ведь можно же поразному сочетать или танцевать некрасиво или вообще не танцевать. Оказалось, что так действительно можно, и в Европе и Америке этим уже давно занимаются. В 2008 или 2009 году я встретил давних друзей, они начали мне показывать видео: dance for camera, спектакли. Потом я ходил на мастер-классы, ездил в Европу на просмотры во всякие труппы. Благодаря интернету информации вдоволь, только успевай впитывать. Я танцевал в разных проектах, в Театре танца Саши Кукина. Вообще, если мозг не открыт к знаниям, тело не подтянется. Если мозг отказывается воспринимать, то тут ничем не поможешь. Главное — быть открытым.

ZO: С каким материалом хотелось бы поработать как танцовщику и хореографу?

К.М.:
Я постоянно беру что-то из личного опыта. Сюжетные вещи я не ставлю. На данный момент мне это не интересно. У меня отношение к драмтеатру как филиалу литературы, когда режиссер берет чужое произведение и начинает из него делать свой спектакль. Мне это не очень понятно. Мы, например, с Софьей Гайдуковой поставили спектакль, работая с собственными воспоминаниями. Он номинировался на « Золотую маску» как лучший спектакль и лучшая хореография. И в этом ключе я работаю. Личные переживания и темы я выношу на сцену в той или иной форме.

ZO: Все же сюжетный или бессюжетный балет?

К.М.:
Я отдаю предпочтение бессюжетным балетам. Есть идея, которую я хочу выразить на сцене. И это чисто формальная история. Я не беру конкретный сюжет с персонажами. Но все равно, если у меня два человека, мужчина и женщина, будут на сцене, — это какая-то история. Вообще, я стараюсь довольно формально к этому подходить. Мне пока неинтересно брать конкретные сюжеты. У зрителя рождается свой сюжет.

ZO: Зритель должен понять вашу идею или вы согласны на то, что зритель все трактует по-своему?

К.М.:
Да, я согласен на это. Я за умного зрителя. Мне самому как зрителю неинтересно, когда я вижу что-то понятное. Когда мне все разжевали, показали, мне становится скучно. Я понимаю, что таких зрителей не так много и не все привыкли к абстракции. Не все привыкли в театре думать, поэтому приходится иногда разъяснять. Я, конечно, против этого, но я понимаю, что в зале сидят люди, которым нужны какие-то якоря, чтобы они за них зацепились. Но балет и современный танец — это необязательно сюжет, это форма, это состояние, атмосферность. Т.е. ты с другими вещами работаешь зачастую. Например, у Джорджа Баланчина очень мало сюжетных балетов. Он работал с формой, с музыкой: как звучит музыка и как это передать в балете. Мне это ближе.

ZO: Как зрителю подготовиться к восприятию ваших постановок?

К.М.:
Нужно быть открытым к новому, не ограждать себя привычными шаблонами мышления. Мне кажется, что искусство должно быть не развлекаловом, а двигателем вперед для культуры, для человечества. Мы должны открывать что-то новое.

ZO: На каком этапе творческого пути вы сейчас находитесь? Равняетесь на великих или стараетесь идти своей дорогой?

К.М.:
Сложно идти своим путем, я же молодой хореограф. Я сейчас учусь. Хореограф становится состоятельным в 50-60 лет. Я сейчас пытаюсь просто находить в себе что-то новое и постоянно ломать себя. Если ты начинаешь действовать с помощью своих паттернов, их нужно ломать. Постоянно нужно искать новый язык, новую форму. Уже сформировался какой-то почерк. Например, уже знают, что вот это ставит Матулевский.

ZO: Что вдохновляет вас на этот постоянный поиск?

К.М.:
Все, что вокруг. Не знаю. Природа. Фильмы. Корейские драмы, боевики. Мне очень нравится, как у них сейчас развивается кинематограф.

ZO: В чем специфика работы с балетными и современными танцовщиками?

К.М.:
Вся история в образовании. Если это образованный современный танцовщик, то значит он факультативом владеет и классикой, и современным танцем, и буто (авангардный танец, появившийся в Японии — прим. ред), и может работать с текстом, может петь и все, что угодно. Современный танцовщик должен сейчас обладать всем. По сути, балетный танцовщик тоже должен этим обладать, но мы сейчас находимся в таких реалиях, что у нас профессиональное балетное образование практически во всех училищах исключает прохождение современного танца и всего, что с ним связано. Поэтому с балетными танцовщиками намного сложнее работать. Они в основном привыкли делать только что-то одно. Есть, конечно, труппы с большим современным репертуаром, например, Музыкальный театр имени Станиславского и Немировича-Данченко в Москве, театры в Перми, Екатеринбурге. Танцовщики там более подготовлены, с ними легче работать. В Воронеже классический репертуар, поэтому приходится идти чуть-чуть медленнее.

ZO: Есть ли какая-то общая идея, которую вы несете через свое творчество, которую хотите донести до студентов, когда преподаете?

К.М.:
Насчет студентов. У меня первый вопрос: «Зачем вам это нужно?». Я профессионального образования как хореограф не получал. У меня большой опыт как у танцовщика. Я работал в академической театре, репертуарном, работал в андеграунде, учился на режиссера кино. Когда я преподаю в ГИТИСе, ко мне приходят студенты, и мышление у них не развито, они не понимают, чем они занимаются. У меня сразу вопрос: «Зачем ты пришел?». Нужно понимание, что ты вообще делаешь. В каком-то фильме был персонаж, который ходил и спрашивал всех: «Чем ты занимаешься в этой жизни?». А здесь ты получаешь профессию. Я работаю со многими государственными структурами, и я понимаю, что люди не умеют работать. Нужен обязательно какой-то дядя сверху, который будет следить за всем. Сам человек не берет ответственность за то, что он делает.

ZO: А в творчестве?

К.М.:
Когда делаешь спектакль в театре, то уже помимо творчества еще много вещей нужно учитывать. Есть бюджет, есть люди, которые тебя пригласили, есть зритель. Творчеством можно дома заниматься, шить можно. Если ты профессионал, то помимо творчества есть ремесло. Одно другое не исключает. Полет фантазии должен еще как-то воплощаться. Профессионализм — соединить фантазию с формой.

ZO: Чего сейчас больше в современной хореографии: интеллектуального или эмоционального/ чувственного? И к чему больше тяготеете вы в своих постановках?

К.М.:
Есть проекты на телевидении. Там тоже современный танец, но это шоу, другая форма. Это более эмоционально. Там за минуту ты должен проявить все эмоции как танцовщик, как хореограф, сделать множество трюков, чтобы зрители аплодировали. В театре я стараюсь работать с интеллектом. Мне нравится, когда зрители начинают думать, когда танцовщики начинают думать. И я могу за счет формы все равно передать эмоции, переживания. Есть хореографы, которые больше обращаются к эмоциям, это тоже неплохо. Существует мнение, что сейчас должен быть только формальный современный танец, т.е. эмоции — это уже было давно, этим уже не надо заниматься. Современный танец — это настолько широкое поле деятельности, и все работают поразному.

ZO: Какой будет ваша постановка для воронежского фестиваля «RE:Форма танца»?

К.М.:
С Софьей Гайдуковой мы представим три спектакля. Первый спектакль «AHEYM» на музыку Брайса Деснера. Это о людях, которые ищут свой путь, свое место в жизни. «AHEYM» — цикл произведений Деснера. «AHEYM» — это на идише «Домой». Родственники или родители Деснера — иммигранты, которые искали для себя новый дом. Я взял это название в контексте человека вообще. Второй спектакль «АРЛЕКИНАДА.NEW» на музыку Алексея Айги, с которым мы постоянно сотрудничаем. Это произведение об отношениях внутри пар. Задействовано всего две пары. Это новое прочтение старого спектакля Софьи Гайдуковой «Арлекинада». Третья постановка — наша совместная с Софьей работа — «ANIMA». Спектакль на музыку Филиппа Гласса. Здесь мы делаем миф про то, как некое существо вдохнуло жизнь в человека.

ZO: Как вам и Софье Гайдуковой удается работать в тандеме? Разногласий не бывает?

К.М.:
Разногласия бывают. С одной стороны, сложно работать, но с другой, очень удобно. У Софьи свое видение хореографии, у меня свое. Мы в этом плане дополняем друг друга, но и споры на этой почве происходят. Обычно в работе кто-то занимается лексикой, кто-то больше драматургией или композицией, мы делим сферы.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Май 25, 2019 9:46 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019043112
Тема| Балет, БТ, Премьера, Персоналии,
Автор| Анна Сердцева
Заголовок| Чистая красота и возмущенный Петрушка
Где опубликовано| © газета «Трибуна молодого журналиста» №4 (183)
Дата публикации| 2019 апрель
Ссылка| http://tribuna.mosconsv.ru/?p=7298
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Спустя год с небольшим после премьеры двух одноактных балетов – «Артефакт-сюиты» Уильяма Форсайта и «Петрушки» Стравинского в хореографии Эдварда Клюга – Большой театр вновь представил серию показов этих двух балетных постановок.



Уильям Форсайт – один из самых влиятельных хореографов современности, чьи постановки к концу ХХ века обошли многие театральные сцены Европы. Для Москвы его спектакль – по-прежнему редкость: в репертуаре Большого он гостит всего третий раз. «Артефакт-сюита» – сокращенный вариант изначально четырехактного балета, поставленного Форсайтом в 1984 на музыку И.С. Баха и Эвы Кроссман-Хехт, концертмейстера Франкфуртского балета, которая сотрудничала с хореографом на момент постановки. В 2004-м году «Артефакт» был значительно изменен: условный сюжет, в котором прослеживалась история балетного жанра, отдельные персонажи (например, Женщина в старинном костюме и Мужчина с мегафоном) исчезли. Балет в четырех действиях сократился до одноактного: первая его половина шла на знаменитую баховскую Чакону из скрипичной сюиты, вторая – на музыку Эвы Кроссман-Хехт.

Оттолкнувшись от традиции бессюжетного балета Баланчина, Форсайт разработал свой язык – рациональный, высокоинтеллектуальный, где классические движения и позиции как бы «зашифрованы» в партитуре танца (решение такого хореографического «ребуса» – отдельное удовольствие). Нерв и драйв форсайтовских балетов – в контакте пластики классического «пуантного» танца с «деконструктивными» выворотами и скручиваниями, в союзе заданных рисунков партий со свободными импровизациями. Даже статичная позировка после очередного стилевого «переключения» перестает быть типовым элементом хореографической азбуки. В свете прожекторов, анатомически точно прорисовывающем каждую мышцу и связку, элементы классики превращаются в жесты подчеркнуто напряженные и обостренные – до мучительности, до исступления.

Постановке Большого театра не хватило этой предельной акцентности и отточенности. Кордебалет был сосредоточен, главным образом, на синхронизации движений с музыкальным рядом (о чем недвусмысленно свидетельствовало громкое «раз, два, три, четыре!», доносящееся со сцены аж до последних рядов партера). Занавес, вместо того, чтобы внезапно обрушиваться на каденционные такты вариаций в Чаконе, медленно опускался, не всегда попадая в метр, а разница между импровизацией и выученной партией у солирующих пар была не всегда уловима.

Но сам балет – умный, музыкальный, поэтичный – хочется смотреть вновь и вновь, любоваться игрой танцевальной техники, соотносить элементы музыкального и пластического тематизма, следить за параллельно развивающимися событиями «теневого театра». Такой форме искусства не нужно оправдание в виде идейных концепций, предметной атрибутики или нарочитой пантомимы. Это – чистая красота как она есть.

Тем невыгоднее оказывается соседство со вторым спектаклем – «Петрушкой» словенского хореографа Эдварда Клюга, сочиненным им год назад специально для Большого театра. Основой режиссерского замысла стала идея о марионеточности мира, управляемого злой волей фокусника. А главными объектами сценографии – огромные конструкции в виде мохнатых матрешек, плавно перемещающихся по сцене. Последнее по-своему завораживает, но вкупе со звучащей музыкой выглядит весьма несуразно.

Дирижер Павел Клиничев вел партитуру как ни в чем не бывало, безотносительно к «концептуальности» происходящего: «смаковал» акценты, выделял напластования фраз, ритмов, тембров. А на сцене в это время демонстрировался весьма невыразительный кордебалет в обобщенно-европейских костюмах, который синхронно показывал набор элементов A La Russe на фоне темного задника сцены и загадочных мохнатых матрешек по краям.

Появление эффектных шарнирных конструкций в виде скрепленных манекенов, копирующих движение героев, скорее, хочется отнести к области находок циркового искусства – музыкально и сценически это никак не обусловлено. Марширующие через сцену артисты со своими деревянными двойниками оставляют зрителя в недоумении относительно их местоположения в драматургическом замысле целого. Как и рas de cinq матрешек-гигантов в начале финальной картины. Впрочем, назначение последних раскрывается во второй и третьей сценах, когда оказывается, что разъемные матрешечные части (не в поперечнике, а по вертикали) служат «тюрьмами» для кукол. Их оттуда по очереди выпускает Фокусник, который, ограничив пространство для маневра двумя палками, заставляет проделывать набор акробатических упражнений. Любовной интригой, сольными вариациями и знаменитым дуэтом «два на три» при этом пришлось пожертвовать.



В финале из матрешечного купола выскакивает оживший Петрушка, яростно грозит кулаком Фокуснику (а заодно, видимо, и Фокину, и Стравинскому, и Бенуа, и всей дягилевской антрепризе), затем, спустившись, идет расправляться с кукловодом. В ответ хочется тоже погрозить кулаком господину Клюгу, взять у Фокусника палку, загнать солистов с синхронно передвигающимся кордебалетом внутрь матрешки и вздохнуть с облегчением. А потом заглянуть в другие – может быть, в одной из грушевидных конструкций томятся кучера, извозчики, кормилицы, ряженые, красочные расписные декорации, колоритные костюмы, чуткие хореографы и сценографы, музыкальность, чувство стиля, эрудиция?…

Вот бы их освободить!

Анна Сердцева,
IV курс ИТФ
Фото Дамира Юсупова и Елены Фетисовой
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Май 27, 2019 2:27 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019043113
Тема| Балет, VI Meждународный фестиваль-конкурс им. Вахтанга Чабукиани (Тбилиси), Персоналии,
Автор| Ашот ГАРЕГИНЯН
Заголовок| ПРАЗДНИК НА ПУАНТАХ
Где опубликовано| © газета "Голос Армении"
Дата публикации| 2019-04-09
Ссылка| http://www.golosarmenii.am/article/78775/prazdnik-na-puantax
Аннотация| фестиваль-конкурс им. Чабукиани

Меняются эпохи, а люди и события, имевшие отношение к их возникновению, порой стираются из человеческой памяти. А балет продолжает жить, пленяя своим волшебством все новые поколения землян. Очередным наглядным подтверждением этого, думается, стал VI Meждународный фестиваль-конкурс им. Вахтанга Чабукиани, прошедший 29-31 марта в Тбилиси.



В ФЕСТИВАЛЕ-КОНКУРСЕ приняли участие солисты и хореографические коллективы из Азербайджана, Армении, Вьетнама, Грузии, Китая, России и Турции. Конкурс проводился в трех возрастных группах - детской (9-13 лет), юношеской (14-18 лет) и старшей (19-26) лет. Армянские артисты не посрамили славных традиций отечественного балета и выступили достойно. Так, в номинации "Классический танец" в младшей группе весь пьедестал оказался армянским: 3-е место занял Нарек Арамян, 2-е - Елизавета Хачатрян, а первой была признана Эля Асланян. В юношеской группе 1-е место поделили Мушег Аветисян и Раффи Галстян, третьим стал Гор Саргсян. В свою очередь Гор победил в номинации "Модерн", обойдя Раффи. Специальный приз жюри получила Сатеник Казарян.

В конкурсной программе приз организатора фестиваля-конкурса - Ассоциации педагогов-хореографов Грузии "За лучшую педагогическую работу" получила художественный руководитель Ереванского хореографического колледжа Марина Григорян. В фестивальной программе такой же награды удостоилась худрук хореографического ансамбля из Еревана "Нане" Нарине Топальян.

- Фестиваль-конкурс прошел на весьма достойном уровне, - делится своими впечатлениями первый секретарь Посольства РА в Грузии Артур САРКИСЯН. - Несомненно, за прошедшие годы он стал заметным и престижным событием в культурной жизни всего региона. Тем примечательнее успехи, достигнутые посланцами Армении.

С оценкой дипломата согласен член жюри, солист берлинского Staatsballett Аршак Галумян. "Участники продемонстрировали неплохие хореографические навыки, - говорит он. - Подрастает способная молодежь, что не может не радовать. Организаторам - большое спасибо за такой праздник балета".

ОДНИМ из спонсоров фестиваля-конкурса стала российская адвокатская фирма LOYS (Екатеринбург).

- Искусство устраняет общественные, экономические и другие барьеры между народами, - убежден председатель совета партнеров LOYS Денис Пучков. - Хореографическое искусство не является исключением. Поддерживая талантливое подрастающее поколение, мы стараемся способствовать укреплению межнациональной дружбы, выработке пути к новым формам общения между людьми. Мне как человеку, родившемуся и прожившему детство в Грузии, очень приятно осознавать, что я вношу посильный вклад в развитие танцевального искусства и межнациональной коммуникации,

Поддержка молодых талантов становится для LOYS важным аспектом текущей деятельности. К примеру, г-н Пучков ныне состоит в попечительском совете Свердловской государственной детской филармонии.



ПРЕДСЕДАТЕЛЬ оргкомитета Международного балетного фестиваля-конкурса, председатель Грузинской ассоциации педагогов-хореографов, балетмейстер Наталия ДИГМЕЛАШВИЛИ довольна и результатами фестиваля-конкурса им. Чабукиани, и тем, что снова удалось, образно выражаясь, не ударить лицом в грязь.

- Изначально далеко не все складывалось гладко, - отмечает г-жа Дигмелашвили. - Но нам, опираясь на накопленный опыт - все-таки фестиваль-конкурс проводится уже шестой год, - удалось преодолеть сложности. И праздник балета действительно получился.

- Как вы оцениваете выступления армянских конкурсантов и других участников?

- Нам они очень понравились. Радует и то, что их становится больше. К примеру, три года назад Армению представляли всего два конкурсанта - одна девушка и один юноша. А сейчас их уже более десяти.

- География конкурса расширяется?

- Можно сказать - да. Во всяком случае в региональном масштабе он уже, надеюсь, становится заметным явлением, без всякой кичливой местечковости. Интерес к нему растет. Правда, российских участников на сей раз было мало, в прошлые годы было больше. Сказывается, видимо, текущая политическая ситуация.

- Как вы оцениваете результаты прошедших лет? Есть движение вперед?

- Без ложной скромности могу констатировать - прогресс налицо. Так отмечают многие, следящие за нашей инициативой с самого начала. Уровень особенно вырос в последние 2-3 года.

- Организация подобного мероприятия, причем ежегодно - задача не из легких. Удается разжиться государственной поддержкой?

- К сожалению, мы вынуждены полагаться в основном на собственные силы. Правда, в нынешнем году некоторую сумму выделила мэрия Тбилиси. Но лишь около 10% необходимых средств, этого не хватило бы даже на аренду сцены. А в Грузии хорошую сцену, пригодную для профессионального балетного конкурса, найти очень трудно. Арендуем сцену в концертном зале 1-го корпуса Тбилисского госуниверситета им. Иване Джавахишвили. Но надо еще настилать покрытие, без этого никак нельзя.

- Какие планы на следующий год?

- Посмотрим, как получится. Нехватка ресурсов не позволяет замахиваться на многое. Пока держимся на энтузиазме. В первые годы в рамках фестиваля-конкурса мы проводили и научную конференцию. Но сейчас это уже не под силу. Тем не менее мы не отчаиваемся, стараемся преодолевать текущие трудности и стремимся к лучшему. Помаленьку наращиваем призовой фонд. В прошлом году, например, у нас было всего три денежные премии. А сейчас мы смогли наградить всех призеров во всех номинациях плюс еще и призы от жюри.

- Надеюсь, участники нормально общались друг с другом, все-таки балет - вне политики?

- Безусловно. В Грузии исстари не было никаких межнациональных распрей. И на сей раз все было нормально. Сами участники, кстати, не раз подчеркивали: сражаться и соперничать - только на сцене, а не за кулисами или где-нибудь еще.

- У фестиваля-конкурса есть лозунг или девиз?

- Пока, честно говоря, не обзавелись. Но наши цели известны - популяризация и поддержка хореографического искусства, обмен опытом в области хореографии на международном уровне, продвижение толерантности посредством изучения культуры разных народов. А кроме того, мы стараемся поддерживать память о нашем выдающемся соотечественнике, имя которого носит наш фестиваль-конкурс - танцовщике, педагоге и балетмейстере Вахтанге Чабукиани. Потому что в последнее время его имя уже, к сожалению, стало забываться.

- ???

- Да-да… Дело в том, что, как ни парадоксально это звучит, Нина Ананиашвили (эта прославленная в недавнем прошлом балерина в 2004 году стала художественным руководителем Грузинского театра оперы и балета им. З. Палиашвили. - А.Г.), прибрав к рукам грузинский балет, делает все для того, чтобы имя Чабукиани начало в Грузии забываться. Словно и не было его. Она убрала весь репертуар, в котором блистал Вахтанг Михайлович. Добилась переименования носившей его имя школы балетного мастерства.

К счастью, благодаря нашему начинанию кое-что удалось отвоевать: школе вернули имя Чабукиани, снова заработал его музей, до того годами пребывавший в "анабиозе". Однако его богатейшее творческое и педагогическое наследие тоже прибрала к рукам Н. Ананиашвили, никому не дозволяя им пользоваться. Будто до нее в Грузии балета вообще не было. И нам она постоянно вставляет палки в колеса, лоббирует против нас, чтобы мы, так сказать, не рыпались. Но мы все равно не сдаемся. Я сама - ученица Вахтанга Михайловича. И считаю своим долгом хранить память об этом человеке, ставшем, без преувеличения, уникальным явлением в мировом балете.



Последний раз редактировалось: Елена С. (Вт Июн 11, 2019 10:41 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Июн 11, 2019 10:40 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019043114
Тема| Балет, Одесский театр оперы и балета, Премьера, Персоналии,
Автор| Фото: Ю. Литвиненко
Заголовок| В Оперном театре поставили удивительный балет о балете (фото)
Где опубликовано| © Культурометр Одессы
Дата публикации| 2019-04-02
Ссылка| http://culturemeter.od.ua/v-opernom-teatre-postavili-udivitelnyj-balet-o-balete-66338-2/
Аннотация| Премьера

В Одесском театре оперы и балета поставили новую семейную сказку. Удивительно нежную сказку-феерию «Рождение балерины». Этот проект — продолжение цикла образовательных мероприятий для детей о театре «Одесская опера – детям», который задумала Людмила Сергейчук. «Путешествие в оркестр» — первая ласточка.



В «Рождении балерины» авторы решили показать, как обычная девочка превращается в приму. Спектакль начинается с … обычной игры в мяч и прыжков на скакалке. Затем на сцене появляется балетный класс и зрители, возможно впервые в жизни, слышат удивительные названия балетных позиций.

В сказку удивительно тонко вплетены сольные номера артистов одесского оперного из «Лебединого озера», «Щелкунчика» и других знаковых постановок.

Пространство сцены перегорожено зеркальным экраном. Зритель видит одновременно танцоров и спереди, и сзади.

А декорациями служит отражение ложи зрительного зала, которые уходят вверх.

Есть в спектакле и отсылки к театральному этикету: недотепы-клоуны то шуршат конфетами во время постановки, то говорят по мобильному.

Удивительный балет музыкально сопровождает симфонический оркестр театра. В живую исполняют Чайковского, Сен-Санса, Шумана и Делиба.

Эта удивительна премьера не только красива, но и вдохновляет на занятия балетом. В постановке задействованы не только взрослые артисты балета, но и дети.

В антракте юные поклонницы пуант заполонили все этажи, прыжками и наклонами подражая артистам балета.

Фото: Ю. Литвиненко
================================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Июн 16, 2019 10:30 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019043115
Тема| Балет, Михайловский театр, Персоналии, Марат Шемиунов
Автор| Анастасия Рычагова, Софья Брыканова
Заголовок| И в 80 лет можно: Марат Шемиунов о балете для пожилых и юных
Известный артист вновь посетил Ростов

Где опубликовано| © ИА «ДОН 24»
Дата публикации| 2019-04-25
Ссылка| https://don24.ru/rubric/intervyu/i-v-80-let-mozhno-marat-shemiunov-o-balete-dlya-pozhilyh-i-yunyh.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Известный артист балета, премьер Михайловского театра Марат Шемиунов вновь посетил Ростов-на-Дону. В прошлом году он впервые приезжал в донскую столицу на международный фестиваль «Лето балета» вместе с женой – примой балета Михайловского театра Ириной Перрен. Наш гость рассказал про возраст для балета, как именно разобраться в этом искусстве театрального танца, а также о прекрасной системе балетного образования в России.

– Есть ли какие-то факторы, при которых ребенок не может заниматься балетом? Например, если он полный (имеет лишний вес)?

– Балетом могут и должны заниматься все, потому что прежде всего это гармоничное развитие души и тела. Душа развивается посредством классической музыки, которая используется в системе образования танца. Мы много преподаем: и в Санкт-Петербурге в своей студии балета «Парад балет», и за границей – по большей степени в Японии. Кстати, в этой стране балетная система образования поставлена на коммерческий поток, она не является государственной ввиду не таких далеких исторических традиций, которые есть в России. Первая балетная школа, которая сейчас называется Академией русского балета им. Вагановой, была открыта у нас в 1738 году в Санкт-Петербурге. То есть российской системе балетного образования почти 300 лет. В Японии популярно брать балетные классы: они открыты для людей разного возраста и подготовки. Поэтому мы видим разных студентов, в том числе полных. К сожалению, в нашей студии балета 99% учеников – девушки. Мальчиков мы принимаем бесплатно. В парном балете девочкам с ними интереснее.

– Какой минимальный возраст для занятий балетом?

– В нашу студию мы берем с двух лет. Приходят дети, лежат на ковриках под музыку. В том числе у нас звучит пианино, потому что живое исполнение создает более пронзительную атмосферу. Музыка очень важна, в том числе тишина как музыка. Если речь о группе детей, то они водят хороводы. Главное – атмосфера, в которую они попадают: слышат слово «балет», видят перед собой балерину или мужчину-педагога, у которого на молекулярном уровне есть понимание осанки, мышц и традиций общения с детьми. Важно то, что дети идут к созданию образа, который ассоциируется у них со словом «балет». Зачастую это образ волшебного животного, например, лебедя. Даже двухлетняя девочка, когда видит перед собой что-то яркое на сцене, начинает тянуться к этой красоте. Она приходит в студию и начинает танцевать у двери на коврике, и я ее поддерживаю. Люди хотят танцевать – не надо моментально загонять их в рамки.

– Два года – это игра для ребенка. Когда начинается пахота?

– Игра продолжается до пенсии. Пахота... Слово-то какое... Черноземное. В моей системе образования слово еще хуже было. Я прошел через это, поэтому и отреагировал на него. Хотелось бы его избежать. Не для отрицания физической нагрузки, а в связи с модернизацией системы образования, в том числе подходов. Хотя «система» – тоже опасное слово. Наверное, правильно сказать, ввиду любви к человеку. Хочется избежать огромной бюрократии, которая существует в системе образования, в результате которой лично я испытал в свое время физическую боль. Я говорю о травмах. Мышца, которую напрягаешь во время тренировок, должна быть восстановлена. Иначе волокна надрываются. Нужен отдых. И отдых – тоже огромный труд для артиста балета. Нужна восстановительная терапия – не в смысле лечения, а в плане смены нагрузки. Например, правильные растяжки или просто плавание.

– Можно ли совмещать учебу в школе и профессиональный балет?

– Сложно ответить. Например, академия балета в Санкт-Петербурге, о которой я уже говорил ранее, нашла баланс. Это общеобразовательные предметы и постоянная физическая нагрузка для детей. В академии, когда нам было 15 лет, мы начинали учебу в 09:00. У нас было два урока классического танца по 45 минут подряд. Действовала система чередования: полтора часа физическая нагрузка, а затем полтора часа – умственная.

– Но регионы не могут позволить себе такую систему образования...

– Россия может похвастаться огромным количеством регионов с прекрасно отлаженной системой балетного образования. Москва, Красноярск, Новосибирск, Самара – там есть великолепные школы и академии танца. При Советском Союзе балет стал популярным, так как нравился власти. И до сих пор в этом направлении сохраняется бесплатная государственная система образования, чего нет ни в одной стране мира. Разве что, может быть, на Кубе есть.

– В Германии можно начать заниматься балетом, будучи в зрелом возрасте, например в 40 лет. Реально ли такое в России?

– Абсолютно реально. В Японии на открытые классы приходят старейшие студенты: и в 75, и в 80 лет. Кстати, открытые классы – американская система, когда покупаешь билет за 15 долларов, приходишь и занимаешься. Вообще, в Японии колоссальный опыт коммерческих студий, где важен не только заработок, но и система взаимоотношений клиента и педагога. Важно, что интересует приходящих на занятия людей. Они приходят снова и снова, потому что их выпускают на сцену. Люди участвуют в огромном количестве концертов. С балетной точки зрения они не профессионалы, но им нравится возможность показать себя на публике, а также сам процесс подготовки. Не только взрослые, но и совсем маленькие дети выходят на сцену. Моей дочке шесть лет, и она принимает участие в этих концертах. На нее шьется костюм, она работает над своим образом, в том числе над прической.

– То есть в России тоже можно начать заниматься балетом в зрелом возрасте?

– Да, непосредственно у нас в студии, в Санкт-Петербурге, нет ограничений по возрасту. Можно прийти, купить разовое посещение и встать за балетный станок. 40 лет – самый расцвет жизни, хотя в балете он наступает раньше – в 20–25 лет. На мой взгляд, 30–35 лет – золотой возраст для сценической деятельности, так как в это время уже есть много знаний, и при этом тело в хорошем состоянии. Но это индивидуально, к тому же надо отличать просто балет и балетную карьеру.

– Если хочешь именно построить балетную карьеру, то в каком возрасте лучше начать заниматься?

– Чем раньше, тем лучше. Два года – слишком рано, на мой взгляд. Как родитель двух детей могу сказать, что была паника: как быть с детьми, когда они буквально лезут на стену? Да, вести в балетную студию. В некоторых, в том числе в нашей, есть детская комната с игрушками, что их тоже может заинтересовать. И хотя мы не знаем, что нас впечатляло в их возрасте, с точки зрения психологии такое занятие – синхронизация того, что уже видел во время просмотра балета в театре или по телевизору. То есть ты образовываешься, приходишь в театр, а затем, если тебя это заинтересовало, приходишь в балетную студию и понимаешь, как все выстроено. Рекомендую пойти в балетную студию, взять урок за 500 рублей и после будете приходить в театр и с большим интересом смотреть на игру актеров, зная позиции танца, например арабеск, и отличать его виды друг от друга.

– Какой совет вы можете дать родителю, который не может выбрать между спортом и балетом?

– Выбор между балетом и спортом – очень индивидуальный. Если бы меня спросили, я бы сказал «спорт», потому что устал от балета. Лично я обожаю теннис. А мой папа говорит, что не надо дочку отдавать на теннис, иначе «останусь без штанов». Почему теннис? Это сольный вид спорта, а моя судьба так сложилась, что я стал солистом балета. Спорт или балет? В первую очередь – любовь. То есть надо любить детей, до того состояния, когда ты сможешь перетерпеть их и свои капризы, и оттолкнуться от интересов ребенка. Хотя в этом вопросе играет роль еще и интуиция вместе с удачей. Моя дочка, например, ненавидит балет. Она не ходит в театр, не высиживает там и 15 минут. У нее перенагрузка
в этом плане: она с рождения ездит с нами по всему миру и бывает на всех концертах. Из-за этого она, вероятно, не пойдет в балет. И я ее поддержу, но постараюсь, чтобы она занялась спортом. Физическая работа с телом ей ближе, чем другая деятельность.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Июн 19, 2019 5:34 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019043116
Тема| Балет, театр «Астана Балет», Персоналии, Фархад Буриев
Автор| -
Заголовок| Фархад Буриев: «Сцена обязывает артиста танцевать даже когда он смертельно устал»
Где опубликовано| © сайт театра «Астана Балет»
Дата публикации| 2019-04-18
Ссылка| https://astanaballet.com/ru/news/intervyu/farhad-buriev-lyudi-govoryat-bliznecy-dvulichnye-a-ya-schitayu-mnogogrannye
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Ошибочно считать балет исключительно женским видом искусства даже потому, что все международные арены взрывали казахстанские танцовщики, а не балерины.



Ведущий солист, артист театра «Астана Балет» Фархад Буриев рассказал в чем особенность мужского балета и как закаляется характер артиста.

- Фархад, вы выбрали довольно необычную профессию для мужчины – балетное искусство. Наверняка, у вас есть своя история, почему звезды так сложились?

- На самом деле не звезды решали, это был мой личный выбор. Двоюродная сестра мамы, которая на тот момент работала учителем истории в Алматинском хореографическом училище имени Александра Селезнева, предложила родителям отдать в балет мою сестру. Я начал ходить на все ее выступления и тайком разглядывать артистов – они были все такие подтянутые, физически сильные и красивые, что я долго не думая уговорил родителей отдать и меня в балет. Им это решение далось тяжело, но я все-таки получил шанс.

На последнем курсе, когда я осознал, наконец, куда попал, поздно уже было поздно что-то менять (прим.авт. - смеется). Я-то думал, что это обычная школа танцев, а оказалось, что это морально и физически тяжелый труд. Родители предлагали мне перевестись в физмат, так как у меня были хорошие способности к точным наукам, но я решил остаться и продолжить выбранный когда-то путь. А вот сестра балет все-таки бросила.

- Первый профессиональный выход на сцену был трудным? Помните сейчас какие эмоции вы переживали на тот момент?

- Это было еще в первом классе училища, то есть 20 лет назад, поэтому многое забылось. Но «бабочки в животе» из-за волнения точно летали. Мы с ребятами танцевали солдатиков-суворовцев в одном спектакле, и, видимо настолько хорошо, что нам даже подарили конфеты за выступление.

Первое выступление в театре, это уже другое. Это была мазурка, третий акт Лебединого озера. Так получилось, что я станцевал там случайно. За несколько часов до начала спектакля мне сообщили, что артист не пришел на спектакль и партию предстоит исполнить мне. Я разучил номер за один день. Публика после выступления аплодировала стоя. Это было наивысшее счастье! Никогда не забуду ту эйфорию, чувство блаженства, самоутверждения. Это непередаваемое чувство, когда ты понимаешь, что сделал что-то очень важное, доказал сам себе и своим окружающим, что ты можешь, и в то же время доставил удовольствие зрителям.

- Кому обязаны тем успехом в карьере, который сейчас у вас есть?

- Однозначно Эдуарду Мальбекову. Я не был выдающимся учеником, был плохо подкован технически, сложные хореографические трюки давались мне с трудом. Когда я пришел в театр, я, собственно, ничего не умел делать. Вот тогда-то мне на помощь пришел Эдуард Джабашевич. Мы начали с ним активно работать над характерными партиями - это народные партии, не требующие особых каких-то умений и особых балетных данных, которых у меня не было в принципе. Постепенно перешли на классику. Он слепил меня с нуля. Это был ежедневный труд, по несколько часов работы, не выходя из зала, пока я не позеленею или не упаду в обморок.

- Методика такая жесткая была?

- Да. Но, наверное, это была единственно правильная методика. Я не только технически был слаб, но и морально невынослив. Мало, чтобы все получалось технически, артист должен уметь работать даже тогда, когда смертельно устал. Мой учитель гонял меня до такой степени, что даже головокружение и слабость не могли помешать мне выполнить заданный танцевальный элемент. Я работал до обморочного состояния.

- То есть, закаляли характер и волю?

- Именно. Когда я пришел в театр, у меня были меркантильные цели. Я думал, буду получать зарплату, ходить себе в кордебалете спокойненько. Но Эдуард Джабашевич не дал. Первые репетиции я все время смотрел на часы, ждал, когда все это закончится. Мне так не хотелось танцевать.

А потом в одном из разговоров, он спросил меня: «Представь себе, ты стоишь один на сцене и весь зал тебе рукоплещет. Представил? Тебе нравится? Хочешь так? Так вот, чтобы получить все это, признание зрителей, надо много работать». Мое отношение к балету после этого поменялось и только благодаря тому разговору зрителя сегодня видят Фархада Буриева на сцене.

- Как считаете, успех артиста – это только выточенная техника или что-то еще?

- Что-то еще… Я не скажу, что я прям классно танцую, я просто очень люблю это делать. Есть много танцовщиков, которые делают все намного лучше, чем я, но у меня есть свои хитрости. Практически все мизансцены, именно эмоциональные моменты, актерскую игру немного переделываю под себя, добавляю новаторские штучки, чтобы это не было скучно смотреть, делаю роль более реалистичной. Если изначально это слишком вычурно, я немного успокаиваю, чтобы человек понимал, что перед ним не сумасшедший клоун, а нормальный человек. Или же, наоборот, если хореограф забыла подсказать что-то, или номер немного пустоват, без смысла, я придумываю себе историю и следую ей. Тогда получается более эмоционально исполнить свою роль, чего и ждет зритель.

Как-то раз мне знакомые, которые пришли на спектакль, что они будто сходили в кино. То есть все было настолько реалистично и не наиграно. Согласитесь, это хорошее признание, дорогого стоит.

- Когда случился профессиональный взлет?

- Наверное, с премьерой балета Ромео и Джульетта, который я танцевал в Казахском государственном академическом театре оперы и балета имени Абая. Так получалось, что все последующие премьеры новых балетов у меня получалось станцевать в первом составе. То есть, я был основным исполнителем всех мужских партий.

- А как попали в «Астана Балет»?

- В один момент я понял, что станцевал уже весь репертуар. Стал просить другие партии, но мне не давали, ведущему солисту не положено танцевать партии ниже. Учитывая, что в театре долгое время не было новых постановок, случился профессиональный застой. Зрители начали признавать, я начал расслабляться, перестал работать над собой, потерял форму. Я понимал, что надо двигаться дальше, но дальше было некуда. И я решил, что хочу получить новый вызов, мне было интересно поработать в новых направлениях.

Это было 550-летие Казахстана, мы как раз должны были выступать на большом мероприятии, куда меня пригласили партнером к ведущей балерине «Астана Балет». Мы немного поработали, и тогда я в шутку сказал, что, если вдруг будете набирать мужской коллектив, а тогда он был сугубо женским, я буду первым, кто сюда придет. Слова имеют свойство реализовываться, и та, казалось бы, шутка оказалась пророческой. Меня пригласила в театр главный балетмейстер театра Мукарам Авахри.

Помимо репертуара и самого театра, которые отвечают всем современным требованиям, мне понравился творческий дух этого коллектива. Все работали с такой отдачей, с такой любовью, что это мотивировало меня, подталкивало, подначивало становиться еще лучше. То есть работать вместе со всеми, но в то же время придумывать что-то новое. Здесь никто не запрещает что-то выдумывать, креативить. Если ты хочешь, ты можешь сам себе поставить номер и его выпустят на концерте, если он понравится. То есть здесь нет никаких ограничений, что для творческих людей очень важно.

- Была ли у вас возможность поработать за рубежом?

- Когда я закончил хореографическое училище, я безумно хотел уехать из страны, как это делают многие ребята. Я считал, что в Казахстане искусство, тем более балет, особо не ценится. И, наверное, хотел много зарабатывать. Но из-за своей лени и легкомыслия не сумел вылететь, когда была такая возможность. У меня не все было в порядке с документами. Да и тут у меня пошел карьерный рост. Каждый раз, когда я собирался уехать, меня повышали. Так прошло 12 лет, а я все еще здесь, в Казахстане. Порой даже страшно подумать о том, что было бы если бы я уехал, стал бы я тем, кем чувствую себя сейчас.

В «Астана Балет» не дают продохнуть, театр постоянно обновляет репертуар. Мы месяц-полтора готовим один балет, после премьеры, буквально на следующий день, у нас начинается постановка нового балета. И тут времени думать и скучать нет, все время новые вызовы. Каждый спектакль - это разные стили, ты все время перевоплощаешься в новых персонажей, это очень интересно и нескучно.

- Есть любимые роли?

- Наверное, это партия партнера в «Красной Жизели» Бориса Эйфмана, которую я танцевал в начале карьеры, и к которой мне сложно было подойти. Надо было сыграть человека нетрадиционной ориентации. То, что я сейчас скажу, может показаться весьма нетолерантным, но я отказывался это играть. Во-первых, из соображений того, что наш зритель к такому не готов был в то время. Во-вторых, я не был готов. Постановщики пошли мне навстречу и максимально удалили все сложные сцены, сделав артиста более мужественным. В благодарность за это я станцевал им хорошего партнера.

Сейчас я перерос тот возраст и вполне нормально к этому отношусь. Это было давно, и я на тот момент был немного ограничен в своих мыслях.

- Новые роли – это новые чувства, другие эмоции?

- У Аль-Фараби есть пословица: «Сколько языков ты знаешь, столько раз ты человек». Я переделал ее на свой лад: «Сколько партий ты станцевал, столько жизней ты прожил».

Каждая партия – это одна маленькая жизнь. Выходя на сцену я Фархада Буриева оставляю за кулисами, пытаюсь по крайней мере это делать, получается у меня это или нет, будет судить зритель. Но, будучи, в шкуре своего героя, я максимально становлюсь им. Я не хочу играть его, я хочу быть им.

- Можете вспомнить самый сложный спектакль в вашей карьере?

- Сложно было станцевать свою первую классическую партию в Жизель. Мне было 19 лет и это была первая моя классическая партия. Представляете, не хватило дыхания, начались спазмы, но уходить со сцены нельзя, надо было продолжать. Так тяжело мне еще никогда не было. Были после этого постановки сложнее физически, были спектакли, где есть не один и не два дуэтов, очень сложных физически, по семь -восемь дуэтов за один спектакль, но все они показались мне легкими по сравнению с Жизель. Зато после этого я заявил о себе, как о «принце» казахстанского балета.

- Фархад, а кто вы по знаку зодиака?

- Близнецы. Люди говорят двуличный, а я считаю многогранный.

- Бывали ли у вас моменты, когда хотелось бросить то, чему вы посвятили всю жизнь?

- Да, было несколько раз. Мне кажется, у каждого артиста бывают такие периоды, так называемые, моменты сложности в работе, творчестве, в личной жизни. Все же мы обычные люди. И когда какие-то моменты не стыкуются с твоей работой, появляется желание бросить именно работу. Но, слава богу, с такими кардинальными сложностями я не сталкивался, и никогда перерыва в творчестве не делал.

- Как справляетесь со стрессами?

- Я научился контролировать эмоции. Недоброжелатели не знают, что я чувствую в тот или иной момент. Во-вторых, я не сильно переживаю о том, что обо мне думают и что обо мне говорят. Даже иногда друзей и знакомых я раздражаю своим спокойствием. Грусть и радость я держу в себе, коплю, чтобы потом выбросить на сцене. То есть я заряжаюсь, наполняюсь и выплескиваю все это на сцене.

- Как вы считаете, мужчинам в балетном искусстве приходится сложнее добиться признания, чем женщинам?

- Почему-то у нас в стране все еще придерживаются старых понятий, что балет только для девушек. У одного известного блогера как-то вышло видео, в котором папочки рассуждают, куда отдадут своих детей. И все мальчиков отдают на боевые искусства, а один говорит: «Я отдам в балет». На него все так злобно посмотрели, на что он ответил: «Потому что я хочу девочку». Вполне милое видео, ничего обидного, но все же.

Я постоянно замечаю такие выпады в сторону балета, что это искусство только для девушек. Балерин все восхваляют, а если мужчина танцует в балете, на него сразу устремляются косые взгляды, называя его другим, не мужественным. Мы такие же мужчины, просто в профессии, которая нам нравится, не всем же быть офисными клерками. И нам не нравится, когда нас называют «балерунами» или «балеронами», таких слов уже давно не используют. Мы артисты балета или танцовщики.

А в самой работе, мужчинам легче пробиться потому что нас мало, конкуренции меньше. И могу даже похватать тем, что мужской балет в Казахстане сильнее, чем женский. Все международные арены, все конкурсы взрывали именно казахстанские танцовщики, а не балерины. Возьмите того же Рамазана Бапова, Булата Аюханова, из нынешних у нас работает Казбек Ахмедьяров, Сержан Кауков, Айдос Закан, Бахтияр Адамжан, который сейчас катается в мировом турне с мировыми звездами на одном уровне, или может быть даже, как я считаю, намного лучше. Покойный Дастан Чиныбаев. Это опять же доказывает, что мужской балет силен в Казахстане.

- Есть ли у вас хобби, как проводите свободное время, любите путешествовать?

- Моя работа – мое хобби. Но есть еще болезнь 21 века – рыться в телефоне. Это, наверное, уже переросло в зависимость. Я не любитель обычного пикника на улице или рыбалки. Это не мое. Свободное время провожу с семьей с детьми. Путешествовать не получается, но гастролирую с театром постоянно. А это нечто иное.

- Как вам удается совмещать работу и личную жизнь? Судя по фотографиям в Инстаграме, вы счастливый отец и заботливый семьянин.

- Да, я счастливый отец. У меня двое сыновей, два крыла, которых я безумно люблю. Они дали мне новый импульс в творческом развитии, я начал работать вдвое больше, усталость куда-то исчезла. Это вот с детства в памяти осталось, когда ты просыпаешься, папы уже нет, а вечером он приходит и ты начинаешь с ним играть. Когда ты становишься сам папой, ты понимаешь, как бы ты не уставал морально и физически, домой ты идешь к сыну, который тебя весь день ждет.

- А видите в детях себя, продолжение своей карьеры?

- Многие артисты, в том числе и мы, не хотим, чтобы наши дети проходили через все эти сложности. Балет - это сложно не только физически, но и морально. У мужчин особенно сопровождается, очень болезненными и тяжелыми травмами. Ни один родитель не хочет, чтобы их дети так страдали. Но в то же время смотришь на своего сына, а ведь у него самые лучшие данные, которые ты когда-либо видел. Он может спать, и у него нога случайно завернулась за шею, и ему так удобно. Ему всего два года, а у него уже все задатки артиста балета будущего, он пропорционален, идеален. Но мы с супругой решили, что не будем заставлять ребенка, мы спросим у него, чего он сам хочет, когда он вырастет.

Моему старшему сыну сейчас 2,5 года, младшему три месяца. Маленький только научился переворачиваться, поэтому о нем особо много не расскажешь. А о старшем можно. Он очень быстро развивается. В восемь месяцев сказал свое первое слово, а сейчас мы с ним разговариваем уже практически на равных.

- Какого правила в воспитании детей придерживаетесь?

- Наверно, это воспитание на равных. Мы никогда не улюлюкались с ребенком. Мы с ним разговаривали так, чтобы он подражал нам. Но сначала научили его этому. Когда он что-то аукал- улюлюкал, я дословно повторял за ним, а потом говорил ему, как будет правильно, и он повторял за мной. Так мы его научили разговаривать.

Насчет поведения, самое главное с детства научить его слову нельзя. И, конечно же, быть добрым. Мы никогда не учили своего ребенка драться. К сожалению, он сам научился этому во дворе. Я понял, что быть родителем – это большой труд, надо быть морально сильным человеком, чтобы запретить своему ребенку что-то делать. И конечно надо быть вдвойне сильнее, чтобы наказывать его за это. У моей супруги получается лучше, потому что я в этом плане очень слаб, всегда уступаю.

- Если ваши дети захотят пойти по вашим стопам, какой совет вы им дадите?

- Я бы, наверное, не ограничивался и дал несколько советов. Было бы хорошо, если бы он еще послушал. Первый совет, чтобы он никогда не шел за кем-то, а шел своим путем, держался своего мнения. Если кто-то следует за тобой, хорошо, если никто не следует, тоже хорошо, но ты сам никогда не должен идти за толпой или за другим человеком, который гонится за своими идеалами, надо иметь свои идеалы и идти к ним. Именно такое мышление приводит к успеху. Надо оставаться верным самому себе, и всегда слушать только себя. В саморазвитии внутреннем.

Что же касается роста карьерного, то в этом плане я бы ему посоветовал, как в том фильме, не верить и не слушать людей, которые говорят, что он чего-то не может. И даже меня.

======================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Июн 20, 2019 12:42 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019043117
Тема| Балет, ГТОБ «Астана Опера», Персоналии, Бахтияр Адамжан
Автор| Амина БЕЛЬГИБАЕВА
Заголовок| Бахтияр Адамжан – мастер перевоплощения
Где опубликовано| © «НОВАЯ МУЗЫКАЛЬНАЯ ГАЗЕТА» (Казахстан)
Дата публикации| 2019-04-10
Ссылка| http://musicnews.kz/baxtiyar-adamzhan-master-perevoploshheniya/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

2018 и 2019 годы для Заслуженного деятеля Казахстана, обладателя Гран-при многочисленных международных хореографических конкурсов, ведущего солиста ГТОБ «Астана Опера» Бахтияра Адамжана выдались урожайными на знаковые события. Благодаря упорному труду, здоровым амбициям, самобытности таланта и неустанной тяге к совершенству в поисках максимума, он стремительно ворвался в мир современного казахского балета и занял в нём прочные позиции. Отечественные и зарубежные критики восторженно отмечают высокое мастерство исполнения артиста в купе с прирожденным актерским талантом. Танцовщик уверенно создает на сцене полярно-противоположные образы. Его сценический диапазон простирается от предводителя восставших против угнетателей гладиаторов Спартака, до преданного горбуна Квазимодо из балета «Собор парижской Богоматери»; от потерявшего смысл жизни Юноши из шедевра Ролана Пети «Юноша и Смерть» до безупречного принца из балета П.И.Чайковского «Щелкунчик»; от авантюриста и проныры Леско из балета «Манон» до любимого неверной Зобеидой блистательного Золотого раба из восточной хореографической трагедии М. Фокина на музыку «Шехеразады» Н.Римского-Корсакова, премьера которого была представлена совсем недавно. В беседе с ним мы узнали о том, как создаются образы, о методах восстановления после изнурительных тренировок, об отношении к государственным наградам и многом другом.



— Успешно прошла премьера балета М.Фокина «Шехеразада», в котором Вы исполняете партию Золотого раба. Как проходили репетиции с Андрисом Лиепой? Что нового открыли для себя в работе с ним?

— Ранее я уже танцевал этот спектакль, но тогда я чувствовал себя достаточно «сырым», так как времени на разучивание и шлифовку было совсем мало. В этот раз Андрис Лиепа целенаправленно приехал ставить балет М. Фокина на нашу труппу, и потому для подготовки и осознания роли было больше времени. Я открыл для себя много нового. Мы вбирали в себя из первых рук пластику, отрабатывали каждую позу, каждое положение. Отличительной чертой в его подходе к работе над образом я бы назвал проницательность. Он видит все недочеты, улавливает любые упущения. Он требователен и очень внимателен, ничего не упустит из виду. Замечал не раз, стоило мне лишь подумать о тех нюансах, над которыми хотелось бы поработать тщательнее, как замечания озвучивались им безотлагательно. И это очень важно! Ведь именно скрупулёзность в работе балетмейстера, способствует нашему профессиональному росту. Также плодотворна работа с ним как с режиссером. Подход его индивидуален, и главной целью, как мне кажется, он ставит перед собой раскрытие уникальных черт каждого артиста. Это выражается в том, что он и позы подбирает для исполнителей такие, в которых артист смотрелся бы более гармонично и выигрышно. И это очень раскрепощает нас. Поэтому балет «Шехеразада», который увидел наш зритель на премьере – это совершенно иной, сияющий новыми красками балет.

— В разное время именитые артисты танцевали партию Золотого раба. Что привносите в эту роль Вы?

— Я вновь не стал смотреть, как воплощали на сцене эту партию другие артисты, решив не ставить никого себе в пример. Для меня это важно. Это мой метод воссоздания образов. Связано это с тем, что мне хочется создавать новые образы, не перенимая внесенные другими артистами штрихи. Стараюсь избегать «штамповки». Порядок танца со мной разучивала Алтынай Абдуахимовна, а дальше над глубиной образа и музыкальной выразительностью работал Андрис Марисович. Он переносит этот спектакль на сцены ведущих театров уже много лет, я старался взять как можно больше лично от него.

— Главную женскую партию в дуэте с Вами исполнила Анастасия Заклинская, выпускница АРБ имени А.Я.Вагановой, ныне артистка балетной труппы театра «Астана Опера». Состоялся ли дуэт, на ваш взгляд? В балете существует понятие «удобный» или «неудобный» партнер. Насколько с Анастасией комфортно работать?

— Настя справляется с этой партией отлично и ей эта роль очень идет. Чувствуется, что она получает удовольствие играть Зобеиду. Андрис ее не щадит. Я наблюдаю динамику. Дуэт сложился с первых дней репетиций.

— В рамках ежегодного проекта Народного артиста России Андриса Лиепы «Автографы и имиджи», на сцене Государственного Кремлевского дворца прошёл гала-концерт, посвященный великой балерине Майе Плисецкой, в котором Вам довелось участвовать. Такая честь! Что Вы исполнили?

— М. Плисецкая – это уникальная балерина и выступать на этом гала-концерте честь для меня. Обычно номера обсуждаются в ходе переговоров. При составлении концертной программы организаторы сами просят тот или иной танец, либо отрывок из балета. В этот раз мне впервые предложили исполнить па-де-де из балета «Щелкунчик» П.И. Чайковского. Я с легкостью согласился. Верю, в дальнейшем от имени нашей страны будут участвовать еще много достойных артистов.

— Андрис Лиепа восторженно отзывается о Вас, называет одним из лучших танцовщиков современности.

— Такая высокая оценка мне очень приятна. А.Лиепа в принципе один из первых, кто разглядел во мне не только конкурсанта, но прежде всего артиста, и первый, кто начал приглашать. Он очень много дал мне как в профессиональном, так и в личностном плане. Поэтому когда Андрис Марисович звонит, я никогда не ставлю перед ним условия и никогда не обсуждаю с ним гонорар. Это тот человек, с кем я не торгуюсь, и, если свободен, говорю: я еду. Гала-концерт – вторая моя поездка по приглашению Андриса. Первый раз это был вечер в честь Рудольфа Нуриева, сейчас в честь Майи Плисецкой, впереди вечер посвященный Вацлаву Нижинскому.

С Андрисом работать приятно, он подходит к работе профессионально, с полной самоотдачей. И все артисты, выступающие на его вечерах по приглашению – это суперзвёзды балетного мира, представители ведущих европейских театров, бомонд Российского балета – Большой театр, Мариинский театр. Все мы знаем, что во всем мире лучшим считается русский балет. И представлять наш театр среди лучших – большая ответственность. С другой стороны, это ценный обмен опытом, знакомства, встречи с друзьями.

— Чем для Вас стало приглашение Луиджи Бонино танцевать в Милане знаменитый балет Ролана Пети «Юноша и Смерть»? Вы стали первым в истории казахским артистом, воплотившим образ, который некогда исполняли такие признанные миром звёзды балета, как Михаил Барышников, Рудольф Нуриев. Каково это, испытать на себе чувство молодого человека, оказавшегося на грани, встретившегося лицом к лицу со смертью?

— На мой взгляд, «Юноша и Смерть» – шедевр Ролана Пети. Самый любимый мною балет после «Спартака». Причину тому я нахожу в широком эмоциональном диапазоне, раскрывающемся в реализации этого образа. После завоевания золота на XIII Международном конкурсе артистов балета в Москве директоры крупнейших театров мира, импрессарио, раздавали свои визитки, для приглашения сотрудничать. Летом раздался звонок от итальянского импрессарио Даниеля Чеприяни. Он спросил меня: «Бахтияр, танцевал ли ты ранее “Юношу и смерть” Ролана Пети»?

На что я ответил: «Нет, не танцевал, но танцевал Квазимодо в спектакле Ролана Пети “Собор парижской Богоматери”», – и что я хорошо знаком с Луижди Бонино (постановщиком этого балета в театре «Астана Опера»). Во время нашей работы над «Собором парижской Богоматери» Луиджи уже говорил о том, что видит меня в партии Юноши. Но, для свершения задумки никак не представлялся случай. Этот звонок стал решающим. Даниель сказал, что обо всем договорился с Луиджи, и если я согласен, они ждут меня в Милане.

Организаторы взяли на себя все расходы, связанные с перелетом, проживанием и моим передвижением, за что я им очень благодарен. Также, я благодарен Алтынай Абдуахимовне, которая без долгих раздумий, отпустила меня, несмотря на активно шедшую в театре постановочную работу над балетом Раймондо Ребека «Сколько длится сейчас?», в котором я был задействован.



— Как проходили репетиции?

— Прима балерина театра Ла Скала Николетта Мани, несмотря на свой загруженный график, не пропустила ни одной репетиции. Мы репетировали в академии Ла Скала пять дней. Класс вел Массимо Мурро – легендарный танцовщик, перетанцевавший все балеты Ролана Пети, чей мастер класс я получал параллельно. Я был счастлив, что такая уникальная возможность выпала именно мне. Не каждый получает разрешение танцевать этот балет. А тут их стороной предоставлены все условия. Почему бы и не поехать? (смеется).

Выучив балет, я вернулся в Астану, чтобы станцевать на премьере балета «Сколько длится сейчас?», после чего сразу вернулся в Италию, в город Сполетто. Мы танцевали в древнем городе, на обломках старого театра, под вечным открытым небом. Это придавало происходящему некую эпичность.

Балет был принят зрителем «на ура». Л. Бонино отметил, что впервые за 40 лет существования этого балета, зрители аплодировали в кульминационный момент, где я обнимаю балерину – Смерть. Волнение было колоссальное, и оно было связано с ответственностью перед своей школой, своей страной, приглашающей стороной. Все технические моменты у меня получились. Если говорить об образе, то Луиджи был очень доволен, выслал благодарственное письмо даже.

— О чём балет?

— Юный художник понемногу сходил с ума. К нему явилась облаченная во все жёлтое девушка. Это смерть в её облике пришла к нему. Скромная, если не сказать, убогая комната, в которой он жил – его маленький мир, все его мысли. Он лежит в кровати с сигаретой в зубах и всё, что происходит сквозь дым на сцене дальше, это его воображение, воспоминания. Он вспоминал о том, как она с ним играла, как он страдал. Можно сказать перед ним пролетела вся его скудная жизнь, в которой была любовь. Она его и погубила.

В какой-то момент, размышляя над образом, слушая музыку балета, я поймал себя на мысли, что депрессия начала поглощать меня. Порой в работе над глубокими образами это становится неизбежно. Да, я жизнерадостный, как Вы подметили, человек, но то, в каком состоянии оказался юноша, его желание покончить с жизнью, прекратить существование, были мне понятны. Я стремился уловить в себе это настроение одиночества, обреченности, испытать чувство потери смысла жизни. Мне хотелось прожить на сцене его судьбу и показать средствами пластики состояние человека перед самоубийством – о чем он думает, какой у него взгляд, как напряжено тело.

— Ведутся ли переговоры о показе этого балета в Казахстане? Ведь и наши зрители хотят увидеть первого казахского «Юношу».

— Я горю желанием танцевать и танцевать этот балет. Хочу раз за разом привносить что-то новое в свой образ. Одним словом, я не насытился.

Будет ли показан балет в Казахстане, я не знаю, но думаю, это определённо будет фурор. Одни только декорации чего стоят. Чтобы воссоздать этот балет, на сцене должна воцариться атмосфера старого Парижа.

— За вклад в развитие культуры в стране Вам было присуждено Почетное звание «Заслуженный деятель Республики Казахстан». Незадолго до этого знаменательного события Фонд Первого Президента тоже отметил ваши успехи в профессии присуждением стипендии. Какие у вас ощущения? И какой еще хотели бы поддержки от государства?

— То, что успехи не остаются без внимания – не может не радовать. Но ряд вопросов для артистов, главный из которых жилищный, до сих пор, увы, остается открытым. Взять для сравнения Олимпийские игры. Казахстанские спортсмены раз в четыре года представляют на играх нашу страну, гордо поднимают над головой знамя, и по возвращению домой их ждет приличный гонорар, квартира. Но о стране знают не только благодаря достижениям в спорте, ведь благодаря искусству, во всем мире знают об уровне развития страны. К примеру, мне удалось в один год на пяти престижных конкурсах представлять Казахстан и родной театр «Астана опера», завоевывать Гран-при на каждом конкурсе и привезти домой золотую медаль из Москвы. Московский конкурс проходит раз в четыре года и в нём участвуют 120 стран! Впечатляет, не правда ли? С одной стороны, не хочется ходить выпрашивать, «бить» себя в грудь – это некрасиво. С другой стороны, хочется равной справедливости для артистов. Терпеливо ждём. Престижность конкурсов в сфере культуры, в которых я занимал первые места, сопоставимы с Олимпийскими играми в сфере спорта.

— Ваше отношение к развитию балетной критики в Казахстане?

— Отечественная балетная критика находится на стадии развития. Где есть критика, там есть рост. Я стараюсь показывать хороший уровень, чтобы подрастающая молодежь видела разницу. Если они увидят высокую планку, то она для них досягаема. Рано или поздно тот уровень, который я задал, кто-то непременно достигнет. Всегда стараюсь быть положительным примером.

— Вы много гастролируете. Отличается ли иностранная публика от нашей?

— Публика везде разная. Половина казахстанских зрителей приходят в театр для галочки, чтобы потом сказать, что они были в Астана Опера. Это некая дань моде и для многих это всего лишь тренд. Но радует, что другая часть публики развивается, читает, распознает хорошее от дурного, тянется к прекрасному. Численность осознанной публики растет. Истинных ценителей или тех, кто стремится понять искусство балета глубже, к радости, становится больше. Чем чаще смотрят, тем больше они разбираются в драматургии балетов, в исполнении, читают либретто, ищут литературные первоисточники. Благодаря развитию критики и просвещению на качественных страницах в социальных сетях, зритель становится разборчивее, у него появляются любимые спектакли и образы. Половина зрительного зала приходит на определенного артиста. А если говорить о зарубежном зрителе, то, к примеру, в Корее принимают взрывом аплодисментов. Итальянцы встречают по-разному. Есть города, где больше понимают оперу, а не балет, при этом считается уважением к артисту душевно аплодировать и скандировать «Браво!» Всё-равно, наш родной зритель самый лучший (улыбается).

— У вас напряженный график. Постоянные перелеты, гастроли, репетиции. Как вы восстанавливаетесь?

— К своему здоровью я отношусь серьезно. Все репетиции, не связанные с театром «Астана Опера», я провожу отдельно, выделяю на это дополнительное время. Держать себя в хорошей форме приходится постоянно, потому что когда я выезжаю по приглашению, мне часто приходится репетировать с новой партнершей всего за день до концерта. Помогает всё наработанное, что было приобретено за период учебы в училище и за время работы в театре. На тренаже по классическому танцу я проверяю все элементы своих выходов, а такие детали как держать балерину, мы уже при встрече разбираем.

Я не употребляю алкоголь. Пью много чистой воды. Принимаю витамины для поддержания организма в тонусе. Польза от них ощутима. Нельзя «ездить» на организме так, будто это безлимитная бочка ресурсов. Лучше во время начать его поддерживать. И семья, конечно, дает силы. Дома питаюсь исключительно тем, что приготовит моя супруга. Она кормит меня полезной пищей и не дает мне вредностей (улыбается). Жизнь после балета есть, и я хочу ею наслаждаться, а не залечивать раны. Прихожу домой и забываю о работе, наслаждаюсь тёплыми моментами, проведенными с семьей. Именно семья не дает мне «перегореть» и остыть к профессии, способствует моему внутреннему наполнению.

— Поделитесь вашими планами? Есть грандиозные планы, о которых еще никто не знает?

— К сожалению, ни один театр пока не может предоставить точный репертуарный график на год вперед, что является для меня проблемой. Сложно отвечать на приглашения из-за границы, не зная репертуарный план театра, в котором работаешь. Это мешает. До ноября 2019 года у меня уже расписан график. Если говорить о мечте-задаче, то я по-прежнему настроен станцевать Спартака в Большом театре. Я параллельно работаю над этим. Есть ряд приглашений на год вперед. Осталось лишь согласовать с нашим театром, так как некоторые даты выпадают на дни спектаклей. Подводить коллег и руководство родного театра хочется меньше всего. Определить какой из них грандиозный план, а какой не очень я тоже не могу (улыбается). Для меня все это творчество. Я ко всему отношусь спокойно и на данный момент стремлюсь наслаждаться процессом. Меня в балетном мире знают, ценят и приглашают.

— Большое спасибо за интереснейшую беседу! Думаю, многие наши читатели будут счастливы увидеть имя «Бахтияр Адамжан» на афишах лучших мировых театров. Искренне желаю исполнения всего задуманного и новых творческих успехов!

Интервью провела Амина БЕЛЬГИБАЕВА,
студентка 3 курса Казахской национальной академии хореографии

======================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20208
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Июн 22, 2019 12:11 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019043118
Тема| Балет, Конкуренция, Персоналии, ЕЛИЗАВЕТА ТАРАНДА
Автор| Елизавета Таранда
Заголовок| ЕСТЬ ЛИ ДРУЖБА В БАЛЕТНОМ МИРЕ? РАССКАЗЫВАЕТ ЕЛИЗАВЕТА ТАРАНДА
Где опубликовано| © портал SPORTCHIC (СПОРТШИК)
Дата публикации| 2019-04-30
Ссылка| https://sportchic.ru/life-style/teatralnaya-sreda-idealnaya-pochva-i-dlya-druzhby-i-dlya-intrig-podrobnosti-u-elizavety-taranda/
Аннотация|

Сказать, что вся жизнь в балете – сплошное соревнование, было бы неверным. Вчерашние первые сегодня могут оказаться твоими коллегами справа и слева, и придется учиться дышать в унисон, вне зависимости от того, нравитесь вы друг другу или нет.

В УЧИЛИЩАХ НАС ИЗНАЧАЛЬНО НЕ НАСТРАИВАЮТ ДРУГ ПРОТИВ ДРУГА – ЭТО НЕ ПРИНЯТО.

Все дети, особенно спортивные, балетные, испытывают стресс поровну: у кого-то оценка лучше, у кого-то хуже. Обычно в зале все эти войны утихают. Если уж крутишь пируэт хорошо, то понятно, что благодаря способностям, старанию и труду, а не чьим-то интригам.

Но правда и то, что любимчики – те, в ком старшее мудрое поколение уже видит будущих звезд и начинает «вести», вызывают у остальных начинающих танцовщиков ревность. Это значит, что на этого ученика возлагают надежды, выделяют, больше с ним работают. Для остальных такое лидерство становится либо стимулом к самосовершенствованию, либо поводом посплетничать за спиной.



СКЛОКИ И ПРОЧИЕ НЕКРАСИВЫЕ ИСТОРИИ ВСЕГДА СОПРОВОЖДАЮТ ЖИЗНЬ КРАСИВЫХ ЛЮДЕЙ.

Ни у родителей, ни у детей, увы, не хватает понимания, что профессионалы видят больше, знают лучше, кого надо попридержать, кого похвалить, а на кого спустить собак. От этих мелочей резко могут измениться отношения даже самых закадычных друзей. Трудно справиться с мыслью, что тебя заменили твоим другом, а ты не у дел. Если еще вчера однокурсники поддерживали, то сегодня уже смотрят обиженно, потому что в концертной программе я исполнила небольшую сольную партию.

ОГРОМНОЕ КОЛИЧЕСТВО КОЛКИХ И ЕДКИХ ЗАМЕЧАНИЙ, УПОМИНАНИЙ МОЕЙ СЕМЬИ НЕ РАЗ ЗВУЧАЛО ПОСЛЕ ТАКИХ ВЫСТУПЛЕНИЙ.

Любой повод считать тебя привилегированным лицом заставляет творческую братию переживать, даже если по факту они превосходят тебя по результатам в профессии. Коллеги начинают плести интриги, клубок заматывается.

Но в итоге могу сказать: многие из тех, кто говорил, обсуждал и осуждал, на финишной прямой сдались и решили не биться дальше об стену, закрывающую балетный мир с длинной карьерной лестницей наверх. Меня сильно потрясло, когда, перечисляя фамилии своего самого первого класса, я обнаружила:

ИЗ 20 ЛУЧШИХ, САМЫХ ОДАРЕННЫХ ФИЗИЧЕСКИ ДЕВОЧЕК, В БАЛЕТЕ ОСТАЛОСЬ ЛИШЬ ТРОЕ.

Остальные красавицы, говорю это абсолютно без иронии, стали актрисами, ушли в модельный бизнес, многие вышли замуж и связали свою жизнь с материнством и домашним хозяйством. Напомню: чтобы получить профессию балерины, надо пройти отбор в училище, три тура при поступлении, 10 лет учиться, сдавая по два экзамена в год по каждой спецдисциплине, и получить диплом. Необходимо положить жизнь, заниматься только балетом.

И тем не менее признаю – в балетной среде лучше никому не открываться. Многие балерины с горечью поделились со мной печальными историями, когда подруги выбалтывали секреты, трезвонили о планах, тем самым ставя палки в колеса и закапывая мечты.

В БАЛЕТНОМ МИРЕ, ПОКА ТЫ НЕ СТАЛ ВЕЛИЧИНОЙ, ТЫ ПРИНАДЛЕЖИШЬ ТЕАТРУ.

Халтуры, подработки, планы в карьере – все это негласно преследуется. Считается, что артист должен быть счастлив тем малым, что у него есть, почитать за честь стоять в последней линии кордебалета и не мечтать о большем, если ему такого аванса не давали.

Конечно, многое зависит от порядков в театре и, как ни странно, от стиля поведения руководства. Куда смотрит вожак стаи, туда стая и бежит. Если интриги поощряются, и людей, которые подставляют, унижают, ведут себя некорректно, никак не наказывают, это быстро принимается коллективом как форма единственно возможного способа выживания.

СМЕХ СМЕХОМ, А СЛУЧАИ, КОГДА ДВЕРИ ГРИМЕРНЫХ ЗАКРЫВАЛИСЬ НА КЛЮЧ, СООБЩЕНИЯ О ЗАНЯТОСТИ В РЕПЕТИЦИИ «ЗАБЫВАЛИ» ПЕРЕДАТЬ, ИМЕЮТ СВОЕ МЕСТО.

И все-таки добиться хоть от кого-то подтверждения реальности случая со стеклом в пуантах пока не удалось никому. Булавочки в костюмы подкладывали, ленточки и резиночки подрезали – это было. История знает несколько случаев, когда во время дебюта артистки ей из-за кулис кричали обидные слова, когда на сцене вдруг начинали смеяться или вместо букета кидали веник.

Тем более ценным стал пример дружбы Дианы Вишневой и Ульяны Лопаткиной. Две примы, две очень яркие, отмеченные титулами и званиями артистки смогли пронести свое общение над всей карьерой, гастролями, замужеством, рождением детей. Трогательно признаваясь в восхищении талантом друг друга, они создали спектакль о самих себе: «Действующие лица: Диана Вишнева и Ульяна Лопаткина», состоявшийся в феврале этого года в БДТ. В первый и последний раз две такие величины встретились на сцене без пуантов и пачек и затаившей дыхание публике открыто рассказали, о чем молчат балерины, танцующие всю жизнь «Лебединое озеро».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3 ... 9, 10, 11
Страница 11 из 11

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика