Список форумов Балет и Опера Балет и Опера
Форум для обсуждения тем, связанных с балетом и оперой
 
 FAQFAQ   ПоискПоиск   ПользователиПользователи   ГруппыГруппы   РегистрацияРегистрация 
 ПрофильПрофиль   Войти и проверить личные сообщенияВойти и проверить личные сообщения   ВходВход 

Общество Друзья Большого балета
2018-05
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9, 10  След.
 
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска
Предыдущая тема :: Следующая тема  
Автор Сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18947
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Май 29, 2018 11:39 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052901
Тема| Балет, Детский музыкальный театр имени Наталии Сац, Персоналии, Кирилл Симонов
Автор| Марина Абрамова
Заголовок| Путешествие Гулливера во времени и пространстве
Где опубликовано| © портал "Музыкальные сезоны"
Дата публикации| 2018-05-29
Ссылка| https://musicseasons.org/puteshestvie-gullivera-vo-vremeni-i-prostranstve/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

В Детском музыкальном театре имени Наталии Сац в рамках фестиваля «Черешневый лес» поставили балет по мотивам романа Джонатана Свифта.

Поставил автор цель благую —

Лечить испорченность людскую.

Мошенников и плутов всех

Хлестал его жестокий смех…

(«Стихи на смерть доктора Свифта», Д.Свифт)




На чём же можно сконцентрироваться? Конечно, на самом путешествии, музыке, ярких костюмах, декорациях и спецэффектах! Долгое, полное приключений, забавных и местами страшных, сулит морское плавание Гулливеру (Олег Фомин). На сцене реет большой корабль с мачтами, матросы готовятся к отплытию, да и сам главный герой сердечно прощается со своей семьёй (Юлия Белякова, Варвара Серова). Долго плывёт корабль по волнам, до тех пор, пока не попадёт в суровый шторм, а после него в страну лилипутов. Много чудных забав придётся испытать главному герою не только в стране лилипутов, но и у великанов, много дорог пройдёт отважный Гулливер, побывает в Японии и Африке, на Севере и в джунглях, и везде его будут встречать невиданные народы, животный и растительный мир.

Чем же ценен и интересен данный балет для детско-подростковой аудитории? Во-первых, доброй, сердечной, исторически утончённой (всё же события происходят в Англии XVIII века) музыкой (спасибо композитору Алексею Ларину!). Во-вторых, яркими и современными движущимся декорациями (отдельная благодарность художникам-постановщикам Филиппу Виноградову, Валентине Останькович; режиссёру видеооформления Антону Чукаеву). Каждая декорация – произведение искусства! А чего стоят блюда великанов, их посуда и утварь невиданных размеров! Поистине, попадаешь в страну огромных людей! Великолепно поставленные танцы, отточенные движения (хореография Кирилла Симонова), динамика происходящего радует душу и глаз.

Да-а-а… Поставить что-либо на сцене (драматическое, оперное, балетное) по остросатирическому, памфлетному, политическому произведению ирландского священника, философа, писателя – задача не из лёгких. Сложные философские размышления на сцене не передашь, труднопроизносимые слова вроде «гуигнгнмы» (так называлась страна разумных лошадей) тоже, но, оказывается, можно так поставить балет, что тем, кто роман ещё не читал, обязательно захочется это сделать.

А кроме этого, в балете есть ещё два важных момента. Первый заключается в очень тёплом, семейном настрое – что бы с Гулливером ни происходило, перед его взором всегда оказываются его домашние, близкие. Второй же, не менее ценный момент, собственно само путешествие во времени и пространстве. После всех своих странствий Гулливер на современном (!) вертолёте, летя через многочисленные города, небоскрёбы, попадает, наконец, в такой же современный аэропорт, где его встречают домашние, постаревшая, но ничуть не менее любящая супруга, дети, внуки… Смешная, но очень добрая концовка. Путешествие к самому себе сквозь века и эпохи.

Фото: Елена Лапина

Фото предоставлено пресс-службой Детского музыкального театра имени Наталии Сац
==================================================

Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18947
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Вт Май 29, 2018 3:44 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018052902
Тема| Балет, Саратовский академический театр оперы и балета, Премьера, Персоналии,
Автор| Юлия ТРОЦЬ
Заголовок| «Вешние воды» впадают в сердце
Где опубликовано| © Газета «Саратовская Панорама»
Дата публикации| 2018-05-29
Ссылка| http://sp-64.ru/arkhiv-novostej/17-novosti/3602-veshnie-vody-vpadayut-v-serdtse
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



В Саратове прошла мировая премьера, приуроченная к 200-летию Ивана Тургенева.

Не буду долго расписывать свое видение балета «Вешние воды», показ которого состоялся в Саратовском академическом театре оперы и балета 23 мая в рамках XXXI Собиновского фестиваля, потому что это именно тот случай, когда лучше один раз увидеть. Саратовская постановка вызвала немало разноречивых мнений, но я остановлюсь на тех моментах, ради которых на премьеру сходить все-таки стоит.

Причина первая – исполнители главных партий. Наконец-то, худрук и хореографы, (или кто-то еще, занимающийся распределением ролей) оценили талант и неподражаемый стиль великолепной балерины Кристины Кочетовой. Когда она еще только начинала танцевать в нашем театре (2013 год), выпускница Пермского хореографического колледжа сразу же выделялась на фоне своих партнерш по сцене – легкостью, воздушностью и необыкновенно мягкими, нежными и пластичными руками. Долгое время Кристина довольствовалась в репертуаре Саратовского театра незаслуженно малым. Но в этом сезоне она стала блистать в полную силу, исполняя главные партии в «Ромео и Джульетте», «Щелкунчике», «Золушке»… При постановке нового балета с выбором солистки не ошиблись. У меня сложилось впечатление, что эту партию сможет станцевать только Кочетова – и с артистической позиции, и с хореографической. 100-процентное попадание в образ Джеммы – легкой, веселой, жизнерадостной, желанной, позитивной и вдохновляющей.



Столь же великолепен в роли Дмитрия Санина Алексей Михеев. Впрочем, он хорош в любой ипостаси. Сидя на спектакле, слышала диалог двух заядлых зрительниц: мол, когда Михеев танцует Ротберта в «Лебедином озере», зал аплодирует ему не меньше 10 минут! На «Вешних водах» его выход на поклон тоже собрал рекордный по мощности взрыв оваций.

Вторая причина – костюмы. Необычные, комфортные, стильные. Одни женские шляпки с рогами (во втором действии) чего стоят! По словам художников по костюмам, все наряды выполнены в современном «подиумном» стиле, сшиты из дорогих тканей: натуральной шерсти, шелка, гипюра, кружевного полотна, хлопка, вискозы и других. Особенно впечатлили фэмили-лук (идея для семейной фотосессии!) и сверкающий вечерний наряд светской львицы Марии Полозовой.

Третья причина – моменты, пробирающие зрителей до мурашек. Для меня таким был следующий: в черные будни одинокого Санина врываются (именно врываются!) воспоминания про Джемму. Сверху падает серебристый снег, вылетает (и снова – именно вылетает) счастливая влюбленная, вокруг кружатся пары на катке… Контраст настроений передает и музыка, чем-то напоминающая диснеевские полнометражные мультфильмы-мюзиклы.

Впрочем, музыка – это еще одна причина побывать на балете. Не всякому зрителю выпадает шанс быть первым слушателем нового сочинения еще и твоего современника. Многие, кстати, вообще не подозревают, что в нашем XXI веке пишется «серьезная» музыка – симфонии, балеты, оперы. Владимиру Кобекину удалось создать совершенно новое произведение, которое сочетает в себе современные нотки, классическое строение и модерновое звучание. Кстати, продолжая разговор о музыке и ее создателях, нужно отметить, что во втором действии часть оркестра выходит на сцену и играет музыку на глазах у зрителя.

Пятая причина. Балет позволяет сравнить двух прим театра. Одинаковую партию одновременно танцуют Кристина Кочетова и прима театра Вера Шарипова, по ролям - дочь и мать. Одна из них пластичная и романтичная, другая – быстрая, как стрела, техничная и знающая себе цену. При этом обе неподражаемы и бесконечно красивы.

Есть и еще другие причины побывать на «Вешних водах», но раскрывать все «фишки» не буду. Напоследок отмечу, что сразу все «плюсы» и «минусы» новой постановки и не осознаешь. А вот потом, выйдя из театра, или на следующее утро, понимаешь, что ты все еще там, на сцене – с Джеммой, Саниным, Полозовыми; что они все еще будоражат твое зрительское сознание; что сама постановка меняет взгляды и отношение к классическим канонам балета, и в то же время впечатляет своей многогранностью. Одни словом – трогает душу, заставляя ее работать…. А не этого ли ждут зрители от любого похода в театр?!
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18947
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Май 30, 2018 12:10 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018053001
Тема| Балет, НОУ, Персоналии, Александр Стоянов
Автор|
Заголовок| Александр Стоянов: "Нашу пару с Екатериной Кухар никто не разделял"
Где опубликовано| © ФОКУС
Дата публикации| 2018-05-29
Ссылка| https://focus.ua/culture/398632/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

31 мая в Национальной опере Украины – балет "Спартак", где впервые главные партии исполнят мировые звезды балета прима-балерина миланского La Scala и Boston ballet Петра Конти и знаменитый дуэт жгучих брюнетов Национальной оперы Украины Екатерина Кухар и Александр Стоянов.

Однако, в этом балете зрители не увидят полюбившуюся всем звездную пару Кухар-Стоянов. В балете "Спартак" Александр Стоянов будет танцевать с Петрой Конти. Партнером Екатерины Кухар в этом спектакле выступит светлоглазый Ярослав Ткачук.

В центре сюжета спектакля история двух пар, двух противоборствующих сил – добра и зла, рабов и повелителей, свободы и деспотичной силы.

Олицетворение силы власти в лице римского полководца Красса и Эгины (танцуют Александр Стоянов и Петра Конти). Олицетворение добра - в лице пары Спартака и Фригии (исполнят Ярослав Ткачук и Екатерина Кухар).

Перед спектаклем нам удалось побывать на репетиции и пообщаться с Александром Стояновым, на исполнение партии Красса которого можно смотреть вечно, как на огонь. Высокие парящие прыжки, азарт и страсть в каждом движении, своим танцем он буквально заряжает энергией.



Александр, обычно вы танцуете со своей супругой, Екатериной Кухар. Но балет Спартак исполните с итальянкой Петрой Конти. С кем легче работать с супругой или Петрой?

Это провокационный вопрос. С Катей мне, конечно, легче работать, мы танцуем вместе уже около 10ти лет. Мы идеально знаем друг друга, чувствуем настроение. Но и с Петрой мне нравится танцевать, она очень эмоциональна, что подходит мне по темпераменту, у нее идеальная техника.

А кто формировал дуэты в этом спектакле? Кто разделил Вашу пару Кухар-Стоянов?

Нашу пару с Екатериной Кухар никто не разделял. Я хотел танцевать партию римского полководца Красса – это победитель, повелитель. Это буквально передается в каждом движении танца: поднятые руки вверх, высокие прыжки. В истории Римской империи Красс – это друг Юлия Цезаря и великого Помпея, вместе они правили Римом и миром. Красс – это человек, который не привык проигрывать, он был умным и жестоким правителем. Например, чтобы подавить восстание Спартака и вернуть своей армии боевой дух, он велел казнить каждого 10-го воина своей армии, который бежал от восставших рабов. Эта жестокость возымела действие - следующее сражение со Спартаком Красс выиграл. Моя роль нереально харизматична и для меня наиболее интересная и танцевальная в этом балете.

Катя же больше чувствует роль вечно-скорбящей за своим Спартаком Фригиии.

Чем вы вдохновляетесь, готовя эту партию?

Правильно настроиться мне помогает гениальная хореография Анатолия Шекеры и музыка Арама Хачатуряна. Очень много о моей роли на репетициях мне рассказывает Элеонора Михайловна Стебляк, она сейчас репетирует с нами этот спектакль. Она говорит мне: "Саша, такое ощущение, что партия ставилась под тебя" - хотя этому балету уже больше 40 лет. Как женщина меня вдохновляет Петра Конти, она играет роль коварной и сексуальной Эгины, которая боготворит и соблазняет полководца Красса. Наверное, такая женщина должна быть рядом с сильным мужчиной. Все наши дуэты очень сексуальны.

Екатерина Кухар вас не ревнует к Петре Конте?

Катя настолько занята своей чистой партией Фригии, что на наш дуэт с Петрой даже не обращает внимание.

Были ли какие-то трудности в подготовке к спектаклю "Спартак"?

Главной трудностью в этот раз стало размещение Петры, поскольку ее приезд совпал по времени с проведением финала Лиги чемпионов, все гостиницы переполнены.

Александр, как вы чувствуете, какое сейчас отношение украинского зрителя к балетному искусству?

Украинский балет – неотъемлемая часть украинской культуры. На наших спектаклях зрительные залы всегда заполнены.

Что больше всего восхищает и расстраивает вас в вашей профессии?

Нравится возможность сыграть те роли, которые ты себе никогда не позволишь в жизни. Нравится, что это искусство вдохновляет людей, эмоционально заряжает. Театр – это всегда прекрасный повод отвлечься от трудовых будней и попасть на некоторое время в волшебную атмосферу. Я смотрю на женщин, они в театре преображаются, по-другому себя ведут, выглядят.

А что расстраивает?

Расстраивает, наверное, то, что балет иногда ломает судьбы и жизни артистов. Это тяжелый и коварный вид искусства. Кто-то не выдерживает физически, а кто-то не готов морально. К тому же это очень дорогой вид искусства, он требует больших финансовых вложений. Во многих странах балет поддерживается на государственном уровне, в Украине же сегодня балет поддерживает чаще меценат, у которого есть интерес к украинскому искусству, есть желание развивать свою страну, например, такие люди как Людмила Русалина. Но таких людей, которые понимают, что история народа пишется в первую очередь в книге искусств, к сожалению, единицы.

В этом году вы представили в Украине мировую премьеру спектакля "Дети ночи", кто-то из меценатов поддерживал ваш спектакль?

"Дети ночи" - это моя первая ласточка, как продюсера. Я не задавался целью найти мецената или какую-то другую финансовую поддержку, у меня было желание сделать что-то совершенно новое в Украине. Но после премьеры, когда люди увидели качество спектакля, ко мне начали поступать много новых предложений о поддержке моих проектов.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18947
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Май 30, 2018 12:15 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018053002
Тема| Балет, МАМТ, Персоналии, Лоран Илер, Маргарита Дроздова
Автор| Павел Ященков
Заголовок| Театр Станиславского сделал балетные уроки открытыми для публики
"Стасик" показал класс

Где опубликовано| © "Московский комсомолец" №27693
Дата публикации| 2018-05-30
Ссылка| http://www.mk.ru/culture/2018/05/29/teatr-stanislavskogo-sdelal-baletnye-uroki-otkrytymi-dlya-publiki.html
Аннотация|

Музыкальный театр им. Станиславского и Немировича-Данченко с появлением нового художественного руководителя балета экс-этуали Парижской оперы Лорана Илера продолжает политику «открытых дверей» и всячески привечает публику. Теперь театр впервые допустил зрителей туда, куда еще ни разу не ступала его нога, но где мечтает оказаться любой балетоман — в балетный класс.


фото: Анна Клюшкина

В Парижской опере — откуда эту традицию (как и открытые репетиции) Илер и перенес в Стасик — такие показы проводились еще с начала XIX века, но попасть туда могли лишь избранные и очень богатые люди. Здесь можно было встретить послов, депутатов, французских пэров и министров. Привилегия так и называлась: попасть в фойе Парижской оперы. В огромное увешанное зеркалами фойе танцовщицы приходили перед вечерним спектаклем «разминаться», снимали гетры, в которых разогревались, другую тренировочную одежду, в которую были закутаны, сменяли старую балетную обувь на новую, наклонялись, сгибались и разгибались, естественно, делая для тех времен довольно рискованные движения… А любопытствующие поклонники (то есть депутаты, банкиры, пэры, министры), наблюдавшие этот процесс переодевания и переобувания, любуясь своими кумирами и крутясь возле танцовщиц, беспрестанно нашептывали им комплименты и назначали свидания. Фойе в своих картинах запечатлел Эдгар Дега, а Серж Лифарь, возглавивший балет Парижской Оперы в 1930 году, доступ в фойе навсегда закрыл.

А вот экс-этуаль Парижской оперы Илер все, наоборот, открыл, только не в Париже, а у нас, и не для каких-нибудь депутатов и министров, а сразу для всех поклонников. Просветительский проект носит название «Студия» и демонстрирует «изнанку» театра, то есть то, как он устроен изнутри, как организуется в нем театральный процесс. Наплыв зрителей предсказуемо оказался такой большой, что не уместил бы в себя никакой балетный зал и никакая небольшая площадка в виде Малой сцены, которая имеется и у музыкального театра (на ней проводятся открытые репетиции). Поэтому процесс благоразумно перенесли на основную сцену театра. Итак, на сцене расставлены балетные станки — специальные палки, за которые артисты держатся, начиная занятия с самых простых упражнений, затем усложняя их и во второй половине урока переходя на середину, где классические комбинации выполняются уже без всякой опоры. В конце отрабатываются прыжки и вращения.

— Мы хотим рассказать, что составляет структуру класса, и показать ту работу, которая ежедневно необходима телу танцовщика. Без класса невозможно представить нашу жизнь. Балетный урок — это первооснова, словарь и грамматика языка танца. Каждый день мы проходим весь алфавит движений, чтобы на сцене суметь рассказать зрителю историю, которую он поймет и которая его тронет, — говорит Илер, и урок начинается.

Ведет его Маргарита Дроздова — народная артистка СССР, легендарная танцовщица «Стасика», приглашенная в труппу еще самим основателем балетной компании Владимиром Бурмейстером. На сцене весь состав труппы от прим и премьеров до артистов кордебалета. Все они совсем не в том виде, в котором их привыкла видеть публика. Никаких трико и пачек… Прикид самый разный, порой и весьма странный. Кому как удобнее. На ком-то спортивные костюмы и куртки, другие обмотаны какими-то тряпками и балахонами. Цвет, как правило, черный, но есть и весьма цветистые экземпляры.

В таком балетном классе все как на ладони: можно неожиданно открыть еще не известные публике таланты, обнаружить большой потенциал у артистов, еще не слишком задействованных в репертуаре. По такому классу не только любой специалист, но даже обыкновенный зритель сможет определить уровень балетной компании. И у «Стасика» уровень этот как никогда высокий.

Евгений Жуков в театре третий сезон и уже добился сольных ролей. Занят в современных балетах, недавно станцевал Золотого божка в «Баядерке», а сегодня ему выходить в балете «Жизель» во вставном «крестьянском» па-де-де. На классе он занимается в полную силу.

— Здесь я выложился по полной. Несмотря на вечерний спектакль, занимался до конца и с полной отдачей, — говорит он мне после класса.

Класс рассчитан на 1 час 15 минут. Через полчаса станки убирают, и начинается «середина». Чтобы у всех было место для танца, танцовщики разделяются на группы. Кто не занят в данный момент, разминаются в сторонке: подпрыгивают, сидят на шпагате или лежа ритмично под музыку поднимают и опускают ноги… Некоторые просто отдыхают лежа на полу.

На сцене отрабатывают вращения.

— Найдите точку в пространстве, и каждый раз голова точно приходит на место… Андедан, пируэт, в пятую. Плие, плие, через кудепье в пятую… Два гранд батмана вперед…

А когда переходят к прыжкам (разделившись кто на шестерки, кто на тройки и двойки, а некоторые и вовсе соло) — восторг зрительного зала не знает границ и выражается в неистовых аплодисментах. Артистов такое одобрение только подстегивает. Они явно не хотят уходить со сцены даже тогда, когда Маргарита Дроздова объявляет об окончании класса.

— И вот так каждый день. Вы видите, насколько артистам трудно, насколько тяжелая у нас работа, и поэтому нам так приятно, когда нам аплодируют. «А теперь нам надо репетировать вечернюю «Жизель», — говорит она, в то время как некоторые артисты под ахи и охи зала продолжают крутиться, прыгать и выделывать различные фортеля.

Премьеру театра Денису Дмитриеву вечером надо выходить на сцену, он танцует главную партию графа Альберта в балете «Жизель», но и он занимался в классе как все.

— Вообще, я перед спектаклем не всегда хожу на класс, а просто делаю маленькие прыжки, чтобы кровь разогнать и тело свое почувствовать. И сегодня я не хотел приходить, но в результате решил не пропускать и не пожалел. Надеюсь, мне это даже поможет вечером. Потому что я сейчас неплохо настроился, почувствовал и крепость тела, и в то же время свободу, — говорит мне Денис после класса.

— У вас в театре такие открытые классы проводятся впервые. Какие ощущения испытывает артист, занимаясь классом перед публикой, которая обычно видит его на сцене только в спектаклях и почти никогда не видит на репетициях или в классе?

— Впечатления необычные. Вначале было небольшое волнение. Но оно постепенно прошло, и возник даже какой-то кураж. Ведь хочется себя показать с лучшей стороны. Раскрепощаешься, начинаешь заводиться, и это очень отличается от классов, которые проходят без зрителей. То есть зрители как бы нас немножко «зажигают» и дают нам заряд энергии.



Заголовок в газете: «Стасик» показал класс
Опубликован в газете "Московский комсомолец" №27693 от 30 мая 2018


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Июл 15, 2018 12:33 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18947
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Май 30, 2018 12:11 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018053003
Тема| Балет, Детский музыкальный театр имени Наталии Сац, Персоналии, Кирилл Симонов
Автор| Анастасия Попова
Заголовок| Гулливер и ЗD
Театр имени Наталии Сац поставил балет о семейных ценностях

Где опубликовано| © Независимая газета
Дата публикации| 2018-05-30
Ссылка| http://www.ng.ru/culture/2018-05-30/100_gulliver300518.html
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Фото предоставлено пресс-службой театра

Детский музыкальный театр имени Наталии Сац представил премьеру балета «Путешествия Гулливера» в рамках фестиваля искусств «Черешневый лес».

Фантастические странствия героя, перипетии сюжета, тонкий юмор – все, чем славится роман Джонатана Свифта, – спектакль отодвинул на второй план. В новой постановке композитор Алексей Ларин, хореограф Кирилл Симонов, художники Филипп Виноградов, Валентина Останькович и Евгений Ганзбург рассказали о семейных ценностях.

Весь балет, по сути, – путешествие Гулливера из дома… домой. Прощание героя с женой на корабле и их финальная встреча в аэропорту (для воссоединения с семьей Гулливер преодолевает пространство и время) – ключевые точки, вокруг которых вращается драматургия спектакля. Куда бы ни попал странник, образы родных неотрывно следуют за ним. В Лилипутии на огромном 3D экране герой видит своих детей. В Бробдингнеге – вспоминает семейный ужин. На национальном карнавале – мечтает о свидании с возлюбленной.

Конечно, супружескими и детскими сценами постановка не ограничена. В спектакле немало массовых эпизодов: эффектные кораблекрушения, комические баталии лилипутов, королевское застолье великанов. Во втором акте, по балетной традиции, зритель вместе с Гулливером наблюдает искрометный дивертисмент насекомых. Но все это – приятное и далеко не обязательное приложение к развитию ведущей линии.

Источником камерной трактовки сюжета стала неоромантическая партитура Алексея Ларина. Необходимые для балета танцевальные номера – вальсы, мазурки, марши – в ней соседствуют с выразительной кантиленой. Патетические интонации томления, вздоха, безответного вопроса, подчеркнутые оркестром под руководством Алевтины Иоффе, добавляют музыке проникновенного лиризма. Ключевая тема спектакля – лейтмотив любви к семье и тоски по дому – пронизывает большинство картин.

Сосуществуя вне волшебных миров, герои практически не сходят со сцены. На их долю выпадает четыре судьбоносных адажио: начальный дуэт-расставание, два ансамбля-воспоминания и финальный дуэт согласия. Такая расстановка акцентов требует от исполнителей технического мастерства и убедительной драматической игры.

Артисты Дмитрий Круглов (Гулливер) и Варвара Серова (Жена Гулливера) в равной степени обладают и тем, и другим. Затейливые пластические узоры, виртуозные прыжки, искусные поддержки, сочиненные Кириллом Симоновым, танцовщики исполнили легко и непринужденно. Об их актерской правдивости можно судить по аплодисментам в зале: по окончании спектакля маленькие зрители долго не отпускали солистов с подмостков.

Оригинально решен создателями и финал спектакля. Прилетевший на вертолете из XVIII века в наши дни, Гулливер воссоединяется с семьей. Пробираясь сквозь толпу пассажиров, чемоданов, пилотов и стюардесс, они покидают аэропорт. Цель путешествия достигнута: странник вернулся домой.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18947
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Май 30, 2018 12:16 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018053004
Тема| Балет, "Киев модерн-балет", Премьера, Персоналии, Раду Поклитару
Автор| Марина НЕПИЙВОДА
Заголовок| Балетмейстер в два раза сократил "Спящую красавицу"
Где опубликовано| © Газета.ua
Дата публикации| 2018-05-30
Ссылка| https://gazeta.ua/ru/articles/ukraine-newspaper/_baletmejster-v-dva-raza-sokratil-spyaschuyu-krasavicu/839625
Аннотация| ПРЕМЬЕРА



Два акта по 45 мин. длится представление "Спящая красавица" "Киев модерн-балета".

- Петр Чайковський в свое ХIX веке никуда не спешил. Написал более 3 часов музыки, - говорит балетмейстер Раду Поклитару, 46 лет. - Я не такой садист, чтобы вынуждать зрителей сидеть в театре столько времени.

Премьера "Спящей красавицы" состоялась 22-23 мая на сцене киевского театра им. Ивана Франко.

- В репертуаре "Киев модерн-балета" есть два представления из большого трио балетов Петра Чайковского, - продолжает Раду Поклитару.

- В 2007-ом появился "Щелкунчик", в 2013 году - "Лебединое озеро". Неминуемо было появление "Спящей красавицы". Это гениальная музыка Чайковского. Настолько эмоциональная - что невозможно пройти мимо. Когда начал придумывать свое представление, понимал, что это не будет классическая версия. Современный хореограф не иллюстратор, а интерпретатор. У Чайковского источником вдохновения была сказка француза Шарля Перро. А писатель, в свою очередь, вдохновлялся неаполитанским сказочником Джамбаттиста Базиле. Именно он впервые издал истории о Коте в сапогах, Золушке и Спящей красавице. Сказка итальянца была основой для моих творческих фантазий. Она более жизненная, грубая. У Шарля Перро исчез острый психологизм, история слишком красивая, будто в рюшах.

Главные партии исполнили Елена Салтыкова и Артем Шошин.

Следующий показ "Спящей красавицы" в Киеве состоится 26 июня в МЦКМ "Октябрьский дворец". В июле балет покажут в Херсоне, Николаеве и Одессе.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18947
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Май 30, 2018 12:33 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018053005
Тема| Балет, Детский музыкальный театр имени Наталии Сац, Персоналии, Кирилл Симонов
Автор| Анастасия Рогова
Заголовок| Гулливер среди больших и маленьких
Детский музыкальный театр им. Наталии Сац представил балет по мотивам романа Свифта

Где опубликовано| © газета Известия
Дата публикации| 2018-05-29
Ссылка| https://iz.ru/748835/anastasiia-rogova/gulliver-sredi-bolshikh-i-malenkikh
Аннотация| ПРЕМЬЕРА


Фото предоставлено пресс-службой театра Сац

В рамках открытого фестиваля искусств «Черешневый лес» в детском музыкальном театре имени Наталии Сац состоялась премьера балета Алексея Ларина «Путешествия Гулливера». Хореограф-постановщик — Кирилл Симонов. Ведущие партии исполняли Олег Фомин (Гулливер) и Юлия Белякова (жена Гулливера). Музыкальный руководитель и дирижер — Алевтина Иоффе.

В основу сюжета легли два путешествия английского моряка, которые миру подарил писатель Джонатан Свифт. Гулливер в его книгах посетил немало вымышленных фантастических стран, но в балете осталось только две самых известных: Лилипутия и Страна Великанов.

Сцена стараниями художников-постановщиков Валентины Останькович и Филиппа Виноградова поочередно превращается в порт с кораблями, палубу терпящего крушение парусника, гигантский стол, на котором Гулливер сражается с исполинскими осами и мухами, уютный дом, где героя ожидают жена и дети. Обязательное новаторство большинства современных спектаклей тоже присутствует. Гулливеру сегодняшнему не пришлось болтаться по морю, возвращаясь домой — за ним прилетел вертолет и доставил его в Лондон. Если контраст костюмов XVIII века и современной техники кого и смутил, то только родителей, маленькие же зрители восприняли авиаполет Гулливера после хождений под парусом как само собой разумеющееся.

Современные технологии и старинная сказка соединились не только в сюжете балета. Иллюстрацией, поясняющей происходящее, стал огромный видеоэкран на заднем плане. Особенно эффектно это решение сработало в сцене великанского пира, когда Гулливер воевал с осами среди гигантских тарелок и сахарниц, а огромные изображения пирующих в пышных костюмах и париках подчеркивали контраст размеров гостя и хозяев. Задача представить Гулливера в сценическом пространстве сначала огромным, а потом крошечным потребовала от постановщиков немалой изобретательности. По очереди куклами становился то сам Гулливер, то лилипуты.

Основную мораль действия можно охарактеризовать известной поговоркой: в гостях хорошо, а дома лучше. Кроме того, имеется призыв дружить, вопреки различиям. В Лилипутии главными друзьями Гулливера стали дети, не испугавшиеся его исполинского роста и грозного для крошечных человечков вида.

Динамичные танцевальные номера, живая яркая музыка, красочные костюмы и необычные декорации делают «Путешествия Гулливера» заметным и интересным представлением, на котором будет не скучно как детям, так и их родителям.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18947
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Май 30, 2018 12:51 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018053006
Тема| Балет, Детский музыкальный театр имени Наталии Сац, Персоналии, Кирилл Симонов
Автор| Ксения Кнорре-Дмитриева
Заголовок| Балет "Путешествия Гулливера" в театре им. Наталии Сац
Где опубликовано| © Ревизор.ру
Дата публикации| 2018-05-29
Ссылка| http://www.rewizor.ru/theatre/reviews/balet-puteshestviya-gullivera-v-teatre-im-natalii-sats/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Одна из самых интересных премьер фестиваля "Черешневый лес — балет "Путешествия Гулливера" театра им. Н. И. Сац, масштабная яркая постановка, в которой классика встречается с новаторством, а старина – с современностью



Впечатления от премьеры разнообразные – от детского восторга, вызванного отдельными находками режиссёра, до вполне взрослого недоумения другими находками. Но тем интереснее смотреть спектакль и говорить о нём.

В основе сюжета – история Гулливера, которая рассказана, конечно, не в сатирическо-публицистическом духе, свойственном произведению, а пересказана в виде отдельных ярких эпизодов. И если в первой части акцент в первую очередь всё-таки на главных сюжетных эпизодах Свифта (победа над флотом Блефуску, заговор лилипутов против Гулливера), то во второй части самые яркие эпизоды – это битва с осами и мухами (отнюдь не ключевая сцена в романе), а также финал, целиком придуманный композитором и автором либретто Алексеем Лариным и блестяще воплощённый хореографом Кириллом Симоновым.

Центральной темой произведения Алексей Ларин и Кирилл Симонов сделали разлуку Гулливера с семьёй, и в балете то и дело снова и снова появляются жена Гулливера и двое детей, и звучит музыкальная тема семьи Гулливера. Это узнаваемая, несложная, но щемящая мелодия, которая старшему поколению, возможно, напомнит саундтреки к советским фильмам. И сцены, где Гулливер встречается в своих фантазиях с семьёй – самые выстроенные, самые продуманные. Правда, время от времени возникает, как и во всех остальных сценах, ощущение, что постановщики спектакля обнаружили, что помимо стандартных декораций и бутафории есть ещё миллион возможностей обозначить пространство и время, и прямо не знают, за что хвататься. Поэтому в спектакле множество великолепных мультимедийных решений, но их так много, что где-то к середине уже хочется, чтобы режиссёр остановился на чём-то одном. Позади сцены огромный экран, и на нём то море, просто снятое на плёнку, то страна Лилипутия, больше всего напоминающая компьютерную игру, то во всю высоту сцены танцующие и (почему-то) голые ноги Гулливера (в то время как на сцене все, включая его, одеты). В лирических сценах с семьёй, помимо актёров, на сцене зачем-то появляются компьютерные члены семьи Гулливера, что в сочетании с последующими реально снятыми Гулливером и великанами выглядит странновато. На экране, вырезанном в виде силуэта Гулливера, он, изображённый, как на гравюре, поглощает коров и свиней в Лилипутии. Вообще, Гулливер – крайне разнообразное существо в спектакле: помимо солиста на сцене он же – в виде голых ног на экране, он же – лицо, тоже во всю высоту экрана (уже расхождение в пропорциях с более ранними ногами), он же – надувная кукла на берегу моря (совсем небольшая и очень условная), он же – гравюра на экране… Отдельно хотелось бы упомянуть сапоги Гулливера. Момент, когда их выкатывают на сцену – прекрасно сделанные надувные сапоги во всю высоту сцены – один из трёх в продолжение спектакля, когда зал дружно ахает в голос. Тем обиднее, что они на сцене находятся всего несколько минут и фактически никак не обыгрываются.

Второе действие явно более цельное, и с точки зрения привлекательности для маленьких зрителей, безусловно, более выигрышное. Начинается оно с обзора путешествий, где побывал Гулливер, видимо, в поисках семьи, и герои в условно национальных костюмах (Индия, Япония), танцуют вместе с Гулливером свои партии. На экране сзади – пейзажи, объясняющие, где находится герой, плюс, разумеется, музыка подсказывает правильный ответ. Всё вместе создаёт прекрасные и яркие картинки, логично укладываясь в прелюдию к очередному сказочному путешествию. И точно – Гулливер оказывается на столе у великанов. На экране – великаны: обыкновенные люди за обедом (великолепная работа режиссёра съёмок!), которые с брезгливым недоумением рассматривают Гулливера, стоящего перед ними на сцене-столе, рядом с гигантскими тарелками, и в воздухе, соединяя их, висит вилка.

Ещё два эпизода, где постановщики, костюмеры, бутафоры, декораторы и композитор совместно добились больших успехов – это битва Гулливера с мухами и осами. Осы с пиками – вне всяких похвал, даже небалетные дети перестали болтать ногами и шуршать бумажками. В отличие от эпизода из первого действия с собранием лилипутов, решающих ослепить Гулливера, который без либретто в руках совершенно не понятен, скучен и требует дополнительных пояснений свистящим шёпотом, эта история была очевидна и без слов: великанские осы из великанской страны атакуют Гулливера, а он отбивается от них с помощью гигантских кусков сахара. Болели за Гулливера всей семьёй, переживали за него.

И вот наконец Гулливера спасают (не скажу, как, но это очень здорово, дети ахают и смеются), и он летит домой, но… вместо привычной старой Англии он оказывается в совершенно неожиданном и не понятном для него месте. Это самая яркая и неожиданная часть балета – последняя сцена, аэропорт. И это третий эпизод, когда публика ахает, видя мгновенное и необыкновенное преображение сценического пространства.

Аэропорт воссоздан с такой тщательностью, настолько хорошо реализован, что весь остальной спектакль на его фоне кажется затянутым предисловием к нему. Безусловно, это самая удачная и самая продуманная часть балета. Никогда бы не подумала, что можно так здорово станцевать аэропорт! Великолепны балетные номера – как групповые, так и сольные.

Отдельно хочется сказать о костюмах в аэропорту. Стюардессы и пилоты танцуют в стандартной форме стюардесс и лётчиков, лишь слегка изменённой для танцевальных задач. Вполне узнаваемы стюардессы "Аэрофлота" и "Эмирейтс". Великолепны и пассажиры: старики, взрослые, дети, хасиды с пейсами, женщины в хиджабах и так далее. На контрасте с лилипутами, которые танцуют во вполне нейтральных, однообразных и не запоминающихся костюмах, участники сцены в аэропорту выглядят просто великолепно.

Итог: очень интересный, многогранный, неровный спектакль, на который надо идти в том числе с детьми, которых хочется увлечь балетом, чтобы показать им, что балет – это современное и очень выразительное искусство, которое способно без слов рассказать в том числе и о том, что окружает нынешних детей. Ведь для большинства из них, безусловно, балет – это сказка, история или о чём-то волшебном, или настолько давнем, что оно никак не может иметь отношения к сегодняшнему дню, и вдруг ребёнок видит абсолютно узнаваемый, но благодаря средствам театра ставший немного сказочным аэропорт, в котором есть даже движущаяся лента с багажом! Ради этого восторга узнавания, ради потрясающе смелого внедрения давнего и хорошо знакомого героя в современный мир, безусловно, стоит сходить на "Путешествия Гулливера". И спасибо авторам за эту смелость и кураж, который ощущается в каждой сцене, каждом эпизоде.


Фото: пресс-служба Детского музыкального театра им. Н. И. Сац
==============================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18947
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Май 30, 2018 3:41 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018053007
Тема| Балет, Самарский театр оперы и балета, Персоналии, Юрий Бурлака
Автор| Екатерина БАБУРИНА
Заголовок| Денег нет, но вы танцуйте
Юрий Бурлака — главный балетмейстер Самарского театра оперы и балета

Где опубликовано| © «МУЗЫКАЛЬНОЕ ОБОЗРЕНИЕ»
Дата публикации| 2018-05-28
Ссылка| http://muzobozrenie.ru/deneg-net-no-vy-tantsujte/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ


Юрий Бурлака. Фото Антон Сенько

В России больше двух десятков балетных театров, но на слуху находится лишь горстка. Не считая столичных премьер, критики следят теперь за событиями в Перми и Екатеринбурге, но вся остальная страна — по-прежнему terra incognita. Да, какие-то спектакли Мариинского театра переносятся на Приморскую сцену во Владивостоке, но резонанса не производят. Даже Новосибирск в последние годы бесшумно исчез с балетной карты. А чем живут все остальные труппы государственных театров — в Астрахани, Красноярске, Воронеже? Именно балетные, ведь опера внушает меньше опасений: то потрясет Золотую Маску уфимский Гендель, то Новосибирск покажет в одноклассниках «Бал-маскарад» с великолепным тенором. Провинциальный балет не говорит о себе: финансирования хватает на одну положенную по плану премьеру в год, амбиций не хватает и на это — труппы и зрители сидят на диете из «Щелкунчиков» и «Жизелей», где хореография состоит из наслоений работы всех балетмейстеров, при которых возобновлялся спектакль.

Но не все готовы мириться с таким положением дел. В Самарский академический театр оперы и балета на должность главного балетмейстера в августе 2017 года пришел человек с мировым именем — Юрий Бурлака. Он известен как специалист по старинной хореографии; восстановленные им балеты Петипа шли и идут в Большом и Мариинском театрах. В 2009–2011 годах он возглавлял балетную труппу Большого театра. После работы с лучшими российскими балетными коллективами, после берлинского Штаатсбалета и Национальной танцевальной компании Мексики в распоряжении Бурлаки оказалась труппа очень скромного уровня. Сможет ли Самара с приходом нового балетмейстера громко заявить о себе в балетном мире? В интервью «Музыкальному обозрению» Юрий Бурлака рассказывает о том, как в провинции обстоят дела с балетными кадрами и финансированием постановок, об ожиданиях самарской публики и о том, как шлифовался первый поставленный им в Самаре балет — «Эсмеральда» Цезаря Пуни.

Пестрая картина

МО | Юрий Петрович, как на ваш взгляд обстоят дела с провинциальным балетом?

ЮБ
|Все зависит от школы, которая есть в городе. Где-то они образовались совсем недавно и не могут пока обеспечить театры кадрами. А где-то их вовсе нет, и в такие театры попадают на работу не лучшие выпускники.


Главные балетмейстеры или художественные руководители — в разных театрах должность звучит по-разному — могут иметь какие-то амбиции, но их воплощение зависит от финансирования.


Театры оперы и балета в стране живут прежде всего классическими спектаклями: «Лебединое озеро», «Щелкунчик», «Спящая красавица», в меньшей степени «Баядерка» и «Раймонда», встречаются «Шопениана» и большое па из балета «Пахита». Эти балеты идут как в классических версиях Петипа, Горского, Вайнонена, так и в авторских версиях тех хореографов, которые работали в театре. Они адаптированы к количеству и качеству артистов труппы.

Сохранились и остатки советской традиции — национальные спектакли. В Уфе это балет «Журавлиная песнь» в хореографии Нины Анисимовой, в Казани — «Шурале», в Улан-Удэ — «Красавица Ангара», в Сыктывкаре — «Яг-Морт», в Петрозаводске когда-то был балет «Сампо». А дальше репертуар строится хаотично. Иногда в пику столичным театрам провинциальные делают собственные версии их спектаклей. Например, в 2017 году челябинский театр представил оригинальную версию «Пахиты» в хореографии Юрия Клевцова, которая отличается от варианта, который мы с Юрием Смекаловым делали в Мариинском театре. А в Екатеринбурге идет «Пахита» Вячеслава Самодурова и Сергея Вихарева.

Некоторые театры пытаются создавать свои оригинальные произведения. Например, в Омске идет балет «Идиот» в постановке Надежды Калининой — он никак не связан с одноименным балетом Бориса Эфмана. Но такие эксперименты идут редко, ведь только классический репертуар гарантирует посещаемость.

МО | А какой подход к репертуару провинциального театра кажется правильным лично вам?

ЮБ |
Даже в академических театрах оперы и балета репертуар должен быть разнообразным. Но по пропорции бóльшую часть должны занимать произведения из классического наследия XIX–XX веков. Конечно, должны возникать и новые спектакли, но не все новые хореографические стили подходят академическому театру вообще или конкретной труппе. Но нужно рисковать: приглашать молодых неизвестных хореографов, чтобы они создавали новые произведения. Нужно качественно ставить классические спектакли, которые были созданы в свое время с большим размахом и не будут смотреться в скромном антураже. И нужно показывать не только русский балет, но и прекрасные западные произведения. В России, к счастью, есть «Сильфида» не только в версии Бурнонвиля, но и в версии Пьера Лакота (поставлена в МАМТ им. Станиславского и Немировича-Данченко в 2011 году — «МО»), но могли бы идти и другие замечательные датские спектакли. Из французских балетов могла бы чаще идти «Коппелия» Сен-Леона — а еще есть не известные у нас балеты Луи Меранта на музыку Лео Делиба и Теодора Дюбуа.

В провинции можно было бы ставить балеты XX века: Федора Лопухова, Леонида Якобсона, Касьяна Голейзовского. Наследие наших соотечественников Брониславы Нижинской и Леонида Мясина у нас тоже не распространено. Есть замечательные балеты Энтони Тюдора, Фредерика Аштона, Кеннета Макмиллана.

Столичные театры задыхаются от изобилия названий в репертуаре и не успевают их прокатывать. Провинциальные театры могли бы брать их спектакли в аренду и экономить на производстве костюмов и декораций. На Западе такая система работает очень активно, как и система совместных постановок.

Нужен баланс классики и современности

МО | Вы до сих пор нигде не рассказывали о конкретных репертуарных планах Самарского театра.

ЮБ |
Не рассказывал, потому что слишком мало еще здесь нахожусь. Пока я присматриваюсь к тому, что существует. У Самарского театра есть своя история. Он существует с 1930-х годов, и им руководили известные, хорошие, уважаемые люди: Наталья Данилова, Алла Шелест, Игорь Чернышев, Никита Долгушин. Все они в основном из Ленинграда, только я один москвич, и мой предшественник Кирилл Шморгонер — из Перми. Хочется, чтобы их наследие развивалось — разнообразно, разнопланово, в разных направлениях.

Когда я пришел в Самарский театр, мне достался исключительно классический репертуар. И это нормально, потому что он формировался после большой реконструкции театра. Для любого репертуарного театра очень важна база — классические спектакли. Эта база еще не исчерпана. Не хватает балетов и советского времени, и эпохи романтизма — той же «Сильфиды».


Но иметь дело исключительно с классическим репертуаром артистам не всегда интересно — они живут сегодня. И если говорить о планах в общем, мне бы хотелось, чтобы артисты поработали с какими-то западными произведениями, а с другой стороны — с современными, сегодняшними хореографами.


Но все упирается в финансирование, и к тому же труппа должна быть к такой работе подготовлена. Даже если найти деньги, невозможно поставить балет Форсайта, не умея говорить на языке тех стилей, который были до Форсайта.

МО | Ну хотя бы Баланчина…

ЮБ |
Чтобы танцевать его балеты, нужно все-таки иметь определенный уровень. Я очень люблю Баланчина, в моей коллекции много его записей, я их все смотрел и пересматривал. Пока самарская труппа не готова прикоснуться к баланчинскому наследию. Она должна еще окрепнуть. Сейчас мы на стадии полировки имеющегося классического репертуара, который я дополнил «Эсмеральдой» — не потому, что этот спектакль имеет ко мне отношение, а потому что он мне показался подходящим для начала наших взаимоотношений с театром.

МО | Какие сильные стороны у труппы Самарского театра?

ЮБ |
Есть общее качество, характерное для многих русских трупп: артисты могут собраться и выдать максимально хороший результат.

Я вижу, что здесь есть артисты, которые были бы интересны в современной хореографии, но пока, к сожалению, театр ничего предложить им не может. Спектакли Кирилла Шморгонера, которые здесь шли, нельзя считать хореографией сегодняшнего дня.


Юрий Бурлака — танцовщик, педагог и балетмейстер-реставратор, доцент кафедры хореографии и балетоведения МГАХ.

Родился в Москве. Окончил Московское государственное хореографическое училище (1986, класс П. Пестова). В 1993–1996 учился на балетмейстерском факультете в РАТИ-ГИТИСе (курс В. Гордеева), затем перевелся в Московскую государственную академию хореографии, которую окончил в 1999 по специальности «педагог-хореограф». В том же году написал учебное пособие «Музыкальное оформление уроков классического танца». В 2000 в соавторстве с Г. Прибыловым осуществил издание клавира сохранившихся музыкальных номеров балета «Пахита» и записи хореографического текста М. Петипа.

С 2003 работает доцентом кафедры хореографии и балетоведения Академии хореографии по дисциплине «Классическое наследие и репертуар балетного театра». Начиная с 2006 работает балетмейстером-постановщиком в театре «Русский балет», в апреле 2007 стал его художественным руководителем. В том же году написал учебно-методическое пособие «Классическое наследие и репертуар балетного театра XVIII–XX веков». С 2015 — заместитель начальника научно-методического отдела Московской государственной академии хореографии.

В 2008 работал в Большом театре России в качестве балетмейстера, с 2009 по 2011 художественный руководитель балетной труппы ГАБТ.

В качестве балетмейстера принимал участие в ряде постановок классических балетов и вечеров старинной хореографии в различных театрах России (Большой, Мариинский, Екатеринбургский, Челябинский, Пермский и др.) и других стран. Также участвовал в международных конференциях по сохранению классического балетного наследия, является членом Международного общества Л. Минкуса.

В качестве танцовщика исполнил следующие партии: Щелкунчик-принц («Щелкунчик»), Голубая птица, Принц Дезире («Спящая красавица»), Ротбарт, Па-де-труа («Лебединое озеро»), Граф Альберт («Жизель»), Франц («Коппелия»), Джеймс (па-де-де из балета «Сильфида» Х. Левенскьольда), Джеймс (па-де-де из балета «Сильфида» Ж. Шнейцхоффера), Пьер (па-де-де из балета «Привал кавалерии» И. Армсгеймера), Зефир (хореографическая сюита «Танцы часов» из оперы «Джоконда» А. Понкьелли), Солист («Шопениана» на музыку Ф. Шопена), Шах Земан («Шехеразада» на музыку Н. Римского-Корсакова), Солист (большое классическое па из балета «Пахита» Л. Минкуса), Время («Золушка» С. Прокофьева).

Осуществил постановки балетов «Лебединое озеро», «Щелкунчик» П. Чайковского, «Корсар» А. Адана, «Дон Кихот» Л. Минкуса, «Эсмеральда» Ц.Пуни, «Коппелия» Л. Делиба, «Конек-горбунок» Ц. Пуни, Р. Дриго, Б. Асафьева, «Привал кавалерии» И. Армсгеймера, «Пахита» Э. Дельдевеза, Л. Минкуса, Р. Дриго, «Пробуждение Флоры» Р. Дриго и др.

С августа 2017 — главный балетмейстер Самарского академического театра оперы и балета.

Заслуженный артист Российской Федерации. Лауреат премии журнала «Балет» «Душа танца» в номинации «Мэтр танца», лауреат Высшей театральной премии Санкт-Петербурга «Золотой софит».



Репетиция балета «Пахита» в Большом театре. Фото Дамир Юсупов

«Эсмеральда» для меня — проверенный спектакль

МО | У «Эсмеральды», которую вы поставили в Самаре в этом сезоне, три соавтора. Кроме вашей хореографии и авторских танцев Юрия Клевцова в ней есть танцы, реконструированные балетным критиком Андреем Галкиным. Как он стал участником проекта?

ЮБ |
Он учился у меня в аспирантуре Академии хореографии. Я преподавал у него предмет «Хореографическое наследие», но он и так очень много знал в этой области, потому сам активно всем этим интересовался. Кстати, свою первую рецензию Андрей написал про балет «Эсмеральда», который я делал в Большом театре.

Мне пришлось отстаивать тему его диссертации: заведующей аспирантурой Академии хореографии не казалось, что на такую тему следует писать (полная формулировка — «Поэтика балетного спектакля конца XIX века. [Первая петербургская постановка “Лебединого озера”] — «МО»). Но я говорил — и Андрей Галкин пытался доказать, — что в «Лебедином озере» есть еще много нераскрытых вопросов.

Диссертация Андрея был посвящена редакции Петипа-Иванова 1895 года, и для работы над ней ему приходилось обращаться к архивам Гарвардского университета (там хранятся записи хореографических текстов Петипа, сделанные режиссером Мариинского театра Николаем Сергеевым по системе нотации Владимира Степанова — «МО»). А как к ним обращаться, если не знать балетной нотации Степанова? Андрею пришлось ее изучить. Я давал ему по ней задания — от простого к сложному: например, воспроизвести вариации из «Пахиты». Это очень помогло ему в работе над диссертацией. Я и пытался доказать руководству аспирантуры, что любой заинтересованный человек может освоить систему Степанова. Но, конечно, когда доходит до постановки танцев, ему нужен практик-профессионал.

Для очередной версии моего балета «Эсмеральда» я попросил Андрея пересмотреть коду из Grand pas des corbeilles — «Большого па с корзинками», — которую я не взял в свое время для сцены Большого театра. А здесь она очень подошла. Балетмейстер всегда смотрит на спектакль из определенного времени и места, как смотрел и Петипа. Когда он приезжал ставить спектакль в Москве, то делал адаптации петербургских спектаклей, а иногда создавал новые балеты, которые отвечали задачам московской труппы. Так же поступаю и я. Здесь и сейчас мне показался нужным такой номер, и Андрей Галкин его реконструировал. Я и педагоги-репетиторы были рядом и вносили уточнения.

МО | И результат вам нравится?

ЮБ |
Когда ставится фрагмент, которого не было прежде, ты никогда не знаешь, что получится и насколько это будет актуально и интересно сейчас. Тебе же опереться не на что. Единственное, что мы знали — это женский номер, и там в качестве аксессуаров используются корзиночки. Такая неопределенность — всегда риск, но здесь он оправдался, и получившийся номер мне нравится.

«Эсмеральда» для меня — проверенный спектакль. К первоначальной версии в Большом театре я готовился капитально. У этого балета была богатая и долгая сценическая жизнь, а в таких случаях нужно выбрать постановку конкретного времени и места, которые ты воссоздаешь. Если найдено много материалов определенного периода, это сразу тянет обратиться именно к нему.


Для премьеры «Эсмеральды» в Большом театре были собраны материалы о постановке 1899 года, и на сцене получился образ именно того спектакля.


Но так как этот балет все-таки рожден гораздо раньше и за свою историю не раз видоизменялся, то когда я делаю его постановки в других театрах, я могу применять неиспользованный материал из других редакций и обращаться с ним более свободно. Я понимаю, где не хватает динамики, где нужно подсократить, где связать одну картину с другой. Я изначально не называл это реконструкцией…

МО | А всюду о вашей работе пишут именно так.

ЮБ |
Да, к сожалению. Но я никогда не называл реконструкцией ни «Корсара», которого мы делали с Алексеем Ратманским, ни «Эсмеральду». Так о них стали писать журналисты, считающие, что если в спектакле есть более-менее исторические костюмы и декорации, значит, он уже реконструкция. Нет, это не так. Реконструкция гораздо глубже и включает куда больше слагаемых. Она, к сожалению, вообще не возможна. То, чем я занимаюсь — это создание некоего образа спектакля определенного исторического времени. При этом я могу свободно существовать в рамках тех документов, которые ко мне попадают. С другой стороны, я стараюсь и смотреть на спектакль из сегодняшнего дня.

МО | И смотреть на возможности труппы?

ЮБ |
Естественно. А еще на ресурсы театра как механизма: свет, звук, оркестр, сценические возможности, количество кулис. Но главное — это артисты балета, которые будут участвовать в спектакле: их количество, их возможности, их способности.

МО | Музыкальную драматургию вы тоже адаптируете?

ЮБ |
Я привык отвечать за музыкальную драматургию сам: я сам нахожу музыку, внедряюсь в клавир и партитуру. Поскольку я к каждому своему балету собираю максимально возможный музыкальный материал, то я сам с ним потом и играю.

МО | И дирижер получает от вас уже готовую музыкальную редакцию?

ЮБ |
Да.

МО | Для «Эсмеральды» нужно еще хорошо владеть пантомимой. С ней нет проблем?

ЮБ |
К этому труппа приучена. В репертуаре есть «Баядерка», «Лебединое озеро», «Спящая красавица». Школа этих балетов позволяет выполнять все то, что требуется в «Эсмеральде».

Любой руководитель смотрит не только на то, что могло бы быть интересным зрителю в конкретном городе, но еще и на то, что артистам было бы полезно, что позволило бы им развиваться. Те задачи, которые поставили Жюль Перро и Мариус Петипа в «Эсмеральде», актуальны и полезны до сих пор, самарским артистам в частности. Эта школа — вечная. И как раз на базе этой школы я буду пробовать что-то другое.

К музыке привык относиться трепетно

МО | Как вы учились музыке? Ведь рассказывают, что иные хореографы не могут найти в клавире антракт.

ЮБ |
Мне повезло: я собирался стать музыкантом. Учился играть на скрипке, потом перешел на фортепиано, и когда поступил в балетную школу, то уже умел обращаться с инструментом. И это всегда мне помогало при обучении танцу.

Я очень горжусь своей профессиональной родословной. Мастера, у которых я учился, сами очень трепетно относились к музыке. Мой педагог по классическому танцу Петр Антонович Пестов, у которого я учился 8 лет, прививал своим ученикам вкус не только к балетной музыке: в классе звучали и Шопен, и Шостакович, и Моцарт, и Бетховен, и Лист, и Россини. Это были 80-е годы, когда только начинали появляться видеомагнитофоны и компакт-диски, и наш педагог делился с нами всем, что к нему попадало. Я слушал оперные записи с Джоан Сазерленд, Марией Каллас, Клаудио Аббадо, Гербертом фон Караяном. Все это помогло мне, когда я поступил учиться в ГИТИС и когда я подбирал репертуар, который танцевал сам.

Я с детства увлекался историей балета и балетными композиторами. В Москве на Неглинной улице был магазин Юргенсона, в котором у меня была замечательная знакомая Анна Сергеевна. Каждую субботу она оставляла мне огромную кипу балетных книг и старинных балетных клавиров. Их тогда не очень жаловали и избавлялись от них, а я их покупал. И мой детский профессиональный интерес впоследствии постепенно перешел в то, чем я занимаюсь сейчас.

МО | Вас интересует ранняя балетная музыка? В опере сейчас в большой моде XVII–XVIII века, а балет к ним почти не обращается.

ЮБ |
Мода на аутентизм в опере не совпадает по времени с модой на аутентизм в балете. Я своим студентам рассказываю, что классическое наследие в балете нужно отсчитывать от конца XVIII века, потому что сохранился один-единственный балет того времени — «Причуды купидона и балетмейстера» Винченцо Галеотти. Но он, к сожалению, не так известен, как более поздние «Сильфида» и «Жизель», и нигде не идет — даже в текущем репертуаре Датского королевского балета, где числится его постановка. Все балетное наследие начинается с эпохи романтизма. В нашей стране реконструкция балетов XVII века совсем не развита, в отличие от Италии или Франции, где есть профессиональные и полупрофессиональные ансамбли, которые занимаются лексикой и танцами того времени.

МО | Максим Петров поставил в Мариинском театре балет «Дивертисмент короля», стилизованный под XVII век.

ЮБ |
Это современный балет со взглядом в определенную эпоху, а не попытка оттолкнуться от аутентичной лексики и танцев, которые записаны у Луи Пекура, Пьера Бошана или Рауля Фейе (французские балетмейстеры XVII – начала XVIII в., основоположники классического балета — «МО»).

МО | Аутентичные танцы ставит немецкий хореограф Клаус Абромайт, специалист по балетам эпохи барокко, и это выглядит очень скучно — мало движений, очень бедная лексика.

ЮБ |
Это сценические танцы конца XVII–XVIII века, которые шли как интермедии к операм, и в них есть в том числе такие вещи, которые сегодняшним артистам балета сложны по координации. Эти танцы, в отличие от балетов, сохранились в нотации. В балетной музыке тех времен тоже есть много всего интересного: балеты Генделя, чудесные балеты Глюка — тот же «Дон Жуан», «Безделушки» Моцарта. Но современные балетмейстеры не берут эту музыку, потому что мало знают о ней.


Меня удручает, что у нас все время играют одни и те же названия. Это скучно.


Да, сейчас можно смотреть лучшие исполнения любых, даже редких произведений у себя дома — но хочется, чтобы и в живом театре было что посмотреть. Огромное количество интересной балетной музыки XVIII и XIX, да даже и XX века сейчас никем не используется. Спасибо моему однокласснику Алексею Ратманскому, который что-то вытаскивает из забвения — например, «Взбитые сливки» Рихарда Штрауса или «Поцелуй феи» Стравинского.

Во всем можно искать разные смыслы

МО | Какие у вас отношения с современной музыкой и с современными балетами?

ЮБ |
Я могу послушать и посмотреть все что угодно. Все почему-то думают, что я сижу на закрытом пыльном сундуке со спектаклями XIX века и ничего другого не вижу. Это не так: конечно, я интересуюсь тем, что происходит вокруг. То, что талантливо, всегда интересно — обращено ли оно в прошлое, настоящее или будущее. Вы назвали Максима Петрова: он мне чисто по-человечески очень симпатичен, и мне нравится то, что он делает. Мне нравится и Алексей Мирошниченко, я считаю его очень талантливым современным хореографом.

Каждый должен заниматься тем, что у него лучше получается и тем, что ему интересно. Я знаю, что есть люди, которые делают какие-то вещи лучше, чем я, и с удовольствием посмотрю на их работу и сниму перед ними шляпу.

МО | А как вы относитесь к современным интерпретациям спектаклей на классическую балетную музыку? Например, работам Мэтью Боурна и Николая Хюббе.

ЮБ |
Если вы хотите поставить новое «Лебединое озеро» или новую «Спящую красавицу», то не нужно брать партитуры Петра Ильича Чайковского: это пиар на наследии и на имени композитора. Закажите музыку современному автору. А вообще к этим двум хореографам я отношусь хорошо, особенно к Мэтью Боурну — он очень талантлив. Но я бы не сказал, что Николай Хюббе большой мастер хореографии. Он был замечательным исполнителем Бурнонвиля, но его балетмейстерский взгляд на наследие Бурнонвиля мне не близок. Мы в России любим Бурнонвиля в чистом виде, без осовременивания. Как человек, занимающийся наследием, я люблю исторические версии спектаклей. Если это балет Баланчина — значит, Баланчина, если Бурнонвиля — значит, Бурнонвиля, Петипа — значит, Петипа. Хотя смыслы во всем можно искать разные.

Главная проблема — финансовая

МО | А у вас есть видение публики, ее потребностей?

ЮБ |
Самарской аудитории нравятся большие костюмные спектакли с сюжетом. Одноактные балеты спросом не пользуются, хотя среди них есть сюжетные и костюмные. Но не всегда нужно идти на поводу у публики. Театр должен выполнять и образовательную функцию — может быть, даже в ущерб стопроцентной посещаемости.

МО | Есть же и современные большие сюжетные балеты. Что мешает ставить их?

ЮБ |
Проблема провинциальных театров — это финансы. Вячеслав Самодуров в Екатеринбурге, Алексей Мирошниченко и Теодор Курентзис в Перми — яркие личности, но если бы на них не выделялись деньги, не было бы такого эффекта, как сейчас. Творческим людям нужно помогать, чтобы они могли воплотить что-то — в опере или балете. У региональных театров возможности очень скромные. Когда на следующий сезон тебе выделяют финансирование только на один спектакль и хотят после успеха «Эсмеральды» что-то большое, красивое и сюжетное — этого мало. Выпускать год по одному спектаклю недостаточно для того, чтобы и артистам, и публике было интересно.

МО | В год по одному спектаклю выпускает петербургский театр Якобсона.

ЮБ |
Там совсем другое дело: они не стационарный театр, у них нет своего помещения. А у Самарского театра есть хорошее здание и хорошие возможности. Казалось бы, давайте, ставьте, приглашайте людей — но денег не хватает. У меня множество идей, которые я мог бы здесь воплотить. С одной стороны, я знаю, что подошло бы самарским артистам. С другой стороны, здесь мог бы идти репертуар, который не подходит крупным театрам: редко ставящиеся отечественные и западные балеты. Если меня будут должным образом поддерживать финансово министерство культуры и губернатор Самарской области, то тогда о Самарском театре, надеюсь, заговорят.

Мне повезло, что мой предшественник Кирилл Александрович Шморгонер, будучи балетмейстером из Перми, имел тесные взаимоотношения с пермской школой, из которой и собрался основной костяк нашей труппы. Эта школа на сегодняшний день — одна из лидирующих, качество обучения в ней замечательное. Я не раз туда приезжал ставить спектакли и всегда был очень доволен.

Школа — основа театра

МО | А самарская хореографическая школа?

ЮБ |
Она слишком молода — ей всего десять лет. За это время у нее не появилось своего здания, она существуют в недрах нашего театра, нам приходится делить с ней залы. Взаимоотношения между театром и школой хорошие, дети участвуют во всех спектаклях, где они нужны. Хотя их не очень много: мальчиков только шесть на всю школу. Одна из причин — нет общежития, чтобы могли учиться дети из других городов.

МО | По городу учащихся совсем не набирается?

ЮБ |
Набирается, но в основном девочки. Все из Самары, в лучшем случае из близлежащего Тольятти. Мы уже взяли на работу трех выпускниц этого года, они участвуют в спектаклях. Но этого очень мало.

Школа — это основа театра. Самая первая ступень после пермской школы — это Пермский театр. Академия русского балета имени Вагановой и Мариинский театр, Московская академия хореографии и Большой театр — эта связь будет всегда. Сейчас в Челябинске и Астрахани открыли школы, чтобы в местные театры шли свои выпускники. Во Владивостоке открыли филиал АРБ имени Вагановой, чтобы снабжать кадрами Приморский филиал Мариинского театра. И здесь вроде бы такая же история, но пока много проблем.

МО | А насколько укомплектована ваша труппа?

ЮБ |
Мне достался недокомплект в двадцать с лишним человек, причем везде: среди концертмейстеров, педагогов, артистов балета. И приятно, что сейчас, спустя полгода, люди начали приходить сами. Я был пока в только в пермской школе, пригласил сюда ее учеников. Но позвать можно кого угодно — вопрос в том, приедут ли они? У этих детей может быть миллион обстоятельств, начиная от родителей и заканчивая настроением. В 80-е годы, когда я учился, было распределение на три года, и театр знал, что у них есть люди по крайней мере на три сезона вперед. И родители, и школа, и сами будущие артисты балета понимали, что конкретное место работы им гарантировано. Сейчас все по-другому.

МО | Вы привлекаете иногородних артистов?

ЮБ |
И иностранцев тоже. У нас работают японцы, как и везде; работают мальчики из Таджикистана и Украины. Мне не важно, откуда они. Много денег предложить мы не можем, но у нас прекрасный театр. Я много ездил по стране и знаю, что не у всех есть такие условия для работы, как у нас. Для тех, кто хочет танцевать классический балет — пожалуйста, у нас в репертуаре большие классические спектакли: «Баядерка», «Спящая красавица», «Лебединое озеро», «Щелкунчик», «Корсар», «Эсмеральда», «Пахита», «Шопениана». Это большой плюс, потому что система обучения в нашей стране основана на русском классическом балете, и очень естественно после школы попасть в эти спектакли. Еще из плюсов — квоты на мужской состав: юношей не заберут в армию, они будут проходить альтернативную службу в самом театре. Кроме того, существенную сумму, на которую можно было бы поставить хороший оперный или балетный спектакль, театр тратит на квартиры для иногородних. Людям, которые хотят танцевать, этого на определенном этапе достаточно.

МО | У театра есть спонсоры?

ЮБ |
Нет ни спонсоров, ни Попечительского совета. Может быть, какая-то работа со спонсорами и происходила, но я не знаю о ее результатах. Возможно, я слишком недавно руковожу. Понятно, что нельзя сравнивать Самарский театр и Большой, в котором я имел честь работать, но хочется, чтобы какие-то правильные вещи существовали не только в Большом.

Театр всегда был дорогостоящей историей, цари давали на него деньги из своих личных средств. Но при этом все понимали, что это лицо государства.
Поэтому мне хотелось бы, чтобы сегодняшние руководители Самарской области посмотрели на театр такими же глазами. Театр — это не просто красивое отреставрированное здание, но и то, что создают артисты и постановщики внутри него. Мы можем и готовы сделать так, чтобы люди со всей страны посмотрели на наш театр и сказали: «Вот это не идет больше нигде, только у них, надо к ним съездить». А мое дело как профессионала — оправдать ожидания тех, кто приедет на эти спектакли.


Последний раз редактировалось: Елена С. (Ср Май 30, 2018 9:39 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18947
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Май 30, 2018 7:40 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018053008
Тема| Балет, Astana Opera, Премьера, Персоналии, Алтынай Асылмуратова
Автор| Наталья Курпякова
Заголовок| ​«Корсар» отправляется в плавание
Где опубликовано| © Республиканская газета «Казахстанская правда»
Дата публикации| 2018-05-25
Ссылка| http://www.kazpravda.kz/articles/view/korsar-otpravlyaetsya--v-plavanie/
Аннотация| ПРЕМЬЕРА

Сегодня в Astana Opera состоится очередная премьера – «Корсар». Этот балет с успехом идет на многих музыкальных сценах мира более полутора столетий.



Вдохновленные Байроном

Этот спектакль ждут с нетерпением и любопытством, он будет интересен зрителям любого возраста. Одно только название – «Корсар» – будоражит воображение. Можно гадать, кто же окажется на сцене: благородные флибус­тьеры, беспринципные разбойники, грабившие кораб­ли, или отважные пираты – искатели счастья? И конечно, возникают картины самые романтические: бушующее море, головокружительные приключения, сокровища, захватывающая любовная история… Все будет! «Корсар» действительно особенное произведение.

Балет создан по мотивам одноименной поэмы главного романтика эпохи – Байрона, написанной в 1814 году. Байроновский «Корсар» не раз вдохновлял композиторов: в 1848 году Верди представил оперу, в Милане и Лондоне ставились балеты (не сохранившиеся до наших дней). Премьера «Корсара» на музыку Адольфа Адана, оказавшегося последним творением французского композитора, состоялась в 1856 году в Opéra de Pari, авторы либретто – Жюль-Анри Вернуа де Сен-Жорж и Жозеф Мазилье.

Позднее музыкальная часть дополнялась сочинениями Цезаря Пуни, Лео Делиба, Рикардо Дриго, Петра Ольденбургского. В целом же специалисты считают, что музыка балета отличается танцевальностью, яркостью и истинно французским изя­ществом.

Дирижер-постановщик Арман Уразгалиев отмечает, что сущест­вует несколько музыкальных редакций «Корсара», а такие знаменитые хореографические картины, как Па-де-де из второго акта или «Оживленный сад», регулярно исполняются во всех театрах мира.

– В Astana Opera это будет первое исполнение «Корсара», однако музыканты нашего симфоничес­кого оркестра знают партитуру, так как им не раз приходилось играть отрывки из балета в рамках балетных гала-вечеров, – говорит он.

Над хореографией «Корсара» работали знаменитые Жюль Перро и Мариус Петипа в XIX веке, в ХХ столетии балетмейстерами-постановщиками выступали Александр Горский, Петр Гусев, Юрий Григорович… В Astana Opera хореографом-постановщиком стала народная артистка России, художественный руководитель балетной труппы театра Алтынай Асылмуратова.

– Мы использовали редакцию Петра Гусева, так как она компакт­ная и динамичная, – рассказывает Алтынай Асылмуратова. – В других версиях спектакль более объемный по времени. Алжирский и палес­тинский танцы будут представлены в новой хореографии моего ассистента Елены Шерстневой. Изменения произошли в танцах Гюльнары (они стали расширенными) и многих мизансценах. Этот балет не так труден драматичес­ки, как, к примеру, «Жизель» или «Баядерка». От артиста требуется владение пространством. Я предложила солистам схему, но не ограничила в возможности самовыражения. Если в «Баядерке» не давала им «дышать», говорила: «Нужно только так и никак иначе», то здесь необходимо действовать по ситуации, чтобы это был живой спектакль.

Постановка осуществлена при поддержке Министерства культуры и спорта Республики Казахстан и посвящена 20-летию Астаны и 200-летию Мариуса Петипа.



Энциклопедия классического танца

На самом деле либреттисты Жюль-Анри Вернуа де Сен-Жорж и Жозеф Мазилье достаточно далеко ушли от байроновского оригинала. Краткий сюжет таков: похищенную Конрадом, бесстрашным предводителем корсаров, невольницу Медору путем обмана и предательства возвращает к себе ее владелец Исаак Ланкедем, чтобы продать паше Сеиду. Влюбленный Конрад с друзьями проникает во дворец паши, освобождает пленницу и бежит с нею на корабле. В балете совсем не грозным, а, скорее, гротескным оказывается Сеид-паша, появляются неверный друг Конрада – Бирбанто и работорговец Исаак Ланкедем.

Однако «Корсар» привлекает своей романтико-приключенческой атмосферой, быстро развивающимся сюжетом, яркими характерами героев и, кончено, счастливым финалом, столь редким в оперных и балетных спектак­лях. Причем ощущение, что «все будет хорошо», возникает с первых минут постановки! «Корсар» – балет легкий, оптимистичный и даже задорный. В том числе и поэтому он так популярен сегодня.

– Иногда хочется отдохнуть, и тогда нужны такие незатейливые и веселые спектакли, – считает Алтынай Асылмуратова. – Важно отметить, что все театры в своем репертуаре имеют спектакль «Корсар», так как там есть и классические танцы для кордебалета, и игровые моменты для мужчин и женщин. Балет украшают две пары, танцующие технически трудные вещи, в которых можно показать все свое мастерство. Тут и сложное классическое трио, и характерные танцы.

«Корсар» можно назвать эн­циклопедией классического танца, той самой элегантной, канонической и «живой» классикой, что проверена временем. Важно подчеркнуть, что в 1987 году на сцене Мариинского театра был снят фильм «Корсар», где главную женскую роль исполнила Алтынай Асылмуратова, ставшая сейчас хореографом-постановщиком спектакля в Астане.

Партию Медоры готовят заслуженные деятели Казахстана Айгерим Бекетаева и Гаухар Усина и лау­реат международных конкурсов Анель Рустемова.

– Ранее я не исполняла эту партию, но еще в хореографическом училище выступала с Па-де-де из «Корсара» на международных конкурсах. Медора близка мне как по пластике, так и по эмоциональной глубине образа. Ее появление на сцене подобно солнцу: своей энергией она должна согреть каждого. Наверное, потому и начинается эта партия с высоких прыжков, энергичных движений, то есть хореографический текст показывает, что моя героиня полна силы и любви, – размышляет о своей героине Айгерим Бекетае­ва. – Мне бы хотелось показать чистые чувства Медоры к пирату. Он разбойник, но прежде всего – человек, который тоже может любить и быть добрым. Считаю, что у Алтынай Асылмуратовой эталонное исполнение партии Медоры, и мне повезло, что я могу поработать над ролью вместе с ней. В балете много технически сложных вариаций, мне нравится танец на барабане, и в целом роль насыщена множеством нюансов. Изюминкой «Корсара» можно назвать сцену «Оживленный сад».

В роли Конрада выступят лауреаты международных конкурсов Арман Уразов и Олжас Тарланов, заслуженный деятель Казахстана Таир Гатауов.

– Мой герой любит приключения, потому что из них состоит вся его жизнь. У него добрая душа и развито чувство справедливос­ти, – рассказывает о Конраде Олжас Тарланов. – В тот момент, когда друг пытается убить его, у Конрада появляется шанс ответить тем же, но он благородно оставляет другу жизнь. У меня есть схожие черты с героем – задор, страсть к чему-то новому, неизведанному. Когда я беру в руки меч, то мгновенно хочется рваться в бой, появляется огромный запал (смеется). С точки зрения хореографии это очень интересная, яркая, насыщенная непростыми техничес­кими элементами партия. Я рад, что этот спектакль будет в нашем репертуаре.

Нет сомнений, что внимание пуб­лики будет приковано к Исааку Ланкедему – герою больше отрицательному, но яркому и запоминающемуся. Этот образ предстоит воплотить обладателю многих гран-при Бахтияру Адамжану, а также Жансерику Ахметову и лауреату международных конкурсов Серику Накыспекову.

– Конечно, мой персонаж совершает поступки, которые в сегодняшних реалиях вызывают критику, но тогда была другая эпоха. Без Ланкедема сюжет стал бы скучным, – считает Бахтияр Адамжан. – Все действие происходит вокруг моего героя, он создает основную интригу. Я ищу в себе то, что могло бы помочь передать образ. И это касается не только внешнего вида, но и внутреннего настроя. Вижу своего героя харизматичным, красивым, умным и ловким, ему нетрудно найти общий язык со всеми. Мне предстоит сыграть много мизансцен, где нужны особая легкость и юмор. Зритель должен наслаждаться красотой движений, актерской игрой солиста. Нужно полностью выложиться, чтобы публика не заскучала.

За мужские танцы в спектакле отвечал ассистент хореографа-постановщика заслуженный артист России Константин Заклинский. Он уверен, что тема пиратов интересна для солистов:

– Это героические персонажи, здесь можно проявить себя в качестве актера. Особого внимания требуют мизансцены, насыщенные пантомимой. У ребят все очень хорошо получается. Исаак Ланкедем – одна из центральных партий, спектакль держится на ней. Здесь вновь раскроется талант Бахтияра Адамжана, который хорош в любой роли. Считаю, что у нас будет самый лучший «Корсар».

Партии Гюльнары готовятся исполнить Мадина Басбаева, Шугыла Адепхан и Асель Шайкенова, Бирбанто – Ильдар Шакирзянов, Олжас Маханбеталиев, Турлыхан Тойган, Сеид-паши – Рахметулла Науанов и Жанадил Бейсембиев. В спектакле занята вся балетная труппа и артисты миманса. На сцене будет около 150 человек!

Поэзия и проза

Все, кто задействован в подготовке к премьере, признаются, что «Корсар» создается с особым вооду­шевлением. Да и как устоять, когда к волшебной силе искусства добавляется брутальная романтика, а любовь преодолевает все преграды! И когда еще артисту кордебалета удастся «пронестись» по сцене, стреляя сразу из двух писто­летов?! Для солдат и корсаров изготовлены ружья, кинжалы, мечи, сабли… Совсем как настоящие! Не спектакль, а увлекательнейшее приключение.

В швейном цехе царит знаменитая Франка Скуарчапино, художник по костюмам, обладательница премии «Оскар». Ей помогают технолог Даниэль Бутар, ассистент Анна Верде, а идеи в жизнь воплощают десятки сотрудниц цеха, всегда готовых рассказать, что, как и для кого из персонажей они делают.

За три дня до премьеры там еще находились все пачки балерин. Многослойные разноцветные юбки из жесткого тюля невесомы и напоминают цветы. Их изготовлено 66, 10 – для детей.

– Ой, а эта красота для кого же? – спрашиваю мастерицу, в руках которой, кажется, самый прекрасный тюлевый «цветок» – белый, большой, пышный, необычной формы.

– А это живот Сеид-паши! – смеется она. Такая вот вдруг абсолютная проза…

– Процесс пошива костюмов всегда трудоемкий. Но, наверное, самой сложной и грандиозной работой было изготовление плиссировки, которой здесь много, – делится Франка Скуарчапино. – Каждый слой балетной пачки выполнен определенным образом. Сетку для пачек мы красили, в оригинале она имеет только белый цвет. У нас же представлена вся цветовая палитра. Каждый костюм сочетает разные ткани и цвета, имеет свою стилистику. Всегда, как для показа высокой моды, соблюдены каноны пошива, использованы качественные ткани. При изготовлении костюмов в первую очередь думаем об удобстве для балерины. Я также отталкиваюсь от сцено­графии и от хореографии. Мы все, как говорится, должны смотреть в одну сторону.

В «Корсаре» зритель увидит 220 эксклюзивных костюмов! Заметьте: мастерицам, чтобы сделать только 9 подъюбников на одну пачку, требуется несколько дней. Далее начинается почти ювелирный процесс сборки и декорирования жилеток и корсетов. А еще сшиты тончайшие шаровары, замысловатые восточные тюрбаны, мундиры и халаты. Использованы километры золотой, серебряной, жемчужной тесьмы и кружев, килограммы пуговиц, блесток, искрящейся бижутерии. Все это надо выкроить, вырезать, сшить, пристрочить, отпарить, отгладить… И примерить, добавив какую-нибудь деталь, чтобы завершить образ, подчеркнуть индивидуальность артистов.

Морская тематика четко «читается» в бутафорском цехе. Тут, например, одни бочки пузатые и крепкие, другие уже разбитые, побывавшие в кораблекрушении. Штандарты и флаги, мешки с зерном, арканы, канаты. Отдельно разместились трофеи пиратов: кувшины, кубки, чаши, вазы, лампады, видавшие виды тяжелые кованые сундуки и ларцы с драгоценностями.

Для сцен на рынке и в гареме Сеид-паши понадобятся опахало, украшенное перьями, подушки, трон и табуретки, топчан и пуфики. «А вот наш «человек за бортом», – обращают внимание на куклу-пирата. Ее в этот момент крепят к мачте, чтобы затем во время шторма она сорвалась и сгинула в пучине морской.

Семь футов под килем!

Накануне премьеры «Корсара» в Astana Opera случилось знаменательное событие. Указом Президента Республики Казах­стан сцено­граф Эцио Фриджерио награж­ден орденом «Достық» II степени. Его вручил министр культуры и спорта Арыстанбек Мухамедиулы.

Имя этого выдающегося сцено­графа знают во всем мире. Его работы оказали влияние на развитие современной сценографии, получили международное признание и стали классикой оперного теат­ра ХХ века. Несколько лет Эцио Фриджерио плодотворно трудится в Астане. Вместе с супругой – художником по кос­тюмам Франкой Скуарчапино – они внесли огромный вклад в развитие казахстанского музыкального театра. На их счету экс­клюзивные работы в столичном театре – это «Абай» А. Жубанова, Л. Хамиди, «Мадам Баттерфляй» Дж. Пуччини, «Кармен» Ж. Бизе, «Ромео и Джульетта» С. Прокофьева, «Спящая красавица», «Лебединое озеро» П. Чайковского, «Бахчисарайский фонтан» Б. Асафьева, «Бая­дерка», «Дон Кихот» Л. Минкуса.

– Спектакли, созданные вами для театра Astana Opera, – это визитная карточка казахстанского искусства. Мы надеемся на дальнейшее плодотворное сотрудничество, – сказал министр культуры и спорта РК Арыстанбек Мухамедиулы.

Эцио Фриджерио отметил, что для него большая честь быть первым итальянцем, удостоенным ордена «Достық». Он подчеркнул важность поддержки сферы культуры Главой государства Нурсултаном­ Назарбаевым­ и заметил, что культурные связи Казахстана и Италии за последние годы стали значительно крепче.

Что же касается новых работ – это «Корсар», где Эцио Фриджерио вновь выступает сценографом-постановщиком.

Сейчас сцена «одета» в мягкие декорации, которые здесь преобладают. Огромные задники, изображающие различные виды природы и другие картины, расписаны вручную. Декорации «Корсара» компактны, а это очень удобно, например, для гастролей. Кстати, хотя сценографию спектакля называют скромной, она – без преувеличения – великолепна и весьма оригинальна. Мягкие декорации так эффектны: пришвартованный парусник слегка покачивается, по небу плывут облака…

Не останется без внимания занавес, напоминающий «Веселого Роджера» – грозный пиратский флаг – и отсылающий, пожалуй, уже не к эпохе романтизма, а к культовым «Пиратам Карибского моря».

Мастера художественно-постановочного комплекса изготовили арбу, подиум, части разбитого корабля, пирс и, разумеется, сам корабль. Он тоже мобильный, легко разбирается и полностью механизирован – это его главное и эксклюзивное достоинство. Компрессорные подушки приводят судно в движение, а управлять им можно при помощи пульта.

…Буря, огромные волны, во все стороны летит морская пена, гром и молния. На сцене появляется корабль. «Корсар» отправляется в плаванье. Семь футов под килем!
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18947
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Ср Май 30, 2018 10:18 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018053009
Тема| Балет, Академия танца Бориса Эйфмана, Персоналии, Наталья Пермякова
Автор| Алиса Асланова
Заголовок| Наталья Пермякова
Где опубликовано| © La Personne
Дата публикации| 2018-05-29
Ссылка| https://www.lapersonne.com/post/boris-eifman-academy-natalia-permyakova
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Наталья Владимировна Пермякова – выпускница Вагановской академии и ученица Натальи Дудинской, много лет служившая в Театре имени Леонида Якобсона. Взрастила немало балерин за время своей педагогической деятельности, сегодня преподает классический танец в Академии танца Бориса Эйфмана. О важности сохранения хореографии Якобсона, о Наталье Михайловне Дудинской и о настоящем в интервью ее ученицы Алисы Аслановой.



Наталья Владимировна, давайте начнем с самого начала. Я знаю, вы называете самым ярким периодом вашей артистической карьеры работу в Театре Леонида Якобсона. Расскажите почему, и вам не кажется, что этот театр, к сожалению, непризнанный до конца в России?

Свои последние 15 лет в качестве балерины я танцевала в театре имени Леонида Якобсона. Этот театр был не похож на другие, он отличался своим репертуаром – необычным и ярким. В театре тогда ещё жил дух Якобсона, хореографию которого можно было получить буквально из рук первых исполнителей, работавших с самим мастером. И для меня было интересно – расширить свой классический репертуар новой, непростой,но очень увлекательной хореографией с точки зрения творчества.

Очень надеюсь на то, что время возвращения к творчеству Леонида Вениаминовича ещё впереди! Именно поэтому, на мой взгляд, очень важно сохранить как можно больше образцов его творчества не только в видеозаписях, но и в живом исполнении на сцене.

Как только у меня появлялась возможность, все то, что я знаю из его хореографии, я пыталась бережно передать своим ученикам.

Я бы даже вас назвала носителем хореографии Леонида Якобсона, ваши ученицы очень много танцевали его постановки. Расскажите про особенность его хореографии, и за что вы считаете его гением.

Коротко про особенности творчества Леонида Якобсона невозможно сказать. Многогранность его Хореографии бесконечна. Главное, что он для каждого своего произведения создавал свой неповторимый хореографический язык. Не только текст, не только стиль, а именно язык. И все его работы – настоящие шедевры.

Наталья Владимировна, как такая супер-питерская вы оказались в Москве? Еще и привезли свою питерскую методику и внедряли ее в Москве?

Самая непредсказуемая фантазия у судьбы…

После того, как я закончила танцевать, одновременно закончив педагогический факультет в Академии имени А. Я. Вагановой, я оказалась в Москве. Первый мой педагогический опыт был в Московском хореографическом училище при театре танца «Гжель», куда пригласил меня основатель театра – Владимир Михайлович Захаров.

Я получила 4-й класс и довела его до выпуска, который в итоге стал основой Камерного театра классического балета в «Гжели». Кстати, первым же номером в репертуаре камерного балета, получившим огромный успех, был знаменитый па-де-катр Леонида Якобсона. И в дальнейшем, несмотря на то, что в театре стали появляться большие спектакли – «Щелкунчик», «Золушка», старинная хореография, так или иначе мы все равно возвращались к творчеству Якобсона. Возможно, это связано с тем, что у моих девочек, соприкоснувшихся вначале пути с очень серьезной работой над па-де-катром, выработался определенный вкус и предпочтение стиля этого великого мастера. А что касается методики, я учила, как меня учили.

Москва вас изменила с ее ритмом жизни?

Наш ритм совпал.

Вы же учились в академии у самой Натальи Михайловны Дудинской? Мы можем немного вспомнить Наталью Михайловну, что вы пронесли от нее через всю свою жизнь и перенесли, может быть, уже в свою педагогическую деятельность?

На самом деле, это ещё один неожиданный поворот в моей жизни – когда я попала в класс Натальи Михайловны Дудинской. Судьба одарила меня общением с этой великой балериной, замечательным человеком и уникальным педагогом. Она меня называла «Наташка-Чебурашка». Человек и педагог сочетались в Наталье Михайловне неразрывно. Ее удивительно точный, до мелочей тонкий и всегда в полной амплитуде показ на уроке до сих пор у меня перед глазами. Думаю, в Наталье Михайловне было продолжение Агриппины Вагановой. Ее деятельность надо видеть, об этом не рассказать! Она научила нас учиться. И я всю жизнь учусь, уча, учусь, вновь и вновь постигаю что-то новое.

Когда вы поняли, что хотите быть педагогом?

Хотела быть педагогом ещё до прихода в балет, а потом все случилось само собой.

Вы строгий педагог? Какие методы вы используете в преподавании?

Скорее требовательный. Методы – это живой процесс, который рождается в процессе общения с конкретным учеником или артистом.

Вы думаете, когда берете класс, о той ответственности, которая на вас лежит? Что вы, можно сказать, даете направление их будущей карьеры, жизни?

Специально не думаю, но, естественно, это чувство неизбежно. Самое главное – посвятить детей в профессию, влюбить в нее, передать, и этим обеспечить их дальнейшую самостоятельность.

Вы сейчас преподаете классический танец в Академии танца Бориса Эйфмана. Почему вы решили вернуться в Питер?

Как я уже говорила, фантазия судьбы. Похоже, ей нравятся мои путешествия из Петербурга в Москву. Кстати, Наталья Михайловна, когда я заканчивала школу, хотела, чтобы я танцевала в театре Бориса Яковлевича. Тогда не сложилось. А вот теперь, наверное, время пришло, и я преподаю классический танец в его академии.

Есть ли какая-то специфика преподавания в школе Эйфмана?

Специфика в Академии Бориса Эйфмана есть. В ней готовят универсального артиста балета, где наряду с классическим танцем преподаётся современный танец. Это продиктовано временем и репертуаром всех ведущих театров страны. Появляются новые балетмейстеры, которые ставят не очень привычную хореографию для классических танцовщиков. Так вот наша академия решает задачу подготовки востребованных артистов балета с учетом реалий сегодняшнего дня.

Вы будете выпускать первый выпуск этой школы? Какие цели вы сейчас перед собой поставили, ведь все будут пристально следить за первым выпуском…

До этого торжественного момента, первого выпуска, осталось ещё 3 года. А вот в новом учебном году наша академия встретит свой первый пятилетний юбилей!

И напоследок, это интервью, скорее всего, будут читать ваши ученики, что бы вы пожелали им в этой непростой профессии, которую они избрали?

Скажу, что путь артиста балета не всегда ровный, но он всегда счастливый на сцене! И я желаю им этого счастья!

P.S. Когда я училась у Натальи Владимировны, меня всегда поражала ее жажда творить, она была постоянно заинтересована, она «горела» в балетном классе. И каждый день она вдохновляла нас и заражала своей энергетикой. Можно говорить много и долго о ее достоинствах, но я благодарна ей за то, что она научила нас не просто работать, а со всей душой безусловно служить нашей профессии и любить ее без границ.

Спасибо вам за это, Наталья Владимировна!


Интервью Алиса Асланова

Фото Ира Яковлева

Благодарим Академию танца Бориса Эйфмана за помощь в создании материала.

======================================================

Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18947
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Май 31, 2018 12:26 am    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018053101
Тема| Балет, Челябинский государственный академический театр оперы и балета им. М. И. Глинки, Персоналии, Михаил Лавровский
Автор|
Заголовок| Михаил Лавровский: «Челябинский зритель очень правильный»
Где опубликовано| © сайт Челябинского театра оперы и балета
Дата публикации| 2018-05-21
Ссылка| http://www.chelopera.ru/events/2018/05/21/mihail-lavrovskij-chelyabinskij-zritel-ochen-pravi/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ



Он не признает формальную хореографию, борется за академичность и точно знает, как добиться успеха в искусстве. На прошлой неделе уроки классического балета в челябинском театре давал народный артист СССР, педагог-репетитор Большого театра Михаил Лавровский:

– У меня остались очень хорошие впечатления от работы с челябинскими артистами! Я и по телевизору смотрел ваши спектакли, они замечательные. Челябинский театр выбрал правильное направление. В репертуаре есть современные вещи, например, постановка Поклитару. При этом не забываете классический материал – это самое главное! Вы умеете отличать «Лебединое озеро» от «Спящей красавицы», «Спящую красавицу» от «Баядерки». Кстати, «Баядерка» очень хорошо сделана: редакция Клевцова – разумная, артисты танцуют убедительно.

– Михаил Леонидович, что для Вас мастер-класс? Как Вы относитесь к подобному роду деятельности?

– Я считаю, что это нужно актёрам. Учиться можно бесконечно! На мастер-классе было более сорока человек, конечно, не все выдерживали до конца, поэтому одним даёшь – одно, другим – другое. Не рубишь с плеча! Подобные уроки полезны педагогам, а актёров это приподнимает. Каким бы фанатиком работы вы ни были, урок – это всё равно будни. А мастер-классы дают внутренний подъём.

– Раньше балет в России был искусством номер один. Чего сейчас не достаёт современному балету, чтобы удерживать лидирующие позиции?

– Я родился в 1941 году, моя юность прошла в разгар советской власти. Конечно, было много перегибов, но была и духовность в отношениях между людьми. Тогда искусство конкурировало с западом, было настоящим. В 1956 году мы выехали с гастролями в Лондон и Нью-Йорк. Наш балет «Ромео и Джульетта» покорил всю Европу и Америку. Это европейский зритель поднял нас на щиты, а ведь люди были настроены оппозиционно. Галина Уланова принесла на сцену смысл исполняемого, а сейчас гордыня забивает артистам душу и мозги. Когда всё упирается в деньги – тоже очень плохо, ведь своё лицо терять нельзя, как и нельзя забывать академический театр: Юрий Григорович подарил нам «Спартака», «Ивана Грозного», «Легенду о любви». Это гениальные спектакли! Свои основы и свою альма-матер надо знать.

– В одном интервью Вы сказали, что в молодости труппа Вас не воспринимала всерьёз. Даже могли сказать: «Поздравляю! Да не тебя – твою партнёршу». Как Вы противостояли такому отношению?

– Действительно, ко мне, как к сыну Лавровского, относились с озлобленностью. Однако хореографическое училище, в которое меня отдала мама, меня закалило. Можно сказать, в 17 лет я знал, что надо бороться. Мама мне говорила: «Мы одни. Ты один мужчина в семье». Отец от нас ушёл, а старший брат жил в Тбилиси, вот я и боролся…

– А сейчас Вы даёте советы своим ученикам?

– Даю, конечно, но не всегда меня слушают. Многие считают, что они всё знают и всё умеют. К сожалению. Мой сын талантливый человек, я пытаюсь ему что-то объяснить, но даже он иногда послушает, а иногда – нет. Ну, дай Бог ему удачи!

– Как-то Вы сказали, что «сила театра в сиюминутности воздействия – спектакль на плёнке уже не тот». Однако сейчас Большой театр снимает балет и показывает в кино. Вы как к этому относитесь?

– Сложно сказать. Если это нужно публике, пусть показывают. Но всё-таки в кино – другие законы. В фильме на первый план выходит физическая красота, а в театре актёры могут быть не очень красивыми, но очень талантливыми! Помимо таланта мужчина должен обладать мужественностью, а женщина – обаянием и нежностью.

– И тогда успех в театре гарантирован?

– Одного таланта для успеха недостаточно. Ещё артисту нужно правильно выбрать своё место в искусстве. В музыке, если у человека жёсткие губы, ему нужно играть на духовых инструментах, если длинные пальцы – на рояле. Так же себя нужно найти и в балете. Классика требует красоты, нужны определённые данные. Человек из зала должен выходить окрылённым, даже если он смотрел самую большую трагедию. Если вы выходите подавленным – это не искусство.

– Михаил Леонидович, пожелайте что-нибудь челябинскому зрителю?

– Вы знаете, челябинский зритель очень правильный. Он приходит в театр, чтобы смотреть классический спектакль. В Москве смешивают академичность и модерн. Так быть не должно. Актёр может пойти работать в другой театр, но классический театр свою академичность обязан сохранять. В вашем театре с этим всё в порядке.

====================================================
Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18947
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Май 31, 2018 12:10 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018053102
Тема| Балет, Бурятский государственный академический театр оперы и балета , Персоналии, Морихиро Ивата
Автор| Ольга Михалева
Заголовок| Морихиро Ивата: «Жителям Бурятии я желаю вместе стремиться к развитию»
Где опубликовано| © Информ Полис
Дата публикации| 2018-05-31
Ссылка| https://www.infpol.ru/news/leisure/145581-morikhiro-ivata-zhitelyam-buryatii-ya-zhelayu-vmeste-stremitsya-k-razvitiyu/
Аннотация| ИНТЕРВЬЮ

Эксклюзивное интервью с балетмейстером Бурятского государственного театра оперы и балета



Открытие перекрестного Года Японии и России состоялось в Москве 26 мая. В оргкомитет от Страны восходящего солнца вошел житель Бурятии – балетмейстер Бурятского государственного театра оперы и балета японец Морихиро Ивата. О том, как русский балет стал делом всей его жизни, а Бурятия – вторым домом, он рассказал в большом интервью нашему корреспонденту.

О знакомстве с Россией

– Расскажите, как давно вы живете в России? Как вы изучали язык? И легко ли было привыкнуть к жизни в другой стране?


– Впервые я побывал в России в 1987-1989 годах, как турист в период новогодних каникул. Это было советское время, и мне было очень необычно. Страна мне сразу понравилась. В 90-м году мне предложили стажироваться в течение полутора лет в Московском хореографическом училище, и я согласился. Тогда по-русски знал только «спасибо» и «здравствуйте». Первое время было сложно, но именно тогда у меня появился самый лучший друг, с которым мы понимали друг друга без слов. Мы общаемся и по сей день. Оказалось, что знание языка является для меня второстепенным, а первостепенное – это понимание друг друга.

Поскольку я выбрал профессию «классический балет», из-за языкового барьера особо не затруднялся, потому что язык танца во всех странах одинаковый. Мне всегда было понятно, что хочет донести педагог. Однако в бытовой жизни в первые три месяца без знания русского было особенно тяжело. Но сейчас, когда я говорю по-русски, анализирую язык, отмечаю, что он очень интересный.

– Насколько велика разница между культурами, традициями двух стран, а что их объединяет?

– В Японии есть национальные праздники девочек и мальчиков. Здесь этого нет, но я не особо расстраиваюсь. Российские праздники сразу принял как свои. Мой любимый из них – 9 Мая, и это может показаться нелогичным, так как мы, японцы, являлись нападающей и проигравшей в войне стороной. Но мне нравится День Победы, потому что война – это плохо, а 9 Мая знаменует окончание войны, это праздник мирного неба над головой. Мне не нравится, когда делают акцент на понятии «страна-победитель», но мне нравятся объединение народа, гордость за свою страну и стремление не повторить разрушений и кровопролитий. В прошлом году мы делали спектакль «Коппелия» и пригласили балетмейстера из Италии. Мы как раз застали торжественные мероприятия ко Дню Победы, и, глядя на них, он говорил, что мы, Япония и Италия, проигравшие страны.

О любви к Бурятии

– Если рассматривать не Россию в целом, а только Бурятию, что, на ваш взгляд, роднит наш регион с Японией?


– В Москве я прожил 22 года, и тем не менее очень рад, что оказался в Бурятии. Мне с самого начала было комфортно и интересно. Москва – мегаполис, там больше возможностей, но здесь я могу больше узнать что-то важное для жизни, в том числе духовное. Меня очень тянет сюда. Когда начал изучать регион, заметил много общего с Японией, нашел точки соприкосновения. Например, здание Бурятского театра оперы и балета строили японцы, говорят, что у бурят и японцев схожая ДНК, есть еще много научных и исторических фактов, свидетельствующих о сходстве двух народов. И, на мой взгляд, менталитет очень похожий. Может быть, это связано с буддийским воспитанием, с миролюбивым учением Будды. Отношение людей здесь для меня очень простые и легкие. В Москве люди более эгоистичные, это можно заметить в очередях или в толпах в метро. Здесь же народ более спокойный, гостеприимный, с более размеренным темпом жизни.

– Есть ли у вас любимое место в Бурятии? Нравится ли вам бурятская кухня и есть ли любимое блюдо?

– В основном мой маршрут пролегает от дома к театру. Если говорить о городских местах, то раньше я очень любил набережную. За городом мне нравится в Иволгинском дацане, потрясающие виды у горы Спящий Лев и природа Байкала. Когда к нам приезжают гости, я вожу их по этим местам. Также мы знакомим гостей с национальной кухней бурят, мне самому очень нравятся буузы, хотя мы их и не готовим дома.

О семье

– У вас интернациональный брак, который вы заключили в советское время, когда отношение к иностранцам в Союзе было непростое. Как вы познакомились с будущей супругой, какие культурные сложности встретились на вашем совместном пути?


– Я всю жизнь являюсь фанатом балета. Тренировки всегда были для меня самым ценным. После госэкзамена в училище я искал, где можно заниматься дальше, и через знакомую японку попал в государственный театр «Русский балет» в Москве. Затем художественный руководитель этого театра предложил мне работу, и я с удовольствием согласился. Здесь же познакомился со своей будущей женой Ольгой. Мы поженились, когда мне было 24 года, а в 25 лет у нас появился первый ребенок.

В театре «Русский балет» мы работали небольшим коллективом – не более 50 человек и постоянно гастролировали. Могли уехать в Англию на полтора месяца, следом в Германию на два месяца, вернуться на неделю в Москву и снова отправиться на гастроли. Труппа была для нас семьей, мы были очень дружные. В то время я, иностранец, даже не почувствовал какого-то отторжения со стороны русских коллег, хотя советские люди настороженно относились к иностранцам, они с трудом получали визу на въезд в Союз. Моя жена все это понимала и с самого начала помогала мне, я всегда чувствовал отношение родного человека. Сейчас я осознаю, что в те времена на нее падали косые взгляды окружающих, потому что она вышла замуж за иностранца, но она не обращала внимания на это и защищала меня.

– Откройте секрет, существуют ли между родственниками недопонимания, связанные с культурными или языковыми обычаями.

– В этом плане мне повезло. Родители с обеих сторон хорошо приняли наш брак. У Ольги тоже театральная семья из Перми. А может быть, все дело в том, что мы далеко друг от друга живем и редко встречаемся (смеется). В самом начале у нас с Ольгой был сложный момент, связанный с моим японским менталитетом, его строгостью и порядком. Если что-то из этого порядка не соблюдалось, я считал, что это неправильно, и мне было очень обидно. По молодости мы иногда ругались из-за противоречий в понимании того, какой должен быть уклад в семье: японский или русский, но быстро мирились, потому что умеем уступать друг другу. А сейчас я уже настолько обрусевший, что не обращаю внимания на некоторые вещи, которые раньше казались для меня, по меньшей мере, странными.

– Ваша супруга изучает японский язык?

– Изучала. В течение трех лет посещала курсы переводчиков, но, видимо, ей это не дано, поэтому она бросила. Но у нас никогда не было больших трудностей в понимании друг друга. С детьми же я говорил только по-японски, язык с рождения был у них на слуху, поэтому им проще.

– У ваших детей есть отчество?

– Да, моих дочерей зовут Мария Морихировна и Алиса Морихировна.

О театре

– Вы первый иностранец, который стал первым солистом Большого театра, проработали там 17 лет. Для Бурятии большая честь, что такой талантливый артист и хореограф возглавил балетную труппу нашего театра. Вот уже почти шесть лет вы работаете в Бурятском театре оперы и балета. А с чего все начиналось?


– Так удивительно совпало, что приглашение приехать в Бурятию поступило мне именно тогда, когда я завершил карьеру в Большом театре. Завершая карьеру, я не знал, чем заниматься, но очень хотел ставить балет. Предложения, конечно, были, но я их тщательно взвешивал и не мог определиться. Тогда руководитель хореографической кафедры академии культуры Доржо Дугаржапов пригласил меня в жюри фестиваля танца «Венок дружбы». Это был мой первый визит в Бурятию. Во второй раз я приехал сюда непосредственно для знакомства с театром и встречи с руководителем БГАТОиБ Оюной Владимировной Цыбикдоржиевой. Через некоторое время мне предложили стать худруком балетной труппы. Я очень благодарен этим двум людям за доверие и поддержку моих начинаний, потому что у меня не было опыта работы руководителем. Они поверили в меня, и я получил колоссальную возможность быть худруком в академическом театре – иметь хорошо оснащенное здание, работать с талантливыми артистами, костюмерами, гримерами, оркестром, иметь возможность ставить новые спектакли и расти. Мне всегда хотелось знать, как устроена театральная система, я узнал и был восхищен.

– Легко ли вы согласились переехать из Москвы в Улан-Удэ, как ваша семья отнеслась к этому?

– Сам я с легкостью переехал в Улан-Удэ, но семья осталась в Москве. Мое решение не было для всех нас проблемой. Через три года Ольга тоже переехала сюда. И мы вместе начали работать в театре.

О Культурном фонде и благотворительности

– Вот уже четвертый год в Улан-Удэ работает ваш Культурный фонд. Расскажите о нем.


– Создать фонд мне предложил Доржо Васильевич в 2014 году. Фонд – это площадка, на которой можно решить проблемы, которые тормозят развитие театра и культуры в целом. Если я обращаюсь к людям или в организации за поддержкой, то они не могут выделить средства мне лично, но они могут передать их фонду. Организуя фонд, я хотел помочь артистам, создать им лучшие условия труда. Мы укрепили фонд командой единомышленников, которые хотят помочь. Это добрые и надежные люди.

– Под эгидой фонда вы приглашаете гостей из Японии, а также представителей Страны восходящего солнца в Бурятию. Насколько нашему зрителю интересна культура вашей родины?

– Я очень благодарен местным жителям за то, что они так тепло относятся к японским артистам. Речь идет не только о зрителях, но и о тех, кто работает в театре. Сейчас в театре работают две балерины из Японии. Если же говорить о зрителях, то здесь они, в отличие от столичных, не искушенные представлениями, «голодные». Откровенно говоря, они не знают, где хлопать, как это знают в московских театрах, но их эмоции искренны. Они хлопают, когда вместе с артистами проживают то, что происходит на сцене, и это лучший отклик.

– В конце декабря 2017 года вы проводили благотворительный бал при поддержке Торгово-промышленной палаты. Как вам удалось «растанцевать» предпринимателей, которые также пожертвовали средства в Байкальский фонд поддержки детского развития?

– Бал стал своеобразным мероприятием, предваряющим Год России в Японии. Его открывал советник посольства Японии в России по вопросам печати, культуры и образования Масакацу Муротани. На сцене вместе с артистами выступали более 40 предпринимателей. Большинство из них – члены ТПП. Наш культурный фонд вступил в палату в сентябре прошлого года, потому что я хотел найти среди бизнесменов единомышленников, людей, готовых помочь развитию искусства в Бурятии. Бал показал, что местные предприниматели готовы не только помочь, но и приобщиться к деятельности театра, увидеть изнутри, как мы работаем. Наши благотворители, несмотря на занятость, два месяца ходили на репетиции, и результат был прекрасным. Бал показал, что я сделал правильный выбор, когда вступил в бизнес-сообщество, благодаря которому удается объединять совершенно разных людей на таких мероприятиях.

О перекрестном Годе Японии и России

– Вы недавно приняли участие в открытии перекрестного Года Японии и России. Какие мероприятия под эгидой фонда вы готовите сейчас?


– Есть мероприятия, которые фонд организует, а есть те, в которых он помогает. Год Японии в России мы торжественно открыли 26 мая в Большом театре в Москве. На церемонии открытия собрались представители культуры, общественно-политических и деловых кругов. Открыли церемонию премьер-министр Японии Синдзо Абэ и президент России Владимир Путин. От Бурятии также приехал глава республики Алексей Цыденов.

Основные события по Году пройдут в Улан-Удэ и в Москве. Так, в столице 4 июня в Государственном архиве при поддержке Института пандито Хамбо ламы Итигэлова состоится информационный фестиваль, на котором будет представлена история российско-японских отношений: старинные фотографии, документы, датируемые от 1906 года до сегодняшних дней. Кроме этого, в рамках перекрестного года артисты БГАТОиБ выступят в Хабаровске и Владивостоке, сейчас переговоры о торжественных мероприятиях ведутся с генконсулом в Хабаровске.

В Улан-Удэ самое крупное тематическое событие состоится с 22 по 28 июня – фестиваль ковки японского меча. Это уникальный мастер-класс, который мы проведем в «Байкальской гавани». Команда специалистов, которые проведут обучение и шоу, приедет из Японии, в их числе кузнецы. Вообще японский меч служит не для нападения, а для защиты. В ходе поездки на Байкал мы также проведем молебен во имя дружбы России и Японии и за защиту от злого духа. В мероприятии смогут принять участие все желающие. 22 июня будет церемония открытия, на которую приглашены посол Японии и генконсул из Хабаровска. Также мы приглашаем первых лиц Бурятии, ТПП РБ. Из Японии я пригласил педагога по японскому танцу из театра «Кабуки», который даст мастер-класс. Бурятию представят такие популярные артисты, как Лудуб Очиров, Баттувшин, Ольга Жигмитова и другие – те, кто всегда поддерживает мероприятия нашего фонда.

– Планируете ли вы сами выступить на фестивале?

– Да, буду выступать. Мне очень нравятся японские барабаны, многие помнят, как я привозил сюда барабанщиков из Ямагато – шоу-группу «Кодо». Недавно купил настоящий кожаный барабан. Эта идея пришла ко мне в разговоре с Доржо Васильевичем, после уже узнал, сколько будет стоить заказать в Монголии барабан диаметром 90 сантиметров. Мне его привезли, через Интернет я обратился к педагогу в городе Ямагата, чтобы он помогал мне с репетициями. Однако, будучи новичком в этом деле, нечаянно порвал барабан, и сейчас он находится в ремонте. Но премьеру своего выступления на фестивале я не отменяю.

О школе балета в Улан-Удэ

– Вы всесторонне помогаете молодым талантам. Расскажите, как вы создали балетную школу, где вы нашли учениц.


– Воспитанницы пришли к нам сами. Вообще балет дает очень хорошую подготовку не только в физическом плане, он воспитывает терпение, силу духа, эстетику, культуру. Мне очень хотелось, чтобы у бурятских детей это было заложено и чтобы через своих детей родители полюбили искусство балета. Когда мы начали воплощать эту идею, очень волновались, сколько человек придет. Мы получили всего восемь заявок. Тогда с супругой решили, что неважно, сколько детей пришло, важно, чтобы они были довольны занятиями, имели результат и продолжали заниматься. А на просмотр пришло больше ста человек, мы были удивлены и думали, как всех охватить. Однако со временем произошел отсев, потому что не каждый ребенок способен выдержать балетную дисциплину. Сейчас у нас учится около 80 человек в возрасте от четырех лет, и это не только девочки.

Блиц-вопросы

– С вашего позволения я задам несколько вопросов, не связанных с искусством и культурой. Если бы у вас были властные полномочия, какие законы вы приняли бы?


– Я бы сразу отменил визы, организовал прямые рейсы из Улан-Удэ в Токио и обратно и поработал бы с туристическими направлениями.

– Вам известно, что, как и вы, отдавшись профессии, в Японию переехал молодой спортсмен из Бурятии. Он по сей день живет, тренируется и выступает там. Знакомы ли вы с профессиональным борцом сумо из нашей республики Толей Михахановым, что скажете о его таланте?

– Я с ним не знаком, но хочу познакомиться и сфотографироваться. Получилось бы очень интересное фото, ведь он самый большой русско-бурятский японец, а я самый-самый маленький. Еще при встрече спросил бы его, сложно ли ему, человеку из России, жить в Японии? По моему мнению, японцу в России жить легче, чем русскому в Японии из-за менталитета строгого порядка. В Стране восходящего солнца все должны следовать четким правилам. Несмотря на это, Анатолий добился большого успеха в карьере благодаря колоссальному терпению, целеустремленности. Он сильный человек.

– Какой девиз по жизни вы используете?

– Девиза нет, но есть правила: быть искренним, быть самим собой, не обманывать, не изыскивать выгоду любой ценой. Для этого нужно терпение.

– Какое бы послание вы оставили потомкам, которые будут жить через сто лет и, может быть, работать в этом театре?

– Любите свое дело, будьте полезны для общества. А жителям Бурятии я желаю вместе стремиться к развитию. Территория республики огромная, но населенность не такая уж плотная. Когда я сюда приехал, у меня был маленький коллектив, где все смотрели друг на друга, сравнивали мастерство, а я хочу, чтобы они смотрели не друг на друга, а равнялись на Большой театр, росли до его уровня, поехали в «Гранд-оперу», показали себя Лондонскому королевскому театру и так далее.

- Большое спасибо за интересную беседу!

Фото: архив семьи Ивата, Archi films, Артем Поселёнов, Денис Слепцов

============================================
Все фото - по ссылке


Последний раз редактировалось: Елена С. (Вс Июл 15, 2018 12:35 pm), всего редактировалось 1 раз
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18947
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Чт Май 31, 2018 12:50 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018053103
Тема| Балет, государственный академический театр оперы и балета, Якутия, Премьера, Персоналии, Екатерина Тайшина
Автор| Иван БАРКОВ / Фото: Иван Барков
Заголовок| «Танцевальная геометрия»: Театр оперы и балета представил новый балет
Где опубликовано| © YAKUTIA.INFO
Дата публикации| 2018-05-31
Ссылка| http://yakutia.info/article/184297
Аннотация| Премьера

На сцене ГТОиБ состоялась премьера одноактного балета «Геометрия движения» в хореографии Екатерины Тайшиной. Постановка получилась очень чувственной и пластичной, где классические каноны танца искусно сочетаются с современным подходом к хореографии.



Балет состоит из нескольких этюдов, часть из которых длится всего считанные минуты. Меняется свет, музыка, видеоряд, и иногда кажется, что повествование бессвязно. Но это не так. Череда этюдов явно отсылает к современному миру, о чем собственно и говорит хореограф-постановщик «Геометрии» Екатерина Тайшина, которая называет ее балетом о современном обществе.

В постановке приняли участие такие солисты ГТОиБ, как Динара Гасанбалаева, Тимофей Федотов и Павел Необутов, которые вместе с молодыми танцорами театра очень свежо и пластично создали на сцене красивые хореографические картины. Нельзя не отметить и удачную работу со светом, который очень эффектно разделял сценическое пространство, погружая его в эффектный полумрак и, конечно, весьма красивая электронная музыка, преимущественно в стиле «эмбиент», тем более связывала этот балет c современностью. Причем часть из этой музыки, как оказалось, создана композиторами из Якутии. После премьеры Екатерина Тайшина подробно рассказала в интервью «Якутия.Инфо» о своей новой работе.

Год назад я поставила «Геометрию движения» для выпускников хореографического колледжа. Но могу сказать, что это был совершенно другой балет и другие исполнители. Нынешнюю постановку мы сделали буквально за две с половиной недели и еще меня попросили сделать именно современную хореографию. Последнее объясняется тем, что в репертуаре театра очень много классических спектаклей. Только балетов Юрия Григоровича у нас целых три. А меня, когда я еще сама танцевала, всегда привлекало что-то новое и всегда хотелось чего-то современного. И могу сказать, что многие из хореографов моего поколения переходят к современному танцу. Но в то же время у меня это не «контемпорари» - то, чем увлекается большая часть современных хореографов.( В прошлом году на сцене ГТОиБ молодой хореограф Дмитрий Антипин поставил три одноактных балета как раз в этом направлении современного танца - прим. авт.). У меня это все же неоклассика, где в основе лежит именно классический балет. И это, мне кажется, видно на сцене.

Я не отхожу от классики, а просто добавляю каких-то ярких красок к танцу, смотрю с немного другого ракурса на классику, интерпретирую ее. Люди привыкли смотреть у нас в театре все же классику. А этот балет - он и по сюжету, и по постановке современный. Чочу сказать, что и артистам очень понравилось танцевать в этой постановке.

Постановка состоит из нескольких довольно коротких этюдов, которые, местами кажется, что не связаны друг с другом. Какая основная идея «Геометрии»?

Изначально постановка была фактически бессюжетной. А на этот раз мне захотелось как-то больше выразить себя, сказать что-то своей работой. И моя «Геометрия» - сейчас это геометрия движения нашего современного общества. Но в вместе с тем у меня нет конкретной истории, нет либретто – это какие-то легкие мазки, эскизы, образы современного общества. Это тот же виртуальный мир, где все погружены в свои гаджеты и этот мир оттесняет реальность. Это взаимоотношения современных мужчины и женщины.

А как вы выразили эту современность?

Прежде всего - это свобода. Немножко другой характер подачи, и я думаю, что это было видно на сцене. Что касается женщин, то они сейчас уже не поклоняются мужчинам, не бегают за ними, они сами являются хозяйками судьбы. А мужчины, они сейчас такие свободолюбивые, самовлюбленные (смеется). И вот эти моменты мне как раз хотелось показать. И, например, еще в балете есть образы города, где человек становится частью безликой толпы.

И вместе с тем, я хотела показать еще, что человек тянется к известности, влиятельности к материальным благам, забывая о том, что счастье может быть тихим, спокойным и лежать в плоскости семьи и любви. И можно просто быть в гармонии с собой, природой и виртуальный мир не так уж и нужен человеку.

Как подошли к подбору музыки?

В прошлом году над музыкой мы работали с Алишером Салединовым и Владиславом Петровым. Но сейчас Алишер в связи с загруженностью не смог участвовать. И поэтому я находила музыку сама в интернете и тем самым дополнила постановку.

Будете развивать «Геометрию» или это уже окончательный вариант?

Конечно, хотелось бы сделать еще что-то другое. Но вместе с тем не могу сказать, что и этот вариант конечный. Быть может, разовьем этот балет до двухактного и я сделаю это с большим удовольствием. Ведь «Геометрия» состоит из нескольких небольших этюдов и совсем не обязательно все превращать в одну историю. И зрителю даже проще для восприятия именно в такой форме – насладиться и не думать после каждой из частей, о чем это.

А кого бы из современных хореографов вы бы выделили сами? Во всяком случае, из тех, кто вас вдохновляет для создания собственных постановок.

Мне всегда нравились работы чешского хореографа Иржи Килиана, американцев Уильяма Форсайта и Джорджа Баланчина. Но все это мэтры. А из современников я кого то выделить не решусь. Все то, что меня вдохновляет, находится где-то там, в прошлом. Ведь нужно всегда быть самим собой и в хореографии несомненно тоже.

==========================================================

Все фото - по ссылке
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Елена С.
Модератор
Модератор


Зарегистрирован: 12.05.2003
Сообщения: 18947
Откуда: Москва

СообщениеДобавлено: Пт Июн 01, 2018 4:30 pm    Заголовок сообщения: Ответить с цитатой

Номер ссылки| 2018053201
Тема| Балет, Нижегородский театр оперы и балета, Юбилейный концерт, Персоналии,
Автор| Анна Бугрова
Заголовок| 200-летие со дня рождения Мариуса Петипа отметили в нижегородском оперном театре
Где опубликовано| © МК в Нижнем Новгороде
Дата публикации| 2018-05-31
Ссылка| http://nn.mk.ru/culture/2018/05/31/200letie-so-dnya-rozhdeniya-mariusa-petipa-otmetili-v-nizhegorodskom-opernom-teatre.html
Аннотация| Юбилейный концерт


Если спросить у иностранцев про их ассоциации с Россией, то те, кто покультурнее, третьим или четвертым пунктом обязательно назовут русский балет (после матрешек, борща и Анны Карениной). Русский человек в связи с балетом вспомнит звезд Анну Павлову с ее умирающим лебедем, Галину Уланову – Жизель, Кармен Майи Плисецкой. Ну, может, по некотором размышлении – Дягилевские сезоны. А ведь было еще и французское имя в русском балете – Мариус Петипа.


"Привал кавалерии" Фото: Ирина Гладунко

Сегодня между именем Петипа и мировым классическим балетным наследием, можно сказать, стоит знак равенства. Он считается если не автором, то редактором всех сохранившихся до наших дней популярных балетов XIX века, за исключением датской «Сильфиды» Бурнонвиля.

Петипа создал больше 60 оригинальных спектаклей, 20 редакций существующих на тот момент и танцы в десятках опер, но самое главное – современную систему классического балета. Сам он не был ни гениальным танцовщиком, ни постановщиком-авангардистом, не привнес в балет практически ничего принципиально нового. Его даже упрекали в заимствованиях у Жюля Перро и Артюра Сен-Леона. Петипа и не скрывал, что ходил на уроки к Христиану Иогансону, чтобы поживиться оригинальными хореографическими фразами. Но он проделал колоссальную работу: за те 40 лет, которые он возглавлял балет петербургских императорских театров, обобщил и синтезировал весь опыт, накопленный мировым балетом за 200 лет его профессионального существования.

Больше ста лет на всех сценах мира идут спектакли, создатели которых ссылаются на хореографию Петипа, но хранящиеся в библиотеке Гарвардского университета записи его спектаклей свидетельствуют о том, что даже эталонные петербургские редакции были изменены местами до неузнаваемости. Эти записи пролежали в Гарварде до начала XXI века практически без внимания практиков и теоретиков, но теперь все изменилось. Реконструировать хореографию Петипа стало модно. Например, к 200-летию со дня рождения мастера Мариинский театр поставил реконструкцию классического спектакля «Спящая красавица». К ней, по легенде, хореограф диктовал Чайковскому, какую музыку к какому танцу ему надо написать.

В Нижнем Новгороде тоже не обошли вниманием юбилей великого мастера, в нашем городе он еще замечательным образом совпал с 25-летним юбилеем хореографического отделения Нижегородского театрального училища имени Евстигнеева. Двойной праздник отметили роскошным хореографическим концертом в двух отделениях, где первое отделение полностью было отдано под реконструкцию балета-шутки Мариуса Ивановича на музыку И. Армсгеймера «Привал кавалерии».

Балет был создан в 1896 году к бенефису дочери Марии Петипа, недаром имя главной героини тоже Мария. «Веселая бытовая картинка», как писала тогдашняя пресса, характерный танец и классика.


"Корсар"

Солисты театра оперы и балета имени А. С. Пушкина продемонстрировали здесь себя во всем блеске. Глядя на прыжки и фуэте Артема Зрелова, в моей голове кроме восхищения помещался только один вопрос: как? Было ощущение, что танцовщик знает какой-то секрет преодоления гравитации. Хореография Мариуса Ивановича была восстановлена Петром Гусевым в 1975 году, а постановка балета была сделана специально для этого юбилейного вечера балетмейстером-постановщиком и идейным вдохновителем проекта Татьяной Толстухиной.

«Хореография концерта состоит полностью из хореографии Мариуса Петипа, восстановленной, реконструированной по крупицам, по рисункам. Кое-что идет в других театрах, но практически вся программа представлена на нашей сцене впервые. Самый старый реконструированный танец – это пляска шута. Она с Дягилевских сезонов исполняется вообще впервые», – рассказала Татьяна Толстухина во время генеральной репетиции концерта.

В этом коротком номере квинтэссенция хореографии Петипа – виртуозность, образность и любовь к русскому танцу. Танец был восстановлен Татьяной Толстухиной по мутной черно-белой затертой записи с тех самых Дягилевских сезонов. К сожалению, танец шута – единственное, что сохранилось от балета «Млада» на музыку Л. Минкуса. Но записи Петипа свидетельствуют, что он пытался создать истинно славянский балет, изучив для этого славянскую мифологию и верования древних славян. С его абсолютной лингвистической несостоятельностью (Мариус Иванович так и не осилил изучение русского языка, до самой смерти предпочитая говорить и писать по-французски) это было явно нелегко.

Пляска шута из балета «Млада» исполнялась во втором отделении, дивертисменте, состоявшем из нескольких разноплановых номеров. Тут был и танец саботьер из балета П. Гертель «Тщетная предосторожность», и фрагмент балета Р. Дриго «Пробуждение Флоры», впервые представленный Петипа в 1894 году в Петергофе на бракосочетании великого князя Александра Михайловича и великой княжны Ксении Александровны, и менуэт из оперы Моцарта «Дон Жуан», но лично для меня было открытием, что 15 минутное pas de deux может полностью оттанцеваться под непрекращающиеся аплодисменты. Это я сейчас о pas de deux из балета Ц. Пуни «Корсар».

Кроме солистов балета нашего театра в концерте, посвященном двойному юбилею, приняли участие студенты хореографического отделения. «Даже вот эти совсем маленькие тоже ваши студенты?» – не могла поверить я. «Конечно, они приходят к нам после третьего класса, в 10 лет», – улыбается мне педагог-репетитор заслуженный артист РФ Сергей Куракин. Он в гриме, с бородой и бакенбардами – не отличить от портрета, украшающего сцену. Мариус Петипа собственной персоной, живее всех живых: «25 лет нашему хореографическому училищу, хотелось показать всех».


"Пробуждение флоры"

Крошки 10–12 лет от роду заняты практически во всех номерах второго отделения. Танцуют наравне со взрослыми, состоявшимися артистами балета, так же технично и серьезно. Они совсем как настоящие, только ростом пока по пояс взрослым. «Дети растут на классике, на хореографии Петипа. Здесь детишки совсем маленькие, которые впервые в жизни вышли на академическую сцену, это очень ответственный момент для них, – Татьяна Толстухина заметно переживает за своих подопечных и вообще выглядит очень взволнованной и уставшей, но вместе с этим не устает повторять, что счастлива: – У меня не было более счастливой работы, потому что я работаю с прекрасными артистами, которые тоже с огромным удовольствием работали над этой программой. Среди них множество моих выпускников, выпускников нашего отделения, уже давно работающих, артистов нашего театра. И конечно, прекрасный материал».

И концерт получился тоже прекрасный. Его создатели надеются, что он останется в репертуаре театра, и я тоже подержу за них пальцы скрещенными, потому что будет очень жаль, если результат такой колоссальной работы, творческого вдохновения и созидания, показанный один раз, будет забыт и заброшен.
Вернуться к началу
Посмотреть профиль Отправить личное сообщение
Показать сообщения:   
Начать новую тему   Ответить на тему    Список форумов Балет и Опера -> У газетного киоска Часовой пояс: GMT + 3
На страницу Пред.  1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9, 10  След.
Страница 8 из 10

 
Перейти:  
Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах


Яндекс.Метрика