Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2018-07
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> Газетный киоск
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3708

СообщениеДобавлено: Чт Июл 12, 2018 2:06 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018071201
Тема| Музыка, фестиваль актуальной музыки «Другое пространство», Персоналии, Владимир Юровский
Автор| ЮЛИЯ ЧЕЧИКОВА
Заголовок| ВЛАДИМИР ЮРОВСКИЙ: ТЕ, КОГО МЫ ЖДЕМ, ПРОДОЛЖАЮТ СОЧИНЯТЬ ДЛЯ ДВУХ ГОБОЕВ, ГУБНОЙ ГАРМОШКИ И ПЫЛЕСОСА
Где опубликовано| © «Музыкальная жизнь»
Дата публикации| 2018-07-03
Ссылка| http://mz.kmpztr.ru/vladimir-yurovskiy-te-kogo-my-zhdem-pro/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Быть выше страха – так можно сформулировать девиз фестиваля актуальной музыки «Другое пространство». Третий его выпуск под руководством Владимира Юровского – это пятидневный сеанс альтернативной терапии, направленной на устранение одного из видов неофобии – страха перед новой музыкой, ранее навязанных убеждений, мешающих обрести свободу в современном культурном мире. В новом сезоне у «Другого пространства» появился проект-спутник – Всероссийский конкурс молодых композиторов. О его миссии и о программе фестиваля Владимир Юровский рассказал Юлии Чечиковой.

ЮЧ Владимир Михайлович, 20 июня закончился прием заявок на участие в Первом всероссийском конкурсе молодых композиторов. Какова его миссия в контексте российской музыкальной культуры?

ВЮ Идея этого конкурса пришла из правительственных кругов. Мне ее изложил директор Московской филармонии Алексей Шалашов. Еще не так давно написание оркестровой музыки считалось в России чрезвычайно престижным. Однако в последнее время наметилась обратная тенденция: симфонический оркестр как общественно-культурное явление стал, к сожалению, символизировать отсталость и косность, а не прогрессивное движение. Этим, полагаю, можно объяснить тот факт, что современные российские композиторы утратили мотивацию к созданию музыки для оркестра.

ЮЧ Чем исторически обусловлена подобная смена векторов?

ВЮ В первую очередь отсутствием у российских оркестров элементарных профессиональных навыков общения с музыкой, написанной примерно после 1945 года (замечу, произведения этого периода связаны с именами авторов, чье столетие мы справили давным-давно). Долгое время наша страна шла в авангарде передовых музыкальных движений – достаточно вспомнить первые десятилетия  XX века. А потом опустившийся железный занавес и провозглашенная сталинская доктрина повлекли за собой создание музыки по определенным эстетическим установкам. В какой-то момент мы начали пробуксовывать и в итоге безнадежно отстали… Музыкальный сталинизм, казалось бы, давно нами изжит, и над Постановлением ЦК ВКП (б) 1948 года теперь принято иронично хихикать и отпускать шуточки в адрес соцреалистических композиторов и их опусов. Но время было упущено. Выросло несколько поколений музыкантов, у которых просто отсутствует понимание, как подойти к определенного рода партитурам, причем это касается как оркестрантов, так и дирижеров.
Я не знаю, какую цель преследовали люди, выделившие средства на композиторский конкурс, но они доверили реализацию идеи организаторам фестиваля актуальной музыки «Другое пространство». Поэтому, на мой взгляд, эта акция инициирована для того, чтобы поддержать и вдохновить молодых авторов на создание не просто новых, но технически оснащенных на современном уровне композиций для оркестра, и этим стимулировать развитие оркестровой культуры в России.
В области написания и исполнения актуальной музыки и в особенности оркестровой музыки была нарушена обратная связь между исполнителем и композитором. В какой-то момент исполнители укрылись в надежном логове исторической музыки – там они чувствуют себя в безопасности и могут рассчитывать на максимальный успех у публики. Композиторы же, отчаявшись, отошли от исполнителей и стали писать для узкого круга знатоков, которые понимают, как воплощать их замыслы. В камерной музыке оснащенность российских авторов соответствует мировому уровню, но в области оркестровой композиции у нас действительно ощутимая брешь. Ситуацию можно переломить, восстановив диалог между сторонами, заставив симфонические оркестры в обязательном порядке играть актуальную музыку, а композиторов – общаться с исполнителями и в том числе научиться выслушивать деловую и оправданную критику, касающуюся технических недочетов их партитур. Только так мы придем к взаимопониманию. Этим и занимается наш конкурс.

ЮЧ Чем мотивировано решение разделить жюри по двум специальностям – композиторской и дирижерской?

ВМ Эту идею предложил Алексей Шалашов. Композиторское жюри ответственно за то, чтобы творческий и технический уровень сочинений финалистов отвечал определенным стандартам. Функция дирижерского жюри несколько иная и в каком-то отношении более завидная: нам предстоит выбрать для себя сочинения, которые можно будет исполнить со своими коллективами. Мы не задаемся целью определить лучшую композицию для оркестра. Превосходная степень в искусстве – понятие относительное. Представьте, что перед вами лежат два сочинения – Шостаковича и Прокофьева, датированные одним годом. Как отдать предпочтение одному или другому? Только следуя собственному вкусу. Но кто возьмет на себя смелость утверждать, что Прокофьев написал лучше, чем Шостакович? Значит, должно существовать и то, и другое.
Признаюсь, поначалу я противился идее разграничения составов жюри по признаку профессиональной занятости. Мне казалось, что дирижеры изначально должны входить в состав комиссии. Но разговор с Алексеем Алексеевичем открыл мне видение этой проблемы с совершенно иного ракурса. Мы гораздо быстрее добьемся обозначенной цели, если выстроим процесс в два этапа: композиторы и музыковеды проведут расчистку «целины», а дирижеры на этой облагороженной почве займутся вспахиванием выбранных участков.

ЮЧ Что для вас более ценно в этом конкурсе – найти крепкие, средние работы или же выявить людей, способных предложить оригинальную идею, пусть и выраженную пока без мастерского лоска?

ВЮ Наибольший интерес для меня представляет сама композиторская индивидуальность, и, учитывая творческий плюрализм, достигнутый за последние десятилетия, меня не должно отпугнуть, к примеру, использование автором ля-минорного трезвучия. Некоторое сомнение сразу вызовет аккуратно набранная на компьютере оркестровая партитура для парного состава духовых, с ведением всех голосов в унисон, с выстраиванием в строгую аккордовую вертикаль и с мелодией, отданной первым скрипкам. Мое сердце еще сильнее сожмется, если при ключе будут стоять два бемоля, размер 4/4, а в качестве обозначения темпа – «неторопливо», «широко», «неспешно», «душевно». Я все равно заставлю себя просмотреть эту партитуру. Но в большинстве случаев по виду первой страницы можно составить практически безошибочное мнение о произведении в целом.

ЮЧ Вам уже удалось ознакомиться с конкурсными работами? Каковы предварительные впечатления?

ВЮ Я действительно уже видел многие присланные партитуры и, к сожалению, вынужден констатировать, что практически большинство никуда не годится… Вероятно, активность проявляют «не те» люди. А «те», кого мы ждем, продолжают писать музыку для двух гобоев, губной гармошки и пылесоса, потому что им так интереснее. Также существует абсурдное разделение на «музыку для оркестра» и «музыку для души». Для души пиши, как хочешь, следуя исключительно своему внутреннему голосу, а для оркестра якобы нужно писать, как учили на первом курсе консерватории.

ЮЧ Могу предположить, что кому-то из потенциальных участников не хватило времени, чтобы представить на суд жюри законченную работу. Даже небольшая оркестровая пьеса может долго вынашиваться.

ВЮ Я согласен, но и по наброску можно составить мнение о классе композитора. Приведу пример: сохранилось несколько оркестровых фрагментов Шостаковича периода сочинения Четвертой симфонии – это незаконченные эскизы, но по ним видно руку мастера. Из каждого могла бы вырасти замечательная работа.
Если в 2018 году партитура молодого автора до боли напоминает, скажем, партитуру Третьей симфонии Римского-Корсакова (я имею в виду не сознательное переписывание мыслей классиков), и стилистические границы его композиторского мышления заканчиваются в лучшем случае на «Жар-птице» Стравинского, значит, «в консерватории надо что-то подправить», как говорил Михаил Жванецкий. Но дело не только в этом. Массовый вкус, сильно поддерживаемый коммерческими СМИ, а также нерадивыми директорами филармоний (речь не о МГАФ, естественно), ленивыми дирижерами, которые в идеях своих программ не идут дальше той же «Жар-птицы», также накладывает отпечаток. Если современный композитор пишет для оркестра в стиле начала  XX века – меня вряд ли это вдохновит на знакомство с его пьесами для камерных составов.

ЮЧ Но существует еще одна тонкость – для кого-то эта конкурсная работа может быть вообще второй в жизни оркестровой пьесой после государственных экзаменов.

ВЮ Выпускник вуза должен понимать разницу между композиторскими этюдами и авторской работой. В Западной Европе, за океаном есть целая плеяда более подкованных и более соответствующих нашему времени молодых композиторов. Они пишут музыку в любом стиле. Но разница между минималистским сочинением с сознательным ограничением себя в композиторских средствах, и стилизацией салонной музыки середины  XIX века, которая бы не потянула даже на уровень курсовой работы, – огромная. Допускаю, что так могут выглядеть первые подростковые опыты учащихся Гнесинской десятилетки или Мерзляковки, совершающих первые шаги в предпрофессиональном обучении. В этом случае нужно поддержать такую работу и дать студенту наставление. Но участие в композиторском конкурсе такого ранга все же предполагает творческую зрелость.

ЮЧ Имело ли смысл расширить возрастные рамки и дать возможность представить свои сочинения сорокалетним композиторам?

ВЮ Они уже достаточно раскрученные и могут самостоятельно определять направления своего профессионального развития. Композиторы до 35 лет в большей мере нуждаются в нашей помощи.

ЮЧ Пока все, о чем вы говорите, не складывается в радужную картину. В любом состязании все равно есть фавориты.

ВЮ Конкурс строго анонимный, и в этом я вижу большое благо. Несколько партитур действительно выделяются на общем фоне в лучшую сторону, хотя первое прочтение все же не может полностью раскрыть ценность этой музыки. Окончательным критерием явится исполнение. Эти партитуры задают высокий уровень, и мне бы хотелось, чтобы он стал стандартным для других. Я говорю не об индивидуальном таланте того или иного автора, а об определенной системе мышления. Как-то Владимир Тарнопольский очень метко заметил, что Шнитке в своей музыке пытался логарифмической линейкой доказывать теорию относительности. Но это был Шнитке, родившийся в 1934 году, выросший за железным занавесом и своим собственным трудом пришедший к тем творческим достижениям, за которые мы его так ценим. К нему можно по-разному относиться, но он писал музыку своего времени. Сегодня не существует пределов в обучении, самообучении, поэтому представшая перед моими глазами картина действительно производит несколько гнетущее впечатление. Но я не вижу в этом вины самих молодых композиторов. Больше вопросов к их наставникам. Со времен 1948 года в нашей стране царит общий дух неприязни и недоверия к любой музыке, выходящей за пределы романтической или постромантической традиции. Люди, которые насаждали эти взгляды, уже в могиле, мы живем в поколении их внуков и правнуков, а все еще пожинаем печальные плоды той эпохи.
Музыкальная культура Германии в первой половине  XX века развивалась по схожему пути: нацистские идеологи подобно вершителям сталинского режима проводили политику борьбы с так называемым «дегенеративным» искусством, однако после Второй мировой войны на территории Германии (и в особенности ее западной части) на средства из бюджета США сознательно насаждалась ультрасовременная музыка. Необходимо было эстетически перевоспитать людей, и эту задачу удалось реализовать. Однако, как известно, каждое искусственно внедренное явление неизбежно приводит к идеологизации сознания. Любая музыка, отличная от той, что звучала на фестивалях современного искусства в Дармштадте и Донауэшингене, объявлялась «буржуазной», «предательской по отношению к новому искусству». Но нам в нынешнем положении еще преждевременно говорить о таких перегибах. Нам нужно перестать относиться к музыке Шнитке, Шёнберга и Штокхаузена как к современной – это уже классика. За несколько лет довольно успешной работы фестивалю «Другое пространство» удалось освободить часть московской публики от страха перед этими именами, что подтвердил невиданный ажиотаж, вызванный исполнением «Групп» Штокхаузена позапрошлой осенью. Значит, теперь необходимо обратить внимание на регионы и начать решать проблему не только с помощью эксклюзивного, столичного, гламурного фестиваля «Другое пространство», но также на уровне повседневной жизни любой областной филармонии. Я бы занял более жесткую позицию – заставил оркестры исполнять музыку местных композиторов (знаю, что в некоторых областях уже проводились такие опыты). Еще одно направление этой деятельности связано с преподавательской средой: должно поменяться отношение к понятию «современная музыка». Люди, ответственные за становление следующего поколения композиторов и исполнителей, должны передавать азы необходимых знаний, касающихся современной эстетики и техник исполнений, знакомить с образцами музыки прошлого – а это все, что было создано в  XX веке. Нынешняя система преподавания в музыкальных вузах и училищах в России, к сожалению, способствует распространению стереотипа, что наша основная стезя связана с именами кучкистов, Чайковского, Рахманинова.

ЮЧ Давайте перейдем к программе предстоящего «Другого пространства»-2018. Здесь и ряд мировых премьер, и сочинения-титаны, и зарубежные участники. Спустя двадцать пять лет в Москву возвращается ансамбль unitedBerlin. Существует ли концепция, объединяющая сочинения в программе концерта? Лично я очень жду экстравагантное сочинение Георга Катцера «Сцены для камерного ансамбля» («Szene für Kammerensemble»).

ВЮ Моим творческим отношениям с unitedBerlin уже более двадцати лет. Программа, которую мы представим осенью на фестивале, – срез обширного репертуара, сыгранного нами за последние пять сезонов. С именем же Катцера связан германский период истории моей семьи. В 1978 году мой отец был приглашен к сотрудничеству берлинской Komische Oper. Ему поручили балет «Черные птицы» («Schwarze Vögel») на тот момент молодого восточно-¬германского композитора Георга Катцера – так произошло знакомство. Следующая встреча состоялась во время постановки второго балета – «Новый сон в летнюю ночь» («Ein neuer Sommernachtstraum») в том же театре. Так что Катцера я знаю с самого детства. В 80-х он приезжал к нам со своей семьей, а мы гостили у него в ГДР. Потом жизнь развела нас по разные стороны баррикад, каждый занялся своим делом, но когда я начал работать с unitedBerlin, выяснилось, что в ансамбле играют музыканты, связанные с Катцером с ГДРовских времен. В ту пору одним из ключевых произведений для нас стали «Сцены для камерного ансамбля». Это знаковое сочинение для западно-германской музыки того периода, один из ранних образцов синтетического инструментального театра, возведенного на авангардной почве, нестареющая, остроумная и совершенная по форме композиция.

ЮЧ В ней использованы фрагменты из диалогов Гёте с Эккерманом. Какие мысли декламируют участники ансамбля?

ВЮ Гёте обрушивается с критикой на современную ему музыку и в частности на некое новое сочинение одного молодого композитора (как выясняется, Феликса Мендельсона). Кстати, одна из «антимодернистских» фраз достается дирижеру. Брюзжание автора «Фауста» до крайности напоминало идеологические доктрины тогдашнего Министерства культуры ГДР, так что Катцер сумел припрятать большущую фигу в кармане. Его сочинения изобилуют социально-политическим подтекстом – взять хотя бы детскую оперу «Страна Бум-Бум» («Das Land Boom Boom»), представляющую собой явную пародию на тогдашнюю ГДР.

ЮЧ Гражданская позиция Катцера, так метафорично преломленная в музыке, касается только современных ему событий?

ВЮ В одном сочинении он использовал запись речи Гитлера, которая путем электронных преобразований превращалась в хрюканье свиней. Его композиции всегда имеют подчеркнуто либеральный и антиавторитарный оттенок, и, как следствие, не только эстетическую, но и общественно-политическую ценность. В свои 83 года Катцер сохранил не только физическую бодрость, но и крайнюю прогрессивность взглядов. Для меня он до сих пор интересный, современный композитор. Хочу напомнить, что на предконцертном часе «Другого пространства» будет исполнено еще одно его сочинение – «Человек-Машина» («L’homme machine») для контрабаса, голоса и электроники на тексты Жюльена Офре де Ламет¬ри. Во время французской революции этот философ-материалист был вынужден эмигрировать, оба его трактата находились под запретом. Впрочем, в изгнании его судьба сложилась не так уж и скверно – прусский король Фрид¬рих  II пригласил его ко двору. В лице монарха Ламетри пытался найти единомышленника, который бы поддержал его идею о программировании человека подобно машине. В «L’homme machine» Катцер использовал тезисы французского мыслителя, оформив свою пьесу как театр одного инструменталиста. Текст произносит сам контрабасист (Маттиас Бауэр), одновременно играя на инструменте самыми нетрадиционными способами, и при этом звучание его голоса и инструмента вживую обрабатывается электроникой. На мой взгляд, это одно из лучших сочинений Катцера.

ЮЧ Как композитор он все еще в строю?

ВЮ Да, он пишет для меня новое сочинение. 30 и 31 декабря в Берлине мы сыграем его приквел к Девятой симфонии Бетховена – «Discorso».

ЮЧ Еще одно малоизвестное в Москве имя в программе концерта unitedBerlin – франко-канадский композитор Клод Вивье, фигура с совершенно шокирующей биографией, идеально подходящей для сценария психологического артхаусного триллера.

ВЮ Для меня Вивье – редкая экзотическая птица… С одной стороны, он на многие годы опередил свое время, с другой, шел путем одиночки, его дорога вела в никуда. Можно только догадываться, что бы он написал сегодня…

ЮЧ … Наверное, оперу о смерти Чайковского…?

ВЮ Да, на которой все и застопорилось… Если искать аналогии в истории мировой музыкальной культуры, то на ум приходит Моцарт. Мы не задумываемся над тем, в каком возрасте он умер, так как в нашем понимании его гений достиг совершенного воплощения. Проделав огромный композиторский путь, оставив после себя такое несметное музыкальное богатство, Моцарт достиг невероятной зрелости. Поэтому мы привыкли рассматривать его творчество как законченное явление.

ЮЧ Все признаки человека-эпохи.

ВЮ Да, и Вивье для меня тоже человек-эпоха. Я абсолютно убежден, что он ушел из жизни сознательно, и его смерть – не что иное, как инсценированное заказное самоубийство. Прямых доказательств этой гипотезе нет, но косвенные, творческие подтверждают мое предположение.

ЮЧ Вы, вероятно, говорите о его неоконченном произведении «Веришь ли ты в бессмертие души?» («Glaubst du an die Unsterblichkeit der Seele?»)

ВЮ Оно входило в программу вечера памяти Вивье в Берлине, но для «Другого пространства» мы извлекли другое сочинение – «Buchara». Конечно, мне бы хотелось привезти всю программу, отражающую различные вехи творчества Вивье. Кстати, у него есть пьеса «Hierophanie», также представляющая собой одну из форм инструментального театра, как и катцеровские «Сцены».

ЮЧ В «Hierophanie» вы выходили в монашеском одеянии. Какова была ваша роль помимо дирижерской?

ВЮ Spiritus rector, который пытается соединить правдоискателей и небожителей.

ЮЧ Почему один из зрителей окрестил этот акт «черной мессой»?

ВЮ Я не согласен с этим мнением. Вивье использует элементы черной мессы, но они не имеют никакого отношения к сатанизму. Духовная основа «Hierophanie» – это смесь гипертрофированного католицизма (Вивье воспитывался в иезуитской семинарии) и различных эзотерических учений.

ЮЧ Видимо, «Hierophanie» явилась следствием путешествий Вивье по Азии? «Buchara» тоже родилась под влиянием восточных культур?

ВЮ Бухара – не конкретное географическое место. Для Вивье это внутренний город как «внутренняя Монголия» Пелевина.

ЮЧ «Buchara» написана на придуманном языке. Зачем пускаться в лингвистическое изобретательство, когда можно использовать, например, санскрит?

ВЮ Вивье придумывал не только неслыханные звуки, но и неслыханные языки. Для него музыка была не просто формой искусства, но средством коммуникации между людьми. И в случае с «Buchara» это общение направлено вовнутрь – к собственному «я». Кто-то назвал «Buchara» любовной песней, но я вижу в ней некий ритуальный акт богини любви или ее жрицы.
У себя на родине, в Канаде, Вивье стал объектом фанатического поклонения, его культу служат преданные исполнители. Можно сказать, что время Вивье постепенно приходит. И подобно тому, как мир открыл для себя все сокровища наследия Шуберта спустя много лет после его смерти, точно так же мы начинаем постигать вселенную Вивье. Я не стремлюсь сопоставить масштаб этих личностей и их значимость для мировой музыкальной истории, но для меня Вивье в равной степени интересен, как для современника Брамса или Шумана новооткрытый Шуберт.

ЮЧ У следующего композитора, которого исполнит unitedBerlin, – Фаусто Ромителли – тоже трагическая судьба.

ВЮ В отличие от Вивье, к Ромителли вряд ли можно отнести определение «человек-эпоха». Самое известное его сочинение «Индекс металлов» появилось незадолго до кончины и стало его лебединой песней. Ромителли долго боролся с раком, страдал от тяжелых обсессивных расстройств, чувствуя приближение конца. Смерть настигла его очень рано, в 41 год. Я уверен, что самые лучшие его сочинения были впереди. Он только приближался к композиторской зрелости, что подтверждают его последние сочинения – они действительно прекрасны. Композиция «Lost» на стихи Джима Моррисона, которую мы исполним в Москве, – квинтэссенция «Индекса металлов», но значительно лаконичнее и без видеоряда. В «Lost» – все интересные и дорогие нам элементы творчества Ромителли: влияние рок-музыки с цитатами из Doors и Pink Floyd, инфантильные элементы (интерес к теме детства как к эстетической категории роднит Ромителли с Вивье; обоим свойственно использование игрушечных инструментов, намеренной примитивной или технически не оснащенной игры) и, конечно, электронное преобразование звука (живая электроника, пение в микрофон при помощи казу).

ЮЧ Нам осталось упомянуть Бруно Мантовани, музыканта вашего поколения, успешного, востребованного.

ВЮ Мантовани – очень плодовитый и разноплановый композитор, директор Парижской консерватории. Не могу отнести себя к большим знатокам его творчества, но его «Troisième round» – саксофонный концерт – в свое время мне показался очень интересным. Это выигрышное, виртуозное произведение, образец сочинения, написанного со знанием всех современных музыкальных техник. При технической сложности для исполнителя (солист –¬ Крис¬тоф Энцель) это развернутая к публике музыка, достаточно популярная и легкая для восприятия. Я не вижу в этом ничего зазорного – такая музыка тоже необходима.

ЮЧ Кульминация нынешнего «Другого пространства» по традиции приходится на завершающую часть фестиваля – для последнего вечера вы оставили сочинение-манифест спектралистской школы – «Акустические пространства» Жерара Гризе («Les espaces acoustiques»).

ВЮ Это действительно глыба, один из самых идеалистических проектов, когда-либо задумывавшихся композиторами в ушедшем  XX веке. Оно охватывает практически все инструментальные составы – от самого малого (сольного альта с электроникой, который играет 20-минутный Пролог) до полного симфонического оркестра с электроникой и четырьмя сольными валторнами в Эпилоге – и имеет продолжительность целого концерта. Традиционно «Акустические пространства» исполняет камерный ансамбль и присоединяющийся к нему симфонический оркестр. Мы поступим иначе. Еще два года назад, на предыдущем «Другом пространстве» мы решили придумать проект, в который были бы вовлечены все основные московские ансамбли современной музыки. Так появилась идея исполнения «Акустических пространств». Максим Рысанов играет Пролог, ГАМ-ансамбль – Périodes, «Студия новой музыки» – Partiels, МАСМ, задействующий музыкантов Госоркестра имени Е. Ф. Светланова, – Modulations, и два последних сочинения – Transitoires и Эпилог – ГАСО с солистами МАСМ. «Акустические пространства» – памятник музыкальному экспериментаторству, спектральной школе и в частности Жерару Гризе, уникальное сочинение, которое позволяет нам устроить парад исполнителей современной музыки на одной площадке.

ФОТО на сайте
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3708

СообщениеДобавлено: Чт Июл 12, 2018 2:16 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018071202
Тема| Музыка, КЗЧ, «Истории с оркестром», Персоналии, Владимир Юровский
Автор| Сергей Бирюков
Заголовок| «Мусоргский знал, чей Крым»
Владимир Юровский расслышал эхо творчества великого русского композитора в музыке и даже футболе наших дней

Где опубликовано| © «Музыкальные сезоны»
Дата публикации| 2018-07-09
Ссылка| https://musicseasons.org/musorgskij-znal-chej-krym/l
Аннотация| КОНЦЕРТ



А говорят – Владимир Юровский выдохся, охладел к работе в России… Не знаю: такую программу, какую он выдал в зале имени Чайковского в традиционном летнем цикле Госоркестра России «Истории с оркестром», можно сделать только горячо любя русскую музыку и русскую историю. Любя той пушкинской любовью, которая («ни за что на свете я не хотел бы переменить отечество или иметь другую историю, кроме истории наших предков, какой нам Бог ее дал») не лакирует, а подвигает говорить правду.
Мусоргский и его последователи – огромная, хотя далеко не целинная тема. Юровский нашел в ней новые повороты и ответвления, включив в эту орбиту не только Шостаковича (что очевидно), но и более поздние поколения русских композиторов XX века, и даже англичанина Бриттена.
В первом отделении наряду с общеизвестной версией «Рассвета на Москве-реке», выполненной Шостаковичем в ходе инструментовки оперы «Хованщина» (как известно, оставшейся после безвременной смерти ее автора только в клавире), прозвучали и оркестровые опыты двух других крупных мастеров – Юрия Буцко и Эдисона Денисова. Оба – бесспорно «люди Мусоргского», но очень разные и по-разному продолжившие поиски великого предшественника. То, что Буцко – композитор «мусоргской» традиции, было ясно уже тогда, когда он писал свои камерные оперы «Записки сумасшедшего» и «Белые ночи», Полифонический концерт на мотивы древнерусского знаменного распева… Но для автора этой заметки, с давних пор знакомого с Юрием Марковичем и лично, стало теперь открытием, что он делал оркестровки сочинений Мусоргского, более того – само наличие у Мусоргского таких произведений, как романтический «Страстный экспромт» для фортепиано и соната для фортепиано в четыре руки: первое еще достаточно традиционное, второе – с неожиданными у молодого автора прорывами в его зрелый стиль.
Особенно сильное впечатление произвела пьеса «На Южном берегу Крыма», сочиненная как раз в поздний период, по ощущениям от гастрольной поездки 1879 года по югу России. Простым, суровым и точным выбором красок (низкие струнные и деревянные) Буцко усилил пейзажный образ: так и видишь медленно катящиеся грозные морские валы, мрачность которых оттеняют плясовые мотивы духовых, явно навеянные татарской мелодикой. Юровский остроумно заметил по этому поводу: у Мусоргского был точный ответ на вопрос – чей Крым.

ДАЛЕЕ ПО ССЫЛКЕ
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
atv
Заслуженный участник форума
Заслуженный участник форума


Зарегистрирован: 05.09.2003
Сообщения: 3708

СообщениеДобавлено: Чт Июл 12, 2018 3:29 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018071203
Тема| Музыка, musicAeterna, Пермская опера, Персоналии, Теодор Курентзис, Виталий Полонский, Анастасия Гуляева, Сергей Годин, Виктория Ваксман, Иван Петров, Элени-Лидия Стамеллоу
Автор| Юрий Куроптев
Заголовок| Голосовые связи. Как и почему пермский musicAeterna стал лучшим оперным хором мира
Где опубликовано| © «Звезда»
Дата публикации| 2018-07-11
Ссылка| http://zvzda.ru/articles/cb576500ba27
Аннотация| РЕПОРТАЖ

Центральным событием Дягилевского фестиваля стала оратория Артура Онеггера «Жанна на костре» в постановке Ромео Кастеллуччи и Теодора Курентзиса. За его музыкальную составляющую отвечал оркестр и хор musicAeterna. Хор был невидимым (потому что был спрятан в ярусах и ограждён тёмной сеткой), но полноправным участником всего действа.
Чуть ранее на фоне политического скандала в лондонском «Колизее» прошла церемония награждения победителей премии Opera Awards. Россию представлял хор musicAeterna, который и получил оперный «Оскар», став лучшим в хоровой номинации. Между двумя этими важными событиями интернет-журнал «Звезда» побывал на репетиции «Жанны на костре», чтобы разобраться, почему пермский musicAeterna стал лучшим оперным хором мира.

Хор и Жанна

В Пермском театре оперы и балета царит суета — в самом разгаре конкурс артистов балета «Арабеск». На служебных лестницах и классах не протолкнуться. Свободных помещений нет. Сводный хор из участников musicAeterna и Пермского оперного репетирует ораторию «Жанна на костре».
В небольшой комнате 75 певцов. Мест не хватает.

— Барышни садятся, молодые люди до 30 стоят, — шутит главный хормейстер musicAeterna Виталий Полонский.
Певцы выносят из балетного класса лавку. Репетиция начинается.
— Будьте добры, страница 125. Сопрано и тенора, — командует Полонский.
— Жанне, ля санте, Жанне, ля вьеже, — поют они.
— Стоп! Анита, тебя всё устраивает? — обращается к переводчику французского Полонский.
— Не понимаю, — не уверено отвечает она.
— Тебя не устраивает, что они не в унисон! — шутит Полонский, певцы смеются.
— Сете кри, Жанна, сете кри сосьере, — поют басы и альты, но Полонский их прерывает: «Я жду, когда вам надоест так вопить».

В перерыв Виталий Полонский сожалеет, что приходится репетировать в таких условиях.

— Для игроков высшей лиги — это катастрофа! — говорит он. — Сводная репетиция нам ещё не по зубам! Мужчины и женщины должны репетировать отдельно. Сопрано и альты — отдельно. Но помещений нет.

Через пару недель стартовал Дягилевский фестиваль. Главное событие — «Жанна на костре». Драматическая оратория, посвящённая деве-освободительнице Орлеана, была написана в 1938 год двумя французскими художниками-мистиками — композитором Артюром Онеггером и поэтом Полем Клоделем.
В Перми за её воплощение отвечали два современных гения: итальянский режиссёр Ромео Кастеллуччи и дирижер Теодор Курентзис. В оратории задействованы два французских актёра: роль Жанны исполняла Одри Бонне, а её брата Доминика — любимец режиссёра «новой французской волны» Леоса Каракса Дени Лаван.

Сибирские певцы

В 2004 году молодой греческий дирижёр Теодор Курентзис возглавил Новосибирский театр оперы и балета. В том же году был создан камерный оркестр и хор New Siberian Singers — предшественник хора musicAeterna.

— New Siberian Singers было красивым названием хора, созвучным городу Новосибирск, и может восприниматься как новосибирские певцы, — вспоминает Полонский. — Но мы переехали в Пермь, поэтому сменили название на musicAeterna.

Сам Полонский родом из маленького шахтёрского городка Рудный, что в Казахстане. Его мама — учительница младших классов, папа — шахтёр. Образование он получил там же — окончил дирижёрско-хоровое отделение местного музучилища. А потом решил поступить в консерваторию. Сначала отправился в Свердловск и Горький, но в итоге остановился на Новосибирске — ему понравился город.
Во время учёбы в консерватории он случайно узнал, что в Новосибирском оперном для «Аиды» набирают хор и отправился на кастинг.

— На первой репетиции я понял, что перед нами не просто молодой, подающий надежды дирижёр, а невероятный мастер, — вспоминает он с нотками ностальгии о первой встрече с Теодором Курентзисом.

Кроме Курентзиса над постановкой «Аиды» работал режиссёр Дмитрий Черняков. Опера получила «Золотую маску», а Полонский и Курентзис подружились. Тогда же и возник камерный хор New Siberian Singers.
В начале 2011 года Теодор Курентзис стал худруком Пермского оперного и предложил Полонскому переехать.

— Я ничего не знал о Перми. Но поверил Теодору и поехал, — говорит он.

Полонскому предстояло создать хор. Вместе с ним в Пермь приехали восемь новосибирских певцов.

— Говорили, что Курентзис привёз с собой людей, — продолжает Полонский. — Но это не так. Задачи были амбициозные, значит, и людей нужно подбирать профессиональных. А местные сузы и вузы, к сожалению, не стали донорами для нашего хора. Поэтому коллектив в большей части состоит из приезжих — это ребята из Нижнего Новгорода, Казани, Москвы, Новосибирска, Питера — городов, где есть консерватория. Это работало как сарафанное радио. Я сказал коллективу: «Ребята, кого вы хотите видеть рядом с собой? Приглашайте людей!» Мы начали подбирать певцов с января, а уже в октябре провели концерт-презентацию.

Местные и не местные

Сопрано Анастасия Гуляева работала в хоре Пермского оперного с 2006 года. В 2011-м она узнала о прослушивании для моцартовской оперы Così fan tutte. Кастинг пермячка успешно прошла и с тех пор работала в двух коллективах: старом оперном хоре и новом musicAeterna. Она рассказывает, что поначалу пермяки недружелюбно относились к «варягам».

— Да, конфронтация была, — вспоминает Анастасия. — Но я хочу отдать должное пермякам. Я сама из старого хора и понимаю, насколько тяжело им было принять изменения. Кто-то приезжает и занимает их места. Их хвалят, а нас — нет. Очень непростая ситуация.
— Bы про разницу в зарплатах? — спрашиваю я.
— Не только. Люди считают, что их старые заслуги забыли! А сейчас мы объединяемся и смотрим друг на друга с любовью.
— Настя невероятный музыкант, — говорит после репетиции Виталий Полонский. — Такими людьми должен гордиться город.

Сопрано Элени-Лидия Стамеллоу родом из Афин. Училась во Фрайбурге и Вене, жила в Нью-Йорке. Но всегда мечтала работать с Курентзисом.

— У меня была открыта рабочая виза на три года в Америке, но я переехала в Пермь, — рассказывает Элени. — Сначала контраст был резкий. Из огромного Нью-Йорка, где люди делают, что хотят, и одеваются, как хотят, я переехала в маленькую Пермь, где нужно всё время чистить обувь и одеваться прилично. В Нью-Йорке ведь все ходят как Леди Гага — в разорванных колготках (смеётся). А здесь так нельзя!

Элени живёт в Перми уже шесть лет. За это время она вполне сносно научилась говорить по-русски.

— Я всегда чувствовала родство с русской культурой, — объясняет она. — Если люди иногда будут жить в разных странах, будет меньше проблем и войн. Мы научимся понимать других.

Воздух можно трогать и осязать

Супруги Сергей Годин и Виктория Ваксман переехали в Пермь из Москвы. Тенор Сергей Годин был солистом Московского камерного хора, а последние два года — солистом Камерного музыкального театра им. Покровского. В прошлом году Сергея пригласили в Пермь на главную партию концертного исполнения оперы Моцарта «Милосердие Тита».

— Мы пробыли в Перми десять дней, — рассказывает Виктория. — За это время было немыслимое количество репетиций — мы прожили целую жизнь! В Москве друзья и коллеги спрашивали у нас, что происходит в Перми. Но у нас просто не было слов, чтобы это объяснить! Теодор заряжает музыкантов невероятной энергией и любовью. Люди не сопротивляются и отдаются ему. Воздух, который между ним и артистом, можно трогать и осязать. Это невероятно! У меня было представление о театре, где склоки и все против всех дружат. Но нет! Здесь люди приветливы и здороваются друг с другом! И во главе этого сказочного королевства стоит человек, о котором можно только мечтать.

Я спрашиваю Сергея, не считает ли он работу в хоре шагом назад — ведь в московских театрах он работал солистом.

— Для меня общение с маэстро и коллегами — это новое развитие и возможность участвовать в международных проектах, — отвечает он. — В Москве работа в последние месяцы большой радости мне не приносила.

— Сергей — один из самых умнейших певцов, — говорит Виталий Полонский. — В театре Покровского у него не было возможности работать с Питером Селларсом (американский театральный и оперный режиссёр, прославившийся нетривиальными интерпретациями классики, — Прим. ред.), Робертом Уилсоном (американский театральный режиссёр, сценограф и драматург, один из крупнейших представителей театрального авангарда, в Пермском оперном поставил «Травиату», — Прим. ред.) и Рене Якобсом (бельгийский дирижёр, — Прим. ред.). А здесь — есть! Интенданты лучших театров и фестивалей могут предложить ему участие в международных проектах. Сергей — молодой певец, у него всё впереди. Если он будет работать с Теодором, у него сложится блестящая карьера.

На пределе голоса

В пермском хоре musicAeterna есть довольно редкие голоса. Иван Петров — обладатель контратенора (самый высокий из мужских оперных голосов, диапазон от Ми малой октавы до Ми второй октавы, — Прим. ред.). Контратеноры исполняют партии героев-мужчин, изначально написанные для кастратов в эпоху барокко. До недавнего времени такие голоса встречались крайне редко, сейчас получают всё большее распространение — но не в России.

— С Теодором я познакомился ещё в 2007 году, когда учился в Новосибирской консерватории, — рассказывает Иван Петров. — Но там контратенора были не нужны. Теодор был единственным человеком, который захотел со мной заниматься. А потом его пригласили в Пермскую оперу. После окончания консерватории в 2014 году я отправился в Пермь. Это единственное место в России, где меня приняли как полноценный голос. Ни в Москве, ни в Санкт-Петербурге нет спроса на контратеноров. Я благодарен Теодору за то, что он даёт мне возможность развиваться.

Сегодняшний репертуар musicAeterna — один из самых широких среди оперных хоров России и мира. Он охватывает произведения в диапазоне от ранней средневековой музыки до ультрасовременных экспериментов. Я спрашиваю, справляются ли с такой нагрузкой голоса певцов.

— Бывает сложно, — отвечает Николай Петров. — Нужно подстраиваться под разные задачи. Мне иногда приходится исполнять то, что я не люблю. Но с другой стороны, если исполняешь только то, что любишь, что даётся легко, ты не развиваешься. Практика исполнения разной музыки — это хорошо.

Виктория Ваксман вспоминает недавний московский концерт с музыкой Алексея Ретинского (современный композитор и художник русско-украинского происхождения, — Прим. ред.) и Лучано Берио (итальянский композитор, один из лидеров послевоенного музыкального авангарда, — Прим. ред.).

— В Salve Regina Ретинского я пела партию первых сопрано, а в Coro Берио — партию второго альта, — рассказывает она. — В «нормальном» хоре это неприемлемо. Но я до сих пор благодарна Виталию [Полонскому], что он мне предложил такой эксперимент. Во время репетиций я постигала музыку и познавала себя. Современная [академическая] музыка местами божественно красива, а иногда непонятна. И я благодарна Теодору, который исполнил её блестяще. Он сделал её ясной! Во время концерта я понимала, какой глубины она. И узнавала возможности своего голоса и своей души.

— А я в Москве заболела, пела вполголоса, — вспоминает концерт Анастасия Гуляева. — Во второй части Coro у меня был сольный эпизод. А я не знаю, спою я или нет. Думаю, что делать. Если голоса не будет, я решила, что буду декламировать — музыка современная, никто не заметит. Или устрою рок-концерт или рэп! (смеётся) Но я спела!

Виталий Полонский объясняет, что идея исполнять широкий репертуар исходит от художественного руководителя.

— Теодор — художник, — говорит он. — Если ему что-то интересно в данный момент, он берётся за это. Неважно — работал он раньше с этим или нет. Он как Дягилев — находится в постоянном поиске. Поэтому заказывает музыку современным композиторам. Для хора это счастье — мы не ограничиваемся одной стилистикой. Да, это сложно! Но у нас есть артисты с разными голосовыми возможностями, и мы справляемся.

Преодоление страха

Поздним вечером после репетиции мы с Виталием Полонским продолжили разговор в его кабинете — небольшой комнатке с потрёпанной мебелью.

— Теодор помогает людям раскрыться, — говорит хормейстер. — Многие считают, что у них есть потолок возможностей. А он помогает его пробить. Я для себя это так сформулировал. Теодор мне говорит: «Виталий, нужно луну достать». Ну как такое возможно? А потом начинаю тянуться и достаю. Он всегда ставит завышенную планку. И ты достигаешь того, что раньше казалось нереально. Теодор говорил, нужно, чтобы с вами поработал Венсан Дюместр (худрук французского ансамбля Le Poème Harmonique, с которым Пермский театр оперы и балета сделал оперу Жанна-Батиста Люлли «Фаэтон», — Прим. ред.). А я думал: нет, мы ещё не готовы. Он говорил, что Дебора Йорк (одна из самых известных в Европе сопрано, специализирующихся на музыке барокко и классицизма, — Прим. ред.) приедет в Пермь и поработает с нами, а я не верил в это. Но в какой-то момент ты понимаешь, что можешь сотрудничать с великими Рене Якобсом, Жереми Роре (французский дирижёр, специализирующийся на исполнении музыки Моцарта, — Прим. ред.), Андреа Марконом (один из известнейших музыкантов, исполняющих старинную музыку, — Прим. ред.) и другими. Понимаешь, что уверенно ходишь по их территории.

По словам Полонского, переломным моментом в развитии musicAeterna стала работа с Питером Селларсом. Американский режиссёр приехал в Пермь ставить «Королеву индейцев» — оперу на музыку английского барочного композитора Генри Пёрселла.

— Встреча с Питером для хора стала такой же судьбоносной, как для меня встреча с Теодором, — рассказывает он. — Почему у ребят есть ансамблевое чутье? Он показал, что даже на уровне тактильного контакта музыканты должны сближаться. Мы часто обнимаемся, поглаживаем собеседника по плечу или просто здороваемся за руку. Этому нас Питер научил: он все время повторял на репетициях, как важны для человека тактильные контакты. Они вызывают положительные эмоции, делают людей более открытыми и дружелюбными, более счастливыми.

С этого времени для хора musicAeterna открылась европейская фестивальная жизнь. Первые гастроли прошли в 2015 году в Экс-ан-Провансе. Хор был полноправным участником спектакля «Альцина» (его ставила английский театральный режиссёр Кэти Митчелл) наравне с такими звёздами, как Филипп Жарусски и Патрисия Петибон.
В следующем году на Руртриеннале — семинедельном музыкально-театральном марафоне в Германии — хор участвовал в ключевой оперной постановке «Альцесте» Глюка (дирижёром был Рене Якобс) и дал два сольных концерта.
Через год musicAeterna засветился в Зальцбурге, где вместе с оркестром Курентзиса исполнил «Реквием» и «Милосердие Тита» Моцарта, открывавшего основную программу фестиваля.

— Прекрасно, что хор в Европе не ассоциируется с матрёшками и русской музыкой, — говорит Виталий Полонский. — Зальцбург просит «русского» Моцарта! Это неслыханно! Вы можете назвать европейский хор, который бы позвали в Москву исполнить «Всенощное бдение» (музыкальное произведение Сергея Рахманинова, — Прим. ред.)? Нет такого! Мы уникальны!

ФОТОГАЛЕРЕЯ на сайте
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11080

СообщениеДобавлено: Пт Июл 13, 2018 1:05 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018071301
Тема| Музыка, Флейта, Персоналии, И. Стачинская
Автор| Мария Закуражнова
Заголовок| Ирина Стачинская: «Флейта — хамелеон в мире музыки»
Известная флейтистка — о необычайном оздоровляющем эффекте древнего инструмента
Где опубликовано| © «Московский комсомолец»
Дата публикации| 2018-07-09
Ссылка| http://www.mk.ru/culture/2018/07/09/irina-stachinskaya-fleyta-khameleon-v-mire-muzyki.html
Аннотация| Интервью

Совсем недавно известная флейтистка Софья Пинаева перенесла сложную операцию на мозге. Причем, во время этой операции она была в сознании и играла на флейте Баха, Моцарта и Прокофьева. Невероятно, но факт: только так врачи могли контролировать сохранность мелкой моторики рук, да и зрение, что жизненно важно для музыканта. Тот случай, когда флейта помогла своей хозяйке выжить. Вот об этом — о необычном влиянии флейты на человека — мы решили поговорить с не менее знаковой исполнительницей Ириной Стачинской.

— Ирина, вот игра на флейте, отталкиваясь от этого феноменального случая во время операции, — это напряжение или наслаждение от процесса?

— Тут можно говорить о феномене парадоксальной двойственности в музыке и других видах искусства. Полностью контролируя процесс игры, ты одновременно можешь испытывать и чувство полета. Все это как раз на уровне искусства, где есть очень тонкая грань между контролем и погружением в эмоции. Касаемо физической составляющей игры, получается так, что определенные мышцы мы расслабляем, а определенные, наоборот, зажимаем. Пользуемся теми же резонаторами, что и певцы, иначе невозможно достигнуть своеобразного «пения» на флейте. Но, все-таки, нельзя не сказать о чувстве расслабления после концерта, когда твои руки и позвоночник уже не находятся в таком сильнейшем напряжении.

— Казалось бы, флейта — древний инструмент, но можно ли говорить о каких-то новшествах во флейтовом музицировании?

— Думаю, что да. Ведь самое главное в нашем исполнительстве — звук. И красота звука, разная тембральность тоже могут быть в какой-то момент революционными. Почему нет? Но это не обязательно касается спецэффектов, но такого тембра, который до этого еще не встречался. Например, на флейте можно играть так, что она будет звучать, как кларнет и еще масса других инструментов. Я считаю, что флейта намного более способна быть хамелеоном в мире музыки.

— И настоящему солисту чуть ли не буквально надо покорять Эверест, чтобы постигнуть этот инструмент...

— Разумеется. Вот я 10 лет проработала в Московской филармонии, но ушла, решилась на этот серьезный шаг. И вот уже год, так сказать, в свободном полете: выступаю с сольными концертами в Европе, Америке, Японии, но все же мне очень интересно развивать этот инструмент именно в нашей стране. Даю мастер-классы в каждом городе, куда приезжаю, ведь так много прекрасных ребят с огромной любовью к флейте. И каждый из них стремится к открытиям.

— И вы не отвергаете современных композиторов?

— Упаси бог. Я исполняю музыку Кузьмы Бодрова, у него есть прекрасный дуэт для флейты и скрипки. Совсем недавно исполняла музыку замечательного петербургского композитора Юрия Корнакова. Вот они наши современники, хотя их музыку и нельзя назвать авангардной. А вообще я очень открыта для каких-то новых сочинений и техник. Вообще я за то, чтобы искусство было доступно народу, а его, народ, не стоит принижать — что, мол, ему нужен только Штраус или Моцарт. Просто необходимо объяснить некоторые важные вещи, чтобы люди могли лучше понимать новый материал.
Скажем, в этом сезоне у меня был большой тур по Сибири и Уралу, около 6 концертов по филармониям Красноярска, Новосибирска, Магнитогорска. Плюс еще сольный тур с пианисткой Мариной Костериной. И уникальность совместной программы в том, что ее продолжительность более двух часов, а это много для такого концерта. И мне очень импонировало, что каждый раз после первого отделения, я видела столько же людей в зале и во втором. И это несмотря на то, что музыка была очень сложная, даже авангардная.

— То есть востребованность солирующей флейты и в стране, и в мире высокая?

— Конечно, хотя все зависит от исполнителя. Но интерес к флейтовым фестивалям в мире только растет. Например, я скоро приступаю к репетициям на старейшем фестивале камерной музыки в Кухмо, где мы разделим сцену со многими известными музыкантами — нашими соотечественниками и звездами европейской сцены. Потом по плану — пара флейтовых фестивалей в Португалии и Италии. Так что флейта ведет за собой вперед!
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11080

СообщениеДобавлено: Пт Июл 13, 2018 1:09 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018071302
Тема| Музыка, Опера, Театр Покровского
Автор| Сергей Бирюков
Заголовок| «Базар» вместо оперы
Зачем Большой театр «скушал» Камерный музыкальный Где опубликовано| © «Труд»
Дата публикации| 2018-07-12
Ссылка| http://www.trud.ru/article/12-07-2018/1364586_bazar_vmesto_opery.html
Аннотация|

Пока еще на этом здании -- вывеска Камерного музыкального театра. Не успели сменить. Фото из социальных сетей

Нет больше Камерного музыкального театра имени Бориса Покровского. Стены на Никольской улице остались; возможно, и труппа, хотя бы частично, сохранится. Но ТЕАТРА – корпорации единомышленников, объединенных художественной идеей и верой, – нет. А то, что будет, скукоживается в статусе до «Камерной сцены имени Б.А.Покровского в составе Государственного академического Большого театра России». Приказ за номером 1132 об этом подписал 3 июля министр культуры Владимир Мединский. Документ вывешен на обозрение на доске дирекции Камерного. Бывшего.
Театр Покровского знали во всем мире. Коллектив был создан великим режиссером в начале 1970-х как противовес академической помпе ГАБТа, где Покровскому становилось все неуютнее работать. Достаточно сказать, что одной из первых постановок нового театра стал «Нос» Шостаковича – ранняя, революционно новаторская опера композитора, которую после кампаний его травли в 30-х и 40-х годах не решался ставить ни один театр страны. В необычном подвальном пространстве бывшего кинотеатра на Соколе осуществлялись самые фантастические замыслы, ставились оперы всех эпох, от Возрождения до наших дней. «Ростовское действо» русского религиозного писателя и композитора XVII века св.Димитрия Ростовского вошло в театральные энциклопедии мира. А многих произведений современных российских композиторов, если б не Покровский, просто не было бы – это камерные оперы Шнитке, Буцко, Холминова, Таривердиева…

Новый виток жизни театра начался с его переездом в центр, на Никольскую улицу, в бывший ресторан «Славянский базар». С одной стороны, ставки вроде бы повысились – с другой отчасти ушла магия того волшебного пространства, в котором, как в сказке про подземных жителей, рождались чудеса. Увы, и Борис Александрович старел, а в 2009 году его не стало.

Для театра наступило сложное время. Фигуры сравнимого масштаба в коллективе не было. Вернувшийся в качестве музыкального руководителя Геннадий Рождественский, с которым когда-то Борис Александрович начинал новое дело, отчасти смог поддержать марку, но и ему было за 80. Фамилии других людей, претендовавших на руководство, не хочется и упоминать, насколько они несоразмерны этим двум титанам.
И все же даже в таком трудном положении театр продолжал выдавать отменные спектакли, от героической бетховенской «Леоноры» до акварельного «Воскрешения Лазаря» Шуберта-Денисова, от безумно красивой «Ариадны на Наксосе» Рихарда Штрауса до ритуально-страстного «Холстомера» Владимира Кобекина.
О поглощении Камерного театра Большим заговорили год назад. Но пока был жив Рождественский, сделать такое было неудобно. 16 июня 2018 года маэстро покинул этот мир, и в министерстве, видимо, почувствовали, что руки развязаны.
Ну и какая разница, самостоятельный театр или сцена в составе Большого, спросит иной читатель.

А та, что в приказе, подписанном 3 июля в министерстве культуры, НИ СЛОВА не говорится о сохранении традиций Покровского. Да, министерство – юридический и финансовый орган, но в документе, решающем судьбу коллектива с почти полувековым опытом, должно быть сказано хотя бы то, что эти традиции – наше национальное достояние, и новые административные реалии создаются ради его максимально успешного развития.

Нет, написано лишь, что все предпринимается – вы угадали – в целях «оптимизации структуры подведомственных учреждений Минкультуры». То, что оптимизация на чиновничьем языке – эвфемизм затягивания поясов, объяснять не надо. То, что не театр Покровского виноват в скверных финансовых делах нашей культуры и тем более экономики, которую все постперестроечные власти разваливали и доразвалили до скопища руин неработающих предприятий – еще более очевидно. Но не из своего же кармана власти будут решать проблему. Из нашего, за счет наших бонусов, наших радостей.

И еще одно. Оптимисты надеются, что руководство Большого театра сумеет найти правильный подход к бывшему Камерному музыкальному. Но мне вспоминается такой эпизод: на недавнем объявлении планов будущего сезона один из коллег-журналистов осторожно спросил – не собирается ли ГАБТ возвратить на сцену любимый публикой классический спектакль «Эсмеральда». Вместе естественного в такой ситуации «мы подумаем» или «спасибо за мнение» из уст генерального директора Владимира Урина прозвучало: «Очень прошу, чтобы уважаемая пресса не рекомендовала Большому театру постановку спектаклей. Возможно, они замечательные, но давайте договоримся, что сегодня репертуар театра определяют те, кто его определяет. И мы его определяем так, как мы его определяем».

Мелочь, но в ней, похоже, суть отношения к людям, будь то критики, зрители и уж тем паче артисты поглощаемого театра. Мне кажется, сохранение в этих условиях за сценой на Никольской имени Покровского попахивает мародерством. Уж честнее было бы вернуть «Славянский базар».
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11080

СообщениеДобавлено: Пт Июл 13, 2018 1:36 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018071303
Тема| Музыка, Опера, Оперетта, «Кандид», Большой театр, Персоналии, А. Франдетти
Автор| Валерий Кичин
Заголовок| Алексей Франдетти рассказал о всех своих премьерах
Где опубликовано| © «Российская газета»
Дата публикации| 2018-07-12
Ссылка| https://rg.ru/amp/2018/07/12/aleksej-frandetti-potrebnost-v-muzykalnom-zhanre-i-sejchas-ogromna.html
Аннотация| Интервью

Полностью интервью по ссылке: https://rg.ru/amp/2018/07/12/aleksej-frandetti-potrebnost-v-muzykalnom-zhanre-i-sejchas-ogromna.html

Имя Алексея Франдетти сейчас на слуху: он постановщик ярких музыкальных спектаклей, выпускающий по несколько премьер в год. 34-летний актер-режиссер с итальянской фамилией родом из Ташкента. Играл в знаменитом театре "Ильхом", талантливейшего Марка Вайля считает своим Мастером. Много снимается в кино, преподает в ГИТИСе. Зимой выпустил "Эвиту" Уэббера в Свердловской музкомедии, весной там же - "Казанову" Карлиса Лациса по пьесе Цветаевой. Получил "Золотую маску" за "Суинни Тодда" на Таганке и "Микадо" в Екатеринбурге. На подходе - "Кандид" в Большом театре. Начата работа над "Стилягами" в Театре Наций, а фильм "Счастье мое" станет его режиссерским дебютом в кино. И это далеко не все…

Эвита и Кандид

Ваша "Эвита" в Екатеринбурге идет с успехом - первая в России постановка рок-оперы Уэббера. Вариант semi stage предложили вы?

Алексей Франдетти: У меня был такой опыт с постановкой "Путешествия в Реймс" Россини в Большом театре - почему бы не развить его в мюзикле? "Эвиту" я видел на Бродвее и, признаться, не был впечатлен до глубины души. Но аппетит пришел во время еды. Его подогревал Свердловский театр музкомедии, особенно Таня Мокроусова, исполнительница главной роли: давай попробуем немного подвигаться, хоть какую-то мизансцену!.. И все неожиданно разрослось до размеров почти полноформатного спектакля. 26 сентября в этом смогут убедиться москвичи: театр привезет его на фестиваль "Видеть музыку". Сентябрь у меня вообще насыщенный: в саду "Эрмитаж" мы сыграем в концертном исполнении "Суинни Тодда", и я там поработаю артистом, чего давно не делал. Затем - "Эвита", а потом, тоже в формате semi stage, премьера "Кандида" Бернстайна на Исторической сцене Большого театра.

Не жалко "Кандида" - в semi stage? Вещь зрелищная, смешная, эксцентричная, с философией, экзотикой: герой путешествует по странам мира. В России был единственный опыт полноценной постановки - Кирилла Стрежнева в том же свердловском театре. Почему снова остановились на урезанном формате?

Алексей Франдетти: В нашем "Кандиде" будет много видеографики, реквизита, костюмов, и, впервые на Исторической сцене ГАБТ - такое количество микрофонов. А полноформатной декорации - не будет, это предложение театра. У "Кандида" пять разных редакций, мы берем версию, которой дирижировал Леонард Бернстайн в Лондоне. Где персонажи поют, а тексты - у ведущего, он играет несколько ролей, и во всех оперных домах его исполняет артист мюзикла. Поэтому на сцену Большого выйдет Петр Маркин.

Как вы относитесь к музыкальной критике? По моим наблюдениям, оперные критики к "легкому жанру" относятся как ко второму сорту, а драматические музыку вообще не слышат.

Алексей Франдетти: Это реальная беда. О "Казанове" вышло несколько статей: разбирают картинку, но ни слова о музыке, - а там она очень сильная. По пальцам одной руки можно подсчитать критиков, которые что-то понимают в музыке. И знаете, для меня это маленькая личная победа - что на Исторической сцене Большого театра появится "Кандид" Бернстайна: попробуйте потом доказать, что это - "легкий жанр"!
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18967
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пн Июл 16, 2018 9:47 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018071601
Тема| Музыка, Опера, Персоналии, ИЛЬДАР АБДРАЗАКОВ
Автор| ЮЛИЯ ЧЕЧИКОВА
Заголовок| ИЛЬДАР АБДРАЗАКОВ:
ЧТОБЫ ВЗЯТЬСЯ ЗА ПАРТИЮ БОРИСА ГОДУНОВА, НУЖНО МНОГОЕ ПЕРЕЖИТЬ

Где опубликовано| © Журнал Музыкальная жизнь
Дата публикации| 2018-07-04
Ссылка| http://mz.kmpztr.ru/ildar-abdrazakov-chtoby-vzyatsya-za-p/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Лучший бас России дебютировал в партии Бориса Годунова в Парижской национальной опере. О своем герое Ильдар Абдразаков порассуждал в беседе с журналистом «Музыкальной жизни» Юлией Чечиковой.



ЮЧ Ильдар, в вашей карьере Борис Годунов продолжает галерею монарших оперных образов. Расскажите, как вживались в очередного персонажа, наделенного безграничной властью?

ИА Я играю царей с четырнадцати лет. Первый мой подобный опыт связан с эпизодической ролью Ивана Грозного. Во время учебы я работал в мимансе Башкирского оперного театра. В «Царской невесте» во время арии Любаши появлялся Иван Грозный и направлялся в сторону выстроенного на сцене Кремля. Именно с этого сценического выхода и начался отсчет сыгранных мной царей. Рифгат Валиуллин (в то время главный режиссер театра) мне показывал, что должен делать мой герой, как передвигаться, как креститься. После Ивана Грозного были другие цари разных эпох и народов – уже с полноценными партиями. Но суть образа сохраняется – это человек, осознающий свой статус, объем власти и степень ответственности.

Что касается непосредственно «Бориса Годунова», то эту оперу Мусоргского я слышал сотню раз в разных редакциях, в разных постановках, но никогда прежде не осмеливался прикоснуться к роли Бориса. Очень долго выжидал, прежде чем начать работу над ней. На мой взгляд, нужно многое пережить, чтобы было прямое попадание в этот очень неоднозначный, психологически сложный образ. Здесь речь не только о вокальном совершенстве, но и о драматургии, духовном наполнении.

ЮЧ То есть Борис Годунов – возрастная роль, и для молодого человека не подойдет?

ИА Для меня самого парижская постановка и мой дебют в партии Бориса – только начало вхождения в роль, фактически, ее истоки. Басы развиваются со временем, и только после сорока лет полностью формируется весь их комплект – голос, актерская игра, внутреннее ощущение сцены, роли. Почву для этой партии подготавливает определенный репертуар, который и выковывает зрелого исполнителя.

ЮЧ Трудно поверить, что это ваш первый Борис Годунов. Настолько он вышел убедительным на премьере в плане вокального и психологического воплощения. Вряд ли пяти недель репетиций хватило бы на то, чтобы провести такую сложную работу.

ИА Я начал разбирать эту партию с моим концертмейстером задолго до Парижа, причем очень дотошно, по фразам, разделяя интонацию, с которой Борис обращается к боярам, к своим детям, к богу. Так как Мусоргский преследовал цель создать музыкальную драму, и сам мелодический рисунок вобрал в себя свойства обычной речи, то в каких-то сценах приходится сдерживать эмоции, чтобы не срываться на декламацию, унимать внутренний надрыв, внутреннюю экспрессию. Хочется дать больше, а музыка и мелодия диктуют свои правила.

ЮЧ Какие сцены для вас ключевые в развитии образа Бориса?

ИА Каждое его появление – важная составляющая этой роли, важный виток в его эмоциональном и музыкальном портрете. Мы не можем разграничить его переживания. Начиная с первой фразы («Скорбит душа»), идет развитие его внутренней борьбы. Преследующие его видения убитого царевича Дмит­рия, сцена сумасшествия… Совести Бориса не облегчает его искреннее попечение о собственных детях. Все это свидетельствует в пользу того, что Борис все-таки был человеком не безразличным. Поэтому ему сочувствуешь.

ЮЧ Бориса можно назвать жертвой обстоятельств? Политической борьбы?

ИА Ответов на этот вопрос может быть несколько. Огромную роль в становлении Бориса сыграл и Шуйский. Поддерживая царя, он выжидал звездного часа, чтобы самому прийти к власти. И, как мы знаем из отечественной истории, в итоге добился своей цели – какое-то время Шуйский действительно правил на Руси. Никто не предполагал, что Годунова ждет такая печальная участь. Он взошел на престол не в самое простое время – три года без урожая повлекли за собой голод и мор.

ЮЧ Для этой постановки и для вас лично было очень важно, чтобы в работе принимал участие русский дирижер.

ИА Абсолютно верно. Иностранец, как бы хорошо ни дирижировал, никогда не прочувствует русскую музыку так, как тот музыкант, который связан с ней своими корнями. Равно как и мы, певцы, не обладая генетическими связями с культурой другой страны и нации, никогда не споем так вкусно, как тот, кто родился на этой земле. Совершенно объективно, во всем мире на такое способны всего несколько человек.

ЮЧ Какое впечатление произвел на вас режиссер Иво ван Хове?

ИА Честно говоря, я ожидал от него несколько иного подхода, более доскональной работы. А получилось, что Иво утверждал персонажей, самостоятельно нами додуманных. Ему было удобно, что мы говорим по-русски, знаем, о чем каждый поет. К счастью, мы не прогадали с дирижером – с Владимиром Юровским мы оттачивали каждую фразу, каждое слово. Его вклад в работу над образом Бориса более существенный, чем старания ван Хове. Даже накануне премьеры мы обсуждали с Юровским детали партии.

ЮЧ На премьере «Годунова» я видела в зале Роландо Вильясона. Как он отозвался о спектакле?

ИА Роландо – мой давний товарищ. Он был в восторге, сказал, что у него сложилось впечатление, что партия Бориса написана специально для меня. Мне было очень приятно. В ближайшем будущем нам с ним предстоят концерты в Зальцбурге, а на следующий год я бы очень хотел пригласить Роландо выступить в России с программой дуэтов и арий из опер.

ЮЧ В уходящем сезоне вы провели в Уфе свой первый фестиваль. Это мне кажется это более ценным, чем если бы подобный музыкальный праздник получил локацию в Москве и встал в ряд аналогичных оперных фестивалей.

ИА Фестиваль был изначально мной задуман как площадка, которая послужит стартом для молодых талантов. Я очень часто слушаю певцов, начинающих карьеру, в тех городах, где сам выступаю. Мне бы хотелось, чтобы фестиваль в Уфе открывал новые имена, чтобы те люди, у которых действительно есть божья искра и потенциал, появлялись на одной сцене с солистами мирового уровня. В свое время я сам выступал в одном концерте с Ириной Архиповой, Еленой Образцовой, и всегда подобный опыт был хорошей школой. Даже находясь с ними в одном творческом пространстве, волей-неволей начинаешь расти и духовно, и как музыкант. Наблюдая за тем, как проявляет себя мастерство титанов, как они взаимодействуют с оркестром, с коллегами, делаешь выводы и учишься сам. И мне бы хотелось, чтобы наша молодежь не сидела сложа руки в ожидании ангажементов от Ла Скала. Ей надо объяснять, для каких партий подходят голоса, какой репертуар нужен, чтобы раскрыть свои данные. Этим я и пытаюсь заниматься, в том числе в рамках мастер-классов. После мастер-класса в Уфе, кстати, я пригласил двух ребят принять участие в гала-концерте фестиваля.

ЮЧ К следующему фестивалю в Уфе вы хотите представить «Аттилу» Верди.

ИА Это будет полноценный спектакль, в котором я сам лично принимаю участие в качестве режиссера. Видимо, сказываются папины гены. Мой отец Амир Абдразаков делал киноспектакли. Когда я был маленьким – снимался в них, попутно наблюдая за тем, как он работает с камерами, с актерами, с огромными творческими командами. Помню, сколько сил у него ушло на картину о соратнике Салавата Юлаева – одном из незаслуженно забытых вождей Крестьянской войны – старшине по имени Кинзя Арсланов.

Есть и другая причина. Поработав со многими театральными режиссерами, в том числе и выдающимися, я понял, что они зачастую делают постановки, противоречащие замыслу композитора. Мне кажется, люди начали уставать от этого. Поэтому я решил попытать свои силы и сделать свой вариант «Аттилы». Эту музыку я прекрасно знаю. «Аттила» – сочинение молодого Верди, очень компактная, задорная, насыщенная событиями опера, которую удобно петь. Я сам многократно исполнял заглавную партию, но на премьере отдам ее кому-то из местных или приглашенных солистов. Ее хорошо знают в столичных театрах, в Мариинке, так что, уверен, на фестиваль мы соберем завидный состав, и не один.

ЮЧ Вы являетесь горячим поклонником футбола. Какие прогно­зы сделаете как активный болельщик?

ИА Первые два мачта – с Саудовской Аравией и с Египтом – дают в целом неожиданно позитивную картину. Конечно, нам очень повезло с противниками, но главное, что это красивый футбол! Турнирная таблица – это факты, которые второстепенны. Главное – удовольствие от класса игры, от мастерства спортсменов. Мне бы очень хотелось надеяться, что та оптимистичная ситуа­ция, которая связана со строительством стадионов, площадок во дворах, с попытками вовлечь молодежь в занятие футболом поспособствует глобальному процессу возрождения этой прекрасной игры в нашей стране. И, возможно, через несколько лет поменяется и спортивный менталитет наших игроков. Кто знает, вдруг когда-нибудь наша сборная станет чемпионом мира!

ЮЧ Из ваших социальных аккаунтов я узнала, что во время репетиций в Париже вы посетили концерт Сергея Шнурова. Как это сочеталось – Мусоргский и китчевый стиль солиста группы «Ленинград»?

ИА Нас познакомил Василий Бархатов, который задействовал Шнурова в одном из своих спектаклей в Санкт-Петербурге («Бенвенуто Челлини» Берлиоза). Это очень неординарная личность, очень глубокий человек со своим шармом и стилем, очень интеллектуальный, эрудированный, начитанный, духовный. И это не мешает ему быть таким простым, близким к народу. Его песни и его композиции предназначены для исполнения с разными музыкальными составами. Может, поэтому в его стихах с изрядной долей хорошего, здорового стеба мат слышится не так вульгарно. Мы со Шнуровым записали песню, правда, она еще не вышла. У меня там довольно веселый припев: «Буду водку я к борщу – не забуду, не прощу».


ФОТО: AGATHE POUPENEY / OPÉRA NATIONAL DE PARIS
==============================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11080

СообщениеДобавлено: Вт Июл 17, 2018 6:30 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018071701
Тема| Музыка, Концертный зал «Зарядье»
Автор| Юлия Бедерова
Заголовок| Музыка со скидкой
Концертный зал «Зарядье» готов к открытию в сентябре
Где опубликовано| © Коммерсант
Дата публикации| 2018-07-17
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/3688404
Аннотация|

Фото: Дмитрий Духанин / Коммерсантъ

В Москве прошла пресс-конференция, на которой чиновники и деятели культуры рассказали про новый мультифункциональный концертный комплекс «Зарядье». По словам главы театра «Геликон-опера» Дмитрия Бертмана, зал станет новым «музыкальным сердцем Москвы». О других подробностях, раскрытых на пресс-конференции, рассказывает Юлия Бедерова.
Мультифункциональный концертный комплекс в центре Москвы в парке «Зарядье» на месте снесенной гостиницы «Россия», где в свое время также размещался популярный киноконцертный зал, откроется для публики двумя торжественными программами 8 и 9 сентября. По словам Валерия Гергиева — сперва инициатора нового проекта филармонической направленности, теперь главы наблюдательного совета «Зарядья», программы не будут повторяться: «На открытие мы пригласим друзей искусства, друзей Москвы и друзей России из разных стран». Пока назван только один участник концертов — Денис Мацуев. Известно также, что вторая программа будет «более симфонической».



Режиссером концертов выступит Дмитрий Бертман — глава театра «Геликон-опера» и член наблюдательного совета. Он рассказал, что высокотехнологичная система трансформации пространства SEPARID была впервые установлена в Москве в театре «Геликон». В новом зале она сможет менять конфигурацию не только сцены, но и зрительской части. Одно сможет легко превращаться в другое. А зал станет пригоден как для концертных форматов, так и для театральных постановок — здесь можно будет показывать даже «Аиду».

Если Бертман назвал МКЗ будущим «музыкальным сердцем Москвы», то ректор консерватории и член наблюдательного совета Александр Соколов предпочел религиозную терминологию. Он объявил МКЗ «храмом» (пусть еще не намоленным) и пообещал, что консерватория «поможет в его освящении». МКЗ тем временем рассчитывает на бурную жизнь «с мировыми звездами раз в неделю» — в этом «Зарядью», судя по всему, должны помочь творческие контакты господина Гергиева. По его мнению, задача зала — «избежать конфликтных ситуаций между разными московскими залами и театрами. В Париже несколько прекрасных залов, и это нормально. Просто нужно работать вместе».

Расписание зала на 1600 мест с эффектным интерьером и, как ожидается, хорошей естественной акустикой составлено до конца года. Абонементной системе дирекция предпочла систему скидок за количество. При покупке четырех билетов на концерты одного жанра покупатель получает скидку 20%, разных жанров — 10% (таким образом, разборчивость и стойкость во вкусах стоят дешевле). Жанры выбираются по хештегам: «зарядись классикой», «зарядись оперой», джазом, этно, детством и так далее. Хештег для современной музыки — «зарядись новым»: уже известно, что композиторская музыка ХХ и ХХI веков будет представлена в «Зарядье» в заметном количестве и качестве, что редкость для крупных площадок Москвы.
В «Зарядье» есть второй зал на 400 мест, и это по-настоящему дефицитный формат. Остается только убедиться, что акустика его не подведет, а комплекс в целом не повторит судьбу Дома музыки на Красных Холмах с его физическим и акустическим неудобством, амбициозным стартом, но не слишком яркими буднями.

Уже очевидно, что по крайней мере концерты с участием таких звезд мировой академической и джазовой сцен, как Даниил Трифонов, Джойс Ди Донато, Джошуа Белл, Теодор Курентзис, Бобби Макферрин и другие, будут пользоваться спросом. Создатели МКЗ убеждены, что в Москве он превышает предложение.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11080

СообщениеДобавлено: Вт Июл 17, 2018 6:37 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018071702
Тема| Музыка, Концертный зал «Зарядье»
Автор| Виктор Александров
Заголовок| Заряжено на открытие
Ультрасовременный зал в "Зарядье" распахнет двери в День города
Где опубликовано| © Российская газета
Дата публикации| 2018-07-17
Ссылка| https://rg.ru/2018/07/16/reg-cfo/ultrasovremennyj-koncertnyj-zal-v-zariade-otkroetsia-v-den-goroda.html
Аннотация| Презентация концертного комплекса "Зарядье"

В день города в парке "Зарядье" откроется новый Концертный зал. В гала-концертах 8 и 9 сентября примут участие звезды мировой оперной сцены, известные исполнители и симфонический оркестр Мариинского театра под управлением Валерия Гергиева; концерты будут транслироваться более чем на 100 стран.

Под стеклянным куполом размещены два зала: Большой вместимостью на 1560 зрителей и Малый - на 400. Расположение здания, архитектурные, технологические и организационные возможности нового комплекса "Зарядье" позволяют назвать его одним из лучших концертных залов мира.

Презентация Филармонического зала в парке "Зарядье" состоялась при участии руководителя Департамента культуры Москвы Александра Кибовского; главного архитектора Москвы Сергея Кузнецова; руководителя Мариинского театра, председателя Наблюдательного совета по творческому развитию зала "Зарядье" Валерия Гергиева; гендиректора концертного зала "Зарядье" Ольги Жуковой; ректора Московской государственной консерватории им. Чайковского Александра Соколова и художественного руководителя "Геликон-Оперы" Дмитрия Бертмана.

Валерий Гергиев поздравил москвичей, музыкантов и театральных деятелей страны с замечательным подарком.

"Открытием такого зала в Москве, - сказал Гергиев, - мы сможем совместными усилиями решить главную насущную проблему - заложить основы для развития и появления уже в ближайшее время большого числа новых молодых звезд: одаренных музыкантов, которые сегодня будут открывать для себя новые возможности, в частности и в этом зале. Здесь есть все условия для создания образовательных и просветительских проектов".

По мнению маэстро, "творческие возможности Большого зала "Зарядье" безграничны". Сцена может трансформироваться. Это и возможности симфонического зала, и зала для сольных выступлений пианистов, скрипачей или певцов, а также зала для проката детских спектаклей. "Дети ведь очень здорово воспринимают звучание симфонического оркестра, но еще лучше они расположены внимать красоте и могуществу театра. В августе на сцене Большого зала состоится первый профессиональный акустический тест, - продолжил Гергиев. - Сейчас мы уже пришли к реальным испытаниям акустики, которую проектировал выдающийся японец Ясухиса Тойота. Все залы мира соперничают друг с другом в погоне за этим чудом - натуральной акустикой! В любой стране любому мегаполису необходимо преодолевать огромное количество задач, чтобы получить зал с совершенной акустикой. Как правило, в большинстве случаев этого не происходит. Главным залогом успеха помимо архитектуры, пространственного наполнения комплекса является успешное решение задач, связанных с естественной акустикой. Учитывая достаточно сложные условия, сопутствующие составлению творческой программы, сегодня есть только ее контуры, перечень артистов, которым предложено здесь выступить".
Между тем Концертный зал Филармонии "Зарядье" уже запустил электронную продажу билетов. Официальное открытие зала состоится в День города, 8 и 9 сентября.
8 сентября за пульт симфонического оркестра Мариинского театра встанет маэстро Валерий Гергиев, а на следующий день петербуржцев сменит коллектив Михаила Плетнева - Российский национальный оркестр, которым впервые продирижирует прославленный итальянский маэстро Риккардо Мути.

Уже известно, что в первом сезоне в Зарядье состоится свыше 100 мероприятий с участием таких именитых артистов, как Даниил Трифонов, Бобби Макферрин, Джойс Дидонато, Люка Дебарг, Ильдебрандо Д Арканджело, Барочный ансамбль La Poeme Harmonique, камерные оркестры "Академия Святого Мартина в полях", MusicAeterna и "Кремерата Балтика".

Как отметила генеральный директор зала "Зарядье" Ольга Жукова, принципиально иной будет творческая политика концертных программ - отличная от привычной системы абонементных циклов. Зрителю будет предложен специальный концептуальный проект - #Зарядись музыкой. Для просмотра концертов заданных направлений достаточно только нажать на интересующий хэштег и выбрать интересующее направление музыки и жанров.

В состав наблюдательного совета по творческой программе Концертного зала в "Зарядье", кроме Валерия Гергиева, вошли Михаил Плетнев, Денис Мацуев, Юрий Башмет.

Справка "РГ"

Концертный зал "Зарядье" спроектировали и построили всего за три года. Комплекс, расположившийся на 25,6 тыс. кв. м, имеет четыре наземных и два подземных этажа, Большой и Малый залы и двенадцать артистических помещений. Пространство залов может трансформироваться: это позволит проводить мероприятия различного формата: полное преображение зала из амфитеатра в одноуровневое пространство займет не более 40 минут.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11080

СообщениеДобавлено: Вт Июл 17, 2018 7:27 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018071703
Тема| Музыка, Опера, Фестивали, Мариинский театр, «Норма», Персоналии
Автор| Владимир Дудин
Заголовок| Петь, молиться, спасать
На "Звездах Белых ночей" звезды Мариинской сцены показали "Норму"
Где опубликовано| © Российская газета
Дата публикации| 2018-07-16
Ссылка| https://rg.ru/2018/07/16/reg-szfo/na-zvezdah-belyh-nochej-zvezdy-mariinskoj-sceny-pokazali-normu.html
Аннотация| Фестиваль

Главная миссия фестиваля - знакомить публику с лучшими голосами Мариинского театра, и с ней он справляется успешно. В фокусе - вагнеровские солисты, команду которых пополнила сопрано Татьяна Павловская, исполнившая Брунгильду в "Валькирии" под управлением Пласидо Доминго. Из русских опер по частоте постановок наряду с традиционными "Пиковой дамой" и "Евгением Онегиным" в лидеры выбилась новая "Царская невеста". И хотя спектакль обнаружил дефицит ярких женских голосов уровня Ольги Бородиной и Анны Нетребко, зато здесь оказались в изобилии замечательные мужские голоса - в особенности баритоны и басы. Ясно, что в театре выросло и новое поколение вердиевских голосов: в "золотом списке" - бас Ильдар Абдразаков, выступивший в главной партии в "Аттиле" Верди вместе с Одабеллой - сопрано Татьяной Сержан. Рядом с ним - молодые баритоны Владислав Сулимский, Роман Бурденко и Алексей Марков, выходившие в "Трубадуре", "Макбете", "Симоне Бокканегра". Среди меццо-сопрано позицию лидера удерживает Екатерина Семенчук, выступавшая на Мариинской сцене в партиях принцессы Эболи в "Дон Карлосе" и Азучены в "Трубадуре".

Между тем маэстро Валерий Гергиев давно подбирается к "Норме" Беллини, шедевру бельканто, исполняя ее в концертном варианте и прекрасно понимая, что на титульную партию нужна primadonna assoluta. Вполне возможно, он ждал, что за Норму возьмется Анна Нетребко, и тогда эта опера, наконец, получит свое достойное место в репертуаре. Анна даже уже было собралась, и не исключено, что выучила партию, но в последний момент отказалась от дебюта в лондонском Ковент-Гарден и ее заменила Соня Йончева. Но вот "Норма" появилась в афише фестиваля "Звезды белых ночей", и меломаны встрепенулись, потому что в партии Нормы была заявлена Татьяна Сержан. Хорошо известная в европейском оперном мире как вердиевская певица, чей талант ценит сам маэстро Мути, она попала в мариинскую труппу на пике карьеры. Сегодня в ее активе - вердиевские партии в "Аиде", "Бал-маскараде", "Дон Карлосе", "Аттиле", "Симоне Бокканегра", "Фальстафе".

Дирижировать "Норму" Валерий Гергиев неожиданно пригласил Олега Каэтани, много лет назад учившегося у Ильи Мусина, но меньше всего ассоциирующегося с музыкой бельканто. Каэтани предложил жесткую, местами брутальную интерпретацию этого шедевра. Сквозной темой прорезая идею Guerra - "войны", он предложил рубленые, напористые, крайне неудобные для певцов темпы, создавая резкий контраст к теме всепоглощающей и всепрощающей любви, всегда жертвенной в жестоком мире фанатиков. Татьяна Сержан была той самой Нормой, почти Медеей, которая по-цветаевски напряженно, сочетая несочетаемое - жесткость чеканных рифм с нежностью нот, страдала, молилась и спасала.

Бальзам музыки Беллини трудно было не почувствовать и в том, как лились бесконечные мелодии у тенора Сергея Скороходова в партии Поллиона, у меццо-сопрано Анны Кикнадзе - Адальджизы, у Юрия Воробьева в партии Оровезо. Осталось главное: чтобы этот шедевр Беллини появился в репертуаре Мариинского театра.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11080

СообщениеДобавлено: Вт Июл 17, 2018 8:19 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018071704
Тема| Музыка, Концертный зал «Зарядье»
Автор| Петр Поспелов
Заголовок| Каким будет концертный зал в «Зарядье»
На открытии новой площадки выступят Валерий Гергиев и Риккардо Мути
Где опубликовано| © Ведомости
Дата публикации| 2018-07-16
Ссылка| https://www.vedomosti.ru/lifestyle/articles/2018/07/16/775616-kakim-budet-kontsertnii-zal-zaryade
Аннотация| Презентация концертного комплекса "Зарядье"

Новый концертный зал «Зарядье» станет пятым залом в Москве, предназначенном для концертов симфонической музыки – наряду с Большим залом консерватории, Концертным залом Чайковского, Домом музыки и Филармонией-2. По вместимости он сопоставим с ними – 1600 мест, а по возможностям их даже превосходит: конфигурация зала может трансформироваться, амфитеатр сравниваться с партером, оркестровая яма опускаться и подниматься. Здесь можно будет давать и оперные спектакли: хотя кулис и нет, зал будет оснащен также верхней машинерией.

За строительством зала внимательно следили видные музыканты – и главным образом Валерий Гергиев, занявший должность председателя Наблюдательного совета по творческому развитию зала. Его, как и многих, волновала прежде всего естественная, не требующая подзвучек акустика, и, кажется, на этот счет можно быть спокойным – ее спроектировал акустик номер один в мире Ясухиса Тоёта, благодаря кому звучат оркестры в концертном зале Мариинского театра и в недавно открытой в Гамбурге «Эльб-филармонии», и на других площадках по всей земле. 6 августа Тоёта прибудет в Москву и лично протестирует звук.

Зал находится под землей, чем напоминает «Геликон-оперу»: обе площадки проектировала одна фирма – АО «Мосинжпроект». Архитектура зала – на любителя: стены обиты благородным кедром, однако балконы в форме морской волны скорее подошли бы Юрмале или Сочи советских времен.

Команду зала возглавляет Ольга Жукова из Минкульта, за концертные программы отвечает Вероника Камаева – бывший продюсер Дома музыки. Абонементов не будет: вместо них можно выбирать концерты по хештегам: например, #зарядиськлассикой, #зарядисьбарокко, #зарядисьоперой, #зарядисьджазом. Поп-концертов не планируется, зато много лекций и детских образовательных программ. Современных композиторов в «Зарядье» тоже не боятся: для них придуман хештег #зарядисьновым. За покупку на сайте zaryadyehall.com четырех и более билетов с разными хештегами полагается скидка.

Планы сезона 2018/19 г. объявлены по декабрь включительно – там Гидон Кремер, Люка Дебарг, Владимир Федосеев, Александр Рудин, Теодор Курентзис, Бобби Макферрин и многие другие, кому московские меломаны уже привыкли рукоплескать в Консерватории или Филармонии. Но есть и Джойс Дидонато, и Эндрю Пэррот, и Кельнская филармония. В малом зале на 400 мест будут выступать такие же прекрасные музыканты.

Зал «Зарядье» откроется торжественными концертами 8 и 9 сентября. В первый вечер дирижирует Валерий Гергиев, во второй – Риккардо Мути. На эти концерты билеты пока не продаются, поскольку организаторы сначала должны определиться с количеством приглашенных со всего мира гостей. На дальнейшие концерты билеты есть, начиная с 12 сентября – в этот вечер в «Зарядье» под тегом #зарядиськлассикой играет Даниил Трифонов.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11080

СообщениеДобавлено: Ср Июл 18, 2018 1:47 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018071801
Тема| Музыка, Опера, Балет, Концерт, Персоналии
Автор| Мария Бабалова
Заголовок| Большой театр на одну ночь стал "Лужниками"
Где опубликовано| © «Независимая газета»
Дата публикации| 2018-07-18
Ссылка| http://www.ng.ru/culture/2018-07-17/7_7268_luzhnili.html
Аннотация| Грандиозный гала-концерт "Ночь в Большом" с участием Анны Нетребко и Пласидо Доминго посвятили завершению футбольного мундиаля в России

Первыми на Историческую сцену Большого театра вышли президент России Владимир Путин и глава Международной федерации футбола Джанни Инфантино. Российский лидер отметил, что благодаря чемпионату «рухнули мифы и предубеждения», а руководитель ФИФА назвал чемпионат лучшим в истории и в порыве искреннего чувства предложил в Большой театр привнести атмосферу «Лужников». И зал, переполненный высокопоставленными гостями со всего мира, под руководством Инфантино стал с болельщицким азартом скандировать: «Россия! Россия!»

Удивительно, но факт: культурным символом нынешнего футбольного первенства стал не всемирно знаменитый русский балет, а опера, что сильна и русскими исполнителями и гостеприимно принимает лучшие голоса планеты. Культурный старт мундиалю дал масштабный open-air на Красной площади, камертоном которого были Валерий Гергиев и возглавляемый им оркестр Мариинского театра, а постановку осуществлял Дмитрий Бертман. Финальную же ноту элитарно-светского концерта взял Большой театр со своим музыкальным руководителем Туганом Сохиевым за дирижерским пультом. Очевидные приметы принципиального творческого баттла двух главных театров страны в рамках самого важного и интригующего спортивного состязания четырехлетия только обогатили футбольный турнир пикантными контрастами высокого искусства.

За футбольно-оперное представление в Большом театре отвечал немецкий режиссер Ханс-Йоахим Фрай, более известный в мире не в качестве постановщика, а как основатель знаменитого Дрезденского оперного бала. Но, несмотря на ночной формат концерта, публике не стали предлагать ни гастрономических угощений, ни танцевальных развлечений, как обычно бывает на балах. Хотя гости абсолютно академично занимали места в партере и ложах, Большой театр в эту ночь напоминал восторженную фан-зону. Фоном всему происходящему служили то огромная трибуна, то плазма, транслирующая фрагменты чемпионата, уже ставшие его историей.

Говоря футбольным языком, состав сборной оперных звезд по сравнению с игрой на Красной площади сохранил свой костяк. Вместе с капитаном Пласидо Доминго на сцену Большого театра вышли абсолютные фавориты публики Анна Нетребко, Юсиф Эйвазов и Ильдар Абдразаков. К ним присоединились не выходившие на Красную площадь Хибла Герзмава, Дмитрий Ульянов, итальянский тенор Фабио Сартори и камерунский бас Жак-Грек Белобо.

Высочайшую художественную планку задала фантастическая Анна Нетребко, феноменально исполнив «Молитву» Тоски из оперы Пуччини. Именно «Тоска» – самое недавнее прибавление в галерею образов певицы и та самая опера, которой в этом году она закрывала сезон в нью-йоркской Метрополитен. И ария Тоски, подтверждающая статус Анны Нетребко как Primadonna Assoluta стала одним из самых роскошных номеров футбольного концерта. Ильдар Абдразаков виртуозно повторился, спев, как и на площади, куплеты Эскамильо. Тему оперы Бизе «Кармен» изящно продолжил, употребив все богатство своего красивого тенора Юсиф Эйвазов «Арией с цветком», мастерски смакуя все верхние ноты, как в арии Хозе, так и в дуэте Шенье и Мадлен вместе с Анной из оперы Джордано. Мощь настоящего чувства накрыла зал десятибалльной волной эмоций.

Появление на Исторической сцене Большого Пласидо Доминго вызвало ничем не сравнимый восторг публики. Давно покончивший с теноровой карьерой великий певец исполнил страстную арию Жерара из оперы «Андре Шенье» и проникновенный романс Рафаэля из сарсуэлы Торробы «Чудо». Доминго покоряет своей невероятной искренностью и внутренней стойкостью. Сегодня он – реальное и прекрасное связующее звено оперы ХХ и ХХI веков. Хотя, конечно, время жестоко испытывает любой, даже самый грандиозный талант. И остается только сожалеть, что Доминго еще ни разу в жизни не спел в спектакле Большого. Мариинский театр, например, с 1992 года частенько приглашает певца.

Иные заморские гости вечера – Фабио Сартори и Жак-Грек Белобо вели себя скромно во всех отношениях. Среди новичков оперно-футбольной команды блеснула Хибла Герзмава с арией Леоноры из «Силы судьбы». Правда, почему-то ведущие концерта призвали собравшихся трактовать данный номер как оду миру, хотя это пронзительная мольба любящего сердца совсем не о мире во всем мире. Тут нельзя не заметить, что порой сентенции конферанса напоминали пассажи болельщиков навеселе. Так, каким-то загадочным образом, у них Гендель стал английским композитором, а «Турандот» – самой футбольной оперой…

Также странным показалось то, что Большой в своих рядах не нашел ни одного солиста, чтобы делегировать его в команду звезд. Попытка же коллективного труда в «Полете валькирий» не выглядела комплиментарной для театра. И чтобы концерт не финишировал на неуместной как по смыслу, так и, увы, по уровню исполнения Дмитрием Ульяновым арии Кутузова, вечер завершился беспроигрышными и понятными без перевода «Подмосковными вечерами». А вот идею ежегодных гала-концертов с привлечением международных исполнительских сил в качестве демонстрации и продюсерского мастерства двух главных театров страны интересно и поучительно было бы взять за правило без оглядок на спортивный календарь.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11080

СообщениеДобавлено: Чт Июл 19, 2018 5:41 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018071901
Тема| Музыка, Опера, Фестиваль в Экс-ан-Провансе, «Ариадна на Наксосе»
Автор| Илья Кухаренко
Заголовок| Пранк во дворянстве
«Ариадна на Наксосе» Кейти Митчелл в Экс-ан-Провансе
Где опубликовано| © «Коммерсант»
Дата публикации| 2018-07-19
Ссылка| https://www.kommersant.ru/doc/3689436?from=four_culture
Аннотация| Фестиваль

Опера «Ариадна на Наксосе» была одной из самых ожидаемых премьер фестиваля в Экс-ан-Провансе. Для режиссера Кейти Митчелл опус Рихарда Штрауса стал практически идеальной театральной и музыкальной фактурой. Рассказывает Илья Кухаренко.
Опера «Ариадна на Наксосе» Рихарда Штрауса и Гуго фон Гофмансталя в своей самой популярной второй редакции 1916 года — результат длительной и трудоемкой спасательной операции. Камерную оперу вызволяли из мольеровской комедии «Мещанин во дворянстве». Там, по замыслу великого режиссера Макса Рейнхардта, она должна была иллюстрировать полоумие Журдена, который требует сыграть для гостей две оперы одновременно. Так на остров Наксос, где тоскует покинутая Тесеем Ариадна в окружении трех нимф, подселяются Цербинетта и четыре ее буффонных кавалера. И все они вынуждены как-то делить общее пространство, пока за Ариадной не придет ее будущий божественный супруг Бахус.

Изящная и остроумная, эта опера рисковала навсегда остаться пленницей мольеровской комедии, но Штраус и Гофмансталь потратили четыре года на то, чтобы дописать к опере пролог, объясняющий, отчего в сюжете так странно все смешалось. Действие перенесли в Вену в дом богача-сумасброда, где сталкиваются две труппы: юный Композитор, его Наставник, Примадонна и Тенор с одной стороны, с другой — Танцмейстер и труппа оперы-буффа во главе с Цербинеттой. Сам Хозяин дома не появляется, а его приказы передает Мажордом, от которого все участники и узнают, что трагедия и комедия должны быть представлены одновременно.

Даже странно, что королева двойной экспозиции Кейти Митчелл не поставила эту оперу раньше. Рамочные сюжеты, таинственные соглядатаи, женщины, страдающие от произвола и собственничества мужчин,— это очень митчелловская театральная фактура. Ей все здесь близко.

Самое интересное и парадоксальное в этом спектакле — вера режиссера в предлагаемые обстоятельства, в которые сами-то авторы не очень верили. А Кейти Митчелл настаивает: и сегодня живут разнообразные толстосумы-сумасброды, и у них случаются разнообразные торжества.

Но у этих сегодняшних толстосумов примерно вот такой особняк, в котором нет театрального пространства, а есть огромная серо-голубая зала, разделенная порталом, напоминающим театральный, но, скорее всего, отделяющим столовую от гостиной (художник Клоуи Лэмфорд). Там можно повесить полупрозрачный занавес, но ни декораций, ни театрального света не предполагается. А все, кто не играет в данный момент, могут сидеть на длинной лавке вдоль стены, потому что дверь одна и она в дальнем углу — не набегаешься. И приглашенные труппы будут примерно такими: одна — возвышенно-экспериментальная, а другая — опереточно-кроссоверная, с диодами в платье и на фрачных поясах. Самое захватывающее — следить за тем, как разворачивается действие, как певцы и танцоры обеих трупп приспосабливаются к обстоятельствам, мешают друг другу, ходят сквозь «четвертую стену», скучают или вдруг начинают прислушиваться и взаимодействовать.

Поразительно, но это и музыкально звучит точно так, как выглядит сценически. Дирижер Марк Альбрехт не только блистательно владеет пресловутым венским стилем и отлично справляется с инструментальной вязью штраусовской партитуры. Он вместе с певцами и Orchestre de Paris очеловечивает, даже одомашнивает эту «Ариадну», лишая ее античных поз и котурнов. Среди ровного и прекрасного состава имеет смысл выделить уже хорошо известную колоратуру Сабину Девьель (Цербинетта) и открытие этого фестиваля — сопрано Лиз Дэвидсен в партии Ариадны с невероятной красоты и пластичности голосом и большим актерским дарованием.

Кейти Митчелл не была бы собой, если бы слегка не подкрутила сюжетные гайки вместе с драматургом Мартином Кримпом (автором либретто двух поставленных ею опер Джорджа Бенджамина «Написано на коже» и «Уроки любви и насилия»). Композитор (Анджела Броуэр) перестал быть «брючной» партией, здесь это девушка, которой просто нравятся девушки. А вот для Цербинетты влечение к строптивой авторке становится довольно шокирующим переживанием. Ариадна в современной опере-сериа глубоко беременна, и ожидаемый ею Бахус не новый возлюбленный, а младенец, который появляется на свет в финальной сцене.

Но главное — что Митчелл и Кримп смогли очень убедительно, и вполне сообразно авторской воле, предъявить в своем спектакле собственно заказчика, Хозяина дома. Митчелл внятно ощутила дистанцию между Журденом и новым Хозяином версии Штрауса—Гофмансталя и вывела на сцену эксцентричную пару — женщину в смокинге и мужчину в красном платье-тунике. Они и есть единственные зрители всего происходящего на сцене. Нет и не планировалось, похоже, никаких гостей. Две театральные труппы стали жертвами изощренного арт-пранка, которым развлекается пара скучающих богатых эксцентриков.

В финале оба подводят итог, признавая, что хотя эксперимент и дал интересные результаты, но будущее оперы надо искать где-то совсем в другом месте. Странным образом этот надменный и недалекий вывод внезапно рождает ощущение, что в пространстве серо-голубой гостиной, прямо перед носом двух взбалмошных снобов, только что случилось что-то важное и ценное. Случилось — и осталось незамеченным и для исполнителей, и для заказчиков. Но зрители в Theatre de l’Archeveche, похоже, оценили.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11080

СообщениеДобавлено: Вт Июл 24, 2018 5:35 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018072401
Тема| Музыка, Опера, Фестиваль, Мариинский театр, Премьера, «Царская невеста», Персоналии
Автор| Вера Степановская
Заголовок| Валерий Гергиев продолжает традицию "дома русской оперы"
На "Звездах белых ночей" "Царская невеста" Римского-Корсакова стала второй большой премьерой Мариинского театра
Где опубликовано| © «Коммерсант»
Дата публикации| 2018-07-22
Ссылка| http://www.ng.ru/culture/2018-07-22/6_7271_wnigts.html
Аннотация| Фестиваль

На «Звездах белых ночей» премьера «Царской невесты» Римского-Корсакова, музыкальный руководитель – Валерий Гергиев, прошла в Мариинском театре – 2. Новая интерпретация оперы сменила спектакль, который шел в Мариинке больше десяти лет.
Постановка 2018 года выглядит логичным возвращением к одному из ключевых репертуарных названий для «дома русской оперы». Внимание к русскому репертуару, фестивали русских композиторов, сохранение отечественного наследия были среди первоочередных задач, которые ставил Валерий Гергиев, возглавив театр в конце 80-х годов. В 1999 году он записал спектакль для фирмы Philipps. В 2004-м театр вновь обратился к «Царской невесте», пригласив Юрия Александрова, который перенес действие оперы в сталинское время. Сегодня в репертуар Мариинского театра входят почти все оперы Римского-Корсакова. По словам Гергиева, обращаясь еще раз к «Царской невесте», театр хотел освежить свой взгляд на этот шедевр композитора.
Ставить оперу был приглашен Александр Кузин – режиссер драматического театра, недавно с успехом дебютировавший в опере очень удачной постановкой оперы Родиона Щедрина «Не только любовь» в Концертном зале Мариинского театра. Его «Царская невеста» выглядит попыткой исследования возможностей традиционного решения оперного спектакля. У такого подхода есть очевидные плюсы: он позволяет публике сосредоточиться на переживании и осмыслении самого произведения, а не на современных аллюзиях, которые оно вызывает.

Это именно опера Римского-Корсакова по драме Льва Мея. Декораций почти нет, те, что есть – выбеленные и темные дрекольные стены отражают контраст темных страстей и чистой любви. Возникает эдакий вариант «Тангейзера». А Римский-Корсаков Вагнером интересовался, только будучи погруженным в этнографически-бытовую атмосферу. Историчность костюмов обманчива, что оборачивается почти китчем. В «Царской невесте» много быта, постановка это учитывает, но сознательно подчеркивает новодельность – как в восстановленном храме Христа Спасителя. Опричники похожи то ли на казаков, то ли на отряд черкесов.

Тон задает заставка в конце увертюры: Григорий Грязной смотрит на Марфу, всю в белом, которая поднимается по лестнице среди стерильных декораций вверх – к храму, к небу. Глухая бревенчатая стена опускается, оставляя героя наедине с темными страстями, и Грязной на просцениуме начинает свой монолог и знаменитую арию «С ума нейдет красавица!». Этот прием с арией перед залом будет еще несколько раз повторен режиссером.

Поют свои солисты театра. Алексей Марков – Григорий Грязной номер один в театре. В русском костюме и гриме он традиционно хорош в этой партии. Любаша Юлии Маточкиной с необыкновенно красивым меццо не совсем привычна, здесь это, с одной стороны, почти Медея, с другой – русская баба, «Катерина Измайлова», готовая пойти на все ради физической страсти. В этом образе значительно меньше благородства, чем публика привыкла видеть. А Марфа (Анна Денисова – находка для партии) – наивная девочка, живущая в «зеленом саду» своей души.

Меня в школьные годы всегда чрезвычайно занимала история о находке ее нетленного тела во время строительства московского метро. Что потом с ним произошло? Здесь ее сумасшествие похоже на юродство. Интересно, что хоть режиссер в буклете и заявляет, что ставит трагедию шекспировского масштаба, никому из героев он не сочувствует.
Ансамбль весь хорош: Собакин Станислава Трофимова аутентичен в роли и впечатляет вокалом, Михаил Петренко делает Малюту Скуратова ярким персонажем, хоть и злодеем, конечно. Еще один злодей – Бомелий в превосходном исполнении Андрея Попова. Оркестр под управлением Гергиева звучал великолепно. Публика спектакль приняла с восторгом, овации продолжались долго, но главное, как слушали саму оперу!
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Наталия
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 05.05.2005
Сообщения: 11080

СообщениеДобавлено: Вт Июл 24, 2018 6:05 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018072402
Тема| Музыка, Опера, Фестиваль, Зальцбург, «», Персоналии
Автор| Ирина Муравьева
Заголовок| Дела пошли в гору
В Зальцбурге открылся фестиваль, в афише - множество русских имен
Где опубликовано| © «Российкая газета»
Дата публикации| 2018-07-19
Ссылка| https://rg.ru/2018/07/19/v-zalcburge-otkrylsia-festival-v-afishe-mnozhestvo-russkih-imen.html
Аннотация| Фестиваль

Сегодня открывается Зальцбургский фестиваль, который продлится до 30 августа. По словам интенданта фестиваля Мартина Хинтерхойзера, он давно влюблен во все, что составляет русскую культуру, и считает русских музыкантов одними из лучших в мире. В Зальцбургской программе этого сезона - сольные концерты Евгения Кисина, Григория Соколова, Аркадия Володося, Даниила Трифонова, Игоря Левита. Сам интендант, великолепный пианист, выступит с циклом сочинений Галины Уствольской.
В этом году в центре Зальцбургской афиши - имена, только что создавшие главное событие Дягилевского фестиваля - спектакль "Жанна на костре" Онеггера: Ромео Кастеллуччи и Теодор Курентзис. Оба автора пермского спектакля (в ко-продукции с театрами Европы) появятся летом на фестивале.

Одна из самых ожидаемых премьер нынешнего Зальцбургского сезона - "Пиковая дама" Петра Чайковского в постановке мэтра радикальной режиссуры Ханса Нойенфельса. Нойенфельс работает в тандеме с деликатнейшим Марисом Янсонсом, и каков будет итог этого союза, угадать невозможно. Партию Германа в спектакле поет американский тенор Брэндон Йованович, Графиню - немецкое меццо Ханна Шварц, остальной состав - практически весь русскоязычный: Лиза - сопрано из Мариинки Евгения Муравьева, Полина - Оксана Волкова из Беларуси, выпускница Молодежной программы Большого театра, Томский - мариинский баритон Владислав Сулимский, Елецкий - Игорь Головатенко и другие.

Представлена на сцене Зальцбурга будет и барочная опера Монтеверди "Коронация Поппеи" (1642). Итальянец Монтеверди изображал в своих операх реальные исторические фигуры и точно также для него эмоции, страсти, бездны души его персонажей оказывались важнее формальности исторических соответствий. Одну из таких опер - о Нероне и его любовнице Поппее, поставит на фестивале фламандский режиссер Ян Лауэрс с участием артистов его Needcompany. Опера эта о смысле любви и жизни, о смерти, об одержимости борьбы за власть, о насилии и эротике.

Эта тема является ключевой для Зальцбургской программы 2018 года, отправной точкой которой стал теоретический тезис Фридриха Шиллера - "О причине удовольствия, доставляемого трагическими предметами": о сути искусства, которое со времен древности изучало прекрасное в человеке и одновременно - открывало в нем бездну ужасного. Именно в этой смысловой тональности сформировалась нынешняя программа, один из спектаклей которой - "Итальянка в Алжире" Джакомо Россини в постановке Моше Ляйзера и Патриса Корье. В этом веселом спектакле-буфф, манифестирующим, по мысли постановщиков, идею равенства полов, в роли Изабеллы выступила примадонна Бартоли, превратившая своей энергией и юмором все действие спектакля в жизнерадостное безумие, а в комической партии Мустафы в пару с ней играл Ильдар Абдразаков. Именно этот веселый спектакль и должен разбавить и придать оптимизма главной зальцбургской теме.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> Газетный киоск Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4  След.
Страница 2 из 4

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика