Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2018-08
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Камелия
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 08.10.2013
Сообщения: 1695
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Авг 23, 2018 8:25 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018082304
Тема| Балет, Персоналии, Лагуна, Эк, Экман, Ингер
Автор| Александр Фирер
Заголовок| Монакская бергманиана, или мысли о Бергмане
Где опубликовано| © Журнал «Музыкальная жизнь» №7-8 (2018)
Дата публикации| 2018 июль-август
Ссылка| http://mus-mag.ru/index.htm
Аннотация| Фестиваль танца в Монако

Фестиваль Monaco Dance Forum к 100-летию со дня рождения гения кино Ингмара Бергмана представил на исторической сцене Opéra Garnier монакскую премьеру проекта Вони Сарфати «Танцуем с Бергманом»

С каждым годом набирающий популярность, уютными «частями» прижившийся по временам года фестиваль в Монако показывает новинки. Мировая премьера спектакля «Танцуем с Бергманом» только прошла на сцене парижского Театра Елисейских полей. Антрепризный проект после дальнейшего показа в Стокгольме останется лишь в памяти счастливчиков-зрителей и в видеозаписи.

Оммажный уникальный бергмановский вечер приурочен к юбилею кинотитана XX века, шведа номер один, великого режиссера Ингмара Бергмана. Приглашенные участвовать три шведских хореографа-современника Матс Эк, Йохан Ингер и Александр Экман выросли в культуре, погруженной в Бергмана, вышли из бергмановской «шинели» (у шведов – неисчерпаемый язык «бергманизмов» интеллектуальных кинометафор и психологических обертонов). А неповторимая физиогномическая пластика эталонных бергмановских крупных кинопланов – универсальная тема для самого невероятного полифонического исследования, подражания, почитания. Матсу Эку даже довелось ассистировать мэтру в Королевском драматическом театре в Стокгольме. Молодой Эк с истовой ненасытностью как губка впитывал мельчайшие харизматические проявления натуры гениального режиссера. Хореограф вспоминает: «Однажды в театре после нашего традиционного рукопожатия Бергман посмотрел мне прямо в глаза и спросил с некоторой усмешкой: «Ты шпионишь за мной?» Я не шпионил. Но внимательно наблюдал за ним. Всегда. Неизбежно».

Разновозрастные участники проекта сегодня нарасхват в танцтеатре. Каждый из них представил свой пластический взгляд, свое режиссерское эссе на одну из тем необъятного творчества Бергмана и красноречиво явил глубокое эстетическое и культорологическое влияние бергманианы на их авторское мировоззрение. Сам коллективный скандинавский лоск трех постановщиков придал проекту определенный театральный шик и эксклюзивное интонационное звучание.

Программа вечера обрамлялась эпизодами из фильмов Бергмана (концепция видеоцитат Бенгта Ванселиуса): «Персона», «Фанни и Александр», «Жажда», «Шепоты и крики», «Вечер шутов», «Урок любви», «Из жизни марионеток», «Земляничная поляна», «Осенняя соната», «Седьмая печать», «Летняя интерлюдия» и «Причастие».


"4 Карин"

Спектакль «4 Карин» Ингера, безусловно, соотносится с фильмом Бергмана «Сквозь тусклое стекло» («Как в зеркале»), в котором показана деструкция юной Карин, безвозвратно удаляющейся от реальности в зазеркалье рассудка. Но по музыкальной и театральной форме «4 Карин» походит на полифонически виртуозный диалог дансантного опуса Ингера с философской субстанцией артхаусной киноминиатюры «Танец проклятых женщин» Бергмана. Это пластическая театрализация и современная реинкарнация экранных образов четырех женщин, переживающих психологические катаклизмы в клаустрофобном каркасе судьбы под трагическую музыку мадригальной оперы «Балет неблагодарных женщин» Клаудио Монтеверди, которая помогает тонко раскрыть первозданную природу человеческих характеров. Широчайший эмоциональный диапазон языка Монтеверди, его мадригальная чувствительность и звуковая образность идеально легли на притчевый киносюжет Бергмана и соответственно на «вариации на тему Бергмана» Йохана Ингера. В балете-аллюзии (или балете-аллегории) и в фильме у обоих авторов четыре женщины разных поколений обитают в аду жизни под дамокловым мечом христианских догм, сурового института семьи, гнетом свода проклятий предыдущих поколений. Дух матери в черном будто олицетворяет смерть (архиважный персонаж в галерее ярких кинообразов Бергмана); двум танцовщицам (в белом и черном), изображающим дочь матери, отведена роль проклятых душ, ипостасно отражающих светлую и темную стороны человеческой натуры. Четвертая – девочка-ребенок, рожденная свободной, но обреченная участвовать в сакраментальной игре на выживание. Четыре женщины выполняют роли, навязанные им предшественницами.


Танец проклятых женщин

Бергман снял черно-белый фильм «Танец проклятых женщин» (1976) как некую «игру без слов» на шведском телевидении в соавторстве с хореографом Доней Фойер (кстати, она была первым педагогом Матса Эка по танцу), с которой до этого успешно снял фильм-оперу «Волшебная флейта» Моцарта, где впечатляет проход Тамино и Памины через стихии подземелья: тут адски терзаются в модерновой лексике затянутые в телесное трико «проклятые души» кордебалета. Эти хореографическую сцену из «Волшебной флейты» и «Танец проклятых женщин» можно назвать бергмановской дансантной дилогией. Подобно Бергману Ингер вмонтировал в опус видео интерлюдии-обращения к публике с толкованием сути сценического действия. Сам балет повторяется дважды (как дважды повторяется и действо в фильме Бергмана), что позволяет при втором просмотре обнаружить новые нюансы. Перед началом спектакля диктор с экрана говорит лишь о том, что мы увидим женщин, танцующих в узком, закрытом помещении. Глухие серые стены как замкнутая безвыходность и безысходность. Лица, взгляды, жесты, пластика тела, реакции-движения, бурлящие инстинкты, ударная волна через поколения влияют на нас подсознательно сильно и без слов. По окончании балета рассказываются основные мысли этого спектакля. И зритель смотрит балет снова: открываются дополнительные смыслы и детали, а кое-что видится и совсем иначе, чем в первый раз (автор этих строк после первого просмотра представлял себе мать и сестер из «Дома Бернарды Альбы»).

Ингер на роль диктора-ведущей пригласил актрису, снявшуюся в 1976 году в роли девочки, на которую коршунами, опекая, набрасываются три взрослые женщины.
Хореограф начинает балет с бергмановского отрывка-заставки, когда в узком дверном проеме призрачно возникают три женских силуэта и девочка с тряпичной куклой в руках на переднем плане. Экранные образы дансантно оживают в ансамблевой квартетной миниатюре Ингера (в исполнении Анны Херрманн, Нины Боткай, Оливии Анконы, Алвы Ингер Арменты). Постановщик активно перефразирует обильную тактильную вязь бергмановских экранных взаимодействий героинь. Тяжелые движения на подкашивающихся ногах, густая паутина ладоней, покрывающих голову, импульсная согбенность эмоционально рваных траекторий, характерные для взрослых, оттенены полуклассическими мягкими па девочки. Монологи чередуются с ансамблевыми фрагментами, дуэлями женщин в белом и черном, нежными дуэтами женщины в белом с девочкой. В финале блокада взрослых дансантно гасит тлеющие зарницы неискушенной детской свободы. Под занавес на экране возникает иконописный бергмановский квартет женских лиц: все героини с истаивающими заключительными звуками Монтеверди смиренно закрывают глаза, конформистски и обреченно принимая предначертанный свыше удел.


Александр Экман

Затейник шведского балета Александр Экман свой моноспектакль нарек «Мыслями о Бергмане» (с текстами Бергмана и собственными), выразив империю чувств, мыслей, эмоций под изысканное звучание, интимные настроения, тончайшие переливы светотени, воздушную зыбкость фортепианных доверительностей Фредерика Шопена. Концепция опуса Экмана строится на цитате из Бергмана «Танец – это удовольствие». Именно витально дансантное упоение молодой хореавтор «сканирует» и черпает из бергмановской вселенной. Торпедой Экман проносился на экране по залитому солнцем колосящемуся полю, как бы соскакивал с экрана и семимильными шагами пролетал полсцены. Его обычные движения – танец. Штормовые вихри экмановского неуемно сангвинистичного театрального буйства потрясали пространство Opéra Garnier и зрительское воображение: задорная энергетика выплескивалась через край. Экман пластически воспел жизнелюбие и плодовитость, творческую и мужскую, Ингмара Бергмана, часто влюблявшегося, менявшего жен и давшего жизнь своим биологическим детям, всем творчески успешно реализовавшимся. Взрывной фейерверк классических и бытовых па, ртутная хулиганистость поджарого пружинистого тела сменялись вальсированием со зрительницей из партера, прыжками в оркестровую яму, которые неизменно увенчивались триумфальными «а ля феникс» возвращениями на сцену в облаках бутафорского дыма. В обыденном Экман видит нечто нетривиальное: с неба падает ковер, который становится матрицей домашнего устройства, на нем можно выпить и чашечку кофе. И помечтать вслух. И простым жестом ответить на глобальные вопросы.

Непревзойденный рассказчик Экман с детской непосредственностью пластически достоверно изображал священный экстаз перед гипотетическим рандеву с самим Бергманом, восхищенно трепетал всем телом, горячо пожимая дражайшую невидимую руку Мэтра. Лишь интонационно элегичный шопеновский строй (ноктюрн op.9 №2) отрезвляюще умиротворял ликования духа и плоти танцовщика, контрапунктно напоминая о бренности бытия и всего сущего.


Ана Лагуна и Матс Эк

Вечер доминантно завершал номер «Память» на музыку Нико Рельке, поставленный Матсом Эком для себя и своей музы Аны Лагуны в 2000 году. В программке опус датирован «2000-2018»: за этот период он сценически разрастался и эволюционировал в контексте динамичного времени и исполнительских ощущений. В своем балете, подобно Бергману, Эк с психоаналитической дотошностью исследует аспекты альянса мужчины и женщины длиною в жизнь. Легендарные персоны танца в неподражаемо чутком дуэтном взаимодействии фрейдистски погружаются в ностальгический экскурс по своей совместной жизни. Тут есть и воспоминания о жизни вдвоем, и утрата – лампа торшера зажигается и гаснет, будто разделяет жизненный путь на две несоразмерные части…

Тривиальные бытовые аксессуары в виде кресла, телевизора, дивана, аскетичного торшера ансамблево оживают как интерьерные партнеры Лагуны и Эка для живописания их семейного пластического портрета. Откровенный жест и даже ординарный лейтмотив движения в оригинальной фразеологии Эка превращаются в красноречиво доступный для понимания каждого зрителя язык современного танцтеатра. Фирменная эковская самоирония, ясная логика, столь любимые и узнаваемые диалекты пространственных перемещений сплетаются в феерический завораживающий сценический акт, в котором великий гуру-хореограф переосмысляет сами принципы человеческих движений, рождая перехватывающие дыхание новые формы красоты танца. Малейший интонационный перелив мысли даже на четверть тона находит мгновенный душевный отклик друг у друга. Обоих пронизывает телесная дрожь удовольствия от счастья быть вместе. При них буквально оживают предметы мебели, оборачиваясь в давнишних приятелей, хранящих тайны их молодости и тернистые артефакты долгой совместной жизни. Он и Она касаются эрогенных зон друг друга, дурачась, бегают по кровати. Он кружит в кресле любимую, теребит за косичку, заключает в объятия, усаживает на телевизор. Они шелестят газетными страницами воспоминаний… Сокрушительное обаяние, гениальная простота и раритетная пластическая артикуляция Лагуны и Эка поэтично преображают хореографический текст, энциклопедически обобщающий иронию человеческой жизни.

Шведский современный балет имеющий свое неповторимое лицо и бергмановские истоки предстает креативной Персоной среди достойных собратьев по вселенной танца. «Три богатыря» шведского балета в программе «Танцуем с Бергманом» сделали художественный акцент на крупных планах человеческих чувств, по-бергмановски выразив сложнейшие переживания экзистенциальной встречи индивидуума с правдой о мире внутри и вокруг себя. Этим они не только выказали генетическую связь со своим великим соотечественником, но и признались в любви к его творчеству, которое выросло из беззаветной и страстной преданности сцене.

Фото/Эрик Берг


Последний раз редактировалось: Камелия (Чт Авг 23, 2018 8:45 pm), всего редактировалось 2 раз(а)
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Камелия
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 08.10.2013
Сообщения: 1695
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Авг 23, 2018 8:39 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018082305
Тема| Балет, Персоналии, Лакотт, Грачева, Ананиашвили, Лунькина, Александрова, Захарова, Осипова, Крысанова, Лопатин, Филин
Автор| Александр Фирер
Заголовок| В Большом оживили куклу и мумию
Где опубликовано| © Журнал «Музыкальная жизнь» №7-8 (2018)
Дата публикации| 2018 июль-август (на сайте журнала опубликовано 20.09.2018)
Ссылка| http://mz.kmpztr.ru/v-bolshom-ozhivili-kuklu-i-mumiyu/
Аннотация| Возобновления в Большом

Афишу Большого театра украсили возобновленные балеты «Коппелия» и «Дочь фараона» по мотивам Мариуса Петипа

Механическая кукла
Хит классического балетного репертуара «Коппелия» появился на свет в Париже (Théâtre impérial de l’Opéra) в 1870 году, и его премьеру даже почтили своим присутствием Наполеон III с супругой. Этот комический балет поставил на музыку Лео Делиба Артюр Сен-Леон, вернувшийся на родину после успешной карьеры в Петербурге (где он, сменив Жюля Перро, находился на должности главного императорского балетмейстера в течение десяти лет). Либретто написал Шарль Нюиттер по сказочной новелле «Песочный человек» немецкого романтика Эрнста Теодора Амадея Гофмана.
По сюжету бойкая Сванильда проникает в дом профессора Коппелиуса, чтобы разобраться с его дочерью, к которой она приревновала своего жениха Франца. Обнаружив, что Коппелия заводная механическая кукла, Сванильда переодевается в ее платье, одурачивает Коппелиуса и женит на себе ветреного Франца.


Екатерина Крысанова - Сванильда, Вячеслав Лопатин - Франц

В 1884 году в Большом (Каменном) театре Санкт-Петербурга свою «Коппелию» поставил Мариус Петипа. Десять лет спустя уже в Мариинском театре по хореографии Мариуса Петипа новую версию создали Энрико Чекетти и Лев Иванов: Сванильду исполняла Пьерина Леньяни, затем – Матильда Кшесинская и Ольга Преображенская.

Петербуржец до мозга «балетных» костей Сергей Вихарев поставил «Коппелию» в Новосибирске в 2002 году, а через семь лет – в Москве в Большом, реконструировав балет по записям режиссера императорского Мариинского театра Николая Сергеева.
В зрелищном классическом спектакле Вихарева с декорациями Бориса Каминского и в костюмах Татьяны Ногиновой, выполненных по дореволюционным эскизам французских и русских художников, сделан акцент на истинном петербургском исполнительском стиле, подчеркнуто сочетание старофранцузского языка Мариуса Петипа и пиршества итальянской техники XIX века, внедренной Энрике Чекетти. Всеми гранями блеснул здесь талант Марии Александровой и Натальи Осиповой – истинных балерин-москвичек.

«Коппелия» прошла 27 раз и в 2014 году исчезла с афиши Большого без каких-либо веских на то оснований. Новый худрук балета Большого театра Махар Вазиев, поддержавший в 1999 году идею реконструкций Сергея Вихарева в Мариинке, решил снова привлечь этого хореографа к капитальному возобновлению «Коппелии». Однако трагическая смерть Вихарева не дала сбыться замыслам. «Коппелию» в Большом восстановили практически своими силами.

Отменно танцует кордебалет. Артистам удалось сохранить стиль в мазурке и чардаше первого акта. Отлично был исполнен и праздничный финал балета, украшенный сюитой танцев и эффектным па де де. Исполнители главных партий Сванильды и Франца записные виртуозы прима-балерина Екатерина Крысанова и премьер Вячеслав Лопатин неподражаемы актерски и с легкостью справляются с танцевальной техникой. Во втором составе Лопатин успешно выступил с другой прима-балериной Анастасией Сташкевич. Появились и молодые исполнители: Дарья Хохлова и Артемий Беляков, Маргарита Шрайнер и Давид Мотта Соарес. Также дебютировала в роли Сванильды и прима-балерина Евгения Образцова.

Неувядающая мумия
Премьера балета «Дочь фараона» Мариуса Петипа на музыку Цезаря Пуни состоялась в Большом (Каменном) театре в Санкт-Петербурге в 1862 году. Это была его первая большая и совершенно самостоятельная работа. Спектакль на неисчерпаемую египетскую тему рождался в экстремальных условиях: высокопоставленный чиновник (директор Императорских театров Сабуров) отказался дать средства на постановку из-за разрыва отношений с участвовавшей в ней балериной Каролиной Розати, а затем потребовал, чтобы многоактный балет хореограф поставил за шесть недель; нервничая, Петипа поссорился с композитором Пуни, а тот в порыве гнева уничтожил клавир, и впоследствии ему пришлось подгонять музыку под уже готовый хореографический текст, который Петипа вынужден был сочинять без музыки.


Светлана Захарова - Аспиччия, Денис Родькин - Таор

Получился большой балет в девяти картинах с прологом и эпилогом. (На премьере партию Лорда Вильсона и Таора исполнил сам Петипа). Спектакль имел большой успех. Увидевший же «Дочь фараона» датский хореограф Август Бурнонвиль осудил «бесстыдство стиля, заимствованного у итальянцев» и «гимнастические экстравагантности», а также отметил, что балет поставлен «с роскошью, не знавшей равной ни в одном из театров Европы».

Через два года после премьеры «Дочь фараона» Петипа была перенесена (в 4-х действиях и 9 картинах) в Москву, в Большой театр. А в 1905 году Александр Горский осуществил новую редакцию этого балета в пяти актах: спектакль просуществовал недолго и канул в лету.

В 2000 году на рубеже веков многолюдную трехактную «Дочь фараона» по мотивам Петипа во всем оформительском великолепии поставил в Большом театре знаменитый француз Пьер Лакотт (со времен Петипа первый иностранец, которому был заказан этот грандиозный эксклюзив). Хореограф практически заново сочинил балет, почивший в 1928 году. На свой манер Лакотт реконструировал опус, введя в него высокие верхние поддержки и в то же время стилизовав танцы под старинный французский канон, что исторически оправдано, ибо Петипа в пору создания «Дочери фараона» находился еще под сильным влиянием родной французской танцевальной традиции. Либретто Жюля-Анри Вернуа дё Сен-Жоржа и Мариуса Петипа по мотивам «Романа мумии» Теофиля Готье Лакотт в целом сохранил: английский лорд Вильсон, застигнутый песчаной бурей в пустыне, оказывается внутри пирамиды среди мумий, и одна из них – дочь фараона Аспиччия – оживает во сне героя, накурившегося опиума; сам он мнит себя египтянином Таором, влюбляется в Аспиччию и, успешно преодолев все злоключения, женится на ней и тут же пробуждается.


Ольга Смирнова - Аспиччия, Семен Чудин - Таор

Балет Лакотта выпускался в горячечной спешке, его собирали воедино в самый последний момент, и на генеральной репетиции он был совершенно «сырым». Однако на премьере результат превзошел все ожидания: труппа собралась и максимально выложилась, а спектакль имел огромный успех и вызвал большой резонанс в мире. Заглавную партию исполняли Нина Ананиашвили, Надежда Грачева, Светлана Лунькина.

Многострадальная «Дочь фараона» прошла непростые испытания временем, сменой руководства Большого и поколений балетных артистов. Перед началом нового сезона в 2000 году только назначенный на пост художественного и музыкального руководителя Большого театра выдающийся дирижер Геннадий Рождественский с негодованием обрушился на музыку Пуни и потребовал «изгнать» из репертуара его «Дочь фараона». Опус сняли со скандалом, с ожесточенными битвами его балетных сторонников и критиков с руководством театра, и даже худрука балета Алексея Фадеечева, отстаивавшего спектакль, уволили. Съемки и гастроли «Дочери фараона» отменились, а на «Золотой маске» этот балет не смогли показать, хотя он и был выдвинут на конкурс в нескольких номинациях. Ну а сам Рождественский неожиданно в конце сезона подал в отставку.


Екатерина Шипулина - Аспиччия, Артемий Беляков - Таор

Балету все-таки вернули его доброе имя и аншлаговую сценическую жизнь, однако он утратил свою былую безукоризненность и витальность. Последующие вводы на заглавную партию Светланы Захаровой и Марии Александровой заметно украсили «мумифицирующуюся» субстанцию спектакля.

Когда Историческая сцена Большого закрылась на длительную реконструкцию, «Дочь фараона» не смогла вписаться в пространство Новой сцены, переехала на неуютную гигантскую сцену Кремлевского дворца и шла очень редко, по два-четыре раза в сезон, а то и вообще отсутствовала в афише 2009/2010. Появились, правда, новые прекрасные Аспиччии – Наталия Осипова, танцевальность, легкость и техника которой не знали границ, и точная виртуозка Екатерина Крысанова.

И вот новый виток событий: Большой возвращается на Историческую сцену, и новый худрук балета Сергей Филин, первый исполнитель лорда Вильсона, приглашает Пьера Лакотта и его постоянную ассистентку Анн Сальмон возобновить спектакль уже с новыми исполнительницами Аспиччии Ольгой Смирновой и Евгенией Образцовой. И тем не менее «удары судьбы» продолжают преследовать «Дочь фараона»: после возобновления 2012 года она прошла 11 раз, и с появлением в Большом в 2013 году балета Пьера Лакотта «Марко Спада» исчезла вообще с поля зрения. (Кстати, «Марко Спада» прошел 20 раз в течение двух сезонов и тоже сгинул).

И вот теперь, спустя почти шесть лет, Большой решил реанимировать «Дочь фараона» и пригласил для капитального возобновления Анн Сальмон. За все годы существования этого балета в версии Лакотта в нем было сделано много пантомимных и танцевальных купюр и переделок (не всегда к лучшему) самим хореографом-постановщиком. Но даже при всех этих сокращениях вариаций и адажио осталось в изобилии: богатый виртуозными танцами и бесхитростными балетными мистикой и чудесами балет принят сегодняшними зрителями на ура.

Тут масса персонажей: Аспиччия, Лорд Вильсон (он же Таор), Рамзея, Джон Буль, Реки (Гвадалквивир, Конго, Нева), Рыбак и Жена Рыбака, Фараон, Царь Нубийский, Бог Нила, Верховный жрец и много других, даже Обезьяна. Они рельефно изображены артистами. А технические трудности исполнители первых и вторых ролей, а также вариаций (pas d'action) преодолевают на максимуме своих возможностей.

В спектакле занят весь цвет балетной труппы. Партию Аспиччии исполняют прима-балерины Светлана Захарова, Евгения Образцова, Ольга Смирнова, Екатерина Шипулина, Юлия Степанова. Таора танцуют премьеры Денис Родькин, Артем Овчаренко, Семен Чудин, ведущий солист Артемий Беляков. В партии Рамзеи – Кристина Кретова, Анастасия Сташкевич, Анна Тихомирова, Дарья Хохлова, Елизавета Крутелева.
Рыбака и его Жену (нелишне вспомнить, что роль Рыбака в XIX веке на премьере исполнял сам Лев Иванов, известный постановкой «белого» акта «Лебединого озера») в первом составе станцевали технически безупречный Вячеслав Лопатин с Анастасией Сташкевич, в других составах выступили Мария Виноградова и Артур Мкртчян, Маргарита Шрайнер и Марк Чино, Ольга Марченкова и Давид Мотта Соарес.

54-й спектакль Лакотта – теперь это новейшая история «Дочери фараона», которая продолжается…

Фото Елены Фетисовой и Дамира Юсупова
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18828
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Авг 23, 2018 9:23 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018082306
Тема| Балет, МТ, Персоналии, Мэй Нагахиса
Автор| Екатерина Поллак
Заголовок| ИНТЕРВЬЮ С НАГАХИСОЙ МЭЙ: ПРИНЦЕССА ИЗ ПАВИЛЬОНА ГЛИЦИНИЙ
Где опубликовано| © BEATRICE MAGAZINE
Дата публикации| 2018-08-15
Ссылка| http://beatricemagazine.com/nagahisa_may/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Мэй Нагахиса – самая юная артистка Мариинского, в мае ей исполнилось восемнадцать лет. Сезон 2017/18 г. стал открытием этой хрупкой, пленительно-нежной балерины, приехавшей в Петербург по приглашению Юрия Фатеева, и.о. заведующего балетной труппой театра. За это время Нагахиса успела подготовить более дюжины новых партий, в которых, подобно принцессе из павильона Глициний «Повести о Гэндзи», сверкает свежей, юной красотой. Только слухи о её достоинствах, распространяясь, волнуют сердца [1], что же говорить о танце. Мы пригласили Мэй Нагахису на интервью, и оно получилось по-японски сдержанным и аскетичным.


В партии Тени в балете "Баядерка". Снимок Наташи Разиной © Мариинский театр

Мэй, представьте себя, пожалуйста, в нескольких словах.

Здравствуйте. Меня зовут Мэй Нагахиса. Я – японка. Балетом я начала заниматься в три года. С 13-ти до 17-ти лет я обучалась в «Академии Принцессы Грейс» в Монако, и это мой первый сезон в Мариинском театре.

Почему Вы выбрали Академию принцессы Грейс? Чему ее педагоги уделяют особое внимание? Расскажите, чем наполнена жизнь ее воспитанников, и какой ученицей были Вы сами.

Когда мне было двенадцать, я участвовала в конкурсе «YAGP» (Youth America Grand Prix, или «Молодёжное гран-при Америки» – международный юношеский танцевальный конкурс, ежегодно проводящийся в Нью-Йорке – прим. ‘BM’). Там меня заметил директор Академии Люка Масала, я получила школьную стипендию. Это были особенные четыре года моей жизни. Иногда было очень сложно, но на протяжении всего этого непростого времени я думала, что ментально и технически стану сильнее, и сейчас я осознаю, что это большая удача – иметь возможность обучаться в Академии. Все преподаватели и Директор уделяют много внимания каждому студенту и дают нам страсть и любовь каждый день! Я благодарна им за это.

Как сложилось так, что Вы начали заниматься балетом? Это хотели Ваши родители?

Когда мне было 3 года, мама привела меня в балетную школу. Это была мечта моей мамы, чтобы я стала балериной!

Вы очень юны, и вместе с тем новые партии появляются в вашем репертуаре так быстро, что невольно можно удивиться, когда только Вы успеваете готовиться. И репертуар Мариинского театра очень хорошо «лёг» на Вас и вашу выучку. Глядя на Вас, невозможно сказать, что ваша балетная школа – иностранная, не вагановская, а ведь иностранцы на русской сцене всегда видны издалека…

Да, это был большой сюрприз для меня – узнать вдруг, что у меня совсем мало времени на репетицию новых балетов. Конечно, в Академии у нас было много времени для подготовки Экзамена или выступления. Но я думаю, я все же потихоньку привыкаю.

У Вас были русские учителя в Академии? Расскажите, как готовятся Ваши новые партии, и кто из репетиторов Мариинского театра работает с Вами.

У меня не было русских учителей в Академии. Класс был более разнообразный, чем здесь… но я стараюсь использовать свое тело и работать так, как привыкла в Академии… также привыкаю к наклонному полу, в Академии у нас был только ровный пол (сцена Мариинского театра имеет наклон около четырех градусов – прим. ‘BM’). Поначалу было очень трудно вращаться и сохранять равновесие на скошенном полу. Мой репетитор – Эльвира Тарасова, и я очень этому рада! Она очень мила, добра, красивый и веселый человек, и настоящий педагог, которому можно доверять. И движения, которые она показывает… это так красиво!

Приходится ли чем-то жертвовать ради балета? Как Вам дается профессия «артист балета»?

Мне всегда было тяжело вдали от моей семьи. С тех пор, когда я приехала в Монако (мне было 13), и до сих пор я постоянно скучаю по дому и моей семье… Но я выбрала сама эту жизнь. Вообще я думаю, это нормально для балерины – жертвовать чем-то.

Есть ли у Вас балетные кумиры?

Не могу сказать, что мне нравится только какой-то один артист, мне нравятся все артисты, чей танец красив и выразителен, танец души.

В чем Вы искали вдохновение и красоту, когда начались репетиции «Щелкунчика»? Ваша Маша такая мечтательная и хрупкая!

Показать характер Маши в Щелкунчике мне было просто, поскольку она – маленькая девочка, которая много мечтает, у нее богатое воображение. В этом она, как и я. Я старалась в каждом акте показать разные образы, получая при этом невероятное наслаждение от танца.

Как Вы относитесь к модерну и поиску новых форм танца? Всё это сейчас очень серьезно пропагандируется в балетном мире, но не всегда может быть названо искусством.

У нас было много классов по contemporary в Академии. Постоянно разные учителя со всего мира, в Академии очень много студентов, которые очень хороши в contemporary. Когда я начинала в этом жанре, я искренне не понимала, что в нем интересного… Но попробовав себя в нем и увидев много выступлений других танцовщиков, я начала понимать, что это тоже очень интересно. В contemporary у нас больше свободы, больше способов выразить себя, чем в классике. Часто, конечно, сложнее понять, о чем это, но часто и совсем просто. Но я все еще предпочитаю классику!

О каких еще партиях на сцене Мариинского театра мечтаете?

Я просто обожаю Жизель, и моей мечтой, конечно, всегда была эта партия.

==================================================
[1] Мурасаки Сикибу. Повесть о Гэндзи. — Москва: «Наука», изд. фирма «Восточная литература». — 1993.


Интервьюер Екатерина Поллак
Перевод Максима Бекетова
==================================================================


Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Камелия
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 08.10.2013
Сообщения: 1695
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Авг 24, 2018 2:55 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018082401
Тема| Балет, Персоналии, Галстян, Марукян, Пирумян, Мурадян, Маргарян
Автор| Александр Фирер
Заголовок| Аргументы армянского балета
Где опубликовано| © Журнал «Музыкальная жизнь» №7-8 (2018)
Дата публикации| 2018 июль-август (на сайте журнала опубликовано 17.09.2018)
Ссылка| http://mz.kmpztr.ru/argumenty-armyanskogo-baleta/
Аннотация| Гастроли Театра оперы и балета им. Спендиарова. Балет «Гаянэ»


На Исторической сцене Большого театра Национальный академический театр оперы и балета им. А. Спендиаряна показал балет Арама Хачатуряна «Гаянэ», приурочив гастроли к 115-летию со дня рождения композитора, 100-летию образования Первой Республики Армения и 2800-летию Еревана

Сегодня каждый узнает «Танец с саблями» из балета «Гаянэ» Хачатуряна, самое его «шумливое и непокорное дитя». Музыкальная тема этого шлягера растиражирована в кинофильмах и мультфильмах, он звучит в программах фигурного катания и на эстраде, а самого автора хита в конце 40-х в США прозвали Мистером Сэйбрданс. Современники утверждали, что «Танец с саблями» даже Сталина заставлял притоптывать в такт музыке. А потому, видимо, в те годы решили, что номер должен звучать по радио чуть ли не каждый день.

Первоначально этого самого популярного танцномера в партитуре не было, Хачатурян дописал его по просьбе театра: начал сочинять в три часа дня и, не отрываясь, работал до двух часов ночи. Назывался он «Танец курдов» (позднее был переименован в «Танец с саблями»). Отдавая хореографу партитуру номера, композитор в сердцах написал на титульном листе: «Черт возьми, в угоду балету!»

В партитуре «Гаянэ» отчетливо видны родственные связи с русской композиторской школой по красочной насыщенности композиторского письма: безбрежная эмоциональность, как у Чайковского, синкопированное смещение акцентов и ритмический «хаос», как у Стравинского, токкатная острота Прокофьева, самобытно положенные на базис армянской народной музыки. Виртуозная оригинальная авторская техника Хачатуряна впечатляет фразеологической своеобычностью, неожиданностью хроматических ходов, поэмностью мышления, патетически страстной образностью. Его неистовый мелодизм пронизывает солнечную оду жизни этого опуса.


Сюзанна Пирумян - Гаяне, Рубен Мурадян - Армен, Размик Марукян - Гико

Балет «Гаянэ» имеет и собственную предысторию: его партитура вобрала в себя все лучшее, что было в первом балете Хачатуряна «Счастье» (1939). В дружеской беседе с композитором видный политический деятель Атанас Микоян высказал ему пожелание сочинить балет к первой предстоящей десятидневной Декаде литературы и искусства Армении в Москве. Он посоветовал Хачатуряну встретиться с режиссером Геворком Ованесяном, написавшим недавно балетное либретто «Счастье» о жизни и труде советских колхозников, деревенской молодежи и пограничников.

Хачатурян начал активно собирать фольклорный материал, изучать мелодии родного края. В предельно сжатые сроки, буквально за полгода партитура была написана, хореографию поставил Илья Арбатов (Ягубян). В балете «Счастье» затрагивалась тема труда, патриотизма, обороны страны. Действие разворачивалось в армянской колхозной деревне, в садах Араратской долины, на пограничной заставе; в центре сюжета – любовь девушки-колхозницы и пограничника. Балет, несмотря на слабую драматургию, имел шумный успех в Москве. И Ленинградский театр оперы и балета им. Кирова предложил поставить этот балет на своей сцене, но с новым либретто, которое впоследствии написал Константин Державин о колхозниках, чабанах, диверсанте-поджигателе, геологах и пограничниках с праздничным финалом и гостями на нем из братских республик – русскими, украинцами, грузинами, которые славили нерушимую дружбу советских народов. Счастливо соединялись три пары, две из которых межнациональные – армянка Гаянэ и русский Казаков, курдянка Айша и армянин Армен.
В результате партитура «Счастья» была «раскулачена» самим композитором, дополнена, симфонически развита, и все завершилось балетом «Гаянэ» (названным по имени главной героини), около 700 страниц партитуры которого были написаны в холодной гостиничной комнатушке в Молотове (ныне Пермь), куда был эвакуирован Кировский (ныне Мариинский) театр. Премьера там состоялась в 1942 году в хореографии Нины Анисимовой.

Через три года спектакль переехал в Ленинград. Было не раз переписано либретто: исчез пролог, менялось число диверсантов, Армен из брата Гаянэ превратился в ее возлюбленного, а Гико, который в прежней версии был мужем Гаянэ, теперь пытался добиться ее руки и сердца. Казаков окончательно «переквалифицировался» из начальника погранзаставы в начальника геологической партии.

Каждый последующий либреттист менял сюжетную канву спектакля в угоду историческому моменту (менялся при этом и сценический облик балета), а композитор, в свою очередь, перекраивал партитуру, чтобы она соответствовала новой драматургии. Еще одна версия либретто была написана Борисом Плетневым для постановки в Большом театре в 1957 году (хореограф Василий Вайнонен), и тогда Хачатурян переработал почти треть музыки. Через четыре года балетмейстер Анисимова здесь же поставила четвертый акт балета как самостоятельный спектакль, который, пройдя 15 раз, исчез со сцены Большого в 1964 году.

Нина Анисимова поставила «Гаянэ» и в Ереване, в Армянском академическом театре оперы и балета в 1947 году, а в 1971-м появилась новая версия балета в хореографии Максима Мартиросяна, которая не прижилась надолго. По-видимому, недостатки сценарно-балетной драматургии «Гаянэ» никак не устраивали Хачатуряна, и он как-то предложил блистательному темпераментному танцовщику Вилену Галстяну поставить этот балет заново. Галстян сперва обратился за помощью написать либретто к армянским поэтам, но в результате все сделал сам и даже музыкальную редакцию с купюрами, на которые Хачатурян все-таки согласился. При этом композитор весь подготовительный и постановочный процесс детально контролировал, сам стоял за пультом на репетициях.

В нынешней версии балета от первоначального замысла остался лишь любовный треугольник: Гаянэ, Армен, Гико. Армен влюблен в Гаянэ. Его соперник Гико тщетно пытается завоевать сердце красавицы, он мстит за неудачу, похищает Гаянэ. Жители деревни помогают Армену ее освободить и изгоняют Гико. Балет заканчивается веселой свадьбой Гаянэ и Армена.

Премьера балета «Гаянэ» в постановке Вилена Галстяна (дирижер Яков Восканян) состоялась в 1974 году, а на следующий год эту работу привезли в Москву и показали на сцене Кремлевского дворца съездов. Партию Армена исполнил постановщик Вилен Галстян.

С тех пор балет хотя и немного обновлялся (в частности – декорации), но кардинально не изменился. Сегодняшний зритель тепло принимал трехактный спектакль «Гаянэ» в Большом театре. Армянским артистам пришлось бисировать зажигательный и вихревой «Танец с саблями».

Прекрасные цветонасыщенные, экспрессивные декорации созданы известным армянским художником с трагической судьбой Минасом Аветисяном, картинами которого в Армении гордятся не меньше, чем полотнами Анри Матисса во Франции. Хореография же Галстяна типично советская, со всеми присущими ей танцевальными трафаретностями того времени; силовая, с воплощением героических образов, с оглядкой на построение массовых сцен и лексику Юрия Григоровича. Но в этом и прелесть – балет такой же занятный образчик советской эпохи, как, например, и скульптура Веры Мухиной «Рабочий и колхозница» на ВДНХ.

Само действие этого наивно-иллюстративного спектакля порой «пробуксовывает» (особенно в первом и втором актах) под яркую музыку Хачатуряна, с широким развитием, полную драматизма и лирики, изобилующую джазовыми элементами и армянскими народными мелодиями, развитыми в приемах симфонической разработки. Оркестр вдохновляет своим полнозвучием. За дирижерским пультом – Атанес Аракелян, в бисовом финале его сменил директор и художественный руководитель театра Константин Орбелян.

Ереванская балетная труппа сегодня, к сожалению, недостаточно финансируется, молодежь призывают в армию, а самые талантливые артисты уезжают на работу за рубеж. Кордебалет неоднороден по физическим данным, по возрасту, по уровню исполнения, но работает с полной отдачей. На гастролях в Москве представилась возможность познакомиться с нынешними солистами компании. Исполнители главных партий добросовестная Сюзанна Пирумян (Гаянэ) и танцовщик плотного телосложения Рубен Мурадян (Армен) «рисуют» крупными мазками, довольно успешно прыгают и вращаются. Мери Ованнисян (Нунэ) неуверенно порой чувствует себя на пуантах, сбоила на вращениях, а вот ее партнер Ваагн Маргарян (Карен) подкупал легкостью исполнения. Блистательный восемнадцатилетний Размик Марукян (Гико) – обладатель редкого комплекса в балете, – завидная внешность, артистичный, пластичный, с прекрасной техникой, растяжкой, с отличной стопой, что немаловажно для классического танцовщика. Он, безусловно, будущее армянского балета.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Камелия
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 08.10.2013
Сообщения: 1695
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Авг 24, 2018 3:01 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018082402
Тема| Балет, Персоналии, Пеллизари
Автор| Александр Фирер
Заголовок| Балет в невесомости, или отражения танца
Где опубликовано| © Журнал «Музыкальная жизнь» №7-8 (1188)
Дата публикации| 2018 июль-август
Ссылка| http://mz.kmpztr.ru/balet-v-nevesomosti-ili-otrazheniya-tan/
Аннотация| Гастроли труппы No Gravity


В рамках IV Международного фестиваля искусств «Вдохновение» на ВДНХ итальянская труппа No Gravity dance company показала спектакль «Aria»

1 августа ВДНХ справлял свой день рождения. Разноцветные лучи, цветочный партер аллеи и струи фонтана «Дружба народов» своей цветовой партитурой поддержали партитуру музыкальную: в исполнении симфонического оркестра Москвы «Русская филармония» прозвучали сочинения Чайковского, Хачатуряна и Иоганна Шрауса-сына. А главным событием вечера стало французское шоу летающих артистов пластических искусств «Космическая Одиссея». Фантастические фигуры, невероятные по размеру, по форме, изобилующие разноцветием, парили в воздухе. Сказочное приключение звезд и планет, путешествие во Вселенной будили воображение даже самых закоренелых скептиков. Шествие зрителей, заполнивших все пространство ВДНХ без остатка, шумно следовало по центральной аллее за летающими кораблями-рыбами, инопланетными драконами, гигантскими хвостатыми сперматозоидами, громадными моллюсками и другими диковинными фигурами. А в финале воздух разорвал нескончаемый фейерверк, и струи фонтанов осветились сочными красками: фонтан «Каменный цветок» из малахитового превращался в сиреневый, а шестнадцать женских скульптур фонтана «Дружба народов» отливали то золотом, то серебром.

В эти августовские дни на ВДНХ проходил фестиваль искусств «Вдохновение», главной темой которого в этом году стал театр. Итальянская труппа No Gravity представила спектакль «Aria» (в переводе с итальянского «воздух» и «ария») в соседнем с ВДНХ парке Останкино, в «Зеленом театре. Сцена на воде», где узкий водный «канал» пруда отделяет зрителей от сцены.

Уникальная компания, основанная более десяти лет назад Эмильяно Пеллизари, приезжала три года назад в Москву со спектаклем «Трилогия», навеянным «Божественной комедией» Данте Алигьери. На этот раз труппа No Gravity показала опус с пением и парением под барочную музыку.



Самому действу «Aria» предшествовало выступление Мишеля Каррека на теорбе – все ждали, когда стемнеет и появятся на сцене летающие персонажи. Волнующе впечатляющее зрелище, магическое, абсолютно отрицало законы гравитации. В синтетическом слиянии искусств режиссер спектакля Эмильяно Пеллизари и хореограф Мариана Порчедду концепционно и талантливо балансируют на стыке театральных жанров в плодотворном и убедительном поиске новых сценических форм.

Спектакль «Aria» дарит незабываемую атмосферу манкого свидания с таинством театра, цепко задевающего дремлющие струны человеческого естества. Сочетание артистического таланта исполнителей с техническими возможностями машинерии рождают геометрически орнаментальную символику тел, подобно тому, как в детском вращаемом калейдоскопе с цветными стеклышками меняются узоры. Трюки исполняются на полу (что спрятано от зрителя), а их зеркальная проекция придает происходящему эффект чуда – парения в невесомости.

No Gravity Dance Company соответствует своему названию лишь частично: чистого танца тут нет, в изобретательном спектакле соединены цирк, пластика, музыка, танцевальные метаморфозы, скульптурная мозаика фигур, оптические достижения, азартные игры с пространством, волшебные чудеса. «Невесомые души» (пять артистов) представляются идеями, видениями, островками памяти. Появляющиеся образы трансформируются. Звучание четырнадцати номеров барочной музыки в исполнении пяти музыкантов из Roma Barocca Ensemble – теорба и барочная гитара, флейта, гобой, виолончель и скрипки, и прекрасных певцов (сопрано Сюзан Бунгард и контртенор Анджело Бонаццоли) усиливало ретушь восприятия. Под звуки произведений Вивальди, Монтеверди, Перголези, Марчелло, Джакомелли, Тартини, Броски, Кирхера, Санчеса, Хассе, Мартинеса (аноним) в исполнении ансамбля аутентичных инструментов на сцене появлялись поэты-музыканты в барочных костюмах и высоких напудренных париках. Музыка из опер «Орфей», «Служанка-госпожа», «Меропа», «Артазерс», кантат, сонат и концертов обыгрывалась пластическими сценками. Не без юмора певец будто шмель (а может, бабочка) улетал в поднебесье; пульчинеллы бесстрашно выделывали сальто на ходулях; белые юбки пятерых вдруг вытягивались, словно превращались в высоченные флейты; две русалки топили кораблик с певцом, захватывая его с собой в пену морскую; певица беззастенчиво возносилась в небеса на обнаженных мужских телах; два поющих персонажа в огромных пышных кринолинах, будто вырезанных из бумаги, смешно болтали кончиками торчащих ножек, обутых в изящные туфельки. Был и серьезный эпизод с несением на спине креста…

Двухактный спектакль-дивертисмент закончился ближе к полуночи, зрители садились на велосипеды и таинственно исчезали в ночи, устремляясь в свое не менее занимательное приключение под названием «московская жизнь» (а для счастливчиков еще и музыкальная).

======================================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Камелия
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 08.10.2013
Сообщения: 1695
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Авг 24, 2018 5:08 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018082403
Тема| Балет, Персоналии, Трикоз, Смилевски, Хорева, Буланова, Захаров, Кокорева, Афанасьева, Дедикина, Горелкин, Егорова
Автор| Александр Фирер
Заголовок| Двойной юбилей, или танцевальные вехи
Где опубликовано| © Журнал «Музыкальная жизнь» №7-8
Дата публикации| 2018 июль-август
Ссылка| http://mz.kmpztr.ru/dvoynoy-yubiley-ili-tancevalnye-vekhi/
Аннотация| Юбилей балетных школ

Торжественными выпускными концертами на Исторической сцене Большого театра Москва отметила славные даты двух старейших и легендарных балетных школ отечества – 280-летие Академии русского балета имени А. Я. Вагановой и 245-летие Московской государственной академии хореографии

Обе школы, сформировавшие облик русского балета, издавна (гласно и негласно) ведут конкурентный диалог двух столиц о традиции и особенностях стилей. Академизм, эстетически воплощенный в выдающихся питомцах обоих учебных заведений, создал идеальный образ русского балетного артиста, востребованного во всем мире и универсально владеющего виртуозной техникой и яркой харизмой.

Днем рождения русского балета и первой профессиональной балетной школы (сегодня Академии русского балета имени А.Я. Вагановой) принято считать 4 мая 1738 года, когда Анна Иоанновна подписала указ об учреждении «Танцовальной Ея Величества школы для сочинения балетов и танцования театрального, степенного и комического». В 1773 году указом другой императрицы Екатерины II при Московском воспитательном (сиротском) доме были созданы классы изящных искусств, в состав которых входил и класс танцевания. Оба престижных училища, пережив виражи смутных исторических времен, сменив названия, побывав даже хореографическими техникумами, продолжают исправно ковать высокопрофессиональные балетные кадры для разветвленной сети российских балетных театров и танцкомпаний в разных уголках планеты. Вагановка великолепно вписана в архитектурный ландшафт Северной Пальмиры, а ее адрес – улица зодчего Росси – приобрел дансантную лейтмотивность. МГАХ же утопает в зелени респектабельных Хамовников в воздвигнутом Софьей Головкиной еще в советскую эпоху просторном дворце танца, впечатляющим и сегодня своим размахом и функциональностью.


Александра Трикоз - Медора, Анастасия Дедикина - Гюльнара

Какой школе отдать предпочтение – вопрос риторический. Петербургско-ленинградская плеяда – Павлова, Нижинский, Спесивцева, Фокин, Горский, Баланчин, Уланова, Семенова, Григорович, Барышников, Нуреев, Макарова (правда, все сделали карьеру не в Петербурге) или московский «дивизион» – Мордкин, Мясин, Мессерер, Моисеев, Лепешинская, Плисецкая, Фадеечев, Васильев, Максимова, Лавровский, Лиепа, Бессмертнова – имена, вызывающие вальсирующее головокружение!

Оба учебных заведения приурочили концерты к 200-летию мэтра балетного академизма Мариуса Петипа, включив в свои программы его произведения. МГАХ подготовил грандиозный концерт в трех отделениях из классических опусов, станцованных на отличном исполнительском уровне. Названия программы вечера символично перекликались с репертуаром Большого. Конечно, ректор Марина Леонова резонно ориентирует подготовку выпускников Московской академии хореографии на возможность их влиться в балетную труппу главного театра страны. «Танцы корсаров» и «Оживленный сад» (Елизавета Егорова – Медора, Анастасия Дедикина – Гюльнара) из «Корсара», «Танец с барабаном» из «Баядерки», «Венгрский танец» из «Раймонды» были станцованы так отменно, что молодых артистов впору назвать вторым составом Большого. А технический уровень юных танцовщиков позволяет им убедительно и виртуозно исполнять классическую хореографию, которая не каждому и взрослому артисту бывает по ногам. Па де де Медоры и Конрада достойно исполнили Елизавета Кокорева и Денис Захаров, в Адажио с четырьмя кавалерами из «Спящей красавицы» хорошо показалась Стефания Гаштарска, в па де де из «Тщетной предосторожности» живо выступили Александра Трикоз и Игорь Горелкин, а Полина Афанасьева (Эсмеральда) и Дмитрий Смилевски (Гренгуар) превратили па де сис из «Эсмеральды» в маленький драматический спектакль.

Выпускники и студенты АРБ имени А.Я. Вагановой в первом отделении показали хореографические отрывки по мотивам Мариуса Петипа: «Розарий» из «Пробуждения Флоры», Pas d’action из «Наяды и Рыбака» и «Танцы часов» из оперы «Джоконда». Мария Хорева (в партиях Авроры и Ночи) и Мария Буланова (Геба) произвели самое благоприятное впечатление. Второе отделение представляли балетные школы из Копенгагена, Милана, Москвы, Сеула, Токио, Штутгарта. Каждая была по-своему интересна и демонстрировала неповторимый стиль. Молодые артисты исполнили хореографию Мариуса Петипа, Августа Бурнонвиля, Ролана Пёти, Марко Гёке, Асами Маки. В заключительном отделении ожидаемый огромный успех выпал на долю артистов Большого театра (выпускников АРБ разных лет), принявших участие в Гран па из «Пахиты» вместе со студентками старших курсов, а также воспитанниками младших и средних классов Вагановской академии. Публика могла воочию убедиться, что Москва в прибыль к петербургскому академизму добавила исполнительского лоска, танцевальной объемности и витальности. Блистали Светлана Захарова (партнерствовал Денис Родькин, аутентичный москвич), Ольга Смирнова, Ксения Жиганшина, Алёна Ковалёва.

Фото Михаила Логвинова
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3659

СообщениеДобавлено: Сб Авг 25, 2018 2:44 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018082501
Тема| Балет, Фестиваль русского искусства в Довиле, Персоналии, Сергей Филин, Ольга СМИРНОВА, Денис РОДЬКИН, Артем ОВЧАРЕНКО, Анна ТИХОМИРОВА, Вячеслав ЛОПАТИН, Анастасия СТАШКЕВИЧ, Наталья ФИЛИНА, Татьяна ТКАЧЕНКО, Иван ОСКОРБИН, Елена СОЛОМЯНКО, Иннокентий ЮЛДАШЕВ
Автор|
Заголовок| Русское искусство: возвращение в Довиль
Где опубликовано| © ONLINE-ЖУРНАЛ «РУССКАЯ ПЛАНЕТА»
Дата публикации| 2018-08-10
Ссылка| https://rusplt.ru/kulturnaya-rossiya/russkoe-iskusstvo-vozvraschenie-34773.html#
Аннотация| ФЕСТИВАЛЬ


Анна Тихомирова и Артем Овчаренко

В августе 2018 года светскую жизнь французского города Довиль украсит Фестиваль русского искусства
Визит одной небольшой по современным меркам балетной труппы на небольшой французский курорт, произошедший более ста лет назад, стал поводом для одного из фестивальных проектов 2018 года. Впервые после долгого перерыва русские звезды оперы и балета, включая артистов Большого театра, Мариинского театра и Музыкального театра имени К. Станиславского и В. Немировича-Данченко вновь выйдут на историческую сцену и исполнят отрывки из знаменитых произведений, прославивших русских исполнителей на весь мир, а также специальные постановки, которые будут показаны впервые.
В августе 1912 года знаменитая балетная труппа Сергея Дягилева Ballet Russe с огромным успехом выступила на сцене только что открывшегося в Довиле театра. Уже тогда этот нормандский город претендовал на то, чтобы стать «курортом подлинно высшего порядка». Директор открывшегося театра и казино Барьер месье Корнюше, один из тех кто определил судьбу этого небольшого городка любил говорить: «Я хочу видеть у себя только бомонд. Говорите всем что это дорого. Очень дорого». Сегодня в отличие от курортов Лазурного побережья, которые знают все, Довиль знают те, кому это необходимо знать. Здесь нет шумихи – но уже более ста лет тишиной и роскошным, но одновременно лишенным излишней помпы стилем города наслаждается мировая аристократия и финансовая элита. Спокойные краски побережья Ла Манша и лаконичные пейзажи Нормандии – место не для парада роскоши, но для приведения в порядок мыслей и души тех, кто определяет ключевые процессы в финансах, бизнесе, политике – в этом особый «довильский стиль». Так было более ста лет назад, так остается и по сей день.


Анастасия Сташкевич и Вячеслав Лопатин

А русский след в Довиле тянется с самого основания курорта в 1859 году герцогом Шарлем де Морни и его супругой, урожденной княжной Трубецкой. Искусство всегда играло здесь особую роль– построенный в 1912 году архитектором Жоржем Вибо ( Georges Wybo) театр является подлинным памятником европейского модерна. Также памятны и исполнители, выступавшие в нем. Состав звезд французской сцены первой величины дополняют имена русских артистов в том числе Федора Шаляпина и Вацлава Нижинского, которые стали одними из первых кто выступал на этой сцене.
Франция всегда была для России особой страной – источником вдохновения, моды, вкуса и духа. Именно Франция – культурный центр «старого мира» - стала тем местом, куда Россия блестяще осуществляла экспорт достижений своей культуры. Пик этого процесса наступил во времена русского «Серебряного Века» и ознаменован впечатлившими и Францию, и весь мир «Русскими сезонами» великого импресарио Сергея Дягилева.
Европейскому зрителю предлагалось что-то, что создано в России и, одновременно, принадлежит миру намного более высокому, чем любая национальная культура – миру подлинных достижений искусства. Достижения балета, оперы и изобразительного искусства, представленные Дягилевым, не просто соответствовали, как мы любим говорить сегодня, «мировому уровню», но определяли новые пути искусства для всего мира.
В отличие от современного шоу- и арт- бизнеса, который тесно завязан либо с собственно зарабатыванием денег либо с идеологией, в Серебряном Веке основной доминантой был показ красоты как таковой, стремление к разнообразным наслаждениям чисто эстетического порядка. Именно этого принципа придерживаются организаторы Фестиваля. Задача фестиваля состоит в приобщении к искусству самой широкой международной зрительской аудитории. Невозможно говорить о современном танце, музыке и живописи без того, чтобы перед нами не возник образ Сергея Дягилева - этого необыкновенного человека, который перевернул с ног на голову искусство и своего, и нашего времени. Однако, огромную роль в его деятельности играли ценители искусства, друзья и покровители. Их вклад в развитие искусства также велик, как и творчество самого Дягилева, ведь без них оно было бы невозможным. Знаменитые французы, настоящие иконы стиля с безупречным вкусом – Шанель, Ферт и другие, имена которых возможно мы никогда не узнаем, оказывали помощь и поддержку Дягилеву, чем внесли свой неоспоримый вклад в развитие искусства.
В память о том славном прошлом, о тех гениальных людях, которые беззаветно служили искусству, о романтиках и меценатах, о той нежной дружбе и творческих союзах, которые существовали между русскими и французами посвящен Фестиваль русского искусства в Довиле в 2018 году.
В программе - выставки, встречи с экспертами, изысканные вечера в стилистике начала 20 века и беседы о культуре. Кульминацией станет Гала-вечер посвященный творчеству Сергея Дягилева и выступлению его знаменитой труппы в августе 1912 года на сцене довильского театра.
Специальные гости – Ольга СМИРНОВА – прима балерина балетной труппы Большого театра, Денис РОДЬКИН – премьер балетной труппы Большого театра, Артем ОВЧАРЕНКО – премьер балетной труппы Большого театра, Анна ТИХОМИРОВА – первая солистка балетной труппы Большого театра, Вячеслав ЛОПАТИН – премьер балетной труппы Большого театра, Анастасия СТАШКЕВИЧ – прима балерина Большого театра, Наталья ФИЛИНА – артистка балета балетной труппы Большого театра, Татьяна ТКАЧЕНКО – ведущая солистка балетной труппы Мариинского театра, Иван ОСКОРБИН – премьер балетной труппы Мариинского театра, Елена СОЛОМЯНКО – ведущая солистка балетной труппы Музыкального театра им. К.С. Станиславского и В.И. Немировича-Данченко, Иннокентий ЮЛДАШЕВ – ведущий солист балетной труппы Музыкального театра им. К.С. Станиславского и В.И. Немировича-Данченко.
Организация балетной программы - народный артист России выдающийся танцовщик и бывший руководитель балетной труппы Большого театра Сергей Филин, организация оперной программы - оперный певец, солист Мариинского театра Аскар Абдразаков. Автор гастрономического меню Фестиваля – Владимир Мухин, шеф-повар московского ресторана White Rabbit занявший 23 место в списке 50 лучших ресторанов мира. Официальный партнер Фестиваля – группа Barriere, один из французских лидеров ресторанного и гостиничного бизнеса класса «люкс».
Элегантный и вместе с тем неформальный фестиваль станет украшением грядущего светского сезона на нормандском побережье, событием, которое нельзя пропустить.


Елена Соломянко и Иннокентий Юлдашев
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18828
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Авг 25, 2018 9:48 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018082502
Тема| Балет, I Международная хореографическая мастерская Rudy Dance (Уфа)
Автор| Татьяна Холостых
Заголовок| В Уфе начались репетиции I Международной хореографической мастерской Rudy Dance Lab
Где опубликовано| © Собака.ru Уфа
Дата публикации| 2018-08-20
Ссылка| http://www.sobaka.ru/ufa/city/theatre/77129
Аннотация|

Известные хореографы две недели будут работать в Уфе над постановками по башкирским сказкам и легендам.

Определились участники-хореографы мастерской Rudy Dance Lab. У них есть две недели, чтобы поставить и отрепетировать номер для гала-концерта.

Первый участник – обладатель «Золотой маски» в номинации «Балет – современный танец», хореограф из Перми Алексей Расторгуев. Вторая участница также пермячка, дочь выдающегося хореографа Евгения Панфилова, Арина Панфилова. Номера будут ставить также профессиональный хореограф из Москвы Антон Кочнев, художественный руководитель группы Dennis Dance Company в Москве Денис Бородицкий. и преподаватель Русской Школы Балета в Испании Юрий Гудушаури.

Хореографы уже начали репетиции. Они должны будут представить короткую авторскую постановку на тему башкирских сказок и легенд. Куратор проекта – резидент London Russian Ballet School Дмитрий Антипов. Каждый участник сможет использовать артистов из балетной труппы театра и хореографического колледжа.

Готовые номера сначала представят 2 сентября на гала-концерте, а также на одном из вечеров Международного фестиваля им. Рудольфа Нуреева.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18828
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Авг 25, 2018 9:58 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018082503
Тема| Балет, Современный танец, Башкирский государственный театр оперы и балета I Международная хореографическая мастерская Rudy Dance (Уфа)
Автор| Илюзя КАПКАЕВА. Фото Александра ДАНИЛОВА
Заголовок| Rudy Dance Lab стартовала
Где опубликовано| © газета "Вечерняя Уфа"
Дата публикации| 2018-08-17
Ссылка| http://vechufa.ru/culture/12768-rudy-dance-lab-startovala.html
Аннотация|



«Вечерняя Уфа» уже рассказывала своим читателям о том, что впервые на базе Башкирского государственного театра оперы и балета с 15 августа по 1 сентября будет действовать лаборатория, или Международная хореографическая мастерская, Rudy Dance Lab.

И вот во вторник в Уфу прибыли трое из шести участников лаборатории, отобранных жюри в процессе первого, заочного этапа. И это

Алексей РАСТОРГУЕВ (Российская Федерация) – выпускник Пермского государственного хореографического училища и Пермского государственного института искусства и культуры, в свое время был принят артистом балета в труппу «Балет Евгения Панфилова». Персональный номинант Российской национальной театральной премии «Золотая Маска», лауреат Международных и Всероссийских конкурсов артистов балета и фестивалей современной хореографии. Расторгуев также лауреат Премии в сфере культуры и искусства имени Сергея Дягилева. В составе труппы – трижды лауреат Российской национальной театральной премии «Золотая Маска». Постановщик более пятидесяти миниатюр и пятнадцати балетов;

Арина ПАНФИЛОВА (Российская Федерация), окончила Пермское государственное хореографическое училище и Пермский государственный институт культуры и искусства. Работала солисткой в труппе «Балет Евгения Панфилова» и хореографом в «Творческой мастерской Владимира Васильева». Руководитель «Экспериментального театра танца Арины Панфиловой». Лауреат Международных конкурсов IFMC и «Арабеск» в качестве хореографа и исполнителя современной хореографии;

Юрий ГУДУШАУРИ (Испания), выпускник Королевской консерватории танца «Real Conservatorio Profesional de danza Mariemma» (Мадрид). Педагог и хореограф «School of Russian Ballet» (Марбелья). Художественный руководитель и хореограф «Wennare Dance Company»; лауреат второй премии Международного конкурса VKIBC (Санкт-Петербург); участник фестивалей современного танца и мастер-классов «Akram Khan Dance Company» (Lab-Kathak); приглашенный балетмейстер театра «Auditorio Felipe VI» (Эстепона).
Во вторник все трое вместе с идеологом нашей лаборатории Дмитрием Антиповым и худруком балетной труппы БГТОиБ Леонорой Куватовой пришли в балетный класс, дабы познакомиться с теми артистами, которые будут заняты в их «лабораторных работах». Далее участники Rudy Dance, определившись с выбором исполнителей, перейдут на Малую сцену театра, где уже непосредственно начнется подготовка номеров.
«Вечерняя Уфа» постарается отследить все этапы работы лаборатории.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18828
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Сб Авг 25, 2018 10:04 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018082504
Тема| Балет, Современный танец, Башкирский государственный театр оперы и балета I Международная хореографическая мастерская Rudy Dance (Уфа)
Автор| Илюзя КАПКАЕВА. Фото Александра ДАНИЛОВА
Заголовок| О свойствах башкирского кумыса и особенностях современной хореографии
Где опубликовано| © газета "Вечерняя Уфа" Номер: 67(13247)
Дата публикации| 2018-08-21
Ссылка| http://vechufa.ru/culture/12780-o-svoystvah-bashkirskogo-kumysa-i-osobennostyah-sovremennoy-horeografii.html
Аннотация|



В Башкирском государственном театре оперы и балета продолжает свою работу I Международная хореографическая мастерская Rudy Dance Lab.

В одном из прошлых номеров «ВУ» мы уже представляли читателям троих участников лаборатории, коих в числе шести по результатам первого, заочного этапа отобрало жюри – речь о пермяках Алексее Расторгуеве и Арине Панфиловой, а также о Юрии Гудушаури, который на этой лаборатории представляет Испанию.

Вместе с художественным руководителем балетной труппы БГТОиБ Леонорой Куватовой и идеологом Rudy Dance Дмитрием Антиповым во вторник все трое пошли на утренний класс наших артистов, дабы познакомиться с теми, с кем им предстоит работать вплоть до 1 сентября и, быть может, выбрать исполнителей для своих номеров. Впрочем, это было во вторник, а в среду картина кардинально изменилась, поскольку к уже приехавшим участникам присоединились остальные, за исключением одной финалистки – россиянки Марины Кудряшовой (Франция), работающей ныне в театре Бордо, и ее планы, к сожалению, не совпали с планами дирекции оного…

В число же примкнувших к уже освоившимся в БГТОиБ участникам вошли:
Антон КОЧНЕВ (Россия), выпускник РИТИ-ГИТИС, хореограф-постановщик мюзикла «Сердце Снегурочки», балета «Истории людей», рок-оперы «Моцарт и Сальери», хореограф «Dance платформы – 2015»; участник Открытого российского конкурса артистов балета имени Екатерины Максимовой «Арабеск» и Московского международного конкурса артистов балета и хореографов.

Кстати, вместе с Антоном в Уфу приехал его ассистент Иван Валерьевич Графов (Москва). У Ивана Валерьевича, в отличие от остальных – густая, я бы даже сказала окладистая борода, которая ну никак не сочетается с его прыгучестью и подвижностью, впрочем, на серой футболке Графова значится слово «Супермен» и номер 38…

И пятый участник – это Денис БОРОДИЦКИЙ (Россия), основатель, хореограф, постановщик и художественный руководитель компании BDDC (BoroditskyDennis-DanceCompany). Хореограф-постановщик спектаклей в России, Израиле, Греции, Канаде и Австрии. Номинант Российской Национальной театральной премии «Золотая Маска», участник многих телевизионных шоу и проектов на российском и зарубежном TV. Хореограф телепроекта канала «Культура» - «Большой балет – 2018», участник более десяти фестивалей современной хореографии.

В пятницу, ближе к полудню, состоялось официальное открытие Rudy Dance, в процессе коего нашим гостям вручили так называемый набор хореографа - специальную сумку с кружкой-термосом, блокнотом, а также поло с эмблемой лаборатории. Короче, открылись и разошлись по местам. Площадкой для работы была определена Малая сцена БГТОиБ, расписание скомпоновано жестко, вплоть до минут, отведенных на репетиции. В минувшую субботу я весь день просидела в темном зале этой камерной площадки, следя за тем, как гости вовлекают наших балетных в свои замыслы. Добавлю, что каждый из участников работает сразу над двумя номерами, один из них связан с национальными сюжетами – речь о легендах башкирского народа, скажем, «Семь девушек», «Белые волки» и так далее, а второй посвящен Рудольфу Нурееву. И очень любопытно наблюдать за тем, как известный тебе сюжет интерпретирует человек, ранее не сталкивавшийся с историей Башкирии и верованиями ее народа, стремясь ввести его в контекст мировой культуры, в том числе и музыкальной.

А в воскресенье гости проехались по Уфе, побывав на импровизированной экскурсии, познакомившей их с городом над Белой, особенно им хотелось испробовать дающего силы башкирского кумыса, ведь упоминание о целебном напитке встречалось во всех сюжетах, с которыми они знакомились в ходе подготовки к Rudy Dance…

==================================================================

Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18828
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вс Авг 26, 2018 10:43 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018082601
Тема| Балет, Современный танец, Образовательный центр «Сириус» (Сочи), Персоналии, Константин Кейхель
Автор| корр.
Заголовок| ХОРЕОГРАФ КОНСТАНТИН КЕЙХЕЛЬ: «АРТИСТ БАЛЕТА ДОЛЖЕН БЫТЬ СВЕРХУНИВЕРСАЛЬНЫМ…»
Где опубликовано| © сайт Образовательного центра «Сириус»
Дата публикации| 2018-08-24
Ссылка| https://sochisirius.ru/news/2120
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



В августе участниками направления «Хореография» стали 111 воспитанников шести профильных училищ и школ искусств. Мастер-классы и занятия для них проводят известные педагоги и мастера искусства балета.

В хореографических классах Парка науки и искусства «Сириус» часами напролет идут занятия, где исследуют движение и учат импровизации. У воспитанников августовской образовательной программы – мастер-классы по современному танцу. Работает с юными артистами балета Константин Кейхель, заведующий кафедрой современного танца СПб ГБПОУ «Академия танца Бориса Эйфмана».

Перед началом урока педагог ответил на несколько вопросов об учебном процессе и самом явлении contemporary dance.

– Константин Вячеславович, в каком состоянии находится современный танец? Обретает ли он новые формы или, наоборот, приходит в упадок?

– Современный танец не в упадке и даже, напротив, развивается. Об этом, к слову, свидетельствует появление Академии танца Бориса Эйфмана, различные мастерские для хореографов и фестивали современной хореографии в нашей стране, такие как Context. Diana Vishneva, Open Look, «На грани» и многие другие. В академии Бориса Эйфмана например, на протяжении нескольких лет успешно реализуется концепция подготовки универсальных танцовщиков. Это потрясающе, ведь наши выпускники смогут не только танцевать в разных театрах, но и стать хореографами или преподавателями, расширяя тем самым сферу и территорию современной хореографии. Поэтому сейчас он точно не в упадке: появляются новые танцовщики, а также реализуются новые проекты, открываются школы, где люди могут развиваться.

– Какие театры современного танца вы могли бы сегодня выделить и где они находятся?

– Если речь идет о России, то это конечно же «Провинциальные танцы» из Екатеринбурга и, там же, при Екатеринбургском театре драмы работает танцевальная труппа, есть «Балет Москва» и «Новый балет» в Москве, театр «Балет Евгения Панфилова» в Перми, Челябинский театр Ольги Поны и с недавних пор появилась танцевальная труппа при Воронежском Камерном театре.

Некоторые из этих компаний не только продвигают современный танец в нашей стране, но и представляют его за рубежом. И чем больше таких экспериментальных коллективов будет появляться, тем стремительнее contemporary dance будет распространяться в других городах нашей страны.

– Есть ли в России своя уникальная специфика развития танца?

– О Российской школе современного танца пока очень рано говорить, так как в нашей стране это достаточно молодой вид искусства. Однако, наши исполнители и хореографы активно перенимают западный опыт, новые техники и методики. Для танцовщика современного танца важна среда, в которой он сможет профессионально состояться. В этом смысле радует, что в России точечно, как яркие вспышки, появляются фестивали современного танца. Замечательный проект, о котором я говорил ранее, реализовала наша знаменитая балерина Диана Вишнева (ежегодный международный фестиваль современной хореографии Context), благодаря которому многие именитые танцевальные труппы впервые выступили на нашей территории, а у наших хореографов появилась возможность заявить о себе.

– Когда молодого артиста балета следует вводить в современный танец?

– Чем раньше будущие артисты возьмутся за изучение contemporary, тем проще им будет его освоить. Подходы в обучении в детском возрасте и в возрасте 15 лет совершенно разные, и здесь следует учитывать, что артист балета должен быть сверхуниверсальным. Сегодня суметь отпрыгать принца, через неделю прийти и станцевать экспериментальную хореографию, а еще через неделю неоклассику, например, Форсайта или Килиана, очень непросто. Поэтому будущие артисты должны к этому готовится в школе, чтобы их тела могли говорить на разных языках.

– Чего ждать от молодых танцовщиков на отчетном концерте направления «Хореография»?

– Мы подготовили небольшой хореографический блок, включающий пять частей, объединенных одной музыкальной композицией. Для каждой из пяти групп – по одному, небольшому отрезку, где студенты будут показывать технические элементы, который они освоили за несколько уроков.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18828
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Авг 27, 2018 9:51 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018082701
Тема| Балет, Sarasota Ballet, Гастроли, Персоналии, Марсело Гомес
Автор| Нина Аловерт
Заголовок| Марсело Гомес и балет из Сарасоты. Нью-Йорк
Где опубликовано| © Elegant New York
Дата публикации| 2018-08-27
Ссылка| http://elegantnewyork.com/sarasota-ballet-new-york-alovert/
Аннотация| Рецензия



Балет из Сарасоты (Sarasota Ballet), Флорида в августе гастролировал в Нью-Йорке.

Труппа была основана в 1987 году, но статус крупной репертуарной компании театр получил, когда директором стал Йан Уэбб. Репертуар театра составляют в первую очередь одноактные балеты крупнейших мастеров 20го века и работы известных и начинающих современных хореографов. Из классических балетов 19 века труппа танцует «Тщетную предосторожность», «Жизель», а в новом сезоне пойдет Гран-па из «Пахиты». Особое место в репертуаре театра занимает творчество классика английского балета 20го века– Сэра Фредерика Аштона. При нем Королевский балет Англии добился мирового признания. В 1957 году Аштон был удостоен рыцарского звания. 30летию со дня смерти великого хореографа и были посвящены гастроли. Его балеты были включены в обе программы, которые театр привез в Нью-Йорк.

Труппа в целом произвела хорошее впечатление, особенно женская ее часть, мужчины – танцовщики немного слабее.

Среди произведений Аштона прежде всего надо выделить два знаменитых балетных номера на музыку Эрика Соти: Монотонности 1 и Монотонности 2. Это два бессюжетных балета, каждый из которых танцуют трое танцовщшиков. Монотонности 1 – две балерины и танцовщик, Монотоности 2 – два танцовщика и балерина. Номера эти красивые, элегантные – два шедевра Аштона. Надо сказать, что танцовщики Сарасоты исполняли их на высоком уровне артистизма и понимания стиля. Особенно надо отметить состав Монотонностей 1: Кэти Хонеа, Кэтлин Мей, Николаса Морено.

В первую программу были включены два новых одноактных балета современных хореографов.

Танцовщик труппы Рикардо Гразиано поставил «Симфонию печальных песен» (Третья симфония) на музыку из одноименной симфонии известного польского композитора Хенрика Гореки.

Кристофер Уилдон, английский хореограф с мировым именем, сочинил балет «Там, где она любила», использовав музыку Фредерика Шопена и Курта Вейла.

Преимущество оказалось на стороне Гразиано. Драматичные дуэты Гразиано (хотя конфликт не всегда был понятен) смотрелись с гораздо большим интересом, чем балет Уилдона. Хореография Гразиано была изобретательнее и эмоциональнее однообразных и холодных композиций англичанина. И танцовщики показали себя в «Симфонии» с наилучшей стороны. Это было одно из самых ярких выступлений труппы.

Но именно балет Уилдона вошел во вторую программу, которая в остальном была составлена из балетов Аштона.

Во второй программе, кроме Монотонностей, труппа танцевала еще один номер «Кошка» и три отрывка из одноактных балетов хореографа: па де труа на музыку Джакомо Мейербера «Конькобежцы» и последний дуэт из «Двух голубей» Андре Мессаже.

Кошку, веселую и кокетливую танцевала Кэти Хонеа. Это был очень удачное исполнение. Балерина , по-видимому, сама получала удовольствие, имитируя забавную, игривую кошечку. И публика искренне радовалась ее выступлению. Это была законченная актерски-танцевальная миниатюра. Танцовщица оставила очень хорошее впечатление.

Не могу этого же сказать об исполнителях па де труа. С профессиональной точки зрения они танцевали безупречно, но без блеска. «Медитация» из балета «Таис» на музыку Жюля Масне тоже показалась мне исполненной без должного романтизма.

А потом на сцену вышел Марсело Гомес. На его выступление и были раскуплены билеты на вторую программу балета из Сарасоты.

Около года назад в связи с непроверенными (ложными) обвинениями Гомес вынужден был уйти из Американского балетного театра, в котором он проработал 20 лет. И театр его не удерживал. (Гомес, правда, и так собирался уходить еще после летнего сезона 2017 года, но согласился выступать с труппой и в 2018 году, так что пострадала в основном труппа американского балета и зрители).

Возвращение Марсело на нью-йоркскую сцену было воспринято публикой, как восстановление справедливости.

«Два голубя» – это одноактный сюжетный балет. Молодой человек бросает свою возлюбленную, уходит за цыганкой. Но в конце концов возвращается к покинутой девушке. В программу был включен последний дуэт-примирение.

Гомес вышел на сцену с голубем на плече. У меня было ощущение, что зал замер. Танцовщик шел к рампе в трагическом напряжении чувств. Гомес принадлежит к тем актерам, которые создают вокруг себя атмосферу, появляясь на сцене. И не Лоэнгрин ли, Рыцарь Чаши Святого Грааля, шел к Эльзе, предвидя неминуемую разлуку?

Но затем начинался дуэт: безмятежная любовь, любовная пастораль. Виктория Халланд, хорошая балерина театра, блондинка с красивой фигурой, с длинными ногами была очаровательной и только. У героини Халланд не было никакой реакции на появление своего неверного возлюбленного. Возможно, балерина из Сарасоты чувствовала себя неуверенно, выступая с артистом мирового уровня, не знаю. На репетиции, которую я видела, она была более эмоциональна. Но на спектакле от всей сцены у меня осталось впечатление, что у этой встречи нет предыстории. А есть только явление некоего высшего существа, красавца полу-бога, которому простая смертная противиться не может.

Пластичный, красивый в каждом движении, в каждом взмахе рук Гомес танцевал, как будто вовлекал робкую девушку в любовный дуэт, и с высоты своей божественности любовался ее наивностью и покорностью. В этом неравенстве таилась печаль, предчувствие того, что пастораль с голубками не будет длиться долго. И во время безмятежного дуэта, герой вдруг закрывал лицо рукой, как будто желая скрыть нахлынувшую грусть.

Так неожиданно «прочитался» этот отрывок из балета.

Естественно, дуэт закончился стоячей овацией (на том спектакле, который смотрела я, во всяком случае). Руководство труппы имело все основания подчеркивать в объявлениях о гастролях в Нью-Йорке свою радость от предстоящих в этом сезоне выступлениях знаменитого танцовщика с балетом из Сарасоты. Труппа танцует на хорошем профессиональном уровне, но участие в гастролях такого артиста, как Марсело Гомес, поднимает и все спектакли на новую высоту.

========================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18828
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Авг 27, 2018 10:10 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018082702
Тема| Балет, Челябинский театр оперы и балета, Персоналии, Виктория Дедюлькина
Автор| Екатерина Поморцева
Заголовок| ВИКТОРИЯ ДЕДЮЛЬКИНА: «МЫ ТАНЦУЕМ МУЗЫКУ»
Где опубликовано| © ИА «Уральский меридиан»
Дата публикации| 2018-08-27
Ссылка| https://ural-meridian.ru/news/78710/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Для чего публика приходит на балетный спектакль? Чтобы «прожить» историю вместе с артистами, насладиться их танцем и живой музыкой, звучащей из оркестровой ямы. Но рано или поздно появляются солисты, ради которых зритель готов пересматривать спектакли снова и снова. Выпускница хореографического факультета ЮУрГИИ Виктория Дедюлькина танцует на сцене Челябинского театра с 2015 года. Она уже успела полюбиться публике родного города. Но в полный голос балерина заявила о себе на последнем конкурсе артистов балета «Арабеск». Ее танец по достоинству оценили жюри, пресса и театралы, что смотрели он-лайн трансляции балетного состязания. В преддверии нового сезона поговорила с Викторией о премии, современном танце и планах на будущее.



-«Арабеск» — серьезный хореографический смотр. Недавно Вы стали лауреатом этого конкурса, взяли вторую премию и обратили на себя внимание любителей балета всей страны. Есть ли желание принять участие в других состязаниях, например, за рубежом? Дух соперничества Вас привлекает?

-Когда училась в школе, мы ездили на разные конкурсы и уже тогда мне это нравилось. У некоторых людей боязнь соревнований, а я к ним расположена, люблю трепет и волнение перед выходом на сцену. Если говорить об «Арабеске», то поначалу не думала, что буду там выступать. Отправила заявку в последний момент и только потому, что участвовать мне предложила Татьяна Борисовна (Татьяна Предеина – народная артистка России, прима-балерина театра, педагог – прим. авт.). Она в меня поверила и, тем самым, придала сил. Признаюсь, не ожидала, что будет так тяжело морально. Когда конкурсные туры и переживания остались позади, вернулась домой с премией и около месяца восстанавливалась. Как раз в тот момент надвигалась сессия, а сил не было совершенно. Хотелось забыть об учебе, ничем не заниматься. Это состояние ушло, как только немного перевела дух, отдохнула. Думаю, через некоторое время можно попробовать себя и на других балетных конкурсах.

-В Пермь Вы приехали вместе с ведущим солистом театра Валерием Целищевым. Он не участвовал в конкурсе, но, в итоге, взял диплом лучшего партнера. Как вам работалось вместе?

-Знаете, он очень сильно меня поддерживал и перед выступлениями, и на репетициях. Бывает, педагог делает какие-то замечания, а ты вся на нервах и не сразу понимаешь, чего от тебя хотят. В такие моменты достаточно объяснить человеку другими словами и проблема решена. Как раз в этом плане Валерий и помогал. В основном конкурсе он не участвовал и перед выступлением мог сказать: «Сейчас выйду, ножкой потрясу и все, меня же не оценивают». У него хорошее чувство юмора и это здорово разряжало обстановку.

-Чтобы стать лауреатом, Вам нужно было предъявить жюри номера и классической, и современной хореографии. Приходилось ли раньше сталкиваться с contemporary dance?

-Когда я узнала, что нужен современный номер, слегка опасалась за результат. Движения современной хореографии отличаются от классических, работают совершенно другие мышцы тела. На мой взгляд, танцевать contemporary ни капельки не легче, особенно, если ты не владеешь этой техникой. Я немного занималась современным танцем в институте. Это были скорее ознакомительные уроки, но опыт все-таки есть. К тому же, видела довольно много современных номеров и не могу сказать, что этот стиль мне очень близок. Сейчас полностью увлечена классикой и пока не достигну определенных высот, целей или какого-то предела, буду работать в этом направлении. Когда ставился номер для конкурса, переживала, что придется заниматься только техникой. Но наша коллега – Света Пацукова – вложила в танец много эмоций, номер получился содержательный, интересный и я действительно его полюбила. Современная хореография привлекает тем, что дает дополнительные ресурсы выразительности. Кто знает, может быть через какое-то время я всерьез заинтересуюсь этим направлением.

-В современном танце часто используют и композиции наших дней. Много ли для Вас значит музыкальное сопровождение?

-По сути, мы танцуем музыку. Если мелодия не ведет за собой, если она не интересная, скучная, не дает никаких эмоций, то и выразить мы ничего не сможем. Я считаю, что музыка — это самое главное в спектакле. Наверно, под рок я бы ни за что не стала танцевать (смеется). Хотя, это может быть довольно интересно, но пока себя в такой постановке не вижу.

-Вторая премия на конкурсе «Арабеск» – достижение, к которому Вы шли много лет. Когда началась ваша балетная жизнь?

-Моя мама очень хотела, чтобы ее дети танцевали. Поэтому сначала отдала меня в секцию бальных танцев, а затем я пошла учиться в гимназию с хореографическим уклоном. Там моим педагогом стала Татьяна Михайловна Шамарова, которая и выявила способности к танцу. После девятого класса я поступила на хореографический факультет ЮУрГИИ. Первый год работала с Андреем Куделиным, потом к нам пришла Елена Михайловна Потапович. Два года занималась у нее, получила диплом и сразу пришла в театр.

-Учебное заведение, в котором занимается артист, может повлиять на дальнейший карьерный рост. Многие стремятся попасть к лучшим педагогам страны, уезжают в столицы. Хореографический факультет в Челябинске появился сравнительно недавно. Не было желания попробовать свои силы в том же Пермском училище?

-Пока я училась в школе, еще не настолько серьезно воспринимала свои занятия танцем. Не думала, что эта профессия так меня затянет и увлечет. Поэтому даже мыслей не было, что могу отправиться в хореографическое училище. Совсем об этом не думала, просто занималась балетом и все. А когда у нас в городе открылся хореографический факультет, не стала рассматривать другие варианты. К тому моменту в училище я уже и по возрасту не проходила. Но на сцене зритель всегда хочет видеть качество. И мы должны оправдывать ожидания публики, не зависимо от того, кто и где учился.

-Сейчас Вы уже не ученица, исполняете ведущие партии на сцене Челябинского театра оперы и балета. Пытаетесь как-то оценивать свои успехи? Чье мнение для Вас самое важное и значимое?

-Самой себя оценивать очень тяжело. Больше всего прислушиваюсь, конечно, к педагогам. С Татьяной Борисовной я готовила партии Китри и Гамзатти, с Натальей Витальевной Выскубенко работали над ролью Мари из «Щелкунчика». Считаю, что мнение педагога – самое адекватное. Но всегда выслушаю и впечатления друзей, которые ходят на спектакли. Мама – отдельный разговор. Она на любительском уровне занималась художественной гимнастикой и танцами, а вот балетом не увлекалась. Когда я стала участвовать в спектаклях, ездить на конкурсы, то и мама начала лучше разбираться в искусстве классического танца. Для нее я в первую очередь — дочка, а потом уже — балерина. Но не всегда все сразу получается, бывают упаднические настроения. Поэтому я очень благодарна маме за поддержку. Так важно, чтобы в нужный момент близкий человек сказал: «Вика, у тебя все получается, я вижу твой рост». И очень приятно, когда зрители пишут отзывы в социальных сетях, это безумно мотивирует!

-То, что балетные артисты работают 25 часов в сутки – не секрет. Как и где Вы отдыхаете?

-Если говорить об отпуске, то стараюсь выезжать на море, узнавать новые места и страны. Это любопытно и расширяет кругозор. К концу сезона мы сильно устаем, но уже через неделю отдыха я чувствую, что снова хочу работать. Без балета тяжело, балет – твоя привычка, твоя жизнь. И все-таки передышки нужны, просто необходимо давать телу отдыхать, чтобы вернуться в новый сезон с новыми силами.

-А в течение сезона есть возможность взять паузу, разнообразить свой досуг?

-Редко получается вырваться, расписание свое наперед мы не знаем. Поэтому и билеты на концерты или спектакли других театров купить заранее не получается. Но все-таки стараюсь находить время для досуга. Моя крестная поет в Челябинской филармонии, очень люблю слушать ее выступления. И когда большой оркестр исполняет песни из кинофильмов — это потрясающе!

-В заключении разговора, затронем тему балетных партий. Есть ли среди освоенных ролей особенно полюбившиеся и каких новинок ждать зрителям в грядущем сезоне?

-Пока я станцевала довольно мало ведущих партий. Но, наверное, больше всего нравится исполнять роль Китри в «Дон Кихоте», чувствую, это – мое. Что касается новинок, секреты раскрывать не стану. Сама люблю смотреть балет «Анюта», просто обожаю музыку Гаврилина. Но смотреть – не то же самое, что танцевать. Кто знает, как я буду выглядеть в этой партии на сцене? Вообще, в каждом спектакле есть интересные образы, совершенно разные амплуа, которые требуют особого подхода. Сейчас мне хочется попробовать абсолютно все, а уж потом выбирать любимое.


Фотографии предоставлены пресс-службой Челябинского театра оперы и балета

=================================================================================
ВСЕ ФОТО - ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18828
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Авг 28, 2018 9:39 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018082801
Тема| Балет, Театр классического балета, зарубежные гастроли, Тайвань, Персоналии,
Автор| корр.
Заголовок| Театр Наталии Касаткиной и Владимира Василёва показал «Лебединое озеро» на Тайване
Где опубликовано| © InterMedia
Дата публикации| 2018-08-28
Ссылка| http://www.intermedia.ru/news/326597
Аннотация| ГАСТРОЛИ




Гастроли Государственного академического театра классического балета Наталии Касаткиной и Владимира Василёва завершились на Тайване с большим успехом в конце лета 2018 года. На сцене Национального театра в Тайбэе в течение трех августовских дней были показаны пять спектаклей «Лебединого озера».

- Коллектив театра Касаткиной и Василёва привык к насыщенному гастрольному графику, но такая степень насыщенности бывает нечасто даже у этой труппы, - говорят представители театра.

В рамках этих гастролей ведущая солистка театра, заслуженная артистка России Марина Ржанникова, исполнившая во всех спектаклях партию Одетты-Одиллии, поставила своеобразный рекорд, показав 160 блистательных фуэте за три дня

- Марина стала настоящей любимицей тайваньской публики, - продолжают представители театра. - Ее успех по праву разделили Артем Хорошилов (Принц Зигфрид), Алексей Орлов (злой волшебник Ротбарт) и вся труппа театра. Особенно большое восхищение вызвал женский кордебалет – знаменитые Лебеди.

Отдельного внимания заслуживает площадка, на которой проходили выступления академического театра классического балета Наталии Касаткиной и Владимира Василёва.

- Национальный театр в Тайбэе – уникальная площадка, здание невероятной красоты с исключительными, самыми современными сценическими возможностями, - говорят представители театра. - Масштабный спектакль театра классического балета, в основе которого наиболее знаменитая версия «Лебединого озера», воссозданная Наталией Касаткиной и Владимиром Василёвым и тактично дополненная заново поставленными ими фрагментами и бережно восстановленными первоначальными замыслами Мариуса Петипа, как нельзя лучше соответствует этому замечательному театральному и общественному пространству.

Спектакли посетили руководитель Представительства Московско-Тайбэйской координационной комиссии по экономическому и культурному сотрудничеству Сергей Петров с супругой, представители общественных и деловых кругов.

Балетное лето для театра классическое балета завершится в Москве двумя спектаклями на сцене театра «Новая Опера» - 30 августа будет показана «Коппелия» Лео Делиба, а 31 августа – «Спартак» Арама Хачатуряна.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Ср Авг 29, 2018 12:11 am), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18828
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Авг 28, 2018 2:46 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018082802
Тема| Балет, Пермский театр оперы и балета
Автор| Юлия Баталина
Заголовок| В пермской балетной труппе — пополнение
Большинство новичков — лауреаты конкурса «Арабеск»

Где опубликовано| © NewsKo
Дата публикации| 2018-08-28
Ссылка| https://www.newsko.ru/news/nk-4840301.html
Аннотация|


Булган Рэнцэндорж на выпускном концерте Пермского хореографического училища

В балетную труппу Пермского театра оперы и балета пришло 15 новых артистов разного статуса, в том числе несколько солистов и потенциальных премьеров. Большинство новичков главный балетмейстер театра Алексей Мирошниченко нашёл среди лауреатов конкурса «Арабеск».

Интересно, что практически все новые артисты труппы — иностранцы.

Читателям «Нового компаньона» уже известна Булган Рэнцэндорж — выпускница Пермского хореографического училища и лауреат «Арабеска 2018» (вторая премия). Балерина — монголка по национальности, но родом из Германии. Уже 2 сентября она выступит в роли Одетты/Одиллии в «Лебедином озере» в редакции Алексея Мирошниченко в паре с Кириллом Макуриным, а 15 сентября выйдет в «Дон Кихоте» в партии Повелительницы дриад.

Подобный резкий старт для вчерашней школьницы — это большая редкость, но Булган Рэнцэндорж уже в годы студенчества была замечена специалистами как очень перспективная балерина.

В «Жизели» 9 сентября в заглавной партии выступит бразильянка Луанна Гондим — дипломант «Арабеска 2018», обладатель приза Пермского театра оперы и балета «За лучшее исполнение номера на музыку Петра Чайковского» и приза жюри прессы. В отличие от Булган, она не училась в Перми. Как и другие бразильцы, пополнившие пермскую труппу, она окончила Школу Большого театра в Бразилии (город Жоинвиль). В том же спектакле в партии лесничего Ганса выступит соотечественник Луанны Сайрон Перейра.

Ещё один бразилец — Габриэль Лопес, дипломант «Арабеска», уже 1 сентября выступит в партии принца Зигфрига в «Лебедином озере» в паре с Полиной Булдаковой, а 15 сентября в «Дон Кихоте» — в партии Базиля с той же Полиной Булдаковой в роли Китри.

В «Спящей красавице» 19 сентября Луанна Гондим танцует партию Белой кошечки. Несколько её соотечественников в этот вечер выйдут с дебютами: в партии Голубой птицы — Маркус Яго, партнёр Луанны на «Арабеске», лауреат III премии конкурса, обладатель приза Пермского театра оперы и балета «За лучшее исполнение номера на музыку Петра Чайковского» и приза жюри прессы; в партии принцессы Флорины — лауреат III премии «Арабеска» Майте Нунес.

Эйми О«Донохью, несмотря на ирландское имя, родом из Японии, выпускница Академии русского балета им. Агриппины Вагановой в Санкт-Петербурге. В пермскую балетную труппу перешла из Удмуртского театра оперы и балета. Эйми тоже принята в качестве ведущей солистки, но её дебют ещё не назначен.

Не назначен и дебют кореянки Чон Ын Сон — одной из самых запомнившихся участниц «Арабеска 2018», лауреата первой премии. Кроме того, она является дипломантом Международного конкурса артистов балета в Варне, одного из самых престижных в мире.

Ещё несколько представителей экзотических национальностей пополнили состав кордебалета.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7  След.
Страница 5 из 7

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика