Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2019-02
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20265
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Фев 05, 2019 10:26 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019020505
Тема| Балет, БТ, Юбилей, Гала-концерт, Персоналии, Екатерина Максимова
Автор| Александр Фирер
Заголовок| ПРОДОЛЖАЯ ЖИЗНИ БЕГ
Где опубликовано| © Журнал Музыкальная жизнь
Дата публикации| 2019-02-05
Ссылка| http://muzlifemagazine.ru/prodolzhaya-zhizni-beg/
Аннотация| Гала-концерт



На исторической сцене Большого театра прошел юбилейный гала-концерт «Екатерине Максимовой посвящается». 1 февраля великой танцовщице исполнилось бы 80 лет

Сияние глаз, лучезарность танца, эталон академического московского стиля. Эти эпитеты могут стать лишь штрихами к портрету Екатерины Максимовой. Максимова – крупный план золотого века Большого театра. Гордость нации.

Когда-то опытный глаз профессионала сразу же узрел ее редкую гармоничность сложения для балета и рафинированную лепку ног. Максимова была рождена для танца. И судьба благоволила ее балеринской карьере. Она училась у знаменитой Елизаветы Гердт, а в театре репетировала с великой Галиной Улановой. Базисными осями ее биографии и судьбой стали Большой театр и семейный дуэт с великим танцовщиком XX века Владимиром Васильевым.

Во взглядах и суждениях, в отношении к профессии Максимова была максималисткой. Техника ее была безупречна, междустрочие танца вдохновенно, обаяние беспредельно, а путь метаморфоз – от сказочной принцессы до глубокой трагикомической актрисы – интригующ. Ее искусство магнетизировало континенты. И называли ее везде нежно и просто, как свою сверстницу, Катя. Излучаемый свет ее танца делал жизнь радостнее и светлее. «Бремя» своего таланта Максимова несла с чародейской легкостью и достоинством патрицианки, стоически перенося тяжелые травмы, превратности и удары судьбы.

Репутация Максимовой была уникальной: ее искренне любили, никто о ней ни при жизни, ни после не сказал ни единого плохого слова (свидетельства завистников и склочников не в счет). И в подтверждение тому в Большом на гала-концерт, посвященный Максимовой, собралась элита столичной интеллигенции, вся балетная Москва – разные поколения балетоманов и артистов, среди которых приятно было увидеть партнеров Максимовой.

Владимир Васильев организовал теплый непафосный вечер. Отрывки постановок самого Васильева, фрагменты спектаклей репертуара Максимовой и номера современных авторов режиссерски виртуозно и логично были украшены видеопроекциями и кинозаписями танцующей Максимовой, а также лирическими живописными видеополотнами Васильева на заднике сцены. Ксения Алфёрова и Егор Бероев между номерами зачитывали строки автобиографической книги Максимовой «Мадам “Нет”», что уместно связывало все эпизоды концерта в портретную концепцию героини вечера.

Притягательным центром гала стал неувядающий кинотанец Балерины. Танец Максимовой непревзойден и ничуть не устарел, более того, такого уникального комплекса мастерства, харизмы и физической формы сегодня не сыщешь. Кадры ностальгически переносили публику в славные времена Большого. В фильмах-балетах Александр Белинский запечатлел дивный дар максимовского перевоплощения, показав навсегда запоминающиеся крупные планы Балерины в «Анюте» и «Галатее», сравнимые по глубине воздействия со взглядом Вивьен Ли в ее знаменитых фильмах.

Васильев для участия в концерте привлек учениц Максимовой (и даже тех, кто уже фактически завершил балетную карьеру). Солисты нового поколения Большого, гости из Санкт-Петербурга, Берлина, Казани, Челябинска, Киева, также принявшие участие в вечере, танцевали на подъеме.


Сюита из I акта балета «Дон Кихот». Евгения Образцова– Китри и Артемий Беляков –Базиль

В первом акте из «Дон Кихота» в перекомпоновке Владимира Васильева вышли сразу две пары солистов – Евгения Образцова и Маргарита Шрайнер (Китри) и Артемий Беляков и Вячеслав Лопатин (Базили). Вместе с кордебалетом им удалось создать праздничность атмосферы ликующего танца и азарта.


«Вальс-фантазия». Кристина Кретова, Владислав Лантратов, Марианна Рыжкина

Хореография Васильева была представлена несколькими номерами: «Фрагменты одной биографии» на музыку Пьяццоллы исполнили Кристина Кретова и Иван Алексеев, «Вальс-фантазию» Глинки представили Владислав Лантратов и пять учениц Максимовой – Марианна Рыжкина, Наталья Балахничева, Татьяна Предеина, Анна Никулина и Кристина Кретова, в «Элегии» Рахманинова выступили Элиза Карийо Кабрера и Михаил Канискин, «Балладу» Шопена станцевали Владислав Лантратов и Дарья Хохлова (за роялем – темпераментная Екатерина Мечетина). Первый номер – мечта-фантазия о рае на другом конце земли, второй – лирическое приношение педагогу, третий – оммаж возлюбленной (художник и муза), четвертый – видение памяти.

Лики любви были отанцованы и в опусах других хореографов. Эмоционально открыто, что редкость для петербургской сцены, солисты Мариинского театра Екатерина Кондаурова и Роман Беляков исполнили известный дуэт из «Парка» Анжлена Прельжокажа на музыку Моцарта со знаменитым затяжным поцелуем, летящим над вечностью. Номер «Весна, лето, осень, зима» Раду Поклитару на музыку Александра Раскатова в интерпретации Елены Салтыковой и Артема Шошина прозвучал иллюстративной метафорой совместного пути двоих, переживших горе и радости жизненных вех. Дмитрий Гуданов с Татьяной Предеиной представил свое сочинение «Леда и Лебедь» как фантазию на тему сладкой грезы. Драматично был исполнен Ольгой Смирновой и Дэвидом Холбергом дуэт Татьяны и Онегина из третьего акта балета Джона Крэнко «Онегин». К сожалению, в России никто не видел этот балет с участием Екатерины Максимовой, исполнявшей его только за рубежом.

Сцена «На катке» из балета Гаврилина-Васильева «Анюта» венчала вечер. При всей миловидности и балетном профессионализме Нины Капцовой (Анюта) все-таки взгляд фокусировался на Екатерине Максимовой, и нельзя было оторваться от нее, исполнявшей синхронно на экране эту же роль. Ее манера танца, ее выразительные правдивые глаза, богатство чувств, красота и высота душевного посыла пробивали «броню» кинопленки. Балерина такого таланта от Бога – штучное явление. Квадратно-гнездовым способом такие не выращиваются и не воспроизводятся.


ФОТО: ФОТО: ЕЛЕНА ФЕТИСОВА / БОЛЬШОЙ ТЕАТР
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20265
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Фев 06, 2019 6:20 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019020601
Тема| Балет, БТ, Персоналии, Мария Виноградова
Автор| Елизавета Емелькина
Заголовок| Мария Виноградова
Где опубликовано| © La Personne
Дата публикации| 2019-02-06
Ссылка| https://www.lapersonne.com/post/maria-vinogradova-bolshoi-theatre
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Ведущая балерина Большого театра Мария Виноградова, как произведение искусства – ее утонченная красота восхищает не менее чем полотна Рубенса или Васнецова. Поэтому съемка для этого материала проходила среди полотен в Российской Академии живописи имени Ильи Глазунова в сказочных образах от дизайнера Алены Ахмадуллиной. О театре, профессии, красоте и творчестве Мария Виноградова поговорила с La Personne.



Как вы все успеваете? Репетиции, переезды, выступления…

Честно говоря, никак. Приходится подстраиваться под бешеный ритм жизни. Тяжело все совмещать: делать карьеру, быть хорошей мамой и хорошей женой. Делаю для этого все возможное. Пока удается.

У вас с мужем разные графики, разная программа выступлений в разных театрах. Достаточно ли вам времени, которое вы проводите вместе?

Хотелось бы больше. Но при тех обстоятельствах, в которых мы оба находимся, мы уделяем друг другу время по максимуму. Ваня живет не на один город, и даже не на два, он очень часто на гастролях. А когда возвращается домой, это для него и для нашей семьи настоящий праздник. Мы всегда его ждем.

Есть ли между вами дух соперничества?

Нет, конечно. Это не про нас.

В каком театре вам было бы интересно выступить с точки зрения репертуара?

Мой театр — Большой. Учась еще в хореографическом училище, я в нем танцевала, потом пришла работать. Даже не представляю, какой другой театр мог бы быть мне интересен даже временно. В Большом театре я чувствую себя как дома, для меня это ощущение важнее всего.

Я приглашенная солистка Михайловского театра, девятого февраля у меня премьера «Дон Кихота» там.

Как вы настраиваетесь перед выходом на сцену? Есть ли ритуал, который обязательно нужно исполнить?

У любого артиста есть свой ритуал. Утром в день спектакля я стараюсь не репетировать и не заниматься. Пробую выспаться и набраться сил.

Если я танцую вечерний спектакль, то прихожу в театр к половине четвертого, настраиваться, заниматься. Я разминаюсь, делаю класс, гримируюсь. Всегда накладываю грим сама, этот процесс меня успокаивает, с него начинается построение образа к спектаклю.

Николай Цискаридзе как-то говорил, что для того, чтобы стать артистом балета, в одном человеке должны совпасть определенные вещи. Это и физические данные, и внешность, и артистизм, и характер. Над чем вам пришлось работать больше всего? Может быть, приходится работать и сейчас?

Я работаю над всем. Наша профессия – это каждодневный, каторжный труд, часто приходится себя переламывать, перебарывать. Без работоспособности и упорства не получится ничего достичь. Николай Максимович очень правильно сказал. Помимо таланта, в набор хорошего артиста входит множество инструментов и удача.

Приходилось ли вам танцевать партии, которые Вам не нравятся?

Да. Скорее то, что мне не подходило. Нужно было перебороть себя. Выйти, станцевать и больше не возвращаться к этому.

Чего сегодня не хватает на российской балетной сцене в репертуарном плане, на ваш взгляд?

Лично мне хочется, чтобы классики было как можно больше, это визитная карточка наших академических театров. Но я считаю, что сегодня любой зритель может найти себе что-то по вкусу. Сцена полнится экспериментами, к которым я довольно холодно отношусь. Не люблю, когда искусство непонятно или уходит в крайности. Но есть и выдающиеся постановки. В этом сезоне в Большом театре состоялась постановка «Артефакт-сюиты» Уильяма Форсайта. Я мечтала станцевать что-нибудь из хореографии Форсайта, и мне такой шанс выпал. Мы месяц буквально не вылезали из этой хореографии, из этого спектакля. А когда все закончилось, стало так грустно, тело и голова привыкли к особенностям такого танца. Сейчас грядет новый блок современных балетов, я очень этого жду.

Задумываетесь ли вы о том, на что сменить сценическую карьеру, когда придет время? Будет ли это педагогическая деятельность или же административная?

Я пока не нашла правильного направления для себя, к чему бы лежала душа. Думаю, что со временем обязательно найду что-то, или что-то найдет меня. Знаю точно, что больше буду заниматься Анечкой.

Какие изменения в себе вы замечаете после рождения девочки?

Многие зрители говорят, что я изменилась. Партии в моем исполнении обрели иные краски. В обычной жизни тоже произошли изменения. Раньше для меня балет стоял на первом месте, теперь – это наша семья.

В чем секрет вашей красоты?

Я посещаю косметолога, стараюсь делать домашние уходы. Мы не молодеем, нужно быть начеку. Необходимо следить за собой. Обязательно выделять на себя время. Бывают моменты, когда я вся в работе, и нет ни минуты свободной. А я придерживаюсь той позиции, когда женщина-балерина должна иметь аккуратные руки, регулярно делать педикюр. Педикюр – отдельная тема в балете. Не понимаю, когда выкладывают ужасные фотографии с изуродованными ногами. Это демонстрация неуважения к себе, к своему здоровью.

То есть таких последствий можно избежать?

Естественно. У меня большие вопросы вызывают эти снимки. Никаких проблем в поддержании своих стоп в приличном виде нет, нужно просто уделять им внимание.

Несложно заметить, что вы следите за модой, кто ваш любимый дизайнер?

Дизайнеров много, кого-то одного не могу выделить. Дизайнеры создавали, создают и будут создавать костюмы к спектаклям. Я участвую в съемках, потому что пока жива мода – жива и красота, а я люблю красивое.

Что-то новое намечается в этом сезоне в плане репертуара?

Грядет насыщенный февраль. Я на днях села посмотреть график и ужаснулась. Седьмого мы танцуем «Спартака» с Ваней, девятого – «Дон Кихот», 12-го и 13-го два гала-концерта, 14-го числа у меня «Дон Кихот» в Большом театре, 16-го февраля «Драгоценности». Села и подумала, как я все это выдержу? (смеется) Работы интересной много!

Благодарим
Российскую Академию живописи, ваяния и зодчества имени Ильи Глазунова
за помощь в создании материала.


Фото Дарья Ратушина
=======================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20265
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Фев 06, 2019 8:25 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019020602
Тема| Балет, Академия Русского балета им. А.Я. Вагановой, Персоналии, Николай Цискаридзе
Автор| Дворецков А.С.
Заголовок| Николай Цискаридзе: мужской трон в балете никто не занял
Где опубликовано| © журнал «Э-Вести»
Дата публикации| 2019-02-06
Ссылка| http://www.e-vesti.ru/ru/nikolaj-tsiskaridze-muzhskoj-tron-v-balete-nikto-ne-zanyal/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Только что закончились блистательные гастроли Академии Русского балета им. А.Я. Вагановой в Японии – стране, где как нигде любят, ценят и знают балет. Им занимается более полумиллиона(!) человек, а обычных ценителей еще больше.

О том, как прошли трёхнедельные гастроли Академии Русского балета им. А.Я. Вагановой и культурно-политическому журналу «Э-Вести» рассказал ректор Академии Николай Цискаридзе. А заодно он поделился с нашими читателями своей оценкой балета и дал несколько советов его любителям.

ЭВ: Николай Максимович, буквально накануне ваши ученики вернулись с гастролей в Японию. Расскажите, пожалуйста, как они прошли?

Николай М. Цискаридзе: Уже давно и регулярно, каждые три года, Академия выезжает в Японию. И прошло, конечно, все блистательно. Японцы очень скрупулезные люди и, когда они подводят итоги, то каждый финансовый год печатают отчёт о доходах – сколько продано билетов, сколько они стоили. Так было и после предыдущих гастролей в 2016 году; и было очень приятно, что наши гастроли финансово выигрышнее были даже таких монстров, как другие театры, которые постоянно туда ездят (завсегдатаями японских подмостков является, например, Большой Театр России – прим. ред.). Наш коллектив – детский, и на него уже огромный спрос.

В этом году, во время очередной поездки в Японию, мы возили три названия: «Щелкунчик», «Фею кукол» и третий акт из балета «Пахита». Мне – как москвичу, выпускнику Московской Академии хореографии, стало очень обидно, что моё учебное любимое заведение, которое я закончил (во время Советского Союза оно единственное выезжало в Японию), на сегодняшний момент уже почти 20 лет туда не ездит.

Конечно, я переживаю об этом как «московский» ученик, но как руководитель петербуржской академии, которая уже второй раз с таким успехом проводит гастроли в Японии, мне очень приятно.

Чем больше русское искусство будут знать, видеть, тем лучше. Это принесет пользу не только репутации государства, но еще и детям. Потому что они, прежде всего, должны учиться.


Академия Русского балета им. А.Я. Вагановой в Японии

ЭВ: Нашим читателям очень важно Ваше профессиональное видение ситуации в российском балете в целом. В каком он положении сегодня, как он воспринимается?

Николай М. Цискаридзе:
В области классического балетного искусства мы были и будем всегда лучшими. Тот спрос, который есть на нас, часто заставляет меня отказываться от гастролей, потому что мы прежде всего академия, а не театр; мы обязаны детей учить. И я могу возить спектакли исключительно в тот период, когда дети могут это делать в соответствии с учебной программой.

ЭВ: Как важно и приятно это слышать от Вас. Но если говорить об артистах балета, можете ли вы назвать TOP10 тех, которые сейчас танцуют в России?

Николай М. Цискаридзе:
Знаете, я TOP10 не назову. Но я скажу, что на сегодняшний день есть бесспорная примадонна – это Светлана Захарова. И не только потому, что она моя многолетняя партнерша, человек, которого я очень люблю прежде всего в жизни, как свою коллегу. Это действительно настоящий, серьезный представитель профессии. В её случае ты понимаешь, что благодаря физическим способностям, мастерству человек занимает лидирующее положение в мире. Очень многие будут вам говорить, что это Таня.

К сожалению, мужской трон пустой. Простите, не пришел никто.

ЭВ: А если говорить о бывших, кого можно увидеть в записи, чтобы понять истоки мощи и репутации русского балета?

Николай М. Цискаридзе:
Можно посмотреть Максимову, Павлову, Васильева, Лавровского, Соловьева, Семеняку.. Из зарубежных тоже очень много. Это и Марго Фонтейн, и Сильви Гиллем, и Иветт Шовире… Сейчас очень много записей в youtube.

Конечно, лучше смотреть настоящих артистов и записанные спектакли. Даже наши от них очень сильно отличаются, потому что в постановках прошлых лет все очень слажено работают и другая художественно-постановочная часть, ответственность, да и артисты.

ЭВ: Николай Максимович, что вы порекомендуете прочитать новичку-любителю, чтобы начать понимать, что такое балет?

Николай М. Цискаридзе:
Вы знаете, написано очень много замечательных книг вообще о театре. Но это очень индивидуально, здесь нельзя сказать, что надо для начала читать что-то конкретное…

Есть такой историк Вера Михайловна Красовская, она одна из самых главных историков балета в мире. Конечно, ее труды написаны очень точно с точки зрения профессии и очень доступным языком. Я думаю, что это было бы интересно широкому кругу любителей балета.

Но для тех, кто интересуется, есть много замечательных авторов, которые писали о балете. Уже дальше можно углубляться все больше и больше. Но у Веры Михайловны есть много трудов, которые знакомят широкого читателя и с историей, и с нюансами нашей профессии.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20265
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Фев 06, 2019 8:32 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019020603
Тема| Балет, ГКД, "Самурай Нобунаги", Персоналии, Ранко Фудзима, Фарух Рузиматов, Морихиро Ивата
Автор| Анна Галайда
Заголовок| Судьба самурая
В Государственном Кремлевском дворце показали российско-японский спектакль

Где опубликовано| © Российская газета - Федеральный выпуск № 26(7784)
Дата публикации| 2019-02-06
Ссылка| https://rg.ru/2019/02/06/v-kremlevskom-dvorce-pokazali-rossijsko-iaponskij-spektakl.html
Аннотация|

В Государственном Кремлевском дворце показали балет, за четыре года объездивший Японию и теперь совершивший турне по России. В его создании и исполнении объединились творческие силы Японии и России.


Решив воплотить на сцене один из значимых моментов японской истории, танцовщик и хореограф Ранко Фудзима взял в союзники Фаруха Рузиматова, который остается идолом японской публики. Фото: Фото предоставлено пресс-службой организатора

Представить московскую премьеру "Самурая Нобунаги" пришел Чрезвычайный и Полномочный Посол Японии в России Тоехиса Кодзуки. Несмотря на то что спектакль показывали не на основной, а на Малой сцене Кремлевского дворца, здесь господин Кодзуки мог чувствовать себя триумфатором - он объявил: несмотря на то что Год Японии в России только добрался до середины, он уже насчитывает более пятисот событий.

Это сообщение встретили одобрительными аплодисментами.

Японский балет до сих пор гордится тем, что первым импульсом к его развитию стали приезды в страну русских артистов, первыми учителями - воспитанники русского императорского балета, а создателями ведущей труппы и ее школы - педагоги советского Большого театра.

Поэтому даже сейчас, когда японский балет испытывает в не меньшей мере влияние европейской хореографии, мало что может сравниться с почтением к России.

Решив воплотить на сцене один из значимых моментов японской истории, танцовщик и хореограф Ранко Фудзима взял в союзники Фаруха Рузиматова, который остается идолом японской публики, способным собирать тысячные залы.

Сам Фудзима - это знаковая фигура в современном японском искусстве. Он - продолжатель многовековой династии исполнителей традиционного танца нихон-буе.

И спектакль он решил выстроить на контрасте собственного старинного искусства и современного классического балета. В помощники Фудзима позвал Морихиро Ивату - еще одну японскую легенду, первого иностранного солиста Большого театра.

Имя самурая Нобунаги известно каждому японцу. Годы его жизни и деятельности почти полностью совпадают со временем, когда Русью правил царь Иван Грозный.

В историю Нобунага вошел такой же неоднозначной личностью - объединителем раздробленной Японии, добившимся результата огнем и мечом. Его деяния в балете воплощены в пяти картинах, от мирного сватовства до ритуального харакири после того, как его предал лучший друг и военачальник части его войск.

Оформление спектакля, соединяющее приемы традиционного японского театра и современные технологии, отдает предпочтение видеопроекциям и мастерски выстроенной световой партитуре (видеорежиссер - Хаято Татэиси, художник по свету - Хисаси Адати, сценограф - Рэнта Коти).

Атмосферу создает музыка Томоэ Умэя и Тосию Накагавы, выдержанная в традициях хогаку. Ранко Фудзима, исполняющий роли свекра Досана и коварного друга Мицухиды, продемонстрировал, как близок и далек от отечественного восприятия японский традиционный танец - основанный на скользящем движении ног, внезапно роднящем его с нашей "Березкой" и отдающем всю выразительность верху танцовщика - постановке головы, рук, корпуса, виртуозной игре с веером.

Приемы классического балета, использованные Морихиро Иватой, с одной стороны, оказались более эффектными - когда танцует сам 48-летний Ивата, находящийся в прекрасной форме и эффектно демонстрирующий пируэты и большие прыжки в партии слуги Хидэеси, с другой, балет не позволяет даже выдающимся артистам задержаться на сцене.

Весь спектакль 55-летний Рузиматов заставлял напрягать память и сердце, чтобы почувствовать тот огонь, ликующую свободу и феерию пиротехники, мастером которых он был. Но это удалось лишь на мгновение - в финальной точке, когда он, в белоснежном костюме, с обнаженным торсом, наконец застыл в центре сцены.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Мар 10, 2019 11:08 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20265
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Фев 07, 2019 12:06 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019020701
Тема| Балет, МАМТ, Персоналии, Анастасия Лименько
Автор| Беседовала Мария Разгулина
Заголовок| Балерина Анастасия Лименько: Мне нравится работать на пределе возможностей
Где опубликовано| © Интернет-журнал «Татьянин день»
Дата публикации| 2019-02-07
Ссылка| http://www.taday.ru/text/2244589.html
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

В этом сезоне Московский академический Музыкальный театр имени К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко отмечает столетие. Мы встретились с ведущей солисткой балетной труппы Анастасией Лименько, чтобы поговорить, живо ли наследие основателей театра на Большой Дмитровке, как работается артистам балета под руководством француза Лорана Илера и почему балерины почти всегда принадлежат не своему веку.



Анастасия Лименько — ведущая солистка балетной труппы Музыкального театра им имени К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко. Родилась в Минске. В 2012 году закончила Московскую государственную академию хореографии (класс Е. А. Бобровой). На выпускном курсе исполнила главную партию в балете «Тщетная предосторожность» в хореографии Ю. Н. Григоровича. С 2012 года в труппе театра Станиславского. В её репертуаре — ведущие партии в балетах «Сильфида», «Щелкунчик», «Майерлинг», «Снегурочка», «Татьяна», «Призрачный бал» и других. Обладатель III премии на Международном конкурсе артистов балета и хореографов в Москве (2013).

— Анастасия, вы танцуете в Московском Музыкальном театре имени К. С. Станиславского и В. И. Немировича-Данченко. Есть спектакли, в которых важно именно актёрское мастерство?

— Да, у нас есть такие спектакли, но, увы, их стало гораздо меньше. Сейчас восстанавливают балет «Эсмеральда» — это хореография Владимира Бурмейстера, наследие нашего театра. Он не схож ни с одной редакцией, очень драматически наполнен, очень интересен для главных персонажей. Балет «Снегурочка» Бурмейстера основан на пьесе Островского и поставлен на музыку Чайковского, он тоже больше про актёрскую игру, чем про танец. Игорь Анатольевич Зеленский, когда был художественным руководителем, привнёс в наш репертуар такие балеты, как «Майерлинг» и «Манон». «Манон» идёт у нас до сих пор, «Майерлинг» — уже нет: увы, закончился контракт. Это хореография Кеннета Макмиллана, английская классика. В «Майерлинге» история основана на распаде Австро-Венгерской империи. Это безумно интересно — танцевать исторических личностей на сцене. «Манон» — спектакль по книге аббата Прево «Манон Леско», и это тоже полноценная история с очень красочными характерами. Я считаю, что этим наш театр всегда славился: наши артисты сильны не только в танце, но обладают незаурядными артистическими талантами. Сейчас театр идёт в другом направлении, поэтому не могу сказать, что эти «изюминки» остались.



— А в балете «Чайка» Джона Ноймайера по пьесе Чехова вы заняты?

— Да, моя партия — этуали, там несколько дуэтов, достаточно яркие, с поддержками, но без характера. Ноймайер — драматург, безусловно. Я счастлива, что танцевала в его балетах. Я танцевала Ольгу в его балете «Татьяна» по «Евгению Онегину». Ноймайер — уникальный хореограф нашего времени, и замечательно, что он возвращается в театр Станиславского. Но я люблю больше «Русалочку», которая шла раньше у нас, потому что там удивительно переплетаются, сливаются хореография, драматургия и музыка. Если бы я была художественным руководителем, я бы вернула «Русалочку» (смеётся).

— Ещё один знаковый для театра Станиславского хореограф — Дмитрий Брянцев. Балеты Брянцева продолжают идти?

— Да, Брянцев — это легендарное для нашего театра имя, потому что он долгое время был художественным руководителем. Огромное количество постановок появилось при нём. Старшее поколение очень скучает по времени, когда художественный руководитель был одновременно и балетмейстером. Сейчас это фактически невозможно, другие времена, темп и ритм жизни. У нас идёт «Призрачный бал» Брянцева — это пять дуэтов о разных стадиях отношений между мужчиной и женщиной. Балет поставлен на прекрасную музыку Шопена. Я думаю, что такие яркие спектакли должны сохраняться как визитная карточка театра.



— Есть ли у вас любимая роль или все любимы одинаковы?

— Не могу выделить одну партию. Мне всегда хотелось себя показать многогранной танцовщицей, не одного амплуа. К примеру, в моём репертуаре «Дон Кихот» и «Сильфида», это абсолютно две разные героини, с разной энергетикой. Есть много партий, которые ещё хочется станцевать. В каждую роль ты вкладываешь частичку себя, это твоё детище.

— А как вы готовили «Сильфиду» в хореографии Пьера Лакотта? Это ведь попытка восстановить легендарную «Сильфиду», поставленную в 1832 году для Марии Тальони её отцом?

— Для меня это был вызов, потому что я готовила за короткий срок. Одна из наших балерин «сломалась», не было больше составов, и я подготовила партию меньше, чем за две недели. Сделав это, я поняла, что всё возможно. Для меня это огромное счастье — танцевать хореографию Лакотта. Можно бесконечно находить новые нюансы, новые грани. В балетах Лакотта ты фактически не выходишь со сцены. Это огромная нагрузка, особенно во втором акте. Он длится минут 40, за кулисы забегаешь буквально на минуту. Это открывает в тебе новые ресурсы. Мне нравится работать на пределе своих возможностей. И мне нравятся сказочные персонажи, это романтическое сопоставление реального мира и мира иллюзий, мира мечты. Это актуально всегда.



— Скажите, как происходит вживание современной девушки в старинный балет? «Сильфида» ставилась почти 200 лет назад...

— Я иногда говорю своим друзьям и близким, что я как будто живу не в своём веке. Конечно, я пользуюсь социальными сетями, но я безумно люблю исторические фильмы, я рисую, учусь кататься на лошади. Мне хотелось бы вспомнить фортепьяно, потому что мы проходили курс фортепьяно на младших курсах в училище. Поэтому создать образ с гравюр со скруглёнными позициями, определёнными поворотами головы мне было не так сложно. Я специально не ломала себя для этого. В ходе работы я понимала, как это должно выглядеть.

— Вы упомянули о соцсетях. А вот перед спектаклем надо от всего отключиться? Есть ли какой-то ритуал в ходе подготовки к представлению? Я недавно читала в интервью Николая Цискаридзе о том, что, когда он только пришёл в Большой театр, Галина Сергеевна Уланова советовала накануне спектакля вообще от всего отрешиться. Получается ли от всего отключиться перед спектаклем?

— Всё по-разному, у нас меняется репертуар, поэтому репетиционный процесс тоже другой. Часто бывает, что генеральная репетиция накануне спектакля. Но несколько лет назад я ещё застала момент, когда накануне — перед «Щелкунчиком», например, или «Дон Кихотом» — я не репетировала. Даже педагоги говорили, что нужно чуть-чуть выдохнуть, чтобы на следующий день со свежими силами, свежими эмоциями танцевать спектакль. Сейчас всё поменялось. Время лимитировано, стараются успеть всё, поэтому часто репетируем накануне или в день спектакля.



По поводу ритуалов я пришла к выводу, что они мне не нужны. Всё идёт от головы. Мне помог опыт гастролей, гала-концертов, конкурсов. Там часто непредсказуемые ситуации с расписанием. Ты должен уметь собраться в любых обстоятельствах. Я люблю перед спектаклем послушать свою музыку, посмеяться. Люблю полежать перед выходом на сцену. Разогреться, а потом полежать (улыбается).

— Сейчас балетом в театре Станиславского руководит Лоран Илер — звезда Парижской Оперы, который был там же педагогом-репетитором. Французский подход отличается от русского?

— Отличается однозначно. И труппа ещё привыкает, и Лоран привыкает. Иногда русский менталитет требует прямоты, а европейский предполагает, что углы сглаживаются. После спектакля нам говорят, что всё хорошо, а иногда хочется услышать чуть-чуть больше.

— А предшественник Илера Игорь Зеленский ругался?

— Да, конечно! После первых спектаклей при Лоране мы очень удивлялись, когда нам говорили, что всё хорошо. Мы спрашивали: «Что, правда?! Мы можем идти?!» Игорь Анатольевич сразу устраивал разбор полётов и не щадил ничьи чувства. Я рада, что у меня есть и такой, и такой опыт в копилке. Так ты можешь непредвзято судить о спектаклях: отталкиваешься не только от мнения руководителя, но и от своих ощущений, от мнений педагогов. Сейчас, как мне кажется, политика Лорана направлена на то, чтобы сделать театр Станиславского более европейским. Это можно видеть по нашему репертуару. Имена хореографов перекликаются с Гранд Опера, с другими театрами. Это здорово — не во всех российских театрах можно поработать с хореографами, но наследие Станиславского — Бурмейстер, Брянцев — немного уходит в сторону. Понятно, что в современном мире нужно идти в ногу со временем, но очень важно соблюсти баланс: в России очень ценят свои корни и свои традиции.

Конечно, я в восторге от Лорана как от педагога. Когда он приходит на репетиции, процесс идёт так продуктивно! Кто-то из артистов не знает французского или английского, но языком жестов, движений он очень точно объясняет, показывает, что нужно. Сразу понимаешь, что сделать, чтобы получилось движение или тот или иной нюанс в спектакле.



— Лорана Илера мы ещё знаем как ученика Рудольфа Нуреева. Он иногда рассказывает какие-то истории о Нурееве? Цитирует?

— Нет, пока такого не было. Пока мы все в настоящем, в репетиционном процессе.

— В театре Станиславского небольшая балетная труппа. Сколько спектаклей в месяц танцуете?

— Это больной вопрос. У нас теперь мало спектаклей. А труппа не такая уж и маленькая: нас примерно 100, 110 человек. Понятно, что все задействованы в разной степени, но труппа немаленькая. Если сравнивать с какими-то европейскими труппами, то они часто обходятся и меньшим количеством людей.

— У нас есть примеры Большого и Мариинского театров. Можно ли сравнить плюсы и минусы большой и маленькой труппы?

— Количество спектаклей в Большом и в Мариинке гораздо больше, потому что они обслуживают не одну сцену. В Большом театре две сцены, поэтому у них параллельно может идти несколько спектаклей, труппа 200 человек и больше. Но у них скорее конвейер — нет времени репетировать долго, спектакли поставлены на поток. Спектакли идут блоками: 7 «Жизелей», потом блок «Баядерок» или современные балеты. У нас другая система. Допустим, идут две «Золушки», потом через неделю две «Жизели», ещё через две — премьера современных балетов. Мне видится, что удобнее танцевать в блоках, потому что есть возможность наработать спектакль. Первый раз ты пощупал сцену, потом можешь сделать шаг дальше, и, чем больше раз ты выходишь на сцену, тем комфортнее ты на ней себя чувствуешь. Другое дело, что это сложнее для кордебалета, потому что часто они не меняются и танцуют одним составом.



— Вы тоже танцевали в кордебалете. Как отличается этот опыт от сольных выступлений?

— Это очень важно и интересно, я рада, что прошла этот путь. У меня сложилось так, что я одновременно выходила и в кордебалете, и в сольных партиях первые полтора-два года работы. Когда выходишь в кордебалете, то лучше понимаешь театральную систему изнутри, по-другому относишься к своим коллегам и лучше знаешь спектакли. Это своего рода дисциплина. Ты зависишь не только от себя, но и от своих коллег. Ты стоишь в линии и должен быть предельно чётким и музыкальным, и всё должно быть предельно чисто, потому что кордебалет — это картинка. А в соло уже можешь показать свою индивидуальность.

— Есть ревность по отношению к солистам у кордебалета?

— У всех по-разному, это зависит от твоих амбиций. Когда ты прошёл кордебалет, ты больше ценишь своё положение в театре. Должна быть здоровая конкуренция, но зависть — это плохое чувство.

— Вы сказали, что у вас нет кумиров, а есть люди, которые вас вдохновляют. Когда в труппе появляются звёзды, например, когда в театре работал Сергей Полунин или приезжает Наталья Осипова, как это влияет на артистов?

— Это мотивирует, когда ты видишь людей с именем, но видишь, какой труд за этим стоит. Для меня это стимул. Ты выходишь на одну сцену с людьми, на которых ты в детстве смотрел как на учителей.

— Вы участвуете в спектаклях, танцуете на гала-концертах, участвовали в Московском конкурсе артистов балета. Какой формат для вас комфортнее?

— В конкурсах я участвовала с ранних лет, и у меня есть определённая закалка. Но я, конечно, больше люблю формат полного спектакля, потому что ты там больше можешь раскрыться. А на гала-концертах показываешь свою технику и энергетику. Ты должен за короткий концерт запомниться и показать максимум. В спектакле ты представляешь не себя, а своего персонажа, играет роль то, насколько ты можешь перевоплотиться. В принципе мне интересно и то, и это, потому что на гала-концертах встречаешь интересных людей и можешь попробовать новый репертуар, которого нет в театре.



— Давайте поговорим о хобби. Вы упоминали, что увлекаетесь верховой ездой. А балеринам можно ездить верхом? Я знаю, что кто-то, например, не катается на коньках, пока продолжает карьеру артиста балета. Есть ли какие-то ограничения?

— Нам никто ничего не запрещает, всё на свой страх и риск. Кто-то из артистов ездит зимой кататься на сноуборде, кто-то катается на коньках, кто-то — на квадроциклах и так далее. Я не могу сказать, что занимаюсь верховой ездой регулярно. Если у меня есть свободное время, возможность и желание, то езжу, но сейчас редко удаётся это делать — раз или два за полгода. Да, это травмоопасно и не очень хорошо для коленей. Конечно, я в первую очередь думаю о профессии. Но иногда хочется следовать своим желаниям и делать себе приятное (улыбается).

— Я удивилась, когда смотрела видео, где ваш день снят почти полностью, и вы после балетного класса утром идёте в тренажёрный зал и делаете дополнительные упражнения. Мне казалось, что для балерины класса, репетиций, спектакля должно хватать.

— Даже когда я очень загружена на работе, часто балетной нагрузки недостаточно для того, чтобы твоё тело функционировало так, как нужно, потому что в балете задействована одна группа мышц, и из-за этого часто идёт перекос и зажатость. Поэтому важно при больших нагрузках использовать весь мышечный аппарат и знать, как с ним работать. Я хожу на пилатес, иногда делаю кардиотренировки. При этом важно и отдыхать, и уметь находить золотую середину.

— Здоровый образ жизни — для вас важная тема?

— Да. Конечно, я не могу сказать, что я начала об этом задумываться со школьных лет. Но тело — это наш инструмент, и если ты чувствуешь, что у тебя всё в порядке с телом, всё в порядке будет и на работе. Когда ощущаешь какой-то дискомфорт, очень сложно сохранять положительный настрой. Стараюсь найти систему, такой здоровый образ жизни, который был бы привычкой. Чтобы это укоренилось как система и не приходилось задумываться об этом. Я хочу контролировать себя, чтобы у меня не было каких-то привязанностей. Социальные сети, питание... Не хочу, чтобы мной могло что-то руководить.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11711

СообщениеДобавлено: Чт Фев 07, 2019 1:33 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019020702
Тема| Балет, Театр Бориса Эйфмана, Персоналии, Борис Эйфман
Автор| Беседовала Елена Кузнецова
Заголовок| Борис Эйфман: «10 гектаров земли на месте бывшей «Набережной Европы» стали бельмом на глазу города»
Где опубликовано| © «Фонтанка. ру»
Дата публикации| 2019-02-05
Ссылка| https://calendar.fontanka.ru/articles/7715/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Как Борис Эйфман решил замахнуться на комедийный балет и «Лебединое озеро», почему отказался от выдвижения на звание почётного гражданина Петербурга, и что происходит на стройке судебного квартала на Петроградской стороне, где должен появиться Дворец танца, — об этом «Фонтанка» побеседовала с хореографом.
6 февраля на сцене Александринского театра Санкт-Петербургский государственный академический театр балета Бориса Эйфмана представит премьеру спектакля «Эффект Пигмалиона». Это первая за долгое время комедийная постановка хореографа.
Архетипический сюжет, получивший второе рождение в пьесе Бернарда Шоу, Борис Эйфман перенёс в мир бальных танцев. Выдающийся танцовщик решает «изваять» из нескладной жительницы городской окраины мастеровитую артистку. Главные партии в двухчасовом спектакле на музыку Иоганна Штрауса-сына исполняют ведущие солисты труппы Эйфмана Олег Габышев и Любовь Андреева, а также молодая солистка Алина Петровская. Чтобы освоить сальсу, джайв и ча-ча-ча, им пришлось привыкать к специальной обуви на каблуках и часами смотреть видео европейских и мировых танцевальных чемпионатов.

Борис Яковлевич, во-первых, почему всё-таки комедия? Ведь в последние пять, а то и десять лет Театр Эйфмана был сосредоточен на трагедии и драме.

— Всему своё время. У нас был период, когда мы увлеченно создавали новое направление в хореографическом искусстве — психологический театр балета. Волновавшие меня темы требовали трагического накала страстей. Но в мире сегодня так много негативных событий! Балетный театр как театр открытых, естественных эмоций должен дать зрителям ту позитивную энергию, которая им необходима.
Идея «Эффекта Пигмалиона» возникла не спонтанно. Она долго зрела. Я искал тему, сюжет, музыку. А потом, когда всё сошлось, — получилась яркая постановка. Мы открыли неизведанные пластические грани комедийного балета. И одновременно показали новые возможности нашей труппы.

— О каких именно возможностях вы говорите?

— Я не стал бы раскрывать все карты. В спектакле представлен широкий спектр инноваций, интересных находок. «Эффект Пигмалиона» зиждется на сильной современной хореографии, которая включает и неоклассику, и модерн, и даже клоунаду. Мы изучили новую для себя технику бального танца. Хотя он дан, конечно, не в чистом виде — это было бы немыслимо — а в контексте балетного искусства.
В «Эффекте Пигмалиона» немало актёрских открытий. Олег Габышев, известный по драматическим партиям Чайковского, царевича Павла, проявляет себя как комедийный исполнитель. В этом же качестве предстает перед зрителем и Любовь Андреева, танцевавшая Камиллу Клодель в «Родене», жену композитора в «Чайковском» и другие трагические роли. Публике будет интересно познакомиться с нашей новой звездой — Алиной Петровской, появляющейся в образе Теи, — отвергнутой партнёрши главного героя. Эта роль по-настоящему раскрывает ее артистическую индивидуальность.
Новый спектакль – неожиданный и для меня самого. Я не знал, что во мне, оказывается, ещё живут столь позитивные эмоции. Когда ты ставишь такой балет, его нужно насытить своими чувствами. Придумывать что-либо бессмысленно — все нужно пережить самому. Я рад осознавать, что ещё довольно молод творчески и могу создавать спектакли, подобные «Эффекту Пигмалиона».

— Где вы сами черпали позитивные эмоции? Говорят, источником вдохновения стали фильмы Чарли Чаплина?

— Я бы не сказал, что Чаплин вдохновил меня на новый спектакль. Другое дело, что, когда я приступил к работе, то пересматривал его старые фильмы, как и ленты других комедиантов начала XX века. Чаплин даёт ощущение гениальной легкости. Смотришь — и кажется: всё так просто! Чисто, непринужденно, игриво, как брызги шампанского. Но нет: его шедевры — результат колоссального труда.

Я благодарен судьбе за то, что решился поставить балет на произведения Штрауса. С одной стороны, сложно назвать более популярную музыку. Однако, когда погружаешься в это звучание, то понимаешь: Штраус не только потрясающий композитор, но и драматург. Бывает, музыка проходит мимо слушателя. Но Штраус — тот случай, когда она проникает в тебя и ты становишься частью ее ритма. Слушаешь ли ты польку или вальс, невозможно усидеть на месте. Ты сам начинаешь танцевать.

— То есть где-то в антракте зрители должны пуститься в пляс?

— Полагаю, даже не в антракте, а прямо во время спектакля. Я не удивлюсь, если в какой-то момент одна из пар в зрительном зале пустится в пляс.

«Ни один театр мира не имеет такого репертуара, который планируем иметь мы»

— Верно ли я понимаю, что «Эффект Пигмалиона» — не единственная комедия, которую вы собираетесь поставить в ближайшем будущем?

— Летом мы открываем Детский театр танца — новую общегородскую публичную площадку с потрясающей современной сценой, залом на 500 мест. Торжественный концерт назначен на 1 июня, и к этому событию я поставлю одноактный балет, который объединит классику, модерн, хип-хоп и акробатику. А к концу года хочу выпустить в Детском театре спектакль «Пиноккио» на музыку Оффенбаха. Он тоже будет комедийным. Надеюсь, впоследствии мы станем еще чаще обращаться к данному жанру — Детский театр потребует оптимистичных и светлых красок.
Что касается нашей труппы, то в 2020 году начнется возрождение балета «Дон Жуан, или Страсти по Мольеру». В спектакле будет много буффонады, хотя назвать его комедией нельзя. Это балет о тяжком житии великого художника, которой на сцене комиковал, а за ее пределами страдал.

— Кажется, здесь есть перекличка с вашей жизнью.

— Я беру только те темы и героев, с которыми мне хотелось бы провести год жизни. Ровно столько (и даже больше) уходит на создание спектакля. Мольер, живший в театре, страдавший, зависимый от него, мне очень близок. Уже сегодня понятно, что мы не просто восстановим балет, а подготовим полноценную новую версию со своей оригинальной драматургией и хореографией.

— Похоже, возвращение «Мольера» — один из шагов к тому, чтобы сформировать репертуар для будущего Дворца танца Бориса Эйфмана?

— Сейчас мы гастролирующий театр и не самостоятельны в выборе репертуара. Труппа зависит от импресарио, которые приглашают нас с определёнными балетами, например, в Нью-Йорк или Париж. Какие-то спектакли сходят со сцены — не потому, что они плохие или устарели. От нас постоянно требуют новых работ. Мы не можем позволить себе, как некоторые театры, всю жизнь гастролировать с «Лебединым озером».
Дворец танца станет нашим домом, и я, действительно, уже сейчас думаю о репертуаре. Он должен включать, как минимум, 14 полноформатных балетных спектаклей. Ни один театр мира не имеет такого разнообразного репертуара, который мы планируем иметь и постоянно показывать.

Дворец танца – не площадка для одного лишь Эйфмана. Там будут представлены самые разные виды хореографического искусства, от фольклора до модерна. Кроме того, на новой сцене смогут гастролировать лучшие мировые балетные компании. Дворец будет открытым театром с классической и современной труппами, а также творческой лабораторией.

— Можете рассказать о лаборатории подробнее?

— Во Дворце будет две сцены — большая (для моих артистов и гастрольных спектаклей) и малая. Малая сцена — black box, трансформирующаяся платформа для экспериментов. Из выпускников нашей Академии танца мы создадим труппу, и молодые хореографы смогут ставить с этими артистами спектакли, проводить для них мастер-классы. Это будет некоммерческая лаборатория, которая даст возможность начинающим деятелям балета проявить себя.

— Кто будет лидером этой команды? Есть у вас на примете молодые хореографы?

— Молодой хореограф — ещё не лидер. Умение сочинять на музыку движения, не означает, что он готов руководить целым направлением. Чтобы возглавить труппу, нужно быть хорошим менеджером. Я ищу человека с организаторским умом, но такой кандидатуры пока нет. И это, не буду скрывать, меня расстраивает — ведь лидер нужен и для Детского театра, и для Академии: я не могу всем заниматься один.

Не хочу показаться категоричным. Опроси десять балетных людей среднего возраста — они ответят: «Почему не я? Я готов!». Но сказать и сделать — разные вещи. Николай Цискаридзе активно проявлял себя как лидер в Большом театре – и теперь успешно руководит Академией имени Вагановой. Он профессионал высочайшего класса, образованный, интеллектуальный человек. Второго такого я не вижу. Может быть, это моя вина.

— Чтобы воплотить все ваши планы, явно придётся увеличить труппу.

— Труппа в пятьдесят человек, конечно, не сможет справиться со всеми задачами. Тем более что во Дворце танца мы планируем ставить классику. «Лебединое озеро», «Щелкунчик», «Баядерка», «Корсар» пользуются большой популярностью в мире. Причем они важны для привлечения не только публики, но и танцовщиков. Артисты должны понимать, что, придя к нам, получат шанс реализоваться в самых разных направлениях.

— Кто будет ставить «Лебединое озеро»?

— Мне самому интересно заняться постановкой. Конечно, это не будет копия классического «Лебединого озера». Я хочу показать свое видение легендарного балета, открыть его ещё нереализованные возможности, отталкиваясь от фантастической истории спектакля.

Сейчас стало модным находить в библиотеках якобы старые записи и реанимировать по ним хореографию Петипа. Я скептически отношусь к подобной практике — получается псевдоклассика. Другие хореографы вносят непринципиальные изменения в каноническую партитуру и присваивают очередной версии свое имя. Хотя, по-моему, здесь уместнее говорить не о версиях, а о подделках. Вообще проблема современных российских театров в том, что они часто выдают за достижения либо сомнительные классические постановки, либо переносы старых западных спектаклей. Успехом же должно считаться создание нового репертуара.

Известны экспериментальные зарубежные трактовки «Лебединого озера» – версии Матса Эка, Мэтью Борна. Последняя для меня — пример талантливой авторской интерпретации темы. Борн отошёл от первоисточника, но сочинил очень хороший, добротно скроенный спектакль. Хотя думаю, что я сам сделал бы нечто менее радикальное. Я вижу свое «Лебединое озеро» как неоклассическую постановку, не перенасыщенную авангардными элементами, но в то же время являющуюся подлинным спектаклем XXI века.

«Москва не терпит таких долгостроев»

— Мы сейчас так говорим, будто Дворец танца откроется завтра. Но сроки строительства на проспекте Добролюбова уже не раз переносились. Когда Дворец обещают сдать?

— Пока называют 2021 год. Я фаталист и считаю: если мне суждено иметь свою сцену, значит, никто этому не помешает. Если нет – никто не поможет. Я уверен: здание построят. Другое дело, что я хочу войти в новые стены, находясь в хорошей творческой форме, и создать ту структуру, которая успешно работала бы и со мной, и без меня. Для этого нужно иметь силы.

Сейчас десять гектаров земли в центре Петербурга стали бельмом на глазу города. Видя из года в год забор, которым окружена стройка, мы все испытываем стыд. Позиция президента и правительства четкая: проблема будет решаться. Я знаю людей, занимающихся строительством судебного квартала. Они также намерены довести все до конца. Я сам жду этот театр более двадцати лет. Для меня нынешний проект Дворца танца – уже четвертый. Я раз за разом переживал весь путь от первых собеседований с архитектором до продумывания схемы каждого коридора, каждой комнаты.

— Когда вы в последний раз получали обратную связь со стороны управделами президента, строителей?

— Я в постоянном контакте с архитектором. Последний раз связывался с ним в первой половине декабря. Знаю, что деньги на строительство отпускаются постоянно. Уже забили сваи, идёт период экспертизы. Весной будут возводить цокольный этаж. Когда начинается строительство, сваи становятся краеугольным камнем. Сваи забили, экспертиза пройдена — и можно сказать: «Театру быть».

Около Дворца танца расположится прекрасный парк, который я хочу сделать парком балетной славы. Люди смогут отдыхать в нем всей семьёй. Там будет аллея Кшесинской, фонтан Анны Павловой, памятники другим выдающимся танцовщикам.

— Вы можете повлиять на архитектурное решение парка?

— Я ни на что повлиять не могу, но готов высказывать архитектору пожелания.

— Вы чувствуете со стороны городской власти какую-то активность по поводу строительства, желание разрешить ситуацию, хотя это и не объект Смольного?

— Если бы вы задали свой вопрос представителям администрации Петербурга, он был бы по адресу. Пришёл новый губернатор, человек с серьёзными намерениями. Он о проблеме знает, тем более что работал полпредом президента в СЗФО. Надеюсь, его позицией не будет: «Это не моё дело, а федералов». Судебный квартал – вопрос не Москвы, а Петербурга. Москва «Зарядье» открыла. В ней каждый год возводят новые театры и реанимируют старые. Москва развивается и не терпит таких долгостроев.

«Если бы мне дали право, я бы голосовал за патриарха и Матвиенко»

— В 2017 году вы сняли свою кандидатуру с голосования на пост почётного гражданина Петербурга. Почему?

— Меня выдвинули, и я не возражал, легко к этому отнёсся. Но когда узнал, что параллельно со мной выдвигаются Валентина Ивановна Матвиенко и патриарх Кирилл, то подумал: соревноваться с ними — неправильно. Если бы мне дали право, я бы голосовал за патриарха и Матвиенко. Другие кандидаты решили иначе, и таков их выбор. Я никого не осуждаю. Сейчас даже и не вспомнил бы об этой истории, если бы вы не спросили.

— Меня бы в этой ситуации, скорее, смутила необходимость соревноваться с Александром Сокуровым или Эдитой Пьехой.

— Конкуренция с Сокуровым меня не смущает. Мы оба приехали в Петербург, чтобы заниматься здесь творчеством. Мы почти ровесники. Я и Сокуров – художники совершенно разные, но по своему статусу и значимости для представления петербургской культуры в мире мы, пожалуй, практически равны. Если бы звание дали Cокурову, я бы первым его поздравил.

— А как же Эдита Станиславовна?

— Почётное звание ни на что особенно не влияет, я не стал бы так на нем фокусироваться. Вообще было бы правильно, если бы его давали без номинирования. Чтобы столько лет не муссировали имя Пьехи, а однажды утром объявили: «Эдита Пьеха — почётный гражданин Петербурга».

Если бы эту премию присуждали вы, кого бы вы выбрали?

— Я, в основном, общаюсь с людьми – мною глубоко уважаемыми – которые связаны культурой. Знаю ещё несколько человек из других сфер — они руководят образовательными и медицинскими учреждениями. Но я не в курсе, кто сейчас строит корабли и управляет метро. Если говорить о культуре, то дал бы звание Гергиеву, Додину, Темирканову, Пиотровскому, Сокурову. Это те личности, которые сегодня формируют мировой имидж Петербурга. Гергиев, Темирканов и Пиотровский звания уже получили. Остались Додин и Сокуров.

Беседовала Елена Кузнецова, «Фонтанка.ру»
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20265
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Фев 07, 2019 3:31 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019020703
Тема| Балет, МТ, Персоналии, Габриэла Комлева
Автор| Ольга Угарова
Заголовок| Габриэла Комлева – Персона месяца
Где опубликовано| © La Personne
Дата публикации| 2019-02-07
Ссылка| https://www.lapersonne.com/post/gabriela-komleva-mariinsky-theatre
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Персона месяца – Габриэла Комлева… Легенда Мариинского театра, любимица хореографов, зрителей и сцены. Педагог, балетмейстер, глава кафедры хореографии Консерватории им. Н. А. Римского-Корсакова, ведущая передач о балете, обладатель почетной премии «Золотая маска» за выдающийся вклад в театральное искусство – одним словом, богиня. В декабре Габриэла Трофимовна встретилась с нами между репетициями с ученицей Анастасией Лукиной и подготовкой к своему 80-летию. И для нас большая честь представлять это интервью в журнале!

Мариинский театр посвятил Вашему юбилею балет «Спящая красавица». Что этот спектакль значит для вас?

«Спящая красавица» проходит «красной нитью» через всю мою творческую жизнь. Этот балет – вершина академического репертуара – и достойный экзамен на статус балерины. Это высшая ступень в нашей профессии, в служебной иерархии, которая дает право занимать верхнюю строчку по положению в труппе. С партии Авроры я начинала как большая балерина и всю жизнь танцевала ее. Все значимые события: юбилеи, бенефисы, памятные даты – непременно сопровождались этим спектаклем. Можно сказать, Аврора, богиня утренней зари, освещала мой творческий путь.

Очень хорошо помню свое первое выступление. Я так волновалась, что не могла совладать с собой и, будто ошпаренная (смеется), вылетела на сцену раньше времени – чуть не в горячечном состоянии. Пришлось, чтобы совпасть с дирижером, сделать лишние движения. Потом всё наладилось, и с музыкой я обычно дружила. Дирижеры ценили это и всегда отмечали, любили сотрудничать со мной.

Вашим основным педагогом на тот момент была Наталия Дудинская. Ведь она видела ваше волнение?

Несомненно, и отнеслась к происшедшему с большим сочувствием. Она понимала мои ощущения и очень меня поддержала. Сама Наталия Михайловна была невероятно виртуозной, предельно музыкальной, не только технически очень сильной, но и бравурной, захватывающей темпераментом балериной. Ныне я часто наблюдаю, как на сцене добросовестно выполняют движения, лучше или хуже, а мне хочется погрузиться в живой, пышащий энергией или завораживающий мечтательностью танец.

Прежде всего заботишься о безупречной академической форме, оттачиваешь технологию, академичность, чистоту исполнения. И вот когда все это доведено до абсолюта, достигнуты легкость и свобода – начинается самое интересное: бесконечный процесс осмысления спектакля, шедевра, к которому имеешь счастье прикоснуться. Это длится всю жизнь. Спектакль не дано постичь целиком сразу – да это и невозможно, думаю, никогда. Так много там заложено, так много разных возможностей, оттенков и смыслов. И премьера – это примерка, своеобразные «смотрины»: подходит ли один другому. Такое понимание танца как вечной тайны, которая каждый раз нашим телом и душой разгадывается заново, закладывалось в нас еще в училище.

А Вам трудно было в Ленинградском хореографическом училище?

Очень, хотя и необыкновенно интересно (улыбается).

Я испытывала какой-то священный трепет и перед стенами, в которых колдовало столько легендарных мастеров, и перед своими учителями, которые, каждый по-своему, в какой-то мере уже постиг эти великие тайны танца и страстно жаждал к ним нас приобщить.

Тогда нынешняя академия была закрытым элитарным заведением, где Агриппина Яковлевна и ее окружение сохраняли многое от дореволюционных традиций императорского балета, особые нюансы избранничества, а педагоги поддерживали строгую атмосферу и уважение к исключительности профессии. Нас приучали терпеть боль, превозмогать усталость, никогда не жалеть себя. Ведь наша актерская жизнь – вечное преодоление трудностей, часто – невозможностей, и не только физических.

В выпускном классе у меня случилась травма, настолько серьезная, что врачи заговорили о смене профессии. Не хотела с этим смириться и в итоге выпускалась вместе со своим классом. Чего это мне стоило! Была на границе с отчаянием, с полной безысходностью. А выдержала. Мама так воспитывала – в безжалостности к себе. И люди помогли: первоклассный педагог Вера Сергеевна Костровицкая, кстати, двоюродная сестра великого французского поэта Гийома Аполлинера, сказочный травматолог Н.А.Дембо.

Мы не смели никому пожаловаться или сказать «не могу, не в силах, это невозможно выполнить». Вот что помогало доводить наши навыки до совершенства, а ему, как известно, нет предела.

Где заканчивается техника и начинается артистизм?

Там, где достигнута отточенная технология. Для меня пример Галины Улановой всегда был очень показателен. Она танцевала так, будто только сейчас это почувствовала и просто импровизирует, а у нее были сделаны все мельчайшие детали роли: куда пойти, или посмотреть, как наклонить голову и раскрыть руки. Что это? Ремесло? Но ведь это необходимая ступень на пути к творчеству, к подлинной художественности. Да, поначалу каждый из нас ремесленник – в самом положительном значении этого слова: тот, кто оттачивает свое исполнение до идеала. Только после этого можно стать свободным и легко разговаривать на волшебном языке танца.

Когда вы пришли в театр, то начали с кордебалета. Сейчас зачастую будущие звезды не проходят эту ступень.

Тому есть свои причины. Тогда был избыток ведущих балерин, сейчас их явно недостает. Приходится взваливать на новичков иногда непосильную для них ношу. И способный выпускник сразу погружается в ответственный репертуар.

Школа кордебалета почитается сейчас необязательной. Не берусь судить, может быть, это и справедливо. Но то что она чрезвычайно полезна – могу утверждать с уверенностью. Ведь ты таким образом познаешь спектакль изнутри, с разных сторон, постигаешь его природу. Благодаря той школе ни мне, ни моим партнерам по сцене не составляло труда сделать что-то в унисон. Например, когда я репетировала «Легенду о любви» с Ириной Александровной Колпаковой, нам нужна была всего одна встреча, чтобы достичь синхронности исполнения. Не то сейчас: необходимо репетировать такие моменты по несколько раз. С самого начала в театре мне приходилось осваивать другую, специфическую технологию существования на сцене, хотя я параллельно готовила сольные партии. Это было очень трудно физически, и сил просто нехватало. Бывало, в голове наступало полное затмение, и я уже не понимала, что со мной происходит, но все равно терпела, не жаловалась, стремилась все трудности преодолеть.

Вас с детства приучали преодолевать себя?

Конечно! Меня заставляла и мама, и обстоятельства. Мы уехали из Ленинграда весной 1942 года: блокада и дорога до Сибири, где были наши родственники, диктовали условия, как выжить, как себя заставить побороть невозможное. А мама никогда не разрешала жалеть себя: держала меня в строгости и всегда давала много домашних заданий, когда уходила на работу. Все это закалило и приучило открывать в себе новые возможности. Ты никогда не знаешь, на что способен, пока не начнешь справляться с трудностями, стремиться к познанию себя и профессии.

И тогда искусство и зритель отблагодарят тебя за эти усилия.

Конечно! Наша профессия жесткая, и всегда видно, кто на сцене. Я всегда говорила, публику не обманешь. Даже те, кто не знают ничего о балете, чувствуют настоящее, подлинное, идущее изнутри. Уверена, главное для сцены – волшебная энергетика, излучаемая артистом. Она перехлестывает через барьер, через рампу, через оркестровую яму. Захватывает, убеждает зрителей – и они, потрясенные, благодарно возвращают ее артисту. Так возникает контакт с залом.

Что для вас Мариинский театр?

Святое место. Намоленная гениями сцена. Выходишь – и заряжаешься какой-то немыслимой энергией. Уверена – заколдованная сцена. Как тосковал мой одноклассник Рудик Нуреев, вынужденно лишившись ее! Ты выходишь на эти подмостки – и у тебя открывается другое дыхание, немыслимый прилив сил. Однажды, когда я уже работала педагогом-репетитором, меня пригласили принять участие в балете «Золотой век» в возрастной роли немолодой женщины, вспоминающей свое прошлое. Честно говоря, я не очень этого хотела, но меня уговорили согласиться. Великолепно помню момент своего появления из последней кулисы: что-то во мне другое открылось, приподнялось. Меня буквально понесло, и я преобразилась: другие походка, взгляд, жесты. Мои коллеги, молодые артистки балета, были потрясены: я их убедила, и они плакали. А потом доверительно спрашивали: как этого достичь, как это делается? Со мной это чудо творит родная сцена.

Мариинский театр – священный для меня храм. Могу точно сказать: если почитать его таковым, если относиться к своей профессии с каких-то высоких позиций, то тебе неизменно воздастся.

Верю в это!

Благодарим Мариинский театр за помощь в создании материала.

Фото Алиса Тикстон

===========================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20265
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Фев 07, 2019 6:25 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019020704
Тема| Балет, ММДМ, «Легкое дыхание» (The Light Breath), Персоналии, Наталья Осипова, Джейсон Киттельбергер, Робби Мур
Автор| Павел Ященков
Заголовок| Всемирно известная классическая танцовщица Осипова показала в Москве новую программу
Легкое дыхание балерины

Где опубликовано| © Московский Комсомолец
Дата публикации| 2019-02-07
Ссылка| https://www.mk.ru/culture/2019/02/07/vsemirno-izvestnaya-klassicheskaya-tancovshhica-osipova-pokazala-v-moskve-novuyu-programmu.html
Аннотация|

В Московском международном доме музыки (ММДМ) прошли выступления одной из самых успешных и востребованных на сегодня в мире балерин — Натальи Осиповой. В прошлом прима Большого театра, сейчас — звезда английского Королевского балета, она представила московскую премьеру своей программы, составленной исключительно из балетов современных хореографов, «Легкое дыхание» (The Light Breath).


Фото: Александра Муравьева

Вообще-то мировую известность Осипова получила именно как исполнительница классических балетных партий, но она также является одной из немногих «классичек», которые обожают contemporary dance и работают с лучшими хореографами этого направления — такими, как Артур Пита, Роя Ассафа, Сиди Ларби Шеркауи и другие.

Самый большой успех у нашей публики имел балет Facada, который показали во втором отделении вечера. В отличие от других представленных на вечере, вполне абстрактных номеров «Факада» — это сюжетный балет, и основан он на португальском фольклоре. Осипова уже показывала его в Москве, в партнерстве с Иваном Васильевым, в программе Центра искусств «Ардани артистс» и Сергея Даниляна «Соло для двоих». Теперь она выступает в «Факаде» с новым партнером — Джейсоном Киттельбергером.

Киттельбергер — бывший танцовщик из труппы Сиди Ларби Шеркауи — сейчас находится в «свободном плавании» и является партнером Осиповой не только по сцене, но, говорят, еще и в жизни. Так что его участие в «Факаде» придало балету еще большую энергию, за счет замены спектакль несколько видоизменился и по сравнению с версиями, виденными в Москве ранее, сейчас выглядит еще более занимательно.

Этот балет — о невесте, которая убивает (душит собственными руками) своего сбежавшего со свадьбы жениха и потом исполняет над трупом, покоящимся в импровизированной могиле, торжествующий ритуальный танец. Своеобразная «Жизель», только шиворот-навыворот.

Показался в Москве Киттельбергер еще и как хореограф, станцевав в дуэте с Осиповой свою хореографию под названием «I’m Fine» («Я в порядке») на музыку Нильса Фрома и Анне Мюллер. Этот балет, как и другие два («Импульс» еще одного партнера Осиповой на концерте — Робби Мура — и «Не покидай меня» Мюриэль Танкар), — мировые премьеры.

«Это хореографическая композиция посвящена вечной теме — любви между мужчиной и женщиной. В какой-то мере эта тема объединяет всю программу, которую я назвала «Легкое дыхание». Любовь — это всегда новый вдох, глоток свежего воздуха, сила и вдохновение. Знаменитый рассказ Ивана Бунина с тем же названием — тоже о любви, страсти и убийстве из-за нее», — говорит Наталья Осипова перед началом.

С австралийкой Мюриэль Танкар Осипова собирается работать основательно: готовит балет об Ольге Спесивцевой Two Feet, а пока в качестве «пробы пера» исполнила на собственном вечере ее миниатюру «Не покидай меня» на знаменитую песню Жака Бреля в исполнении Нины Симон. Много лет назад Танкар поставила этот номер на себя, а сейчас переделала на Осипову. Балетмейстер 20 лет проработала в труппе Пины Бауш, чем, видимо, и привлекла русскую балерину, любящую эксперименты и не чуждающуюся эстетики танцтеатра. Однако у русской публики такая хореография явно не вызвала особого интереса, и миниатюра (как и номер «Импульс») смотрелась необязательным, проходным довеском как в программе концерта, так и в творчестве замечательной балерины в целом.

А вот номере Qutb марокканца Сиди Ларби Шеркауи проходным никак не назовешь. Для Осиповой это важный этап в постижении contemporary. Как написано в программке, «в переводе с арабского qutb — это «ось», «стержень», но еще в суфизме это «праведный человек». По словам самого модного хореографа, которому одинаково близка культура Востока и Запада, «три танцора воплощают в балете множество вещей: иногда они жертвы природной катастрофы, они поднимают друг друга из руин».

Премьера была показана два года назад в лондонском центре Сэдлерс Уэллс, а главное в этом балете на сборную, в том числе и суфийскую музыку — не смысл (каждый тут волен придумать свою историю), а чарующая тягучая пластика, напоминающая арабские письмена. Эта медитативная, словно гипнотизер, завораживающая хореография, где движения медленно перетекают одно в другое, то и дело смещаются «оси» тела — центры тяжести, а сами тела сплетаются друг с другом в причудливый клубок, трансформируясь из одного пластического состояния в другое, напоминает древнюю индусскую легенду, в которой многоликий творец Вселенной бог Шива в божественном танце создает, а затем разрушает только что созданный мир.

Так же и танец балерины Натальи Осиповой, перетекая из модерна в классику, трансформируясь из одной пластической системы в другую, осваивая, а затем разрушая освоенный мир, словно мифическая птица Феникс, снова и снова возрождается из пепла, вновь и вновь краше прежнего «восставая в голубом эфире» классического танца и придавая этому танцу все новые и новые грани и смыслы…


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Мар 10, 2019 11:10 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20265
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Фев 07, 2019 9:28 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019020705
Тема| Балет, МТ, Персоналии, Юрий Смекалов
Автор| Валерий ИВАНОВ
Заголовок| ЮРИЙ СМЕКАЛОВ: «ЧЕМ БОЛЬШЕ МЫ ЭКСПЕРИМЕНТИРУЕМ, ТЕМ ЯРЧЕ ВРЕМЯ, В КОТОРОМ МЫ ЖИВЕМ»
Где опубликовано| © "Музыкальный Клондайк"
Дата публикации| 2019-02-07
Ссылка| https://www.muzklondike.ru/announc/354
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Юрий Смекалов – солист балета Мариинского театра, успешный хореограф. 15 февраля в Самарском оперном театре состоится мировая премьера балета на музыку Михаила Крылова «Три маски короля», балетмейстером-постановщиком которого является Смекалов. Для самарской балетной труппы, исполняющей обширный классический репертуар, этот спектакль имеет принципиальное значение, обещая стать первым шагом в новую, непривычную для ее танцовщиков, да и для местной зрительской аудитории эстетику современной хореографии.

Юрий Смекалов рассказывает корреспонденту «Музыкального Клондайка» о своем становлении как танцовщика и хореографа, делится мыслями о путях развития современной хореографии и о сверхзадаче постановки, которую он осуществляет в Самаре.

- Каким, Юрий, был ваш путь на балетные подмостки?

- В детстве я не грезил о том, чтобы стать балетным артистом. Скорее это моя мама таким образом реализовала во мне свою несбывшуюся мечту стать балериной. Так что в балет я попал случайно. Еще один неожиданный поворот в моей судьбе произошел по окончании Вагановской академии: вопреки ожиданиям я оказался в труппе Бориса Эйфмана, хотя, как и все мои товарищи по академии, был нацелен только на Мариинский театр. В годы учебы он стал для меня вторым домом, и я не представлял, что можно работать где-то еще.

- С чем же была связана эта ситуация?

- Причина - какие-то личные разногласия между тогдашними руководителями Мариинки и академии. Зато повезло Михайловскому театру – тогда он назывался Малым театром оперы и балета имени Мусоргского, у балетной труппы которого были проблемы. Ребята из нашего очень мощного выпуска, в числе которых Ирина Перрен, Михаил Сиваков, Ольга Степанова, Татьяна Мильцева, Денис Морозов, принятые тогда в этот театр, заняли в его балетной труппе ведущее положение и помогли поднять ее на новый уровень.

- Насколько, вы, имеющий классическое образование танцовщик, чувствовали себя комфортно в авторском театре Бориса Эйфмана, где исполняется исключительно его собственная очень специфическая, завораживающая хореография, аналогов которой у нас раньше никогда не было?

- Тем, кто приходит к Эйфману с хорошей классической базой, танцевать его хореографию легче и комфортнее. Порой на постановочных репетициях можно даже предложить ему что-то приближенное к традиционной классике. Конечно, Эйфман любит разрушать классическую форму, но такие его спектакли, как, например, «Красная Жизель», все равно поставлены на основе классического танца, в них огромное количество классических элементов. И дело даже не в самой по себе новаторской хореографии Эйфмана, а в его режиссерском таланте, в умении выстраивать образы, выявлять психологическое нутро персонажей. Артисты получают возможность максимально проявить себя не только посредством танца и пластики, но и передавая внутреннее содержание, сверхзадачу спектакля, заложенную в нем идею. Достаточно назвать таких мастеров, как Валерий Михайловский, Альберт Галичанин, Елена Кузьмина, Игорь Марков. Это были мои кумиры, на которых я рос. Когда учился в академии, видел все их премьеры. Так что, не попав в Мариинский театр, не хотел идти никуда, кроме труппы Эйфмана. К тому же директор труппы Геннадий Альберт давно за мной наблюдал.

- Что дали вам годы работы у Бориса Эйфмана и чего бы вы лишились, не оказавшись в этом коллективе?

- За десять лет работы в труппе Бориса Эйфмана я исполнил более десятка ведущих партий в знаковых постановках мэтра, в числе которых «Дон Кихот, или Фантазии безумца», «Чайковский», «Карамазовы», «Красная Жизель», «Анна Каренина», «Чайка». За это время я обрел ощущение полной сценической свободы, совершенно другую внутреннюю динамику. Борис Яковлевич относился ко мне с большой теплотой, мы всегда понимали друг друга. У меня никогда не было никаких проблем, я всегда чувствовал свою необходимость труппе, а это очень важно для артиста. Понятно, что незаменимых людей не бывает, но на самом деле любой театр - это прежде всего индивидуальности, которые составляют его коллектив. И Эйфман это понимает, как никто другой. Для него главной ценностью является личность актера. Может быть, в таких огромных коллективах, как, например, Большой или Мариинский театры, где ставятся масштабные спектакли со многими составами исполнителей, у артиста может потеряться ощущение своей необходимости театру, который и без него будет работать так же, как с ним. В принципе это правильно: театр в первую очередь нужен нам, артистам. Но на самом деле важно и то, и другое. Для нас театр – святое место, духовный храм, где можно полностью раскрыться, но и театру не обойтись без талантливых, самобытных индивидуальностей.

- Что же послужило причиной вашего расставания с труппой Эйфмана и перехода в Мариинский театр?

- В какой-то момент я почувствовал необходимость изменить обстановку, чтобы не увянуть, не потерять внутренний стержень. Захотелось попробовать себя в классическом репертуаре, где есть огромное количество партий, требующих умения воплотить характер персонажа, грамотно выстроить роль и при этом дающих возможность достойно показаться и технически, и актерски. Я никогда не был так называемым голубым классиком, не обладал данными, чтобы феерично танцевать такие партии. Да и о травмах, которые у меня случились за годы танцевальной карьеры, не стоит забывать. Придя в 2009 году в Мариинский театр, сразу заявил о готовности танцевать партии, о которых давно мечтал. А это и Ганс в «Жизели», и Ротбарт в «Лебедином озере», и Эспада в «Дон Кихоте», и Визирь в «Легенде о любви», и Абдерахман в «Раймонде». В репертуар театра вернулся «Спартак» в хореографии Якобсона, появились такие новые спектакли, как «Анна Каренина» в хореографии Ратманского, «Парк» в хореографии Прельжокажа, и в каждом из них у меня были роли.

- Иными словами, как танцовщик вы полностью раскрылись и в Мариинском театре.

- У меня наступил пенсионный возраст - двадцать лет на сцене. Свои внутренние артистические амбиции, касающиеся именно академического театра, считаю полностью удовлетворенными. Понятно, что балетное искусство – дело молодых. Но в репертуаре Мариинского театра есть более возрастные партии, которые мне по-прежнему интересны. Кроме того, сейчас у меня появилось большое количество проектов, которые я реализую как хореограф и в которых сам могу танцевать. В эти проекты в качестве исполнителей я часто привлекаю артистов, которым за сорок лет. У них сформировалось другое сознание, другое мышление, и мне интересно работать с такими людьми, открывать в них новые возможности. Я не собираюсь бросать танцевальную карьеру, но меня очень увлекает и работа в качестве хореографа. Счастлив, что руководитель балетной труппы театра Юрий Фатеев относится к этому с пониманием и дает мне такую возможность. В Мариинском театре я поставил балеты «Медный всадник» и «Пахита».

- Итак, мы подошли к вашей второй творческой ипостаси - хореографа-постановщика. Что привлекает вас в этой профессии?

- В современном искусстве задача хореографа-режиссера заключается не в том, чтобы оставаться в рамках привычного для зрительского восприятия. Нужно найти новую форму, заставить зрителя задуматься, вызвать у него, может быть, противоречивые чувства, желание самостоятельно разобраться в увиденном, в котором не все однозначно.

- Думаю, что подобные цели ставит перед собой и мэтр современной хореографии Борис Эйфман.

- Но у Эйфмана все же больше традиционности, у него нет «второго дна». Его спектакли имеют стройные сюжеты, понятно, кто есть кто, и зрителю не нужно читать программку, чтобы во всем разобраться. Прекрасные, глубокие смыслы эйфмановских спектаклей считываются без труда, как, например, гомосексуальность в «Чайковском» в дуэтах персонажей-двойников. Все это очень здорово, красиво, но… сразу понятно. Современный же театр развивается, и нити, связывающие сегодня драму и балет, позволяют искать новые приемы и выразительные средства, рождающие у зрителя несколько пластов восприятия происходящего на сцене. Чем больше мы экспериментируем и, чем будет больше возможностей для реализации таких экспериментов, тем ярче и наполненнее будет время, в котором мы живем.

- Как хореограф вы не избегаете абстрактных сюжетов, где нужно многое придумать и затем воспроизвести в танцевальной пластике. Таков ваш «Солярис» в санкт-петербургском театре «Приют комедианта».

- Это не единственный мой спектакль с сочиненным мною же либретто. В 2012 году в Большом театре я поставил двухактный балет «Мойдодыр» по сказке, которую я написал по мотивам коротенького стихотворения. Мое новое оригинальное либретто и у трехактной «Пахиты» в Мариинском театре. В этом балете моя хореография - за исключением заключительного Гран па и классического па де труа в хореографии Петипа, восстановленных Юрием Бурлакой.

- Современная авторская хореография – это море самых разнообразных стилей, направлений и скрытых смыслов, в которых непросто разобраться. Кто-то из хореографов приходит на репетицию с четко продуманной концепцией, кто-то сочиняет прямо на сцене, экспериментируя вместе с артистами. Что предпочтительнее лично для вас?

- Я все-таки человек системный, воспитанный в академической школе и в академических коллективах Бориса Эйфмана и Мариинского театра, и система в работе имеет для меня большое значение. Процесс сочинения хореографии как импровизация с последующим заполнением музыки харизматичным телом танцовщика – это не про меня. Я разрешаю артистам импровизировать только тогда, когда они, полностью зная хореографический текст, где-то видоизменяют его подачу для более яркого выявления собственной индивидуальности.

- Не смущает ли вас возможное неприятие зрителями ваших постановок?

- Зрительские оценки, как и оценки профессиональных критиков, прекрасно разбирающихся как в исторических, так и в современных тенденциях развития искусства, могут быть в корне противоположными. Но все условно. Каждый раз это субъективное мнение одного человека. Ведется много споров и о современных балетных постановках Мариинского театра. Одни говорят, что это полная ерунда, которую невозможно смотреть, а другим, например, молодежи, они нравятся.

- А теперь - о мировой премьере балета «Три маски короля», который совсем скоро вы представите в Самаре.

- Это будет балет-притча, философские размышления на тему масок. Суть спектакля формулирую следующим образом: «Мы все носим маски. Просыпаясь, мы надеваем маску ребенка или родителя, мужа или жены. Нам хочется казаться добрыми, злыми, смешными, серьезными, красивыми, жалкими, умными, невеждами, независимыми или порабощенными. Скрывать истинные мысли и чувства становится для нас нормой. Мы не признаем лжи, хотя постоянно обманываем не только окружающих, но и самих себя». Маска – вымышленный образ, прием, используемый и в литературе, и в театре. Но для меня важна не столько сама по себе маска, сколько то, что за ней скрывается. Может быть, еще одна маска… Так что спектакль представляет собой своеобразную антиутопию, он переносит зрителя в некий особый мир. И мне хочется, чтобы зритель, полностью погрузившись в разворачивающуюся перед ним историю, вместе с нами сопереживал ее персонажам. В хореографическом тексте балета также присутствует некая эклектика: привычная классика сочетается в нем с различными суперсовременными танцевальными стилями. Осваивая их, танцовщики самарской труппы существенно расширят свой творческий диапазон. Музыка балета петербургского композитора Михаила Крылова - в стилистике неоклассики, она легка и мелодична. Оркестровку осуществил молодой композитор, аспирант Гаагской консерватории Даниил Пильчен. По ходу действия в звучание оркестра вплетается пласт компьютерной музыки в аранжировке Влада Жукова. Вместе со мной над спектаклем работают главный дирижер Самарского оперного театра Евгений Хохлов и знаменитый санкт-петербургский театральный художник Вячеслав Окунев. Главную партию на первом премьерном показе балета исполнит премьер Мариинского театра Владимир Шкляров.

И еще одно немаловажное обстоятельство, связанное с самарской премьерой. Автором идеи создания балета и соавтором его либретто является петербургский меценат Вячеслав Заренков, основатель проекта «Созидающий мир», одноименного благотворительного фонда и театра «Килизэ». Вячеслав Заренков оказал существенную поддержку в реализации проекта, явив пример меценатства, столь необходимого в наши дни для отечественной культуры.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20265
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Фев 08, 2019 1:19 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019020801
Тема| Балет, Сыктывкар, Юбилей, Гала-концерт, Персоналии, Екатерина Максимова, Владимир Васильев
Автор| Алиса Козлова
Заголовок| Легендарный танцовщик и хореограф Владимир Васильев не скупился на автографы для сыктывкарских зрителей
Артист прибыл в столицу Коми на концерт в честь 80-летия со дня рождения его супруги Екатерины Максимовой

Где опубликовано| © Комсомольская правда-Сыктывкар
Дата публикации| 2019-02-08
Ссылка| https://www.komi.kp.ru/daily/26936/3990328/
Аннотация| Гала-концерт


Фото: Алиса КОЗЛОВА

Сегодня в Сыктывкаре прошел гала-концерт к 80-летию со дня рождения Екатерины Максимовой - вечер балета стал весомым поводом открыть для себя столицу Коми для ее супруга и партнера по сцене Владимира Васильева. Легендарная пара Максимова и Васильев на протяжении многих лет были солистами балетной труппы Большого театра, на мировом уровне семейный и творческий тандем олицетворял русский балет, был одним из символов, а в некотором смысле и брендом русской культуры и отечественного балетного искусства. Визит Владимира Васильева в Сыктывкар состоялся благодаря тому, что в новом сезоне балетную труппу нашего театра возглавила Марианна Рыжкина - бывшая солистка Большого театра и ученица Екатерины Максимовой. 10 лет назад именитая балерина ушла из жизни. В знак глубочайшей благодарности учителю Марианна Рыжкина инициировала сегодняшний праздник танца и музыки.

Гала-концерт составили премьера одноактного комедийного балета "Привал кавалерии" (постановка восстановлена хореографом-реконструктором Натальей Воскресенской) и сцены из спектаклей, в которых танцевала сама Екатерина Максимова, а также номера, поставленные специально для нее. Перед началом концерта Владимир Васильев ответил на вопросы сыктывкарских журналистов.

- 1 февраля в Большом театре прошел гала-концерт, посвященный 80-летию Екатерины Максимовой. Неужели Сыктывкар удостоился чести стать вторым городом, который продолжил череду вечеров балетного искусства, посвященных вашей супруге?

- Да, это второй город. Я надеюсь, что Катюша, если бы была жива, то порадовалась тому, что одна из ее учениц теперь возглавляет сыктывкарскую балетную труппу. И, говорят, в театре произошли хорошие перемены, перемены к лучшему.

- В каких еще театрах пройдут концерты памяти Екатерины Сергеевны?

- Даже не знаю. Во-первых, по телевидению на телеканале "Культура" целая неделя была посвящена юбилею Кати. Ну, во-вторых, я думаю, что в разных городах России эту дату отмечали. По-своему, по-разному, но отмечали. Я, например, вообще впервые в Сыктывкаре и очень этому рад. Рад тому, что буду по случаю юбилея Кати здесь пройдет премьера. Мы с Катей всегда хотели в день рождения одного из нас быть на сцене, и чтобы в этот вечер состоялась премьера с нашим участием. Так было несколько раз. А сегодня у нас с вами премьера (имеется в виду балет "Привал кавалерии"), и это очень важно!

- Во втором отделении концерта будут представлены номера, в которых Екатерина Сергеевна танцевала. Что в этой программе самое для вас дорогое?

- А вот это я скажу потом, после концерта. Вообще, артистов постоянно спрашивают: "Какой спектакль ваш самый любимый? Какая роль самая дорогая?" Если артист отвечает вам, какой спектакль ему дорог больше всего, то это еще не факт, что так оно и есть. Для настоящего артиста все роли, которые он исполнял, и все образы, которые он воплотил на сцене, они все очень дороги ему. И он всегда надеется, что будет еще лучше: будет еще герой, который окажется посильнее всех предыдущих.

- У вас с супругой был долгий творческий союз, а в истории балета есть еще подобные творческие дуэты?

- Я даже не знаю. Мы были неразделимы всегда. Всегда на сцене выступали Катя и Володя, Катя и Володя - французы потом потом сделали фильм с таким названием. Порой мы танцевали порознь, но это было не так часто.

- Вашей супруги уже нет, она ушла из жизни 10 лет назад. Сейчас вы очень многое делаете в память о ней: концерты, телепередачи и так далее.

- Да, и самое главное - это фильм, который называется "Письмо из прошлого". Там только Катя и только Катя, и ее закадровый голос, она читает текст письма - больше ничего другого нет.

- Что вы ждете от Сыктывкара?

- Мне просто очень хочется, чтобы сегодня те люди, которых вы знаете, чтобы сегодня они танцевали лучше, чем всегда. И Катя в своей автобиографии "Мадам "Нет" признавалась, что глядя на своих учениц на сцене думала только обо дном: "Только бы они танцевали лучше меня".

- А это было возможно?

- Кому-то удавалось.

- Когда смотришь архивные выступления Екатерины Максимовой, то понимаешь, что это очень трудно превзойти.

- Да, конечно трудно.

- Есть конкурс памяти Екатерины Максимовой. Как проявляют себя молодые танцовщики? Что сейчас с русским балетом?

- Молодые артисты хорошо себя проявляют. Я говорю о тех, которые действительно любят свое дело. И пока они не гонятся за материальной сущностью своей профессии, талантливые ребята проявляют себя очень даже хорошо.

- В вашем творческом союзе было сложно понять, кто из вас главный. У вас не возникало артистической ревности по отношению к жене?

- Нет, этого не было никогда, никакой ревности между нами не возникало. Катя, наверное, раньше бы ушла из балета, если бы я ее постоянно не вовлекал в творческий процесс. У нас были то одна постановка, то другая, то в театре, то на телевидении. Я был мотором в нашем союзе. Мы были противоположностями: Катюша была стайером, а я - спринтером. У меня было так: не получилось сразу, появлялось желание бросить это дело. А она меня заставляла двигаться вперед.

На этом общение с прессой завершилось, Владимир Васильев прошел в зрительный зал. Сыктывкарская публика встретила великого артиста бурными аплодисментами, многие сразу же поспешили взять у него автограф. Но как только в зале погас свет, внимание зрителей переключилось на сцену.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Пт Фев 08, 2019 7:08 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20265
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Фев 08, 2019 1:26 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019020802
Тема| Балет, Сыктывкар, Юбилей, Гала-концерт, Персоналии, Екатерина Максимова, Владимир Васильев
Автор|
Заголовок| Солисты Большого театра станцевали в Сыктывкаре в честь Екатерины Максимовой
Где опубликовано| © Агентство экономической информации БНК
Дата публикации| 2019-02-08
Ссылка| https://www.bnkomi.ru/data/news/89765/
Аннотация| Гала-концерт

В Театре оперы и балета республики состоялся необычный гала-концерт: в Коми праздновали 80-летие легенды российского балета Екатерины Максимовой. В день памяти в Сыктывкар приехал муж балерины Владимир Васильев, а также солисты Большого театра и Кремлевского балета, которые представили номера самого известного и долгого дуэта в балетном мире. Как любила Максимова, на сцене в день ее рождения была и премьера - зрителям показали одноактный балет «Привал кавалерии».


Фото Ивана Федосеева

Прима Большого театра Екатерина Максимова 30 лет блистала на его подмостках, а ее союз с мужем Владимиром Васильевым был признан эталонным артистическим дуэтом - как на сцене, так и в жизни. Вместе они прожили 48 лет. В 2009 году Народная артистка СССР, наследница принципов императорского балета и педагог скончалась, оставив после себя учеников и последователей. Одна из учениц - ныне главный балетмейстер театра Марианна Рыжкина. 1 февраля Максимовой исполнилось бы 80 лет. В этот день ей посвятили гала-концерт в Большом театре, а спустя неделю - в Театре оперы и балета Коми.

- Катя и я, мы всегда хотели в день рождения кого-то из нас обязательно быть на сцене. А в идеале - чтобы в этот вечер состоялась премьера, в которой бы мы участвовали. Так было несколько раз. Сегодня для меня очень приятное событие: у нас премьера. Я надеюсь, что Катюша, если бы была жива, очень бы радовалась, - поделился с журналистами перед концертом Владимир Васильев.

В первом отделении театр как по заказу подготовил премьеру, да еще и историческую - одноактный шуточный балет Ивана Армгеймера «Привал кавалерии» с либретто и хореографией Мариуса Петипа. Постановкой, а точнее - реконструкцией занималась балетмейстер-реставратор Наталья Воскресенская. Недавно она реставрировала постановку для Кремлевского балета, а теперь сделала это и в Сыктывкаре.

- «Привал», можно сказать, пикантная штучка. В нем множество игровых компонентов, - рассказала балетмейстер в интервью БНК.



За легкость сюжета и характеров персонажей балет называют «безделушкой» и «шуткой» Петипа. «Лубочный» сюжет разворачивается в австрийской деревне, куда на привал прибывает полк гусар-кавалеристов. В центре внимания - любовный треугольник: Пьера (Рината Бикмухаметова) приглашают на свидание сразу две девушки - Мария (Наталья Супрун) и Тереза (Татьяна Бикмухаметова).

Но Яркая Тереза привлекает внимание и офицеров, за ней пытаются ухаживать и корнет (Артем Дудин), и ротмистр (Роман Миронов), и полковник (Владимир Ли). Пока нежная Мария вызволяет Пьера из беды и договаривается с ним о свадьбе, Тереза «дает отставку» воякам, иронично пересказывая подружкам ухаживания каждого из кавалеров. Финал у комедийного балета счастливый, но гусары останавливались в деревне лишь на привал, поэтому под горн они покидают временную стоянку.

Обращаясь к зрителям со сцены, Владимир Васильев попросил не забывать историю и людей, которые эту историю создавали.

- Огромное спасибо тем, кто помнит о тех людях, которые были до них. Многие совершенно не думает о том, кто был на их месте раньше. И им очень часто кажется, что именно с их приходом только и начинается история. А история, оказывается, существует очень давно. История тем и прекрасна, что в ней были замечательные люди. Выступающим сегодня я желаю, чтобы они танцевали лучше, чем всегда.

О том, чтобы ее ученицы танцевали «лучше, чем всегда» и лучше ее самой Екатерина Максимова мечтала в своей книге «Мадам Нет».

Во втором отделении солисты Большого театра Ксения Жиганшина, Клим Ефимов, Мария Мишина и Александр Смольянинов, а также «Кремлёвского балета» - народная артистка России Наталья Балахничёва и премьер Егор Мотузов представили сыктывкарцам отрывки из любимых партий Екатерины Максимовой и Владимира Васильева.

Труппа Театра оперы и балета Коми показала «Вальпургиеву ночь» Гуно, сама Марианна Рыжкина станцевала знаменитый «Русский танец» Чайковского, а в дуэте с Романом Мироновым исполнила «Элегию» Рахманинова с хореографией Владимира Васильева.

Гости из Большого театра станцевали pas-de-deux Авроры и Дезире из «Спящей красавицы» Чайковского, дуэт «Изумруды» из балета «Драгоценности» Форе.

«Кремлевский балет» привез дуэт Памины и Тамино из «Волшебной флейты» и adagio Золушки и Принца из балета Прокофьева.

В последнем номере под концерт Баха для двух скрипок на сцене появились балерины в легких платьях, однако через несколько минут они расступились, чтобы дать дорогу Екатерине Максимовой. Прима появилась вначале у станка, а затем - в своих главных партиях.

Переполненный зал приветствовал ретроспективу стоя.

=========================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20265
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Фев 08, 2019 7:06 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019020803
Тема| Балет, Сыктывкар, Премьера, Персоналии, Наталья Воскресенская
Автор| Алиса Козлова
Заголовок| В постановке "Привал кавалерии" танцевали очаровательные крестьянки и бравые гусары
Московские хореографы восстановили на сыктывкарской сцене утраченный балет Мариуса Петипа

Где опубликовано| © Комсомольская правда-Сыктывкар
Дата публикации| 2019-02-08
Ссылка| https://www.komi.kp.ru/daily/26936/3990463/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



Репертуар театра оперы и балета Республики Коми обогатился легким и изящным одноактным балетом "Привал кавалерии" - это постановка долгое время считалась утраченным шедевром из большого наследия великого Мариуса Петипа. В памяти балетных поколений от него осталось немного, но 44 года назад спектакль был собран буквально по крупицам и восстановлен на большой сцене. А вчерашним вечером стараниями главного хореографа сыктывкарского театра Марианны Рыжкиной и приглашенного балетмейстера-реконструктора Натальи Воскресенской (обе имеют богатый опыт работы с ведушими московскими театрами) наш зритель увидел аутентичную версию балетной комедии, поставленную в лучших традициях академического Имперского театра. Премьера состоялась в рамках гала-концерта к 80-летию со дня рождения Екатерины Максимовой. Вместе с сыктывкарской публикой постановку посмотрел легендарный артист балета и супруг Максимовой Владимир Васильев.

Сюжет "Привала кавалерии" было легко понять даже без чтения либретто: любовный треугольник, в котором две девушки Мария и Тереза претендуют на сердце обаятельного крестьянина Пьера, разрушается с прибытием в деревушку полка гусар-кавалеристов. Красавица Тереза, которой признаются в любви сразу три бравых офицера, постепенно забывает о поражениях на любовном фронте. А влюбленные Мария и Пьер обвенчаются. Буквально за час публика увидела красочный, сценичный, музыкальный и технически сложный балет, наполненный тонкой иронией и деликатным юмором. Спектакль потребовал максимальной самоотдачи как от кордебалета, так и от исполнителей заглавных ролей - все партии включали традиционный набор балетных прыжков, пируэтов и поддержек. Сыктывкарская труппа вновь подтвердила высокий класс балетного мастерства.

Хорошо знакомые и всеми любимые артисты предстали перед зрителем новых образах. Наталья Супрун станцевала роль Марии - простой и очаровательной девушки, готовой ради любимого идти на невинные уловки. Жизнерадостный характер героини подчеркивала легкость и воздушность исполнения танца. Неким антиподом Марии выступила Тереза в исполнении Татьяны Бикмухаметовой. Своенравная красавица Тереза в трактовке нашей балерины оказалась наделена более высоким градусом темперамента и особой женской харизмой.

Ей льстит сладкая власть над мужчинами, и она не стесняясь высмеивает своих незадачливых поклонников. Татьяна Бикмухаметова очень забавно станцевала эпизод пародий на гусар, признававшихся ей в любви, тонко высмеяв и подчеркнув особенности мужских партий. Больше всех досталось самому юмористичному персонажу в спектакле - полковнику, образ которого воплотил на сцене Владимир Ли. Физически крепкий и коренастый танцовщик, создал образ бывалого вояки с неуклюжей походкой. Герой Владимира Ли по-военному целеустремлен и напорист и в самом конце спекталя добивается знаков внимания от горделивой Терезы. Вполне заслуженные аплодисменты неоднократно завершали номера Рината Бикмухаметова, исполнителя партии Пьера. Его роль изобиловала сложнейшими элементами, которые танцовщик исполнил грациозно и точно, при этом воплотив на сцене образ простого и бесхитростного парня.

- Этот балет нужно танцевать с особым чувством стиля, с ощущением легкости и комедийности, но без гротеска и кривляний. С вашими артистами мы оттачивали чувство меры, и я благодарна им за то, что никто из них не переборщил в своих партиях. Каждый был на своем месте. Поверьте, требуется большая и кропотливая работа, чтобы почувствовать эмоцию жеста и движения, - поделилась своими впечатлениями от работы с сыктывкарской балетной труппой Наталья Воскресенская.

Балетмейстер-реставратор провела в Сыктывкаре только 13 репетиций, но осталась довольна результатом творческого труда. В беседе с журналистом "КП в Коми" она призналась, что готова вновь приехать в столицу Коми.

- Ваши артисты - это "пластилин", из которого можно лепить все что угодно. Они ничем не испорчены, в них нет искусственности. Каждый из них тонко-тонко почувствовал своего героя, - резюмировала приглашенный хореограф.

Отметим, что до вчерашнего вечера репертуар сыктывкарского театра оперы и балета включал четыре спектакля Мариуса Петипа - "Лебединое озеро", "Дон Кихот" и "Баядерка", "Спящая красавица". Теперь к известным постановкам добавился комедийный балет "Привал кавалерии".

Фото: ЮРИЙ ЕФИМЕЦ
==================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20265
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Фев 08, 2019 7:19 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019020804
Тема| Балет, Сыктывкар, Юбилей, Гала-концерт, Персоналии, Екатерина Максимова, Владимир Васильев
Автор| Татьяна Ткалун / Фото Татьяны Ткалун
Заголовок| Мировая легенда в Сыктывкаре: Владимир Васильев привез "дыхание" императорского балета
Где опубликовано| © Комиинформ
Дата публикации| 2019-02-08
Ссылка| https://komiinform.ru/news/175889
Аннотация| Гала-концерт

Театр оперы и балета Коми предложил своим зрителям фантастическую возможность окунуться в прошлое и вдохнуть лучезарность императорского балета.

В Сыктывкаре прошел гала-концерт к 80-летию балерины Екатерины Максимовой - одной из величайших балерин двадцатого столетия. Ее коронкой были легкость па и их виртуозное исполнение, и сегодня Максимова по-прежнему остается объектом восхищения поклонников искусства и эталоном мастерства для юных артистов.

Перед премьерой одноактного балета И. И. Армсгеймера "Привал кавалерии" "Комиинформ" пообщался с почетным гостем гала-концерта - легендарным танцовщиком, хореографом, режиссером, педагогом, художником, поэтом, народным артистом СССР, супругом Максимовой Владимиром Васильевым.



Обращаясь к своим зрителям, В.Васильев отметил, что вся его жизнь с Катей как на ладони. И он сказал огромное спасибо тем людям, которые помнят о тех, кто был раньше: "Каждый день я встречаю людей, которые совершенно не думают как раз о тех, кто был до них на их местах. Им кажется, что именно с их приходом только и начинается история. А история, оказывается, существует очень давно. Она тем и прекрасна, что в этой истории были замечательные люди. Такие, как Катюша. 48 лет мы с ней прожили вместе, два года не дожили до золотой свадьбы, и все, что нами сделано, неразделимо".

Сегодня В.Васильев очень многое делает для того, чтобы имя Е.Максимовой продолжало звучать. Снимает передачи, готовит памятные концерты. С 1990 года продолжает свое существование российский конкурс артистов балета имени Е.Максимовой "Арабеск", который принимает и иностранных участников.



Главным в этой работе стал авторский фильм "Катя. Письмо из прошлого", который дорог сердцу маэстро. Фильм целиком основан на ее личном письме к нему, когда он находился на гастролях по США из московской больницы, куда она попала после серьезной травмы на репетиции в Большом театре.

В фильме впервые представлена уникальная видеохроника 60-70-х годов прошлого века и фотографии из личного архива В. Васильева, а также кадры из государственных архивов.

- Владимир Викторович, какие города продолжат череду памятных концертов?

- В течение недели Е.Максимову вспоминали телезрители. Очевидно, в разных городах отмечают этот день по-разному. Я, например, впервые приехал в Сыктывкар, поэтому жду с нетерпением концерта. Вообще, на мой взгляд, это самое главное, что будет концерт. Потому что я и Катя всегда хотели быть в наши дни рождения на сцене. В идеале в этот вечер должна состояться премьера. Так было несколько раз, и вот в Сыктывкаре это тоже произошло.

- Во втором отделении представлены номера, которые танцевала Екатерина Сергеевна. Какой из них самый дорогой?

- Если артист скажет вам, что именно этот номер его любимый, не факт, что так на самом деле. Для настоящего артиста все номера и образы очень дороги. Просто на разных этапах.

- Чего вы ждете от Сыктывкара?

- Мне очень хочется, чтобы те люди, которых вы знаете, сегодня танцевали лучше, чем всегда. И Катя так говорила в своей книге "Мадам "Нет": "Когда я прихожу на спектакль, стою за кулисами, смотрю на сцену и вижу учениц, я все время думаю только об одном: чтобы они танцевали лучше, чем я".

-Это возможно?

Для кого-то возможно. Одна из учениц Е.Максимовой возглавляет балет Сыктывкара и творит хорошие перемены.

- А как проявляют себя молодые танцовщики сегодня?

- Хорошо проваляют. Те, кто действительно любит свое дело. И пока они не гонятся за материальной сущностью своей профессии, они хорошо работают.

- А как в других странах?

- Интерес к балету есть везде. Но нас с нетерпением ждут за границей, потому что на таком уровне, котором мы выступаем в классике, больше не выступает никто. До сих пор. Хотя это уже оспаривают, потому что мы их учим.

Когда мы приезжали в Америку в 1959 году, каждый пируэт, каждая поддержка сопровождались громом аплодисментов. А потом они этому научились, и выступления стали проходить иначе.

В Китай мы поехали в том же году. Там вообще не знали, что такое классический балет, но мы их научили. Поэтому русский балет сегодня - во всех странах и занимает почетное место. Ученики, которые уезжали за границу, говорили, что им мало классики, они хотели современности, свободы. Но художник не может быть свободен.

- Чем вы занимаетесь сегодня кроме того, что учите других мастерству?

- У меня многие учатся, это правда. Но я никого не учу. У меня мало терпения. Пока я танцевал, мне казалось, что я так ничего и не сделал. Этого же требую от других. Чтобы они постоянно были недовольны самим собой.

Сегодня я художник, поэт. У меня есть огромное количество дел, которые я обязан сделать. И в меньшей степени сегодня занимаюсь своей основной профессией, больше, пожалуй, рисую. Это природа, живопись. Уже прошли 35 выставок. Часть спектаклей идет на моих эскизах.
После короткой встречи журналисты насладились балетом-безделушкой продолжительностью в 30 минут "Привал кавалерии". Эта шутка сегодня является драгоценностью балета. А поставила ее в Сыктывкаре балетмейстер-реставратор, историк балета, критик Наталья Воскресенская.

====================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20265
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Фев 11, 2019 11:33 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019021101
Тема| Балет, Йыхвиский балетный фестиваль, Персоналии, Теэт Каск
Автор| Теэт Корстен
Заголовок| "Йыхви - это феномен, и таких Йыхви нам нужно больше!"
Искусство танца стимулирует и способствует развитию человека

Где опубликовано| © газета "Северное побережье"
Дата публикации| 2019-02-08
Ссылка| https://severnojepoberezhje.postimees.ee/6518084/yyhvi-eto-fenomen-i-takih-yyhvi-nam-nuzhno-bolshe
Аннотация| Фестиваль, Интервью

С 27 апреля по 5 мая в двенадцатый раз пройдет Йыхвиский балетный фестиваль, на котором одним из главных выступающих будет "Balletto di Milano" с балетом "Анна Каренина" в постановке Теэта Каска. "Северное побережье" расспросило нашего корифея балета о йыхвиском фестивале и в целом о феномене балета как таковом.

- Как бы ты описал феномен Йыхвиского балетного фестиваля, который нынче пройдет уже в двенадцатый раз?

- Если вспомнить, что в других странах крупные танцевальные мероприятия проходят в столицах, там, где в большей степени концентрируется жизнь, то Йыхви - это феномен. У йыхвисцев было в несколько раз больше возможностей увидеть балет высокого уровня, в том числе современный балет, чем у тех, кто живет в других местах. Список выступавших на фестивале артистов вызывает благоговение, начиная с Михайловского театра и Начо Дуато. Билеты на спектакли Дуато в Лондоне, Берлине или Нью-Йорке достать не так просто!

С чисто профессиональной точки зрения йыхвиский феномен - нечто такое, чему могли бы поучиться другие уголки страны, в том числе Таллинн. За фестивалем стоят заслуживающие благодарности люди во главе с Пийей Тамм. Если заниматься делом увлеченно, сосредоточенно и профессионально, то можно добиться чего-то очень важного, основополагающего и прогрессивного. Преемственность фестиваля опирается на хороший вкус и поиск умных ответов на вопрос: как мы можем привлечь хорошие коллективы и артистов в Йыхви? Недавно я был в Корее, и даже там благодаря фестивалю знают название Йыхви - правда, произносят его своеобразно. Йыхви поместил Эстонию на карту балета, и такая инициатива могла бы приходить отовсюду. В этом смысле остальной Эстонии есть чему поучиться у Йыхви.

- Наблюдая за развитием фестиваля со стороны, я приблизительно знаю, сколько пота, крови и слез за этим стоит - что все это досталось не так легко, как может показаться на поверхностный взгляд.

- Теперь "Eesti Kontsert" даже приобрел для нужд Йыхвиского балетного фестиваля специальный танцевальный пол, который должен быть лучшим в странах Балтии. Это тоже показывает, как вера в дело, большое желание и понимание, что такая форма искусства, как танец, нужна людям, что она несет ценности, которые нам больше нигде не найти, ведут вперед. Например, в Таллинне есть сцены, на которых можно выступать, но парадокс в том, что даже в "Estonia" сцена неправильного размера. К примеру, санкт-петербургский Мариинский театр или Финский национальный балет могли бы регулярно давать там представления в полном составе.

Если в Йыхви артисты балета Михайловского театра выступали, то в Таллинне пока нет. Все зависит от человеческого фактора - бетон лить можно, но если нет правильного настроя… При переносе формы искусства в иную среду она приобретает новое качество. Труппы зачастую отправляются в турне для того, чтобы постановка, которую играли в стационаре, обрела дополнительную ценность, чтобы она развивалась - хорошая постановка находится в постоянном развитии. Йыхвиский фестиваль за годы превратился в место, где труппы и спектакли обретают дополнительную ценность именно в плане среды: окружающие люди, позитивная атмосфера, вдохновение. Именно это делает фестиваль хорошим.

- Главным гостем нынешнего балетного фестиваля является "Balletto di Milano", который покажет поставленный тобой балет "Анна Каренина". Не мог бы ты рассказать о миланском театре и своем сотрудничестве с ним?

- Три года назад меня представили руководителю театра балета, оперы и музыки "Teatro di Milano" Карло Песта, и он проявил интерес к моей работе. К тому времени у меня уже было либретто к "Анне Карениной", написанное ранее, когда я при свете свечей наслаждался классикой и в моей голове стали пробегать картины будущего балета. К либретто проявляли интерес, но мне постоянно казалось, что это не то. Наша беседа с Песта уже подходила к концу, когда я мимоходом упомянул либретто. Через две недели Песта позвонил и сказал: "Давай сделаем!".

Милан - европейская Мекка искусства и, можно также сказать, Мекка классического балета. Из Италии балет пришел во Францию, оттуда в Россию, а из России уже прямиком в Эстонию. В месте, где публика видела очень много постановок и большой палец могут очень быстро опустить вниз, мне было нечего терять - я делал то, что умею лучшего всего и во что верю. Результат мы знаем: "Анна Каренина" уже третий год колесит по Европе, причем с нарастающим успехом. В прошлом году этот балет можно было увидеть в Русском театре в Таллинне. Зал был полон, поэтому дали три спектакля.

Если миланская публика что-то одобряет, то можно сказать, что в Европе ты пробился, просунул ногу в дверь. Спустя полтора года я поставил там же "Лебединое озеро". Этот балет тоже оказался успешным: миланская публика и критики приняли его хорошо. "Rai 5", культурный телеканал итальянской государственной телерадиовещательной корпорации, два раза делал о нем обзорную программу. Миланский балет - это частная труппа, и, наверное, именно это придает им смелости принимать решения относительно репертуара, на которые рядовой театр не решился бы. Танцоры великолепны: все рождены танцевать и прошли отличную школу; они молоды, красивы, темпераментны.

- Что лично тебя привлекло в литературном произведении "Анна Каренина" и как вообще происходит адаптация литературы для постановки на балетной сцене?

- Как вообще писатель удостаивается звания классика? Думаю, что это авторы, которым удается прикоснуться к неисчерпаемой сущности жизни, которую человечеству пока не удалось, так сказать, раскусить. Они рассматривают темы, с которыми сталкивается каждое последующее поколение - основополагающие ценности остаются неизменными. "Анна Каренина" была опубликована в 1877 году, однако внутренние поиски личности в наши дни ничуть не отличаются. Поэтому к таким произведениям нужно обращаться снова и снова, чтобы понять, какие уроки мы можем извлечь из них сейчас.

Роман повествует о смелости в поисках себя, о том, осмеливаемся ли мы прислушаться к своему внутреннему голосу и насколько мы позволяем влиять на себя нашему социальному окружению - то есть насколько мы соответствуем его ожиданиям. Это извечный конфликт, который в наши дни по-прежнему актуален. Степень неудовлетворенности человека соответствует размеру этого конфликта. Когда человек встает на путь, который ему диктует внутренний голос, то окружающие сначала забрасывают его камнями, но затем наступает критический момент, после которого люди, наоборот, начинают его ценить и уважать.

Это произведение нередко трактуется, в том числе в русской среде, как история несчастливой любви, но мне кажется, что оно повествует о внутренних исканиях самого Льва Толстого. Анна - словно alter ego Толстого. Толстой прошел в поисках себя путь от богатого плейбоя, который ходил по казино и публичным домам, до аскета, который носил льняную крестьянскую рубаху и отпустил на волю всех своих крепостных. Для Толстого было важно следовать за своим внутренним развитием и наблюдать его - это делает человека человеком, - и это он вложил в "Анну Каренину". В самом начале романа констатируют: мужчина такой-то, женщина такая-то, о человеческом аспекте забывают, и тогда возникает конфликт.

Ставя гениальное произведение на сцене, нет смысла переносить то, что можно прочесть в книге. При чтении романа у меня перед глазами вставали картины того, что происходило между строк. Меня интересовал Толстой как человек и раскрытие романа в этом ключе. Создавая балет, я чувствовал, что могу прикоснуться к чему-то, чего словами сделать бы не смог - танец позволяет пойти дальше романа, потому что происходящее передается не словами и звуками, а движениями.

Советую прочесть книгу Владимира Федоровского "Сергей Дягилев, или Закулисная история русского балета" (издательство "Olion", 2004). Читая эту книгу, понимаешь, что посредством балета можно изобразить, к примеру, отношения между государствами. Когда, например, хотели улучшить отношения с Филиппинами, то сначала туда отправили танцоров балета, а затем приехали политики. Или когда в Советском Союзе умирал какой-нибудь высокопоставленный человек, по телевизору показывали "Лебединое озеро".

В Эстонии осведомленность в области танца могла бы дойти до такого уровня, чтобы мы понимали: маленький народ может на большой сцене посредством танца рассказать свою историю. Аналогичным образом маленькое местечко, такое как Йыхви, способно посредством балета вдохновить известные балетные труппы мирового уровня.

- Ты поступил в балетную школу в возрасте десяти лет. В чем проявилось наибольшее влияние занятий балетом?

- Было само собой разумеющимся выражать себя через движение и видеть в движении акт самовыражения. Это была сверхчувствительность, которую в детстве я не умел выражать, и наша среда не могла понять сверхчувствительных людей, особенно если это был юноша. Сверхчувствительность - очень положительное качество, если учат ее видеть, использовать и понимать. Мне повезло, по счастливому стечению обстоятельств я смог защитить свою чувствительность именно посредством искусства танца: я мог прочувствовать все и вечером в семь часов выразить все это на сцене. С этим связана и тема "Анны Карениной". Я наивно верю, что искусство танца способно стимулировать и способствовать развитию человека.

Танец как средство моей коммуникации с миром никогда не исчезнет. Если говорить об улучшениях, то хотелось бы, чтобы в нашей культурной среде у ребенка, рожденного танцевать, была возможность отыскать этот путь. Благодаря Йыхвискому балетному фестивалю тяга к танцу подкрепляется мотивацией. У нас рождаются танцоры и у нас рождаются другие люди, у которых есть призвание. В Эстонии еще в начале 20-го века жила бывшая солистка санкт-петербургского Мариинского театра Евгения Литвинова, которая создала здесь свою балетную студию, где обучались первые танцоры. В то же время из Европы пришел свободный танец: Айседора Дункан, Мэри Вигман, Рудольф Лабан. Эстоноземельцы читали о них в газетах, и эстонские девушки из разных уездов приезжали учиться этому направлению. Лабан больше всего повлиял на танцевальную среду Центральной Европы, и в его труппе, насчитывавшей около двадцати человек, танцевали четыре эстонки (Негго, Симола, Урьян и Нурк).

Наша танцевальная история - словно ларец с сокровищами, с помощью которого можно создать лицо современного эстонского танца. Синтез Востока и Запада у нас есть в силу истории. Многим странам приходится выдумывать эту легенду, но у нас она есть на самом деле. И память сохраняется, поскольку танцевальная память передается из поколения в поколение. Старший танцор показывает младшему, как танцевали раньше, и через хореографов, которых уже нет в живых, эта цепочка продолжается.

Йыхви - это феномен, и таких Йыхви нам нужно больше - чтобы танцевальные души, приезжающие сюда, нашли среду, в которой они счастливы танцевать вместе. И не только в качестве любителей.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 20265
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Фев 12, 2019 8:33 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2019021201
Тема| Балет, «Штаатсопер», Премьера, Персоналии, Мариус Петипа, Алексей Ратманский
Автор| Татьяна Кузнецова
Заголовок| Алексей Ратманский сделал жесты в сторону Мариуса Петипа
В Берлине воссоздали старинную «Баядерку»

Где опубликовано| © Газета "Коммерсантъ" №25, стр. 11
Дата публикации| 2019-02-12
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/3880584
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Наряднее сценографии Жерома Каплана может быть только коврик с лебедями
Фото: Yan Revazov


На сцене берлинской «Штаатсопер» завершились премьерные показы главного спектакля балетного сезона — «Баядерки» Петипа, восстановленной Алексеем Ратманским по архивным документам. Результат научных изысканий обескуражил Татьяну Кузнецову.

Алексей Ратманский пристрастился к реконструкциям старинных балетов лет пять назад, когда научился расшифровывать нотацию (сложную систему записи танца, разработанную в XIX веке петербургским танцовщиком-энтузиастом Степановым). «Баядерка» — пятая его работа; похоже, производство исторических спектаклей уже поставлено на поток. Можно гарантировать непривычно быстрые — аутентичные — темпы, обильную пантомиму, прелестные завитушки прихотливых комбинаций и кордебалетных групп, адажио не выше 90 градусов, вращения на полупальцах, прыжочки с подогнутыми «по-итальянски» коленями, исчезновение привычных анахронизмов, занесенных в балет ХХ веком, и явление новых танцев, извлеченных из небытия. И если отложить в сторону исследовательский интерес постановщика, то весь вопрос в том, делается ли спектакль от этого интереснее.

Немецкой «Баядерке» от возвращения к первоисточнику лучше не стало (Ратманский реконструировал спектакль по записям 1900 года, когда Петипа возобновил свой балет к 40-летию творческой деятельности Павла Гердта; Никией была Матильда Кшесинская). Первые две сцены оказались пантомимными: выход Никии и танец «Джампо» — вот все, чем приходится довольствоваться на протяжении первого получаса. Завязку трудно назвать энергичной: когда три раза разные персонажи, встав лицом к публике, простирают руку в сторону храма, поднимают палец, описывают овал вокруг лица, тычут себе в глаза, прикладывают руку к сердцу и, открыв рот, водят руками от горла вперед, кажется, что зрителя принимают за слабоумного.

Реконструированные демихарактерные танцы первого акта не отнесешь к шедеврам: бесконечные мелкие tombe баядерок из первой сцены повторяют в третьей девушки с опахалами и воины с пиками. Честно говоря, я бы предпочла увидеть прыжки Золотого божка, чем смотреть, как два мужика, обняв друг друга за талию, лирически припадают на одну ногу. Но, увы, вариацию божка сочинили в советские годы, так что в Берлине золотого истукана лишь пронесли на носилках. Нотация, конечно, не дает разгуляться мужчинам — романтическому любовнику Гердту в 1900 году было уже 55 лет. Однако в Берлине Ратманский, поступившись принципами, под конец балета все-таки подарил Солору вариацию в купированной в советские времена сцене свадьбы. Даниил Симкин, весь спектакль мимировавший так, будто злой учитель поставил ему двойку, радостно дорывается до танца: легко отбивает двойные кабриоли, делает по восемь пируэтов и даже просовывает под конец беззаконное двойное ассамбле. Впрочем, будто вспомнив о Гердте, высоких поддержек Ратманский герою не дает — Никию, являющуюся на свадьбу в виде привидения, поднимает наперсник Солора, хотя по сюжету привидение видит только герой.

В этом спектакле хватает несуразностей, которые трудно приписать Петипа. Например, раджа, его дочь и ее жених всю сцену помолвки восседают у задника, и подданные танцуют спиной к повелителю, проявляя верх непочтительности. В сцене «Теней» появилась пикантная поддержка: Солор отступает назад, неся вытянувшуюся «покойничком» Никию на уровне плеч. Ее длинная пачка накрывает лицо героя, и оголившиеся балеринские ноги нацелены прямо в зал. Наконец, в знаменитой вариации с шарфом партнер не ассистирует приме: шарф на толстом тросе прикреплен к колосникам, и Никия выделывает свои большие туры (все в одну сторону, по половине оборота) как на поводке. Едва ли Петипа допустил бы, чтобы трос был заметен: в его театре сценические иллюзии слишком ценились — фокус никогда не превращался в курьез.

Никии в этом спектакле вообще приходится нелегко. В первую очередь актерски: на первом свидании (вместо танцевального дуэта) она с религиозным экстазом должна клясться над жертвенником и тут же весьма безнравственно целоваться с Солором взасос (как-то не верится, что Павел Андреевич и Матильда Феликсовна позволяли себе на сцене такую вольность). Но непросто и технически: в знаменитом «танце со змеей» у балерины в руках ситар, который мешает горестно изгибаться и замирать на пуантах (отчего Никии ХХ века самовольно избавились от инструмента). Ксения Овсяник с поставленными задачами справилась вполне успешно, ей даже удалось изобразить укус так и не вылезшей из корзинки змеи, однако нельзя сказать, что балерина чувствовала себя непринужденно в предлагаемых обстоятельствах.

Что до труппы в целом, то «Баядерка» ей как бы на вырост. Даже в прямом смысле: по численности. Женщин с попугаями здесь всего восемь, с опахалами столько же, «теней» на моем спектакле было 24 вместо минимальных 32; Алексей Ратманский, столь чувствительный к стилю Петипа, отчего-то легко мирится с искажением пространственных композиций. С той же легкостью он относится к исторической достоверности облика спектакля, принимая как должное китчевое оформление своего постоянного сценографа Жерома Каплана: какой-нибудь восстановленный гаргуйяд хореографа волнует больше, чем мюзик-холльный костюмчик артистки, которая его исполняет. Впрочем, берлинцы только рады голым ножкам придворных танцовщиц и не сомневаются в научной основательности реконструкции. Трехактный классический балет с сюжетом, декорациями, яркими костюмами, экзотическими аксессуарами и красивыми танцами — слишком диковинный гость в продвинутой столице Германии, чтобы не покориться ему с чистосердечием первой любви.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Мар 10, 2019 11:12 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8  След.
Страница 2 из 8

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика